Revista ALTUM 3

CONTENIDO

1 Editorial

Arquitecta Ana María de García Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño

2 Retórica en la comunicación: El diseño como proceso proyectual de innovación, Licenciada Ana Mercedes Gallardo Ceballos

6 Importancia de los códigos en la comunicación

Christian Dereck Morales, Mtro. en Diseño Gráfico con especialización en Planning

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El profesionalismo de un diseñador de interiores

Mónica Ajcivinac Nowell, BA en Decoración de Ambientes

14 Tendencia: Coalición de tecnología y diseño, Licenciada Manola Flores

CONSEJO EDITORIAL

Dirección: Ana María Cruz de García, Decana Facultad de Arquitectura y Diseño UNIS Subdirección: María Estela de Tobar Diseño: Luis Quel Edición y producción: Thelma Castillo Avenida Las Américas 20-21, zona 14 Edificio Bellini Apto. 201, Guatemala, C.A. 001014 Impresión: Ipress Año 1, Número 3, Guatemala 2013 © Universidad del Istmo, Facultad de Arquitectura y Diseño Ciudad de Guatemala PBX (502) 2429-1400 www.unis.edu.gt

Portada. Huipil bordado a mano usado por las mujeres en San Andrés Xecul, Totonicapán. C. 1970.

Contraportada. Sobre-huipil. Las mujeres que pertenecen a la cofradía se lo colocan sobre el huipil de diario cuando participan en ceremonias públicas o religiosas. Santa Lucía Utatlán, Sololá.

Colección Olga Alejos de Mirón - COAM

Mtra. Carmen María del Rosario Miralbés de Polanco

ASODI, Asociación de Interiorismo de Guatemala Mónica Ajcivinac Nowell

BA en Decoración de Ambientes

El Centro de Thrissur, India

Arquitecta Andrea Monedero Morales

¿Cuándo la arquitectura es una obra de arte? Mtro. en Arquitectura Wolfgang Schoenbeck

El valor de un anuncio Publicista Rodolfo Clautier

La creatividad como una forma de vida: A la luz del enfoque sobre creatividad de Alfonzo López Quintás

Angélica Estrada Hernández, Licenciada en Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad Magister en Docencia de Valores

EDITORIAL

Por este medio rendimos tributo a la memoria de doña Olga Alejos Matheu de Mirón, por apoyo a la UNIS y su gran generosidad.

De ella, su hija María Marta nos cuenta que nació en la ciudad de Guatemala en1920. Sus padres fueron Alfonso Alejos de la Cerda y Marta Matheu Cofiño. Varios años de su niñez los vivió entre la capital y Retalhuleu. Se casó con el caficultor José Mirón Muñoz. Vivió por muchos años en la Finca El Parraxé, Samayac, Suchitepéquez. Del matrimonio nacieron cuatro hijos: José, María Marta, Olga y Alfonso. Siempre se interesó por ayudar a las personas que pasaron a su lado o que buscaban su ayuda y consuelo. Empezó colaborando con las señoras de San Vicente de Paúl.

En la finca cuidó de la salud de las personas que ahí trabajan, acompañaba al médico que llegaba los sábados por la tarde, dirigía la clínica el resto de la semana e invitaba a desayunar y a almorzar a los niños que veía desnutridos. Insistió en la vacunación, convenciendo con mucho esfuerzo y paciencia a las mamás, haciéndoles ver que valía la pena que a los niños les provocara calentura por causa de la vacuna, pues así se harían resistentes a las enfermedades.

Se esforzó porque la escuela estuviera bien atendida y por convencer a las mamás de la necesidad que tenían los niños de aprender a leer y escribir. Le resultaba difícil que a las niñas las mandaran a quinto y sexto grado. Una vez logrado, procuraba premiar tanto a mamás como a niñas por el esfuerzo que esto les representaba. Ya en Guatemala, organizó una convivencia en la Escuela Zunil para que vinieran a la capital y conocieran una oportunidad para que sus hijas pudieran seguir estudiando, lo que tuvo buenos resultados.

Ana María de García Decana de la Facultad de Arquitectura y Diseño Universidad del Istmo

Se preocupó por llevar catequistas a la finca para enseñar a los adultos y ella misma dio clases de catecismo a los niños, logrando introducir las costumbres católicas del matrimonio y demás sacramentos, las devociones a la Virgen, el rezo y misa por los difuntos, etc.

Entre sus múltiples actividades sociales participó en la fundación del Club Jardín, fue fundadora de la Escuela Junkabal y miembro del Patronato que ayudó a buscar los fondos necesarios para su funcionamiento durante muchos años.

Su interés por conocer y conservar los tejidos y trajes típicos de los diferentes pueblos de Guatemala, la llevó a organizar desfiles y presentaciones, una de las cuales fue muy exitosa y conocida: Estampas de mi Tierra. Los ingresos obtenidos con estas y otras muchas actividades, los entregaba para ayudar al sostenimiento económico de la Escuela Junkabal.

No dejaba pasar la oportunidad de servir al prójimo. Tras un desafortunado accidente, que la confinó a una silla de ruedas, siguió manteniendo su vida de piedad y su interés por aquellas obras que había ayudado a crecer. A pesar del dolor de una múltiple fractura de fémur y las incomodidades de no poder moverse como estaba acostumbrada a hacerlo, nunca perdió su sonrisa, su palabra y gestos de cariño por quienes la rodeaban y visitaban. Asistía diariamente a la Santa Misa, hasta que le fue imposible seguir. Le gustaba celebrar su cumpleaños, aun cuando su salud empezaba a menguar y sus capacidades se iban reduciendo. Recibió con gran alegría la Unción de Enfermos de manos de su nieto, sacramento que recibiría muchas veces, hasta que una mañana del domingo 14 de julio de 2013, entregó serenamente su alma al Señor.

Licenciada Ana Mercedes Gallardo Ceballos

No es sorprendente que los alumnos ingresen a la Licenciatura en Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad habiéndose interesado en el Diseño como pura forma de expresión pero, más todavía, en la relación estrecha entre la disciplina y la tecnología. Después de todo, exceptuando a los centros escolares que poseen Bachillerato en Diseño Gráfico, la educación secundaria no cultiva las habilidades cognitivas creativas necesarias para entender la complejidad del diseño como proceso proyectual de innovación.

RICA EN LA C O mu NICACI ó N El diseno como proceso

proyectual de innovacion

ARubén Fontana la formación universitaria le parece esencial para abarcar la temática y generalidades del diseño, entendiendo que por esta disciplina se cruzan a diario aspectos sociales, psicológicos, históricos, conceptuales, lingüísticos, morfológicos y metodológicos, entre muchos otros.

Para la innovación, un cambio de mentalidad se motiva en los estudiantes: “aprender a diseñar”. Al adquirir ese aprendizaje, la persona se da cuenta de la importancia del diseño para la sociedad. Generar marcas, productos, innovar procesos, trabajar con otras disciplinas para solucionar necesidades de comunicación, etc., no se logra sin entender la realidad de la materia. Por lo tanto, cabe aclarar que se solicita el conocimiento de conceptos teóricos fundamentales para aplicar en la práctica, en la innovación y así comprobar repetidamente que funcionan. ¿Cómo aprender a diseñar?, ¿qué conceptos básicos enseñar y tomar en cuenta?

Algunos podrán decir que en su oficina de diseño se aprende principalmente cuando se utiliza el sentido común, se escucha a los asesores y, sobre todo, al cliente. También, mediante el intercambio espontáneo y responsable de opiniones sobre los objetivos que se desean cumplir y las actividades que se realizan. Alrededor de este concepto se desarrolla una manera de encarar los trabajos que en una primera etapa son lentos, pero en cuando surgen la claridad y los acuerdos, se desarrollan de manera veloz y eficiente. La práctica cotidiana, entonces, es la que permite ratificar los conceptos, la que confirma día a día si las ideas son válidas o no.

El diseño y la comunicación se dan en función de la sociedad. El diseñador tiene que ser consciente

de que se diseña para los otros y no para sí mismo. Debe aplicar la intuición, innovar y reconocer las circunstancias culturales de la época, así como también estar suficientemente informado acerca de la cultura de la audiencia de ese mensaje. Entonces la limitante de ambas disciplinas debe ser la necesidad, el lugar de pensamiento o tropos (término retórico) donde las personas, usualmente receptoras, coinciden. Para que sean disciplinas satisfactorias, como ya se sabe, cumplen un fin, funcionan y lo hacen indiscutiblemente mediante un determinado proceso.

A través del tiempo, diversos autores han formulado distintas explicaciones, por ejemplo Wicious Wung conceptualiza el aprendizaje del diseño por medio de principios y fundamentos.

Sin embargo, la disciplina del diseño se encuentra en un proceso de formación. Está siendo inventada a través de la exploración de los conductos, las tecnologías y los métodos específicos que se adaptan a las circunstancias cambiantes de la cultura contemporánea.

Las disciplinas o artes del diseño se realizan mediante las virtudes intelectuales de los diseñadores. Richard Buchanan en su texto Retórica, Humanismo y Diseño destaca que los diseñadores deben de poseer ciertas competencias: (1) curiosos e inventivos, ir más allá al atender problemas de diseño, (2) capaces de juzgar, autocriticarse sobre cuáles de sus invenciones son construcciones viables y cuáles no, dependiendo de las condiciones; (3) capaces de relacionarse y participar con otros, incluyendo a especialistas técnicos de distintas áreas, en los procesos de toma de decisiones por medio de los cuales se desarrollan productos desde su concepción hasta su producción, distribución, desecho

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y reciclaje; (4) capaces de evaluar el valor objetivo de los productos en términos de las necesidades de los fabricantes, los usuarios individuales y la sociedad en general; y (5) capaces de incorporar apropiadamente las ideas en formas expresivas a lo largo del proceso de concepción y planeación. Es decir que, las disciplinas del diseño están dotadas por las habilidades retóricas de los diseñadores.

La retórica permite la posibilidad de sistematizar la disciplina del diseño para explicar cómo los diseñadores inventan y desarrollan los argumentos contenidos en sus productos y cómo los diseñadores pueden presentar sus ideas de manera persuasiva ante los clientes y otros miembros de los equipos de desarrollo de productos.

El patrón de la retórica en el diseño del siglo XX se cimenta sobre los conceptos que, establecidos en la

primera etapa de la formación de la teoría retórica, se adaptaron y desarrollaron para satisfacer a las circunstancias cambiantes. En los primeros períodos de la cultura occidental, cuando la retórica estaba orientada hacia las palabras y los argumentos verbales, las divisiones tradicionales de la retórica eran la invención (encontrar qué decir, encontrar los argumentos), el juicio, la disposición (planeación de la secuencia del argumento), la deliberación (elección del vehículo adecuado para presentar los argumentos ante los distintos públicos) y la expresión (selección de la incorporación estilística apropiada de los argumentos).

La deliberación en el diseño admite argumentos: los planes, las propuestas, los bosquejos, los modelos y los prototipos que los diseñadores presentan como la base para el entendimiento, la acción práctica o la producción.

En la nueva retórica del diseño y la tecnología del siglo XX, donde siempre el esfuerzo es superar la separación entre las palabras y las cosas, las divisiones tradicionales de la retórica se presentan para dar coherencia a la investigación. La investigación del diseño en los centros donde se combina teoría y práctica giran alrededor de cuatro temas: invención y comunicación, juicio y construcción, toma de decisiones y planeación estratégica, así como evaluación e integración sistemática. Estos temas sugieren asuntos y problemas que existen detrás del cambiante debate sobre el diseño durante los últimos setenta años.

El diseño es el arte retórico de darle forma a los argumentos sobre el mundo artificial o creado por el ser humano, argumentos que pueden llevarse a las actividades concretas de la producción, con resultados objetivos que al final son juzgados por los individuos, los grupos y la sociedad.

Bibliografía

Aristóteles: Retórica, Madrid: Gredos, 1990

Buchanan Richard: “Problemas indeterminados en el Pensamiento del Diseño”, Ediciones de Diseño, 8, No. 2 (Primavera 1992): 5-21

Fontana Rubén: El Gallo Ciego, México: Enuadre, 2004

Gutierrez M. Luis Daniel: Voces del diseño desde la visión de Aristóteles, México: Encuadre/Universidad Iberoamericana, León, 2008.

Rivera D. Luis Antonio: La Retórica en el diseño Gráfico, México: Enucuadre, 2007

Tapia, Alejandro: 2007 Retórica de la información [en línea] <http://elarboldelaretorica.blogspot.com/2007/03/retricade-la-informacin.html> [consulta: 5/07/13]

Tapia, Alejandro: 2007 Las cinco partes de la retórica [en línea] <http://elarboldelaretorica.blogspot.com/2007/03/las-cincopartes-de-la-retrica.html> [consulta: 5/07/13]

Importancia de los codigos

Christian Dereck Morales, Mtro. en Diseño Gráfico con especialización en Planning

Muchas veces los comunicadores y publicistas estamos inmersos en un “mundo paralelo”, buscando conceptos innovadores, que nos diferencien, dentro del mar de mensajes que están allá afuera; o en el peor de los casos, buscando ganar premios o alguna distinción. No digo que esto esté mal, lo que propongo es que recordemos la esencia de la comunicación, una fórmula sencilla: “Emisor - Mensaje (códigos) - Receptor - Contexto”. Al final de todo, nuestro trabajo es comunicar un mensaje de forma clara; y por eso me pareció oportuno compartir este artículo, donde se exponen estos elementos básicos que harán que nuestra comunicación sea efectiva.

¿Qué es comunicación?

La comunicación puede entenderse como un proceso de intercambio de mensajes entre individuos e implica la transmisión y recepción de ideas, información y sentimientos.

Es el proceso mediante el cual un determinado mensaje originado en el punto A llega a otro punto determinado B, distante del anterior en el espacio o en el tiempo. Implica que exista un emisor, que inicia la comunicación, y un receptor a quien va dirigido el mensaje. Este proceso conlleva varios elementos:

Emisor: es la persona que se encarga de transmitir el mensaje. Esta persona elije y selecciona los signos que le convienen, es decir, realiza un proceso de codificación; codifica el mensaje.

Receptor: es la persona a quien va dirigida la comunicación; realiza un proceso inverso al del emisor, ya que descifra e interpreta los signos elegidos por el emisor; es decir, descodifica el mensaje.

Mensaje: Es el producto físico real de la fuente codificadora. Es el código o el grupo de símbolos que se usan para transferir el significado o contenido del mensaje. Las decisiones que se toman al seleccionar y arreglar tanto la codificación como el contenido, afectan nuestro mensaje.

codigos en la comunicacion

Código: Los códigos de comunicación son el conjunto de leyes y convenciones establecidas, conocidos de forma común por el emisor y el receptor y que conforman el sustrato que posibilita la comunicación. Un código es un sistema de signos y reglas para combinarlos, que tiene significados específicos y permite transmitir el mensaje desde la fuente o emisor hasta el punto de destino o receptor. El código debe ser compartido por el emisor y el receptor para que el mensaje llegue en forma efectiva y se de la comunicación.

Canal: El canal sería el medio a través del cual se transmite la comunicación. Al emisor le corresponde seleccionarlo.

Contexto: Son las circunstancias que rodean un hecho de comunicación se denominan contexto situacional (situación), es el contexto en que se transmite el mensaje y que contribuye a su significado.

La consideración del contexto situacional del mensaje es siempre necesaria para su adecuada descodificación. Para que se lleve a cabo una comunicación efectiva, el emisor debe condicionar su mensaje (contenidos, forma, etc.) en función del receptor (cultura, ubicación, nivel educativo, capacidades, etc.) y viceversa. El receptor selecciona o da respuesta al mensaje en función de las características y contexto del emisor. El contexto también define el canal o medio por medio del cual se hace llegar el mensaje al receptor y el código que se utiliza para transmitir ese mensaje.

Si no utilizamos el código adecuado al contexto, la comunicación fracasará y el receptor no recibirá el mensaje que queremos transmitir.

Para que estos códigos sean útiles, el emisor y el receptor deben compartir sus significados. Tanto en el caso de los códigos lingüísticos, como en el de los no lingüísticos, el contexto cultural es clave, porque no sólo los idiomas varían, sino que los íconos pueden tener distintos significados. Por eso, es importantísimo conocer el contexto donde se llevará a cabo el proceso de la comunicación y así poder seleccionar los códigos apropiados.

Comunicación efectiva

La comunicación se lleva a cabo con un propósito o intención de parte de quien inicia el proceso (emisor), quien espera tener una respuesta de parte de quien la recibe (el receptor).

D

DI SEÑO

La comunicación efectiva es el acto de darse a entender correctamente, usando uno o varios códigos. Es la comunicación que a través de buenas destrezas y formas de comunicación, logra el propósito de lo que se quiere transmitir o recibir.

Una comunicación efectiva se da cuando el mensaje logra trasmitir las ideas que intentaba comunicar el emisor y genera una respuesta positiva del receptor, tomando las acciones y actitudes que se buscaban al iniciar el proceso de comunicación. La idea es que el receptor del mensaje comprenda el significado y la intención de lo que se está comunicando.

Cuando el mensaje llega al receptor, y éste interpreta el mensaje de manera precisa, se dice que existe fidelidad. Pero en toda forma de comunicación se pierde algo del significado al transmitir el mensaje de un emisor a un receptor, y la comunicación efectiva busca eliminar o minimizar esta “fuga”.

Códigos en la comunicación efectiva Los códigos son la base para lograr la comunicación efectiva porque en ellos se fundamenta la transmisión del mensaje. Un código es un sistema de signos que, por convención previa, está destinado a representar algo y a transmitir información desde la fuente hasta el punto de destino.

Cada signo que forma parte de un código está asociado a una convención socialmente aceptada y representa una idea o contenido. En otras palabras, cada signo es la unión de un significado con un significante; es decir un símbolo puesto en relación con un objeto, acción, sentimiento que representa.

Por lo tanto, el código es vital para que se de el proceso de comunicación y que el emisor pueda trasmitir en forma efectiva un mensaje al receptor y obtenga de él la respuesta esperada.

Emisor y receptor en la comunicación efectiva

• Comunicar significa transmitir ideas y pensamientos con el objetivo de ponerlos “en común” con el otro. Así pues, necesariamente, la

comunicación exige la utilización de un código compartido entre el emisor y el receptor.

• Un código es un sistema de signos que, por convención previa, está destinado a representar algo y a transmitir información desde la fuente hasta el punto de destino.

• Para que se establezca una comunicación efectiva, el emisor y el receptor deben tener conocimiento común del código por medio del cual se transmite el mensaje. Por lo tanto, el buen uso de códigos es vital para que se dé el proceso de comunicación y que el emisor pueda trasmitir en forma efectiva un mensaje al receptor y obtenga de él la respuesta esperada.

• Para captar, comprender e interpretar adecuadamente el mensaje el receptor debe decodificar el código usado por el emisor. Esta decodificación es un proceso complejo porque los códigos cambian constantemente, de acuerdo a las épocas y porque dependiendo del contexto, los signos pueden tener diferentes significados.

Bibliografía

Apoyo Lingua.com [en línea]. Denotación y Connotación. Disponible en Internet: http://www.apoyolingua.com/ gramatica/denotacion_connotacion.html

CEDE, Equipo de profesores del centro documentación. Lenguaje y comunicación. Competencia lingüística y competencia comunicativa. CEDE, Colombia. Disponible en Internet: https://www.serina.es/empresas/cede_muestra/.../TEMA%20 MUESTRA.pdf

David Gómez. Módulo 6: Comunicación Visual. 2003. Disponible en Internet: http://cv.uoc.edu/~dgomezf/revisiografics12003/moduls/M6e1-procesos_com_vis.htm

Eco Umberto: La estructura ausente, Introducción a la Semiótica. Disponible en Internet: http://www.upv.es/laboluz/leer/books/eco_estructura_ausente.pdf

Estudios Simbiosis [en línea]. Historia de la Comunicación. Disponible en Internet: http://www.estudiosimbiosis.com.ar/comunicacion/historia.html

RRPPnet [en línea]. Historia de la Comunicación. Disponible en Internet: http://www.rrppnet.com.ar/hiscomunicacion.htm

Sosa Sálico, Mariano: Comunicación. Propósito de la Comunicación. 2006. Disponible en Internet: http://www.gestiopolis.com/recursos/documentos/fulldocs/ rrhh1/rrhhmariano.htm

Web.2 [en línea]. Comunicación. Disponible en Internet: http:// comunicacion.idoneos.com/

profesionalismo de un Disenador de Interiores

Mónica Ajcivinac Nowell BA en Decoración de Ambientes

Hoy en día, hablar de un Diseñador de Interiores es un tema de actualidad, su trabajo ya no significa un lujo, sino más bien, una necesidad. ¿En qué radica su labor profesional?

El Diseño de interiores

El diseño, a nivel general, produce fuertes estímulos visuales, por lo que tiende a manejarse una idea errónea sobre su vinculación exclusiva a colores y formas. Es necesario saber que el «interiorismo» es una disciplina especializada en donde, además de tomarse en cuenta la estética, se estudian aspectos de funcionalidad y uso con respecto de las actividades que se desean efectuar o ya se realizan en cada uno de los espacios donde habitan, transitan, conviven y trabajan los seres humanos, tales como las viviendas, oficinas, restaurantes, tiendas de productos comerciales, sitios recreacionales (teatro, cines, galerías de arte, museos) e incluso jardines.

Un proyecto está respaldado por una investigación sólida y una planificación, acompañadas de entrevistas, lecturas e indagación que buscan soluciones óptimas, prácticas y viables para materializar las ideas y necesidades que demandan los usuarios. El proceso también integra el conocimiento y habilidad de un equipo multidisciplinario, en el que cada miembro aporta lo mejor de sí.

Es un servicio orientado al cliente, en el que se sensibilizan gustos y armonías, a través de una comunicación asertiva, confiable y productiva.

Los rasgos culturales de cada sociedad generan tendencias inmediatas que influyen en el desarrollo de cada espacio; se recrean sensaciones a partir de la combinación de materiales, texturas, iluminación, ventilación, mobiliario y objetos ordinarios como peculiares que hagan de cada sitio una unidad coherente y personalizada; es ahí donde radica la necesidad de esta profesión, entender la personalidad de cada usuario, para ofrecerle la mejor respuesta a su demanda.

Los diseñadores de interiores, ¿necesitan estudios universitarios?

Sí, la educación es una herramienta evolutiva, conectada desde siempre al ser humano: aprender y enseñar es una actividad natural, sobre todo, necesaria; ya que impacta directamente en la cultura propia de cada país.

Una carrera educativa, ya sea técnica, científica o intelectual, siempre apoyará el talento y habilidad de una persona, puesto que la teoría también fortalece la conciencia y racionalidad de los seres humanos; permite indagar y explotar capacidades cognitivas con el fin de encontrar respuesta a uno y varios «por qué».

En cuanto a diseño, específicamente, me gusta hacer referencia a las sociedades primitivas alrededor del mundo, ya que desarrollaron procesos de creación y fabricación de forma muy empírica y en respuesta a las necesidades diarias que surgían, tales como comer, caminar, dormir. En un inicio fueron nómadas y más adelante se convirtieron en sedentarios, cambio que les obligó a construir viviendas, palacios, sitios recreacionales y religiosos que eran complementados con ornamentos elaborados por artesanos, escultores y pintores, quienes empleaban materiales naturales (rocas, tintes, tejidos y pieles de animales).

En mi opinión, todo lo anterior fue de muy buena calidad, ya que hoy por hoy muchas de dichas construcciones

permanecen en pie y fomentan la actividad turística en distintos países. Sin embrgo, las sociedades siempre cambian ya que sus integrantes, naturalmente, ansían evolucionar y uno de los medios que han fortalecido para el efecto, es la educación.

Algunos de los interioristas más reconocidos, por su trabajo y desempeño profesional, son nativos de países industrializados en donde desde inicios del siglo XX se promovió la estandarización y organización de programas de estudio que fortalecieran, con una formación técnica, las capacidades artísticas de los seres humanos. En este tiempo la palabra «diseño» cobra vida y busca el desarrollo de metodologías proyectuales que se enfoquen en solucionar problemas y necesidades, en relación al uso de objetos y realización de actividades cotidianas, apoyando también la economía regional:

• Alemania, donde se originaron las primeras Escuelas de Diseño (Deutsche Werkbund, 1907; Bauhaus, 1919; Ulm, 1955) que promocionan a los diseñadores como consejeros artísticos, especializados en un trabajo manual y utilitario.

• Estados Unidos, que después de la Segunda Guerra Mundial recibió a expertos alemanes quienes se encargaron de inducir la corriente del “Good Design”.

• Inglaterra fomentó una aproximación científica al diseño con la fundación del Royal College of Art (1961) y un departamento de investigación de diseño dentro del mismo.

• Italia impulsó escuelas de investigación en diseño, ligadas al arte e ideas vanguardistas; los diseñadores italianos se formaban como arquitectos y más adelante se especializaban como artistas individuales. Son reconocidos por su «Diseño Radical» a partir del cual fabricaban objetos sofisticados, vanguardistas y decorativos (muebles, lámparas, accesorios).

• España definió el diseño como un fenómeno cultural, más que económico; en 1957 se fundó el Instituto de Diseño de Barcelona, el cual generó el deseo de instalar otras escuelas de la misma temática. Actualmente, las empresas de diseño están integradas por profesionales de distintas ramas complementarias, por lo que ofrecen un servicio flexible y cargado de diversidad creativa.

• Francia, apoyó actividades de creación y estética desde finales del siglo XIX pero a los diseñadores sólo los reconoce como «estilistas»; ha participado en la creación de consejos internacionales de diseño y es la nación de origen de Philippe Starck, uno de los mejores interioristas del siglo XXI.

Latinoamérica, evidentemente, ha tenido un desarrollo diferente; por lo que es a partir de la década de los 60, fruto del tráfico de información e influencia de los países mencionados anteriormente, cuando se involucra el «diseño» en la oferta educativa de la región: Argentina con las Universidades de La Plata Y Mendoza, el Instituto de Diseño de Rosario (1962), las carreras de Diseño en la Universidad de Buenos Aires/UBA (1980) y, Brasil y México, con programas que promueven la identidad y creación local.

Si se hizo un rápido recuento de cómo la formación educativa en cada región ha promovido avances sociales,

Ejemplo de diseño radical italiano.

económicos y culturales a través de los años, es para resaltar la importancia de una identidad nacional y cómo los ciudadanos pueden impulsarla, a través de la observación y valoración del talento y capacidad de cada uno de los integrantes de la sociedad.

Eso se logra aprovechando su labor profesional a favor de una mejor calidad de vida, haciendo a un lado los tabúes de fuertes influencias internacionales que refieren el trabajo de un interiorista como un lujo o capricho, y favoreciendo un diseño de calidad, accesible, eficiente, efectivo, comprometido y sobre todo, guatemalteco.

¿Ser profesional o ser persona?

Lo planteo como una interrogante, ya que a menudo conozco personas que practican profesiones laborales y sólo se preocupan por destacar la tenencia de un «título» por encima de quienes realmente son como personas y los roles que desempeñan como hombres o mujeres.

Si bien se habló sobre la formación educativa y su importancia, esto no significa que lo intelectual debe ser desligado del sentido humanístico de la vida; por el contrario, el aprendizaje debería ser una actividad entretenida, asertiva e integradora, en la que también se deben abarcar los valores de disciplina, respeto, responsabilidad, organización y ética, adoptándolos como un compromiso individual y colectivo. Los padres y madres de familia son los primeros educadores en cada hogar y más adelante, ya vendrán otros maestros en centros educativos primarios, básicos y universitarios, que apoyen esta tarea.

Desde mi perspectiva, considero que la educación, en Guatemala,

es generalmente dictatorial, en el sentido que todos acuden a ella por obligación o seguimiento de un patrón. No existe una comunicación asertiva entre adultos y niños e incluso entre adolescentes y los mismos adultos en la que se puedan explicar las razones coherentes y reales de por qué asistir a una institución educativa.

En lo personal, creo que sería mejor manejar un diálogo sincero, en el que se expliquen las razones de la importancia del estudo y de lo que implica ‘aprender’. Las personas crecerían con otra visión, plantearían metas más firmes y tomarían mayor responsabilidad sobre cada acción que realicen. Los patrones de comportamiento cambiarían, las próximas generaciones entenderían la educación como una puerta al desarrollo como personas, que directamente influiría en las sociedades. Los seres humanos se tomarían el tiempo de ser autónomos y conocerse a sí mismos, dejando a un lado la actitud de idolatrar su talento o inteligencia, entendiendo de dónde provienen sus capacidades y el origen de la vida.

Se puede ser profesional, pero antes, se debe ser persona.

Tendencia

Coalicion de Tecnologiay

Licenciada Manola Flores diseño

Por largo tiempo los entusiastas de la tecnología, arquitectos y diseñadores han batallado con la paradoja de considerar la integración de los sistemas de tecnología a su trabajo, ya que estos parecen representar adaptaciones complejas que pueden alterar la armonía del diseño arquitectónico de cualquier espacio. Sin embargo, este “aparente reto” presenta oportunidades únicas que alrededor del mundo ya están siendo aprovechadas.

Tal es el caso del primer lugar en 2012, otorgado por la AMDI (Asociación Mexicana de Diseñadores de Interiores) a un apartamento en México que está completamente automatizado. Este prestigioso galardón en años anteriores lo habían ganado proyectos como un museo mexicano. Aunque este hogar no tiene el tamaño de un museo, cuenta con un estilo único, digno de una obra de arte.

De esta manera observamos que la tendencia de la domótica y las nuevas construcciones inteligentes son producto de adaptar la tecnología disponible al diseño. Tal es el caso de la artesanía, que ahora es posible moldearla a un proyecto, de manera que cualquier arquitectura extraordinaria tenga el potencial de ser impresionante. La automatización es una directriz que asegura el inmueble para el futuro, porque incluye toda la tecnología de vanguardia que le gustará y podrá satisfacer al comprador del mañana. Honrando los diseños arquitectónicos, busca incorporar las prioridades en entretenimiento, comodidad y eficiencia.

La clave para que la aplicación de de la automatización sea transcendente está en formar un equipo que esté completamente cohesionado de principio a fin. De esta forma trabajamos en Aktiva con los arquitectos, ingenieros y diseñadores de los proyectos para evaluar las necesidades de los clientes. Como expertos, sabemos que para lograr la perfecta y sutil incorporación de la tecnología a todo espacio no basta con colocar “inteligentemente” unas cuantas pantallas plasmas.

Para obtener resultados fascinantes, es necesario hacer que los sistemas logren mimetizarse con la decoración del espacio y prácticamente queden escondidos dentro de los techos, paredes, fachadas y mobiliario.

A través de la experiencia hemos descubierto los beneficios que un inmueble inteligente posee que hoy queremos compartir con usted:

BASADA EN CONTROL: la automatización le brinda el poder de decidir y diseñar todos los elementos de sus espacios. Desde la intensidad de la iluminación, la música en cada ambiente, las cerraduras de medios de ingreso, las horas a las cuales se deben abrir las cortinas; hasta controlar la demanda de energía lumínica de una residencia o edificio; todo esto controlado desde la palma de la mano. A través de cualquier dispositivo móvil un inmueble inteligente puede trabajar con solo el toque de un botón.

DISEÑO HABITABLE: un inmueble inteligente puede garantizarle que jamás volverá a hacer cosas como apagar las luminarias, o asegurarse que todas las puertas queden cerradas. Además de brindarle estas comodidades, un inmueble inteligente crea el escenario que sus habitantes deseen según su estado de ánimo, de esta manera puede hacer que el inmueble esté listo para recibir invitados o para pasar una velada íntima con la familia o la pareja.

STATUS y +VALÍA: la habilidad de que todos los sistemas trabajen para sus dueños, con fidelidad y de manera eficiente, puede cambiar las percepciones que tengan de ellos mismos. Por ejemplo, en diseño de interiores corporativos a través de sistemas de audiovisuales integrados se pueden realizar videoconferencias en tiempo real y presentaciones que transmitan contenidos multimedia desde cualquier parte del mundo, marcando un valor diferente que eleva la imagen de los mismos.

Consistentemente se ha observado que la integración de esta tendencia puede elevar el valor de un inmueble en un 10%.

INTEGRACIONES SIMPLEMENTE SOSTENIBLES:

la automatización tiene beneficios que van más allá de la estética y la comodidad, porque la eficiencia energética forma parte de ella. Se ha comprobado que el control de iluminación garantiza ahorros de hasta un 60%. a través del control de la atenuación, el uso de cortinas motorizadas, sensores de ocupación/vacancia, programación astronómica y respuesta a la demanda.

DISEÑO DE UNA VIDA MÁS FÁCIL: la integración de sistemas inteligentes se encarga de atender las necesidades más allá del entretenimiento, el sonido y la iluminación, tal es el caso de la seguridad, ya que permite integrar los sistemas para enviar notificaciones combinadas entre el correo electrónico o los mensajes

de texto con el control de las cámaras que permite a los dueños observar sus residencias desde cualquier parte del mundo. De igual manera se puede programar la hora de encender los sistemas de audio y entretenimiento para que funcionen como disuasivos hacia extraños.

Las posibilidades son infinitas, entre las cuales está la capacidad de permitir que en inmuebles donde se tienen niños o pacientes con discapacidades sean cuidados por sistemas de cámaras y sensores que colaboren con garantizar el bienestar de los mismos. Ejemplo de ello tenemos integraciones como las que realizaron los dueños del apartamento anteriormente mencionado, quienes con el nacimiento de su primer hijo realizaron ciertas adaptaciones a los sistemas, para que les ayudaran con la dura tarea. Los cambios fueron, la instalación de una pantalla táctil de 7” con cámara y micrófono integrado la cual, está conectada al sistema de entretenimiento permitiéndoles chequear al bebe mientras ellos están

disfrutando de algún programa de TV. Además a través del control del sistema de audio ponen canciones de cuna mientras él pequeño duerme en su habitación.

De esta manera, los sistemas de tecnología se han desarrollado para las diferentes necesidades que puede tener un inmueble. Ciertamente en todas las fases del diseño de un proyecto se evalúa e imagina como será cuando todo el bosquejo cobre vida, que matices y colores lo llenaran día a día, es entonces como hoy en día encontramos que la combinación y los detalles de esta tendencia garantizan que el resultado puede ser impresionante permitiéndonos abrir un nuevo horizonte en el diseño, una nueva alternativa para innovar y ampliar la creatividad. Este es un horizonte nuevo, es una coalición o más bien es la formación de una

amalgama perfecta entre tecnología y diseño que permite distinguir a un líder del resto. Permitiendo descubrir diseños habitables, diseños revolucionarios,

esta es una nueva herramienta para aquellos amantes de imaginar cómo se verá, cómo quedará plasmado su diseño, en el futuro.

Coleccion Olga Alejos de Miron -COAM-

Mtra. Carmen María del Rosario Miralbés de Polanco

Aprincipios de los años 1990, la Colección Olga Alejos de Mirón -COAM- fue donada por su dueña al -IFES- Instituto Femenino de Estudios Superiores. Es una colección de tejidos indígenas que, al ser inaugurada la Universidad del Istmo, fue trasladada a la Dirección de Diseño Industrial con especialización en Vestuario, dirección adjunta a la Facultad de Arquitectura.

Cuando se recibió la donación de la COAM en el IFES, se percibía como una colección valiosa que podía usarse como objeto de estudio y manipularse sin restricciones de conservación. Todavía se cuestionaba la urgencia de guardar los trajes indígenas porque en Guatemala no se reconocían como patrimonio cultural, pues su valor histórico y etnográfico era popularmente desconocido. No se percataron inmediatamente del tesoro que tenían entre manos, a pesar de que, en décadas anteriores se habían publicado varios estudios, principalmente escritos por profesionales extranjeros (O´Neale, Popenoe, etc.), los cuales propiciaron un nuevo enfoque hacia la cultura indígena guatemalteca e incentivaron el rescate de los tejidos locales. Ahora se está reevaluando el papel que desempeña la COAM en función de la conservación de la cultura y de la historia de la tradición textil guatemalteca.

La diversidad y colorido de los trajes indígenas y las diferentes formas de tejerlos, de adornarlos y de vestirlos fueron, probablemente, algunos de los incentivos que motivaron a la Sra. Alejos de Mirón a conformar su valiosa colección de tejidos etnográficos. En los Página opuesta, huipil de luto, usado por las mujeres de Quetzaltenango, Quetzaltenango. c.1970.

Esta página, fajas usadas por las mujeres de Totonicapán, Totonicapán. (De izq. a der.: c.1980, 1940, y 1960).

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años 1950, cuando ella comenzó a recolectarlos, todavía no se había popularizado la afición de coleccionarlos. Doña Olga visitaba asiduamente las comunidades donde adquiría los objetos y para poder relacionarlos, entrevistaba a personas indígenas prominentes y tejedoras de quienes obtenía información sobre el uso de las prendas y su contexto cultural. De esta forma, adquirió el conocimiento necesario para formar una colección ordenada con objetivos definidos. Se preocupó por incluir prendas que documentaran los cambios y estilos de la indumentaria, los cuales surgieron durante las décadas que ella coleccionó. Pero además, buscó tejidos de épocas anteriores para documentar parte de la historia de la tradición textil. De esta cuenta, logró adquirir objetos especiales e interesantes que datan de finales del siglo XIX hasta los años 1990, cuando dejó de coleccionar. Su temporalidad se extiende más o menos un siglo.

La colección contiene 2970 objetos registrados con tarjetas escritas por la coleccionista, y revisadas por la Sra. Olga Arriola de Geng. Éstas últimas incluyen algunas fechas y notas sobre la elaboración de los tejidos, el nombre del lugar de origen y algunas veces, notas etnográficas que dan valor a la colección. También se incluye un lote de objetos que carecen de sus tarjetas respectivas, el cual fue entregado posteriormente a la UNIS. Es por esto que se calcula que el número de objetos ascienda a más de 3200. Incluye ítems originarios de ciento doce comunidades diferentes, ubicadas en dieciséis departamentos; están representados dieciséis grupos lingüísticos, lo que incrementa su valor intrínseco; la calidad de las piezas en general es excelente, aunque sí existen algunas que necesitan tratamiento de conservación curativa.

La colección documenta variedad de estilos, usados según los cargos que ostentaban los usuarios dentro de la jerarquía religiosa y municipal; prendas ceremoniales, de uso diario, de luto: y otras especiales, con las que

vestían a los santos: entre otras. Por el número de trajes completos que se pueden conformar, aparentemente, uno de los objetivos de la coleccionista fue el de conformar una colección de trajes completos, cualidad que le da un valor agregado.

La cultura es dinámica y cambia constantemente, hecho que se refleja en los trajes indígenas a través de cambios de estilo, de tendencias en colores y materiales que se reflejan en las prendas que, aunque conservan su forma, muchas han perdido sus rasgos distintivos. Asimismo, se incluyen elementos modernos que hacen del traje una expresión cultural y social que requiere un estudio constante.

La guerra, los acuerdos de paz y los proyectos para la revaloración de la cultura maya, han propiciado una visión diferente de la importancia de las colecciones de los tejidos mayas, convirtiéndose en un medio de resguardo del patrimonio tangible e intangible, cuyo valor y bienestar es imperativo registrar y conservar para generaciones futuras.

Datos históricos que dan contexto al patrimonio maya-textil

La historia de la tradición textil guatemalteca se sustenta en más de dos mil años de existencia y se evidencia en los documentos antiguos donde aparecen personajes mayas ataviados con prendas diversas y complejas. Pocas perduraron, pero los estilos modernos de tocados, fajas, huipiles, cortes, entre otros, son reminiscentes de épocas anteriores. Para tejer la indumentaria de personajes importantes, se utilizaba la fibra que se obtenía de la planta de algodón, para el resto de la población se usaba la que se obtenía del maguey. En moldes y figurillas de cerámica, los artesanos prehispánicos dejaron registro no solo de las prendas, sino también de las técnicas utilizadas para tejer las telas con el telar de cintura. Los motivos con que se adornaban, se lograban con hilos suplementarios que flotaban a través

Su‘t o paño de cabeza, usado por los hombres para asistir a ceremonias religiosas o públicas. Chichicastenango, Quiché. ca. 1935.

de la urdimbre para formar los motivos brocados, los cuales se hacían mientras se tejían las telas, costumbre que ha perdurado hasta ahora.

Las prendas emblemáticas del traje femenino moderno son el huipil o blusa y el corte o falda, ambas de origen prehispánico; mientras que del masculino solo se conservó el maxtátl o taparrabo, cuyo uso se mantuvo hasta principios del siglo XX.

La influencia europea se percibe en el uso de fibras de origen animal (lana y seda); en la adaptación al uso del telar de pie; en la forma de bordar con agujas de metal: y en la incorporación de materiales europeos para adornar la indumentaria, como encajes, listones, mostacilla y lentejuelas que se aplicaban a las telas o en las prendas para engalanarlas. Asimismo, los hombres adoptaron prendas masculinas como sobrepantalones, sacos, sombreros de fieltro, capas de corte acampanado con cuellos grandes, entre otras, mientras que las mujeres incorporaron a su vestimenta velos, faldas plegadas y cuellos o golas.

No es sino hasta finales del siglo XIX y principios del XX, cuando arqueólogos y etnógrafos extranjeros llegaron a Guatemala y pusieron en evidencia el carácter distintivo y complejo de los trajes modernos. Algunos trajes actuales presentan características de los que se usaban hace más de cien años, mientras que otras se han perdido. El traje femenino actual se distingue porque ya no es el tejido con telar de cintura; se ha vuelto monocromático; el huipil está siendo sustituido por una blusa de tela comercial elaborada en maquilas artesanales y el corte se hace por encargo según el diseño y el colorido requeridos por la compradora. Las fajas las compran en los mercados, muchas se

bordan con mostacilla y otras a máquina con diversidad de diseños florales, geométricos, antropomorfos o zoomorfos. Además se han popularizado los delantales y los suéteres.

La moda ejerce una influencia innegable, no sólo en el modo de vestir, sino en muchos ámbitos de la vida de las personas. Sin embargo, se contrapone a la tradición artesanal y a la forma distintiva de vestirse que, hasta ahora, ha predominado en las sociedades indígenas y que difícilmente puede relacionarse con las imposiciones que requiere el “seguir la moda”. Este concepto carecía de sentido en el contexto cultural local hasta hace muy poco tiempo. Sin embargo, es innegable que las formas del huipil y del corte se conservan y que son prendas emblemáticas de la cultura maya que hacen que el traje sea distinto de los del resto del mundo. Su uso ha trascendido hasta el presente y todavía se enmarca en las tradiciones de los grupos que conviven en Guatemala.

Importancia y futuro de la COAM en función de la UNIS

En el mundo moderno de la conservación del patrimonio tangible, la tendencia se dirige al resguardo de las colecciones como un todo, previniendo y monitoreando los factores de deterioro (control de la humedad relativa, de la luz, de la temperatura, de las plagas y de la contaminación ambiental) y propiciando una manipulación adecuada de los objetos, mientras éstos se encuentran

en la bodega de almacenaje o en exhibición. Estos factores podrán ser controlados, mediante un sistema de medidas adecuadas con las que se logra prevenir los daños y corregirlos cuando ya se ha afectado la integridad de las colecciones. La colección “Olga Alejos de Mirón” es un patrimonio tangible importante que merece resguardarse, pues incluye prendas únicas de gran valor cultural y etnográfico.

Los objetos representados en la COAM servirán como material de investigación y medio de aprendizaje para contextualizar la colección y relacionarla con las comunidades de origen y con las raíces propias de la cultura maya. El acceso y la información hacen de las colecciones documentos esenciales de estudio para enriquecerlas y darles contexto cultural, histórico y antropológico.

La falta de registro de la historia indígena hace que cualquier colección que ayude a documentar la historia y el desarrollo de la tradición textil, se evalúe en función de su representatividad, calidad, diversidad de los objetos y documentación.

Se puede concluir que la COAM es un documento histórico integrado por objetos valiosos, que debe organizarse, conservarse, almacenarse y documentarse adecuadamente para poder accederla. Es un patrimonio tangible, cuyo valor se incrementará, una vez esté accesible para su estudio. Trasciende al plano intangible, cuando se analice y documente la información que los tejidos esconden.

Detalle de sobre-huipil de Santa Lucía Utatlán, Sololá, que aparece en la contraportada.

Asociacion de Interiorismo de Guatemala

ASODI

“Queremos dar a conocer qué hacemos y cómo lo hacemos”, asegura Gloria de Cervantes, presidente actual de la asociación. ASODI se define como una institución sin fines de lucro, que busca reunir a los mejores interioristas de Guatemala.

La idea de conformar ASODI surge con el objetivo de forjar una alianza multidisciplinaria en el campo de diseño, fortaleciendo y apoyando a los asociados, quienes ya son profesionales en la rama.

Tienen como fin apoyar a estudiantes de diseño y arquitectura a través de capacitaciones, actividades de investigación, entrenamiento y práctica; busca funcionar como plataforma para que los nuevos interioristas se den a conocer, promover oportunidades de trabajo dentro y fuera del país, así como pasantías en el extranjero.

Mónica Ajcivinac Nowell, BA en Decoración de Ambientes

El equipo de socios fundadores está conformado por 16 miembros dentro de los cuales se eligió una junta directiva, integrada por la Licda. Gloria de Cervantes (Detalles Interiores) como Presidente, el Arq. Carlos Porras (Famex) de Vicepresidente Comercial, la Arq. María Eugenia Mayen (Atelier Taller de Espacios) de Vicepresidente Ejecutivo y la Dra. Yvonne Deutschmann (Directora BADA, Universidad del Istmo) como Vicepresidente Educativo, también funciona una secretaria, una tesorera y tres vocales; quienes en conjunto poseen más de quince años de experiencia laboral en ámbitos apegados al interiorismo (empresas, docencia a nivel universitario, promoción de formación académica de calidad y reconocimiento nacional e internacional).

ASODI ofrece tres tipos de asociación:

• Interiorista: todo profesional en el campo de diseño.

• Estudiante: carreras afines.

• Protector: empresas/personas dedicadas a la comercialización, producción, distribución de cualquier artículo, material, equipo, maquinaria relacionado a proyectos de diseño y construcción.

Los beneficios aplican según el tipo de afiliación, pero ofrecen publicación de portafolios e información de empresas en su página web, descuentos y precios especiales para compras en tiendas afiliadas, cursos y conferencias, acceso a empresas de reclutamiento de personal; entre otras.

El pasado 1 y 2 de agosto, se desarrolló el Primer Congreso de Interiorismo en Guatemala bajo la organización de ASODI y con la temática “Tendencia e Identidad del Interiorismo en Guatemala”; se congregaron especialistas de Latinoamérica, España y Guatemala.

A mediano y largo plazo, buscan crear lazos asociativos con entidades internacionales de este tipo, en países latinoamericanos y europeos, incluso con la IFI (The International Federation of Interior Architects/Designers) que es la máxima representación de interioristas a nivel mundial.

REFERENCIAS:

• Entrevista con Gloria de Cervantes, presidente de ASODI. • Socios fundadores. “Cápsula Informativa ASODI”. Mayo 2013, Guatemala.

Lección Inaugural "Identidad, Design Thinking", por la Arq. Ana María de García en el Primer Congreso de Interiorismo en Guatemala, bajo la organización de ASODI.

El Centro de Thrissur, India

Arquitecta Andrea Monedero Morales

Desde hace poco tiempo vivo en el distrito de Thrissur, una ciudad muy antigua considerada la capital cultural de Kerala, estado al Sur de la India. Por primera vez me encuentro en un espacio urbano que no tiene sus orígenes en el modelo cristiano, y siempre me preguntaba cómo se organizaba el centro histórico de una ciudad al ser exenta de la catedral y de su respectivo espacio abierto.

Así como muchas ciudades en la India, hace pocos años Thrissur se encontró con el crecimiento acelerado del

paisaje urbano, fenómeno característico de las ciudades que enfrentan la globalización de golpe. De pronto, los vehículos y los edificios inundan la ciudad, y ésta se adapta a ellos, y no al revés. En consecuencia, los servicios públicos están lejos de favorecer al ciudadano en su naturaleza primaria de peatón, transformándose en una ciudad no inclusiva.

Las amplias y agitadas calles que lo rodean son popularmente conocidas como el “Round”. Circundan una colina oficialmente llamada Thekkinkadu, que

Templo de Vadakkumnathan

alcanza un área de 65 acres (263,000 m2) y se trata nada menos del redondel más grande del Sur de Asia. Considerando el tamaño, su posición y la planicie de la ciudad, este espacio se hace incluso más interesante. En Malayalam, el nombre significa Bosque de Teca, lo que solía ser hace muchos años. Además de ser un área verdaderamente peculiar, en la cima y centro de la colina se encuentra el famoso Vaddakumnathan, un antiguo templo hindú dedicado al Dios Shiva.

Según arqueólogos, algunas de las estructuras del complejo no tienen menos de 900 años. El Vadakkumnathan es el templo más grande y distinguido de Kerala. Abarca un área de tres acres, tiene tres templos principales, y de las numerosas estructuras, destaca arquitectónicamente el Koothambalan, (teatro) utilizado para presentaciones de danza y discusiones religiosas. El templo es un sitio ejemplar para apreciar la arquitectura tradicional de Kerala. La calidad de las estructuras de madera es inspiradora tanto en escala monumental como en detalle.

En estos últimos, 300 artesanos han trabajado en la conservación del Templo, y cualquier trabajo creativo es un medio a través del cual los artesanos establecen una comunión con lo divino.

El edificio que vi el día que visité el Thekkinkadu, era una de las cuatro entradas del templo (Padippura), poco hubiera importado si ese día me hubiera acercado a una de las puertas pues el ingreso al templo es exclusivo para hindúes.

El templo debe gran parte de su fama al Thrissur Pooram, por ser el anfitrión anual desde hace 300 años. En el siglo XVII, el famoso gobernante Saktham Tampurán ordenó talar los arboles del bosque, y se dice que creó el festival para alegrar a los dioses, quienes estaban molestos por este hecho. El evento ha sido recientemente considerado por la UNESCO para ser patrimonio mundial, y ya es reconocido como uno de los festivales más importantes del mundo.

El Koothambalan

La espera del festival está en boca de todos los Malayalees (Ciudadanos de Kerala) y le da carácter a una ciudad que se confunde entre dos tendencias, la tradicional y la ‘moderna’. Mi emoción era incluso mayor porque además de asistir el festival por primera vez, podría ingresar al famoso templo, pues la regla se omite solo una vez al año, cuando se celebra el Pooram.

Desde tempranas horas de la mañana en el primer día del festival, yo estaba en las calles viendo las procesiones de elefantes que caminan hacia el Thekkinkadu, los elefantes, representantes de los dioses, salen de sus templos a las calles a celebrar con la gente. El concepto, la música, las emociones y toda una energía contundente me hizo pensar en la impresión de los turistas que viajan desde lejos para ver las procesiones de Semana

Los elefantes vienen de todos los templos vecinos a encontrarse en las tierras del Vaddakumnathan, y el clímax del festival sucede cuando los dos templos más importantes desfilan para competir uno frente al otro, en medio de una multitud de más de 100 mil personas, que celebran, bailan y apoyan el desfile.

Templo de Vadakkumnathan

El festival dura 36 horas y en las mañanas el ambiente es mucho más tranquilo. Estaba ansiosa por entrar al templo, al fin y al cabo la reacción psicológica siempre es alterada al encontrarse con los interiores de una catedral. Puesto que poco conozco del hinduismo y la palabra ‘tradicional’ en arquitectura no siempre lleva tanto entusiasmo para mí, me sorprendió mi reacción: sentir la necesidad de contemplar las obras, un despertar hacia un nuevo tipo de espacio. La composición de las icónicas figuras perfectamente geométricas superó mis expectativas más allá de mis sensibilidades espaciales en una manera tan sutil, que solo sugieren silencio y un respeto único hacia los monumentos.

Si este tipo de arquitectura es una personificación de los dioses, solo les atribuye aptitudes de nobleza. Siendo arquitectura que tiene como objetivo conectar al ser humano con una fuerza superior, no dudo que no cumpla su propósito.

Sin embargo, los encuentros que suceden adentro de una catedral son tan maravillosos como los que suceden

afuera, en la plaza, en el parque… existe una magia acogedora de las conexiones humanas en este tipo de espacios públicos. En el Thekkinkadu, el contraste emocional entre la complejidad del espacio que se desarrolla dentro y fuera de la muralla del templo se siente en demasía.

Un espacio con tanto potencial podría ser parte integral de su comunidad, más allá de ser el sitio donde se desarrolla el Pooram. Para mí, la intensidad del festival puede ser una señal de que sus habitantes están en búsqueda de pertenecer a una memoria colectiva, de experimentar las conexiones humanas en días ordinarios.

De esta expriencia puedo concluir que pareciera ser que un espacio público es un sumario simbólico del comportamiento antropológico de su comunidad.

Bibliografía:

Experiencia personal de la autora durante el trabajo de investigación desarrollado para documentar el proyecto de restauración del templo.

Interior del Koothambalan

¿CuáNDO ES LA ARquITECT UNAobra de ARTE?

Peter Zumthor, Therme Vals, Suiza (1996)

Hoy día, la arquitectura suele catalogarse como el “arte y técnica de proyectar y diseñar edificios que forman el entorno del ser humano”, sin embargo esta definición deambula sobre el cuestionamiento de cuando la arquitectura debe considerarse obra de arte. Para esto, debemos tomar una noción más concisa. Boullé afirma que: hay que concebir para obrar. La creación que constituye la arquitectura es una producción del espíritu por medio de la cual podemos definir el arte de producir y de llevar a la perfección

cualquier edificio [1]. Como se puede entender, la arquitectura es más que una simple construcción a las cuales solemos estar acostumbrados ver dentro y fuera de la ciudad, es más un reflejo del carácter espiritual del ser humano en el tiempo, un inconsciente que hace trascender su significación para así poder integrarse al contexto.

Para considerar cuando la arquitectura es obra de arte, debemos tomar en cuenta varios factores que permitan

ITECTuRA

Mtro. en Arquitectura Wolfgang Schoenbeck

Asimismo sucede con la arquitectura, para que pueda catalogarse como obra de arte, la arquitectura debe trascender. ¿Pero cómo catalogarla?, una iniciativa sería tomar su belleza; pero de esta deriva otro problema, no todos poseen la misma apreciación y cualidad interpretativa, por ejemplo, un crítico de historia del arte no posee la misma opinión que un simple espectador, de aquí nacen dos interpretaciones de belleza que nunca llegarán a ser concordantes. Ahora bien, trascender la mera utilidad en belleza es el fin de la arquitectura. Es un fin ético y también estético. La edificación que no se plantea esta disyuntiva, queda en eso, en mera edificación y no trasciende. Arte y arquitectura son una misma cosa si atendemos a su fin. [2]

entender que no toda arquitectura es una obra de arte, principalmente en la actualidad. Así como las demás disciplinas del arte (pintura, escultura, etc.); la majestuosidad por la que son recordadas y consideradas a gran cantidad de interpretaciones y críticas se debe gracias al alto grado de trascendencia a lo largo del tiempo. Es decir, las obras han adquirido fuerza e importancia debido a sus cualidades no sólo técnicas sino también espirituales, dónde estas propiedades facilita clasificarlas dentro del arte.

Entonces, la idea de clasificar la arquitectura como obra de arte debe abarcar los factores de espiritualidad, trascendencia y belleza, para así poder determinar que sí y que no de la arquitectura es lo que debe considerarse como obra de arte. En síntesis, el arquitecto es la clave para que la arquitectura logre ser una obra de arte. Actualmente contamos con una gran variedad de arquitectura deficiente, carente de fundamentos y cualidades estéticas, por la cual frustra a la buena arquitectura a ser catalogada como obra de arte. Toda concepción de la obra debe poseer una razón; nada es bello si algo carece de inteligencia. [3] La arquitectura como obra de arte, es una resultante de principios e inquietudes del artista (arquitecto) para transmitir sus cualidades espirituales de espacialidad y materialidad.

[1] Boullé. En: Arquitectura. Ensayo sobre el arte

[2] Vaca Bononato, Alejandro. En: Arte y Arquitectura. Revista Summa+. Buenos Aires (63).

[3] Boullé. Op. Cit. p. 62

Publicista Rodolfo Clautier

¿Cuánto

cuesta producir un anuncio en televisión, en prensa, radio o web? Esta es la pregunta más común que escuchamos en el medio para establecer presupuestos, pero, ¿cuál es el valor del anuncio para la sociedad? es la otra pregunta que deberíamos escuchar.

¿Cómo saber si mi anuncio genera un valor para mi grupo objetivo? La función de la publicidad y la comunicación es transmitir información que será de utilidad para el grupo al que va dirigido, de una forma persuasiva, sin llegar a ser comunicación engañosa, desleal o discriminatoria.

Hay una forma de medir este valor sobre la base de la ética de la comunicación. En Guatemala contamos con los siguientes códigos éticos: Asociación Guatemalteca de Agencias de Publicidad (UGAP), Código Mercantil que regula actividades promocionales y ciertas categorías como alcohol y tabaco y diferentes códigos gremiales del marketing, promovidos por diferentes organizaciones a nivel mundial o regional.

Pero esas reglamentaciones caen en un subjetivismo basado en nuestros valores e interpretaciones que nos puede llevar a perder de vista la conciencia social. Es por eso que se propone el siguiente método para analizar y establecer el “valor de un anuncio” para la sociedad.

Al igual que un “test” para medir efectividad, la forma de determinar el valor de un anuncio se puede hacer con una muestra de 5 a 10 personas, en la que se

evalúan los siguientes puntos:

1. Valor Económico/industrial= el producto o servicio anunciado, tiene un valor económico para una determinada industria en la sociedad. Las preguntas que se deben realizar para evaluar son: ¿el anuncio transmite la importancia del producto o servicio para la sociedad?, ¿el producto o servicio tiene el respaldo de una marca o empresa?, ¿La publicidad o la comunicación lo trata de acuerdo a la importancia de esa industria?.

2. Valor para la sociedad= el producto o servicio anunciando, cumple la función de resolver una necesidad de la sociedad. Las preguntas que se deben hacer para evaluar son: ¿la publicidad o comunicación muestra la función del producto o servicio para la sociedad?, ¿se demuestra un uso relevante para el grupo objetivo?, ¿el mensaje es positivo?.

3. Códigos éticos= el producto o servicio anunciando, cumple con los códigos éticos. La persona evaluadora no conocerá seguramente los códigos éticos de la industria, por lo que se debe preguntar: ¿es la comunicación o publicidad clara?, ¿no es engañosa?, ¿es una competencia leal?

4. Campaña política constructiva o destructiva= se aplica solo en caso de comunicación política o de instituciones del estado. La pregunta que debe hacerse es: ¿el mensaje positivo o critico negativo?.

5. Discriminación= el producto o servicio anunciado es por sí mismo o en su publicidad, ofensivo para un sector de la sociedad. La pregunta que debe hacerse es: ¿aunque no sea ofensivo a mí, puede ofender a algún sector de la sociedad?.

Cada persona califica sobre estos criterios en un rango de 0 a 10, siendo 0 el más bajo y 10 el más alto. Esto promediado entre todos los participantes y los puntos evaluados, te da un valor de 0 a 10, que ayuda a determinar si la publicidad tienen o no valor para la sociedad.

Para entenderlo, veamos un caso hipotético: la marca de detergentes X, lanza un comercial donde se compara con la marca Z, en la cuál por medio de una prueba científica certificada, asegura que su fórmula es capaz de hacer los blancos más blancos y los colores más vivos que la marca Z.

Al pasar la evaluación al panel de 5 personas obtenemos el siguiente resultado:

éticos, vemos una división de opinión en el grupo de personas consultadas, ya que marca una diferencia de valoraciones, que se deben a que si es correcto o no hacer publicidad comparativa.

Según el código ético de la UGAP, se permite la publicidad comparativa siempre y cuando sea demostrable científicamente, por lo que en este caso se cumple con ese código, sin embargo lo que más interesa a la marca es la percepción, ya que la publicidad vende percepciones e imagen. Por lo que la marca o agencia deberán considerar este punto que significa replantear totalmente el concepto de la comunicación.

En este ejemplo podemos identificar dos cosas, en este sondeo, vemos que este caso representa un valor aceptable a la publicidad, ya que ofrece una solución, sin embargo al analizar el cumplimiento de los códigos

Esta herramienta tiene como objetivo evitar efectos no deseados en la publicidad, al tener una descodificación del mensaje diferente a la deseada podemos hacer un daño a la marca y un daño a la sociedad consciente o inconscientemente, por un falta de proyección de la consecuencia del mensaje. Es por eso que todo profesional con un valor de responsabilidad sabe que lo publicado en un medio, tiene un alcance y una influencia social, por lo que debe considerar no solo “testear” la efectividad al grupo objetivo si no también su valor en el entorno de su mercado.

Fuentes:

Código

clase

comunicación

LA CrEATIvIDAD COMO

A la luz del enfoque sobre creatividad de Alfonzo López quintás

Muchas veces nos quejamos de nuestra vida, de nuestra profesión, de nuestro trabajo, de nuestra familia… de todo. Nuestra lamentación muchas veces se enfoca en un “no soy feliz” en un “no me hayo”, “no es lo mío”, “no me satisface”, “no cumple mis expectativas”, “no me realiza como persona”. Y eso nos invita o nos excusa para dejarlo a un lado, no ponerle la atención que merece y nos sirve de motivo para acercarnos y movernos a otro tipo de actividades donde sí nos “realizamos como personas”.

Aunque muchos artistas, políticos y empresarios famosos lograron su éxito luego de abandonar valientemente una profesión e iniciar otra incluso a los 30, 40 ó 50 años, la gran mayoría de nosotros puede encontrar su éxito en descubrir y enfrentarse valientemente, en lo cotidiano con eso que en principio odiamos pero que podemos aprender a amar.

Lo que sucede muchas veces es que hemos visto nuestro trabajo, nuestra familia o nuestra profesión

Angélica Estrada Hernández Licenciada en Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad, Magister en Docencia de Valores

UNA fOrMA DE vIDA

como un objeto, algo que hacer, usar y tener. Cuando nos podemos encontrar en él por medio de la apertura y la creatividad. Todo a partir del diálogo en un ámbito que nos ayude a ser, a encontrarnos.

De la misma manera en la que el hacer un poema transforma al escritor en un poeta… de esa forma nosotros al trabajar con amor por lo que hacemos, nos transforma de simples repetidores de actos y acciones en personas realizándose en su vocación. Vocación significa llamado… en el mundo solo Dios puede decir Yo Soy… mientras tanto todos somos esos quienes estamos llamados a ser.

Padres de familia, trabajadores de cualquier lugar, estudiantes… serán en la medida en la que se encuentran en lo que están haciendo. En la medida en la que en lugar de sólo observar su realidad, su entorno como algo que les pertenece, que utilizan a conveniencia y luego desechan… lo vean como algo digno de ser respetado, amado, encontrado. Algo digno de diálogo, de encuentro, de vínculo. Algo capaz de hacernos personas… de llevarnos a eso que estamos llamados a ser.

La realidad nos nutre, nos transforma, de la misma manera en la que un avión en contacto (no sólo la cercanía sino la creación de vínculos) con alguien le puede transformar el piloto, nosotros y nuestra realidad podemos llegar a las alturas, a donde estamos llamados a estar. Podemos encontrar grandes dimensiones, lograr alcances insospechados. No se trata de manejar una

realidad como si fuera un objeto, se trata de conocer sus leyes, descubrir el valor que revelan y la dignidad a la que reconocen desde ellas para encontrarse.

Puede haber alguien que sepa manejar un avión, pero que no sea piloto, sí, alguien que a pesar de repetir ciertas acciones no se encuentre en su profesión. Alguien que no haya encontrado la alegría de descubrirse desde lo que hace cotidianamente, alguien que no sabe amar lo que hace y ve en su trabajo sólo algo que hacer para sobrevivir.

A diferencia, alguien que ve en su entorno una fuente de posibilidades para incorporarlo a su ámbito de vida se transforma y deja de ser lo que era antes para convertirse. De alguien que sabe escribir a un escritor, de un practicante a un poeta… de un estudiante actor a un personaje en una obra de teatro.

Una obra de arte, un acto cotidiano, pierde su opacidad en cuanto se convierte en la respuesta de un llamado, en una voz interior que le sugiere a la persona una forma de estar, de ser, una posibilidad de encontrarse. De ésta capacidad de transformación que tienen los ámbitos, en especial el arte se desprende la importancia del enfoque ético de la misma.

Ya que las personas no somos las mismas después de tener contacto con ellas, existe una acción reversible, bidireccional. Algo que nos puede acercar a la felicidad, a la realización, a lo que estamos llamados a ser o

algo que puede alejarnos, desvirtuarnos y de alguna manera no reducirnos pero sí reducir la manera en la que vemos el entorno y eso en respuesta reduce la visión que tenemos de nosotros. Se requiere de mucho tiempo para que una persona que nace pueda ser independiente y aún siendo mayor y pudiendo “sobrevivir” en solitario, sólo puede desarrollarse y ser lo que está llamada a ser cuando se encuentra dentro de una comunidad como un ser coexistente, con derechos y responsabilidades.

Aunque una persona se encontrara por desventura sola en una isla… es coexistente, comparte el ser con el Ser por excelencia y eso hace que sea imposible estar solo. Además de esta coexistencia con el Creador, la persona puede encontrar en la realidad que le rodea ámbitos para tomarlos como fuentes de posibilidades, la persona misma, ámbito por excelencia sobre los objetos es para otros un ámbito de encuentro. Ese campo de juego

común que se denomina encuentro puede realizarlo con otros recreando la realidad misma, dándole nuevos significados a todo y haciendo del mundo un lugar más interesante y vivible, haciéndolo amable.

El vínculo con otras personas y especialmente con el Ser por excelencia, Dios, nos acerca a eso que estamos llamados a ser y por lo tanto nos lleva a la felicidad. Una verdadera amistad es virtuosa, le lleva a la persona a perfeccionarse. Este encuentro y vínculo es tan importante para la persona que de alguna forma la transforma, le hace reconocerse como lo que es. Por ello es tan importante no reducir las relaciones bajo superficialidades donde podemos creer que tenemos una amistad cuando lo que tenemos es realmente una amalgama, una masa que apunta a la dirección del líder o de la moda, deshumanizando, haciendo que me olvide de mis posibilidades, de mi interior. Evitando esa distancia tan necesaria para ser y dejar ser.

Este encuentro implica entonces una distancia, un reconocimiento individual, personal que deja a otros ser tal como son… en la medida en la que esto colabora con su desarrollo, ya que de alguna forma el amigo está obligado a llevar al otro a rectificar en caso lo requiera. El consejo o las palabras bien dichas de un buen amigo son muy escuchadas, porque es un ámbito que transforma.

La amistad, y especialmente la amistad con el Ser por excelencia elimina radicalmente la soledad a partir de los vínculos creados que transforman a la persona. No

la transforman en una unidad amorfa deshumana, despersonalizada o múltiple, por el contrario reconoce y reafirma la personalidad, la individualidad. Es por ello que una verdadera amistad lleva al otro a encontrarse. En una fiesta donde te encuentras con tus amistades… te hayas, te encuentras… no como en manada, ni como robot… te encuentras y puedes ser tú mismo y descubres hasta una nueva forma de ser que posiblemente nunca hubieras encontrado sin otros.