ART ANTHOLOGY VI 2023

ANTOLOGÍA DE ARTE VI

Edición Madrid

ART ANTHOLOGY VI

Madrid Edition

Guto Ajayu Culture

Editado por / Edited by

FEBRERO 2023

FEBRUARY 2023

CRÉDITOS/ CREDITS:

ANTOLOGÍA DE ARTE VI: Edición Madrid

ART ANTHOLOGY VI: Madrid Edition

Dirección de proyecto/ Project direction: Augusto Mendoza Mendieta

Gestión cultural/ Cultural Management: Zdenka Mendoza Mendieta

Revisión y corrección de textos en español/ Review and correction of texts in Spanish: Javier Gómez Ariel Santibáñez Ojeda

Revisión y corrección de textos en inglés/ Review and correction of texts in English: Nisbat Shaw

Pintura de portada y contraportada/ Cover and back cover painting: Augusto Mendoza Mendieta

Introducción/ Introduction: Eduardo Jáudenes de Salazar

Trabajo curatorial/ Curatorial work: Guto Ajayu Culture

ISBN: 978-84-19308-76-4 (Papel)

Editado por/ Edited by: LIBER FACTORY www.liberfactory.com

Trabajo editorial/ Editorial work: Grupo Editor Vision Net S.L.

C./ San Ildefonso 17, local, 28012 Madrid. España.

Tlf: 0034 91 3117696 // Email: pedidos@visionnet.es

www.visionnet-libros.com

AGRADECIMIENTOS

¡La vida es buena! ¡No hay crisis que pueda acabar con la creatividad, con la pasión y con la disciplina de los guerreros del arte! Este libro está hecho para mostrar las victorias creativas de artistas alrededor de todo el mundo y una vez más, tomar el pulso del arte contemporáneo.

Los tiempos, la gente y el mundo cambian, pero la presencia del espíritu artístico estará siempre en la mente de los autores de este libro: nuestros queridos creativos. Gracias.

THANKS

Life is good! No crisis can end the creativity, the passion, and the discipline of the warriors of art! This book is made to showcase the creative victories of artists worldwide and once again take the pulse of contemporary art. Times, people, and the world change, but the presence of the artistic spirit will always be on the minds of the authors of this book: our beloved creatives. Thank you.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

PRÓLOGO

Por Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO de ARTEDEI y crítico de arte)

La finalidad del arte no entiende de fronteras, es universal como lo es esta ANTOLOGIA DEL ARTE.

ANTOLOGIA DEL ARTE VI EDICION MADRID consolidada por el trabajo diario, reflexivo, muy bien ideada, documentada y escrita por Augusto Mendoza Mendieta (GUTO AJAYU), gestor cultural, director del proyecto de gran precisión, sensibilidad y oficio.

El éxito hay que sabérselo perdonar inventándose una enfermedad incurable. Lo importante es que hablen de uno sea bien o mal, personalmente prefiero que lo hagan mal, pues ello significa que yo estoy bien.

La pintura es el arte de las artes pues a todas sirve

La ANTOLOGIA DEL ARTE no deja de sorprendernos, ambiciosa, de gran alcance internacional, (los textos, se encuentran en español y en inglés) satisfactoria, brillante.

Barrera lujosa en imágenes, pues está impecablemente editada.

El arte es ese arte que consiste en la necesidad de dejar el río correr, abriéndose paso entre las piedras y no siempre llegando al mar.

Para que el mundo del arte mejore es necesario que el artista se guíe por la luz de la verdad, este sano física y mentalmente, dedique tiempo al progreso del arte y tenga voluntad de avanzar.

Una de las funciones más importantes de esta antología es dar a conocer a los artistas, cosa imprescindible para abrirse camino en el mundo del arte.

La obra de arte es hija de su tiempo y madre de sus sentimientos y objetiviza el espíritu del artista.

Los verdaderos artistas, aunque todo el mundo les espera desde el pasado en realidad vienen del futuro.

ANTOLOGIA DEL ARTE, contiene desde futuras promesas a artistas ya consagrados ambos tienen en este libro, junto con la reproducción de sus trabajos a todo color, detallada información sobre datos biográficos, bibliográficos, currículums y explicaciones de sus obras.

En las páginas de este libro encontramos artistas cuyas formas son capaces de crear sensaciones alucinantes, melancólicas, repletas de hiperestesia espiritual, son psáusticas e hiperbóreas hasta otros artistas que captan la esencia secreta de las cosas

y no su apariencia externa, pasando por los que la fantasía, en cada uno de sus cuadros, contiene magia, misterio, gran luminosidad, la atmósfera que se crea en los cuadros, tiene vida propia. A lo que contribuye la viveza de colorido, henchidos de humanidad, nobles ideales, reflexión y espiritualidad.

Se ama lo que se conoce, por eso esta ANTOLOGIA DEL ARTE es un libro de adquisición obligada para todos los amantes del arte. Sólo el que sabe es libre, y más libre el que más sabe... Sólo la cultura da libertad.

Mereció la pena, sin lugar a duda, editar y leer este libro.

El verdadero motor sólo es el cerebro del artista, es el que se nutre de los elementos con los que discernir, el hecho o el sentimiento a representar en la obra de arte.

Cuando algo no es singular no es arte. El arte es excepcionalidad y no existe sin esta característica. El arte no es todo lo que se plasma en un lienzo. Juan Ramón Jiménez decía: el primero que dijo tenía unos dientes como perlas era un artista el segundo un estúpido.

Los artistas no se mueren, desaparecen.

ANTOLOGIA DEL ARTE no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie. Por ello, como las ediciones anteriores es enviada en versión digital a varios países de habla hispana.

ANTOLOGIA DEL ARTE es ya, de facto, una imprescindible herramienta de trabajo para los amantes del arte, que debe estar en todas las bibliotecas de los que, de un modo u otro, tienen relación con el arte.

PROLOGUE

By Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO of ARTEDEI and art critic)

Eduardo Jáudenes de Salazar (CEO of ARTEDEI and art critic)

The purpose of art does not understand borders, it is universal as is this ART ANTHOLOGY.

ART ANTHOLOGY VI MADRID EDITION is consolidated by the daily, thoughtful work, very well-conceived, documented by Augusto Mendoza Mendieta (GUTO AJAYU), cultural manager, director of the project with great precision, sensitivity, and skill.

You must know how to forgive success by inventing an incurable disease. The important thing is that they talk about you, whether it’s good or bad, personally I prefer that they do it badly, because that means that I’m fine.

ART ANTHOLOGY never ceases to amaze us, ambitious, of great international scope, (the texts are in Spanish and English), satisfactory, brilliant, and impeccably edited.

For the world of art to improve, it is necessary for the artist to be guided by the light of truth, be physically and mentally healthy, dedicate time to the progress of art and have the will to move forward.

One of the most important functions of this anthology is to make artists known, something essential to make their way in the art world.

The work of art is the daughter of its time and the mother of its feelings and objectifies the spirit of the artist.

The real artists, although everyone is waiting for them from the past, come from the future.

ART ANTHOLOGY contains from future promises to already established artists, both have in this book, along with the reproduction of their works in full color, detailed information on biographical and bibliographical data, resumes and explanations of their works.

In the pages of this book, we find artists whose forms can create hallucinatory, melancholic sensations, full of spiritual hyperaesthesia, are Psaustic and Hyperborean to other artists who capture the secret essence of things and not their external appearance, including those who fantasy, in each of their paintings, contains magic, mystery, great light, the atmosphere that is created in the paintings, has a life of its own. To which contributes the vividness of color, full of humanity, noble ideals, reflection, and spirituality.

You love what you know, that’s why this ART ANTHOLOGY is a must-have book for all art lovers. Only the one who knows is free, and the one who knows the most is freer...Only culture gives freedom.

It was worth reading this book.

The true engine is only the brain of the artist, it is the one that feeds on the elements with which to discern, the fact or the feeling to represent in the work of art.

When something is not singular it is not art. Art is exceptional and does not exist without this characteristic. Art is not everything that is captured on a canvas. Juan Ramón Jiménez used to say: the first person who said he had teeth like pearls was an artist, the second was stupid.

Artists don’t die, they disappear.

ART ANTHOLOGY cannot be missing from any self-respecting art library. For this reason, like previous editions, it is sent in a digital version to several Spanish-speaking countries.

ANTHOLOGY OF ART is already, de facto, an essential work tool for art lovers, which should be in all the libraries of those who, in one way or another, are related to art.

ARTISTAS ARTISTS

VOLKER DITTBERNER (Alemania

/ Germany)

ESPAÑOL

Mi nombre es Volker Dittberner. Aprendí el oficio de albañilería. Pero he estado trabajando como enfermera en un hospicio durante 5 años.

El arte y ser creativo siempre han sido los propósitos de mi vida. Estoy fascinado con el color, casi como si tuviera un hechizo sobre mí. Expresar mis pensamientos y emociones a través de imágenes con todo tipo de colores me da una gran satisfacción. Preservar estas historias emocionales no es solo mi trabajo, es mi vida.

Volker Dittberner

ENGLISH

My name is Volker Dittberner. I learned the trade of bricklayers. But I’ve been working as a nurse in a hospice for 5 years. Art and being creative have always been my life’s purposes. I’m fascinated with color, almost like having a spell on me. Expressing my thoughts and emotions through images with all kinds of colors gives me great satisfaction. Preserving these emotional stories is not just my job, it’s my life.

Volker Dittberner

Instagram: @dittbernervolker.artist

Email: ruegenrocker@web.de

1. Wellen an Land (Olas en tierra) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 80 x 80 cm

2. Falsches Licht (Falsa luz)

Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas

80 x 60 cm

3. Großes Theater (Gran Teatro)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas 100 x 50 cm

4. Abschied auf Zeit (Adiós por un tiempo) Acrílico sobre papel / Acrylic on Paper 40 x 30 cm

5. Ich sehe was, was du nicht siehst (Yo veo lo que tú no ves)

Acrílico sobre cartón / Acrylic on cardboard

23 x 30 cm

6. Der Einsame (El Solitario) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 30 x 23 cm

7. Der Fremde, der bekannt ist (El desconocido que se conoce) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas

40 x 30 cm

SISKO MÄÄTTÄ (Finland / Finlandia)

ESPAÑOL

He tenido una carrera versátil y multiprofesional en otros lugares (como diseñadora entre otras cosas), pero como hija de carpintero, el arte ha sido una parte concreta de mi vida. Soy tanto autodidacta como artista y con formación en cursos artísticos, uno de mis maestros ha sido Tauno Ohenoja, un artista visual de Oulu. Después de mi jubilación, hice realidad mi sueño. Alquilé un estudio en la comunidad de artistas Hiukkavaara K2 y empecé a trabajar como artista a tiempo completo. El don de la inspiración para el arte me viene de nacimiento. Desde que pude sostener un bolígrafo, he estado dibujando y pintando. La naturaleza me habla con fuerza, así como las historias sobre espíritus de la naturaleza, duendes de la tierra y gnomos. Todo esto me da energía e inspiración, que se puede ver en mis obras de arte. Me encanta la diversidad, la singularidad y la belleza de las cuatro estaciones. También me preocupa la vulnerabilidad de la naturaleza. Soy una persona emocional y también siento la presencia del mundo invisible. A veces lo invisible se hace visible en mis cuadros sin querer. Me gusta probar diferentes técnicas. Además de pintar con acrílicos, he hecho arte reciclado con parches de fieltro, tela y papel. Trabajo a través de diferentes estados emocionales y al hacerlo veo el mundo a través de filtros de colores. El verde, el azul y el púrpura son muy fuertes en mis obras. Mis obras no representan ninguna dirección estilística específica. Se sitúan en algún lugar entre el realismo, el impresionismo y la abstracción. Visitar galerías y museos famosos, me ha servido de estímulo para mi propia obra.

“Todo lo que tenemos aquí es ese momento. Ya no voy con prisas por la vida, si no, los años pasarían volando. Aprovecho el momento y me doy cuenta de que vivo una vida más ligera. Siento una suave brisa en mi piel, el calor del sol, la luz. Escucho el canto de los pájaros y veo los hermosos colores de la naturaleza. Escucho el silencio y siento el brillo de la eternidad”.

ENGLISH

Sisko Määttä

I have had a versatile and multi-professional career elsewhere (as a special designer among other things), but as a carpenter’s daughter art has been a concrete part of my life in drawing and painting. I’m both self educated and a course-trained artist, one of my teachers has been Tauno Ohenoja, a visual artist from Oulu. After retiring I made my dream come true. I rented a studio in Hiukkavaara K2 artists’ community and started to work as an artist full time. I have been given a gift of inspiration for art at birth. Ever since I could hold a pen, I have been drawing and painting. Nature speaks to me powerfully as also do stories about spirits of nature, earth sprites and gnomes. This all gives me energy and inspiration, which can be seen in my artwork. I love the diversity, uniqueness and beauty of all four seasons. Also, the vulnerability of nature concerns me.

I’m an emotional person and I also sense the presence of the invisible world. Sometimes the invisible becomes visible in my paintings unintentionally. I like to try out different techniques. In addition to painting in acrylics I have done recycled art with patches of felt, fabric and paper. I work through different emotional states and doing so I see the world through coloured filters. Green, blue and purple are very strong in my artwork.

My artwork doesn’t represent any specific stylistic direction. They place themselves somewhere between realism, impressionism and abstract. Visiting famous galleries and museums has given me stimulus to my own work.

”All we have here is that moment.

I no longer rush through my life, otherwise the years would fly by. I seize the moment and realize; I live a lighter life.

I feel a gentle breeze on my skin, the warmth of the sun, the light. I listen to the singing of birds and see the beautiful colors of nature. I listen to silence and feel the brightness of eternity.”

Sisko Määttä

Instagram: @siskomart

Facebook: sisko.maatta.9

ARTBOXY: SiskoKMaatta

taidesivut.net: taidesivut.net/siskomaatta/taidemyynti

Email: siskokaarina.maatta@gmail.com

1.

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas

73 x 92 cm

Burning (Ardiendo)

2. The power of light (El poder de la luz) Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 81 x 65 cm

3.

Moment of departure (Momento de partida)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

92 x 73 cm

4. Somewhere (En algún lugar)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 92 x 73 cm

5. The sun gilds the landscape (El sol dora el paisaje)

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas

65 x 81 cm

PARTH (India / Serbia)

ESPAÑOL

Hola, soy Parth. Soy un artista autodidacta. He estudiado Artes Culinarias y Gestión de múltiples países como Suiza, Estados Unidos de América y el Reino Unido. Tengo 25 años. Cuando estudiaba Artes Culinarias descubrí que me gustaba viajar a nuevos lugares y explorar su cultura. Al explorar las culturas, me encontré con nuevos estilos de arte y música, lo que me aportó una nueva forma de pensar y de ver las cosas de manera diferente. Esta experiencia me llevó a una explosión de curiosidad y empecé a explorar más y más culturas a través de la comida, el arte y la música. Mientras trabajaba en la hermosa ciudad de Módena, Italia, ví muchas obras de grandes artistas italianos, pero cuando me encontré con la historia de Leonardo Da Vinci detrás de la obra que hizo y que existe hasta hoy, aumentó mi curiosidad por saber más sobre él y su vida. Así que empecé a leer e investigar sobre él. Durante el proceso, me quedé asombrado e hipnotizado al mismo tiempo cuando conocí su vida y sus obras destruidas. Al final del proceso, creo que fue una gran mente, que no fue apreciada tanto como debería haber sido mientras estaba vivo.

Debido a mi gran interés por la Cosmología y la Astronomía por mi formación escolar en la carrera de ciencias, empecé a leer libros sobre la materia respectiva por varios físicos y científicos. En el año de 2019, empecé a dibujar en abril de 2021 y en ese momento no tenía ni idea de pintar en un lienzo. Finalmente, en el mes de agosto tomé la iniciativa de pintar en un lienzo y desde entonces no pude contenerme y empecé a pintar todos los días.

Empecé a utilizar todos los conceptos y teorías que aprendí leyendo diferentes libros y explorando diferentes culturas. En muchas de mis obras he utilizado también muchos equipos culinarios. Al principio me centré en crear diferentes tipos de pinturas de paisajes y arte espacial, pero poco a poco empecé a utilizar varias técnicas, como la fluida, la abstracta y la contemporánea.

Para ser sincero, no sabía cómo me iba a ir, pero al final encontré la manera de explorar mis pensamientos, que eran de otro mundo, experimentando sobre lienzo y papel con muchos colores vivos y diferentes técnicas. La razón más importante para empezar a pintar todos los días fue mi incapacidad para plasmar mis pensamientos en un plato, porque los productos alimenticios comestibles trazan algunos límites, mientras que los colores y el lienzo no tienen ninguno. Me gustaría añadir que Leonardo Da Vinci es mi mayor inspiración.

Parth

ENGLISH

Hello, this is Parth here. I’m a self-taught artist. I’ve studied Culinary Arts & Management from multiple countries such as Switzerland, United States Of America & United Kingdom. I am 25 years old. When I was studying Culinary Arts I discovered that I like to travel to new places and explore their culture. So, when I was exploring cultures I came across new styles of art and music, which brought me a new way of thinking and looking at things differently. This experience led to an explosion of curiosity and I started exploring more & more cultures through food, art & music. While, I was working in the beautiful city of Modena, Italy. I saw a lot of work by some great Italian artists, but when I came across Leonardo Da Vinci’s story behind the work he has done and which exists to this day. I grew more curious to know more about him and his life. So, I started reading and researching about him. As I was in the process, I was stunned and mesmerized at the same time when I came to know about his life and his destroyed works. At the end of the process, I believe he was a great mind, which was not appreciated as much as he should’ve been while he was alive.

Due to my very keen interest in Cosmology & Astronomy because of my schooling background in science. I started reading books on the respective matter by various physicists & scientists, in the year of 2019. I started sketching in April, 2021 at that point I had no idea of me painting on a canvas one day. Finally, in the month of August I took the initiative of painting on a canvas and since then I couldn’t hold myself back and started painting everyday.

I started using all concepts and theories that I learnt while reading different books and exploring different cultures. In many of my works I have used a lot of culinary equipment also. At the initial stage, I was very much focused on creating different types of landscape paintings & Space art but gradually I started using various techniques such as fluid, abstract & contemporary.

To be honest, I didn’t know how it’s going to turn out for me, but eventually I found a way to explore my thoughts, which were otherworldly, through experimenting on canvas and paper using a lot of vivid colors and different techniques. The most important reason for me to start painting everyday was my incapability to portray my thoughts on a plate because edible food products draw some boundaries, whereas colors & canvas don’t have any.

All the paintings and sketches I created are surreal to me, because I didn’t know how to draw when I was a child.

I would like to add that Leonardo Da Vinci is my greatest inspiration.

Web: www.horizonartsstudio.com

Instagram: @ombre_arts29

Parth

1. Floating Ayahuasca Pot (Olla de Ayahuasca Flotante)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

50.8 x 40.6 cm

2021

2. The Comic Matter (La Materia Cómica)

Acrílico y aceite de silicona sobre lienzo / Acrylic & Silicone Oil on canvas

60.9 x 50.8 cm

2021

3. Collision Of Two Black Holes (Colisión de dos agujeros negros)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

60.9 x 50.8 cm

4. Composition No: 4.5 (Composición No: 4.5)

Técnica mixta sobre papel de algodón hecho a mano Tamaño A4 / Mixed Media On Handmade Cotton Paper A4 Size

29 x 21 cm 2022

5. In Search Of Consciousness (En busca de la conciencia)

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed Media on Canvas

60.9 x 45.7 cm

2022

SOULHWANGSO

(Corea del Sur / South Korea)

ESPAÑOL

Soy una pintora, fotógrafa y artista digital que canta sobre los sueños, la pasión y la libertad. Y he sido investigadora de tribunales de familia (psicóloga de tribunales de familia) durante 20 años. Un día, de repente, me convertí en pintora, algo con lo que había soñado durante 40 años. Con el apoyo y la inspiración finalmente empecé a dibujar. Empecé a pintar queriendo hacerlo con pasión. Viví con tanta paciencia que la pasión era difícil de manejar incluso para mí mismo. En el último año, he vertido muchas obras, suficientes para llenar mi página web. Durante la semana, trabajo en el juzgado; los fines de semana, me despierto tranquilamente al amanecer y pongo la inspiración instantánea en el lienzo. Siento que sólo he prestado mi cuerpo. Al terminar el cuadro, me convierto en espectadora y siento el cuadro. Por esta razón, los temas de mis cuadros se convirtieron naturalmente en “pasión”, “sueño”, “salida” y “libertad”. Esta es la historia de la naturaleza humana.

Estoy muy contenta de poder expresar mi alma ahora, y me alegra que mucha gente empatice conmigo. Para el resto de mi vida, quiero vivir como pintora, fotógrafa y artista digital, lo que llena mis sueños y mi pasión. Quiero ser un artista que pueda transmitir sentimientos en la sombra, no en palabras o escritos. Y mi último sueño es apoyar a los artistas de escasos recursos.

SoulHwangso

ENGLISH

I am a painter, photographer, and digital artist who sings about dreams, passion, and freedom. And I’ve been a family court investigator (family court Psychologist) for 20 years.

One day, all of a sudden, I became a painter which I had dreamed of for 40 years. With support and inspiration I finally started drawing. I started painting because I wanted to do so passionately. I lived with such patience that the passion was hard to handle even for myself. Over the past year, I’ve poured out enough work to fill my website.

During the week, I work in court, on weekends, I wake up quietly at dawn, and put instant inspiration on the canvas. I feel like I’ve only lent my body. After completing the painting, I become a viewer and feel the painting. For this reason, the themes of my paintings naturally became ‘passion’, ‘dream’, ‘exit’, and ‘freedom’. This is the story of human nature.

I’m very happy to express my soul now, and I’m glad many people empathize with me. For the rest of my life, I want to live as a painter, photographer, and digital artist which fills my dreams and passion. I want to be an artist who can convey feelings in shadow, not words or writings. And my ultimate dream is to support poor artists.

SoulHwangso

Instagram: @soulhwangso

Email: sadend99@naver.com

Web: https://soulhwangso.modoo.at/

1. Hidden Passion (Pasión oculta)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

72.2 x 60.6cm

2021

2.

Burning longing (Anhelo ardiente)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

60.6 x 45.5 cm

2021

3. Summerforest (Bosque de verano)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

90.9 x 60.6cm

2021

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

60.6 x 45.5 cm 2021

4. Legend of Flowers blooming red for a hundred days (Leyenda de las flores que florecen rojas durante cien días)

5. Green Rain (Lluvia verde)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

116.8 x 91.0 cm

2021

SPENCER HYDE

(Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

Spencer Roderick Hyde es un artista y fotógrafo autodidacta de Atlanta, GA, en los Estados Unidos de América. Spencer nació el 14 de enero de 1987. Ha pintado de forma intermitente durante la mayor parte de su vida, pero recientemente se ha vuelto mucho más activo en el mundo del arte. Es un padre muy orgulloso y se inspira mucho en su querida hija Kaylee. Spencer pinta meticulosamente su alma en cada centímetro de su obra. Ha pasado trabajando meses, e incluso años, en algunas de sus obras. Si te fijas bien, te darás cuenta de que ha escondido formas, figuras e imágenes en algunas de ellas. Esto es especialmente evidente en sus pinturas y arte digital. Dice que algunas de ellas son a propósito, y otras no. A veces, su mente hace el trabajo, y sólo el espectador sabe lo que realmente ve después de interpretarlo de forma individual. Cuanto más te acercas, más puedes ver...como con todas las cosas.

“Estoy enormemente agradecido a mis fans, y a los que aman mi trabajo; ¡os quiero profundamente a cada uno de vosotros de corazón! Salud!”

Spencer Hyde

ENGLISH

Spencer Roderick Hyde is a self-taught artist and photographer from Atlanta, GA, in the United States of America. Spencer was born January 14th, 1987. He has been painting on and off for most of his life - but has more recently become much more active in the art world. He is a very proud father and draws a lot of inspiration from his loving daughter Kaylee. Spencer meticulously paints his soul into every inch of his work. He has spent months, and even years on some of his pieces. If you look carefully, you’ll notice that he has hidden shapes, figures, and images within some of them. This is especially evident in his paintings and digital art. He says that some of them are on purpose, and some are not. Sometimes, your mind does the work, and only the viewer knows what they truly see after it is interpreted on an individual basis. The closer you get, the more you see… as with all things.

“I am extremely grateful for my fans, and those who love my work; I love every single one of you deeply from my heart! Cheers!”

Spencer Hyde

Instagram: @spencerhydegallery / @activehacker

Facebook: Spencer Hyde Gallery

Email: spencerhydegallery@gmail.com

Web: spencerhydegallery.com

1. Kaylee’s Splatter (La salpicadura de Kaylee)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

61 x 76 cm

2. The Masses Agglutinant (El aglutinante de masas)

Técnica mixta - tinta y digital / Mixed Media – Ink & Digital

162 x 124 cm

3.

Técnica mixta - tinta y digital / Mixed Media – Ink & Digital

178 x 136 cm

The 47th Problem (El problema 47)

4. Sky Burn (Cielo quemado) Óleo sobre lienzo / Oil on Canvas 61 x 91 cm

5. Firefly serie (Serie Luciérnaga)

Fosforescente luminiscente Autoluminoso y fluorescente Óleo sobre lienzo /

Luminescent Phosphorescent Self-Luminous & Fluorescent Oil on Canvas

23 x 30 x 6 cm cada una (each)

Imagen 1 (Image 1): Luciérnaga - Luz normal (FireFly - Normal Light)

Imagen 2 (Image 2): Luciérnaga - luz negra (FireFly - Black Light)

Imagen 3 (Image 3): Luciérnaga - No hay luz/Brillando en la oscuridad (FireFly - No Light (glowing in the darkness))

ALEKSANDRA CIĄŻYŃSKA

(Polonia / Poland)

ESPAÑOL

Aleksandra nació en 1987 en Polonia. Se graduó en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Varsovia y es una pintora apasionada. Le gusta pintar desde que era una niña. Durante muchos años participó en las clases del profesor Paweł LewandowskiPalle. Fue allí donde se enamoró aún más del arte, especialmente de la pintura. Y así, su aventura con el arte continúa hasta hoy. Aleksandra participó en muchas exposiciones. Sus cuadros han estado, entre otros, en Nueva York, Roma, Venecia, Barcelona, Viena, Munich, París, Heidenreichstein, Ajdovščina, Ciechocinek, Milán y Fuerteventura. Ha recibido numerosos premios, como el Woman Art Award 2022 del Musa International Art Space de París y el Top 60 Masters de ATIM en Nueva York. Sus pinturas también han aparecido en muchas publicaciones. Se han escrito muchos artículos sobre su arte, entre otros, en Today in New York, Warsaw Tribune, The European Gazette, Economic News Observer, International World Times, Fox 28, US National Times, etc.

“Para mí, el arte es una de las formas de comunicarse con la gente, de comunicarse sin palabras. A través de mi pintura, puedo expresarme de forma no verbal sobre temas importantes y transmitir mis pensamientos. Me encanta la diversidad del mundo y en ella me inspiro. Por eso mis cuadros son tan diversos, tanto en temas como en técnicas. Mis cuadros son tan diversos como el mundo”.

Aleksandra Ciążyńska

ENGLISH

Aleksandra was born in 1987 in Poland. She is a graduate of the Faculty of Economic Sciences at the University of Warsaw and a passionate painter. She has loved to paint since she was a child. For many years she participated in classes conducted by prof Paweł Lewandowski-Palle. It was there that she fell in love with art even more, especially painting. And so her adventure with art continues to this day.

Aleksandra took part in many exhibitions. Her paintings have been in, among others, New York, Rome, Venice, Barcelona, Vienna, Munich, Paris, Heidenreichstein, Ajdovščina, Ciechocinek, Milan and Fuerteventura. She received many awards, e.g. Woman Art Award 2022 by Musa International Art Space in Paris and ATIM’s Top 60 Masters in New York. Her paintings have also appeared in many publications. Many articles have been written about her art, in, among others, Today in New York, Warsaw Tribune, The European Gazette, Economic News Observer, International World Times, Fox 28, US National Times, etc.

“For me, art is one of the forms of communicating with people, communicating without words. Through my painting, I can express myself in a non-verbal way on important topics and convey my thoughts. I love the diversity of the world and it is from this diversity that I draw inspiration. This is why my paintings are so diverse, both in terms of themes and techniques. My paintings are just as diverse as the world is”.

Aleksandra Ciążyńska

Instagram: @aleksandraciazynska

Facebook: @aleksandraciazynska

Email: aleksandra.ciazynska@tlen.pl

Website: www.ciazynska.pl

1. Dance with me (Baila conmigo)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

50 x 80 cm

2. Waiting for a surprise (Esperando una sorpresa)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 50 x 80 cm

3. Garden of Eden IX (Jardín del Edén IX)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

60 x 80 cm

4. Secret garden II (Jardín secreto II)

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas

90 x 90 cm

5. Warsaw 5AM (Varsovia 5AM) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 70 x 100 cm

ZVIVIANA MENDIETA (Bolivia)

ESPAÑOL

Nacida en Bolivia y actualmente residiendo en Madrid, España. Se crió entre una gran diversidad de paisajes que bailan desde las más elevadas montañas nevadas hasta la selva más profunda, que logró en ella que se sienta naturalmente atraída por las culturas antiguas del mundo, y la estética ancestral que las rodea.

Viviana, es una artista autodidacta que ama desenvolverse entre colores fuertes , alegres , pasionales e intensos. Su arte le da el placer de desahogar sus más profundos instintos, y en cada pincelada abre el sendero para unir la locura con la razón y así tocando el lienzo al punto de crear su propio mundo, inmerso en los pensamientos y sentimientos que la acompañan día a día.

ENGLISH

Born in Bolivia and currently residing in Madrid, Spain. She grew up among a great diversity of landscapes that dance from the highest snowy mountains to the deepest jungle, which made her feel naturally attracted to the ancient cultures of the world, and the ancestral aesthetics that surround them.

Viviana is a self-taught artist who loves to unfold among strong, joyful, passionate and intense colors. Her art gives her the pleasure of unburdening her deepest instincts, and in each brushstroke she opens the path to unite madness with reason and thus touching the canvas to the point of creating her own world, immersed in the thoughts and feelings that accompany her day by day.

Instagram: @zmariaviviana

Email: mvivianamendieta@gmail.com

1. Dual Óleo sobre lienzo texturas con arena / Oil on canvas textures with sand 90 x 60 cm 2018

Óleo sobre lienzo texturas con arena / Oil on canvas textures with sand

60 x 90 cm

2020

2. Ídolos (Idols)

3. “Vidas mías” (“My everything”)

Óleo sobre lienzo con texturas / Oil on canvas with textures.

60 x 50 cm

2021

4. “Monolita” (“Woman monolith”)

Óleo sobre lienzo testurizado / Oil on canvas with textures

80 x 40 cm

2021

5. “What you absorb, and springs from your inside” (“Lo que absorbes, y brota de tu interior”)

Óleo sobre lienzo testurizado / Oil on canvas with textures

70 x 50 cm

2020

ORIO ALFONSO MARTÍN CISTERNAS (Chile)

Nacido en Chile, actual residencia, San Miguel Santiago de Chile.

“Nací de emigrantes, crecí en dictadura, y estudiando arquitectura me hice libertario-pintor con lienzos “entreveredantes” (“sidewalktween”) me expresé, lo abstracto se consolidó tanto en telas como en ventanas, vitrinas y palacios.

Con mis amigos, viajaba de montaña a mar compartiendo las recetas de nuestros chamanes, donde todo se hizo movimiento y color

Los dólares me llevaron de arquitecto a recaudador, a criminalista y a maestro en economía…. pero mis dedos volvieron a danzar de teclados a melodías y de pinturas a telas.

Lo mío es el acto improvisado, lo diverso, es componer, gozar desde la construcción de la imagen al concepto, de la abstracción a la desconstrucción”

Orio Alfonso Martín Cisternas

ENGLISH

Born in Chile, current residence, San Miguel Santiago de Chile.

“I was born of emigrants, I grew up in dictatorship, and studying architecture I became a libertarian-painter with “sidewalk tween” canvases I expressed myself, the abstract was consolidated in canvases as well as in windows, showcases and palaces.

With my friends, I traveled from mountain to sea sharing the recipes of our shamans, where everything became movement and color. Dollars took me from architect to tax collector to criminalist to master in economics.... but my fingers danced again from keyboards to melodies and from paintings to canvases.

My thing is the improvised act, the diverse, it is to compose, to enjoy from the construction of the image to the concept, from abstraction to deconstruction.”

Orio Alfonso Martín Cisternas

Instagram: @orio.martin

Facebook: Orioalfonso Martincisternas

Web: www.oriomartin.com

Email: arteonline@oriomartin.com

1. Cauce

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

2. Núcleos (Cores)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

3. Puerto de Valparaíso (Port of Valparaiso) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 70 cm

4. Parrones de los Valles Colgantes Andinos

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 120 cm

5. Montañas del Sur del Mundo (Mountains of the South of the World) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 80 cm

CAMILLA FRANSRUD

(Noruega / Norway)

ESPAÑOL

Camilla Fransrud es una pintora contemporánea noruega. Nació en Oslo, en 1974. Actualmente vive en el corazón de Noruega, en Trondheim, donde reside desde hace 28 años. Comenzó a pintar en 2017, y desde la infancia ha tenido una pasión profunda y única por la fotografía. A través de su amor por el arte fotográfico, también descubrió su pasión por la pintura. Pinta sobre lienzo con acrílico, mezclando sus propios colores, utiliza tiza, espátula, varias texturas y medios mixtos. Es autodidacta en ambas formas de arte, y lo que intenta evocar en su arte es que se pueda sentir la pintura…en las yemas de los dedos, sentirla, no sólo mirarla.

“Déjame darte un respiro, un momento de quietud poética”. Para ella, el proceso de pintar es tan esencial como respirar. Ha realizado tres exposiciones por separado en Trondheim

Exposición digital “Hysterica” en Milán y Fuerteventura en M.A.D.S ART GALLERY, y ha recibido el Premio Internacional “Caravaggio Master of Art” en Milán Abril-2022 por la pintura “Salt of The Earth”. También ha participado en el mayor evento del Día de la Tierra en 2022, Tonatzin-A Call for Mother Earth y formó parte de la exposición “Visceral” en la galería M.A.D.S ART del 28 de junio al 4 de julio. Participó en el Premio Internacional de París, situado en el “Art shopping Carrousel du Louvre 21-23 oct 2022 y una exposición de verano el 18-19 junio y 25-26 junio 2022 en la galería Qin Trondheim.

ENGLISH

Camilla Fransrud is an Norwegian contemporary painter. Born in Oslo in 1974

She now lives in the heart of Norway,Trondheim,and has lived there for 28 years. She started painting in 2017, and ever since childhood she has had a deep and unique passion for Photography. Through her love for photographic art, she also discovered her passion for painting.

She paints on canvas with acrylic, mixing her own colors; she uses chalk, palette knife, various textures and mixed media . She is self-taught in both art forms, and what she attempts to evoke in her art is that you can feel the painting in the fingertips, sense it, not only look at it.

“Let me give you one breath ,one moment of poetic stillness” .To her, the process of painting is just as essential as breathing. She has had three separate exhibitions in Trondheim

Digital exhibition “Hysterica” in Milano & Fuerteventura at M.A.D.S ART GALLERY

She has also received The International Prize “Caravaggio Master of Art in Milano April-2022 for the painting “Salt of The Earth”

She has also been a part of the biggest Earth day event in 2022 Tonatzin-A Call for Mother Earth, also will be a part of the exhibition “Visceral “ at M.A.D.S ART Gallery 28.june -04. july

She attended To the International Prize Paris ,located in the “Art shopping Carrousel du Louvre 21-23 oct 2022, also a Summer exhibition 18-19 june and 25-26 june 2022 at gallery Qin Trondheim.

Instagram: @artbyc-fransrud

Facebook: ArtbyCFransrud

Email: camillafransrud@hotmail.com

Web: artbycfransrud.com

1. The beholder of hidden dreams (El observador de los sueños ocultos) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

50 x 50 cm

2. The road to my house (El camino a mi casa) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 30 x 30 cm

3. The forgotten land (La tierra olvidada) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 30 x 30 cm

4. Fairytale Forest (Bosque de cuento de hadas)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 50 x 50 cm

5. Stardust (Polvo de estrellas)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 120 x 100 cm

ALESSIA ZANNONI

(Italy / Italia)

ESPAÑOL

Alessia es una directora artística italiana, que vive en una pequeña ciudad llamada Reggio Emilia. Durante su infancia, pasaba la mayor parte del tiempo dibujando y disfrutando de la naturaleza, ya que vivía en el campo rodeada de animales domésticos, como cabras, caballos y otros. Al principio de su carrera, trabajó para varias agencias de publicidad, también trabajó como freelancer para grandes marcas italianas.

También disfrutó enseñando publicidad en la Escuela Internacional de Cómics, donde encontró en la enseñanza la alegría de compartir su pasión con jóvenes creativos.

Le encanta viajar y conocer la belleza de diferentes culturas, y su estética. Ha tenido la suerte de visitar África muchas veces. Durante la cuarentena, debido a la pandemia, aprovechó para pintar sus primeras colecciones de cuadros: Alessia necesitaba volver al amor original de trabajar usando sus manos y materiales para crear, y decidió tomar un curso de pintura al óleo en una Galería de Arte.

Su arte se inspira en la naturaleza, le encanta pintar animales y temas ecológicos para expresar su amor por el planeta y crear conciencia en la gente. Piensa que el arte es una forma de tocar el alma de las personas sin necesidad de hablar.

ENGLISH

Alessia is an Italian Art Director who lives in a small city called Reggio Emilia. During her childhood, she spent most of her time drawing and enjoying nature, as she lived in the countryside surrounded by pets, like goats, horses and more. At the beginning of her career, she worked for several advertising agencies, also she worked as a freelancer for major italian brands. She also enjoyed teaching advertising at the International School of Comics, where she found in teaching the joy of sharing her passion with young creatives.

She loves traveling and getting to know the beauty of different cultures and their aesthetic. She has been lucky enough to visit Africa many times.

During the lockdown, due to the pandemic, she took the opportunity to paint her first collections of paintings: Alessia needed to come back to the original love to work by using her hands and materials to create, and decided to take a course of oil painting at an Art Gallery.

Her Art is inspired by nature, she loves painting animals and ecological themes to express her love for the planet and to raise awareness of people. She thinks that Art is a way to touch people’s souls without speaking.

Instagram: @zannoni.alessia

Email: alessia.zannoni@libero.it

1. Blue Parrot (Loro azul) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 80 cm

2. Piggy in the Space (Cerdito en el espacio)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

100 x 80 cm

3. Plastic Sea (Mar de plástico)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

80 x 100 cm

MARIA APARICI

(España / Spain)

ESPAÑOL

Vivimos en el milenio de la mujer perfecta, seguimos un vaivén de modas según preferencias masculinas, altas, delgadas, tonificadas, pero más enrabiadas que nunca si es posible.

La mujer pintora no cae en trampas de crear imágenes según gustos patriarcales, y menos Maria Aparici que con sus patéticas figuras desmitifica el mito de belleza, crítica, y sobre todo cuestiona los estereotipos de belleza hasta ahora “cánones” de una sociedad consumista, donde la mujer es víctima y protagonista, rivalizando con otras por conseguir al mejor “macho”.

Triste evidencia y consecuencia de la feminista que no deja de tener o tuvo su lado femenino.

¨German Sheep Dog”

Se dice que la belleza es amor y ternura, pero lo sublime supera cualquier característica estética. No sólo se encuentra en la belleza, sino también en lo anecdótico. No sólo es energía, también puede ser moderación.

Baudelaire decía que el arte bello estaba hecho de dos elementos, uno eterno e invariable, que refleja la personalidad del artista, y otro relativo, temporal y circunstancial en referencia a la época. No hace falta decir en qué época vivimos hoy.

ENGLISH

We live in the Millennium of the perfect woman. We follow a come-and-go of fashions which, in accordance with male preferences, are either tall and slim, well toned but more enraged than ever if possible.

The female painter does not fall into the traps of creating images according to masculine preferences, and Maria Aparici who with her pathetic figures demystifies the myth of beauty, critiques and most of all questions the beauty stereotypes, until now canons of a consumer society where the woman is victim and protagonist, competing with others to catch the best “macho”. Sad evidence and consequence of the feminist who still has or had a feminine side.

¨German Sheep Dog”

It is said that beauty is love and tenderness, but the sublime surpasses any aesthetic characteristic. Not only is it found in beauty, but also in that which is anecdotical. Not only is it energy, it may be also moderation.

Baudelaire said that beautiful art was made of two elements, one being eternal and invariable, which reflects the artist’s personality, the other being relative, temporary and circumstantial in reference to the epoch. Needless to say in what epoch we live today.

Web: www.mariaaparici.com

Instagram: @maparicivon

Facebook: Maria Aparici

Youtube: Maria Aparici

Twitter: @maparici

Pinterest: maria aparici vives

Blogspot: MARIA APARICI

1. German Sheep Dog (Perro pastor alemán) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 146 x 114 cm

NARA MIDDLETON

(Estados Unidos de América / United states of America)

ESPAÑOL

Nara Middleton es una artista abstracta radicada en Long Island, Nueva York. Comenzó su travesía con la pintura a finales de 2019, y describe su proceso creativo como intuitivo, auto - expresivo y a veces caótico. A través del uso de texturas en capas, opciones de color audaces y técnicas experimentales con el medio acrílico, Nara busca expresar las partes más auténticas y radiantes de su ser interior en el lienzo para compartir con los demás.

“Creo que el arte es la expresión de lo que somos en el fondo. El mundo en el que vivimos es el resultado de la energía creativa. Hay un nivel de arte en lo que cada uno hace, el impacto de lo que se crea depende del individuo que experimenta la creación. Si la gente se relaciona con algo o lo desprecia, lo usa o se abstiene de aquello, esto le impacta.”

Nara Middleton

ENGLISH

Nara Middleton is an abstract artist based in Long Island, New York. She began her journey with painting in late 2019, and describes her creative process as intuitive, self – expressive and sometimes chaotic. Through use of layered textures, bold color choices, and experimental techniques with acrylic medium, Nara seeks to express the most authentic and radiant parts of her inner being onto canvas to share with others.

“I believe art is the expression of who we are at our core. The world we live in is a result of creative energy. There is a level of artistry in what everyone does, the impact of what is created depends on the individual experiencing the creation. If people relate to something or despise it, use it, or abstain from it; it impacts them.”

Nara Middleton

Instagram: @njmartstudio

Email: njmartstudio@gmail.com

1. Traveler (Viajero)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

25.4 x 25.4 cm

30.48

2. Enchanted (Encantada)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

x 30.48 cm

3. Ways (Caminos)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

30.48 x 30.48 cm

ÖZLEM SOGUT

(Turquía / Turkey)

ESPAÑOL

Nací en Ankara, Turquía, y vivo en Estambul, una increíble ciudad que conecta Asia y Europa, con una gran belleza natural y lugares históricos, donde puedo reflejar las huellas emocionales de la naturaleza que he creado en mi interior.

Soy una artista autodidacta y pinto desde muy joven. He estudiado economía, pero la pintura ha estado presente en toda mi vida, es un estilo de vida para mí. Soy una artista que abrazó el impresionismo y también soy una artista abstracta.

El arte es un puente especial para la gente, es un lenguaje universal que conecta a todo el mundo. Quiero tocar los sentimientos de la gente en mis pinturas porque las emociones son las que guían nuestras vidas. Las emociones contienen todas las realidades de la condición humana.

-del agotamiento a la energía,

-de la infelicidad a la felicidad, -del fracaso al éxito,

-de la desesperación a la esperanza, -del desamor al amor.

El arte te da todo lo que necesitas para alimentar tu alma porque es un sentimiento, Es una belleza, Es una naturaleza, Es una historia, Es un toque. Es tu sueño y es para tu corazón.

ENGLISH

I was born in Ankara, Turkey.I live in İstanbul which is an amazing city that connects Asia and Europe. It has a lot of natural beauty and historical places .It’s a setting for the environment where I can reflect the emotional traces of nature that have been created inside me.

I’m a self-taught artist and I have been painting since an early age. I have studied economy but painting was in every part of my life.It’s a lifestyle for me.

I’m an artist who embraced İmpressionism and also I’m an abstract artist. Objects in my eyes find soul in my paintings with the interpretation of my mind and my heart. Art is a special bridge for people.It is an universal language for all that connects the world. I want to touch people’s feelings in my paintings because emotions guide our lives. Emotions contain all the realities of the human condition.Also paintings are Windows to imagination. -from exhaustion to energy, -from unhappiness to happiness, -from failure to success, -from despair to hope, -from heartbreak to love.

Art gives you everything you need to feed your soul because it is a feel, It is a beauty, It is a nature, It is a story, It is a touch.

It is your dream and It is for your heart.

Email: ozsogut@hotmail.com / ozsogut68@gmail.com

Instagram: @ozdogac_art_resim

Özlem Sogut

Özlem Sogut

1. Dance of water (Danza del agua) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 50 cm

2. Sunset in romantic (Atardecer en romántico) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

60 x 80 cm

3. Magic of lights (La magia de las luces) Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 70 x 50 cm

CHERYL-ANN EAMILAO (Austria)

ESPAÑOL

Me llamo Cheryl-Ann Eamilao. Nací en 1986 en Viena, Austria, y tengo raíces filipinas. Actualmente vivo y trabajo en la Baja Austria. Estudié diseño de moda en Viena, Austria, y masaje médico en Viena, Austria. No tengo un título en arte, así que soy una artista abstracta autodidacta. Encontré mi pasión en el arte, concretamente en el arte abstracto en 2020, pero la creatividad siempre ha formado parte de mi vida. La necesidad de expresar mi creatividad en un lienzo blanco anhelaba en mi interior, pero la falta de autoestima, la falta de confianza en mí misma, el no ser lo suficientemente buena me bloqueaba para hacerlo. Hoy ya no puedo vivir sin el arte y lo vivo con pasión. La pintura me nutre, me da energía y tranquilidad. En una habitación de mi casa que re-decoré como mi estudio de arte, me sumerjo en mi propio mundo lleno de expresión de mis emociones y mis pensamientos más profundos. He encontrado mi voz a través del arte. Expresar mis emociones me ayuda a sanar el pasado, los eventos de la vida y las luchas que la vida me costó.

Como artista abstracta que piensa en sí misma, pinto de forma intuitiva, nunca planificada. Dejo que mis emociones y pensamientos más profundos fluyan libremente. Mi principal fuente de inspiración son los acontecimientos de la vida, las emociones, la gente, la cultura, los lugares, la naturaleza, la música y todo lo que encuentro de belleza. Cada uno de mis cuadros es una pieza compuesta por muchas capas de acrílico y acrílico metálico. En casi todos los cuadros utilizo el color dorado. Para mí, el color dorado representa la preciosidad de la vida y la valía de los seres humanos.

EXPOSICIONES:

2022 “VISCERAL” Galería M.A.D.S, Milán, Italia e Isla de Fuertoventura, España 2022 “El Viaje” Galería Steiner, Viena, Austria 2022 “The night of contemporary” , World of Crete, Chania, Greece 2022 “Red Dot Miami” Miami-Florida, EE.UU.

ENGLISH

My name is Cheryl-Ann Eamilao. I was born in 1986 in Vienna, Austria and I have Filipino roots. Currently I live and work in Lower Austria. I studied Fashion design in Vienna, Austria and Medical Masseur in Vienna, Austria. I don’t have a degree in art, so I am a self-taught abstract artist. I found passion in art, specifically in abstract art in 2020, but creativity has always been a part of my life. The need to express my creativity on a blank canvas was yearning inside of me, but I had less self-esteem, the lack of self belief, the lack of trust in myself, being good enough was blocking me to do so. Today I can´t live without art anymore and I am living it with passion. Painting nourishes me, it gives me energy and peace of mind. In a room at my house that I redecorated as my art studio I dive into my own world full of expression of my emotions and my deepest thoughts. I found my voice through art. Expressing my emotions helps me to heal the past, life events and struggles that life cost.

As a self-thought abstract artist I paint intuitively, never planned. I let my emotions and deepest thoughts flow freely. My main source of inspiration are life events, emotions, people, culture, places, nature, music and everything I find beauty in it. Each of my paintings is a composite piece of a lot of layers of acrylic and metallic acrylic. In almost every painting I am using the color gold. As for me the color gold represents the preciousness of life and the worthiness of human beings.

EXHIBITIONS:

2022 “VISCERAL” M.A.D.S Gallery, Milano, Italy and Fuerteventura Island, Spain 2022 “The Journey” Gallery Steiner, Vienna, Austria

2022 “The night of contemporary” , World of Crete, Chania, Greece

2022 “Red Dot Miami” Miami-Florida, U.S.A

Instagram: @cheryl.eamilao

Email: c.eamilao@gmail.com

Cheryl-Ann Eamilao

Cheryl-Ann Eamilao

1. You are enough (Tú eres suficiente)

Acrílico y acrílico metálico sobre lienzo / Acrylic and metallic acrylic on canvas

100 x 80 cm 2022

RIKA MAJA DUEVEL (Noruega

/ Norway)

ESPAÑOL

Soy una nómada global y esto desencadena el núcleo de mi trabajo. Con cada nueva aventura, encuentro una nueva inspiración. Mi obra se manifiesta a partir de mis experiencias diarias y me permito abrazar o dejar ir cada experiencia compartiendo un trozo de ella con los demás.

Nací en Stavanger (Noruega) y crecí rodeada de fiordos y montañas heladas que me recordaban que siempre había una nueva aventura al otro lado de la siguiente montaña o camino. Ahora tengo un taller en NDSM Treehouse en Ámsterdam, Países Bajos.

Formación:

• ●Máster en Enseñanza de las Artes Visuales: Certificación de Profesora de Artes Visuales de 5 a 12 años, Universidad de Lesley, MA, EE.UU. (2007-2009)

• ●Estudios de Museos, Curso de Posgrado, Harvard Extension School, MA, USA (2008)

●Licenciada en Arte de Estudio: Wheaton College, MA, USA (2002-2006)

●Escuela Superior de Arte y Diseño SACI, Florencia, ITALIA (2005)

ENGLISH

Rika Maja Duevel

I am a global nomad and this triggers the nucleus of my work. With each new adventure, I find new inspiration. My artwork manifests from my daily experiences and I allow myself to embrace or let go of each experience by sharing a piece of it with others.

Born in Stavanger, Norway, I grew up surrounded by the icy fjords and mountains which reminded me that there was always a new adventure to be had just over the next mountain or path. I now have an atelier in NDSM Treehouse in Amsterdam, Netherlands.

Education:

• ●MEd Masters in Teaching Visual Arts: 5-12th Grade Visual Arts Teacher Certification, Lesley University, MA, USA (2007-2009)

• ●Museum Studies, Graduate Course, Harvard Extension School, MA, USA (2008)

• ●BA Bachelors in Studio Art: Wheaton College, MA, USA (2002-2006)

• ●SACI College of Art and Design, Florence, ITALY (2005)

Instagram: @rikamajaduevel

Email: rikaduevel@gmail.com

Web: www.rikamajaduevel.com

Rika Maja Duevel

1. Things are Not Always What They Seem (Las cosas no son siempre lo que parecen)

Técnica mixta: Pintura acrílica sobre lienzo, alambre, pegamento, cinta adhesiva de gorila /

Mixed Media: Acrylic Painting on Canvas, wire, glue, Gorilla Duct Tape

136 x 138 cm

2021

2. The Internal and External Fight with that Grey Day (La lucha interna y externa con ese día gris)

Técnica mixta: Pintura acrílica sobre lienzo, alambre, pegamento, cinta adhesiva de gorila / Mixed Media: Acrylic Painting on Canvas, wire, glue, Gorilla Duct Tape

119 x 144 cm

2022

Técnica mixta: Pintura acrílica sobre lienzo, alambre, pegamento, cinta aislante Gorilla /

Mixed Media: Acrylic Painting on Canvas, wire, glue, Gorilla Duct Tape

139 x 145 cm

2021

3. The Layers of Our Own Personal Bubble (Las capas de nuestra propia burbuja personal)

GERGANA STOYANOVA (Bulgaria)

ESPAÑOL

Me llamo Gergana Stoyanova y nací en 1985 en la ciudad de Sandanski, situada en el suroeste de Bulgaria. En 2013 me gradué en la Academia Nacional de las Artes de Sofía - con la especialidad de Pintura Mural - grado de maestría. He participado en varias exposiciones nacionales e internacionales. Trabajo en el campo de la pintura y el arte monumental - mosaicos y murales. Utilizo diferentes materiales para realizar mis mosaicos - esmalte, cerámica, mármol, terracota, combinándolos en composiciones de diferentes tamaños y tramas. Los paneles de mosaico son de diferentes estilos: abstracciones geométricas, motivos naturales, retratos, iconos y paneles de mosaico para templos. Mi pasión por el mosaico comenzó en mis años de estudiante. Cuando creo mosaicos, me embarco en un viaje del alma. Cada material aporta su propia energía y belleza y los combino en composiciones mixtas o por separado según el género.

PINTURA:

En mi obra me inspiro en la naturaleza, recreo los momentos majestuosos del movimiento y la dinámica. El argumento de mis cuadros son la luz, el agua y el brillo de los rayos. Mi objetivo es transformar la realidad con mi imaginación y resaltar la esencia y la emoción con una visión más moderna. Lo expreso a través de un juego con el contraste y el color en diferentes tonos y la textura obtenida de la pintura al óleo de gran espesor. Con esta capa de textura creo una paleta en la que después doy forma a mi idea creativa con una espátula. Las máscaras de pintura son rítmicas y libres.

Gergana Stoyanova

ENGLISH

My name is Gergana Stoyanova and I was born in 1985 in the town of Sandanski, located in southwestern Bulgaria. In 2013 I graduated at the National Academy of Arts in Sofia - majoring in Mural Painting - Master’s degree. I have participated in a number of national and international exhibitions. I work in the field of painting and monumental art - mosaics and murals. I use different materials to make my mosaics - smalt, ceramics, marble, terracotta, combining them in different sizes and plot compositions. The mosaic panels are in different styles- geometric abstractions, natural motifs, portraits, icons and mosaic panels for temples.

My passion for mosaic began in my student years. When I create mosaics, I embark on a journey of the soul. Each material brings its own energy and beauty and I combine them together in mixed compositions or separately depending on the genre.

PAINTING:

In my work I am inspired by nature, I recreate the majestic moments of movement and dynamics. The plot of my paintings are light, water, the brilliance of the rays, the greenery. My goal is to transform reality with my imagination and bring out the essence and emotion with a more modern vision. I express it through a play with contrast and color in different tones and texture obtained from thick oil paint. With this texture layer I create a palette on which after that I shape my creative idea with a spatula. The paint masks are rhythmic and free.

Gergana Stoyanova

Instagram: @artgerrys

Email: ask@gerys.art

Web: www.gerys.art

Facebook: Art.gerry

1. Peacock (Pavo real)

Piedras de vidrio, cerámica, resina epoxi / Glass stones, ceramics, Epoxy resin

73 x 92 cm 2020

2. Spring heat (Calor de primavera)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

65 x 54 cm

2019

3. Dream (Sueño)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

70 x 60 cm

2021

MARCELA FACCINI (Argentina)

ESPAÑOL

Marcela Faccini es una artista argentina que vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Su trabajo tiene una influencia urbana y pop, utilizando como principal ícono de su arte a la figura femenina en combinación con colores brillantes y grandes contrastes en su paleta.

“Mi arte es la búsqueda incansable y constante de un lenguaje diferente, capaz de crear una conexión instantánea con el mundo de las emociones, que pueden estar representadas por una mirada seductora, melancólica o bien por una sonrisa y de esta manera llegar a profundizar en la mente del espectador y estimular su interior.

La inspiración es lo vivido, lo cotidiano, lo disfrutado.

Lo hago porque en cada obra reviven todos mis recuerdos y sensaciones, y ese es el mundo al cual quiero pertenecer, el mundo de la espontaneidad.”

Marcela Faccini

ENGLISH

Marcela Faccini is an Argentine artist who lives and works in Buenos Aires, Argentina. Her work has an urban and pop influence, using the female figure as the main icon of her art in combination with bright colors and great contrasts in her palette. “My art is the constant and infinite search for a pure, magical language; of connection with a different world, the world of the spirit. And it is there that emotions appear, represented through a seductive, complicit, melancholic look or a smile, trying to reach the viewer and stimulate his or her inner self. The inspiration is the past, the lived, the longed, the enjoyed, but with the vision of today. I do it because I feel that there, in each creation, is the world to which I want to belong, without mandates or rules, where spontaneity reigns: an explosion of memories, of lived situations, of loved ones.”

Marcela Faccini

Instagram: @faccinimarcela

Email: marcelacbidegain@gmail.com

1. Pensamiento (Thought)

Brillantina, piedra molida sobre goma eva / Glitter, crushed stone on eva rubber

17 x 13,5 cm

2.

(Sadness)

Tristeza

Brillantina, piedra molida sobre goma eva / Glitter, crushed stone on eva rubber

17,5 x 17,5 cm

3. Melancolía (Melancholy)

Brillantina, piedra molida sobre goma eva / Glitter, crushed stone on eva rubber

14,5 x 14,5 cm

ANJO VIVATO

(Israel / France)

ESPAÑOL

Anjo Vivato es una artista israelí/francesa, comenzó su vida artística como bailarina y coreógrafa, luego estudió arte en la escuela Betzal’el de Tel Aviv, pasando por Nueva York y aterrizando en París para estudiar diseño de interiores donde vive ahora, desde hace varios años.

Se inspira en las múltiples culturas de su familia, en sus numerosos viajes a países excepcionales que le dieron el gusto y el arte de mezclar materiales, colores y dimensiones y en sus encuentros que la influenciaron enormemente en los diferentes estilos de sus pinturas. La danza también la inspira mucho porque tiene la sensación de crear un cuadro con cada coreografía.

La omnipresencia de los corazones en sus obras refleja este amor que, según ella, es una fuerza influyente en la sociedad. El amor es el motor de todo y permite dejar su huella en el mundo y en los individuos. El amor tiene la capacidad de cambiar el orden de las cosas.

Los corazones no son perfectos, están desollados, defectuosos, reventados, arrancados pero también pueden estar completos y bien trazados, como la vida misma...

Está muy influenciada por Frida Kahlo, Matis, Botero, el arte medieval y el arte naif.

ENGLISH

Anjo Vivato is an Israeli/French artist, she began her artistic life as a dancer and choreographer, then studied art at the Betzal’el school in Tel Aviv, passing through New York and landing in Paris to study interior design where she has been living now, since several years.

She is inspired by her multiple family cultures, her numerous trips to exceptional countries which gave her the taste and the art of mixing materials, colors and dimensions and her encounters which influenced her enormously in the different styles of her paintings. Dance also inspires her a lot because she has the feeling to create a painting with each choreography.

The omnipresence of hearts in her works reflects this love which is according to her an influential force in society. Love is the engine of everything and allows everyone to leave its footprint in the world and on individuals. Love has the ability to change the order of things.

The hearts are not perfect, they are flayed, flawed, burst, torn off but can also be complete and well traced, like life themselves…

She is very influenced by Frida Kahlo, Matis, Botero, medieval art and naive art.

Email: anjovivato@gmail.com

Web: anjo-vivato.com

Instagram: anjo_vivato

1. Oran-Gina

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

17 x 13,5 cm

2.

of paradise (Ave del paraíso)

Bird

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

120 x 120 cm

3. One Shot (Un disparo)

SIMONA ELIA

(Italia / Italy)

ESPAÑOL

Nacida en Salerno, en 1981, se graduó con honores en Ingeniería Electrónica y se doctoró con una tesis sobre nanotecnologías aplicadas a la neuroestimulación. Siempre interesada en el funcionamiento del cerebro, la psicología y el arte, ha dado a luz una gran producción de pinturas y letras, premiadas en unos cuarenta concursos literarios nacionales e internacionales, algunas de las cuales están incluidas en la Enciclopedia de la Poesía Contemporánea 2017, publicada por la Fundación Mario Luzi, como resultado de la selección para el Premio Internacional homónimo. Se está publicando una colección de sus composiciones con Aletti Editore, con un prólogo de Alessandro Quasimodo, conocido actor e hijo del famoso poeta, que interpretó uno de sus poemas “Atardecer en el Tana degli Arabi” dentro de un proyecto de la citada editorial. En 2021, Primer Puesto (tanto en la Sección de Narrativa como en la de Poesía) en el Premio Nacional de Poesía y Narrativa “Escribir en C.I.B.O. - Cocina Identitaria de los Pueblos de Hoy”; Segundo Puesto en el Premio Nacional de Poesía Naturalista “Ciudad de Castelbuono”, Primer Puesto en el Premio Nacional de Poesía San MartinoVersi tra le Stelle”, agosto de 2022.

Sus pinturas a menudo muestran o sugieren suavemente una realidad fragmentada (distorsionada) donde la perfección del realismo se rompe contra el muro de la reelaboración subjetiva de la realidad a través del alma vibrante del artista. Así, en sus obras han empezado a aparecer tiras, segmentos, puntos de ruptura, réplicas o explosión de rostros en pedazos. Estos patrones reconcilian el realismo con los símbolos fusionando la realidad con elementos útiles para su interpretación. Hablan de la disociación contemporánea entre las partes internas del ser humano. El exterior frente al interior. El interior como un mundo fragmentario y contradictorio. Tiras como cortinas que desvelan y distorsionan parcialmente la realidad.

ENGLISH

Born in Salerno, in 1981, graduated with honors in Electronic Engineering, she obtained a PhD with a thesis on nanotechnologies applied to neurostimulation. Always interested in the functioning of the brain, psychology and art, she has given birth to a large production of paintings and lyrics, awarded at about forty national and international literary competitions, some of which are included in the Encyclopedia of Contemporary Poetry 2017, published by Mario Luzi Foundation, as result of the selection for the homonymous International Award. A collection of her compositions is under publishing with Aletti Editore, with a preface by Alessandro Quasimodo, well-known actor and son of the famous poet, who performed one of his poems “Sunset on the Tana degli Arabi” within a project of the aforementioned publishing editor. In 2021, First Place (both in the Narrative Section and in the Poetry Section) at the National Poetry and Narrative Award “WRITING IN C.I.B.O. - Identity Cuisine of the Villages Nowadays”; Second Place at the National Prize of Naturalistic Poetry “City of Castelbuono”, First Place at The National Prize of Poetry San Martino-Versi tra le Stelle”, August 2022. Her paintings often show or gently suggest a fragmented (distorted) reality where the perfection of realism breaks against the wall of subjective reelaboration of reality through the vibrating soul of the artist. Thus strips, segments, breaking points, replication or explosion of faces into pieces have started to appear in her works. These patterns reconcile the realism with symbols fusing reality with elements useful for its interpretation. They talk about contemporary dissociation between the inner parts of humans. Outside versus inside. Inside as a fragmentary contradictory world. Strips as curtains partially unveiling and partially distorting reality.

Email: sim.elia81@gmail.com

Instagram: @ind_art_simonaelia

1. Authentication (Autentificación)

Pintura digital / Digital Painting

80 x 80 cm

Pintura digital / Digital Painting

80 x 80 cm

2. Soul Spring (Primavera del alma)

3. Un-Conscious (Inconsciente)

Pintura digital mezclada con un collage de imágenes / Digital Painting mixed with a collage of images

80 x 80 cm

TADASHI NISHIDA 西田忠司 (Japón

/ Japan)

ESPAÑOL

Mientras sigo caminando bajo el sol, veo una variedad de fenómenos naturales. Cosas erosionadas por el paso del tiempo. Arañazos, manchas, y manchas que han sido aplicadas al azar. El proceso de fotografiarlos y retocarlos es muy interesante. Me gustaría seguir siendo un observador que evoca recuerdos profundos al entrar en contacto con imágenes que sufren diversos cambios. Y creo que todos estos fenómenos son el mundo creado por la mente subconsciente. Uno de los temas importantes de mi trabajo es plasmar estos fenómenos a través del diálogo entre el subconsciente y la conciencia manifiesta.

TADASHI NISHIDA 西田忠司

1962 Nace en la ciudad de Iga,Prefectura de Mie,Japón

1988 Se gradúa en la Universidad Zokei de Tokio, Departamento de Arte, especialidad de pintura

1988~2021 Trabaja en arte televisivo y escénico

2022

●“I: The world revolves around ME” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

“NFT: NEW FREEDOM THINK” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

• ●“LIQUID ARSENAL” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

• ●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR MONACO” VAN GOGH ART GALLERY Madrid Spain

●“INTERNATIONAL DIGITAL ART EXHIBITION MADRID” VAN GOGH ART GALLERY Madrid Spain

• ●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR LUXEMBOURG “ MONAT GALLERY Madrid Spain

• ●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR PARIS” MONAT GALLERY Madrid Spain

ENGLISH

Walking continuously under the sun, one can see various natural phenomena. Things weathered by the passage of time, stains, scratches, and dirts that have been randomly placed on the surface. The process of photographing and retouching them is very interesting. Coming into contact with images that undergo various changes in the process of retouching evokes deep memories. In other words, as an observer, it is a pleasure to interact with the world created by the subconscious through the manifest consciousness. And the world of the subconscious mind as embodied is one of the important themes of my work.

TADASHI NISHIDA 西田忠司

1962 Born Iga City,Mie Prefecture,Japan

1988 Graduated from Tokyo Zokei University,Department of Art,Painting Major

1988~2021 Employment in TV art and stage art

2022

•

●“I: The world revolves around ME” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

• ●“NFT: NEW FREEDOM THINK” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

●“LIQUID ARSENAL” M.A.D.S ART GALLERY Milan Italy/Fuerteventura Spain

• ●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR MONACO” VAN GOGH ART GALLERY Madrid Spain

• ●“INTERNATIONAL DIGITAL ART EXHIBITION MADRID” VAN GOGH ART GALLERY Madrid Spain

●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR LUXEMBOURG “ MONAT GALLERY Madrid Spain

●“INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART FAIR PARIS” MONAT GALLERY Madrid Spain

Instagram: @nishidatadashi0606

Email: incord0606we@gmail.com

1. Move (Movida)

Fotografía digital / Digital Photography

35 x 35 cm

2022

Fotografía digital / Digital Photography

33.7 x 20 cm

2021

2. Construction (Construcción)

Fotografía digital / Digital Photography

26.7 x 20 cm

2022

3. Idyllic afternoon (Tarde idílica)

SOPHY (SOPHIE MESSER) (Francia

/ France)

ESPAÑOL

Nací en Altkirch, en el corazón de una región del sur de Alsacia llamada Sundgau, situada en la frontera francesa con Suiza y Alemania.

Dedicada por completo a mis hijos, la pintura me llegó de forma natural durante un trabajo de introspección. Artista autodidacta, pinto desde hace diez años mis experiencias, especialmente las impresiones sentidas durante mis viajes. El noroeste de Francia es particularmente inspirador.

La pintura es para mí un medio de comunicación: después de pintar, siento que he hablado. No sé lo que voy a pintar, mi estado de “lâcher prise” permite que mi mano me guíe.

Así, los colores, las formas me llegan de forma natural, el alma habla. La música forma parte de mi trabajo.

He expuesto en diferentes exposiciones en Francia y Suiza.

“ Departure “ destaca el trabajo de mis manos. He elegido un gran lienzo, disfrutando de las posibilidades del espacio: los motivos surgen totalmente libres, en una explosión naranja y verde.

ENGLISH

I was born in Altkirch, in the heart of a southern Alsace region called Sundgau, located on the French border with Switzerland and Germany.

Fully devoted to my children, painting came to me naturally during a work of introspection. Self-taught artist, I have been painting for ten years according to my experiences, especially impressions felt during travels. The North-West of France is particularly inspiring.

Painting is for me a means of communication: after painting, I feel I have spoken.

I don’t know what I am going to paint, my state of “lâcher prise” allows my hand to guide me. Thus the colors, the forms come to me naturally, the soul is speaking. Music is part of my work.

I have exposed my art in different exhibitions in France and Switzerland.

« Departure » highlights the work of my hands. I have chosen a large canvas, enjoying the possibilities of the space: patterns emerge totally free, in an explosion of orange and green.

Email: sophie.messer@laposte.net

Instagram: @sophie_messer_artiste_

Web: www.sophymesser.wixsite.com

Sophy (Sophie Messer)

Sophy (Sophie Messer)

1. Departure (Salida)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

MAREK SILKA (Alemania / Germany)

ESPAÑOL

Artista autodidacta, vive y trabaja en Ravensburg y Friedrichshafen/Alemania.

Exposiciones: Participación en la Feria de Artesanía Cluster, Londres, 2021 y en la Galería M.A.D.S., Milán y Fuerteventura, 2022.

Sobre mi trabajo:

Anarquía en A.R.T.

No todos los artistas son anarquistas, ni siquiera saben algo sobre ello. Pero muchas obras de arte se basan en ideas básicas anarquistas como la idea de libertad, autodeterminación o autoeficacia. Partiendo de este punto de vista, mi trabajo y mis piezas se interpretan como “Artes Anarquistas”, Obras de Arte Anarquistas que discuten el concepto de Anarquía tanto en el estilo del contenido como en la forma en que son creadas estéticamente. Por lo tanto, a veces son incluso “An-Artísticas”, especialmente cuando el proceso requiere una extraña mezcla de materiales como la gelatina, el caucho industrial o los trozos de pinzas de tubo, que utilizo para modelar y finalmente riso print el “Capullo Azul”.

Marek Silka

ENGLISH

Living and working in Ravensburg and Friedrichshafen/Germany.

Exhibitions: Participation at the Cluster Crafts Fair, London, 2021 and M.A.D.S. Gallery, Milan and Fuerteventura, 2022.

About my work:

Anarchy in A.R.T.

Not every artist is an anarchist, or even knows something about it. But many artworks are based on anarchistic basic ideas like the idea of freedom, self determination or self-efficacy. Starting from that point of view, my work and pieces are interpreted as „Anarchistic Arts’ ‘, Anarchistic Artworks which dispute the concept of Anarchy both in a contentual style as in the way they are aesthetically created. Therewith, they are sometimes even „An-Artistic“, especially when the process requires a weird mixture of materials like gelatine, industrial rubber or pipe-clip-pieces, which I use for model and finally risoprint the „Blue Cocoon“.

Marek Silka

Instagram: @silka_marek

Email: mikrospenden@googlemail.com

42,0 x 29,7 cm DIN A3

2021

1. Blue Cocoon (Capullo azul) Risografía / Risography

GEMA MUÑOZ JANDRA (España

/ Spain)

ESPAÑOL

La cámara me acompañó desde muy temprana edad, hasta que con diecinueve años terminé mis estudios de imagen y sonido.

TÉCNICA

Cursé mis estudios de Imagen y Sonido en el IORTV (Instituto de RTVE) y CICI, durante este tiempo realicé prácticas como operador de cámara y foto fija. El inicio en el mundo de la imagen llegó de la mano de productoras de publicidad y las televisiones privadas, desde 1990 a la actualidad desarrollo mi trabajo como editora de postproducción de vídeo en Mediaset, lo que me ha permitido colaboraciones en campañas publicitarias como foto fija y ayudante de fotografía. Miembro de AFM (Asociación Fotográfica de Madrid).

He llamado a mi fotografía “FOTOGRAFÍA DE SENTIMIENTOS”, porque quiero transmitir la diversidad de reacciones que provocan los sentimientos a través de imágenes, a veces dentro del campo de la fotografía creativa, imágenes serenas, hablar con el blanco y negro... etc. El retrato y la plasticidad de la luz es lo que quizá más me guste manejar, si mi fotografía consigue no dejar indiferente habré dado un gran paso en este camino que tanto me completa. En éste libro presento tres de mis trabajos en blanco y negro.

ENGLISH

The camera accompanied me from a very early age, until I finished my studies of image and sound at the age of nineteen.

TECHNIQUE

I studied Image and Sound at IORTV (Instituto de RTVE) and CICI, during this time I practiced as a camera operator and still photographer. The beginning in the world of the image came from the hands of advertising production companies and private television. From 1990 to the present I have developed my work as a video post production editor in Mediaset, which has allowed me to collaborate in advertising campaigns as a still photographer and assistant photographer. Member of AFM (Photographic Association of Madrid).

I have called my photography “PHOTOGRAPHY OF FEELINGS” because I want to convey the diversity of reactions that provoke feelings through images, sometimes within the field of creative photography, serene images, talk to black and white ... etc.. The portrait and the plasticity of light is perhaps what I like to handle the most, if my photography manages not to leave indifferent I will have taken a big step in this path that completes me so much.

Email: gemag28@gmail.com

Instagram: @gemamjandra

1. Shhhsss Silencio (Shhhsss Silence)

Fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio / Photo in digital format matte paper mounted on aluminum foil 55 x 37 cm

2. Paracaídas (Parachute)

Fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio /

Photo in digital format matte paper mounted on aluminum foil 55 x 37 cm

3. Feeling (Sentimiento)

Formato digital papel mate con textura algodón rugoso / Digital format matte paper with rough cotton texture

55 x 37 cm

G.F. (Luxemburgo / Luxembourg)

ESPAÑOL

Encontrar nuevas formas de utilizar técnicas tradicionales y tecnologías modernas para representar lo abstracto de la manera más colorida posible. Combinando el diseño asistido por algoritmos con herramientas impresas en 3D para enriquecer el lienzo con significado y una fiesta para el ojo. Aplicar estructuras geométricas para jugar con las percepciones al tiempo que se abraza la rica herencia de los movimientos hardedge, color field y opart: dar espacio al juego y a la experimentación, a veces a costa de sacrificar la perfección. Es importante dejar huellas de la mano del creador humano, ya que no debemos ni podemos competir con la perfección digital de hoy en día, sino abrazar la falibilidad del individuo.

ENGLISH

Finding new ways using traditional techniques and modern technologies to depict the abstract the most colorful way possible. Combining algorithms-assisted design with 3D printed tools to enrich the canvas with meaning and a feast for the eye. Applying geometrical structures to play with perceptions while embracing the rich heritage of hard-edge, color field and opart movements: giving room to playfulness and experiment, sometimes at the price of sacrificing perfection. It is important to leave marks on the human creator’s hand, as we should not and definitely cannot compete with the digital perfection of the modern day; rather embracing the fallibility of the individual.

Instagram: @gf_abstract

Email: gfabstract@gmail.com

Web: www.gfabstract.art

G.F.

G.F.

1. Extremely Rare Animals I: T-Rex with a golden watch (Animales extremadamente raros I: T-Rex con reloj de oro)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 80 cm

2. Limitless I (Sin límites I)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

80 x 100 cm

3. Fine Lines IV (Líneas finas IV)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 80 x 50 cm

BERTA GINER

(España / Spain)

ESPAÑOL

Berta Giner nació y vive en Madrid, España, en 1980. Es una artista que siempre ha estado ligada al diseño, la creatividad y el arte. La mayor parte de su carrera la ha desarrollado en agencias de publicidad y compañías multinacionales. La pintura ha sido su pasión desde pequeña, pero en 2021 sintió que había alcanzado la madurez que quería en su propia técnica y pintura, y es cuando se ha dedicado a su pasión a tiempo completo. En pocos meses ha participado en dos ferias internacionales en 2022 (Mónaco y París), ha expuesto su obra en una reconocida galería de Madrid, y sus obras están siendo adquiridas por coleccionistas de EEUU, Alemania, Italia, España y Brasil.

“Mis obras no son representaciones literales, son capturas de reflejos y luz en la materia. Interpretaciones personales de la belleza mostrada en la naturaleza, y también de la belleza más oculta, aquella que sólo se puede ver con los 5 sentidos...

En mis creaciones (la mayoría realizadas en pintura acrílica y técnica mixta) no utilizo pinceles; uso espátulas, cuchillas, rodillos, palos... y en ocasiones, hasta mis propias manos para conseguir el resultado que deseo. Con mis obras deseo que quien las observe sienta, aunque sea un atisbo, lo que yo he sentido durante su creación”.

Berta Giner

ENGLISH

Berta Giner was born and raised in Madrid, Spain, in 1980. She is an artist who has always been linked to design, creativity and art. Most of her career has been developed in advertising agencies and multinationals. Painting has been her passion since she was a child, but in 2021 she felt she had reached the maturity she wanted in her own technique and painting, and that is when she has dedicated herself to her passion full time.

In just a few months she has participated in two international fairs in 2022 (Monaco and Paris), has exhibited her work in a renowned gallery in Madrid, and her works are being acquired by collectors in the USA, Germany, Italy, Spain and Brazil.

“My works are not literal representations, they are captures of reflections and light in matter. Personal interpretations of the beauty shown in nature, and also of the most hidden beauty, that which can only be seen with the 5 senses....

In my creations (most of them made in acrylic paint and mixed media) I do not use brushes; I use spatulas, blades, rollers, sticks... and sometimes, even my own hands to get the result I want.

With my works I want whoever observes them to feel, even a glimpse, of what I have felt during their creation”.

Berta Giner

Instagram: @berta_giner_art

Email: info@bertaginerart.com

Web: www.bertaginerart.com

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas

130 x 195 cm

1. Mystery Forest (Bosque Misterio)

2. Iron (Hierro)

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 130 x 162 cm

3. Dimension (Dimensión)

Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas

130 x 195 cm

ALBERTO ALVAREZ (Argentina)

ESPAÑOL

Nací en Buenos Aires, Argentina; el 20 de Diciembre de 1954. Profesor Nacional de Dibujo y Pintura en la E.N.B.Artes “Prilidiano Pueryrredòn”. Perfeccioné mis estudios en los talleres del dibujante Ròmulo Sidañez y el Maestro acuarelista Guillermo Roux. Otros cursos con Roberto Pàez y Carlos Nine. Estudios “Artes” en la Univ. Bs Aires.- Realicé muestras individuales y colectivas, con selecciones y premios. Tambièn murales urbanos, telones, decorados e ilustración de Libros.-

Las artes visuales me han permitido encontrarme con situaciones propias. Las imágenes que genero de cuerpos humanos, desnudos, indefensos; dialogan con nuestras intimidades, sueños y fantasìas. Pintar es también una forma de desnudarse y acercarse a los demás. Desde mis comienzos, influenciado por la obra de Goya, T. Lautrec y Rembrandt, intento mi propio camino. Pretendo conectar mi mundo, con el mundo más íntimo de cada uno.

Alberto Alvarez

ENGLISH

I was born in Buenos Aires, Argentina; December 20, 1954. National Professor of Drawing and Painting at the E.N.B.Artes “Prilidiano Pueryrredòn”. I perfected my studies in the workshops of the draftsman Ròmulo Sidañez and the Master watercolorist Guillermo Roux. Other courses with Roberto Pàez and Carlos Nine. I studied “Arts” at the University of Buenos Aires. I made individual and collective exhibitions, with selections and awards. Also urban murals, backdrops curtains, backdrops, scenery and book illustration.

The visual arts have allowed me to find my own situations. The images I generate of human bodies, naked, defenseless; dialogue with our intimacies, dreams and fantasies. our intimacies, dreams and fantasies. Painting is also a way of undressing oneself and get closer to others. Since my beginnings, influenced by the work of Goya, T. Lautrec and Rembrandt, I have tried my own way. I try to connect my world with the most intimate world of each one of us.

Alberto Alvarez

Instagram: @aabetoalva

Facebook: Acuarelas AA

Email: aabetoalva@gmail.com

1. Pareja sobre paño rojo (Couple on red cloth) Acuarela y Tinta - Croquis / Watercolor and Ink - Sketch 40 x 30 cm

2. El abrazo (The Hug)

Acuarela y Tinta - Croquis / Watercolor and Ink - Sketch 40 x 30 cm

3. El recuerdo (The Memory)

Acuarela y Tinta - Croquis / Watercolor and Ink - Sketch 30 x 20 cm

ÂNANDA (Francia

/ France)

ESPAÑOL

Soy un artista francés llamado Ânanda y dibujo desde la infancia. Mis técnicas preferidas son el lavado de tinta, el trabajo con bolígrafo de tinta y la acuarela. Mis influencias provienen esencialmente de la metafísica oriental, de su doctrina, de su simbolismo; el arte de los dibujos lavados chinos y japoneses, de alto valor contemplativo, es una de mis principales influencias, así como los grabados europeos del siglo XIX. Mis obras pretenden proporcionar al espectador un soporte contemplativo y meditativo, similar a la función del Arte Sagrado en las tradiciones espirituales de Oriente y Occidente; el simbolismo, destinado a aportar una “transparencia metafísica” a la obra, está por tanto omnipresente en mi arte.

ENGLISH

French artist named Ânanda, I draw since childhood. My preferred techniques are ink wash, ink-pen work and watercolor. My influences essentially come from Eastern metaphysics, their doctrine, their symbolism ; the art of Chinese and Japanese wash drawings, of high contemplative value, is one of my main influences, as well as the 19th century European engravings. My works aim to provide the viewer with contemplative and meditative support, similar to the function of Sacred Art in the spiritual traditions of both East and West ; symbolism, intended to bring a “metaphysical transparency” to the work, is therefore omnipresent in my art.

Instagram: @anandadessin

Email: anandadessin@yahoo.com

1. Sâlik

Tinta y acuarela sobre papel / Ink and watercolor on paper (180g) 30 x 21 cm

2. Contemplation (N°6) (Contemplación (N°6))

Acuarela y tinta sobre papel / Watercolor and ink wash on paper (300g) 51 x 36 cm

3. The Child and the Forest (El niño y el bosque) Tinta y acuarela sobre papel / Ink and watercolor on paper (300g) 31 x 23 cm

PAINTING BY INTUITIVE SOUL (BY LUCIANA FREMAUX) (Francia / France)

ESPAÑOL

Nacida el 25 de noviembre de 1973 en Manaus (Brasil) - vivo en París (Francia)

Estudié finanzas y trabajé allí durante más de 10 años. Después de una reconversión profesional me convertí en terapeuta. Soy una artista autodidacta. Empecé a pintar intuitivamente en la primavera del 2021 primero con fines terapéuticos, rápidamente se convirtió en una pasión ... ¡Como una revelación para mí!

Mi proceso de pintura es intuitivo, la imagen se construye mientras pinto y se me revela como por arte de magia, entonces descubro estas imágenes que son como un sueño de un mundo de fantasía: Ya sean recuerdos cósmicos o retratos de mis emociones y mi mundo espiritual.

La pintura sobre papel es como una fotografía, una instantánea de mis impulsos creativos en la que cada obra es única. Lo más fascinante es contemplar el cuadro terminado y descubrir el mensaje recibido: Las escenas suelen estar en movimiento en mi mente, así que animo mis cuadros para compartir mi visión con la gente.

Painting by Intuitive Soul (By Luciana FREMAUX)

ENGLISH

Born in November 25, 1973 in Manaus (Brazil) – Live in Paris (France)

I studied finance and worked there for more than 10 years. After a professional retraining I became a therapist. I’m a Self-taught artist. I started to paint intuitively in the spring of 2021 first for therapeutic purposes, it quickly became a passion…Like a revelation for me! My painting process is intuitive, the image is built as I paint and reveals itself to me as if by magic, then I discover these images which are like a dream of a fantasy world: Either cosmic memories or portraits of my emotions and my spiritual world. Painting on paper is like a photograph, a snapshot of my creative impulses where each work is unique. The most fascinating thing is to contemplate the finished painting and discover the message received: The scenes are often in motion in my mind, so I animate my paintings to share my vision with people.

Painting by Intuitive Soul (By Luciana FREMAUX)

Instagram: @paintingbyintuitivesoul

Email: lucianafremauxcontact@gmail.com

Web: paintingbyintuitivesoul.com

1. L’intervalle entre deux Mondes (El intervalo entre dos mundos / The Interval Between Two Worlds)

Acrílico sobre formato de papel / Acrylic on paper format

41 x 33 cm 2022

2. Explosion Solaire (Explosión solar / Solar Explosion)

Acrílico sobre formato de papel / Acrylic on paper format

41 x 33 cm

2022

3. La Magie dans l’Âme (La magia en el alma / The Magic in The Soul)

Acrílico sobre formato de papel / Acrylic on paper format

65 x 50 cm 2022

Yu KUEI (Taiwán / Taiwan)

ESPAÑOL

Yu KUEI, nacida y criada en Taiwán, chocolatera durante años y artista abstracta autodidacta desde hace muy poco. “He estudiado bioquímica en Taiwán pero me cambié al mundo de la pastelería en Francia, más tarde trabajé en Brasil durante años y luego empecé a centrarme en ser chocolatera mientras me mudaba de nuevo a Taiwán. Empecé a pintar desde 2021, mientras que una gran depresión vino durante estos tiempos viviendo en Macao; y por lo tanto, la pintura se convirtió en una terapia para mí, me ayudó a estar calmada y poder expresar mis sentimientos para aliviar la depresión. Mis pinturas suelen combinar varios patrones y estilos, pero en su mayoría se comportan como yo y para mostrar cómo percibo en el momento. Como chocolatera en la vida diaria, considero esta profesión una representación alternativa del arte. Agradezco haber encontrado otro camino para representarme, ya que soy una mujer adulta de 40 años con algunas experiencias de vida en diferentes países, que todavía tiende a explorar nuevos campos, para así aprender cualquier posibilidad de ser creativa, y para descubrir un nuevo yo en diferentes caminos.”

Yu KUEI

ENGLISH

Yu KUEI, was born and raised in Taiwan, a chocolatier for years and a self-taught abstract artist from very recent days. “I’ve studied biochemistry in Taiwan but changed to pastry world in France, later I worked in Brazil for years then started to focus on being a chocolatier while moving back to Taiwan. I started to paint in 2021 while a big depression came during these times living in Macau, therefore painting became a therapy for me, it helps me to be calm, to express my feelings and to relieve my depression. My paintings usually combine various patterns and styles but they mostly just behave who I am and to tell how I perceive at the moment. As a chocolatier in daily life is an alternative performance of art as well, so I am grateful that I found another path to represent myself, a 40 years adult with some life experiences in different countries, still tend to explore the new field, to learn any possibility being creative, and to discover new me in different pathways”.

Yu KUEI

Instagram: @ceu.varanda

Saatchiart: Yu Kuei

Email: zoekuei@gmail.com

1. Black hole (Agujero negro)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 40 x 40 cm

EFRAT YARON (Israel)

ESPAÑOL

Durante muchos años he buscado un espacio seguro con una lógica interna propia. Me propuse explorar y comprender los sistemas, las leyes y los órdenes mundiales predominantes. Vivir con un desafiante trastorno por déficit de atención (TDAH) me ha obligado a buscar soluciones que me permitan funcionar dentro de un mundo interior turbulento y carente de puntos de apoyo. El intento de silenciar los ruidos externos me llevó al arte, que me proporciona la capacidad de crear un conjunto de reglas flexibles y privadas. En mis pinturas acrílicas, me esfuerzo por disciplinar el torrente amenazador mediante límites, divisiones y aplanamientos. Los temas básicos se someten a la abstracción y se reducen tanto formal como temáticamente.

Efrat Yaron

ENGLISH

For many years I have been seeking a safe space with an inner logic of its own. I set out to explore and comprehend prevalent systems, laws, and world orders.

Living with a challenging attention deficit disorder (ADHD), has forced me to come up with solutions, which allows me to function within a turbulent inner world devoid of footholds. The attempt to silence external noises led me to art, which provides me with the ability to create a flexible, private set of rules.

In my acrylic paintings, I strive to discipline the threatening flood by means of boundaries, divisions, and flattening. Basic subjects undergo abstraction and are reduced both formally and thematically.

Efrat Yaron

Instagram: @efrat_yaron_art

Email: efratyaron11@gmail.com

Web: www.efratyaron.com

1. View Stripes (Vé rayas)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 80 cm

EUN JEOUNG

(Corea del Sur / South Korea)

ESPAÑOL

Hervir agua para beber té.

Oigo cómo florecen las hojas de té secas en un cuenco húmedo.

Bebo el té hervido e interactúo con el árbol del té y me veo reflejada en el té.

Y mientras escucho la música recién descubierta, mi alma baila libremente en la vibración que se extiende del “yo” al “nosotros” y de la “tierra al espacio”. Al mismo tiempo, las vibraciones recogidas en las yemas de los dedos son atraídas por los impulsos y el empuje de los movimientos del momento, y los colores seleccionados libremente con las manos y los pañuelos crean un mundo desconocido en el lienzo.

Mi abstracción es un homenaje a las cosas que no se pueden expresar con palabras.

Es un ritual que recuerda las cosas invisibles pero existentes.

Me trasciende en cada momento.

No hay un estereotipo de “yo” con una imagen fija mientras voy en la dirección que necesito.

Al trabajar con pasteles al óleo con las manos desnudas, las huellas dactilares quedan allí donde se tocan.

A nivel espacial,

En un mundo interdependiente que está conectado como uno, es la huella digital la que nos divide en tú y yo como un nudo de conexiones.

En el momento en que me reconozco como “yo”, pronto no estoy allí, pero dejo una huella dactilar, “(腡)” allí donde la toco.

ENGLISH

Eun Jeoung

Boil water to drink tea.

I hear dry tea leaves blooming in a wet bowl.

I drink boiled tea and interact with the tea tree and look at myself reflected in the tea. And while listening to the newly discovered music, my soul dances freely in the vibration that extends from ‘I’ to ‘us’ and from ‘earth to space’. At the same time, the vibrations gathered at the fingertips are attracted by the impulses and drive of the moment movements of the moment, and freely selected colors using hands and scarves create an unknown world on the canvas.

My abstraction is a tribute to things that cannot be expressed in words. It’s a ritual that reminds you of things that are invisible but existent.

It transcends me at every moment.

There is no stereotype of ‘me’ with a fixed image while I am heading in the direction I need to go.

When working with oil pastels with bare hands, fingerprints are left wherever you touch. At the space level,

In an interdependent world that is connected as one, it is the fingerprint that divides us into you and me like a knot of connections. The moment I recognize me as ‘I’, soon I’m not there, but I leave a fingerprint , ‘(腡)’ wherever I touch it.

Instagram: @he.raya906

Email: pofohill3j@naver.com

Eun Jeoung

1. 22.07.07. …he (22.07.07. …él)

Acrílico, pastel al óleo sobre lienzo / Acrylic, oil pastel on canvas

60.9 x 72.7 cm

2. 22.07.22. …he (22.07.22. …él)

Acrílico, pastel al óleo sobre lienzo / Acrylic, oil pastel on canvas

52.7 x 72.7 cm

3. 22.09.06. …he ( 22.09.06. …él)

Acrílico, pastel al óleo sobre lienzo / Acrylic, oil pastel on canvas

72.7 x 90.9 cm

PERTTI AHONEN (Finlandia / Finland)

ESPAÑOL

He recibido mi maestría en la Universidad de Jyväskylä, Finlandia, y he estudiado en la Escuela de Arte de Pirkkala, Finlandia

Vivo y trabajo en Ikaalinen, Finlandia

Sobre mi arte

Mis pinturas son abstractas y coloridas. En mis obras pinto rastros de energía que fluyen por todas partes; a veces la energía fluye lentamente, a veces en rápidos torrentes.

Mis cuadros muestran el caos, la prisa, la precipitación, diferentes fenómenos de nuestro tiempo, pero en el en medio del caos se puede ver la armonía y el equilibrio. Mi obra puede ser áspera y en capas. En algunos cuadros se superponen suavemente superficies nebulosas de color.

Su atmósfera pacífica y poética muestra un claro contraste con los cuadros más fuertes y más fuertes y claros con más rock’n roll en ellos.

Para mí, las emociones son colores y los colores son emociones. Para mí, los colores son el camino hacia una autoconciencia más profunda y abren nuevas dimensiones, fuerzas y recursos.

Pertti Ahonen

ENGLISH

I have received my MSc from the University of Jyväskylä, Finland, and I have studied at the Art School of Pirkkala, Finland

I live and work in Ikaalinen, Finland

About my Art

My paintings are abstract and colourful. In my works I paint traces of energy flowing everywhere; sometimes the energy flows slowly, sometimes in quick torrents. My paintings shows chaos, haste, rush, different phenomena of our time, but in the midst of chaos you can see harmony and equilibrium. My work can be rough and layered. In some paintings hazy surfaces of colour overlap softly one another. Their peaceful and poetic atmosphere shows a clear contrast to the stronger and more clear-cut paintings with more rock’n roll in them. To me emotions are colours, and colours are emotions. For me, colours are the way to deeper self-awareness and open up new dimensions, strengths and resources.

Pertti Ahonen

Instagram: @pertti.ahonen

Facebook: Pertti Ahonen

Email: pk.ahonen@outlook.com

1. Light for the Ukrainians (Luz para los ucranianos) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 70 x 95 cm

FILIPA CASTRO E ALMEIDA (Portugal)

ESPAÑOL

Mi nombre es Filipa César da Fonseca de Castro e Almeida Horta Correia, aunque mi nombre artístico es “Filipa Castro e Almeida”. Nací el 27 de septiembre de 1968 y soy portuguesa, viviendo actualmente en Sintra.

Estudié pintura decorativa en la Fundación Ricardo Espírito Santo e Silva (IAO), en Lisboa y realicé un curso de restauración de pintura de 2 años en la Universidad Autónoma (IAO), también en Lisboa.

Después, trabajé durante 5 años en el taller de Edmund Silva y, también, durante 2 años en el taller de Vera Freitas. Desde entonces, trabajo sola en mi propio taller, pero también formo parte del equipo de restauración de Conceição Almada. El último trabajo que tuve, fue con este equipo, y trabajamos en la restauración de la iglesia de S. José dos Carpinteiros en Lisboa, que ganó el Premio Gulbenkian.

Además de todo mi trabajo, también dedico mi tiempo a pintar en mi atelier y a ser creativa en mis cuadros, y también me encanta jugar al golf.

Filipa Castro e Almeida

ENGLISH

My name is Filipa César da Fonseca de Castro e Almeida Horta Correia although I go by “Filipa Castro e Almeida” as my artist name. I was born on the 27th of September 1968, and I am Portuguese, currently living in Sintra.

I studied decorative painting at Ricardo Espírito Santo e Silva Foundation (IAO), in Lisbon and took a 2 year painting restoration course at Autónoma University (IAO), also in Lisbon.

After that, I worked for 5 years at Edmund Silva atelier and worked for 2 years at Vera Freitas atelier too.

Since then, I have been working alone at my own atelier, but also I am part of Conceição Almada’s restoration team. The last work I had was with this team , and we worked on the restoration of S. José dos Carpinteiros church in Lisbon, which won the Gulbenkian Award.

Besides all my work, I also spend my time painting at my atelier and getting creative on my paintings, and I love to play golf too.

Filipa Castro e Almeida

Instagram: @filipahortacorreia

Email: filipahc68@gmail.com

1. Day (Día)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

40 x 30 cm

2021

2. Reflexos (Reflejos)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

80 x 80 cm

2022

3. Reflexos (Reflejos)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

80 x 80 cm

2022

DEAN CARILLO

(Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

Dean nació el 16 de diciembre de 2000 en Honolulu, Hawaii. Recibió recientemente su licenciatura en Bellas Artes (concentrado en dibujo) por la Universidad de Hawaii en Mānoa en la primavera de 2021. Actualmente trabaja como especialista en producción en el departamento de gráficos de gran formato en la empresa de impresión HonBlue. Trabaja principalmente con medios secos de grafito, pluma, carbón y pastel, pero también trabaja/experimenta con medios húmedos, medios digitales y fibra. Recientemente, el trabajo de Dean ha sido expuesto en una variedad de exposiciones en línea y en persona para 311 Gallery, Las Laguna Art Gallery, y Art Fluent.

DECLARACIÓN DEL ARTISTA

“Al crecer en Honolulu, estoy rodeado por la constante urbanización y el desarrollo que entra en conflicto con la abundancia de la naturaleza de la isla y su rica y diversa cultura/historia; al mismo tiempo, nací en un nuevo siglo que se vuelve tecnológicamente avanzado y cambia la forma en que vemos el mundo. Mi trabajo utiliza estos conceptos y la mezcla de ideas para fabricar nuevos entornos abstractos que crean una perspectiva más diversa a través de temas físicos, metáforas o textos. Últimamente exploro conceptos y emociones que experimento a diario, y espero que el espectador comparta y empatice en estos momentos conmigo.”

Dean Carillo

ENGLISH

Dean was born on December 16, 2000, in Honolulu, Hawaii. He had recently received his Bachelor of Fine Arts (drawing concentrated) from the University of Hawaii at Mānoa in the Spring of 2021. He currently works as a production specialist in the Large Format Graphics department at the print company, HonBlue. He mostly works in dry mediums of graphite, pen, charcoal, and pastel, but also works/experiments with wet mediums, digital media, and fiber. Recently, Dean’s work has been exhibited in a variety of online and in-person exhibitions for 311 Gallery, Las Laguna Art Gallery, and Art Fluent.

ARTIST STATEMENT

“Growing up in Honolulu, I am surrounded by constant urbanization and development that conflicts with the island’s abundance of nature and its rich and diverse culture/history; while also being born in a new century that becomes technologically advanced and changes how we see the world. My work uses these concepts and mixture of ideas to fabricate new abstract environments that create a more diverse perspective through physical subjects, metaphors, or text. Most recently exploring concepts and emotions that I experience daily, and hope that the viewer shares and empathizes in these moments with me”.

Dean Carillo

Instagram: @deejc_art

Email: secondiidean@gmail.com

Web: www.dcarillo.com

1. Adagio Acrílico y óleo sobre lienzo / Acrylic and Oil on Canvas 122 x 91.5 cm

2. Grandioso Acrílico y óleo sobre lienzo / Acrylic and Oil on Canvas

152.5 x 152.5 cm

3. Cynic Masque: Full Triptych (from left to right: Twisted Frenzy, Echo Mania, Awaiting Angst) / (Máscara cínica: Tríptico completo (de izquierda a derecha: Frenesí retorcido, Echo Mania, Angustia en espera)

Carbón y Pastel sobre Papel / Charcoal and Pastel on Paper

101,5 x 216 cm (los paneles individuales miden 101,5 x 72 cm) / (individual panels are 101,5 x 72 cm)

BOMSEOM (República de Corea / Republic of Korea)

ESPAÑOL

Dibujo un día en mi memoria. Vivimos con varias emociones. Nuestras vidas son -,0,+. (+) Ojalá fuéramos siempre felices Pero (-) tenemos momentos difíciles en los que estamos frustrados. En esos momentos, necesito cosas que me corrijan. Soy más feliz cuando dibujo y mi corazón está puesto en el cuadro. Espero que mi cuadro sea una felicidad para mí y para mucha gente. En lugar de explicaciones detalladas, el cuadro se completa combinando la imaginación y la experiencia del espectador. Siéntase libre de imaginar .

Bomseom

ENGLISH

I draw a day in my memory. We live with various emotions. Our lives are -,0,+.(+) I wish we were always happy. But (-) we have tough moments when we’re frustrated. At that time, I needed things to correct me. I am happiest when I draw and my heart is put in the picture.I hope my painting will be happiness for me and happiness for many people.

Rather than detailed explanations, the picture is completed by combining the viewer’s imagination and experience. Feel free to imagine.

Bomseom

Instagram: @bomseom

Email: bomseom7@gmail.com

1. 2021

Técnica mixta sobre tela / Mixed media on fabric

162 x 130 cm 2021

LOGAN CRAWFORD

(Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

Siempre me interesó el arte desde una edad muy temprana. Esbozaba dibujos burdos o calcaba imágenes cuando aún no tenía la suficiente habilidad para hacer yo mismo. Mis padres siempre me apoyaron y de vez en cuando me apuntaron a clases de arte. Sin embargo, con el paso del tiempo mi atención se dirigió a un número creciente de direcciones: música, deportes, literatura, filosofía y ciencia. Finalmente, me comprometí con la carrera de ingeniería.

Ahora, como ingeniero de dispositivos médicos a tiempo completo, persigo el deseo artístico de crear, rel cual nunca se disipó del todo. Al no tener nunca el autocontrol ni la paciencia para aprender el arte en el sentido tradicional, empecé a enseñarme a mí mismo el arte abstracto. El arte abstracto fue un medio que me permitió explorar y reconocer muchas de las fuertes emociones que se habían acumulado a lo largo de los años y que se reflejan en mi arte como colores atrevidos y trazos agresivos y seguros. Puedo decir que mi arte es realmente una visión directa de mis emociones en bruto que no sólo actúa como una forma de expresión, sino como una herramienta para seguir explorando mi persona y mis mundos interiores.

Logan Crawford

ENGLISH

I was always interested in art from a very early age. Sketching crude drawings or tracing images that I was not yet skilled enough to do myself. My parents were always supportive and occasionally enrolled me in art lessons. However, as time progressed my attention was pulled in an increasing number of directions: music, sports, literature, philosophy, and science. Eventually committing to a career in engineering.

Now a full-time medical device engineer, I’m pursuing the artistic desire to create that never fully dissipates. Never truly having the self-control or patience to learn art in the traditional sense, I began teaching myself abstract art. Abstract art was a medium that allowed me to explore and recognize many of the strong emotions that had built up over the years and that reflects in my art as bold colors and aggressive, confident strokes. I can say that my art is truly a direct insight to my raw emotions that not only acts as a form of expression, but as a tool to continue exploring myself and my inner worlds.

Logan Crawford

Instagram: @theabstractengineer

Email: theabstractengineer@gmail.com

1. An Indie Film Broke Her Heart (Una película indie le rompió el corazón) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas 40.6 x 30.4 cm

KOEN BOSMANS (Bégica

/ Belgium)

ESPAÑOL

Soy un pintor belga autodidacta. Cuando tenía 3 años, un profesor se fijó en mi talento para el dibujo, por lo que le estoy eternamente agradecido. Este fue el comienzo de mi viaje. A lo largo de los años, había perdido inconscientemente esta conexión. Faltaba algo en mi vida sin darme cuenta de qué. El Corona Virus ha devuelto la paz a mi agitada existencia, y se ha asegurado de que vuelva a encontrar mi pasión, y ha subrayado lo importante que es el arte para mí. La pintura es un proceso creativo subconsciente, que espera que se produzca la magia. Es una danza de colores, luces y sombras; es el desplazamiento de los colores hasta que encuentran la posición correcta en el lienzo. A veces pinto con los dedos para conseguir una mayor conexión con el lienzo, para transmitir más energía. Tengo una gran fascinación por los retratos; pueden leerse como historias sobre la vida de una persona. Cuantos más personajes, más interesante es el libro. Los ojos son la puerta del alma. La pintura es la transmisión de energía y frecuencias. Hay que tratar de sintonizar estas frecuencias para conseguir un bello conjunto sin el cual no hay vida en el lienzo. Es como la “geometría sagrada”, la sabiduría aporta poder y belleza al trabajo. Mi vívido uso de los colores hace que en el lienzo no haya diferencia entre las razas; trasciende la discriminación y el racismo. Todos los retratos están compuestos por los mismos colores primarios. Todos somos uno: pintar y esculpir me da una sensación de libertad.

Koen Bosmans

ENGLISH

I’m a self-taught Belgian painter. When I was 3 years old, my talent for drawing was noticed by a teacher, for which I’m eternally grateful! This was the start of my journey. Through the years, I had unconsciously lost this connection. Something was missing in my life without really realizing what. Corona Virus has brought peace back into my hectic existence, and made sure that I found my passion again, and underlined how important art is for me! Painting is a subconscious creative process, waiting for the magic to happen. It is a dance of colors, light and shadows; it is the shifting of colors until they find the correct position on the canvas. Sometimes I paint with my fingers to get even more of a connection with the canvas, to convey more energy. I have a huge fascination with portraits; they can be read as stories about a person’s life. The more characters, the more interesting the book! The eyes are the gateway to the soul. Painting is the transmission of energy and frequencies. One must try to tune these frequencies to achieve a beautiful whole without which there is no life on the canvas. It is like “sacred geometry”, wisdom brings power and beauty to work. My vivid use of colors makes that on the canvas, there is no difference between races; it transcends discrimination and racism. All portraits are composed of the same primary colors. We are all one – painting and sculpting gives me a sense of freedom.

Koen Bosmans

Instagram: @bosmanskoen71

Email: koen.bosmans1@telenet.be

1. Arno Hintjes Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 80 x 60 cm

2. Warren Ellis

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

60 x 50 cm

3. Johnny Cash Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 120 x 80 cm

H. CASAGRANDE (Alemania / Germany)

ESPAÑOL

Me llamo H. Casagrande y nací en 1951 en un suburbio de Hamburgo/Alemania. Por casualidad me enteré de un curso de pintura de paisaje 2007 impartido por un antiguo alumno del famoso pintor alemán Fritz Mackensen, cofundador de la Colonia de Artistas de Worpswede, y espontáneamente decidí tomar una clase de prueba. El olor de la pintura al óleo, la mezcla de colores individuales, pensar en nuevos motivos, esbozarlos en el lienzo... Supe inmediatamente que esa era la dirección correcta, el comienzo de algo nuevo. Tras la muerte de mi maestro en 2008, tomé algunas clases en el estudio de los Realistas del Norte de Alemania, donde aprendí a pintar “agua”. Sentí un nuevo entusiasmo por llevar al lienzo los colores del mar, el sonido de las poderosas olas y el olor del viento y las algas. En este periodo creé una cantidad considerable de cuadros en todos los tonos de azul y verde.

En cuanto a los retratos, me enseñé a mí misma aprendiendo con la práctica, mejorando de obra en obra, empezando por mis familiares más cercanos, las estrellas y los trabajos por encargo.

De 2010 a 2012 fui nombrada miembro de la junta directiva del grupo de apoyo a la cultura de Aumühle/Wohltorf. Hice una pausa durante unos años para estudiar guitarra hasta que la pasión por la pintura me atacó de nuevo. Actualmente hago sobre todo retratos de arte pop, seguidos de coches y motos de época. Soy una fanática de Corea. Me fascinan la cultura y la gente de Corea. Las series de dramas coreanos en Netflix me inspiraron para empezar una serie de superestrellas de Corea del Sur. Normalmente la referencia original es una foto en blanco y negro, lo que me permite dejar fluir mi fantasía y elegir los colores como mejor me parezca. Prefiero la técnica de pintar con los dedos, dejando que los colores se fundan unos con otros, haciendo que las sombras sean más suaves y resaltando las luces especiales.

Descripción de la obra

El hombre mágico espera a su chica

Querida, ¿estás lista?, parece pensar el hombre de mis sueños mientras lanza una tímida mirada por encima del hombro en mi dirección para ver si mi vestido hace juego con el suyo. Creé su traje de moda para una fiesta con gente joven, pensando que esos colores chillones quedarán perfectamente en un chico como él. Sus ojos, sin embargo, los cubrí intencionadamente con gafas de sol reflectantes, para que cada espectador tenga que hacerse su propia idea de la situación. En cuanto a mí, ya lo sé todo sobre él, porque me contó todos sus secretillos durante las horas que le estuve pintando...

H. Casagrande

ENGLISH

My name is H. Casagrande and I was born in 1951 in a suburb of Hamburg/Germany. By chance I heard about a landscape painting course 2007 given by a former student of the famous German painter Fritz Mackensen, co-founder of the Worpswede Artists’ Colony, and spontaneously decided to take a trial lesson. The smell of the oil paint, the mixing of individual colors, thinking up new motifs, sketching them on the canvas…I knew immediately that this was the right direction, the beginning of something new. After my teacher ‘s death in 2008, I took a few lessons in the studio of the North German Realists, where I learned to paint „water “. I felt a new enthusiasm to bring the colors of the sea, the sound of the mighty waves and the smell of the wind and the seaweed onto the canvas. In this period, I created a considerable number of paintings in all shades of blue and green. As for the portraits I taught myself learning by doing, growing better from work to work, beginning with my nearest relatives, stars and commission work.

From 2010 to 2012 I was appointed member of the board of the Aumühle/Wohltorf culture support group. I had a break for a few years to study guitar until the passion for painting attacked me again. At the moment I mostly do pop art portraits, followed by vintage cars and motorbikes. I am a Korean fan! I am fascinated by the culture and people of Korea. The K-Drama-Series on Netflix inspired me to start a series of super stars from South Korea. Normally the original reference is a black-and white-shot, which enables me to let my fantasy flow and choose the colors as I feel best. I prefer the technique of finger painting, letting colors merge into another, making shadows softer and bringing out special highlights.

Image description

Magical Man is waiting for his Girl

Darling, are you ready, my dream man seems to think while throwing a shy glance over his shoulder in my direction to see if my dress matches his. I created his trendy outfit for a party with young people, thinking that such screaming colors will look perfectly on a guy like him. His eyes, however, I intentionally covered with reflective sunglasses, so that every viewer has to make his own thoughts about the situation. Concerning me I already know all about him, because he told me all his little secrets during the hours, I was painting him…

Instagram: @casagrandehelga

Email: helga.casagrande@gmail.com

Web: www.helgacasagrande.de

H. Casagrande

1. Magical Man (Hombre mágico)

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas 100 x 80 cm 2022

ESPAÑOL

El arte es mi alimento esencial del alma. Como siempre he tenido una gran pasión por el arte, no he podido escapar de la creación. En Bruselas, en 2005, cuando asistí por primera vez a cursos artísticos, tuve la revelación de mi vida al comprender mi verdadero potencial artístico, el deseo irresistible de desarrollarlo y el impulso de expresarse artísticamente. Desde entonces, he creado mi propio estilo artístico que es una mezcla de temas alegóricos, surrealistas, arte pop o pintura abstracta, simplemente un estilo de arte contemporáneo ciertamente influenciado por los diferentes países donde he vivido. Siempre trabajo según las inspiraciones y los sentimientos del momento, vinculados a un contexto sociocultural, histórico, sentimental o personal, más que por un pintor concreto. Mis obras reflejan mi espíritu independiente al utilizar colores vivos, ser perfeccionista, emplear materiales inéditos y desviarse de las técnicas de pintura tradicionales a las innovadoras. Los cuadros que aquí se presentan fueron creados con mi técnica mixta inventada denominada “Porcelana pintada y acrílico sobre lienzo” que combinaba dos materiales pintados completamente diferentes, la porcelana con el lienzo, para obtener cuadros inimitables, dando también paralelamente a la porcelana una nueva vida..

Espero que mis pinturas alegren su vida diaria y que disfruten viéndolas, tanto como yo disfruto creándolas...

ENGLISH

Belinha Silva

Art is my essential food of the soul. Having always had a huge passion for art, I couldn’t escape from creating. In Brussels, in 2005, when I attended for the first time artistic courses, I had the revelation of my life by understanding my real artistic potential, the irresistible desire to develop it and the punch to express myself artistically. Since then, I have created my own art style which is a mixture of allegorical subjects, surrealistic, pop art or abstract painting, simply a contemporary art style certainly influenced by the different countries where I have lived.

I always work according to the inspirations and feelings of the moment, linked to a socio-cultural, historical, sentimental or personal context, rather than by a specific painter. My artworks reflect my independent spirit by using vivid colours, being perfectionist, using unprecedented materials and deviating from traditional to innovative painting techniques.

The paintings presented here were created with my invented mixed technique named “Painted Porcelain and Acrylic on Canvas” that combined two completely different painted materials, porcelain with canvas, in order to obtain inimitable paintings, giving also in parallel to the porcelain a new life..

I hope that my paintings brighten up your daily life and that you enjoy viewing them, as much as I enjoy creating them…

Belinha Silva

Instagram: @belinhacreations

Email: belinhacreations@gmail.com

Web: www.belinhacreations.net / www.belinhacreations.com

1. Patinaje espacial (Space Skating) Porcelana Pintada y Acrílico sobre Lienzo / Painted Porcelain and Acrylic on Canvas 90 x 60 cm

2. Espacio Tango Bailando (Space Tango Dancing) Porcelana Pintada y Acrílico sobre Lienzo / Painted Porcelain and Acrylic on Canvas 60 x 90 cm

3. Vagando en el Espacio (Space Wandering) Porcelana Pintada y Acrílico sobre Lienzo / Painted Porcelain and Acrylic on Canvas 60 x 90 cm

MAGDA BETKOWSKA

(Polonia / Poland)

ESPAÑOL

Nací en Polonia y estudié educación artística en Bellas Artes, Facultad de Artes Gráficas en el Instituto de Educación Artística de la Universidad de Silesia en Polonia. Desde 2011 vivo en Suiza. Mis pinturas muestran la belleza de cada mujer con todas sus imperfecciones y sugieren al espectador que cada una de ellas puede ser quien quiera ser ya sea débil, vulnerable, tierna pero también fuerte, divertida, poderosa o con alma. La clave de su felicidad es la autoaceptación. Las expectativas de la sociedad no deberían determinar su valor e identidad. Creo la imagen de mi mujer a menudo con elementos de la naturaleza y con nociones femeninas relevantes de autoaceptación, amor y confianza. En mi pintura se puede ver la influencia del art decó o del mundo burlesco. También utilizo colores llamativos, como el rojo, el naranja, el rosa o el amarillo, para dar a la imagen toda la expresividad posible. Es mi forma de expresar el poder y la diversidad de la belleza en cada mujer.

Magda Betkowska

ENGLISH

I was born in Poland and I studied artistic education in Fine Arts, Faculty of Graphic Arts at the Institute of Art Education at the Silesian University in Poland. Since 2011 I have been living in Switzerland. My paintings show the beauty of every woman with all her imperfections and suggest to the viewer that each one of them can be who she wants to be whether it be weak, vulnerable, tender but also strong, funny, powerful or soulful. The key to her happiness is self-acceptance. Society’s expectations shouldn`t determine her value and identity. I create my woman’s image often with elements of nature and with relevant female notions of self-acceptance, love, and confidence. In my painting you can see the influence from art deco or from the burlesque world. I also use eye-catching colours as red, orange, pink, yellow to pack as much expression as possible into an image. It is my way of expressing the power and diversity of beauty in each woman.

Magda Betkowska

Instagram: @deco.bit7

Email: deco.bit7@gmail.com

Web: www.deco-bit.com

1. Ada - If there is no way, make it and go (Ada - Si no hay manera, hazla y vete)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

60 x 50 cm

2. Gwen - Friendship is another word for love (Gwen - La amistad es otra palabra para el amor)

Técnica mixta sobre papel / Mixed Media on the paper

40 x 30 cm

3. Johana - Don’t be scared to spread your wings and fly (Johana - No tengas miedo de desplegar tus alas y volar)

Técnica mixta sobre papel / Mixed Media on the paper

59,4 x 42 cm

ANNE FELICIE NICKELS (Suecia / Sweden)

ESPAÑOL

La artista sueca Anne Felicie Nickels, más conocida por sus esculturas de vidrio formadas en horno, comenzó su carrera artística en 2016. A través de años de investigación y práctica, Nickels ha adquirido un avanzado conocimiento y dominio de los procesos de trabajo en vidrio. Su obra de arte ha sido expuesta internacionalmente y publicada en varios libros y revistas de arte de todo el mundo. Ha sido premiada internacionalmente y representada por galerías de Europa y Estados Unidos.

“Siempre supe que quería ser artista, pero no fue hasta que descubrí el vidrio fundido que encontré mi verdadero núcleo. Lo que ocurrió fue que el vidrio me obligó a dejar de lado la perfección. Ya sabes, el compromiso es como una regla con el vidrio, ya que no puedes engañarlo ni forzar tu voluntad sobre él. Otro hecho es que sólo puedes imaginar cómo resultará tu obra de arte después de la cocción. Así que, sin duda, abrir el horno es el momento más emocionante de todos. La mayor parte de mi inspiración proviene del propio vidrio. Me encantan los retos técnicos que añaden otra dimensión al proceso creativo. En tu mente no sólo tienes que saber qué hacer, sino también cómo hacerlo. Este diálogo continuo entre la idea y el “cómo hacerlo” me resulta muy gratificante y es la clave de mi práctica. A partir de ahí, dejo que fluya hacia nuevas expresiones, como una evolución en la que una cosa lleva a la otra. Exploro otros medios, pero aun así, el vidrio es el origen de todo”.

Anne Felicie Nickels

ENGLISH

Swedish artist Anne Felicie Nickels, best known for her kiln-formed glass sculptures, started her artistic career in 2016. Through years of research and practice, Nickels has gained an advanced understanding and mastery of glasswork processes. Her artwork has been exhibited internationally and published in several art books and magazines around the world. She has been awarded internationally and represented by galleries in both Europe and USA.

“I always knew I wanted to be an artist, but it was not until I discovered fused glass, that I did find my true core. What happened was that the glass forced me to let go of perfection. You know, compromising is like a rule with glass since you cannot fool it or force your will up on it. Another fact is, that you can only imagine how your art piece will turn out after firing. So, for sure, to open the kiln is the most exciting moment of all.

I gain most of my inspiration from the glass itself. I love the technical challenges which add yet another dimension to the creative process. In your mind you need not only to know what to do, but also how to do it. I find this ongoing dialog between the idea and ‘how to’, most rewarding and it is the key to my practice. From there I let it flow into new expressions, like an evolution where one thing leads to another. I explore other mediums but still, the glass is the origin of it all.”

Anne Felicie Nickels

Instagram: @anneihunneberga

Email: anneihunneberga@outlook.com

Web: www.konstihunneberga.com

Facebook: Konst i Hunneberga

1. Lost Fish Rectangular (Pez Perdido Rectangular) Vidrio fundido / Fused Glass 35 x 15 x 1,8 cm

RAYA (HWAJEONG LEE)

(South Korea / Corea del Sur)

ESPAÑOL

Durante muchos años he vivido en un “cuerpo femenino a contracorriente del sistema patriarcal”. Con el tiempo me di cuenta de que la clave decisiva para la creatividad y la verdadera libertad de la existencia humana era la combinación de la feminidad y la masculinidad. Me gustaría realizar la “unidad sagrada” de la espiritualidad y la sexualidad en mi vida diaria a través del entrenamiento del “Movimiento Somático” y la “Respiración Holotrópica”.

Ahora sé que la vida misma es un “Ritual”. Soy una artista que encarna la armonía de la espiritualidad y la sexualidad en esta tierra a través de mis pinturas.

Raya (HwaJeong Lee)

ENGLISH

For many years I have lived in a ‘female body against the grain of the patriarchal system. Eventually I realized that the decisive key to the creativity and true freedom of human existence was the combination of femininity and masculinity. I would like to realize the ‘sacred unity’ of spirituality and sexuality in my daily life through the training of “Somatic Movement” and “Holotropic Breathwork”. I know now that life itself is a “Ritual”. I am an artist who embodies the harmony of spiritually and sexuality on this earth through my paintings.

Raya (HwaJeong Lee)

Instagram: @he.raya906

Email: jol1007@daum.net

1. ’Vagina Freedom’ in the world of patriarchy (La libertad de la vagina en el mundo del patriarcado)

Óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas

50 x 50 cm

2. A sacred union that already exists (Una unión sagrada que ya existe) Óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas

44 x 32 cm

3. Eye of the Typhoon (El ojo del tifón) Óleo sobre lienzo / Oil painting on canvas 65 x 53 cm

Instagram: @miwa.mi8

Email: tora.1030@icloud.com

MIWA (Japón / Japan)

(perfecto imperfecto) mi alma perfecta Buscando la verdadera libertad la felicidad incierta Sin saberlo, me siento libre imperfecto yo

Empecé a dibujar como un hobby Un yo imperfecto ve un mundo imperfecto. ¿Qué puede hacer la humanidad a través del arte?

Pienso

La oscuridad del corazón imperfecto de un ser humano perfecto me llega al corazón y convierte mi arte en un mensaje.

Amo mi yo imperfecto

Siento que tengo todas las respuestas

Un poco de energía de amor llega a tu corazón

Que te contraten para un gran proyecto Muchas gracias

Muchas gracias

Miwa ENGLISH

(perfect imperfect) my perfect soul Seeking true freedom uncertain happiness

Unknowingly, I feel free imperfect me

I started drawing as a hobby. An imperfect me sees an imperfect world. What can humanity do through art?

I think

The darkness of the imperfect heart of a perfect human being

It touches my heart and turns my art into a message.

I love my imperfect self

I feel like I have all the answers.

A little love energy reach your heart

Get hired for a great project

Thank you very much.

Thank you very much.

Miwa

1. Perfect and incomplete (Perfecto e incompleto)

Acuarela y acrílico sobre papel / Watercolor and acrylic on paper

21 x 29.5 cm

CHARLOTTE KERSWILL

(Reino Unido / United Kingdom)

ESPAÑOL

Formación artística: Realizó el GCSE durante 2 años. Volvió al arte a los veinte años como autodidacta.

Reseña biográfica:

Mi arte fusiona el retrato editorial y la profundidad de expresión, trabajando principalmente en acrílico blanco y negro para enfatizar las luces de contraste e iluminar la definición. Me gusta crear declaraciones con mi arte de desnudo en blanco y negro, mostrando una pasión por la forma en que un cuerpo puede abrazar las emociones, devolviendo el sentimiento, el fervor, la libertad y la indulgencia que deberíamos tener y encarnar.

Recientemente me he adentrado en los retratos en color y he desarrollado un interés por los ricos tonos de piel y sigo centrándome en nuestros sentidos humanos y en las sensaciones que experimentamos a través de la expresión y el tono del color.

Charlotte Kerswill

ENGLISH

Artistic Training: Taken as GCSE for 2 years. Returned to art in early twenties as self-taught.

Biographical Review:

My art merges editorial portraiture and depth of expression, working mostly in black and white acrylic to emphasise contrasting lights and illuminate definition. I like to create statements with my black and white nude art, showing a passion for the way a body can embrace emotions, bringing back the feeling, the fervour, freedom and indulgence that we should have and embody.

Recently delving into colour portraits, I developed an interest in rich skin tones and continue to focus on our human senses and sensations we experience through expression and tone of colour.

Charlotte Kerswill

Instagram: @cvkartstudio

Facebook: @cvkart

Email: info@charlottekerswill.com

Web: www.charlottekerswill.com

1. Human (Humano)

Acrílico sobre lienzo con borde de hoja de plata. Acabado en resina epoxi / Acrylic on Canvas with silver leaf edging. Epoxy resin finish

92 x 61 cm

2021

AARON SANTOS BOYD-ROCHMAN (AROCKINMAN) (Filipinas / Philippines)

ESPAÑOL

Soy casi totalmente autodidacta, excepto por algunas clases de arte en escuelas públicas e instituciones de arte en la adolescencia. Además, soy un profesional de la salud con años de experiencia en servicios sanitarios y humanos. He trabajado con diferentes conjuntos de personas con necesidades especiales como LGBTQ+, personas que viven con VIH/SIDA, enfermos mentales y personas sin hogar. Tengo un máster en Gestión de la Salud de la Población por la Universidad Johns Hopkins.

Mi trabajo es una exploración y una fusión de lo que soy como artista y como persona. Aprender a sentirme cómodo con la incertidumbre es mi objetivo como artista y como persona que se mueve por este mundo.

Me encantan las múltiples dualidades que evoca mi obra: quietud y movimiento, estructura y entropía, orden y caos, consuelo e incertidumbre y objetos naturales creados a partir de otros fabricados por el hombre. Mi proceso creativo conduce a las formas orgánicas que evocan mi obra. Utilizo objetos desechados y pasados por alto y los transformo en algo bello; es inesperado y divertido: hago cosas artísticas a partir de otras cosas.

Aaron Santos Boyd-Rochman (arockinman)

ENGLISH

I am almost entirely self-taught except for a few public school art classes and art institutions in adolescence. In addition to this, I am a healthcare professional with years of experience in health and human services. I have worked with different special needs populations such as LGBTQ+, people living with HIV/AIDS, the mentally ill, and the homeless. I hold a master’s degree in Population Health Management from Johns Hopkins University.

My work is an exploration and coalescing of who I am as an artist and as a person. Learning to be comfortable with uncertainty is my goal both as an artist and as a human moving through this world.

I love the multiple dualities my work evokes: stillness and movement, structure and entropy, order and chaos, solace and uncertainty, natural objects created from human-made ones. My creative process leads to the organic forms my work evokes. I use discarded and overlooked objects and transform them into something beautiful, unexpected, and fun - I make art stuff from other stuff.

Instagram: @arockinman

Email: arockinman@gmail.com

Web: arockinman.art / artrepreneur.com/p/arockinman

Aaron Santos Boyd-Rochman (arockinman)

1.

Whirl (Remolino)

Palillos de dientes Montado en tablero de lona / Toothpicks Mounted on canvas board 46 x 38 x 9 cm

2. Sway (Vaivén)

Palillos de dientes Montado en tablero de lona / Toothpicks Mounted on canvas board

41 x 33 x 9 cm

3. Hurry (Date prisa)

Palillos de dientes Montado en tablero de lona / Toothpicks Mounted on canvas board 46 x 38 x 9 cm

ENZO (MINORU TANAKA) (Japón

/ Japan)

ESPAÑOL

“Quiero que el arte sea más accesible y fácil de disfrutar para todos”. Con eso en mente, de alguna manera linda, un poco surrealista y con una historia, creo obras tridimensionales que se pueden disfrutar desde cualquier ángulo.

Independientemente de la edad, quienes hayan visto la obra pensarán en la historia con ideas libres, espero que la disfruten.”

ENZO (MINORU TANAKA)

ENGLISH

“I want art to be more accessible and easier for everyone to enjoy.” With that in mind, somehow cute, a little surreal and with a story, I create three-dimensional works that can be enjoyed from any angle.

Regardless of age, those who have seen the work will think of the story with free ideas, I hope you enjoy it.”

ENZO (MINORU TANAKA)

Instagram: @ant_plus_enzo

Email: enzomaruta@yahoo.co.jp

1. Green pepper Zombie (Pimiento verde Zombie)

Arcilla de modelado de piedra, pintura acrílica / Stone modeling clay, acrylic paint

6.4 x 9.8 x 7.4 cm cada uno / each 2022

TAKAMASA TAKAI (Japón

/ Japan)

ESPAÑOL

Nací en Hiroshima, el 30 de mayo de 1979. Me gradué en la Universidad de Artes de Osaka. Soy miembro de la Asociación de Arte Moderno.

La producción de mi obra se hace de manera particular: cuelgo un lienzo del techo y dibujo mirando hacia arriba. De esta manera, la pintura al óleo colgaba como carámbanos y se endurecía. El resultado es que la piel del lienzo se vuelve afilada. Llamo a esta forma de crear “Gravitacionalismo”.

Mi obra expresa las emociones humanas. En resumen, es una pasión. No pienso en nada mientras estoy creando una obra de arte. Sólo me enfrento a la obra. Entonces la idea aparece a través de las manos.

ENGLISH

Takamasa Takai

I was born in Hiroshima, on May 30,,1979. I graduated from Osaka University of Arts. I am a friend of the Modern Art Association. The production of my work is made in a particular way: I hung a canvas from the ceiling and I drew while looking up it, so oil paint hangs down like icicles and hardens.

As a result, the canvas skin is sharp. I call this way of painting “Gravitationalism”. My work expresses human emotions, it’s a passion. I don’t think about anything while I am creating artwork. I only face the piece, then ideas will appear through hands.

Email: ssmmtthh5380@gmail.com

Takamasa Takai

1. e.g.g Pintura al óleo / Oil painting

130.3 x 162 cm

JOHN BACON

(Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

John Bacon nació en Coeur d’ alene (Idaho) en 1951. Tras licenciarse en medicina, ejerció como cirujano ortopédico durante 30 años. Hace seis años, y con la insistencia de su esposa Claire, empezó a pintar cuadros abstractos. A través de la práctica y la experimentación, desarrolló su propio estilo.

Ahora es un pintor internacional, y sus cuadros se caracterizan por el uso del color y el movimiento para crear energía e interés en sus pinturas. Su objetivo es atraer al espectador hacia el cuadro por el impacto general de la pintura y por la observación posterior para ver los detalles.

ENGLISH

John Bacon was born in Coeur d’ alene, Idaho in 1951. After receiving a medical degree, he practiced orthopedic surgery for 30 years. Six years ago at the urging of his wife Claire, he began to paint abstract paintings. Through practice and experimentation, he developed his own unique style.

Now he is an international painter. John’s paintings are characterized by the use of color and movement to create energy and interest in his paintings. His goal is to draw the viewer into the painting by the painting’s overall impact and on further observation to see the detail.

Instagram: @baconabstractart

Email: johnwb67@gmail.com

1. State Of Disbelief (Estado de incredulidad) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas 145 x 112 cm

2. The Crowd (La multitud) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas 145 x 112 cm

3. Self Reflection (Reflejo de sí mismo) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas 145 x 112 cm

ELAINE “ELLIE” MCBRIDE (Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

Elaine es una artista autodidacta con sede en White River Junction, Vermont. Dirige un pequeño negocio en línea que vende sus obras en todo Estados Unidos.

“Si tu imaginación se desborda, eres un soñador y te fascinan las posibilidades que te rodean, entonces te llevaré a un nuevo mundo. Mi pasión es crear obras de arte etéreas, surrealistas y que invocan la memoria. Mostrarte visiones de ensueño, cultivar la sensación de magia y retratar lugares que no son del todo reales. Encontrar la conexión entre la energía que se ve y la que no se ve de nuestra mente, corazón y alma. Encender la maravilla infantil que todos llevamos dentro.”

ENGLISH

Elaine is a self-taught artist based out of White River Junction, Vermont. She runs a small online business selling her work throughout the United States.

“If your imagination runs wild, you’re a dreamer, and are fascinated with the possibilities around you, then I will take you into a new world. My passion is to create memory invoking, ethereal, surrealistic artwork. Showing you dreamy visions, cultivating the feeling of magic, and portraying places that are not quite reality. Finding connection between the seen and unseen energy of our mind, heart and soul. Igniting the childlike wonder within us all.”

Elaine

McBride

Instagram: @emcbartwork

Email: emcbartwork@gmail.com

Elaine “Ellie” McBride

“Ellie”

1. Pure Imagination (Imaginación Pura)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

76.2 x 76.2 cm

2022

TUNA ÖZKARAGÖZ (Turquía / Turkey)

ESPAÑOL

La artista multidisciplinar Tuna Özkaragöz nació en Estambul en 1997. Creció rodeada de arte, especialmente de pintura. Estudió diseño de comunicación visual y cine y televisión. Tras su graduación, trabajó en diseño e ilustración durante un tiempo antes de pasarse a la creación de arte digital y tradicional. Su obra representa la psicología de su vida personal y las relaciones humanas en su estilo único, exagerando la forma humana para fusionar las percepciones reales e imaginarias de la mente en un solo concepto.

ENGLISH

Multidisciplinary artist Tuna Özkaragöz was born in Istanbul in 1997. She grew up surrounded by art, especially painting. She studied Visual Communication Design as her major and Film and Television as her minor. After graduation she worked in design and illustration for a short while before switching to digital and traditional art. Her work represents her personal life psychology and human relations in her unique style; exaggerating the human form to merge both the real and imaginary perceptions of the mind into one concept.

Instagram: @tuna.ozkaragoz

Email: tunippy2118@gmail.com

1. Rouge

Óleo sobre lienzo / Oil on canvas

150 x 100 cm

2022

MARIE-GHISLAINE BEAUCÉ

(Francia / France)

ESPAÑOL

Nacida en Francia en 1951, Marie-Ghislaine Beaucé estudió dibujo al natural, escultura, historia del arte, diseño de interiores, pintura y se involucró en proyectos creativos personales en la Ecole Des Beaux Arts de Nantes, muy influenciada por el diseño de la Bauhaus; por esta razón, su obra se basa en la abstracción. Durante sus estudios, se inspiró en el artista textil catalán Grau-Garriga tras visitar una de sus exposiciones de tapices y entonces dedicó su investigación a la creación de diseños destinados a su arte textil. Vivió en Londres desde finales de la década de 1980, y tuvo muchos años de experiencia como artesana y asesora de color en el diseño de interiores. Es miembro del Grupo Textil Contemporáneo Phoenix desde 2016 y participó en varias exposiciones.

“Los colores juegan un papel muy importante en mi vida; para mis últimas piezas la inspiración viene de la representación de las técnicas de tejido y de la superposición de formas abstractas en colores contrastados, el objetivo era lograr una ligera impresión de profundidad o relieve al conjunto y compensar el fuerte diseño estructural del fondo; los detalles borrosos buscan la creación de un espacio amplio y misterioso; la habilidad en el equilibrio de los golpes aleatorios y las formas ordenadas en relación con los demás, la maraña de colores oscuros fuertes y claros pretenden crear un efecto óptico visual colorido.“

Marie-Ghislaine Beaucé

NOTA: Retrato de la artista hecho por Ieva Gabryte

ENGLISH

Born in France in 1951, Marie-Ghislaine Beaucé studied life drawing, sculpture, arts history, interior design, painting and was involved in personal creative projects at Ecole Des Beaux Arts in Nantes, greatly influenced by the Bauhaus design; for this reason her work is based on abstraction; during her studies, she was inspired by the Catalan textile artist Grau-Garriga after visiting one of his tapestry exhibitions and then dedicated her research to the creation of designs intended for her textile art. By living in London since the late 1980s, she has now many years of experience as an artisan and color advisor in interior design. She has also been a member of the Phoenix Contemporary Textile Group since 2016 and participated in several exhibitions.

“Colors play a very important role in my life; for my latest pieces, the inspiration came from the representation of weaving techniques and layering abstract shapes in contrasting colors, the aim was to achieve a slight impression of depth or relief to the ensemble and to offset the strong structural design of the background; the blurred details seek the creation of a broad and mysterious space; the skilfulness in balancing random strikes and orderly shapes in relation with each other, the tangle of dark strong and light colors aim to create a colorful visual optical effect.”

NOTE: Portrait of the artist made by Ieva Gabryte

Instagram: @mariegbeauce

Web: www.marieghislainebeauce.weebly.com

Marie-Ghislaine Beaucé

1. Tissage 3

Tejidos mixtos / Mixed fabrics

101 x 101 cm

Photo Econelab

2. Tissage 2

Tejidos mixtos / Mixed fabrics

107 x 107 cm

Photo Econelab

3. Mali Tejidos mixtos / Mixed fabrics

102 x 91 cm

Photo Marie-Ghislaine Beaucé

ESPAÑOL

Sascha Huth aka ad.inf es un artista multidisciplinar de Múnich, Baviera. Al ser también ingeniero de sonido en directo, está familiarizado con la ejecución estructurada en medio del caos y se le da bien improvisar. Estas son características útiles para un artista autodidacta con una variedad de enfoques e influencias que intenta abrirse camino en la escena artística. “Normalmente, confío en mis instintos, sintonizo y sigo el flujo creativo, que me conecta con mi niño interior. Tengo una gran preferencia por las texturas, las estructuras y los patrones. La mayoría de mis piezas son composiciones abstractas centradas en esta fábula personal. Mi serie de “deconstrucciones digitales” combina contenidos de texturas procesadas a partir de fotos de la naturaleza, principalmente. El material se organiza en múltiples capas que se superponen y se edita utilizando una técnica sustractiva de borrado de áreas dentro de éstas. A medida que las estructuras y los fragmentos comienzan a brillar, los patrones se fusionan para revelar mundos surrealistas, en ocasiones con un toque psicodélico. Esta fusión da paso a la multidimensionalidad, mezclando lo natural y lo artificial, lo analógico y lo digital, y permitiendo que las distinciones se difuminen. Es un juego con diferentes niveles de realidad y con la percepción e imaginación del espectador”. ad.inf

ENGLISH

Sascha Huth aka ad.inf is a multidisciplinary artist from Munich, Bavaria. Being a live sound engineer as well, he is familiar with performing structured in the midst of chaos and is good at improvising. These are useful characteristics for an autodidact artist with a variety of approaches and influences attempting to pave his way in the art scene.

“Normally, I trust my instincts, tune into and follow the creative flow that connects me to my inner child. I have a strong preference for textures, structures, and patterns. Most of my pieces are abstract compositions centered around this personal fable. My series of “digital deconstructions” combines processed texture content from mostly nature photos. The footage is organized into multiple layers that overlap and is edited using a subtractive technique of erasing areas within these. As structures and fragments begin to shine through, the patterns merge to reveal surreal worlds, on occasion with a psychedelic touch. This fusion leads the way into multidimensionality, mashing up natural and artificial, analog, and digital, and allowing distinctions to become blurred. It is a play with different levels of reality and with the viewer’s perception and imagination.“

ad.inf

Instagram: @_ad.inf_

Email: adinf@senseonfaders.com

Web: senseonfaders.com/adinf

Obra de arte digital / Digital artwork

3000 x 3000 px

1. Decaying skin of wood (Piel de madera en descomposición)

2.

Obra de arte digital / Digital artwork

3000 x 3000 px

Sparkling storm of water (Tormenta de agua brillante)

Obra de arte digital / Digital artwork

3000 x 3000 px

3. Patterned piece of rock (Pedazo de roca estampada)

RAFIUR RAHMAN C (Bangladesh)

ESPAÑOL

Soy ingeniero de software de automoción de profesión. Soy originario de Bangladesh, pero actualmente vivo y trabajo en Alemania. Me trasladé a Alemania para cursar un máster en ingeniería de la comunicación después de terminar mi licenciatura en ingeniería eléctrica y electrónica en mi país. Desde mi infancia siempre me ha gustado el arte y la pintura. No tengo ningún título profesional en Arte ni ninguna formación artística. Sin embargo, siempre me siento cómodo y tranquilo pintando. Por eso nunca dejo de pintar en ningún formato. Creo que cuando amamos algo, aunque no seamos buenos en ello, debemos seguir haciéndolo. Desde hace un par de años me dedico a la pintura abstracta. Aprendí por mi cuenta después de investigar mucho sobre este medio con otros artistas en Internet. Siempre que quiero descansar de mi ajetreada vida, cojo la pintura y el pincel e intento expresar mis sentimientos en el lienzo. La mayoría de las veces pinto para mí, pero también para mi familia y mis amigos. Lo hago para mi propia satisfacción, pero siempre tengo el sueño de convertirme en un artista de éxito.

Razón de mi trabajo:

A veces, cuando amas a alguien y no puedes expresar lo suficiente, pero incluso después de que sus sentimientos no va a conseguir una vida. Entonces los sentimientos de corazón roto y la tristeza, que contendrá una carga de emociones mezcladas que se pueden expresar en colores. Porque creo que no sólo el color negro puede representar la tristeza. El sentimiento de tristeza será algo más que eso. Es posible que tengamos que encontrar la positividad de todos los aspectos negativos de esta situación. Por eso, en mi arte expreso el color de la tristeza de nuestra mente, corazón y alma.

Rafiur Rahman C

ENGLISH

I am an Automotive SW Engineer by profession. Originally from Bangladesh, but currently I am staying and working in Germany. I moved to Germany to pursue my master’s in communication engineering after finishing my bachelors in electrical and Electronics Engineering from my country. From my very childhood I was always into art and painting. I do not have any professional degree in Art or any artistic training. However, I always feel comfort and peace in painting. That is why I never stop painting in any format. I believe when we love something to do even if you are not good at it, we should continue to do so. I got into abstract painting in the last couple of years. I taught myself after researching a lot in this medium from other artists on the internet. Whenever I want to take a break from my busy life, I just pick up my paint, brush and try to express my feelings on the canvas. Mostly I am painting for my own, also for my family & friends. As I am doing it for my own satisfaction, but I always have a dream of becoming a successful artist.

Reason of my work:

Sometimes when you love someone and cannot express enough, but even after that your feelings will not get a life. Then the feelings of brokenheartedness and sadness, that will contain a load of mixed emotions which can be expressed in colors. Because I believe not only the color black can represent sadness. The feeling of sadness will be something more than that. We may need to find out the positivity from all the negative aspects of this situation. That is why, in my art I express the color of sadness of our mind, heart, & soul.

Rafiur Rahman C

Instagram: @abstract_users

Email: abstractusers.rafi@gmail.com

1. The Color of Sadness (El color de la tristeza)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on Canvas

40 x 30 cm 2022

NAJI JAMIL ZEAITER (Líbano

/ Lebanon)

ESPAÑOL

Soy Naji Jamil Zeaiter de Líbano, Baalbek. Me licencié en Derecho en la Universidad del Líbano, pero nunca me sentí abogado. Siempre me ha apasionado cualquier tipo de arte visual. Justo después de mi graduación, me matriculé en una academia de maquilladores en Beirut y me dediqué durante más de 5 años al mundo del maquillaje artístico. Mientras trabajaba en este campo, descubrí también mi pasión por la moda, por lo que me inscribí en la escuela francesa de moda ESMODE en Beirut y trabajé en este campo durante mucho tiempo, durante el cual sentí una fuerte atracción por los colores, los patrones y las texturas. Hace cinco años me trasladé a Barcelona porque esta ciudad es un centro de arte y se encuentra arte en cada esquina. Desde el estallido del COVID-19 en 2020, y los varios encierros que viví en Barcelona, empecé a sentir una conexión con la pintura por lo que me pasaba los días viendo y leyendo sobre pintura abstracta. Durante este tiempo, me dí cuenta que tenía buena mano en el trabajo con los colores y las texturas; esto fue el resultado de mi formación en maquillaje y moda. La pintura se convirtió para mí en una vía de escape y me hizo tomar conciencia de mi creatividad como forma de expresión. Tras el último encierro en Barcelona, decidí llevar mi creatividad a un siguiente nivel y comencé a aprender y experimentar la pintura en la Escuela de Arte Espai D’art. La pintura se convirtió en un impulso creativo que siempre estuvo conmigo -desde que era joven-, pero antes no sabía cómo explotar este potencial; ahora puedo decir que estoy en camino de convertirme en artista.

Naji Jamil Zeaiter

ENGLISH

I am Naji Jamil Zeaiter from Lebanon, Baalbek. I earned my B.A in Law at the Lebanese University, however, I never felt like a lawyer. I have always had a passion for any kind of visual art. Right after my graduation, I enrolled in a make-up artist academy in Beirut and I dedicated more than 5 years to the artistic makeup world. While working in this field, I discovered also my passion for fashion thus, I enrolled in the ESMODE French school for fashion in Beirut and I worked in this field for a long time during which I felt a strong attraction towards colors, patterns, and textures.

Five years ago I moved to Barcelona because this city is a hub for art and you find art in every corner.

Since the COVID-19 outbreak in 2020, and the several lockdowns that I experienced in Barcelona, I started to feel a connection with painting, so I spent my days watching and reading about abstract painting. During this time, I have noticed that I had a good hand working with colors and textures; this was as a result of my make-up and fashion background. Painting became for me a way of escape and made me aware of my creativity as a way of expressing myself. After the last lockdown in Barcelona, I decided to take my creativity to a next level and I started learning and experimenting with painting in the Espaidart School of Art. Painting became a creative impulse which was always with me since I was young, however, I did not know how to exploit this potential. Now I can say that I am on my way to becoming an artist.

Naji Jamil Zeaiter

1.

Cuerpo Desgarrado (Torn Body)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

67 x 87 cm

2. Línea de Amor (Love Line)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 76 x 63 cm

3. My Garden (My Garden)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 100 x 100 cm

/ Palestine)

BARAA DWAKAT (Palestina

ESPAÑOL

Baraa Dwakat, madre de tres hijos, apasionada artista palestina, estudió bellas artes en la Universidad de An-Najah, nació en NablusPalestina y se trasladó a los Estados Unidos en 2018.

“Tengo el impulso de crear mis pinturas por el color y la belleza. Encontré confort y consuelo en el arte.

Mi sueño es presentar mi arte a todo el mundo para dar a la gente la oportunidad de probar la felicidad y la belleza.”

Baraa Dwakat

ENGLISH

Baraa Dwakat, mother of three kids, passionate Palestinian artist, studied fine arts at An-Najah University, was born in NablusPalestine and moved to the United States in 2018.

“I am driven to create my own paints for color and beauty. I found comfort and solace in art.

My dream is to present my art to the whole world to give people the opportunity to taste happiness and beauty.”

Baraa Dwakat

Instagram: @baraa.art91

Email: Baraa.dwakat@gmail.com

1. Dryness in the depth of coral (La sequedad en la profundidad del coral) Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 25 x 25 cm

STELLA PFEIFFER

(Suiza / Switzerland)

ESPAÑOL

“Trabajando con instalaciones y dibujos específicos para diferentes locaciones, Stella Pfeiffer explora la espacialidad de su entorno y los diversos soportes que utiliza. Constantemente ejecuta nuevas formas abstractas, utilizando recortes, lápiz, tinta y, en parte, carbón, que se apoderan completamente del fondo blanco.

Juega con las superficies, dotándolas de protuberancias y rebajes, al tiempo que experimenta con la tridimensionalidad y el reflejo de la luz. De este modo, consigue añadir una identidad dinámica y personal a sus obras. Varias tonalidades de negro y gris se entrelazan o se acercan en sus lienzos o superficies de papel de diferentes tamaños. Tanto en los formatos pequeños como en sus instalaciones ambientales, Pfeiffer se centra en crear experiencias en las que el espectador pueda sumergirse y perderse por completo. Surge un resultado visual personal, ya que la percepción del espectador se involucra directamente, canalizándose eficazmente a través de cada trazo y forma.”

Texto de Valentina Stella, Italia

ENGLISH

“Working with site-specific installations and drawings, Stella Pfeiffer explores the spatiality of her given surroundings and the various supports she uses.

She constantly executes new abstract shapes using cut-outs, pencil, ink and partly with charcoal that completely take over the white background.

She plays with surfaces, giving them bumps and recesses, while experimenting with tri dimensionality and light reflection at the same time. By doing so, she is able to add a dynamic and personal identity to her artworks. Various shades of black and gray are intertwined or placed close together on her canvas or paper surfaces of different sizes. In small formats as well as in her environmental installations, Pfeiffer focuses on creating experiences in which the spectator can dive in and get lost completely. A personal visual outcome emerges as the viewer’s perception gets directly involved, efficiently channeled through every stroke and shape.”

Text by Valentina Stella, Italy

Instagram: @stella.pfeiffer

Email: stella.pfeiffer@bluewin.ch

Web: www.stellapfeiffer.ch

Fotografía retrato (Portrait photo): Roberto Conciatori

Fotografía

de obra (Artwork photo): Stella Pfeiffer

De la serie de trabajo Kreise ziehen - Konstellation / From the working series Kreise ziehen - Konstellation

Obra en curso / Work in progress.

Dibujo, Instalación / Drawing, Installation

Forma y tamaño variados / Form and Size variable

Tinta sobre papel chino y lienzo / Ink on Chinese paper and canvas

2021

NOTA (NOTE): Vista de la exposición B74 Raum für Kunst, Lucerna 2021, Suiza.

Tamaño del espacio: 70 m2, Altura de la sala: 3,2 m (Exhibition view B74 Raum für Kunst, Luzern 2021, Switzerland

Space size: 70 m2, Room height: 3,2 m)

1. Kreise ziehen - Konstellation Nr. 1

CHANG, YI-CHEN 張伊辰 (Taiwán

/ Taiwan)

ESPAÑOL

Fecha de nacimiento: 5 de julio de 1988, Taiwán.

Se graduó en la escuela secundaria Longtan. La mayoría de las obras son dibujo, y tratan del cuidado del alma y el cuidado de las cuestiones sociales, La mayoría de las obras son pinturas con pigmentos acrílicos, y también hay pinturas digitales. La intención de la creación de sus obras es guiarnos hacia la energía positiva y la bondad. Al realizar pinturas quiere que la gente se sienta feliz y experimente momentos inesperados. Participó en M.A.D.S., una galería de arte de realidad mixta digital 7.0 El tema de la exposición: 2022 Yellow. Quedó entre los finalistas de la exposición 2022 NFT Art Revolution Taipei.

ENGLISH

Date of Birth: July 5, 1988, Taiwan.

He graduated from Longtan High School. Most of his works are drawings, that speaks about caring for the soul and caring for social issues,

Most of the works are fluid paintings with acrylic pigments, and there are also digital paintings. The intention of creating these artworks is to lead us towards positive energy and kindness. Making fluid paintings is for making people feel happy and experiencing unexpected moments. He participated in M.A.D.S. the digital mixed reality art gallery 7.0 with the Exhibition theme: 2022 Yellow. He was also a finalist in the 2022 NFT Art Revolution Taipei.

Instagram: @sea1.68

Email: hdjagu322@gmail.com

1. (Greenhouse effect), global warming, rising seas flooding forests. / (Efecto invernadero), el calentamiento global, el aumento del nivel del mar inundando los bosques

45,5 x 38 cm

2022

LUCREZIA GIACOMETTI

(Italia / Italy)

ESPAÑOL

Lucrezia Giacometti, nacida el 2 de septiembre de 1995 en Bagno a Ripoli y residente en Florencia, Italia. Descubrió su pasión por el arte desde una edad temprana, una pasión que acompañó su crecimiento. Se graduó en el Instituto de Arte y obtuvo dos títulos, uno de tres años en Artes Visuales - Pintura y otro de dos años en Artes Visuales y Nuevos Lenguajes Expresivos - Pintura, en la Academia de Bellas Artes de Florencia, generando así una carrera artística enriquecida por las constantes experiencias relacionadas con este sector. Su investigación artística representa la constante observación del camino introspectivo de ella misma y de los individuos de la sociedad, determinado por las circunstancias que viven en la vida cotidiana, expresado a través de los fuertes matices de color y las marcadas vetas que manifiestan las emociones contrastantes que se esconden en cada una de ellas. En su obra, perteneciente al ciclo “Mentes libres... AHORA!” representa a un individuo sin rostro, que en el cuello lleva una etiqueta con la inscripción “INFERIORIDAD”, término que condiciona y lleva a desvalorizar al mismo; al mismo tiempo, surge una fuerza arrolladora, exaltada por el color amarillo (símbolo de los derechos humanos) y la palabra “IGUALDAD” representada además por un juego de manos que protege y saca al individuo de esa limitación que supone la “etiqueta”. El título “Mentes libres... AHORA!`` Es un grito de justicia hacia la LIBERTAD y el RESPETO que corresponde a todo ser humano, para poder llevar una vida serena y pacífica. Compartir y ayudarse mutuamente es el primer paso para obtener estos Derechos.

ENGLISH

Lucrezia Giacometti, born on September 2, 1995 in Bagno a Ripoli and living in Florence, Italy, discovered her passion for art from an early age, a passion that accompanied her growth. She graduated from the Art Institute and obtained two degrees, a three-year degree in Visual Arts - Painting and a two-year degree in Visual Arts and New Expressive Languages - Painting, at the Academy of Fine Arts of Florence, thus generating an artistic career enriched by constant experiences related to this sector. Her artistic research represents the constant observation of the introspective path of herself and of the individuals of society, determined by the circumstances that live in daily life, expressed through the strong shades of color and the marked streaks that manifest the contrasting emotions that are hidden in each of them. In her artwork, belonging to the cycle “Free Minds... NOW!” , represents an individual without a face, on the neck it bears a label with the inscription “INFERIORITY” term that conditions and leads to devalue the same; at the same time, an overwhelming force comes out, exalted by the yellow color (always symbol of human rights) and the word “EQUALITY” represented further by a set of hands that protects and removes the individual from this limitation that the “label”. The title “Free Minds... NOW!” is a cry of justice towards FREEDOM and the RESPECT that belongs to every human being, in order to be able to lead a serene and peaceful life. Sharing and helping each other is the first step to obtaining these Rights.

Instagram: @lucre.g.art

Facebook: Lucre.g.art

Email: lucchy95@hotmail.it

Acrílico, alcohol y tinta

100 x 70 cm

2022

1. Free Minds...NOW! II (Mentes Libres…iAHORA! II)

sobre lienzo / Acrylic, alcohol and ink on canvas

TARYN JAHME

(Reino Unido / United Kingdom)

ESPAÑOL

Swanky, excéntrico y original: tres adjetivos que describen mejor las obras de arte de la artista inglesa Taryn Jahme, ricas en colores vibrantes, temas lúdicos y composiciones abstractas de flores, animales y formas geométricas. Taryn vive en Londres y escribe libros infantiles que cultivan la pasión por el té enseñando su historia a sus alumnos más jóvenes. Por encima de todo, pinta teteras muy especiales que capturan momentos históricos de lugares de todo el mundo.

Pintadas con óleos Winsor & Newton y pan de oro de 24 quilates, las obras de Taryn se inspiran en las experiencias de su infancia y en su colección de cuadros. El padre de Taryn tenía una granja de té, donde ella aprendió todo sobre la belleza del té y empezó a crear obras de arte sobre él desde los siete años. Expuesta sobre un fondo negro brillante, la obra de Taryn destaca por sus detalles cromáticos y la vívida representación del glamour y las formas delicadas, cuadradas, redondas y suaves, con temas de arte pop y composiciones abstractas.

El verdadero lienzo de Taryn es la propia tetera, donde se originan las historias y los temas de todos sus cuadros. Mezcla los colores para crear una experiencia sintética, concreta y completa, que nos recuerda la importancia de todos los acontecimientos que reúnen a la gente, y los pretextos que utilizamos cuando queremos ver a los que amamos. Taryn plasma esta tradición con algo muy querido para ella: una buena taza de té.

“Siento que tal vez mi intuición me llevó a hacer estas obras de arte a partir de mi profunda pasión por el té y por cómo reúne a personas de todo el mundo, donde disfrutar del té es un ritual dentro de millones de hogares en todo el mundo.”

Taryn Jahme

ENGLISH

Swanky, eccentric, and original – three adjectives to best describe the artwork of the English artist Taryn Jahme, which is rich in vibrant colours, playful themes, and abstract compositions of flowers, animals, and geometric shapes. Taryn lives in London and writes children’s books which cultivate a passion for tea by teaching its history to her younger students. Above all else, she paints very special teapots capturing historical moments from places all over the world.

Painted with Winsor & Newton oils and 24-carat gold leaf, Taryn’s artwork derives its inspiration from her childhood experiences and her collection of paintings. Taryn’s father owned a tea farm where she learned all about the beauty of tea and started creating artworks about it from the age of seven. Exhibited on a shiny black background, Taryn’s work is prominent for its chromatic details and vivid depiction of glamour and delicate shapes, square, round and soft, with Pop-art themes and abstract compositions.

The real canvas for Taryn is the teapot itself, where the stories and subjects of all her paintings originate. She blends colours to create a synthetic experience, concrete and complete, reminding us of the importance of all events that bring people together, and the pretexts we use when we want to see those we love. Taryn captures this tradition with something very dear to her heart: a nice cup of tea. “I feel that perhaps my intuition brought me to do these pieces of art from my deep passion for tea and how it brings people from all over the globe together, where enjoying tea is a ritual within millions of homes worldwide.”

Email: tjartclub@yahoo.com

Taryn Jahme

Óleos Windsor & Newton y pan de oro de 24 quilates / Windsor & Newton Oils and 24 Carat gold leaf

45 x 60 cm

1. Magic Tree (Árbol mágico)

ADINA DING (Australia)

ESPAÑOL

Adina Ding es una artista visual que trabaja con imágenes poéticas, creando pinturas figurativas y abstractas guiadas por la fantasía y la imaginación, cada una de ellas emparejada con un poema.

Su temática incluye paisajes sublimes, naturaleza abundante, animales radiantes y mujeres mágicas. Esas protagonistas femeninas parecen utilizar sus conocimientos inherentes para canalizar la luz y la fuerza vital.

Las pinturas atmosféricas de Ding incluyen detalles totalmente representados y pinceladas fluidas más experimentales y zonas de pintura goteada.

La influencia celestial es a menudo importante, con galaxias de estrellas, cielos de auroras boreales y ráfagas de luz solar que entran en el cuadro. Los paisajes que aparecen en sus cuadros son tranquilas escenas costeras, exuberantes vistas de la abundancia estacional y mundos submarinos. Los objetos y los animales cobran vida en sus composiciones, moviéndose en paisajes imaginarios, creando una noción de libertad. Esto se ve reforzado por la presencia segura de las personas en sus cuadros, firmes y contentas, de espíritu libre como los pájaros.

Varias obras contienen múltiples elementos narrativos, introduciendo una persona y un animal espiritual, o situando a la heroína dentro de un paisaje cósmico. Cada cuadro va acompañado de un poema, escrito por Ding, que reflexiona sobre la historia de la obra.

ENGLISH

Adina Ding is a visual artist who works with poetic imagery, creating figurative and abstract paintings led by fantasy and imagination, each one paired with a poem.

Her subject matter includes sublime landscapes, abundant nature, radiant animals and magical women. Those female protagonists seem to be using their inherent knowledge to channel light and life force.

Ding’s atmospheric paintings include fully rendered detail and more experimental fluid brushwork and dripped paint areas. Celestial influence is often important, with galaxies of stars, aurora borealis skies and blasts of sunlight coming into the frame. The landscapes that feature within her paintings are tranquil coastal scenes, lush vistas of seasonal bounty and underwater worlds. Objects and animals come to life within her compositions, moving within imaginary landscapes, creating a notion of freedom. This is reinforced by the confident presence of the people within her paintings, steady and contented, free spirited as the birds. Several works hold multiple elements of narrative, introducing a person and a spirit animal, or putting the heroine within a cosmic landscape. Each painting is also accompanied by a poem, written by Ding, that further reflects on the story of the work.

Instagram: @adina_ding

Email: adinading008@gmail.com

1. Hero (Héroe) Técnica Mixta / Mixed Media

40.6 x 30.5 cm

A POEM paired with this painting

Have you ever Heard the sound of The light

Soothing Tender And yet

Unstoppable

It flew to you

And was integrated with you

Fighting with all the shadows

Far before you anoint it

As a Hero

You saw a bird Flying forward Because

The sound of the light

Took you to a place

Where your soul feel Inspired Hero

Un POEMA emparejado con este cuadro ¿Alguna vez has Oído el sonido de La luz Calmante Tierno

Y sin embargo Imparable

Voló hacia ti Y se integró contigo Luchando con todas las sombras Mucho antes de ungirlo Como un Héroe

Viste un pájaro Volando hacia adelante Porque El sonido de la luz Te llevó a un lugar Donde tu alma se siente Inspirado

Héroe

CRISTINA TUȚĂ

(Rumania / Romania)

ESPAÑOL

Cristina Tuță es una artista rumana que vive y trabaja en Bucarest. Nacida el 12 de mayo de 1998 en Melinesti (Rumanía), se licenció y obtuvo un máster en la Universidad de las Artes de Bucarest, en la especialidad de Arte Mural, en 2022. Utiliza un enfoque multidisciplinar, comunicándose a través de la pintura, el collage, los objetos tridimensionales, el arte mural, la escultura, la fotografía, el mosaico y las técnicas de vidrieras. La artista es más conocida por sus obras de técnica mixta consistentes en botones, piedras preciosas, vidrio y textiles, así como por las obras tridimensionales que combinan técnicas de mosaico y vidrieras.

“Mi práctica creativa se centra en la relación entre los cánones de las técnicas tradicionales y el arte contemporáneo. Configuro mi obra en torno a los temas de la angelología, el amor y las emociones existenciales. Los pongo de manifiesto aplicando las distintas técnicas que he desarrollado hasta ahora. Mi obra explora el alma, la mente, el cuerpo humano y el comportamiento en relación con el espacio social. A través de los temas de la angelología y el amor, intento captar la sensibilidad, la emoción profunda, el espacio entre lo celestial y lo terrenal, y enviar un mensaje ético sobre la necesidad de libertad.”

ENGLISH

Cristina Tuță is a Romanian artist who lives and works in Bucharest. Born on May 12, 1998 in Melinesti, Romania, she graduated with bachelor’s and master’s degrees at the University of Arts, Bucharest, specializing in Mural Art, in 2022. She used a multidisciplinary approach, communicating through painting, collage, three-dimensional objects, mural art, sculpture, photography, mosaic and stained glass techniques. The artist is best known for her mixed-media works consisting of buttons, precious stones, glass and textiles, as well as for three-dimensional works that combine mosaic and stained glass techniques.

“My creative practice is focused on the relationship between the canons of traditional techniques and contemporary art. I configure my work around the themes of angelology, love and existential emotions. I bring these out by applying the various techniques I have developed so far. My work explores the soul, the mind, the human body and behavior in relation to the social space. Through the themes of angelology and love, I try to capture the sensitivity, the deep emotion, the space between the celestial and the terrestrial, and to send an ethical message about the need for freedom.”

Instagram: @cristina.tuta_art12

Facebook: Cristina Tuță

Email: tuta_cristina@yahoo.com

Cristina Tuță

Cristina Tuță

1. Diptych -Who has the real toys? (Díptico -¿Quién tiene los juguetes de verdad?)

Collage en técnica mixta / Collage mixed media 100 x 70 cm each panel / cada panel

2. Cherub (Querubín)

Mosaico 3D de vidrio estancado / 3D mosaic made of stained glass

175 x 220 x 8 cm

3. Angelus

Mosaico 3D de vidrio estancado / 3D mosaic made of stained glass 120 x 25 x 10 cm

KRYSTAL ANN

(Estados Unidos de América / United States of America)

ESPAÑOL

Krystal Ann nació y creció en Puerto Rico, actualmente reside en Florida, Estados Unidos. Tiene una maestría en Artes Gráficas y Diseño. Actualmente trabaja en el campo de la medicina, pero su pasión y su corazón están en el lienzo, el pincel y la pintura. Krystal ha pasado sus últimos años dando vida a los lienzos desde la creatividad que fluye desde su interior. Su colección actual se llama “Healing All The Parts Of Me”. Un viaje de autodescubrimiento, para encontrar el camino de vuelta a casa, a sí misma y al arte. En este viaje ha descubierto el verdadero significado del amor propio y la autoexpresión. Dedicando tiempo a sí misma para una profunda curación espiritual de las experiencias de vidas pasadas. La colección de Krystal es la encarnación del amor propio, un homenaje a sí misma y a su espiritualidad. Sus obras de arte son creadas desde un lugar de amor incondicional. Krystal espera que sus obras de arte inspiren, ayuden a otros a sanar y les animen a ser su verdadero y auténtico yo.

Declaración de la artista

“Siempre me han visto como creativa. En los últimos años, finalmente permití que mi creatividad fluyera y se expresara a través del lienzo, el pincel y la pintura. Sin embargo, no sólo quería conectarme conmigo misma, sino con la fuente y el espíritu. Permitirme crear a partir de la creatividad interior, potenciada con la energía curativa de lo alto. Para dar vida a todo lo que soy, porque en mi opinión el arte y la creatividad son tan polifacéticos como yo. Principalmente trabajo con pintura acrílica pero he estado explorando otros medios como el óleo. Mi arte, en cualquier medio que elija para expresarse, se origina a nivel del alma. Espero que los espectadores puedan ver, sentir y disfrutar tanto como yo durante mi proceso creativo. Me gustaría que mi público supiera que no sólo mi amor entra en mis obras de arte, sino que mi alma también brilla desde allí.”

ENGLISH

Krystal Ann was born and raised in Puerto Rico, currently resides in Florida, USA. She holds an MA in Graphic Arts and Design. Currently works in the medical field, but her passion and heart lie within canvas, brush, and paint. Krystal has spent her recent years bringing canvases to life from the creativity that flows from within. Her current collection is called ‘Healing All The Parts Of Me.’ A journey of self-discovery, of finding her way back home to herself and to art. On this journey she has discovered the true meaning of self-love and self-expression. Dedicating time to herself for deep spiritual healing from past life experiences. Krystal’s collection is the embodiment of self-love, an honoring of herself and her spirituality. Her artworks are created from a place of unconditional love. Krystal hopes her artwork inspires, helps others heal, and encourages others to be their true and authentic self.

Artist statement

I have always been seen as the creative one. In recent years, I finally allowed my creativity to flow and be expressed through canvas, brush and paint. However, I wanted to not only connect to myself but to source, and spirit. Allowing myself to create from the creativity from within, enhanced with healing energy from above. To bring to life all of me, for in my opinion Art and creativity are as multifaceted as I am. I mostly work with acrylic paint but have been exploring other mediums such as oils. My art, in whatever medium I chose to express, originates at a soul level. I hope the viewers can see, feel and enjoy as much as I have while in my creative process. I would like my audience to know that not just my love goes into my art pieces but that my soul shines from there too.

Instagram: @artbykrystalann

Facebook: ArtByKrystalAnn

Email: Artbykrystalann@gmail.com

Web: www.artbykrystalann.com

Krystal Ann

Krystal Ann

1. Unconditional (Incondicional)

Acrylic on canvas / Acrílico sobre lienzo

101.6 x 76.2 cm

2. Immerse (Sumergir)

Acrylic on canvas / Acrílico sobre lienzo

91.4

x 60.9 cm

3. Meta Oil on canvas / Acrílico sobre lienzo

40 x 40 cm

SHAMIM HAQSHENAS (Afganistán / Afghanistan)

ESPAÑOL

Mi nombre es Shamim Haqshenas, nací el 15 de enero de 1994 en Afganistán, me gradué en la escuela en 2010 e ingresé en la universidad de Kabul en 2011, soy licenciada en Bellas Artes (Diseño Gráfico) y también tengo un Máster en Artes Visuales (a los 24 años).

Además, he estudiado en el área del arte de la animación, por lo que también soy un artista de la animación y uno de los animadores de la serie de animación (Yussuf y Zulaikha) que se publica en el Museo del Louvre de Francia.

He empezado a trabajar en mi campo desde 2012 hasta ahora. He trabajado como diseñadora gráfica y artista de animación en diferentes empresas gubernamentales y privadas y varios proyectos artísticos. Hay muchos certificados y carta de apreciación en la formación diferente, como la fotografía, el graffiti, graphic design de USID, Animación para el instituto de Alemania (Instituto Goethe) y ...

Soy miembro de varios equipos, uno de ellos (animadores afganos en 2D en Kapila Motion picture). Soy directora de proyectos de una organización llamada Karwan Rang u Omid.

Y en estos últimos tiempos, tras la llegada de los talibanes a Afganistán, hemos creado una red (Afghanistan Art Network) para apoyar a los artistas afganos y animarles a ser pacientes y continuar con su trabajo incluso en esta dura situación.

Nací en un país que es tierra de varias artes, pero desafortunadamente en las últimas décadas el arte y los artistas han perdido su valor. Me gusta crear mis artes en diferentes estilos, no sólo en un estilo, porque creo que ni siquiera tienes derecho a controlar tus sentimientos internos, ¡sólo déjalo libre y mira lo que crea para ti!

Mi mundo del arte comienza desde el momento en que me uní a la facultad de Bellas Artes y se convirtió en algo gracioso para mí día a día y caigo en él más y más.

Me apasiona el dibujo desde la infancia, pero nunca pensé que haría mi carrera con el arte, pero ahora sucedió y estoy feliz con eso.

Lo que veo, lo siento y lo encuentro en el arte no lo he encontrado todavía en nada más. Me encanta el arte es la forma de hacer y decir cualquier cosa que quiera decir sobre mis sentimientos, yo mismo, la realización de los demás, mostrando lo que la gente no quiere oír, pero está interesada en sentir y ver.

Puedes hacer, puedes mostrar, puedes pensar de la manera que quieras o ames y eres libre de sacarlo y presentarlo al mundo, no hay reglas. Cada artista tiene su propia estrategia y reglas.

ENGLISH

My name is Shamim Haqshenas, I was born in 15, January, 1994 in Afghanistan graduated from school in 2010 and joined Kabul university in 2011 I am bachelor of Fine Arts (Graphic Design) also Master of Visual Arts( in age of 24)

Moreover I study in the area of Animation Art so I am an Animation Artist too and one of (Yussuf & Zulaikha) animation series’s animators which is published in the Louvre Museum of france.

I have started working in my field from 2012 up to now . I have worked as a Graphic designer and animation artist in different government and private companies and various Artistic projects. One of my hobbies was ( and is) participating in Exhibition workshops and training specially artistic ones. There are many certificates and Appreciation letters in different training such as photography, graffiti, graphic designI from USID, Animation for institute of Germany (Goethe institute) and ...

I have membership of various teams one of them are (Afghan 2D animators in Kapila Motion picture)I am project manager of an organization by name of Karwan Rang o Omid And in this recent time after the coming of Taliban in Afghanistan we made an Network ( Afghanistan Art Network) for Afghanistan’s artists to support them and encourage them to be patient and continue their work even in this tough situation. This Network has 11 founders and I am one of them.

I was born in a country which is a land of various Arts but unfortunately in the recent decades Art and Artists has lasted their worthiness. I like to create my Arts in different styles not just in one style because I believe that you do not even have the right to control your inner feelings just let it free and see what it creates for you!

My art world started from the time I joined the fine arts faculty and it became gracious for me day by day and I fell in love with it more and more.

I have had a passion for drawing from childhood but I never thought that I would make my career with art but now it has happened and I am happy with that.

What I see, I feel and I find in art I did not find yet in anything else. I love art. It is the way I do and say anything I want to say about my feelings, myself, realization from others, showing what people do not want to hear but interested to feel and see.

You can do, you can show, you can think the way you want or you love and you are free to bring it out and present it to the world there is no rule. Every artist has their own strategy and rules.

Shamim Haqshenas

Instagram: @shamimarts

Linkedln: @shamimhaqshenas

Email: shamim.haqshenas@gmail.com

Shamim Haqshenas

1. Astray

Cartel color sobre lienzo / Poster color on canvas 21 x 30 cm

2. Gray world (Mundo gris)

Acrílico sobre lienzo diseñado en illustrator / Acrylic on canvas designed in illustrator 21 x 14,85 cm

3. Freedom (Libertad)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 80 × 50 cm