The New Art Fest´21 -Catalogue by Ocupart

The New Art Fest | where art meets technology é um festival internacional de ‘new media’ focado no reflexo das transformações tecnológicas e científicas na arte contemporânea e na sociedade. Teve a sua primeira edição em 2016 e surgiu como o ponto de encontro entre arte e tecnologia que faltava em Lisboa.

A relação entre arte e sociedade e o estudo das transformações induzidas nestas pelas novas tecnologias, ocupam um lugar determinante nas suas opções críticas. É ainda, uma plataforma de troca de ideias e disseminação de experiências inovadoras.

Durante a preparação da sua 4ª edição, em 2020, devido às consequências causadas pelo Covid19, avançámos para um festival online, radicalmente desmaterializado, publicado no site oficial do festival e amplamente divulgado e publicitado nas redes sociais.

Em 2021, de 16 julho a 6 outubro, o The New Art Fest, retoma a programação de 2020 e regressa à cidade de Lisboa, desta vez com uma programação in-loco, marcando presença no Museu Nacional de História Natural e da Ciência, com a exposição Pandemia, nas Carpintarias de São Lázaro com a exposição Whispering Mirrors.

Tal como nas edições anteriores, o The New Art Fest 21, marcou presença nas ruas de Lisboa, nos painéis electrónicos da MOP-TOMI, na seção Bit Street e reforçou a sua vertente educativa e sócio-cultural, na seção House of Thoughts, promovendo debates online e presenciais e uma masterclass na Faculdade Nacional de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.

Para enfatizar a relação existente entre as edições 2020 e 2021, optou-se por comunicar as duas edições em conjunto e denomina-la por The New Art Fest´20.21.

A Exposição coletiva Pandemia, teve lugar no Museu Nacional de História Natural e da Ciência, entre 16 julho e 30 de setembro. em Lisboa. Com curadoria de Sofia Marçal e produção da Ocupart, contou com a participação dos seguintes artistas: Daniela Lucato, Daria Milyukhina and Anton Sosulnikov, Fabrizio de Potestad i Fornani, João Bacelar, João Parente Moita, Jonas Runa, Kristina Petukhina , Nenad Nedeljkov, Regina Frank, Robert B. Lisek, Robert Jarvis, Sam Heydt .

A Exposição individual Whispering Mirrors, de Rodrigo Gomes, teve lugar nas Carpintarias de São Lázaro, em Lisboa, e entre 6 agosto a 25 setembro. Com curadoria de David Revés e co-produção da Ocupart e Carpintarias de São Lázaro, esta exposição resultou do pémio, Black Raven Award, atribuído ao artista na edição de 2020.

The New Art Fest | where art meets technology is an international ‘new media’ festival focused on the reflection of technological and scientific transformations in contemporary art and society. It had its first edition in 2016 and emerged as the meeting point between art and technology that was missing in Lisbon.

The New Art Fest curatorship relies on a close cooperation between art and society, thanks to the linkages between theory, criticism, science and new technologies. It also aims to be a platform for the dissemination of innovative experiences.

During the preparation of its 4th edition, in 2020, due to the consequences caused by Covid19, we moved towards an online festival, radically dematerialized, published on the festival’s official website and widely publicized and advertised on social networks.

In 2021, from 16 July to 6 October, The New Art Fest, resumes the 2020 programme and returns to the city of Lisbon, this time with an on-site programme. We mark our presence in the National Museum of Natural History and Science, with the Pandemic exhibition, in the Carpintarias de São Lázaro with the Whispering Mirrors exhibition.

and in the streets of Lisbon, in the electronic panels of MOP-TOMI. As in previous editions, The New Art Fest 21, was present in the streets of Lisbon on the electronic panels of MOP-TOMI, in the Bit Street section, and reinforced its educational and socio-cultural side, in the House of Thoughts section, promoting online and face-to-face debates and a masterclass at the National Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon.

To emphasize the relationship between the 2020 and 2021 editions, it was decided to communicate both editions together and call it The New Art Fest’20-21.

The group exhibition Pandemia, took place at the Museu Nacional de História Natural e da Ciência, between July 16 and September 30, in Lisbon. Curated by Sofia Marçal and produced by Ocupart, the following artists participated: Daniela Lucato, Daria Milyukhina and Anton Sosulnikov, Fabrizio de Potestad i Fornani, João Bacelar, João Parente Moita, Jonas Runa, Kristina Petukhina, Nenad Nedeljkov, Regina Frank, Robert B. Lisek, Robert Jarvis, Sam Heydt.

The solo exhibition Whispering Mirrors by Rodrigo Gomes took place at Carpintarias de São Lázaro in Lisbon from 6 August to 25 September. Curated by David Revés and co-produced by Ocupart and Carpintarias de São Lázaro, this exhibition resulted from the prize, Black Raven Award, given to the artist in the 2020 edition.

MUSEU NACIONAL DE HISTÓRIA NATURAL E DA CIÊNCIA

16 JUL

30 SET 2021

DANIELA LUCATO

DARIA MILYUKHINA & ANTON SOSULNIKOV

FABRICIO DE POTESTAD I FORNARI

JOÃO BETTENCOURT BACELAR

JOÃO PARENTE MOITA

JONAS RUNA

KRISTINA PETUKHINA

NENAD NEDELJKOV

REGINA FRANK

ROBERT B. LISEK

ROBERT JARVIS

SAM HEYDT

Curadoria de / Curated by

Marçal

Sofia

A exposição Pandemia realiza-se em vários espaços do Museu Nacional de Historia Natural e da Ciência, pretende invadir e contagiar o museu com trabalhos de arte, tecnologia e ciência. Todas estas obras focadas no tema da Pandemia, incidem sobre aspectos científicos de replicação do vírus, assim como os seus efeitos na sociedade. As obras e os artistas inseridos nesta exposição, resultaram de uma seleção dos participantes da edição online da secção Maker Art, promovido pelo Festival em 2020.

O Museu do nosso tempo tem como desafio proporcionar a convivência das várias sensibilidades culturais potenciadoras de conhecimento. Assim como promover o cruzamento de reflexões necessárias para criar um publico sintonizado com a contemporaneidade e determinante na ligação do museu com a sociedade.

Nesse sentido, o Museu Nacional de História Natural e da Ciência realiza a exposição Pandemia integrada no The New Art Fest’20/21 em parceria com a Ocupart.

A inquietude em que se vive neste tempo de pandemia, o isolamento forçado e o silêncio que se confunde com a incerteza e o medo, proporcionaram a doze artistas audiovisuais internacionais e portugueses, a inspiração e o pretexto para a realização destes projetos de arte multimédia, que se expandem espacialmente pelas salas de exposição, corredores e átrio do museu, alguns em sintonia outros em confronto, mas sempre em diálogo.

Este é um momento de clausura não só espiritual, mas também vivencial. Tempos bizarros perspetivados numa constante presença / ausência. O museu como lugar em constante construção onde a apropriação do espaço para a realização de exposições de arte inseridas nos limites da linguagem tecnológica contribui para que os visitantes contactem com novos materiais que se encontram na arte contemporânea, numa perspectiva distinta à do museu, proporcionando assim, a descoberta para novas abordagens artísticas e consequentemente promover a culturalização.

“ The Pandemic show is a collaboration with the National Museum of Natu- ral History and Science (MUHNAC). It intends to “invade/infect” the museum space with works centred on the vast health crisis that emerged in China by the end of 2019. This new media exhibition shows scientific aspects related to the multiplication of the virus and its social and cultural effects. The artworks in this exhibition are a part of the online edition of the Maker Art section of The New Art Fest 2020.

Today ́s Museum challenge is to provide the coexistence of various cultural sensibilities that enhance knowledge. As well as promoting the exchange of opinions for a public in tune with contemporaneity, which are key to the connection the museum with society. In this spirit, the Museu Nacional de História Natural e da Ciência holds the “Pandemia” multimedia exhibition integrated in The New Art Fest’20-21 in partnership with Ocupart.

The anxiety we live in these times of pandemic, the mandatory isolation and the silence that blends with uncertainty and fear, gave twelve international and Portuguese artists the pretext for the realization of these multimedia art projects, which expand spatially throughout the exhibition rooms, corridors and lobby of the Museum.

This is a moment of, not only spiritual but also experiential enclosure. Bizarre times envisioned in a constant presence/absence. These works approach this theme in permanent dialogue with the pandemic virus. We can confront this amplification of expanded fields, of hybridisation’s and contaminations, with the technology and new materials found in contemporary art.

The museum as a deconstructed place, where the appropriation of the space for exhibitions, inserted in the limits of the technological language, allows the visitors to get in touch with a different an unusual theme for the Museum, thus providing the discovery for new artistic approaches and this way promoting culturalization”.

Sofia Marçal Sofia Marçal, June 2021

MY NAME IS SAMI

DANIELA LUCATO (IT)

My Name is Sami, 2020, a Short Film made during COVID -19 pandemic and finished on 25th April 2020. This video is a reflection about domestic violence, human rights, and woman condition in all countries. Sami apparently calls a friend to tell her a tragic episode, told me about the abuse she suffered at the hands of her husband. She thought it was painful accepted it as a normal condition. “I was shocked and told her that she needed to contact the police. I thought about this short conversation for a long time. I really think that the way she accepted this abuse, thinking it was normal, is a huge problem for many women. I feel a responsibility, as a woman and an artist, to make people think about it, to confront this item. I don’t know if that will help solve the problem, but this is a start to combat it. “

My Name is Sami, 2020, é um vídeo feito durante o confinamento, terminado em abril 2020. Este vídeo é uma reflexão sobre a violência doméstica, os direitos humanos e a condição da mulher em todos os países. “Fui inspirada por um envolvimento pessoal: uma velha amiga, que encontrei por acaso, após muito tempo, contou-me o abuso de que foi vítima por parte do seu marido. Ela achou que era doloroso, mas aceitou-o como uma condição normal. Fiquei chocada e disse-lhe que ela precisava de comunicar à polícia. Pensei sobre esta curta conversa, durante muito tempo. Penso realmente que a forma como ela aceitou este abuso, ao pensar ser normal, é um problema enorme para muitas mulheres. Sinto uma responsabilidade, como mulher e artista, de fazer com que as pessoas pensem sobre o assunto, de se confrontarem com este assunto. Não sei se isso ajudará a resolver o problema, mas isto é um começo para o combater.”

Daniela Lucato

Daniela Lucato (b.1976, Itália) vive em Berlim. Formada em Filosofia pela Universidade de Pádua (Itália). Trabalha como atriz / intérprete em dança / teatro / cinema. Como diretora de cinema, dirigiu Call Me Reality (2013), uma performance teatral, The Birthday (2014) curta-metragem em mandarim, Connecting Fingers (2015), uma produção de dança de teatro sobre refugiados, When I dance (2016), um documentário de longametragem, The Wheel (Now, for Now (2018), Vieni (2019), Mamma Sleeps (2020).

Daniela Lucato (b.1976, Italy) lives in Berlin, actress / director living in Berlin. Graduated in Philosophy at the University of Padua (Italy). She works as an actress / performer in dance / theatre / cinema. As director: Call Me Reality (2013), atheatrical performance, The Birthday (2014) Short film in Mandarin, Connecting Fingers (2015), a theatre danceproduction about refugees, When I dance (2016), a feature documentary, The Wheel (Now, for now (2018), Vieni (2019), Mamma Sleeps (2020).

IN THE FIELD OF ANSIETY

DARIA MILYUKHINA & ANTON SOSULNIKOV (RU)

In The Field of Ansiety, 2020, é uma página web que retrata, em tempo real, a ansiedade causada pela exposição ao actual ambiente mediático do Covid 19. Um servidor web utiliza open data do COVID -19 para calcular o nível de ansiedade e correlacioná-lo visualmente com histórias de notícias virais, registadas em todo o mundo no serviço NewsApi. O projecto acontece em tempo real e as mudanças ocorrem imediatamente à medida que a situação muda em todo o mundo. O nível exacto de ansiedade é mostrado na fotografia em loop de um homem com máscaras. O grande número de máscaras mostra a futilidade do pânico. O número de máscaras, a clareza, a cor e o tempo de reprodução da fotografia dependem todos do nível de ansiedade.

Daria Milyukhina (b.1988, Rússia), concluiu a licenciatura em Arquitectura na Moscow Architectural University em 2011 e na Moscow School of New Cinema como diretora de cinema em 2017. A sua curta-metragem de Daria «Harmony» (2017) foi participante oficial do 20º Festival Mecal Pro de Curtas-Metragens e Animações. Atualmente trabalha como cineasta freelancer, a produzir vídeos comerciais.

Anton Sosulnikov (b.1992, Rússia), formou-se na Moscow Technological University como engenheiro eléctrotécnico. Atualmente estuda media e arte tecnológica na Rodchenko Art School. Nos últimos anos, trabalha como engenheiro na área de entretenimento e desenvolve software e hardware personalizados para instalações interativas, espectáculos e exposições em museus.

In the field of ansiety, 2020 is a web page, which shows in real time the level of our anxiety, depicting anxiety caused by exposure to the currentday media environment.A web server uses open data on COVID-19 to calculate the level of anxiety and visually correlates it with trending stories around the globe from the NewsApi service.The project happens in real time and changes occur immediately as the situation changes around the world. The exact level of anxiety is shown in the looped photograph of a man wearing masks. The large number of masks shows the futility of panic. The number of masks, the clarity, color, and the photograph’s playback tempo all depend on the level of anxiety.

Daria Milyukhina (b. 1988, Moscow, Russia) completed her degree in Architecture at Moscow Architectural University in 2011 and at Moscow School of New Cinema as film director in 2017. Daria’s short film “Harmony” (2017) was anofficial participant in the 20th Mecal Pro Short Film and Animation Festival. Currently she works as a freelancefilmmaker, producing commercial videos.

Anton Sosulnikov (b.1992, Moscow, Russia), graduated from MoscowTechnological University as an electricalengineer. Currently studying media and technological art at Rodchenko Art School. In the last years, he works asan entertainment engineer and develops custom software and hardware for interactive installations, shows andmuseum exhibitions.

VIRAL COUNTERPOINT COVID-19 OPUS

FABRIZIO DE POTESTAD I FORNARI (ES)

Viral Counterpoint Covid-19 Opus, mostra a natureza enganadora do Covid-19, como se desvia do nosso corpo para se replicar e como nos prejudica ao longo do seu caminho. A composição musical “Viral Counterpoint of the Coronavirus Spike Protein 2019nCoV” é uma representação musical da sequência de aminoácidos e da estrutura da proteína do agente patogénico da COVID-19. O que se ouve é uma composição multi-camadas do algoritmo, apresentando tanto o espectro vibracional de toda a proteína (expresso em elementos sonoros e rítmicos), como a sequência e a dobragem de aminoácidos que compõem a estrutura de espigões do vírus, como também, melodias entrelaçadas - formando música em contraponto - reflectindo a complexa geometria hierárquica de intersecção da proteína. Em seguida, a composição foi multiplicada pelo número médio de reprodução (R0) do vírus COVID-19 que é 3. As imagens geradas por computador foram criadas e editadas ao longo da composição musical por Nick Cobby, Martin Krzywinski e Fabrizio de Potestad i Fornari. Viral Counterpoint Covid-19 Opus é uma colaboração experimental em vídeo entre Markus J. Buehler, Nick Cobby, Martin Krzywinski e Fabrizio de Potestad i Fornari.

Fabrizio de Potestad i Fornari (b.1976, Valência, Espanha), estudou na faculdade BBAA em Valência, fez mestrados em Produção Artística e em Fotografia, Arte e Técnica. Recebeu bolsas de estudo da Universidade Federal da Bahía no Brasil, do Anotati Scholí em Atenas e do Governo de Navarra.Seu trabalho tem sido exibido e aclamado em diferentes cantos do planeta, como Paris, Santiago do Chile, Glasgow, Bruxelas, Berlim, Barcelona, Manchester, Leipzig, Edimburgo ou Amsterdão, para citar apenas alguns.

Markus J. Buehler é Professor de Engenharia no MIT, compositor de música experimental, clássica e electrónica. O seu trabalho artístico explora a criação de novas formas de expressão musical - tais como as derivadas de materiais biológicos e sistemas vivos. Markus e a sua equipa no MIT desenvolveram um método de sonificação auto-consistente para traduzir sequências de aminoácidos em composições musicais e a sua aplicação no design de proteínas, usando Inteligência Artificial.

Viral Counterpoint Covid-19 Opus shows the deceiving nature of the coronavirus-19, howit hijacks our body to replicate itself, and how hurt us along the way. His musical composition “Viral Counterpoint of the Coronavirus Spike Protein 2019-nCoV” is a musical representation of the amino acid sequence and structure of the spike protein of the pathogen of COVID-19.What you hear is a multi-layered algorithmiccomposition featuring both the vibrational spectrum of the entire protein (expressed in sound and rhythmic elements), the sequence and folding of amino acids that compose the virus spike structure, as well as interwoven melodies-forming counterpoint music-reflecting the complex hierarchical intersecting geometry of the protein. Then, the composition was divided by the average reproduction number (R0) of the COVID-19 virus which is 3. Computer generated images were created and edited along the musical composition by Nick Cobby, Martin Krzywinski and Fabrizio de Potestad i Fornari. This video shows us something about the fine line betweenbeauty of life and death as an opposite pole. Viral Counterpoint Covid-19 Opus is an experimental video collaboration among Markus J. Buehler, Nick Cobby, Martin Krzywinski and Fabrizio de Potestad i Fornari.

Fabrizio de Potestad i Fornari (b. 1976, Valence, Spain) studied at the BBAA faculty in Valencia, did a Master in Artistic Production and another in Photography, Art and technique and has also been awarded a scholarship by the Federale da Bahía University in Brazil, the Anotati Scholí in Athens and by the Government of Navarra.His work has been exhibited and applauded in different corners of the planet such as Paris, Santiago de Chile, Glasgow, Brussels, Berlin, Barcelona, Manchester, Leipzig, Edinburgh, or Amsterdam to name just a few. Markus J. Buehler is a Professor of Engineering at MIT, and a composer of experimental, classical, and electronic music. His artistic work exploresthe creation of new formsof musical expression-such as those derived from biological materials and livingsystems. Markus and his team at MIT have developed a self-consistent sonification method to translate aminoacid sequences into musical compositions and its application in protein design using Artificial Intelligence.

COVID BLUES

JOÃO BETTENCOURT BACELAR (PT)

Covid Blues, 2020, é um video de animação, onde a invisível ameaça gigante do Corona Virus se move pelas ruas de uma Lisboa deserta. Composto por uma série de fotografias, tiradas durante o isolamento, este video retrata o ambiente de Lisboa como nunca se viu, uma cidade fantasma.

João Bacelar (b.1972, LIsboa, Portugal) começou o seu percurso profissional em 1992 na Novodesign (Brandia), e em 1995 fundou um estúdio com o designer Ricardo Mealha. Foi Diretor de Arte em várias agências de publicidade, como a Euro RSCG, BMZ / PARK, BBDO, Saatchi e Ogilvy & Mather e recebeu mais de 20 prêmios Nacionais e internacionais. Em 2019 foi o Director de Arte responsável pelo trabalho vencedor do Absolut Creative Competition. Com a obra Covid Blues, recebeu o prémio Best Animation e Best in Show no Festival Flux promovido pelo British Art Council, tendo sido também selecionado e finalista em vários Festivais Internacionais. Trabalha com fotografia, ilustração, design, video e leciona na Escola das Artes da Universidade de Évora.

Covid Blues, 2020 is an animated video, where the invisible gigantic (or not) threat of the Corona Virus moving around the empty streets of Lisbon. The background scenario is a selection of the pictures from Lisbon locations during lockdown. From February to June of 2020.The soundtrack is also called Covid Blues and was created during lockdown by João Guimarães.

João Bacelar (b.1972, Lisbon, Portugal) began his professional career in 1992 at Novodesign (Brandia), and in 1995 he founded a studio with designer Ricardo Mealha. He was Art Director in several advertising agencies such as Euro RSCG, BMZ / PARK, BBDO, Saatchi and Ogilvy & Mather and received more than 20 national and international awards. In 2019, he was the Art Director responsible for the winning work of the Absolut Creative Competition. With the work Covid Blues, he received the Best Animation and Best in Show prize at the Festival Flux promoted by the British Art Council, having also been selected and finalist in several International Festivals. He works with photography, illustration, design, video and teaches at the School of Arts of the University of Évora.

ONI

JOÃO PARENTE MOITA (BR)

Oni, 2020-Ongoing é uma instalação site-specific formada por um conjunto imagens, impressas em formato postal, registadas por cameras de segurança públicas, durante o confinamento. Este projecto começou como um meio de explorar o mundo exterior durante a Pandemia da COVID-19 e, mais tarde, desenvolveu-se numa série de trabalhos que exploram a magnitude social e a natureza pictórica das câmaras de segurança num mundo globalizado, muitas vezes infiltrando-se em questões relativas à privacidade, segurança e interligação humanas, bem como o lado estético de dispositivos que não foram feitos para esse fim. Todas as imagens recolhidas durante o projecto estão disponíveis num website chamado Insecam, que exibe câmaras de segurança pública que não são protegidas por palavras-passe.

João Parente Moita (b. 1995, Manaus, Brasil) é um estudante e artista de arte multimédia que vive actualmente em Portugal e está matriculado na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. No seu trabalho explora os limites do enquadramento estilístico dentro de expressões artísticas, com imagens mundanas e suas projecções, sobre um contexto contemporâneo, altamente influenciadas pela diferença entre a vida física e a natureza representativa da sua criação digital.

Oni, 2020-Ongoing started to explore the outside world during the COVID -19 Pandemic and it later developed into a series of works exploring the social magnitude and pictorial nature of security cameras in a globalised world, often seeping into questions regarding privacy, safety and human interconnection online as well as the aesthetic side of devices that weren’t made for that purpose. All the images gathered during the project are available on a website called Insecam that displays public security cameras that are not protected by passwords.

João Parente Moita (b. 1995, Manaus, Brazil) is a multimedia art student and artist currently living in Portugal and enrolled in the Faculdade de Belas Artes da Univerdidade de Lisboa (Fine Art University of Lisbon). The threading line of his work explores the boundaries of stylistic framing within artistic expressions, it’s mundane respawns and their projections on a contemporary context, highly influenced by the difference between the physical life and the representative nature of his digital upbring.

INFODEMICS

JONAS RUNA (PT)

Infodemics, 2020, representa a propagação global e intencional de desinformação, incluindo notícias falsas e outros tipos secretos de coerção e controlo de massas. Paralelamente à pandemia resultante do novo surto de coronavírus, vivemos num período infodémico, que incluiu eventos disruptivos, tais como o Brexit ou as eleições presidenciais dos EUA. Nesta obra de arte os padrões de desinformação são mapeados em duas dimensões: numa instalação sonora online, na qual 64 estações de rádio web (transmissões ao vivo) de todo o mundo são progressivamente “infectadas” por vírus digitais - as infecções radiofónicas consistem em transformações sonoras que seguem a estrutura molecular 3D do novo vírus corona; e numa peça de luz ecoando os rotoreliefs do Cinema Anémico de Duchamp, onde uma faixa de neopixel roda num ventilador motorizado, explorando a ilusão óptica conhecida como a persistência da visão.

Jonas Runa (b. 1982, Portugal) é um artista, compositor e investigador. Doutorado em Ciência e Tecnologia das Artes. A sua obra foi apresentada no Museo Guggenheim Bilbao, nas 55ª e 56ª Bienais de Veneza, no 798 Art District (Pequim), no ARoS Aarhus Kunstmuseum, na Galerie Scheffel (Frankfurt), na Logos Foundation (Ghent), no Museo de Arte Contemporáneo (Santiago do Chile), no Théâtre de la Ville (Paris), no Arnold Schoenberg Hall (Haia), na Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), no Centro Cultural de Belém (Lisboa), na Casa da Música (Porto) e na Culturgest (Lisboa), entre outros locais.

Infodemics, 2020 is the intentional global propagation of misinformation, including fake news and other secret types of coercion and mass control. Parallel to the pandemic resulting from the new coronavirus outbreak, we live in an infodemic period, which includes disruptive events such as Brexit or the USA presidential election. In this artwork, the patterns of misinformation are mapped in two dimensions: an online sound installation, in which 64 web radio stations (live streams) from around the globe get progressively “infected” by digital viruses - radio infections consist of sound transformations following the 3D molecular structure of the new corona virus; and a light art piece, echoing the rotoreliefs of Duchamp’s Anemic Cinema, where a neopixel strip rotates in a motorized fan, exploring the optical illusion known as the persistence of vision.

Jonas Runa (b. 1982, Portugal) is an artist, composer, and researcher. PhD in Science and Technology of the Arts. His work was presented at the Museo Guggenheim Bilbao, 55th and 56th Venice Biennale, 798 Art District (Beijing), ARoS Aarhus Kunstmuseum, Galerie Scheffel (Frankfurt), Logos Foundation (Ghent), Museo de Arte Contemporáneo (Santiago do Chile), Théâtre de la Ville (Paris), Arnold Schoenberg Hall (The Hague), Fundação Calouste Gulbenkian (Lisbon), Centro Cultural de Belém (Lisbon), Casa da Música (Porto) and Culturgest (Lisbon), among other venues.

SOUND OF ISOLATION

KRISTINA PETUKHINA (RU)

Sound of Isolation, 2020 é o resultado final de uma experiência de isolamento vivida por Kristina Petukhina, que reflete sobre a convivência em quarentena com seus vizinhos. O vídeo foi feito com 1 fotografia tirada com um iPhone, 13 máscaras do Instagram e a música de Kristina. “Durante esse difícil período de isolamento, fui deixada sozinha com os meus vizinhos num prédio recentemente construido. Todos os dias perfuravam as paredes e, este ruído, entrou na minha cabeça. Peguei no meu violino e no meu misturador Octatrack e coloquei todos os sons do meu isolamento numa banda sonora. Através desta experiência, passei a ouvir o ruído das obras de uma nova maneira.Peguei no meu violino, Octatrack, Korg, Kaoss Pad - e tocamos juntos como uma orquestra industrial.”

Kristina Petukhina (b. 1987, Russia) é uma artista de som, curadora de projetos de media e professora de teoria musical. Com formação académica em violino, participou numa grande orquestra como segundo violino e em muitos projetos musicais. É também DJ experimental, que gosta especialmente de misturar discos de vinil, acústica combinada e sons sintetizados. Criada na música afro-americana, nas suas atuações coleciona música acústica e electrónica e ruidos.

Sound of Isolation, 2020, is a video work made with 1 iPhone photo, 13 instagram masks and my track, I without leaving the house, of course, reflected my coexistence in quarantine with my neighbors. “During this difficult period of isolation, I was left alone with my neighbors in a new building. Every day they drill into all the walls, and it seems already into my head. I took my violin and Octatrack and put all the sounds on the soundtrack to my isolation. Through this experiment, my hearing transforms and I started to hear this noise of repair in a new way. I took my violin, Octatrack, Korg, Kaoss Pad — and we played together like an industrial orchestra.”

Kristina Petukhina (b. 1987, Russia) is a sound artist, curator of media project and teacher of music theory in action. With an academic education (violin class), she participated in a grand orchestra as a second violin and in many music projects. Also, plays as a DJ and experimental musician especially likes to mix vinyl records, combine acoustic and synthesized sound, and experiment with genres and sound combinations. Raised on African - American music, in her music performances she collects acoustic and electronic music with ethnic and noise stuffing. Constantly she gets acquainted with the world of musical cultures and expands genre perception.

F_STATION

NENAD NEDELJKOV (SB)

F_Station, 2020 é um pequeno vídeo, inspirado numa visita a uma estação de comboios durante as restrições à circulação na Primavera de 2020. “O gatilho que inspirou este minuto, é uma espécie de situação oposta de inactividade e silêncio, foi a minha visita acidental a uma estação de comboio chamada “Fábrica”, situada na minha cidade natal em Banat, Sérvia, durante a pandemia. A estação esta sombria e vazia ha décadas, onde os comboios são bastante raros e, nesse local, nada mudou.”

Nenad Nedeljkov (b. 1971, Sérvia) licenciou-se pela Academia de Artes de Novi Sad, Sérvia em 1998. Curso de arte, departamento: pintura. Pósgraduacao / M.A./ em estudos interdisciplinares no Departamento de Arte Digital da Universidade de Artes de Belgrado, Sérvia, em 2008. É também membro da Associação Sérvia de Artistas.

F_Station, 2020 is a short video inspired by a visit to a train station during the spring 2020 restrictions on movement. “A trigger which inspired this minute, and a kind of an opposite situation of inactivity and silence, was my accidental visit to a train station named “Factory” situated in my hometown in Banat, Serbia during the pandemic. The station is bleak and empty for decades, where trains are quite rare and, on that spot, nothing has changed.”

Nenad Nedeljkov (b. 1971, Serbia) graduated from the Academy of Arts in Novi Sad, Serbia in 1998. Art course, department: painting/. Post graduated /M.A./ from Interdisciplinary studies at the Department of Digital Art at the University of Arts in Belgrade, Serbia in 2008. Member of Serbian Association of Artists.

PTS PANDEMIC

REGINA FRANK (G)

PTS Pandemic performance reflects and investigates the current issues surrounding the corona virus pandemic and the resulting stress and disquiet of most people as a reaction to confinement and the fear of being infected. A white dress features the COVID development Curves of 77 selected countries, from Afghanistan to Yemen, according to ourworldindata.org. Data curves that most people have probably been watching go up and down with fear or satisfaction as various measures were implemented. In contrast to the cold lines of the data development graphs Regina paints the lines by hand, each country with a different color. Her personal ductus interferes with the curve, symbolically leaving space for the emotional quality of the line. It also advocates for a certain stillness that many of us discovered during this very different time and fosters the artist within all of us that can keep us sane during crazy times. Her movements stand in dramatic contrast to the rest of her environment, sitting in a public space and moving so slowly that only later, in a time-lapse movie.

PTS Pandemic is the first public video-performance by Regina Frank The HeArt is Present after the COVID 19 Lockdown.

A performance PTS Pandemic, 2020 reflete e investiga os problemas atuais em torno da pandemia do Corona Virus, o stress e a inquietação resultantes do confinamento e do medo do contágio. Um vestido branco com linhas de cores pintadas à mão, que representam as curvas de desenvolvimento do COVID de 77 países selecionados, do Afeganistão ao Iêmen, de acordo com o ourworldindata.org. Curvas de dados, que a maioria das pessoas provavelmente tem observado subir e descer, com medo ou satisfação, à medida que várias medidas foram implementadas. Em contraste com as linhas frias dos gráficos de desenvolvimento de dados, Regina pinta as linhas à mão, cada país com uma côr diferente. O seu ducto pessoal interfere na curva, deixando simbolicamente espaço para a qualidade emocional da linha. Na performance PTS Pandemic, os movimentos de Regina contrastam drasticamente com o ambiente envolvente. Sentada, num espaço público, a artista move-se tão lentamente que as pessoas que circulam ao seu redor, em velocidade normal, devido ao lapso de tempo, parecerão estar a mover-se em hipervelocidade. Esta performance defende também uma certa quietude, que muitos de nós descobrimos durante este tempo muito diferente e fomenta o artista que há dentro de todos nós, o que pode nos manter sãos durante estes tempos loucos. PTS Pandemic foi a primeira vídeo-performance pública realizada após a quarentena por Regina Frank - The HeArt is Present.

Regina Frank (b. 1966, Alemanha) é uma artista alemã residente em Portugal, que combina maioritariamente o trabalho têxtil, a instalação e a performance, integrando-os com a tecnologia, através da internet e softwares interactivos. O seu trabalho foi exposto por todo o mundo, incluindo o New Museum em NY, a Serpentine Gallery em Londres, o MOCA em Los Angeles. Marca presença em inúmeras coleções particulares e museus, como o Deutsche Bank Collection ou o San Diego Museum of Art.

Regina Frank (b. 1966, Germany) lives in Lisbon, which combines text, technology, and textile, has been featured since the early 1990s in several history books, art magazines, newspapers, as well as in Vogue, Harpers, Parade, and Cosmopolitan, in Sculpture Magazine and AvantArt, FAZ Frankfurther Allgemeine Zeitung, YALE UNIVERSITY RADIO, FRESH ART INTERNATIONAL and the OBSERVADOR. Her work is in numerous private and museum collections, such as San Diego Museum of Art and the Deutsche Bank Collection.

VIRAL CAPITAL

Viral Capital, 2019-2020, é um protótipo de um novo programa, que combina a actividade de um vírus informático com um vírus biológico. Correlacionando o comportamento das estruturas lógicas e dos processos informáticos, com os processos biológicos e químicos. “O programa de teste, mostra como o meu código de ADN (recolhido da minha saliva) é combinado com os códigos dos virus Lloviu, Polio, Marburg e Ebola. As sequências dos virus, introduzidas combinatoriamente, transformam, substituem e destroem gradualmente a sequência inicial do meu ADN, criando configurações completamente novas de sinais e objectos biológicos. A transmissão de uma sequência elementar para outra, de uma substância química para outra e a possibilidade de as transformar em tempo real, ganha grande importância nos dias de hoje, em que a identidade humana é cada vez mais codificada por dados digitais. O objectivo final deste projeto é que cada utilizador tenha acesso à rede (+toolbox para leitura do código de ADN) e possa verificar como a sua sequência de ADN é transformada num objecto completamente novo. Autores: Programação

- Robert B. Lisek; Código - Robert B. Lisek, Krzysztof Lukasik

Robert B. Lisek (b. 1972, Polónia) é artista, matemático e compositor, que se concentra em sistemas, redes e processos (computacionais, biológicos, sociais), pioneiro da arte baseada na Inteligência Artificial e na Aprendizagem Mecânica. É também compositor, autor de muitos projectos e partituras sobre a intersecção de música espectral, estocástica, concreta, futurista e ruído. Recorrendo à arte pós-conceptual, ao software arte e meta-media, o seu trabalho desafia intencionalmente a categorização. Como cientista, Lisek realiza investigação nas áreas das matemáticas e das ciências da computação. Os seus interesses de investigação centramse na teoria de categorização e na álgebra de alta ordem, em função da inteligência artificial. Lisek é um dos fundadores do Laboratório de Investigação Fundamental e do Simpósio de Arte ACCESS. É autor de 300 exposições e apresentações, entre outras: SIBYL - ZKM Karlsruhe; SIBYL II -IRCAM Center Pompidou.

Viral Capital, 2019-2020 is a prototypical new program, which combines the activity of a computer virus and biological viruses. Relating the behavior of logical structures and computer processes, to biological and chemical processes. “The test program shows how my DNA is combined with codes of the viruses: multidimensional object comprising of my DNA code [collected from my saliva] and codes of chosen viruses [Lloviu virus, Polio virus, Marburg virus and Ebola virus]. Sequences of viruses are introduced combinatorially: they gradually transform and destroy and substitute the initial sequence in order to create completely new configurations of signs and biological objects. The possibility of transforming sequences in real time gains great importance in times when human identity is increasingly coded by digital data. The project shows how logical structures and computer processes remain in relation with biological and chemical processes. Transmutation of one elementary sequence into another, one chemical substance into another is of great importance. Authors: development - Robert B. Lisek; coding - Robert B. Lisek, Krzysztof Lukasik

Robert B. Lisek (b. 1972, Poland) is an artist, mathematician and composer who focuses on systems, networks, and processes (computational, biological, social), pioneer of art based on Artificial Intelligence and Machine Learning. He is involved in several projects focused on media art, creative storytelling and interactive art. drawing upon post-conceptual art, software art and meta-media, his work intentionally defies categorization. Lisek is also a composer of contemporary music, author of many projects and scores on the intersection of spectral, stochastic, concret music, musica futurista and noise, and is also a scientist who conducts research in foundations of science (mathematics and computer science). His research interests are category theory and high-order algebra in relation to artificial general intelligence. Lisek is a founder of Fundamental Research Lab and ACCESS Art Symposium. He is the author of 300 exhibitions and presentations, among others: SIBYL - ZKM Karlsruhe; SIBYL II -IRCAM Center Pompidou.

ROBERT B. LISEK (PL)

Sonora V19

ROBERT JAVIS (UK)

Sonora V19 é uma interpretação sónica dos casos ativos diários relatados da COVID-19, de dezanove países, desde 22 de janeiro de 2020 até aos dias de hoje. O trabalho artístico, baseado em dados, concentra-se nos dados dos primeiros 19 países a reportar o vírus SRA-CoV-2, começando pela China e depois seguido pela Tailândia, Japão, Coreia do Sul, EUA, Singapura, França, Malásia, Alemanha, Itália, Suécia, Reino Unido, Irão, Espanha, Suíça, Áustria, Noruega, Holanda e Bélgica. Cada país recebeu o seu próprio harmónico em relação ao “C” baixo atribuído à China (cujo tom se ouve primeiro). À medida que o número de casos activos sobe e desce, o mesmo acontece com os volumes do tom de cada país e o resultado é um timbre em lenta mudança que retrata a transmissão da doença.

Robert Jarvis (b. 1963, Inglaterra), começou a sua carreira como músico profissional em 1985, como trombonista. Cedo o seu trabalho evolui para a composição musical, muitas vezes combinando-a com outras formas de arte. Recebeu o prémio The Performing Right Society’s ComposerIn-Education Award. A partir de 2003, começou a introduzir uma nova abordagem às suas composições, transformando-as em instalações. Estas peças foram bastante bem-sucedidas, recebeu o “British Composer Awards”, bem como um convite, do British Council, para criar uma nova obra em Chongqing, China. Em 2007 foi premiado com uma residência no The Hannah Peschar Sculpture Garden, em Surrey, o que, por sua vez, levou a uma série de outras peças site specific para espaços exteriores, bem como a um novo corpo de trabalho que foi desenhado a partir de dados científicos recolhidos a partir de processos naturais, levando ao reconhecimento através do ‘The PRSF New Music Award’. Hoje em dia Robert continua a explorar novos métodos de criação musical, tentando cimentar a sua reputação para composições sedutoras e novas interpretações do nosso ambiente quotidiano. Quando não compõe ou instala, Robert ainda pode ser ouvido regularmente tocando seu trombone.

Sonora V19 is a sonic interpretation of the reported daily active cases of COVID-19, from nineteen countries, and beginning the 22nd of Jan 2020. The data-driven artwork focuses on nineteen of the earliest countries to report the SARS-CoV-2 virus, beginning with China, and then followed by Thailand, Japan, South Korea, USA, Singapore, France, Malaysia, Germany, Italy, Sweden, UK, Iran, Spain, Switzerland, Austria, Norway, Netherlands, and Belgium (in that order). Each country has been given its own harmonic relative to the low ‘C’ assigned China (whose tone you can hear beginning first). As the number of active cases rises and falls, so do the volumes of each country’s tone, and the result is a slowly changing timbre depicting the transmission of the disease.

Robert Javis (b.1963 England) began his professional music career in 1985 as a trombonist. This soon grew into project work where the focus would be on the creation of a music composition, often through collaboration with other art forms. He received The Performing Right Society’s Composer-InEducation Award. Towards the end of the nineties Robert began to make use of found-sounds in his music, integrating these into his musical score; however, it was not until 2003 that he had the idea of a more installationtype approach to his compositions. These pieces were quite successful and led to two separate ‘British Composer Awards’ as well as an invitation by The British Council to create a new work in Chongqing, China. In 2007 he was awarded a residency at The Hannah Peschar Sculpture Garden, in Surrey, and this in turn led to a series of other pieces designed for sitespecific outdoor spaces, as well as a new body of work drawing from scientific data collected from natural processes, leading to recognition through ‘The PRSF New Music Award’. These days, Robert continues to explore new methods for musical creation, attempting to build on his reputation for compositions that entice new appreciations of our everyday surroundings. When not creating or installing, Robert can still be regularly heard playing his trombone.

UNTILED COVID

O Covid19 descarrilou o curso da história e transformou irrevogavelmente o mundo tal como o conhecíamos. Isoladamente, observamo-lo a revelarse das nossas janelas, divorciado da realidade. Para onde vamos a partir daqui? A paragem do desenvolvimento, impulsionada pela pandemia, pôs de joelhos a economia global e os sistemas políticos de longa data. Apesar das circunstâncias serem terríveis, prevalência do lucro sobre as pessoas, modelo sintomático do nosso tempo, continua a manifestar-se, como nas protecções de patentes e nas fases da vacinacão. Apesar dos esforços multilaterais apresentados pela iniciativa COVAX da OMS, a natureza ad hoc da distribuição de vacinas provou ser um pesadelo logístico para as nações de baixos rendimentos, que carecem do financiamento operacional e planeamento. Historicamente, as pandemias forçaram o ser humano a romper com o passado. Os parâmetros de “normalidade” devem ser reanalisados, em vez de serem repostos, sem reflexão. O mundo em geral foi colocado em pausa, que em resumo, se traduz numa segunda oportunidade, que teríamos de ser loucos para desperdiçar. A forma como regressamos à vida pós-pandémica tem o potencial de iniciar transformações ambientais e socioeconómicas vastas e generalizadas, através de sistemas e mentalidades. Nós somos a mudança que temos estado à espera.

Sam Heydt (b. 1986, Estados Unidos da América, vive em Viena de Austria), a sua carreira académica percorreu Belas Artes pela Parsons School of Design em Nova York, Comunicação Social pela The New School Cooper Union, em Nova York e pela Universidade de Amesterdão e Linguística pela Universidade de Buenos Aires e La Sorbonne. Depois de completar os seus estudos, lançou o Jane Street Studio, L.L.C. em Manhattan. Na sua prática artística, Sam trabalha com um largo espectro de diferentes meios - filme, vídeo, instalação, fotografia, escultura, som, merchandising e texto e emprega uma gama de materiais que muitas vezes reinventam ou invadem a sua utilização associativa. A obra de Heydt apresenta uma proposta abstrata para um mundo na periferia da história, que não parece apenas assombrado pelos fantasmas do passado, mas também construído num mundo assombrado.Ancorada na defesa social, a sua arte tenta dar voz aos velados, aos esquecidos, aos exilados, aos condenados e aos silenciados. Considerada como uma das pioneiras do movimento dos meios de comunicação reciclados, o trabalho de Heydt tem sido exibido em todo o mundo, em inúmeras galerias, museus e feiras de arte e recebido variadissimos prémios notáveis. Além disso, os filmes de animação directa da Heydt também foram exibidos em centenas de festivais internacionais.

Covid 19 has derailed the course of history and irrevocably transformed the world as we knew it. In isolation we watch it unfold from our windows, divorced from reality. Where do we go from here? The broken harmony of continuous crises has been met with paralysis. Despite circumstances being dire, the profit over people models symptomatic of our time manifests as patent protections and vaccine tiers. Despite the multilateral efforts put forth by WHO’s COVAX initiative, the ad hoc nature of vaccine distribution has proven to pose a logistical nightmare with the cold chain capabilities of many low-income nations lacking the operational funding and planning. Historically pandemics have forced humans to break with the past. The parameters of “normality” should be re-examined, rather than returned without reflection. The world at large was put on pause, it’s resume translates as a second chance we’d have to be insane to squander. How we return to life post-pandemic has the potential to initiate vast and widespread environmental and socio-economic transformations across systems and mindsets. We are the change we have been waiting for.

Sam Heydt, (b. 1986, USA, currently residing in Vienna) has lived/worked in Paris, Venice, Amsterdam, Athens, Buenos Aires, Sydney, Reykjavík, and Rajasthan. Her academic career traversed Parsons School of Design, The New School, Cooper Union, Universiteit van Amsterdam, Universidad of Buenos Aires, and La Sorbonne. In 2012, Heydt launched Jane Street Studio, L.L.C. in Manhattan. Since established, the photo studio has broadened its performance to provide both design and marketing consultation in addition to art direction. Its growing roster of clients spans Europe, North & South America, Asia, and Oceania. In addition to this entrepreneurial undertaking, Heydt has attended artist residencies in Iceland, Australia, and New Zealand, where she has documented different forms of environmental exploitation. A published author, producer, and lifelong activist, Heydt has undertaken a range of altruistic, non-profit work. Her art, anchored in social advocacy, attempts to give a voice to the veiled, forgotten, exiled, and silenced. Working across different media- film, video, installation, photography, sculpture, sound, and text, Heydt presents an abstract proposition for a world on the periphery of history, one that not only appears haunted by the ghosts of the past but built on it. Often reinventing or trespassing the associative use of the material in use, Heydt is esteemed as one of the pioneers of the recycled media movement. Her work has been shown in galleries, museums, art fairs, and film festivals worldwide.

SAM HEYDT (EUA)

EXPOSIÇÃO WHISPERING MIRRORS RODRIGO

GOMES (PT)

“Whispering Mirrors” propõe-se conjecturar sobre a aparente linearidade e previsibilidade do tempo e do espaço físico através das suas mediações objectivas e dos seus correlatos subjectivos, explorando dispositivos materiais e atmosferas de fluxos especulares nos quais esculturas, objectos técnicos, imagens e sons se constituem enquanto realidades animadas, desenvolvendo modos de existência próprios e configurações espacio-temporais específicas.

O espaço expositivo é aqui dado como uma certa cápsula espacio-temporal, onde dinâmicas contingenciais para os processos de construção e habitação do mundo são exploradas.

Acedemos a um grande casulo, lugar de transformação, alteridade material e especulativa, onde um aparato tecnológico heterogéneo e imersivo se completa e totaliza como uma espécie de organismo artificial, mas vivo, que, no movimento da sua respiração, se autorreferencia e se autorreproduz.

Um pensamento dinâmico entre matérias, imagens e sons é revelado: os objectos, procurando as imagens de que são referentes ou reflexos; as imagens, dotadas de espessura, procurando os corpos de que são a pele.

Ao entrar, Ariane recebe-nos. A única presença humanóide de toda a exposição — como uma testemunha de um tempo longínquo e de um outro lugar por si outrora habitado — sussurranos uma pequena história, o conto de Jorge Luís Borges, “Animais dos espelhos”. Fala-nos de um tempo imemorial no qual os seres dos espelhos e os seres humanos não coincidiam, vivendo numa harmonia comunicante, mas independente, que viria a ser quebrada por uma batalha entre esses dois mundos, ficando os primeiros aprisionados pelos segundos e destinados a replicar-lhes perpetuamente os movimentos. Um dia, porém, toda a mimética seria novamente destruída.

Colhendo esses ecos fabulatórios, Whispering Mirrrors situa-se num gesto de produtividade ambivalente. Por um lado, ensaiando um possível retorno a uma memória mítica, ou fundo primitivo imaginário, onde matéria e imagens partilham o mesmo estatuto ontológico, e onde o humano não assume uma posição hierárquica e mobilizadora. Por outro, propondose desenhar enquanto espaço potencial para uma eco-logia futura onde essa condição de horizontalidade das presenças seja permitida e operável pela acção criadora dos dispositivos tecnológicos, num esforço poético e sensível, onde o mundo, a técnica e as suas forças agenciais se dão numa dimensão de infinita abertura, diferença e fertilidade. “

“Whispering Mirrors equates about the apparent linearity and predictability of time and physical space through its objective mediations and subjective correlates, exploring material devices and atmospheres of specular flows in which sculptures, technical objects, images, and sounds are constituted as animated realities, by developing their own modes of existence and specific spatiotemporal configurations.

The exhibition space is given here as a certain spatiotemporal capsule, where contingent dynamics of worldmaking and inhabiting processes are explored.

We access a large cocoon, a place of transformation, material, and speculative otherness, where a heterogeneous and immersive technological apparatus completes and totalizes itself as a kind of artificial, but living organism, which, in the movement of its breathing, self-references and self-reproduces.

A dynamic thought between materials, images, and sounds is revealed: the objects looking for the images of which they are referents or reflections; the images, endowed with thickness, looking for the bodies of which they are the skin.

Upon entering, Ariane welcomes us. The only humanoid presence in the entire exhibition — as a witness of a distant time and of another place that was once inhabited — whispers to us a little story, the short story by Jorge Luís Borges, “Animals of the mirrors”. It tells us of an immemorial time in which mirror beings and human beings did not coincide, living in a communicating but independent harmony, which would be broken by a battle between these two worlds, the first being imprisoned by the second and doomed to perpetually replicate their movements. One day, however, all mimetics would be destroyed again.

Collecting these fabled echoes, Whispering Mirrors is situated in a gesture of ambivalent productivity. On the one hand, rehearsing a possible return to a mythical memory, or primitive imaginary background, where matter and images share the same ontological status, andwhere the human does not assume a hierarchical and mobilizing position. On the other hand, proposing to draw itself as a potential space for a future eco-logy where this condition of horizontal presence is allowed and operable by the creative action of technological devices, in a poetic and sensitive effort, where the world, the technique, and their shaping forces take place in a dimension of infinite openness, difference, and fertility.

David Revés

RODRIGO GOMES

Rodrigo Gomes, Faro, 1991. O seu trabalho centra-se na relação da escultura com a arquitetura, criando relações físicas e digitais através de conteúdos gerados por computador e sistemas de ‘machine learning’. Participou em exposições coletivas e individuais tais como, 19th Media Art Biennale WRO (Polónia, 2021), Alternative Film/Video Festival em Belgrado (Sérvia, 2020), Video Art Miden Festival (Grécia, 2020), Satellite Art Show NYC (EUA, 2019), 18th Media Art Biennale WRO em Wroclaw (Polónia, 2019), CosmiX III Incantation em Paris (França, 2019), “Depois do Estouro” Galeria Municipal do Porto (Portugal, 2019), “Aspekt! Aspekt!” no WRO Art Center (Polónia, 2019), “Entre as pedras há verde” Ocupart (PT, 2019), “Mamografias por Satélite” The Room (PT, 2019), “Como depositar imagens no banco” Appeton Box (PT, 2018), “The New Art Fest” na Sociedade Nacional de Belas Artes (PT, 2018) e Prémio Sonae Media Art no Museu Nacional de Art Contemporânea (PT, 2017). Em 2021 recebeu o prémio D-Normal V-Essay Floating Points Award (Hong Kong), em 2020 o Black Raven Award do The New Art Fest, em 2018 os Prémios Novos na categoria de Artes Visuais e em 2017 o prémio Sonae Media Art. Em 2019 foi bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian para produção internacional e recebeu o prémio de mérito - Jovem Revelação pelo Município de Silves.

Rodrigo Gomes is a media artist born in Faro, Portugal in 1991. Works in the fields of audiovisual sculpture, live audio/visual performance and new media. His works particularly explore the space among digital and physical entities by creating a hybrid relationship between architecture, sculpture and media arts with content generated by computer and machine learning systems. Rodrigo participated in collective and individual exhibitions, such as 19th Media Art Biennale WRO (Poland, 2021), Alternative Film/ Video Festival in Belgrade (Serbia, 2020), Video Art Miden Festival (Greece, 2020), Satellite Art Show NYC (USA, 2019), 18th Media Art Biennale WRO in Wroclaw (Poland, 2019), CosmiX III Incantation in Paris (France, 2019), “After the Bang” in Galeria Municipal do Porto (Portugal, 2019), “Aspekt! Aspekt!” at the WRO Art Center (Poland, 2019), “Among the stones there’s green” in Ocupart (PT, 2019), “Mammographies trough Satellite” in The Room (PT, 2019), “How to deposit images on a bank” in Appeton Box (PT, 2018), “The New Art Fest” in Nacional Society of Fine Arts (PT, 2018), Sonae Media Art Award at the National Museum of Contemporary Art (PT, 2017). In 2021 won the D-Normal V-Essay Floating Points Award in Hong Kong, in 2020 the Black Raven Award from The New Art Fest, in 2018 the Prémios Novos - Visual Arts and in 2017 won the Sonae Media Art Award. In 2019 he received a grant for international artistic production from Calouste Gulbenkian Foundation and a Merit Award - Young revelation from the Silves city council.

David Revés Vista geral de Spacewalk 1.0 Spacewalk 2.0 e Runway

Ariane Vídeo HD, 03’00’’,

loop, som estéreo, tripé, cabine, iPad. Dimensões variáveis.

EDR-1 Tubo de acrílico, lente lenticular, ferro, prisma, espelho, impressão UV, pernas articuláveis. Dimensões variáveis. Media Encoder 1.3 Vídeo HD, 01’12’’, loop, som estéreo, tubo de acrílico, lente lenticular, tela retroprojecção, braço articulável. Dimensões variáveis. Compressor Espelho, vidro, acrílico, lente de projecção, lente lenticular, MDF, impressão UV. Dimensões variáveis.

Media Encoder 1.1 Tubo de acrílico, lente lenticular, espelho, braço articulável. Dimensões variáveis. Runway Acrílico, tinta holográfica, MDF, impressão UV, espelho. Dimensões variáveis. Pathfinder Acrílico, MDF, impressão UV, espelho. Dimensões variáveis.

Spacewalk 1.0 and 2.0 Vídeo HD, 12’29’’, loop, som estéreo, acrílico cortado a laser, lente lenticular, tela de retroprojecção, parafusos, ferro, braço articulável, grampo, escora. Dimensões variáveis.

Tripofobia 0.1 Tubo PPR, borracha líquida, espelho cortado a laser, acrílico, ferro, braços articuláveis. Dimensões variáveis.

BIT STREET

Bit Street é uma secção do festival que pretende levar a media arte às ruas e mostrá-la ao grande público através da criação de um circuito urbano de new media art.

Há semelhança das anteriores edições, contámos com a parceria da MOP, o que nos permitiu publicitar o Festival nas plataformas digitais da MOP (nas faces OOH dos TOMIS, em ÉCRANS DIGITAIS e em LEDS DIGITAIS), nas 33 posições da rede MOP do Metropolitano de Lisboa. Nesta edição, optámos por utilizar estas plataformas exclusivamente como canal de divulgação das duas exposições presenciais promovidas pelo Festival.

Para tal convidámos cinco artistas, participantes nesta edição, a realizar pequenos vídeos com teasers de suas obras expostas serem exibidas nesta seção. Responderam a esse convite quatro artistas e exibiram-se 9 teasears, em concreto:

Da Exposição Pandemia responderam 3 artistas com 8 vídeos: - Fabrizio Potestad y Fornari, com 4 vídeos, João Bettencourt Bacelar com 3 vídeos e Sam Heydt com 3 vídeos.

Da Exposição Whispering Mirrors, Rodrigo Gomes, apresentou 1 vídeo.

Bit Street is a section of the festival that aims to take media art to the streets and show it to the general public through the creation of an urban circuit of new media art.

Similar to previous editions, we had a partnership with MOP, which allowed us to advertise the Festival on MOP’s digital platforms (on the OOH faces of TOMIS, on DIGITAL SCREENS and on DIGITAL LEDS), in the 33 positions of the MOP network of the Metropolitano de Lisbon.

In this edition, we chose to use these platforms exclusively as a channel for the dissemination of the two in-person exhibitions promoted by the Festival.

To this end, we invited five artists, participating in this edition, to make short videos with teasers of their works exhibited in this section. Four artists responded to this invitation and 9 teasers were shown, specifically: From the Pandemia Exhibition, 3 artists responded with 8 videos: - Fabrizio Potestad y Fornari, with 4 videos, João Bettencourt Bacelar with 3 videos and Sam Heydt with 3 videos.

From the Whispering Mirrors Exhibition, Rodrigo Gomes, presented 1 video.

HOUSE OF THOUGHTS

House of Thoughts é uma seção do Festival que tem como missão incentivar a partilha de conhecimentos e experiências e reforçar a vertente educativa do festival. Em 2021 realizaram-se:

House of Thoughts is a section of the Festival whose mission is to encourage the sharing of knowledge and experience and to strengthen the educational aspect of the festival. In 2021 it took place:

CONVERSA ONLINE | ONLINE TALK “NFT´S TAKE-OFF”

Data | Date: 15-09-2021

Oradores | Speakers : Berk Özdemir | Kevin McCoy

Moderador | Moderating by: Antonio Cerveira Pinto

Nesta conversa, abordaram-se questões que colocam em causa a integridade deste novo método de apresentar e conceber arte e a forma de garantir a sua proteção de autoria digital.

This conversation addressed issues that call into question the integrity of this new method of presenting and conceiving art and how to ensure its digital authorship protection.

CONVERSA ONLINE | “DEBAIXO DA PANDEMIA” | ONLINE TALK “UNDER PANDEMICS TIMES”

Data Date: 30 setembro, 2021

Oradores |Speakers: Jonas Runa | Kristina Petukhina | Robert B. Lisek

Moderador: António Cerveira Pinto

Nesta conversa, partilharam-se experiências e interesses que surgiram durante este período de introspeção, permitindo que os oradores perspetivassem as suas criações e abordagens na relação entre a arte, ciência, tecnologia.

In this conversation, experiences and interests that emerged during this period of introspection were shared, allowing the speakers to put into perspective their creations and approaches in the relationship between art, science, technology.

CONVERSA “IMAGENS PARA AQUÉM E

ALÉM DO HUMANO”

Conversa presencial | Presencial talk: 25 setembro, 2021

Local | Place: Carpintarias de São Lázaro

Oradores |Speakers: Rodrigo Gomes | Andreia Garcia | Eduarda Neves | Manuel Bogalheiro

Moderador | Moderating by: David Revés

Esta conversa, organizada pelas Carpintarias de Sâo Lázaro, teve como foco os trabalhos desenvolvidos por Rodrigo Gomes no projeto Whispering Mirrors. Abordaram-se problemáticas da contemporaneidade que promovem a forma como a replicação do real através de inteligência artificial e de jogos de reflexão, podem alterar a nossa precessão do real.

This talk, organized by Carpintarias de Sâo Lázaro, focused on the works developed by Rodrigo Gomes in the Whispering Mirrors project. They approached contemporary issues that promote the way in which the replication of the real through artificial intelligence and thinking games can alter our precession of the real.

MASTERCLASS “CONVERSA SOBRE CONSERVAS” DE RODRIGO GOMES

Masterclass presencial: 6 outubro, 2021

Local | Place: Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa

Orador: Rodrigo Gomes

Nesta masterclass Rodrigo Gomes abordou a temática da manipulação de imagens, vídeos e notícias, a sua influência na sociedade e a forma como a difusão dessas imagens e notícias, por vezes falsas, são regidas pelo seu próprio consumo.

In this masterclass Rodrigo Gomes spoke about the manipulation of images, videos and news, its influence on society and the way in which the diffusion of these images and news, sometimes false, is governed by its own consumption.