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ANTOLOGÍA DE ARTE IV Edición Madrid

ART ANTHOLOGY IV Madrid Edition

Guto Ajayu Culture Editado por / Edited by

FEBRERO 2022 FEBRUARY 2022

CRÉDITOS/CREDITS:

ANTOLOGÍA DE ARTE IV: Edición Madrid ART ANTHOLOGY IV: Madrid Edition Dirección de proyecto/ Project direction: Augusto Mendoza Mendieta Gestión cultural/ Cultural Management: Zdenka Mendoza Mendieta Revisión y corrección de textos en español/ Review and correction of texts in Spanish: Javier Gómez Ariel Santibáñez Ojeda Revisión y corrección de textos en inglés/ Review and correction of texts in English: Nisbat Shaw Pintura de portada y contraportada/ Cover and back cover painting: Augusto Mendoza Mendieta Introducción/ Introduction: Eduardo Jáudenes de Salazar

Trabajo curatorial/ Cultural Management: Guto Ajayu Culture ISBN: 978-84-18874-69-7 D.L: M-1927-2022 Editado por/ Edited by: LIBER FACTORY www.liberfactory.com Trabajo editorial/ Editorial work: Grupo Editor Visionnet C./ San Ildefonso 17, local, 28012 Madrid. España. Tlf: 0034 91 3117696 // Email: pedidos@visionnet.es www.visionnet-libros.com

ÍNDICE/ CONTENT Agradecimientos/ Thanks .........................................................................................................................................................................................9 Prólogo de Eduardo Jáudenes de Salazar.................................................................................................................................................. 11 Prologue by Eduardo Jáudenes de Salazar ...............................................................................................................................................13 Artistas/ Artists .................................................................................................................................................................................................................15 Sukey C....................................................................................................................................................................................................................16 Mark Röhrs ............................................................................................................................................................................................................24 Yolene .......................................................................................................................................................................................................................32 Casanova ............................................................................................................................................................................................................... 40 Kaylyn Murphy .................................................................................................................................................................................................. 48 Raquel Bernikova ............................................................................................................................................................................................ 56 Samore ................................................................................................................................................................................................................... 62 Jeppe Asholt.......................................................................................................................................................................................................66 Mem Sevenster ................................................................................................................................................................................................ 68 Valentina Trantel Djurhuus .......................................................................................................................................................................72 Anabel Martin......................................................................................................................................................................................................74 John Bacon .......................................................................................................................................................................................................... 76 Psycassa ................................................................................................................................................................................................................80 Shana Vermeulen ........................................................................................................................................................................................... 84 Bianca Carnevali .............................................................................................................................................................................................. 88 Sue Lee ...................................................................................................................................................................................................................92 Taru Rouhiainen ............................................................................................................................................................................................... 94 David Lopez ........................................................................................................................................................................................................ 98 Allan Rivera........................................................................................................................................................................................................ 102 Wirbelart ..............................................................................................................................................................................................................104 Inge E Gijzen .....................................................................................................................................................................................................106 Wang Zhichao ..................................................................................................................................................................................................110 Teresa Bandín Saura ................................................................................................................................................................................... 112 Delgado Ramírez ...........................................................................................................................................................................................116 Meys........................................................................................................................................................................................................................ 120 Natalia Zvonkova ............................................................................................................................................................................................122 Ivy.............................................................................................................................................................................................................................. 126 Gvbo........................................................................................................................................................................................................................ 128 Laura Venezia .................................................................................................................................................................................................. 130 Kai Issei Fujioka................................................................................................................................................................................................132 Asidart8k...............................................................................................................................................................................................................134 Jodie Willis ......................................................................................................................................................................................................... 138 Stephan Fuhr ....................................................................................................................................................................................................140 Tin Samaržija .................................................................................................................................................................................................... 144 Petra Moonart .................................................................................................................................................................................................. 146 Adina Tigoan..................................................................................................................................................................................................... 148 David Jandron ..................................................................................................................................................................................................150 Handan Deniz ..................................................................................................................................................................................................156 5

Benjamin Palavics......................................................................................................................................................................................... 158 Riikka Koo............................................................................................................................................................................................................ 162 Dalia Pugatsch ................................................................................................................................................................................................166 Alison Aplin ........................................................................................................................................................................................................ 170 Ulrike Breckner ................................................................................................................................................................................................174 Gema Muñoz Jandra .................................................................................................................................................................................. 176 Tamás Kovács ..................................................................................................................................................................................................180 Hanna Maarit .................................................................................................................................................................................................... 182 Nate Gaines ....................................................................................................................................................................................................... 184 Edyta Duda ........................................................................................................................................................................................................188 Joseph P. Ghabi ..............................................................................................................................................................................................190 Halyna Dolynna .............................................................................................................................................................................................. 194 Pablo Rego Rivera........................................................................................................................................................................................196 Koen Bossmans ............................................................................................................................................................................................ 200 Chris Kaos ...........................................................................................................................................................................................................204 Ernesto Tomas Vaquero .......................................................................................................................................................................... 208 Francisca Del Carmen ................................................................................................................................................................................212 Adam Konorot ................................................................................................................................................................................................. 216 Cornelia Maria Dinu ..................................................................................................................................................................................... 218 Gabriela Rad .....................................................................................................................................................................................................222 Beate Hofmann ..............................................................................................................................................................................................226 Alexander Fritscher .....................................................................................................................................................................................230 Marcus Stewart ..............................................................................................................................................................................................232 Álvaro De La Puente...................................................................................................................................................................................236 Elizabeth M. Beach ......................................................................................................................................................................................240 Manuela Pederzolli ......................................................................................................................................................................................242 Barbara Bienemann ....................................................................................................................................................................................246 Andrea Stephania ........................................................................................................................................................................................ 250 Nina Eide (9Na) ...............................................................................................................................................................................................252 Dominika Stanczak ......................................................................................................................................................................................256 Paola Alejandra Carli ..................................................................................................................................................................................258 Zsuzsanna Kron ..............................................................................................................................................................................................262 Teppei Nishimura (Yuzuharu) ..............................................................................................................................................................264 Yodit Tewoderos........................................................................................................................................................................................... 268 Christina Phelps ............................................................................................................................................................................................ 270 Fernando Quintanilla .................................................................................................................................................................................. 274 Josette Wecsu ................................................................................................................................................................................................276 Daria Razmahovs.......................................................................................................................................................................................... 280 Bruce Korol ........................................................................................................................................................................................................282 Héctor López................................................................................................................................................................................................... 286 Jürgen Högener ............................................................................................................................................................................................ 288 Ranveig Landro ..............................................................................................................................................................................................292 Giulia Viezzoli .................................................................................................................................................................................................. 296 Catharina Engberg ...................................................................................................................................................................................... 300 Sandra Lages ...................................................................................................................................................................................................302 Jona Xaver Bundschuh............................................................................................................................................................................ 306 6

Mikoláš Klír ......................................................................................................................................................................................................... 310 Rogni_r....................................................................................................................................................................................................................314 Guadalupe Alderete ................................................................................................................................................................................... 318 Wesley Estevão Luiz ..................................................................................................................................................................................320 Rachida Cheddani ........................................................................................................................................................................................322 Jessica Antoine Rizkallah ........................................................................................................................................................................324 Daniel Evci ..........................................................................................................................................................................................................326 Louisa Seidl .......................................................................................................................................................................................................328 Yukio Yamato ....................................................................................................................................................................................................330 Anita Édes...........................................................................................................................................................................................................332 Magda Betkowska........................................................................................................................................................................................336 Fatma Ozar Conkbayır ...............................................................................................................................................................................340 Andrzej Dudek ................................................................................................................................................................................................342 Jay Hodgson .....................................................................................................................................................................................................346 Taguera ................................................................................................................................................................................................................ 350 Iris Tsalaridi.........................................................................................................................................................................................................352 Miltiadis Myteletsis ......................................................................................................................................................................................356 Nicholas Gary Ashton ................................................................................................................................................................................358 Mackay..................................................................................................................................................................................................................362 Yumi Iida ............................................................................................................................................................................................................. 366 Mihaela Cismigiu .......................................................................................................................................................................................... 368 Kadosch ...............................................................................................................................................................................................................372 Natalia Brewster ............................................................................................................................................................................................ 374 Dario ........................................................................................................................................................................................................................378 Isabell Tach ....................................................................................................................................................................................................... 380 Belinha Silva......................................................................................................................................................................................................384 Roussa Neonaki ............................................................................................................................................................................................ 388 Manfred Gnad ................................................................................................................................................................................................ 390 Nicoletta Bertoncini ....................................................................................................................................................................................394 Kinadayu ............................................................................................................................................................................................................. 396 Sissý ....................................................................................................................................................................................................................... 398 Hamid Nicola Katrib ....................................................................................................................................................................................402 Rick Smith .......................................................................................................................................................................................................... 406 Guto Ajayu ..........................................................................................................................................................................................................410

AGRADECIMIENTOS

¡La vida es buena! ¡No hay crisis que pueda acabar con la creatividad, con la pasión y con la disciplina de los guerreros del arte! Este libro está hecho para mostrar las victorias creativas de artistas alrededor de todo el mundo y una vez más, tomar el pulso del arte contemporáneo. Los tiempos, la gente y el mundo cambian, pero la presencia del espíritu artístico estará siempre en la mente de los autores de este libro: nuestros queridos creativos. Gracias.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

THANKS

Life is good! No crisis can end the creativity, the passion, and the discipline of the warriors of art! This book is made to showcase the creative victories of artists worldwide and once again take the pulse of contemporary art. Times, people, and the world change, but the presence of the artistic spirit will always be on the minds of the authors of this book: our beloved creatives. Thank you.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

PRÓLOGO Por Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO de ARTEDEI y crítico de arte)

En una ocasión le pregunté a Jaume Plensa: -¿Qué es el arte para ti? A lo que él sin pestañear me respondió. -Un lugar donde todos nos encontramos. Eso es precisamente esta ANTOLOGIA DEL ARTE IV: EDICION MADRID: un lugar donde todos los artistas pueden encontrarse, si así lo desean. Futuras promesas y artistas consolidados tienen en este anuario, junto con la reproducción de sus trabajos a todo color, detallada información sobre datos biográficos, bibliográficos, currículums y explicaciones de sus obras. La ANTOLOGIA DEL ARTE IV: EDICION MADRID no deja de sorprendernos, ambiciosa, de gran alcance internacional, (los textos, se encuentran en español y en inglés) satisfactoria, brillante, consolidada por el trabajo diario, reflexivo, muy bien ideada, documentada y escrita por Augusto Mendoza Mendieta, gestor cultural, director del proyecto y artista de gran precisión, sensibilidad y oficio. Barrera lujosa en imágenes, pues está impecablemente editada por el sello editorial. El arte es una de las más sublimes formas de comunicación, aquella que encierra lo mejor del alma humana, por eso en esta antología del arte encontramos el alma de los artistas que lo integran. El conocimiento otorga libertad, y cuanta más cultura se tiene más libre se es. Este libro colectivo permite en que en los trabajos de los artistas podamos conocer las trayectorias vitales que son expresadas mediante tratamientos del color muy diversos: paletas distintas; temas figurativos o abstractos; materiales, texturas e intensidades diferentes… recorridos personales que, sin embargo, confluyen en diversos puntos, y siempre con un denominador común: la calidad sea cual fuere su técnica, temática o habilidad artística: fotógrafos, collage, pintura, escultura, tanto la abstracción, como lo figurativo. La obra de arte es hija de su tiempo y madre de sus sentimientos y objetiviza el espíritu del artista. Se ama lo que se conoce, por eso una de las funciones más importantes de este anuario es dar a conocer a los artistas, cosa imprescindible para abrirse camino en el mundo del arte. ANTOLOGIA DEL ARTE IV: EDICION MADRID es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte. 11

Mereció la pena, sin lugar a dudas, editar y leer este libro. No puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie. Por ello, como la edición anterior es enviado en versión digital a varios países de habla hispana. El reto es la felicidad. Estamos vivos para ello. Celebrémoslo leyendo y consultando esta ANTOLOGIA DEL ARTE IV: EDICION MADRID. ANTOLOGIA DEL ARTE es ya, de facto, una imprescindible herramienta de trabajo para los amantes del arte, que debe estar en todas las bibliotecas de los que, de un modo u otro, tienen relación con el arte.

PROLOGUE By Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO of ARTEDEI and art critic)

On one occasion, I asked Jaume Plensa: -What does art mean for you? To which he replied without blinking. -A place where we all meet. That is precisely this ART ANTHOLOGY IV: MADRID EDITION: a place where all artists can meet if they so wish. Future promises and consolidated artists have in this yearbook, together with the reproduction of their works in full color, detailed information on biographical and bibliographic data, resumes, and explanations of their works. The ART ANTHOLOGY IV: MADRID EDITION never ceases to amaze us, ambitious, of great international scope (the texts are in Spanish and English), satisfactory, brilliant, consolidated by daily work, thoughtful, very well thought out, documented, and written by Augusto Mendoza Mendieta, cultural manager, project director and artist of great precision, sensitivity, and craft. A luxurious barrier in images, as the publishing label, impeccably edits it. Art is one of the most sublime forms of communication, which contains the best of the human soul; that is why in this anthology of art, we find the soul of the artists that make it up. Knowledge grants freedom, and the more culture you have, the freer you are. This collective book allows us in the artists’ works to know the life trajectories that are expressed through very different color treatments: different palettes; figurative or abstract themes; different materials, textures, and intensities ... personal journeys that, however, converge at various points, and always with a common denominator: quality regardless of technique, theme or artistic ability: photographers, collage, painting, sculpture, both abstractions, as the figurative. The work of art is the daughter of its time and the mother of its feelings and objectifies the artist’s spirit. You love what you know, which is why one of the essential functions of this yearbook is to make artists known, an essential thing to make your way in the art world. ART ANTHOLOGY IV: MADRID EDITION is a must-buy book for all art lovers. This book was definitely worth editing and reading. 13

It cannot be missing in any art library worth its salt. For this reason, like the previous edition, it is sent in digital version to several Spanish-speaking countries. The challenge is happiness. We are alive for it. Let’s celebrate it by reading and consulting this ART ANTHOLOGY IV: MADRID EDITION. ART ANTHOLOGY is already, de facto, an essential work tool for art lovers, which should be in all libraries of those who, in one way or another, are related to art

ARTISTAS

ARTISTS

SUKEY C.

(México/ Mexico)

ESPAÑOL “Nacida en Acapulco, México. Resido en Dallas, Texas U.S.A. Soy Artista de nacimiento y Autodidacta. Estudié 4 años de Arte clásico en una academia particular en Dallas, Texas. Soy amante del arte como lo es el contemporáneo, abstracto, impresionismo, cubismo, expresionismo, surrealista, las figuras geométricas y el arte pop. Y también soy una apasionada de la escritura que corre por mis venas. Soy amante de todos los colores y figuras que rodean mi vida a diario. Me considero con una visión independiente y auténtica de observar cosas y objetos, los cuales me han hecho descubrir mis propias dimensiones fascinantes para poder expresarme con la libertad que me pertenece en cada una de mis obras y escritos y así poder compartir con cualquier espectador y lector. Para mí, el arte y la escritura es una combinación perfecta que me descifra cómo el artista autodidacta que soy. Es mi lenguaje propio para expresar mis sentimientos más allá del alma, más allá de la consciencia. Esta perfecta combinación me da la libertad de mostrarme en mis obras de ser de decir y expresar una libertad infinita y auténtica como lo soy Yo. Dejando así parte de mi ser en cada obra escrita o pintada para las miradas y mentes de los espectadores y lectores que sepan amar, respetar, vivir, sentir y admirar cada obra auténtica de cualquier artista apasionado en la vida.” Sukey C. ENGLISH I was born in Acapulco, Mexico. I live in Dallas, Texas, U.S.A. I am an artist by birth and self-taught. I studied 4 years of classical art in a private academy in Dallas, Texas. I am an ardent lover of various art forms like contemporary, abstract, impressionism, cubism, expressionism, surrealism, geometric figures, and pop art. And I am also passionate about writing that runs through my veins. I love all the colors and figures that surround my life daily. I consider myself to have an independent and authentic vision of observing things and objects, which have made me discover my own fascinating dimensions to be able to express myself with the freedom that showcases in each of my works and writings and thus be able to share with any viewer and reader. For me, art and writing is a perfect combination that deciphers me as the self-taught artist that I am. It is my own language to express my feelings beyond the soul and conscience. This perfect combination gives me the freedom to show myself in my works, expressed infinitely and with authentic freedom. Leaving part of my being in each written or painted work for the eyes and minds of the spectators and readers who know how to love, respect, live, feel and admire each original work of any passionate artist in life. Sukey C. Instagram: @c.sukey Email: sukey_c@yahoo.com

1. Las Honestas (The Honest Ones) Tinta de caligrafía francesa sobre papel de algodón hecho a mano/ French calligraphy ink on hand made cotton paper. 17.78 x 25.4 cm

2. El señor de las cascadas (The lord of the waterfalls) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50.8 x 40.64 cm

3. La Tinta Roja (Red Ink) Tinta de caligrafía francesa sobre papel de algodón hecho a mano/ French calligraphy ink on hand made cotton paper 17.78 x 25.4 cm

4. Los Gemelos (The Twins) Tinta de caligrafía francesa sobre papel de algodón hecho a mano/ French calligraphy ink on hand made cotton paper 17.78 x 25.4 cm

5. Los Mimos de mi interior (The Cuddles inside me) Tinta de caligrafía francesa sobre papel de algodón hecho a mano/ French calligraphy ink on hand made cotton paper 17.78 x 25.4 cm

6. Who is She? (¿Quién es ella?) Tablero de lona con pintura acrílica/ Canvas board with acrylic paint 40.64 x 30.48 cm

7. Mi estrellita de mar (My little starfish) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50.8 X 40.64 cm

MARK RÖHRS

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Mark Röhrs es un artista alemán de Hamburgo. Antes de dedicarse al arte, fue aprendiz de carpintero. Para procesar sus impresiones de los libros, las películas y la cultura pop, estudió ilustración en Hamburgo. Sin embargo, pronto se dió cuenta de que el formato de los trabajos por encargo era demasiado limitante para él. Por ello, Mark Röhrs se dedica por completo al arte. Con el arte puede crear su pasión en forma de construcciones surrealistas en diferentes materiales y formatos. Su medio principal es el acrílico, pero también trabaja con pastel o grafito, según el medio que necesite para poder plasmar lo que tiene en su cabeza. “De niño, me fascinaban los carteles de cine del artista Drew Struzan y más tarde por los mundos imaginativos y surrealistas de un Hieronymus Bosch, Salvador Dalí o HR Giger. La pintura surrealista me da la oportunidad de reinterpretar pensamientos e impresiones absorbidas. Me da la oportunidad de probar cosas nuevas y reinventarme constantemente. Me encanta perderme en los detalles mientras pinto, sumergirme en el mundo que estoy creando. La belleza de la naturaleza, pero también el examen crítico de cómo interactuamos con ella, suelen formar parte de mis cuadros”. Mark Röhrs ENGLISH Mark Röhrs is a German artist from Hamburg, Germany. Before he ventured into art, he was an apprentice carpenter. To process his impressions from books, movies, and pop culture, he studied illustration in Hamburg. However, he quickly realized that the pure format of commissioned work was too limited for him. Mark Röhrs, therefore, devotes himself entirely to art. With art, he can create his passion in the form of surrealistic constructions on diﬀerent materials and formats. His main medium is acrylic, but he also works with pastel or graphite; depending on the medium, he needed to realize the imagination in his head. “As a child, I was fascinated by the movie posters of artist Drew Struzan and later by the imaginative and surrealistic worlds of a Hieronymus Bosch, Salvador Dalí, or HR Giger. Surrealist painting gives me the opportunity to reinterpret thoughts and absorbed impressions. It allows me to try new things and constantly reinvent myself. I love to lose myself in details while painting, to dive into the world I am creating. The beauty of nature, but also the critical examination of how we interact with it, are often part of my paintings.” Mark Röhrs Instagram: @oberflaechlichtiefgruendig Email: roehrs-illustration@outlook.de

1. Hard Time (Tiempo difícil) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 80 cm

2. Observer Time (Tiempo de observación) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 80 cm

3. Überlingen Acrílico sobre aluminio/ Acrylic on aluminum 120 x 80 cm

4. Waldrapp (Ibis calvo del norte) Acrílico sobre aluminio/ Acrylic on aluminum 120 x 80 cm

5. Rebirth (Renacimiento) Pastel sobre cartón/ Pastel on carton 70 x 46 cm

6. Tusks (Colmillos) Grafito y acrílico sobre cartón/ Graphite and acrylic on cardboard 65 x 50 cm

7. Don’t Be Afraid (No tengas miedo) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 100 cm

YOLENE

(Francia/ France)

ESPAÑOL “Me llamo Inès Pelletier y mi nombre artistico es Yolene. Nací en La Réunion, Saint-Denis, el 24 de abril de 2001. Definiría mi estilo como contemporáneo con toque abstracto. Mis obras están influenciadas por artistas como Basquiat, Picasso, Mondrian, un poco de Klimt también. Después de mi bachillerato, estudié moda y diseño durante un año en Montpellier. Luego, empecé una licenciatura de filosofía que no terminé, encontrando mi misión en la pintura y el arte. Muchas cosas me inspiran: las sociedades, las ciudades, la arquitectura, la música, el cine, la variedad de culturas... En efecto, haber tenido la suerte de tener unos padres que me hicieron viajar, contribuyó realmente a enriquecer mis fuentes de inspiración. Además, disfruto mucho descubriendo todas las influencias del subconsciente que afloran en mis obras. Considero el arte tanto una terapia como una forma de expresar nuestras fuerzas e imágenes más profundas. Asimismo, todas las líneas y figuras geométricas presentes en los cuadros pueden proceder de mi admiración por el estilo arquitectónico de los años 60. Por último, diría que a través de mis cuadros quiero aportar tanto alegría y felicidad como reflexiones fuertes y útiles para las personas que los contemplen. Considero que cada obra tiene una interpretación única (metáfora quizás del hecho de que las veo como el lenguaje que hablamos como humanos. Mis cuadros muestran un concepto internacional y universal, pero capaz de ser visto tan personal y originalmente como el espectador quiera verlo en su mente).” Yolene ENGLISH My name is Inès Pelletier, and my artist pen name is Yolene. I was born in La Réunion, Saint-Denis, on April,24th 2001. I will define my style as contemporary with a bit of abstract. My works are influenced by artists such as Basquiat, Picasso, Mondrian, and moderately by Klimt. After high school, I studied fashion and design for one year in Montpellier. Then, I obtained a philosophy license, furthering my accomplishment in painting and art. I must admit that. Many things inspire me: societies, cities, architecture, music, cinema, variety of cultures… Indeed, having had the good fortune to have parents who made me travel really enriched my inspiration sources. Furthermore, I really enjoy discovering all the subconscious influences showcased in my works. I consider art both a therapy and a way to express our deepest forces and images. Also, all the lines and geometrical figures present in the paintings come from my admiration for the 60’s architecture style. Finally, I would say that through my paintings, I want to bring both joy and happiness but also strong and helpful reflections for people that will look at them. I consider that each work has a unique interpretation (metaphor maybe because I see them as the language we speak like humans. My paintings could be like the English language: something international and universal but can be seen personally and originally as the spectator wants to see it in his mind). Yolene Instagram: @yolene_paints Email: yolene.paintings@gmail.com

1. Arguing couple okk (Pareja que discute okk) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 126 x 59.4 cm

2. City of craziness (Ciudad de la locura) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 118.8 x 42 cm

3. Curly haired girl (Chica de pelo rizado) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 59.4 x 42 cm

4. Man pulling a woman (Hombre tirando de una mujer) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 59.4 x 84 cm

5. Woman holding a husband (Mujer con marido en brazos) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 59.4 x 42 cm

6. Pony tail girl (Chica con cola de caballo) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 59.4 x 42 cm

7. Seated human with a couple (Humano sentado con una pareja) Acrílico sobre lienzo de algodón/ Acrylic on cotton canvas 84 x 59.4 cm

CASANOVA (Brasil/ Brazil)

ESPAÑOL “Soy artista autodidacta y Licenciada en Odontología por la Universidad de Granada, donde vivo desde 1986, hija de padres españoles. Desde mi infancia tengo la inquietud de crear, las ideas surgen y hay una necesidad imperiosa de expresarlas. La cultura de mi tierra natal me ha influenciado en el colorido intenso de mi arte. Siempre fui fiel al arte figurativo, que es el que me permite transmitir y culminar mis proyectos artísticos. Me gusta experimentar técnicas diferentes y observar cómo se comportan. No tengo un estilo pictórico concreto, pero intento transmitir un cierto grado de ingenuidad y gran fuerza vital. Hay una parte inocente y noble que conecta con el interior más infantil de cada ser, eso es lo que más me fascina en el proceso creativo, comprobar las distintas sensaciones que éste genera al observador.” Casanova ENGLISH I am a self-taught artist with a degree in Dentistry from the University of Granada, where I have lived since 1986. My parents are of Spanish heritage. Since my childhood, I have had a creative mind, and there is an imperious need to express them. The culture of my homeland has influenced me in the intense colorfulness of my art. I have always been faithful to figurative art, which allows me to transmit and complete my artistic projects. I like to experiment with diﬀerent techniques and observe how they behave. I don’t have a specific pictorial style, but I try to transmit a certain degree of naivety and great vital force. An innocent and noble part connects with the most childish interior of each being, which fascinates me the most in the creative process, and check the diﬀerent sensations that it generates to the observer. Casanova Instagram: @casanov.arte Email: ccasanov2003@yahoo.es / casanovarte@yahoo.com Web: www.casanovarte.com

1. Parada del tiempo (Time stop) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 60 x 60 cm

2. Amor y protección (Love and protection) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 60 x 60 cm

3. Reina por un día (Queen for a day) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 81 x 60 cm

4. Esperanza (Hope) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 81 x 60 cm

5. Marte (Mars) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 81 x 60 cm

6. Futuro Incierto (Uncertain Future) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 60 x 60 cm

7. Corazón Roto (Broken heart) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 100 x 81 cm

KAYLYN MURPHY

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL El estilo impresionista de Kaylyn es armonioso y nos transmite una sensación etérea, que envuelve al espectador y lo transporta a un nostálgico pasado. Kaylyn inmortaliza su entorno e investiga la vida en sí misma a través de sus detalles. “Mis pinturas están hechas a partir de mi curiosidad y sentido de la maravilla en la naturaleza. Soy una artista afincada en Rhode Island, Estados Unidos, y sólo trabajo con pintura al óleo tradicional sobre lino belga utilizando lienzos que he construido yo misma. Influenciada por los impresionistas, incorporo áreas llenas de pinceladas gruesas y sueltas mientras utilizo una paleta de colores naturales. Pinto mi entorno utilizando los paisajes locales y la gente como tema para comprender mejor la vida cotidiana y el misterio que conlleva.” Kaylyn Murphy ENGLISH Kaylyn’s impressionist style is harmonious and gives us an ethereal feeling, enveloping the viewers and transporting them to a nostalgic past. Kaylyn immortalizes her surroundings and investigates life itself through its details. “My paintings are born from my curiosity and sense of wonder in nature. I am an artist based in Rhode Island, US, and I only work in traditional oil paint on Belgian linen using canvases I have built myself. Influenced by the impressionists, I incorporate areas of loose thick brush strokes while using a natural color palette. I paint my surroundings using my local landscapes and people as a subject matter to understand better daily life and the mystery that comes with it.” Kaylyn Murphy Instagram: @kaylynmurphyart Email: Kaylynmurphyart@gmail.com Web: www.kaylynmurphy.com

1. Once Upon a Dream (Érase una vez un sueño) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 61 x 91.3 cm

2. Black Swallowtail Butterflies Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 23.5 x 16 cm

3. Antheraea Polyphemus Moths (Polillas Antheraea Polyphemus) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 23.5 x 16 cm

4. A Moment in Town (Un momento en la ciudad) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 16 x 23.5 cm

5. Antique Portrait (Retrato antiguo) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 20 x 13 cm

6. Beavertail Lighthouse (Faro de Beavertail) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 20 x 25.5 cm

7. Beavertail, Jamestown Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 20 x 25.5 cm

RAQUEL BERNIKOVA (Georgia)

ESPAÑOL Raquel es una artista nacida en Dmanisi, Georgia, que actualmente reside en Nueva York, Estados Unidos. Desde muy joven expresó una notable rebelión al papel conservador y mutilador de las capacidades de las mujeres en la sociedad. Esto marcó en ella el inicio de lo que sería su expresión artística, y el contenido profundo y característico que llevan sus obras. Representa en sus pinturas la imagen femenina ubicada en diversos escenarios, creando una complicidad con la sólida sensualidad que emanan, a través de líneas limpias y firmes. Presenta una fuerte energía empoderada, que deja atrás la típica y estereotipada imagen femenina. Cada una de sus creaciones, lleva consigo una parte de Raquel, que se entreteje íntimamente con elementos alejados de lo común que transmiten fuerza y seguridad. Algunas de sus obras se presentan sin nombre, invitando a la observación profunda, dando lugar a la imaginación. “Mi nombre es Raquel Bernikova, nací en la ex Unión Soviética. Desde muy joven me rebelé contra la domesticidad tradicional femenina y esto tuvo un gran impacto en mi estilo y visión de la mujer. “… A través de la desobediencia y rebelión, a la libertad de mi mente…” estas palabras mías, hablan a través de mis lienzos. En una larga tradición de pintura, el desnudo femenino ha sido admirado y apreciado. Ha sido Madre Tierra, personificación de la naturaleza y la maternidad, fertilidad y creación. Y ella también ha sido humana, sensual y femenina. En mi práctica desde 2013, estoy mostrando un estilo personal distintivo que emana belleza y expresa la sensualidad de la feminidad a través de pinturas de mujeres en diferentes escenarios. El más fascinante de mis lienzos muestra mujeres fuertes y sensuales, y al mismo tiempo, una suave mezcla de clasicismo y vanguardia. Los colores de los cuales son huellas de la pasión... Obtuve una gran inspiración de Gustav Klimt y Egon Schiele, así como de las pinturas renacentistas de diosas de la mitología. La pintura acrílica y el cuchillo de paleta son mis herramientas favoritas para crear mi mujer fuerte y salvaje, femenina y expresiva. En cada una de mis pinturas siento una parte de mí. El cuerpo expresa tanto... He dejado algunos de mis cuadros sin título para que la imaginación del espectador juegue un papel importante”. Raquel Bernikova ENGLISH Raquel is an artist born in Dmanisi, Georgia, currently residing in New York, USA. She expressed a notable rebellion against the conservative and mutilating role of women’s capacities in society from a young age. This marked in her the beginning of what would be her artistic expression and the deep and characteristic content that her works carry. She represents, through her paintings, the female image located in diverse scenarios, creating complicity with the solid sensuality that they emanate, through clean and firm lines, presenting a strong, empowered energy, which leaves behind the typical and stereotyped female image. Each of her creations carries with them a part of Raquel, which is intimately woven together with elements that are far from the ordinary, and that transmit strength and security. Some of her works are presented without a name, inviting to deep observation, giving rise to the imagination. “My name is Raquel Bernikova; I was born in the former Soviet Union. I rebelled against traditional female domesticity from a young age, which greatly impacted my style and vision of women. “…Through disobedience and rebellion to freedom of my mind…” these words of mine speak through my canvases. The long tradition of painting the female nude has been admired and appreciated. She has been Earth Mother, a personification of nature and motherhood, fertility and creation. And she has also been human and sensual and feminine. In my practice since 2013, I have been showing a distinctive personal style that emanates beauty and expresses the sensuality of femininity through paintings of women in diﬀerent settings. The most mesmerizing of my canvases show strong, sensual women and, at the same time, a gentle blend of classicism and avant-garde, the colors of which are tread of passion. I derived great inspiration from both Gustav Klimt and Egon Schiele and Renaissance paintings depicting goddesses from mythology. Acrylic paint and the pallet knife are my favorite tools to create strong and wild feminine and expressive women. In each of my paintings, I feel a sense of me. The body tells so much… I leave some of my paintings with no title to allow the viewer´s imagination to play a role.” Raquel Bernikova Instagram: @raquel_ny2017 Email: raisabernikova@msn.com

1. Spring (Primavera) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91 x 61 cm

2. When you became my ocean (Cuando te convertiste en mi océano) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 101 x 76 cm

3. Missing you (Extrañandote) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91 x 61 cm

4. My trusthworthy BUDDY (Mi amigo de confianza) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 76 x 61 cm

5. You are my SUN and I am your MOON (Tú eres mi SOL y yo soy tu LUNA) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91 x 61 cm

SAMORE

(Brasil/ Brazil)

ESPAÑOL “Soy una pintora abstracta autodidacta de Río de Janeiro, licenciada en Recursos Humanos. Sin embargo, mi breve paso por las escuelas de ciencias sociales y diseño de interiores, fueron las experiencias que realmente contribuyeron a mi decisión de dedicarme a la pintura. En las clases de Filosofía, me enfrenté a preguntas internas sobre el propósito del ser humano como sociedad y a nivel individual. Cada vez era más importante para mí perseguir lo que haría que mi vida tuviera sentido. La escuela de diseño de interiores me permitió adquirir algunos conocimientos teóricos sobre la historia del arte, los movimientos artísticos y la arquitectura. Recientemente, he participado en la exposición de arte Phìlo-Poèm en la Galería de Arte M.A.D.S Milano, Italia. Me considero una artista en construcción, al igual que mi obra. Me siento muy influenciada por el arte que personalmente admiro. Paul Klee, Wassily Kandinsky y el movimiento de la Bauhaus son fuertes influencias. A través del abstraccionismo, busco reinterpretar todo lo que, en mi opinión, despierta el sentido estético. Mi inspiración procede de los lugares más variados e incluso insólitos. Patrones naturales, un detalle arquitectónico, un mueble o incluso algún ángulo inusual en objetos cotidianos. El objetivo principal de mi trabajo es esta idea que siempre he considerado muy poderosa: materializar algo que antes sólo existía en mi mente y, a través de ello, despertar en el espectador una impresión de belleza.” Samore ENGLISH “I’m a self-taught abstract painter from Rio de Janeiro with a degree in Human Resources. However, my brief passage through the schools of social sciences and interior design was the experience that really contributed to my decision to dedicate myself to painting. In the Philosophy classes, I faced internal questions about the purpose of the human being as a society and at the individual level. It became increasingly important for me to pursue what would make my life meaningful. The interior design school allowed me to acquire some theoretical knowledge about the history of art, artistic movements, and architecture. Recently, I participated in the Phìlo-Poèm art exhibition at M.A.D.S Milano Art Gallery, Italy. I consider my work and myself an artist in construction. I feel very much influenced by the art that I personally admire. Paul Klee, Wassily Kandinsky, and the Bauhaus movement are strong influences. Through abstractionism, I seek to reinterpret anything that, in my view, awakens an aesthetic sense. My inspiration comes from the most varied and even unusual places like natural patterns, an architectural detail, a piece of furniture, or even some unusual angle on everyday objects. The major goal of my work is this idea that I have always considered very powerful: materialize something that only existed in my mind, and through it, awaken in the spectator an impression of beauty.” Samore Instagram: @samore_artwork Email: ksamoreartwork@gmail.com

1. New Page (Página nueva) Acuarela y tinta sobre papel de bellas artes/ Watercolor and Ink Pen on Fine Arts Paper 22 x 15,5 cm

2. Reflection (Reflexión) Acuarela y tinta sobre papel de bellas artes/ Watercolor and Ink Pen on Fine Arts Paper 30,5 x 22,5 cm

3. The flood (La inundación) Acuarela y tinta sobre papel de bellas artes/ Watercolor and Ink Pen on Fine Arts Paper 30,5 x 23 cm

JEPPE ASHOLT

(Dinamarca/ Denmark)

ESPAÑOL Jeppe Asholt es un artista emergente del norte de Dinamarca con un estilo expresivo e ingenuo que equilibra la imaginación infantil con las visiones de nuestro mundo natural. Tiene un máster en cultura visual por la Universidad de Copenhague y una formación en ciencias de la comunicación. Como forma de celebrar la importancia de la naturaleza local, ha iniciado recientemente un concepto de póster basado en Dinamarca llamado “Flyv Fugl” (Pájaro volador), en el que presenta algunas de las aves danesas más comunes de forma divertida y expresiva. El arte de Jeppe es una especie de expresionismo figurativo con un enfoque surrealista. A través de su práctica, intenta ante todo liberar su animal interior sin controlar demasiado el acto de pintar y pensar en las técnicas de pintura. Sus modelos artísticos van desde el pintor renacentista Giuseppe Arcimboldo (y los retratos vegetales) hasta el artista danés Cobra Asger Jorn. “Me fascina cómo las manifestaciones artísticas pueden apuntar hacia los fenómenos de la naturaleza a través de los colores, las figuras y los movimientos establecidos en nuestras propias mentes. Crecí en la naturaleza, en campos cercanos al bosque, y desde joven me fascinan los oficios de la naturaleza y sus criaturas. En muchos de mis trabajos me he centrado en los pájaros porque creo que los pájaros en concreto representan una especie de libertad (libre como un pájaro), y para mí el pensamiento libre es precisamente lo que trata el arte. A menudo intento manifestar esta libertad dando vida a alguna criatura inesperada y magnífica de la naturaleza, pero también a imágenes salvajes de pájaros que recuerdo de mi infancia. De esto trata mi concepto artístico “Flyv Fugl” (Pájaro Mosca). Apreciar y abordar la naturaleza que vemos a diario para inspirarnos en su magia y así poder crear nuestra propia magia artística, ya sea física o mental”. Jeppe Asholt ENGLISH Jeppe Asholt is an upcoming artist from North Zealand of Denmark with a naïve art expressive style who balances childish imagination with visions of our natural world. He holds a Master of Art in Visual Culture from the University of Copenhagen and has a background in media science. To celebrate the importance of local nature, he has recently started a Danish-based poster concept called “Flyv Fugl” (Fly Bird), where he presents some of the most common Danish birds in a fun and expressive way. Jeppe’s art is a kind of figurative expressionism with a surrealist approach. Through his practice, he first and foremost tries to release his inner animal without taking control of the act of painting too much and thinking about painting techniques. His artistic role models go as far as the Renaissance painter Giuseppe Arcimboldo (and vegetable portraits) to the Danish Cobra artist Asger Jorn. “I’m fascinated by how artistic manifestations can point towards phenomena of nature through colors, figures, and movements established in our own minds. I grew up in the nature of North Zealand on fields near the woods, and ever since I was young, I’ve been fascinated by the crafts of nature and its creatures. In a lot of my work, I have been focusing on birds because I think that birds in specific represent some kind of freedom (free as a bird), and for me, that free thought is what exactly art is about. I often try to manifest this free thought by bringing life to some incredible and magnificent creatures of nature and wild images of birds that I remember from my childhood. This is what my art concept “Flyv Fugl” (Fly Bird) is about. Appreciating and addressing the nature that we see every day to get inspired by its magic and in that way be able to create our own artistic magic – be it physical or mentally” Jeppe Asholt Instagram: @flyvfugl_art Facebook: @flyvfugl_art Email: info@flyvfugl.art Web: www.flyvfugl.art/jeppe-asholt-artist

1. Skovansigt Óleo pastel sobre papel de bambú/ Oil pastel on bamboo paper 36 x 48 cm

MEM SEVENSTER

(Sudáfrica/ South Africa)

ESPAÑOL Mem Sevenster es una artista a tiempo completo con sede en Stellebosch, Sudáfrica. Nació en Johannesburgo en 1960. Se licenció en BVA en 2016. Sevenster realiza instalaciones de técnica mixta y obras murales con objetos encontrados, así como escultura, collage, audio y vídeo, pero su pasión es el dibujo. Se identifica con la noción posconceptual y neorromántica del dibujo contemporáneo. La expresión de la emoción, la experiencia y el sentimiento son parte integral de este concepto. El dibujo, en sus diversas formas, nos rodea en nuestra vida cotidiana y para ella es una expresión artística eficaz e inmediata porque es vibrante, experimental y dinámica. “Tal y como se desprende de estas tres obras, mi trabajo artístico cuestiona mi trastorno obsesivo-compulsivo y las normas sociales convencionales. Dado que la necesidad de comportarse de forma ética es exagerada en las personas con TOC, “Superbia-orgullo” representa el autocastigo mental; “Mapa monomaníaco” se centra en la repetición y la abrumadora recurrencia de una idea con sus rígidos imperativos; y “El perro se come al perro” desafía la comprensión poco original de la sociedad sobre la realidad yuxtaponiendo y manipulando imágenes aparentemente cómicas. Dexter comenta: “[el dibujo] puede reflejar la propia marca humana, ofreciendo una forma de desatar y restaurar el estado roto de la humanidad” En el dibujo, encuentro mi refugio seguro, lejos de las restricciones de la teoría crítica.” Mem Sevenster ENGLISH Mem Sevenster is a fulltime artist based in Stellebosch, South Africa. She was born in Johannesburg in 1960. She received a BVA degree in 2016. Sevenster builds mixed-media installations, and wall works using found objects as well as sculpture, collage, audio, and video, but her passion is drawing. She identities with the post-conceptual, Neo-Romanticism notion in contemporary drawing. Integral to this is the expression of emotion, experience, and feeling. Drawing in various forms surrounds us in our daily lives, and for her, it is an eﬀective and immediate artistic expression because it is vibrant, experimental, and dynamic. She exhibits nationally and internationally. “As revealed in these three works, my artmaking questions my Obsessive-Compulsive Disorder and conventional societal norms. Since the need to behave ethically is exaggerated in people with OCD, ‘Superbio-pride’ represents mental self-castigation; ‘Monomaniac Map’ focuses on the repetition and overwhelming recurrence of one idea with its rigid imperatives; and ‘Dog eats dog’ challenges society’s unoriginal understanding of reality by juxtaposing and manipulating seemingly comic images. Dexter comments: “[drawing] may reflect the human mark itself, oﬀering a way to unshackle and restore humankind’s broken state of being’. ln drawing, I find my safe refuge, away from the restraints of critical theory.” Mem Sevenster Instagram: @mem_sevenster Facebook: Mem Sevenster Email: memsevenster@gmail.com Web: www.memsevenster.co.za

1. Superbia-Pride (Orgullo-Orgullo) Bolígrafos y lápices de colores sobre papel/ Coloured pens and pencil on paper 100 x 71 cm

2. Monomanic Map (Mapa monomaníaco) Bolígrafos de colores sobre papel/ Coloured pens on paper 71 x 100 cm

3. Dog eats dog (perro come perro) Bolígrafos de colores sobre papel/ Coloured pens on paper 100 x 71 cm

VALENTINA TRANTEL DJURHUUS (Dinamarca/ Denmark)

ESPAÑOL Valentina vive y trabaja en el campo, cerca de Sorø, en Zelanda, en Dinamarca. Creció en el extremo oeste de Zelanda, junto a la costa y el mar. Tiene algunas raíces en las islas atlánticas, las Islas Feroe. En 2017 tuvo el avance, en su arte, que creó la expresión, que tiene hoy. Valentina tiene sus raíces artísticas en los ambientes underground de Holbæk y Copenhague, donde desde muy joven se movía entre punks y artistas en ciernes. Fue influenciada por la expresión estética y la música salvaje y oscura. Las imágenes de Valentina, por lo tanto, se mueven hoy en un campo de tensión, entre el UrbanArt, el PopArt, el OutsiderArt y el CartoonArt, con muchos colores negros. “Ese ambiente Punk y metropolitano en el que me movía, en esa época, me ha dado un enfoque del arte, generalmente hoy. Intento, en un caos abstracto, crear y estructurar las imágenes, que eligen golpear mi lienzo. Es un espacio mágico y suelto, donde las criaturas míticas y los seres humanos emergen de algún tipo de profundidad. Siempre me ha fascinado la psique humana y los mitos relacionados con ella, creados por los humanos para entenderse a sí mismos. Algunos de mis seres se parecen a Trolls, Gigantes u Orkos, sobre todo del mundo nórdico de los mitos. Sin embargo, estoy fascinada por todo tipo de nativos y gente de la naturaleza, los mitos y la tradición del chamanismo, también. Debido a que crecí junto al mar, pronto experimenté la fuerte fuerza de la naturaleza, las tormentas y el poder del agua brillante del océano. La naturaleza siempre ha sido un misterio para mí, con todas sus criaturas por encima y por debajo de la tierra. Es una eterna fuente de inspiración para mí.” Bienvenidos a mi mundo. Valentina Trantel Djurhuus ENGLISH Valentina lives and works in the countryside near Sorø, Zealand, in Denmark. In the far west of Zealand, she grew up by the coast and the sea. She has some roots in the Atlantic islands, Faroe Islands. In 2017 she had the breakthrough in her art that created today’s expression. Valentina has her artistic roots in the underground environments in Holbæk and Copenhagen, where she moved among Punks and budding artists as a very young woman. She was influenced by aesthetic expression and wild and dark music. Valentinas’ images, therefore today, move in a field of tension between Urban Art, Pop Art, Outsider Art, and Cartoon Art, with many black colors. “That Punk and metropolitan environment I moved in, at that time, has given me approach to art. In abstract chaos, I try to create and structure the images that choose to hit my canvas. It’s a magical and loose space, where mythical creatures and humanlike beings emerge from somewhere deep. I have always been fascinated by the human psyche and its myths, created by humans, to understand themselves. Some of my beings look like Trolls, Giants, or Orks, mostly from a Nordic world of myths. However, I am fascinated by all kinds of natives and people of natures, myths, and shamanism traditions. Because I grew up by the sea, I experienced the strong force of nature, the storms, and the sparkling ocean water’s power early. Nature has always been a mystery to me, with all of its creatures aboveground and underground. It’s an eternal source of inspiration to me.” Welcome to my world. Valentina Trantel Djurhuus Instagram: @valentinadjurhuus Facebook: Valentina Trantel Djurhuus Kunst Email: v.djurhuus@gmail.com

1. Bio-structure Venus (Bio estructura Venus) Acrílico y pluma acrílica, sobre lienzo/ Acrylic and acrylic pen, on canvas 80 x 60 cm

ANABEL MARTIN (Inglaterra/ England)

ESPAÑOL “Desde que tengo uso de razón, siempre me ha gustado pintar, amar el color, hacer cosas, arreglar cosas...... Así que era obvio que estudiara Arte y Escultura, ¡sí! bueno no.... En cambio, estudié muchas otras materias, como construcción, topografía, dibujo y diseño de productos. Finalmente, después de muchos años, me decidí a entrar en la escuela de arte y me licencié en Bellas Artes y Escultura (trabajo en metal) en la Universidad de Camberwell, en Londres. ¡Hurra! Luego me casé, ¡hurra!! y pronto empecé mi primer trabajo, trabajando para una empresa de diseño de eventos, donde aprendí muchas habilidades nuevas, haciendo atrezzo, pintando telones de fondo, carpintería... También tuve la oportunidad de trabajar en el Teatro Nacional. Paralelamente a todo esto, seguí trabajando en mis propios cuadros, que se vendían en galerías de arte online. De todos modos, después de seis largos años empecé una empresa de pintura y decoración con un colega de trabajo que se convirtió en un negocio exitoso, mientras que tener dos hijos, la adopción de dos gatos y dos hámsters, en este punto mi propio trabajo de arte personal se detuvo. Aunque el trabajo de decoración trajo consigo muchos proyectos de murales, seguía echando de menos la creación de mi propia obra de arte. Con la repentina interrupción del cierre, volví a cambiar mis grandes pinceles de decoración por mis pequeños pinceles de arte y empecé a pintar, esbozar y dibujar, utilizando colores fuertes y llamativos para representar la vida salvaje y el mundo natural. Después de la vida salvaje, empecé a trabajar en la pintura de retratos, ya que era algo que siempre había querido hacer, pero nunca pensé que sería capaz de hacerlo, ¡así que me puse a ello! La inspiración surgió de la observación del crecimiento de mis hijos, algo que las madres hacen de todos modos: ........ Me fascinaron los rápidos cambios y el crecimiento que tiene lugar en la mente de un niño en la adolescencia. La pintura de retratos se convirtió en una herramienta que me permitió expresar mi fascinación por la psique humana, las múltiples y complejas identidades que puede tener una persona, la respuesta emocional, a la vida cotidiana moderna y los efectos en nosotros. La obra de Emilio Vila 1930, Tretchikoff y los prerrafaelistas han inspirado mi estilo de de pintar retratos, utilizando colores fuertes y atrevidos para crear un ambiente etéreo y de otro mundo.” Anabel Martin ENGLISH Since I can remember, I have always loved painting, loved color, making things, fixing stuff......So it was obvious for me to study Art & Sculpture, yes! Well no.... Instead, I studied many other subjects, like construction, land surveying, drafting, and product design. Finally, after many years I decided to apply to art school and completed a degree in Fine art & Sculpture (metalwork) at Camberwell University in London. Hooray!! Then I got married, hooray !!! And soon started my first job, working for an events design company, where many new skills were learned like making props, painting backdrops, carpentry... I also got a chance to work at The National Theatre. Alongside all this, I continued working on my own paintings, which I sold through online art galleries. Anyway, after six long years, I started a painting & decorating company with a work colleague, which grew into a successful business while having two children, adopting two cats & two hamsters. At this point, my own personal artwork stopped. Although the decorating work brought many mural projects, I still missed creating my own artwork. With the sudden start of lockdown, I re-placed my big decorating brushes for my small art brushes and began to paint, sketch and draw, using strong, bold, and striking colors to depict wildlife and the natural world. Following wildlife, I began working on portrait painting as this was something I had always wanted to do but never thought I would be capable of doing, SO I WENT FOR IT! Inspiration bloomed from observing my children’s growth; mothers’ favorite hobby. I became fascinated by the rapid changes and growth in a child’s mind into adolescence. Portrait painting became a tool that allowed me to express my fascination with the human psyche, the many complex identities one person can hold, the emotional response to modern everyday life, and the effects on us. The work of Emilio Vila 1930s, Tretchikoff, and the Pre-Raphaelites have inspired my style of painting portraits, using strong, bold colors to set the stage for the ethereal and other-worldly mood. Anabel Martin Instagram: @anajor1 Email: anabelmartin@hotmail.co.uk Web: www.anabelmartin-art.com

1. Head Full of Birds (Cabeza llena de pájaros) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 100 cm

JOHN BACON

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL El Dr. John Bacon, nacido en Coeur d’Alene, Idaho, Estados Unidos. Es cirujano ortopédico y se graduó en la Facultad de Medicina de la Universidad de Oregón. Ha sido un ávido coleccionista de arte desde 1990, lo que le llevó a aficionarse al arte abstracto y a convertirse en artista. Cree que el arte abstracto se ve con la mente y no con los ojos. Sus cuadros se caracterizan por un uso distintivo de los colores y las formas que hacen que su estilo sea único. Pinta siguiendo sus intuiciones y deja que el lienzo hable y le guíe. Su arte no es visual, sino más bien emocional. John Bacon ENGLISH Dr. John Bacon, born in Coeur d´Alene, Idaho, United States, is an Orthopedic surgeon having graduated from the University of Oregon Medical School. He had been an avid art collector since 1990, which increased his love for abstract art and eventually turned artist. He believes that you see abstract art with your mind, not with your eyes. His paintings are characterized by his distinctive use of colors and forms, making his style unique. He paints following his intuitions and believes in letting the canvas speak and lead the way. His art is not visual but more emotional. John Bacon Instagram: @baconmodern Facebook: BaconModern Art

1. Enjoying Your Company (Disfrutando de tu compañía) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 144 x 111 cm

2. Our Many Faces (Nuestros múltiples rostros) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 137 x 106 cm

3. Oz the Great and Powerful (Oz el Grande y Poderoso) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 142 x 109 cm

PSYCASSA

(Suiza/ Switzerland)

ESPAÑOL “Artista autodidacta, licenciada en historia del arte, empecé a pintar a los 18 años, tras descubrir la arteterapia. Utilizo mi creatividad como una experiencia espiritual e ilimitada, y una forma poderosa de conectarme con los demás. Mi sensibilidad, espontaneidad e intuición son mis principales herramientas para pintar. Al dejarme guiar por mis sentimientos y emociones, me gusta improvisar. Influenciada por la energía de los lugares y los entornos, a menudo pinto lo que aparece en mi lienzo y también me gusta pintar en mi cara. Trabajo con colores fuertes e intensos, y con diferentes medios artísticos.” Psycassa ENGLISH As a self-taught artist who graduated with an art history bachelor’s degree, I started painting at 18 after discovering art therapy. I use my creativity as a spiritual and limitless experience and a powerful way to connect myself with others. My sensitivity, spontaneity, and intuition are my main tools to paint. I let myself be guided by my feelings and emotions, and I like improvising. Influenced by the energy of places and environments, I often paint what appears in front of my canvas and like face painting. I work with strong and intense colors and diﬀerent art mediums. Psycassa Instagram: @psycassa Email: jessicaheritier@gmail.com

1. She Freed (Ella liberada) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 35 cm

2. The Weirds (Los raros) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 100 cm

3. Totem (Tótem) Acrílico sobre cartón/ Acrylic on cardboard 110 x 80 cm

SHANA VERMEULEN (Bélgica/ Belgium)

ESPAÑOL Shana Vermeulen es una artista autodidacta que vive en Bélgica. Tiene 31 años y está enamorada de la belleza de la bondad humana. Vivir sola desde la temprana edad de quince años le ha enseñado mucho sobre la vida y la humanidad. Jugando con la magia del Universo, Shana experimentó el poder de una mentalidad positiva. La gente suele pensar que debió de ser duro crecer sola, pero al no perder nunca de vista sus objetivos y tomar decisiones efectivas se reinventó una y otra vez. A medida que crecía, descubrió que todo sucedía por una razón y saber eso hace que los momentos difíciles sean más emocionantes. Tiene que haber algún contraste en la vida para apreciar más los aspectos dulces de la misma. Su arte se basa principalmente en un nivel espiritual y trata de representar la conexión entre el mundo interior y el exterior de las personas, cómo ciertos patrones de pensamiento afectan a la realidad. El objetivo final de Shana es divertirse con lo que hace e inspirar a disfrutar de la vida tal y como viene, evitar pensar en los peores escenarios y romper las ilusiones negativas. Shana realiza pinturas acrílicas y trabajos en arcilla. El uso de pintura acrílica con diversas técnicas da a sus obras de arte las formas y los colores deseados. Los elementos naturales que a menudo se encuentran en su obra representan nuestra relación con la naturaleza. “He tenido una juventud inusual y turbulenta, pero muy alegre, de ahí que nunca haya tenido la oportunidad de adaptarme a una determinada rutina en la vida. Ahora la rutina me parece aburrida y tal vez eso se refleje en mi obra. Tampoco soy de planificar todo al detalle antes de empezar un nuevo cuadro, así que me sorprendo con el resultado final. Es como tener una cita a ciegas con tu propia inspiración, a veces con una parte oculta de ti mismo que aún no conocías. Mi objetivo es enamorarme de ella.” Shana Vermeulen ENGLISH Shana Vermeulen is a self-taught artist living in Belgium. She’s 31 years old and in love with the beauty of human kindness. Living by herself from the early age of fifteen has taught her a lot about life and humanity. By playing with the magic of the Universe, Shana experienced the power of a positive mindset. People often think it must have been hard growing up alone, but by never losing sight of her goals and effective decision making she reinvented herself time after time. As she got older, she discovered that everything happened for a reason, which makes difficult times more exciting. There has to be some contrast in life to appreciate the sweet aspects more. She mostly makes art on a spiritual level and tries to portray the connection between people’s inner and outer worlds and how certain thought patterns affect reality. Shana’s ultimate goal is to have fun in what she does and inspire you to enjoy life as it comes, avoid thinking about worst-case scenarios, and break negative illusions. Shana specializes in acrylic paintings and clay works. Using acrylic paint with various techniques gives her artwork the desired shapes and colors. The natural elements you often find in her work represent our human-nature relationship. “I’ve had an unusual, turbulent, but very joyful youth, thence I’ve never had a chance to adapt to a certain routine in life. Now I find routine boring, and maybe that shows in my work. I’m not about planning everything in detail before starting a new painting, so I surprise myself with the final outcome. It’s like having a blind date with your own inspiration; sometimes with a hidden part of yourself you didn’t know yet. My goal is to fall in love with it.” Shana Vermeulen Instagram: @shanavermeulen.art Email: Vermeulenshana@gmail.com

1. Innerchild (Niño interior) Acrílico sobre algodón, lienzo estirado/ Acrylic on cotton, stretched canvas 60 x 50 cm

2. Transition (Transición) Acrílico sobre algodón, lienzo estirado/ Acrylic on cotton, stretched canvas 80 x 80 cm

3. Fearless (Sin miedo) Pintura acrílica y spray sobre algodón, lienzo estirado/ Acrylic paint and spray on cotton, stretched canvas 80 x 80 cm

BIANCA CARNEVALI (Suiza/ Switzerland)

ESPAÑOL “Nací en Florencia el 18 de enero de 1999. A la edad de un año mi familia se trasladó a Suiza, a Lugano. Aquí asistí a la escuela obligatoria y luego al instituto lingüístico. Actualmente estudio literatura y lingüística italiana y española en la universidad de Zúrich. Hace poco que me acerqué al mundo del arte, pero sigue fascinándome y cautivándome cada vez más. Actualmente vivo en Lugano, Suiza. Soy una joven estudiante nacida en Florencia y criada en Lugano. Mi objetivo no es lo de asombrar, sino lo de contar algo y transmitir emociones. El arte cuida el alma, dando voz a lo que quedaría tácito sin ayuda. Si me reflejo en mis cuadros, me encuentro, encuentro mi parte más íntima y reservada, a veces la más oscura y triste mientras que otras la más serena y armoniosa. Pero no importa de qué lado salga de ti, porque el único factor que permanece constante es el de la sinceridad. En el arte no puedes mentir, no puedes esconderte, porque tarde o temprano, la pintura hablará por ti. Lo que me encanta del arte, lo que más me satisface, es el hecho que pintando se encuentran siempre las palabras que a veces nos faltan. Deténgase frente a una obra, contempla , permítele que te comunique algo. Porque una vez que la entiendas, me entenderás a mí.” Bianca Carnevali ENGLISH I was born in Florence on January 18, 1999. At the age of 1, my family moved to Switzerland, in Lugano. Here I attended compulsory schools and then linguistic high school. I am currently studying Italian and Spanish literature and linguistics at the University of Zurich. I recently discovered the world of art, but it keeps on fascinating me and captivates me more and more. I have not yet attended art courses, but I would like to do it as soon as possible. I am from Lugano, Switzerland. “My aim is not to amaze but to spread messages and convey emotions. Art takes care of the soul, giving voice to what would remain unspoken without help. If I look at my paintings, I find my most intimate and private part as in a mirror. Sometimes it is the darkest and saddest one; other times, it is the most serene and harmonious one that comes out. It does not matter which side comes out of you because sincerity is the only factor that remains constant. In art, you cannot lie; you cannot hide because sooner or later, the painting will speak for the artist. This is what I exactly love about art, what satisfies me most: by painting, you can find the words that are sometimes diﬃcult to speak. Take some time in front of work, contemplate it, allow it to communicate something to you. Because if you understand it, you will understand me.” Bianca Carnevali Instagram: @bibizz_art Facebook: Bianca Carnevali Email: bianca.carnevali.99@gmail.com

1. Giappone I (Japon I) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 80 cm

2. Foresta I (Forest I, Bosque I) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 100 cm

3. Oceano II (Ocean II) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 120 cm

SUE LEE

(Corea del Sur/ South Korea)

ESPAÑOL Aunque Yun Suk Lee nació en Seúl, capital de Corea del Sur, se trasladó al campo y la mayor parte de su infancia estuvo rodeada de entornos naturales llenos de flores, plantas y animales. Mientras pasaba la mayor parte del tiempo jugando al aire libre con amigos y animales, a Yun Suk le gustaba expresar su visión y sus sentimientos en forma de dibujos en el suelo y las paredes, y poco a poco descubrió que su talento especial era el dibujo. Para perseguir su sueño, fue a la universidad de Dongguk, en Corea del Sur, y se licenció en escultura. También ingresó en la universidad Kyung Hee para realizar estudios de postgrado especializados en educación artística y completó su tesis de graduación sobre el tema de la terapia artística en 2004. Yun Suk comenzó su carrera en la educación artística para enseñar a los estudiantes. Dirigió un negocio de educación artística durante 6 años como directora de una academia de arte en Corea del Sur. Tras mudarse a Hong Kong con su familia, se dedicó de lleno al dibujo como artista y recientemente inauguró una exposición individual en Seúl en diciembre de 2021. Sue Lee ENGLISH Although Yun Suk Lee was born in Seoul, the capital city of South Korea, she moved to the countryside. Most of her early childhood was surrounded by natural environments full of beautiful flowers, plants, and animals. While spending most of her time playing outside with friends and animals, Yun Suk also liked to express her observation and feeling as drawings on floors and walls and gradually discovered her special talent in drawing. To pursue her dream, she went to Dongguk University in South Korea and majored in sculpture for her bachelor’s degree. She also enrolled in Kyung Hee University for postgraduate studies, specializing in Art Education, and completed her graduation thesis on art therapy by 2004. Yun Suk commenced her career in art education to teach students. She ran an art education business for 6 years as a principal of an art academy in South Korea. After moving to Hong Kong with her family, she genuinely devoted herself to drawing as an artist and recently hosted a solo exhibition in Seoul in December 2021. Sue Lee Instagram: @kokomalys2020 Email: kokomalys76@gmail.com

1. Lots of laughter (Muchas risas) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 100 cm

TARU ROUHIAINEN (Finlandia/ Finland)

ESPAÑOL “Soy un artista autodidacta. He realizado varios cursos de pintura y expresión artística y tengo previsto seguir formándome. Tengo una carrera de 20 años como profesional de la salud. A mis cuarenta años deseaba expresarse de forma más creativa. La estética siempre ha sido importante para mí. Antes de que mi trayectoria artística avanzara, me gustaba decorar y pintar muebles. Decidí hacer un curso de pintura y me enamoré completamente de hacer obras de arte. Trabajo con colores acrílicos y mi proceso es muy intuitivo y espiritual. Mi inspiración surge de muchas fuentes y los colores fuertes son una gran parte de ella. Miro el mundo con ojos curiosos y veo diferentes lados de las cosas. Mientras pinto, me dejo llevar y simplemente pinto sin pensar demasiado y dejo que los colores y mis sentimientos me guíen. Me gusta jugar con el contraste y la dualidad, los detalles amplios y añadir algún tipo de elemento de sorpresa en mis obras. Me encanta probar diferentes técnicas, herramientas y marcas. No quiero explicar demasiado el significado de mis obras al espectador, hay tantas interpretaciones como personas.” Taru Rouhiainen ENGLISH I am a self-taught artist. I`ve taken various painting and artistic expression courses, and I plan to educate myself further. I have a career of 20 years as a healthcare professional. In my forties, I desired to express myself more creatively. Aesthetics has always been important to me. Before my artistic journey commenced, I liked to decorate and paint furniture. I decided to take a course on painting, and I completely fell in love with doing artwork. I work with acrylic colors, and my process is very intuitive and spiritual. My inspiration arises from many sources, and strong colors are a big part of it. I look at the world with curious eyes and see diﬀerent sides of things. While painting, I let myself go and paint without thinking too much and let the colors and my feelings guide me. I like to play with contrast and duality, ample details, and add some element of surprise in my pieces. I flourish by trying diﬀerent techniques, tools, and mark-making. I don’t want to explain my pieces’ meaning to the viewer overly; there are as many interpretations as people. Taru Rouhiainen Instagram: @abstractartbytaru Email: zenakka@gmail.com Web: taru-rouhiainen-art.webnode.com

1. Challenge of Zen (Desafío del Zen) Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper 50 x 65 cm

2. Sharp edges (Bordes afilados) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 46 x 55 cm

3. Bits of happiness (Pedazos de felicidad) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 x 61 cm

DAVID LOPEZ

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL David López es un superviviente. Nacido el 23 de abril de 1996 con el corazón dilatado, sobrepeso y defectos de nacimiento, el médico y las enfermeras llevaron a David a urgencias. El médico les dijo a los padres de David que no sobreviviría, que moriría en los próximos minutos, horas o días. ¡HOLA UNIVERSO! ¡HOLA MUNDO! David López está aquí para contar su historia y dejar una huella en el planeta tierra. “Siempre he sido una persona creativa y expresiva. Cuando era más joven mi imaginación se desbordaba y a veces era incapaz de seguirla. A medida que fui creciendo mi mentalidad se desarrolló y mi creatividad siguió creciendo. He tenido todo lo que he necesitado en esta vida, ropa, un techo y el amor de mi familia. Nada es perfecto en esta vida. Cuando cumplí 18 años, la vida y la verdad me golpearon como un tren. En el año 2015, cuando estaba terminando la secundaria, me guardaba todo y seguía la vida como si nada pasara, mientras por dentro estaba triste y lleno de rabia. Esto provocó una bendición en mi vida... ¡el arte! Cuando estaba en el 12º grado dibujaba todo el tiempo, pero nunca lo tomé en serio. En abril del año 2016 me convertí en artista. ¡Pasé de dibujar en papel de línea a dibujar en papel de boceto y pintar! Tuve mi primera exposición oficial de arte en solitario y desde entonces ha sido un viaje increíble con el arte. En el año 2016, después de mi primera exposición de arte en solitario sentí un poder floreciendo en mí, con el que podía crear y destruir a través del arte lo que yo mismo representaba. Me siento libre y me siento feliz cada vez que hago un dibujo o una pintura abstracta. Expreso todo, desde el pasado hasta el presente e incluso el futuro; y nada es más satisfactorio y pacífico como cuando estoy creando y destruyendo. No puedo elegir palabras para describir quién soy, porque siempre estoy cambiando y evolucionando, pero sí puedo decir que nunca estoy satisfecho con una cosa en particular, porque siento la necesidad de crecer y cambiar, y a medida que lo hago me conozco más a mí mismo. El arte ha sido mi herramienta de supervivencia, de lo contrario sinceramente sería un loco. #TodosSomosArtistas.” David Lopez ENGLISH David Lopez is a survivor. Born on April 23, 1996, with an expanded heart, overweight, and congenital disabilities, the doctor and nurses rushed David to Emergency care. The doctor told David’s parents that he would not make it; he would die within minutes, hours, or days. HELLO UNIVERSE! HELLO WORLD! David Lopez is here to tell his story and leave a print on planet earth. “I’ve always been an expressive, creative person. When I was younger, my imagination would run wild. I was unable to keep up with it at times. As I grew up, my mentality developed, and my creativity grew. I have had everything I needed in this life, clothing, a roof over my head, and the love of my family. Nothing is ever perfect in this life. When I turned 18, life and the truth behind everything hit me like a train. In 2015 when I was finishing up high school, I kept everything in and would continue life as if nothing mattered, while on the inside, I was sad and full of rage. This brought a blessing in my life… ART! When I was in 12th grade, I would draw all the time, never taking it seriously. In April 2016, I became an artist. I went from drawing on line paper to drawing on sketch paper and painting! I had my first oﬃcial solo art show, and ever since, it’s been an amazing journey with art. In 2016 after my first solo art show, I felt this power blossom in me to create and destroy who I was through my art. I feel free and happy every time I make a line drawing or an abstract painting. I express everything from the past to the present and even the future, and nothing is more satisfying and peaceful when I create and destroy. I can’t really pick out words to describe who I am because I am always changing and evolving. I can say that I am never satisfied with one particular thing because I feel the need to grow and change; as I do this, I know more about myself. Art has been my tool to survive; otherwise, I would honestly be a mad man. #WeAreAllArtists.” David Lopez Instagram: @davidareyouhuman Email: lopezdavid315@yahoo.com

1. “Hildegardo” Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 24 x 18 cm

2. “DO YOU UNDERSTAND?” (¿ENTIENDES?) Rotulador negro sobre papel de dibujo/ Black marker on drawing paper 31 x 21 cm

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3. “Divided world” (Mundo dividido) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 20 x 16 cm

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ALLAN RIVERA (Honduras)

ESPAÑOL De niño, la creatividad de Allan estaba muy viva, dibujando garabatos o retratos de sus familiares más cercanos. El amor por todos los colores de la naturaleza y la belleza que le rodeaba, creó una sed por las artes. Criado en la ciudad de Nueva York, Allan comenzó a mostrar su arte a temprana edad. En la secundaria Washington Irving High School, aprendió todas las técnicas artísticas de profesores, mentores y artistas como Jack Demartino, Rita Fecher y Toby Needler, quienes interpretaron las expresiones del centro de la ciudad de Nueva York durante décadas. Exponiendo sus obras de arte en prestigiosas galerías como “The National Arts Club ‘’ en Gramercy Park, entre otras, Allan ganó la llave de oro de la ciudad en las artes con un retrato de la familia realizado en Gouache. Asistió a la Parsons School of Design, donde estudió artes gráficas. Aunque no siguió una carrera en las artes, continuó creando arte como su pasión. A la edad de 27 años, todas sus obras de arte se perdieron en un accidente con una tubería de agua de un almacén, lo que le dejó con el corazón roto y sin ganas de volver a pintar. No fue hasta 2020, en plena pandemia de COVID19, cuando empezó a crear arte como una puerta para expresar sus sentimientos y visiones, lo que despertó de nuevo su sed de arte. Fue capaz de crear y vender más de 30 nuevas obras de arte. Actualmente, Allan vive en Toronto, Canadá, y vuelve a dedicarse al arte como su pasión, con la esperanza de poder compartir sus visiones y sentimientos a través de sus expresiones artísticas. Descripción de la obra de arte “Delta Blues” A simple vista podemos ver cómo se transforma en energía pura. La esencia del alma ascendiendo en su mayor forma a través de colores y formas combinadas en uno. Con la melodía y las vibraciones musicales del viejo Rhythm and Blues, el artista visualiza su expresión en las formas más puras y en el lienzo. Allan Rivera ENGLISH As a child, Allan’s creativity was alive and well, drawing doodles or portraits of the immediate family. His love for all colors of nature and the beauty around him created a thirst for the arts. Raised in New York City, Allan began displaying his art early. At Washington Irving High School, he learned diﬀerent art techniques from teachers, mentors, and artists such as Jack Demartino, Rita Fecher & Toby Needler, who interpreted expressions of New York City’s inner cities throughout the decades. Displaying his artwork in prestigious galleries such as “The National Arts Club ‘’ in Gramercy Park amongst others, Allan won the gold key of the city in the arts with a portrait made of the family done in Gouache. He attended Parsons School of Design, a branch of The New School for social research, studying graphic arts. Although he did not pursue a career in the arts, he continued to create art as his passion. At the age of 27, all artwork was lost in a storage water accident, leaving him heartbroken and not wanting to paint again. It was not until 2020, at the height of the COVID19 pandemic where he began to create art as a gateway to express his feelings and visions that awoke his thirst for art again. He was able to create and sell over 30 new pieces of art. Allan is currently living in Toronto, Canada pursuing art once again as his passion for sharing his visions and feelings throughout his artistic expressions. Description of Art Piece “Delta Blues” – At a glance, we can see oneself transforming into pure energy. The soul’s essence ascends in its greatest form through colors and shapes combined into one. The tune and musical vibes of the old Rhythm and Blues play through as the artist visualizes his expression into the purest forms and onto the canvas. Allan Rivera Instagram: @allansartexpressions Email: AllanaRivera4@gmail.com

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1. Delta Blues Acrílicos y químicos mixtos sobre lienzo/ Acrylics and mixed chemicals on canvas 71 x 122 cm

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WIRBELART

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Actualmente vive en su Alemania natal. Wirbelart tuvo contacto con las pinturas y lápices desde la infancia. Más tarde descubrió la pintura como medio de expresión de su creatividad. Al explorar esta pasión, asistió a varios cursos de formación en escuelas de arte mientras seguía desarrollando su estilo creativo. En 2021 fue aceptada en el colectivo de artistas Artfactory-Graz. En sus vivas pinturas acrílicas, collages y obras de técnica mixta, las estructuras abstractas de gran intensidad de color se funden entre sí o también con formas humanas a veces sombrías, y a menudo tenuemente perceptibles. Hasta la fecha, sus cuadros se han expuesto en exposiciones individuales y colectivas en su país natal, Alemania, y en Austria. “Mi motivación es buscar los colores, jugar y experimentar con ellos en la creación espontánea de cuadros. Me inspiran sobre todo los colores acrílicos intensos y fuertes que a veces combino con pasteles al óleo, carbón y otros materiales como arena, café, etc. La incorporación de diferentes técnicas da lugar a texturas y estructuras que, tras una intensa contemplación en mi mente, se transforman en formas o figuras que luego intento plasmar en el lienzo. A menudo, aparecen formas agrupadas que recuerdan a seres humanos, aunque a veces siguen siendo completamente abstractas. Prefiero no poner títulos a mis cuadros, porque me parece muy emocionante que el espectador no se sienta influenciado y sea libre de interpretarlos en su propio mundo. De este modo, con mis cuadros pretendo provocar un movimiento mental, estimular al espectador y dejar que se sumerja en su mundo de pensamientos y viajes: el movimiento crea arte y el arte crea movimiento”. Wirbelart ENGLISH Currently living in her birthplace of Germany, Wirbelart picked up paints and pencils in early childhood. Only later in life did she discover painting to express her creativity. In exploring this passion, she attended several further training courses at art colleges while developing her creative style. In 2021 she was accepted into the Artfactory-Graz artist collective. In her lively acrylic paintings, collages, and mixed media works, color-intensive abstract structures merge with each other or sometimes with shadowy, often dimly perceivable, human forms. To date, her paintings have been shown in both solo and group exhibitions in her home country Germany and Austria. “My motivation is to reach for colors, to play around, and to experiment with them in the spontaneous creation of paintings. I am mostly inspired by intense, strong acrylic colors that I sometimes combine with oil pastels, coal, and other materials such as sand, coﬀee, and so on. The incorporation of diﬀerent techniques gives rise to textures and structures, which, after intense contemplation in my mind’s eye, transform into shapes or figures, which I then try to work out on the canvas. Often, clustered shapes reminiscent of human beings become apparent, although they remain completely abstract. I prefer not to title my paintings because I find it extremely exciting when the viewer is unbiased and free to interpret in her/his own world of thoughts. In this way, with my paintings, I intend to trigger a mental movement, to stimulate the viewer and let him/her sink into their world of thoughts and travel: movement creates art and art creates movement.” Wirbelart Instagram: @wirbelart Email: wirbelart@inexio.email

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1. Untitled (Sin título) Acrílico, pastel al óleo y carbón sobre lienzo/ Acrylic, oil pastel and coal on canvas 120 x 100 cm

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INGE E GIJZEN

(Paises Bajos/ Netherlands)

ESPAÑOL Inge E Gijzen es una ciudadana holandesa con raíces indonesias. Su trabajo y el de su esposo les permitió viajar mucho y vivir en diferentes continentes y países como Tanzania, Colombia, Bangladesh, Holanda, Indonesia y Zimbabwe. La exposición y la interacción con estas diferentes culturas y entornos han influido en su estilo y expresión artística. El trabajo de Inge es altamente interpretativo y expresionista. El expresionismo fue un movimiento modernista, inicialmente en poesía y pintura, que se originó en Alemania a principios del siglo XX. El arte expresionista actual presenta el mundo únicamente desde una perspectiva subjetiva, distorsionándolo radicalmente por efecto emocional con el fin de evocar estados de ánimo o ideas. Los artistas expresionistas buscan expresar el significado de la experiencia emocional en lugar de la realidad física. Su estilo evolucionó de naturalista a expresionista abstracto, trabajando con acrílicos, colores fuertes y mezclas, utilizando capas y texturas aplicando su cuchillo de paleta para lograr resultados únicos y armoniosos. Su trabajo está inspirado en grandes maestros como Monet, Picasso, van Gogh, Gauguin y muchos otros. Inge E Gijzen ENGLISH Inge E Gijzen is a Dutch national with Indonesian roots. She and her husband’s work allowed them to travel extensively and live in different continents and countries like Tanzania, Colombia, Bangladesh, The Netherlands, Indonesia, and Zimbabwe. The exposure to and interaction with these different cultures and environments have influenced her artistic style and expression Inge’s work is highly interpretative and expressionistic. Expressionism was a modernist movement, initially in poetry and painting, originating in Germany at the beginning of the 20th century. Expressionistic art today presents the world solely from a subjective perspective, distorting it radically for an emotional effect to evoke moods or ideas. Expressionist artists seek to express the meaning of emotional experience rather than physical reality. Her style evolved from naturalist to abstract expressionist, working with acrylics, strong colors, and blends, utilizing layers and textures applying her pallet knife to achieve unique and harmonious results. Her work is inspired by great masters like Monet, Picasso, Van Gogh, Gauguin, and many others. Inge E Gijzen Instagram: @ingegijzen Email: iegijzen@yahoo.com Web: www.ingee-arts.com

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1. A La Gauguin Exotic Lady (Una dama exótica de La Gauguin) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 70 cm

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2. Red Inspiration (Inspiración roja) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 x 66 cm

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3. Red Lady (Dama Roja) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 70 cm

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WANG ZHICHAO (China)

ESPAÑOL Nacido en Shanxi, China, en 1990, actualmente vive en Florencia, Italia. En 2014, se graduó en Arte Ambiental en la Universidad Normal de la Capital de China. De 2014 a 2015, trabajó en Beijing HAS (Hehua Architectural Design Company) En 2016, comenzó su licenciatura de tres años en Pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia, y terminó sus estudios en marzo de 2021. En la actualidad, está estudiando un Máster en Metodologías de la Pintura, también en la Academia de Bellas Artes de Florencia. “En el proceso de creación de obras, a menudo sigo mi intuición interior transfiriendo espontáneamente mis sentimientos, formados en base a mi entorno, a mis obras. En mi vida cotidiana, a menudo cambio mi estado de ánimo después de escuchar una melodía, o una historia, o incluso después de tener un sueño. Para mí es una forma de comunicación del alma, y este diálogo que mantengo con mi mundo espiritual es la fuente de mi inspiración creativa.” Wang Zhichao ENGLISH Born in Shanxi, China, in 1990, he currently lives in Florence, Italy. In 2014, he graduated from Capital Normal University of China with a degree in Environmental Art. From 2014 to 2015, he worked at Beijing HAS, Hehua Architectural Design Company. In 2016, he began his three-year Bachelor’s degree in Painting at the Fine Arts Academy of Florence and finished his studies in March 2021. He is currently studying for a Master’s degree in Painting Methodologies at the Fine Arts Academy of Florence. “In the process of creating works, I often follow my inner intuition by spontaneously transferring my feelings, shaped based on my surroundings, into my works. In my daily life, I often change my state of mind after listening to a melody, or a story, or even after having a dream. For me, it is a form of communication of the soul, and this dialogue, which is held with my spiritual world, is the source of my creative inspiration.” Wang Zhichao Instagram: @oig_zhichao Email: oigzhichao@gmail.com

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1. Self deprecating (Auto Desprecio) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 70 x 50 cm

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TERESA BANDÍN SAURA (España/ Spain)

ESPAÑOL “Inicié mi carrera pictórica en el año 2000. Sin el arte, mi espíritu moriría, es por eso que vuelco en la pintura mi yo interior. Mi inspiración es África y el maravilloso color de las tierras del sur, en las que habito. Mi estudio está ubicado en Murcia, España. Desde el año 2000, combino mi profesión de gestora cultural en la Universidad de Murcia con mi pasión por la pintura. Vivo por temporadas en Asilah (Marruecos) y durante este momento me dedico al aprendizaje y al estudio de las técnicas mixtas junto a pintores árabes internacionales. Durante mi carrera artística, entre otros proyectos, fuí parte entre el año 2008 hasta el año 2018 del Festival Internacional de Murales Asilah; mi trabajo fue publicado por la revista digital “Abaniko” y tuve una exposición individual en el Casino Cultural de Moratalla, con el proyecto “Ruralia Imaginaria”, donde presenté una muestra Expresionista abstracta y figurativa, con colaboración con el Ayuntamiento de Moratalla.” Teresa Bandín Saura ENGLISH “I started my pictorial career in 2000. Without art, my spirit would die, prompting me to turn my inner self into painting. My inspiration is Africa and the incredible color of the southern lands I live in. My studio is located in Murcia, Spain. Since 2000, I have combined my profession as a cultural manager at the University of Murcia with my passion for painting. I live seasonally in Asilah (Morocco), and during this time, I dedicate myself to learning and studying mixed techniques together with international Arab painters. During my artistic career, among other projects, I was part of the Asilah International Mural Festival between 2008 and 2018; my work was published by the digital magazine “Abaniko,” and I had a solo exhibition at the Casino Cultural de Moratalla, with the project “Ruralia Imaginaria,” where I presented an abstract and figurative Expressionist exhibition, in collaboration with the Moratalla City Council.” Teresa Bandín Saura Instagram: @teximora Facebook: Teresa Bandin Saura Email: teximora1@gmail.com

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1. El ojo del Sahara (The eye of the Sahara) Técnica mixta, acrílico y texturas en yeso sobre lienzo/ Mixed media, acrylic and plaster textures on canvas 100 ×.80 cm

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2. La ciudad en el aire (The city in the air) Técnica mixta, acrílico y texturas en yeso sobre lienzo/ Mixed media, acrylic and plaster textures on canvas 70 × 60 cm

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3. La sopa verde (The green soup) Técnica mixta, acrílico y texturas en yeso sobre lienzo/ Mixed media, acrylic and plaster textures on canvas 60 x 120 cm

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DELGADO RAMÍREZ (España/ Spain)

ESPAÑOL Reside en Málaga, España. Su obra está marcada por un particular estilo y un colorido propio. Su obra se encuentra entre una mezcla de pintura clásica y pintura impresionista, en combinación con la sensibilidad innata del artista, la cual logra transmitir un absoluto dominio del pincel y de la espátula. El autor considera que la belleza reside en el corazón de las personas, y que, desde este sentimiento interior, se deben plasmar las obras de arte. En definitiva, pintar con el corazón. Delgado Ramírez ama la vida y la naturaleza, por lo cual consigue en su pintura creaciones armoniosas. La temática y la técnica de su trabajo engloban personajes, retratos, animales; paisajes, perspectivas, texturas, profundidad y manejo del volumen. Desarrolla su obra con paciencia y sin prisa, logrando así, captar el alma de sus personajes, mediante vívidas impresiones en sus rostros y con atmósferas especiales, las cuales obtiene de su paleta de colores. “El arte en la pintura, representa para mí un sentimiento único. Pienso que la pintura sin sentirla, no es lo mismo; el arte es sublime y tiene que emocionarte. Al mismo tiempo, es una conexión con algo que no podemos explicar, es algo extraordinario. Cuántas veces me pregunto al terminar alguna de mis obras, ¿he sido yo quien la pintó?, algunas pinturas parecieran tener vida propia, ellas mandan; incluso llegan a decirte cuando tienes que firmarlas. El arte es exclusivo, porque una pintura es única, ni siquiera el propio artista puede pintar dos obras iguales. “El arte en la pintura representa un sentimiento: sublime, extraordinario y exclusivo.” En este mi tercer anuario 2022, presento tres obras dedicadas al mundo animal: Un caballo, un gato y un elefante. Los animales son maravillosos y es importante que los recordemos y los plasmemos en los lienzos; es una forma peculiar que tenemos los artistas de agradecerles y darles un pequeño homenaje. Los animales hicieron siempre bien en la tierra y han ayudado al ser humano. La primera obra tiene como título: “Vanesito en Río Grande” (Caballo), la segunda obra se titula: “Duque” (Gato) y la tercera: “Elefante”. Mi deseo es que sean de su agrado. Considero que soy un artista de la vida, de la luz; siempre buscando nuevas formas de crear y siempre creando desde el ámbito de la paciencia. Le doy el tiempo adecuado al arte que me acompaña, siempre tratando que cada una de mis obras tenga vida propia. Aunque estas obras tengan el sello personal del artista, procuro que sean diferentes entre sí y que, cada una de estas obras transmita algo diferente, ya que cada pieza tiene energía propia. Me gusta lo que hago, me gusta mi estilo de pintura, y aunque vivimos en un mundo modernista, no le quitaré la personalidad a mi paleta, la cual debe seguir evolucionando. Lo digo siempre, cada uno tiene su camino de forma natural. “El arte en la pintura nos hace soñar, nos transporta, nos da felicidad…” Delgado Ramírez ENGLISH He lives in Malaga, Spain. His work is marked by a particular style and color of its own. His work is between a mixture of classical and impressionist painting, in combination with the artist’s innate sensitivity, which manages to convey an absolute mastery of the brush and the spatula. The author considers that beauty resides in the heart of people and that, from this inner feeling, works of art should be captured. In short, to paint from within the heart. Delgado Ramírez loves life and nature, which is why he achieves harmonious creations in his paintings. The theme and technique of his work include characters, portraits, animals, landscapes, perspectives, textures, depth, and volume management. He develops his work with patience and without haste, thus capturing the essence of his characters’ souls through vivid impressions on their faces and with unique atmospheres, which he obtains from his color palette. “Art in the painting represents a unique feeling for me. I think that painting without feeling is not the same; art is sublime and moves you. At the same time, it is a connection with something that we cannot explain; it is something extraordinary. How many times do I ask myself when I finish one of my works, was I the one who painted it? Some paintings seem to have a life of their own; they rule; they even tell you when to sign them. Art is exclusive because a painting is unique; not even the artist himself can paint two identical works. “Art in the painting represents a feeling: sublime, extraordinary and exclusive.” In my third yearbook, 2022, I present three works dedicated to the animal world: A horse, a cat, and an elephant. Animals are lovely, and we must remember them and capture them on canvas; It is peculiar that we artists thank them and tribute them less. Animals have always done well on earth and have helped human beings. The first work is titled: “Vanesito en Río Grande” (Horse), the second work is titled: “Duque” (Cat), and the third: “Elephant.” My wish is that they are to your liking. I consider myself an artist of life, of light, always looking for new ways to create and always creating from the field of patience. I give adequate time to the art that accompanies me, always trying that each of my works has a life of its own. Although these works have the personal stamp of the artist, I try to make them diﬀerent from each other and that each of these works transmits something diﬀerent since each piece has its own energy. I like what I do, I like my style of painting, and although we live in a modernist world, I will not take the personality out of my palette, which must continue to evolve. I always say it; everyone has their way naturally. “Art in the painting makes us dream, transports us, gives us happiness ...” Delgado Ramírez Instagram: @delgadoramirez_art Facebook: Nicolás A. Delgado Ramírez / @delgadoramírez63 Email: nicolasd3@hotmail.com Web: www.delgadoramirez.com

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1. Duque Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 73 x 60 cm

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2. Vanesito en Río Grande (Vanesito in Rio Grande) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 81 x 100 cm

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3. Elefante (Elephant) Óleo sobre lienzo de lino/ Oil on linen canvas 81 x 100 cm

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MEYS

(Rusia/ Russia)

ESPAÑOL “Nací en Saratov y vivo actualmente en San Petersburgo. Me gradué en la Escuela Superior de Arte de Saratov y luego en la Universidad HSE, en la Facultad de Comunicación y Diseño. Desde la infancia dibujé personajes de cómic. Estos personajes provienen de mi imaginación, pero también de mi entorno: entre la multitud de personas que existen alrededor y las que conozco, puedo seleccionar vívidos prototipos para futuras tramas. Todos los personajes presentan una visión cómica de la imagen humana. Mis obras son proyecciones de la gente colorida que nos rodea. En mi opinión, el exterior suele reflejar el interior. Todo y todos los que rodean a alguien son los rasgos propios de la misma persona. Veo a cada humano como una imagen que representa tres aspectos: lo que esta persona piensa de sí misma, lo que los demás piensan de esta persona y ciertos patrones de comportamiento y hábitos. En realidad, en la mayoría de los casos, esta imagen es absolutamente errónea, y por eso es importante para mi que mis obras transmitan el instinto y la naturaleza animal, quitando la máscara social y mostrando la verdadera esencia de cada uno de nosotros.” Meys ENGLISH “I was born in Saratov, and I currently live in Saint Petersburg. I graduated from Saratov Higher School of Art and then from HSE University, Faculty of Communication and Design. Since childhood, I have drawn comic characters. These characters come from my imagination and environment: from the crowd of people around me and those I know, I can select vivid prototypes for future plots. All the characters present a comical vision of the human image. My works are projections of the colorful people around us. In my opinion, the exterior tends to reflect the interior. Everything and everyone around someone is the characteristics of the same person. I see each human as an image representing three aspects: what this person thinks of himself, what others think of this person, and specific patterns of behavior and habits. In reality, in most cases, this image is entirely wrong, and that is why it is crucial for me that my works transmit instinct and animal nature, removing the social mask and showing the true essence of each one of us. “ Meys Instagram: @meys_loveart Email: koshelenkodm@gmail.com

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1. Beach (Playa) Arte digital, impreso en papel de bellas artes/ Digital artwork, printed on fine art paper 85 x 120 cm

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NATALIA ZVONKOVA (Rusia/ Russia)

ESPAÑOL Natalia Zvonkova nació en Rusia. Comenzó su carrera artística cuando se mudó a Ucrania en el año 2009. El espíritu creativo de la antigua ciudad de Kiev, con sus leyendas y su folklore estuvieron siempre presentes y sirvieron de catalizadores para su arte. Tras 10 años en Kiev, Natalia se trasladó a Almaty y actualmente está experimentando un renacimiento creativo, inspirado en las vibrantes tradiciones culturales de la capital del sur de Kazajistán. En su obra, Natalia utiliza la técnica del collage. Crea imágenes caprichosas a partir de sus propios dibujos; utilizando diversos medios, consigue composiciones llenas de detalles peculiares. Los grandes lienzos, colores brillantes y figuras inusuales hacen reconocible su estilo. Natalia ha participado en numerosas exposiciones colectivas y en tres exposiciones individuales en Kiev. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Estados Unidos, los Países Bajos, Viena y los Emiratos Árabes Unidos. “Nací y crecí en la Unión Soviética. Casas grises, uniformes escolares aburridos, ropa y muebles descoloridos similares en los mismos pisos. Esa falta de color en mi infancia explica mi sed de luminosidad. No puedo obligarme a crear algo monocromo. Si el color es mi campeón indiscutible, la textura ocupa por derecho un honroso segundo lugar. Durante la cuarentena del verano de 2020, agarré un largo rollo de papel y dejé volar mi imaginación, pintando con colores y dibujando con lápices todo lo que me venía a la cabeza. Creé flores y hojas, animales y formas abstractas que pululaban en mi imaginación. Luego rompí este dibujo en pequeños trozos con líneas de rasgado inesperadas. Por último, cogí estos trozos y los pegué al lienzo en un nuevo orden. La obra resultó brillante, un poco agresiva, pero aún así, reafirmando la vida misma. Desde entonces, he estado trabajando de esta manera.” Natalia Zvonkova ENGLISH Natalia Zvonkova was born in Russia. She started her artistic career when she moved to Ukraine in 2009. The creative spirit of the ancient city of Kiev, with its legends and folklore, was always present and served as catalysts for her art. After 10 years in Kiev, Natalia moved to Almaty and is currently experiencing a creative renaissance, inspired by the vibrant cultural traditions of the southern capital of Kazakhstan. In her work, Natalia uses the collage technique. She creates whimsical images from her own drawings. Using various means, she achieves compositions full of peculiar details. The large canvases, bright colors, and unusual figures of her make her style recognizable Natalia has participated in numerous group exhibitions and three solo exhibitions in Kiev. Her works are in private collections in the United States, the Netherlands, Vienna, and the United Arab Emirates. “I was born and raised in the Soviet Union. Gray houses, boring school uniforms, similar faded clothing, and furniture on the same floors. That lack of color in my childhood explains my thirst for luminosity. I can’t force myself to create something monochrome. If color is my undisputed champion, the texture is rightly second in honor. During the quarantine of the summer of 2020, I grabbed a long roll of paper and let my imagination run wild, painting with colors and drawing with pencils everything that came to mind. I created flowers and leaves, animals, and abstract shapes that swarmed in my imagination. Then I broke this drawing into small pieces with unexpected tear lines. Lastly, I took these pieces and glued them to the canvas in a new order. The play was brilliant, a bit aggressive, but still reaﬃrming life itself. Since then, I have been working this way.” Natalia Zvonkova Instagram: @zvonkovan Email: natazvonkova@gmail.com Web: www.nataliazvonkova.com

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1. Fear (Miedo) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 147 x 147 cm

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2. Dragon (Dragón) Pintura al óleo sobre collage en lienzo/ Oil painting over collage on canvas 160 x 160 cm

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3. Good bay Fashion (Moda de la bahía buena) Pintura al óleo sobre collage en lienzo/ Oil painting over collage on canvas 160 x 160 cm

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IVY

(Francia/ France)

ESPAÑOL Ivy nació en Meudon (Francia). El arte, y la creación en general, ocupan un lugar importante en su vida. A Ivy le encanta la pintura, la música y todo tipo de formas creativas de expresarse. Recibió algunas clases de pintura, pero principalmente, aprendió a pintar por sí misma. Como a su madre le encanta pintar, tal vez ella le inspiró la pasión por la pintura. “Me llamo Ivy, canto y escribo canciones, pinto y hago ropa a medida. Pero hoy descubrirás mi obra pictórica. Mi estilo es todo un mundo: a veces “gore”, a veces femenino y a veces bastante triste. Me inspiro en artistas famosos como Van Gogh (especialmente en su obra “La noche estrellada”) y en obras de arte que descubro en las redes sociales. He estado luchando contra la depresión, la cual, inspira mucho en mi arte. Todo lo que corre dentro de mi cerebro, cada pensamiento que me hace sangrar se convertirá en una pieza de arte. Siento que me ahogo en el mundo que he creado, espeluznante pero reconfortante en cierto modo. Grito mis emociones en voz alta a través de mi arte. Puede ser que ayude a alguien más, lo que sería absolutamente maravilloso. IVY ENGLISH Ivy was born in Meudon (France). Art, and creation in general, occupy an important place in her life. Ivy loves painting, music, and all kinds of creative ways of expressing herself. She received some painting classes, but mainly, she taught herself to paint. Since her mother loves to paint, perhaps she inspired her passion for painting. “My name is Ivy; I sing and write songs, I paint and make custom clothes. But today, you will discover my pictorial work. My style is a whole world: sometimes “gore,” sometimes feminine, and sometimes quite sad. I am inspired by famous artists like Van Gogh (especially his work “The Starry Night”) and works of art that I discover on social media. I have been battling depression, which inspires a lot in my art. Everything that runs inside my brain, every thought that makes me bleed, will become a piece of art. I feel like I’m drowning in the bizarre world I’ve created but comforting in a way. I scream my emotions out loud through my art. It might help someone else, which would be absolutely fantastic.” IVY Instagram: @ivy.is.a.looser Email: geraldinecuenot@yahoo.fr

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1. Untitled (Sin título) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 60 x 50 cm

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GVBO

(Haití/ Haiti)

ESPAÑOL “Hola soy Gvbo, un artista digital haitiano de 22 años. He estado dibujando y pintando desde que tenía 5 años y haciendo obras de arte en la escuela. Meses después de que mi papá falleció en 2014, empecé a dibujar en mi Ipad y me enamoré de la pintura digital. Era la mejor manera de expresarme y mostrar un mundo lleno de colores y emociones. Me influyen muchos temas que suceden en el mundo, lo que me rodea. Pero mis principales influencias son artistas como Jean Michel Basquiat, Andy Warhol, Vanessa Craan y muchos más... Mi estilo es más bien pop art contemporáneo. Empecé a publicar mis obras después de un concurso de arte durante la crisis pandémica y puedo decir con gusto que fue el comienzo de mi vida artística como artista público.” GVBO ENGLISH Hi, I’m Gvbo, a 22-year-old Haitian digital artist. I have been drawing and painting since I was 5 years old and making artwork at school. Months after my dad passed away in 2014, I started drawing on my iPad and fell in love with digital painting. It was the best way to express myself and discover a world full of colors and emotions. I am influenced by many issues in the world, which surround me. But my main influences are artists like Jean Michel Basquiat, Andy Warhol, Vanessa Craan and many more ... My style is more similar to contemporary pop art. I started to publish my works after an art contest during the pandemic crisis, and I can say with pleasure that it was the beginning of my artistic life as a public artist. “ GVBO Instagram: @zewrldof_gvbo Email: gsjoserony@icloud.com

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1. Zette Arte digital (procreate)/ Digital art (procreate) 17,34 x 17,34 cm

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LAURA VENEZIA (Italia/ Italy)

ESPAÑOL “Siempre tuve una inclinación hacia la fantasía y la creatividad. Soy hija de un artesano del cuero y crecí en Sicilia, pero ahora estoy afincada en Bolonia. Empecé a pintar por instinto, dando voz a un mundo imaginario que salía de mi subconsciente más profundo. Pinto sin pensar, escuchando música de meditación. Mi flujo creativo es espontáneo e intuitivo, y al final, veo en el lienzo seres fantásticos que viven en una naturaleza imaginaria, espíritus, animales marinos y terrestres, a veces seres oscuros, en un mundo natural poderoso y coloreado, quizás una Sicilia lejana y una naturaleza por la que siento nostalgia.” Laura Venezia ENGLISH “I always had a penchant for fantasy and creativity. I am the daughter of a leather craftsman, and I grew up in Sicily, but now I am based in Bologna. I began to paint instinctively, giving voice to an imaginary world emerging from my deepest subconscious. I paint without thinking, listening to meditation music. My creative flow is spontaneous and intuitive, and in the end, I see on the canvas; fantastic beings living in an imaginary nature, spirits, marine, and terrestrial animals, sometimes dark beings, in a powerful and colored natural world, perhaps a distant Sicily and a nature for which I feel nostalgic. “ Laura Venezia Instagram: @lauvenart Email: lauravenezia@libero.it

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1. Calabroni upside down (Calabroni al revés) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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KAI ISSEI FUJIOKA

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL La creatividad, y la pintura en particular, siempre han formado parte de la vida de Kai. Al crecer en una familia de artistas, se inició a una edad temprana en las artes. A los 18 años, Kai había acumulado más de diez años de experiencia en las artes, y continuó sus estudios para obtener una licenciatura en Bellas Artes en Santa Cruz, California. Aunque todavía está en la fase de desarrollo de su carrera pictórica, la obra de Kai se ha expuesto en Manhattan y en toda la Costa Oeste. Aunque su obra explora diferentes estilos de pintura, Kai suele utilizar combinaciones de colores evocadoras y formas contrastadas para llamar la atención del público. Su formación en paisajes tradicionales es evidente en la forma en que su obra parece continuar más allá de los límites del lienzo y en los minúsculos detalles que parecen invitar a una mirada más cercana. “A medida que continúo explorando métodos para expresar mi interacción con el mundo, creo obras que abarcan muchos géneros. Mi narrativa suele hablar de la incomodidad de la vida, tanto física como emocional. A veces, me centro en la representación de entornos paisajísticos surrealistas; otras veces me baso en formas y patrones sencillos para sugerir emociones más abstractas. Recientemente, he utilizado el agua evaporada como herramienta para alterar y mezclar colores, creando ilusiones de profundidad en la superficie bidimensional. Al crear, mi intención es que los materiales sean tan expresivos como los temas que retratan”. Kai Issei Fujioka ENGLISH In particular, creativity and painting have always been a part of Kai’s life. Growing up in a family of artists, he was initiated in the importance of the arts at an early age. By the time Kai was 18, he had accumulated over ten years of experience in the arts. He continued his studies to procure a bachelor’s in fine arts in Santa Cruz, California. Although still in the developing stages of his painting career, Kai’s work has been shown in Manhattan and throughout the West Coast. While his work explores diﬀerent painting styles, Kai often uses evocative color combinations and contrasting forms to draw the audience’s attention. His background in traditional landscapes is evident in how his work appears to continue beyond the borders of the canvas and in the minute details that seem to invite a closer look. “As I continue exploring methods to express my interaction with the world, I create works that spread across many genres. My narrative often speaks to the discomfort of life, both physical and emotional. Sometimes, I focus on depicting surreal landscapes; other times, I rely on simple shapes and patterns to suggest more abstract emotions. Recently, I have utilized evaporating water as a tool to alter and blend colors, creating illusions of depth on the two-dimensional surface. As I create, my intention is for the materials to be as expressive as the subjects they portray.” Kai Issei Fujioka Instagram: @fuji_vision Email: fujiapple26@yahoo.com

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1. Multiverse (Multiverso) Acrílico sobre madera/ Acrylic on wood 84 x 66 cm

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ASIDART8K

(Dinamarca/ Denmark)

ESPAÑOL Nana Renée aka ASiDART8K es una artista autodidacta. Desde que era niña, encontró consuelo y seguridad en procesos creativos como la pintura, la escritura, la carpintería y otros. Profundamente inspirada en el surrealismo, sus obras retratan simultáneamente energías y emociones positivas y negativas de la vida, a menudo en forma de personajes femeninos; y son un comentario tanto a la madre tierra como al empoderamiento de uno mismo en la sociedad moderna. Nana Renée es licenciada en Comunicación Internacional y actualmente trabaja como responsable de cultura y eventos en una antigua prisión estatal, que hoy es una institución cultural. Anteriormente trabajó para la Capital Europea de la Cultura Aarhus 2017, así como cinco años en una galería y un taller sin ánimo de lucro en Aarhus, Dinamarca. También trabajó como modelo de croquis tanto para artistas individuales como para clases. “Utilizo colores vivos e intensos para retratar la energía, las emociones y las sensaciones en forma física, buscando a menudo un sentido de conexión universal, así como la melancolía hipnótica, el aislamiento y la agonía. Trabajo y vivo en los contrastes, el caos y los choques. Comienzo mi proceso planificando cuidadosamente la composición en el lienzo, y luego procedo a un flujo de trabajo intuitivo, casi espiritual, en el que dejo que la obra se exprese por sí misma. Esa es la idea que subyace a mi alias, ASiDART; se refiere a una forma natural, sin embargo, casi psicodélica, de orientación emocional al percibirse a sí mismo a través de un proceso creativo y alcanzar así un conocimiento o una aceptación superior de los dolores y los regalos de la vida.” ASiDART8K ENGLISH Nana Renée is a self-taught artist, and since she was a little girl, she found comfort and safety in creative processes such as painting, writing, woodworking, and more. Deeply inspired by otherworldly surrealism, her works simultaneously portray positive and negative energies and emotions in life, often in a female character – a comment to both mother earth and self-empowerment in modern society. Nana Renée has a Bachelor’s degree in International Communication and currently works as Head of Culture and Events at a former State Prison, a cultural institution today. She previously worked for The European Capital of Culture Aarhus 2017 and five years at a non-profit gallery and atelier in Aarhus, Denmark. She also worked as a croquis model for both individual artists and classes. “I use vivid and intense colors to portray energy, emotions, and sensations in physical form, often seeking a sense of universal connectedness, as well as mesmerizing melancholia, isolation, and agony. I work and live in contrasts, chaos, and clashes. I start my process by carefully planning the composition on the canvas and then proceed into an intuitive, almost spiritual workflow, where I allow the piece to express itself. That is the idea behind my alias, ASiDART; it refers to a natural, however, almost psychedelic way of emotional guidance by perceiving oneself through a creative process and thus reaching a higher knowledge or acceptance of the pains and presents in life.” ASiDART8K Instagram: @asidart8k / @nanarenee_ Facebook: Nana Renée Andersen Email: nanarenee03@hotmail.com

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1. A tale of 2342 dimensions (Un cuento de 2342 dimensiones) Pintura acrílica, óleo y rotuladores sobre lienzo/ Acrylic paint, oil paint and markers on canvas 90 x 120 cm

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2. Forest ‘filletio’ (Bosque ‘filletio’) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 40 x 29 cm

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3. Flow (Flujo) Pintura acrílica y rotuladores sobre lienzo/ Acrylic paint and markers on canvas 92 x 73 cm

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JODIE WILLIS

(Canadá/ Canada)

ESPAÑOL “A medida que practico, aprendo y desarrollo un estilo, mi trabajo sigue siendo experimental, con claves conceptuales de la filosofía, la conciencia, la cultura, la ciencia, la religión y la experiencia humana. Intento dar sentido a mi mundo combinando múltiples facultades de pensamiento y descubriendo las relaciones entre ellas a través del arte. Mi proceso ha evolucionado hacia la fusión de elementos figurativos abstractos en marcos “de base”. Trato de apaciguar la naturaleza objetiva y subjetiva de la percepción a través de juegos entre espacios negativos y positivos.” Jodie Willis ENGLISH “As I practice, learn & develop a style, my work remains experimental with conceptual cues from philosophy, consciousness, culture, science, religion & the human experience. I try to make sense of my world by combining multiple faculties of thought and discovering their relationships through art. My process has developed towards merging abstract figurative elements into “grounded” frameworks. I try to appease both the objective and subjective nature of perception through playful interplays between negative and positive spaces.” Jodie Willis Instagram: @upnorthstar Email: jwillis@essltd.com Web: www.saatchiart.com/jodiewillis

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1. CRISPR chicken (Pollo crujiente) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 46 x 61 cm

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2. Sun kissed bay Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 122 x 152 cm

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3. Franklin Island (Isla Franklin) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 122 x 152 cm

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STEPHAN FUHR

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL “De niño ya pintaba mucho, pero no cuadros con pintura y pinceles, sino con lápices de colores y rotulador sobre papel y en el libro de colorear. Luego, cuando crecí y vi paisajes pintados, siempre me gustaron. Siempre me pregunté cómo hacen estos artistas para que los cuadros parezcan tan realistas y, sin embargo, estén pintados; yo quería poder pintar de esa manera también, y entonces comencé a pintar desde libros, cuadernos y calendarios, o simplemente desde imaginación. Empecé con una cabina de ducha escolar, en algún momento descubrí las acuarelas, luego las pinturas al óleo y también las pinturas acrílicas. Mi lema es pintar como lo ves y probar todo, solo así sabrás exactamente lo que puedes hacer y lo que más te conviene.” Stephan Fuhr ENGLISH “As a child, I have painted a lot, but not pictures with paint and brushes, but with colored pencils and felt-tip pens on paper and in the coloring book. Later, when I got older and saw painted landscapes, I always liked them. I always asked myself how these artists make the pictures look so realistic through painting. I wanted to be able to paint that way too, so I began to paint from books, notebooks, and calendars, or simply from imagination. I started with a school shower box; at some point, I discovered watercolors, oil paints, and acrylic paints. My motto is to paint as you see it and try everything out; only then will you exactly know what you can do and what suits you best. “ Stephan Fuhr Instagram: @stephanpainted Email: mal.stephankunst74@gmail.com

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1. On the shore (En la orilla) Pintura acrílica sobre lienzo/ Acrylic paint on canvas 40 x 40 cm

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TIN SAMARŽIJA (Croacia/ Croatia)

ESPAÑOL Tin Samaržija, nació el 11 de abril de 1997 en Zagreb. Terminó la escuela primaria Petar Zrinski en Zagreb. Se graduó en el Departamento Gráfico de la Escuela de Artes Aplicadas y Diseño de Zagreb, bajo la tutela del prof. Jure Kokeze. Se matriculó en la Academia de Bellas Artes en 2016. Completó sus estudios de grado en el departamento gráfico en la clase de Robert Šimrak. Al finalizar los estudios de licenciatura, recibe el título de bachiller “Summa cum laude” y se inscribe en los estudios de posgrado en la clase del mismo profesor. “Una serie de dibujos llamada “(Dis)order” realizada con rapidógrafo sobre formatos mayores (50 x70 cm), es una serie de trabajos dentro de los cuales intenté sublimar todos aquellos elementos artísticos que se pueden ver en las obras del ciclo “De partu ideas” y los mapas gráficos “Caos interno”. Es una sublimación de los elementos artísticos ya reconocidos que utilizo, con aquellos elementos que son naturalmente más organizados, más sistemáticos, pero también más refinados. Aquí se puede leer mi particular necesidad de organizar y reorganizar los sistemas ya establecidos de elementos y valores que aplico en mi obra. En cuanto al concepto en sí, estoy tratando aquí y hablando de la ambivalencia y la contradicción de todo lo que el hombre es. La razón, que se representa y representa a través de elementos geométricos organizados y sistematizados, frente al aspecto emocional de nosotros, que se representa a través de conjuntos caóticos, racimos y conglomerados de diversas construcciones geométricas. Ambos aspectos del carácter humano que se presentan pueden ser interpretados y analizados como unidades artísticas separadas, pero que en su esencia están infinitamente conectadas, son inseparables y para que funcionen en el sentido correcto deben actuar en sinergia y simbiosis porque el hombre no es sólo bueno o malo, al igual que no hay sólo luz y oscuridad, etc. Lo que nos lleva de nuevo al hecho de que esta misma oscuridad no existiría sin luz y viceversa. De forma transversal, podemos leer ahora que el citado mapa gráfico era una especie de crítica a ese aspecto emocional de nosotros mismos, mientras que este ciclo de obras, es decir, de dibujos, es en realidad una especie de aceptación de esas emociones como un gran componente de nosotros mismos, sin el cual, al fin y al cabo, y no podríamos dedicarnos a las bellas artes si no las tuviéramos.” Tin Samaržija ENGLISH Tin Samaržija was born on April 11, 1997, in Zagreb. He finished elementary school Petar Zrinski in Zagreb. He graduated from the Graphic Department of the School of Applied Arts and Design in Zagreb, under Prof. Jure Kokeze. He enrolled at the Academy of Fine Arts in 2016 and completed his undergraduate studies at the graphic department in the class of Robert Šimrak. Upon completing undergraduate studies, he is awarded a “Summa cum laude” bachelor’s degree and enrolls in graduate studies in the same professor’s class. “A series of drawings called “(Dis)order” performed through rapidograph on larger formats (50 x 70 cm), is a series of works within which I tried to sublimate all those artistic elements that can be seen in the works from the cycle “De partu ideas” and graphic “Internal Chaos” maps. Sublimation of the now well-recognized artistic elements that I use with those elements that are naturally more organized, more systematic, but also more refined. Here one can read my particular need to organize and reorganize the now established systems of elements and values that I apply in my work. As for the concept itself, I am dealing with the ambivalence and contradiction of all that man is. The reason is represented through organized and systematized geometric elements, as opposed to the emotional aspect of us, which is represented through chaotic sets, clusters, and conglomerates of various geometric constructions. Both aspects of human character that are presented can be interpreted and analyzed as separate artistic units, but which are in their essence infinitely connected, inseparable and in order to function in the good sense, they must act in synergy and symbiosis because man is not only good or bad, just as there is not only light and darkness, etc. This again leads us to the fact that this same darkness would not exist without light and vice versa. In cross-section, we can now read that the aforementioned graphic map was a kind of critique of that emotional aspect of ourselves. At the same time, this cycle of works, i.e., drawings, is actually a kind of acceptance of these emotions as one significant component of ourselves without which, after all, and we wouldn’t be able to engage in fine art if we didn’t have it. Tin Samaržija Instagram: @samarzijatin Email: tinsamarzija@gmail.com

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1. (Dis)order ((Des)orden) Técnica combinada, dibujo con tinta y collage/ Combined technique, drawing in ink and collage. 70 x 50 cm

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PETRA MOONART (Eslovaquia/ Slovakia)

ESPAÑOL “Artista autodidacta. Soy una artista eslovaca del corazón de Europa que creció en un pequeño pueblo. Soy una persona introvertida con un alma rebelde, ¡cada NO es el camino para encontrar el SÍ en él! A lo largo de mi vida, he tenido varios intereses e influencias, la más importante ahora mismo es la pintura, que me encanta. Me atrae la pintura abstracta. La pintura abstracta me da libertad y me permite una técnica diferente de pintar con acrílico. Soy una artista autodidacta por afición que se inspira en momentos de la vida y en conexiones universales. Como espíritu con cuerpo humano, se me permite probar, sentir y hacer algo difícil de describir. La sensación de las capas de pintura bajo mis dedos es algo increíblemente impresionante. Durante la pintura, el sonido de la buena música es importante, me ayuda a relajarme y concentrarme en el nacimiento de una nueva obra de arte. La música siempre me lleva a otro lugar, donde puedo crear. No pinto tanto como desearía, pero quizá esto sea una ventaja, ya que se necesita tiempo para el buen arte. Es un placer y un prestigio cuando la gente muestra un interés positivo por mi arte, esto me alegra el corazón. Y muchas gracias a vosotros, Guto Ajayu Culture, que me habéis permitido expandirme más allá de las fronteras. Gracias.” Petra Moonart ENGLISH “Self-taught artist. I am a Slovak artist from the heart of Europe who grew up in a small village. I am an introvert with a rebel soul; every NO is the way for me to find YES in it! Throughout my life, I have had various interests and influences; the most, right now, is painting, which enchants me. I am attracted to abstract painting. Abstract painting gives me freedom and allows me a diﬀerent painting technique with acrylic. I am a self-taught hobby artist who gets inspiration from life moments and universal connections. As a spirit with a human body, I am allowed to try, feel and make something hard to describe. The feeling of paint layers under my fingers is something amazingly stunning. During painting, the sound of good music is essential; it helps me to relax and focus on the birth of a new piece of art. The music always takes me somewhere else, where I can create. I don’t paint as much as I would wish to, but maybe this is an advantage, for time is needed for good art. It’s a pleasure and prestige when people show positive interest in my art; this warms my heart. And big thanks to you, Guto Ajayu Culture, you allowed me to expand beyond the borders! Thank you.” Petra Moonart Instagram: @petra_moonart Email: moon.artpetra@gmail.com Web: moonart-petra.webnode.sk

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1. Nordic light (Luz nórdica) Acrílico sobre lienzo, con hoja de oro/ Acrylic on canvas, with gold leaf 70 x 30 cm

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ADINA TIGOAN

(Rumanía/ Romania)

ESPAÑOL “Me llamo Roxana Adina Tigoan, nací el 3 de julio de 1973 en Cluj-Napoca, en el corazón de Transilvania, Rumanía. Me gradué en la Universidad de Ciencias Económicas y Gestión Empresarial, en el departamento de Finanzas y Banca. Mi primer trabajo fue en el campo de la joyería de oro. Posteriormente, trabajé como asesor financiero en la sucursal de Cluj-Napoca de “Antibiotice Iasi”, una empresa de productos médicos, hasta que me casé y tuve un hijo. Desde entonces, trabajo como directora económica de la empresa que poseo junto con mi marido, especializada en la fabricación de obras de arte. Siempre me ha interesado el arte en todas sus formas, ya sea la música, la danza, la poesía o la pintura. Cuando pinto, la “muñeca” se convierte en el sujeto de mi imaginación, funcionando de forma similar a ellos, proporcionando a los niños una excelente herramienta para desarrollar y refinar sus emociones. La infancia de cada persona estuvo marcada por juguetes particulares. En mi caso, el juguete favorito de mi infancia fue destruido por el perro de la familia. A raíz de esta experiencia, empecé a pintar niñas y sus muñecas y, más tarde, a fusionar la imagen de la niña y la muñeca utilizándolas como medio para explorar, comprender y expresar mi propia alma. Hay un niño que todos llevamos en el alma, y este es el mensaje que pretendo transmitir en mi pintura y a través de ella.” Adina Tigoan ENGLISH “My name is Roxana Adina Tigoan. I was born on July 3rd,1973, in Cluj-Napoca, in the heart of Transylvania, Romania. I graduated from the University of Economic Science and Business Management, Department of Finance and Banking. My first job was in the field of golden jewelry. I subsequently worked as a financial advisor for the Cluj-Napoca branch of “Antibiotice Iasi,” a medical products company, until I married and had a child. Since then, I have been employed as an economic director for the company I own with my husband, specializing in manufacturing artworks. I have always had a keen interest in art in all its forms, be it music, dance, poetry, or painting. When I paint, the “Doll” becomes the subject of my imagination, functioning similarly to them, providing children with an excellent tool for developing and refining their emotions. Each person’s childhood was marked by particular toys. In my case, the favorite toy of my childhood was destroyed by the family dog. Following this experience, I started to paint little girls and their dolls and later merged the child’s image and the doll using them to explore, understand, and express my own soul. There is a child we all bear in our souls - and this is the message I intend to convey in and through my painting.” Adina Tigoan Instagram: @adinatigoan Email: tigoanadina@gmail.com

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1. Tiny Soulken (Pequeña Soulken) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 x 40 cm

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2. Colorstood Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 45 x 35 cm

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3. Unknowing the destiny (desconociendo el destino) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 40 x 50 cm

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DAVID JANDRON

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL “Artista independiente autodidacta. Mi proceso creativo incorpora la yuxtaposición de la intención y el azar, una mezcla de control y caos, como la vida. Estas pinturas son una expresión de la vida cotidiana, filtrada a través del lente de la enfermedad mental, el abuso de sustancias y el trauma de la infancia. La oscuridad y los tonos saturados son una demostración del constante conflicto interior entre el espíritu y la carne.” David Jandron ENGLISH “Self-Taught Outsider Artist. My creative process incorporates the juxtaposition of intention and chance, blending control and chaos, much like life. These paintings are an expression of daily living, filtered through a lens of mental illness, substance abuse, and childhood trauma. Darkness and saturated hues are both a demonstration of the constant inner conflict between the spirit and flesh.” David Jandron Instagram: @recogoods Email: jandron1211@gmail.com Web: www.djandronart.com

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1. Board of Directors (Junta de directores) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 60 x 45 cm

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2. Reigning Opinion (Opinión reinante) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 45 x 60 cm

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3. Not Present (Ausente) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 60 x 50 cm

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HANDAN DENIZ (Turquía/ Turkey)

ESPAÑOL “Soy una artista autodidacta de Estambul, Turquía. Hay algunos pintores en mi familia, pero no me di cuenta de mi talento hasta que me enamoré perdidamente de alguien. Buscando una forma de expresar mis sentimientos, conocí la pintura. Me inspiró sobre todo en estados emocionales intensos, en la geometría y en la naturaleza; especialmente el sol, los mares y las puestas de sol son mi brújula. Siento que mientras pinto, me pierdo y luego me encuentro de nuevo libremente. En “Supresión”, combiné mi obsesión por la geometría y la simetría con el púrpura, que es el color de la creatividad y la pasión, utilizando la espátula y mis manos. Sigo liberando mi alma a través de mis pinturas.” Handan Deniz ENGLISH “I’m a self-taught artist from Istanbul, Turkey. There are a few painters in my family, but I didn’t realize my talent until I fell madly in love with someone. While looking for a way to express my feelings, I came across the concept of painting. I mostly get inspiration from intense emotional states, geometry, and nature; especially the sun, seas, and sunsets are my compass. While I’m painting, I feel lost and then find myself again freely. In “Suppression,” I combined my geometry and symmetry obsession with purple, which is the color of creativity and passion, using the spatula and my hands. I continue to free my soul through my paintings.” Handan Deniz Instagram: @art.snippets Email: cilelihandan@gmail.com

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1. Suppression (Supresión) Acrílico y óleo sobre lienzo/ Acrylic and oils on canvas 70 x 50 cm

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BENJAMIN PALAVICS (Hungría/ Hungary)

ESPAÑOL “Mi nombre es Benjamin Palavics, soy un artista húngaro con estilo abstracto afincado en Toronto. Tengo una naturaleza artística, pero mi pasión siempre ha sido el dibujo. Después de obtener mi título de diseño gráfico, me di cuenta de que prefería ser un artista que seguir la carrera de diseñador. Mi arte lineal es simplemente una corriente espontánea de líneas que aparecen de forma abstracta. En el momento en que estoy creando una pieza, cada línea fluye libremente desde el subconsciente. Cada trazo cobra vida de forma inesperada, conectándose de muchas maneras diferentes y al final forman una “entidad” única que simboliza una etapa de mi existencia en un momento de creación.” Benjamin Palavics ENGLISH “My name is Benjamin Palavics. I am a Hungarian abstract line artist based in Toronto. I have an artistic nature, but my passion has always been drawing. After earning my graphic design degree, I realized I would pursue being an artist instead of a designer career. My line art is simply a spontaneous stream of lines appearing abstractly. At the moment I am creating a piece, every line flows freely from the subconscious. Each stroke comes unexpectedly into life, connecting in many diﬀerent ways, and at the end, they form a unique ‘entity’ that symbolizes a stage of my existence in a moment of creation.” Benjamin Palavics Instagram: @benypalavics_art Email: beny.palavics@gmail.com

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1. Fire Within (Fuego interior) Tinta y pintura acrílica sobre lienzo/ Ink and acrylic paint on canvas 132 x 90 cm

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2. Trapped in Peace (Atrapado en la paz) Tinta y pintura acrílica sobre lienzo/ Ink and acrylic paint on canvas 61 x 91 cm

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3. Dreams within Dreams (Sueños dentro de sueños) Tinta y pintura acrílica sobre lienzo/ Ink and acrylic paint on canvas 104 x 47 cm

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RIIKKA KOO

(Finlandia/ Finland)

ESPAÑOL Después de trabajar con acuarela, tintas y artes gráficas en un principio, finalmente encontró que la pintura acrílica se adaptaba mejor a su estilo de creación y por eso ha sido su método principal desde hace algún tiempo. Describe su proceso de pintura como un proceso que comienza simplemente imaginando un espectro de colores en un lienzo en blanco y esperando que los colores se revelen. El resultado depende de la sensación general y del estado de la mente y el cuerpo, y a menudo resulta sorprendente incluso para ella misma. En conclusión, siempre que pinta se esfuerza por conseguir un delicado equilibrio entre colores, texturas y formas para complementar la imagen final, ya sea abstracta o algún tipo de retrato. La pintura es una necesidad para ella, está en lo más profundo de su naturaleza y le proporciona un cambio constante. Le da la libertad de ser quien es, y la desafía de una manera que ninguna otra cosa lo hace. ENGLISH After working with aquarelle, inks, and graphic arts initially, she finally found acrylic painting as best suited for her style of creation, so it has been her primary choice of method for some time now. She describes her painting process to initially start by simply just imagining a color spectrum on a blank canvas and awaiting the colors to reveal themselves. The outcome is dependent on the general feel and state of mind and body and very often proves to surprise even herself, in the end, thus keeping things interesting. In conclusion, always when painting, she strives to achieve a delicate balance between colors, textures, and shapes to complement the final image, whether abstract or somewhat portraying. Painting is a necessity to her; it’s deep in her nature and provides constant change. It gives her the freedom to be who she is and challenges her in a way nothing else does. Instagram: @riikkairikki Email: riikkakooart@gmail.com Web: riikkakoo.com

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1. Silence (Silencio) Acrílico y esmalte sobre lienzo/ Acrylic and enamel paint on canvas 70 x 70 cm

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2. Garden III (Jardín III) Acrílico y esmalte sobre lienzo/ Acrylic and enamel paint on canvas 116 x 89 cm

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3. Pond (Estanque) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 81 x 65 cm

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DALIA PUGATSCH (Suiza/ Switzerland)

ESPAÑOL Dalia Pugatsch (nacida en 1957 en Zúrich) es una apasionada artista de Zúrich, Suiza. Ha desarrollado sus conocimientos de pintura principalmente de forma autodidacta. Sin embargo, tras unos años como abogada, se dedicó de lleno a su verdadera pasión por el arte. Su técnica pictórica preferida es el acrílico con estructuras e incrustaciones. Las formas abstractas y los colores expresivos determinan sus cuadros. Hace quince años, Dalia Pugatsch fundó su propia escuela de arte, el “Estudio de Arte y Diseño”, que ha formado a cientos de estudiantes de arte. La vida artística de Dalia Pugatsch se ve alineada por muchas exposiciones de arte y ventas de cuadros en el país y en el extranjero. En 2019 escribió un libro titulado “Art®evolution”. El contenido del libro, es decir, el examen crítico de una parte del mundo del arte con la tesis básica “lejos de la provocación y la superioridad del nombre del artista hacia la estética pura y la habilidad”, se confirma milagrosamente por la inclusión en este anuario. “Con mis cuadros intento enviar luz a las profundidades del corazón humano; mi intención es conmover a la gente. Una y otra vez busco la verdad subjetiva de la estética. Es maravilloso dejar que mis propias filosofías de la vida hablen por boca de mis cuadros. La serie de arte rupestre combina varios de mis intereses: el arte, la historia y el misticismo. Esta obra mezcla fragmentos de imágenes de 15.000 años de antigüedad procedentes de las cuevas de Lascaux, Chauvet y Altamira con arte abstracto moderno. Creé la segunda serie “ruptura” al final de la actual pandemia mundial. ¡Finalmente los colores brillantes del ramo diverso - llamado vida - vuelven a nosotros!” Dalia Pugatsch ENGLISH Dalia Pugatsch (born in 1957 in Zurich) is a passionate artist from Zurich, Switzerland. She has mainly developed her painting knowledge autodidactically. However, after a few years as a lawyer, she devoted herself entirely to her genuine passion for art. Her preferred painting technique is acrylic with structures and inlays. Abstract shapes and expressive colors determine her paintings. Fifteen years ago, Dalia Pugatsch founded her own art school, «studio for art and design»-- hundreds of art students have been trained by her. Dalia Pugatsch`s artistic vita is lined up by many art exhibitions and picture sales at home and abroad. In 2019 she wrote a book called «Art®evolution.» The book’s content, i.e., the critical examination of a part of the art world with the basic thesis «away from the provocation and the superiority of the Artist name toward pure aesthetics and skill,» is miraculously confirmed by the inclusion in this yearbook. “With my paintings, I try to send light into the depths of the human heart- I intend to touch people. Again and again, I look for the subjective truth of aesthetics. It is beautiful to let my own philosophies of life speak through the mouthpiece of my paintings. The cave-art series combines several of my interests: art, history, and mysticism. This work mixes 15000-year-old image fragments from the caves of Lascaux, Chauvet, and Altamira with modern abstract art. I created the second series, «breakup, » at the end of the current corona pandemic. Finally, the bright colors of the diverse bouquet- called life – come back to us !” Dalia Pugatsch Instagram: @kunstatelier_pugatsch Email: dalia@pugatsch.ch Web: www.pugatsch.ch

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1. Life comes back I (La vida vuelve I) Acrílico técnica mixta sobre lienzo/ Acrylic mixed media on canvas 90 x 90 cm

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2. Life comes back IV (La vida vuelve IV) Acrílico técnica mixta sobre lienzo/ Acrylic mixed media on canvas 120 x 100 cm

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3. Cave-Art XV (Arte rupestre XV) Acrílico técnica mixta sobre lienzo/ Acrylic mixed media on canvas 80 x 80 cm

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ALISON APLIN (Australia)

ESPAÑOL “Mi experiencia es la de una diseñadora paisajista multipremiada especializada en paisajes sostenibles. El diseño es una pasión para mí, evidente desde una edad temprana. La arquitectura, la moda, el diseño de interiores, la yuxtaposición de formas, colores y texturas me han fascinado durante muchos años. Esto me llevó a una pasión por el diseño de jardines durante más de 35 años. Y ahora se ha convertido en mi amor por el arte abstracto. Mis obras de arte son llamativas, a menudo atrevidas en el uso del color y el diseño general de la obra. Y el diseño ocupa un lugar destacado en mis obras. Como expresionista abstracta, mi obra puede compararse con la de Frankenthaler y Flack, dos mujeres artistas. Soy autodidacta, pero creo que mi formación en diseño es tan importante para mi arte como los estudios artísticos. Soy una investigadora perpetua, muy interesada en el género del arte abstracto, que evoluciona rápidamente. Me siento entusiasmada por formar parte de este movimiento artístico, experimentando siempre con mi propia práctica con productos y estilos. Definitivamente, no hay un estilo fijo en mi trabajo: es intuitivo, a menudo gestual y siempre en movimiento. Soy una “artista madura” que desearía haber llegado a este campo antes, cuando el deseo estaba ahí, pero los obstáculos eran demasiados. Ahora estoy en la transición de dejar la labor como paisajista y pasar al ámbito de artista profesional. El tiempo lo dirá, pero a nivel internacional, especialmente en Europa, mi trabajo es buscado. Mi propia práctica artística gira en torno al color y, a menudo, al uso de formas geométricas con formas lineales. Muchas de mis obras son de técnica mixta, y suelen estar acabadas con óleos en sus diversas formas. El tamaño de mis obras, normalmente sobre lienzo, suele ser grande, lo que permite que mis obras, atrevidas y estilizadas, tengan el mayor impacto para el espectador.” Alison Aplin ENGLISH “My background is as a multi-award-winning landscape designer specializing in sustainable landscapes. Design is a passion for me, evident from an early age. Architecture, fashion, interior design, the juxtaposition of shapes, colors, and textures have fascinated me for a great many years. This led to a passion for designing gardens for well over 35 years. And it has now converted to my love of abstract art. My artwork is loud, often in-your-face bold with the use of color and the work’s overall design. And design features prominently in my artwork. As an abstract expressionist, my work can be likened to Frankenthaler and Flack – two female artists. I am self-taught but believe my design background is essential to my art for artistic studies. I’m a perpetual researcher interested in the rapidly moving abstract art genre. I feel exhilarated to be part of this movement in art, forever experimenting with my own practice with products and styles. There is definitely no set style with my work – it’s intuitive and often gestural and always on the move! I’m a ‘mature aged artist’ wishing so much that I had come to this field earlier when the desire was there, but there were too many obstacles. I’m now transitioning to retiring as a landscape designer and moving into the realm of a professional artist. Time will tell on this, but my work is sought internationally, especially in Europe. My own art practice revolves around color and often the use of geometric shapes with linear forms. Many of my works are mixed media, usually finished with oils in various forms. The size of my works, usually on canvas, is very often large, enabling my bold, stylized works to have the most significant impact on the viewer.” Alison Aplin Instagram: @alisonaplinartist Email: timandra@westvic.com.au Web: www.alisonaplinart.com.au

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1. Fruit loop (Bucle de fruta) Técnica mixta con collage sobre lienzo/ Mixed media with collage on canvas 91 x 152 cm

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2. Trees in the City (Árboles en la ciudad) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 102 x 91 cm

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3. The Missing Link (El eslabón perdido) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 91 x 91 cm

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ULRIKE BRECKNER (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Ulrike tiene 20 años y creció en una región industrial del oeste de Alemania. Empezó a pintar con colores acrílicos a los 14 años. Al principio pintaba principalmente mandalas. En los últimos años ha encontrado su propio estilo, con obras que son simétricas y otras que no lo son. “El arte se aleja de la vida cotidiana para mí. Cuando pinto, me encuentro en un estado de meditación. Suelo utilizar muchos colores brillantes en forma de líneas que se convierten en diferentes formas para crear mis obras. Mis piezas no tienen títulos, para que cada uno tenga una oportunidad imparcial de interpretarlas”. Ulrike Breckner ENGLISH Ulrike is 20 years old, and she grew up in an industrial region of western Germany. She started painting with acrylic colors when she was 14 years old. At first, she mainly painted Mandalas. In the past years, she found her own style, with some of her pieces being symmetrical and some not. “Art is heading away from everyday life to me. When I’m painting, I find myself in a meditational state. Usually, I use many bright colors in the form of lines building up to diﬀerent shapes to create my pieces. My pieces have no titles so that everyone has an unbiased opportunity to interpret.” Ulrike Breckner Instagram: @ulrike_breckner_art Email: usb2197@freenet.de

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1. Untitled (Sin título) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 × 50 cm

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GEMA MUÑOZ JANDRA (España/ Spain)

ESPAÑOL La cámara me acompañó desde muy temprana edad, hasta que con diecinueve años terminé mis estudios de imagen y sonido. TÉCNICA Cursé mis estudios de Imagen y Sonido en el IORTV (Instituto de RTVE) y CICI, durante este tiempo realicé prácticas como operador de cámara y foto fija. El inicio en el mundo de la imagen llegó de la mano de productoras de publicidad y las televisiones privadas, desde 1990 a la actualidad desarrollo mi trabajo como editora de postproducción de vídeo en Mediaset, lo que me ha permitido colaboraciones en campañas publicitarias como foto fija y ayudante de fotografía. Miembro de AFM (Asociación Fotográfica de Madrid). He llamado a mi fotografía “FOTOGRAFÍA DE SENTIMIENTOS” porque quiero transmitir la diversidad de reacciones que provocan los sentimientos a través de imágenes, a veces dentro del campo de la fotografía creativa, imágenes serenas, hablar con el blanco y negro... etc. El retrato y la plasticidad de la luz es lo que quizá más me guste manejar. Si mi trabajo consigue no dejar indiferente a los espectadores, habré dado un gran paso en este camino que me define. En éste libro presento tres de mis retratos, en blanco y negro “SILVER SOUL”, fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio. “SNOWS”, texturas de fantasía para una peculiar reina de la nieve. Formato digital papel mate montado en aluminio. “I WISH YOU”, texturas con impacto de luz, la fuerza del deseo. Collage en formato digital papel mate con textura algodón. Gema Muñoz Jandra ENGLISH “The camera accompanied me from a very early age until I finished my studies of image and sound at the age of nineteen. TECHNIQUE I studied Image and Sound at the “IORTV” (RTVE Institute) and CICI. During this time, I practiced as a camera operator and still photographer. The image world’s beginning began through advertising production companies and private television. From 1990 to the present, I have developed as a video post-production editor in “Mediaset,” which has allowed me to collaborate in advertising campaigns as a photographer and assistant photographer. I’m a member of AFM (Photographic Association of Madrid). I have called my photography “PHOTOGRAPHY OF FEELINGS” because I want to convey the diversity of reactions that provoke feelings through images, sometimes within the field of creative photography, serene images, talk to the black and white...etc. The portrait and the plasticity of light are perhaps what I like to handle the most. If I work, it does not leave the viewer indiﬀerent; I will have taken a big step in this path that defines me. In this book, I present three portraits: In black and white “SILVER SOUL,” photography in digital format, matte paper mounted on aluminum. “SNOWS,” fantasy textures for a peculiar snow queen. Digital format matte paper mounted on aluminum. “I WISH YOU,” textures with light impact, the force of desire. Collage in digital format matte paper with cotton texture.” Gema Muñoz Jandra Instagram: @gemamjandra Email: gemag28@gmail.com

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1. Snows (Nieve) Fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio/ Photography in digital format matte paper mounted on aluminum foil 52.15 x 34.54 cm

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2. Silver Soul (Alma del plata) Fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio/ Photography in digital format matte paper mounted on aluminum foil 54.86 x 36.58 cm

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3. I wish you (Te deseo) Fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio/ Photography in digital format matte paper mounted on aluminum foil 141 x 94.08 cm

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TAMÁS KOVÁCS (Hungría/ Hungary)

ESPAÑOL

“¡Qué hermoso amanecer reflejado en el lago del amanecer! ¿No es extraño que no haya casi ninguna relación física entre el lago y el sol? Existen por separado, independientemente el uno del otro. Yo sé muy poco del hombre, soy el agua del lago del amanecer. Pinto rostros, gestos, momentos, sentimientos. Un rostro, un movimiento, un sentimiento se refleja en mí, pero la realidad está distorsionada. La distorsiono. La forma en que la veo. No entiendo mucho de pintura y arte, no aprendí a dibujar ni a pintar. Soy ingeniero y economista, un soldado obligatoriamente racional de un mundo extremadamente predecible. Sin embargo, existe un deseo insoportable de reflejar los abundantes sentimientos, imágenes y pensamientos que se acumulan en mi mundo oculto. Hace mucho tiempo -en mi época escolar- me encontré con unos tubos de pintura y un pincel. Una vez que me di cuenta, domé el primer lienzo de mi vida. Me sentí como nuevo, nunca había experimentado aquella emoción. Fue una sensación maravillosa. Desde entonces, los tubos y los pinceles van y vienen, pero el sentimiento plasmado en el arte de crear es persistente. Se convirtió en mi segunda lengua materna que me ayuda a expresar las palabras que no puedo decir. Soy pintor, ¿por qué iba a preocuparme por la pintura en sí?” Tamás Kovács ENGLISH “What a beautiful sunrise reflected in the lake of dawn! Is it not weird that there is almost no physical relationship between the lake and the sun? They exist separately, independently of each other. I know very little about the man; I’m the water of the lake at dawn. I paint faces, gestures, moments, feelings. A face, a move, a feeling reflects in me, but the reality is distorted. I’m distorting it. The way I see it. I don’t understand much about painting and art, and I did not learn to draw or paint. I am an engineer and economist, a mandatorily rational soldier of a highly predictable world. Though, there is an insuppressible desire to reflect the great feelings, pictures, and thoughts that accumulate in my hidden world. Long ago - back in my school time - I came across some tubes of paint and a brush. There I tamed the first canvas of my life. I felt new, never experienced excitement. It was a wonderful feeling. Since then, the tubes and brushes have come and go, but the feeling captured in the art of creating is persistent. It became my second mother tongue that helped me express the words I can’t tell. I’m a painter - Why would I care about painting itself?” Tamás Kovács Instagram: @tamaskovacs16 Facebook: Tamas Kovacs Email: tomasart71@gmail.com Web: http://tomas-art.hu/

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1. Alécia (Alicia) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 80 x 60 cm

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HANNA MAARIT (Finlandia/ Finland)

ESPAÑOL “El viaje de mi vida hasta ahora... Mi vida como artista se divide en dos periodos diferentes: antes y después de darme cuenta de que mi tiempo es limitado. He dibujado activamente desde que era una niña. Mi familia de la infancia me apoyó siempre, procurando que tuviera un gran rollo de papel de dibujo en mi habitación, muchos colores y pinturas y un caballete. Siempre supe que quería ser artista. Estudié activamente, fui a una escuela de arte y en mi tiempo libre frecuenté varios clubes de arte. Me acostumbré a ir a los museos. Con mi familia y mi trabajo, la pintura empezó a desempeñar un papel menor en mi vida. Sin embargo, he realizado tres exposiciones propias en Helsinki y he participado en dos exposiciones colectivas. Estudié, por ejemplo, más paisaje y acuarela en la Escuela de Arte Libre. Después hubo una pausa en mis actividades que duró muchos años. En 2018 empecé a hacer bocetos de nuevo y a buscar mi propia expresión y voz. En 2019 me diagnosticaron un agresivo cáncer de mama. Eso me hizo reevaluar a qué quería dedicar el resto de mi vida. Ahora tengo 52 años. ¡Espero vivir hasta los cien! La recuperación del cáncer me hizo recordar concretamente la realización de mis propios sueños. Volví a mis raíces y nada pudo impedirme hacer arte a diario. Vivo y respiro lo que he nacido para hacer. Lo que intento expresar son las historias que hay detrás de los cuadros. La esperanza, la compasión y la sensibilidad de la vida son los puntos centrales de mi obra. Mis cuadros son pequeños e invitan a una inspección más cercana. La técnica de la acuarela siempre me ha parecido emocionante y desafiante. Puedes pensar que puedes controlarla, pero siempre encuentra sus propios caminos. - Y eso hace que la acuarela, el arte y la vida sean tan únicos y maravillosos. Siento curiosidad por observar nuestra vida cotidiana, nuestra resistencia y nuestras emociones. El espíritu de mi arte es muy humilde. Respeta el silencio y este momento. Espero que mis cuadros aporten alegría y consuelo” Hanna Maarit ENGLISH “My life journey so far… My life as an artist is divided into two diﬀerent periods: before and after, I realized that my time is limited. I have actively drawn since I was a child. My childhood family supported me by seeing that I had a big roll of drawing paper in my room, many colors and paints, and an easel. I always knew that I wanted to be an artist. I was an active student, went to an art-friendly school, and frequented various art clubs in my spare time. I got used to going to museums. With my own family and work, painting started to play a minor role in my life. I have, however, had three exhibitions of my own in Helsinki and taken part in two group exhibitions. I studied, for example, more landscape and watercolor painting at the Free Art School. After that, there was a pause in my activities that lasted for many years. In 2018 I started making sketches again and looking for my own expression and voice. In 2019, I was diagnosed with an aggressive form of breast cancer. That made me reevaluate what I wanted to dedicate the rest of my life to. Now I am 52 years of age. I hope to live to be a hundred! Recovery from cancer concretely reminded me of fulfilling my own dreams. I went back to my roots, and nothing could stop me from making art daily. I live and breathe what I was born to do. What I am trying to express are the stories behind the paintings. Hope, compassion, and life’s sensitivity are focal points in my work. My paintings are small and invite a closer inspection. I have always found the watercolor technique to be thrilling and challenging. You may think that you can control it, but it always finds its own ways. - And that makes watercolors, art, and life so unique and wonderful. I am curious to observe our everyday life, resilience, and emotions. The spirit of my art is very humble. It respects silence and this moment. I hope that my paintings bring joy and comfort.” Hanna Maarit Instagram: @fineart_compassionandmylife Email: hannamaarit.jauhiainen@gmail.com Web: www.hannaartbyhanna.com

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1. In space, I hear my own thoughts (En el espacio, escucho mis propios pensamientos) Acuarela sobre papel de acuarela Saunders Waterford/ Watercolour painting on Saunders Waterford watercolour paper 41 x 31 cm

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NATE GAINES

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL Artista autodidacta, experimentando con diferentes medios. Su trabajo es dinámico y lleno de movimiento en sus trazos, los cuales nos transmiten un universo muy personal. “Siempre he anhelado una manera de expresarme creativamente. He tocado el bajo en una banda y he sido diseñador de iluminación. Empecé a pintar a los 20 años y he vuelto a hacerlo a los 40. Una vez que tengo una idea, no puedo quitármela de la cabeza hasta que la pruebo en el lienzo. Utilizo pintura en spray y acrílico. Me encanta experimentar con diferentes texturas y técnicas. Me inspiro para pintar lo que ocurre en el mundo que me rodea y en mi familia.” Nate Gaines ENGLISH A self-taught artist who experiments with diﬀerent mediums and techniques. His work is dynamic and full of movement in his strokes, conveying a very personal universe. “I have always craved a way to express myself creatively. I’ve played bass in a band and been a lighting designer. I began painting in my 20’s and have returned to it in my 40’s. Once I get an idea, I cannot get it out of my mind until I bring it to life on canvas. I use spray paint and acrylic. I love experimenting with diﬀerent textures and techniques. I’m inspired to paint by what is going on in the world around me and by my family.” Nate Gaines Instagram: @nategaines_art Facebook: @nategaines TikTok: @nategaines5 Email: nategaines794@gmail.com

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1. Space (Espacio) Pintura en spray sobre lienzo/ Spray Paint on Canvas 50 x 40 cm

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2. Peace (Paz) Pintura en spray y acrílico sobre lienzo/ Spray Paint and acrylic on canvas 61 x 45 cm

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3. Faces (Rostros) Pintura en spray y acrílico sobre lienzo/ Spray Paint and acrylic on canvas 91 x 91 cm

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EDYTA DUDA

(Polonia/ Poland)

ESPAÑOL “Me llamo Edyta Duda, soy de Polonia, pero vivo en Inglaterra desde hace 10 años. Mi amor por la pintura se remonta a mi infancia. Diseñar ropa y pintar es mi mayor pasión. Soy autodidacta, nunca he asistido a clases de pintura. Pinto con acrílicos, pero cuando creo mis cuadros, nunca sé lo que habrá en el lienzo, todo se crea por sí mismo. Me encanta pintar, pero odio mis cuadros y no puedo explicar por qué.” Edyta Duda ENGLISH “My name is Edyta Duda, I come from Poland, but I have lived in England for 10 years. My love for painting dates back to my childhood. Designing clothes and painting is my greatest passion. I am self-taught; I have never attended painting classes. I paint with acrylics, but when I create my paintings, I never know what will be on the canvas; everything is created by itself. I love painting, but I hate my paintings and can’t explain why.” Edyta Duda Instagram: @edytaduda.art_ Email: edyta.duda@vip.onet.pl

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1. Power of red (El poder del rojo) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 50 cm

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JOSEPH P. GHABI (Líbano/ Lebanon)

ESPAÑOL Joseph P. Ghabi nació en Sidón, Líbano. Su clarividencia se despertó a los 8 años y, tras terminar el instituto, se trasladó a Estados Unidos para estudiar Ingeniería Eléctrica. A continuación, obtuvo un máster en Ciencias Informáticas. Tres meses después de su graduación, decidió cambiar completamente de dirección y se trasladó de Nueva York a Montreal (Canadá). Ahora reside en Vancouver, Columbia Británica, Canadá. Su pasado está repleto de títulos y certificaciones otorgados sólo a personas de ciencia y lógica, sin embargo, el verdadero don de Joseph aparece en un área menos frecuentada por los científicos típicos. Un experto Numerólogo de Huellas Azules, maestro sanador, Autor #1 de Best-Sellers, y líder espiritual, Joseph habla sobre temas que van desde las relaciones y la Ley de Atracción hasta el propósito de la vida y las historias pasadas. Es muy conocido por su programa Conexión de Alma a Alma, donde utiliza sus propios dones para ayudar a otros a liberarse y tener paz con su pasado. Joseph es el autor número 1 en ventas. Ya ha escrito dos libros y está trabajando en su tercer libro. Como terapeuta psicosomático, y basándose en su amplio conocimiento de la Numerología, Joseph desarrolló la Numerología Psicosomática, que se centra en la relación entre las emociones, la mente y el cuerpo de uno, junto con los Chakras y su conexión con las enfermedades. El nuevo don de Joseph apareció recientemente en forma de pintura. Ha pintado 400 cuadros en 4 años. Ahora, alinea su don de curación con la pintura, la meditación y la energía de los colores. Los números tienen vibraciones, las palabras tienen vibraciones y los colores tienen vibraciones. A Joseph le encanta experimentar y darse un capricho con muchos colores. Todo lo que pinta es una expresión de sí mismo y de su Alma. Es un artista intuitivo que utiliza muchos colores en sus pinturas ya que sus composiciones son muy intensas y con fuertes contrastes. Sus obras son poderosas trayendo energías curativas a su trabajo. Joseph P. Ghabi ENGLISH Joseph P. Ghabi was born in Sidon, Lebanon. His clairvoyance was awakened at the age of 8, and after finishing high school, he moved to the USA to study Electrical Engineering. He then went on to get a Master’s of Science in Computer Science. Three months after graduation, he decided to change direction entirely and moved from New York to Montreal, Canada. Now, he resides in Vancouver, British Columbia Canada His past is packed with degrees and certifications given only to people of science and logic, yet Joseph’s true gift appears in an area less frequented by typical scientists. An expert Blueprint Numerologist, master healer, #1 Best-Selling Author, and spiritual leader, Joseph speaks on topics ranging from relationships and the Law of Attraction to life purpose and past histories. He is well known for his program Soul to Soul Connection, where he uses his own gifts to help others free themselves and have peace with their past. Joseph is a #1 Best-Selling author. He has already written two books and is working on his third book. As a Psychosomatic Therapist, and drawing upon his extensive knowledge of Numerology, Joseph developed Psychosomatic Numerology, which focuses on the relationship between one’s emotions, mind, and body, in conjunction with Chakras and their connection with diseases. Joseph’s new gift recently showed up in the form of painting. He painted 400 paintings in 4 years. Now, he aligns his gift of healing with painting, meditation, and the energy of colors. Numbers have vibrations, words have vibrations, and colors have vibrations. Joseph loves experimenting and indulging himself with lots of colors. Everything he paints is an expression of himself and his Soul. He is an intuitive artist using many colors in his paintings as his compositions are very intense and with strong contrast. His works are mighty, bringing healing energies to his work. Joseph P. Ghabi Instagram: @josephpghabi Email: joseph@soulvisionawakening.com Web: https://josephpghabiartist.com/

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1. Creative Portal Awakening (Portal Creativo Despertar) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50.8 x 60.96 cm

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2. Coded Communications (Comunicaciones codificadas) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 40.6 x 58.8 cm

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3. 5D Healing Download (Descarga de curación 5D) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91.44 x 91.44 cm

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HALYNA DOLYNNA (Ucrania/ Ukraine)

ESPAÑOL Halyna Dolynna, alias Flower Fly, es una artista ucraniana autodidacta afincada en Lviv con un estilo personal único y fácilmente reconocible. Transmite sus experiencias y su estado interior tejiendo su propio universo. Algunas imágenes que parecen sencillas y manejables a primera vista encierran el caos y la oscuridad cuanto más se mira. Como un estribillo, viajan de un cuadro a otro, evocando una sensación de sueño profundo, su sueño. El espectador se ve inmerso en su mundo y no tiene más remedio que seguir su sueño hasta el final, que siempre es inesperado. La artista juega con los colores y sólo se detiene cuando encuentra la paz. Sin embargo, en todo lo que explora, se percibe un elemento místico. Un sentimiento que persigue durante horas, y vuelve al cuadro para encontrarlo. Y vuelve a fracasar, porque este elemento esquivo no se puede captar con la mera percepción del cuadro como espectador. Y ahí está el truco. Esta magia, esta elusividad, no está en el cuadro, sino en el estado emocional, actuando como una puerta al subconsciente. La belleza irresistible de los cuadros de la artista es que uno nunca es un contemplador, sino un explorador. Sus exposiciones personales en Lviv han suscitado mucho interés. Actualmente está preparando dos exposiciones, una de las cuales está dedicada a su novela, que se publicará próximamente: “El techo.” “Toda mi vida he dibujado rostros de mujeres en cualquier cosa que encontraba. La gente que me rodeaba decía que estaba loca, ya que el número de bocetos era realmente enorme: cualquier trozo de papel, cualquier servilleta estaba cubierta por el mayor número de caras posible. A veces, las caras se superponían y era interesante ver cómo se creaban las imágenes. Y entonces me dije: ya está bien, ¡vete a pintar como la gente normal! Y así lo hice: compré lienzos, pinturas y pinceles. Pero sigo dudando de que pinte como la mayoría de la gente normal. El cuadro presentado aquí se incluirá en la exposición dedicada a mi novela, que trata de mi experiencia artística: es mística y psicológica, una especie de búsqueda en la que la verdad se encuentra al final. Pero cada uno tiene su propia verdad. Incluidos mis cuadros”. Halyna Dolynna ENGLISH Halyna Dolynna, aka Flower Fly, is a self-taught Ukrainian artist based in Lviv with a unique, easily recognizable personal style. She conveys her experiences and inner state of being by weaving her own universe. Some images that seem simple and manageable at first glance hold chaos and darkness the longer you look. They, like a refrain, travel from one painting to another, evoking a feeling of deep sleep – her sleep. The viewer is immersed in her world, having no choice but to follow her dream to the end, which is always unexpected. The artist plays with colors and only stops when she finds peace. Yet, whatever she explores, you can sense a mystical element. It haunts you for hours, and you return to the painting to find it. And fail again, for this elusive element you cannot grasp by merely perceiving the painting as a viewer. And there is the trick. This magic, this elusiveness, is not in the painting but in the emotional state it puts you in, acting as a door into the subconscious. The compelling beauty of the artist’s paintings is that you are never a contemplator but an explorer. Her personal exhibits held in Lviv have evoked much interest. She is currently preparing two exhibits, one of which is devoted to her soon-to-bepublished novel: “The Roof.” “All my life, I’ve been drawing women’s faces on anything I could find. People around me said I was crazy as the number of sketches was really enormous: any piece of paper or napkin was covered by as many faces as possible. Sometimes, faces overlapped, and it was interesting to see how images created themselves. And then I said to myself: that’s enough – go and paint like normal people! And so I did – I bought canvases, paints, and brushes. But, I still doubt that I paint like most normal people. The painting presented here will be included in the exhibit dedicated to my novel, which is all about my artistic experience – it’s mystical and psychological, a kind of quest where the truth is found at the end. But you know, everyone has their own truth. Including my paintings.” Halyna Dolynna Instagram: @flower_fly_art Email: halyna.dialog@gmail.com

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1. The Red Room (La habitación roja) Acrílico sobre cartón/ Acrylic on cardboard 40 x 60 cm

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PABLO REGO RIVERA (México/ Mexico)

ESPAÑOL “Soy un artista cuyo impulso creativo proviene del cultivo de un jardín infinito. Mi labor es explorar las fronteras ilimitadas de la naturaleza para expresar la unificación del cuerpo y de la mente. Aspiro a reconectar con la tierra, desplegando mis raíces lo más profundamente posible; visualizo trazos explosivos de color provenientes del fuego que arde en mi corazón; canalizo los tonos curativos del agua a través de mis manos instrumentales; respiro junto con el cosmos elaborando corrientes de aire dentro de mis pulmones. Crear es compartir, imaginar y comunicar un idioma universal. Esta es la naturaleza de mi jardín.” Pablo Rego Rivera ENGLISH “I am an artist cultivating creativity within an infinite garden. I walk through the limitless boundaries of nature to experience and illustrate the unified expressions of the body and mind. I seek reconnection with the earth, spreading my roots deep into the ground. I envision explosive strikes of color from the fire which burns in my heart. I channel the healing notes of flowing water through my instrumental hands. I breathe together with the cosmos, generating currents of air in my lungs. To create is to share, imagine and communicate a universal language; this is the Nature of my Garden.” Pablo Rego Rivera Instagram: @regorganic Email: pablo@regorganic.com Web: www.regorganic.com

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1. Margrietstraat (Calle Margarita) Composición digital a partir de fotografía/ Digital composition from photograph 96 x 128 cm

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2. Cuerpos Orgánicos (Organic Bodies) Composición digital a partir de fotografía/ Digital composition from photograph 182 x 121 cm

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3. Fiesta Mañanera (Morning After) Composición digital a partir de fotografía/ Digital composition from photograph 182 x 121 cm

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KOEN BOSSMANS (Bélgica/ Belgium)

ESPAÑOL “Soy un pintor belga autodidacta. Cuando tenía 3 años, mi talento para el dibujo ya fue notado por un profesor, por lo que estoy eternamente agradecido. Este fue el comienzo de mi viaje. A lo largo de los años había perdido inconscientemente esta conexión. Me faltaba algo en mi vida sin darme cuenta de qué. Corona ha devuelto la paz a mi agitada existencia, y se ha asegurado de que vuelva a encontrar mi pasión, y ha subrayado lo importante que es para mí. Pintar es un proceso creativo en el que el subconsciente espera que se produzca la magia. Es una danza de colores, de luces y sombras, es cambiar los colores hasta que encuentren la posición correcta en el lienzo. A veces pinto con los dedos para conseguir una mayor conexión con el lienzo, para transmitir más energía. Tengo una gran fascinación por los retratos, pueden leerse como una historia sobre la vida de una persona. Cuanto más carácter, más interesante es el libro. Los ojos son las puertas del alma. La pintura es la transmisión de energía y frecuencias. Son estas frecuencias las que hay que tratar de sintonizar para conseguir un bello conjunto, sin el cual no hay vida en el lienzo. Es como la “geometría sagrada”, la sabiduría aporta poder y belleza a la obra. Mi vívido uso del color hace que en el lienzo no haya diferencia entre las razas, trasciende la discriminación y el racismo. Todos los retratos están compuestos por los mismos colores básicos. Todos somos uno: ¡la pintura me da una sensación de libertad!” Koen Bossmans ENGLISH “I ‘m a self-taught Belgian painter. When I was 3 years old, my talent for drawing was noticed by a teacher, for which I am eternally grateful! This was the start of my journey. Through the years, I had unconsciously lost this connection. Something was missing in my life without really realizing what. Corona has brought peace back into my hectic existence, and made sure that I found my passion again, and underlined how important this is for me! Painting is a subconscious creative process, waiting for the magic to happen. It is a dance of colors, light, and shadow; it is the shifting of colors until they find the correct position on the canvas. Sometimes I paint with my fingers to get even more of a connection with the canvas, to convey more energy. I have a huge fascination with portraits; they can be read as stories about a person’s life. The more character, the more interesting the book! The eyes are the gateways to the soul. Painting is the transmission of energy and frequencies. One must try to tune these frequencies to achieve a beautiful whole without which there is no life on the canvas. It is like “sacred geometry”; wisdom brings power and beauty to work. My vivid use of color makes that on the canvas, there is no diﬀerence between races; it transcends discrimination and racism. All portraits are composed of the same primary colors. We are all one - painting gives me a sense of freedom!” Koen Bossmans Instagram: @bosmanskoen71 Email: koen.bosmans1@telenet.be

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1. Fight for freedom (Lucha por la libertad) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 115 x 75 cm

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2. Strength of the mind and perseverance (Fuerza de la mente y perseverancia) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 60 x 80 cm

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3. Power of frequency. (El poder de la frecuencia) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 115 x 75 cm

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CHRIS KAOS

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Me he enseñado a mí mismo durante mucho tiempo, más bien la mayoría, y he aprendido varias habilidades para ampliar mi talento y conocimiento. Esto se refiere tanto a mi curso artístico como al profesional. No tengo una educación regular en el campo creativo en el sentido, pero también en mi profesión principal actual empecé como un cambio de carrera y han llevado a lo largo del tiempo varios proyectos a la terminación. Además de varios trabajos y visitas a la escuela, paralelamente siempre me he ocupado de cosas creativas y desde la mitad de la adolescencia adicionalmente con la producción de música electrónica. En 2020 construí la infraestructura técnica para poder presentar y distribuir en parte mis trabajos. Aquí utilicé mis conocimientos acumulados para poder hacer todas las tareas yo mismo. Si no sabía algo, aprendía la materia correspondiente. “En realidad, mi arte me acompaña toda la vida. Mi talento es la base de mi arte y con el tiempo he ido adquiriendo yo mismo diversos conocimientos y técnicas. Una educación artística no tiene sentido. Mi tiempo junto a mi trabajo principal lo uso mucho para mi trabajo artístico. Mis cuadros no se corresponden necesariamente con la norma y con el tiempo ha surgido mi propio estilo Además del dibujo clásico, utilizo muchos medios mixtos, en particular trabajo mis imágenes digitalmente y utilizo herramientas adecuadas. En general, situaría mis obras en el surrealismo, el arte abstracto, el estilo de cómic y el arte urbano y callejero. La mayor parte sale de mi cabeza y en principio me doy libertad en cuanto a los motivos. Además, produzco música electrónica y ritmos instrumentales. Todo ello es para mí una especie de autorrealización.” Chris Kaos ENGLISH “I have taught myself during the time much, rather most, and learned various skills to expand my talent and knowledge. This concerns my art as well as my professional course. I do not have a regular education in the creative field in a sense. I started as a career changer in my current primary profession and have brought various projects over time to completion. In addition to various jobs and school visits, I have parallelly always occupied myself with creative things and from the mid-teenage additionally with electronic music production. In 2020 I built up the technical infrastructure to present and partly distribute my works. Here I used my built-up knowledge to do all the tasks myself. If I didn’t know something, I learned the respective matter. “My art has actually accompanied me all my life. My talent forms the basis for my art, and over time I have acquired various knowledge and techniques myself. I do not possess any artistic education as such. I use my time next to my main job for my artistic work. My pictures do not necessarily correspond to the norm, and my own style has emerged over time. In addition to classical drawing, I use many mixed media; in particular, I work my images digitally and use appropriate tools. I would generally place my works in surrealism, abstract art, comic style, and urban & street art. Most of it is out of my head, and in principle, I give myself freedom in terms of motifs. In addition, I produce electronic music and instrumental beats. The whole thing is for me a kind of self-realization.`` Chris Kaos Instagram: @chriskaos84 Facebook: @c.kaos84 Soundcloud: chriskaos84 Flickr: chris-kaos-84 Web: kaos84.com

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1. Dimensions (Dimensiones) Dibujado tradicionalmente con lápiz y rotuladores y coloreado, procesado digitalmente con efectos y filtros/ Traditionally drawn with pencil and markers, digitally colored and processed with eﬀects and filters 29.6 x 44.2 cm

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2. Blonde haired Pin Up Girl (Chica Pin Up de pelo rubio) Dibujo clásico con pincel de tinta digital y coloreado en tableta/ Classically drawn with digital ink brush and colored on tablet 34.1 x 22.8 cm

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3. Eyes & Cubes (Ojos y cubos) Dibujado tradicionalmente a lápiz y coloreado, procesado digitalmente con efectos y filtro/ Traditionally drawn with pencil and digitally colored, processed with eﬀects and filter 44.2 x 29.6 cm

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ERNESTO TOMAS VAQUERO (Australia)

ESPAÑOL Con orígenes de Perú y El Salvador, Ernesto es un artista intuitivo y expresionista abstracto con un trabajo intenso, salvaje y espontáneo. “No hay intención ni plan - nunca fui a la escuela de arte ni me consideré un artista - pero por alguna razón está funcionando, Si no se siente bien voy a pintar sobre ella - una persona me dijo una vez “Soy el mejor” se refería a ellos.“ Ernesto Tomás Vaquero ENGLISH With origins from Perú and El Salvador, Ernesto is an intuitive and abstract expressionist artist with intense, wild, and spontaneous work. “There is no intention or plan —I never went to art school or considered myself to be an artist— but for some reason, it’s working. If it doesn’t feel right, I’ll paint over it — a person once told me “I’m the best” they meant them. ” Ernesto Tomás Vaquero Instagram: @vaquero.neto Email: ernesto.tomas@hotmail.com

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1. Polynartha Acrílico, óleo en barra, pintura en spray sobre lienzo/ Acrylic, oil stick, spray paint on Canvas 1220 x 920 cm

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2. Perfume de mama (Mom’s perfume) Acrílico, óleo en barra, pintura en spray, pintura al óleo sobre Cortina/ Acrylic, oil stick, spray paint, oil paint on Curtain blind 2450 x 1760 cm

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3. Casa de Abajo (House downstairs) Acrílico, óleo en barra, pintura en spray, pintura al óleo sobre Cortina/ Acrylic ,oil stick, spray paint, oil paint on Curtain blind 2530 x 2240 cm

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FRANCISCA DEL CARMEN (Chile)

ESPAÑOL “Mi trabajo como artista se centra en la pintura al óleo, donde la mancha guía principalmente mis procesos. Me he desarrollado también en trabajos de escultura, acuarela y collage, pero siempre vuelvo al óleo. Veo a este material como un medio de creación único, donde puedo fluir y crear libremente. Soy una artista chilena que partió sus estudios artísticos en la Universidad Alberto Hurtado, en la carrera de pedagogía en artes visuales, la cual cursé durante 5 años. No solo me desempeño como artista independiente, sino que también enseño a niños y jóvenes las posibilidades que se pueden encontrar en las artes. Mi obra se centra mucho en el estudio de la piel, siendo la figura humana la principal guía en mi trabajo. Me gusta mucho como se puede llegar a crear algo por medio de la mancha, como algo poético, es increíble que detrás de un pincel pueda aparecer el cuerpo, la piel y el sentimiento.” Francisca del Carmen ENGLISH “My work as an artist focuses on oil painting, where the stain mainly guides my processes. I have also developed sculpture, watercolor, and collage works, but I always return to oil painting. I see this material as a unique means of creation, where I can flow and create freely. I am a Chilean artist who began her artistic studies at Alberto Hurtado University, in the career of visual arts pedagogy, which I studied for 5 years. I not only work as an independent artist, but I also teach children and young people the possibilities that can be found in the arts. My work focuses a lot on studying the skin, being the human figure the primary guide in my work. I really like how you can create something through the stain, as something poetic; it is incredible that behind a brush can appear the body, the skin, and the feeling.” Francisca del Carmen Instagram: @francine_art_ Email: fran.lizana.miranda@gmail.com / fca.lizm@gmail.com

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1. Mujer sentada (Seated woman) Óleo on canvas/ Oil on canvas 50 x 40 cm

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2. Díptico-desnudos (Diptych-nude) Óleo on canvas/ Oil on canvas 30 x 60 cm

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3. Retrato 1 (Portrait 1) Óleo on canvas/ Oil on canvas 50 x 40 cm

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ADAM KONOROT (Hungría/ Hungary)

ESPAÑOL “Mi nombre es Adam Konorot. Soy un diseñador gráfico húngaro y especialista en el arte 3D, viviendo en Budapest. Después de haber terminado con la escuela, quise empezar un ejercicio creativo aplicado en el día a día, dónde puedo cumplir mis deseos de artista. Este viaje comenzó a principios de 2021, donde gané un montón de nuevas experiencias, incluyendo toneladas de altibajos. Principalmente creo cosas abstractas, y mi flujo de trabajo es la mayor parte del tiempo improvisado. Para mí se convirtió en una pasión, que puedo imprimir mis sentimientos reales con mis imágenes, que en realidad funciona como una terapia también.” Adam Konorot ENGLISH “My name is Adam Konorot. I am a Hungarian graphic designer and 3D generalist based in Budapest. After finishing school, I wanted to start everyday creativity to fulfill my artistic desires. This journey started at the beginning of 2021, where I gained a lot of new experiences, including tons of ups and downs. I mainly create abstract things, and my workflow is most of the time improvised. It became a passion where I can impress my actual feelings with my pictures, which actually works as a therapy as well).” Adam Konorot Instagram: @adamkonorot Rarible: @adam_konorot Email: adamkonorot@gmail.com

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1. Astromoment (Momento Astro) Impresión digital/ Digital print 34 x 27 cm

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CORNELIA MARIA DINU (Rumanía/ Romania)

ESPAÑOL “Soy una artista de Rumanía sin formación en arte, pero apasionada por todo lo bello...el color, el dibujo, la pintura...mezclando y combinando todo lo que se me pasa por la cabeza. Siempre tuve una pasión por el dibujo y la pintura y hace unos años comencé mi viaje en el mundo del arte, explorando diferentes estilos y tratando de encontrar mi camino y expresar mi personalidad mediante la creación de cosas hermosas que complacen mi alma. Estoy en un proceso constante de aprendizaje y descubrimiento de nuevas formas de plasmar las ideas en el lienzo, a veces fracasando, a veces teniendo éxito, pero sin rendirme nunca, ya que esto es una parte definitoria de mi personalidad. Me atrae sobre todo la técnica mixta, ya que me gusta combinar diferentes medios y técnicas, pero también me gustan las acuarelas y los bocetos. Mi esperanza para el futuro es convertirme en un mejor artista con cada boceto y cada toque de color, considerándome bendecido por poder crear y expresar mis ideas de esta manera, tratando de traer pequeños momentos de felicidad a la gente, cuando echan un vistazo a mi arte.” Cornelia Maria Dinu ENGLISH “I am an artist from Romania with no background in art but a passion for everything beauty… color, drawing, painting…mixing and matching whatever goes through my mind. I have always had a passion for drawing and painting. A few years ago, I started my journey in the world of art, exploring diﬀerent styles and trying to find my way and express my personality by creating beautiful things that pleased my soul. I’m constantly learning and discovering new ways of putting ideas on canvas, sometimes failing, sometimes succeeding, but never giving up, which is a defining part of my personality. I am mostly drawn to mixed media as I like to combine diﬀerent mediums and techniques, but I also like watercolors and sketching. My hope for the future is to become a better artist with every sketch and every touch of color, considering myself blessed to be able to create and express my ideas this way, trying to bring little moments of happiness to people, as they take a look at my art.” Cornelia Maria Dinu Instagram: @corneliamariadinu Email: corneliamaria.dinu@yahoo.com

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1. Angel (Ángel) Técnica mixta sobre papel/ Mixed media on paper 42 x 30 cm

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2. Abstract portrait (Retrato abstracto) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 35 x 28 cm

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3. Mirror Skyline (Espejo de la línea del horizonte) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 20 x 60 cm

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GABRIELA RAD

(Rumanía/ Romania)

ESPAÑOL Durante su infancia y adolescencia, acompañó a su familia en su búsqueda de una vida mejor en Portugal y posteriormente en España viviendo en diferentes ciudades. Se formó en Diseño Gráfico en la Escuela de Arte de Teruel, así como en Marketing Digital y Comercio Electrónico en EAE - Escuela de Administración de Empresas. Desde pequeña le encantaba crear, pero fue en un momento de autoconocimiento personal cuando decidió abrazar el arte como principal parte de su ser. Durante la pandemia, decidió mostrar su obra en https://teve4.com/, edición de Quadern en Blanc presentada por Antonio Arbeloa así como en la plataforma de exhibición virtual 3D organizada por Pedro Luis Requenart, Lo Sublime del Color. Es una artista autodidacta polifacética cuya expresión artística y búsqueda de inspiración no conoce límites. Con un estilo desbordante y hermosos cromatismos nos lleva a otros mundos revelando conceptos como el dualismo antropológico, la esperanza, la valentía, el amor y la belleza. “Si tengo que hablar de mi obra, prefiero que hable ella. Si algún día tengo que comunicar algo a mi entorno, o ayudar a alguien lo primero que se me ocurre es crear. Crear para comunicar, crear para transformar, crear para concienciar. Cada persona tiene una forma de expresar sus valores y principios, la mía es creando. No sé hacerlo de otro modo. Lo único que puedo decir es que mi visión es contribuir a crear un mundo más resiliente y responsable a través del arte. Todo comienza con un pensamiento, sigamos evolucionando! Agradecida.” Gabriela Rad ENGLISH During her childhood and adolescence, she accompanied her family in their search for a better life in Portugal and later in Spain, living in diﬀerent cities. She trained in Graphic Design at the Teruel School of Art and in Digital Marketing and Electronic Commerce at EAE - School of Business Administration. Since she was little, she loved to create, but she decided to embrace art as the central part of her being in a moment of personal self-knowledge. During the pandemic, she decided to show his work at https://teve4.com/, the edition of Quadern en Blanc presented by Antonio Arbeloa and on the virtual 3D exhibition platform organized by Pedro Luis Requenart; Lo Sublime del Color. She is a multifaceted self-taught artist whose artistic expression and search for inspiration know no limits. She takes us to other worlds with an overflowing style and beautiful colors, revealing concepts such as anthropological dualism, hope, courage, love, and beauty. “If I have to talk about my work, I prefer my work to talk about me. If any day I have to communicate something to my environment or help someone, the first thing that comes to mind is to create. Create to communicate, create to transform, create to raise awareness. Each person has a way of expressing their values and principles, and mine is creating. I don’t know how to do it any other way. All I can say is that my vision is to contribute to creating a more resilient and responsible world through art. “ It all starts with a thought, let’s keep evolving! Grateful. :)” Gabriela Rad Instagram: @gabrielarad_ Facebook: @gabrielaradpintora Tik Tok: gabrielarad_ Email: info@gabrielarad.com Web: www.gabrielarad.com

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1. Face your fears (Enfrenta tus miedos) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 40 x 50 cm

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2. You are what you see (Eres lo que ves) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 65 x 50 cm

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3. Lost in myself (Perdida en mi alma) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 60 x 50 cm

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BEATE HOFMANN (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL “Vivo en Alemania. Mi ciudad natal es Mannheim, que me gusta mucho. Los nombres de las calles en Mannheim son en sistema alfabético, lo que hace un poco difícil para los extranjeros encontrar su camino. Desde la infancia, he crecido con el arte y la cultura. Pude expresar mi creatividad a través de la música. Durante una rehabilitación en 2019 , encontré el amor por la pintura, también empecé a pintar con colores acrílicos. Primero usé papeles y luego lienzos. Desde entonces puedo expresarme a través de mi pintura; mis penas, desilusiones, esperanzas y alegrías por todo lo que me pasa y me rodea. También los sueños y los juegos de colores que perturban, que despiertan anhelos o que emanan paz y tranquilidad. Emociones que se convierten en imágenes.” Beate Hofmann ENGLISH “I am living in Germany. My hometown is Mannheim, which I love very much. The names of the streets in Mannheim are all squares and have an alphabetical system, which is a little bit hard for foreigners to find their way. From childhood on, I`ve been growing up with art and culture. I could express my creativity through music. During rehabilitation in 2019, I found a love for painting. I also started painting with acrylic colors. First, I used paperbacks and then canvas. Since then, I can express myself through my painting, my sorrows, disappointments, hope, and happiness for all that is happening to me and surrounds me. So do dreams and color plays that upset, that arouses yearning or emanate peace and tranquility. Emotions are turning into pictures.” Beate Hofmann Instagram: @beate.d.hofmann Email: beate-hofmann@t-online.de

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1. Wirbelsturm/ Hurricane (Huracán) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 60 x 50 cm

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2. Frühling /Autumn (Otoño) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 50 x 40 cm

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3. Les Fleures Orange/ Orange Flowers (Flores Naranja) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 40 x 30 cm

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ALEXANDER FRITSCHER (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Alexander Fritscher, también conocido como “gr.af.ik”, es un artista cultural-pop autodidacta de Alemania. Sus pinturas están creadas con técnicas del género de la pintura de acción. Principalmente en forma de splash art y su propio estilo de “splash art detallado” o “Salpicadura detallada”. Su arte se inspira en los clásicos del cómic y los dibujos animados de todo el mundo y de cualquier década. Con su arte quiere unir a la gente y conectar a las generaciones. A través de sus obras quiere aportar su granito de arena, como regalo a la comunidad y como expresión de la individualidad de cada uno de nosotros. ENGLISH Alexander Fritscher, also known as “gr.af.ik” is a self-taught pop-cultural artist from Germany. His paintings are created with techniques out of the action painting genre, mainly in the form of the splash art and his own further-developed detailed splash art style. His art is inspired by comic and cartoon classics worldwide from any decade. He wants to bring people together and connect the generations with his art. Through his works, he wants to do his own part as a gift to the community and as an expression of the individuality of each one of us. Instagram: @gr.af.ik Email: kontakt@alex-fritscher.com Web: www.alex-fritscher.com

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1. The Iron Giant (El gigante de hierro) Salpicadura detallada (Una técnica de action painting de invención propia), Acrílicos sobre papel/ Detailed Splash Art (An own invented action painting technique by myself), Acrylic on paper 20 x 20 cm

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MARCUS STEWART

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL “Mi nombre es Marcus Stewart, nací en Killeen, Texas en 1993. Mi primera experiencia con el arte fue durante mi juventud. Hacía deporte con frecuencia y disfrutaba del aire libre. Fue durante esa época cuando descubrí mi pasión por el arte. Continué participando en el atletismo mientras aprovechaba cualquier tiempo libre para explorar una plétora de arte que se remonta a la era del Renacimiento hasta el surrealismo moderno, las yuxtaposiciones y el arte contemporáneo. Fue a través de esa exploración que entendí la pasión y la creatividad de otros, lo que me inspiró a aprender y entender mi estilo de expresión. Nacido en una familia militar, seguí el ejemplo y me uní a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos en 2012 y serví durante 8 años en el servicio activo. Fui un dedicado jefe de tripulación de los aviones B-52 en la División de Operaciones de Mantenimiento de Aeronaves y estudié Ciencias Aeronáuticas. Esta oportunidad me permitió viajar y explorar más del mundo fuera de los Estados Unidos. Siempre fue mi sueño explorar, aprender y comprender diferentes culturas. Me sentí capacitado para aprender, disfrutar y evolucionar. Fue durante mi servicio a los Estados Unidos cuando maduré y crecí hasta convertirme en quien soy hoy. A lo largo de mi vida he tenido pérdidas y ganancias, pero he aprendido algunas de las mejores lecciones de la vida. A través de todo ello, mi hijo me impulsa a ser lo mejor que puedo ser. Mi objetivo es adquirir conocimientos y sabiduría que me permitan transmitirlos a la siguiente generación. Creo arte para compartir la historia que no se ha contado, mi poesía de la vida. Las mentes cerradas permanecen ciegas y no crecen. Discurso Artístico Todos pasamos por cosas en la vida, vemos y vivimos en diferentes ámbitos de la vida. Aprendemos cosas nuevas, adquirimos sabiduría, nos expresamos y evolucionamos. Me encanta ver la belleza en la vida misma... los diversos tonos subyacentes; los detalles que no se ven a simple vista; el caos; la pasión; y la voluntad de vivir y superar. Esto es lo que me impulsa, la belleza de la vida y del arte que nos rodea.” Marcus Stewart ENGLISH “My name is Marcus Stewart, born in Killeen, Texas, in 1993. My first experience with art was during my youth. I frequently played sports and enjoyed the outdoors. It was during that time where I discovered my passion for art. I continued to participate in athletics while taking any free time to explore a plethora of art dating back to the Renaissance Era to Modern Day Surrealism, Juxtapositions, and Contemporary art. Through that exploration, I would understand the passion and creativity, which inspired me to learn and understand my style of expression. Born into a military family, I followed suit and joined the United States Air Force in 2012 and served for 8 years on active duty. I was a dedicated Crew Chief for the B-52s aircraft in the Aircraft Maintenance Operations Division and studied Aeronautical Science. This opportunity allowed me to travel and explore the outside world. It was always my dream to explore, learn, and understand diﬀerent cultures. I felt empowered to learn, indulge, and evolve. During my service for the United States, I matured and grew into who I am today. I had gains and losses throughout my life; however, I learned some of life’s greatest lessons. My son drives me to be the best I can be through it all. My goal is to gain knowledge and wisdom, which will allow me to pass it onto the next generation. I create art to share the untold story, my poetry of life. Closed minds remain blind and fail to grow. Artist Statement We all go through things in life, see and live in diﬀerent walks of life. We learn new things, gain wisdom, express, and evolve. I love to see the beauty in life itself...the various underlying tones; the details that are not seen by the naked eye; the chaos; the passion; and the will to live and overcome. This is what drives me, the beauty of life and art that is all around us.” Marcus Stewart Instagram: @_d.stew_ Facebook: Marcus Stewart (Bap) Email: marcusstewart12.ms@gmail.com

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1. Black Widow (Viuda negra) Acuarela, grafito y tinta sobre papel/ Watercolor, Graphite and Ink on paper 60.96 x 45.72 cm

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2. New Beginnings (Nuevos comienzos) Acuarela, grafito y tinta sobre papel/ Watercolor, Graphite and Ink on paper 35.56 x 27.94 cm

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3. The Troubled Heart (El corazón perturbado) Carboncillo, grafito y tinta sobre papel/ Charcoal, Graphite, and ink on paper 22.86 x 15.24 cm

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ÁLVARO DE LA PUENTE (Perú/ Peru)

ESPAÑOL Artista peruano, nacido en Lima en 1990, graduado en la Escuela de Arte y Diseño Corriente Alterna en el 2013, titulado en la Universidad Mayor de San Marcos con un bachillerato complementario en arte y actualmente ejerciendo la profesión de artista plástico en el rubro de pintura. Su lenguaje plástico se desarrolla en base a las innovaciones técnicas que implementa a partir del estilo pictórico del Expresionismo Abstracto americano. Hace su primera individual denominada IMAGINARIO en el 2015 en la Galería del Centro Cultural de la Universidad Femenina del Sagrado Corazón – UNIFE. En el 2017 hace su segunda individual en la galería Aida Bosch bajo el título de TURBAMIENTO. En el 2018 nos presenta su tercera individual titulada AUTOTÉLICO en la galería Fugaz del Monumental Callao. En el 2019 realiza su cuarta individual titulada SINESTESIA en la galería del restaurante Tierra Baldía. Ese mismo año, realiza su quinta exposición individual titulada INTROSPECCIÓN en la galería del Club Regatas Lima y la sexta individual titulada Vibración Cromática en la galería Artimundo en Bruselas, Bélgica. En el 2020 realiza su séptima exposición individual titulada Cromático Acromático en la galería Espacio La Sala. Además, ha participado en la segunda, quinta y sexta exposición virtual del colectivo Espacio Convergente. Como integrante del colectivo de artistas Blend desde el 2017, participa activamente en diversas exposiciones realizadas en grupo. “La obra del artista de la Puente posee un estilo reconocible con ciertas constantes cromáticas y caligrafías que le dan un carácter personal y permiten apreciar la coherencia de su trabajo. De sus lienzos, sin embargo, se desprende una cierta calidez humana que se agrega a la expresividad de sus gestos e impulsos. Por estas razones consideramos que la obra de Álvaro de la Puente ofrece múltiples atractivos y por medio de la constancia en el trabajo se irá superando cada vez más”….por Jorge Bernuy, Crítico de Arte. ENGLISH Peruvian artist, born in Lima in 1990, graduated from the School of Art and Design Corriente Alterna in 2013, graduated from the Universidad Mayor de San Marcos with a complementary bachelor’s degree in art, and currently exercising the profession of a plastic artist in the field of painting. His plastic language is developed based on the technical innovations that he implements from the visual style of American Abstract Expressionism. He made his first individual called IMAGINARIO in 2015 at the Gallery of the Cultural Center of the Women’s University of the Sacred Heart - UNIFE. In 2017 he made his second individual show at Aida Bosch Gallery under the title ‘TURBAMIENTO.’ In 2018, he presented his third individual titled ‘AUTOTÉLICO’ in the gallery Fugaz del Monumental Callao. In 2019 he made his fourth individual titled ‘SINESTESIA’ in the gallery of the restaurant Tierra Baldía. That same year, he held his fifth solo exhibition titled ‘INTROSPECTION’ at the gallery of the Club Regatas Lima and the sixth solo exhibition titled ‘VIBRACIÓN CROMÁTICA’ at the Artimundo gallery in Brussels, Belgium. In 2020 he held his seventh solo exhibition entitled ‘CROMÁTICO ACROMÁTICO’ at the gallery Espacio La Sala. He has also participated in the second, fifth, and sixth virtual exhibitions of the Espacio Convergente collective. As a member of the artist collective Blend since 2017, he actively participates in various exhibitions held as a group. “De La Puente’s work has a recognizable style with certain chromatic constants and calligraphies that give it a personal character and allow us to appreciate the coherence of the work. From her canvases, however, a certain human warmth emerges that adds to the expressiveness of her gestures and impulses. For these reasons, we consider that the work of Álvaro de la Puente oﬀers multiple attractions and through constancy in the work will be increasingly surpassed”.... by Jorge Bernuy, Art Critic. Instagram: @delapuentealvaro Facebook: Alvaro de la Puente Muñoz: Artista Plástico. Email: alvarodelapuente1990@gmail.com

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1. Granulado (Granulated) Técnica Mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 85 x 65 cm

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2. Dupla Técnica Mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 90 x 90 cm

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3. Explosión de colores (Explosion of colors) Técnica Mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 60 x 50 cm

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ELIZABETH M. BEACH

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL “Creo arte expresionista abstracto utilizando la música y los sonidos como influencias. La música y la meditación son dos formas estupendas de aliviar el estrés, y estas disciplinas me ayudaron a conseguir una concentración intensa que rara vez consigo. Utilizar esta idea como base de mi proceso, me ha ayudado a crear una imagen en mi mente que traduzco al papel o al lienzo. Luego añado la música, y estos dos métodos diferentes de alivio del estrés ayudan en el proceso y además alivian mi propia ansiedad. Las diferentes capas de sonido y ritmo contribuyen a lo que será el diseño final.” Elizabeth M. Beach ENGLISH “I create abstract expressionism art using music and sounds as influences. Music and meditation are two great ways to relieve stress, and these disciplines helped me gain the intense concentration that I rarely achieve. Using this idea as a basis for my process has helped me create an image in my mind, which I translate onto paper or canvas. With the addition of music, these two diﬀerent methods of stress relief aid in the process and relieve my own anxiety. The diﬀerent layers of sound and rhythm contribute to what the final design will be.” Elizabeth M. Beach Instagram: @emccb90 TikTok: @emccb90art YouTube: Emccb90 Art Web: elizabethmarybeach.com

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1. Mars, The Bringer of War (Marte, El Portador de la Guerra) Pintura acrílica sobre lienzo/ Acrylic paint on canvas 40.64 x 50.8 cm

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MANUELA PEDERZOLLI (Italia/ Italy)

ESPAÑOL Un largo viaje creativo ha llevado a Manuela Pederzolli a trabajar durante muchos años como maquilladora para algunos de los teatros y festivales más importantes de Europa, como la Arena de Verona y el Festival de Salzburgo. Giras y actuaciones en París, Ginebra, Lausana, Marsella, Florencia y muchas otras ciudades. Esto le ha permitido colaborar con directores, coreógrafos y diseñadores de vestuario renovados internacionalmente y tocar el corazón de los espectadores en los espectáculos en vivo. Mientras asistió a la Academia de Bellas Artes de Brera, en Milán, trabajó como directora de arte y diseñadora de colecciones de maquillaje para una marca italiana, realizando todas las colecciones de temporada, vídeos y looks, hasta que decide dedicarse totalmente al arte, incapaz de postergar más allá de su necesidad de expresar el color fuera de la caja. “Pintar es una experiencia mística, sentirme al unísono con fuerzas ancestrales fuera de mí y tratar de expresarlas, identificándome con ellas. Es como si pudiera poner en el papel un poco de vida, el espíritu que alimenta el mundo. Mis obras son como las páginas de un diario, pensamientos superpuestos, aventuras, reflexiones que se desarrollan y profundizan en metamorfosis dotadas de vida propia y que esperan ser montadas. Me gustaría poder pintar con los ojos cerrados, como si la vista me distrajera de esa carga interior que desde el corazón pasa con fuerza directamente a las manos.” Manuela Pederzolli ENGLISH It was a long creative journey that saw Manuela Pederzolli working for many years as a makeup artist for some of the most important theaters and festivals in Europe, such as the Arena in Verona and the Salzburg Festival. Tours and performances in Paris, Geneva, Lausanne, Marseille, Florence, and many other cities have allowed her to collaborate with internationally renewed directors, choreographers, and costume designers and touch the beating heart of a live show. While attending the Brera Academy of Fine Arts in Milan, she works as art director and makeup collection designer for an Italian brand, realizing all the seasonal collections, videos, and looks, until she decides to devote herself totally to art, unable to procrastinate beyond her need to express color outside the box. “Painting is a mystical experience, feeling in unison with conventional forces outside of me and trying to express them, identifying with them. It’s like I can put on paper a little bit of life, the spirit that feeds the world. My pictorial works are like the pages of a diary, overlapping thoughts, adventures, reflections that develop and deepen in metamorphosis endowed with their own life and waiting to be ridden. I wish I could paint with my eyes closed as if the sight distracted me from that inner charge that from the heart passes with force directly in the hands.“ Manuela Pederzolli Instagram: @monella1963 Email: manuelapederzolli@icloud.com

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1. Travelling through the countryside at the end of summer (Viajando por el campo al final del verano) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed medium on canvas 175 x 38 cm 243

2. Arbre en fleurs et orage sur la mer 2 (Árbol floreciente y tormenta sobre el mar 2) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed medium on canvas 175 x 38 cm

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3. Shiva’s dance (La danza de shiva) Óleo y acrílico sobre lienzo/ Oil and acrylic on canvas 86 x 96 cm

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BARBARA BIENEMANN (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Artista autodidacta con formación docente (profesión original), dedicando todo el tiempo posible a la pasión por la pintura; ya que la creatividad es parte importante de la vida. Tuvo cursos artísticos básicos, estudió arquitectura y docencia, pero nunca dejó de experimentar y su arte evolucionó hacia el estilo actual. Comenzó a pintar en serio en el año 2019; logrando varias exposiciones a nivel local. Su arte se basa en el amor por la vida / la diversidad del mundo / todos los diferentes colores, formas, formas y patrones de la vida. Siempre ha estado buscando maneras de expresar este entusiasmo por la vida. En sus propias palabras: “las pinturas deben ser divertidas, alegres, intensas, vertiginosamente detalladas, llenas de color y contraste. Espero evocar sentimientos de diversión y felicidad en los espectadores, dejarlos cautivados por la alegría de vivir.” Discurso artísitico “Desde que tengo uso de razón, me encanta expresarme de forma creativa, ya sea escribiendo o pintando. Inspirada por los viajes a destinos exóticos, en mis cuadros intento captar la abundancia de colores y la alegría de vivir de la gente que encuentro por todo el mundo. Con la ayuda de los acrílicos, me encanta crear un arte atrevido y alegre, dejándome llevar por el aquí y perdiéndome en patrones locos, formas, detalles y colores vibrantes. Busco que mis espectadores se vean arrastrados a otro reino, empapándome de la alegría de vivir de mis cuadros. Así que si necesitas una distracción, ya sea para vencer el miedo en el dentista o simplemente para pasar el rato mientras esperas, déjate arrastrar por la diversión y la vitalidad de mi obra.” Barbara Bienemann ENGLISH A self-taught artist with a teaching background (original profession), dedicating all time possible to the passion of painting; as creativity is a very important part of life. She had basic artistic courses, architecture and teaching, but she never stopped experimenting, and later her art evolved into her current style. She started painting seriously in 2019 and had several art exhibitions.Her art is based on love for life, the diversity of the world and all the diﬀerent colours, forms, shapes, and patterns of life. She is always looking for ways to express this zest for life. In her own words: “paintings should be fun, cheery, intense, dizzily detailed, full of colour and contrast. Hope to evoke feelings of fun and happiness in viewers, let them be captivated by the joie de vivre.” Statement of Barbara “As long as I can think, I have loved to express myself creatively, be it writing or painting. Inspired by traveling to exotic destinations, in my paintings, I try to capture the abundance of colors and people’s zest for life that I encounter worldwide. With the help of acrylics, I love to create bold and cheery art, letting go of the here and losing myself in mad patterns, shapes, details, and vibrant colors. In my viewers, I seek for them to be swept away into another realm, getting drenched in the joie de vivre of my paintings. So if you require a distraction – be it to conquer your fear at the dentist’s or just to pass some time while waiting, let yourself be pulled into my work’s fun and vibrancy.” Barbara Bienemann Instagram: @bienemania_art Facebook: Barbara Bienemann Email: bienemann.barbara@gmail.com

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1. Cool Mountains (Montañas frías) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 120 x 100 cm

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2. Hen Party (Fiesta de la gallina) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 100 x 100 cm

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3. Sea Life (Vida marina) Acrílicos sobre lienzo/ Acrylics on canvas 100 x 100 cm

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ANDREA STEPHANIA (Colombia)

ESPAÑOL “Descubrí que el arte era lo que más me gustaba y es lo que hago desde que tengo 7 años. A los 8 años tuve como maestra a la artista Amparo Colonia durante 3 años, y luego de eso seguí experimentando por mi cuenta. En el 2018, a mis 19 años, realicé un curso de extensión de ‘Figura humana’ en el Instituto Universitario Departamental de Bellas Artes en Cali, Colombia. Actualmente curso la carrera de artes plásticas desde el 2019, en el Instituto Universitario Departamental de Bellas Artes en Cali, Colombia. Participación en el campo artístico. Certificado de participación en el taller y la exposición “Corazón del tiempo. El racismo es anti ecológico” curado y dirigido por Simon Njami – año 2020. Participo actualmente en un concurso de pintura internacional, a través de la plataforma ‘MundoArti’ – año 2021 Mi arte es como los sueños, misterioso y simbólico, buscando la forma de alterar la percepción visual y espacial del espectador, uniendo la imaginación y la existencia física, explorando en torno a diferentes conceptos como lo surrealista, el inconsciente y la conexión humana con la naturaleza, expresando esto a través de diferentes técnicas, en donde se halla una relación entre el material y la idea. A través de cada pieza, cuestiono aspectos de la vida y el pensamiento racional y estático que se ha construido individual y socialmente, pudiendo así explorar otras alternativas de la “realidad”, construyendo una transformación surreal que abre una puerta donde hay libertad de soñar en un mar indefinido de diversidad. La reflexión alrededor de una pieza de arte que nos cuestione, se vuelve importante para crear un pensamiento diverso y dinámico, donde todo lo diferente y extraño se vuelve cercano, llevándonos más a fondo de nuestro infinito subconsciente.” Andrea Stephania ENGLISH “I discovered that art was what I liked the most, and it was what I did since I was 7 years old. At the age of 8, I had the artist Amparo Colonia as a teacher for 3 years, and after that, I continued experimenting on my own. In 2018, at 19 years old, I took an extension course of ‘Human Figure’ at the Instituto Universitario Departamental de Bellas Artes in Cali, Colombia. I am currently pursuing a career in fine arts since 2019 at the Instituto Universitario Departamental de Bellas Artes in Cali, Colombia. Participation in the artistic field. Certificate of participation in the workshop and exhibition “Corazón del Tiempo, Racism is anti-ecological,” curated and directed by Simon Njami in 2020. I am participating in an international painting competition through the platform ‘MundoArti’ - the year 2021. “My art is like dreams, mysterious and symbolic, where I look for ways to alter the visual and spatial perception of the viewer, uniting imagination and physical existence, exploring around different concepts such as the surreal, the unconscious, and the human connection with nature, expressing this through different techniques, where there is a relationship between the material and the idea. Through each piece of my art, I question aspects of life, I question the rationale and static thinking that has been built individually and socially, thus being able to explore other alternatives of “reality,” building a surreal transformation that opens a door where there is the freedom to dream in an undefined sea of diversity. The reflection around a piece of art that questions us, becomes essential to create a diverse and dynamic thought, where everything different and strange becomes close, taking us deeper into our infinite subconscious.” Andrea Stephania Instagram: @andrea_stephania.art Email: andrea.stephania.jaramillo@gmail.com

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1. Libres de ser (Free to be) Grafito y lápices de colores sobre papel/ Graphite and colored pencils on paper 30 x 30 cm

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NINA EIDE (9NA) (Noruega/ Norway)

ESPAÑOL “Cada uno de nosotros es un artista, a su manera. No a todo el mundo le gustará lo que creamos, pero a algunos les encantará. Mi nombre es Nina Eide Flatebø. Nací en Førde, una pequeña ciudad del oeste de Noruega, en 1981. Siempre he sido creativa y he explorado mi creatividad desde una edad temprana. Mi primera pasión fueron las palabras. Escribía con pasión, y antes de empezar la escuela mi sueño era ser escritora. Las palabras siguen acompañándome, junto con la música y la pintura. Estudié arte y más tarde costura de moda, antes de licenciarme en música y salud. Mi trayectoria vital me llevó a la terapia creativa, y hoy trabajo con problemas de salud mental, como terapeuta creativa. Me apasiona mi trabajo, y eso me da sentido a la vida. Mi mayor pasión en la vida, además de mis 4 hijos, es la pintura. Hacer arte me da paz interior y saca lo mejor de mí. Me inspira la naturaleza, sobre todo la luna y los árboles, pero también las personas y la salud mental, ya que es algo que todos tenemos. Todo tipo de sentimientos e historias de vida. Esto es lo que impulsa mis obras de arte. Me encanta mezclar técnicas y estilos. Para mí la música, las palabras y la pintura hablan juntas y se completan en perfecta armonía. Al igual que nosotros, los seres humanos, también pueden ser fuertes en solitario, pero en comunidad crecemos y nos inspiramos mutuamente para romper todos los límites. Cuando veo la vida en cámara lenta real, veo la vida cotidiana en la pintura. Entonces puedo pintar desde dentro. Me esfuerzo por mostrar los sentimientos y la atmósfera en mis obras.” Nina Eide (9NA) ENGLISH “Every one of us is an artist, in our own unique way. Not everyone will like what we create, But .. Some will love it! My name is Nina Eide Flatebø. I was born in Førde, a small town west of Norway, in 1981. I have always been creative and explored my creativity from an early age. My first passion was words. I wrote passionately, and when I started school, my dream was to become a writer. Words are still with me, along with music and painting. Before I got my bachelor’s in music and health, I studied art and later fashion as a seamstress. My life path took me to creative therapy, and today I work with mental health issues as a creative therapist. I am very passionate about my work, which gives me meaning to life. My biggest passion in life, besides my 4 kids, is painting. Making art gives me inner peace and brings out the best in me. I am inspired by nature, particularly the moon and the trees, people, and mental health, as we all have feelings and life stories. This drives my artwork. I love mixing techniques and styles. For me, music, words, and paint speak together and complete each other in perfect harmony. Like us humans, they can also stand strong alone, but we grow and inspire each other to break all boundaries in a community. When I see life in slow motion, I see everyday life in paintings. Then I can paint from the inside. I strive to show feelings and atmosphere in my artwork.” Nina Eide (9NA) Instagram: @9na_kunst Email: ninaeidef@hotmail.com

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1. My Moonroad (Mi camino de la luna) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 60 x 50 cm

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2. Where do I go at the point of unbearable (A dónde voy en el punto de lo insoportable) Acrílico sobre lienzo, acrílico líquido con aerógrafo/ Acrylic on canvas, fluid acrylic with airbrush 40 x 40 cm

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3. My girl (Mi chica) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 60 cm

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DOMINIKA STANCZAK (Polonia/ Poland)

ESPAÑOL “Me gradué en el instituto danés de Ringkøbing, donde terminé cursos de pintura abstracta, teatro y danza del mundo. Me considero más bien como artista autodidacta. Me permito salir de los marcos conocidos, no me constriño a las exigencias de ninguna escuela conocida. Me gusta practicar la apertura y la libre expresión en mi arte. Me licencié en Cultura y Lengua Española y obtuve un máster en Estudios Culturales en la Universidad de Wrocław, donde también me doctoré en el Instituto de Estudios Performáticos. Escribí una tesis doctoral sobre las identidades performativas de las personas que viven en el siglo XXI. La búsqueda de la verdadera identidad de cada uno se refleja fuertemente en mi trabajo artístico. Cuando pinto siempre parto de un espacio de corazón. No me limito a ninguna constricción técnica, perfección o corrección. No me concentro en el resultado, sino que me permito fluir con las líneas, las formas y las capas de colores muy intensos que reflejan las turbulencias y la pasión por la vida que me gusta experimentar a un nivel profundo del alma. Me sumerjo en la historia del cuadro como si se tratara de la historia de mi propia vida, que ahora quiero experimentar de una manera más reflexiva. Mi arte es por tanto muy personal, toca los temas de un feminismo moderno y equilibrado, que debería tender a reconciliar los dos sexos y no a construir aún más odio y muros entre ellos. Es una búsqueda personal del perdón, la curación y la paz. Además, me preocupa mucho el tema de la feminidad en sí misma, la búsqueda de la mujer moderna de su auténtica voz y de su Yo que se siente en la conexión cuerpo-mente-espíritu perdida. Mi intención artística es representar el empoderamiento de la mujer moderna, el paso a su propio poder olvidado, que ahora le permite florecer y prosperar en la versión más poderosa e independiente de sí misma.” Dominika Stanczak ENGLISH “I am a graduate of a Danish Folk High School in Ringkøbing where I finished courses on Abstract Painting, Theater, and World Dance. I regard myself as a self-taught artist. I allow myself to step out of known frames, and I do not constrict myself by the demands of any known schools. I like to practice openness and free expression in my art. I received my Bachelor in Spanish Culture and Language, my master in Cultural Studies at the University of Wrocław, and my Ph.D. in the Institute of Performative Studies. I wrote a doctoral thesis on the performative identities of people living in the XXI century. My artistic work strongly reflects the search for one’s true identity. When I paint, I always start from a heartfelt space. I do not confine myself to any technical constrictions, perfection, or correctness. I do not concentrate on the outcome but rather allow myself to flow with the lines, shapes, and layers of very intense colors that reflect the turbulence and passion for life I love experiencing on a deep soulful level. I immerse myself in the story of the painting as if it was the story from my own life, which I now want to experience more reflectively. My art is thus very personal, touches the topics of modern balanced feminism, which should tend to reconcile the two sexes not to build even more hatred and walls between them. It is a personal search for forgiveness, healing, and peace. Additionally, I am very much concerned with the topic of femininity itself, the modern woman’s quest for her authentic voice, and the Self is felt in the lost body-mind-spirit connection. My artistic intention is to depict the self-empowerment of the modern woman, stepping into her own forgotten power which now allows her to bloom and thrive in the most powerful and independent version of herself.” Dominika Stanczak Instagram: @domi_stan Email: domenica.domino@gmail.com

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1. Yin-Yang – A Rethinking (Yin-Yang - Un replanteamiento) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 70 x 60 cm

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PAOLA ALEJANDRA CARLI (Argentina)

ESPAÑOL “Nací en Buenos Aires, Argentina. Vivo en Barcelona, España. Soy licenciada en Administración de Empresas y me desarrollé en el mundo empresarial. Un quiebre en mi vida fue el inicio para reinventarme y acercarme al arte para expresarme. Necesitaba colores, formas y texturas que configuraron un idioma que descubrí, colmado de sensaciones y sentimientos. En mis obras busco significarme escuchando mis propias voces para comunicarlas”. Paola Alejandra Carli ENGLISH “I was born in Buenos Aires, Argentina. I live in Barcelona, Spain. I have a degree in Business Administration and I developed in the business world. A break in my life was the beginning to reinvent myself and get closer to art to express myself. I needed colors, shapes and textures that formed a language that I discovered, full of sensations and feelings. Through my works I try to make myself significant by listening to my own voices to convey them”. Paola Alejandra Carli Instagram: @carlipaola_art Linkedin: paola-carli-a4010b73 Email: carli.paola@gmail.com

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1. Conscience (Conciencia) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 80 cm

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2. Passion (Pasión) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 80 cm

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3. Greece (Grecia) Acrílico y papel metálico sobre lienzo/ Acrylic and metallic paper on canvas 100 x 80 cm

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ZSUZSANNA KRON (Hungría/ Hungary)

ESPAÑOL Zsuzsanna tiene formación artística en Budapest y cursos de dibujo-acuarela-pintura-restauración; es además miembro de grupos artísticos húngaros y extranjeros y campamentos creativos; tuvo exposiciones individuales y colectivas en Hungría y en muchos países. “La “Modelo en rosa” es uno de los temas de mi reciente ciclo de pintura, que representa generalmente la figura femenina. La finura y la variedad de movimientos deben expresarse en un estilo decorativo simplificado, este es mi objetivo. La historia del arte es muy rica en obras basadas en la belleza del género femenino. Además, con mis cuadros, mi aspiración es demostrar la sensibilidad y la armonía femeninas, el misterio de la maternidad a través de mis experiencias pintorescas, mi mundo interior y otros sentimientos. Pinto con una mente consciente y a lo largo de los años mi perspectiva sobre mi arte y mi sentido de la orientación se han vuelto más claros y suaves. Esto me ha ayudado a crear un arte que tiene calidad y significado. Si puedo plasmar mis sentimientos y mi visión en mi arte y hacer que la gente sienta lo mismo, me siento satisfecha. Mi experiencia y dominio del tema a lo largo de los años me ha creado este estilo artístico con el que puedo estar satisfecha.” Zsuzsanna Kron ENGLISH Zsuzsanna has artistic training in Budapest and courses in drawing-watercolor-painting-restoration; She is also a member of Hungarian and foreign artistic groups and creative camps; she had solo and group exhibitions in Hungary and in many countries. “The “Model in pink” is one of my recent painting cycle themes, which generally represents the female figure. The fineness and variety of movements should be expressed in a simplified decorative style, which is my goal. Art history is vibrant, with works based on the beauty of the female gender. Furthermore, I aspire to demonstrate feminine sensibility and harmony, the mystery of motherhood through my picturesque experiences, inner world, and other feelings with my pictures. I paint with a conscious mind, and over the years, my perspective about my art and sense of direction has become more precise and softer. This helped me to create art that has quality and significance. I am satisfied if I can resonate my feelings and vision in my art and make people feel the same. My experience and proficiency in the subject over the years have created for me this style in which I can be satisfied.” Zsuzsanna Kron Instagram: @zsuzsannakron Facebook: Zsuzsanna Kron Email: zsu.kron@icloud.com

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1. Model in pink (Modelo en rosa) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 70 cm

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TEPPEI NISHIMURA (YUZUHARU) (Japón/ Japan)

ESPAÑOL Artista japonés colorista, con trabajo expresionista y pinceladas llenas de dinamismo. “Estoy influenciado por la cultura que sentí en Kioto cuando era estudiante, por subculturas como el manga japonés y por las películas extranjeras. Me dedico a crear obras vívidas e impactantes.” Teppei Nishimura (Yuzuharu) ENGLISH A colorful Japanese artist who is famous for expressionist work and brushstrokes full of dynamism. “I am influenced by the culture I felt in Kyoto when I was a student, subcultures such as Japanese manga, and overseas movies. I am working on creating vivid and impactful works.” Teppei Nishimura (Yuzuharu) Instagram: @pavement16 Email: Pavement16@gmail.com

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1. No title (Sin título) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 45.5 x 38 cm

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2. No title (Sin título) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 45.5 x 38 cm

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3. No title (Sin título) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 45.5 x 38 cm

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YODIT TEWODEROS (Canadá/ Canada)

ESPAÑOL Yodit Tewoderos, también conocida como 8.18yt, nació y creció en Hamilton, Ontario, Canadá. Actualmente reside en Montreal (Quebec), donde se trasladó para proseguir su carrera en numerosos ámbitos artísticos, como el modelaje, la actuación, el estilismo de moda y la pintura. El trabajo artístico y el estilo de Yodit se inspiran en el arte psicodélico y utiliza su obra para transmitir las distorsiones y las emociones de la psique. Sin una educación o formación artística formal, Yodit fue capaz de reavivar su pasión infantil por la creación durante el tiempo que pasó durante la pandemia de COVID-19. Este es su primer debut en el mundo del arte, como artista autodidacta. Con un uso innovador y fuerte de las texturas, el contraste y la composición, esta pieza transmite la espontaneidad cargada de emoción de la visión creativa de Yodit. El fondo tipifica su uso de lavados atmosféricos de tono para informar de un estado de ánimo caótico de las incertidumbres de la vida. La elección de colores vibrantes y la fuerte gama de pinceladas inesperadas expresan la intensa pasión dedicada a los derechos de los LGBTQIA y a las cuestiones del racismo y el colorismo, ya que “Things Ain’t What They Used To Be” destaca específicamente el impulso de crear y llevarse a sí misma libremente. “Las cosas ya no son lo que eran Cada vez que me acerco al lienzo, nunca tengo una imagen o un objetivo final en mente. “Things Ain’t What They Used To Be” es una pieza inspirada y creada durante mi proceso de pensamiento, durante el efecto de la energía curativa de la luna llena y la liberación de traumas pasados. Mi obra de arte es un reflejo de mi voz, con la intención de desenterrar mis sentimientos más profundamente. Siempre tropezando con el espectro del género y la sexualidad, esta obra explora el equilibrio contrastado entre vida/muerte, luz/oscuridad, masculino/femenino y todo lo que hay en medio. Este lienzo permite un espacio seguro para iluminar cómo entiendo y presento al mundo mis inseguridades más oscuras y mis dones más brillantes.” Yodit Tewoderos ENGLISH Yodit Tewoderos, also known as 8.18yt, was born and raised in Hamilton, Ontario, Canada. They are currently based in Montreal, Quebec, where they moved to further pursue their career in numerous artistic endeavors such as modeling, acting, fashion styling, and painting. Yodit’s artwork and style have been inspired by psychedelic art in which they use their artistic eﬀorts to convey the distortions and emotions of the psyche. Without formal art education or training, Yodit was able to rekindle their youthful passion for creation during much time spent during the COVID-19 pandemic. As a self-taught artist, this is their first debut in the art world. With an innovative and strong use of textures, contrast, and composition, this piece conveys the emotionally charged spontaneity of Yodit’s creative insight. The background typifies their use of atmospheric washes of hue to inform a chaotic mood of the uncertainties of life. The choices of vibrant colors and the loud range in unpredicted brushstrokes express the intense passion dedicated to LGBTQIA rights and issues of racism and colorism, as “Things Ain’t What They Used To Be” explicitly highlights the impulse to create and carry oneself freely. “Thing Ain’t What They Used To Be. Each time I approach the canvas, it’s never with an image or end goal in mind. “Things Ain’t What They Used To Be” was a piece inspired and created by my thought process during the healing energy of the full moon and the release of past trauma. My artwork reflects my voice, intended to unearth myself deeper every time. Constantly stumbling upon the spectrum of gender and sexuality, this piece explores the contrasting balance between life/death, light/darkness, male/female, and everything in between. This canvas allows a safe space to illuminate how I understand and present my darkest insecurities and brightest gifts to the world.” Yodit Tewoderos Instagram: @notyodittewoderos / @8.18yt Email: yodit_tewoderos@outlook.com

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1. Things Ain’t What They Used To Be (Las cosas ya no son lo que eran) Pintura acrílica, rotuladores y pintura en spray sobre lienzo/ Acrylic paint, markers and spray paint on canvas 40.64 x 30.48 cm

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CHRISTINA PHELPS

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL Nacida y criada en el área de Los Ángeles, Christina es una fotógrafa y pintora abstracta autodidacta. Tomó la cámara a la edad de 30 años y comenzó en su exploración de la pintura 10 años más tarde, en el año 2020. Su ojo y estilo únicos le permiten capturar el mundo que la rodea como sólo ella lo ve y compartirlo con el mundo. Este estilo único ha llamado la atención y le ha valido el reconocimiento de Yahoo Weather, de los Blue Angels, de restaurantes y de exposiciones en galerías, así como la inclusión de sus imágenes en una exposición permanente en el Museo de Historia Natural de Los Ángeles. “Desde niña, he explorado formas de expresarme creativamente, como la poesía, la música y la danza. Descubrir la fotografía me permitió manipular la luz, la estructura y el flujo mediante técnicas experimentales en las que controlo las formas, la dirección de la luz, el punto focal y la profundidad de campo. Al distorsionar la realidad a través del objetivo, capto trozos del mundo surrealista que existe dentro de mi mente. Trabajar con múltiples exposiciones permite crear capas con la luz y el color en estas imágenes. Esta creación por capas vincula mi fotografía a mi pintura. El lienzo se convierte en mi película, un espacio tangible en el que desarrollo capa tras capa de color, textura, formas y movimiento utilizando nuevas y emocionantes herramientas como pinceles, cuchillos, espátulas, rodillos y mis manos. Construyo y reconstruyo utilizando agua y alcohol hasta que la imagen muestra la profundidad que deseo, llamándome a través de su energía.” Christina Phelps ENGLISH Born and raised in the Los Angeles area, Christina is a self-taught abstract photographer and painter. She picked up the camera at the age of 30 and branched out to explore painting 10 years later in 2020. Her unique eye and style allow her to capture the world around her as she only sees it and shares it with the world. This one-of-a-kind style garnered attention, earning her work and recognition with Yahoo! Weather, The Blue Angels, restaurants, gallery exhibitions, and having her images featured in a permanent exhibit at the Natural History of Los Angeles. “Since a child, I have explored ways of expressing myself creatively, such as poetry, music, and dance. Finding photography allowed me to manipulate light, structure, and flow using experimental techniques to control the shapes, direction of light, focal point, and depth of field. As I distort reality through the lens, I capture pieces of the surreal world inside my mind. Working with multiple exposures allows the layering of light and color within these images. This layering ties my photography to my painting. The canvas becomes my film, a tangible space for me to develop layer upon layer of color, texture, shapes, and movement using exciting new tools like brushes, knives, spatulas, rollers, and my hands. I construct and deconstruct using water and alcohol until the image shows the depth I desire, calling to me through its energy.” Christina Phelps Instagram: @christina_phelps_808 Facebook: christina.phelps.77 Web: christinaphelpsfineart.com

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1. The Energetic Squaring of Spheres (La cuadratura energética de esferas) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91.44 x 91.44 cm

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2. Full Spectrum Imagination (Imaginación de espectro completo) Fotografía abstracta de refracción de la luz. Formato digital/ Abstract photography of light refraction. Digital format

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3. Future with Venus (Futuro con Venus) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 91.44 x 91.44 cm

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FERNANDO QUINTANILLA (España/ Spain)

ESPAÑOL “He nacido en España y he vivido en Francia y Alemania, países que han sido esenciales para mi conocimiento cultural. He estudiado un grado en Traducción e Interpretación y un máster en Comunicación, áreas fundamentales para mi desarrollo artístico, pues entiendo el arte como un lenguaje y una forma de comunicar. Comencé con la pintura en 2015, utilizando principalmente pintura acrílica, y con la escultura en 2021. También me dedico a la escritura desde 2011 habiendo publicado dos poemarios. A través de mi arte expreso mis sentimientos y pensamientos, los cuales observo en mi interior como algo material. Esta materialidad es la posibilidad de comprender lo que sucede en nuestro interior y, por ende, acercarnos al autoconocimiento. Mi arte es tanto geométrico como abstracto y me gusta ver aquel como lo comprensible y este como lo desconocido, o incluso, incomprensible para nuestra mente. Dicho de otra manera, el primero como lo racional o lo lógico y el segundo como lo emocional o lo intuitivo. De esta manera, se podría entender el arte como la energía que une lo inteligible con lo ininteligible. Mi gran influencia e inspiración es Kandinsky, pero también me nutro de Vasarely, la corriente artística del suprematismo con Malévich y el arte contemporáneo.” Fernando Quintanilla ENGLISH “I was born in Spain and have lived in France and Germany, countries that have been essential for my cultural knowledge. I have obtained a bachelor’s degree in Translation and Interpreting and a Master’s degree in Communication, fundamental areas for my artistic development, as I understand art as a language and a way to communicate. I started with painting in 2015, using mainly acrylic paint, and with sculpture in 2021. I have also dedicated myself to writing since 2011, and have published two poetry books. I express my feelings and thoughts through my art, which I observe inside me as something material. This materiality is the possibility of understanding what is happening inside us and, therefore, getting closer to self-knowledge. My art is both geometric and abstract, and I like to see the former as the understandable and the latter as the unknown, or even incomprehensible to our minds. In other words, the former is rational or logical, and the latter is emotional or intuitive. In this way, one could understand art as the energy that unites the intelligible with the incomprehensible. My great influence and inspiration are Kandinsky, but I am also inspired by Vasarely, the artistic current of suprematism with Malevich and contemporary art.” Fernando Quintanilla Instagram: @fernandoquintanilla.art Email: f.quintanillacerezal@outlook.com Web: fernandoquintanilla.com

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1. Placentera incertidumbre (Pleasant uncertainty) Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper 60 x 42 cm

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JOSETTE WECSU (Francia/ France)

ESPAÑOL Josette nació en París (Francia) en 1948 y se trasladó a Montreal (Canadá) cuando era una niña de preescolar. A los diecisiete años ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Montreal, donde estudió pintura, dibujo y escultura durante dos años. Más tarde, se licenció en Bellas Artes en la Universidad Concordia de Montreal. De joven, le fascinaban las paletas multicolores de los impresionistas. Cuando maduró su propio estilo pictórico, adoptó un estilo más modernista. Admiraba mucho los cuadros del artista español Joachin Sorolla, con sus marinas luminiscentes y sus estudios históricos sobre la sociedad española. Josette siempre ha tenido un gran interés por el movimiento surrealista de Europa, con sus miembros fundadores, como André Breton, Salvatodore Dalí y Max Ernst, entre otros. El artista español Salvadore Dali desempeñó un papel destacado en este movimiento mundial. Josette se interesa por el diálogo que existe entre los sueños y el estado de vigilia, el hilo universal que une a las generaciones. Ella misma se inclina por el realismo social. Para ello, ha incluido dos cuadros de una serie sobre el transporte público en la que ha estado trabajando: “La parada del autobús” y “La encrucijada”. En la primera obra, somos testigos de los ciudadanos cotidianos: los modestos, así como los individuos olvidados y desatendidos de nuestra sociedad. En referencia al cuadro “La encrucijada”, esta escena representa el arriesgado juego de azar que jugamos durante el peligroso viaje entre el nacimiento y la muerte. Las vidas individuales pueden cruzarse e interconectarse, nuestros destinos son inciertos; una persona rica puede perderlo todo, una pobre puede ganar la lotería. Su tercer cuadro: “La batalla de los monumentos”, es un cuadro surrealista con influencia surrealista, que hunde sus raíces en las luchas pasadas que vivieron los primeros habitantes durante su establecimiento de los territorios de Quebec en la isla de Montreal y las regiones circundantes. En este cuadro, los diferentes monumentos, erigidos a los héroes de estas batallas y a sus diferentes guerreros, resucitan para continuar las animosidades y atacarse como en el pasado. En un mundo en el que los países han vivido batallas, rivalidades étnicas y celos de carácter religioso y/o político, una disputa aparentemente menor puede alimentar una gran llama de discordia continua. ENGLISH Josette was born in Paris, France, in 1948 and moved to Montreal, Canada as a preschooler. At seventeen, she entered L’Ecole des Beaux-Arts de Montréal, where she studied painting, drawing, and sculpture for over two years. Later in life, she completed a Bachelor of Fine Arts (BFA) at Concordia University, Montreal. As a young artist, she was fascinated by the multi-colored palettes of the Impressionists. When her own painting style had matured, she adopted a more Modernist painting style. She greatly admired the paintings of the Spanish artist Joachin Sorolla, with his luminescent seascapes and his historical studies on the Spanish Society. Josette has always had a keen interest in the Surrealist Movement of Europe with its founding members, such as Andre Breton, Salvatodore Dali, Max Ernst, and others. The Spanish artist, Salvadore Dali, played a leading role in the worldwide movement. Josette is interested in the dialogue between dreams and the waking state, the universal thread that connects generations together. She has inclined towards social realism herself. To this end, she has included two paintings from a series on Public Transportation that she has been working on: “ The Bus Stop” and “The Crossroads’’. In these paintings, we witness everyday citizens: the modest, the less than modest, and the forgotten and neglected individuals of our society. About the painting: ”The Crossroads’’, this scene represents the risky game of chance we play during the perilous journey between birth and death. Individual lives may cross and interconnect; our destinies are uncertain; a wealthy person may lose everything, a poor person may win the lottery. Her third painting: “The Battle of the Monuments,” is a Surrealist history painting with its roots buried in the past struggles experienced by the early inhabitants during their establishment of the Quebec territories on the Island of Montreal and surrounding regions. In this painting, the various monuments erected to the heroes of these battles and their various warriors are resurrected to continue animosities and attack one another as in the past. In a world where countries have experienced battles, ethnic rivalries, and jealousies of religious and/or political nature, a seemingly minor dispute can fuel a significant flame of continued discord. Instagram: @josettewecsu Facebook: Josette Wecsu Email: josette.wecsu@gmail.com Web: www.josettewecsustudioart.com

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1. The Crossroads (La Encrucijada) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 76.2 x 76.2 cm

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2. The Bus Stop (La parada del autobús) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 40.6 x 40.6 cm

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3. The Battle of the Monuments (La batalla de los monumentos) Óleo sobre lienzo/ Oil on Canvas 76.2 x 76.2 cm

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DARIA RAZMAHOVS (Rusia/ Russia)

ESPAÑOL Daria Razmahovs vive en Gran Bretaña y es de origen ruso. Se le ocurrió la idea de crear cuadros cuando plasmó un sueño en un lienzo, y al cabo de un tiempo se hizo realidad, por lo que está muy agradecida. Basándose en su experiencia de dibujo, ahora crea cuadros para personas que trabajan en la visualización y la motivación. Pinta cuadros de forma que haya un equilibrio entre lo espiritual y lo material, ya que esto es la garantía de una vida feliz. Uno de sus cuadros, titulado “Transformación consciente de la vida”, muestra un vívido ejemplo de una chica que se encuentra en un estado de depresión, ira e incomprensión de su vida. Sueña con cambiar su vida y por ello envía sus pensamientos al Universo. Y entonces su camino de transformación comienza con su apariencia, que se convierte en el proceso educativo y la meditación, tras lo cual abre nuevos talentos y se pone a prueba en diferentes campos de actividad. Al tener una fuerte creencia, una estrecha conexión con la naturaleza y el Universo, los sueños comienzan a hacerse realidad. Y el amor real llega a su vida, con el que se construyen relaciones armoniosas y aparecen esas grandes finanzas con las que una vez soñó. Vivir en abundancia es maravilloso, nuestro éxito puede ayudar a muchas personas, nuestro fracaso no ayudará a nadie. “Todas las posibilidades y la vida abundante con la que sueñas tan apasionadamente están abiertas para ti. Crea tu propio futuro”. Daria Razmahovs ENGLISH Daria Razmahovs, living in Great Britain, has Russian origin. She came up with the idea to create paintings when she painted her big dream on canvas, and after a while, it came true, for which she is very grateful. Based on past drawing experience, she now creates paintings for people who work as visualization and motivation. She paints pictures in such a way that there is a balance of spiritual and material, as this is the guarantee of a happy life. One of her paintings, entitled “Conscious life transformation,” shows a vivid example of a girl in a state of depression, anger, and misunderstanding of her life. She dreams of changing her life and thereby sends her thoughts into the Universe. And then, her transformation path begins with her appearance, which turns into the educational process and meditation. She opens up new talents and tries herself in diﬀerent fields of activity, and having a strong belief, a close connection with nature and the Universe; dreams begin to come true. And real love comes into her life, with which harmonious relationships are built and those great finances that she once dreamed of appear. Living in abundance is lovely; our success can help many people, our failure will not help anyone. “All the possibilities and the abundant life of which you so passionately dream are open for you. Create your own future.” Daria Razmahovs Instagram: @s_razmahom_by_do Email: info.srazmahombydo@gmail.com

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1. Conscious life transformation (Transformación consciente de la vida) Acrílico y rotulador sobre lienzo/ Acrylic and marker on canvas 120 x 100 cm

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BRUCE KOROL

(Canadá/ Canada)

ESPAÑOL Ha sido un viaje poco tradicional para encontrar su pasión artística y la salida perfecta para su lucha de toda la vida contra la depresión, pero Bruce Korol no lo habría hecho de otra manera. Sin formación formal y con una experiencia diversa, desde la facultad de derecho hasta el culturismo, pasando por el modelado y la repostería, un tío artista plantó las semillas que un día se convirtieron en una obsesión después de que Bruce cogiera una barra de carboncillo. Desde entonces no ha dejado de dibujar sus singulares paisajes oníricos, pesadillas surrealistas y visiones oscuras. “Utilizo el carboncillo para captar la condición humana y el temor existencial a través del oscuro mundo de mi cabeza. Quiero que el espectador sienta el terror, la desesperanza, el dolor y toda la emoción que se transmite a través de las macabras historias que nunca dejan de fluir. Evidentemente, la enfermedad mental ocupa un lugar destacado en mi obra y no rehuyo expresar lo que siento por ella. La estética oscura e incolora y la belleza atmosférica que creo se inspiran en los pensamientos intrusivos, el tormento interior, las ideas suicidas y una mente desequilibrada. Sin ese sufrimiento sería más normal, sí, pero temo que eso suponga la pérdida de mi creatividad, así que abrazo la oscuridad y camino por la cuerda floja entre la locura y la funcionalidad. No hablo mucho de los detalles de mis dibujos individuales ni pongo nombre a mis cuadros porque quiero que sea una experiencia emocional sin que mi significado atribuido interfiera en el impacto de la obra. El arte ha sido tanto un escape catártico como una compulsión ardiente en un mundo lleno de la profunda oscuridad que se representa en el papel. ‘ Bruce Korol ENGLISH It’s been an untraditional journey finding his artistic passion and the perfect outlet for his life-long battle with depression, but Bruce Korol wouldn’t have it any other way. With no formal training and diverse background in everything from law school to bodybuilding to modeling to baking, an artist uncle planted the seeds that one day grew into an obsession after Bruce picked up a stick of charcoal. He hasn’t stopped drawing his unique dreamscapes, surrealistic nightmares, and dark visions since. “I use charcoal to capture the human condition and existential dread through the dark world of my head. I want the viewer to feel the terror, the hopelessness, the pain, and all the emotion conveyed through the macabre stories that never stop flowing. Obviously, mental illness features prominently in my work, and I don’t shy away from expressing what that feels like for me. The dark, colorless aesthetic and atmospheric beauty I create is inspired by intrusive thoughts, inner torment, suicidal ideation, and an unbalanced mind. Without that suﬀering, I would be more normal, yes, but I fear it would come at the loss of my creativity, so I embrace the darkness and walk the tightrope between madness and functionality. I won’t discuss any specifics in my individual drawings or name my paintings because I want it to be an emotional experience without my ascribed meaning interfering with the work’s impact. Art has been both a cathartic escape and a burning compulsion in a world filled with the profound darkness depicted on paper. “ Bruce Korol Instagram: @bruce.korol Email: Bruce.korol@gmail.com

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1. Sin título (Untitled) Carboncillo sobre papel/ Charcoal on paper 45.72 x 30.48 cm

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2. Sin título (Untitled) Carboncillo sobre papel/ Charcoal on paper 27.9 x 43.2 cm

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3. Sin título (Untitled) Carboncillo sobre papel/ Charcoal on paper 25.4 x 17.8 cm

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HÉCTOR LÓPEZ (España/ Spain)

ESPAÑOL Reside en Madrid y desde pequeño estaba interesado en la pintura. Tomó clases con profesionales de pintura y escultura y fue a partir de los últimos años que su carrera como artista empezó a despegar, exponiendo y colaborando en España, Londres, Mexico e Italia. Su técnica es fácilmente reconocible al usar colores, textura y volumen matérico en sus obras. Siendo su herramienta de trabajo la espátula en sus diferentes formatos. Creó su propia identidad a través de la abstracción. La naturaleza y los paisajes urbanos se encuentran entre sus principales fuentes de inspiración. Su obra, es un reflejo de su personalidad, destilando espontaneidad y viveza En la parte escultórica se decantó por el trabajo en madera. ENGLISH He lives in Madrid. Since he was a child, he has been interested in painting, taking classes with professional painters and sculptors. However, in recent years, his career as an artist began to take oﬀ, exhibiting and collaborating in Spain, London, Mexico, and Italy. His technique is easily recognizable by using colors, texture, and material volume in his works, being his work tool the palette knife in its diﬀerent formats. He created his own identity through abstraction. Nature and urban landscapes are among his primary sources of inspiration.Hector´s work reflects his personality, exudes spontaneity and liveliness. In the sculptural part, he opted for woodwork. Instagram: @hectorlopezartgallery Email: hectordavid73@gmail.com Web: www.hectorlopez-art.com

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1. Calles II (Streets II) Óleo,acrílico y grafito sobre lienzo enmarcado/ Oil, acrylic and graphite on framed canvas 110 x 90 cm

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JÜRGEN HÖGENER (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL “Ver el mundo con ojos azules. Soy autodidacta y vivo en Alemania cerca de Colonia. Empecé a pintar hace años como un equilibrio a mi trabajo en los negocios. Mi pasión es la acuarela y me fascinan las historias mágicas y de fantasía. Prefiero los cuadros de tamaño pequeño porque puedo dibujarlos en cualquier lugar. Mis cuadros unen mis emociones con el color y los elementos de estilo libre. Mis cuadros no tienen nombre, así que todo el mundo es libre de verlos con sus propios ojos, no importa si son azules, marrones, verdes, grises.... o lo que sea. Disfruta de mis fotos coloridas y pon atención al detalle. A primera vista puede que sólo veas una composición de color. Si te arriesgas a echar un segundo vistazo puedes ver un montón de pequeños detalles en el interior que deberían inspirar tu imaginación. Mi intención es que cada uno pueda encontrar su propia historia si así lo desea. Tómate tu tiempo y sígueme en un mundo intermedio entre la realidad y la fantasía. Te invito a descubrir mi mundo.” Jürgen Högener ENGLISH “See the world with blue eyes. I’m an autodidact, and I live in Germany near Cologne. I started painting years ago as a balance to my business work. My Passion is watercolor painting, and I’m fascinated by magical and fantasy stories. I prefer small size pictures because I can draw them everywhere. My pictures unite my emotions with color and freestyle elements. Consciously my pictures have no name, so everybody is free to see them with his own eyes, no matter if they are blue, brown, green, gray.... or whatever. Enjoy my colorful and often attention to detail pictures. At the first view, you may see only a composition of color. If you risk a second look, you can see a lot of small details inside that should inspire your imagination. My intention is that everyone can find his own story if they want to. Take your time and follow me in an intermediate world between reality and fantasy. I invite you to discover my world.” Jürgen Högener Instagram: @artist.freestyle Email: juergenhoegener9@gmail.com

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1. 250 Acuarela sobre papel/ Watercolor on paper 30 x 30 cm

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2. 340 Acuarela sobre papel/ Watercolor on paper 30 x 30 cm

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3. 430 Acuarela sobre papel/ Watercolor on paper 30 x 30 cm

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RANVEIG LANDRO (Noruega/ Norway)

ESPAÑOL “Jugar con los contrastes es fundamental para mí cuando hago arte. En el norte, la mitad del año hay una luz constante y la otra mitad una oscuridad omnipresente. El deseo de luz, pero también el conocimiento de la “fragilidad de la luz” es algo que quiero comunicar en mis cuadros. También está el contraste entre nuestros pensamientos y lo que podemos comunicar al exterior. Un eterno equilibrio entre lo “dicho y lo no dicho” en nuestras relaciones cotidianas, o la ficción entre las capas. Para mí, hacer arte tiene que ver con la energía espontánea y con dejarse llevar por ella, hacer una especie de transferencia de energía a mis obras. Estudié cine en Inglaterra, seguido de escritos modernistas/posmodernistas. Más tarde, hice un máster en comunicación en Francia. Mientras trabajaba en varias empresas, seguí cursos de pintura abstracta durante un par de años (L’Escale, Bretaña).” Ranveig Landro ENGLISH “Playing with contrasts is central to me when making art. Up north, there’s an ever-present light half of the year and omnipresent darkness the other half. A craving for light, but also the knowledge of the «frailty of light,» is something I want to communicate in my paintings. There’s also the contrast between our thoughts and what we can communicate outwards. There is an eternal balance between the «said and unsaid» in our daily relationships or the friction between the layers. To me, making art is last but not least about spontaneous energy and letting yourself get carried away by it. Make a sort of transfer of energy to my artworks. I studied film in England, followed by modernist/postmodernist writings. Later, I did a Master’s in Communication in France. Between working in various companies, I took (abstract) painting courses for a couple of years (L’Escale, Brittany).” Ranveig Landro Instagram: @ranveig_landro Email: ranveig.landro@yahoo.com

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1. The veil (portrait of a nordic girl)/ El velo (retrato de una chica nórdica) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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2. Vår: Melancholy springtime (Vår: Primavera melancólica) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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3. The Fiction in between (La ficción en el medio) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 60 x 80 cm

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GIULIA VIEZZOLI (Italia/ Italy)

ESPAÑOL Giulia Viezzoli nació en Ancona (Italia) en 1979 y luego vivió en varias ciudades por razones de estudio y trabajo, ocupándose de la facilitación lingüística y el arte entre Bolonia, Buenos Aires y Milán, donde vive actualmente. Comenzó a participar en exposiciones de arte internacionales y colectivas a finales de 2020 como: “El regalo del arte” - Génova, Palazzo Ducale, diciembre 2020-enero 2021 (comisariada por el Grupo Divulgarti); “Revolución: ¡arte y cambio!” - Londres, julio de 2021 (comisariada por The Holy Art); “Humanismo” - Atenas, septiembre de 2021 (comisariado por The Holy Art). El arte para Giulia es el canal a través del cual se conoce a sí misma, libera emociones y rompe creencias limitantes, especialmente las relacionadas con el cuerpo femenino que se engrandece y deforma. Cuerpos enormes sobre cabezas pequeñas para recordar que las mujeres también están hechas de instintos y deseos carnales. Fuerzas que a menudo es bueno seguir más allá de la vergüenza o el sentimiento de culpa que todavía inculca la religión dominante en su país y que se mezclan con los modelos de perfección femenina en los que la belleza se asocia a ser delgada, de extremidades largas, alta. Para Giulia la belleza reside en el orgullo de ser ella misma, meta que alcanza a través del arte. Giulia Viezzoli ENGLISH Giulia Viezzoli was born in Ancona (Italy) in 1979 but then lived in several cities for study and work reasons, dealing with linguistic facilitation and art between Bologna, Buenos Aires, and Milan, where she lives now. She started participating in International and collective art exhibitions at the end of 2020, such as: “The gift of art” - Genoa, Palazzo Ducale, December 2020-January 2021 (curated by Divulgarti Group); “Revolution: art & change!” - London, July 2021 (curated by The Holy Art); “Humanism” - Athens, September 2021 (curated by The Holy Art). Art for Giulia is the channel through which she knows herself, freeing emotions and breaking limiting beliefs, especially those related to the female body that magnifies and deforms. There are huge bodies on small heads to remember that women are also made of instinct and carnal desires. Forces that it is often good to follow beyond the shame or feelings of guilt still inculcated by the dominant religion in her country and mixed with the models of feminine perfection in which beauty is associated with being thin, long-limbed, high. To Giulia, beauty lies in the pride of being herself, a goal that she reaches through art. Giulia Viezzoli Instagram: @giuliaviezzoli Facebook: @Giulia.Viezzoli19 Email: giuliettv19@gmail.com Web: giuliaviezzoli.com

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1. Agnés Pastel al óleo sobre papel/ Oil pastel on paper 36 x 27 cm

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2. Amanda Pastel al óleo sobre papel/ Oil pastel on paper 36 x 27 cm

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3. Muna Pastel al óleo sobre papel/ Oil pastel on paper 36 x 27 cm

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CATHARINA ENGBERG (Suecia/ Sweden)

ESPAÑOL Catharina es una artista Internacional con un trabajo inspirado en la naturaleza, con una estética suave y armoniosa, que nos transmite tranquilidad y equilibrio. Su recorrido artístico se compone de diversas exposiciones en Suecia, Nueva York y con una próxima exposición en Milán, Italia. “Soy una verdadera amante de la naturaleza. Paso las estaciones más cálidas en el kayak y duermo al aire libre colgado en mi hamaca siempre que puedo. Allí siento la belleza y la grandeza de la naturaleza. A través de mi pintura quiero transmitir al espectador lo que siento en la naturaleza de mi país. Mi cuadro “Morning Glow” muestra nuestra naturaleza en su momento más hermoso del día. A primera hora de la mañana, cuando el cielo está en llamas y la niebla aún se cierne sobre la hierba cubierta de rocío. La madre tierra está despertando lentamente a un nuevo día.” Catharina Engberg ENGLISH Catharina is an International artist with a work inspired by nature, smooth and harmonious aesthetics transmits tranquility and balance. Her artistic journey consists of various exhibitions in Sweden, New York, and an upcoming exhibition in Milan, Italy. “I am a true nature lover. I spend the warmer seasons in the kayak and sleeping outside, hanging in my hammock as often as possible. There I feel the beauty and the greatness of nature. Through my painting, I want to give the viewer a sense of what I am feeling in the nature of my home country. My painting Morning Glow shows our nature at its most beautiful time of day. Early in the morning when the sky is on fire, and the mist is still hanging over the dewy grass. Mother earth is slowly waking up to a new day.” Catharina Engberg Instagram: @catharina_engberg_art Email: art.by.catharina.engberg@gmail.com

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1. Morning glow (Resplandor de la mañana) Acuarela sobre papel/ Watercolour on paper 56 x 76 cm

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SANDRA LAGES (Brasil/ Brazil)

ESPAÑOL Sandra es una artista brasileña y tiene obras polifacéticas. Sus composiciones son intensas, con fuertes contrastes y colores vivos, mezclando características impresionistas y expresionistas, sin embargo, busca su propio estilo. Es pintora autodidacta, y recientemente ha decidido compartir sus obras en Instagram (@sandrinni_e_arte), habiendo participado ya en dos exposiciones en Milán. También es psicoanalista afiliada a la Asociación Psicoanalítica Internacional de Londres (IPA), y trabaja en su oficina privada en Río de Janeiro. “Siempre he sido una amante del arte y he pintado desde mi infancia. La pintura se ha convertido en algo primordial en mi vida, siendo la expresión de mis sentimientos y pensamientos profundamente fundados. Espero que mis obras cuenten historias y hablen a los ojos de los espectadores, que comuniquen cosas que ninguna palabra puede expresar, mi ecléctico mundo interior. Entre otros temas, verás figuras humanas que con su movimiento corporal despiertan emociones intensas; flores delicadas y más de la naturaleza y más allá “. Sandra Lages ENGLISH Sandra is a Brazilian artist that has multifaceted works. Her compositions are intense, with strong contrast and lively colors, mixing impressionist and expressionist characteristics – however, she seeks her own style. She is a self-taught painter – and has recently decided to share her works on Instagram (@sandrinni_e_arte), having already partaken in two expositions in Milan. She is also a psychoanalyst aﬃliated with the London International Psychoanalytical Association (IPA), working in her private oﬃce in Rio de Janeiro. “I have always been a lover of art, and I have painted since my childhood. Painting has become paramount in my life, expressing my deeply founded feelings and thoughts. I hope my works tell stories and speak to the eyes of the beholders, that they communicate things no word can express my eclectic inner world. Among other subjects, you will see human figures that with their body movement awaken intense emotions; delicate flowers and more of nature and beyond.”

Sandra Lages Instagram: @sandrinni_e_arte Email: sandra@gaya.pro.br

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1. The Couple’s Dance (El Baile de la Pareja) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 40 x 40 cm

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2. Blue (Azul) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 40 x 30 cm

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3. Disillusioned (Desilusionada) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 40 x 40 cm

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JONA XAVER BUNDSCHUH (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Jona es un artista con un pasado lleno de experiencias enriquecedoras y trabajo fotográfico, entre los que podemos nombrar viajes a la isla Sylt (Alemania), Tailandia, Francia, Inglaterra e incluso un viaje de 2.500 km en bicicleta por Alemania. Estas experiencias lo ayudaron constantemente en su búsqueda pictórica. “Visitando diferentes lugares, explorando la naturaleza, entrando en contacto con el arte y muchos estilos diferentes; conocí a mucha gente, escuché muchas historias, historias buenas, historias tristes. Aprendo observando las cosas, las situaciones, las mentalidades. Mis pinturas no tienen un estilo específico, viene con la imagen en mi mente. Lo que pinto no significa nada por sí mismo, pero cuando miras con tus ojos, tu mente llena el cuadro con una historia. Tal vez sientas algo o te hagas una pregunta. Con otro par de ojos, el cuadro cuenta una nueva historia”. Jona Xaver Bundschuh ENGLISH Jona is an artist with a past full of enriching experiences and photographic work, among which we can name trips to the island Sylt (Germany), Thailand, France, England, and even a 2,500 km bicycle trip through Germany. These experiences constantly help him in his visual search for him. “By visiting diﬀerent places, exploring nature, and getting in touch with art and many diﬀerent styles, I met many people and heard many stories, good stories, and sad stories. I learn by watching things, situations, and mindsets. My paintings don’t have a specific style; it comes with the picture in my mind. What I paint means nothing by itself, but when you look through your eyes, your mind fills the painting with a story. Maybe you will feel something; maybe you will ask a question? With another pair of eyes, the painting tells a new story.“ Jona Xaver Bundschuh Instagram: @paloma_paint Email: jonbu96@web.de

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1. Letzte Tropfen (Últimas gotas) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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2. Schöne neue Welt? (¿Un mundo feliz?) Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper 42 x 59 cm

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3. Schöattenspiele (Juegos de sombras) Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper 59 x 42 cm

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MIKOLÁŠ KLÍR

(República Checa/ Czech Republic)

ESPAÑOL Mikoláš Klír nació en 1990 en Praga, República Checa. Se graduó en la Escuela Secundaria de Artes Aplicadas de Turnov, donde estudió fundición artística de metales. En los años siguientes también estudió estética, educación artística y geografía. En la actualidad se centra principalmente en la pintura al óleo y la escultura. En su obra aplica elementos del simbolismo, el surrealismo y el romanticismo. “Mi obra es el resultado de diversas impresiones y percepciones y las consiguientes ideas del escenario, construidas sobre la base de estos elementos y el impulso de expresar estas construcciones, que son muy difíciles de describir verbalmente.” Mikoláš Klír ENGLISH Mikoláš Klír was born in 1990 in Prague, Czech Republic. He graduated from the Secondary School of Applied Arts in Turnov, studying artistic metal casting, after which he studied aesthetics, art education, and geography in the following years. Nowadays, he focuses mainly on oil painting and sculpture. In his work, he applies symbolism, surrealism, and romanticism elements. “My work is the result of various impressions and perceptions and the subsequent ideas of the scenery, built based on these elements and the urge to express these constructs, which are very diﬃcult to describe verbally.” Mikoláš Klír Instagram: @mikolasklir Facebook: Fenomén Mikoláš Klír Web: mikolasklir.cz

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1. A girl in blue (Una chica de azul) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 70 x 50 cm

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2. Ovonomic destruction (Destrucción ovárica) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 60 x 40 cm

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3. A creepy man in disguise reading his speech (Un hombre espeluznante disfrazado leyendo su discurso ) Óleo sobre madera/ Oil on wood 70 x 60 cm

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ROGNI_R

(Noruega/ Norway)

ESPAÑOL Como pintor abstracto, ROGNI_R trabaja con un estilo informal y constructivista, mezclado en una combinación de cuadros figurativos y no figurativos. Los cuadros van desde piezas sencillas y tranquilas hasta construcciones más complejas. Incluso cuando pinta con brutalidad, le gusta hacer detalles con pinceladas finas para provocar a los que quieren ver los cuadros desde una distancia más corta. ROGNI_R es autodidacta, y hasta ahora ha presentado su obra a nivel local. La mayoría de sus obras se basan en una idea básica de un pensamiento, una emoción o un recuerdo. Tiene una formación en música, estudios de ingeniería en técnicas de construcción y edificación, y también ha realizado estudios de psicología y sociología. Recientemente ha trabajado como ingeniero de arquitectura en alta mar, en proyectos estructurales y mecánicos, siempre con un interés subyacente por el arte y las obras de arte. “Que una obra de arte sea perfecta no es lo más importante para mí, pero creo que debe tener algo que evoque compromiso o emociones en el espectador. Cuando trabajo con un cuadro, tengo un enfoque diferente en relación a si el cuadro debe ser figurativo o no. Hay un diablo en cada detalle, así que intento poner algunas sorpresas ocultas en los cuadros. Sin embargo, a veces esas sorpresas pueden aparecer completamente por accidente. Mi intención es que se pueda descubrir algo “nuevo” en el cuadro, tanto mañana como después, si se buscan los detalles”. ROGNI_R ENGLISH As an abstract painter, ROGNI_R works with an informal, constructive style, mixed in a combination of figurative and non-figurative paintings. The paintings range from simple and peaceful pieces to more complex constructions. Even when he paints rough coats, he likes to make thin-brushed details to tease those who want to see the paintings from a shorter distance. ROGNI_R is self-taught and has until now presented his work locally. Most of his works are based on a basic idea of a thought, an emotion, or a memory. He has an educational background in music, engineering studies in building and construction techniques, and psychology and sociology. He has recently and mostly worked as an oﬀshore architectural engineer, hereunder structural-, mechanical projects, always with an underlying interest for art and artwork has always been present. “Whether a work of art is perfect is not the most important to me, but I think it must have something that evokes engagement or emotions in the viewer. When I work with a painting, I have a diﬀerent approach in relation to whether the painting should be figurative or not. There lives a devil in every detail, so I try to put some hidden surprises in the pictures. However, sometimes such surprises can appear completely by accident. My intention is that it will be possible to discover something “new” in the picture both tomorrow and later - if you look for details.” ROGNI_R Instagram: @rogni_r Email: rn@adec.no

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1. The Silence of a Brass Quartet Wrapped in Random Colors (El silencio de un cuarteto de metales envuelto en colores aleatorios ) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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2. Village (Fuck the architects)/ Pueblo (Que se jodan los arquitectos) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 100 cm

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3. Art City (Ciudad del Arte) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 50 cm

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GUADALUPE ALDERETE (Argentina)

ESPAÑOL El recorrido artístico de Guadalupe incluye tener una licenciatura en Artes Visuales con orientación en pintura (IUNA). Es Profesora Nacional de Dibujo y Pintura con autorización para enseñar Historia del Arte Universal en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. También es profesora de Artes Plásticas en el Colegio Nacional de Buenos Aires y profesora de Artes en la “Escuela Argentina Modelo”. También ha estado impartiendo cursos privados de Dibujo, Pintura e Historia del Arte, conduciendo y escribiendo un programa de radio llamado “Micros de Arte” en Radio Cultura FM, y creando Ilustración para obras religiosas y literarias con Buenos Aires Edita S.A. Desde 1987 a la fecha ha participado de exposiciones colectivas en individuales “Desde muy chica mi entretenimiento favorito era pintar y experimentar con los diferentes materiales que estaban a mi alcance en el campo familiar en Salta, donde pasaba inolvidables veranos. También, me gustaba jugar a la maestra con mis hermanos menores, algo que luego se convirtió en mi profesión durante 31 años, dando clases de pintura en dos colegios prestigiosos de Argentina. Luego de haber terminado esa etapa de docencia que tantas satisfacciones, desde 2020 estoy abocada de lleno a desarrollar mi vocación artística. A lo largo de estos años, mi pintura pasó por lo figurativo, lo geométrico y en esta última etapa el expresionismo, donde predominan las texturas, los colores y la luz, que reflejan mi actual estado de libertad y enorme alegría.” Guadalupe Alderete ENGLISH Guadalupe`s artistic journey includes having a Bachelor’s Degree in Visual Arts with an orientation in painting. She is a National Professor of Drawing and Painting with authorization to teach History of Universal Art at the National School of Fine Arts “Prilidiano Pueyrredón”. She is also professor of Plastic Arts at Colegio Nacional de Buenos Aires and Professor of Arts in “Escuela Argentina Modelo.” She has also been giving private courses in Drawing, Painting, and Art History, hosting and writing a radio program called “Micros de Arte” in Radio Cultura FM, and creating Illustration for religious, literary works with Buenos Aires Edita S.A. From 1987 to date, she has participated in collective and individual exhibitions. “Since I was a child, my favorite pastime was painting and experimenting with the diﬀerent materials that were available to me in the countryside family house in Salta, where I spent unforgettable summers. Also, I loved to be a teacher to my younger siblings, which later became my profession for 31 years, teaching painting in two very prestigious schools in Argentina. After finishing that stage of teaching that gave me so much satisfaction, from 2020, I am fully dedicated to developing my artistic vocation. Throughout these years, my painting went through figurative, geometric and in this last stage expressionism, where textures, colors, and light predominate, reflecting my current state of freedom and great joy.” Guadalupe Alderete Instagram: @galderete_arte Facebook: @guadalderete.65 Email: guada.alderete@gmail.com

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1. La bailaora (The dancer) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 100 x 80 cm

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WESLEY ESTEVÃO LUIZ (Brasil/ Brazil)

ESPAÑOL “Mi nombre es Wesley, nací y crecí en São Paulo, Brasil. Empecé en el campo artístico muy joven, a la edad de 6 años y experimenté con muchas formas de arte como el dibujo, la pintura y la escultura. Al principio me dediqué a las artes secuenciales, inspirado por un famoso artista brasileño y por la cultura americana y japonesa. Hasta entonces nunca me había matriculado en una escuela de arte, todo lo que aprendí hasta ese momento fue a través de experiencias desde la infancia, observando el mundo que me rodeaba. Pero descubrí mi verdadera pasión a los 22 años, cuando tuve mi primer contacto con la pintura al óleo, influenciada por artistas de todo el mundo. Desde entonces decidí definitivamente que me convertiría en artista plástico. A los 23 años me matriculé en una universidad del estado de São Paulo, dedicada a la formación en artes plásticas. Dedico la mayor parte de mi tiempo a la pintura. Creo que el arte es una forma de terapia, que nos desconecta del mundo real, transportándonos a un lugar extraordinario. Comparto esta experiencia con las personas que me rodean para mostrarles lo magnífico que es poder insertarse en este entorno. Aunque no busco un estilo único para las obras, la mayoría de mis cuadros se basan en la deslumbrante naturaleza y la formación de la vida y el universo que me rodea. La conexión con el mundo y la forma en que cada individuo ve la vida es algo que me ha llamado la atención. Procedo de una familia religiosa, pero intento expresar la existencia de cualquier forma de vida no basándose únicamente en un creador, sino uniendo la ciencia y la religión como algo esencial. Utilizo los colores como una forma de impactar al espectador. El contraste, por ejemplo, se utiliza mucho en mis cuadros.” Wesley Estevão Luiz ENGLISH “My name is Wesley, and I was born and raised in Sao Paulo, Brazil. I started in the artistic field very young; still, at the age of 6, I experimented with many art forms such as drawing, painting, and sculpture. At first, I dedicated myself to sequential arts, inspired by a famous Brazilian artist and by American and Japanese culture. Until then, I had never enrolled in an art school; everything I learned so far was through experiences since childhood, observing the world around me. But I discovered my true passion at 22 when I had my first contact with oil painting, influenced by artists worldwide. Since then, I definitely decided that I would become a plastic artist. At 23, I enrolled in a University in the state of Sao Paulo, dedicated to training in visual arts. I dedicate most of my time to paintings. I believe that art is a form of therapy that disconnects us from the real world, transporting us to an extraordinary place. I share this experience with people around me to show them how magnificent it is to be inserted in this environment. Although I don’t look for a unique style for the works, most of my paintings are based on the breathtaking nature and the formation of life and the universe around me. The connection with the world and the way each individual sees life is something that has caught my attention. I come from a religious family, but I try to express the existence of any form of life not based solely on a creator but uniting science and religion as both essential. I use colors as a way to make an impact on the viewer. Contrast, for example, is used a lot in my paintings.” Wesley Estevão Luiz Instagram: @virtuarte.wesley Email: wesley_el10@hotmail.com

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1. The paradise of flamingos (El paraíso de los flamencos) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 70 x 50 cm

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RACHIDA CHEDDANI (Marruecos/ Morocco)

ESPAÑOL “Desde muy joven sentí un amor incondicional por el arte. Estudié pintura de forma independiente, explorando diferentes estilos, inspirándome en todas partes y forjando un estilo único y reconocible. En mi trabajo como artista, siempre busco captar la resonancia entre los detalles dinámicos de la luz y la textura. La pintura me permite expresar mis sentimientos y emociones. Mis obras están unidas por el dominio del color. Mis cuadros pretenden provocar en el espectador preguntas que nunca se ha planteado.” Rachida Cheddani ENGLISH “From a young age, I had unconditional love for art. I studied painting independently, exploring diﬀerent styles, drawing inspiration from all over, and forging a unique and recognizable style. As an artist, I always seek to capture the resonance between the dynamic details of light and texture. Painting allows me to express my feelings and emotions. My works are linked together by the dominance of color. My paintings are meant to provoke questions in the viewer that they have never asked themselves before.” Rachida Cheddani Instagram: @rach_art_crea Facebook: Rach art créa Twitter: @RCheddani Email: rachidas2@hotmail.com

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1. Luisance (Resplandor) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 100 x 70 cm

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JESSICA ANTOINE RIZKALLAH (Líbano/ Lebanon)

ESPAÑOL Jessica pasó sus primeros años sentada junto a su padre, un artista, observando y aprendiendo, probablemente imitando lo que su padre hacía. Expuesta a las maravillas del color, al auge del aerógrafo en los años 80 y a los primeros gráficos por ordenador, la fascinante educación de Jessica le inculcó el carácter de artista. Aunque al crecer, Jessica tuvo que descubrirlo dentro de sí misma. Como hija de un artista, creció con el deseo de crear arte. Tras licenciarse en Arte y Diseño Gráfico en la Universidad Americana de Ciencia y Tecnología de Beirut, Jessica se sintió atraída por la pintura. Su obra combina el arte POP, la inspiración de los movimientos modernos, el riesgo, los detalles y los colores armonizados. “Dedico mi vida a la pintura desde 2006. Utilizo acrílico, gouache sobre lienzo y tinta sobre papel utilizando diversas técnicas. Me inspiro constantemente en todo lo que me rodea: desde edificios antiguos, aventuras de viajes, recuerdos y movimientos sociales. Para mí, el arte es una vía de escape, un respiro, un lugar donde puedo sumergirme y transmitir mis sentimientos y emociones. Soy una persona sensible y cada uno de mis cuadros parte de un desencadenante en mi corazón que se transforma en un dibujo con el que intento ilustrar mis sentimientos en colores. Me apasiona y me dedico a evolucionar continuamente mi arte y mis técnicas”. Jessica Antoine Rizkallah ENGLISH Jessica spent her early years sitting next to her father, an artist himself, observing and learning – most likely imitating him. After being exposed to the wonders of color, the Airbrush boom in the 80’s and the very first computer-based graphics, Jessica’s fascinating upbringing gave birth to the artist in her. Though growing up, Jessica had to discover that within herself. As a child of an artist, she grew up with a desire to create art. After earning her Bachelor’s degree in Arts & Graphic Design at the American University of Science and Technology in Beirut, Jessica was drawn to painting. Her work combines POP art, modern movement inspiration, risqué, details, and harmonized colors. ‘I have dedicated my life to painting since 2006. I use acrylic, gouache on canvas, and ink on paper using various techniques. I am constantly inspired by everything around me: ancient buildings, travel adventures, memories, and social movements. For me, art is an escape, a breather; somewhere I can immerse and transmit my feelings and emotions. I am a sensitive person, and each of my paintings starts from a trigger in my heart which transforms into a drawing where I try to illustrate my feelings into colors. I am passionate and dedicated to continuously evolving my art and techniques.’ Jessica Antoine Rizkallah Instagram: @jessicartstudio Email: jessicartstudio@gmail.com

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1. Tiger tropic (Trópico del tigre) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 x 50 cm

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DANIEL EVCI

(Turquía/ Turkey)

ESPAÑOL “Soy un artista turco de origen asirio ortodoxo que vive en Estambul. Cuando era niño, mi familia descubrió mi capacidad para dibujar y me animó a hacerlo. Pintaba sobre todo con pintura al óleo. Cuando comenzó mi vida profesional, en 1980, pinté retratos de diversas personas y productos en escalas como 15 por 25 metros para cubrir fachadas de edificios y realicé todo tipo de carteles dibujados a mano hasta 1995, que fue cuando la impresión digital tomó protagonismo. Tras una larga pausa debido a mi vida profesional, volví a dibujar hace dos años. Trato de plasmar diferentes temas en mis lienzos y, al hacerlo, intento descubrir mis propios límites. A través de mis obras, veo que me inclino cada vez más hacia las obras de arte realistas”. Daniel Evci ENGLISH “I am a Turkish artist with Orthodox Assyrian origins who lives in İstanbul. When I was a child, my family discovered my drawing ability, and they encouraged me. I mainly worked with oil paint. When my professional life began in 1980, I painted portraits of various people and products in scales such as 15 by 25 meters to cover facades of buildings and made all sorts of hand-drawn signs until 1995, when digital printing took over. After a long break due to my professional life, I started to draw again 2 years ago. I try to portray diﬀerent subjects on my canvas, and by doing so, I try to discover my own limits. Through my works, I see that I’m leaning more and more towards realist works of art.” Daniel Evci Instagram: @daniel.art.ist Email: daniel.evci@gmail.com

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1. Pencil Drawing of Monica Bellucci (Dibujo a lápiz de Monica Bellucci) Graphic pencil and charcoal on paper/ Lápiz gráfico y carboncillo sobre papel 70 x 50 cm

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LOUISA SEIDL

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL “El arte siempre me ha fascinado. De pequeña me encantaba crear y trabajar con mis manos. A los doce años descubrí que me gustaba mucho dibujar con lápiz. Al principio me enseñé a mí misma y en la escuela antroposófica estuve expuesta a muchas formas diferentes de arte. Luego decidí cambiar a una escuela de arte porque me di cuenta de que quería profundizar aún más. Empecé a trabajar con diferentes materiales y técnicas. No tengo un estilo de pintura favorito. Elijo mis materiales de forma intuitiva en función de mi estado de ánimo. Sigo buscando mi estilo personal y actualmente estoy experimentando bastante. Lo más importante para mí es reflejar las emociones en mi obra; las mías y las de las personas que significan algo para mí. También quiero combinar la realidad con el surrealismo. Mis otros intereses son la psicología, la sociología y el propio ser humano. Me fascina la naturaleza y toda su belleza y maravillas. Somos capaces de ilustrar y visualizar las relaciones humanas, pero es imposible mostrarlas realmente tal y como son. Nunca sabremos lo que otra persona siente por nosotros, ya que los sentimientos no se pueden definir”. Louisa Seidl ENGLISH “Art has always fascinated me. As a young child, I loved creating and working with my hands. When I was twelve, I discovered that I enjoyed drawing with a pencil. In the beginning, I taught myself, and at the anthroposophical school, I was exposed to many diﬀerent art forms. Then I decided to transfer to an art school because I realized that I wanted to dive even deeper. I began to work with diﬀerent materials and techniques. I do not have a favorite painting style. I choose my materials intuitively depending on my mood. Still searching for my personal style, I am currently experimenting quite a lot. What is really important to me is to reflect emotions in my work, my own, and those who mean something to me. I also want to combine reality with Surrealism. My other interests are in psychology, sociology, and humankind itself. I am fascinated with nature and all its beauty and wonders. “We are able to illustrate and visualize human relations, but it is impossible to show them as they are in real life. We will never know what another person feels for us, as feelings cannot be defined.” Louisa Seidl Instagram: @lloumaar Email: seidllouisa@gmail.com

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1. Illusion of myself (Ilusión de mí misma) Lápiz y lápiz de color sobre papel de dibujo/ Pencil and coloured pencil on plotting paper 21 x 29,7 cm

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YUKIO YAMATO (Japón/ Japan)

ESPAÑOL Yukio es un actor, pintor y fotógrafo japonés, con un estilo que muestra colores brillantes y pinceladas gestuales. “Mis viajes artísticos comenzaron cuando salí de la ciudad de Toyama (Japón), donde nací, ya que la naturaleza me llamó a viajar. Al pisar los escenarios teatrales de Tokio, creé varios personajes a través de la actuación. Así pude grabar en mi mente el carácter humano y su escenario de fondo. Estos viajes fortificaron mi imaginación del mundo global. Y luego salté a Nueva York, y sentí como si me quitara la membrana de la placenta”. Tuve que enfrentarme a la experiencia directa en un campo desconocido. Mientras me empapaba de esta ciudad, no podía distinguir entre lo real y lo imaginario y los sueños; veía simultáneamente estas tres facetas. Fue en ese momento que me dí cuenta que mi cuerpo era un “préstamo” en este mundo. Desde un punto de vista directo, nuestros hábitos son los que causan el cambio climático. Es el momento de transformar nuestro sentido común. Nuestra “placenta” original es este planeta. Todos tenemos nuestras experiencias “alquiladas” en este mundo. Por lo tanto, trato de crear un nuevo viaje” Yukio Yamato ENGLISH

Yukio is a Japanese actor, painter and photographer, with a style that shows bright colors and gestural brushstrokes. “My artistic trips began when I left the city of Toyama (Japan), where I was born, since nature called me to travel. Stepping onto the theatrical stages of Tokyo, I created various characters through acting. Thus I was able to record in my mind the human character and its background scenario. These trips fortified my imagination of the global world. And then I jumped to New York, and it felt like I was peeling oﬀ “the placental membrane.” I had to face direct experience in an unknown field. As I soaked myself in this city, I couldn’t distinguish between the real and the imaginary and dreams; I saw these three facets simultaneously. It was at that moment that I realized that my body was a “loan” in this world. From a direct point of view, our habits are what cause climate change. It is time to transform our common sense. Our original “placenta” is this planet. We all have our “rented” experiences in this world. Therefore, I try to create a new journey. “ Yukio Yamato Instagram: @yukio.yamato Email: yyyukioyamato@icloud.com

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1. Out of that (Fuera de eso) Oil pastel on drawing paper/ Pastel al óleo sobre papel de dibujo 52 x 37 cm

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ANITA ÉDES

(Hungría/ Hungary)

ESPAÑOL “Me ha interesado el arte desde que era un niña. Al principio me dediqué al dibujo cuando era joven, pero también me probé en otros campos, y finalmente encontré la pintura. Ahora, a mis treinta y pocos años, tras varios años de ausencia, he vuelto a coger el pincel. Trato de aprender de forma autodidacta, tanto de los libros como de los vídeos que encuentro en diversas redes sociales. Pintar me da seguridad. Durante la creación, casi todo lo que me rodea, desaparece, y el tiempo se detiene. Tengo problemas con las palabras, pero en mis cuadros puedo expresar más fácilmente todo lo que hay dentro de mí, mis sentimientos. Por eso me gustan los retratos. Muestran toda la gama de sentimientos. Me gusta sumergirme en los rostros humanos. Observar la mirada, la diminuta curvatura de las comisuras de los labios, los rasgos únicos que esconde el rostro de una persona. Es un gran reto captar el carácter del modelo dado, introducir un pequeño trozo de mí mismo en la obra terminada.” Anita Édes ENGLISH “I have been interested in art since I was a child. At first, I was engaged in drawing when I was young, but I tried myself in several other fields and finally found painting. Then now, in my early thirties, after several years of skipping, I grabbed my brush again. I try to learn knowledge in a self-taught way from books and videos found on various social sites. For me, painting brings reassurance. During creation, almost everything around me disappears, and time stops. I have issues dealing with words, but in my pictures, I can more easily express everything inside me, my feelings. That’s why I like portraits. They show a full range of feelings. I like to immerse myself in human faces; by observing the gaze, the slight curvature of the corners of the lips, the many unique features that a person’s face hides. It is a great challenge to capture the character of the given model, to smuggle a small piece of myself into the finished work.” Anita Édes Instagram: @_._sweetart_._ Email: anita.edes@gmail.com

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1. Asian Garden (Jardín asiático) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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2. Burning Sun (Sol ardiente) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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3. Colorful Beauty (Belleza de colores) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 70 x 50 cm

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MAGDA BETKOWSKA (Polonia/ Poland)

ESPAÑOL “Nací en Polonia y estudié en el Instituto de Educación Artística de la Universidad de Silesia. Después de una pausa de más de 10 años volví a la pintura. Desde 2011 vivo en Suiza y aunque actualmente estoy trabajando en un área completamente diferente, tengo el deseo de compartir mi arte con los demás y demostrar que nunca es demasiado tarde para hacer un sueño realidad. Mis cuadros muestran la belleza de cada mujer con toda su imperfección y dicen que cada una de ellas puede ser quien quiera ser. El tema principal de mis obras es la mujer. Ya en los antiguos mitos y religiones, las mujeres eran veneradas como diosas y dadoras de vida y se consideraban un símbolo de sensualidad, sexualidad y una nueva vida. Cada mujer nace con muchas cualidades femeninas maravillosas y con creatividad que debe utilizar como potencial en el curso de su vida para alcanzar sus sueños. Las expectativas de hoy en día de que cada mujer sea una esposa y madre perfecta y también exitosa en su trabajo, lleva a las mujeres a perder el “acceso” a su ser interior. Mis fotos muestran la belleza de cada mujer con todas sus imperfecciones y dicen que cada una de ellas puede ser quien quiera ser. Las expectativas de la sociedad no deben determinar nuestro valor e identidad. El patrón perfecto que garantiza la felicidad no existe. Cada una de nosotras tiene derecho a elegir y crear su propia realidad.” Magda Betkowska ENGLISH “I was born in Poland, and I studied at the Institute of Art Education of Silesian University. After a break of more than 10 years, I returned to painting. Since 2011 I have been living in Switzerland, and although I am currently working in a completely diﬀerent area, I desire to share my art with others and prove that it is never too late to make a dream come true. The main topic of my artwork is a woman. In ancient myths and religions, women were revered as goddesses and givers of life and were considered a symbol of sensuality, sexuality, and a new life. Every woman is born with many wonderful feminine qualities and creativity, which she should use as potential in the course of her life to achieve her dreams. Today`s expectations of every woman to be a perfect wife and mother and successful in her job lead women to lose access to their inner-self. My pictures show the beauty of every woman with all her imperfections and tell that every one of them can be who she wants to be. Society’s expectations should not determine our value and identity. The one perfect pattern guaranteeing happiness does not exist. Every one of us has a right to choose and create her own reality.`` Magda Betkowska Instagram: @deco.bit7 Email: deco.bit7@gmail.com Web: www.deco-bit.com

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1. Charlotte - Happiness is the present moment (Charlotte - La felicidad es el momento presente) Técnica mixta sobre papel: acrílico, bolígrafos, lápices de colores, medio grueso de piedra pómez/ Mixed Media on paper: acrylic, pens, crayons, pumice coarse medium 40 x 30 cm

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2. Valentina - You are stronger then you think (Valentina - Eres más fuerte de lo que crees) Técnica mixta sobre papel/ Mixed Media on paper 28 x 21 cm

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3. Paula - Good things take time (Paula - Las cosas buenas llevan su tiempo) Técnica mixta sobre papel/ Mixed Media on paper 15 x 10 cm

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FATMA OZAR CONKBAYIR

(Norte de Chipre/ North Cyprus)

ESPAÑOL

“Me llamo Fatma Ozar Conkbayır. Nací en 1979 en Kyrenia, Chipre del Norte. Me licencié en 2001 y obtuve un máster en 2004 en la Universidad del Mediterráneo Oriental de Ingeniería Eléctrica y Electrónica. Mi interés por el arte y la pintura comenzó con un curso de arte que hice durante mis años en la universidad. Realicé pintura sobre lienzo y piedra como una combinación de trabajo surrealista y fantástico. Siento que me separo del mundo al pintar piedras y lo disfruto mucho. Mi pintura refleja la fuerza del amor y la felicidad.” Fatma Ozar Conkbayır ENGLISH “My name is Fatma Ozar Conkbayır. I was born in 1979, Kyrenia, North Cyprus. I received my Bachelor’s degree in 2001 and my Master’s degree in 2004 from the Eastern Mediterranean University of Electric and Electronics Engineering. My interest in art and painting began with an art course I took during my years in university. I performed canvas and stone painting combined with surrealist work and fantasy work. I feel like I separate myself from the world while painting stones and enjoy it very much. I am doing my painting that reflects the strength of love and happiness. “ Fatma Ozar Conkbayır Instagram: @art_by_f.ozar Facebook: Art by F.Ozar Email: fatos_ozar@hotmail.com

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1. Nil´s world (El mundo de Nils) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 100 cm

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ANDRZEJ DUDEK (Polonia/ Poland)

ESPAÑOL “Me llamo Andrzej Dudek y soy un artista autodidacta de Polonia. Al principio de mi trayectoria artística dibujaba retratos y animales. Pero un día sentí que necesitaba algo diferente, más expresivo. Así que aquí están mis pinturas abstractas, llenas de colores y formas variadas. Cuando empiezo a pintar, tengo cierta visión de cómo debe ser un cuadro, pero la primera idea cambia muy a menudo en el proceso de creación. Intento transmitir mis emociones y mi energía a través de las abstracciones. El arte moderno me da innumerables oportunidades de crear algo extraordinario y esto es una sensación realmente fantástica.” Andrzej Dudek ENGLISH “My name is Andrzej Dudek, and I’m a self-taught artist from Poland. At the beginning of my artistic journey, I drew portraits and animals. But one day, I felt like I needed something diﬀerent, more expressive. So here are my abstract paintings, full of colors and various shapes. When I start to paint, I have some vision of what a painting should look like, but the first idea is changed very often in the process of creation. I try to convey my emotions and energy through abstractions. Modern art gives me countless opportunities to create something extraordinary, and this is a fantastic feeling.” Andrzej Dudek Instagram: @andrzejdudek_art Facebook: @andrzejdudek.art Email: info@andrzejdudekart.pl Web: www.andrzejdudekart.pl

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1. The void (El vacío) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 150 cm

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2. Feeling lucky (Sentirse afortunado) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 70 cm

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3. Abstract no. 17 (Abstracto nº 17) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 150 x 100 cm

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JAY HODGSON

(Canadá/ Canada)

ESPAÑOL

“Siempre he sido un ávido fan y creador del collage de papel analógico. Me fascinan los extraños estados cerebrales que este medio provoca en el espectador, ya que la efímera impresión, obviamente producida en masa, de la cultura de consumo desechable, se ensambla para crear experiencias visuales totalmente nuevas y únicas. Mis exposiciones más recientes fueron en la Galería Van Der Plas, en el Lower East Side de Manhattan, como parte de su exposición Vor Kunst, en noviembre de 2020, y de nuevo como parte de su exposición Summer Salon, en agosto de 2021; en la Galería Start, en Varsovia (Polonia), como parte de su exposición World Absurdist, en la primavera de 2021; y en la Galería Divulgarti, en Génova (Italia), como parte de la exposición comisariada por Loredana Trestin “Il Bivio” (“La encrucijada”) en junio y julio de 2021. También expongo casi a diario en instagram. ¡Ven a buscarme allí y saluda!.” Jay Hodgson ENGLISH “I have always been an avid fan (and maker) of analog paper collage. I’m totally fascinated by the weird brain states the medium provokes in viewers, as the obviously mass-produced print ephemera of disposable consumer culture assembles to create totally new and unique visual experiences. My most recent showings were at the Van Der Plas Gallery in the lower east side of Manhattan, as part of its Vor Kunst exhibit, in November of 2020, and again as part of its Summer Salon showing, in August of 2021; at the Galeria Start, in Warsaw (Poland), as part of their World Absurdist exhibit in Spring of 2021; and at the Divulgarti Gallery in Genoa (Italy), as part of the Loredana Trestin curated exhibit “Il Bivio” (“The Crossroads”) in June and July of 2021. I also show it almost daily on Instagram. Come find me there and say hey!” Jay Hodgson

Instagram: @jay_hodgson_collage Email: jedimastering@gmail.com

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1. It’s Only A Paper Moon (Es sólo una luna de papel) Collage de papel analógico, rotulador acrílico, pegamento y cartulina/ Analog Paper Collage, acrylic marker, glue and poster board 22.86 x 22.86 cm

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2. Pests (Plagas) Collage de papel analógico, pegamento y cartulina/ Analog Paper Collage, glue and cardboard 26.67 x 19 cm

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3. When The Mother’s Little Helper Hits (Cuando el pequeño ayudante de la madre golpea) Collage de papel analógico, pegamento y cartón/ Analog Paper Collage, glue and cardboard 20.32 x 24.13 cm

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TAGUERA

(Kirguistán/ Kyrgyzstan)

ESPAÑOL “Nací en Asia central y actualmente resido en Italia. Desde la infancia, me atrajo el misterioso encanto que hay detrás de las obras de arte y el diseño. Mi trabajo está impregnado del espíritu y la energía que sentí en el momento de crearlo. Empecé a buscar nuevas formas de expresar mis emociones y sentimientos. El proceso de crear arte me dió lo que quería: formas ilimitadas de expresarme. Me encanta el color y la vitalidad de la pintura, y aquí puedo vivir todas mis fantasías e ideas creativas. Durante el proceso de creación, no me limito a un estilo o medio específico. Mi proceso de creación se basa en mis emociones y mi estado de ánimo. Soy muy espontánea. Cada cuadro, en cierto modo, cuenta su propia historia y se convierte en un marco para las capacidades perceptivas que se acercan a nuestra capacidad asociativa. Juego con los colores, formando líneas minimalistas en sus oscuras ilustraciones, examinando pero también esculpiendo como composiciones con el uso específico del acrílico. Mis obras se encuentran en colecciones privadas de Estados Unidos y Europa.” Taguera ENGLISH “I was born in central Asia, and now I am currently based in Italy. Since childhood, I have been drawn by the mysterious charm behind fine artworks and design. My work is infused with the spirit and energy I felt when I created it. I began to look for new ways to express my emotions and feelings. The process of creating art gave me what I wanted - unlimited ways of expressing myself. I really love color and vitality in painting, and here I can live out all my creative fantasies and ideas. I am not limiting myself to a specific style or medium during creation. My creating process is based on my emotions and my mood, as I am very spontaneous. Each painting, in a way, tells its own story and becomes a frame for perceptual capacities that approach our associative capacity. I play with colors, form minimalistic lines in his obscure illustrative, examining but also sculptured like compositions with the specific use of acrylic. My works are in private collections in the USA and Europa.” Taguera Instagram: @taghera_art Email: aika.art66@gmail.com Saatchiart: Taghera Art Web: www.madsmilano.com/product-page/taghera-s-art

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1. Love at first sight (Amor a primera vista) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 50 x 60 cm

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IRIS TSALARIDI (Grecia/ Greece)

ESPAÑOL Iris Tsalaridi nació y creció en Tesalónica, Grecia. Su interés por el arte se extiende a diversos campos, como la pintura, las construcciones que combinan diferentes materiales, el grabado, el trabajo con madera y arcilla, el pirograbado y mucho más. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Macedonia Occidental en Florina. Además de pintar y, en general, del arte, asistió a cursos de arteterapia para niños. Como pintora, Iris tiene una forma especial de usar el color, utiliza muchos grises y colores neutros y al poner en ciertos lugares colores y trazos intensos da la sensación de multicolor y dinámica. Sus temas son principalmente antropocéntricos, retratos, cuerpos y lugares donde suele haber presencia humana. Siempre narra una emoción, una situación, un sentimiento o un pensamiento. Además, en su obra el espectador puede observar intensos contrastes de luces y sombras, equilibrio en las formas, dirección, perspectiva y a veces movimiento. “Llevo pintando desde que tengo uso de razón y siempre me ha entusiasmado el proceso de creación. Durante el tiempo de creación me siento libre, tranquila, plena y completa. Creo que estos sentimientos juntos son la felicidad. Me gusta experimentar con materiales y técnicas y disfruto descubriendo nuevas formas de expresión. Encuentro la inspiración y estoy encantada, por la luz en la sombra y la sombra en la luz, y todo lo demás sigue su camino”. Iris Tsalaridi ENGLISH Iris Tsalaridi was born and raised in Thessaloniki, Greece. Her interest in art spread over various fields, such as painting, constructions combining diﬀerent materials, engraving, working with wood and clay, pyrography, and much more. She studied Fine Arts at the University of Western Macedonia in Florina. In addition to painting and art, she attended courses on art therapy for children. As a painter, Iris has a unique way of using color, uses many grays and neutral colors, and puts in certain places intense colors and strokes that give the feeling of multicolor and dynamic. Her subjects are mainly anthropocentric, portraits, bodies, and places with a human presence. Always narrates an emotion, a situation, a feeling, or a thought. Also, in her work, the viewer can observe intense contrasts in light and shadow, balance in forms, direction, perspective, and sometimes movement. “I ‘ve been painting since I remember myself, and I ‘ve always been excited by the process of creation. I feel free, calm, full, and whole when I create. I believe these feelings together are happiness. I like to experiment with materials and techniques and enjoy discovering new ways of expression. I find inspiration, and I am enchanted by the light in the shadow and the shadow in the light, and everything else goes their way.” Iris Tsalaridi Instagram: @iristidi Email: iristidi3@gmail.com

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1. “Fog” unresolved emotions (“Niebla” emociones no resueltas) Óleo sobre papel lienzo/ Oil on canvas paper 36 x 36 cm

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2. “Hope” warm in cold (“Esperanza” cálida en el frío) Óleo sobre papel lienzo/ Oil on canvas paper 25,5 x 17,5 cm

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3. Rain Colors 2 (Colores de la lluvia 2) Óleo sobre papel lienzo/ Oil on canvas paper 21 x 29 cm

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MILTIADIS MYTELETSIS (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL Miltiadis es un artista autodidacta, con un trabajo realista-fantástico e iconoclasta, lleno de apologías y analogías religiosas y mitológicas. Las líneas onduladas de su trabajo, el tratamiento de los brillos y su paleta de colores cálidos dan fuerza y energía a su pintura. “En 1982 fuí a Grecia. Ahora vivo en Alemania. Aprendí a pintar por mi cuenta en mi tiempo libre. Con mis pinturas cuento mi historia sobre mis sentimientos y cómo percibo el mundo a través de mi propio punto de vista.” Miltiadis Myteletsis ENGLISH Miltiadis is a self-taught artist with realistic and iconoclastic work, full of religious and mythological apologies and analogies. The wavy lines of his work, the treatment of glitter, and his warm color palette give strength and energy to his painting. “In 1982, I went to Greece. Now I live in Germany. I learned to paint on my own in my spare time. With my paintings, I tell my story about my feelings and how I perceive the world through my own point of view. “ Miltiadis Myteletsis Instagram: @myteletsis Email: miteletsis@gmail.com

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1. Goddess Nemesis (Diosa Némesis) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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NICHOLAS GARY ASHTON (Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL Nicholas Ashton es un artista abstracto estadounidense de 36 años con un estilo de pintura único. Utiliza un método poco ortodoxo para manipular la emoción detrás de la creación de cada obra. Nicholas está emocionado de salir y compartir oficialmente su talento y habilidad con el resto del mundo. “Me resulta difícil explicar quién era antes de empezar a pintar, pero la pintura se ha convertido en la única cosa que me da vida. Como alcohólico en recuperación que sobrevivió a la falta de hogar, al encarcelamiento y a graves problemas de salud mental, junto con la pérdida de mi único y verdadero mejor amigo canino, Harley, empecé a pintar como una forma de aliviar los episodios de depresión y ansiedad, antes de darme cuenta del verdadero talento que había permanecido latente. Al crecer, siempre sentí que nunca tuve una guía clara a seguir en la vida, tener este conocimiento interno me llevó a probar continuamente nuevas cosas, para ver dónde y si podía encontrar esa guía. Esto me ha proporcionado un dominio apasionado de las cosas que intento y en las que tengo éxito; dándome la actitud de no tener nunca miedo de intentar algo una vez. No me arrepiento de mi pasado ni de los errores que cometí, porque me llevaron a descubrir mi verdadera pasión: la pintura. Cuando pinto, tengo la libertad de ser yo mismo, de dejar fluir mis emociones y de hacerlo como quiero. Primero empecé a pintar para ocupar el vacío que el alcohol llenaba. Gran parte de mis primeras obras fueron creadas en un estado depresivo, sin motivación para seguir adelante. Mi primera obra titulada: “Hold Yourself Accountable”, junto con mis otros trabajos iniciales, se hizo con un bastoncillo de algodón. Estas obras eran regalos a familiares o amigos que se sentían atraídos por ellas. Cuando estoy pintando, desaparezco en mi propio ser, un lugar sin juicios ni culpas. Por eso me resulta difícil ver las obras terminadas y darles un nombre apropiado. Dar a la gente un arco iris de emociones: al mirar mis obras de arte es cuando mi alegría se encuentra. Esta es la razón que inspiró el nombre de mi estilo: “Fridge Art”. Quiero que cada pieza dé al espectador esa oleada de emociones cada vez que la observe.” Nicholas Gary Ashton ENGLISH Nicholas Ashton is a 36-year-old American abstract artist with a unique painting style using an unorthodox method of manipulating the emotion behind the creation of each piece. Nicholas is now excited to step out and officially share his talent and skill with the rest of the world! “I have a tough time explaining who I was before I started painting, but painting has become the one thing that breathes life into me. As a recovering alcoholic who survived homelessness, incarceration, severe mental health issues, and losing my one true canine best friend Harley, I started painting to alleviate depressive and anxious episodes before realizing the real talent that had lain dormant. Growing up, I always felt like I never had that real track to follow in life; having this internal knowledge drove me to continuously try new things to see where and If I could find that hidden track. This has given me a passionate grasp of the things I do try and succeed in, giving me the attitude of never being afraid to try something once. I do not regret my past and mistakes because they led me to discover my real passion; Painting. When I paint, I have the freedom to be myself, let my emotions flow, and do it the way I want. I first started painting to occupy a void that alcohol was filling. So much of my earliest work was created in a depressive state with no motivation to keep going. My first piece, ‘Hold Yourself Accountable,’ and my other early works were done with a Q-tip and ended with a quote. These pieces were given to family or friends who felt drawn to them. When I paint, I disappear into my own self, a place with no judgment or guilt attached. I have a difficult time looking at the completed pieces because of this and giving them a proper name. Giving people a rainbow of emotions when looking at my artwork is where my joy is truly found, inspiring the name in my style: “Fridge Art”. I want each piece to give you that surge of emotion whenever you look at it.” Nicholas Gary Ashton Instagram: @fridge.art_nstuff Facebook: Fridge Art by Nicholas Ashton Web: www.fridgearte.com

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1. “The Fridge Arte color wheel” (La rueda de colores de Fridge Art) Acrílico, óleo, base y pinturas de látex sobre lienzo estirado/ Acrylic, oil, primer, and latex paints on stretched canvas 50.8 x 62.23 cm

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2. Relentless betrayal (Traición implacable) Pintura, spray y tinte sobre madera contrachapada/ Paint, spray and stain on plywood 76 cm in circumference

360

3. Emily’s Gate (La puerta de Emily) Pintura sobre madera de granero/ Paint on barn wood 12.7 x 38.9 cm

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MACKAY (Chile)

ESPAÑOL Mackarena Escobar Herrera, conocida por su nombre artístico “Mackay”, es Licenciada en Artes, -con mención en Actuación-, Pintora, Performance Body Paint Art y próxima expositora en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en el libro “Antología de Arte IV”. Desarrolla su concepto creativo desde hace 20 años en diversos lenguajes escénicos, siendo ganadora de los fondos FONDART otorgados por el ministerio de cultura y las artes de Chile. Actualmente dirige “Galería Andante”, proyecto en el que se exponen 11 lienzos en acrílico, buscando expresar emociones a partir del fallecimiento de su padre Sergio Escobar Pérez. (8-09-1953 al 1-01-2021). Bajo las premisas de “Transformación del arte” y “El arte no pertenece a la élite”, Mackay nos acerca el concepto de los museos a cielo abierto, potenciando espacios de diálogos generativos de memorias emotivas entre los espectadores. La artista expone en “Tour Galería Andante”, siendo este proyecto artístico una metáfora de una casa de vidrio, que rompe las paredes de la pandemia y el encierro, permitiendo observar al espectador la “llegada de la inspiración” y dejando claro que ese momento mágico existe, pero cuando llega, debe encontrar a la artista trabajando junto al público, para no perder “el pincel de Artemisa”. Mackay ENGLISH Mackarena Escobar Herrera Mackay is a Visual Artist, Bachelor of Arts, with a mention in Acting, Painter, Performance Body Paint Art and next exhibitor at the Fine Art Circle of Madrid in the book Art Anthology IV. She developed her creative concept 20 years ago in various scenic languages, being the winner of the FONDART funds, granted by the Ministry of Culture and the Arts of Chile. She currently directs “Galería Andante,” a project in which 11 acrylic canvases are exhibited, seeking to express emotions after the death of her father, Sergio Escobar Perez. (8-09-1953 to 1-01-2021). Under the premises of “Transformation of art” and “Art does not belong to the elite,” she brings us closer to the concept of open-air museums, promoting spaces of generative dialogues of emotional memories among the spectators. The artist exhibits in “Tour Galería Andante,” a metaphor of a glass house that breaks the walls of the pandemic and confinement, allowing one to observe the arrival of inspiration and making it clear that this magical moment exists. Still, when it arrives, it must find the artist working with the public not to lose the “brush of Artemis.” Mackay Instagram: @mackay_artista Email: mackarenaescobarherrera@gmail.com

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1. Paraíso (Paradise) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 130 cm

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2. Seres (Creatures) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 130 x 130 cm

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3. Lup-Dup Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 X 130 cm

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YUMI IIDA

(Japón/ Japan)

ESPAÑOL Yumi es una artista japonesa con un trabajo artístico optimista y en su mayoría, abstracto. Sus pinceladas nos recuerdan a los movimientos de la naturaleza y nos brindan una atmósfera alegre y espontánea. “Nací en Osaka y me crié en Tokio, Japón. Estudié pintura al óleo en mi juventud. Ahora vivo entre Tokio y Bruselas. Aprovechando el color, me gusta pintar mi impresión sobre la naturaleza y la cultura.” Yumi Iida ENGLISH Yumi is a Japanese artist with upbeat and primarily abstract artwork. Her brushstrokes remind us of the movements of nature and give us a happy and spontaneous atmosphere. “I was born in Osaka and raised in Tokyo, Japan. I studied oil painting in my youth. Now I live between Tokyo and Brussels. Taking advantage of color, I like to paint my impression of nature and culture. “ Yumi Iida Instagram: @yumiart2021 Facebook: yumi.iida.98 Email: yumivenus@icloud.com

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1. Kyoto (Kioto) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 45.5 x 45.5 cm

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MIHAELA CISMIGIU (Rumania/ Romania)

ESPAÑOL “Soy Mihaela. Nací en Bucarest, Rumania en 1994. Soy una artista autodidacta que se deja llevar sólo por la pasión y las emociones. Me gusta pintar en acrílico y experimentar con varias técnicas de arte abstracto. Puedo decir que siempre me atrajo todo lo que se considera “incomprensible”. Por eso el arte abstracto me define. La pintura siempre ha formado parte de mi vida desde una edad temprana, cuando descubrí que toda emoción puede expresarse a través de los colores y las formas. Considero que no hay emoción que no pueda transponerse en un lienzo. Cada pensamiento, cada sentimiento, ya sea “oscuro” o lleno de “luz” y color, está presente en cada uno de mis cuadros. El arte es mi forma de escapar del mundo exterior y volver al verdadero yo y a la fuente de todas mis emociones: mi alma. Me inspiro en cada lugar que veo, en cada experiencia que tengo, en la gente que me rodea y en cada sentimiento que siento. Quiero transmitir la libertad que siento cada vez que creo y cuando pongo pequeños trozos de mí mismo en el lienzo con diversas formas, técnicas y colores. Toda persona debería sentir la libertad del espíritu al menos una vez. Yo la siento cada vez que estoy en el estudio.” Mihaela Cismigiu ENGLISH “I am Mihaela. I was born in Bucharest, Romania, in 1994. I’m a self-taught artist who is driven only by passion and emotions. I like to paint in acrylics and experiment with various abstract art techniques. I can say that I have always been attracted to everything that is considered “incomprehensible.” That is why abstract art defines me. Painting has always been a part of my life from an early age when I discovered that every emotion could be expressed through colors and shapes. I consider that there is no emotion that I cannot transpose on a canvas. Every thought, every feeling, whether it is “dark” or full of “light,” and the color is present in every painting of mine. Art is my way of escaping from the outside world and returning to my true self and the source of all my emotions - my soul. I am inspired by every place I see, every experience I have, the people around me, and every feeling I feel. I want to convey the freedom that I feel every time I create and put small pieces of myself on the canvas in various shapes, techniques, and colors. Every person should feel the freedom of the spirit at least once. I feel it every time I am in the studio.” Mihaela Cismigiu Instagram: @_artist.eye_ Email: oﬃce.mc.art@gmail.com

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1. Cells (Células) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 40 x 40 cm

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2. Metallum (Metal) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 50 x 40 cm

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3. Nebula Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 50 cm

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KADOSCH

(Marruecos/ Morocco)

ESPAÑOL “Mi nombre es Oubella Mohamed y mi nombre artístico es “Kadosch”; soy de Marruecos y vivo en la ciudad de Casablanca. Siempre me gustó dibujar pero nunca estudié arte. Empecé a pintar en 2018 después de una especie de despertar espiritual y algunos momentos difíciles. En mis pinturas, me inspiro en mí mismo, en mis experiencias y en mis emociones. Trabajo en mi casa, “obligado” a pintar casi todos los días, ya que es el único trabajo que hago y que realmente me gusta hacer. Pinto mis sueños, mis pesadillas y mis sentimientos. Intento crear un estilo místico y esotérico con un toque de mi cultura y mis pensamientos. Para mí, el arte de la pintura es más que una pasión, es el nirvana de mi conciencia, es un hermoso viaje a otras dimensiones en mis pensamientos, para explorar y comprender más a mí mismo y al mundo que me rodea. Comparto todas mis obras en mi cuenta de Instagram. Kadosch ENGLISH “My name is Oubella Mohamed, and my artistic name is “Kadosch”; I’m from Morocco, living in the city of Casablanca. Since my childhood, I have always liked to draw, but I never studied art. I started painting in 2018 after a spiritual awakening and some diﬃcult moments. I’m inspired by myself, my experiences, and my emotions in my paintings. I work in my home, “obliged” to paint almost every day because it’s the only work I do, and I really love to paint my dreams, nightmares, and feelings. I try to create a mystical and esoteric style with a touch of my culture and my thoughts. For me, the art of painting is more than a passion; it’s the nirvana of my consciousness; it’s a beautiful journey to other dimensions in my thoughts to explore and understand more about myself and the world around me. I share all my works on my Instagram account. Kadosch Instagram: @kadosch_art Email: mohamedkadosch@gmail.com

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1. The deluge of memories (El diluvio de los recuerdos) Pintura al óleo, pastel al óleo y white spirit/ Oil paint, oil pastel and white spirit 32 x 24 cm

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NATALIA BREWSTER (Rusia/ Russia)

ESPAÑOL Natalia Brewster es una artista de origen ruso que vive en Houston, Texas, Estados Unidos. Es una ex abogada y actual ejecutiva de empresa que trabaja duro, sueña a lo grande y ve la vida como una aventura positiva. El arte y la música han sido las pasiones de Natalia durante toda su vida. Desde muy temprana edad se le identificó como una persona con grandes dotes en esas áreas y fue invitada a asistir a la Escuela de Arte Svetlanov, donde recibió cinco años de formación formal en las áreas de pintura y música. Los cuadros de Natalia son conocidos por sus temas caprichosos y sus colores vibrantes, que han sido descritos como una “explosión de felicidad”. Sus obras se exponen actualmente en galerías de Estados Unidos y figuran en colecciones privadas de todo el mundo. “Nuestra vida está llena de colores. No importa lo duro que sea el día... no importa lo frustrados o estresados que estemos... deja que tu alma irradie amor. Mi amor es rojo y amarillo. Mi serenidad es blanca y turquesa. Mi pasión es naranja y violeta. Permíteme traer estos brillantes colores de amor y alegría a tu vida. Me encanta pintar caballos. Mis caballos son inteligentes, magníficos, coloridos y felices. Al igual que los humanos, mis caballos tienen diferentes expresiones faciales, pueden mostrar su estado de ánimo e irradiar alegría. Una mirada a los ojos de mis caballos y encontrarás tu corazón y tu alma”. Natalia Brewster ENGLISH Natalia Brewster is a native Russian artist living in Houston, Texas, USA. She is a former attorney and current corporate executive who works hard, dreams big, and views life as a positive venture. Art and music have been life-long passions for Natalia. She was identified as having prodigious gifts in those areas at an early age. She was invited to attend the Svetlanov Art School, where she received five years of formal training in painting and music. Natalia’s paintings are known for their whimsical themes and vibrant colors, described as an “Explosion of Happiness.” Her works are currently shown in galleries in the USA and included in private collections internationally. “Our life is filled with colors. No matter how challenging the day is…no matter how frustrated or stressed out we are…let your soul radiate love. My love is red and yellow. My serenity is white and turquoise. My passion is orange and violet. Please allow me to bring these brilliant colors of love and joy to your life. I love to paint horses. My horses are intelligent, magnificent, colorful, and happy. Like humans, my horses have diﬀerent facial expressions. They can show their moods and radiate joy. One look into my horse’s eyes, and you will find your heart and soul.” Natalia Brewster Instagram: @natalia_brewster_art Email: nabrewster@ofsint.com

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1. Madrid and Barcelona (Madrid y Barcelona) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 93 x 63 cm

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2. One Night with Tuscany (Una noche con la Toscana) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 101.6 x 101.6 cm

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3. Bluebirds (Pájaros azules) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 101.6 x 76.2 cm

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DARIO

(Australia)

ESPAÑOL (Dario juega con un uso libre de los pronombres en su texto) Darío tiene nacionalidad australiana, de ascendencia ucraniana por parte de su madre. Viven en China. A Darío le encantaba expresarse a través del dibujo desde una edad temprana, y empezaron a tomárselo en serio poco después del aislamiento en el que perdieron la cabeza. Están fuertemente inspirados, pero no influenciados, por el surrealismo y el cubismo. Esta inspiración surge a menudo en sus obras de retrato. Utilizan diversos medios, pero sus favoritos son el óleo y la escultura. “Creo que ningún artista lo es por elección, sino que simplemente se deja arrastrar por la vaga perspectiva de un mundo no complicado de color y creatividad. En realidad, el arte es un complejo reflejo del propio inconsciente. Es como si proyectamos lo que hay detrás de tus ojos a través de un pincel. Una vez que te permites a ti mismo expresarte en el lienzo, te vuelves dependiente de él, no puedes evitarlo. Empiezas a desearlo. Mi arte no es para el espectador, es para aliviarlo. Mi arte está muy influenciado por las emociones. Pintar es siempre frustrante e intenso, ya que yo misma no entiendo las emociones que intento expresar. Esto está fuertemente representado en la pieza que elegí para mostrar aquí. Esta pieza se inspiró en un poema que escribí tras un episodio dramático. Cielo que se derrite Mientras me siento en el campo de margaritas y cielos el viento silba como si rugiera un suspiro, ¿Es un fuego lo que veo ante mis ojos? ¿Aún no tengo miedo? ¿No es esto suficiente? ¿No es esto de los sueños con los soplos y llantos del bebé? ¿Qué es esto en mi mano no sostenida sino abrazada? ¿Qué es esto en el aire como ángeles luchando y perseguidos? ¿Por qué las flores son las únicas que vuelan? El fuego se hace más grande, los cielos han comenzado a demorarse ¿Qué es esto sino una gota? No de la lluvia sino quizás del dolor No de mis ojos sino de los cielos ¿Por qué todavía no estoy luchando? ¿Por qué sigo escuchando al zorro distante haciendo mímica? La madre llama, Y bajo el cielo que se derrite escucho, Mi última nana Dario ENGLISH Dario is an Australian artist of Ukrainian descent on their mother’s side who is currently based in China. Dario had loved to express through drawing from an early age and began to take it seriously shortly after isolation when they lost their mind. They are strongly inspired but not influenced by surrealism and cubism. This inspiration often emerges in their works of portraiture. They use a range of mediums, but their favorites are oils and sculpting. “I believe that no artist is an artist by choice but simply gets drawn in by the vague perspective of a non-complicated world of color and creativity. In reality, art is a complex reflection of one’s unconscious. It’s as if you’re projecting what is behind your eyes through a paintbrush. Once you allow yourself to express yourself on canvas, you become dependent on it; you can’t avoid it. You begin to crave it. My art is not for the viewer; it is for relief. Emotions vastly influence my art. Painting is always frustrating and intense, as I do not understand the emotions I’m trying to express. This is strongly represented in the piece I chose to showcase here. This piece was inspired by a poem I wrote after a dramatic episode.” Melting Sky As I sit in the field of daisies and skies, The wind whistles as if roaring a whispered sigh, Is it a fire I see before my eyes? Am I still not scared? Is this not enough? Is this not of the dreams with the baby’s puﬀs and cries? What’s this in my hand not held but embraced? What’s this in the air like angels struggling and chased? Why are the flowers the only ones flying? The fire’s growing bigger, the skies have begun to linger What’s this but a drop? Not from rain but perhaps from pain Not from my eyes but from the skies Why am I still not fighting? Why do I still hear the distant fox miming? Mother calls, And under the melting sky, I hear, My last lullaby Dario Instagram: @dario.a913 Email: naalderson@harrowbeijing.cn

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1. Melting Sky (Cielo derritiéndose) Óleo, pintura diluida, pintura en spray sobre lienzo/ Oil, thinning of paint, spray paint on canvas 100 x 80 cm

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ISABELL TACH (Austria)

ESPAÑOL Isabell es una artista austriaca autodidacta, con un trabajo realista-fantástico y abstracto, que retrata animales o personajes humanos en sus creaciones o piezas llenas de movimiento colorido abstracto. “Cuando las palabras no son suficientes, tiendo a utilizar el pincel. En cada obra de arte vive una parte de mí, lo bueno, lo malo y lo peor. Creativamente me gusta expresarme de diferentes maneras y experimentar con estilos, materiales y técnicas. El mayor impacto lo tuvo Bob Ross en mí, aunque no está representado en mi estilo, tuvo un enorme impacto en mi forma de ver el arte. El arte es algo agradable, donde no se cometen errores, sólo pequeños accidentes felices. Sólo quiero que la gente mire mis piezas y sienta lo que las palabras no pueden expresar.” Isabell Tach ENGLISH Isabell is a self-taught Austrian artist with a realistic-fantastic and abstract work who portrays animals or human characters in her creations or pieces full of colorful abstract movement. “When words are not enough, I tend to use the brush. In every art piece lives a part of me, the good, the bad, and the worst. Creatively I like to express myself diﬀerently and experiment with styles, materials, and techniques. Bob Ross impacted me the most; although it is not represented in my style, he had an enormous impact on who I see art. Art is something enjoyable, where no mistakes are made, just happy little accidents. I want people to look at my pieces and feel what words cannot express.” Isabell Tach Instagram: @isanatrix Email: isabell.tach@hotmail.com

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1. Tilikum Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 100 cm

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2. Blue (Azul) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 80 x 60 cm

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3. S/T Lápiz de color sobre papel/ Color pencil on paper 42 x 29.7 cm

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BELINHA SILVA (Portugal)

ESPAÑOL “Mi nombre artístico es Belinha Silva. Nací en Lisboa y dejé Portugal cuando era una bebé. He vivido en Alemania, Luxemburgo, Bélgica, Grecia y actualmente estoy de vuelta en Portugal. No estudié Bellas Artes, sino Finanzas y Contabilidad, por lo que soy una pintora autodidacta. De 2005 a 2007, en Bruselas, hice algunos cursos de corta duración: escultura, pintura sobre porcelana, pintura sobre lienzo y cursos de dibujo, así como clases de dibujo en grupo con modelos en vivo. Estos cursos me permitieron descubrir mi potencial artístico y me dieron el impulso para expresarme artísticamente. Así que, actualmente, dibujo, pinto en acrílico, acuarela y óleo; sobre porcelana, así como sobre seda; esculpo y creo joyas. El arte es crucial para despertar mis sentimientos, sentidos y emociones y es una de las razones por las que realizo obras de arte. La otra razón es alegrar nuestra vida cotidiana o destacar aspectos sociales, medioambientales o políticos. Mi arte está influenciado por la inspiración y los sentimientos del momento, en relación con un contexto actual, personal o sentimental. A través del arte, pretendo estimular la sensibilidad en el corazón y el espíritu de las personas. Además, quiero promover mi técnica inventada que consiste en mezclar fragmentos de porcelana pintada con pintura sobre lienzo, para dar una nueva vida a la pintura sobre porcelana.” Belinha Silva ENGLISH “My artistic name is Belinha Silva. I was born in Lisbon and left Portugal as a baby. I have lived in Germany, Luxembourg, Belgium, Greece, and currently, I’m back in Portugal. I didn’t study Fine Arts but Finance and Accounting; therefore, I’m a self-taught painter. From 2005 to 2007, in Brussels, I took some short-term courses: sculpture, porcelain painting, canvas painting & drawing courses, and drawing group lessons with live models. These courses allowed me to discover my artistic potential and prompted me to express myself artistically. So, I draw, paint in acrylic, watercolor, and oil, paint on porcelain and silk, and sculpt and create jewelry. Art is crucial to awaken my feelings, senses, and emotions and is one of the reasons why I create artwork. The other reason is to brighten up our daily lives or highlight societal, environmental, or political aspects. I’m influenced in my art by the inspirations and feelings of the moment concerning an actuality, personal or sentimental context. Through Art, I intend to stimulate the sensitivity in the heart and spirit of people. Also, I want to promote my invented technique, which consists of mixing painted porcelain fragments with canvas painting, of giving porcelain painting a new life.” Belinha Silva Instagram: @belinhacreations Email: belinhacreations@gmail.com Web: www.belinhacreations.net / www.belinhacreations.com

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1. “And...Life goes on…” (“Y... la vida sigue...”) Acrílico sobre lienzo y fragmentos de porcelana pintada/ Acrylic on canvas and painted porcelain fragments 70 x 100 cm

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2. “Total Carelessness” (“Descuido total”) Acrílico sobre lienzo y fragmentos de porcelana pintada/ Acrylic on canvas and painted porcelain fragments 120 x 80 cm

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3. “Who will have the power of the Planet?” (“¿Quién tendrá el poder del Planeta?”) Acrílico sobre lienzo y fragmentos de porcelana pintada/ Acrylic on canvas and painted porcelain fragments 120 x 80 cm 387

ROUSSA NEONAKI (Grecia/ Greece)

ESPAÑOL “Soy Roussa Neonaki, una artista visual de Grecia. Participo en la Antología de Arte IV con mi colección “Extrañas y viejas”, que trata sobre historias urbanas, en las que dominan figuras femeninas y extrañas con formas extrañas. Llenas de curiosidad, ellas viajan por las fotografías de mi ciudad, Atenas. Disfruto mezclando mis obras con pinturas naif, fotografías y artículos antiguos. La combinación de todos estos elementos retrata la forma en que percibo el mundo que me rodea, un mundo lleno de contradicciones, colores e historias, un mundo que continúa creciendo y evolucionando, y en algún lugar de ese mundo, me esfuerzo por comprenderlo, mediante la creación de arte.” Roussa Neonaki ENGLISH “I’m Roussa Neonaki, a visual artist from Greece. I participate in Art Anthology with my collection “Odd and Old,” urban stories, in which female, odd figures with bizarre forms and shapes dominate. Full of curiosity, they travel through the pictures of my city, Athens. I enjoy blending my works with Naif painting, photographs, and antique vintage items. The blend of all these elements portrays the way I perceive the world around me, a world full of contradictions, colors, and stories, a world that continues to grow and evolve, and somewhere in there, I am endeavoring to understand it together; with myself creating my art.” Roussa Neonaki Instagram: @oddandoldgr Email: oddandoldgr@gmail.com

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1. Escape from noon (Escape del mediodía) Pintura acrílica sobre lienzo de impresión fotográfica (en marco antiguo)/ Acrylic painting on photo printing canvas (in antique frame) 40 x 50 cm

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MANFRED GNAD (Austria)

ESPAÑOL Manfred es un artista que estudió y trabaja en Diseño Gráfico. Realizó cursos de dibujo con el artista Manfred Zeller; un curso “Teoría del color, práctica en la mezcla de colores, efecto de los colores”, un curso de “Paisajes y Perspectivas” con el artista Georg Eisler y colaboraciones con los artistas Tone Fink y Roland Meloni. Su trabajo incluye diversos estilos, entre los que podemos recalcar el uso intenso del color e influencias surrealistas, con diversos personajes en las piezas. En los dos años anteriores ha pintado/creado más de 100 cuadros. Todos ellos estuvieron guardados en el almacén, donde nadie más puede verlos. Pero ahora, Manfred ha comenzado a sacar a la luz su creación, a mostrarla al público. Está organizando diversas exposiciones. Es un artista imparable y pinta todos los días con la mayor pasión y alegría que ha tenido nunca y tiene un sinfín de ideas para los futuros cuadros. ENGLISH Manfred is an artist who studied and worked in Graphic Design. He took drawing courses with the artist Manfred Zeller; a course “Theory of color, practice in mixing colors, the eﬀect of colors,” a course on “Landscapes and Perspectives” with the artist Georg Eisler and collaborations with the artists’ Tone Fink and Roland Meloni. His work includes various styles, among which we can emphasize the intense use of color and surrealist influences, with various characters in the art pieces. He has painted/created more than 100 paintings in the past two years. All of them were kept in the warehouse, where no one else could see them. But now, Manfred has begun to exhibit his creation, to show it to the public. He is organizing various exhibitions. He is an unstoppable artist and paints every day with the greatest passion and joy he has ever had and has endless ideas for future paintings. Email: gnad103@outlook.de

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1. Guernica Picasso

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2. Painting Monkey (Mono pintando)

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3. Poppy field with children (Campo de amapolas con niños)

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NICOLETTA BERTONCINI (Italia/ Italy)

ESPAÑOL Nicoletta Bertoncini nació en Italia en 1985. Su trabajo surrealista y colorista tiene como personaje principal a la figura femenina, a la cual representa con pinceladas onduladas y brillantes, generando un intenso recorrido visual por cada obra. “Siempre he pintado, el arte es mi principal medio de comunicación, utilizo técnicas mixtas, especialmente el óleo. El rojo, símbolo de la pasión, y el azul, símbolo de la serenidad, aparecen predominantemente en mis obras. Mis inspiraciones vienen de mis emociones, la figura femenina es el tema principal de mi arte, mis obras quieren mostrar la fragilidad y la fuerza de las mujeres.” Nicoletta Bertoncini ENGLISH Nicoletta Bertoncini was born in Italy in 1985. Her surreal and colorful work has as its main character the female figure, which she represents with wavy and bright brushstrokes, generating an intense visual journey through each work. “I’ve Always painted; art is my primary means of communication. I use mixed techniques, especially oil color. The Red symbol of passion and the Blue symbol of serenity appears in my works predominantly. My inspirations come from my emotions; the female figure is my art’s main subject. My works want to express both the fragility and strength of women. Nicoletta Bertoncin Instagram: @nicolettabertoncini Facebook: Nicoletta Bertoncini Email: nicolettaprix@gmail.com

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1. Anime sorelle (Hermanas anime) Técnica mixta, acrílico y purpurina sobre lienzo/ Mixed media, acrylic and glitter on canvas 60 x 60 cm

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KINADAYU

(Japón/ Japan)

ESPAÑOL “Solía trabajar en una industria muy diferente al mundo del arte. Pero desde que tuve una operación de cerebro hace dos años, he sido autodidacta, utilizando esta intensa experiencia vital para crear arte. Mi trabajo artístico es la creación digital de arte. La presente pieza ha sido compuesta utilizando solamente mi dedo índice. Mi creación comienza con la inspiración. Combinaciones de colores, recortes y desenfoques. Durante el proceso, poco a poco amplío la imagen y suelo adoptar varios métodos. En este momento comienza el procesamiento digital. El procesamiento digital provoca fenómenos que no se pueden imaginar, así que no hay que dudar en probar varias cosas. En este trabajo surgió una obra como un corazón. Cuando encuentro un punto, me centro en él y lo equilibro todo. La obra está completa en cierto momento del proceso; y cuando siento que este momento llega, la obra está terminada.” Kinadayu ENGLISH “I used to work in an industry very diﬀerent from the art world. But ever since I had brain surgery two years ago, I have been selftaught, using this intense life experience to create art. My artwork is digital creation. This piece has been composed using only my index finger. My creation begins with inspiration: color combinations, cuts, and blurs. During the process, I gradually enlarge the image and tend to adopt various methods. At this point, digital processing begins. Digital processing causes phenomena that cannot be imagined, so do not hesitate to try several things. In this work, work like a heart emerged. When I find a point, I focus on it and balance everything. The work is complete at a certain point in the process, and when I feel that this moment arrives, the work is finished. “ Kinadayu Instagram: @kinadayu Email: st705kim1@i.softbank.jp

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1. Heart (Corazón) Impresión digital/ Digital print 29.7 × 24.2 cm

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SISSÝ

(Islandia/ Iceland)

ESPAÑOL Magnea Lynn Fisher “Sissý” es una artista de Islandia. La madre de Magnea era islandesa y su padre de Estados Unidos. Sissý recibió su apodo de su abuelo de Texas cuando era una bebé y se le quedó grabado. Ha estado dibujando y pintando desde que era una niña, tomó algunos cursos en Baðstofan hace muchos años, pero es principalmente autodidacta. Le encanta pintar y considera que la pintura es la mejor meditación para ella. Sissy solía estudiar psicología, pero no ha terminado su último año, no tiene tiempo para más que su familia y el arte. Ahora tiene una galería de arte llamada ‘’Art67’’ en la capital, Reikiavik, en Islandia, junto con otros catorce artistas. Sissý utiliza pintura al óleo y acrílica sobre lienzo. Le gustan los colores vivos y tiene un sinfín de ideas que a menudo se manifiestan en forma de divertidos personajes con muchos aspectos. Le gusta ver el lado bueno de todo y le resulta fácil ponerse en el lugar de los demás y no juzga. Los personajes pueden ser vistos con muchos aspectos como las lágrimas pueden significar lágrimas felices. Y lo que parece que no tiene sonrisa puede ser felicidad, como detrás de una sonrisa también puede haber tristeza. Sissý ENGLISH Magnea Lynn Fisher, aka “Sissý,” is an artist from Iceland. Magnea’s mother was Icelandic, and her father was from America. Sissý got her nickname from her grandfather in Texas when she was a baby, which stuck with her. Since she was a little girl, she has been drawing and painting; she took a few courses in Baðstofan many years ago but is mostly selftaught. Sissý loves to paint and considers painting the best meditation for her. She used to study psychology but has not finished her last year; she does not have time for more than her family and the arts. Sissy owns an art Gallery named ´´Art67´´ in the capital Reykjavík in Iceland and fourteen other artists. Sissý uses both oil and acrylic paint on canvas. She likes bright colors and has endless ideas that often manifest as fun characters with many aspects. She sees the bright sides of everything, finds it easy to put herself in someone else’s shoes and is not judgmental. The characters can be looked at with many aspects like tears can mean happy tears. And what looks like no smile could still be happy, like behind a smile can also be sadness. Sissý Instagram: @art_by_sissylist.malverk Facebook: sissylist.Málverk/Paintings Email: fishermagnea@gmail.com Web: www.art67.is

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1. Soft landing (Aterrizaje suave) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 120 x 100 cm

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2. Relax and Secure (Relajación y seguridad) Acrílico y óleo sobre lienzo/ Acrylic and oil on canvas 120 x 100 cm

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3. Caring (Cuidando) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on canvas 100 x 100 cm

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HAMID NICOLA KATRIB (Rumanía/ Romania)

ESPAÑOL El arte de Hamid Nicola Katrib (HNK) presenta un universo utópico construido con mecanismos surrealistas, animado por criaturas que simbolizan la metamorfosis del espíritu. Con el tiempo, HNK ha establecido su propia gama de accesorios, cuidadosamente elegidos, con significados especiales en su mitología personal. Entonces, creó meticulosamente un mundo en el que cada pequeño detalle de textura y objeto, al relacionarse con los demás, esconde las claves de una historia que habla sobre la transformación, la trascendencia, lo efímero y el perfecto equilibrio. Desde niño, Hamid se inspiró en la perfección onírica de los bodegones de la pintura flamenca del siglo XVII. Se apropia de estos motivos y los reinventa continuamente según su propia visión creativa. El trabajo de HNK incluye todo un mundo de curiosidades que fluye y se reorganiza constantemente en su lienzo: temas como vasos, naipes, frutas, pájaros, orugas y mariposas, todos ellos encontrando su lugar y sus vínculos en las redes simbólicas de las composiciones de las obras. Estas redes confieren a estos personajes y objetos múltiples valencias: el azucarillo colgado como cebo representa un mensajero del mundo fantástico y sirve de bienvenida a este universo imaginario. La representación de bases de madera y mármol, que son cimientos recurrentes de sus edificios fantásticos, son escenarios donde el artista monta sus composiciones, con una cuidadosa mirada de escenógrafo. Los vasos tienen un lugar especial en estas composiciones al tener formas únicas y diversos detalles. La alquimia de la evolución y del viaje iniciático son preocupaciones constantes en los cuadros de HNK, y los símbolos diseñados en las obras pretenden llevar al espectador por el mismo proceso. Utilizando la yuxtaposición de elementos en un plano frontal estático, con una historia que puede leerse en cada detalle, HNK se ocupa en la composición de senderos simbólicos. El recorrido visual está marcado por signos que descifran una historia de transformación y trascendencia. Estos mecanismos mágicos parecen ir acompañados de los sonidos alegres y mecánicos de una caja de música. ENGLISH The art of Hamid Nicola Katrib (HNK) presents an utopian universe built with surreal mechanisms, animated by creatures that symbolize the metamorphosis of the spirit. Over time, HNK has established its own range of carefully chosen accessories with special meanings in its personal mythology. So, he meticulously created a world in which every little detail of texture and object, when interacting with others, hides the keys to a story that talks about transformation, transcendence, ephemerality, and perfect balance. As a child, Hamid was inspired by the dreamlike perfection of the still lives of 17th-century Flemish painting. He appropriates these motifs and continually reinvents them according to his own creative vision. HNK’s work includes a whole world of curiosities that constantly flows and rearranges itself on his canvas: themes such as glasses, playing cards, fruits, birds, caterpillars, and butterflies, all of them finding their place and their links in the symbolic networks of the compositions of HNK. the works. These networks give these characters and objects multiple valences: the sugar hanging as bait represents a messenger from the fantastic world and serves as a welcome to this imaginary universe. The representation of wooden and marble bases, which are recurring foundations of his fantastic buildings, are settings where the artist assembles his compositions with the careful look of a scenographer. The glasses have a special place in these compositions because they have unique shapes and various details. The alchemy of evolution and the initiatory journey are constant concerns in HNK’s paintings. The symbols designed in the works are intended to lead the viewer through the same process. Using the juxtaposition of elements in a static frontal plane, with a story that can be read in every detail, HNK deals with the composition of symbolic paths. The visual journey is marked by signs that decipher a story of transformation and transcendence. These magical mechanisms seem to be accompanied by a music box’s joyous and mechanical sounds. Instagram: @hnkgallery / @hnkatrib Facebook: hamid Nicola katrib Email: oﬃce@hamid-nicola-katrib.ro Web: www.hnk.ro

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1. Euilibrium in 3 colors (Equilibrio en 3 colores) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 110 x 110 cm

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2. Night Garding the Nest (La noche que cuida el nido) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 40 x 30 cm

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3. The end (El fin) Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas 100 x 100 cm

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RICK SMITH (Australia)

ESPAÑOL Rick Smith es un artista expresionista abstracto con su estudio y galería en Avalon (Sydney, Australia). Nacido en Melbourne, Australia, se licenció en Ingeniería Electrónica y creó su propia empresa de imágenes médicas. Sin embargo, su pasión por el arte, que comenzó en su adolescencia, se ha convertido en una profesión a tiempo completo. El arte de Ricks se exhibe en galerías privadas de toda Australia y sus obras se han expuesto en Europa, Inglaterra y Australia. Inspirado por artistas como Wassily Kandinsky y Henri Matisse, las obras de Rick utilizan colores y texturas estimulantes que le permiten comunicar ideas y emociones de forma subjetiva para evocar el subconsciente del espectador. Con todo su arte, Rick crea una obra que cree apasionadamente que dará alegría a cualquier observador. “En todas mis obras pinto con la pasión de mi corazón y trato de comunicar estos sentimientos y emociones utilizando el color y la textura como rasgo definitorio. Mi obra está muy influenciada por los pintores abstractos como Wassily Kandinsky y Henri Matisse por su uso de colores vibrantes. El estilo de arte expresionista abstracto encaja perfectamente con mi deseo de estimular la mente subconsciente del espectador y me permite expresar mis sentimientos internos, que están presentes en todos mis cuadros.” Rick Smith ENGLISH

Rick Smith is an Abstract Expressionist artist with his studio and gallery in Avalon (Sydney, Australia). Born in Melbourne, Australia, he obtained a degree in Electronics Engineering and formed his own Medical Imaging company. However, his passion for art that started in his teenage years has now evolved into a full-time profession. Rick’s art is displayed in private galleries around Australia, and his artwork has been exhibited in Europe, England, and Australia. Inspired by artists such as Wassily Kandinsky and Henri Matisse Ricks, unique artwork utilizes stimulating paint colors and texture, allowing him to communicate ideas and emotions in a subjective way to evoke the viewer’s subconscious mind. With all of his art, Rick creates work that he passionately believes would give joy to any observer. “With all of my artwork, I paint with a passion from my heart, and I try to communicate these feelings and emotions by utilizing color and texture as the defining feature. My work is greatly influenced by Abstract painters such as Wassily Kandinsky and Henri Matisse for their use of vibrant colors. The Abstract Expressionist style of art fits perfectly with my desire to stimulate the viewers’ subconscious mind and allows me to express my inner feelings that are present in all of my paintings.” Rick Smith Instagram: @ricksmith_art Email: contact@ricksmith-art.com Web: www.ricksmith-art.com

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1. Abstraction avec jaune (Abstracción con el amarillo) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 101 x 76 cm

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2. Mouvement (Movimiento) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 101 x 76 cm

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3. Récif de corail (Arrecife de coral) Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas 101 x 76 cm

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GUTO AJAYU (Bolivia)

ESPAÑOL Guto Ajayu vive en Madrid, España desde 2017. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA) en Bolivia. Nació en las montañas sagradas de los Andes y pasó su infancia entre la sierra y la cuenca del Amazonas boliviano. Todas estas vivencias y las raíces de las antiguas culturas precolombinas dejaron una gran huella en él. Como artista de graﬃti adolescente y fascinado por el concepto del Pop Art que proponía encontrar inspiración en objetos cotidianos, comenzó a combinar estos elementos con su herencia cultural. Su trabajo es irónico y profundo al mismo tiempo, lleno de colores intensos y atrevidos, que combinan filosofías antiguas y sagradas con nuestra «locura» contemporánea cotidiana. «Soy Guto Ajayu, el último hijo del Sol. Heredero espiritual de los Imperios Andinos. La filosofía ancestral y los símbolos sagrados de la antigüedad son parte de mi crianza, mi vida y mis raíces. Siento la necesidad de recuperar todo este paradigma y presentarlo con una perspectiva contemporánea. Siempre fui rebelde, por eso soy adicto a la libertad que me da el arte urbano y siento la necesidad de utilizar objetos y símbolos populares en mi arte. ¡Toda esta vorágine dio como resultado mi arte, que es la mezcla de simbología antigua con colores intensos y salvajes! El significado sagrado del pasado tiene un nuevo significado para mí, que aún no he descubierto. » Guto Ajayu ENGLISH Guto Ajayu has been based in Madrid, Spain, since 2017. He has a degree in Fine Arts from the Universidad Mayor de San Andrés (U.M.S.A.) in Bolivia. He was born in the sacred mountains of the Andes and spent his childhood between the highlands and the Bolivian Amazon basin. All these experiences and the roots of the ancient pre-Columbian cultures left a great mark on him. As a teenage graﬃti artist and being fascinated by the Pop Art concept that proposes finding inspiration in everyday objects, he began to combine these elements with his cultural heritage. His work is ironic and deep at the same time, full of intense bold colors, which combine old and sacred philosophies with our everyday contemporary “madness.” “I am Guto Ajayu, the last son of the Sun. Spiritual heir of the Andean Empires. The ancestral philosophy and the sacred symbols of antiquity are part of my upbringing, my life, and my roots. I feel the need to recover this whole paradigm and present it with a contemporary perspective. I was always a rebel, that’s why I am addicted to the freedom that urban art gives me and I feel the need to use popular objects and symbols in my art. This entire maelstrom resulted in my work, Ancient Symbology with intense and wild colors! The sacred meaning of the past has a new meaning for me, which is yet to be discovered.” Guto Ajayu Web: www.gutoajayu.com Instagram: @guto_ajayu Facebook: Guto Ajayu Page LinkedIn, Twitter, Pinterest, TikTok & Youtube: Guto Ajayu Email: info@gutoajayu.com

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1. La historia del mundo 5 (The history of the world 5) Acrílico y esmalte sobre papel/ Acrylic and enamel on paper 100 x 70 cm

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2. La cabeza del guerrero (Warrior´s head) Acrílico y esmalte sobre Madera/ Acrylic and enamel on wood 120 x 100 cm

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3. La reina del atardecer (The queen of sunset) Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas 100 x 80 cm

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ART ANTHOLOGY IV: MADRID EDITION (February 2022)