"Last Day of June" - L'ascesa dei videogiochi di narrazione nell'industria dell'entertainment

Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca

ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI NAPOLI Diploma Accademico di I livello Corso di Nuove Tecnologie dell’Arte Anno Accademico 2019-2020 Sessione Straordinaria

“Last Day of June” L’ascesa dei videogiochi di narrazione nell’industria dell’entertainment Relatore Prof. Venceslao Cembalo

Candidato Angelo Cicchiello Matricola 41907

INDICE

INTRODUZIONE ................................................................................................... 1 1.

LA STORIA DIETRO ALL’OPERA .............................................................. 2 1.1.

QUANDO LA PAROLA NON SI ASCOLTA ........................................ 2

1.2.

L’ASCESA DI JESS COPE E LA COLLABORAZIONE CON

STEVEN WILSON.............................................................................................. 5 1.3.

IL TEAM OVOSONICO E LA PERENNE ISPIRAZIONE A TIM

BURTON ............................................................................................................. 8 2.

3.

4.

LE MECCANICHE DI GIOCO ..................................................................... 12 2.1.

LA TECNICA AL SERVIZIO DELLA NARRAZIONE ...................... 13

2.2.

UN MECCANISMO DI RIPETIZIONE CONTINUO E “LENTO” ..... 15

2.3.

AFFRONTARE IL CONCETTO DI MORTE TRAMITE L’AMORE . 17

2.4.

LA TECNICA DELLO STOP-MOTION ............................................... 19

L’ESPERIENZA IN-GAME .......................................................................... 21 3.1.

INTRODUZIONE AL MONDO E AI PERSONAGGI DI GIOCO ...... 22

3.2.

I TASSELLI DEL PUZZLE ................................................................... 26

3.3.

WHAT IF? .............................................................................................. 32

VIDEOGIOCHI PIONERI ARTISTICI ......................................................... 39 4.1.

L’ALBA DEI VIDEOGIOCHI DI NARRAZIONE ............................... 42

4.2.

LO STILE CARTOON ED EPISODICO DI TELLTALE GAMES E

DONTNOD ENTERTAINMENT ..................................................................... 45 5.

CONCLUSIONI ............................................................................................. 51

RINGRAZIAMENTI ............................................................................................. 55 SITOGRAFIA ........................................................................................................ 59

BIBLIOGRAFIA ................................................................................................... 61 INDICE DELLE FIGURE ..................................................................................... 62

INTRODUZIONE

Parlare di un videogioco è una scelta che va affrontata con un certo rigore.

Sebbene ci si interfaccia con l’arte, infatti, questa particolare forma d’intrattenimento videoludico soffre ancora di stereotipi e vecchie congetture che non consentono, o talvolta allontanano ancor prima, l’immissione a potenziali fruitori.

“Last Day of June” si fa carico, ben consapevole della situazione, di questa enorme responsabilità e lo dimostra in ogni sua sfaccettatura, fin dalle sue fasi embrionali. Doveroso citare il suo creator Massimo Guarini il quale sceglie di narrare una “storia di una perdita che traduce quella di un amore” il tutto condito in un’avventura grafica totalmente italiana, realizzata dal team Ovosonico e pubblicata da 505 Games, vincendo premi come “miglior gioco presentato all’E3 2017”, “Scelto dagli editor – 2017" e con svariate nomination come “Miglior gioco Indie del 2017”.

Nel corso di questa tesi ci si affaccerà al background storico che ha portato alla creazione del videogioco, le sue meccaniche, la mia esperienza effettiva di gioco e come, in generale, questo preciso target videoludico si sia reso un esponente principale, un caposaldo, di un nuovo modo di vedere e fronteggiarsi al mondo ludico. Successivamente, allargando gli orizzonti su tutto il genere narrativovideoludico, ripercorreremo l’iniziazione del genere, le tecniche che si sono affermate ed evolute nel corso del tempo fino ad arrivare ad oggi, dove, un genere come questo ha un’importanza di grande rilievo.

1

1. LA STORIA DIETRO ALL’OPERA

Come reagiresti se ti venisse offerta la possibilità di cambiare un evento passato?

Cosa faresti se potessi modificare una tua scelta, o quella di qualcun altro, per creare un nuovo futuro?

Nel porsi queste domande, viene fuori l’idea portante di tutta l’opera.

Ma in realtà, proprio come in un flusso unico e continuo, quest’idea (pur senza lo stesso fine) viaggiava già in altre menti, quelle di un illustratore, quelle di un musicista, quelle di un character designer. Questa è la forza dell’arte, il saper convogliare forze che nemmeno si pensava avere, al fine di creare una nuova esperienza, carica di emozioni e pronta ad affrontare e confrontarsi con il fruitore attraverso tematiche estremamente delicate.

1.1. QUANDO LA PAROLA NON SI ASCOLTA “Last Day of June” decide di accompagnare i videogiocatori in un viaggio nel viaggio, ove abbiamo una giovane coppia, Carl e June, a cui il destino non riserva un lieto fine. Un incidente stradale, infatti, farà da apripista alla storia narrata, che porterà alla morte di June e all’immobilità di Carl. Ma prima di questo tragico evento, l’opera ci delizia subito con un disegno peculiare, a tratti grottesco e decisamente suggestivo, accompagnato da una meravigliosa colonna sonora che viene dalla creativa mente di Steven Wilson1, da cui, tra l’altro deriva anche il

Cantautore e musicista inglese. Fondatore del gruppo musicale rock progressivo “Porcupine Tree”.

1

2

character design realizzato da Jess Cope2 che è forse il particolare più forte che il gioco ci pone dinanzi.

Poniamo subito un esempio lampante:

Figura 1 – “Drive Home” Steven Wilson3

Figura 2 – “Last Day of June” immagine in-game

2 3

Sceneggiatrice del film d’animazione Disney “Frankenweenie” di Tim Burton.

Ascolta “Drive Home” su YouTube, link in sitografia.

3

Steven Wilson, infatti, oltre che “colpevole” di aver fatto innescare in Guarini4 l’idea del videogame (e che a sua volta è scaturita dal lavoro di un artwork di Hajo Müller), entra a far parte del team creativo riadattando questo suo brano diventando la colonna sonora di “Last Day of June”. E così come in quest’ultimo, anche in “Drive Home” si avverte il non-peso della mancanza delle parole, che, d’altro canto, in Wilson sono presenti come ripiego di tutte le cose, come se fossero un’estensione ineluttabile di ogni oggetto, ogni persona, del tutto.

In effetti esse, nel brano, sono un riecheggio molto più costante, una nota dolente nel cuore di chi, in un attimo, perde l’amore della sua vita, deve rinunciare alla libertà di movimento e subisce pertanto un evento così traumatico da far sì che la mente, autonomamente, rimuova tutto ciò, per non esserne sopraffatta.

“Drive Home” però, cosa significherebbe a questo punto? Tornare a casa significa ricordare un simile evento? Aggrapparsi a ciò che resta di chi si ha amato?

Cercare una “risoluzione” in mezzo a quel dolore? Le parole, appunto, non servono né serviranno a raccontare ciò che, in maniera struggente, riesce a fare “Last Day of June” o l’assolo di Guthrie Govan5 nel brano musicale.

Steven Wilson, a supporto di Massimo Guarini, spiega nel “Making of Last Day of June” (intervista fatta a loro due al momento dell’uscita del videogame) spiega come, quest’ultimo e così come qualsiasi altro videogioco che tenta di affrontare tematiche e di esplorare emozioni così forti, possano, anzi debbano, essere considerate vera e propria arte. Una vittoria su due fronti, osservando dal punto di vista del game director.

4

Autore di videogiochi, scrittore e regista italiano. Di recente è stato candidato ai BAFTA Game Awards.

5 Chitarrista inglese. Collabora con Wilson dal 2013 ma già dal 2011 è fondatore e membro attivo del gruppo rock fusion “The Aristocrats”.

4

1.2. L’ASCESA DI JESS COPE E LA COLLABORAZIONE CON STEVEN WILSON Jess Cope è, prima che un’animatrice, indubbia fonte d’ispirazione per chiunque voglia intraprendere una carriera e parta da zero. Il suo background, che racconta in un’intervista proprio con Wilson6, è molto semplice e comunissima ai più; nata e cresciuta in Sud Africa, quando ancora era una bambina – 11 anni per la precisione – e ancora non sapeva cosa fare in futuro, vide, grazie a suo padre, il film d’animazione di Henry Selick “Nightmare before Christmas” del 1993.

Appena lo vide, decise che quello sarebbe stato ciò che avrebbe fatto da grande, anche se non sapeva bene cosa fosse, ancora. Era certa, però, di voler lavorare un giorno con Tim Burton.

“I can do animation because nobody has to look at me, or know who I am, and I can hide behind a camera and make other things move.”

“Posso fare animazione perché nessuno deve guardarmi, o sapere chi io sia ed io posso nascondermi dietro una camera e far sì che altre cose si muovano.”

Il sogno presto diventò realtà. Dopo aver frequentato un corso specializzato in stop-motion, per la sua laurea portò il suo primo lavoro che ottenne il massimo dei voti di quell’anno. Insieme alla madre, conscia di quanto sia arduo entrare in settori simili, mandò il suo CV a Channel 4, un’emittente britannica, che cercava un animatore per un cortometraggio. Insieme ad un amico conosciuto al corso, realizzò “The Astronemer’s Sun” che la portò, poco dopo, a lavorare per Mackinnon & Saunders, un’azienda produttrice di Puppet Animation, di cui parleremo meglio nel paragrafo 2.4 dedicato esclusivamente alla tecnica dello stop-motion e le sue diramazioni. Proprio quest’azienda, tra l’altro, realizzò i pupazzi del film di Tim Burton “Corpse Bride” e anche quelli del film di Wes

6

Intervista integrale di Jess Cope con Wilson. Link in sitografia.

5

Anderson “Fantastic Mr. Fox”. Dopo quest’assunzione ottenne la proposta di lavorare con il suo beniamino Burton sul film “Frankenweenie”. Con molta pressione, data la scarsa esperienza lavorativa, andò lì ansiosa ma in due giorni lavorativi ottenne il lavoro, che durò circa otto mesi. Potremmo non meravigliarci della scelta di Burton di affidarsi ad una quasi neo-laureata, in quanto, proprio sul libro “Burton on Burton” egli stesso racconta: “[...] Subito dopo ho cominciato a lavorare su altre cose come il soggetto di Nightmare Before Christmas. Non è che, quando lavoro a qualcosa, io pensi: adesso mi metto a lavorare a questo progetto. È più una questione di disegni, di embrioni di idee. Faccio una serie di bozzetti e le cose vengono fuori progressivamente. Mi capita di pensare "Questo personaggio è interessante" e di scoprire solo dopo cosa possa voler dire o quale psicologia ci stia dietro. In quel periodo le cose mi venivano fuori in maniera piuttosto naturale. Non è che pensassi "Ora faccio questo, poi mi metto a lavorare su quello". Era come se venissero fuori da uno strano processo organico. Nulla di preordinato. […]”.7

Proprio questo stesso istinto, del “nulla di preordinato” è ciò che spinge a Cope a lavorare in quel modo. Probabilmente il motivo per cui è stata scelta in meno di 48 ore.

Con Steven Wilson, la sintonia è stata rapida, conveniente e produttiva fin dalle prime frasi. Cope si adeguò immediatamente al lavoro grafico di Hajo Müller8 e riuscì dunque, senza snaturare il lavoro pregresso di Wilson e team ad inserire le sue qualità che, frutto anche del lavoro antecedente con Burton, noteremo prepotentemente anche in Last Day of June. Il primo lavoro insieme a Wilson fu per il videoclip “The Raven That Refused To Sing” che, chi ha giocato al

7

Traduzione ufficiale (pp. 63). Vedi bibliografia.

Illustratrice, fotografa e designer. Lavora a stresso contatto con Wilson. Vince oltre 40 premi tra il 2010 e il 2014.

8

6

videogame, sa bene essere parte della colonna sonora portante, come molti altri brani di Wilson. La bravura di Cope viene fuori brillantemente anche da questi video che, nuovamente, non hanno parola, se non quella del cantante, ma che sanno esprimere qualcosa che, altresì, le parole non potrebbero offrire. In questo videoclip, possiamo esplorare la forza narrativa di questo team che ci parla di un uomo che attende la morte. Un uomo che ripensa alla sua infanzia con una sorella con la quale era estremamente legato. Lei, però, morì prematuramente, e quest’uomo si convinse che il corvo, che troverà nel suo giardino, sembra quasi cantasse e, lui, pensò fosse un simbolo, un segno del fatto che la sorella fosse lì con lui, in questa forma. La motivazione è alla base del loro rapporto, per l’uomo la sorella era una fonte di calma, di sicurezza, una sorella che mai avrebbe smesso di cantare per lui nei momenti d’ansia. Dunque, nel videoclip, l’uomo si convince che se riuscisse a far cantare il corvo, la sorella sarebbe resuscitata, per portarlo con sé verso una “nuova vita”. Il tutto si chiuderà, però, con la realtà dei fatti; l’uomo ha semplicemente lasciato andare il corvo e si allontana dalla casa, mentre il brano suona le sue ultime note.

Figura 3 - "The Raven Who Refused to Sing" di Steven Wilson9

9

Ascolta “The Raven Who Refused To Sing su YouTube. Link in sitografia.

7

L’impatto devastante che è in grado di offrire la musica di Wilson e i lavori di Huge, Cope e di tutto il suo team sono tutto materiale che darà vita a Last Day of June dove, tra l’altro, come tema principale non faremo altro che discutere al riguardo di affrontare la morte tramite l’amore, più approfonditamente, nel paragrafo 2.3.

1.3. IL TEAM OVOSONICO E LA PERENNE ISPIRAZIONE A TIM BURTON Il team Ovosonico, sin dalla sua nascita, ha pubblicato due videogame; uno, il secondo, è il soggetto principale della tesi, mentre l’altro, pubblicato nel 2014 per PlayStation Vita (e anche per questo più di nicchia visto il non successo della console), Murasaki Baby10.

Figura 4 - Murasaki Baby, il primo gioco firmato Ovosonico

10

Piccola curiosità: durante lo sviluppo gli Ovosonico hanno dichiaro che movimenti e disegni dei personaggi, lo sfondo e gli oggetti sono stati realizzati a mano e dunque si sono affidati in una minima parte alla computer grafica per il restante.

8

Nel 2012 Ovosonico nasce dal rientro di Guarini dal Giappone11, dopo aver diretto due giochi, uno per Ubisoft – Naruto: Rise of a Ninja ed uno per Grasshopper Manufacture – Shadows of the Damned – e si mette subito al lavoro riunendosi con l’amico e collega Gianni Ricciardi e fondando l’azienda sul Lago del Varese. Grazie alle sue conoscenze nipponiche, Guarini ottiene con Ricciardi un contratto con Sony Computer Entertainment Europe (da qui il velato annuncio dell’esclusività di essere un prodotto solo per PlayStation) per sviluppare una nuova proprietà intellettuale, che appunto diverrà Murasaki Baby.

Il videogame si presenta come un rompicapo psicologico realizzato in 2D, la cui direzione artistica dimostra una certa continuità con quel che poi sarà Last Day of June. Infatti, fin da subito, è accostabile lo sfondo del gioco (che è interamente giocabile in quella che è una dimensione onirica) allo stile dello scrittore Edward Gorey12, ben noto per le sue illustrazioni in stile macabro. Ha scritto oltre cento libri, ma, fra tutti è doveroso segnalare “The Gashlycrumb Tinies” che è un abbecedario scritto in rima baciata dove si narra di ventisei bambini (ognuno per ogni lettera dell’alfabeto) e delle loro morti premature, accompagnate dalle tipiche e caratteristiche illustrazioni dell’autore, in bianco e nero. L’umorismo applicato nelle sue raccolte, infatti, sta nel raccontare i modi bizzarri in cui questi bambini muoiono prematuramente; in pratica qualcosa di simile a quello che nel contemporaneo definiamo black humor. L’accoglienza fu anche discreta e vista come una vera e propria ribellione sarcastica all’idilliaca ed istruttiva infanzia che, non sempre, corrisponde alla realtà. Sulla falsa riga di questo, anche Murasaki Baby parla di morte e di desideri, sicché il gioco, come precedentemente accennato, si svolge interamente nella testa di Baby, una bambina con il volto sottosopra rimasta intrappolata nei meandri più oscuri della sua mente, con l’obbiettivo unico di ritrovare la sua mamma. Proprio come nel racconto di Gorey, nel corso dei quattro livelli del gioco, troveremo diversi bambini, tra cui ne

11

Una seconda curiosità: Guarini torna in Italia per spavento in seguito al terribile terremoto del Tōhoku che nel 2011, e ancora oggi, ha registrato il sisma di magnitudo più alto del Giappone, 8,9-9,0 secondo l’USGS e il quarto più forte a livello mondiale.

12 Nel 1996 Steve Heller farà un resoconto delle sue opere in un libro e ricordato ad aprile 2020 in un’intervista al New York Times da Tina Kelley. Link in sitografia.

9

ricordiamo tre la cui morte o “semplice” follia è decisamente enfatizzata come Bunny Boy, un bambino che è stato mangiato da un coniglio appassionato di televisione, Tentacle Boy un bambino sociopatico che indossa come mascherina dei tentacoli e vive in un suo personale mondo immaginario e Perm Girl, una ragazzina con dei capelli ricci che la intrappoleranno. Tutti questi bambini e molti altri saranno aiutati da Baby e noi videogiocatori, uno ad uno, nella necessità di proseguire nei livelli e riuscire nell’intento di portare a termine questo viaggio.

Il giocatore arriverà ad un’ultima dimensione onirica, sempre accompagnando Baby, dove l’obbiettivo sarà quello di trovare la porta per rientrare nella sua stanzetta ma verrà sorpresa da bizzarre creature, simili a lei; alla fine una porta nell’oscurità si aprirà, ma Baby si fermerà e resterà a fissare il giocatore, che fino a quel punto l’ha accompagnata, sorridendo. Nelle seguenti due figure, ma anche nella Figura 4 - Murasaki Baby, il primo gioco firmato Ovosonico è facile notare che, nella già citata direzione artistica, oltre che Gorey, come fonte d’ispirazione e messa in atto, ritroviamo anche le tipiche inquadrature cinematografiche di Burton, e, per chi è più esperto, avrà notato un’affinità di questo macabro e di questo cupo, con le opere del surrealista Salvator Dalì.

Figura 5 - Murasaki Baby, il macabro delle scene di gioco

10

Figura 6 - Elementi surreali all'interno del gioco Murasaki Baby

Successivamente al 2017 ed il rilascio di Last Day of June, da cui ne verrà fuori un bel successo, Ovosonico dichiarerà di essere al lavoro di una nuova IP13, ad oggi però non sappiamo altro. Di certo è che, non troveremo più il nome Ovosonico ad accompagnare l’avvio delle prossime avventure, in quanto, quest’ultimo è stato acquisto al 100% da Digital Bros S.p.A. cambiando il nome dell’azienda in AvantGarden S.r.l. ad aprile del 2020.

Guarini manterrà comunque la proprietà del marchio Ovosonico, ma, si distaccherà dallo studio AvantGarden per avviare la sua concept house, nominata Guarini Design.

13

A confermarlo fu il team Ovosonico stesso, con un post sulla pagina ufficiale su Facebook in data 3 luglio 2018.

11

2. LE MECCANICHE DI GIOCO

Last Day of June la sua vera forma, come qualsiasi altro videogame, la deve alla struttura del gameplay, ossia le meccaniche di gioco. Molto spesso con i videogiochi si tende ad interpretare le parti di qualcuno o qualcosa che va ben oltre le normali capacità umane, creando una sorta di barriera che ben ti fa notare come tutto ciò sia distaccato dalla realtà. Piccole realtà come Ovosonico, di fatti, puntano a qualcosa di diverso, di impatto emotivo. Certo, va considerato che sia anche normale, dato un limitato budget e un limitato numero di programmatori al lavoro, ma ciò nonostante la sensibilità che si incarna in un’opera è totalmente percepibile anche ai sensi di chi non vi è propriamente integrato nel mondo videoludico. Lo stesso Guarini nell’intervista con “SmartWorld” cita che: «Quest’opera sia stata fruita anche da persone che avevano la PS4 accantonata nel soffitto e rispolverata per giocare a questo titolo.»

Il team Ovosonico decide dunque di affibbiare a Last Day of June un gameplay rompicapo ad avventura grafica, riecheggiando da subito a titoli ove gli eventi che susseguono sono plasmati da ciò che il giocatore decide di fare (Life Is Strange, The Walking Dead, ad esempio) che però ti mettono in una condizione paradossalmente di “passività” quando ci sono molte cutscene di mezzo, e d’altro canto alla proposta del rompicapo perenne che, forzatamente, ti vuole far rivivere, più e più volte, certe dinamiche della storia. Un vero e proprio escamotage tecnico che altro non è che uno strumento per potenziare l’enfasi che già di per sé emana il gioco e il contesto in cui ci immergiamo immediatamente.

12

2.1. LA TECNICA AL SERVIZIO DELLA NARRAZIONE Uno degli aspetti migliori del gioco è stato proprio quello di decidere di non rendere la narrazione adattabile al gameplay, ma, di fatti, tutto il contrario.

Per tutto il gioco, la cui durata può variare dalle appena due ore alle quattro abbondanti – stima che ho preso dalla mia esperienza personale con il gioco e quella di un paio di amici, ma anche in base alle esperienze di svariati gameplayers che hanno registrato le loro ore di gioco pubblicandole online, rientrando nel conteggio - si dovrà infatti ripercorrere un determinato lasso di tempo della giornata che porterà, alla fine, al momento dell’incidente.

I personaggi presenti all’interno del gioco sono soltanto sei, tutti giocabili e tutti che, in un modo o nell’altro, inconsapevolmente, porteranno al tragico evento.

Figura 7 - I personaggi del videogame

Un bimbo e il suo pallone, un anziano, un ostinato cacciatore, una donna in procinto di fare le valigie e andare chissà dove. Persino il cane gioca il suo ruolo in questa cerchia.

13

Tornando dunque alla domanda primordiale “cosa faresti se ti venisse offerta la possibilità di cambiare un evento passato?” la risposta che probabilmente qualsiasi essere umano darebbe è sì, a primo impatto. A Carl, indiscutibile protagonista di questa malinconica narrazione, viene offerta questa possibilità in una maniera assai peculiare quanto sublime; dei ritratti della sua amata June, infatti, al tocco, faranno sì che Carl viaggi attraverso lo spazio e il tempo, finendo a poche ore prima che l’incidente capiti, consapevole che ha una concreta possibilità di cambiare le cose. Il rompicapo che accompagnerà i giocatori in ognuno di questi ritratti prevedrà di dover capire come e in che modo modificare un piccolo o grande dettaglio riguardo il personaggio del ritratto in questione, visionando, ad azione conclusa, tutti gli eventi che poi porteranno al momento cardine della narrazione, che è anche il punto in cui, l’effetto farfalla, termina e allo stesso tempo inizia. Principio e fine coincidono.

Figura 8 - Uno dei ritratti per viaggiare nello spazio-tempo

14

2.2. UN MECCANISMO DI RIPETIZIONE CONTINUO E “LENTO” Agli occhi ed orecchie di un videogiocatore ordinario, un simile meccanismo andrebbe subito a scaturire in un processo di noia che porterebbe poi a rinunciare nel portare a termine l’opera, ma in “Last Day of June” questo processo è delineato dalla più triste quanto coraggiosa scelta di far rivivere, in continuazione, gli stessi eventi, o le modifiche agli stessi, imponendone la visione. Così come per Carl, anche il videogiocatore è sottoposto alla stessa forzatura, è chiamato a sentirne l’esigenza nel vedere se, finalmente, si è riusciti a modificare o meno l’orrore che dì lì a poco avverrà alla sfortunatissima coppia.

Ci saranno dunque delle sequenze, sublimi a dir poco, che questa costrizione non peserà affatto, in quanto, c’è da restare incantati nel vedere i gesti, quei piccoli ma teneri e fondamentali dettagli conditi da un’atmosfera che di surreale non ha nulla se non quella saturazione leggermente accentuata da Jess Cope, nel mentre che i due decidano di ripartire, non sapendo che, sarà l’ultimo, in un certo senso, per entrambi, il tutto accompagnato dal tocco delicato di Wilson. Da qui il coraggio sopracitato, quello di togliere il “libero arbitrio” al videogiocatore, che ci porta a subire si passivamente l’effetto farfalla, ma allo stesso risulta il miglior modo di consolidare l’immedesimazione con il protagonista.

15

Figura 9 - Immagine in-game di una delle prime scene giocabili

Quest’ultimo, come precedentemente accennato, si ritrova ad essere limitato nei movimenti e dunque lo diventa il giocatore stesso che, posto il caso di una ancora non forte connessione empatica con il mondo di gioco, mette in condizioni al primo di dover interagire quanto meno con ciò che gli è intorno, con l’ambientazione e le sue barriere architettoniche che impongono al giocatore un percorso non-lineare delimitato dove vi è comunque una parvenza di “openworld” che in realtà serve a far sì che al videogiocatore sia consentito avere una progressione nella raccolta dei ricordi per sbloccare dunque i nuovi quadri (quelli di tutti i membri del villaggio che contribuiscono a modo loro a portare all’evento fatale).

L’esplorazione imposta a raggiungere l’obbiettivo impone dunque ad uno sguardo riflessivo nei confronti di una narrazione che è come un quadro a cui manca un pezzo, che è il videogiocatore, e sta a lui capire come deve essere questo pezzo.

Non esiste una risposta giusta o sbagliata, sicché, per forza di cose, all’interno del concetto d’interazione ci si addentra nella personale sfera emotiva soggettiva. Ma è proprio ciò a cui Guarini punta e, indubbiamente, riesce.

16

2.3. AFFRONTARE IL CONCETTO DI MORTE TRAMITE L’AMORE Il gioco non nasconde fin dall’inizio le sue intenzioni circa il voler affrontare qualcosa di così grave e travagliato come un lutto.

Generalmente nel mondo videoludico si è abituati alla morte di un personaggio in modi molto più superficiali – ovviamente parlando di generi differenti – come accade banalmente in un FPS (first-person shooter), o un RPG (role-play game) o in open-world (ossia liberi di poter esplorare a piacimento l’intero mondo di gioco= come GTA, Watch Dogs o Just Cause dove le morti sono una componente fulcro del gioco, necessaria a proseguire in quelle storie e dove non si avverte il peso di nessuna o quasi, non avendone “giustamente” modo e motivo di caratterizzarne l’innumerevole mole di personaggi presenti e di NPC (nonplayable character, ossia personaggi che non hanno un vero ruolo nei giochi se non quello di darti qualche info o addirittura esclusivamente “fare numero” come il semplice essere un passante per strada, un commerciante o un atleta che fa jogging in una fantasiosa Los Angeles).

In Last Day of June nel post-incidente abbiamo la presenza di Carl che si risveglia sulla sua poltrona e al suo fianco, stavolta, invece di June ad accompagnarlo ci sarà la sedia a rotelle e i suoi singolari occhiali, poggiati poi su un volto che non presenta né occhi né naso né bocca, in quella che viene denominata espressione “super deformed” che sarà in comune con tutti i personaggi presenti nel gioco.

Una scelta stilistica che viene sì in parte dal pensiero estetico di Cope, ma che in Guarini si trasforma in un modo di far veicolare il potere di lanciare un messaggio attraverso un insieme di codici. L’illusione di poter scegliere affascina da sempre l’umanità intera e dal secolo scorso ne è oggetto di studi perenne del resto e, proprio negli ultimi dieci anni, i videogiochi stanno sperimentando – con grande apprezzamento da parte dei gamers – questa libertà di poter plasmare la storia in base alle scelte che si compiono. A volte si sceglie per davvero, altre volte no.

17

Paradossalmente è ciò che accade alle stesse meccaniche del gioco, che, partono con un primo approccio che si basa sui dettagli, sulle minuzie del voler mostrare l’amore di una coppia a dei – appunto – meccanismi più distaccati, freddi e che ci fanno avvicinare al classico “punta e clicca”. Ovviamente ciò non significa che si poteva automaticamente fare di meglio, ma probabilmente le esigenze di gioco devono sempre trovare un punto di collisione e di contrasto rispetto a quello che dovrebbe o quanto meno potrebbe essere se fosse tutto un’unica sequenza da cutscene. Affascinante però, il fatto che sia poi questo stesso meccanismo che di per sé è lontano dai sentimenti di cui il gioco si compone e di cui ne fa portavoce, a rendere ancora più appetibile la portata finale, quella dove non vi è scampo a qualcosa d’imprescindibile e lascia spazio solo a concetti come quello della malinconia, (che in realtà accompagna dall’inizio, ma appunto questo è il gioco del principio/fine) dell’accettazione e, se possibile, della pace che ne consegue.

Figura 10 - Immagine in-game

18

2.4. LA TECNICA DELLO STOP-MOTION Lo stop-motion (in italiano chiamato passo-uno) è una tecnica di animazione che usa, in alternativa al disegno eseguito a mano, oggetti inanimati mossi progressivamente, spostati e fotografati a ogni cambio di posizione. La proiezione in sequenza delle immagini dà l’illusione di movimento: esattamente come accade nel cinema con gli esseri umani.

Last Day of June, nella sua interezza, è una grande opera di stop-motion. Ma cosa comporta a livello lavorativo questa tecnica? Principalmente, un grande dispendio di energie, essendo una pratica molto laboriosa: per far sì che un oggetto inanimato si muova, infatti, è necessario scattare ben 24 fotografie per creare un secondo di video. In termini videoludici, quelle 24 foto sono note come fotogrammi che, insieme, danno vita ai personaggi e l’ambiente circostante.

Una peculiarità di quest’ultimo la si trova già nella nomenclatura, sicché, in base alla tipologia di oggetto utilizzato, cambia il nome adattandosi ad esso, come, ad esempio, i pupazzi di plastilina saranno “Claymation” (dove il suffisso mation viene da animation) e invece, i gli oggetti generici – come i mattoncini Lego prenderanno il nome di “Object Animation”. Inoltre abbiamo una tecnica di stopmotion che viene chiamata “cut-out” e prevede l’utilizzo di giornali e vestiti, ripresi dall’alto verso il basso. Un esempio pratico è pensare che la creazione della fortunata serie animata South Park è stata creata tramite questa tecnica. Ce ne sono altre di tipiche che sono le seguenti: •

Puppet Animation è l’animazione dei pupazzi che grazie alla struttura rigida interna di cui sono composti, è possibile far muovere solo le giunture per far assumere le posizioni desiderate;

•

Puppetoons: variante creata sulla base dei metodi impiegati da George Pal; questa tecnica impiega numerosi pupazzi identici fra loro, che si differenziano soltanto nella struttura interna, in modo da usare il pupazzo più adatto per l'azione del momento.

19

•

Model Animation è l’animazione di soggetti animati all’interno di un corto o di un film. Il primo film ad usarla fu di King Kong (1933) alla regia di Merian C. Cooper ed Ernest B. Schoedsack.

•

Go-motion: la differenza fondamentale con il passo-uno è che gli oggetti da animare vengono spostati durante il tempo di esposizione. Questi piccoli movimenti sono quasi sempre realizzati con l'aiuto del computer e di speciali modelli robotizzati in grado di riprodurre precisamente i movimenti programmati dagli animatori. Il risultato è che l'animazione così generata è estremamente realistica e riproduce fedelmente l'effetto mosso che si avrebbe con una ripresa dal vivo della stessa azione, specie nel caso di oggetti che si muovono a grande velocità.

•

Pixilation è l’animazione di attori reali che si lasciano fotografare durante l’interazione con gli oggetti e in ambienti fisicamente esistenti. Come nella Puppet Animation, anche qui si utilizzano le giunture dello scheletro per permettere il blocco dei movimenti.

•

Graphic animation: sfrutta materiale di grafica non disegnata, come ad esempio fotografie, oppure ritagli di giornali o rotocalchi; Questa tecnica di stop-motion si realizza movimentando la grafica in oggetto, oppure mantenendo ferma la grafica e muovendo la fotocamera. Difficilmente viene usata da sola, piuttosto in combinazione con altre.

Un’altra chicca interessante è che, proprio in Italia, nel 2005, venne realizzata una serie televisiva per ragazzi, ideata da Sergio e Francesco Manfio, intitolata “Eppur si muove” dove, proprio loro due, interagiranno, all’interno della serie, con dei personaggi cartoon: un camaleonte di nome Lea, i fenicotteri gemelli Lello & Lella, il merlo indiano Rossino. All’interno di questa serie, in un episodio14 (il nono della seconda stagione per la precisione) viene raccontato e spiegato l’utilizzo di questa tecnica, adattando chiaramente i dialoghi per un pubblico prevalentemente infantile.

14

L’episodio in questione è presente su YouTube. Link in sitografia.

20

3. L’ESPERIENZA IN-GAME

Per questo intero capitolo affronterò le tematiche offerte dal videogioco dal mio punto di vista personale in quanto videogiocatore.

Ho registrato interamente la partita per poter racimolare dei frammenti di video e immagini in-game che sono presenti in questo elaborato.

Una delle cose che ho più apprezzato prima ancora di avviare il videogioco è il suo price-target di riferimento. Su PlayStation Store15 e Steam16 (e quindi per PS4 e PC ove attualmente disponibile) è acquistabile ad un prezzo massimo di 20 € e spesso con offerte e sconti, specie su PC, è possibile acquistarlo a molto meno.

Perché apprezzo questa cosa è presto detto, in quanto un videogioco che si fa portavoce di tematiche così importanti ed emotivamente forti ha la possibilità di essere giocato da molte più persone del solito, facendo rientrare anche il gamer saltuario fra i suoi clienti.

15 16

Acquista per PS4 da questo indirizzo: https://bit.ly/lastday_ps4 Acquista per PC da questo indirizzo: https://bit.ly/steam_lastdayofjune

21

3.1. INTRODUZIONE AL MONDO E AI PERSONAGGI DI GIOCO

Figura 11 - Prima scena del gioco

L’impatto con il videogioco è diretto, semplice e coinciso. Abbiamo una prima scena, sul fiume ed una piattaforma su cui si poggiano i due protagonisti, Carl e June. L’ambientazione per quanto realistica è ben avvolta da una saturazione ed un contrasto tali da passare ad una visione iperrealistica del mondo stesso, il che è altamente voluto da Guarini stesso. Carl e June poi, senza occhi e senza bocca, sanno comunicare il loro amore con altrettanti semplici gesti. I versi che sentiamo, incomprensibili ma spesso intuibili di significato, ci accompagneranno per tutto il viaggio, con delle inquadrature di gioco che spesso si fanno carico di mettere in rilievo i gesti più piccoli presenti negli atteggiamenti dei personaggi, Carl su tutti.

22

Figura 12 - Carl dona un fiore a June

Una cosa che ho potuto apprezzare poi, che è una tendenza stilistica spesso presente anche in svariate serie TV attuali (a primo impatto nominerei “Chilling Adventures of Sabrina”) è che assieme ad un’immagine con un contrasto assai forte viene fuori un gioco di sfocatura perenne. Non è difficile notare, infatti, come solo parte della schermata sarà messa a fuoco, sia in parte come se volesse indicarti la via il videogioco, e altre volte, appunto, per una mera scelta visiva. In effetti, sempre nello stesso primo scenario di gioco, abbiamo una scena lampante come questa a sottolineare questa peculiarità:

23

Figura 13 - Effetto sfocatura del gioco

Anche il meteo entra poi a far parte della narrazione, e, come in molte opere anche oniriche, si ritrova a presagire sventure. In questo caso, ben preparati di ciò che sta per avvenire, con la musica (che non funge da sottofondo ma prende il sopravvento in modo tenebroso) riecheggiando il dualismo fra la scena del videoclip “Drive Home” con il prologo di Last Day of June.

Figura 14 - Fine prologo

Prima di arrivare alla scena dell’incidente però, in un sogno, abbiamo la possibilità di sbirciare nella casa e nella vita dei due innamorati.

June è un’artista, lo si può vedere immediatamente dagli innumerevoli quadri presenti sui due piani della casa. Questo, in effetti, oltre che mostrare qualche fermo immagine dei bei momenti che i due hanno vissuto ci mostra anche le fonti da cui le si ispira, sebbene possano sembrare solo caricature, vogliono raccontarci di una profondità di un personaggio che, come gli altri, non ha la facoltà di parola; ma l’arte non ha per forza bisogno della parola.

24

Figura 15 - Riferimenti artistici

Dalla “Gioconda” di Da Vinci (ritratto in fondo al corridoio a sinistra della figura) passando per Friedrich, Klimt, Cezanne e concludendo a destra con “Autoritratto con cappello in feltro grigio” di Van Gogh, June si dimostra una studiosa nonché una donna talentuosa nel dipinto che, ovviamente, mantiene le caratteristiche estetiche del mondo di gioco.

Riprendendo in esame la Figura 7 - I personaggi del videogame cominciamo a dare uno sguardo agli altri personaggi di gioco che, inconsciamente, giocheranno un ruolo principale nel meccanismo del puzzle.

Il primo personaggio giocabile, dopo Carl-June sarà il bambino e che scopriremo abbastanza in fretta essere il motivo dell’incidente degli amanti. Da questo momento in poi del videogame, infatti, comincia la struttura portante del gameplay che potremmo suddividere in due fasi: •

Scoperta (e riscoperta) degli avvenimenti che portano all’incidente

•

Tentativi molteplici di cambiare il corso degli eventi

Prendendo controllo del bambino infatti vedremo come, nel giocare con il cane con un pallone (anch’esso tassello del puzzle, dunque) finiranno a dover andare a recuperare quest’ultimo in mezzo alla strada, dove poi, colto di sorpresa (e questo 25

elemento sarà perenne in tutte le circostanze) Carl sbanderà con l’auto per schivare qualsiasi persona o cosa si ritroverà nel tragitto. Ad accompagnare questo evento, ci saranno imprescindibilmente, due elementi, che di per sé possono anche non avere nessun significato alcuno, ma, sicché il meccanismo di ripetizione impone di guardare tutte le scene che sono causa dell’incidente, instaura nel giocatore un senso di angoscia che consenta una piena immedesimazione in Carl, che, ovviamente, sarà costretto a rivedere per forse un numero anche troppo elevato di volte (e questo sta anche al giocatore) lo stesso evento, o una variante di esso.

Il collegamento poi con gli altri personaggi è facilmente intuibile, in quanto il bambino potrà interagire con l’anziano, che a sua volta potrà aiutare o interagire con la migliore amica (almeno secondo fonte Steam) di Carl che altri non è che la donna in procinto di fare i bagagli e andare via e per concludere il cacciatore che forse si dimostra l’elemento più discostato dagli eventi del villaggio finché non ne diventa lui stesso un tassello.

3.2. I TASSELLI DEL PUZZLE Perché parlare di tasselli? Perché quando inizia il vero gameplay di gioco, il videogiocatore avrà a disposizione i quadri (come quelli presenti a casa di Carl) a portata “di mano” sicché basterà pigiare un pulsante per vedere ciò che si vede in questa prossima figura:

26

Figura 16 - I tasselli del gioco

Da sinistra a destra, questo sarà l’ordine dei personaggi che si renderanno giocabili. È di primo acchito notare che, all’attimo prima dell’evento tragico, i tasselli secondari, che in figura è soltanto uno poiché si era nella prima fase di gioco al momento dello screenshot, non sono altro che le varianti che entreranno a far parte dello schema del “come salvare June”.

Viene facile pensare che se il bambino e il cane non giocassero con il pallone, l’incidente non avverrebbe mai. Ed è infatti ciò che smuove il giocatore ad usare il bambino e cambiare le sorti (sebbene la scelta sia obbligatoria, ma come detto prima il team di Guarini punta tutto sull’immedesimazione), ma la realtà non tarda ad arrivare. Se non sarà il bambino lì presente in mezzo alla carreggiata, ci saranno le scatole della migliore amica che, per via di un manto stradale dissestato e la mancata presenza di un supporto per non far cadere le prime citate, finiranno sparse per strada portando nuovamente Carl a sbandare con l’auto.

Da questo preciso istante allora, il puzzle si complica inducendo il giocatore a cambiare svariate volte gli avvenimenti di ognuno dei personaggi (e con questo prolungarsi, anche i luoghi esplorabili diventeranno progressivamente accessibili a tutti e il gioco, ovviamente, ti spingerà a riuscire ad accedere ad ogni area,

27

andando a caccia delle bolle, che sono in tutto venti, come è possibile osservare in questa figura:

Figura 17 - Bolle da collezionare in-game

Ovviamente non sono obbligatorie per il completamento del gioco, fanno semplicemente parte di un “achievement” che si può sbloccare per completare il gioco al 100%.

Ma tornando ai tasselli, una volta che iniziamo ad incastrare tutto, sino ad arrivare al cacciatore (penultimo personaggio giocabile), avremo il quadro completo degli eventi da cambiare per far sì che il viaggio di rientro di Carl e June possa avvenire in tranquillità. Analizziamo la prossima figura in dettaglio:

28

Figura 18 - I tasselli "variabili"

Aldilà degli eventi iniziali o non, visibili in figura, a seconda del personaggio vi sono dei tasselli dietro che altro non sono che delle varianti degli eventi di quel determinato personaggio. Questa figura è presa da una fase più avanzata del gioco dove è possibile osservare le varianti complete (ad esclusione dell’anziano di cui parleremo nel paragrafo successivo) dove, grazie al poter usare il cacciatore, apriremo il varco a quasi tutta la mappa di gioco e con esso apriremo alla possibilità di nuove variabili dei personaggi già giocati (che potremo continuare ad usare sino al completamento di quest’ultimo) ed è qui che torna il fatidico meccanismo di ripetizione, che, con astuzia, può essere ridotto al minimo completando il puzzle senza tentativi aggiuntivi. Perché tornerebbe dunque questo meccanismo? Molto semplicemente, proprio perché ognuno dei personaggi ha le proprie varianti, ogni qual volta che modifichiamo gli eventi di uno, dovremo comunque osservare il completarsi della giornata secondo solo quelle modifiche.

Gli eventi di un personaggio possono mischiarsi con quelli altrui, certo, ma resta di fatto che al giocatore tocca dover modificarne uno per volta (sicché comunque per tornare indietro nel tempo si usufruisce del tocco di uno dei dipinti). Quindi tornando a casa di Carl, arrivati a questo punto del gioco, ci troveremo a scegliere quali eventi andare a modificare, che sia per scoprire nuove varianti (se ci sono

29

ancora da scoprire) o se è per ritornare ad una variante precedente che, invece, ci dà la possibilità di cambiare gli eventi (o forzarli) ad un altro personaggio.

Figura 19 - Completando il puzzle

Per comprendere come si possano mischiare gli eventi di due personaggi, in effetti, basta fare un esempio semplice fra le scelte di gioco: la migliore amica di Carl e June e il bambino.

•

Nella prima variante il bambino prenderà la corda per giocare con l’aquilone con l’anziano, corda che però serve anche alla donna per non far cascare i suoi scatoloni per strada più tardi.

•

In una variante del cacciatore che sta cercando di abbattere un uccello che gli ha rubato il medaglione del padre, darà la possibilità di accedere ad un punto della mappa dove si troverà una nuova corda, permettendo così al giocatore di lasciare che il bambino continui a giocare con l’aquilone (e non con il pallone finendo così per strada) e alla donna di viaggiare senza il pericolo di far cadere oggetti durante il viaggio.

Prima di questa variante, però, le scelte erano solo due: lasciare la corda al bambino o lasciarla a lei, e, sebbene la seconda fosse pericolosa ma risolutiva, non sarebbe bastato a salvare la coppia dall’incidente.

30

Andando avanti a risolvere il puzzle, si troverà il modo di dare una sorta di “lieto fine” alla caccia dell’uomo che, grazie anche alla presenza del cane (che è con lui invece che giocare con la palla dal bambino) riesce a recuperare il medaglione e costruirà una piccola tana per due cuccioli di uccello, chiudendo così tutte le calamità umane che potevano portare al disastro. Sottolineo la parola “umane” perché è qui che il videogioco tira fuori il meglio di sé alzando finalmente l’apice della drammaticità.

Dopo tanti tentativi per trovare una soluzione adatta ai tre personaggi protagonisti e causa della morte di June, rimossi loro l’intervento che porterà a questa tragedia diverrà naturale, quasi come fosse una punizione divina. Di fatti, andando a rivedere la scena (che, ogni volta, sarà accompagnata dal suono delle campane viste dalla stessa inquadratura come nella figura successiva) noteremo che il tratto effettivo dell’incidente sarà oltrepassato ma, poco dopo, un fulmine farà sbandare l’auto della coppia portando allo stesso risultato dei precedenti eventi. Iconico lo sguardo, sebbene di occhi non ce ne siano, di Carl nel rendersi conto che di fronte anche ad una calamità naturale non c’è ritorno nel passato che possa essere utile (vedi figura 17).

Figura 20 - L'ora della tragedia

31

Figura 21 - Lo stupore di Carl

3.3. WHAT IF? Ad accoglierci all’atto finale del gioco sarà l’anziano che, per tutta la risoluzione del puzzle, non ha mai portato danni accidentali a niente e nessuno. Ma paradossalmente le vicende di questo gioco si aprono proprio con lui. Non sappiamo se possa essere il padre o meno di uno dei due innamorati, ma questo è irrilevante. Lui arriverà a casa loro e consegnerà il regalo a June, la quale, portandolo di sopra per fare una sorpresa al marito, vedrà la foto della piattaforma in mezzo al fiume, desiderando di volerci andare. Il resto, direttamente o non, è una conseguenza della loro partenza e dunque del suo regalo. Ed è proprio qui che comincia ad incrinarsi tutto.

32

Figura 22 - Comincia a sgretolarsi il mondo di gioco

Per tutto il corso del gioco, e dunque del puzzle, manovreremo i personaggi tramite il tocco di Carl sui relativi quadri, consci del fatto che si sta provando a modificare il corso della storia in una maniera tale da non mettere più nessuno in pericolo. Arrivati a questo punto però, Guarini e il suo team vogliono dire qualcosa a noi videogiocatori e questo messaggio passa tramite tre fasi di questo step finale del videogame: -

Negazione

-

Rassegnazione

-

Eroismo

Negazione è ciò che avviene nel punto di rottura del mondo di gioco, quando, al momento della consegna del regalo, la scena comincia a riavviarsi continuamente, permettendo al videogiocatore di controllare l’anziano personaggio, quasi a dare una speranza di poter, nuovamente, cambiare un ennesimo tassello. Però il gioco non lascia spazio ad immaginazione, sin dal grafico dei tasselli; per questo personaggio non esistono varianti, non avrebbe senso altro in effetti. Perché mai non dovrebbe consegnarlo? Aulica la scelta di farci esplorare l’unica parte del mondo di gioco sempre bloccata, ossia il cimitero, con il quale accedendo con

33

l’anziano, oltre che prendere le bolle, potremo osservare quest’ultimo piegarsi dinanzi ad una tomba che è quella della sua amata. La sovranità di questa bellissima scena ed accompagnata da una soundtrack di Wilson che ancor meglio enfatizza l’emozione di far parte di questo intreccio narrativo e che quasi ci fa credere che questo regalo potesse essere pensato per la sua amata e non per la giovane coppia; ma l’illusione presto svanisce quando, dopo pochi secondi, l’anziano si rialza e il mondo di gioco, quello esplorabile in quel momento, non offre più altra interazione, nessun’altra possibilità.

Figura 23 - La tomba dell'amata

Arrivando dunque alla consegna del regalo, l’intervento di Carl è come se fosse soppiantato dal lamento che diventa sempre più incessante di June che, gradualmente, comincia a distruggere tutto il mondo di gioco, rovinando case, strade e cercando di impedire, senza successo, all’anziano di raggiungere la casa.

34

Figura 24 - June demolisce il mondo di gioco

Rassegnazione è lo step che segue alla distruzione del piccolo villaggio, quando June termina un loop in cui ha intrappolato tutti. Questo step però non fa altro che scontrarsi con un ennesimo tentativo di invertire la rotta della storia, andando in quello che poi è forse davvero il momento chiave che decide tutto. June che, posando il regalo, vede il piccolo quadro con il fiume e la piattaforma. Si creano dunque, due nuovi tasselli. Dunque è richiesto, per un’ultima volta, ai videogiocatori di scegliere se credere nella reale possibilità di cambiare il passato, o, appunto, rassegnarsi a ciò che invece è effettivamente successo. Viene dato il libero arbitrio di credere che tutto ciò sia “semplicemente” destinata ad accadere, ma potrebbe allo stesso modo essere opera di un essere superiore come potrebbe essere - nella sua semplicità - una fatalità a cui l’uomo è, fin dalla nascita, vittima.

35

Figura 25 - L'idea

June affronta l’ultimo cambio del tassello annullando la possibilità che possa arrivare in quella stanza. Il puzzle si ridefinisce permettendoci di creare una nuova linea temporale in cui non sarà June a ricevere il regalo dall’anziano ma Carl e, inesorabilmente, vedremo come Carl così come la sua amata, andrà a posizionare il regalo nel medesimo punto, facendo nascere in lui la medesima idea.

Last Day of June ci lascia cadere, per davvero, tutte le speranze, annullando tutti i tasselli e le varie opzioni di “riavvolgimento” presenti per tutto il gioco. Si torna semplicemente all’attimo prima dell’incidente, nella timeline originaria.

Eroismo è la presa di posizione che Carl, dopo una ripetizione di tasselli e linee temporali che sono stati chiamati in causa, decide di porre fine a tutto, rispettando la storia così come è nata. Con un piccolo ed in un certo senso irrilevante cambio.

A guidare non sarà Carl ma June. Ancora una volta sarà data la possibilità al videogiocatore di fare una scelta, quella di dire o non dire June la verità su ciò che accadrà di lì a poco. Anche qui però, cade l’illusione, quando si scopre che scegliere di dirlo non sarà possibile in quanto Carl si fermerà sempre dal farlo, fino a che il giocatore deve abbandonare le redini del gioco ed assistere al finale.

36

Figura 26 - l'inaspettato finale

Con un plot twist ci ritroviamo ad una nuova realtà. O almeno è una delle spiegazioni che possiamo dare. June è viva e con essa è vivo anche il bambino che porta in grembo (perciò il regalo e i vari ricordi sparsi per il gioco).

E se non fosse mai stato diverso da così? Mi piace pensare, in realtà, che Carl non abbia mai interagito con il viaggio nel tempo. Mi piace pensare che June non è mai morta ma bensì Carl sia finito in coma in uno stato vegetativo. I presupposti ci sarebbero del resto; l’incidente, di per sé, non viene mai mostrato, in ambedue i casi e anche nelle modifiche dei tasselli, certamente perché non sarebbe stato consono alla dolcezza del videogioco stesso, ma anche perché, i quadri, sono serviti per ricordare. Carl, per tutto il tempo, grazie a questi quadri ha ricordato l’accaduto, e ricordare è un atto assolutamente possibile per una persona che ha subito un trauma. Del resto, il quaderno di June, che, racconta tutte le modifiche ai tasselli fino al delirio della penultima pagina, non potrebbe esserci se lei fosse effettivamente morta al momento dell’incidente. In più, a supportare la mia tesi, aggiungerei che Carl nella notte magica dove viaggia nel tempo, non ci dà una definizione di quanto tempo sia passato dall’incidente, anzi in realtà vediamo la sua difficoltà nel poter prendere oggetti, cibo, tutto perché non è posizionato per una persona disabile. Sono tutte supposizioni, dopotutto. Guarini e il suo team

37

hanno voluto lasciarci la libertà d’immaginare tutto questo e, indubbiamente, questo non fa altro che potenziare quello che di per sé è un finale già fortemente emotivo. Non importa in effetti come, però, l’ultima scena, potremmo indubbiamente dire che accontenta tutti. June è lì, in riva al fiume, le viene consegnato un fiore, nuovamente, dal suo amore più grande: Carl Junior. Un abbraccio chiude i battenti con un accompagnamento musicale perenne che trasporta la semplicità devastante di un gesto tanto amorevole. Fine del gioco.

Figura 27 - Ultima scena di gioco

38

4. VIDEOGIOCHI PIONERI ARTISTICI In questo capitolo voglio allargare l’orizzonte su più videogiochi che, come Last Day of June, provano a mandare un messaggio al mondo dell’arte, mettendosi in una posizione di rilievo per un settore che, per troppo tempo, negli anni è stato visto o come bambinesco (e non c’è nulla di male, in realtà) oppure come qualcosa di diseducativo, come ad esempio spesso accade per la famosa saga videoludica Grand Theft Auto che, spesso, viene accusata di spingere i suoi videogiocatori a commettere i crimini che il gioco stesso permette. Questa è una diatriba che in realtà va avanti da venti anni oramai, specie considerando che i videogiochi più diffusi sono proprio quelli dove la violenza è presente e protagonista. Nel corso degli anni, fortunatamente, sono intervenuti psicologi e non da tutto il mondo per andare contro questa teoria che, seppur supportata da enti famosi e, di norma, autoritari, hanno fatto e fanno propaganda su qualcosa che non ha fondamenta per dimostrare realtà. A combattere questa – come la definirei – piaga, vi è una psicologa Kelli Dunlap che oltre a questo di lavoro è anche una game designer e dunque si mette in primo piano ed in discussione; come lei afferma, infatti: As I told my class, games are psychology at play. Anyone can make a game, but it takes a level of psychological understanding and perspective to make something someone else would enjoy. Not to mention all the neuroscience behind things like user interface and motivation, but that comes later in the semester. Game devs are constantly pulling from established psychological principles, knowingly or through gut instinct, and psych could definitely benefit from doing the same with games. Games are masters of engagement and if a psychologist could get their client to engage in treatment the way they engage with Mario Kart, the world would

39

be a better place. If games are psychology at play, then psychology is psychology at work.17 Di seguito lascio una traduzione personale del passo della dott.ssa Dunlap; Come ho detto alla mia classe, i giochi sono la psicologia che si mette in gioco. Chiunque può creare un gioco, ma ci vuole un livello di comprensione psicologica e di prospettiva per creare qualcosa che piacerà a qualcun altro. Per non parlare di tutte le neuroscienze alla base di cose come l'interfaccia utente e le motivazioni a riguardo, ma ne parleremo più tardi nel semestre. Gli sviluppatori di giochi attingono costantemente da principi psicologici consolidati, consci di questi ultimi oppure guidati dall’istinto, e la psicologia potrebbe sicuramente trarre vantaggio facendo lo stesso con i videogiochi. I giochi sono maestri dell’intrattenimento e se uno psicologo potesse convincere il proprio cliente a impegnarsi nel suo trattamento così come interagisce giocando a Mario Kart, il mondo sarebbe un posto migliore. Se i giochi sono la psicologia messa in gioco, allora la psicologia è la psicologia al lavoro.

A tutto ciò, mi sembra d’obbligo dover sottolineare come, nella grande varietà dell’intero catalogo videoludico, i videogiochi che propinano la violenza come primo mezzo d’interazione con gli altri personaggi in-game, non siano poi una vera maggioranza. A riguardo, infatti, lascio qui di seguito un grafico che mostra i dati di vendita negli U.S.A., riferiti all’anno 2018, di videogiochi suddivisi nelle rispettive categorie esistenti ad oggi.

17

Approfondimento sul tema “violenza e videogiochi” su un articolo Focus. Link in sitografia.

40

Figura 28 - Dati di vendita videogames, suddivisi per genere videoludico, USA, 2018

Ho scelto gli Stati Uniti per una praticità dei dati in quanto, attualmente, il maggior numero di vendite si registra proprio in quella nazione. Una decade fa, al primo posto, trovavamo gli “shooter” al primo posto, ossia gli sparatutto come Call Of Duty o Battlefield, ove, nei loro giochi, ripercorrevano principalmente le due guerre mondiali da diversi punti di vista.

Sebbene al primo posto ritroviamo il genere “action” che, come facile intuire, è fin troppo generico talvolta per definire un intero videogame, trova il suo modo di esserlo anche per la categoria di giochi di cui voglio trattare in questo capitolo; se Last Day of June possiamo facilmente definirlo un “puzzle-game” ma meglio ancora un’avventura grafica, non possiamo dare per scontato, però, che dunque solo in questo genere questa presa di posizione del voler “portare” arte funzioni e prenda piede. Voglio in effetti ripercorrere alcuni titoli capostipiti di non tanto un genere di videogiochi quanto più un “movimento” filosofico per produrne “di narrazione”.

41

4.1. L’ALBA DEI VIDEOGIOCHI DI NARRAZIONE La loro “nascita” non ha una data di riferimento, perché, come tante cose, i videogiochi stessi sono in continua evoluzione e non solo da un punto di vista grafico che, in poche decadi, ci ha portato al fotorealismo tanto da rendere complicato rimarcare la differenza tra una fotografia scattata con una macchina fotografica dallo screenshot fatto in-game – mi viene subito da pensare a Microsoft Flight Simulator 2020 che ha posto i nuovi standard grafici di fotorealismo – e, tralasciando l’aspetto visivamente più d’impatto, ci si è resi conto che, questi ultimi, sono in grado, potenzialmente, di raccontare qualsiasi storia portando con sé un carico emotivo degno di un film.

In effetti, anni fa, erano in voga i cosiddetti “DVD Game18” o nota anche con la sigla DVG (Digital Video Game) che, come allude il nome, erano sì dei videogiochi, ma, venivano letti da un comunissimo lettore DVD. Il loro utilizzo è limitato pressoché a due tipologie di giochi che sono le avventure grafiche e i quiz, in quanto, essendo un prodotto “preconfezionato” non poteva esserci dinamicità d’immagine al momento dell’interazione umana.

Le avventure grafiche, per l’appunto, partendo da questo presupposto, andranno a definire sempre più quello che poi è già di per sé “gioco di narrazione”. Come lo potevano fare era ancora da stabilire e, proprio nel 2005, anno di annuncio dei DVG, la Quantic Dream – produttrice francese di videogame con a capo David De Gruttola, meglio noto ai più come David Cage – pubblica un videogame di nome “Fahrenheit”, il secondo dell’azienda, che da una degna dimostrazione di ciò che più avanti Cage stesso lascerà per iscritto nel manuale dell’edizione, esclusivamente fisica, del gioco: My desire to create video games dates back to the arrival of 3D real time [...] I felt like a pioneer filmmaker at the start of the 20th century: grappling with basic technology, but also being aware that

18

I DVG venivano annunciati nel 2005. In sitografia un link di TGcom riguardo il loro lancio.

42

there is everything left to invent - in particular a new language that is both narrative and visual.

Di seguito la mia traduzione: Il mio desiderio di creare videogiochi, risale all'esordio della computer grafica in 3D. [...] Mi sentivo come un regista pioniere, all'inizio del ventesimo secolo: alle prese con una tecnologia giovane, ma allo stesso tempo consapevole che c'è ancora tutto da inventare – in particolare, un nuovo linguaggio che sia allo stesso tempo narrativo e visivo.

Così fu anche per la critica e il pubblico l’interazione con quel videogioco, il segno di un nuovo modo di narrare una storia, dove l’impatto emotivo con i personaggi di gioco si avverta al punto tale da enfatizzarne l’immedesimazione.

Infatti, per la prima volta, Quantic Dream ci diede la possibilità di far variare la storia in base alle nostre scelte. A noi videogiocatori spetta scegliere i dialoghi e momenti in cui la trama può subire delle modifiche che, eventualmente, porteranno a ben tre finali diversi. A questa facoltà, che negli anni a seguire prenderà sempre più piede, bisogna aggiungerci una tecnica molto apprezzata proprio dalla Quantic Dream ossia la tecnica del Quick Time Event. Questa meccanica prevede che il videogioco acquisisca autonomamente delle inquadrature e i movimenti dei personaggi di gioco, proprio come se stessimo guardando un film ma, nel frattempo, al giocatore verrà richiesta una prova di riflessi in cui, quando apparirà sullo schermo (oppure lo lascerà intuire il gioco con, ad esempio, un rallentamento della scena) una combinazione di tasti da premere in sequenza o a ripetizione a seconda dello specifico caso. Completare il Quick Time Event è, quasi sempre, necessario per proseguire nella narrazione ma consente agli sviluppatori di poter far eseguire ai personaggi movimenti molto più dinamici che durante il controllo da parte del giocatore, diventando quindi la forma già estremamente più evoluta dei DVG. Qualche anno dopo, l’azienda francese pubblica un nuovo titolo “Heavy Rain” dove riprende i meccanismi di “Fahrenheit” migliorandoli in ogni contesto tecnico

43

e narrativo. Si rimarca ancora di più il peso delle scelte di ogni giocatore che, stavolta, non sbloccherà “solo” un numero x di finali, ma sbloccherà dei finali ad incastro, dove i più personaggi giocabili (altra grande novità del tempo – 10 anni fa) avranno delle loro storyline che si chiuderanno in un modo o nell’altro a seconda delle, appunto, scelte del giocatore e al successo negli Quick Time Event, ove i quali è possibile talvolta, fallendo, far morire il proprio personaggio diventando così reale nella sua storyline la sua morte. In un certo modo, questo segna l’inizio della fine del concetto di “game over” e “retry” nei videogame, quanto meno in un genere narrativo che punta proprio a sfidare la già citata empatia del mondo dello spettacolo. Se un personaggio muore in una sceneggiatura, fatte le dovute eccezioni, resta morto. Al pubblico e alla critica tutto ciò ha creato fermento tanto da far candidare il team di David Cage a premi come i BAFTA “Best Story” Awards, SPIKE Video Game Awards e un’altra decina di candidature. Con il successo di “Heavy Rain”, infine, David Cage pone la sua posizione circa questo genere, pronunciando, in un’intervista19, queste parole: We created the genre. We own the genre, and we want to show that Heavy Rain was not a coincidence or a lucky shot - that it was really something that makes sense and that we can build on.

Abbiamo creato il genere. Possediamo il genere e vogliamo mostrare che Heavy Rain non è stata una coincidenza o un colpo fortunato ma è stato davvero qualcosa che ha avuto un senso e dove potremo costruirci sopra.

David Cage pubblicherà nel 2013 e nel 2018 altre due storie narrative di forte impatto, ma, proprio nel 2012, si accorgerà di non essere più il solo a realizzare questo tipo di contenuti che riescano a scalfire la curiosità del mondo videoludico.

19

Intervista a Spong durante i BAFTA Awards. Versione integrale in sitografia.

44

4.2. LO STILE CARTOON ED EPISODICO DI TELLTALE GAMES E DONTNOD ENTERTAINMENT Gli anni 2010-2020 hanno segnato sempre più drasticamente un indirizzamento alla ricerca di nuovi modi di narrare una storia e, dopo due successi di David Cage su materiale inedito, arriva una piccola azienda start-up videoludica americana, TellTale Games20 che, sebbene fosse nata qualche anno prima, raggiungerà il suo primo successo proprio nel 2012, decidendo di raccontare una storia alternativa a quella di un fumetto e serie TV estremamente in voga, ancora oggi – nonostante la chiusura del fumetto – ossia “The Walking Dead”. L’azienda di certo è sempre stata chiara sulle sue intenzioni riguardo la tipologia di giochi che avrebbe prodotto (in quanto TellTale è il rifacimento della frase “Tell a Tale” – “racconto un racconto”) e lo fa con due caratteristiche che subito hanno incuriosito critica e pubblico: -

Viene scelto di narrare qualsiasi loro videogioco con una struttura episodica, con forti richiami alle serie TV odierne.

-

Lo stile grafico si rifà molto ai fumetti, ma questo è anche perché dietro la TellTale Games ci sono nient’altro che ex dipendenti della LucasArts.

La struttura episodica è, quanto più vicina possa essere, alla realtà televisiva.

Proprio nel caso dell’avventura grafica “The Walking Dead”, ci ritroviamo un gioco con cinque episodi a cui giocare, ognuno della durata di circa un’ora e mezza / due ore a seconda del giocatore, e, ogni qualvolta che un episodio viene terminato viene mostrata un’anteprima del prossimo episodio – proprio come se fosse lo snaek peak delle serie – e, ad inizio di ogni nuovo episodio, dal secondo in poi, una sequenza riassuntiva dell’episodio precedente con le scelte fatte dal giocatore – proprio come il “previously” della maggioranza

20

Azienda videoludica che si è dedicata alla creazione di avventure grafiche. Sito ufficiale in sitografia.

45

delle moderne serie americane – dove, tra l’altro, i dialoghi possono fare riferimento a una storyline presentata precedentemente (anche diversi episodi prima) che verrà approfondita proprio nell’episodio che sta per cominciare.

Per quanto riguarda lo stile cartoon di seguito lascio un paio di figure utili a concepirne l’atmosfera che lasciano i loro prodotti:

Figura 29 - TellTale Games "The Walking Dead" stagione 4

Figura 30 - Batman - TellTale Series - Stagione 1

46

Proprio The Walking Dead, nella prima stagione, raggiunse un successo planetario, anche perché, novità dell’occasione, le scelte che ci vengono poste, influiscono sull’umore (e sulla vita, talvolta) degli altri personaggi, facendoci immedesimare totalmente non solo nella storia ma anche nell’intreccio delle difficili relazioni fra personaggi, facendo andare, dove possibile, la storia nel modo in cui vogliamo noi. Una libertà, prima di allora e seppur con le sue limitazioni, mai vista e che viene ripagata con un milione di copie vendute in venti giorni e la vittoria di circa novanta premi per la sola prima stagione del gioco, facendo toccare a TellTale il punto più alto della sua storia, nel 2012.

Successivamente, ad ottobre 2018, l’azienda si ridurrà dapprima a 25 dipendenti (sebbene nello stesso anno annunci una collaborazione con Netflix per realizzare un gioco basato sull’acclamata serie Stranger Things), dopodiché chiuderà i battenti per bancarotta21, ma, grazie a Skybound – azienda videoludica gestita da Robert Kirkman, ossia il creatore dei fumetti originali di The Walking Dead, che, attraverso una affiliata, la LCG Entertainment, porterà avanti i progetti in cantiere della compianta TellTale, dando lavoro anche ai suoi dipendenti – non tutti - che erano stati licenziati.

Nonostante la loro, fortunatamente, temporanea dipartita, hanno potuto guardarsi indietro del grande lavoro svolto, e che, ha ispirato alla creazione di uno dei videogiochi più amati dell’era contemporanea, sotto la direzione dell’azienda Dontnod Entertainment: Life Is Strange.

21

Approfondimento in un articolo di Game Informer. Link in sitografia.

47

Figura 31 - Life Is Strange acclamato titolo firmato Dontnod Entertainment

Life Is Strange è un’avventura grafica che subito incarna lo spirito dei videogiochi TellTale, sia per lo stile cartoon, sia per la struttura narrativa episodica. Infatti, troveremo anche qui la formula dei cinque episodi e degli escamotage tecnici da serie tv. La forza principale di questo videogame è stata certamente l’ottima caratterizzazione sia d’ambientazione (per cui hanno effettuato ricerche viaggiando per il Pacifico nord-occidentale) che per la caratterizzazione dei personaggi, che non sono nemmeno molti, il che risulterà solo un pregio per la profondità di ciascuno di loro, nonché una chance per il mondo videoludico di cominciare a porsi da pionieri anche per tematiche considerate ancora taboo in determinate culture, come il tema LGBT. La storia delle protagoniste, Max e Chloe, scuoterà infatti tutta l’industria, facendo parlare di sé e, ancora una volta, ispirando anch’essa a far fuoriuscire altri videogiochi, anche con budget ben maggiori, ad affrontare queste tematiche, come nel caso di “The Last of Us – Parte II22”. Proprio questo trovo sia il punto più forte di questo continuo ispirare gli altri; David Cage nel 2005 dà inizio a qualcosa che, come un flusso unico di pensiero, arriverà a mutarsi ed adattarsi alle possibilità tecniche di poter narrare

22

Videogioco esclusiva PlayStation, rilasciato nella prima metà del 2020, uno dei giochi più venduti di sempre. Pagina ufficiale in sitografia.

48

qualcosa in maniere tali che nemmeno il cinema potrebbe rappresentare nelle ore di proiezione offerte. Un nuovo livello d’immedesimazione che viene riconosciuto sempre più e che diventa parte integrante di una cultura che, si dimostra, capace di insegnare all’industria e all’essere umano, lanciando messaggi di pace, di unanimità, di coesione e amore, in tutte le sue forme. Messaggi che passano attraverso anche la denuncia del “brutto”, delle atrocità dell’uomo, così come mostra Heavy Rain, come mostra lo straziante Life Is Strange e come viene messa alla prova la sensibilità del giocatore con scelte difficili e senza una risposta giusta come avviene nel finale di The Walking Dead – Stagione 1 – dove il giocatore mai come prima, si sentirà parte integrante e centrale di una storia che non si ferma al guardarla ed ad amarla per ciò che racconta, ma che muta in base alla nostra personalità, al nostro modo di pensare e, presumibilmente, di agire.

Tecnicamente, Life Is Strange, trova la sua innovazione nel gameplay aggiungendo una peculiarità: il personaggio giocabile, avrà il potere di riavvolgere il tempo di pochi secondi, alla pressione di un pulsante del giocatore.

A differenza di Last Day of June, dove si viaggiava a ritroso solo tramite i quadri di June, qui si parla di, appunto, riavvolgimento, ed è usabile a proprio piacimento (o quasi). Infatti, non cambieremo gli eventi degli ultimi secondi, ma faremo si ché non accadano mai riavvolgendo il tempo. Proprio nel gioco stesso, però, la modifica di uno dei tanti eventi, porterà a chiedersi se, modificare il tempo porta a delle conseguenze e se sì, come ci comporteremo? Ancora una volta, al giocatore viene chiesto di interagire anche con il cuore, non solo di osservare e premere dei pulsanti. In effetti, dopo dieci anni da Fahrenheit, questo è il primo videogioco narrativo che non presenta in alcun modo un Quick Time Event, non nella forma di cui trattavo nel paragrafo 4.1 quanto meno. Infatti, e questo già parzialmente accade con The Walking Dead della TellTale, i Quick Time Events appaiono sotto una nuova forma. Saranno, infatti, i dialoghi a divenire quest’ultima, dando un tempo limitato (generalmente tra i 5 e 10 secondi di tempo) per decidere cosa rispondere, o non rispondere. Per ogni scelta presa, i rapporti con l’interlocutore muteranno e questo porterà, successivamente, a modificare le loro scelte nei riguardi del personaggio protagonista. Esempio: in The Walking Dead, in situazioni di pericolo di vita, un personaggio potrebbe aiutare, non fare nulla o

49

peggio intralciare il protagonista e quindi il giocatore in base all’esito delle conversazioni precedenti. Life is Strange offre la stessa dinamica e, come Guarini, ci pone un quesito ultimo: In a way, we're taking the weight out of the choice. So what’s left if you take the weight out?

In un certo senso, stiamo togliendo il peso di una scelta. Quindi cosa rimane una volta tolto quel peso?

Guarini ci propone un’accettazione della realtà, Jean-Maxime Moris, il direttore creativo di Life is Strange, invece, ci mette nella condizione di dover poi prendere una decisione che cambierà drasticamente il termine dell’avventura. Non solo il finale, chiaramente, ci saranno per tutti gli episodi certe scelte da prendere che saranno più o meno importanti delle altre e, quelle che hanno influenza fra i vari personaggi, saranno fatte notare, in entrambe le aziende TellTale e Dontnod con una notifica in alto a sinistra del gioco con scritto: “Il tuo rapporto con x è cambiato”.

I videogiochi di narrazione, mai come negli ultimi anni, hanno capito ed intrapreso la strada dell’interazione come “ricetta” del loro successo all’interno del medium videoludico, trovando dunque il loro personale ed innovativo modo di abbattere la “quarta parete” facendo sì che il vero fattore decisivo sia il giocatore stesso e non il fatto che i personaggi sappiano di potersi rivolgere a noi, pubblico.

Allo stesso tempo però, tutta questa interazione, può spingere i potenziali giocatori a fermarsi, a crearsi un ostacolo mentale, che potrebbe impedire l’avvicinamento a questa tipologia di videogiochi, rischiando di mantenerli nella “nicchia”. Ma, proprio l’avvicinamento al metodo narrativo di stampo televisivo, ha fatto sì che il concetto di nicchia appunto, andasse lentamente svanendo. Premi e consensi del pubblico, del resto, parlano ormai chiaro.

50

5. CONCLUSIONI

I videogiochi di narrazione non fanno altro che evocare emozioni, sensibilità, creano dibattiti morali e personali; l’excursus intrapreso con questo elaborato pone, sebbene il focus principale su Last Day of June, una connessione all’unisono fra tutte le avventure, di team diversi, di nazionalità diverse, e con società altrettanto diverse, ma che, possono, grazie al mondo dell’intrattenimento, raccontare storie che trascendono quanto appena citato, con l’obbiettivo unico, appunto, di voler raccontare, d’intrattenere. La favola del cinema e del piccolo schermo dunque, trova un nuovo modo di presentarsi a noi, amanti dell’entertainment in ogni sua forma, in una modalità che ci ha offerto, offre ed offrirà in maniera sempre più convinta e coinvolgente, la reale possibilità di fare parte di una storia, non solo di immedesimarci. A volte accadrà con una mera illusione, come accade in Last Day of June dove, con solito fare della direzione di Guarini, la verità diviene accettazione malinconica di un finale emozionante, che non lascia impassibile il videogiocatore; altre volte, invece, la scelta non sarà illusoria, ma, costringerà ad una scelta morale, una scelta spesso non razionale e le innumerevoli sfumature, in quanto, come nella realtà, non vi è solo bianco e nero, giusto e sbagliato, ma c’è da guardare a tante, piccole o grandi, varianti che si trasformano, nelle avventure grafiche, nelle scelte che il videogiocatore compirà, una ad una. Come, ad esempio, salvare una vita – con un legame consolidato - al posto di migliaia, scegliere di aiutare qualcuno invece di un altro, non mantenere una promessa o mantenerla, ma pagandone conseguenze e così via. I videogiochi narrativi ci mettono in gioco tutti questi elementi, spesso quasi tutti insieme, in u breve lasso di tempo ma ben congestionato, per portarci in un perenne stato emotivo a seconda di ciò che le scelte ci imporranno di fare, in un modo o nell’altro. Non è tutto drammatico, chiaramente, ma è proprio la drammaticità di buona parte delle scelte che il giocatore deve compiere che più ci fa legare con i

51

personaggi di gioco che, inevitabilmente, ci faranno meditare su ciò che avremmo fatto noi, nella vita reale.

Rianalizzando poi, ciò di cui si è discusso nei paragrafi 2.1 e 2.2, notiamo come sia importante limitare la tecnica a quello che è realmente: uno strumento, un tool come diremmo in ambito informatico, necessario sì ma non essenziale per creare un prodotto come Last Day of June, che, nel suo intento principale di farci ragionare, di farci scegliere, puntando alla sfera emotiva rilegando – ma non disdegnando – il lavoro che ne anticipa e ne consegue la realizzazione di un prodotto simile. Non sarà dunque, per rendere pratico il discorso, l’effetto farfalla ad attirare il giocatore, in linea di massima, ma, bensì, sarà l’accompagnamento musicale portante di Wilson e il disegno “burtoniano” di Cope a creare quella sfera citata poco fa a farci subentrare in un contesto surreale, distaccato dalla nostra quotidianità ma allo stesso tempo drammaticamente vicino. Allo stesso tempo, non sarà il falso libero-arbitrio che il gioco ci impone a farci innamorare di quest’ultimo, ma piuttosto la correlazione che qualsiasi giocatore può rilevare nelle sue ore di gioco, mettendo in discussione una moralità che spesso, nel quotidiano, non c’è modo e tempo di affrontare. Lo stesso concetto si allargherà dunque anche agli altri “pionieri” – di cui ho largamente discusso nel capitolo precedente – dove non sarà certamente l’animazione fumettistica, o la struttura episodica, sebbene scelte importanti, a far sì che i videogiochi di narrazione entrino nella storia (e possiamo tranquillamente confermarlo), ma, indubbiamente, sarà la costante rottura della quarta parete, non quella solita del mondo cinematografico, ma quella dimensione dove non c’è spettatore e produttore, ma è dove lo spettatore è il pezzo mancante per completare l’opera, l’ingrediente ultimo.

Inoltre, mi preme discuterne ancora, dal paragrafo 4.1 ho iniziato a dare qualche incipit riguardo al continuo susseguirsi di team videoludici che prendono ispirazione l’uno dall’altra, spesso a distanza di molti anni, altre volte in tempi anche ravvicinati. Mai sono stati concorrenti sleali gli uni degli altri, rendendo questo specifico target videoludico, mai vittima delle “console war” ossia della tendenza dei videogiocatori (e non solo) di far sì che una piattaforma su cui

52

giocare sia meglio dell’altra grazie, magari, a qualche titolo giocabile solo in una o due piattaforme, tagliando fuori una determinata fetta di mercato. Ma, infatti, oltre a riguardare soltanto marketing, e questo elaborato non è pensato per questo argomento sicché sfocerebbe in tutt’altro, porrei bensì l’attenzione su come Last Day of June, nonostante sia anch’esso un’esclusiva (come scrivevo ad inizio capitolo 3, è acquistabile solo su PS4 e Steam, ossia PC Windows, Mac e distribuzioni Linux) non ha sofferto fra critica e giocatori di questa sua “limitazione”. Certo, parliamo di un titolo comunque indie23 dunque nato e sviluppato per un pubblico di nicchia, ma valida dimostrazione di come si possa e si debba andare oltre le “battaglie” non vere e frutto, spesso, di una società capitalista che vige più sulle vendite, sui numeri, che sulla potenzialità espressiva, emotiva ed evocativa di un genere, di tutta un’industria che indaga su sé stessa riscoprendone il sublime, dietro il bello. Aldilà del concetto di esclusiva e del concetto di console war, s’intravede poi che l’ispirazione non passa solo fra aziende della stessa tipologia, ma, anzi, l’ispirazione già decantata al mondo televisivo per una struttura tecnica e la sfera emotiva, tocca anche il mondo del cinema dove, senza timore alcuno, affiancherei il lavoro di Guarini al capolavoro della Pixar, UP, per svariate similitudini fra le tematiche che affrontano fra cui, ad esempio, il rapporto di coppia, i sentimenti ed espressioni assai rimarcati nonché quelli più timidi e meno espliciti, le prospettive ed i sogni di una vita, di un futuro radioso, l’elaborazione di un lutto. Tematiche che, in modi assai diversi, trovano un riscontro fortemente simile. Ed infatti, non è assolutamente un caso che, viceversa, accadono da anni tentativi di portare al grande schermo titoli videoludici assai amati dalle masse, come “Tomb Raider”, “Assassin’s Creed” (sebbene questo faccia rifacimento anche ai libri), o come, ad esempio, il film in fase di produzione di “Uncharted” che farà da prequel alla serie videoludica stessa. Tralasciando i risultati, che possono e sono stati sia positivi che negativi, è proprio l’intero mercato dell’intrattenimento a goderne, permettendo una condivisione di idee, di storie, di dinamiche che sanno uniformarsi al prodotto per

Proveniente dal contesto musicale, per i videogiochi il termine “indie” descrive un prodotto come indipendente e fuori dai canoni dei modelli videoludici correnti. Spesso, più banalmente, indica anche un titolo che, seppur rispecchi quei canoni, ha un basso budget e dunque limitazioni tecniche. Link in sitografia per un approfondimento sulla classificazione dei videogiochi.

23

53

la quale sono studiate e trasportate, spesso riuscendo a rimanere moderne ed attuali, anche a distanza di svariate decadi, proprio come nel caso del già citato “Tomb Raider”.

Lasciato al caso non è, infine, nemmeno un singolo dettaglio di un videogioco come quello degli Ovosonico, che, al seguito delle quattro ore passate ad osservare, ammirare, conoscere ed immedesimarci nei pochissimi personaggi del gioco, fa sì che nemmeno la singola smorfia di Carl, o il tragico lamento di June, né il continuo assistere all’incidente con la crescente ed infinita colonna di Wilson che tocca il suo apice proprio quando, Guarini e il suo team, decidono di farci smettere di “sognare”. Accettando il lutto, la vita ha il suo proseguo, seppur con un retrogusto assai amaro, ma, che lascerà spazio al sublime di uno dei più semplici e amorevoli gesti dell’essere umano. L’abbraccio, l’amore di una madre per il proprio figlio, che, nella sua dolcezza, nella sua estetica, le ricorderà di un padre che è stato davvero un supereroe, anche se non avesse fatto davvero il suo percorso di cambiare il tempo, capace di mostrare amore anche laddove la morte, inesorabilmente, viene a tirare le somme. Per tutto il percorso svolto da ogni videogiocatore, un sentito grazie va a questo team, per averci donato e sicuramente donerà ancora, un finale struggente quanto incantevole, attraverso nuove storie, nuove dinamiche e, si spera, con la possibilità di ancora più giocatori – e non solo - di poterle provare.

54

RINGRAZIAMENTI

Prima di tutto vorrei ringraziare il mio relatore il quale mi ha invogliato, fra le mie numerose scelte, a puntare su una tesi come questa dove ho potuto, tra l’altro, descrivere, raccontare ed ammirare da un punto di vista diverso quella fetta di videogiochi che mi ha reso personalmente un gamer. E, soprattutto, ho potuto divertirmi a realizzare un mio primo elaborato di questa tipologia, cosa non da poco e non mi sono mai tirato indietro dal dirla, nella mia fase di scrittura.

Ringrazio i miei genitori i quali sono stati materia prima ed essenziali nella più, diremmo banale, ma banale non è, possibilità di frequentare l’università, con tutti i costi che ne hanno derivato dalla mia parentesi triennale di studente fuorisede.

Parentesi che mi ha saputo dare tanto e farmi crescere su vari aspetti, perché la vita è così, mentre prosegui e cerchi di raggiungere i tuoi obbiettivi, nel mezzo, dovrai crescere su tutto il resto, anche ciò che potresti pensare sia irrilevante o che pensi di poter rimandare. La crescita funziona a 360° e mai diversamente. Poi è chiaro, si può crescere in tanti modi diversi e io ho avuto anche questa fortuna di vedere qualcuno realizzarsi a modo suo, diametralmente opposto al mio, e tutto questo è un grazie che va a mia sorella che, potrebbe non crederci, è un esempio da seguire per me per una moltitudine di aspetti. A loro estendo poi un ringraziamento e un saluto a tutta la famiglia che celebra questo mio primo piccolo traguardo.

Non posso non ringraziare poi chi ha dovuto patirmi nella stesura di questa tesi, sebbene abbia deciso di affrontarla – e finirla - in largo anticipo rispetto alla seduta, ma, come menzionavo prima, mi son divertito alla fine. Dunque, grazie Miriam perché sei indubbiamente la collega che più mi ha sopportato e supportato e sono stato lieto di fare lo stesso. Ovviamente questa cosa non ha fine qui ma ci sarà un proseguo vista la magistrale, master, sfortune varie e i svariati drammi della vita che seguiranno. Insieme al bello, chiaro!

55

Devo ringraziare Alessia – alias cuore – perché i tre anni vissuti in Accademia, nel laboratorio e per le strade di Napoli li ho passati prevalentemente insieme a te ed è stato tutto bello, anche quando sono arrivati brutti giorni – ma quando mai non ci sono – a livello didattico e non. Il mio ringraziamento a te vale, aldilà della profonda amicizia, per quello che ho potuto osservare di te, dal 2017 come una ragazza un po’ spaesata (come, quasi, tutti) a donna che ricerca e lotta per la definizione di sé stessa in un mondo come questo che non dà sconti a nessuno. Sei un eccellente esempio di tutto ciò, e ti osservo ed osserverò con fierezza. Grazie per esserci sempre e comunque!

Con i ringraziamenti a due mie colleghe non voglio di certo escludere altri compagni importanti di gioie e scleri nei tre anni e non, perché, chi arrivato prima, chi arrivato dopo e chi ha fatto il percorso insieme a me, tutti a loro modo mi hanno saputo dare qualcosa o, in realtà, lasciarmi ancora più dubbi! Per questo un grande grazie lo dedico agli amici e poi colleghi Alessandra, Marika, Aurora, Angela, Manu, Teresina, Fortuna (e il book fotografico mai fatto), Vincenzo (a tutti gli effetti collega), Giovanni, Gilubreto, Rob, Matteo, Marco, Daniele, Sabrina (anche se ci hai abbandonato per fare la psicologa), Sonia e tutti coloro che si sono avvicinati a me per chiedermi un favore informatico. Praticamente su 200 studenti almeno 230, considerando gli amici esterni venuti! Per mia pubblicità, posso dire che, tutti loro, se ne sono andati via con il loro pc/smartphone/tablet soddisfatti del mio operato e qualcuno mi ha addirittura ripagato con un gran bel caffè dal carissimo Enzo di – pubblicità non occulta Barrio Alto Caffè che saluto e abbraccio in memoria di tutte le chiacchierate fatte e che faremo ancora!

Ora vorrei tornare a ringraziare membri della mia terra madre, Telese, partendo da te, mia cara Federica. Nome che anzitutto non uso quasi mai, perché di soprannomi nel corso del tempo te ne ho affiliati forse anche troppi, o magari no.

Il mio ringraziamento a te va per tutto ciò che ti ho vista fare e non fare, per tutti i pianti, le costanti paure, le incertezze, le infinite discussioni, il non sentirsi abbastanza, il futuro. Scritto così sembra tutto deprimente mi rendo conto. Però da tutto il negativo ho visto emergerti, crescere e diventare una donna con una grande

56

sensibilità, empatia, dedizione al lavoro, allo studio e alla premura che hai con le persone a cui dai tutta te stessa. Di primo acchito magari non si può vedere, ma hai un grande cuore ed è proprio per questo che diventa facile soffrirne, per le più svariate ragioni. Ma è qualcosa di bello che hai e non devi né dovrai mai mollare, anche quando penserai che sarebbe più facile chiudersi in una bolla. Scegli la strada peggiore, perché ti darà il risultato migliore e poi, ricordalo, non sarai sola!

Praticamente mai! Oltre i miei ringraziamenti per tutto ciò che sei, ti e ci auguro un futuro radioso, che, indubbiamente, meritiamo. Volere è potere, no?

Sub-entrando di più nella mia infanzia non posso non pescare il più storico di tutti, Riccardo. Colui che da quando conosco corre così tanto che non ho mai potuto stargli dietro, se non con la bici (e neanche) e con il quale son cresciuto a suon di uscite, di cavolate fatte insieme, di momenti bizzarri visti e vissuti, di – appunto – giri incredibili con la bici che ora non farei nemmeno se mi pagassero, le giornate infinite in modalità nerd, unico vero compagno fidato su Rocket League (e questa è la cosa più bella che posso dire) e, soprattutto, colui che ho visto, nel corso degli anni, sempre arrivare in ritardo e sempre colui che, di nuovo negli anni, ha collezionato il numero più alto di sfortune, anche nelle cose più piccole e banali. Un giorno faremo un libro dove raccontarle tutte e magari lo venderemo pure!

Sempre a Telese c’è un membro ancora da ringraziare. Se volessi sapere qualcosa a livello storico la chiederei indubbiamente a lui, sebbene non voglia assecondare questa sua dote e ovviamente sto parlando di Francesco che non significa nulla se non dico Nino. Il piccino del gruppo ma anche tu compagno fidato nerd e pazzoide alla guida (però sei tranquillo lo stesso dai, nei limiti) e persona pacata con cui poterci fare qualsiasi discorso. Tranne quando ti impunti a comprare ancora Samsung ma non vorrei fare lotta di marchi in questo elaborato.

Comunque sia, e scherzi a parte, sono davvero molto contento di averti conosciuto e pensando alle grosse aspirazioni che hai ti mando un grosso in bocca al lupo, conscio del fatto che sono sicuro tu possa fare tutto quello che vuoi, nonostante le varie difficoltà che incontrerai. Come quella di un prof che non ascolta la tua richiesta, a problemi più seri di un esame universitario. Quindi, son sicuro, avrai

57

successo come hai successo nelle campagne di Europa Universalis IV! Quando sarai qualcuno di importante ricordati che un assegno a me per il sostegno potresti anche firmarmelo!

Una dedica speciale ed un ringraziamento vanno agli amici e, ormai, ex coinquilini Romualdo ed Andrea con i quali ho condiviso innumerevoli pasti, risate, uscite, discorsi, paure e riflessioni. Grazie Romualdo per le tante volte che mi hai preparato qualche pietanza che mai avrei fatto da solo (tutt’ora) e per le birre ed i consigli pre-viaggio per il mio mini tour londinese. Grazie Andrea per essere la persona deliziosa che sei e con la quale ci si può confrontare praticamente su tutto. Sfido tutti a trovare di meglio!

Ultima, ma non certo per importanza, devo ringraziare te, mia amata Checca.

Innumerevoli volte ti ho scritto e detto ci come sono stato ammaliato dal tuo sorriso fin da subito. E tu da sempre sei stata compagna fidata di tutti i miei timori, i miei drammi infondati e paure non verificate, e mi hai sempre capito ed inquadrato in un tempo straordinariamente corto. Sei una donna che sta creando il suo futuro e, nonostante ogni mese tu mi fai un rapporto molto esteso la tua ansia per il futuro, mentre tu vedi tutto annebbiato io cerco di farti vedere quanta strada hai già fatto e quanta ne puoi fare ancora. È il nostro modo di supportarci a vicenda, vedere il meglio dell’altro e saperlo innalzare quando è necessario, quando invece che scalare la montagna, sembra di cadere giù. Sei importantissima nella mia di scalata e spero di esserlo nella tua tanto quanto lo sei tu viceversa.

Grazie per tutto ciò che sei e rappresenti e che so che rappresenterai. Ti amo.

E ancora una volta colgo l’occasione di ringraziare chiunque creda anche solo un poco in me e nelle mie capacità. Mi nutrirò di questa fiducia per ripagarla in tanti successi e che questo sia solo l’inizio.

Ad Maiora!

58

SITOGRAFIA

505 Games: https://bit.ly/505games_lastdayofjune Steam: https://bit.ly/steam_lastdayofjune Wired – Intervista a Massimo Guarini: https://bit.ly/intervista_guarini SmartWorld – Intervista a Massimo Guarini: https://bit.ly/sw_intervistaguarini Making of Last Day of June: https://youtu.be/7smOfrUStEE (parte uno) https://youtu.be/yvTj17V9kgo (parte due) Drive Home di Steven Wilson: https://youtu.be/ycYewhiaVBk Frankenweenie di Tim Burton: https://youtu.be/oZ_7ibdX43s Intervista integrale di Jess Cope: http://bit.ly/copeandwilson_interview The raven that refused to sing di Steven Wilson: https://youtu.be/n8sLcvWG1M4 Hajo Müller sito ufficiale: https://www.hajo-art.com/ Guthrie Govan pagina ufficiale: http://bit.ly/govanofficialpage Onorificenza a Edward Gorey: http://bit.ly/GoweyNYT Here Comes Revenge dei Metallica: https://youtu.be/FpF8Wa2yQH0 Analisi sul gioco di The Shelter: https://bit.ly/analisi_lastdayofjune Tema violenza e videogiochi: http://bit.ly/violenzaevideogiochi Kelli Dunlap, psicologa e game designer: https://dunlappsyd.com/ Lancio dei DVG: http://bit.ly/dvg_lancio Intervista a David Cage durante i BAFTA: http://bit.ly/intervista_cage_bafta 59

TellTale Games: https://telltale.com/ La bancarotta di TellTale Games: http://bit.ly/telltale_bancarotta The Last of Us – Parte II: http://bit.ly/thelastofus_sitoofficial Intervista al direttore creativo di Life Is Strange: http://bit.ly/creativedirectorlis Classificazione dei videogiochi: http://bit.ly/classificazionegiochi

60

BIBLIOGRAFIA Burton Tim, 2006, Burton on Burton – Revised Edition, UK, Faber Limited, trad. it. a cura di Gualtiero De Marinis, Salisbury Mark, 2010, Milano, Feltrinelli.

61

INDICE DELLE FIGURE Figura 1 – “Drive Home” Steven Wilson ................................................................ 3 Figura 2 – “Last Day of June” immagine in-game .................................................. 3 Figura 3 - "The Raven Who Refused to Sing" di Steven Wilson ............................ 7 Figura 4 - Murasaki Baby, il primo gioco firmato Ovosonico ................................ 8 Figura 5 - Murasaki Baby, il macabro delle scene di gioco .................................. 10 Figura 6 - Elementi surreali all'interno del gioco Murasaki Baby ......................... 11 Figura 7 - I personaggi del videogame .................................................................. 13 Figura 8 - Uno dei ritratti per viaggiare nello spazio-tempo ................................. 14 Figura 9 - Immagine in-game di una delle prime scene giocabili ......................... 16 Figura 10 - Immagine in-game .............................................................................. 18 Figura 11 - Prima scena del gioco ......................................................................... 22 Figura 12 - Carl dona un fiore a June .................................................................... 23 Figura 13 - Effetto sfocatura del gioco .................................................................. 24 Figura 14 - Fine prologo ........................................................................................ 24 Figura 15 - Riferimenti artistici ............................................................................. 25 Figura 16 - I tasselli del gioco ............................................................................... 27 Figura 17 - Bolle da collezionare in-game............................................................. 28 Figura 18 - I tasselli "variabili".............................................................................. 29 Figura 19 - Completando il puzzle ........................................................................ 30 Figura 20 - L'ora della tragedia .............................................................................. 31 Figura 21 - Lo stupore di Carl ............................................................................... 32 Figura 22 - Comincia a sgretolarsi il mondo di gioco ........................................... 33 Figura 23 - La tomba dell'amata ............................................................................ 34 Figura 24 - June demolisce il mondo di gioco ....................................................... 35 Figura 25 - L'idea ................................................................................................... 36 Figura 26 - l'inaspettato finale ............................................................................... 37 Figura 27 - Ultima scena di gioco .......................................................................... 38

62

Figura 28 - Dati di vendita videogames, suddivisi per genere videoludico, USA, 2018 ....................................................................................................................... 41 Figura 29 - TellTale Games "The Walking Dead" stagione 4 ............................... 46 Figura 30 - Batman - TellTale Series - Stagione 1 ................................................ 46 Figura 31 - Life Is Strange acclamato titolo firmato Dontnod Entertainment ....... 48

63