ART ANTHOLOGY V: MADRID EDITION (July 2022)

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ANTOLOGÍA DE ARTE V Edición Madrid

ART ANTHOLOGY V Madrid Edition

Guto Ajayu Culture Editado por / Edited by

JULIO 2022 JULY 2022


CRÉDITOS/CREDITS:

ANTOLOGÍA DE ARTE V: Edición Madrid ART ANTHOLOGY V: Madrid Edition Dirección de proyecto/ Project direction: Augusto Mendoza Mendieta Gestión cultural/ Cultural Management: Zdenka Mendoza Mendieta Revisión y corrección de textos en español/ Review and correction of texts in Spanish: Javier Gómez Ariel Santibáñez Ojeda Revisión y corrección de textos en inglés/ Review and correction of texts in English: Nisbat Shaw Pintura de portada y contraportada/ Cover and back cover painting: Augusto Mendoza Mendieta Introducción/ Introduction: Eduardo Jáudenes de Salazar

Trabajo curatorial/ Trabajo curatorial: Guto Ajayu Culture ISBN: 978-84-19308-18-4 D.L: M-17690-2022 Editado por/ Edited by: LIBER FACTORY www.liberfactory.com Trabajo editorial/ Editorial work: Grupo Editor Vision Net S.L. C./ San Ildefonso 17, local, 28012 Madrid. España. Tlf: 0034 91 3117696 // Email: pedidos@visionnet.es www.visionnet-libros.com


ÍNDICE/ CONTENT Agradecimientos/ Thanks..........................................................................................................................................................................................9 Prólogo de Eduardo Jáudenes de Salazar................................................................................................................................................... 11 Prologue by Eduardo Jáudenes de Salazar................................................................................................................................................13 Artistas/ Artists..................................................................................................................................................................................................................15 Arides R. Pichardo................................................................................................................................................................................................... 16 Toriam.............................................................................................................................................................................................................................. 24 Che-Yu Wu................................................................................................................................................................................................................... 32 Fransie Malherbe Frandsen............................................................................................................................................................................40 Alexander Dik.............................................................................................................................................................................................................48 Ingvar Thor Gylfason.............................................................................................................................................................................................56 Robert Johnson.........................................................................................................................................................................................................64 Nino Galo....................................................................................................................................................................................................................... 72 Gary Casey...................................................................................................................................................................................................................80 Laurence Treceño Unik’art..............................................................................................................................................................................86 Iris _ Individual Running Images Of Spectrum..................................................................................................................................92 Sukey C. .........................................................................................................................................................................................................................96 Hanta............................................................................................................................................................................................................................. 100 Dalia Šlepikienė......................................................................................................................................................................................................104 Ayisha Irene Harvey............................................................................................................................................................................................ 108 Vaida Kačergienė.................................................................................................................................................................................................. 110 Erin Bird-Johansson..............................................................................................................................................................................................114 Lincoln Howard....................................................................................................................................................................................................... 118 Luana Stebule..........................................................................................................................................................................................................122 Rosh Art........................................................................................................................................................................................................................126 Tove Gunnulfsen Tømte..................................................................................................................................................................................130 Estudio Bjørk.............................................................................................................................................................................................................134 Jolita Pundziuviene..............................................................................................................................................................................................138 Robert John Geng.................................................................................................................................................................................................142 Joseph Stublick......................................................................................................................................................................................................146 Esha Srivastava.......................................................................................................................................................................................................150 Austin Van...................................................................................................................................................................................................................154 Kevin Devonport....................................................................................................................................................................................................158 Andreas Angleitner..............................................................................................................................................................................................162 Hanne Margaretha Biedilæ........................................................................................................................................................................... 166 Bogdan Dyulgerov...............................................................................................................................................................................................170 Mar De Redin............................................................................................................................................................................................................ 174 Sikart...............................................................................................................................................................................................................................176 Mariana Drucker Z. ..............................................................................................................................................................................................178 Nibline Studio.......................................................................................................................................................................................................... 180 Nailson Novato........................................................................................................................................................................................................182 Artsy Evee / Eva Eggensperger................................................................................................................................................................184 Anna Emilia Misiak............................................................................................................................................................................................... 186 5


Inna Perkas................................................................................................................................................................................................................ 188 James Tottman....................................................................................................................................................................................................... 190 Hiromu Konno..........................................................................................................................................................................................................192 Gro Heining................................................................................................................................................................................................................194 Arisa.tn.......................................................................................................................................................................................................................... 196 Rafaela Duarte Belmont Loncan.............................................................................................................................................................. 198 Andrea Cserép.......................................................................................................................................................................................................202 Claudia Fuggetti....................................................................................................................................................................................................206 Antonella Quacchia............................................................................................................................................................................................208 Rigatoni Garrido......................................................................................................................................................................................................212 Cecilia Álvarez.........................................................................................................................................................................................................216 Art By Vinc.................................................................................................................................................................................................................220 Joanna Jass............................................................................................................................................................................................................... 224 Pinar Ture Gursoy................................................................................................................................................................................................. 226 Vanessa Mac-Auliffe Letelier...................................................................................................................................................................... 228 Michele The Colorist..........................................................................................................................................................................................230 Basma Nimri............................................................................................................................................................................................................. 232 Kirstie Tebbs............................................................................................................................................................................................................236 Anna Hvid...................................................................................................................................................................................................................240 Josette Wecsu........................................................................................................................................................................................................ 242 Artamara.....................................................................................................................................................................................................................246 José Vicente Lafuente Mateos.................................................................................................................................................................. 248 Masaki Hirokawa...................................................................................................................................................................................................250 Keith Malone............................................................................................................................................................................................................ 254 Chihyang Hsu..........................................................................................................................................................................................................258 Lachlan Anthony Smith....................................................................................................................................................................................260 Woo.................................................................................................................................................................................................................................264 Ernesto Tomas Vaquero..................................................................................................................................................................................266 Gabriele Scanziani ............................................................................................................................................................................................270 Cora Mak......................................................................................................................................................................................................................274 Prof. Osman Shibir................................................................................................................................................................................................278 Dawn Leone............................................................................................................................................................................................................. 282 Shuai Xu.......................................................................................................................................................................................................................286 Belén Posse De Rioboó...................................................................................................................................................................................288 Lauri Smith................................................................................................................................................................................................................290 Maria Evseeva......................................................................................................................................................................................................... 294 Funmi Folaranmi...................................................................................................................................................................................................296 Geonwoo Lee..........................................................................................................................................................................................................298 Susanne Walser.....................................................................................................................................................................................................302 Silvia Felizia...............................................................................................................................................................................................................304 Martin Bergeron....................................................................................................................................................................................................308 Lucas Rodríguez Cuenca................................................................................................................................................................................310 Yuka Ohara.................................................................................................................................................................................................................312 Shannon Fogle........................................................................................................................................................................................................314 Sabine Katharina Windischbauer..................................................................................................................................................................................................................................318 Mosaz (Zijun Zhao)............................................................................................................................................................................................... 322 6


Aurélie Goarzin....................................................................................................................................................................................................... 324 Emma Carey Baxendale................................................................................................................................................................................. 328 Gábor Kovács..........................................................................................................................................................................................................330 Taghera........................................................................................................................................................................................................................ 332 Adriana Arevalo......................................................................................................................................................................................................336

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AGRADECIMIENTOS

¡La vida es buena! ¡No hay crisis que pueda acabar con la creatividad, con la pasión y con la disciplina de los guerreros del arte! Este libro está hecho para mostrar las victorias creativas de artistas alrededor de todo el mundo y una vez más, tomar el pulso del arte contemporáneo. Los tiempos, la gente y el mundo cambian, pero la presencia del espíritu artístico estará siempre en la mente de los autores de este libro: nuestros queridos creativos. Gracias.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

THANKS

Life is good! No crisis can end the creativity, the passion, and the discipline of the warriors of art! This book is made to showcase the creative victories of artists worldwide and once again take the pulse of contemporary art. Times, people, and the world change, but the presence of the artistic spirit will always be on the minds of the authors of this book: our beloved creatives. Thank you.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

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PRÓLOGO Por Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO de ARTEDEI y crítico de arte)

La finalidad del arte no entiende de fronteras, es universal como lo es esta ANTOLOGIA DEL ARTE. ANTOLOGIA DEL ARTE V EDICION MADRID consolidada por el trabajo diario, reflexivo, muy bien ideada, documentada y escrita por Augusto Mendoza Mendieta (GUTO AJAYU), gestor cultural, director del proyecto de gran precisión, sensibilidad y oficio. El éxito hay que sabérselo perdonar inventándose una enfermedad incurable. Lo importante es que hablen de uno sea bien o mal, personalmente prefiero que lo hagan mal, pues ello significa que yo estoy bien. La pintura es el arte de las artes pues a todas sirve La ANTOLOGIA DEL ARTE no deja de sorprendernos, ambiciosa, de gran alcance internacional, (los textos, se encuentran en español y en inglés) satisfactoria, brillante. Barrera lujosa en imágenes, pues está impecablemente editada. El arte es ese arte que consiste en la necesidad de dejar el río correr, abriéndose paso entre las piedras y no siempre llegando al mar. Para que el mundo del arte mejore es necesario que el artista se guíe por la luz de la verdad, este sano física y mentalmente, dedique tiempo al progreso del arte y tenga voluntad de avanzar. Una de las funciones más importantes de esta antología es dar a conocer a los artistas, cosa imprescindible para abrirse camino en el mundo del arte. La obra de arte es hija de su tiempo y madre de sus sentimientos y objetiviza el espíritu del artista. Los verdaderos artistas, aunque todo el mundo les espera desde el pasado en realidad vienen del futuro. ANTOLOGIA DEL ARTE, contiene desde futuras promesas a artistas ya consagrados ambos tienen en este libro, junto con la reproducción de sus trabajos a todo color, detallada información sobre datos biográficos, bibliográficos, currículums y explicaciones de sus obras. En las páginas de este libro encontramos artistas cuyas formas son capaces de crear sensaciones alucinantes, melancólicas, repletas de hiperestesia espiritual, son psáusticas e hiperbóreas hasta otros artistas que captan la esencia secreta de las cosas 11


y no su apariencia externa, pasando por los que la fantasía, en cada uno de sus cuadros, contiene magia, misterio, gran luminosidad, la atmósfera que se crea en los cuadros, tiene vida propia. A lo que contribuye la viveza de colorido, henchidos de humanidad, nobles ideales, reflexión y espiritualidad. Se ama lo que se conoce, por eso esta ANTOLOGIA DEL ARTE es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte. Sólo el que sabe es libre, y más libre el que más sabe... Sólo la cultura da libertad. Mereció la pena, sin lugar a duda, editar y leer este libro. El verdadero motor sólo es el cerebro del artista, es el que se nutre de los elementos con los que discernir, el hecho o el sentimiento a representar en la obra de arte. Cuando algo no es singular no es arte. El arte es excepcionalidad y no existe sin esta característica. El arte no es todo lo que se plasma en un lienzo. Juan Ramón Jiménez decía: el primero que dijo tenía unos dientes como perlas era un artista el segundo un estúpido. Los artistas no se mueren, desaparecen. ANTOLOGIA DEL ARTE no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie. Por ello, como las ediciones anteriores es enviada en versión digital a varios países de habla hispana. ANTOLOGIA DEL ARTE es ya, de facto, una imprescindible herramienta de trabajo para los amantes del arte, que debe estar en todas las bibliotecas de los que, de un modo u otro, tienen relación con el arte.

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PROLOGUE By Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO of ARTEDEI and art critic)

Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO of ARTEDEI and art critic) The purpose of art does not understand borders, it is universal as is this ART ANTHOLOGY. ART ANTHOLOGY V MADRID EDITION is consolidated by the daily, thoughtful work, very well-conceived, documented by Augusto Mendoza Mendieta (GUTO AJAYU), cultural manager, director of the project with great precision, sensitivity, and skill. You must know how to forgive success by inventing an incurable disease. The important thing is that they talk about you, whether it’s good or bad, personally I prefer that they do it badly, because that means that I’m fine. ART ANTHOLOGY never ceases to amaze us, ambitious, of great international scope, (the texts are in Spanish and English), satisfactory, brilliant, and impeccably edited. For the world of art to improve, it is necessary for the artist to be guided by the light of truth, be physically and mentally healthy, dedicate time to the progress of art and have the will to move forward. One of the most important functions of this anthology is to make artists known, something essential to make their way in the art world. The work of art is the daughter of its time and the mother of its feelings and objectifies the spirit of the artist. The real artists, although everyone is waiting for them from the past, come from the future. ART ANTHOLOGY contains from future promises to already established artists, both have in this book, along with the reproduction of their works in full color, detailed information on biographical and bibliographical data, resumes and explanations of their works. In the pages of this book, we find artists whose forms can create hallucinatory, melancholic sensations, full of spiritual hyperaesthesia, are Psaustic and Hyperborean to other artists who capture the secret essence of things and not their external appearance, including those who fantasy, in each of their paintings, contains magic, mystery, great light, the atmosphere that is created in the paintings, has a life of its own. To which contributes the vividness of color, full of humanity, noble ideals, reflection, and spirituality. You love what you know, that’s why this ART ANTHOLOGY is a must-have book for all art lovers. Only the one who knows is free, and the one who knows the most is freer...Only culture gives freedom. It was worth reading this book. The true engine is only the brain of the artist, it is the one that feeds on the elements with which to discern, the fact or the feeling to represent in the work of art. When something is not singular it is not art. Art is exceptional and does not exist without this characteristic. Art is not everything that is captured on a canvas. Juan Ramón Jiménez used to say: the first person who said he had teeth like pearls was an artist, the second was stupid. Artists don’t die, they disappear. 13


ART ANTHOLOGY cannot be missing from any self-respecting art library. For this reason, like previous editions, it is sent in a digital version to several Spanish-speaking countries. ANTHOLOGY OF ART is already, de facto, an essential work tool for art lovers, which should be in all the libraries of those who, in one way or another, are related to art.

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ARTISTAS

ARTISTS

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ARIDES R. PICHARDO (República Dominicana / Dominican Republic)

ESPAÑOL Arides es un artista dominicano que actualmente reside en Rhode Island, USA. Nació en Sabana de la Mar “ a Novia de la Bahía”, República Dominicana. Arides fué autodidacta hasta el año 1991. En 1992 ingresa a la Universidad Autónoma de Santo Domingo –UASD Primada de América-, donde se gradúa con la Licenciatura en Publicidad con Especialidad en Diseño Gráfico con el alto honor de “Cum Lauder” (1999). Su filosofía de arte es una tendencia de vanguardia, afirmando la objetividad independiente del lenguaje artístico y su capacidad para evolucionar hacia una nueva perspectiva realista, desde la propia evocación interior donde la semiótica de: color simbólico y lo simple, luz, gráficos, elementos visuales, movimiento, segmentación y principalmente la analogía indirecta a veces buscada con cuidado y expresada en otras con absoluta claridad. Arides va más allá de lo cotidiano y tradicional, y hacia lo extraño, siendo en ocasiones una síntesis introspectiva de sus propias percepciones; convirtiéndolos en componentes esenciales, resultando una obra de arte moderno inspirador, expresando la idea pero con toda la autonomía artística y consistencia universal. …El arte tiene una Dimensión Universal Independiente Originada en la Imaginación Cognitiva de cada Artista… …El Universo Espacial del Arte puede ser Interpretado como una Teoría Gráfica, lo que Subraya la Importancia de la Percepción… ENGLISH Arides is a Dominican artist who currently resides in Rhode Island, USA. He was born in Sabana de la Mar “la Novia de la Bahía”, Dominican Republic. Arides was self-taught until 1991. In 1992 he started his studies at the Autonomous University of Santo Domingo -UASD First of America-where, he graduated with a Bachelor’s Degree in Advertising with a Specialty in Graphic Design with the high honor of “Cum Lauder” (1999). His philosophy of art is an avant-garde trend, affirming the independent objectivity of artistic language and its ability to evolve towards a new realistic perspective, from the inner evocation itself where the semiotics of symbolic color and simplicity, light, graphics, visual elements, movement, segmentation and mainly the indirect analogy sometimes carefully sought and expressed in others with absolute clarity. Arides goes beyond the everyday and traditional and towards the strange, sometimes being an introspective synthesis of his own perceptions, turning them into essential components, resulting in an inspiring work of modern art, expressing the idea but with all the artistic autonomy and universal consistency. …Art has an Independent Universal Dimension Originating in the Cognitive Imagination of each Artist… …The Spatial Universe of Art can be Interpreted as a Graphic Theory, which Underlines the Importance of Perception… Instagram: @aridespichardo Facebook: Arides pichardo LinkedIn: arides pichardo Email: ronaldoqz@gmail.com Web: aridesfinearts.com

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1. Souls (Almas) Acrílico y yeso sobre lienzo / Acrylic and Gesso on Canvas 60.96 x 45.72 cm 2010

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2. In Proportion of the Value Serie Harmony (En Proporción del Valor Serie Armonía) Acrílico sobre papel de acuarela pesado / Acrylic on Heavy Watercolor Paper 35.56 x 27.94 cm 2011

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3. Insemination (Inseminación) Carboncillo y esmalte sobre papel / Charcoal and enamel paper 14.60 x 10.54 cm 2010

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4. Composition V (Composición V) Acrílico sobre cartulina blanca / Acrylic on White Cardstock 27.94 x 21.59 cm 2011

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5. Clonal Invasion (Invasión clonal) Acrílico sobre papel de acuarela pesado / Acrylic on Heavy Watercolor Paper 27.94 x 21.59 cm 2021

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6. Ramesu and His Corroded Horns (Ramesu y sus cuernos corroídos) Acrílico sobre papel grueso de acuarela / Acrylic on Heavy Watercolor Paper 27.94 x 21.59 cm 2021

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7. Mystical Grail (Grial místico) Acrílico sobre papel de acuarela pesado / Acrylic on Heavy Watercolor Paper 27.94 x 21.59 cm 2021

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TORIAM (España / Spain)

ESPAÑOL María De Los Ángeles De Toro Arroyo (Nacida en la Mancha, conocida como María De Toro). Nombre artístico, TORIAM. “Pasé mis primeros años en Ciudad Real, donde desarrolló un estilo realista de iluminación por influencia del gran Miguel Ángel conocido en español. (Michelangelo Buonarroti) A los 10 años me trasladé a Madrid, donde conocí tanto la pintura antigua como la que se hacía en mi tiempo y los demás estilos. Fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. Que es lo que intento mostrar en mis obras. Licenciada en Bellas artes por la Universidad Complutense de Madrid, en el año 96. Buscando un estilo más realista intentando alcanzar un dominio extraordinario de la luz, que es lo que siempre he querido mostrar. Lo que quiero conseguir e intento alcanzar es pintar la nada. Estoy buscando la esencia de la nada, y allí está una nada que, en realidad, siempre estuvo llena de contenido. Porque reflejaba una sociedad de consumo rápido, disfrute inmediato, banalidad y pasión. La esencia de la gente en sus vidas. Lo que nos rodea en el día a día. Cualquier material, que sirva para la inspiración y la creación. Se puede apreciar o intento mostrar, un estilo final rápido y abocetado. En mi paleta podemos distinguir los pocos colores que utilizo en mis pinturas. Me encanta pintar cuadros realistas.” TORIAM ENGLISH María De Los Ángeles De Toro Arroyo (Born in La Mancha, known as María De Toro). Stage name, TORIAM. “I spent my early years in Ciudad Real, where he developed a realistic style of lighting influenced by the great Michelangelo known in Spanish. (Michelangelo Buonarroti) At the age of 10 I moved to Madrid, where I got to know both old painting and what was done in my time and other styles. They were determining influences to evolve to a style of great luminosity, with fast and loose brushstrokes. Which is what I try to show in my works. Graduated in Fine Arts from the Complutense University of Madrid, in 1996. Looking for a more realistic style trying to achieve an extraordinary mastery of light, which is what I have always wanted to show. What I want to achieve and try to achieve is to paint nothing. I am looking for the essence of nothingness, and there is a nothingness that was always full of content. Because it reflected a society of fast consumption, immediate enjoyment, banality and passion. The essence of the people in their lives. What surrounds us in the day to day. Any material, which serves for inspiration and creation. You can see, or I’m trying to show, a quick, sketchy final style. In my palette we can distinguish the few colors that I use in my paintings. I love to paint realistic paintings.” TORIAM Instagram: @arteenvena74 Email: mariatoro38251074@gmail.com

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1. Raíces Impuras (Impure Roots) Acrílico con Óleo sobre lienzo / Acrylic with Oil on Canvas 146 x 114 cm

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2. Tras la oscuridad (Behind the darkness) Acrílico con Óleo sobre lienzo / Acrylic with Oil on Canvas 162 x 130 cm

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3. Escondida entre las Sombras (Hidden in the Shadows) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 130 x 97 cm

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4. El Pesar de los años (The Weight of the Years) Acrílico con Óleo sobre lienzo / Acrylic with Oil on Canvas 162 x 97 cm

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5. Agua (Water) Acrílico con Óleo al agua / Acrylic with Oil on water 130 x 89 cm

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6. Desaparecer (Disappear) Acrílico al Agua / Water Acrylic 162 x 130 cm

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7. Desnudez Traviesa (Naughty Nudity) Acrílico con Óleo sobre lienzo / Acrylic with Oil on Canvas 210 x 90 cm

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CHE-YU WU (Taiwán / Taiwan)

ESPAÑOL Che - Yu Wu es un artista, diseñador, ingeniero y empresario multidisciplinario de nuevos medios de Taiwán, que actualmente reside en Nueva York. Después de graduarse de la Universidad de Nueva York, MS en Medios Digitales Integrados, se dedicó a abogar por la codificación creativa y el arte de los nuevos medios. El artista ha presentado a más de diez mil estudiantes el desarrollo de sitios web animados y la codificación creativa a través de sus cursos en línea. Con la sensibilidad del arte y la ingeniería, crea artes generativas con muestras de la naturaleza, la física y el arte moderno y las convierte en máquinas de arte algorítmicas e interactivas. ENGLISH Che - Yu Wu is a multidisciplinary new media artist, designer, engineer, and entrepreneur from Taiwan, currently based in New York. After graduating from New York University, Integrated Digital Media MS, he devoted himself to advocating for creative coding and new media art. The artist has introduced over ten thousand students to animated website development and creative coding through his online courses. With the sensitivity of art and engineering background, he creates generative arts sampled from nature, physics, and modernism art and turns them into algorithmic interactive art machines. Instagram: @cheyuwu345 Email: art@monoame.com Web: cheyuwu.com

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1. Tangled (Enredado) Tamaño variable / Size variable 2020

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2. Chaos Dancer (Bailarina del caos) Tamaño variable / Size variable 2021

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3. Organic Circuit (Circuito orgánico) Tamaño variable / Size variable 2020

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4. Triangle Picnic (Picnic triangular) Tamaño variable / Size variable 2020

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5. Sweet dreams (Dulces sueños) Tamaño variable / Size variable 2021

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6. Loop Mountain (Montaña de lazo) Tamaño variable / Size variable 2020

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7. Causality (Causalidad) Tamaño variable / Size variable 2020

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FRANSIE MALHERBE FRANDSEN (Sudáfrica / South Africa)

ESPAÑOL Fransie Malherbe Frandsen es una excelente artista, escritora e ilustradora. Nació en Ciudad del Cabo, pero vivió y estudió en varios países, antes de establecerse en Ginebra, Suiza. La experiencia de Fransie es en diseño gráfico y psicoterapia artística. El arte de Fransie se inspira en su exposición a muchas culturas, así como en su experiencia trabajando con personas marginadas como psicoterapeuta de arte. A través de su obra, Fransie se esfuerza por sacar a la luz y provocar la reflexión sobre aquellos temas desestimados por la sociedad. Agregar objetos 3D a sus obras de arte le permite comunicarse con el espectador a través de una dimensión adicional. El trabajo de Fransie se puede describir mejor como artivismo. Fransie también ha escrito e ilustrado con éxito una serie de libros para niños. ENGLISH Fransie Malherbe Frandsen is a fine artist, writer and illustrator. She was born in Cape Town, but lived and studied in several countries, before settling in Geneva, Switzerland. Fransie’s background is in Graphic Design and Art Psychotherapy. Fransie’s art takes inspiration from her exposure to many cultures as well as from her experience in working with marginalized individuals as an Art Psychotherapist. Through her work, Fransie strives to bring to light and to provoke thought, concerning those issues dismissed by society. Adding 3D objects to her artworks, allows her to communicate with the viewer through an additional dimension. Fransie’s work can best be described as Artivism. Fransie has also successfully written and illustrated a series of children’s books. Instagram: @artfox.bookwolf Web: www.fransiefrandsen.com

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1. Blah, blah, blah, Beatrice! (Bla, bla, bla, Beatrice!) Técnica mixta / Mixed Media 60 x 50 cm

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2. Florence, don’t say fuck! (Florencia, ¡no digas carajo!) Técnica mixta / Mixed Media 60 x 50 cm

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3. Lost while Hatching #2 (Perdido mientras incubaba #2) Técnica mixta / Mixed Media 50 x 70 cm

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4. Lost while Hatching #3 (Perdido durante la eclosión #3) Técnica mixta / Mixed Media 50 x 70 cm

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5. 9/11 Flying or Falling? (9/11 ¿Volando o cayendo?) Técnica mixta / Mixed Media 80 x 60 cm

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6. Helen Técnica mixta / Mixed Media 100 x 70 cm

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7. Pallium (Palio) Técnica mixta / Mixed Media 100 x 70 cm

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ALEXANDER DIK (Kazajstán / Kazakhstan)

ESPAÑOL El motivo o la causa del trabajo artístico de Alejandro es su naturaleza emocional. Esta naturaleza emocional se alimenta de manera pura en los miedos, la ira y la angustiosa búsqueda de respuestas. Son como fragmentos del pasado, presente y futuro. El trabajo de Alexander está influenciado por su infancia y su escape de Kazajstán, siendo un emigrante en Alemania. Desde la experiencia cotidiana que lo rodea, siente en la pintura una forma de libertad sin límites, que al mismo tiempo plantea nuevas preguntas, sobre su existencia misma, su finalidad y su valor. Alexander quiere decirle a la gente que nada dura para siempre, sino que se recrea constantemente. Tal vez esta idea pueda estimularlos a pensar y dialogar.

ENGLISH

The reason or the cause for the artistic work of Alexander is his emotional nature. Purely the fears, anger, and the agonizing search for answers. Fragments from the past, present, and future. Influenced by his childhood and his escape from Kazakhstan, being a migrant in Germany and the daily experiences around him, he feels in the painting a form of boundless freedom, which at the same time raises new questions. Questions about existence, his purpose, and his value. He wants to tell people that nothing lasts but constantly recreates itself. Perhaps he can stimulate them to think and engage in dialogue. Instagram: @alexander_s_dik Email: info@alexanderdik.de Web: www.alexanderdik.de

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1. Friedhof der toten dichter (Cementerio de los poetas muertos) / cementery of the dead poets Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 170 x 170 cm 2021

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2. DIE RUMTREIBER (LOS RUMORES / THE RUMTRIERS) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 140 x 120 cm 2021

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3. IVAN GROZNY Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 115 x 155 cm 2021

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4. NOYU Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 140 x 120 cm 2021

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5. RANGER (GUARDA) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 160 x 190 cm 2021

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6. ROTBART Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 150 x 250 cm 2021

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7. VACUA SOMNIO Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 150 x 150 cm 2021

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INGVAR THOR GYLFASON (Islandia / Iceland)

ESPAÑOL Nació en 1981 en Reykjavík, Islandia, donde actualmente vive y trabaja. Después de experimentar con todo tipo de medios y formas de arte a lo largo de su vida, se enamoró del hermoso dúo de pintura al óleo y pincel. Eso sucedió en 2016, y no ha dejado el pincel desde entonces. Se considera un pintor al óleo expresivo al que le gusta asumir todo tipo de motivos. Ya sea la figura humana, un paisaje, un retrato, un pájaro o una flor; no importa ya que trata de asumir todo tipo de motivos sin ningún temor. Si bien sus pinturas son precisas en las proporciones y la construcción principal de la pintura es probablemente en la dirección del realismo, le gusta doblar la imagen en torno al realismo. Eso significa grandes pinceladas, la deconstrucción de algunos elementos de la pintura y todo lo que él crea necesario para crear algo extraordinario que intrigue al espectador. ENGLISH

He was born in 1981 in Reykjavík, Iceland, where he currently lives and works. After experimenting with all kinds of mediums and art forms throughout his life, he fell in love with the beautiful duo of oil paint and the art brush. That happened in 2016, and he has not put down the brush since. He considers himself an expressive oil painter who likes taking on all kinds of motives. Be it the human figure, a landscape, a portrait, a bird, or a flower; it does not matter as he tries to take on all kinds of motives without any fear. While his paintings are accurate in proportions and the primary building of the painting is probably in the direction of realism, he likes to bend the image around realism. That means big brush strokes, deconstruction of some elements of the painting, and just whatever he feels needed to create something extraordinary that intrigues the viewer. Email: ingvarthor@gmail.com Instragram: @ingvarthor Website: www.ingvarthorart.com Pinterest: ingvargylfason

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1. Bouquet IV Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 140 x 100 cm 2021

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2. Björk Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 200 x 150 cm 2021

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3. Ballet IX Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 120 x 100 cm 2020

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4. Ballet X Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 142 x 100 cm 2020

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5. Elephant Rock (Roca de Elefante) Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 200 x 150 cm 2020

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6. King Of Darkness (Rey de la Oscuridad) Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 70 x 70 cm 2022

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7. Heat (Calor) Óleos sobre lienzo de algodón / Oils on cotton canvas 200 x 150 cm 2021

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ROBERT JOHNSON (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL Después de años de enseñar a los estudiantes, el artista está en un camino de aprendizaje por sí mismo. Su interés por el color, la forma y la luz impulsa este arte digital conceptual. Una imagen final comienza con una sola foto, y su camino hacia la finalización rara vez es rápido. Lo vuelve a visitar durante días o semanas. Su trabajo es diverso en su aspecto y presentación, y quiere que los colores y los temas hagan que uno se detenga y piense. La experiencia y la experimentación impulsan este proceso. ENGLISH After years of teaching students, the artist is on a learning path for himself. His interest in color, shape, and light drives this conceptual digital art. A final image begins with a single photo, and its path to completion is rarely quick. He revisits it over days or weeks. His work is diverse in its look and presentation, and he wants the colors and subjects to make one pause and think. Experience and experimentation drive this process. Instagram: @robert_johnson_images Email: roberthjohnson@hotmail.com

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1. Wall of 50 (Muro de 50) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 45 x 35 cm

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2. Ground Bloom (Floración en el suelo) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 45 x 35 cm

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3. Sun With Leaves (Sol con hojas) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 40 x 50 cm

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4. Freedom Wall (Muro de la Libertad) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 40 x 23 cm

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5. Grandir 404 (Creciendo 404) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 40 x 50 cm

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6. Vue de la Ville (Vista de la ciudad) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 50 x 40 cm

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7. Banff Street (Calle Banff) Arte digital contemporáneo / Digital Contemporary Art 40 x 50 cm

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NINO GALO (Chile)

ESPAÑOL Nino Galo es una artista chilena la cual desde sus años universitarios se ha interesado profundamente en la exploración de distintas estéticas a las que puede llegar el ser humano, sobre todo su carnalidad, enfocando esta búsqueda en la deformación de lo corpóreo para generar la reflexión en quien se enfrenta cara a cara con sus obras, utilizando el quiebre de las estéticas canónicas del cuerpo y la belleza. Actualmente se dedica a ampliar su camino y trayectoria como artista: ´´El arte es la comunicación y expresión que va más allá de cualquier lenguaje o metodología específica. Es una herramienta que no tiene limitaciones, que no tiene ética, moral o va más allá de la comprensión del bien y del mal. Se regocija en la universalidad al mismo tiempo que rechaza ese aspecto, a medida que se desarrolla y se expresa, cualquier espectador debe poder acceder a ella y encontrarse en una posición crítica, agitando en su interioridad. No basta con estipular simbologías que puedan traducirlo de manera sistemática matemática, porque la ruptura en su universalidad debe ser generada por un todo, que se individualiza destripando lo que observa. Lo único que pretendo precisar es lo que está a la vista, la deformación estética del cuerpo humano para seducir y perturbar a la vez´´. Nino Galo ENGLISH

Nino Galo is a Chilean artist who, since her university years, has been deeply interested in the exploration of different aesthetics that human being can reach, especially their carnality, focusing this search on the deformation of the corporeal to generate reflection in who comes face to face with her works, using the break of the canonical aesthetics of both, body and beauty. Nowadays she is currently dedicated to expanding her path and career as an artist: ‘’Art is communication and expression that goes beyond any specific language or methodology. It is a tool that does not have any limitations, that has no ethics, morals or goes beyond the understanding of good and evil. It rejoices in universality while rejects that aspect, as it develops and expresses itself, any spectator should be able to access it and find themselves in a critical position, stirring in their interiority. It is not enough to stipulate symbologies that can translate it in a systematic or mathematical way, because the break in its universality must be generated by a whole, that is individualized by gutting what it observes. The only thing that I intend to specify is what is at sight, the aesthetic deformation of the human body to simultaneously seduce and disturb’’. Nino Galo Instagram: @Ninogalo_art Email: Ninogalo.artist@gmail.com

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1. Quiebre (Break) Óleo sobre tela / Oil on canvas 70 x 60 cm 2020

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2. Madre Pintura (Mother Painting) Óleo sobre tela / Oil on canvas 80 x 70 cm 2020

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3. Nana Óleo sobre tela / Oil on canvas 70 x 50 cm 2021

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4. Mala Suerte (Bad Luck) Óleo sobre tela / Oil on canvas 180 x 150 cm 2021

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5. Post Mentalidad (Post Mentality) Óleo sobre tela / Oil on canvas 90 x 60 cm 2021

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6. Químera Humanidad (Quimera Humanity) Óleo sobre tela / Oil on canvas 80 x 70 cm 2021

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7. Restriction (Restricción) Óleo sobre tela / Oil on canvas 70 x 50 cm 2022

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GARY CASEY (Irlanda / Ireland)

ESPAÑOL Con sede en Copenhague, Gary (conocido por sus amigos como Gats) creció en la pequeña ciudad de Mallow en el condado de Cork, Irlanda. Tomó Arte como materia fuera de la escuela para sus exámenes de secundaria, obteniendo altos honores. Gary es un artista autodidacta que experimenta con texturas y capas a partir de entonces. Después de que un coleccionista de arte lo llevara a Miami por una pieza de su trabajo, el artista decidió dedicarse al arte a tiempo completo y nunca miró hacia atrás. Ahora pintando desde su propio estudio (Gats Studios) en Copenhague, el arte de Gary se ha vendido en toda Europa, América y Australia. El artista se inspira en la historia de Irlanda y las culturas del mundo, desde la histórica hasta la moderna, y siempre intenta capturar un momento específico en el tiempo. “El arte siempre ha sido uno de mis principales medios de expresión. Encuentro paz absoluta en su creación. Los años en los que el arte no era mi enfoque principal son siempre los años en los que me sentí insatisfecho. Me atrae el arte que solo quieres alcanzar y tocar. Me encanta aplicar capas de pintura tirando de los colores inferiores, dando profundidad y variedad a las texturas. Intento crear estructura en lo desestructurado. Crecer con dislexia me ha dado mi propia visión única del mundo. Me permite pensar y ver las cosas de manera diferente. Mis libros escolares siempre tenían más arte en las columnas laterales que notas. Mi único entendimiento de niño siempre fue a través del aprendizaje visual. Me di cuenta de que esto podría ser tanto una discapacidad en la vida como una gran ventaja, ya que estaba claro que veía las cosas de manera muy diferente a la mayoría, una lección que mi madre siempre me enseñó. La historia, la cultura y el folklore irlandeses siempre me han fascinado y, a menudo, se encuentran en mis pinturas. Me considero muy afortunado de haberme criado en un país tan rico en historia y cultura. Esto impulsa mi amor por la exploración y los viajes para experimentar otras culturas que siguen inspirándome”. ENGLISH Based in Copenhagen, Gary(known to his friends as Gats) grew up in the small town of Mallow in County Cork, Ireland. He took Art as a subject outside the school for his secondary school exams, gaining high honors. Gary is a self-taught artist experimenting with texture and layering from then on. After being flown to Miami by an art collector for a piece of his work, the artist decided to go into full-time art and has never looked back. Now painting out of his own studio (Gats Studios) in Copenhagen, Gary’s art has sold across Europe, America & Australia. The artist is inspired by Irish history and world cultures from historical to modern, and he is always trying to capture a specific moment in time. “Art has always been one of my primary means of expression. I find absolute peace in its creation. The years in which art wasn’t my primary focus are always the years that I felt unfulfilled. I’m drawn to art that you just want to reach out and touch. I love to layer paint pulling the under colors up, giving depth and variety to the textures. I try to create structure in the unstructured. Growing up with dyslexia has given me my own unique view of the world. It allows me to think and see things differently. My school books always had more art in the side columns than notes. My only understanding as a child was always through visual learning. I figured out that this could be both a disability in life but also a massive advantage as it was clear I looked at things very differently from most—a lesson always driven home by my mother. Irish history, culture, and folklore have always fascinated me, and it often finds their way into my paintings. I consider myself very lucky to have been brought up in a country so rich in history and culture. This drives on my love of exploration and travel to experience other cultures that keep on inspiring me.” Instagram: @gats_studios Email: info@gatsstudio.com Web: gatsstudio.com

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1. Port at Winter (Puerto en invierno) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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2. Leaving Pompeii (Dejando Pompeya) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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3. A Thought in Time (Un pensamiento en el tiempo) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 60 x 60 cm

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4. By the Factory Wall (Junto al muro de la fábrica) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 80 x 100 cm

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5. The Big Sister (La hermana mayor) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 60 x 60 cm

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LAURENCE TRECEÑO UNIK’ART (Suiza / Switzerland)

ESPAÑOL Laurence Treceño es una artista visual y diseñadora gráfica francosuiza que vive y trabaja en Zurich. Nació en 1968 en Suiza. Se graduó en la Ecal (Escuela cantonal de Arte de Lausana) en 1991 - Máster en diseño gráfico. “La vida después de la vida. Alegre reencarnación. No Blabla, sólo emoción.” Laurence Treceño, Unik’art ENGLISH Laurence Treceño is a French-Swiss visual artist and graphic designer who lives and works in Zurich. Graduated from Ecal (Ecole cantonale d’art de Lausanne) in 1991 - master’s in graphic design. “Life after life! Joyful reincarnation. No Blabla, just emotion.” Laurence Treceño, Unik’art Instagram: @lounikart Facebook: @lounikart Email: lounikart@gmail.com Web: www.unikart.shop

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1. Skull it 4 - Buffleskull (Cráneo 4 - Cráneo de búfalo) Cuentas en Resina / Beads on Resin 35 x 45 cm

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2. Skull it 2 - Buffleskull (Cráneo 2 - Cráneo de búfalo) Cuentas en Resina / Beads on Resin 35 x 45 cm

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3. Skull it 3 - Buffaloskull (Cráneo 3 - Cráneo de búfalo) Cuentas en Resina Dorada / Beads on Gold Resin 50 x 75 cm

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4. Skull it 1 - Buffaloskull (Cráneo 1 - Calavera de búfalo) Cuentas en Resina de Bronce / Beads on Bronze Resin 50 x 75 cm

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5. Skull it goat - Goatskull (Cráneo de cabra - Cráneo de cabra) Cuentas en Resina Negra / Beads on Black Resin 46 x 45 cm

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IRIS _ INDIVIDUAL RUNNING IMAGES OF SPECTRUM (Romania & Austria)

ESPAÑOL Carmen nació y terminó sus estudios en Rumania. Desde hace unos 20 años vive en Austria con su familia. Estudió Diseño industrial en la Facultad de Artes Tibiscus y West University of Timisoara, Rumania. Todo comenzó en su infancia con la primera lluvia. Esto sucedió hace muchos años, pero la emoción fue tan intensa, una alegría indescriptible que nunca había olvidado. De niña, podía sentarse durante horas en la ventana para ver el juego de la lluvia que la fascinaba y la transportaba a un mundo lleno de formas extrañas pero amigables. Estos fueron y seguirán siendo momentos únicos en su infancia. La alegría de estar cerca del agua siempre la acompañó en su vida. Posteriormente estudió diseño industrial, profesión que le enseñó a mirar la naturaleza, a buscar nuevos materiales y formas. Siempre ha mirado con gran interés el movimiento de fluidos en diferentes superficies. La idea de dibujar la parte líquida de los cuerpos la tuvo en el verano del año 2018 cuando empezó a dibujar retratos, animales y paisajes en un estilo completamente nuevo; por primera vez combinó en una composición compleja formas orgánicas inspiradas en el movimiento del fluido sin destruir el carácter de una persona o animal. Llamó a su nuevo estilo_ FLUIDISMO. ENGLISH

Carmen was born and finished her studies in Romania. For about 20 years, she has been living in Austria with her family. She studied Industrial design at the Faculty of Arts Tibiscus and West University of Timisoara, Romania. It all started in her childhood with the first rain. This happened many years ago, but the emotion was so intense, an indescribable joy she had never forgotten. As a child, she could sit for hours at the window to watch the game of rain that fascinated and transported her to a world full of strange but friendly shapes. These were and remained unique moments in her childhood. The joy of being around the water always accompanied her in her life. Later she studied industrial design, a profession that taught her to look at nature, to search for new materials and shapes. She has always looked with great interest at the movement of fluids on different surfaces. The idea of drawing the liquid part of the bodies she had in the summer of the year 2018 when she started drawing portraits, animals, and landscapes in a whole new style; for the first time, she combined in a complex composition organic forms inspired by the movement of the fluid without destroying a person`s or animal character. She called her new style_ FLUIDISM.

Instagram: @irisfluidrainbow Email: carmenrieger777@yahoo.com / irisfluidism@yahoo.com Web: www.irisfluidism.com

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1. MARILYN MONROE Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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2. MODERN WOMAN ( MUJER MODERNA) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 90 x 70 cm

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3. ALBERT EINSTEIN Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 80 cm

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SUKEY C. (México / Mexico)

ESPAÑOL Artista autodidacta, estudió por 4 años arte clásico europeo en una academia privada en Texas Estados Unidos de América. Sukey es apasionada y amante de los colores y figuras que rodean su vida a diario. Además, tiene una visión muy independiente de ver cosas y objetos, los cuales le han eco descubrir sus propias dimensiones fascinantes para poder expresarse en cada una de sus obras y así poder compartir con cualquier espectador. Porque, para ella, el arte es, una forma de auto lenguaje propio, como artista expresando en sí los sentimientos más allá del alma, más allá de la consciencia, es donde lo conocido se muestra como lo desconocido, expresando sin ningún miedo, lo existente e inexistente del sentir de lo más profundo del alma y del corazón y junto con la consciencia enigmática, que plasma en cada obra de arte bella,única, atractiva, energética y llena de emociones, dando libertad a las miradas de cualquier espectador. Todo esto conforma el lenguaje de su alma y en la inspiración de su corazón, compaginando las dimensiones ocultas de su mente, para así dejar en cada pincelada las emociones diversas y adversas de su ser. ENGLISH

Self-taught artist, she studied classical European art for 4 years at a private academy in Texas, United States of America. Sukey is passionate and a lover of the colors and figures surrounding her daily life. In addition, she has a very independent vision of seeing things and objects, which has made her discover their own fascinating dimensions to be able to express themselves in each of her works and thus be able to share with any viewer. Because, for her, art is a form of her own self-language, as an artist expressing feelings beyond the soul, beyond consciousness. It is where the known shows itself as the unknown, expressing without any fear what exists and is non-existent of the feeling of the depths of the soul and heart and together with the enigmatic consciousness, which is reflected in each beautiful, unique, attractive, energetic and emotional work of art, giving freedom to the gaze of any spectator. All this forms the language of her soul and the inspiration of her heart, combining the hidden dimensions of her mind to leave in each brushstroke the diverse and adverse emotions of her being. Instagram: @C.sukey Email: sukey_c@yahoo.com Website: www.sukeycamacho.com

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1. The last Egyptian! (¡El último egipcio!) Acrílico con rotuladores a base de tinta de aceite sobre papel acrílico acabado lino / Acrylic with oil ink based markers on acrylic paper linen finish 30.5 x 30.5 cm 2021

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2. The conquest! (La conquista!) Acrílico con rotuladores a base de tinta de aceite sobre papel acrílico acabado lino / Acrylic with oil ink based markers on acrylic paper linen finish 30.5 x 30.5 cm 2021

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3. The secret kiss! (El beso secreto!) Rotuladores de tinta permanente sobre papel Bristol./ Permanent ink markers on Bristol paper. 27.9 x 35.6 cm 2021

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HANTA (Madagascar)

ESPAÑOL Hanta es una artista abstracta autodidacta nacida en Antananarivo, Madagascar, criada entre Antananarivo y París, y se mudó a Canadá en 2009 en busca de una nueva vida. Ha tenido la suerte de haber estado siempre rodeada de Arte y proviene de una familia de Grandes Artistas. Hanta expresa su talento artístico en muchas formas, como el diseño de moda (exhibiendo en varias ferias internacionales de moda en París, Nueva York...) la artesanía, las artes visuales y la pintura. Le encanta pintar abstractos sobre lienzo o papel, usando acrílico de una manera divertida y alegre y le gusta transportar a los espectadores a un mundo de Alegría, Belleza, Textura y Colores. Su amor por los colores vibrantes está profundamente influenciado por su herencia tropical. Para Hanta, el Arte está destinado a darte placer, hacerte feliz, libre de limitaciones y reglas, una euforia de inspiración, emoción y colores sin fin. La misión de Hanta es traer tanta alegría y felicidad como sea posible al mundo a través de sus obras de arte. ENGLISH

Hanta is a self taught abstract artist born in Antananarivo, Madagascar, raised between Antananarivo and Paris, and moved to Canada in 2009 in pursuit of a new life. She has been fortunate to have always been surrounded by Art and comes from a family Grand Artists. Hanta expresses her artistic talents in many forms such as fashion design ( exhibiting at several international fashion trade shows in Paris, New York…) crafts, visual art and painting. She loves painting abstract on canvas or paper, using acrylic in a fun and joyful way and likes to transport the viewers to a world of Joy, Beauty, Texture and Colors. Her love of vibrant colors is deeply influenced by her tropical heritage. For Hanta, Art is meant to give you pleasure, make you happy, free of limitations and rules, an euphoria of endless inspiration, emotion and colors. Hanta’s mission is to bring as much Joy and Happiness as possible to the world through her works of Art. Instagram: @hantacolors Email: hantacolors@gmail.com

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1. Love Story (Historia de amor) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 61 x 61 cm

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2. Susie Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 35,5 x 28 cm

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3. Viva la vida (Long live life) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 20,5 x 61 cm

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DALIA ŠLEPIKIENĖ (Lituania / Lithuania)

ESPAÑOL El arte abstracto es fascinante. Cualquiera puede darle un significado individual. Dalia quiere evocar emociones, buenas o malas, no importa, y si una persona siente algo al mirar sus piezas, su propósito está logrado. Cada cuadro cuenta una historia diferente. Le encanta todo el proceso de pintar, sobre todo cuando el resultado final también la sorprende. Las obras de arte de Dalia se han expuesto en Alicante, Fuerteventura, Génova, Milán, Madrid, Mónaco, Londres. La plataforma dirigida por artistas „Dark Yellow Dot’’ ha sido nombrada artista del mes. Una de sus obras de arte también fue seleccionada para la Bienal de Arte de Londres 2021. ENGLISH

Abstract art is fascinating. Anyone can give a personal meaning to it. Dalia wants to evoke emotion; bad or good doesn’t matter. If a person feels something looking at her pieces - her purpose is achieved. Each painting tells a different story. She loves the whole painting process, especially when the final result surprises her as well. Dalia’s artworks have been exhibited in Alicante, Fuerteventura, Genoa, Milan, Madrid, Monaco, and London. The artist-run platform ”Dark Yellow Dot’’ has been named an artist of the Month. One of her artworks was also selected for the London Art Biennale 2021. Instagram: @dslep.paint Email: dslep.paint@gmail.com

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1. Confusing dreams (Sueños confusos) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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2. Joy of life 2 (Alegría de vivir 2) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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3. Sensitivity (Sensibilidad) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 110 cm

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AYISHA IRENE HARVEY (Canada / Canadá)

ESPAÑOL Ayisha Irene Harvey es de Toronto, Ontario, Canadá. Es una artista autodidacta que ha estado pintando y dibujando durante unos nueve años, de forma más seria durante los últimos cuatro o cinco años. Su obra se basa principalmente en sentir influencias. Su método de creación consiste en hacer varios o muchos intentos en un cierto tipo de obra de arte emocional que resuena con ella a nivel personal y creativo. Le gusta la creación automática, pero ocasionalmente agrega piezas no solo en función de las respuestas intuitivas al trabajo que ya ha comenzado o que está a punto de terminar. Cuando pinta, se siente inspirada en su mayoría por artistas abstractos y personas que hacen piezas minimalistas básicas, pero trata de no recrear piezas que le hablen o piezas que ya haya pintado. ENGLISH

Ayisha Irene Harvey is from Toronto, Ontario, Canada. She’s a self-taught artist who has been painting and drawing for around nine years, more seriously for around four to five years. Her work is primarily based on feeling influences. Her method of creating consists of making several to many attempts at a certain kind of emotionally based piece of art that resonates with her on a personal and creative level. She enjoys auto-creating but will occasionally add to pieces not just based on intuitive responses to work that she has already started or is nearly finished. When she paints, she feels inspired by mostly abstract artists and people who make bare bones minimalist pieces, but she tries not to re-create pieces that speak to her or pieces which she has already painted Instagram: @ayishaireneharvey Email: ayishaireneharvey@gmail.com

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1. Untitled (Sin título) Punteado, pinceladas largas, abstracción minimalista sobre lienzo / Stippling, long brushstrokes, minimalist abstraction on canvas 12 x 8.5 cm

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VAIDA KAČERGIENĖ (Lituania / Lithuania)

ESPAÑOL Vaida nació el 15 de octubre de 1967, en Lituania. Desde la infancia, romántico, melancólico, ingenuo, creyendo en las cosas más bellas de la vida, se ha mantenido así hasta el día de hoy. Es una artista autodidacta que expresó su visión y sentimientos del mundo a través de las artes visuales. Vaida comenzó a pintar y dibujar en la adolescencia. Hace varios años renovó su actividad creativa y se presentará como creadora de arte naif, pintora de paisajes, paisajes urbanos y naturaleza. Utilizaba diversas técnicas y estilos, sin esfuerzo ni pretensión de seguimiento, para corresponder al arte profesional, pero partiendo de un impulso interno y basado en soluciones técnico-plásticas intuitivas. Ha creado más de 100 pinturas, dibujos y bocetos, cada uno muy individual, que refleja sus sentimientos y su visión, en su mayoría relacionados con el mundo interior, las relaciones, la naturaleza y el lugar del ser humano en él. “Háblale al corazón, deja que el alma sea el conductor, deja que los sueños sean los amigos mostrando los detalles más hermosos e importantes en el camino” (Vaida Kačergienė). ENGLISH

Vaida was born on October 15th of 1967, in Lithuania. From childhood romantic, melancholic, naive, believing in the most beautiful things in life - has remained so to this day. She’s a self-taught artist who expressed her vision and feelings of the world through the visual arts. Vaida started painting and drawing in adolescence. Several years ago she renewed her creative activity and shall be introduced as a creator of naive art, landscape, cityscape, and nature painter. She was using various techniques and styles, with no effort and no claim to follow, to correspond to professional art, but to come from an internal impulse and based on intuitive technical-plastic solutions. She has created more than 100 paintings, drawings, and sketches, each very individual, reflecting her feelings and vision, mostly related to the inner world, relations, nature, and humans’ place in it. “Talk to the heart, let the soul be the driver, let the dreams be the friends showing the most beautiful and important details on the way“ (Vaida Kačergienė.) Instragram: @vaidakacergiene / @digital.vaidakacergiene / @wb.vaidakacergiene Youpic: Vaida Kacergiene Picfair: Vaida Kacergiene Tricera: Vaida Kačergienė Email: kacergienev@gmail.com

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1. Walk in the forest (Paseo por el bosque) Acrílico y pincel seco sobre lienzo estirado / Acrylic and dry brush on stretched canvas 40 x 50 cm

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2. Prayer (Oración) Acrílico y pincel seco sobre lienzo estirado / Acrylic and dry brush on stretched canvas 50 x 70 cm

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3. Endless (Interminable) Acrílico y pincel seco sobre lienzo estirado / Acrylic and dry brush on stretched canvas 50 x 70 cm

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ERIN BIRD-JOHANSSON (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL Erin Bird-Johansson es una artista de medios mixtos abstracta y contemporánea originaria de los Estados Unidos y ha crecido hasta convertirse en una ciudadana Global. Creativamente aprecia la combinación de elementos multimedia junto con técnicas clásicas así como el desarrollo de nuevos procesos a través de la experimentación. Además, al recuperar materiales que de otro modo se desperdiciarían, ha preservado elementos de la historia que de otro modo podrían perderse. Muchas de sus piezas actuales contienen materiales que han sido desechados y devueltos a una nueva vida. Al desenterrar la belleza y desarrollar técnicas mediante la unión de objetos que han sido descartados como basura o inservibles, aporta una nueva energía a algo que alguna vez se pasó por alto. Los resultados generan una hermosa reacción inclusiva y permiten que cada pieza cuente una nueva historia. Cada una de sus piezas es verdaderamente única y, a menudo, contiene un elemento enmascarado que separa los colores pantone de su propio paladar. Erin reside actualmente en Zúrich, Suiza.

ENGLISH

Erin Bird-Johansson is an abstract and contemporary mixed media artist originating from the United States and has grown to become a Global Citizen. Creatively she appreciates the combination of muti-media elements together with classic techniques as well as developing new processes through experimentation. Additionally, by salvaging otherwise wasted materials she has preserved items of history that could otherwise be lost. Many of her current pieces contain materials that have been disposed of and brought back to new life. By unearthing beauty and developing techniques by uniting objects that have been discarded as trash or unusable, she brings a new energy into something once overlooked. The results generate a beautiful inclusive reaction and allow each piece to tell a new story. Each of her pieces is truly one of a kind and often contains a masked element that separates the pantone colors from her own palate. Erin currently resides in Zurich, Switzerland. Email: littleartisticmiss@gmail.com Instagram: @thelittleartisticmiss

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1. River Junk / Río de chatarra Técnica Mixta y Esmalte sobre Tabla de Madera / Mixed Media and Enamel on Wood Pannel 50 x 50 cm

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2. Call Me (Llámame) Mixed Media, Coffee, Cigarette Ash on Canvas / Técnica Mixta, Café, Ceniza de Cigarro sobre Lienzo 120 x 100 cm

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3. Electric Blue (Azul eléctrico) Acrylic, Enamel, Mixed Liquid Solvents on Canvas / Acrílico, Esmalte, Mezcla de disolventes líquidos 100 x 100 cm

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LINCOLN HOWARD (Canadá / Canada)

ESPAÑOL Nacido en Vancouver B.C. Canadá, el 23 de febrero de 1970, Lincoln era un artista intuitivo autodidacta. Aprendió su estilo y proceso a través de prueba y error. También creó un par de técnicas únicas. Lincoln suele incorporar un patrón de cuadrícula en su arte; la rejilla representa la matriz de nuestras vidas. Los muchos giros, vueltas y millones de decisiones que tomamos que dan forma a nuestras vidas. El artista también ha creado una pasta que le gusta usar para darle más profundidad y textura a su arte. Comenzó a pintar en 2017, después de que su esposa y él tomaran clases de pintura en su centro recreativo local. Atrapó el gusanillo de la pintura y no ha dejado de pintar desde entonces. Inmediatamente se sintió atraído por la abstracción, la escultura y las técnicas mixtas, y su objetivo es ampliar los límites de la abstracción, esforzándose siempre por crear imágenes interesantes y únicas. Le gusta incorporar objetos en la pintura, como vidrio u objetos encontrados y crear una textura escultórica espesa. Se refiere a su obra como una pintura escultórica. Algunos de sus héroes artísticos son Francis Bacon, Jackson Pollock, Jean Michelle Basquiat, Gerhard Richter e Hilma af Klint. Como artista intuitivo, tendrá una idea básica de composición cuando comience. Luego, la pintura evoluciona y deja que su intuición e imaginación lo guíen a través del proceso. Finalmente, al final del cuadro, se pregunta: ¿cómo hice eso? El arte de Lincoln es una extensión de su imaginación. Ve un objeto o una imagen y comienza a preguntarse, ¿cómo se vería en una pintura? O la forma del objeto le dará una idea sobre la composición de un cuadro. Luego lo piensa durante un día, una semana o años imaginando qué colores usar y la estructura y el estilo del trabajo terminado, construyendo un mapa o plano de la pintura en su mente. Luego se pone a trabajar tratando de recrear la imagen. A veces sale según lo planeado, pero otras veces sale en una dirección completamente diferente. Sus pinturas de varias capas representan la vida de una persona, los altibajos, los giros y vueltas. Y su objetivo final es crear un nuevo lenguaje artístico que difumine las líneas entre pintura y escultura. ENGLISH Born in Vancouver B.C. Canada, on February 23, 1970, Lincoln was a self-taught intuitive artist. He learned his style and process through trial and error. He also created a couple of unique techniques. Lincoln usually incorporates a grid pattern in his art; the grid represents the matrix of our lives. The many twists, turns, and the millions of decisions we make that shape our lives. The artist also has created a paste he likes to use to give his art more depth and texture. He began painting in 2017, after his wife and he took painting classes at their local recreation center. He caught the painting bug and hasn’t stopped painting since. He was immediately drawn to abstraction, sculpture and mixed media and his goal is to push the boundaries of abstraction, always striving to create interesting and unique images. He likes to incorporate objects into the painting, like glass or found objects and create a thick sculptural texture. He refers to his work as a sculptural painting. A few of his art heroes are Francis Bacon, Jackson Pollock, Jean Michelle Basquiat, Gerhard Richter, and Hilma af Klint. As an intuitive artist, he will have a basic idea of composition when he starts. Then, the painting evolves and lets his intuition and imagination guide him through the process. Finally, at the end of the painting, he wonders: how did I do that? Lincoln’s art is an extension of his imagination. He sees an object or an image, and starts to wonder, how it would look in a painting? Or the shape of the object will give him an idea about the composition of a painting. Then he thinks about it for a day, a week, or years imagining what colours to use and the structure and style of the finished work, building a map or blueprint of the painting in his mind. Then he gets to work trying to recreate the image. Sometimes it goes as planned, but other times it goes off in a completely different direction. His multi-layered paintings represent a person’s life, the ups, downs, twists and turns. And his ultimate goal is to create a new artistic language that blurs the lines between painting and sculpture. Instagram: @lincolnhowardart Email: lincolnhowardart@hotmail.com

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1. The Strength To Rise Again (La fuerza para levantarse de nuevo) Acrílico, purpurina, pasta y vidrio sobre lienzo / Acrylic, glitter, paste and glass on canvas 91.44 x 60.96 cm

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2. Things Are Looking Up (Las cosas están mejorando) Acrílico, purpurina, pasta y vidrio sobre lienzo / Acrylic, glitter, paste and glass on canvas 91.44 x 60.96 cm

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3. Moving Forward (Avanzando) Acrílico, purpurina, pasta y vidrio sobre lienzo / Acrylic, glitter, paste and glass on canvas 60.96 x 50.8 cm

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LUANA STEBULE (Reino Unido / United Kingdom)

ESPAÑOL Luana Stebule desde 2013 ha estado viviendo y creando en el Reino Unido. Su arte incluye proyectos escénicos, pinturas murales junto con 24 exposiciones individuales y 42 compartidas en Europa: Italia, España, Portugal, Suiza, Hungría, Polonia, Inglaterra y Estados Unidos. Nació en Lituania, en 1962. Terminó la Escuela de Arte A. Martinaitis y la Academia de Arte. L. Stebule solo en 2018 creó su sitio web en inglés y se hizo visible en el mundo del arte en todo el mundo. Ya que recibió numerosos reconocimientos. En 2019 por la revista International Art Market Magazine, fue seleccionada para estar en la Lista Dorada como una de las mejores artistas de la actualidad. En 2020 fue galardonada por el 3er Premio Internacional Leonardo Da Vinci y por el Premio Internacional Nueva York. Las obras de arte de Luana Stebule incluidas en las antologías de arte “Artistas importantes del mundo 2020” y “Maestros contemporáneos internacionales 2021”, el editor es “Artavita” EE. UU. Además, sus pinturas fueron seleccionadas en los libros de arte “Los grandes maestros del arte contemporáneo 2020” y “Mejores artistas modernos y contemporáneos de 2021”. En 2021, L. Stebule fue galardonada con el Premio Internacional Dante Alighieri. En 2022, por el premio ATIM’S Top 60 Masters Award, Nueva York, EE. UU. Las pinturas actuales de Luana Stebule son tradicionales, óleo sobre lienzo, pero su técnica favorita son los collages. Mediante el uso de diferentes materiales, logra riqueza y destreza en la superficie. El cuerpo físico de la imagen yuxtapone e impregna cada pieza de la composición creando jazz en la interpretación visual. Los mismos principios que utiliza el artista en las técnicas de óleo sobre lienzo. La mayoría de las obras de arte tienen varias capas, algunas imágenes combinan versatilidad y minimalismo, al pintor le gusta integrar tonos tranquilos con tonos saturados contrastantes. Algunas frases sobre cómo describe el arte de Luana Stebule el crítico de arte y curador de Italia Salvatore Russo. “Entendemos la gran complejidad del arte de Luana Stebule a través de los laberintos visuales que crea la artista. Su creación es una pintura sabia y sumamente eficaz. Las obras del pintor son comparables a las tablas de la ley. Y así profesan su verdad a la geometría de la perspectiva capaz de seducir al espectador que no puede dejar de observar los paisajes de la luz pintados por el artista, todo ello en riguroso silencio y con gran devoción” ENGLISH Luana Stebule from 2013 have been living and creating in the United Kingdom. Her art includes stage’s projects, mural paintings together with 24 solo and 42 shared exhibitions in Europe: Italy, Spain, Portugal, Switzerland, Hungary, Poland, England and US. She was born in Lithuania, in 1962. Finished A. Martinaitis Art School and Academy of Art. L. Stebule only in 2018 has created her English website and became visible to the Art World around the globe. Since she received numerous recognitions. In 2019 by the International Art Market Magazine, she was selected to be on the Gold List as one of the Top Artists of Today. In 2020 she was awarded by the 3rd International Leonardo Da Vinci Prize and by the International Prize New York. Luana Stebule’s artworks included into the Art Anthologies “Important World Artists 2020” and “International Contemporary Masters 2021” the publisher is “Artavita” US. Also, her paintings selected into Art books “The Great Masters of Contemporary Art 2020” and “Best 2021 Modern and Contemporary Artists” In 2021 L. Stebule was awarded by the Dante Alighieri International Prize. In 2022 – by the ATIM’S Top 60 Masters Award, New York, US. Current Luana Stebule’s paintings are traditional, oil on canvas, but her favorite technique is collages. By using different materials, she achieves richness and dexterity of the surface. The picture’s physical body juxtapose and suffuse each piece of the composition creating jazz of the visual performance. The same principles the artist uses in oil on canvas techniques. The majority artworks are multi – layered, some pictures combine versatility and minimalism, painter likes to integrate calm tones with contrasting saturated hues. A few sentences on how Luana Stebule’s art describes art critic and curator from Italy Salvatore Russo. “We understand the great complexity of Luana Stebule’s art through the visual labyrinths that the artist creates. Her creation is a learned and extremely effective painting. Painter’s works are comparable to the tablets of the law. And thus profess their truth to the perspective geometry can to seduce the bystander who cannot help but observe the landscapes of the light painted by the artist, all this in rigorous silence and with great devotion”

Email: luanastebule@gmail.com Instagram: @luanastebule WEB: www.luanastebulefineart.co.uk

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1. Oxford street (Calle de Oxford) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 61 x 46 cm

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2. The World According to Sheba (El mundo según Sheba) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 91 x 61 cm

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3. Round the clock ( Alrededor del reloj) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 91 x 61 cm

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ROSH ART (Suriname / Surinam)

ESPAÑOL Después de su licenciatura en arte no siguió como artista, pero se convirtió en profesora de arte y muchas otras cosas. En 2021 sintió la necesidad de volver a pintar y decidió enfocarse en su trabajo artístico. En ese mismo año asistió al Premio Real de Arte Holandés y fue seleccionada para la 1ª y 2ª ronda. Con el arte, hace consciente su inconsciente. Sus pinturas son instantáneas de un mundo interior rico, mágico y místico. Le encanta expresarse en formas y colores. Su proceso invisible de crecimiento personal se hace visible en el lienzo. Cada paso de este proceso es diferente y por eso cada obra es única. Sus pinturas muestran el extrañamiento en varios estilos, todos ellos con una atmósfera onírica y casi extraterrestre. Por eso llama a su estilo: surrealismo abstracto. ENGLISH After her bachelor of Art she didn’t continue as an artist, but she became an art teacher and a lot of other things. In 2021 she felt the urge to paint again and decided to focus on her artistic work. In that same year she attended the Dutch Royal Art Prize and got selected for the 1st and 2nd round. With art she makes her unconscious conscious. Her paintings are snapshots of an inner world, which is rich, magical and mystical. She loves to express herself in shapes and colors. Her invisible process of personal growth becomes visible on canvas. Every step of this process is different and that’s why every work is unique. Her paintings show estrangement in various styles, which all have a dreamy and an almost extraterrestrial atmosphere. That’s why she calls her style abstract surrealism. Instagram: @roshartist Email: info@roshartist.com Web: roshartist.com

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1. City Drone (Dron de la ciudad) Acrílicos sobre lienzo / Acrylics on canvas 60 x 80 cm 2019

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2. Fear vs. Limit (El miedo contra el límite) Acrílicos sobre lienzo / Acrylics on canvas 80 x 60 cm 2019

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3. Goddess in creation (Diosa en la creación) Acrílicos sobre lienzo / Acrylics on canvas 100 x 120 cm 2021

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TOVE GUNNULFSEN TØMTE (Noruega / Norway)

ESPAÑOL Tove Gunnulfsen Tømte es una artista que aún vive en Noruega, donde nació hace 66 años. Es una artista autodidacta y ha trabajado de forma intermitente de forma creativa con diversos materiales y técnicas basadas en tratar de descubrir y explorar nuevas posibilidades en su obra. Ha participado en 7-8 exposiciones en Noruega en los últimos años. Es una experiencia nueva y emocionante para ella el último año cooperar y participar con galerías en el extranjero como M.A.D.S art Gallery en Milán y Monat Gallery en Milán. Su deseo es contar historias verdaderas, mis obras de arte describen principalmente relaciones sociales, despojadas de códigos religiosos, sexo, etnicidad, etc. La personalidad en sus «objetos» no es importante para ella, sino cómo los objetos se relacionan entre sí. Ella ve sus fotos como parte de un diálogo con otras personas, y espera tocarlas y moverlas a un verdadero reconocimiento. La curiosidad y la emoción de cómo puede llenar un lienzo vacío es su fuerza motriz. Ella confía en el proceso creativo para hacer la historia de la imagen a lo largo del camino. ENGLISH Tove Gunnulfsen Tømte it’s an artist that still lives in Norway where she was born 66 years ago. She’s a self- taught artist and has worked on and off creatively with various materials and techniques based on trying to discover and explore new possibilities in her artwork. She has participated in 7-8 exhibitions in Norway in the last few years. It is a new and exciting experience for her the last year to cooperate and participate with galleries abroad as M.A. D. S art Gallery in Milano and Monat Gallery in Milano. Her wish is to tell stories true my artworks mainly describing social relations, stripped of religious codes, sex, ethnicity etc. The personality in her «objects» is not important for her to show but how the objects are related to each other. She sees her pictures as a part of a dialogue with other people, and she hopes to touch and move them to true recognition. The curiosity and excitement as to how she may be able to fill an empty canvas is her driving force. She trust the creative process to make the story of the picture along the road. Instagram: @malergutua Email: tovetomte@gmail.com Facebook: malergutua

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1. Glimpse of light (Un destello de luz) Acrílico sobre madera contrachapada / Acrylic on plywood 90 x 40 cm

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2. The tree of destiny (El árbol del destino) Acrílico sobre madera contrachapada / Acrylic on plywood 60 x 40 cm

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3. Social distance 2 (Distancia social 2) Acrílico sobre madera contrachapada / Acrylic on plywood 50 x 35 cm

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ESTUDIO BJØRK (Dinamarca / Denmark)

ESPAÑOL Bjørk Emilie Nielsen, también conocida como Bjørk Studio, nació en Copenhague, Dinamarca, el 20 de marzo de 1998. Es una artista autodidacta que trabaja con acrílicos sobre lienzo. Comenzó a pintar en 2019 y ahora tiene su propio estudio y su propia galería de arte. Ha realizado exhibiciones en varios lugares diferentes de Dinamarca, como oficinas, galerías de arte y hoteles de taller, y también asiste a diferentes eventos de arte. También organiza sus propios eventos de vez en cuando, lo que ha sido un gran éxito. Recientemente también comenzó a imprimir carteles de su arte, lo que se ha abierto a un segmento completamente nuevo de clientes. La historia detrás: En el otoño de 2019, tomó un pincel en su mano por primera vez y sintió un agujero de respiración muy importante. Un refugio donde no tenía que esconderse y reprimir la ardiente ansiedad y el torrente de lágrimas. Aquí las lágrimas podían caer y las emociones podían expresarse cuando las palabras eran superficiales. Todas sus pinturas son, por lo tanto, un reflejo de su ser más íntimo y, por lo tanto, increíblemente personales para ella. Hoy, recurrió a la espátula de pintura sin importar las emociones que tuviera. Una mañana soleada con café matutino y podcasts es una oportunidad obvia para sumergirse en el mundo del arte. La calma que le da crear algo hermoso y expresivo es una calma que ninguna otra forma de terapia ha podido darle. Durante el último año, se ha abierto al público sobre las enfermedades mentales y ha estado tratando de romper tabúes a través de su arte. Ella cree que el arte y la creatividad son el camino hacia una mente más saludable. Al menos para ella. Ella hace su arte con pintura acrílica y pinceles. Sin embargo, su herramienta favorita es su espátula de goma. La goma le da al lienzo un aspecto suave y oculta toda textura no deseada. ¡A ella le encanta! ENGLISH Bjørk Emilie Nielsen aka by Bjørk Studio, was born in Copenhagen, Denmark on the 20th of march 1998. She’s a self taught artist who works with acrylics on canvas. She started painting in 2019 and now has her own studio and her own art gallery. She has had exhibits in several different places in Denmark, such as offices, art galleries and work shop hotels and she’s attending different art events too. She’s also hosting her own events occasionally which has been a huge success. She recently started printing posters of her art too which has opened up for a whole new segment of customers. The story behind: In the fall of 2019, she took a paint brush in her hand for the first time and felt an all-important breathing hole. A refuge where she did not have to hide and suppress the smoldering anxiety and stream of tears. Here the tears could fall and the emotions be allowed to express themselves when words were superficial. All her paintings are therefore a reflection of her innermost being and thus incredibly personal to her. Today, she resorted to the paint spatula no matter what emotions she had. A sunny morning with morning coffee and podcasts is an obvious opportunity for self-immersion in the art world. The calm it gives her to create something beautiful and expressive, is a calm that no other form of therapy has been able to give her. Over the last year, she has opened up to the public about mental illnesses and been trying to break taboos through her art. She believes that art and creativity are the path to a healthier mind. At least for her. She makes her art with acrylic paint and paint brushes. Her favorite tool is her rubber spatula though. The rubber gives the canvas a smooth look and hides away all unwanted texture. She loves it! Instagram: @bybjorkstudio Email: kontakt@bybjorkstudio.dk Web: www.bybjorkstudio.dk

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1. This is my story (Esta es mi historia) Acrílicos y pinceles húmedos sobre lienzo / Acrylics and wet paint brushes on canvas 200 x 150 cm

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2. It’ll be okay (Todo estará bien) Acrílicos y pinceles húmedos sobre lienzo / Acrylics and wet paint brushes on canvas 150 x 120 cm

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3. The green one (El verde) Acrílicos y pinceles húmedos sobre lienzo / Acrylics and wet paint brushes on canvas 120 x 150 cm

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JOLITA PUNDZIUVIENE (Lituania / Lithuania)

ESPAÑOL La mayor parte de su vida la dedicó a trabajar con la gente. Trabajó como psicóloga y terapeuta durante 20 años. También se ha interesado por la medicina alternativa y más tarde se convirtió en maestra de Reiki. De repente tomó el pincel en su mano y comenzó a pintar. Su pintura está impulsada por el sentimiento, es parte de la terapia de sanación de las personas. Dejó su zona de confort creada. Hoy es una artista. Tiene dos licenciaturas y dos maestrías y muchos certificados, pero no se trata de las artes. Su alma ha estado en búsqueda toda su vida y ha encontrado su camino... “No es fácil, pero vale la pena seguir el camino de ti mismo: tu corazón. En el corazón se encuentran las respuestas correctas, donde nuestras mentes rara vez caen.” Jolita Pundziuviene ENGLISH Most of her life was dedicated to working with people. She worked as a psychologist and therapy practitioner for 20 years. She also has been interested in alternative medicine, and later became a Reiki master-teacher. Suddenly she took the paintbrush in her hand and started painting. Her painting is driven by the feeling, it’s part of people’s healing therapy. She left her created comfort zone. Today she is an artist. She has two bachelor’s and two master’s degrees and many certificates, but it’s not about the arts. Her soul has been in search all her life and has found her way… “It is not easy, but worthwhile to follow the path of yourself - your heart. At the heart lies the right answers, where our minds rarely fall.” Jolita Pundziuviene Instagram: @jolita_pundziuviene.art Email: jolita.pundziuviene@gmail.com Web: www.jpb-art.com

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1. The heart of the universe (El corazón del universo) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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2. The beginning (El principio) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 70 cm

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3. Light (Luz) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 80 cm

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ROBERT JOHN GENG (Alemania / Germany)

ESPAÑOL Robert John Geng es artista y escritor desde hace muchos años. Su primer libro “Cartas de amor a Dios” también trata de los dones que Dios nos da. Le encanta pintar con pinturas acrílicas, cuyo efecto es indescriptiblemente bello. Le gusta utilizar otros materiales como arena, yeso, pegamento, silicona y cualquier cosa que encuentre en un inspirador paseo por el bosque. También ha utilizado ist para hacer muchos collages acrílicos sobre lienzo. Un gran favorito suyo es el vertido de colores con colores excitantes y efectos de luz negra, pero también colores de ese radial más bien silencioso. Las ideas vienen sobre todo de la naturaleza, como el cielo y la tierra y la gente que le rodea que se visten con colores brillantes. También está escribiendo un libro, que es su afición, que describe exactamente qué para hacer con los regalos, no importa cómo y dónde. Ha expuesto en Génova, Londres, Fuerteventura y varias veces en Milán. La próxima exposición será en Mónaco en la “Feria de Arte” en junio de 2022. “Mis ojos abren mis fantasías a cada cuadro. Solo hay que mirar con atención y dejar correr el espíritu del regalo, porque cada uno de mis cuadros es el espejo de él y de mi alma. Todo lo que creo es una expresión mía y debe ser un regalo para la posteridad. A través de mi arte concedo una visión de mi alma en el amor que hay en mí con el fin de ganar a la gente a ella. Nacemos con amor y eso es exactamente lo que yo encarno. Deseo que todo el mundo se adentre en un mundo indescriptible mirando mis cuadros.” Extracto del libro “Cartas de amor a Dios”: El arte que puede Un cuadro es como un libro, el plan de la vida del artista, descrito en palabras pintadas, con el rostro de la historia, cuya alma describe exactamente lo que es la vida. Robert John Geng ENGLISH Robert John Geng has been an artist and writer for many years. His first book „Love Letters to God” also deals with the gifts that God gives us. He loves to paint with acrylic paints and the effect of these colors is indescribably beautiful. He likes to use other materials like sand, plaster of paris, glue, silicone, and anything he finds on an inspiring forest walk. He has also used ist to make lots of acrylic collages on canvas. A very big favorite of his is the pouring of colors with exciting colors and blacklight effects, but also colors of that radiale rather than silence. The ideas mostly come from nature, like heaven and earth and people around him who dress in bright colors. He’s also writing a book, which is his hobby, that describes exactly what you can do with the gifts, no matter how and where. He exhibited in Genoa, London, Fuerteventura and several times in Milan. Next exhibition is in Monaco at the „Art fair” in June 2022. “My eyes open my fantasies to every single picture. You just have to look carefully and let the spirit of the gift run free, because each of my pictures is the mirror of it and my soul. Everything I create is an expression of my and should be a gift to posterity. Through my art I grant an insight into my soul into the love that is in me in order to win people over to it. We are born with love and that’s exactly what I embody. I wish everyone to drive into an indescribable world looking at my pictures.” Excerpt from the book „Love Letters to God “: The art that can A picture is like a book, the plan of the life of the artist, described in painted words, with the face of history, whose soul describes exactly what life is about. Robert John Geng Instagram: @robertjohnartist.business Email: liebesbriefeangott@gmx.de

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1. Mineral resources of the earth (Recursos minerales de la tierra) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 90 x 90 cm

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2. Chiara - bright, luminous, beautiful and clear (Chiara - brillante, luminosa, bella y clara) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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3. Lucie - the radiant, luminous, light-bringing and born at daybreak (Lucie - la radiante, luminosa, que aporta luz y que nace en la madrugada) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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JOSEPH STUBLICK (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL Joseph Stublick nació el 27 de noviembre de 1985 y se crió en Long Island, a unas 45 millas (unos 72 km) de la ciudad de Nueva York. Durante su infancia, sus dos padres le animaron a perseguir su pasión por el arte en cualquier forma que le inspirara y siempre tuvo una fascinación por lo desconocido, la existencia, la conciencia y el propósito. De dónde venimos, porqué estamos aquí, quiénes somos y hacia dónde vamos como individuos y como sociedad son algunos de los temas que expresa a través de su obra. Cuando se le pregunta qué es lo que impulsa el arte que crea, dice: “... todos somos pequeños trozos de conciencia universal que tienen su propia experiencia humana personal y tenemos una visión muy limitada del universo desde el interior de nuestros cuerpos. Los lugares y las cosas que no podemos ver son el punto de partida y de llegada de mi obra...” “El arte es la representación más expresiva de las emociones humanas que he conocido. A lo largo de cada capítulo de mi vida, el arte ha desempeñado un papel importante en mi crecimiento y desarrollo como individuo. Tanto si se trata de un sentimiento como de un pensamiento o concepto completo, siempre he encontrado la manera de transmitir mi mensaje a través del arte. Before The Architect es una representación visual del estado de la existencia antes de que nuestra conciencia se disgregara y se convirtiera en nosotros. Drive se erige como una sólida representación de un “motor espiritual” y su ansia de experiencia pura: el alma humana...Gunshy es increíblemente subjetivo, pero para mí representa el universo que se destruye cada vez que un individuo muere por un disparo... Puedo decir sin duda que el arte es la forma más poderosa y pacífica en que un humano puede manifestar sus sentimientos y emociones en la realidad, y es una práctica que todos deberíamos incorporar a nuestras vidas tanto como podamos…” Joseph Stublick ENGLISH Joseph Stublick was born on November 27th, 1985, and was raised on Long Island, about 45 miles (about 72km) away from New York City. Throughout childhood, both of his parents encouraged him to pursue his passion for art in any form that inspired him, and he always had a fascination with the unknown, existence, consciousness and purpose. Where we came from, why we are here, who we are, and where we are going both as individuals and as a society are just some of the topics he expresses through his work. When asked about what drives the art he creates, he says, “…we are all small pieces of universal consciousness having our own personal human experience and we have a very limited view of the universe from inside our bodies. The places and things we cannot see are where my work begins and where it ends…” “Art is the most expressive representation of human emotion I have ever come across. Throughout every chapter of my life, art has played a significant role in my growth and development as an individual. Whether it be a feeling or a complete thought or concept, I have always found a way to deliver my message through art. Before The Architect is a visual representation of the state of existence before our consciousness disbursed and became US. Drive stands as a solid representation of a “spiritual engine” and its lust for pure experience - the human soul… Gunshy is incredibly subjective – but for me it represents the universe that is destroyed any time an individual is killed by a gunshot… I can say without doubt, art is the most powerful AND peaceful way a human can manifest their feelings and emotions into reality, and it is a practice we should all incorporate into our lives as much as we possibly can…” Joseph Stublick Instagram: @iamstublick Email: Joe.stublick@gmail.com Web: www.stublick.com

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1. Drive (Conducir) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 61 x 61 cm

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2. Before The Architect (Antes del arquitecto) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 61 x 91 cm

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3. Gunshy Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 46 x 61 cm

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ESHA SRIVASTAVA (India)

ESPAÑOL Esha Srivastava nació y se crió en Jaipur, Rajastán (India), y actualmente reside en la ciudad de Gurgaon, Haryana (India), donde trabaja como consultora de educación superior junto con el equilibrio de sus proyectos personales como artista independiente. Esha es licenciada con honores por la Universidad de Rajastán, en la disciplina de Economía con Matemáticas y Negocios Internacionales. Después, cursó un máster en Economía en la Universidad de Warwick, Coventry, Reino Unido. El hecho de haber crecido en el vibrante estado principesco de Rajastán ha influido de manera significativa en la sensibilidad artística de Esha. Además, el haber vivido durante mucho tiempo en Delhi, que es un crisol de influencias artísticas de toda la India y del mundo, la ha expuesto a una miríada de estilos antiguos y nuevos. Sin embargo, Esha considera que su estancia en el Reino Unido fue un punto de inflexión importante en su trayectoria artística. Considera que estar expuesta a las obras de los grandes, desde Vermeer hasta Rothko, representando diferentes escuelas y épocas, es un regalo que sigue dando. Como artista autodidacta, el estilo de Esha es ecléctico y, según sus propias palabras, “en constante evolución”. Suele utilizar muchos acrílicos, bolígrafos de color y colores de póster en sus obras. En su obra más reciente de collage digital, combina su interés por la fotografía, el arte y el diseño, recurriendo a una amplia gama de temas, desde la filosofía hasta los viajes en el tiempo. Esha ha presentado sus obras en algunas galerías de Delhi, India, y también ha formado parte del Anuario de Arte de 2021. El año pasado expuso un par de obras de Bellas Artes, y este año muestra tres de sus obras de collage. “Obtengo inspiración artística de todas partes: libros, películas, espectáculos, personas, música, observaciones directas y conversaciones. Como artista autodidacta, mi método se basa en gran medida en un enfoque interdisciplinario de la ideación, en el que ningún ámbito está realmente fuera de los límites. Dadas mis inclinaciones, me gusta interpretar las ideas a través de diferentes lentes, uniendo intereses personales dispares. Con el collage, puedo integrar mi afición por la fotografía, la pintura y el diseño, lo que me parece realmente fascinante. A través de mis obras, juego con temas de todo tipo, desde lo caprichoso y lo sardónico, hasta lo existencial y lo espiritual. En este sentido, considero que el impacto creado por los collages es más inmediato y poderoso. Mi sueño a largo plazo como artista es crear sinergias entre mis pasiones”. Esha Srivastava ENGLISH Esha Srivastava was born and brought-up in Jaipur, Rajasthan, India, and currently resides in the city of Gurgaon, Haryana, India, where she works as a Higher Education Consultant alongside balancing her personal projects as a freelance artist. Esha has a Bachelor of Arts with Honors from the University of Rajasthan, in the discipline of Economics with Mathematics and International Business. She then went on to pursue a Master’s in Economics from the University of Warwick, Coventry, UK. Growing up in the culturally vibrant princely state of Rajasthan has informed Esha’s artistic sensibilities in a significant way. Additionally, having lived in Delhi for a long time, which is a melting pot of artistic influences from all over India and the world, has exposed her to a myriad of old and new styles. However, Esha credits her time in the UK to be a major turning point in her artistic journey. She considers getting exposed to the works of greats – from Vermeer to Rothko – representing different schools and eras, as a gift that keeps on giving. A self-taught artist, Esha’s style is eclectic and in her own words ‘constantly evolving.’ She tends to utilize a lot of acrylics, colour pens, and poster colours in her artworks. In her more recent digital collage work, she merges her interest in Photography, Art, and Design, drawing upon a wide range of themes – from Philosophy to time travel. Esha has presented her artworks at a few gallery shows in Delhi, India, and was also part of the 2021 Gran Anuario Art Yearbook. She had shared a couple of Fine Arts pieces last year, and this year is showcasing three of her collage artworks. “I derive artistic inspiration from everywhere – books, films, shows, people, music, direct observations, and conversations. As a self-taught artist, my method relies heavily on an inter-disciplinary approach to ideation, where no realm is truly out of bounds. Given my proclivities, I thrive on interpreting ideas through varied lenses, bringing disparate personal interests together. With collage-making, I get to integrate my penchant for Photography, Painting, and Design, which I find truly enthralling. Through my works, I play around with subjects across the spectrum – from the whimsical and the sardonic to the existential and the spiritual – a pursuit I thoroughly enjoy. In this regard, I find the impact created by collages more immediate and powerful. My long-term dream as an artist is to create synergies across my passions.” Esha Srivastava Instagram: @doppler_dodo_21 / @voyeuristic_hues Facebook: Esha Srivastava Email: eshasrivastava1@gmail.com

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1. Unnatural Selection (Selección antinatural) Collage fotográfico Arte - Digital / Photographic Collage Art – Digital 11.91 x 23.53 cm

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2. Life on Mars (Vida en Marte) Técnica mixta - Collage fotográfico y arte mural - Digital / Mixed Media - Photographic Collage Art & Mural Art – Digital 13.5 x 19.21 cm

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3. The Tragedy of Sisyphus (La Tragedia de Sísifo) Collage fotográfico - Digital / Photographic Collage Art – Digital 40.54 x 34.5 cm

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AUSTIN VAN (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL Allen es un artista, profesor de arte y de música estadounidense. Nacido y criado en Pensilvania, estudió educación musical y liderazgo educativo en la Universidad Estatal de Pensilvania, obteniendo ambos títulos de grado y postgrado respectivamente. Poco después de graduarse, Austin obtuvo su certificación de enseñanza de arte, que cambió drásticamente su trayectoria profesional.Desde que comenzó a crear arte en este estilo de acuarela y tinta. Desde que comenzó a crear arte en este estilo de acuarela y tinta durante la primavera de 2021, la obra de Austin ha sido presentada en exposiciones individuales en la galería Rhoneymeade en Centre Hall, PA y en Otto’s Pub and Brewery en State College, PA. Su trabajo ha sido publicado en la revista Centre Arts Magazine y en un documental para Power of Positivity . Algunas de sus obras han sido expuestas en la Galería de Arte M.A.D.S. de Milán (Italia), en el Museo de Arte de Bellefonte (PA) y en la Galería de Arte Virtual Internacional del Artista 2022. Este año, su obra de arte está programada para exponeren la State College Framing Company, el Festival Internacional de Arte de Luxemburgo 2022, la galería de arte MONAT de Madrid (España) y la galería de arte Curio Cool de Zelienople (PA). “Mi obra de arte representa el abandono del control en favor de la libertad de expresión . Durante la pandemia de 2020, la necesidad de control era abrumadora. Esto, junto con los retos profesionales, afectó a mi estado mental y a mi arte. En lugar de centrarme en el realismo, empecé a lanzar pintura sobre el papel utilizando mis manos, pinceles y vasos de agua. La tinta que se dibuja sobre la pintura seca sólo sirve para resaltar la belleza de la acuarela, así como para darle profundidad y textura; es reactiva y está al servicio de la libertad expresada por la acuarela. En lugar de pintar lo que dibujo, dibujo lo que pinto. Cuando creo mi arte, todos los pensamientos y sentimientos que tengo que mantener encerrados explotan en ráfagas de pinceladas, remolinos de color y masas de líneas. En Hay una liberación de emociones, energía y pasión que viene de soltar el control, así como una aceptación y apreciación del resultado imperfecto. Al igual que mis acuarelas, la vida puede ofrecer algo único y hermoso cuando se la deja a su aire”. Austin Van ENGLISH Austin Van Allen is an American artist, art and music teacher. Born and raised in Pennsylvania, he studied music education and educational leadership at Penn State University attaining both undergraduate, graduate degrees respectively. Shortly after graduating, Austin attained his art teaching certification, which drastically changed his career trajectory. Since starting to create art in this watercolor and ink style during the spring of 2021, Austin’s artwork has been featured in solo exhibitions at the Rhoneymeade gallery in Centre Hall, PA and at Otto’s Pub and Brewery in State College, PA. His work has been published in the Centre Arts Magazine and in a documentary for Power of Positivity. Select artworks have been featured at M.A.D.S. Art Gallery in Milan, Italy, the Bellefonte Art Museum in Bellefonte, PA, and the Virtual Artist’s 2022 International Virtual Art Gallery. This year, his artwork is scheduled to exhibit at the State College Framing Company, the 2022 Luxembourg International Arts Festival, the MONAT art gallery in Madrid, Spain, and the Curio Cool art gallery in Zelienople, PA. “My artwork represents casting off control in favor of freedom of expression . During the pandemic of 2020, the need for control was overwhelming. This along with career challenges affected my mental state, and my art. Instead of focusing on realism, I started throwing paint onto paper using my hands, brushes, and cups of water. The ink that is drawn over top of the dried paint is only meant to highlight the beauty of the watercolor as well as to provide depth and texture; it is reactionary and subservient to the freedom expressed by the watercolor paint. Instead of painting what I draw, I draw what I paint. When I create my art, all the thoughts and feelings that I have to keep locked explode out in bursts of brushstrokes, swirls of color, and masses of lines. There is a release of emotion, energy and passion that comes from casting off control, as well as an acceptance and appreciation of the imperfect result. Just like my watercolor paintings, life can offer something unique and beautiful when left to its own devices.” Austin Van Instagram: @a.j.v._art Facebook: Austin Van Allen Email: austinvanallen@gmail.com Web: www.ajvart.com

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1. Phoenix Rising (El Fénix se levanta) Acuarela líquida y tinta sobre papel de acuarela / Liquid watercolor and Ink on watercolor paper 122 x 107 cm

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2. Majesty (Majestad) Acuarela líquida y tinta sobre papel de acuarela / Liquid watercolor and Ink on watercolor paper 107 x 81 cm

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3. Coronation (Coronación) Acuarela líquida y tinta sobre papel de acuarela / Liquid watercolor and Ink on watercolor paper 81 x 76 cm

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KEVIN DEVONPORT (Inglaterra / England)

ESPAÑOL Kevin Devonport es un artista emergente originario de la ciudad de Leeds (Inglaterra) y afincado en ella. Su entrada en el mundo del arte ha sido poco ortodoxa, ya que aprendió a pintar mientras cumplía una condena en prisión por delitos de drogas. Por ello, el arte ha tenido un impacto significativo en su vida. Desde que se convirtió en un artista a tiempo completo, ha tenido una gran repercusión, ganando varios premios artísticos y presentando su obra en todo el Reino Unido y en toda Europa; su historia ha aparecido ampliamente en la prensa británica. A pesar de no tener ninguna cualificación artística, tiene una licenciatura de primera clase en ciencias sociales que influye en los temas subyacentes de su obra. Además de su propia obra, también pinta encargos de casi cualquier género. Pinta con un cierto grado de realismo y es especialmente aficionado a las naturalezas muertas en un estilo contemporáneo que pretende incorporar un grado de habilidad técnica, conceptos que provocan la reflexión y un valor estético. ENGLISH Kevin Devonport is an emerging artist that is based in the city of Leeds, England. He has had a somewhat unorthodox entry into the artworld as he first learnt to paint whilst serving a prison sentence for drug offences. Art has therefore had a significant impact upon his life. In the short space since becoming a full-time artist, he has made a significant impact gaining a number of artistic awards with his work featuring throughout the UK and across Europe; his story has been featured extensively in the UK press. Despite not holding any artistic qualifications he does hold a First-Class honours BSc in the social sciences that has an impact on the underlying themes of his work. Alongside his own work he also paints commissions of almost any genre. He paints with a degree of realism and is particular fond of still life in a contemporary style aiming to incorporate a degree of technical ability, thought provoking concepts and an aesthetic value. Instagram: @kevindevonportfineart / @the_art_of_no_noise Email: kevdevonport71@gmail.com

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1. 90’s Stone Roses Retro (Rosas Retro de piedra de los 90) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas board 55 x 80 cm

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2. Precarious freedom (libertad precaria) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 90 x 60 cm Sold

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3. Violin High Res (Violín en Alta Resolución) Print / Impresión

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ANDREAS ANGLEITNER (Austria)

ESPAÑOL Andreas Angleitner es un artista austríaco que vive en Wels. Los materiales principales que utiliza para crear son la tiza, los pigmentos, la caliza, los pasteles y el acrílico. Su trabajo es muy expresivo, ya que podemos ver la presencia de la espátula y el movimiento del trazo en sus obras. Su objetivo principal es la creación de obras de arte de varias capas mezclando combinaciones de colores de aspecto armónico en dos bases diferentes: lienzos y piedra caliza. Como introvertido, crear arte es un tipo de revelación de secretos de su personalidad, ya que le gusta mucho más escuchar a los demás que hablar de sí mismo. ENGLISH Andreas Angleitner is an Austrian-based artist living in Wels. The main materials he uses to create are Ink, pigments, limestone, pastels and acrylic. His work is very expressive and dynamic, as we can see the presence of spatula, and big movement on the pieces. His main goal is the creation of multi-layered artworks by mixing harmonic looking combinations of colors on two different groundings - canvases and limestone. As an introvert creating art is a type of revealing secrets of his personality as he is much more into listening to others than talking about himself. Instagram: @andreasangleitner Email: contact@andreasangleitner.com Web: andreasangleitner.com

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1. Der Wächter (The Guardian / El Guardián) Pigmentos, tinta, polvo de mármol, piedra caliza sobre placa de madera / Pigments, ink, marble dust, limestone on wooden plate 100 x 80 cm 2020

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2. Spielverderber (Spoilsport / Aguafiestas) Pigmentos, tinta, hierro, polvo de mármol sobre lienzo / Pigments, ink, iron, marble dust on canvas 150 x 120 cm 2021

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3. Cortex Confusion (Confusión del córtex) Acrílicos sobre lienzo / Acrylics on canvas 164 x 140 cm 2021

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HANNE MARGARETHA BIEDILÆ (Noruega / Norway)

ESPAÑOL Hanne Margaretha Biedilæ es una artista visual afincada en Fredrikstad (Noruega). Su peculiar obra cuestiona la forma en que nos relacionamos con nosotros mismos, con los demás y con la naturaleza. La práctica multidisciplinar de Biedilæ incluye esculturas de cerámica, instalaciones y pinturas. Utiliza los contextos sociales como inspiración para su trabajo, expresándose tanto de forma figurativa como abstracta. Formada en Dinamarca y Noruega, Biedilæ ha trabajado en su propio taller/estudio y ha dirigido diferentes galerías en solitario y en múltiples colectivos de arte desde 2006. “Mis obras están influidas por la compleja relación entre el ser humano y el mundo que le rodea. Me fascinan las emociones y utilizo mi voz interior para mantener una conciencia social y universal. Plasmo estas emociones y pensamientos a través de esculturas de cerámica, objetos, dibujos y pinturas. Un concepto principal que abordo en mis obras es el universo femenino. Exploro la definición de feminidad y la relación entre hombres y mujeres en la sociedad para promover la igualdad de género y el empoderamiento de la mujer. Mis cuadros suelen ser coloridos, con pinceladas expresivas o potentes. Mis obras de cerámica suelen ser sin esmalte, con esmalte minimalista o con pintura acrílica, manchas o medio orgánico.” Hanne Margaretha Biedilæ ENGLISH Hanne Margaretha Biedilæ is a visual artist based in Fredrikstad, Norway. Her distinctive work interrogates the ways in which we relate to ourselves, each other, and with nature. Biedilæ’s multidisciplinary practice includes ceramic sculptures, installations and paintings. She uses social contexts as inspiration for her work, expressing both figuratively and in the abstract. Educated in Denmark and Norway, Biedilæ has worked in her own workshop/studio and run different galleries alone and in multiple art collectives since 2006. “My artworks are influenced by the complex relationship between humans and the surrounding world. I am fascinated by emotions and use my inner voice to uphold a social and universal consciousness. I capture these emotions and thoughts through ceramic sculptures, objects, drawings and paintings. A main concept that I approach in my artworks is the feminine universe. I explore the definition of femininity and the relationship between men and women in society to promote gender equality and women’s empowerment. My paintings are often colorful with expressive or powerful brushstrokes. My ceramic works are often without glaze, minimalistic glazed or with acrylic painting, stains or organic medium.” Hanne Margaretha Biedilæ Instagram: @studiohmb Facebook: @studiohmb Web: www.studiohmb.no Email: hanne@studiohmb.no

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1. Why seek the unattainable-JUST BE YOU (Por qué buscar lo inalcanzable-Sólo sé tú) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 90 x 90 cm

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2. Women’s market value on the agenda (El valor de mercado de las mujeres en la agenda) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 215 x 300 cm

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3. Dudes who deserve a golden Barbie (Tíos que se merecen una Barbie de oro) Acrílico y técnica mixta sobre lienzo / Acrylic and mixed media on canvas 215 x 260 cm

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BOGDAN DYULGEROV (Bulgaria / Bulgary)

ESPAÑOL Bogdan Dyulgerov nació en 1965 en la ciudad de Sliven, Bulgaria. En 1989 se graduó en la Facultad de Medicina de Varna como técnico dental. Desde entonces, Bogdan ejerce activamente su profesión. Su pasión por la pintura se remonta a los años de su infancia. El momento más significativo de su trayectoria creativa fue cuando Bogdan pintó sus primeras obras abstractas y se dio cuenta de que los cuadros surgen por sí mismos, a través de él, pero no por él. Dejó de “forzar el lienzo” y desde entonces sus obras cobraron vida. El interés de Bogdan por la escultura comenzó durante sus años de instituto. El bronce es su material favorito. Sus primeras esculturas de bronce fueron fundidas mientras estudiaba en la Facultad de Medicina. Desde 2008, Bogdan Dyulgerov vive y trabaja en Malta. “Creo que el arte es una forma de energía y el papel del artista es materializar esta energía, darle forma. Es una especie de flujo de información que pasa a través del artista como si fuera un portal. Cuando el portal está abierto para mí, empiezo a crear. La información fluye, el tiempo no es suficiente, y a menudo pinto varios cuadros simultáneamente. A lo largo de los años, he adquirido una experiencia que me ayuda a reconocer en qué momentos concretos es importante crear. Nunca fuerzo el momento ni la naturaleza del proceso. Dejo que los cuadros sucedan y resuenen. La mayoría de mis cuadros son abstractos y, cuando trabajo, intento combinar colores y matices que “se amen” de tal manera que el cuadro tenga un hermoso eco. Me considero un músico. Me esfuerzo por crear música para los ojos. A menudo me preguntan si prevalece el artista o el escultor que hay en mí. Suele ocurrir que después de un largo periodo de pintura empiezo a sentirme agotado y en ese momento sé que es el momento de crear una escultura. Estos ciclos se han repetido durante toda mi vida. En cuanto a las esculturas, evito las formas anatómicas concretas para reforzar las emociones y el estado de ánimo que debe emanar la figura. Mi deseo es que el público sienta las energías y emociones positivas de mis cuadros y se sienta entretenido, como me sentía yo cuando los pintaba.” Bogdan Dyulgerov

ENGLISH Bogdan Dyulgerov was born in 1965 in the town of Sliven Bulgaria. In 1989 he graduated from the Medical College in Varna as a Dental Technician. Since then Bogdan has actively been practicing his profession. His passion for painting dates back to the years of his childhood. The most significant moment in his creative journey was when Bogdan painted his first abstract works and he realized that paintings happen by themselves, through him but not by him. He stopped “forcing the canvas’’ and since then his works came to life. Bogdan’s interest in sculpture began during his high school years. Bronze is his favorite material. His first bronze sculptures were cast while he was a student in the Medical College. Since 2008 Bogdan Dyulgerov has been living and working in Malta. “I believe that art is a form of energy and the artist’s role is to materialize this energy, to give it shape. It’s a kind of a stream of information that passes through the artist as if through a portal. When the portal is open for me, I start to create. The information flows, time is not enough, and I often paint several pictures simultaneously. Throughout the years, I have gained experience that helps me recognize in which particular moments it is important to create. I never force the moment or the nature of the process. I let the pictures happen and resonate. Most of my paintings are abstract and when I work I aim to combine colors and nuances which “love each other” in such a way that the painting would echo beautifully. I perceive myself as a musician. I strive to create music for the eyes. I am often asked whether the artist or the sculptor in me prevails. It usually turns out that after a long period of painting I start to feel depleted and at that point I know that it’s time to create a sculpture. These cycles have been repeating for all my life. As for sculptures I avoid concrete anatomical forms in order to reinforce the emotions and mood which the figure should emanate. My desire is for my audience to feel the positive energies and emotions in my paintings and to feel entertained, as I was feeling when I was painting them.” Bogdan Dyulgerov Instagram: @bogdansartwork Facebook: Bogdan Email: bogdanartwork@gmail.com Web: www.bogdansartwork.com

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1. Remains of the forgotten city (Restos de la ciudad olvidada) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 120 x 100 cm

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2. Untitled 199 (Sin título 199) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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3. Cosmos, Panspermia cycle (Cosmos, ciclo de Panspermia) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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MAR DE REDIN (España / Spain)

ESPAÑOL “Soy Mar de Redin, granadina, tengo el estudio en el barrio del Realejo. Estudié mi diplomatura de diseño de moda en Madrid. Me crié en un camping descalza y sin horario. Ya con 3 años en la guardería fui a hablar con la directora para cambiar los colores de las paredes. No tengo color ni música preferida. Adoro las películas animadas. Me pierde el chocolate y el té negro con leche. Necesito vivir cerca del mar. Me gustan las sorpresas. Y soy inmensamente feliz el día de mi cumpleaños. Navideña hasta en agosto. Demasiado sincera y mi humor es un poco extraño. Me inspiran: el mar de William Turner, las perspectivas de Beatrice Alemagna, los colores de Paul Kleen, las flores de Claire Basler y las líneas de Basquiat. Siempre trabajo sobre lino natural con técnicas mixtas, son tapices porque me encanta ver el movimiento. Figurativa por defecto, me fascina la gente. Muy auto exigente con las paletas de color. La costura y los tejidos siempre están reflejados en mis obras. Mi estilo es contemporáneo figurativo y muy colorista. Siempre sobre bases naturales de lino y sin tratamientos, me encanta ver el movimiento de los tejidos, por este motivo no suelo enmarcar mis obras, las dejo como tapices. Trabajo con técnica mixta, mayormente con acrílicos, a veces juego con pastel, grafitos, sprays... sin olvidarme de la purpurina. Son tapices contemporáneos llenos de color con grandes personajes de expresiones exageradas y extremidades infinitas, con apliques de tejidos cosidos a mano, influenciado por el mundo de la moda, que fue mi cuna artística. Todo ello aderezado con muchas flores, flores en recuerdo de la abuela Avelina, mejor herencia imposible. Cuando veo mis obras me hacen esbozar una sonrisa, tienen mucha luz, brillos, y colores, son “obras que divierten al corazón”. Me gusta pensar que siempre te va a sorprender, alguna peca, pestaña, rizos, una melena alborotada, esperando a ser descubiertas. Dibujo desde siempre, no tengo recuerdo de mi infancia sin tener las manos manchadas de pintura, una gran sonrisa en la boca y una onza de chocolate en el suelo.” Mar de Redin ENGLISH “I am Mar de Redin, from Granada, I have a studio in the Realejo neighborhood. I studied my degree in fashion design in Madrid. I grew up in a camping barefoot and without schedule. Already with 3 years in the nursery I went to speak with the director to change the colors of the walls. I have no favorite color or music. I love animated movies. I lose chocolate and black tea with milk. I need to live near the sea. I like surprises. And I am immensely happy on my birthday. Christmas until August. Too sincere and my humor is a bit strange. They inspire me: the sea of William Turner, the perspectives of Beatrice Alemagna, the colors of Paul Kleen, the flowers of Claire Basler and the lines of Basquiat. I always work on natural linen with mixed techniques, they are tapestries because I love to see the movement. Figurative by default, people fascinate me. Very self demanding with color palettes. Sewing and fabrics are always reflected in my works. My style is contemporary figurative and very colorful. Always on natural linen bases and without treatments, I love to see the movement of fabrics, for this reason I do not usually frame my works, I leave them as tapestries. I work with mixed media, mostly acrylics, sometimes I play with pastels, graphite, sprays... without forgetting glitter. They are contemporary tapestries full of color with great characters with exaggerated expressions and infinite extremities, with appliques of hand-sewn fabrics, influenced by the world of fashion, which was my artistic cradle. All this garnished with many flowers, flowers in memory of Grandma Avelina, a better inheritance impossible. When I see my works they make me smile, they have a lot of light, brightness, and colors, they are “works that amuse the heart”. I like to think that it will always surprise you, some freckle, eyelash, curls, a tousled mane, waiting to be discovered. I have always drawn, I have no memory of my childhood without having my hands stained with paint, a big smile on my face and an ounce of chocolate on the floor.” Mar de Redin Instagram: @marderedinart Email: marderedin@gmail.com Web: marderedin.com

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1. Cabezones (Bigheads) Naturaleza viva, técnica mixta sobre lienzo de lino natural / Living nature, mixed media on natural linen canvas 213 x 250 cm

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SIKART (Francia / France)

ESPAÑOL Sikart es un concepto sobre los colores, nuestra forma de verlo, la luz, los viajes y la multiculturalidad. Mi nombre de artista tiene un sentido significativo. Es una mezcla de dos palabras, Sika que significa en un dialecto africano: nacido un lunes y algo tan precioso como el oro. Una forma de equilibrar mi inspiración sobre el mundo y mi fe en expresar nuestras emociones a través de temas significativos que me gusta mostrar usando mis espátulas y mis pinceles con pintura acrílica. También trato de manifestar mi interés en cómo mi origen multicultural influyó en mi forma de ver el mundo pintando mapas africanos con una dinámica geométrica y un significado profundo. Porque al crear una acumulación de colores en un lienzo con mis espátulas y mis mapas, quiero mostrar cómo la vida cotidiana, los encuentros, los viajes, las experiencias pueden traer una luz en nuestro día, ya sea negativa o positiva. ENGLISH Sikart is a concept about colors , the way we see it , light , traveling , and multiculturalism . My artist name has a meaningful sense. It’s a mix of two words , Sika which means in an African dialect: born on a Monday and something as precious as gold . A way to balance my inspiration about the world and my faith in expressing our emotions through meaningful subjects that I like to show by using my spatulas and my brushes with acrylic paint. I also try to manifest my interest in how my multicultural background influenced my way to see the world by painting African maps with a geometric dynamic and a deep meaning . Because by creating an accumulation of colors on a canvas with my spatulas and my maps, I want to show how daily life, meetings, travels, experiences can bring a light in our day, whether it is negative or positive. Instagram: @sik_artpro Facebook: @sikartprod Email: sikartprod@gmail.com Portfolio: marcel.pt/sikart_pro Web: sikartprod.artmajeur.com

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1. From darkness to light (De la oscuridad a la luz) Acrílico con espátulas sobre lienzo / Acrylic with spatulas on canvas 55 x 46 cm 2021

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MARIANA DRUCKER Z. (México-Alemania / Mexico-Germany)

ESPAÑOL Mariana Drucker Zertuche es una artista contemporánea, nacida en México, radicada en Hamburgo, Alemania. Médico Gastroenteróloga de profesión empezó a pintar hace más de 10 años. Autodidacta, con un estilo minimalista tiende a utilizar acrílico sobre lienzo con colores fuertes, pero también mucho oro, plata, bronce y blanco además de mucha textura y aunque no tenga un estilo distintivo muchos de sus cuadros llevan círculos y tiende a pintar muchos dípticos y trípticos. En su carrera artística ha participado en exposiciones de arte en Hamburgo Alemania, Génova, Paris, Francia y Milán, Italia. Su enfoque principal son las galerías y los clientes privados. “Atraída por al arte abstracto, a texturas y formas me ha hecho querer crear, llevar y expresar esto en un lienzo. Me encanta pintar con colores intensos y jugar con formas especialmente círculos. Cuando creo una obra, es un reflejo de lo que veo o siento, es mi percepción, en el momento en el que el mundo la ve, deja de ser mi visión u obra, se transforma y es interpretada de nuevo bajo los ojos distintos del observador. Inspirada por la moda, por colores fuertes y como intensa observadora, creo que el arte tiene el poder de transformar, inspirar, motivar y volver a este mundo un poco más bello. El arte no tiene reglas, solo la mente. Es un legado, que uno deja atrás después de partir. Así que termino con esta frase de Banksy, que me encanta: ``El arte debe consolar al perturbado y perturbar al cómodo”. Esta frase lo dice todo y hace admirable cualquier tipo de obra de arte y su interpretación individual. Y cuando la gente encuentra algo suyo en alguna de mis pinturas es cuando creo haber tenido éxito. Dedicado a mis padres” Mariana Drucker Z. ENGLISH Mariana Drucker Zertuche is a contemporary artist born in Mexico, now living in Hamburg Germany. As a medical doctor/ gastroenterologist by profession, she began painting abstract acrylic on canvas more than 10 years ago. Self taught, self learning painter she usually leans towards minimalistic acrylic with intense colors, but also shades of gold, silver, bronze and white with lots of texture and although she doesn’t have a distinctive style, many times there are circles in her paintings and she does a lot of diptychs and triptychs. In her artistic career she has participated in exhibitions in Hamburg Germany, Genova, Paris France and Milan Italy. Her main Focus being galleries and private clients. “Being drawn to the art of abstraction, to texture and shapes has made me want to create and translate this onto a canvas. I love painting with intense colors and playing with shapes, especially circles. When I create an artwork, it is a reflection of what I see or feel, the moment the world sees it stops being my vision and becomes what the observer sees and feels. So inspired by fashion, colors, and as an ardent observer, I believe art has the power to transform, inspire, motivate and make this world a little more beautiful. Art has no rules, only the mind is a limit. It’s a legacy that you leave behind after you’re gone. I will finish by quoting this phrase from Banksy that I love: „Art should comfort the disturbed and disturb the comfortable” This phrase says it all and makes any kind of creation and its individual interpretation great. And when people find something of their own in one of my paintings that is when I feel I have succeeded. Dedicated to my parents.” Mariana Drucker Z. Instagram: @artworks_by_mariana_dz Email: artworks@marianadruckerz.de

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1. Imperfecciones (Imperfections) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 140 x 100 cm 2021

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NIBLINE STUDIO (Francia / France)

ESPAÑOL “Soy Myriam Bertil, estudié en una Escuela de Arte y Diseño en París, y sobre todo soy diseñadora gráfica. Para poder vincular el diseño gráfico con el arte, he creado Nibline Studio. De este modo, puedo fusionar mis dos pasiones. Para mí, la pintura es un segundo medio de expresión. Soy libre de elegir el tema y tengo la oportunidad de realizarme en lo que hago. Me inspiro en mis recuerdos, en mis viajes y, sobre todo, en la Isla de la Reunión, donde crecí. Este lugar es un entorno natural lleno de colores y emociones que me hizo tomar conciencia de lo que nos rodea. Mi hipersensibilidad me permite reconocer todas las bellezas que nos rodean y por ello, mis cuadros se centran en el arte botánico. La naturaleza es inmensa, poderosa y grandiosa. El mundo natural se convierte en el objeto de un cuidadoso análisis, y luego en el tema de mis obras originales. Mis diseños exploran vastos conceptos como la naturaleza muerta, la percepción y la impresión. Me inspiro en la naturaleza y su diversidad. Las plantas, las flores, los árboles, todos son temas ricos para mí. Puedo divertirme con los colores, trabajar con los volúmenes utilizando luces y sombras, y apreciar la pureza de las formas. Utilizo principalmente el acrílico. Esta técnica me permite obtener una representación muy pigmentada, contrastada y texturizada. El trabajo entre la sombra y la luz se ve así reforzado. Por último, busco crear obras sensibles intentando captar la naturaleza y celebrar su encanto y elegancia.” Nibline Studio ENGLISH “I’m Myriam Bertil, I studied in an Art and Design School in Paris, and I am above all a graphic designer. To be able to link graphic design with Art, I created Nibline Studio. This way, I can merge my two passions. For me, painting is a second means of expression. I am free to choose the subject and I have the opportunity to be fulfilled in what I do. I glean my inspirations from my memories, my travels, and especially from the Reunion Island where I grew up. This place is a natural environment filled with colors and emotions that made me aware of what surrounds us. My hyper-sensitivity allows me to recognize all the beauties around us. As a result, my paintings focus on botanical art. Nature is immense, powerful and grandiose. The natural world becomes the object of careful analysis, then the subject of my original works. My designs explore vast concepts such as still life, perception and impression. I feed my inspiration on nature and its diversity. Plants, flowers, trees, all are rich subjects for me. I can have fun with colors, work with volumes using light and shadow, and appreciate the purity of shapes. I mainly use acrylic. This technique allows me to have a very pigmented, contrasting and textured rendering. The work between shadow and light is thus reinforced. Finally, I seek to create sensitive works by trying to capture nature and celebrate its charm and elegance.” Nibline Studio Instagram: @niblinestudio Facebook: @niblinestudio Etsy: niblinestudio Opensea: niblinestudio Web: nibline-studio.fr

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1. Hortensia Acrílico sobre lienzo 100% algodón / Acrylic on canvas 100% cotton 50 x 60 cm 2021

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NAILSON NOVATO (Brasil / Brazil)

ESPAÑOL LEYENDAS Y REALIDADES AMAZÓNICAS – Nailson Novato (31), nacido a orillas del río Amazonas, región que siempre lo ha inspirado como artista y pintor, formado en artes visuales y diseño gráfico. Ha participado en varias exposiciones nacionales e internacionales, y destaca por su aguda percepción visual, crítica e intuitiva, lo que hace que sus obras sean aún más encantadoras y mágicas. Su pintura descansa sobre un dibujo firme y limpio, arte que domina y se fortalece a lo largo de la existencia del retratista. Sus pinceladas van desde la delicadeza femenina hasta el vigor del hombre y la selva. Así, registra la luz, los colores, los bosques, las aguas, sus frutos, culturas aborígenes y caboclo amazónicas. Nailson Novato es la expresión actual de la Amazonía. Domina todas las técnicas y estilos, siempre óleo sobre lienzo, preferentemente de estilo surrealista, retratando predominantemente leyendas, cultura indígena, flora, fauna y paisajes amazónicos. ENGLISH AMAZON LEGENDS AND REALITIES - Nailson Novato (31), born on the banks of the Amazon River, a region that has always inspired him as an artist and painter, is trained in visual arts and graphic design. He has participated in several national and international exhibitions, and stands out for his acute visual, critical and intuitive perception, which makes his works even more charming and magical. His painting rests on a firm and clean drawing, an art that dominates and is strengthened throughout the existence of the portraitist. His brushstrokes range from feminine delicacy to the vigor of man and the jungle. Thus, it records the light, the colors, the forests, the waters, their fruits, aboriginal and caboclo Amazonian cultures. Nailson Novato is the current expression of the Amazon. He masters all techniques and styles, always oil on canvas, preferably in a surrealist style, predominantly portraying legends, indigenous culture, flora, fauna and Amazonian landscapes. Instagram: @nailsonnovato Email: nailsonps1@gmail.com

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1. Última Ceia Amazônica (Amazon’s Last Supper / Última Cena Amazónica) Óleo sobre lienzo (100% Lino) / Oil on canvas (100% Linen) 117 x 74 cm

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ARTSY EVEE / EVA EGGENSPERGER (Alemania / Germany)

ESPAÑOL Eva nació en 1984 cerca de Frankfurt, emigró a Suiza con su familia cuando era adolescente. Nacida en el seno de una familia de banqueros, también ella emprendió el camino de un empleado de banca. Sin embargo, ya de niña era una artista de corazón. Ya sea escribiendo cómics, cuentos o pequeñas obras de teatro: El lado creativo siempre la ha acompañado, pero a menudo no tenía cabida en la agitada vida financiera cotidiana. Tras una época difícil, hace unos años, volvió a lo que realmente le gustaba y empezó a pintar activamente con pinturas acrílicas. Tiene su propio estudio no lejos de Zúrich en el que pasa mucho tiempo. Ya sean cosas de la vida cotidiana, la gente, la naturaleza o la música, todo es inspiración... “Para mí, el arte significa olvidarme de todo lo que me rodea, dejar que las emociones fluyan y perderme en el momento. Me encanta pasar tiempo en mi taller, que es mi pequeño castillo de libertad donde puedo ser yo misma y expresar las emociones actuales en el cuadro. Es el resultado, a menudo imprevisto, de los sentimientos que se han escondido en la vida cotidiana y que, por tanto, encuentran su camino hacia el lienzo. Lo más bonito es ver que a la gente le gusta lo que creo y que le hago sonreír a alguien y le pongo color a sus paredes”. artsy evee/ Eva Eggensperger ENGLISH Eva was born in 1984 near Frankfurt, she emigrated to Switzerland with her family as a teenager. Born into a banking family, she too embarked on the path of a bank clerk. However, even as a child, she was an artist at heart. Whether self-written comics, stories, or small theater plays: The creative side has always accompanied her, but it often had no place in the hectic everyday financial life. After a difficult time a few years ago, she returned to what she really enjoyed and began to actively paint with acrylic paints. She has her own studio not far from Zurich in which she spends a lot of time. Whether things in everyday life, people, nature or music, everything is inspiration ... ‘‘For me, art means forgetting everything around me, letting emotions run wild and losing myself in the moment. I love spending time in my atelier which is my little castle of freedom where I can be just me and express the current emotions onto the painting. It is the often unplanned result of feelings that have hidden themselves in everyday life and thus find their way onto the canvas. The most beautiful thing is to see when people like what I create and to bring a smile on someone’s face and some colour on their walls.’ artsy evee/ Eva Eggensperger Instagram: @artsy.evee Email: info@artsyevee.ch Web: www.artsyevee.ch

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1. Ice (Hielo) Acryl on Canvas / Acrílico en Lienzo 50 x 50 cm

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ANNA EMILIA MISIAK (Polonia / Poland)

ESPAÑOL “He sido galardonada con el Premio Internacional Caravaggio en Milán en mayo de 2022. En noviembre de 2022 mi obra de arte se expondrá en el Gomis Palace M E A M Gallery en Barcelona. En 2023 durante la feria Art Basel en Suiza también se expondrán mis pinturas. Soy una artista autodidacta. He participado en la exposición Paradiso en M.A.D.S Gallery en Mediolan y en Nueva York. Somos parte del universo que es energía y transmutamos esta energía y todos los materiales a nuestro alrededor. Esto es lo que hago con mi arte. Utilizo todos los materiales disponibles para crear estructuras que conforman los cuatro elementos; tierra; fuego; agua; el aire y nuestros planetas. Es una fuerza que el ser humano nunca puede domesticar; de ahí que encuentres espontaneidad y movimiento en lo que yo creo. Es por eso que mis pinturas tocan todos los sentidos. Creo que en la vida, lo que más cuenta es ESTAR EN ELLA, luego VIVIR EN ELLA... así soy.”

Anna Emilia Misiak ENGLISH “I have been awarded with the International Prize Caravaggio in Milan in May 2022. In November 2022 my artwork will be exposed in Gomis Palace M E A M Gallery in Barcelona. In 2023 during the fair Art Basel in Switzerland my paintings will also be exposed. I am a self-taught artist. I have taken part in the exhibition Paradiso in M.A.D.S Gallery in Mediolan and in New York. We are part of the universe which is energy, and we transmute this energy and all materials around us. This is what I do with my art. I use all available materials to create structures that make up the four elements; earth; fire; water; air, and our planets. It’s a force that a human can never tame; hence why you find spontaneity and movement in what I create. This is why my paintings touch all senses. I believe that in life, what counts the most is BEING IN IT, then LIVING IN IT...and so I am.”

Anna Emilia Misiak Instagram: @art_misiak Facebook: @EmArtMisiak Twitter: @AnnaEmiliaMisi1 Email: em.art.misiak@wp.pl Web: annaemiliamisiakart.com

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1. Best Laid Shemes (Los mejores deseos) Acrílico artístico y masa estructural italiana sobre lienzo / Artistic acrylic and Italian structural mass on canvas 70 x 100 cm 2021 Fotógrafo: Wiktoria Tarnowska / Photographer: Wiktoria Tarnowska

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INNA PERKAS (Alemania / Germany)

ESPAÑOL Graduada con honores en la Academia de Pintura de Berlín, Alemania; alumna de la clase magistral de Ute Wöllmann (alumna de la clase magistral de Georg Baselitz, director de la Academia de Pintura de Berlín); miembro de la BVBK (Asociación de Artistas Visuales de Brandenburgo), miembro fundador del grupo de artistas Kuenstlerinnengruppe_K11, miembro fundador del grupo de artistas “Grupo Ebert”; 98 exposiciones colectivas; 73 exposiciones individuales; Ferias de Arte; nominación al Premio de Arte de Brandenburgo (2019); múltiples concursos / becas, proyectos, publicaciones; obras de arte en colecciones públicas y privadas. “Soy una artista conceptual y trabajo de forma abstracta en diferentes direcciones (pintura, collage, monotipo). La abstracción de mi obra está siempre anclada en la vida, ya que me ocupo de las proyecciones de sentimientos, pensamientos, experiencias y momentos en las imágenes, con las traducciones de las emociones al lenguaje del arte. Formalmente, cada una de mis obras se compone de diez partes, de las cuales las 9 primeras representan una obra completa en sí misma, y la 10ª es un protocolo de la obra”. Inna Perkas ENGLISH Graduated with honors from the Academy for Painting Berlin, Germany; master class student of Ute Wöllmann (master class student of Georg Baselitz, head of the Academy for painting Berlin); member of the BVBK (Brandenburg Association of Visual Artists), founding member of the artist group Kuenstlerinnengruppe_K11, founding member of the artist group “Ebert Group”; 98 group exhibitions; 73 solo exhibitions; Art Fairs; nomination for the Brandenburg Art Prize (2019); multiple competitions / scholarships, projects, publications; artworks in public and private collections. “I am a conceptual artist and I work abstractly in different directions (painting, collage, monotype). The abstraction of my work is always anchored in life, as I deal with the projections of feelings, thoughts, experiences and moments in the pictures, with the translations of the emotions into the language of art. Formally, each of my work consists of ten parts, of which the first 9 - each represent a well-rounded work in itself, and the 10th - is a protocol of the work”. Inna Perkas Instagram: @inna_perkas Email: i.perkas@web.de Web: www.innaperkas.de

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1. Work 802 (Obra 802) Pasta de modelar acrílica, pasta de estructura, acrílico, lápiz de plata, tiza de grafito sobre lienzo / Acrylic modeling paste, structure paste, acrylic, silver pencil, graphite chalk on canvas Obra en diez partes; partes 1 - 9: cada una 100 x 80 cm, parte 10: 30 x 21 cm / Ten-parts-work; parts 1 – 9: each 100 x 80 cm, part 10: 30 x 21 cm 2021

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JAMES TOTTMAN (Inglaterra / England)

ESPAÑOL “Cuando la pandemia de Covid llegó en marzo de 2020, me sentí obligado a empezar a crear mi arte de nuevo, como una forma de escapar de la ansiedad y el aburrimiento interminable que se produjo durante los encierros. Después de algunos experimentos iniciales, mi trabajo comenzó a inclinarse naturalmente hacia el arte figurativo surrealista, fuertemente inspirado por la obra de René Magritte, así como por artistas modernos como Aykut Aydogdu y Miles Johnston. Quería crear arte bello que la gente quisiera exhibir en sus casas, pero también arte que pudiera crear una respuesta emocional. Para mí, lo que me atrae es el contraste entre las formas humanas naturales y las extrañas formas abstractas, y es en esta yuxtaposición donde espero atrapar al espectador desprevenido e invocar una reacción.” James Tottman ENGLISH “When the Covid pandemic hit in March 2020, I felt compelled to start creating my art again as a form of escapism from the anxiety and endless boredom that came during Lockdowns. After some initial experimentation, my work naturally began to lean towards surreal figurative art, heavily inspired by René Magritte’s work, as well as modern artists such as Aykut Aydogdu and Miles Johnston. I wanted to create beautiful art that people would like to display in their homes, but also art that might create an emotional response. For me, it’s the contrast between natural human forms and bizarre abstract shapes that feels compelling, and this juxtaposition is where I hope to catch the viewer off-guard and invoke a reaction.” James Tottman Instagram: @deletehead.art Email: deletehead.exe@gmail.com Web: http://www.deletehead.com/

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1. A Pause, for Breath (Una pausa, para respirar) Collage digital / Digital collage 70 x 50 cm Foto original de George Mayer ©123RF.com / Original photo by George Mayer ©123RF.com

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HIROMU KONNO (Japón / Japan)

ESPAÑOL “Estoy haciendo una Pintura Nexus. “Nexus” significa “conexión” y “difusión” y espero que mucha gente se conecte y disfrute del arte a través de la apreciación de las pinturas. El arte invertido en Nexus Painting se completa invirtiendo el color con los ajustes del terminal de la tableta, como el iPhone y las aplicaciones. Los espectadores aprecian la obra a través de las cámaras de sus iPhone, y la obra se completa en la pantalla. Mi objetivo es romper el sentido común de “no acceso”, “no fotografía” y “espacio silencioso” que se encuentra en las exposiciones en el ámbito de la pintura, y crear una forma de disfrutar y apreciar las pinturas que cualquiera puede disfrutar fácilmente.

Se puede apreciar las obras de arte leyendo este código QR. Por favor, experimente las pinturas participativas (pinturas Nexus).”

ENGLISH I’m making a Nexus Painting. “Nexus” means “connection” and “spread” and I hope that many people will connect and enjoy art through appreciation of paintings. Invert Art in Nexus Painting is completed by inverting the color with tablet terminal settings such as iPhone and apps. Viewers appreciate the work through their iPhone cameras, and the work is completed on the screen. I aim to break down the common sense of “no access”, “no photography”, and “silent space” found in exhibitions in the area of painting and create a way to enjoy and appreciate paintings that anyone can easily enjoy.

You can appreciate the artwork by reading this QR code. Please experience the participatory paintings (Nexus paintings).

Instagram: @art_of_hiro / @artwork.hiro Facebook: hiromu.konno Twitter: @artwork_hiromu YouTube: hiromu konno – nexus artwork – Email: art.photo.cafe544@gmail.com

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●1. The beginning of the immutable and changes (Original) / (El comienzo de lo inmutable y los cambios (Original)). Pintura Invert Art en Nexus con lápiz de color sobre papel térmico y papel Kent / Invert Art in Nexus painting with color pencil on thermal paper and Kent paper 116.7 x 80.3 cm 2017

2. The beginning of the immutable and changes (Original) / (El comienzo de lo inmutable y los cambios (Original)) Pintura Invert Art en Nexus con lápiz de color sobre papel térmico y papel Kent / Invert Art in Nexus painting with color pencil on thermal paper and Kent paper 116.7 x 80.3 cm 193


GRO HEINING (Noruega / Norway)

ESPAÑOL “Soy una pintora autodidacta nacida en Noruega en 1949. He vivido en Santa Fe, Nuevo México, y expuesto en Noruega, Estados Unidos, España e Italia. Desde 2014 he estado compartiendo mi tiempo entre un pueblo de montaña en Andalucía y mi casa en Noruega. Recibí varios reconocimientos artísticos, tales como: Collector’s Vision International Art Award, International Prize Dante Alighieri, Power of Creativity Art Prize y Art Olympic Prize en 2021. Dibujar y pintar siempre han sido una forma de expresarme. La naturaleza es mi principal fuente de inspiración. Pintar para mí es un estado meditativo del ser, donde me conecto con los elementos y el ritmo de la naturaleza, entretejiendo sueños y visiones en mi obra de arte. Mi intención como artista es poder comunicar que todas las cosas están conectadas entre sí y con el universo. La interconexión de todas las cosas en la naturaleza representa una profunda unidad dentro de mí. Los colores son mis maestros. Bienvenidos a mis rastros de visión.” Gro Heining ENGLISH “I am a self-taught painter born in Norway in 1949. I have lived in Santa Fe, New Mexico, and exhibited in Norway, USA, Spain and Italy. Since 2014 I have been sharing my time between a mountain village in Andalusia and my home in Norway. I received several art recognitions, such as: Collector’s Vision International Art Award, International Prize Dante Alighieri, Power of Creativity Art Prize and Art Olympic Prize in 2021. Drawing and painting have always been a way of expressing myself. Nature is my primary source of inspiration. Painting for me is a meditative state of being, where I connect to the elements and the rhythm of nature, weaving dreams and visions into my artwork. My intention as an artist is to be able to communicate that all things are connected with one another and to the universe. The interconnectedness of all things in nature represents a deep unity within myself. Colors are my teachers. Welcome to my traces of vision.” Gro Heining Instagram: @gro.heining Facebook: Gro Heining Email: gro.heining@yahoo.com Web: gro-heining.no

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1. Talking to the Earth (Hablando con la Tierra) Acrílico y collage sobre lienzo / Acrylic and collage on canvas 80 x 30 cm 2021

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ARISA.TN (Japón / Japan)

ESPAÑOL “¿Qué ves detrás de la puerta?” La respuesta está en la imaginación del espectador, y yo quiero hacer un arte que despierte y excite esa imaginación. Quiero abrir la puerta, si es que la hay. ¡Quiero espiar si hay un agujero! ¿Es este sentimiento de la infancia un instinto humano? Apreciamos este sentimiento y lo hacemos con el concepto de “¡Quiero abrirlo! ¡Quiero tocarlo! ¡Quiero espiar!”. Espero que disfrutes viendo mi “arte de la puerta” y abriendo la puerta de tu corazón. Además, la puerta se abre realmente y la imagen se esconde dentro. Si quieres saber la respuesta real, echa un vistazo a mi Instagram. Allí se esconden varias historias. La respuesta detrás de la puerta

ENGLISH “What do you see behind the door?” The answer lies in the imagination of the viewer, and I want to make an art that stirs and excites that imagination. I want to open the door if there is one! I want to peep if there is a hole! Is this feeling from childhood a human instinct? We cherish this feeling and make it with the concept of “I want to open it! I want to touch it! I want to peep!” I hope you enjoy watching my “door art” and opening the door to your heart. Also, the door opens, and the picture is hidden inside. If you want to know the actual answer, please look at my Instagram. Various stories are hidden there. The answer behind the door

Instagram: @arisa_seresa Email: arurun5151@gmail.com

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1. What do you see behind the door ? (¿Qué ves detrás de la puerta?) Pintura acrílica / Acrylic paint 33 x 49 x 3.5 cm

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RAFAELA DUARTE BELMONT LONCAN (Brasil / Brazil)

ESPAÑOL “Soy una artista autodidacta de técnicas mixtas nacida en Brasil, que actualmente reside en Toronto. Me motiva una confluencia de influencias, desde Picasso y Gustav Klimt hasta varios artistas contemporáneos de técnicas mixtas. Las emociones, la vida, los sentimientos y los estados de ánimo son el centro neurálgico de mi inspiración. Las múltiples capas de la vida misma inspiran mi trabajo y se convierten en las capas de mi arte. La libertad del arte de los medios mixtos me ha llevado a un mundo artístico en el que no existe lo correcto o lo incorrecto, sólo un sinfín de oportunidades para transformar y evolucionar artística y personalmente, a medida que avanzamos, al decir esto, puedo afirmar que la serendipia es mi más fuerte aliada para transmitir mis intenciones. Temas como la desigualdad social, el racismo, las minorías y las injusticias me afectan de una manera que se transmite a mi arte. El poder femenino y su complejidad también está muy presente en mis creaciones. A través de mi arte, me gustaría evocar una emoción en los espectadores e invitarles a reflexionar sobre esos temas que están muy presentes en mis emociones diarias, haciéndome reflexionar sobre la humanidad. Entre otros trabajos, en 2020, fui invitada a ilustrar un libro infantil brasileño ‘O Passarinho e a Gaiola Amarela’, actualmente disponible en portugués en Amazon Kindle. En 2021, participó en M.A.D.S. Art Gallery International Contemporary Exhibitions, Philo-Poem con ‘Void Within’ y ‘All About Being’, y Paradise con ‘L’Abbraccio Profondo’. También en 2021, participó en la 1ª Bienal Internacional de Arte de Palermo con ‘Divine Feminine-Madonna’.” Rafaela Duarte Belmont Loncan ENGLISH I’m a self-taught mixed media artist born in Brazil, currently based in Toronto. I am motivated from a confluence of influences, from Picasso and Gustav Klimt to several contemporary mixed media artists. Emotions, life, feelings and moods are the nerve center of my inspiration. The many layers of life itself inspire my work and become the layers of my art. The freedom of mixed media art has taken me to an artistic world where there is no right or wrong, just endless opportunities to transform and evolve artistically and personally, as we move forward, in saying that, I can affirm that serendipity is my strongest ally to convey my intentions. Subjects like social inequality, racism, minorities and injustices affect me in a way that transbords into my art. The feminine power and its complexity is also very present in my creations. Through my art, I would like to evoke an emotion in the viewers and invite them to reflect about those subjects that are very present in my daily emotions, making me reflect about humanity. Among other works, in 2020, I was invited to illustrate a Brazilian children’s book ‘O Passarinho e a Gaiola Amarela’, currently available in Portuguese at Amazon Kindle. In 2021, participated in M.A.D.S. Art Gallery International Contemporary Exhibitions, Philo-Poem with ‘Void Within’ and ‘All About Being’, and Paradise with ‘L’Abbraccio Profondo’. Also in 2021, participated in the 1st Art Palermo International Biennial with ‘Divine Feminine-Madonna’. Rafaela Duarte Belmont Loncan Instagram: @rafaloncan Facebook: @rafaloncan Email: rloncan@yahoo.com.br

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1. L’Abbraccio Profondo (The Deep Embrace / El abrazo profundo) Técnica mixta sobre MDF / Mixed Media on MDF 120 x 120 cm 2021

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2. Favela Carioca Técnica mixta sobre lienzo / Mixed Media on canvas 45 x 60 cm 2021

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3. Divine Feminine - Madonna (Divina Femenina - Madonna) Técnica mixta sobre lienzo / Mixed Media on canvas 60 x 45 cm 2021

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ANDREA CSERÉP (Hungría / Hungary)

ESPAÑOL “Nací en 1990 en Hungría. Aprendí diseño gráfico y de moda. Actualmente vivo en Berlín, trabajo y estudio arteterapia. Trabajo con colores acrílicos. La música, las neuronas, los ambientes, los artistas y los lugares me pueden inspirar. Tuve la oportunidad de mostrar mi obra de arte en exposiciones en línea (Artbox Project, The Holy Art) Eres tú quien puede llenar tu vida de imágenes, así tu vida va a ser maravillosa. Escuche música, pinte cuadros, viva la vida en su belleza, cree nuevos recuerdos.” Andrea Cserép ENGLISH “I was born in 1990 in Hungary. I learned graphic and fashion design. Currently I am living in Berlin, working and studying art therapy. I work with acrylic colors. Music, neurons, environments, artists, and places can inspire me. I had the chance to show my artwork in online exhibitions (Artbox Project, The Holy Art) You are the one who can fulfill your life with pictures, that’s how your life is going to be wonderful. Listen to music, paint pictures, live life in its beauty, make new memories.” Andrea Cserép

Instagram: @cserepandreart Email: cserepandi@gmail.com

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1. Neuron II (Neurona II) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas panel 60 x 50 cm

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2. Leaf (Hoja) Acrílico sobre panel de lona / Acrylic on canvas panel 50 x 40 cm

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3. Across the neurons (A través de las neuronas) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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CLAUDIA FUGGETTI (Italia / Italy)

ESPAÑOL “Nací en Taranto en 1993, después de graduarme en Patrimonio Cultural, fui admitida con una beca para una Maestría en Fotografía y Diseño Visual en NABA, Milán. Posteriormente, continué mis estudios en Culturas Digitales en la Accademia di Belle Arti di Brera, donde me gradué con honores. Mis obras han sido expuestas en Fondazione Feltrinelli (Milán, 2018), Noorderlicht International Photo Festival (Groningen and Friesland, 2021), Les Rencontres de la Photographie Arles (Arles, 2018), Photo Open Up (Padua, 2021) y han sido seleccionadas para The Censored Exhibition en Copenhagen Photo Festival (Copenhague, 2021), Rotterdam Photo Festival XL (Rotterdam, 2022) y Giovane Fotografia Italiana #09 (Reggio Emilia, 2022). También soy uno de los 150 talentos emergentes en Europa para Fresh Eyes by GUP Magazine y la ganadora de la Edición 365 del British Journal of Photography. Otras publicaciones incluyen Rolling Stone Black Camera, Der Greif, Libération y Paper Journal. El descubrimiento de la zona del cerebro donde se generan los sueños es relativamente reciente, se ubica exactamente encima de la nuca y se denomina “zona caliente”. Hot Zone documenta el desarrollo de un sueño lúcido, situando al espectador en el equilibrio entre ficción y realidad, en el que la fotografía se convierte en la prueba de su existencia. La relación entre paisaje y naturaleza es compleja: los lugares reales han sido alterados a través de intervenciones de pintura digital y parecen provenir de planetas extraños, tomando colores inusuales y convirtiéndose en un espejo de la tensión humana hacia el futuro de la Tierra”. Claudia Fuggetti ENGLISH “I was born in Taranto in 1993, after graduating in Cultural Heritage, I was admitted with a scholarship for a Master’s degree in Photography and Visual Design at NABA, Milan. Subsequently, I continued my studies in Digital Cultures at Accademia di Belle Arti di Brera, where I graduated with honors. My works have been exhibited at Fondazione Feltrinelli (Milan, 2018), Noorderlicht International Photo Festival (Groningen and Friesland, 2021), Les Rencontres de la Photographie Arles (Arles, 2018), Photo Open Up (Padua, 2021) and have been selected for The Censored Exhibition at Copenhagen Photo Festival (Copenhagen, 2021), Rotterdam Photo Festival XL (Rotterdam, 2022) and Giovane Fotografia Italiana #09 (Reggio Emilia, 2022). I’m also one of the 150 emerging talents in Europe for Fresh Eyes by GUP Magazine and British Journal of Photography’s Edition 365 winner. Other publications include Rolling Stone Black Camera, Der Greif, Libération and Paper Journal. The discovery of the brain area where dreams are generated is relatively recent, it is located exactly above the nape and is called the “hot zone”. Hot Zone documents the unfolding of a lucid dream, placing the viewer in the balance between fiction and reality, in which photography becomes the proof of its existence. The relationship between landscape and nature is complex: real places have been altered through digital painting interventions and seem to come from alien planets, taking on unusual colors and becoming a mirror of human tension towards the future of the Earth”. Claudia Fuggetti Instagram: @lafugg Email: claudiafugg@gmail.com Web: https://www.claudiafuggetti.com

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1. Extra-Solar - from the series Hot Zone (Extra-Solar - de la serie Hot Zone) Fotografía digital, impresión en Canson infinity RAG Photographique 310 gr / Digital Photography, print on Canson Infinity RAG Photographique 310 gr 50 x 75 cm

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ANTONELLA QUACCHIA (Italia / Italy)

ESPAÑOL “Soy una artista italiana, nacida en Gorizia en 1957, que trabaja y vive en Viena. Mi formación académica es en informática y recientemente he empezado a dedicarme a mi antigua pasión: ¡la pintura! He experimentado con varias técnicas por mi cuenta, probando acuarelas, pasteles, óleos y acrílicos; estos últimos, en particular, utilizados en combinación con materiales no habituales en la pintura, dan luz a mis obras. He pintado muchos temas figurativos y me he dado cuenta de que puedo expresarme mejor a través de la abstracción, ya que deja mucho espacio para compartir emociones, imaginación e interpretación personal. Me inspiro en la observación atenta de la vida que ocurre a mi alrededor.” Antonella Quacchia ENGLISH “I am an Italian artist, born in Gorizia in 1957, who works and lives in Vienna. My academic background is in Computer Science, and I have recently started to pursue my long-standing passion: painting! I have experimented with various techniques on my own, trying out watercolors, pastels, oil paint and acrylics; the latter used in combination with materials not common in painting, gives light to my works. I have painted many figurative subjects and realized that I can best express myself through abstraction, as it leaves so much room for sharing emotions, imagination, and personal interpretation. I take inspiration from careful observation of life happening around me.” Antonella Quacchia Instagram: @anton4art Facebook: @itsanton4art LinkedIn: Antonella Quacchia Web: www.anton4art.com

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1. Lovers (Amantes) Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 120 x 80 cm

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2. Marrakesh Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 80 cm

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3. Amo la vita #1 (I love life #1 / Amo la vida #1) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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RIGATONI GARRIDO (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL “Mi nombre como artista es Rigatoni Garrido, y soy una animadora/conceptista de Fort Worth, Texas. De niña me pillaban constantemente dibujando en papeles sueltos, garabateando dragones y animales con ceras y rotuladores. Al crecer sabía que quería ser un artista en el campo de la animación o los videojuegos, así que estudié arte tan duro como pude mientras en la escuela secundaria, la universidad y la escuela de posgrado. Me gradué en la Universidad del Norte de Texas con una licenciatura en Dibujo y Pintura, y una licenciatura en Arte de los Nuevos Medios. Mientras estudiaba también asistí a Les Gobelins en París, Francia, para un breve curso de animación. Después de terminar mi licenciatura, tuve la oportunidad de hacer unas prácticas en Tokio, Japón, como diseñadora gráfica y de moda. Al terminar mis prácticas, me fui a Cambridge, Reino Unido, para hacer un máster en animación e ilustración. Mis óleos forman parte de una serie de obras tituladas “Playfully Mature”, en las que coloco cabezas de animales de dibujos animados sobre cuerpos humanos, acompañadas de un grueso impasto, estilo pictórico. Cada cuadro representa un rasgo o característica diferente que se puede encontrar en el crecimiento y desarrollo de un adulto. Cada obra de la serie tiene su propia narrativa especial, y dejo que el público decida lo que se lleva de estas formas animales únicas. La idea general de la serie es crear una sensación de relación entre el espectador y la obra de arte, ya que todos vivimos nuestras vidas de forma diferente.” Rigatoni Garrido ENGLISH “My name as an artist is Rigatoni Garrido, and I am an animator/concept artist from Fort Worth, Texas. As a child I was constantly caught drawing on loose paper, doodling dragons and animals with crayons and markers. Growing up I knew I wanted to be an artist in the field of animation or video games, so I studied art as hard as I could while in High School, college, and graduate school. I graduated from the University of North Texas with a Bachelor’s in Drawing & Painting, and a Bachelor’s in New Media Art! While studying I also attended Les Gobelins in Paris, France for a brief course in animation. After finishing my bachelor’s, I was given an opportunity for an internship in Tokyo, Japan as a graphic/fashion designer. After finishing my internship, I went to Cambridge, UK, for my Master’s in animation and Illustration. My oil paintings are part of a series of works titled, “Playfully Mature” in which I place cartoon like animal heads on human bodies, accompanied by a thick impasto, painterly style. Each painting represents a different trait or characteristic one may find in the growth and development of an adult. Each work within the series has their own special narrative behind it, and I leave the audience to decide what they take from these unique animal-like forms. The idea for the series is to create a sense of relatability between the viewer and artwork, as we all live our lives differently.” Rigatoni Garrido Instagram: @pipapeep Email: rigatonituffoli@gmail.com Web: www.rigatonigarrido.com

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1. Durandal Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 121 x 91 cm

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2. Dalmatan Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 121 x 91 cm

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3. Lovebirds (Tortolitos) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 121 x 91 cm

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CECILIA ÁLVAREZ (México / Mexico)

ESPAÑOL Cecilia Álvarez es una artista plástica autodidacta, y escritora. Nació en la Ciudad de México, sus padres fueron artistas plásticos. Desde temprana edad, ha participado en exposiciones y ferias de arte en México y, actualmente, en eventos internacionales en Venecia, Roma, Londres, La India, Budapest y Palermo. Recientemente, se hizo acreedora al “Da Vinci International Prize 2022”, con sede en Florencia, y al “Caravaggio International Prize 2022” con sede en Milán, ambos, importantes reconocimientos internacionales al mérito artístico. Sus pinturas forman parte de la antología “Artisti 2022”, en Palermo y, en el mes de noviembre, representará a México en la 4ta Bienal Internacional de Arte en Barcelona. Cecilia estudió la carrera de Contaduría Pública y un Máster en Educación, lo que la motivó a crear un taller de arte para desarrollar habilidades motoras y psicoemocionales en los niños, incluidos aquellos con discapacidades. En 2021, escribió un libro: “El interior de los niños a través de los colores”, dirigido a psicólogos, padres y profesores, con el cual participó en las ferias virtuales del libro “Chile 2021” y “Argentina 2022”; además, es colaboradora en una revista internacional de escritores. “Soy una persona que se aburre fácilmente con la rutina, por eso mi obra está cargada de imaginación, fantasía, magia y emociones que mi subconsciente combina con mi experiencia en la realidad, para crear una versión única de la vida. Ideas sobre lo real detonan en mi mente como mundos, aparentemente, imaginarios. Me gusta crear imágenes a partir de un fondo negro, que es el color del misterio y la profundidad; el resultado final es como si mis pinturas hubiesen sido tomadas de un sueño profundo. Mi obra muestra una realidad expresada a través del mundo surrealista que existe en lo más profundo de mi mente. Creo en la magia que genera el poder del pensamiento, aquella que nos hace vibrar en sintonía con los demás, y que hace que lo que deseamos se convierta en realidad. La empatía ha desarrollado en mí el “superpoder” de sentir lo que sienten las personas que me rodean, incluso sin conocerlas. La energía de mi pensamiento es tan fuerte que es capaz de hacer que las cosas sucedan o se detengan, eso me ha llevado a investigar las bases científicas del poder de la mente para cambiar el destino”. Cecilia Álvarez ENGLISH Cecilia Álvarez is a self-taught plastic artist and writer. She was born in Mexico City; her parents were plastic artists. From an early age, she has participated in exhibitions and art fairs in Mexico and, currently, in international events in Venice, Rome, London, India, Budapest and Palermo. Recently, she was awarded the “Da Vinci International Prize 2022”, based in Florence, and the “Caravaggio International Prize 2022” based in Milan, both important international recognitions of artistic merit. Her paintings are part of the anthology “Artisti 2022” in Palermo and, in November, she will represent Mexico at the 4th International Art Biennial in Barcelona. Cecilia studied Public Accounting and a Master’s in Education, which motivated her to create an art workshop to develop motor and psycho-emotional skills in children, including those with disabilities. In 2021, she wrote a book: “The interior of children through colors”, aimed at psychologists, parents and teachers, with which she participated in the virtual book fairs “Chile 2021” and “Argentina 2022”; In addition, she is a collaborator in an international magazine of writers. “I am a person who gets bored easily with routine, that is why my work is full of imagination, fantasy, magic and emotions that my subconscious combines with my experience, to create a unique version of life. Ideas about reality detonate in my mind as apparently imaginary worlds. I like to create images from a black background, which is the color of mystery and depth; the result, is as if my paintings had been taken from a deep dream. My work shows a reality expressed through the surreal world that exists in the depths of my mind. I believe in the magic generated by the power of thought, the one that makes us vibrate in tune with others, and that makes what we desire become. Empathy has developed in me the “superpower” of feeling what the people around me feel, even without knowing them. The energy of my thought is so strong that it can make things happen. Do not stop, that has led me to investigate the scientific basis of the power of the mind to change destiny”. Cecilia Álvarez Instagram: @cecilia_alvarez_artista Facebook: @entuparedarte / @arteyletrasceciliaalvarez Web: ceciliaalvarez.mx

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1. Little dreamer (Pequeño soñador) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 90 x 100 cm 2021

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2. The Trunk of Memories (El baúl de los recuerdos) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 60 x 50 cm 2020

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3. Finite time (Tiempo finito) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 60 x 40 cm 2001

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ART BY VINC (Dinamarca / Denmark)

ESPAÑOL “Soy Katrine Vincentsen, en arte “Art by Vinc”. Nací en 1993, en Næstved, Dinamarca. Desde que pude agarrar un lápiz, el dibujo ha sido una segunda naturaleza para mí. Me encantan los colores y me gusta experimentar con ellos. Mi madre creció en Ittoqqotoormiit, Groenlandia, donde tengo mis raíces. Durante un corto periodo de tiempo, viví en Groenlandia y fui a la escuela allí, y la naturaleza, fue el mejor aprendizaje y estará siempre en mi corazón. Soy muy espiritual y estudio las energías de la naturaleza, donde también pasé mucho tiempo, mi fuente de inspiración. De joven me sentía muy diferente, así que empecé en una escuela creativa, de arte y música. A una edad temprana, me diagnosticaron esclerosis múltiple y una enfermedad mental, lo que me supuso muchos retos físicos y mentales, pero al mismo tiempo me dio la libertad de ser artista. Trabajar en mi arte me permitió mantener el ánimo. Ahora vivo en el campo en una hermosa casa, entre la naturaleza y los animales, donde puedo seguir trabajando en mi arte. Utilizo el arte para dar al mundo un toque de alegría, porque creo que el mundo puede ser un lugar oscuro a veces y tenemos que estar agradecidos por las pequeñas cosas y las cosas en las que normalmente no pensamos. La naturaleza está tan llena de vida, puede ser un lugar tranquilo, pero también un mundo muy brutal, constante en el cambio. Y a veces en el cambio puede ser difícil mantenernos firmes, por eso creo que mi arte puede ser un recordatorio de que la vida es hermosa, y debemos apreciarla y quizás luchar por ella. Cada animal representa su propia fuerza y poder. Utilizo los colores para resaltar la energía y dar al ojo un poco de alegría. Espero que a través de mi arte el espectador obtenga un sentimiento de felicidad o coraje.” Art by Vinc ENGLISH “I’m Katrine Vincentsen, in art “Art by Vinc”. I was born in 1993, in Næstved, Denmark. Ever since I could hold onto a pencil, drawing has been second nature to me. I love colors and I like to experiment with them. My mother grew up in Ittoqqotoormiit, Greenland, where I have roots. For a short time, I lived in Greenland and went to school there, the nature was the best learning and will forever be in my heart. I am very spiritual, and study the energies of nature, where I also spent a lot of time - my source of inspiration. As a young girl I felt very different, so I started in a creative school, for art and music. At a young age, I was diagnosed with MS (multiple sclerosis) and a mental illness. This present-ed me with many physical and mental challenges, but at the same time it gave me the freedom to be an artist. Working on my art allowed me to keep my spirits up. Now I live in the countryside in a beautiful house, among nature and animals, where I can continue working on my art. I use art to give the world a happy touch, because I believe the world can be a dark place sometimes and we need to be grateful for the small things and the things we normally don’t think about. Nature is so full of life, it can be a calm place but also a very brutal world, constant in changing. And sometimes in the changing, it can be hard to stand our ground. That’s why I believe my art can be a reminder that life is beautiful, and we must cherish it and perhaps fight for it. Every animal represents their own strength and power. I use the colors to bring out the energy and give the eye some joy. I hope through my art the viewer gets a feeling of happiness or courage.” Art by Vinc Instagram: @artbyvinc Email: vincentsen@outlook.dk Web: artbyvinc.dk

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1. The Ram Spirit (El espíritu del carnero) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 120 x 100 cm

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2. Power of Night (El poder de la noche) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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3. Angel of light (Ángel de la luz) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 120 x 100 cm

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JOANNA JASS (Inglaterra / England)

ESPAÑOL “Como artista, supongo que mi enfoque inicial es cuestionar mi mente, mis pensamientos y luego analizar ese proceso. Intentar darle sentido. Por ejemplo, tengo tendencia a la obsesión. Al aplicar la obsesión a mi tema, naturalmente empieza a navegar una noción de exceso. Capturando cada línea, cada hermoso defecto. Bueno, intentándolo. Las complejidades intrínsecas de la naturaleza despiertan mi curiosidad y me encanta registrarla a través de mi trabajo. Capturar lo pequeño, lo que no se ve, para honrar el tema en sí, pero también para alimentar mi propia necesidad de rascar ese instinto obsesivo. Añadir el sombrero aporta un elemento de fantasía juguetona, que es algo con lo que resueno, un guiño a mi infancia y a libros como “Winnie the pooh” que todavía ocupan un lugar especial en mi corazón. Mi objetivo es simplemente atraer al espectador a un espacio más íntimo para que capte realmente la imagen.” Joanna Jass ENGLISH “As an artist I guess my initial approach is to question my mind, my thoughts and then analyze that process. Try to make sense of it. For instance, I have a tendency to obsess. By applying obsession to my subject matter, It naturally begins to navigate a notion of excess. Capturing every line, every beautiful flaw. Well trying to. Nature’s intrinsic complexities drive my curiosity wild and I love recording that through my work. Capturing the small, the unseen to honor the subject itself but to also feed my own needs of scratching that obsessive instinct. Adding the hat brings in a playful fantasy element, which is something I resonate with, a nod to my childhood and books like ‘Winnie the pooh’ that still hold a special place in my heart. My goal is to simply draw in the viewer to a more intimate space to really grasp the image.” Joanna Jass Instagram: @jobiijass Email: joannajass.jj@gmail.com

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1. Dwight Acrílico, pintura en spray y tinta sobre cuero artificial / Acrylic, spray paint and ink on man made leather 130 x 110 cm

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PINAR TURE GURSOY (Turquía / Turkey)

ESPAÑOL Pinar Ture Gursoy es una pintora retratista y figurativa y fotógrafa que nació en 1965 en Estambul. Completó su educación superior en Planificación Urbana y Regional en la Universidad Técnica de Yildiz en Estambul. Entre 2010 y 2014, volvió a la universidad y se graduó con distinción en la Licenciatura en Filosofía de la Universidad de Anadolu. Mientras estudiaba filosofía, también vivía de forma intermitente en París y participaba en talleres en la “Académie de la Grande Chaumière” en París. Durante 2015-2018, en este tiempo vivió de forma intermitente en Londres. En este período se graduó de Maestría en Gestión de Museos de la “Universidad de Estambul”. Ha realizado muchas exposiciones colectivas e individuales y subastas en varias ciudades turcas y también en el extranjero en Tokio, Lucern, Deventer, Venecia, Tiran, Napoli, Marakkesh, Zurich, Thessaloniki, Londres, Fuerteventura, Milán, Pensilvania, etc. Algunas de sus obras están incluidas en la colección del Museo de Tolentino en Italia para la Bienal BIUMOR, TEV (Fundación de Educación Turca) y Portart de Hakan Körpi/ UPSD, etc. Fue preseleccionada entre miles de competidores internacionales y trabaja en los premios de arte VAO Visual Art Open 2021 del Reino Unido, donde participó con una sola obra. El concurso de desafío NNC (No Name Collective Art Gallery) Collective 2021 en el que participó fue elegida por los curadores para el primer nivel. Y con sus obras, estuvo entre las selecciones de octubre en la edición de noviembre de la revista Art Magazine de la galería de arte NNC. Las dos obras de arte de Pinar Ture Gursoy fueron seleccionadas para la “Concurso y exhibición azul” en la galería de arte Colors of Humanity en los EE. UU. del 1 al 31 de diciembre de 2021 En diciembre de 2021 fue incluida en la lista de “Artistas destacados” del grupo ITSLIQUID de origen italiano en www.Itsliquid.com Actualmente continúa con su taller de arte en casa en Estambul, Turquía. ENGLISH Pinar Ture Gursoy is a portrait and figurative painter and a photographer who was born in 1965 in Istanbul. She completed her higher education in Urban and Regional Planning in Yildiz Technical University in Istanbul. Between 2010 and 2014, she got back to university and graduated from BA in Philosophy from Anadolu University with distinction. While studying philosophy, she was also living on and off in Paris and participating to workshops at the “Académie de la Grande Chaumière” in Paris. During 2015-2018, in this time she lived on and off in London. In this period she graduated from MSc in Museum Management from “Istanbul University”. She has been many Group and solo exhibiting and auctions in various Turkish cities and also abroad in Tokyo, Lucern, Deventer, Venice, Tiran, Napoli, Marakkesh, Zurich, Thessaloniki, London, Fuerteventura, Milan, Pennsylvania etc... Some of her works are included in the collection of Museum of Tolentino in Italy for Biennial BIUMOR, TEV(Turkish Education Foundation) and Portart by Hakan Körpi/ UPSD etc. She was shortlisted among thousands of international competitors and works at the UK VAO Visual Art Open 2021 Art Awards, where she participated with a single work. NNC (No Name Collective Art Gallery) Collective 2021 challenge contest she participated in was chosen by the curators for the 1st level. And with her works, she was among the October selections in the November issue of the NNC Art gallery’s Art Magazine. Pinar Ture Gursoy’s two artworks was selected for “Blue Competition and Exhibition” at Colors of Humanity Art Gallery in the USA at December 01-31, 2021 In December 2021, she was included in the list of “Featured Artists” by the Italian origin ITSLIQUID group at www.Itsliquid.com Currently she continues her artworks home atelier in Istanbul, Turkey. Instagram: @pinarturegursoy Facebook: Pinar Türe Gürsoy LinkedIn: Pınar Gursoy Twitter: meheturet@pinarturegursoy

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1. Ange ou Démon (Ángel o demonio / Angel or demon) Óleo sobre papel / Oil on paper 50 x 34 cm 2019

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VANESSA MAC-AULIFFE LETELIER (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL “Nací en EE. UU. y radico en Chile. Estoy dedicada a la pintura, la cual contiene todos los modos de expresión creativa que estudié: ballet, danza, cerámica, diseño de interiores, pintura, acuarela, y también las artes que me influenciaron durante mi vida. Todo mi camino recorrido siempre ha estado conectado con la expresión artística, porque lo vivo, y respiro, lo veo en todo lo que nos rodea, que es frecuencia, energías, ritmos, y color. En lo personal mi tema principal es captar la energía, la que expreso, y transmito en mis pinturas de formas abstractas, que se transforman en vivencias como un lenguaje personal, pero conectado al universo. El manejo del color, luz, sombra y el trazo pasan a ser muy relevantes al momento de plasmar la temática, existe un proceso de conexión entre mente y corazón muy fuertes, se procesan, y funden para darle forma a la energía por pintar. He participado en exhibiciones colectivas en NYC, Buenos Aires Argentina, Chile, ferias de arte internacionales en Chile, Argentina, Mueso Arte moderno Lima, Perú, exhibiciones individuales en Santiago Chile y Miami. Exhibiciones virtuales internacionales en diferentes plataformas de Italia. Formo parte de IAVA Italia, M.A.D.S Gallery Milano, Itsliquid plataforma arte internacional donde fui premiada con una mención honorífica. Mis trabajos se han publicado en revistas de diseño, y libros de arte latinoamericano. Parte de mi obra hoy está en casas de coleccionistas, EE. UU., Argentina, Costa Rica, y Chile.” Vanessa Mac-Auliffe Letelier

ENGLISH “I was born in the USA, based in Chile, dedicated to painting, which contains all the modes of creative expression that I have studied, ballet, dance, ceramics, interior design, painting, watercolor, and also the arts that I have seen and have influenced me. The whole path I have traveled has always been connected to artistic expression, because I live and breathe it, I see it in everything that surrounds us, which is frequency, energies, rhythms, and color. Personally, my main theme is to capture the energy, which I express and transmit in my paintings in abstract forms, which are transformed into experiences as a personal language, but connected to the universe, the handling of color, light, shadow and stroke become very relevant at the time of capturing the theme, there is a process of connection between mind and heart very strong, are processed, and merge to shape the energy to paint. I have participated in group exhibitions in NYC, Buenos Aires Argentina, Chile, international art fairs in Chile, Argentina, Museo de Arte Moderno in Lima Peru, solo exhibitions in Santiago Chile and Miami. International virtual exhibitions in different platforms in Italy. I am part of IAVA Italy, M.A.D.S Gallery Milano, Itsliquid international art platform where I was awarded with an honorable mention. My work has been published in design magazines and Latin American art books. Part of my work today is in collector’s houses, USA, Argentina, Costa Rica, and Chile.” Vanessa Mac-Auliffe Letelier Instagram: @vanessa_mac_auliffe_letelier Facebook: Vanessa Mac-Auliffe Letelier Email: vanedeco@gmail.com Web: www.macletelier.com

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1. ONDA PRIMARIA, Serie Geológica (PRIMARY WAVE, Geological Series) Óleo sobre lino algodón / oil on cotton linen 125 x 167 cm

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MICHELE THE COLORIST (Italia / Italy)

ESPAÑOL “Michele The Colorist” es un artista italiano con sede en Alemania. “Dibujar álbumes siempre a mano ha sido mi pasión desde joven, encantado por los grandes maestros como Miguel Ángel, Caravaggio. Retraté todo lo que me obsesionaba. En un período difícil de mi vida y en el lugar más impensable encontré la escuela que siempre he querido, graduándome de la Escuela de Arte Lysippo de Taranto. Continúo mis estudios como Diseñador Gráfico Publicitario, aplicando mi formación artística en la industria gráfica. Entre exposiciones, encargos artísticos, exposiciones internacionales, paso del diseño web, la edición a los cortometrajes, enfrentándome a un declive personal a lo largo de los años. Tras mudarme a Alemania, el sentido de la vida florece de nuevo, revigoriza mi pasión y, hasta el día de hoy, cada día que pasa es un nuevo desafío. Saco a la luz lo que otros no ven, la belleza escondida bajo una capa superficial de una realidad desprovista de emociones y transmito lo que siento.” Michele The Colorist ENGLISH “Michele The Colorist” is an Italian artist based in Germany. “Drawing albums always in hand painting has been my passion since I was young, enchanted by the great masters such as Michelangelo, Caravaggio. I portrayed everything that obsessed me. In a difficult period of my life and in the most unthinkable place I found the school I have always wanted, graduating from the Lysippo Art School of Taranto. I continue my studies as an Advertising Graphic Designer, applying my artistic training in the graphic industry. Between exhibitions, artistic commissions, international exhibitions, I move from web design, publishing to short films, facing a personal decline over the years. Moved to Germany, the meaning of life flourishes again, reinvigorates my passion and to this day, every day that passes is a new challenge. I bring to light what others do not see, the beauty hidden under a superficial layer of a reality devoid of emotions and convey what I feel.” Michele The Colorist Instagram: @michaelkolorist Email: michaelkolrist@gmail.com Web: mfart-design.com

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1. Blue in a cage (Azul en una jaula) Técnica mixta, acrílico y resinas sobre lienzo / Mixed Technique, Acrylic and resins on Canvas 100 x 100 cm 2019

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BASMA NIMRI (Jordania / Jordan)

ESPAÑOL “En el arte encuentro el verdadero sentido de mi existencia y el propósito de la vida. Practico la pintura al óleo, la acuarela y el carboncillo; pero también práctico la cerámica haciendo mi buena parte de esculturas, la mayoría de las cuales son de rostros y figuras corporales. Al mismo tiempo, soy escritor. Tengo una serie de cuatro relatos cortos, una colección de tres relatos muy cortos y luego una novela. Me dedico a pintar rostros porque los seres humanos se encuentran en la cima del universo, los seres humanos son los rostros de la Tierra y, al pintar rostros, me veo pintando todo un universo. Y cuando los rostros me agotan con todo el dolor que llevan dentro, me escapo a mi atmósfera artística y creo un jarrón, para darme cuenta, cuando termino de pintar, de que sigo estando en la presencia, la magnífica presencia humana; el jarrón es el cuerpo, la rosa es el alma, y me encontrarán a lo largo de toda mi vida jadeando y jadeando detrás de la encarnación del alma y del significado a través del color. Cabe destacar que he expuesto y participado en exposiciones de arte en países fuera de Jordania, mi país de origen, como el Reino Unido, Bangladesh, Sharjah, Líbano y muchos más.” Basma Nimri ENGLISH “In art, I find the true meaning of my existence and the purpose of life. I practice painting in oil colors, watercolor and charcoal; however, I also practice ceramics making my fair share of sculptures, most of which are of faces and bodily figures. At the same time, I am a writer. I have a series of four short stories, a collection of three very short stories and then a novel. I focus on painting faces because humans sit on top of the universe, humans are the faces of the Earth and as I paint faces, I can see myself painting a whole universe. And when my faces exhaust me with all the pain that they have carried within us, I escape to my artistic atmosphere and create a vase, to realize when I finish my painting, that I am still in the presence, the gorgeous human presence; the vase is the body, the rose is the soul, and you will find me throughout my whole life panting and panting and panting behind the embodiment of the soul and the meaning through color. It is worth noting that I have exhibited and participated in art exhibitions in countries outside of Jordan, my home country, such as the United Kingdom, Bangladesh, Sharjah, Lebanon and many more.” Basma Nimri Instagram: @nimribasma Facebook: basma.nimri.5 Email: basmanimri@live.com

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1. I wear your snow on my volcano (Llevo tu nieve en mi volcán) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 70 x 50 cm 2020

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2. Blue face (Cara azul) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 80 x 60 cm 2011

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3. Life is now (La vida es ahora) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 100 x 70 cm 2020

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KIRSTIE TEBBS (Reino Unido / United Kingdom)

ESPAÑOL “Soy una artista multidisciplinaria que investiga el ‘ser’, explorando las ideas filosóficas de presencia, tiempo y sustancia. Mi objetivo en mi arte es mostrar la idea de ‘ser’ en un espacio de instalación interactivo a través de la percepción, el infinito, la ausencia y la presencia”. Kirstie Tebbs Actualmente estudiando Ma Bellas Artes en la Universidad de Hertfordshire. Fundadora de la galería Tebbs. Publicada en Petri Dish Project, Tebbs Gallery (2021); The Howling Press, número 2 (2021); y El Proyecto Postal (2020); Preseleccionado para el Premio de la Feria de Arte de Doncaster (2021) y los Premios VAA (2021); Ganadora del Premio Lincoln College Gibney (2015); Finalista Regional del ICE (2011). Exhibido internacionalmente, incluyendo Almost Endless, Southern Alleghenies Museum of Art, Pensilvania, EE. UU. (2021); Feria Internacional de Arte de Roma, Italia (2021); El Jardín de la Pérdida y el Triunfo, Australia (2021); Violet Lenses: Free Range, Brewer’s Gallery, Londres, Reino Unido (2020); Por amor al arte, Elizabeth James Gallery, Londres, Reino Unido (2019). Obras de arte prominentes en exhibición en la Oficina de Información de Hitchin. Miembro de VAA, A-N, Art Aviso.

ENGLISH “I am a multi-disciplinary artist inquiring into ‘being’, exploring the philosophical ideas of presence, time and substance. My aim in my art is to showcase the idea of ‘being’ in an interactive installation space through perception, the infinite, absence, and presence”. Kirstie Tebbs Currently studying Ma Fine Art at University of Hertfordshire. Founder of Tebbs gallery. Published in Petri Dish Project, Tebbs Gallery (2021); The Howling Press, Issue 2 (2021); and The Postcard Project (2020); Longlisted for Doncaster Art Fair Prize (2021) and VAA Awards (2021); Winner of Lincoln College Gibney Award (2015); Regional Finalist of ICE (2011). Exhibited internationally including Almost Endless, Southern Alleghenies Museum of Art, Pennsylvania, US (2021); Rome International Art Fair, Italy (2021); The Garden of Loss and Triumph, Australia (2021); Violet Lenses: Free Range, Brewer’s Gallery, London, UK (2020); For The Love of Art, Elizabeth James Gallery, London, UK (2019). Perminent artworks on display at Hitchin Information Office. Member of VAA, A-N, Art Aviso.

Instagram: @kirstietebbsart Email: kirstietebbs@live.co.uk

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1. Energy 1 (Energía 1) Tinta y acrílico sobre papel Fabriano de 300 gramos / Ink and acrylic on 300gsm Fabriano paper 23 x 23 cm

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2. Energy 2 (Energía 2) Tinta y acrílico sobre papel Fabriano de 300 gramos / Ink and acrylic on 300gsm Fabriano paper 23 x 23 cm

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3. Cellular 46 (Celular 46) Tinta, grafito y acrílico sobre papel Fabriano de 300 g/m2 / Ink, graphite and acrylic on 300gsm Fabriano paper 14.8 x 10.4 cm

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ANNA HVID (Dinamarca / Denmark)

ESPAÑOL Artista autodidacta con un trabajo compuestos de bloques solidos de color y líneas sugerentes, que dan a las piezas gran movimiento. “Desde que era una niña pequeña, he tenido la sensación, sutil, pero siempre muy presente en el fondo de mi mente, de que había algo fundamental en la vida, que yo no había entendido y que todos los que me rodeaban sí. Este sentimiento me ha estado siguiendo implacablemente a través de todas las fases de mi vida, para nunca aflojarme. Incluso cuando terminé mi doctorado en economía, el sentimiento era tan fuerte como siempre. La sensación de haber pasado por alto, o haber entendido mal, algo que todos los demás sabían. He llegado a la conclusión de que este sentimiento me seguirá para siempre, sin importar los planos formales de logro que pueda obtener. Pero cuando pinto, la sensación desaparece por completo. Es un alivio enorme, y me hace sentir completamente libre.” Anna Hvid ENGLISH Self-taught artist with a work composed of solid blocks of color and suggestive lines, which give the pieces great movement. “Ever since I was a young child, I have had a feeling, subtle, but always very present in the back of my mind, that there was something fundamental about life, that I had not understood, and that everyone else around me had. This feeling has been following me relentlessly through all phases of my life, never to loosen its grip. Even as I finished my PhD in economics, the feeling was as strong as ever. The feeling of having missed, or misunderstood, something that everyone else knew. I have concluded that this feeling will follow me forever, no matter the formal blueprints of achievement that I can obtain. But when I paint, the feeling disappears completely. It is an enormous relief, and it makes me feel completely free.” Anna Hvid Instagram: @annahvidart Email: annakhvid@gmail.com Web: www.annahvid.dk

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1. Bunny Rabbit (Conejito Conejo) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 120 cm

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JOSETTE WECSU (Canadá / Canada)

ESPAÑOL “Aprovecho esta oportunidad para agradecer a nuestros amigos de Guto Ajayu Culture, editores de la Gran Antología Anual de Artistas Internacionales, por ofrecerme, una vez más, el privilegio de contribuir con mis pinturas a la próxima edición de 2022 de la Antología. Es un verdadero placer contarse entre tantos artistas de talento. Dado que ya han publicado mi trayectoria, sólo daré una breve historia de mi carrera artística. A los diecisiete años, ingresé en la Escuela de Bellas Artes de Montreal, donde estudié pintura, dibujo y escultura. Más tarde, me licencié en Bellas Artes en la Universidad Concordia de Montreal (Canadá). Soy una gran admiradora de muchos artistas internacionales y nacionales de renombre: desde los artistas españoles Dalí y Sorolla, pasando por Rafael y Rembrandt, hasta la impresionista Berthe Morisset y Degas, y llegando al norte, a los expresionistas abstractos americanos y a los atomistas quebequenses. He valorado la contribución de cada artista a nuestros estudios y comprensión de las artes visuales. Mi contribución para esta edición 2022 de la Antología consiste en tres obras nuevas: un dibujo a pluma y tinta y dos pinturas al óleo. Mi primera pintura, titulada: “El disfrute estacional de las familias canadienses” (óleo sobre lienzo; 76,2cm X 76,2cm) describe una escena invernal muy familiar en los parques canadienses. Todos los niños aprenden a patinar a una edad temprana en Canadá, los dedos de los pies se congelan un poco pero después del deporte nos deleitamos con una taza de leche con chocolate caliente al lado de una chimenea, siendo ésta una de nuestras tradiciones favoritas. Mi segundo cuadro: “Retrospectivamente tuya, Juliette” (Óleo sobre lienzo; 40,64cm X 40,64cm) es mi cuadro más reciente, pero el análisis de este tema se hizo a una edad más temprana, cuando era estudiante de psicología en la Universidad de Concordia. Hice un estudio de una mujer en su madurez; se preguntaba dónde habían ido los años.... El diario de su memoria visual recordaba cascadas de acontecimientos episódicos: alegrías y risas, penas y lágrimas, y todo el tiempo el recuerdo de estos acontecimientos se trazaba en las líneas emergentes de su rostro. Cómo mi sonrisa se asemeja ahora a un ceño fruncido mientras mis labios declinan detrás de los pliegues de la piel; cómo mi dulce perfume se ha convertido, en mi mente, en el olor rancio de una planta carnívora. La rosa se ha marchitado con el paso del tiempo mientras la madre naturaleza sigue su verdadero curso. Mi dibujo “Evolución del Homo Sapiens” (dibujo a bolígrafo y tinta negra; 50,8 cm X 40,64cm} es un estudio preparatorio para una pintura al óleo más grande y compleja de las numerosas especies humanas a lo largo del tiempo de evolución, hasta la aparición del Homo Sapiens. Aunque los científicos y los paleontólogos han enumerado unas 13 especies individuales, mi retrato de grupo incluirá a los individuos físicamente más distintos.” Josette Wecsu ENGLISH “I take this opportunity to thank our friends at Guto Ajayu Culture, publishers of the Great Annual Anthology of International Artists, for offering me, once again, the privilege of contributing with my paintings to the forthcoming 2022 edition of the Anthology. It is indeed a pleasure to be counted among so many talented artists. Since you have previously published my background, I will give only a brief history of my artistic career. At the age of seventeen, I entered l”Ecole des BeauxArts de Montreal where I studied painting, drawing and sculpture. Later in life, I completed a bachelor’s in fine arts at Concordia University, Montreal, Canada. I am a great admirer of many famous international and domestic artists: from the Spanish artists Dali and Sorolla,, from Raphael to Rembrandt , leading to the Impressionist Berthe Morisset and to Degas , heading North to the American Abstract Expressionists as well as to the Quebecois Atomatists. I have valued each artist’s contribution to our studies and understanding of the visual arts. My contribution for this 2022 Edition of Anthology consists of three new works: one pen and ink drawing and two oil paintings. My first painting entitled: “Seasonal Enjoyment of Canadian Families” (Oil on Canvas; 76.2cm X 76.2cm) describes a very familiar winter scene in Canadian Parks. All children learn to skate at an early age in Canada, our toes freeze a little but after the sport we delight in a cup of hot chocolate milk beside a fireplace, this being one of our favorite traditions. My second painting: “Retrospectively yours, Juliette” (Oil on Canvas; 40.64cm X 40.64cm) is my very recent painting, but the analysis of this theme was done at an earlier age when I was a student of psychology at Concordia University. I did a study of a woman in her mature year; she wondered where the years had gone…. The journal of her visual memory recalled cascades of episodic events: joys and laughter, sorrows and tears, and all the while the memory of these events were traced onto the emerging lines of her face. How my smile now resembles a frown as my lips decline behind folds of skin; how my sweet-smelling perfume has become, in my mind, the musty smell of a meat- eating plant. The rose has wilted over time as Mother Nature follows her true course. My drawing “Evolution of Homo Sapiens” ( pen and black ink drawing; 50.8 cm X 40.64cm} is a preparatory study for a larger, more complex oil painting of the numerous Human species over evolutionary time, leading to the emergence of Homo Sapiens. Although scientists and paleontologists have enumerated approx 13 individual species, my group portrait will include the most physically distinct individuals.” Josette Wecsu Instagram: @josettewecsu Facebook: Josette Wecsu Email: josette.wecsu@gmail.com Web: www.josettewecsustudioart.com

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1. Seasonal Enjoyment of Canadian Families (El disfrute estacional de las familias canadienses) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 76.2 x 76.2 cm

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2. Retrospectively yours, Juliette (Retrospectivamente tuya, Juliette) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 40.64 x 40.64 cm

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3. Evolution of Homo Sapiens (Evolución del Homo Sapiens) Pluma y tinta negra / Pen and Black Ink 50.8 x 40.64 cm

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ARTAMARA (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL “Tomé clases de arte abstracto en MCFTA 2011 - presente, y me gusta trabajar en medios mixtos, artes visuales. Mi pasión por el arte, la belleza y la armonía, se remonta a mi familia, los años de formación, la educación, la cultura, mis pasiones e intereses, y a lo largo de toda mi carrera profesional, no relacionada con las artes, pero sin embargo siempre siendo una parte importante e integral de la misma. Más adelante en la vida pude volver a las artes visuales, y sentirme extremadamente agradecida por esta oportunidad de descubrir, explorar, disfrutar y compartir mis pasiones y creaciones con el mundo en general en color, forma, textura y escala. Mis tres “C” -Curiosidad, Creatividad y Valor- son mis tres motores en la vida y en el arte, alimentados por la Alegría de Vivir que pongo en el lienzo.” ARTamara ENGLISH “I took Abstract Art Classes at MCFTA 2011 – present, and I like to work in mixed media, visual arts. My passion for art, beauty and harmony, goes back to my family, formative years, education, culture, my passions and interests, and throughout my whole professional career, not related to arts but nevertheless always being an important and integral part of it. Later in life I was able to come back to visual arts, and felt extremely grateful for this opportunity to discover, explore, enjoy and share my passions and creations with the world at large in color, form, texture and scale. My Three C’s - Curiosity, Creativity and Courage - are my three drivers in life and art, fuelled by the Joy of Living which I put on canvas!” ARTamara Instagram: @artamara33 Facebook: Tamara Sweere

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1. Joy #1 (Alegría #1) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 122 x 122 cm

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JOSÉ VICENTE LAFUENTE MATEOS (España / Spain)

ESPAÑOL Ceramista y decorador de profesión, aprende dibujo y técnicas de cerámicas con su padre, también decorador profesional. Su trayectoria artística comienza a muy temprana edad, compaginando sus estudios con la creación de murales pintados sobre azulejos. Su obra como ceramista es muy extensa y abarca tanto murales de azulejería, como platos y piezas tradicionales de todo tipo. En los años 90 abre su propio taller donde realizará múltiples trabajos siempre por encargo. Realiza una exposición individual en el “Café tocado” del barrio de Ruzafa, donde muestra unas piezas moldeadas y pintadas a mano inspiradas en de diferentes fuentes rurales. Expone obra pictórica en diferentes ediciones del premio nacional de pintura en “El Pilo” Burjassot. “He pasado más de media vida con un pincel en la mano, pintaba yo y pintaba El Fuego. He creado paisajes, figuras, escenas y El Horno quitaba y ponía color. La cerámica es esa ruleta rusa, donde juega el azar y el oficio. Ahora exploro otro mundo y he cambiado de soporte y técnica. Me gusta romper retinas con colores irreverentes y la figura femenina está muy presente en mi obra de la que alguien dijo que era “Hockneyana”. Mis referentes son “Lucian Freud” y “Bacon”, espero con el tiempo ser y pintar como el niño que fui”. José Vicente Lafuente Mateos ENGLISH Ceramist and decorator by profession, he learns drawing and ceramic techniques with his father, also a professional decorator. His artistic career began at a very early age, combining his studies with the creation of murals painted on tiles. His work as a ceramist is very extensive and includes both tile murals, plates and traditional pieces of all kinds. In the 90’s he opened his own workshop where he made many commissioned works. He made an individual exhibition in the “café tocado” in the neighborhood of Ruzafa, where he shows molded and hand-painted pieces inspired by different rural sources. Exhibits pictorial work in different editions of the national prize of painting in “El Pilo” Burjassot. “I have spent more than half my life with a brush in my hand, painting myself and painting El Fuego. I have created landscapes, figures, scenes and El Horno removed and added color. Ceramics is Russian roulette, where chance and craft play. Now I explore another world and I have changed the medium and technique. I like to break retinas with irreverent colors and the female figure is very present in my work of which someone said it was “Hockneyana”. My references are “Lucian Freud” and “Bacon”, I hope in time to be and paint like the child I was”. José Vicente Lafuente Mateos Instagram: @j.lafuente.a Artelista: lafuente.artelista.com Email: artelafuente@hotmail.com

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1. La última revolución (The last revolution) Acrílico sobre papel acuarelable / Acrylic on watercolor paper 70 x 50 cm

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MASAKI HIROKAWA (Japón / Japan)

ESPAÑOL La amplia gama de actividades de Masaki Hirokawa incluye diseño gráfico, desarrollo de aplicaciones para teléfonos inteligentes, producción de películas interactivas y desarrollo de sitios web. También escriben artículos técnicos sobre diseño gráfico para revistas de diseño gráfico y libros de referencia. 2006/11 Recibió el premio a la excelencia en la categoría de protector de pantalla web en la competencia MTV SO-ZO. 2008/06/06 Contribuyó con CG y escribió un comentario para “Photoshop Making Studio” en la edición de julio de 2008 de la revista mensual MdN. 2008/06/14 Mostró la película de apertura de Another Japan en JAGDA de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Japón en OSAKA 2008. 2008/12/06 Contribuyó con CG y escribió un comentario para “Lecciones de expresión artística y métodos profesionales para publicitar y crear aprendidas de creadores destacados” en la edición de enero de 2009 de MdN. 2009/08/11 Exhibido CG en la exposición Larotica II en GALLERY ART POINT en Ginza. 2010/01/30 Contribuyó con CG y comentario al mook de MdN ”Photoshop Mitsuboshi Technique Encyclopedia”. 2010/11/01 Contribuyó con CG y comentario al MdN Mook ”Collages e ilustraciones creadas con Photoshop e Illustrator”. 2021/09 Contribuyó con CG y entrevista para 365 Art+ Magazine Inspiration. Caso 4. 2021/12/16 CG exhibido en la exposición SACRIFICE organizada por M.A.D.S. GALERÍA DE ARTE en Milán, Italia. 2022/01/27 CG exhibido en la exposición THE BODY LANGUAGE 2022 realizada por ITSLIQUID Group en Venecia, Italia. 2022/01/28 CG exhibido en I THE WORLD REVOLVES AROUND ME exposición organizada por M.A.D.S. GALERÍA DE ARTE en Milán, Italia y Canarias, España. 2022/01/31 Recibió el premio ARTISTA DEL AÑO 2021 por ITSLIQUID Group. 2022/03/04 CG exhibido en la exposición CANVAS INTERNATIONAL ART FAIR 2022 realizada por ITSLIQUID Group en Venecia, Italia. 27/03/2022 Recibe una Mención de Honor en el Concurso Internacional ITSLIQUID - 11ª Edición presentado por ITSLIQUID Group. 2022/03/28 CG exhibido en la exposición NEW FREEDOM THINK 2022 organizada por M.A.D.S. GALERÍA DE ARTE en Milán, Italia. 2022/04/03 CG exhibido en la exposición Avant Garde realizada por Virtual Artists en Londres, Inglaterra. 2022/04/09 CG exhibido en VIFAF 2022 - Exposición virtual internacional de bellas artes organizada por World Of Crete en Creta, Grecia. ENGLISH Masaki Hirokawa’s wide range of activities includes graphic design, smartphone app development, interactive movie production, and website development. They also write technical articles on graphic design for graphic design magazines and reference books. 2006/11 Received the Award for Excellence in the Web Screensaver Category at the MTV SO-ZO Competition. 2008/06/06 Contributed CG and wrote commentary for “Photoshop Making Studio” in the July 2008 issue of the monthly magazine MdN. 2008/06/14 Displayed Another Japan opening movie at Japan Graphic Designers Association’s JAGDA in OSAKA 2008. 2008/12/06 Contributed CG and wrote commentary for “Lessons in Artistic Expression and Professional Methods for Publicizing and Creating Learned from Featured Creators” in the January 2009 issue of MdN. 2009/08/11 Displayed CG at the Larotica II exhibition at GALLERY ART POINT in Ginza. 2010/01/30 Contributed CG and commentary to the MdN mook ”Photoshop Mitsuboshi Technique Encyclopedia”. 2010/11/01 Contributed CG and commentary to the MdN Mook ”Collages and Illustrations created with Photoshop and Illustrator”. 2021/09 Contributed CG and interview for 365 Art+ Magazine Inspiration. Case 4. 2021/12/16 CG showcased in SACRIFICE exhibition held by M.A.D.S. ART GALLERY in Milan, Italy. 2022/01/27 CG showcased in THE BODY LANGUAGE 2022 exhibition held by ITSLIQUID Group in Venice, Italy. 2022/01/28 CG showcased in I THE WORLD REVOLVES AROUND ME exhibition held by M.A.D.S. ART GALLERY in Milan, Italy and the Canary Islands, Spain. 2022/01/31 Received ARTIST OF THE YEAR 2021 award by ITSLIQUID Group. 2022/03/04 CG showcased in CANVAS INTERNATIONAL ART FAIR 2022 exhibition held by ITSLIQUID Group in Venice, Italy. 2022/03/27 Awarded an Honorable Mention at ITSLIQUID International Contest - 11th Edition presented by ITSLIQUID Group. 2022/03/28 CG showcased in NEW FREEDOM THINK 2022 exhibition held by M.A.D.S. ART GALLERY in Milan, Italy. 2022/04/03 CG showcased in Avant Garde exhibition held by Virtual Artists in London, England. 2022/04/09 CG showcased in VIFAF 2022 - Virtual International Fine Art Fair exhibition held by World Of Crete in Crete, Greece. Instagram: @dolice Facebook: @dolice.masakihirokawa LinkedIn: dolice Email: masakihirokawa@gmail.com Web: dolice.design

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1. Archetypus (arquetipo) Medios Digitales / Digital Media 84 x 119 cm

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2. Reclining Buddha (Buda reclinado) Medios Digitales / Digital Media 100 x 80 cm

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3. Uriel Medios Digitales / Digital Media 106 x 73 cm

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KEITH MALONE (Irlanda / Ireland)

ESPAÑOL Keith Malone es un pintor contemporáneo con sede en Dublín, Irlanda, y ha expuesto en numerosas exposiciones colectivas virtuales y físicas en Londres con la galería Holy Art. Habiendo estudiado en el Colegio Nacional de Arte y Diseño, prefiere trabajar a gran escala y ve sus obras como investigaciones muy investigadas sobre la estructura del arte y la historia del arte. Centrándose particularmente en los matices de la identidad y la conciencia artística, así como cuestionando los méritos de la expresión y criticando los valores institucionales que se le atribuyen al arte. El material juega un papel importante en su obra. Construye sus pinturas desde cero, a menudo utilizando materiales encontrados y madera, en lugar de lienzos, porque permite un manejo más tosco de los materiales y se adapta a medios más duros y destructivos. “Mi nombre es Keith Malone, tengo 22 años y soy un artista que estudió en el National College of Art and Design, en Dublin, Irlanda. También he participado en numerosas exposiciones colectivas en Londres tanto físicas como online. En primer lugar, me considero un pintor, trabajo principalmente con pinturas acrílicas y domésticas para explorar mis propias ideas de identidad y lenguaje en relación con la historia del arte y la crítica institucional. Estoy muy interesado en el arte complementado con tecnología, así como en las interpretaciones pictóricas de la literatura, la poesía y la mitología, que en conjunto ofrecen muchas oportunidades para el debate con respecto a los sistemas mediante los cuales nos relacionamos con el arte. Mi objetivo actual como artista es poder ofrecer nuevos contextos a estas historias y mensajes desde una perspectiva contemporánea, al tiempo que tomo nota de cómo la naturaleza de estos mensajes ha cambiado con el tiempo”. Keith Malone ENGLISH Keith Malone is a contemporary painter based in Dublin, Ireland and has exhibited in numerous virtual and physical group shows in London with the Holy Art Gallery. Having studied at the National College of Art and Design, he prefers to work on a large scale, and views his works as heavily researched investigations into the structure of art and art history. Focusing particularly on the nuances of artistic identity and consciousness, as well as interrogating the merits of expression and critiquing the institutional values placed on art. Material plays an important role in his work. He constructs his paintings from scratch, often using found materials and wood, as opposed to canvas, because it allows for rougher handling of materials as well as accommodating harsher, more destructive mediums. “My name is Keith Malone, I’m 22 years old and I’m an artist who studied at the National College of Art and Design, in Dublin, Ireland. I have also taken part in numerous group exhibitions in London both physically and online. First and foremost, I consider myself a painter, working primarily with acrylic and household paints to explore my own ideas of identity and language in relation to art history and institutional critique. I’m very interested in art supplemented by technology as well as painterly interpretations of literature, poetry and mythology which together offer many opportunities for discussion in regard to the systems by which we engage with art. My current goal as an artist is to be able to offer new contexts to these stories and messages from a contemporary perspective, all the while taking note of how the nature of these messages has changed over time”. Keith Malone Instagram: @keith_malone_01 Email: kjemalone15@gmail.com

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1. Narcissus (Narciso) Acrílico sobre madera / Acrylic on Wood 122 x 122 cm

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2. Crucifixion (after Francis Bacon) / Crucifixión (después de Francis Bacon) Acrílico sobre madera / Acrylic on Wood 50 x 60 cm

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3. Ophelia or Three Studies of Decay (Ofelia o Tres estudios de decadencia) Acrílico sobre madera / Acrylic on wood 180 x 180 cm (60 x 80 cm cada uno / each)

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CHIHYANG HSU (Taiwán / Taiwan)

ESPAÑOL “Soy un artista interdisciplinar que trabaja en fotografía, vídeo, pintura e instalación. Con mi daltonismo, hago obras de arte que suspenden la comunicación visual cotidiana y ponen de manifiesto las experiencias marginales no expresadas. En esta serie de obras, convierto una habitación en una cámara oscura para disolver la frontera entre interior/exterior, artificial/natural, y mis identidades. Actualmente soy estudiante de posgrado en la Escuela del Museo de Bellas Artes de la Universidad de Tufts, en Boston.” Chihyang Hsu ENGLISH “I am an interdisciplinary artist who works in photography, video, painting, and installation. With my color blindness, I make artwork that suspends everyday visual communication and brings forth the unvoiced marginalized experiences. In this series of work, I turn a room into a camera obscura in order to dissolve the boundary between indoor/outdoor, artificial/natural, and my identities. I am a current graduate student at the School of the Museum of Fine Arts at Tufts University, Boston.” Chihyang Hsu Instagram: @hsu_chihyang Email: mscyhsu@gmail.com Web: hsuchihyang.com

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1. Obscure (Camera) Obscura #1 (Obscuro (Cámara) Obscura #1) Cámara oscura y fotografía digital / Camera obscure and digital photography 2021

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LACHLAN ANTHONY SMITH (Escocia / Scotland)

ESPAÑOL Lachlan Smith es un pintor nacido en Aberdeen, Escocia. Recientemente se ha graduado en la Gray’s School of Art y continúa desarrollando su práctica artística en torno a los Cairngorms de Escocia. Este conjunto de obras examina la relación entre el compromiso con la naturaleza y la práctica artística como una forma de investigación autoreferencial. En última instancia, el objetivo es apoyar la salud mental y el bienestar del practicante, a través de la participación en procesos terapéuticos pragmáticos. Lachlan examina el discurso de tales interacciones, a través de la obra de arte y la literatura de los creativos que comparten esta comprensión de la recuperación, la dirección y el propósito inculcado por medio de la re-sintonización con el arte y el lugar. Esta investigación sobre las vidas y el trabajo de los artistas que identificaron su práctica como un conducto para la recuperación de las enfermedades mentales, ha informado sobre la capacidad de las artes para apoyar a las personas diagnosticadas con depresión maníaca. Personas que padecen esta enfermedad mental omnipresente, que es a la vez inmovilizadora y potencialmente peligrosa. Sus síntomas incluyen cambios drásticos en el estado de ánimo, que van desde subidas eufóricas hasta bajadas aplastantes. Ambos estados resultan igualmente perturbadores, ya que ambos carecen de la presencia de cualquier posición mediadora. Históricamente, las artes han desempeñado un papel en la localización de esta posición para los maniacodepresivos, a través del compromiso con formas de arte como la pintura. Esto permite al pintor maniacodepresivo representar y buscar lo que se denomina “el término medio”. Una representación encarnada de un lugar que establece estos períodos de equilibrio y calma intermitente. Esta vía de interés particular ha instigado una serie de pinturas que exploran estos temas más allá, a través de un medio visual de desarrollo de imágenes relacionadas, que se destacan para encarnar este término medio metafórico. La ambición de estas obras es habitar un punto medio psicológico propuesto, haciendo obras de arte que son de apoyo, fuertes, pero no dominantes. Paisajes psico-emocionales, que reflejan crucialmente estos intereses de investigación, que pretenden ser una ofrenda de paz, de indiferencia, desprovista de juicios e imposiciones. ENGLISH Lachlan Smith is a painter born in Aberdeen, Scotland. Where he recently graduated from Gray’s School of Art and continues to develop his artistic practise that centers itself around Scotland’s Cairngorms. This body of work examines the compact between engagement with nature and artistic practice serving as a form of self – referential inquiry. That ultimately aims to support the mental health and wellbeing of the practitioner, through means of engaging with pragmatic therapeutic processes. Lachlan examines the discourse of such interactions, through the artwork and literature of creatives who share this understanding of recovery, direction and purpose instilled by means of re – attuning themselves with art and place. This research into the lives and work of artists who identified their practise as a conduit for recovery from mental illnesses, has informed further research into the arts ability to support people diagnosed with manic depression. People who suffer from this omnipresent mental illness, that is both immobilizing and potentially dangerous. Bare symptoms that include drastic changes in mood, ranging from euphoric highs to crushing lows. Both states proved equally disturbing, as both lack the presence of any mediating position. Historically the arts have played a role in locating this position for manic depressives, through engagement with such artforms as painting. That enables the manic-depressive painter to depict and seek out what is referred to as ‘The Middle Ground’. An embodied representation of a location, that establishes these periods of balance and intermittent calm. This particular avenue of interest has instigated a series of paintings that explore these themes further, through a visual means of developing related imagery, that stand to embody this metaphorical middle ground. The ambition for these works is to inhabit a proposed psychological middle ground, making artworks that are supportive, strong but not dominant. Psycho – emotional landscapes, that crucially reflect such research interests, that are intended as a peace offering, that of indifference, devoid of judgment and imposition. Instagram: @lachlansmithpainter Email: lachlansmithpainter@gmail.com

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1. The Middle Ground – Piece Seven (The Middle Ground - Pieza siete) Óleo y tiza sobre calicó / Oil and chalk on calico 80 x 120 cm 2021

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2. The Middle Ground – Piece Four (El término medio - Pieza cuatro) Óleo y tiza sobre calicó / Oil and chalk on calico 80 x 120 cm 2021

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3. The Middle Ground – Piece Three (El término medio - Pieza tres) Óleo y tiza sobre calicó / Oil and chalk on calico 80 x 120 cm 2021

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WOO (Taiwán / Taiwan)

ESPAÑOL “Soy un pintor autodidacta. 2021 fue un año especial para mí. Me mudé y viajé mucho. Básicamente para trabajar. Tuve la oportunidad de trabajar en algunos murales. Fue muy emocionante para mí. Hubo bastante buen tiempo frente a la pared. Y disfruto del momento durante el pasado día soleado y el día lluvioso. De vuelta a 2019, conseguí una oportunidad de Residencia para estar en Barcelona. Es genial poder ser parte de estas residencias con tantas personas con tanto talento en diferentes campos y mucha diversidad. Es el lugar ideal para trabajar y rodearse de la gente que realmente ama y se sumerge en la actividad. Es muy bueno vivirlo. Y, sin embargo, hay un momento en el que sólo espero poder quedarme aquí durante mucho tiempo, ya que recientemente he hecho muchos trabajos en mi estudio.” Woo ENGLISH “I’m a self-taught painter. 2021 was a special year for me. I moved and traveled a lot. Basically, for working. I have a chance to work on some murals. It was so exciting for me. There was much more good time in front of the wall. And I enjoy the moment during the past sunny day and rainy day. Back in 2019, I got a Residency chance to be in Barcelona. These are so great to be part of the residences with so many talented people in different diversity fields. It is the ideal place to work and surround with the people who truly love and immerse them in the activity. It is so good to have it. And yet, there is a moment where I just hope that I can stay at the place for a very long time., I have recently done some work in my studio now.” Woo

Instagram: @woodysun11 Email: holythewoody@gmail.com

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1. Yellow Flowers (Flores amarillas) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 45.3 x 33 cm

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ERNESTO TOMAS VAQUERO (Australia)

ESPAÑOL “El arte inconsciente es un nuevo concepto de arte que estoy presentando al mundo: defiende la idea de que cualquiera puede pintar sin motivo o intención de una idea terminada. Aunque es un concepto, el arte inconsciente también es un método, uno creado para reforzar el concepto, comienza introduciendo material/lienzo en su espacio (donde normalmente reside). Una vez que reconozcas el lienzo en su espacio, acércate a él sin cuidado y comienza con un trazo de pintura. - no hay expectativa de continuar pintando más allá de este punto si lo desea - pero intenta aplicar al menos una pincelada de pintura una vez al día. - esto cubrirá gradualmente el lienzo con el tiempo - ten en cuenta que aplicar diferentes colores a tus trazos iniciará el motivo y ayudará a la inspiración del pensamiento creativo Después de un período prolongado de confianza en este método (arte inconsciente), una imagen comenzará a aparecer, una vez que tu subconsciente la haya capturado, puede pintar libremente cuando lo desees, refinando y mejorando la idea en bruto en algo que llamamos arte inconsciente. Las pinturas mostradas son ejemplos expresados a través del arte Inconsciente. Confía en el proceso.” Ernesto Tomas Vaquero ENGLISH “Unconscious art is a new concept to art that I’m introducing to the world – it advocates the idea that anyone can paint with no motive or intention of a finished idea – Although being a concept, Unconscious art is also a method - one i’ve created to reinforce the concept, it starts by introducing material/canvas into your space (where you normally reside) Once you acknowledge the canvas in your space - approach it carelessly and start with a paint stroke - there is no expectation to continue painting beyond this point if you choose - but aim to at least apply a brush stroke of paint once a day - this will gradually cover the canvas over time - keep in mind applying different colors to your strokes will initiate motive and aid the inspiration of creative thought — Over a prolonged period of trusting in this method (Unconscious art) an image will start to appear - once your subconscious has captured it - you can freely paint whenever you please - refining it and enhancing the raw idea into something that we call Unconscious Art The paintings shown are examples expressed through Unconscious art Trust in the process.” Ernesto Tomas Vaquero Email: ernesto.tomas@hotmail.com Instagram: @vaquero.neto

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1. Comparta Maiz 2021 (Share Corn 2021) Acrílico, Aerosol, Pastel al óleo, Óleo sobre lienzo / Acrylic, Spray paint, Oil pastel, Oil paint on canvas 120 x 90 cm

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2. Los Pecados de Uno 2021 (The Sins of One 2021) Oil pastel, Acrylic paint and Spray paint on canvas / Oil pastel, Acrylic paint and Spray paint on canvas 100 x 120 cm

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3. Azúcar de los Gringos 2021 (Sugar of the Gringos 2021) Pintura acrílica, Pintura al óleo, Pintura en aerosol y Pastel al óleo / Acrylic paint, Oil paint, Spray paint and Oil pastel 120 x 100 cm

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GABRIELE SCANZIANI (Suiza / Switzerland)

ESPAÑOL Gabriele Scanziani es un pintor suizo e italiano contemporáneo. Artista autodidacta que posee una obra fuertemente personal con influencias oníricas y reminiscencias infantiles. La pintura de Scanziani se caracteriza por la presencia de figuras con macrocéfalo y extremidades filiformes, creando escenas surrealistas y un mundo de personajes insólitos que, a pesar de su dramatismo y deformidad, muestran ternura, amabilidad y una fuerte fuerza expresiva. Nacido en Mendrisio, Suiza en 1980, es hijo de escritor y profesor. Su padre, que tenía 72 años cuando él nació, comenzó a padecer la enfermedad de Alzheimer cuando el artista tenía 14 años y falleció 8 años después. Ha expuesto sus obras en la ciudad de Nueva York, Berlín, Burdeos, Milán y Suiza. Actualmente está representado por Young Art Hunters, Context Art Gallery y Galeria Azur. En 2021 recibió la Mención Especial del Premio de Arte Thomson.

ENGLISH Gabriele Scanziani is a contemporary Swiss and Italian painter. A self-taught artist who possesses a strongly personal work with a dreamlike influence and childish reminiscences. Scanziani’s painting is characterized by the presence of figures with macrocephalus and filiform extremities, creating surreal scenes and a world of unusual characters that despite their drama and deformity, show tenderness, kindness and a strong force of expression. Born in Mendrisio, Switzerland in 1980, he is the son of a writer and a teacher. His father, who was 72 years old when he was born, started suffering from Alzheimer’s Disease when the artist was 14 years old and died 8 years later. He has exhibited his works in New York City, Berlin, Bordeaux, Milan and Switzerland. He is currently represented by Young Art Hunters, Context Art Gallery and Galeria Azur. In 2021 he received the Special Mention for the Thomson Art Prize. Instagram: @gabriele.scanziani.art Email: gabrielescanziani@gmail.com

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1. Rush Hour Crowd (Multitud de horas pico) Técnica Mixta sobre madera / Mixed Media on wood 60 x 80 cm

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2. Chilling With My homies (Relajándome con mis amigos) Técnica Mixta sobre madera / Mixed Media on wood 60 x 80 cm

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3. Singularity (Singularidad) Técnica mixta sobre lienzo / Mixed Media on canvas 150 x 100 cm

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CORA MAK (Hong Kong)

ESPAÑOL Cora es una pintora y escultora de Macao y actualmente vive y trabaja en Hong Kong. Por lo general, sus obras de arte no tienen título, ya que cree que nadie ve nada de la misma manera. Por lo tanto, la mayoría de sus obras se basan en el análisis artístico de la percepción. Pretenden poner a prueba el ojo desnudo de los espectadores, en su pureza, para alimentar su imaginación y estimular su punto de vista. El mismo proceso artístico vive en la presencia de los espectadores y se basa en él. Sin esta correspondencia bidireccional, el arte no existiría. En su obra, los colores, las formas, la metodología de la investigación artística se convierten en un juego, en el que podemos envolver e involucrar al espectador para luego incluirlo de manera completa en el hacer y en el ser de la obra misma. Ella creó lo que visualizó y sintió, a través de colores brillantes, líneas y formas, todas entrelazadas para convertirse en una composición, dentro de la cual yace un significado misterioso que el espectador intenta descubrir. Exposiciones anteriores 2019 “País de las Maravillas - Yokai”, Arts Itoya, Fukuoka 2020 “Breakout” M.A.D.S. Milán, Italia ENGLISH Cora is a painter and sculptor from Macau and currently lives and works in Hong Kong. Usually, her artworks do not have a title as she believes nobody sees anything the same way. Therefore, most of her artworks are based on the artistic analysis of perception. They intend to test the naked eye of the spectators, in their purity, to feed their imagination and stimulate their point of view. The same artistic process lives in the presence of the spectators and is based on it. Without this two-way correspondence, art would not exist. In her work, the colors, the forms, the methodology of artistic research become a game, in which we can wrap and involve the viewers and then include them in a complete way in the making and in the being of the work itself. She created what she visualized and felt, through bright colors, lines and shapes, they all intertwined to become a composition, within which lies a mysterious meaning that the viewer is intent on discovering. Previous Exhibitions 2019 “Wonderland - Yokai”, Arts Itoya, Fukuoka 2020 “Breakout” M.A.D.S. Milan, Italy Instagram: @cora.mak26 Email: coramac@gmail.com Web: www.artpal.com/coramak

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1. Untitled - 02012022 (Sin título - 02012022) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 90 cm

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2. Untitled - 25062020 (Sin título - 25062020) Técnica mixta, acrílico y tinta sobre lienzo / Mixed media, acrylic and ink on canvas 60 x 50 cm

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3. Untitled - 18072020 (Sin título - 18072020) Técnica mixta, acrílico, tinta, hilos sobre cuero / Mixed media, acrylic,ink,threads on leather 83 x 48.5 cm

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PROF. OSMAN SHIBIR (Sudán / Sudan)

ESPAÑOL Impulsado por el deseo de convertir su pasión en una profesión, se trasladó a Jartum, donde completó su primera formación académica en la Escuela de Arte de Jartum, donde recibió clases de pioneros como los profesores Baghdadi, Williams y Hawkins, y la influencia de visionarios como los profesores Shibrain y Jamaan. Después se trasladó a Alemania en 1961, donde obtuvo su segunda licenciatura en diseño de exposiciones y pintura en 1967 en la Universidad de las Artes de Berlín. De vuelta a Sudán, en 1970, comenzó su carrera profesional como diseñador jefe en la Khartoum University Press, ilustrando más de 300 libros. A continuación, continuó su actividad académica como profesor, catedrático y decano en varias universidades de la capital del país. Durante toda su vida siguió siendo artista y escultor en su galería privada. Realizó varias exposiciones externas, pero su plato fuerte personal fue la del Museo Británico - Sudán pasado y presente en 2004-2005. “Nací en 1940 en Wad Medani (Sudán), pero pasé mi infancia en Malakal, donde se combinan la arena fina, la densa selva y el extenso Nilo. Me cautivaron las tribus indígenas nilóticas y empecé a pintar y esculpir su vida, sus tradiciones, sus animales y, en particular, su toro sagrado. Las formas, los colores y los movimientos han alimentado mi deseo de crear. Estos se reflejan en mis obras a través de una impresión íntima de mis recuerdos y pensamientos. Los ojos son puertas a través de las cuales podemos vislumbrar lo eterno, la esencia y el misterio de la verdad. Utilizo una amplia paleta de colores, pero el blanco es la base de todos mis cuadros, que simboliza la tranquilidad, un corazón puro y la paz. Llamo a este principio el diálogo y la filosofía del color blanco. A menudo lo combino con la fuerza y la profundidad de un azul que fluye, igual que el azul y el blanco del Nilo se unen en Jartum. Es una fascinante confluencia de corrientes en un juego de remolinos y colores”. Prof. Osman Shibir ENGLISH Driven by the desire to turn his passion into a profession he moved to Khartoum were he completed his first academic training at the Khartoum School of Art where he was taught by pioneers like Prof. Baghdadi, Prof. Williams and Prof. Hawkins and influenced by visionaries such as Prof. Shibrain, Prof. Jamaan. He then moved to Germany in 1961, where he achieved his second degree in exhibition design and painting in 1967 at the Berlin University of the Arts. Back in Sudan in 1970 he started his professional career as chief designer at the Khartoum University Press, illustrating more than 300 books. He then continued academically as a lecturer, professor and dean at various universities in the country’s capital. He remained an artist and sculptor in his private gallery throughout his life. He had various external exhibitions, but his personal highlight was the British Museum - Sudan Past and Present in 2004-2005. “I was born 1940 in Wad Medani (Sudan) but spent my childhood in Malakal, where fine sand, dense jungle and sprawling Nile combine. I was captivated by the indigenous Nilotic tribes and began to paint and sculpt their lives, traditions, animals and particularly their sacred bull. The shapes, colours and movements have nourished my desire to create. These are reflected in my works through an intimate impression of my memories and thoughts. Eyes are gates through which we can catch a glimpse of the eternal essence and mystery of truth. I use a vast pallet of colours but white is the foundation of all my paintings symbolising tranquillity, a pure heart and peace. I call this principle the white colour dialogue and philosophy. I often combine this with the power and depth of an inflowing blue, just as the blue and White Nile unite in Khartoum. It is a fascinating confluence of streams in a play of eddies and colours”. Prof. Osman Shibir Instagram: @shibirniloticgallery Email: shibirniloticgallery@gmail.com Web: www.shibirniloticgallery.com

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1. Rebellion (Rebelión) Acuarela sobre papel / Watercolour on paper 60 x 50 cm 1964 (Berlin)

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2. Protesting and fighting for democracy (Protestando y luchando por la democracia) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 80 x 80 cm 2009 (Khartoum)

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3. Dafur Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 80 x 120 cm 2007 (Khartoum)

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DAWN LEONE (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL La obra de Dawn Leone combina métodos tradicionales y contemporáneos en el grabado en madera de reducción y la pintura. Dawn se esfuerza por lograr aplicaciones inventivas que se tambalean visualmente en la cúspide de la abstracción. Sintetizar los experimentos del estudio con las observaciones del entorno natural es una práctica fundamental en su obra. Las exploraciones más recientes se centran en la creación de marcas inventivas mientras se prueba la teoría del color dentro de las capas de reducción. Las expresiones de las marcas talladas forman efectos de textura que proporcionan pistas visuales para contemplar mientras las capas de color interactúan para construir una composición de forma y significado. Los proyectos más recientes de Dawn se centran en la geografía costera, la formación de la tierra, la erosión, el clima y los fenómenos naturales. Permitir que la veta de la madera esté presente visual y simbólicamente es una característica que Dawn revela en sus bloques de madera para apreciar la relación entre su mensaje y el medio. Formación artística: Máster en Bellas Artes, City University of New York Lehman Arte visual en la educación, Parsons School of Design New School University Licenciada en Diseño e Historia del Arte, Fordham University Marymount College ENGLISH Dawn Leone’s artwork combines traditional and contemporary methods in reduction woodblock printmaking and painting. Dawn strives for inventive applications visually teetering on the cusp of abstraction. Synthesizing studio experiments with observations found in the natural environment is a fundamental practice in her work. Most recent explorations focus on inventive mark making while testing color theory within reduction layers. Expressions in carved marks form textural effects providing visual hints to contemplate while layers of color interact to build a composition of form and meaning. Dawn’s most recent projects focus on coastal geography, land formation, erosion, climate, and natural phenomena. Allowing the woodgrain to visually and symbolically be present is a feature Dawn reveals in her woodblocks to appreciate the relationship between her message and medium. Artistic Training: Master’s degree in fine art, City University of New York Lehman Visual Art in Education, Parsons School of Design New School University Bachelor’s Degree in design & Art History, Fordham University Marymount College Instagram: @DawnLeone.art Facebook: @DawnLeoneart Email: DawnLeone.art@gmail.com Web: www.DawnLeone.artt

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1. Driftscape (Paisaje a la deriva) Reducción xilográfica sobre BFK Rives / Reduction Woodcut on BFK Rives 30.48 x 30.48 cm

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2. Glase Waves (Olas de gas) Reducción xilográfica sobre BFK Rives / Reduction Woodcut on BFK Rives 60.96 x 91.44 cm

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3. Jokulsarlon Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 50.8 x 60.96 cm

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SHUAI XU (China)

ESPAÑOL Sus obras se centran en el mundo invisible, y gran parte de su inspiración proviene de los sueños. Se interesa por la relación de la humanidad con el cosmos, especialmente en lo que respecta a la Tierra, en la relación entre los individuos y la naturaleza. ENGLISH His works focus on the invisible world, and much of his inspiration comes from dreams. He is interested in humanity’s relationship to the cosmos, particularly as it plays out here on Earth, in the relationship between individuals and nature. Instagram: @xushuai_studio Web: shuai-xu.com

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1. ’HE0450-2958’ Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 76.2 x 76.2 cm 2021

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BELÉN POSSE DE RIOBOÓ (España / Spain)

ESPAÑOL

En sus primeras exposiciones comienza realzando objetos cotidianos. Durante los 90s y 00s, se reafirma en el uso del color y busca “redefinir la línea del horizonte” y “disfrutar del México que te da la bienvenida”. En 2010s, de vuelta a España, Belén entra en una etapa de reflexión explorando temas como la globalización. En la actualidad, la obra adquiere madurez, jugando con efectos plásticos para transmitir la esencia de las relaciones humanas. “El arte me ha acompañado a lo largo de los años. Vivir en distintas ciudades ha influido en mi obra, llevándome a explorar temas como la mezcla de culturas, la universalidad de los deseos y el efecto de los contrastes. Creo en la necesidad de transmitir emociones positivas”. Belén Posse de Rioboó ENGLISH In her first exhibitions, she focuses on enhancing quotidian objects. During the 90s and 00s, she reinforces her use of color, seeking to “redefine the horizon” and “enjoy the Mexico that invites you to dance”. In 2010s, back in Spain, Belén enters in a period of reflection, exploring themes like globalization. Nowadays, her artwork acquires maturity, playing with chromatic effects to transmit the essence of human relationships. “Art has accompanied me throughout the years. Living in different cities has influenced my work, leading me to explore themes like cultural exchange, universal wishes and the effect of contrasts. I believe in the need of conveying positive emotions” Belén Posse de Rioboó Instagram: @belenpossederioboo Email: info@belenpossederioboo.com Web: belenpossederioboo.com

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1. Entre líneas (Between the lines) Acrílico con escayola y cordón / Acrylic with plaster and cord 200 x 300 cm

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LAURI SMITH (Australia)

ESPAÑOL Lauri Smith es una escultora australiana influenciada por el Realismo Mágico y el Surrealismo. “A través de mi práctica artística, me atrae explorar mi estado subconsciente y llevarlo al ámbito físico a través de la forma. Estas esculturas suelen estar inspiradas en mis sueños extraños y vívidos. Mi curiosidad es sobre estas entidades no físicas que provienen de la imaginación subconsciente y su conexión con la realidad, así como la conexión entre todas las formas de vida. Mis obras de arte a menudo combinan atributos físicos de humanos y animales para crear estas criaturas híbridas realistas. Trabajo con materiales que imitan el realismo como siliconas y cabello humano, así como representaciones recreadas en diferentes materiales. Mi proceso generalmente comenzará desde esta inspiración inicial hasta el dibujo, la escultura, la fabricación de moldes, la fundición, la pintura y el acabado, estas criaturas cobran vida propia”. Lauri Smith ENGLISH Lauri Smith is an Australian sculpture artist influenced by Magic Realism and Surrealism. “Through my art practice I am drawn to explore my subconscious state and bring it to the physical realm through form. These sculptures are usually inspired by my bizarre and vivid dreams. My curiosity is about these non-physical entities that come from the subconscious imagination and their connection to reality, as well as the connection between all life forms. My art pieces often combine physical attributes from humans and animals to create these realistic hybrid creatures. I work with materials that mimic realism such as silicones and human hair as well as representations re-created in different materials. My process will usually begin from this initial inspiration to the drawing, sculpting, Mould Making, casting, painting and finishing, these creatures take on a life of their own’’. Lauri Smith Instagram: @laurismithcreatures Email: lauri@laurismithcreatures.com Website: www.laurismithcreatures.com

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1. Rita + Her Pet Jude (Rita + su mascota Jude) Escultura - Silicona, Mohair, Alambre, Espuma, Madera / Sculpture - Silicone, Mohair, Wire, Foam, Wood 60 x 55 x 45 cm

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2. ‘Fremble… The Whole Universe is Contained Within Us’ (‘Fremble... Todo el universo está contenido dentro de nosotros’) Escultura - Cabello Humano, Silicona, Resina / Sculpture - Silicone, Human Hair, Resin 43 x 30 x 30 cm

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3. The Secret Conversation of Snow Yaks (La conversación secreta de los yaks de nieve) Escultura - Alambre, Mohair, Silicona / Sculpture - Silicone, Mohair, Wire 15 x 40 x 25 cm (Todas las piezas juntas/ all three pieces together)

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MARIA EVSEEVA (Rusia / Russia)

ESPAÑOL Maria Evseeva, nació 22 de diciembre de 1967 en Moscú, Rusia Graduada en la Universidad de la Academia Rusa de Educación (URAO) Facultad de Economía y Negocios. En 2001 me he trasladado a vivir en Barcelona. “El deseo de dibujar lo tenía desde pequeña pero nunca he tenido la oportunidad de hacerlo en serio hasta que en 2008 decidí acudir a mi primer curso de dibujo en Barcelona en la escuela de Arte Da Vinci. Después tomé las clases de sumie e, las clases de pintura sobre seda con Concha Morgades, continuando con las clases con Adriana Streijer, escenógrafa, vestuarista y maquilladora de teatro y cine. Desde 2013 y hasta hoy continúo mis estudios de pintura en la escuela de arte El Visor en Barcelona bajo la guía de Iván Sanjuás. El año 2020 ha cambiado todo en mi vida cuando han aceptado mis trabajos para exposiciones de Art Week de Moscú en Danilovsky Congress Hall y St Petersburgo en el centro de Unión de Artistas, que seguían con las exposiciones en Génova en Palazzio Ducale y Milano en galería Cael Pipin, organizados por Divulgarti, en Milano y Lanzarote con la galería M.A.D.S. en el 2021. En 2021 la lista de exposiciones ha aumentado con Barcelona, Londres, Venecia. Y el comienzo de 2022 está marcado con exposiciones en Paks Gallery en Viena y Múnich. También estoy colaborando con las plataformas como Mundoarti con las exposiciones en el Museo Virtual y exposición virtual individual en “3D Gallery Mundoari”. Y el comienzo de 2022 está marcado con exposiciones en Paks Gallery en Viena y Múnich, en Galleria La Pigna, Roma, en Palazzo Pizani-Revedin en Venezia y en Nueva Treviakov Gallery en Moscu “Preguntando las estrellas” ¿Con qué frecuencia volvemos nuestros ojos a las estrellas? ¿Con qué frecuencia preguntamos por qué estamos aquí? ¿Cuál es el significado de mi vida? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? Cada uno hace sus propias preguntas al universo. Pero a veces nos olvidamos de buscar una respuesta. ¿Estamos hechos de polvo de estrellas? ¿Nosotros y el universo somos uno? ¿Por qué luchamos por un trocito de tierra cuando nuestro hogar es el universo? ¿Soy la energía del universo limitada por el cuerpo físico? Este trabajo surgió como resultado de estas reflexiones y de una meditación. Y al final son mis sentimientos que aparecen en el lienzo cuando yo miro a las estrellas. Maria Evseeva ENGLISH Maria Evseeva, born December 22, 1967, in Moscow, Russia. Graduated from the University of the Russian Academy of Education (URAO) Faculty of Economics and Business. In 2001 I moved to live in Barcelona. I had the desire to draw since I was a child, but I never had the opportunity to do it seriously until 2008 when I decided to attend my first drawing course in Barcelona at Da Vinci Art School. Then I took sumie e classes, silk painting classes with Concha Morgades, continuing with classes with Adriana Streijer, set designer, costume designer and makeup artist for theater and film. Since 2013 and until today I continue my painting studies at El Visor art school in Barcelona under the guidance of Iván Sanjuás. The year 2020 has changed everything in my life when my works have been accepted for Art Week exhibitions in Moscow in Danilovsky Congress Hall and St Petersburg in the center of Union of Artists, followed by exhibitions in Genoa in Palazzio Ducale and Milan in Cael Pipin gallery, organized by Divulgarti, in Milan and Lanzarote with M.A.D.S. gallery in 2021. In 2021 the list of exhibitions has increased with Barcelona, London, Venice. And the beginning of 2022 is marked with exhibitions at Paks Gallery in Vienna and Munich. I am also collaborating with platforms like Mundoarti with exhibitions in Virtual Museum and virtual solo exhibition in “3D Gallery Mundoari”. And the beginning of 2022 is marked with exhibitions at Paks Gallery in Vienna and Munich, at Galleria La Pigna, Rome, at Palazzo Pizani-Revedin in Venezia and at Nueva Treviakov Gallery in Moscow. “Asking the stars”. How often do we turn our eyes to the stars? How often do we ask why we are here? What is the meaning of my life, where do we come from and where are we going? We each ask our own questions of the universe. But sometimes we forget to look for an answer. Are we made of stardust, are we and the universe one, why do we fight for a little piece of land when our home is the universe? Am I the energy of the universe limited by the physical body? This work came as a result of these reflections and a meditation. And in the end it is my feelings that appear on the canvas when I look at the stars. Maria Evseeva Instagram: @maevseeva Email: maevseeva@gmail.com Web: www.erizodeseda.com

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1. Preguntando las estrellas (Asking the stars) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 61 x 50 cm 2021

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FUNMI FOLARANMI (Nigeria)

ESPAÑOL “Soy una creadora de arte visual y fundadora de Colours of a Butterfly. Creo piezas de arte únicas llenas de pasión y alma. Estudié Bellas Artes en mi primer año en Nigeria, en el estado de Delta, y el GCSE en Londres, Reino Unido. Los recuerdos de mi infancia como estudiante de arte me inspiraron a seguir mi pasión por crear arte. Uno de mis recuerdos y logros favoritos fue ganar un premio de la Fundación para la Paz Global y el Medio Ambiente por el duodécimo concurso de “Pinturas de niños sobre el medio ambiente”. Funmi Folaranmi

ENGLISH “I’m a visual art creative and founder of Colours of a Butterfly. I create unique art pieces filled with passion and soul. I studied Fine Art in my Junior Year in Nigeria, Delta State and GCSE in London, United Kingdom. My childhood memories as an art student inspired me to pursue my passion for creating art. One of my favorite memories and accomplishments was winning an award by the Foundation for Global Peace and Environment for the Twelfth Competition of ‘Paintings by Children on the Environment”. Funmi Folaranmi Instagram: @c_o_a_b Facebook: Funmi Folaranmi Twitter: @c_o_a_b20 Email: coloursofabutterfly20@gmail.com Web: etsy.com/uk/shop/ColoursofaButterfly

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1. GLORY (GLORIA) Cornetas de cristal con semillas sobre lienzo / Seed glass bugle beads on canvas 84 x 59 cm

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GEONWOO LEE (Corea del Sur / South Korea)

ESPAÑOL GEONWOO LEE nació en Seúl. Debutó en el mundo del arte con obras en madera y ganó premios en numerosas exposiciones y concursos. Actualmente, está ampliando su arte al expresar su arte de varias maneras a través de pinturas planas y fachadas de medios. También ha atraído la atención del público y los medios de comunicación al exhibir hoteles de alta gama, patrocinar anuncios y conducir varias marcas y proyectos. Las características del trabajo de GEONWOO LEE representan la complejidad del yo interior de uno en forma simple y la forma artificial en patrones naturales a través de iteraciones irregulares. Él dice: “Es lo más perfecto y hermoso cuando se expresa en una forma, algo natural y artificial, incompleto y completo, y cosas contrastantes, como arreglos regulares y apilamientos irregulares”. ENGLISH GEONWOO LEE was born in Seoul. He made his debut in the art world with wooden works and won prizes in many exhibitions and contests. Currently, he is broadening his art by expressing his art in various ways through flat paintings and media facades. It has also attracted the attention of the public and the media by exhibiting high-end hotels, sponsoring advertisements, and conducting various brands and projects. The characteristics of GEONWOO LEE’s work represent the complexity of one’s inner self in simple form, and the artificial form in natural patterns through irregular iterations. He says, “It is the most perfect and beautiful when expressed in one form, natural and artificial thing, incomplete and complete, and contrasting things such as regular arrangements and irregular stacking.” Instagram: @geonwoolee_ / @geonwoolee_art Web: www.geonwoolee.com Email: geonwoo.art@gmail.com

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1. Baram 26 Técnica Mixta sobre Lienzo / Mixed Media on Canvas 162 x 130 cm 2020

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2. Baram 27 Técnica Mixta sobre Lienzo / Mixed Media on Canvas 162 x 130 cm 2020

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3. Baram 40 Técnica Mixta sobre Lienzo / Mixed Media on Canvas 162 x 130 cm 2020

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SUSANNE WALSER (Austria)

ESPAÑOL “Tener la oportunidad de mostrar mi arte aquí es un gran honor para mí. El mero hecho de que alguien vea mi obra me llena de alegría. Me llamo Susanne Walser, vivo en Austria, en la provincia de Vorarlberg, y tengo 59 años. Me he inspirado en la propia naturaleza, que he podido experimentar con mi marido durante maravillosos vuelos en planeador, surcando libremente los cielos sobre el impresionante paisaje montañoso austriaco. La estética de un planeador que sigue las leyes de la naturaleza siempre me conmueve. El parapente se mueve libre y rápidamente por el aire, sus movimientos están determinados por el clima y por las corrientes de aire, siendo uno con el flujo de la naturaleza. En mis cuadros, los colores, normalmente vibrantes, fluyen y se mezclan en patrones aparentemente aleatorios hasta que se topan con los límites. Al aplicar la técnica del vertido, los colores fluyen al principio sin ninguna restricción, pero al establecer los límites se crea una obra de arte única en la fina línea que separa el orden del caos, una fértil dualidad que da lugar a patrones y formas. He realizado varios cursos de acuarela y óleo. A través de varias plataformas en Internet conocí la pintura acrílica y me fascinaron las múltiples posibilidades que ofrece esta técnica. Posteriormente pude adquirir mi técnica actual de forma autodidacta. Resiliencia: “El telón no debe cerrarse” o “No es oro todo lo que reluce”. La cortina del silencio, del resentimiento y de la incomprensión quiere cerrarse y es detenida por una mujer a través de su resiliencia interior. Actualmente vivimos una época que necesita de nuestra especial resiliencia, porque hay un peligro de división y ya no podemos entendernos. Escucharnos y aceptarnos tal y como somos. Que la gente resiliente se acerque a los demás. Sé resiliente y no te cierres, no dejes que caiga una cortina de incomprensión frente a tus semejantes.” Susanne Walser ENGLISH “Having the opportunity to show my art here is a great honour for me. Just having someone look at my work fills me with a lot of joy. My name is Susanne Walser, I live in Austria in the province of Vorarlberg, and I am 59 years old. I have been inspired to paint by nature itself, which I have been able to experience with my husband during wonderful flights in a glider, free roaming the skies over the breath taking Austrian mountainscape. The aesthetics of a glider following the laws of nature always touch me. The glider moves freely and swiftly through the air, its movements determined by the weather and by the currents of the air, being one with the flow of nature. In my paintings the usually vibrant colours flow and mingle in seemingly random patterns until they come up against boundaries. When applying the pouring technique, the colours flow completely unrestricted at first, but through the act of setting boundaries a unique piece of art is created at the fine line between order and chaos, a fertile duality giving rise to patterns and shapes. I have taken several courses on watercolour and oil painting. Through various platforms on the internet, I became aware of acrylic painting and was fascinated by the many possibilities this technique has to offer. Subsequently I was able to acquire my current technique autodidactically. Resilience: “The curtain mustn’t close.” or “All that glitters are not gold.” The curtain of silence, resentment and lack of understanding wants to close and is stopped by a woman through her inner resilience. We are currently living in a time that needs our special resilience, because there is a danger of division, and we can no longer understand each other. Listen to each other and accept each other as we are. Resilient people to reach out to each other. Be resilient and don’t close yourself off, don’t let a curtain of misunderstanding fall in front of your fellow human beings.” Susanne Walser Instagram: @kunst_schafft Email: walsersusanne@gmail.com

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1. Resilience (Resiliencia) Acrílico con espátula sobre lienzo / Acrylic with spatula on canvas 50 x 70 cm 2 parts / 2 piezas 2021

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SILVIA FELIZIA (Argentina)

ESPAÑOL Silvia Felizia nació y creció en Argentina y actualmente reside en Estados Unidos. Estudió Diseño Gráfico en Buenos Aires y trabajó en la industria como artista freelance hasta mudarse al exterior a mediados de los años noventa. Durante los primeros años lejos de su país natal, Felizia comenzó a autoeducarse en artes visuales. Más tarde, cuando residía en Tailandia, aprendió el arte milenario del mosaiquismo, técnica que perfeccionó luego de muchos años de práctica y aún sigue aplicando en algunas de sus pinturas. Con una gran riqueza de textura y color crea capas sobre capas formando puentes en los que sus memorias, emociones y experiencias interactúan entre sí. Abstracto y emotivo, poderoso y vulnerable, su trabajo cuenta la historia de su vida y de los lugares donde ha vivido, entre ellos Buenos Aires, Kyiv, Londres y Houston. Su obra ha sido publicada en revistas y libros de arte en Europa y América y es parte de colecciones privadas alrededor del mundo. “Para mí pintar es emprender un viaje. Cuando pinto, exploro los lugares donde he vivido. Recorro caminos ya caminados y los redescubro con una nueva mirada. Quiero honrar quien soy, mantener vivas mis memorias y contar mi propia historia y la historia de la gente que me rodea. Sobre mi lienzo hay un diálogo de movimiento y calma, silencio y ruido, que se nutren entre sí, y le dan vida a una realidad que mezcla el pasado en mi país natal con mi presente como inmigrante. Mis composiciones pueden ser interpretadas como mapas de paisajes emocionales que van cambiando y adaptándose al ritmo de mi vida”. Silvia Felizia ENGLISH Silvia Felizia was born and raised in Argentina and currently resides in the United States. She studied Graphic Design in Buenos Aires and worked in the industry as a freelance artist until moving abroad in the mid-1990s. During the first years away from her home country, Felizia started self-educating in visual arts. Later, while living in Thailand, she learned the ancient techniques of mosaic art, which she mastered after years of practice and continues to apply to some of her paintings. With a rich harmony of texture and color, she builds layer upon layer, forming bridges of interaction between memories, emotions and experiences. Abstract and emotive, strong and vulnerable, Felizia’s body of work is drawn from her life story and the many places she has lived, including Buenos Aires, Kyiv, Bangkok, London and Houston. Her work is published in magazines and art books in Europe and America, and is part of private collections around the world. “For me painting is a journey. While creating, I explore the places where I lived. I walk through paths already traveled to rediscover them with new eyes. I want to honor who I am, to keep my memories alive and to tell my own story and the stories of those who surround me. On my canvas there is a dialogue of movement, stillness, silence and noise, all feeding into each other to give birth to a reality that blends the past in my home country and my present as an immigrant. My compositions can be read as maps of emotional landscapes that evolve and adapt alongside my life’s rhythm”. Silvia Felizia Instagram: @silviafelizia Email: silviafelizia.art@gmail.com Web: www.silviafelizia.com

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1. Cataclysm (Cataclismo) Acrílico, vidrio y pasta sobre lienzo / Acrylic, glass, and modeling paste on canvas 100 x 90 cm

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2. Dancing on Wet Grass (Bailando sobre el Pasto Mojado) Acrílico y pasta sobre lienzo / Acrylic and modeling paste on canvas 61 x 46 cm

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3. Crossing the White Door (Pasando por la Puerta Blanca) Acrílico y pasta sobre lienzo / Acrylic and modeling paste on canvas 91 x 91 cm

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MARTIN BERGERON (Canadá / Canada)

ESPAÑOL Martin Bergeron es un artista abstracto autodidacta nacido en Ottawa (Canadá) en 1988. Descubrió su talento artístico tras dejar una existencia problemática y embarcarse en un viaje que le llevó a superar sus demonios internos. Sus obras relatan este camino difícil pero catártico. Trabaja principalmente con acrílico, esmalte en aerosol y carbón vegetal sobre lienzo o cartón yeso. “Al sentirme atrapado en una trampa materialista, me embarqué en un viaje para liberarme del vacío que había estado alimentando hasta ese momento. En mi camino hacia la verdadera felicidad, me di cuenta de que el arte tiene el poder de mejorar a las personas y el mundo en el que vivimos. A partir de ese momento, decidí utilizar mis obras de arte para enviar mensajes subliminales al subconsciente de mis espectadores, con la esperanza de inspirarles momentos de epifanía. La pintura es para mí, sobre todo, una forma de ir más allá de los límites impuestos por la vida”. Martin Bergeron ENGLISH Martin Bergeron is a self-taught abstract artist born in Ottawa (Canada) in 1988. He discovered his artistic talent after leaving a troubled existence and embarking on a journey that led him to overcome his inner demons. His works recount this difficult but cathartic path. He works mainly with acrylic, aerosol enamel and charcoal on canvas or drywall. “Feeling stuck in a materialistic trap, I embarked on a journey to free myself from the emptiness that I had been nurturing up to that point. On my path to true happiness, I realized that art has the power to improve people and the world we live in. From that moment on, I decided to use my works of art to send subliminal messages to the subconscious of my viewers, in the hopes of inspiring moments of epiphany in them. Painting is for me above all a way to go beyond the limits imposed by life”. Martin Bergeron Instagram: @galeriebergeron Email: galeriebergeron@gmail.com

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1. Mona La Rate Acrílico, esmalte en aerosol y carboncillo sobre cartón yeso reformado / Acrylic, aerosol enamel and charcoal on refurbished drywall 93.98 x 71.12 cm

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LUCAS RODRÍGUEZ CUENCA (España / Spain)

ESPAÑOL Graduado en Bellas Artes/Técnico superior en diseño y alta decoración/Técnico superior en mosaicos – En cuanto a currículum: he realizado varias exposiciones, tanto a nivel nacional (7 en Sevilla y 2 en Madrid), como a nivel internacional (París y Bruselas). Las primeras de manera autónoma, mientras que las internacionales en colaboración con una galería madrileña. Actualmente trabajo en mis obras, encargos y doy clases de arte plástico, además de seguir estudiando y ampliando mis conocimientos artísticos. En mi caso concreto, intento crear piezas duales, donde la figuración se contamine de la abstracción o la segunda intenta camuflar a la primera. Elaborando proyectos con ambas corrientes: fusionándose, entremezclándose y coexistiendo; concibiendo muestras únicas. “Mis obras son una combinación de estética contemporánea, elaboración artesanal y confección minuciosa. Con temática totalmente propia, donde rescato leyendas y mitos, ya olvidados, de la cultura arcaica andaluza. Los cuales estoy re imaginando, a pesar de la poca información y restos existentes. Mis piezas son visualmente narrativas, cuyos relatos tienen múltiples interpretaciones. Abarrotados por multitud de detalles, ocultos en una maraña de horror vacui y barroquismo.” Lucas Rodríguez Cuenca ENGLISH Graduated in Fine Arts/Superior technician in design and high decoration/Superior technician in mosaics - In terms of curriculum: I have made several exhibitions, both nationally (7 in Seville and 2 in Madrid), and internationally (Paris and Brussels). The first ones in an autonomous way, while the international ones in collaboration with a Madrid gallery. I am currently working on my own works, commissions and teaching plastic art, as well as continuing to study and expand my artistic knowledge. In my case, I try to create dual pieces, where figuration is contaminated by abstraction, or the latter tries to camouflage the former. Elaborating projects with both currents: merging, intermingling and coexisting; conceiving unique samples. My works are a combination of contemporary aesthetics, craftsmanship and meticulous preparation. With my own theme, where I rescue legends and myths, already forgotten, of the Andalusian archaic culture. Which I am reimagining, despite the little information and existing remains. My pieces are visually narrative, whose stories have multiple interpretations. Cluttered by a multitude of details, hidden in a tangle of horror vacui and baroque. Lucas Rodríguez Cuenca Instagram: @lucas_rguez_q Email: lucasrodriguezcuenca@gmail.com

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1. El ascenso de Nórax (The ascent of Norax) Schiacciato [técnica de bajorrelieves múltiples, superpuestos en 5 niveles] combinación de dibujo y relieve, que fueron realizados con: grafito, plumas de alcohol, acrílico especial, pintura metalizada, tinta china e india. Sobre papeles tintados, recortados y montados sobre tavola, madera y metacrilato / Schiacciato [technique of multiple bas-reliefs, superimposed on 5 levels] combination of drawing and relief, which were made with: graphite, alcohol pens, special acrylic, metallic paint, Chinese and Indian ink. On tinted paper, cut and mounted on tavola, wood and methacrylate 50 x 50 x 5.2 cm 2021

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YUKA OHARA (Japón / Japan)

ESPAÑOL OHARA, Yuka (1988- ) nació y se crió en una isla de la ciudad de Onomichi en el oeste de Japón, rodeada de montañas, el mar y un rico entorno natural. Tiene una fuerte motivación por la innovación y la creatividad en el dibujo y la pintura. Se sintió atraída por los dibujos de Chalk Art en pasteles al óleo en Australia mientras estaba allí para un curso de idiomas. Regresó a Japón, pero nuevamente regresó a Australia para estudiar Chalk Art. En febrero de 2011, se graduó de un Curso Profesional en Arte con Tiza y regresó a Japón. Ha aceptado encargos, producido obras de arte por encargo, expuesto sus obras en exposiciones y realizado sus propias exposiciones personales. En la época de su curso profesional en Australia, conoció por primera vez el verdadero placer de crear obras de arte. Dejó la empresa para la que había trabajado y decidió dedicarse a su trabajo como artista de tiza independiente. El deseo de O’hara por el arte creativo se hizo cada vez mayor y comenzó a exhibir sus obras de arte no solo en Hiroshima, Tokio, Yokohama y otras áreas de Japón, sino también en Los Ángeles, Italia (Milán, Bolonia) y en el extranjero. y sus obras de arte con tiza han atraído a más y más fanáticos. Mientras trabajaba en su creación artística, descubrió que era buena haciendo dibujos de plantas para expresarse visualmente. (Título de la obra de arte: Inner Fire) Su forma y estilo de expresión, composición y colorido han sido bien recibidos, altamente calificados y aceptados para la Exhibición de Arte Nika. (Nikakai: “Asociación Nika’’, una asociación de artistas y una organización de arte que ha producido un buen número de artistas en Japón) Sus obras de arte son ricas en colores brillantes con composiciones audaces y han atraído a la gente a verlas e imaginar varios tipos de historias ocultas. Es como Yuka produce tales obras para expresar un mundo imaginario, desconocido e inverosímil. En 2016, Oohara fue reconocida como profesora certificada de arte con tiza. Abrió su propio salón de clases de arte con tiza “Robina” en 2017, y ahora lo ha estado dirigiendo felizmente, pensando en sus alumnos como sus mejores amigos. En 2018, en el estricto concurso de evaluación de la 103.ª Exhibición de Nika, recibió por primera vez el Premio Nika de Fomento para Recién Llegados. Al año siguiente, la obra se exhibió en la exposición de los ganadores en la Galería Imperial Hotel Imperial Tower. En reconocimiento a su talento, fue certificada como miembro de la Asociación de Arte Onomichi (Onomichi Bijutsu Kyokai) en 2019. En el mismo año, también fue certificada como Embajadora de Turismo de Onomichi, donde nació. Quería transmitir algunos aspectos de “Onomichi” a través del arte y dibujó los lugares turísticos de Onomichi junto con caracteres escritos en “Kanji” como “Onomichi”. Ha sido bien recibida y favorablemente por turistas de fuera de la prefectura así como de esta zona. Ella dibujó una obra de arte con tiza y una ventana en las puertas delanteras de vidrio de la escuela primaria Kurihara Kita, en la ciudad de Onomichi, junto con los alumnos de su aula privada y los alumnos de esta escuela bajo el lema “la escuela más feliz de Japón”. Además, donó “Natural” (exhibido en la Exhibición de Primavera de Nika, Museo de Arte Metropolitano de Tokio), que apeló al ambiente marino, a la escuela primaria y lo usó para la educación ambiental. Impresionada por las voces alegres de los estudiantes, previó que los próximos artistas podrían estar entre ellos. Actualmente, Oohara está ampliando su gama de actividades, incluida la creación de murales (pinturas murales), independientemente del arte con tiza o el arte de las ventanas, y animando a los estudiantes en su conferencias ENGLISH OHARA, Yuka (1988- ) was born and raised on an island of Onomichi City in Western Japan, surrounded by mountains, the sea, and a rich natural environment. She has a strong motivation for innovation and creativity in drawing and painting. She was attracted by Chalk Art drawings in oil pastels in Australia while she was there for a language course. She returned to Japan, but again she went back to Australia to study Chalk Art. In February 2011, she graduated from a Professional Course in Chalk Art, and returned to Japan. She has accepted orders, produced works of art on order,displayed her works at exhibitions and held her own personal exhibitions. About the time of her professional course in Australia, she got to know the real pleasure of creating art works for the first time. She left the company she had worked for and decided to devote herself to her job as a freelance chalk artist.Ms. O’hara’s desire for creative art became greater and greater, and she started to exhibit her art works not only in Hiroshima, Tokyo, Yokohama and in other areas of Japan, but also in Los Angeles, Italy (Milan,Bologna) and abroad, and her chalk art works have attracted more and more fans. While she was at work on her art creation, she discovered she was good at making pictures of plants to express herself visually. (Title of Artwork: Inner Fire) Her way and style of expression, composition and coloring has been well received, rated highly, and accepted for the Nika Art Exhibition.(Nikakai: “Nika Association’’, an association of artists, and an art organization which has produced quite a number of artists in Japan) Her art works are rich in brilliant colors with bold compositions and have attracted people to view them and imagine various kinds of hidden stories. It is just like Yuka to produce such works to express an imaginary,unknown, implausible world.In 2016, Oohara was recognized as a certified chalk art lecturer. She opened her own chalk art classroom “Robina” in 2017, and now she has been running it happily, thinking of her students as her best friends. In 2018 at the strict judging contest of the 103rd Nika Exhibition, she received the Nika Newcomer Encouragement Prize for the first time. In the following year, the work was exhibited in the winners’ exhibition at the Imperial Hotel Imperial Tower Gallery. In recognition of her talent, she was certified as a member of Onomichi Art Association(Onomichi Bijutsu Kyokai)in 2019. In the same year, she was also certified as a Tourism Ambassador of Onomichi, where she was born. She wanted to convey some aspects of “Onomichi” through art, and drew the sightseeing spots in Onomichi together with characters written in “Kanji” as “Onomichi”. It has been well and favorably received by tourists from outside the prefecture as well as from this area. She drew a chalk and window art work on the glass front doors of Kurihara Kita Elementary School,Onomichi City, together with her private classroom students and the students of this school under the theme of “the Happiest School in Japan”. In addition, she donated “Natural” (displayed at the Nika Spring Exhibition, Tokyo Metropolitan Art Museum), which appealed to the sea environment, to the elementary school and used it for environmental education. Impressed by the joyful voices of the students, she foresaw that upcoming artists might be among them.Oohara is currently expanding her range of activities, including making murals (wall paintings) regardless of chalk art or window art, and giving encouragement to students at her lectures. Instagram: @yk222r Email: yuka1030marine@gmail.com Web: art-robina.com

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1. Royal heart (Corazón real) Técnica mixta sobre Tablero de Fibra / Mixed media on Fiber Board 51 x 29.8 cm

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SHANNON FOGLE (Estados Unidos / United States)

ESPAÑOL “Soy una artista multidisciplinar de toda la vida. Ya sea a través de la expresión digital, la pintura, los muebles artísticos o la fotografía, miro el panorama general con una comprensión ilimitada de hasta dónde puedo llegar. El arte es la columna vertebral de mi alma, expresando el dolor, la esperanza y la belleza, todo en uno. Espero recordar a la gente los sentimientos que todos tratamos de empujar en lo más profundo de nuestro ser. Mi objetivo es contribuir a la curación, la compasión y la solidaridad en el mundo.” “Si alguien quisiera conocer mi verdadero yo, le diría que sólo estudiara mis obras de arte”. Shannon Fogle ENGLISH “I am a lifelong Multidisciplinary Artist. Whether it be through Digital Expression, Painting, Art Furniture, or Photography, I look at the big picture with a limitless understanding of how far I can go. Art is the backbone of my soul, expressing pain, hope and beauty all in one. I hope to remind people of the feelings we all try to push deep down inside of ourselves. To help bring healing, compassion, and commonality to the World is my goal.” “If anyone wanted to get to know the real me, I would say just study my Artwork.” Shannon Fogle

Instagram: @shanwowbyers Email: shanwowbyers@gmail.com Web: theoutsidebox.store / phoenixurbanguide.com/business/shannon-fogle

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1. Waiting on an Angel (Esperando a un ángel) Expresionismo digital en medios mixtos / Mixed Media Digital Expressionism 55.88 x 60.96 cm

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2. Baby Blue (Azul bebé) Expresionismo digital en medios mixtos / Mixed Media Digital Expressionism 53.3 x 76.2 cm

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3. Beauty and Chaos (Belleza y caos) Expresionismo digital en medios mixtos / Mixed Media Digital Expressionism 40.64 x 60.96 cm

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SABINE KATHARINA WINDISCHBAUER (Austria)

ESPAÑOL “Mi nombre es Sabine Katharina Windischbauer. Nací el 23 de octubre de 1962 en Linz, Austria. Mi viaje para pintar comenzó hace unos años. Un viaje increíble que conquista mi corazón. Soy una artista autodidacta. Apasionada por los colores y el proceso de dibujo. En el proceso de dibujo, trato de sumergirme profundamente en mis sentimientos y expresar con colores expresivos y fuertes pinceladas. Puedo decir con seguridad que soy una pintora intuitiva. Es mi intención traer sentimientos en el lienzo. A través de mi pasión por la pintura desarrollé mi propio estilo. El arte nos permite expresar emociones y con mi arte quiero abrir la sensibilidad por las emociones. La vida es emoción y ser sensual es vida. Pinto en técnica mixta y me encanta pintar sobre lienzos grandes. Los temas principales en mis obras de arte son sobre la FEMINIDAD y el ESPÍRITU DE LOS ANIMALES. Quiero liberar la feminidad. En la feminidad está el fuerte poder de la sensibilidad, el encanto, la sensualidad y la fuerza. Toda mujer tiene estas fantásticas cualidades. Toda mujer debe abrazar su espíritu femenino. La feminidad es magnética. El espíritu de un animal: primero está este espíritu en mi imaginación... y luego dejo que esta imaginación brille y... la traigo al lienzo... expresiva y con un toque de sentimiento. Allí puedo entrar en infinitas imaginaciones. puede ir en un flujo de proceso creativo. Pinto obras de arte para mis clientes que reflejan algo poderoso de su personalidad. En mi proceso de dibujo me apasiona sumergirme en los sentimientos y darles vida en el lienzo. Como Igetician de color certificado, creo en las frecuencias de color. Eso es todo. “Los colores viven una vida propia notable después de que se han aplicado al lienzo”. (Edvard Munch). Mis obras de arte son presentadas internacionalmente por las fantásticas galerías de: Galería de Arte M.A.D.S, Milán, Italia. GRUPO ITSIQUID, Venecia, Italia. ARTISTAS VIRTUALES, Londres. WORLDOFCRETE, Grecia. GUÍA EUROPEA DEL ARTE. GALERÍA DE ARTE SUNG KEU LEE, Corea.” Sabine Katharina Windischbauer ENGLISH “My name is Sabine Katharina Windischbauer. I was born on the 23. October 1962 in Linz,Austria. My journey to paint began a few years ago.An amazing Journey that conquers my heart.I am a self-taught artist.In passion with colors and the process of drawing.In the process of drawing I try to dive deeply into my feelings and express them with expressive colors and strong brush strokes.I can safely say I am an intuitive painter. It is my intention to bring feelings on the canvas. Through my passion for painting, I developed my own style. Art enables us to express emotions and with my art I want to open up the sensitivity for emotions. Life is Emotion and to be sensual is life. I paint in mixed media technique, and I love to paint on large canvases. The main themes in my artworks are about FEMININITY and the SPIRIT OF ANIMALS. I want to set free femininity. In femininity is the strong power of sensitivity,charm,sensuality and strength. Every Woman has these fantastic qualities. Every woman should embrace her feminine spirit. Femininity is magnetic. The spirit of an animal – first there is this spirit in my imagination..and then I let this imagination sparkle and..bring it on canvas..expressive and with a touch of feeling.There I can go into endless imaginations.There I can go in a flow of creative process. I paint artworks for my customers that reflect something powerful from his/her personality. In my drawing process I am passionate about diving into feelings and bringing them alive on canvas. As a Certified Color Igetician I believe in the Frequencies of Color.That’s it. “The colors live a remarkable life of their own after they have been applied to the canvas”. (Edvard Munch) My artworks are presented international by the fantastic galleries of: M.A.D.S Art Galery, Milano, Italy. ITSIQUID GROUP, Venezia, Italy. VIRTUAL ARTISTS, London. WORLDOFCRETE, Greece. EUROPEAN ART GUIDE. ART GALLERY SUNG KEU LEE, Korea.” Sabine Katharina Windischbauer Instagram: @vivre1962 Web: www.sabine-windischba

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1. Sensitivity (Sensibilidad) Técnica Mixta sobre Algodón (sin enmarcar) / Mixed Media on Cotton (unframed) 110 x 95 cm

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2. Don’t Play With Me (No Juegues Conmigo) Técnica Mixta sobre Lienzo / Mixed Media on Canvas 130 x 80 cm

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3. Revolution (Revolución) Técnica Mixta sobre Lienzo / Mixed Media on Canvas 100 x 70 cm

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MOSAZ (ZIJUN ZHAO) (China)

ESPAÑOL “Me gradué de la Academia Central de Bellas Artes de China y actualmente soy estudiante de último año en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York. (2015 Academia Central de Bellas Artes, CN; 2022 Departamento de Ilustración BFA, Escuela de Artes Visuales, NY, EE. UU.) Tuve publicaciones, exhibiciones en línea y físicas desde 2021 hasta 2022 son en su mayoría en Nueva York, Beijing, Londres y Madrid. Casi todos mis dibujos se basan en el reconocimiento y orgullo de mi identidad asiática. También conflicto entre la vida real y el mundo ilusorio. Incluyendo mi punto de vista sobre la vida y la muerte, el valor y la auto cognición, perderme a mí mismo y encontrarlo de nuevo. Cada dibujo es un proceso de pelear conmigo mismo que estoy creando un mundo sin lógica, pero con orden, donde tengo la oportunidad de sentirme seguro para enfrentarme a mí mismo”. MOSAZ (Zijun Zhao)

ENGLISH “I graduated from Central Academy of Fine Arts in China, and currently I’m a senior student at School of Visual Arts in New York City. (2015 Central Academy of Fine Arts, CN; 2022 BFA Illustration Department, School of Visual Arts, NY, US) I had publications, online and physical exhibitions from 2021 to 2022 are mostly in New York, Beijing, London and Madrid. Almost all my drawings are based on the recognition and pride of my Asian identity. Also conflict between real life and illusional world. Including my point of views on life and death, value and self-cognition, losing my self and finding it back. Every drawing is a process of quarreling with myself that I am creating a world without logic but with order, where I have an opportunity to feel safe for facing up to myself”. MOSAZ (Zijun Zhao) Instagram: @mosaz_zj Email: zzhao7@sva.edu

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1. Maternity (Maternidad) Tinta, lápiz de color y pastel sobre papel / Ink, colorpencil and pastel on paper 19 x 28 cm

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AURÉLIE GOARZIN (La Reunión / Reunion Island)

ESPAÑOL Aurélie Goarzin es una pintora autodidacta, originaria de la Isla de la Reunión (departamento francés de ultramar). Está casada y es madre de cuatro hermosos hijos. Con el paso de los años, la artista abandonó un poco su pasión para dedicarse a sus estudios y a los viajes misioneros que realiza por África, Madagascar y las Seychelles. En 2019, la artista reencuentra con su talento y decide crear su propio negocio como profesional. Está oficialmente afiliado a Maison Des Artistes (MDA). En 2020, se convirtió en miembro de Union des Artistes Réunionnais (UDAR). En 2021 participó en su primera exposición colectiva organizada por el Ayuntamiento de su ciudad natal. Su lado angelical y su fuerza de carácter se inscriben en sus obras de arte, lo que les aporta cierto poder. La artista utiliza colores cálidos y luminosos para transcribir la expresión que desea comunicar. “Creo que cuando un artista crea una obra de arte, le pone su alma, su carácter.» Su sueño es ver a más artistas de Reunión brillar internacionalmente. Hizo sus inicios a la edad de siete años en el estudio de André Chrisloup donde aprendió la técnica de la pintura al óleo y se apasionó por ella, como testimonia: “Desde temprana edad mis padres vieron en mí la necesidad de expresarme a través del dibujo y la pintura, y gracias a sus sacrificios pude hacerlo. De niño tenía mi rinconcito en el garaje de la casa para dibujar y pintar a mi antojo. Alrededor de los siete años me inscribieron en clases de arte con el pintor André Chisloup. Esto me permitió superarme y ahí fue cuando gané confianza. Tenía nueve años cuando expuse por primera vez. , en el pasillo de un hospital. Lo recuerdo como si fuera ayer porque en ese momento estaba enorgulleciendo a mis padres. Mi padre era un artista de corazón, pero nunca supo explotar este talento. Debo decir que esta atracción por el dibujo y la pintura es un legado que me dejó.» Aurélie Goarzin ENGLISH Aurélie Goarzin is a self-taught painter, originally from Reunion Island (French overseas department). She is married and she is the mother of four beautiful children. Over the years, the artist somewhat abandoned her passion to devote herself to her studies and the missionary trips that she undertakes in Africa, Madagascar and the Seychelles. In 2019, the artist reconnects with her talent and decides to create her own business as a professional. It is officially affiliated with the Maison des Artistes (MDA). In 2020, she became a member of the Union des Artistes Réunionnais (UDAR). In 2021, she participated in her first collective exhibition organized by the City Hall of her hometown. Her angelic side and her strength of character are inscribed in her works of art, which brings a certain power to them. The artist uses warm and luminous colors to transcribe the expression she wishes to communicate. “I believe that when an artist creates a work of art, he puts his soul, his character, into it. » Her dream is to see more artists from Reunion shine internationally. She made her beginnings at the age of seven in the André Chrisloup’s studio where she learned the technique of oil painting and became passionate about it, as she testifies: “From an early age, my parents saw in me a need to express myself through drawing and painting, and thanks to their sacrifices, I was able to do so. As a child, I had my little corner in the garage of the house to draw and paint as I pleased. Around the age of seven, they enrolled me in art classes with the painter André Chisloup. This allowed me to surpass myself and that’s when I gained confidence. I was nine years old when I exhibited for the first time, in the hall of a hospital. I remember it like it was yesterday because at that time I was making my parents proud. My father was an artist at heart, but he was never able to exploit this talent. I must say that this attraction for drawing and painting is a legacy he passed on to me. » Aurélie Goarzin Instagram: @aurelie.goarzin.artiste Email: artofgoldenhalo@gmail.com Web: www.artofgoldenhalo.com

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1. Gloire (Glory / Gloria) Pintura al óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas 81 x 54 cm

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2. Les noces (The weddings / Las bodas) Pintura al óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas 81 x 65 cm

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3. Arbre de vie (Tree of Life / Árbol de la Vida) Pintura al óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas 100 x 81 cm

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EMMA CAREY BAXENDALE (Irlanda / Ireland)

ESPAÑOL “Comencé mis trabajos de arte en 2002 cuando regresé de vivir en Nueva Zelanda durante 6 meses y viajé por Singapur. Estos viajes iluminaron y encendieron mi Arte y expresionismo. Me especializo en una amplia experiencia: bellas artes, gráficos, fotografía, textiles, cerámica y técnicas mixtas. En 2021 decidí dar un salto de fe y dedicar toda mi atención a pintar y crear colecciones de arte para exhibir en todo el mundo. Originaria de Ballymena, Irlanda del Norte, ahora resido en Manchester, Reino Unido y Málaga, ESPAÑA. Cada obra de arte refleja las emociones del viaje de la vida, los sentimientos, las experiencias, las celebraciones, la curiosidad y los altibajos de la vida. Mi arte también captura las experiencias personales y la exploración de los espectadores.” Emma Carey Baxendale EDUCACIÓN: Maestría en Enseñanza y Aprendizaje a través del Arte Universidad Metropolitana de Manchester 2005 Mentor profesional, Universidad Metropolitana de Manchester PGCE Arte y Diseño Universidad Metropolitana de Manchester 2003 BA Hons Diseño Universidad de Ulster, Belfast 2002 Diplomado en Bellas Artes 2001 EXPOSICIONES: LOCO. S Art Gallery, Milán, Italia. “YO” El mundo gira alrededor de MÍ. 28.01.2022 - 03.02.2022 Revista VOGUE ARQUITECTO 2022 Carrusel del Louvre, París, Francia 8-10 de abril de 2022. The Other Art fair (Saatchi Art) Nueva York-Knockdown Center 2 al 5 de junio de 2022 ENGLISH “I started my Art works in 2002 when I came back from living in New Zealand for 6 months and travelled around Singapore. These travels illuminated and ignited my Art and expressionism. I specialise in a breadth of experience: Fine art, Graphics, Photography, Textiles, Ceramics and mixed media. In 2021 I decided to take a leap of faith and devote my full attention to painting and creating Art collections to exhibit worldwide. Originally from Ballymena, Northern Ireland, I now base myself in Manchester UK & Malaga SPAIN. Each piece of Artwork reflects the emotions of life journey’s, feelings, experiences, celebrations, curiosity and highs and lows of life. My art also captures the viewers personal experiences and exploration.” Emma Carey Baxendale EDUCATION: MA Teaching & Learning through Art Manchester Metropolitan University 2005 Professional Mentor, Manchester Metropolitan University PGCE Art & Design Manchester Metropolitan University 2003 BA Hons Design University of Ulster, Belfast 2002 Fine Art Diploma 2001 EXHIBITIONS: M.A.D. S Art Gallery, Milan, Italy. “I” The world revolves around ME. 28.01.2022 - 03.02.2022 VOGUE ARCHITECT Magazine 2022 Carrousel du Louvre, Paris, France April 8-10, 2022. The Other Art fair (Saatchi Art) New York-Knockdown Centre June 2nd – 5th 2022 Instagram: @shanwowbyers Web: theoutsidebox.store / http://phoenixurbanguide.com/business/shannon-fogle Email: shanwowbyers@gmail.com

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1. Evoke no:5 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 60 x 42 cm

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GÁBOR KOVÁCS (Hungría / Hungary)

ESPAÑOL Artista húngaro que actualmente vive y trabaja en los Países Bajos. Los últimos 14 años se ha centrado en los deportes ecuestres. A lo largo de los años trató de expresarse en diferentes formas de arte como la música, la fotografía y el videoarte. Cuando entró en contacto con la pintura, para él fue como recuperar algo que no sabía que le faltaba. Para Gabor, la música todavía juega un papel importante en su vida, es la pintura, que se encuentra en los colores mismos y especialmente en los gestos vinculados a la creación, lo que lo convence del extraordinario potencial que un lienzo y un poco de pintura pueden reservar. Un lienzo que se convierte en una ventana a la interioridad del artista, que sale y se manifiesta a través del uso de los colores que mejor expresan las diferentes facetas de su alma. La implicación física del artista, ligada a la práctica de la pintura de acción, amplifica el vínculo visceral que se establece entre el artista y el proceso creativo, al final del cual la obra se revela al espectador en toda su integridad y profundidad. ENGLISH Hungarian artist currently living and working in the Netherlands The past 14 years He’s been focused on equestrian sports. Throughout the years tried to express himself in different forms of art like music, photography, and video-art. When he met painting, for him it was like getting back something that he didn’t know was missing. For Gabor, music still plays an important role in his life, it is the physicality of painting, which is found in the colors themselves and especially in the gestures linked to creation, that convinces him of the extraordinary potential that a canvas and some paint can reserve. A canvas that becomes a window on the artist’s interiority, which comes out and manifests itself using colors that best express the different facets of his soul. The physical involvement of the artist, linked to the practice of action painting, amplifies the visceral bond that is established between the artist and the creative process, at the end of which the work reveals itself to the viewer in all its integrity and depth. Instagram: @gaborkovacsart_ Facebook: Gábor Kovács Art Studio Email: gaborkovacsart@gmail.com

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1. “With no color on our skin” (“Sin color en nuestra piel’’) Pintura acrílica y spray sobre lienzo / Acrylic and spray paint on canvas 30 X 40 cm 2022

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TAGHERA (Kirguistán / Kyrgyzstan)

ESPAÑOL “Nací el 26 de octubre de 1996 en la República de Kirguistán (Asia Central), como segunda hija de mi familia. Tenía 3 años cuando mi madre se fue y 5 cuando mi padre falleció. A partir de entonces mi vida fue muy desafiante. También tuve que lidiar con la pobreza, la brutalidad y la violencia, así que no tuve tiempo de ser una niña. Desde muy joven la pintura fue una efusión de mi alma, que me proporcionó cierto alivio. Sin embargo, por circunstancias de la vida tuve que tomar un descanso de la pintura y nunca pude estudiar arte formalmente. A la edad de 21 años, seguí mi sueño y me mudé a Italia para pintar más en profundidad, en mi propio estilo que se ha descrito como “abstracción”. ¿Por qué elegí este estilo de pintura? - La mejor manera de explicarme es que realmente no he visto ningún punto de referencia para mí desde la infancia. A menudo transmito mis emociones cuando dibujo, incluidos los profundos anhelos y dolores que he experimentado en mi vida. En mis pinturas quiero reflejar la vida, el movimiento, las relaciones y los sentimientos, algunos profetas humanos y los problemas de la vida. Intento hacer todo esto buscando emociones e inspiraciones en todos los lugares posibles y hablando con diferentes generaciones de personas. Pinto la mayoría de mis cuadros con óleo y muchos colores diferentes, ese es mi estilo y soy diferente a los demás. Siempre siento que tengo el alma de un gran artista en mí y eso no da miedo a mezclar colores. ¡Este es solo mi comienzo, y mi objetivo es ser un gran artista joven en mi era! No tengo una formación formal en ningún lado y tengo 2 años de experiencia duramente ganada pintando sobre lienzo. Mis obras se encuentran en colecciones privadas en los EE. UU., Europa y en línea. Taghera ENGLISH “I was born on October 26, 1996, in the Republic of Kyrgyzstan (Central Asia), as a second child in my family. I was 3 years old when my mother was gone and 5 when my father passed away. From then on, my life was very challenging. I also had to deal with poverty, brutality and violence so I didn’t have time to be a child. From a young age painting was an outpouring of my soul, which provided some relief. However due to life circumstances I had to take a break from painting, and I could never study art formally. At the age of 21, I followed my dream and I moved to Italy to paint more in depth, in my own style which has been described as “abstraction”. Why did I choose this style of painting? - The best way to explain myself is that I really haven’t seen any reference point for myself since childhood. I often convey my emotions when I draw, including the deep longings and pains I have experienced in my life. In my paintings I want to reflect life, movement, relationships and feelings, some human prophets and life problems. I try to do all of this by looking for emotions and inspirations in all possible places and talking to different generations of people. I paint most my paintings with oil and lots of different colors, that’s my style and I am different from others. I always feel I have the soul of a great artist in me and that gives no fear of mixing colors. This is just my beginning, and my goal is to be a great young artist in my era! I am not formally trained anywhere, and I have 2 years of hard-earned experience painting on canvas. My works are in private collections in the USA, Europe, and online.” Taghera Instagram: @taghera_art Email: aika.art66@gmail.com Saatchiart: Taghera Art Web: www.madsmilano.com/product-page/taghera-s-art / www.singulart.com: Taghera Art

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1. Stay young (Mantente joven) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 100 cm 2021

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2. Confident (Segura) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 70 x 50 cm 2021

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3. Spring (Primavera) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 80 cm 2022

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ADRIANA AREVALO (Argentina)

ESPAÑOL Nacida en Córdoba, Argentina. Radicada actualmente en la Ciudad de Villa Carlos Paz. Desde su infancia estuvo relacionada con el arte, estudiando danzas, y a los 15 años se recibe de profesora, dedicándose a la docencia. En el año 1981 realizó estudios terciarios de filosofía, y en el año 1994 estudió Diseño de Interiores, incursionando así en el Dibujo a Mano Alzada, Dibujo Técnico, Historia del Arte e Historia del Mueble. En el año 2010 comienza su formación en Pintura al Óleo, en la Galería de Arte Cerrito y continuando en Galería Marchiaro. Actualmente sigue dedicada a perfeccionar su técnica en el Realismo, tanto en bodegones como en figura humana, realizando muestras individuales y colectivas en su país y desde 2018 en Madrid - Barcelona - Roma - Padova. En 2019, inicia un recorrido latinoamericano en países como Chile y Uruguay, Ecuador, Perú y Cuba, continuando luego por New York, Munich, Francia – Nepal y Dubai. La temática de sus obras es plasmar lo bello, lo simple y lo bueno, con un aire refinado y muy delicado. ENGLISH Born in Cordoba, Argentina. Currently based in the City of Villa Carlos Paz. From her childhood she was related to art, studying dance, and at the age of 15 she graduated as a teacher, dedicating herself to teaching. In 1981, he completed tertiary studies in philosophy, and in 1994 he studied Interior Design, thus venturing into Freehand Drawing, Technical Drawing, History of Art and History of Furniture. In 2010 he began his training in Oil Painting, at the Cerrito Art Gallery and continuing at the Marchiaro Gallery. She is currently dedicated to perfecting her technique in Realism, both in still lifes and in the human figure, making individual and collective exhibitions in her country and since 2018 in Madrid - Barcelona - Rome - Padova. In 2019, a Latin American tour begins in countries such as Chile and Uruguay, Ecuador, Peru and Cuba, continuing later through New York, Munich, France - Nepal and Dubai. The theme of his Works is to capture the beautiful, the simple and the good, with a refined and very delicate air. Instagram: @adriart27 Facebook: Adriana Arevalo- Pintura Artistica

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1. “Dorado” (‘’Golden’’) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 50 x 70 cm

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Emma Carey Baxendale

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pages 329-330

Gábor Kovács

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pages 331-332

Martin Bergeron

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pages 309-310

Lauri Smith

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Dawn Leone

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Prof. Osman Shibir

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Ernesto Tomas Vaquero

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Cora Mak

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Kirstie Tebbs

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Keith Malone

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Pinar Ture Gursoy

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Hiromu Konno

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Nibline Studio

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Artsy Evee / Eva Eggensperger

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Andreas Angleitner

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Inna Perkas

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Mar De Redin

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Austin Van

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Anna Emilia Misiak

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pages 187-188

Lincoln Howard

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pages 119-122

Sukey C

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pages 97-100

Arides R. Pichardo

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Ayisha Irene Harvey

1min
pages 109-110

Prologue by Eduardo Jáudenes de Salazar

2min
pages 14-15

Erin Bird-Johansson

2min
pages 115-118

Agradecimientos/ Thanks

1min
pages 10-11

Fransie Malherbe Frandsen

2min
pages 41-48

Vaida Kačergienė

2min
pages 111-114
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