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WILSON AIRLESS SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDERVERSE FAST X
NUESTRAS REDES @revista_orbit @revista_orbit @revista-orbit
JEAN AMBRÍZ
revistaorbitmkt@gmail.com
MARIANA MOLLER
GIANFRANCO CORTESE
JEFE DE DISEÑO EDITORIAL
JEHU MORENO
JEFE DE REDACCIÓN
ÁNGEL MORA
Así, en un abrir y cerrar de ojos, llegamos a Mayo, casi mitad de este año 2023, compartiéndote las mejores y más interesantes actualizaciones, noticias e información sobre los medios creativos, la industria del entretenimiento, y las tendencias publicitarias del momento.
Nuestra edición de mayo nos acerca al papel que juega el marketing en el mundo deportivo, tanto en el ámbito publicitario como buscando la innovación y la sustentabilidad. En el diseño y las artes abordamos la popularidad de los tatuajes en la modernidad contemporánea, hoy vistos como todo un arte de excepcional talento; y por otra parte, la polémica intervención de uno de los logos más famosos del mundo, que busca reactivar el turismo y la unidad ciudadana de la Gran Manzana: Nueva York.
El entretenimiento nos acerca a los estrenos más importantes del cine de cara al verano cada vez más inminente, mientras que la tecnología nos manifiesta cómo las industrias de entretenimiento pueden hacer uso de la innovación de la era digital para ofrecer mayor contenido y extender las horas de entretenimiento, esto, en el mundo de los videojuegos.
El mundo deportivo, en especial el que corresponde al fútbol, es uno de los entornos con mayor visibilidad para la publicidad, un escaparate perfecto para las marcas y sus productos, con un alcance global que pocos nichos o industrias poseen hoy en día. El dominio publicitario del mundo del fútbol resulta ser uno de los más atractivos para la actividad publicitaria a nivel mundial, teniendo como grandes protagónicos las ligas de mayor importancia en el mundo del balompié o sus equipos más sobresalientes dentro de este deporte.
Los jugadores, los equipos y las ligas, representan por sí solos un espacio publicitario infalible para llegar a un público de múltiples intereses y de edades variadas. Por ello, los patrocinios en el mundo del fútbol representan una oportunidad única y un negocio millonario para quienes saben aprovechar las ventajas de un partido, de un futbolista, de un jersey o de un estadio entero. Dentro de este fenómeno tenemos a uno de los grandes equipos de la historia futbolística del mundo, el Fútbol Club Barcelona, el mítico Barca, club con legiones de fanáticos alrededor del mundo, que para los ojos de la mercadotecnia no es más que un escaparate de alcance sin precedentes, el más codiciado de todos, que hoy en día, Spotify, la plataforma de música en streaming, posee y utiliza como nunca antes se había hecho: uniendo la industria musical con la pasión por el fútbol.
El Barcelona es uno de los clubes de fútbol más importantes del mundo contemporáneo, representando un alcance mundial por la pasión liberada en la cancha, cuyos jugadores inspiran a jóvenes alrededor del mundo y promueven el deporte y la vida sana de forma internacional. Esta influencia deportiva que muchas veces pasa desapercibida, las grandes marcas hoy buscan aprovechar su poder y alcance, buscando colocar sus nombres, logotipos y productos dentro del jersey azulgrana, catapultándose así a los ojos de prácticamente todo el mundo.
Sabemos que la publicidad dentro del fútbol es una actividad más que común que podemos apreciar el vallas en los estadios, en comerciales durante las transmisiones, dentro del uniforme que utilizan los jugadores y como colaboraciones a nivel estadio con la adquisición del recinto por parte de grandes empresas. Para el Barcelona, la publicidad es una aliada sumamente importante, por lo que la llegada de un nuevo patrocinio no es más que un momento cotidiano, eso hasta que se trata de una plataforma musical que busca cambiar la forma de patrocinar un equipo de fútbol, generando con su acuerdo la promoción de música como nunca antes se había hecho, uniendo la industria musical con el fútbol.
Su alianza, acordada para cuatro temporadas, colocó a la plataforma musical dentro del Jersey azulgrana, pero como cualquier marca simplemente vistiendo los uniformes, sino como un patrocinio completo para todo el club, sus instalaciones y sus principales canales audiovisuales. Destaca de esta alianza su aparición en los jerseys, tanto de visitantes como locales y para equipo femenil, donde tanto aparece la imagen oficial de un artista diferente buscando promover su material musical o sencillo más reciente, de entre los que destacan Drake, Shakira, y recientemente Rosalía y su Motomami.
Además, el estadio Camp Nou pasó a ser conocido como Spotify Camp Nou, rebrandeando su entorno, las instalaciones y exteriores con el logo de la plataforma en conjunto con el escudo del club. Una propuesta de Spotify fue hacer de los entornos aledaños al estadio uno más acorde al entretenimiento, el fútbol y la música, buscando unir a aficionados con la industria musical del momento.
Ser el Main Partner del FC Barcelona es una oportunidad única que pocas marcas pueden lograr concretar, y que una empresa como Spotify implemente de una manera diferente resulta sumamente interesante. El tiempo dirá si esta alianza es renovada, o veremos cómo su estrategia se implementa en otro club deportivo buscando promover la plataforma y a sus artistas en el mundo deportivo.
En 2022, Spotify, la plataforma de servicio de streaming de música más importante del mundo, y el FC Barcelona, el club de fútbol más influyente del mundo, anunciaban una alianza única, una colaboración de patrocinio que traería consigo una beneficencia mutua de gran alcance, acercando el fútbol a la plataforma musical y a sus escuchas tanto como la promoción de música y los artistas del momento como patrocinador oficial del club deportivo.
Para la industria cinematográfica contemporánea, la piratería no es el único enemigo a vencer dentro de la distribución de estrenos que se prevén serán éxitos en taquilla, películas que de entrada están destinadas a recaudar miles de millones alrededor del mundo, y que la gente muchas veces prefiere consumir de forma gratuita en páginas ilegales, algo difícil de regular a pesar de los esfuerzos y las preferencias del público en un mundo donde lo digital permite el alcance de productos de forma gratuita y al instante.
Pero lejos de librar esta batalla eterna contra la distribución pirata de éxitos de taquilla, existe otro fenómeno que busca aprovecharse de estos filme, que más que arruinar su recaudación, como una especie de parásito cinematográfico que pretende aprovechar el nombre y concepto de la película en cuestión, tiene como objetivo crear una confusión en el mercado y con el público al elaborar una película de temática casi paródica, con colores, personajes y nombres que los hacen pasar por una auténtica, al menos de entrada.
Los famosos mockbusters representan este parásito cinematográfico de bajo presupuesto que se aprovecha de la confusión de quienes buscan consumir de forma pirata y directo en digital la película del momento, logrando su descarga o visualización con tan sólo imitar al éxito taquillero del momento. Ya sea en forma de burla o realmente pretendiendo recaudar algo de dinero o fama, los mockbusters están entre nosotros, esperando ser visualizados por error y de forma intencional, por ello, vamos a conocer un poco más de este primo incómodo de la industria cinematográfica que sólo pretender ver el mundo arder.
El mockbuster, en resumen, es una película caracterizada por imitar la imagen y concepto de una película de alto presupuesto buscando aprovechar su éxito en taquilla. El porque no siempre es claro, puesto que al ser lanzados directamente en video, la recaudación no siempre es una cuestión real, por lo que las razones de su existencia son un misterio que no nos detendremos a analizar. El mockbuster existe, y hoy se ha convertido en un atractivo fílmico para los más morbosos dentro de los cinéfilos.
Caracterizados por su bajo presupuesto, su mala o poca distribución, un diseño de artes decadente, y actuaciones, guión y fotografía que dejan mucho que desear, los mockbusters aprovechan su similitud con estrenos para atraer al público que cree que verá la película original, llevándose una sorpresa no tan grata, puesto que la calidad de estos filmes, tanto live action como animados, siempre demuestra la rapidez de su filmación o ejecución, su carente presupuesto y un talento inexistente por parte de los involucrados. Las temáticas parecidas y los títulos similares suelen ser más que suficiente para engañar al público, una práctica que ha venido funcionando desde hace algunas décadas.
Hoy vemos como en internet proliferan posters que se burlan de los éxitos de taquilla con versiones retorcidas y cómicas de estas, desatando una serie de comentarios y risas entre los internautas. Pero dentro de este fenómeno, muchos de estos posters resultan ser portadas reales de alguno que otro mockbuster existente allá afuera en el mundo digital. Ejemplos de estos ilustres filmes que buscan parodiar y aprovecharse de un blockbuster real de alto presupuesto tenemos Snake son a TRAIN, película que se aprovecha del filme ”Snakes on a plane” para engañar a las audiencias.
En el pasado llegaba “White Giant”, la versión italiana del éxito de Steve Spielberg “Jaws”, y Star Wars de George Lucas no se quedaba atrás con su propia versión Turca del filme, cuyo nombre es tan difícil de pronunciar y escribir que omitiremos aquí por el bien de todos. Menciones honoríficas de esta práctica tenemos a “Transmorphers” que imita a Transformers de Michael Bay, “Ratatoing” que busca engañar con una animación deplorable al espectador y hacerla pasar por el éxito de Pixar Ratatouille.
La lista de Mockbusters es realmente extensa y día a día, estreno a estreno se vienen sumando más películas de este tipo, elaboradas de forma rápida por productoras pequeñas que apuestan por este engaño para lograr algo de dinero, presencia o posicionamiento, como es el caso de The Asylum, productora famosa por su dedicación en la elaboración de estos timos del cine. Divertido, entretenido, aborrecible y memeable, el fenómeno de los mockbusters habita entre la industria cinematográfica, acechando a la espera de la siguiente producción millonaria que se llevara las taquillas, buscando engañar a su público con algo tan simple como un juego de palabras y una mala producción cinematográfica.
El ser humano, ya sea en comunidad o de manera individual, ha buscado a lo largo de la historia expresar quién es ante el mundo. Manifestar mediante determinadas formas su sentido de pertenencia o de identidad ante el resto de sus iguales ha sido una constante de nuestra especie a lo largo de los siglos, una que aún hoy en día seguimos utilizando. La forma en que vestimos, el estilo y color de nuestro cabello, la forma en que andamos o hablamos, y cómo llegamos a modificar incluso nuestro cuerpo, son maneras de comunicar a los que nos rodean quienes somos, que profesamos, que creemos, que nos gusta, y que pretendemos hacer en este mundo tan diverso.
Dentro de este curioso fenómeno tan humano, destacan las formas en que expresamos quiénes somos mediante la modificación corporal, ya sea en mayor o menor medida. Usar piercings, perforar nuestros lóbulos, y claro, poner tinta en nuestra piel de forma permanente, son algunos recursos que indican al mundo nuestro sentir, nuestra historia, mensajes que sólo de esta forma somos capaces de comunicar, muchos de ellos aún estigmatizados por la sociedad contemporánea.
Los tatuajes resultan ser una manera de expresarnos sumamente fuerte, llena de propósito y peso al tratarse de algo permanente que nos acompañará toda la vida, por lo que depositarlos en nuestro cuerpo resulta ser una apuesta completamente segura para determinar quienes somos y mantener ese sentimiento toda la vida. Tanto una forma de expresión como todo un arte contemporáneo, el tatuaje hoy forma parte de nuestras sociedades con más libertad y aceptación, pero esta noble forma de expresión lleva con el ser humano poco más de cinco mil años, expresando pertenencia, religión, comunidad, ideología, control, y personalidad por parte de su portador.
Hoy en día, el tatuaje es sumamente popular, con estadísticas que indican que alrededor del treinta por ciento de la población mundial cuenta con uno y varios tatuajes en su cuerpo. Si bien para muchos esta forma de expresión es un ritual sagrado y para otros una mera tendencia popular que hay que implementar cuando jóvenes, el tatuaje lleva en la historia de la humanidad alrededor de cinco mil años. Los vestigios más antiguos indican que el tatuaje en la antigüedad era utilizado para indicar pertenencia a una tribu, región o comunidad, así como jerarquía dentro de estas sociedades. Su uso también se diversifican como amuleto de protección con fines religiosos (Egipto), dentro de ceremonias o festividades como ornamento especial (hinduismo), o como accesorio de guerra en busca de intimidar enemigos en batalla, algo muy común en las tribus Polinesias.
Variando en usos, costumbres y regiones alrededor del mundo, el tatuaje de la antigüedad siempre busco el mismo propósito, comunicar y expresar algo que su portador deseaba manifestar ante otros, siendo su evolución a nuestros días tan variada pero que mantiene el mismo fin: expresar nuestra personalidad, ideas y pertenencia, sólo que esta vez, existe una libertad más amplia de formas, figuras y simbolismos para hacerlo, una que ha convertido al tatuaje en todo un arte lleno de significado, talento y pasión.
El tatuaje contemporáneo representa una de las formas de expresión artísticas más importantes de nuestra era, una forma de arte tan variada en cuanto a estilos, formas de aplicarse y que hoy adquiere mayor aceptación respecto a los prejuicios que otros tiempos rodeaban al arte en la piel. Prácticamente cualquier diseño es válido para aplicarse en la piel, variando en formas, simbolismos, colores y significados, existiendo una amplia gama de estilos que dan forma al mundo del tatuaje.
El tatuaje contemporáneo como arte radica su popularidad principalmente en sus estilos. Si bien los propósitos son variados, desde una simple muestra de amor hasta demostrar la pertenencia dentro del mundo criminal, los estilos van desde el Old School, que se inspira en los primeros tatuajes de marineros y sus simbologías (anclas, barcos, etc), al New School, que se caracteriza por un estilo más dinámico, variado y caricaturizado. Dentro de los estilos más famosos de tatuaje tenemos el Puntillismo, Blanco y Negro, Tradicional Japonés, Ornamental, Brush, entre otros, que ofrecen una variedad amplia de elección. En cuanto a símbolos populares, el tatuaje está repleto de formas que comúnmente se repiten por su significado, destacando los corazones, naipes, navajas o cuchillos, aves como la golondrina, el gorrión o el fénix, las rosas o las cruces.
Un tatuaje ofrece la oportunidad de expresar la personalidad mediante un diseño sumamente artístico y detallado que manifieste un sentir, emociones, un recuerdo o una declaración o mantra que acompañará a su portador durante toda su vida. SI bien aún existen prejuicios asociados al uso de tatuaje y a sus portadores por relacionarlos tanto con el mundo criminales (mafia) como por ser un distintivo de delincuentes (debido a su popularidad en el bajo mundo de las sociedades), hoy en día su aceptación ha crecido de manera exponencial, dejando de ser un motivo de rechazo por la sociedad, las empresas y ciertos grupos al entender que, más que representar algo malicioso, simplemente demuestra un sentir de forma artista en la piel.
La importancia cultural de la ciudad de Nueva York en el mundo moderno es sin duda elemental para entender el comportamiento de las grandes ciudades, su urbanidad y naturaleza cosmopolita en pleno siglo XXI. Para una ciudad tan grande e icónica como lo es la Gran Manzana, no es de extrañar que posea decenas de elementos característicos que la identi�iquen ante el resto del mundo como una capital de modernidad, cultura, música, arte, turismo, gastronomía y entretenimiento, y por supuesto, arquitectura. Siendo catalogada hoy en día como el ejemplo perfecto de una metrópoli de grandes dimensiones, la ciudad de Nueva York pasó por momentos di�íciles durante los años que la pandemia obligó al turismo a detenerse y a sus propios ciudadanos a resguardarse en sus hogares, deteniendo casi por completo una ciudad que se le conoce por su actividad 24/7.
Tras este periodo que a muchos no nos gustaría recordar ni volver a vivir, Nueva York vuelve al interés internacional en sus múltiples aspectos, destacando su
actividad y oferta turística como la unidad misma de sus ciudadanos para reponerse ante los estragos de una crisis sanitaria como lo fue el COVID-19. Y con esta apertura al mundo y unión ciudadana como meta, el gobierno de la ciudad de Nueva York ha lanzado una campaña que busca posicionar nuevamente a la metrópoli como un destino interesante para el mundo, pretendiendo atraer a visitantes de todo el planeta a su amplia oferta de cultura y entretenimiento una vez más.
Para ello, han decidido utilizar uno de sus grandes símbolos grá�icos, uno que desde hace 5 décadas ha representado el amor de los neoyorquinos por esta gran ciudad. El famoso “I Love New York” representado por las siglas I LOVE NY ha sido objeto de un rebranding, dándole una nueva apariencia tipográ�ica, estética y cambiando ligeramente pero signi�icativamente su mensaje. Hoy, la campaña de reapertura, renacimiento y reuni�icación de la ciudad de Nueva York se representa mediante el polémico WE LOVE NYC.
Si bien Nueva York posee iconos al por mayor, destacando los arquitectónicos, los culturales y los gastronómicos, nada se ha vuelto tan popular e icónico que la propuesta grá�ica lanzada en 1977 como parte de una campaña de marketing para la ciudad, misma que sería aceptada por los neoyorquinos como por turistas para manifestar su amor por la gran ciudad. Ni la Estatua de la Libertad ni el Empire State Building lograron lo que este diseño tan sencillo e icónico logró por más de 40 años: identi�icar ante el mundo el amor y fascinación por la ciudad más cosmopolita del planeta.
Replicado de mil maneras, de forma legal como pirata, el símbolo de I NY hoy decora cientos de miles de souvenirs alrededor de la Gran Manzana, siendo el emblema no o�icial de la ciudad que ha llevado a representar la estima de locales como de visitantes de esta colosal urbe. La popularidad de este ícono lo ha llevado a implementarse respecto a otras ciudades u objetos alrededor del mundo, aplicando el mismo concepto “Yo amo…” a otras capitales, comida, deportes, etc. Hoy, vemos cómo una vez más este icónico elemento de la ciudad de Nueva York vuelve al ojo público con la más reciente campaña que lo ha transformado para uni�icar una vez más a los neoyorquinos de cara a la nueva realidad post pandémica, siendo esta vez utilizado mediante un rebranding que ya ha dejado ver ser bastante polémico.
La pandemia dejó a la ciudad bastante aturdida, viviendo sus peores momentos durante el pico de contagios. Hoy, afortunadamente vemos como la normalidad, o la nueva normalidad, vuelve poco a poco a las calles de la metrópoli de los teatros y los museos, de los taxis y los rascacielos, pero que aún necesita impulsar esa unión ciudadana ante los estragos de la pandemia, así como invitar al mudo a volver a visitar la Gran Ciudad mediante una campaña turística y de unidad que rebrandea el ya icónico I NY de forma que cualquiera pueda ser partícipe de esta apuesta publicitaria y contribuir desde su talento y pasión a promover a la capital de mundo.
We Love New York City ha hecho rebranding de su icono grá�ico más famoso, desatando una polémica debido al cambio casi absoluto del icono salvo por su concepto y propósito. Pasando de lo individual, el WE NYC busca lo colectivo respecto a invitar al turismo, al consumo local y a la hermandad neoyorquina, con una imagen grá�ica completamente nueva
que ya rodea lo largo y ancho de la gran ciudad en sus más icónicas locaciones como el Times Square, el Yankee Stadium, el subterráneo de Nueva York y sus plazas y avenidas más importantes. La campaña busca promover una nueva imagen fresca de la ciudad, moderna, caracterizada por la unión de sus habitantes y la aceptación de su cultura neoyorquina repleta de elementos de todo tipo (comida, arte, cultura, música, naturaleza, arquitectura y entretenimiento).
Y, aunque esta apuesta ha sido temeraria al “atentar” contra un icono como lo es el emblema I NY, la campaña se jacta de invitar a todos a ser partícipes, pues ofrece la oportunidad de aplicar el icono a artes, posters, emojis y más propuestas que hacen de esta campaña un colectivo de amor a la Gran Manzana, a sus rincones y a todo lo que esta ciudad por excelencia tiene para ofrecer al mundo post pandemia, un respiro después de una época de aislamiento que busca la hermandad de los pueblos en la ciudad bastión de lo cosmopolita.
Los gamers de antaño recordarán como era toda una experiencia pasar horas y horas frente al televisor divirtiéndose con los videojuegos más retadores buscando extraer hasta la más mínima recompensa que el juego en cuestión tenía para ofrecernos. Ya fuese como misiones extras, aventuras alternas a la historia principal, o modalidades adicionales que nos hacían ganar dinero para adquirir cosas dentro de alguna tienda dentro del videojuego, los contenidos adicionales estaban ahí a la espera de ser obtenidos con trabajo duro, dedicación y largas horas de juego.
Antes de la llegada de los juegos digitales y las consolas de nueva generación del nuevo milenio, los videojuegos se comercializaban de manera completa en el juego base, ya fuese este un caset, un cd, una tarjeta, etc. Esto significaba que, el juego que estábamos dispuestos a disfrutar contenía toda su historia en el material físico, y que todo contenido adicional (premios, nuevos más, accesorios, armas, costumes, y demás) se encontraban ahí mismo, a la espera de ser desbloqueados mediante logros relacionados a la dificultad del juego, el tiempo en que se recorría toda la historia, o misiones secretas que entregaban como premio nuevo contenido sin tener que adquirir ningún tipo de expansión
En resumen, la jugabilidad de antes ya entregaba todo el material con tan sólo su compra, y estaba en nosotros extraer todo ese contenido extra mediante nuestra destreza de manera gratuita. Con la llegada de la era digital en los videojuegos, esto cambió rotundamente, abriendo una posibilidad comercial a los estudios y desarrolladores para lucrar un poco más con el juego, o bien, extender la experiencia de juego mucho después de su lanzamiento. Los DLC, o contenidos descargables, llegaron al mundo gamer para extender la experiencia de juego en muchos aspectos, con historias adicionales más extensas, nuevos accesorios, o extendiendo el lore de la historia principal, eso sí, mediante una descarga que en muchos de los casos cuesta monetariamente a los jugadores, razón por la cual este fenómeno es hoy un tema tan polémico como normalizado hoy en día.
Si bien esto de los contenidos descargables no son una novedad digna de la era digital y el nuevo milenio, en tiempos modernos han adquirido una gran popularidad por el uso exponencial que hacen los desarrolladores de este recurso hoy en día. Una entrega contemporánea consiste en el juego base, aquel que es entregado con la compra en formato físico o digital, que usualmente contiene la historia o campaña principal del título, pero que ofrece la posibilidad de extender este material mediante DLC’s. Ya sea para extender su historia, adquirir nuevos elementos o jugar misiones alteñas, los contenidos adicionales descargables hoy son la realidad dentro del mundo de gaming, gustando a muchos por la oportunidad que ofrecen de extender el entretenimiento de estos, y detestados por otros, que ven en esta acción una artimaña más para conseguir más dinero de los jugadores.
Si bien antes existía la posibilidad de extender los juegos con estos contenidos adicionales en formato físico (las famosas extensiones), la practicidad de hacerlo digital en una era donde los juegos pueden actualizarse cada tanto y sumar este contenido de forma automática, hacen que los contenidos descargables se muestran como una excelente manera de acrecentar la experiencia mucho más. Las razones por las cuales existen estos DLC (además de la obvia cuestión monetaria) son la posibilidad de compensar a los jugadores con material nuevo
adicional mediante sus logros (estos de forma gratuita), ya sea por cuestiones de temporada (festividades) o por el simple hecho de mantener activo un título mucho tiempo después de haber sido lanzado al mercado, con lo cual mantienen una comunidad de jugadores atenta al siguiente DLC y disfrutando del juego de forma prolongada.
Como mencionamos, esta táctica dentro del gaming no suele fascinar a todos cuando representa una cuestión de inversión o gasto (pay to play), pero resulta una forma excelente para mantener un juego activo por más tiempo y extender su lore, además de ofrecer recompensas complementarias que harán más divertidas y entretenidas las experiencias de juego.
Si, sabemos que todo este contenido descargable pudiese ser entregado con el juego base y evitar este tipo de mecánicas digitales, pero los juegos han cambiado y muchas veces lo que se nos vende suele ser más una plataforma que sirve como repisa a la que habrá que sumarle accesorios poco a poco para complementar la experiencia, un mundo que habrá que ir actualizando ya sea mediante el pago o de forma gratuita. Sea cual sea el caso, los DLC son una realidad que complementa y nutre el entretenimiento, por lo que habrá que ver cuales valen la pena y cuales sería mejor evitar. Eso sí, el juego en la mayoría de los casos va a complementarse y mucho.
El mundo de los deportes se muestra siempre en constante evolución, adaptándose a los nuevos tiempos, implementando cada vez nuevas tecnologías que hacen más sencilla la actividad deportiva, más precisa e innovadora. En el fútbol, vemos cómo la tecnología contribuye a la revisión de faltas en la cancha; en la Fórmula 1 como la estadística ayuda a los ingenieros a mejorar los tiempos y diseñar mejores autos; en general, los constantes avances tecnológicos ofrecen al deporte una oportunidad para mejorar su ejecución, ya sea usando estas tecnologías durante la actividad deportiva como mucho antes en el diseño de sus elementos.
Un ejemplo de ello son los balones en las diferentes disciplinas que tienen como eje central un esférico como punto de partida que da sentido al deporte mismo. Béisbol, Tenis, Fútbol americano y soccer, y claro, el basquetbol, son algunas de las disciplinas que pueden dar fe de cómo la tecnología revoluciona el juego dentro y fuera de la cancha. La evolución del balón, de la pelota, del esférico, ha cambiado a lo largo de los años, diseñando cada vez mejor, más óptimo para el deporte y el uso de los jugadores. No es el mismo balón de fútbol de hoy al utilizado hace 100 años, no son las mismas formas, los mismos tamaños, ni mucho menos los mismos materiales, ya que el paso del tiempo exige innovar, mejorar y adaptar lo que utilizamos para una mejor destreza en nuestro quehacer, y en el mundo deportivo, en el mundo de los balones, esta nunca ha sido la excepción.
Pasamos de un balón de cuero pesado a uno inflado con gases que lo hacen más ligero, y que hoy, al menos en el mundo del basquetbol y la NBA, el concepto de balón deportivo vuelve a reinventarse mediante la innovación, la sustentabilidad y el uso de las nuevas tecnologías a nuestra disposición como lo son la impresión 3D. Wilson y la NBA hoy traen al mundo deportivo el siguiente gran paso dentro de esta innovación: el primer balón oficial impreso en 3D y que no necesitará de inflarse nunca. El Wilson Airless, al menos su prototipo, ya está aquí listo para probarse.
Nuestra realidad y modernidad se destaca por la constante del cambio, uno propiciado por la innovación tecnológica que caracteriza al nuevo milenio. La tecnología nunca antes había transformado tanto nuestra realidad como lo hace ahora, y esto se aplica a todas las áreas del quehacer humano, siendo el deporte uno de los mundos que más ve de cerca esta mancuerna de transformación e innovación.
Adaptarse a la modernidad, optimizar los deportes y hacer más sencilla su ejecución son los principios de la tecnología en el mundo deportivo. Pasar de lo tradicional a la realidad tecnológica del siglo XXI hoy se puede palpar más que nunca en los deportes, donde tanto las marcas como las ligas oficiales y asociaciones deportivas implementan día con día nuevas formas de hacer de los deportes, tanto para la industria, los jugadores y los aficionados, una actividad cada vez más sencilla, entretenida, óptima y sustentable.
El deporte es un excelente campo de prueba para la innovación y la transición contemporánea del deporte tradicional al deporte sustentable. Dentro de este fenómeno destaca hoy la incursión de la marca deportiva Wilson, caracterizada por la elaboración de ropa deportiva, accesorios, y por supuesto, balones de todo tipo, que este año han sorprendido al mundo deportivo, en especial de la NBA, con su prototipo de balón que busca cambiar las reglas del juego en cuanto a la manufactura de balones en el siglo XXI.
Su prototipo Wilson Airless realmente cambia todo concepto tradicional de lo que podríamos conocer sobre un balón de basquetbol. Pasando de los tradicionales materiales de 5 capas, color terracota y relleno de aire para poder ser utilizado, Wilson y sus diseñadores e ingenieros de Wilson Labs, en colaboración con la especialista en diseño computacional 3D General Lattice y la impresora EOS, lograron conceptualizar y crear un balón impreso completamente en 3D, que se caracteriza por su composición de entrelazados esféricos y la carencia completa de aire para su funcionamiento.
El deporte es un excelente campo de prueba para la innovación y la transición contemporánea del deporte tradicional al deporte sustentable. Dentro de este fenómeno destaca hoy la incursión de la marca deportiva Wilson, caracterizada por la elaboración de ropa deportiva, accesorios, y por supuesto, balones de todo tipo, que este año han sorprendido al mundo deportivo, en especial de la NBA, con su prototipo de balón que busca cambiar las reglas del juego en cuanto a la manufactura de balones en el siglo XXI.
Su prototipo Wilson Airless realmente cambia todo concepto tradicional de lo que podríamos conocer sobre un balón de basquetbol. Pasando de los tradicionales materiales de 5 capas, color terracota y relleno de aire para poder ser utilizado, Wilson y sus diseñadores e ingenieros de Wilson Labs, en colaboración con la especialista en diseño computacional 3D General Lattice y la impresora EOS, lograron conceptualizar y crear un balón impreso completamente en 3D, que se caracteriza por su composición de entrelazados esféricos y la carencia completa de aire para su funcionamiento.
Spider-Man
Determinar el gran éxito que significó para Sony Pictures y Marvel la extraordinaria recepción de Into the Spider-verse en 2018 podría variar según a quien se le cuestione. Algunos dirán que fue por la selección del ya mítico Miles Morales como protagonista; otros abundaran en que fue su apuesta de materializar el concepto de Multiverso de manera magistral, y algunos más aseguran que se debe a su estilo de animación tan variado que significó toda una experiencia visual que no se había visto hasta entonces. La realidad es, que dicho éxito se debe a todo lo anterior, siendo un proyecto temerario que logró hacer match con todos sus elementos, tanto de estilo, animación y narrativos, sin ningún problema, algo que pocas veces vemos hoy en día, y más aún para el “género” animado.
Determinar el gran éxito que significó para Sony Pictures y Marvel la extraordinaria recepción de Into the Spider-verse en 2018 podría variar según a quien se le cuestione. Algunos dirán que fue por la selección del ya mítico Miles Morales como protagonista; otros abundaran en que fue su apuesta de materializar el concepto de Multiverso de manera magistral, y algunos más aseguran que se debe a su estilo de animación tan variado que significó toda una experiencia visual que no se había visto hasta entonces. La realidad es, que dicho éxito se debe a todo lo anterior, siendo un proyecto temerario que logró hacer match con todos sus elementos, tanto de estilo, animación y narrativos, sin ningún problema, algo que pocas veces vemos hoy en día, y más aún para el “género” animado.
La llegada de algo diferente a las audiencias acostumbradas a la animación 3D de Disney, Pixar y DreamWorks también fue pieza clave en su éxito. Si bien la animación 2D nunca murió del todo, verla de nuevo en pantalla de una manera tan variada en cuanto a estilos, hizo que la experiencia visual gustase a miles. Apostar por una mezcla de estilos como el Pop Art, el Comic Book e incluso el grafiti, hizo de la historia de Miles una auténtica maravilla de la animación como nunca se había visto, y que este año planea superarse a sí misma con lo que se anticipa de su secuela.
La llegada de algo diferente a las audiencias acostumbradas a la animación 3D de Disney, Pixar y DreamWorks también fue pieza clave en su éxito. Si bien la animación 2D nunca murió del todo, verla de nuevo en pantalla de una manera tan variada en cuanto a estilos, hizo que la experiencia visual gustase a miles. Apostar por una mezcla de estilos como el Pop Art, el Comic Book e incluso el grafiti, hizo de la historia de Miles una auténtica maravilla de la animación como nunca se había visto, y que este año planea superarse a sí misma con lo que se anticipa de su secuela.
La historia de Miles Morales, después de los suce sos de su primera entrega, nos llevan a una nueva historia, con un Miles/Spider-Man más maduro y crecido, con los elementos que la vida de un adolescente un poco más grande conlleva. Sus directores prometen una aventura más extensa y entretenida, repleta de guiños al universo de Spider-Man que buscará superar a su predecesora con más personajes (alrededor de 240), más estilos de animación (6 estilos protagónicos), y una historia que nos llevará por el corazón de esta nueva franquicia repleta de arácnidos y sus diferentes variantes tan destacadas unas de otras.
La historia de Miles Morales, después de los suce sos de su primera entrega, nos llevan a una nueva historia, con un Miles/Spider-Man más maduro y crecido, con los elementos que la vida de un adolescente un poco más grande conlleva. Sus directores prometen una aventura más extensa y entretenida, repleta de guiños al universo de Spider-Man que buscará superar a su predecesora con más personajes (alrededor de 240), más estilos de animación (6 estilos protagónicos), y una historia que nos llevará por el corazón de esta nueva franquicia repleta de arácnidos y sus diferentes variantes tan destacadas unas de otras.
Detrás de esta nueva entrega se encuentra un equipo creativo y de producción que ya se consideran capos dentro de esta industria, creativos y profesionales que han participado en joyas de la animación como Avatar, la leyenda de Aang y la Leyenda de Korra, la serie spin off de Star Wars, Clone Wars, entre otras franquicias que represen
Detrás de esta nueva entrega se encuentra un equipo creativo y de producción que ya se consideran capos dentro de esta industria, creativos y profesionales que han participado en joyas de la animación como Avatar, la leyenda de Aang y la Leyenda de Korra, la serie spin off de Star Wars, Clone Wars, entre otras franquicias que represen-
ta un talento para los implicados en esta nueva entrega que de entrada se caracteriza por la mezcla de estilos de animación, siendo cada personaje en aparecer en el filme un estilo animado disímiles entre sí.
ta un talento para los implicados en esta nueva entrega que de entrada se caracteriza por la mezcla de estilos de animación, siendo cada personaje en aparecer en el filme un estilo animado disímiles entre sí.
Si bien el MCU, DC y otras películas contemporáneas ya nos muestran el concepto del multiverso a lo grande, esta franquicia centrada en el arácnido trepa muros ya lo hizo antes de manera excepcional, y con su secuela planea repetir el éxito y llevarlo al siguiente nivel, inspirándose directamente del material fuente que vio por primera vez el concepto de multiverso en la cultura popular: el cómic. Sin duda, Spider Man: Across The Spider-Verse será un deleite visual y narrativo en junio próximo, trayendo de vuelta a Miles, a Gwen, a Peter y a más de 200 nuevas versiones del arácnido favorito del mundo del cómic mediante una magistral animación innovadora.
Si bien el MCU, DC y otras películas contemporáneas ya nos muestran el concepto del multiverso a lo grande, esta franquicia centrada en el arácnido trepa muros ya lo hizo antes de manera excepcional, y con su secuela planea repetir el éxito y llevarlo al siguiente nivel, inspirándose directamente del material fuente que vio por primera vez el concepto de multiverso en la cultura popular: el cómic. Sin duda, Spider Man: Across The Spider-Verse será un deleite visual y narrativo en junio próximo, trayendo de vuelta a Miles, a Gwen, a Peter y a más de 200 nuevas versiones del arácnido favorito del mundo del cómic mediante una magistral animación innovadora.
En la más sincera opinión de quien escribe este artículo, la franquicia protagonizada por Vin Diesel con más de 20 años de historia llega a niveles que muchos concordarán, ridículos. Si bien sus primeras entregas, que se concentraban en historias en torno a las carreras clandestinas, coches, y una trama de suspenso y acción mínima, funcionaban para audiencias dosmileras que encontraban en estas películas algo icónico de la época. Hoy, las 10 entregas existentes, que incluyen un spin off, parecen no tener nal, dejando de ladTo lo que alguna vez fue este concepto y abordando una acción que lejos está de lo que alguna vez fue Rápido y Furioso.
Si, entendemos que esto es lo que vende, y que a muchos allá afuera les encanta ver este tipo de cine de explosiones y coches realizando maniobras disparatadas, pero hay que saber cuándo parar y cerrar una franquicia con honor. Diesel y sus compañeros debieron aprovechar el momento en el que lamentablemente perdieron a una de sus estrellas, el gran Paul Walker, para detener esta serie, pero contrario a eso y con motivaciones diversas, esta franquicia siguió para llegar a su décima entrega canónica donde vemos de todo, menos lo que fue en un inicio.
Rápido y Furioso comenzó retratando la vida de corredores clandestinos que se dedicaban al robo de partes, concepto que funcionaba en su época pero que el tiempo hizo que transmuta a algo más. Hoy vemos como se pretende hacer de esta franquicia una sustentada por la frase “Familia”, los guiños a sus primeras entregas, y coches que pocos sostienen una historia llena de inconsistencias, donde lo único que suma, y tal vez mantiene a la saga, es la adición de actores como John cena, Brie Larson, Jason Statham, The Rock y últimamente Jason Momoa, el villano de su más reciente entrega.
Esta saga vende, y vende bien, de lo contrario se habría detenido con el fallecimiento de Paul Walker y ese posible nal en su séptima entrega. Pero no sucedió. Tal vez el espectro comercial fue más grande que dejar por la paz este proyecto en honor a un amigo, o la ambición de Universal se antepuso buscando conciliar lo inconciliable. Sus personajes, después de 20 años de verlos en pantalla, se han vuelto icónicos para sus fans, los coches, que rara vez aparecen y solo como referencia, no logran reavivar el mismo feeling de la saga, y Vin Diesel, el famoso Toretto, hoy parece más bien un símbolo de necedad a un capo de la industria de las películas de acción.
Su décima película, undécima en la saga general, y penúltima entrega (a ver si es cierto), llega este mes a las pantallas, trayendo consigo otra historia que saca de la manga villanos, situaciones y momentos de películas anteriores, como quien escarba la tierra en busca del hilo que pueda tirar para generar más dinero. Sin interés en ello, le deseamos el mayor de los éxitos a esta saga que esperamos termine pronto, porque en un mundo de remakes, reboots, secuelas, y adaptaciones, no queda más que orar porque estas franquicias lleguen a su n por el bien de todos.
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