Borealis 2023 Programme Book

15.–19 .

15.–19 .

15.–19.

15.–19.

15.–19 .

15.–19.

15.–19 .

15.–19.

15.–19 .

15.–19 .

15.–19 . 2023

15.–19 . 2023

15.–19. 2023

mars 2003 en festival for ekspe rimentell musikk

mars 2003 en festival for ekspe

mars en festival for ekspe rimentell musikk

en festival for ekspe rimentell musikk

2003 en festival for ekspe rimentell musikk

mars 2003 en festival for ekspe rimentell musikk

2003 en festival for eksperimentell musikk

2003 en festival for ekspe rimentell musikk

mars 2003 en festival for ekspe rimentell musikk

mars en festival for ekspe rimentell musikk

mars 2003 en festival for eksperimentell musikk

en festival for ekspe rimentell musikk

en festival for ekspe rimentell musikk

en festival for ekspe rimentell musikk

rimentell musikk

Festivalkontor Festival Office

14.–19. mars 11.00–17.00

Bergen Kunsthall Rasmus Meyers allé 5

All hjelp og informasjon du måtte trenge får du på vårt festivalkontor! Need information or guidance? Pop by the Festival Office!

— Billettsalg & akkreditering

— Programbøker og festivaloversikt

— Borealis merch: Sokker, refleks, bager m.m.

— Borealis Record Shop: Kjøp musikk fra artister som spiller på Borealis

— Ticket sales & accreditation

— Programme Books and festival overview

— Borealis Merch: Socks, bags, reflective badges and more…

— Borealis Record Shop: Buy music from artists performing at the festival

Billetter Tickets

Kjøp billett på borealis.ticketco.events eller stikk innom vårt festivalkontor. Buy tickets on borealis.ticketco.events or stop by our Festival Office.

Borealis Pass 300,–/400,–/500,–

Ved kjøp av Borealis Pass koster det kun 50,–per arrangment!

1. Kjøp ditt Borealis Pass

2. Du får tilsendt promokode på e-post

3. Finn de arrangementene du vil på

4. Benytt promokoden på billettsiden til hvert arrangment, for å låse opp spesialprisen

5. Fullfør kjøp for kun 50,–

6. Hent ut ditt festivalbånd på Festivalkontoret som åpner 14. mars

When buying a Borealis Pass you’ll only pay NOK 50 per event!

1. Buy your Borealis Pass

2. A promo code will be sent to your e-mail

3. Find the events you’d like to attend

4. Use your promo code to unlock the special price when buying single tickets

5. Purchase your super cheap ticket!

6. Pick up your wristband at the Festival Office –opening on March 14

Borealis Klippekort 300,–/375,–/450,–

3 konserter for en slikk og ingenting.

3 concerts for next to nothing.

Tilgjengelighet Accessibility

Borealis finner sted på 13 ulike arenaer i 2023. Detaljert informasjon om tilgjengelighet på våre arenaer finner du på borealisfestival.no. Mer informasjon om Tilgjengelighet på s.60. Borealis takes place in 13 different venues in 2023. For detailed information about accessibility in each venue visit borealisfestival.no. More info about Accessibility on p.60.

Dørene åpner Doors Open

Dørene åpner 30 minutter før konsertstart, med mindre annen informasjon oppgis. Tidspunkt oppgitt i programmet er konsertstart. Doors open 30 minutes prior to the concert unless other information is given. Times in the programme refer to the start times of events, please arrive in good time!

Buy tickets

Verdier Values

Det er viktig for Borealis at festivalen er en trygg plass for alle involverte – tolerant, støttende og fri for trakassering. Vi ber derfor våre ansatte, artister, samarbeidspartnere, publikummere og frivillige om å respektere hverandre – uansett rase, etnisitet, seksuell legning, kjønnsidentitet, funksjonsvariasjon, alder eller lyttekompetanse. It is important that the festival is a safe place for everyone involved – tolerant, supportive and free from harassment. We ask all of our staff, artists, delegates, audience and volunteers to promote the same values of respect for all – regardless of race, ethnicity, sexual orientation, gender identity or expression, disability, age and listening experience.

Nyhetsbrev Newsletter

For siste nytt hele året meld deg på vårt månedlige nyhetsbrev

Sign up to our monthly newsletter for the freshest Borealis news all year round

www.borealisfestival.no

Borealis mottar i 2023 tilskudd til vår festival og drift fra Kulturrådet, Bergen kommune, Vestland fylkeskommune og Ernst von Siemens Music Foundation.

Borealis mottar i 2023 prosjekttilskudd fra Kulturrådet, Vestland fylkeskommune, Bergen kommune, Music Norway, Fritt Ord, Pro Helvetia, Nordisk kulturkontakt, Nordisk kulturfond, Den europeiske union, Norges Ambassader.

Borealis er medlem av Keychange, Balansekunst, Brak, Proscen og Bergen Internasjonale Kultursenter, samt sertifisert Grønn festival, og deltar i prosjektet Tryggere Rom.

Arenaer Venues

Bergen Kunsthall | Landmark | Festivalkontor

Rasmus Meyers allé 5

Bergen Kjøtt

Skutevikstorget 1

Bergen Offentlige Bibliotek

Strømgaten 6

BEK – Bergen senter for elektronisk kunst

C. Sundts gate 55

Cornerteateret

Kong Christian Fredriks plass 4

Hallen USF

Georgernes Verft 8

Høgskulen på Vestlandet

Inndalsveien 28

Håkonshallen

Bergenhus 10

Nordnes Sjøbad

Nordnesparken 30

Studio Bergen

Nøstegaten 119

Torrfjellet Fløyen

Østre

Østre Skostredet 3

Åsane kulturhus | Åsane Bibliotek

Åsane Senter 52

Onsdag 15. mars

Dykk inn i gamelan med Dewa Alit & Gamelan Salukat

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

Jubileumskonsert: An Exquisite Korps

Dewa Alit & Gamelan Salukat

Torsdag 16. mars

Borealis Samtale X Plattform: Om Maryanne Amacher

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

Ensemble Contrechamps: Jernberg, Abbasi, Furrer & Cox

Vilde&Inga X Jo David Meyer Lysne: NiTi

Festivalbar

Fredag 17. mars

Borealis Samtale: Fremtidens festival

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

Borealis Samtale: Møt komponistene

Borealis Ung Komponist

Pinquins & Kjersti Alm Eriksen – I N T E R V A L L

Festivalbar

Lørdag 18. mars

Elina Waage Mikalsen: Lyder fra mellomrommene – en talkshow-kollasj

Lydlagerlaging (workshop for barn)

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

Myk forestilling: Øyvind Torvund – Plans for Future Operas

Øyvind Torvund – Plans for Future Operas

Maryanne Amacher – GLIA

Borealis X Bergen Kunsthall: Laura Ortman + Ziúr & Elvin Brandhi + DJs

Søndag 19. mars

Musikk for sjøbading: Mira Thiruchelvam

Familiedag på BEK! + Lydlagerlaging

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

Vilde&Inga X Lo Kristenson: Erfarenheter av trä – till den skog som en gång var

Maia Urstad – IONOS

Alwynne Pritchard & BIT20 Ensemble – Counting Backwards

Avslutningsfest Borealis 2023

Håkonshallen

Torrfjellet, Fløyen

Hallen USF

Håkonshallen

Bergen Kunsthall

Torrfjellet, Fløyen

Håkonshallen

Studio Bergen

Bergen Kunsthall

Bergen Offentlige Bibliotek

Torrfjellet, Fløyen

Høgskulen på Vestlandet

Høgskulen på Vestlandet

Cornerteateret

Bergen Kunsthall Østre

Åsane Bibliotek

Torrfjellet, Fløyen

Åsane kulturhus

Åsane

Det er 20 festivaler siden Borealis ble født, som betyr mange år med fantastisk eksperimentell musikk. I 2023 ser vi både bakover og fremover, og feirer alt musikk og lytting er, og kan være! Festivalen ble unnfanget av et miljø med musikkelskere i Bergen i 2003, og festivalen har siden da samlet lokale komponister og kunstnere, i tillegg til å invitere inn nasjonale skatter og internasjonale musikkskapere til byen – både for å lage nye forbindelser, og for å inspirere publikum i alle aldre. Doom metal i Bergen domkirke, dansende heisekraner på Festplassen og støymusikk på Bergens resirkuleringsanlegg – det finnes mange unike minner fra årene Borealis har eksistert! I 2023 fortsetter vi den stolte tradisjonen med å presenterere fantastisk og grensesprengende musikk fra komponister og artister fra ulike musikktradisjoner og med ulike bakgrunner – fellesnevneren er at de alle utfordrer det konvensjonelle og viser frem nye ideer gjennom sitt arbeid. Fra notert musikk til fri improvisasjon, elektroniske ekperimenter til klubbkvelder – festivalen feirer musikkens evne til å mutere og utvikle seg, vri seg unna tradisjon og fastsatte formater, og dukke opp i nye former og med nytt potensiale. Fra Nordnes eller Bali, vi henter inn store navn fra like rundt hjørnet, og fra andre siden av jordkloden. Med virtuose ensembler, rykende ferske bestillingsverk, skinnende nye talenter, og radikale musikalske visjoner gjør vi et forsøk på å lage en festival som er mer balansert og tilgjengelig enn noen sinne. Når vi går inn i det 20. året med Borealis vil vi fortsette å fjerne barrierer som stopper folk fra å dyppe tærne inn i samtidsmusikkens verden, og sammen feire de kreative og innovative stemmene som utfordrer oss til å lytte og tenke annerledes. Vi håper du vil henge med oss, og at du blir med på de neste 20 årene også!

Peter & Rachel

It’s been 20 festivals since Borealis was born, which means many years of amazing experimental music, and in 2023 Borealis is looking back and forward at what music and listening can be. Born out of the community of music lovers here in Bergen in 2003, the festival has always brought together local composers and artists, as well as inviting in national and international musicians and creators to the city, both to create and inspire audiences from all walks of life. Whether it is doom metal in cathedrals, dancing cranes in Festplassen or noise music in recycling centres there are many special memories from 20 years of Borealis! Our 2023 programme continues in the festival’s strong tradition of presenting brilliant, ground breaking work from composers and artists from the broadest range of backgrounds and traditions, each challenging conventions and presenting new ideas through their works. From notated music to free improv, electronic experiments to dancefloor parties, the festival is a celebration of music’s power to mutate and evolve, to slip the bounds of form and tradition, and take on new shapes and potentials. From Nordnes to Indonesia, we’ll be hosting big names from just round the corner and extraordinary contemporary music from the other side of the world. With virtuosic ensembles, new commissions, bright young talent, and radical musical visions, we’re striving to make the festival more equitable and accessible than ever before. As we celebrate 20 years of Borealis we want to keep removing the barriers that stop people from dipping their toes in to a new world of contemporary musical expression, and celebrate together those creative and innovative voices that challenge us to listen and think differently. We hope you’ll come hang out with us, and then join us for the next 20 years too!

Peter & Rachel

Jubileumskonsert: An Exquisite Korps

19.00–20.30

Hallen USF

200,–/250,–/275,–*Verdenspremierer*

Det kan bli kaldt i Hallen USF, så ha på deg varme klær. Baren er åpen. Det vil bli servert varm Hardangersider.

Etter jubileumskonserten

går det gratis båt fra USF Verftet til Håkonshallen der man kan få med seg: Dewa Alit & Gamelan Salukat (separat billett)

Hallen USF can get chilly – wear a warm coat. The bar is open. We will serve hot Hardanger cider.

After the Anniversary Concert there will be a boat going from USF Verftet to Håkonshallen where you can experience Dewa Alit & Gamelan Salukat (separate ticket)

For 100 år siden ble en helt spesiell selskapslek funnet opp av noen surrealister i Paris. Hver spiller bidro med et ord, uten å vite hva sidemannen hadde skrevet før dem. Slik oppstod det improviserte diktet: “The exquisite corpse shall drink the new wine”, som endte med å gi navnet til denne selskapsleken – Exquisite Corpse. Leken utviklet seg etterhvert til tegneformatet. Man brettet et ark i fire, og hver deltager fikk tegne hver sin kroppsdel. Fra deltagernes fantasi oppstod en helhet – en unik kropp.

80 år etter selskapslekens oppfinnelse ble Borealis grunnlagt i Bergen. En ny festival som skulle feire samtidens komposisjoner, improvisasjon, støy, og alt imellom. Festivalen ble grunnlagt av en rekke organisasjoner, Borealis sine medlemmer den dag i dag, og hver enkelt organisasjon bidro med ideer og ressurser med det mål å samle feltet, og byen i en feiring av ny musikalsk eksperimentering. Helt ulike musikalske uttrykk, utøvere fra alle verdens hjørner side om side med lokale musikere – alt ble plassert inn i et festivalprogram som nå er et av høydepunktenene på den europeiske og skandinaviske festivalkalenderen.

Under åpningskvelden hyller vi mange av de som utgjør Borealis sitt exquisite corpse, eller

Around 100 years ago in Paris, some surrealists were inventing a party game, where each player contributes some words to a poem, but they don’t know what the previous participant wrote. The improvised poem, “The exquisite corpse shall drink the new wine” gave the game its name – Exquisite Corpse – and over time the game moved from words to drawing. A single piece of paper folded in four – someone draws a head, then folds the paper down so that the next player must draw the torso without knowing what the head looks like, and so on – a way to create something exquisite from radically different imaginations.

About 80 years later in the city of Bergen, Borealis was founded. A new festival for the city celebrating contemporary composition, improvisation, noise, and everything in between. It was founded by a group of enthusiasts, still members of Borealis today, each contributing ideas and resources, with the aim to bring the city and the community together in celebration of new musical experimentation. Wildly different musical expressions; performers from round the corner, or half way round the world all sat side by side in a festival programme that would over the years become a highlight in the European and Scandinavian festival calendar.

Foto: Helge Hansen/Montag

enestående skjelett om du vil. Vi lager vår egen tegning i overført betydning, og setter sammen ulike musikalske kroppsdeler som blir til en større enhet. Kvelden smelter sammen bestillingsverk som høres for første gang med musikk fremført på tidligere festivaler, og vi trekker frem noen av de uunværlige stemmene i Borealis-kretsen: Jostein Stalheim, Else Olsen S., Øyvind Skarbø, Ruth Bakke, Amber Ablett, Rebecka Ahvenniemi, Knut Vaage, Ørjan Matre og Maja S. K. Ratkje.

Tradisjonen tro feirer vi åpningen av Borealis 2023 på en av Bergens nyeste kulturarenaer; Hallen USF. Det gamle industrilokalet fylles med musikk fra kveldens enestående korps/exquisite korps; SFMK, og fra den perfekte trioen med vestlandsmusikere som kanaliserer både tradisjon og fremtid: Sigbjørn Apeland, Berit Opheim og Nils Økland. Alt dette med en spesiallaget varm jubileumssider fra Hardanger Økologiske Sideri i glasset!

Jubileumskonsert presentert i samarbeid med Sjøforsvarets musikkorps & Avgarde. Amber Ablett bestilt og presentert i samarbeid med BEK – Bergen senter for elektronisk kunst.

Bestillingsverk Ruth Bakke, Øyvind Skarbø, Jostein Stalheim & Else Olsen S. støttet av Kulturrådet.

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK) spiller

Maja S. K. Ratkje – 69 Marching Bars of Leftovers

From an Old Century 4’

Ørjan Matre – Instant Music 6’

Rebecka Ahvenniemi – FruSSSna kviSSStar 8’

Knut Vaage – Lydfabrikken 4’

Halldis Rønning – dirigent

Sigbjørn Apeland/Berit Opheim/Nils Økland spiller

Ruth Bakke – Ulvevinter 5’

Else Olsen S. – Kompass 5’

Øyvind Skarbø – Men altså 5’

Jostein Stalheim – Sjå – attom dauden 5’

Amber Ablett – My Fathers Left 5’

Tonight we celebrate many of those who make the exquisite corpse of Borealis. In sound we will make our own musical drawing, stitching together different musical body parts to create something bigger than any one vision. Bringing together brand new commissions with pieces from the festival’s history, we’ll be highlighting just some of the dynamic voices from within our festival community: Jostein Stalheim, Else Olsen S., Øyvind Skarbø, Ruth Bakke, Amber Ablett, Rebecka Ahvenniemi, Knut Vaage, Ørjan Matre and Maja S.K. Ratkje.

Drawing on more tradition, we’ll be celebrating our anniversary in one of the city’s newest cultural spaces, the Hallen at USF Verftet, with our celebrated opening night ensemble the exquisite korps SFMK, and a brand new trio of Vestlandet experimenters who channel both tradition and the future, Sigbjørn Apeland, Berit Opheim and Nils Økland. And toasting the whole thing with our very own special cider from Hardanger Økologiske

Sideri – warmed for the occasion!

Elektronisk verk

Randiane Sandboe – lysdesign

Dewa Alit & Gamelan Salukat

21.30–22.45

Håkonshallen

180,–/225,–/250,–

Andre del av åpningskvelden til jubileumsfestivalen transporterer oss 11 000 km, fra Bergen til Bali, når den New York Times-hyllede musikken til komponist Dewa Alit kommer til Norge fra Indonesia for aller første gang.

Dewa Alit er hjernen bak Gamelan Salukat – et stort ensemble som fremfører musikk på balinesisk gamelan som blant annet er en samling metalliske perkusjonsinstrumenter som ligner gonger og store xylofoner, stemt på en helt unik måte. Gamelan er en gammel urfolkstradisjon i Indonesia som har røtter langt tilbake i tid, og det finnes fremdeles instrumenter datert til 1100–tallet – omtrent like gamle som Håkonshallen – kveldens konsertarena.

Helt siden Claude Debussy og impresjonismen har vestlig klassisk musikk vært inspirert av gamelanmusikk. Man kan tydelig høre inspirasjonen i musikken til moderne minimalister som blant annet Steve Reich. Å kunne oppleve autentisk gamelanmusikk live er vel og merke sjelden vare. Med instrumenter som veier hundrevis av kilo er hyppig turnévirksomhet ikke enkelt å få til.

Med 16 utøvere på scenen, og et stemmesystem som skiller seg kraftig fra standardisert vestlig stemmetradisjon, er Dewa Alit sin musikk karakterisert av ekstremt komplekse og overlappende rytmer og innovative spilleteknikker som bygger på, og fornyer den tusen år gamle tradisjonen med musikkskaping. Salukat er Alit sin egen sammensetning av to ord som betyr ‘hus’ og ‘gjenfødelse’, og kan tolkes som “et sted som fusjonerer kreative ideer for å skape ny og innovativ musikk” sier Alit selv. Dewa Alit & Gamelan Salukat sitt besøk i Bergen gir deg en unik mulighet til å høre fantastisk musikk fra Indonesias mest nyskapende kreative krefter!

Støttet av Bergen kommune & Nordisk Kulturfond

Dewa Alit – komponist

Gamelan Salikat – ensemble

Genetic 32’

Tanah Sedang Bicara (Land Is Talking) 15’

Siklus 15’

Ngejuk Memedi (Chasing the Phantom) 12’

Part two of our 20th Anniversary opening night travels over 11 000 km from Bergen to Bali, bringing New York Times’ acclaimed, new composed music from Indonesia to Norway for the first time.

Dewa Alit is the musical visionary behind Gamelan Salukat, a large ensemble performing new music on the Balinese Gamelan, of mostly tuned metal percussion instruments resembling gongs and large xylophones. Gamelan is an ancient indigenous musical tradition in Indonesia, predating written histories, although instruments still exist from the 12th Century, around the same time that Håkonshallen was built, the venue for tonight’s concert.

Since the time of Claude Debussy and the impressionists Western classical music has been inspired by Gamelan music, and you can clearly hear Gamelan’s influence on modern minimalist composers such as Steve Reich. Hearing authentic Gamelan music live though is much harder, as the instruments weigh hundreds of kilos, and are not often transported around the world.

Performed by 16 players, and with tuning systems that differ significantly from the standardised tunings of Western classical music, Dewa Alit’s music is characterised by devilishly complex interlocking rhythms and innovative playing techniques that build on and innovate within centuries of traditional music making. Gamelan Salukat hopes to be “a place to fuse creative ideas to generate new, innovative works”. Hearing Dewa Alit and Indonesia’s most forward thinking gamelan ensemble will be a powerful, unique experience.

Dykk inn i gamelan med Dewa Alit & Gamelan Salukat

14.00–16.00

Håkonshallen 100,–/150,–

I forkant av konserten der Dewa Alit sin musikk fremføres i Norge for første gang, gir gamelanekspert Rob Waring fra Norges musikkhøgskole, innsikt inn i Dewa Alit sin moderne fremgangsmåte i møte med den tradisjonsrike gamelan-musikken fra Indonesia.

Dewa Alit er den fremste komponisten som opererer innen dette feltet i verden, og hans ensemble, Gamelan Salukat, presenterer musikk som trekker på denne tusen år gamle tradisjonen, med en moderne vri.

Samtalen mellom Dewa Alit og Rob Waring vil gi innsikt i gamelan-tradisjonen, men de vil også drøfte hvordan vi lytter til krysskulturell samtidsmusikk. Hva trenger vi for å forstå “det nye” når vi ikke engang forstår “det gamle”. Hvilke lyttestrategier kan vi bruke? Kan vi komme unna eksotifiseringen og se andre klassiske tradisjoner som parallelle til våre egne?

Medlemmer av ensemblet vil også være tilstede for å demonstrere ulike spilleteknikker og lyder som gjør denne musikken så unik. Det vil også vies tid til at publikum kan teste instrumentene.

Støttet av Fritt Ord & Nordisk Kulturfond

Samtalen og workshopen holdes på engelsk. The conversation and workshop are held in English

Ahead of the Norwegian premiere of his work, Indonesian composer Dewa Alit and Norway’s gamelan expert, Rob Waring from The Norwegian Academy of Music, give an insight into Dewa Alit’s contemporary approach to the ancient music of Indonesia, the gamelan.

Dewa Alit is the foremost contemporary composer of gamelan music in the world and his ensemble Gamelan Salukat present music that draws on a centuries old tradition, but with contemporary twists.

Through conversation around the instruments they will give background to the gamelan tradition, but also to ask how we listen to cross-cultural contemporary music – what do we need to know to understand “the new” when we don’t understand “the old”. What listening strategies can we use? Can we transcend notions of exoticism to hold other classical traditions as parallels to our own?

Joining Rob and Dewa Alit will be members of Gamelan Salukat to give a hands on demonstration of the playing techniques and sounds that make this music so unique, including a chance for audience members to play on the instruments.

Dewa Alit – komponist Rob Waring – musiker, komponist & førsteamanuensis Norges Musikkhøgskole

Foto: Gamelan Salukat

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

15.03–19.03

14.00, 15.00, 16.00 & 17.00

Torrfjellet, Fløyen 50,–

Elina Waage Mikalsen –Rođu Govkkit/Glenner i Vier

Velkommen til årets festival mest unike lytterom! Oppe på fjellet omringet av Bergen by ligger Jiennagoáhti (Lyttegammen) – et kunstverk dedikert til lytting i Bergensfjellet. Jiennagoáhti er et uten- og innendørsområde for formidling og læring om samisk kultur, arkitektur, språk og lokal økologi for mennesker i alle aldre. Prosjektet er initiert av kunstner Elin Már Øyen Vister i dialog med den samiske arkitekten og kunstneren Joar Nango og Lydgalleriet – som også produserer og driver prosjektet sammen med Elin Már.

Jiennagoáhti er bygget av treverk og dekket med torv. En goáhti er en tradisjonell samisk huskontruksjon. Sentralt i dette prosjektet er ideen om å belyse historier som utforsker maktforholdet mellom Sápmi/ Sábme/Sáepmie og Bergen. I Jiennagoáhti formidles historier om det samiske, skeive og ulike urfolk gjennom et spesialtilpasset lydsystem som blir forsynt med elektrisitet fra solcellepanel.

I anledning festivalen huser lyttegammen et lydverk fra vår gjestekunstner Elina Waage Mikalsen. Rođu Govkkit/Glenner i Vier, er et verk bygget opp av feltopptak og stemme. Det utforsker vår relasjon til verden vi lever i, og det underjordiske – og hvordan naturen deler sine hemmeligheter og glemte steder hvis vi bare lytter.

Prosjektet er et kontraktert samarbeid mellom Lydgalleriet, Byfjellsforvalter og Bymiljøetaten i Bergen kommune. Bygget av Sámihouses/Ole Muosát med assistanse fra Dan Henrik Heiberg. Prosjektet er støttet av Bergen Sáamid Searvi, KORO (Kunst i offentlig rom), Sámediggi, Bergen kommune, Vestland Fylkeskommune & Kulturrådet.

Hver lytteseanse varer én time

Det er kun én billett tilgjengelig per time – men

lyttegammen tar ti personer.

Så ta med venner og familie!

Det serveres te og kaffe mens du lytter.

Veibeskrivelse og mer info på borealisfestival.no

Welcome to the festival’s most unique listening space, high up on the mountains surrounding the city of Bergen – Jiennagoáhti (Lyttegammen). An artwork dedicated to listening, Jiennagoáhti is an outdoor and indoor space for the dissemination and learning of indigenous Sami culture, architecture and language as well as ecology for residents of all ages – initiated by artist Elin Már Øyen Vister in dialogue with Sámi architect and artist Joar Nango. Lydgalleriet produces and runs the project alongside Elin Már.

Built from wood, and covered in turf, a goáhti is a traditional Sámi home construction. Central to this project is the idea of highlighting stories that explore the power relationships between Sápmi/ Sábme/Sáepmie and Bergen. In Jiennagoáhti, various Sami, indigenous and queer stories are communicated through a specially built sound system that runs on electricity from solar energy.

For our festival collaboration, Jiennagoáhti will host a sound work by Borealis artist in residence Elina Waage Mikalsen. Rođu Govkkit/Glenner i Vier, is a work built on field recordings and voice, exploring our relations with the world we see, and the world we don’t – exploring how nature opens her secrets and forgotten places, if we just listen.

Each session is one hour long. There’s only one ticket available per session, but it can accomodate up to 10 people, so bring your friends, family or kin groups to listen with you. Tea and coffee will be provided as you listen.

Directions and more info at borealisfestival.no

Foto: Julie Lillelien Porter/Lydgalleriet

Torsdag Torsdag Torsdag Søndag

Borealis Samtale X Plattform: Om Maryanne Amacher

13.00–14.30

Bergen

Kunsthall, Upstairs Gratis

Bill Dietz – komponist, forfatter, kunstnerisk leder Ensemble Zwischentöne

Axel Wieder – direktør Bergen Kunsthall

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English.

I forkant av norgespremieren på Maryanne

Amacher sitt verk GLIA, møtes direktør for Bergen Kunsthall Axel Wieder, og Bill Dietz – Amacher sin nære samarbeidspartner gjennom mange år – for å diskutere hennes liv og virke. Amacher var og blir en fremragende skikkelse innen den amerikanske avantegarde-bevegelsen. GLIA, skrevet i 2005, ble kun fremført én gang mens hun levde, og var et ekstraordinært verk som introduserte organiske instrumenter inn i hennes installasjonsbaserte og elektroniske arbeid. Etter hun gikk bort i 2009 startet Dietz, som er både komponist og forfatter, i gang arbeidet med å rekonstruere verket for fremtidige fremførelser. Rekonstruksjonen av GLIA så dagens lys i 2012, fremført av Ensemble Zwischentöne på ZKM i Karlsruhe og Hamburg Bahnhof i Berlin. Deretter ble verket plukket opp og fremført av det sveitsiske ensemblet Contrechamps i Geneve og London i 2019, og i 2023 blåses nytt liv i verket; først med to utsolgte fremførelser på CTM i Berlin, og så Borealis. Axel Wieder har inngående kunnskap om Amacher sitt arbeid gjennom blant annet utstillingen han kuraterte om hennes praksis på daad og Hamburger Bahnhof i Berlin i 2012. I denne samtalen vil Dietz og Wieder reflektere over Amacher sin unike måte å arbeide på, hennes radikale ideer rundt lytting og oppfattelse, og arven hun etterlater seg gjennom sitt arbeid og arkiv.

Ahead of the Norwegian premiere of Maryanne Amacher’s GLIA, Bergen Kunsthall Director Axel Wieder is joined by the late composer’s collaborator Bill Dietz to discuss her life and work. A monumental figure of the American avant-garde, Amacher’s 2005 GLIA (performed only once in her lifetime) was an exceptional work incorporating live instruments in her primarily installation-based and electronic oeuvre. Following her passing in 2009, composer and writer Dietz set to work on reconstructing the piece for future performance. Re-premiered in 2012 with its original performers from Ensemble Zwischentöne at ZKM in Karlsruhe and Hamburger Bahnhof in Berlin, and then revived by Ensemble Contrechamps in 2019 for shows in Geneva and London, the work has come back to life, with two recent sold-out performances at Berlin’s CTM festival. Kunsthall director Wieder is no stranger to Amacher’s work, having organised a landmark exhibition about her practice at daad and Hamburger Bahnhof in Berlin in 2012 (with the Maryanne Amacher Archive), amongst others. For this conversation Dietz and Wieder reflect on Amacher’s unique ways of working, her radical ideas about listening and perception, and the legacy she leaves through her work and archive.

Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthall Støttet av Fritt Ord

Maryanne Amacher under prosessen med Sound House – Mini Sound Series Capp Street Projects, San Fransico, 1985.

Maryanne Amacher – GLIA se s. 22 Maryanne Amacher – GLIA go to p.22

Foto: Peggy Weil

Ensemble

Contrechamps: Jernberg, Abbasi, Furrer & Cox

19.00–20.15

Håkonshallen

180,–/225,–/250,–*Norgespremierer*

Ensemble Contrechamps spiller

Anahita Abbasi – Faab IV / A femme fatale 10’

Sofia Jernberg – ዓይነ እርግብ (Betydning på

amharisk: Slør eller Duens øye) 12’

Beat Furrer – Gaspra 17’

Jessie Cox – Existence lies in-between 20’

Den sveitsiske eksperimentelle musikkgruppen Ensemble Contrechamps tar med seg det beste innen nykomponert musikk til Håkonshallen og Borealis 2023!

Med en internasjonal line-up byr denne konserten på et bestillingsverk fra den svenske vokalisten og komponisten Sofia Jernberg, norgespremierer på musikk fra to banebrytende komponister – den sveitsiske komponisten og trommeslageren Jessie Cox og den iranske komponisten Anahita Abbasi – og et klassisk verk fra den sveitsiske avantegarde-komponisten Beat Furrer.

Gjennom disse fire verkene utforskes teksturen, uttrykket og mer abstrakte kombinasjoner av instrumentene til Ensemble Contrechamps: fløyte, piano, bassklarinett, perkusjon, fiolin, bratsj, cello og kontrabass. Med helt ulike inspirasjonskilder som afrofuturisme og den arketypiske femme fatale, skaper hvert verk en helt unik lydverden gjennom bruk av både konvensjonelle og ukonvensjonelle spilleteknikker. Sofia Jernberg er selv tilstede på scenen under norgespremieren av sitt verk, med sin imponerende pallett av vokallyder.

Ensemblet har eksistert i 40 år og har gått i front innen samtidsmusikken og det eksperimentelle musikkfeltet i Sveits. Contrechamps er opptatt av å utvikle verk og løfte frem nye komponister gjennom sine programmer. Det er en sjelden og unik mulighet å høre disse dedikerte musikerne utforske ny musikk i Bergen.

Acclaimed Swiss experimental music group Ensemble Contrechamps bring the freshest new composed music to Håkonshallen and Borealis 2023 with their team of virtuosic instrumental players.

Featuring an international line-up, this concert mixes a new commission from Swedish experimental vocalist and composer Sofia Jernberg, first Norwegian plays of ensemble music by two cutting-edge compositional voices – Swiss composer and drummer Jessie Cox and Iranian composer Anahita Abbasi – and a classic work of the Swiss avant-garde by Beat Furrer.

Across the programme, these four works variously explore the textural, expressive and abstract combinations of flute, piano, bass clarinet, percussion, violin, viola, cello and double bass. Taking different ideas as their starting point, such as Afrofuturism or the archetype of the femme fatale, the works build unique sound worlds through the use of conventional and unconventional playing techniques. For the Norwegian premiere of her new work, Sofia Jernberg joins the ensemble with her astounding palette of vocal sounds.

With a 40 year history of working at the forefront of contemporary and experimental instrumental music, Contrechamps are invested in new ways of developing work as well as championing new composers through their programming. With a deep love of new musical expressions, it’s a rare and exciting opportunity to hear them explore these worlds in Bergen.

Støttet av Pro Helvetia

Fotos: Adrien H Tillmann, Jon Edergren, David Furrer, Niloufar Shiri

Vilde&Inga X Jo David Meyer Lysne: NiTi

21.30–22.30

Studio Bergen

125,–/175,–/200,–*Verdenspremiere*

Komponist og instrumentbygger

Jo

David Meyer

Lysne dykker dypt inn i den skjøre, nære og dypt fokuserte lydverdenen til Vilde&Inga i sitt nye verk NiTi. Han forsterker fiolinen og kontrabassen med sine hjemmelagede mekaniske instrumenter for å skape en ny intens lytteopplevelse. Sammen med musikerne på scenen vil det finnes mekaniske tauverk, minnemetall og instrumenter inspirert av italienske musikkmaskiner fra 1900-tallet som blir som en naturlig forlengelse av duoens klang. Komposisjonen fødes ut av Meyer Lysne og Vilde&Inga sin felles kjærlighet for de nyanserte lydene og overtonene som eldgamle tre- og strykeinstrumenter produserer, spesielt når de faller i hendene på musikere som er interessert i alternativ stemming og utvidede spilleteknikker. Tittelen på stykket kommer fra navnet på metallegeringen Nitinol, som består av nikkel og titan, som brukes som instrument i verket. Nitinol er et minnemetall, som vil si at metalltrådene husker formen det ble støpt i. Slik kan metallet formes når det varmes opp, og gå tilbake til sin tidligere form når det avkjøles. Med disse metalliske objektene og de akustiske instrumentene skapes et lydhørt rom hvor skillelinjene mellom det mekaniske og organiske hviskes ut og flyter over i hverandre.

Bestillingsverk støttet av Kulturrådet

Få med deg Vilde&Inga X Lo Kristenson s.28

Don’t miss Vilde&Inga X Lo Kristenson p.28

Jo David Meyer Lysne – komponist

Vilde&Inga:

Vilde Sandve Alnæs – fiolin

Inga Margrete Aas – kontrabass

Looking deep in to the fragile, intimate world of string instruments, composer and instrument builder Jo David Meyer Lysne augments the violin and double bass with his home–made mechanical instruments to create a new layer of listening intensity in his new work NiTi. In one of two world premieres for Borealis 2023, the dynamic Oslo string duo Vilde&Inga have worked intensively with Jo David as he tries to extend their rich and dynamic sound world with complementary mechanical objects. Joining the two master musicians on stage, adding a complementary musical layer, will be mechanical ropes, swinging metal and instruments inspired by 20th century Italian music–machines. Rather than distracting from the acoustic music, these fragile machines come from Jo David’s deep love of the overtone–rich nuanced music produced by ancient wood and string instruments. Especially when in the hands of musicians who are interested in alternative tuning and extended playing techniques, coaxing forth whole new soundworlds. The title of the piece comes from Nitinol, a metal alloy of nickel and titanium, used in some of the new mechanical instruments in this piece. Also known as “memory metal”, the Nitinol can shift shape when heated, and then return to its previous form when cooled. These new instruments matched with the acoustic music of the duo creates a room for listening where the lines between the mechanical and organic are blurred.

Festivalbar

21.00–01.00

Bergen Kunsthall, Landmark s.32

Stikk innom festivalbaren, for den perfekte avslutningen på kvelden!

Drop by the Festival Bar for a perfect end to a perfect night.

Rakel Emhjellen Paulsen Torsdag 16. mars

Borealis Samtale:

Fremtidens festival

13.00–14.30

Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen

Jiennagoáhti (Lyttegammen)

14.00, 15.00, 16.00 & 17.00

Torrfjellet, Fløyen

Borealis Samtale:

Møt komponistene!

18.15–18.45

Høgskulen på Vestlandet, Global Lounge

Borealis Ung Komponist

19.00–20.00

Høgskulen på Vestlandet, Mimes Brønn

Fredag Fredag Fredag Fredag

Pinquins & Kjersti Alm Eriksen –

I N T E R V A L L

21.30–22.30

Cornerteateret, Kongesalen

Festivalbar

21.00–01.00

Bergen Kunsthall, Landmark

Borealis Samtale: Fremtidens festival

13.00–14.30

Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen Gratis

Panel:

Thomas Schäfer – direktør International Music Institute Darmstadt (IMD) & kunstnerisk leder

Darmstadt Summer Courses

Mariam Rezaei – komponist, musiker & kunstnerisk leder TUSK Festival

Beril Sarıaltun – leder Beats by Girlz Turkey

Peter Meanwell – kunstnerisk leder Borealis

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English.

Borealis feirer 20 år med eksperimentell musikk i Bergen i 2023, og benytter sjansen til å spørre om festivalformatet fortsatt er relevant med sin evne til å samle og engasjere mennesker? Eller er det på tide at ideen om festivalen som konsept må endres? Hva kan en festival være og hvilke utfordringer vil den møte med tanke på estetikk, politikk og bærekraft i fremtiden? Fra Storbritannia kommer BBC-journalist og forfatter Kate Molleson for å lede samtalen. På scenen samler hun kunstnerisk leder for Borealis, Peter Meanwell, sammen med flere andre festivalledere fra eksperimentelle musikkfestivaler i Europa. Thomas Schäfer er direktør for Music Institute Darmstadt (IMD) og kunstnerisk leder for Darmstadt Summer Course, en av Europas mest prestisjetunge og ledende organisasjoner innen klassisk samtidsmusikk. Mariam Rezaei er en prisvinnende komponist og utøver, og kunstnerisk leder for TUSK Festival med base i Newcastle og Gateshead, og står i bresjen for det eksperimentelle musikkfeltet i Storbritannia. Beril Sarıaltun er musiker, lyddesigner og produsent bosatt i Istanbul i Tyrkia, der hun leder organisasjonen Beats by Girlz, og organiserer festivaler som ofte står i opposisjon til styresmaktenes politikk. Sammen deler de sine ideer og visjoner, og diskuterer om festivalformatet har en fremtid, og hvis så, hvordan det ser ut. Støttet av Fritt Ord

As Borealis celebrates its 20th anniversary we ask whether festivals still hold any power through the act of gathering and intense engagement, or whether it’s time for the idea of festival to change? What can a festival be and what challenges will it face in terms of aesthetics, politics and sustainability? Leading the conversation will be BBC Radio 3 journalist and author Kate Molleson, and joining Borealis artistic director Peter Meanwell on stage will be festival directors from across the worlds of contemporary and experimental music. Thomas Schäfer, Director of the International Music Institute Darmstadt (IMD) and Artistic Director of the Darmstadt Summer Course, is in charge of one of Europe most prestigious contemporary classical music festivals. Mariam Rezaei is a multi-award winning composer and performer and is Artistic Director of TUSK Festival, based in Newcastle and Gateshead in the UK it’s at the forefront of experimental music organising. Beril Sarıaltun is a musician, sound designer & producer based in Istanbul, Turkey, where she leads the organisation Beats By Girlz Turkey, organising festivals often in opposition to prevailing political conditions. Together they share their ideas and visions, and discuss whether the festival format has a future, and if so what it might look like.

Kate Molleson – moderator

Foto: Thor Brødreskift

Borealis Ung Komponist

19.00–20.00

Høgskulen på Vestlandet, Mimes Brønn 125,–/175,–/200,–*Verdenspremierer*

Borealis Samtale: Møt komponistene!

18.15–18.45

Høgskulen på Vestlandet, Global Lounge Ikke gå glipp av muligheten til å få innblikk i de fire komponistenes kreative hoder. Don’t miss out on this special opportunity to get into these young composer’s heads.

Luke Drozd – An Interpretation of an Overhearing of a Collection of Coincidences 15’

Eline Rafteseth – How to lose oneself 15’

Susanne Xin – Nattasanger for flyktninger 15’

Guoste Tamulynaite – Musicality 15’

Siden høsten 2022 har årets Borealis Ung Komponist-deltagere, Eline Rafteseth, Susanne Xin, Guoste Tamulynaite og Luke Drozd jobbet intenst med mentorene Camille Norment, Lo Kristenson og Øyvind Torvund for å skape nye lydbilder og utfordre seg selv som musikkskapere. Fokuset til mentorprogrammet er å lære av hverande, utforske hva det betyr å skrive musikk for et ensemble, og å formidle fire verk til Borealis-publikummet som representerer fire unike stemmer, samtidig som de utstråler en kollektiv kreativ energi. Med ulike og spennende bakgrunner innen alt fra komposisjon og visuell kunst, impro og performance har de fire sammen hjulpet hverandre til å forme musikkstykker for ensemblet YrrY, bestående av vokalist Mari Galambos Grue, perkusjonistene Håkon Skjæret og Owen Weaver, og cellist Carmen Bóveda. Konserten markerer slutten på deres deltagelse i Borealis Ung Komponist, men starten på lysende reiser videre i den eksperimentelle musikkverdenen.

Yrry: Carmen Bovéda – cello

Mari Garcés – vokal

Håkon Skjæret – vibrafon

Owen Weaver – trommesett

Since the autumn of 2022 this year’s Borealis Ung Komponist participants Eline Rafteseth, Guoste Tamulynaite, Luke Drozd and Susanne Xin have worked together with their mentors Camille Norment, Lo Kristenson and Øyvind Torvund to create new soundscapes and to challenge themselves as music makers. With focus on learning from each other, and collectively exploring what it means to write music for others and how to communicate, this year’s four pieces represent four unique voices, but also a collective creative energy. With backgrounds spanning composition and visual art, improv and performance the four participants have challenged themselves and each other to present new music for YrrY – vocalist Mari Galambos Grue, percussionists Owen Weaver and Håkon Skjæret and cellist Carmen Bóveda. The concert in Borealis 2023 finalises their Borealis Ung Komponist journey but marks the beginning of their individual paths into the experimental music world.

Presentert i samarbeid med Høgskulen på Vestlandet Støttet av Kulturrådet & Bergen kommune

Foto: Thor Brødreskift

Pinquins & Kjersti Alm Eriksen –I N T E R V A L L

21.30–22.30

Cornerteateret, Kongesalen 125,–/175,–/200,–*Verdenspremiere*

Pinquins:

Jennifer Torrence, Sigrun Rogstad Gomnæs, Ane Marthe Sørlien Holen – perkusjon

Kjersti Alm Eriksen – scenografi

Tobias Leira – lys

Pinquins er en fantastisk perkusjonstrio som plasserer seg i krysningspunktet mellom menneskelige uttrykksformer og mekanisk utøvelse. Fremførelsene deres er rytmiske, motoriske, slående, fiklete, gnissende, og til tider kan det føles som om musikerne blir til maskiner. I anledning Borealis har Pinquins samarbeidet med designer og scenograf Alm Eriksen som lager en slags menneskelig teknologi. Hun skaper maskiner fulle av sårbarhet og feil, og utforsker punktet der teknologi påfører seg en slags personlighet.

I dette nye verket bestilt til Borealis 2023 møtes Pinquins og Kjersti Alm Eriksen sine verdener for å skape et forhold mellom mennesker og objekter, mellom bevisste handlinger og mekaniske konsekvenser. Hva skjer i det lille mellomrommet mellom tanke og handling? Hva skjer når maskinene er like sårbare som menneskene som spiller på dem? Inne i en stor treramme spiller musikerne med ulike kinetiske skulpturer laget for verket. Det fraværende blir nært, det tunge blir lyst, og bevegelse blir til lyd fra langt unna, og legger igjen spor.

Som et av Norges mest dynamiske ensembler, er Pinquins helt i front innen utøvelse og utvikling av nye metoder for musikkskaping. I dette prosjektet tar de på seg rollen som både utøver og komponist i et samarbeid med Alm Eriksen. Det musikalske materialet til stykket har vokst frem gjennom workshops der ulike samlinger av fysiske objekter er blitt brukt for å skape nye, og uventede lydbilder. Disse prosessene har gitt liv til nye ideer og utviklet verket, og hvert møte har satt sitt spor på verket slik du vil oppleve det under Borealis. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet & Fond for lyd og bilde

As experimental music percussionists, Pinquins are often placed at the intersection of human expression and mechanical action – rhythmic, motoric, hitting, plucking, grinding – the musician become machine. From the other side of the mirror, Kjersti Alm Eriksen’s artworks create very human technology, machines full of frailty and failure, exploring the point at which technology seems to take on personality.

In this new work, commissioned for Borealis 2023, they meet to explore the relationships between humans and objects, between conscious actions and mechanical consequences. What happens in the gap between thought and action? What happens when the machines are as frail as the people playing them? On stage, inside a large wooden frame, the musicians interact with specially designed kinetic sculptures. The distant becomes close, the heavy becomes light, and movement becomes sound from a distance, and leaves a mark.

As one of Norway’s most dynamic new music ensembles, Pinquins play cutting edge music and work actively to find new modes of musical creation. In this project they take the role of both performer and composer in collaboration with visual artist Kjersti Alm Eriksen. The musical material for the piece has grown through workshops exploring how different constellations of physical objects create different, often unexpected sound worlds. These processes dictate further ideas and developments, with each action leaving a creative trace on what the final work will become.

Festivalbar

21.00–01.00

Bergen Kunsthall, Landmark s.32

Stikk innom festivalbaren, for den perfekte avslutningen på kvelden!

Drop

Foto: Julia Granberg/Blunderbuss, August Fabritius

Helaften i Åsane! Kjøp et Klippekort og få med deg alle konsertene! Make a night of it in Åsane! Buy a Klippekort and go to it all!

Øyvind Torvund –Plans for Future Operas

Lørdag Lørdag Lørdag Lørdag

Elina Waage

Mikalsen: Lyder fra mellomrommene – en talkshow-kollasj

11.00–14.00

Østre

100,–

Elina Waage Mikalsen – vert

Viktor Bomstad – gitar & elektronikk

Katarina Barruk – stemme & elektronikk

Borealis sin gjestekunstner Elina Waage Mikalsen presenterer en formiddag av fremførelser, mat og diskusjoner som utforsker samisk eksperimentell musikk og lyd. Hva er samisk eksperimentell musikk? Hvordan tilnærmer vi oss den? Og hvordan kan vi skape rom for denne musikken i våre festivalprogrammer? I en avslappet atmosfære, der alle er velkomne, skal vi sammen lytte til arkivmateriale, og høre skjellsettende musikk fra de unge samiske artistene Viktor Bomstad og Katarina Barruk. Vi får også innsikt fra artister tilhørende urfolksgrupperinger utenfor Norge, og det serveres mat, mens vi sammen utforsker og skaper et kreativt sted. Som gjestekunstner i Borealis fra 2022–2024 skal Elina, som selv er en sjøsamisk og norsk multidisiplinær kunstner og musiker, utvikle et program som inneholder elementer av både forskning, publikumsengasjering og kunstnerisk utøvelse. Gjennom dette programmet utforskes sammenhengen mellom samisk historie, identitet og kulturutsletting og eksperimentell lyd, musikk og ulike måter å lytte på. Gjennom prosjektet skal Elina jobbe internt med Borealis sin administrasjon, skape møteplasser for samiske artister og muliggjøre plattformer for utforsking av eksperimentell samisk lyd og musikktradisjon. Slik vil hun kartlegger hvordan ulike urfolks identiteter oversettes til lyd og musikk.

Støttet av Nordisk kulturkontakt, Nordisk Kulturfond & Kulturrådet

Borealis Artist in Residence Elina Waage Mikalsen presents a daytime programme of performances, eating, and discussions, exploring the field of Sámi sonic experimentalism. What is Sámi experimental music? How do we approach it? How can we make room for it in our programmes? In a relaxed atmosphere, where all are welcome, we’ll listen to archival recordings together, and hear cutting edge new music live performed by young Sámi artists

Viktor Bomstad and Katarina Barruk. We’ll have insight from indigenous artists living outside of Sápmi, and food will be served as we explore this creative space together.

As Borealis artist in residence, Sea Sámi and Norwegian multidisciplinary artist Elina Waage Mikalsen is developing a research, engagement and performance programme that explores the interaction of Sámi history, identity and erasure with experimental sound, music and listening practices. Over two years working with the festival staff, creating spaces for Sámi artists to meet and discuss, and creating platforms to explore and present experimental Sámi sound and music practices, she is collectively mapping different ways in which indigenous identity translates through sound.

Første møte med samisk kultur?

Sjekk ut vår leseliste

First encounter with Sámi culture? check out our reading list

Cecilie Trogstad Johnsen, Sara Berglund Lørdag 18. mars

Gjestekunstner

Elina Waage Mikalsen

Den sjøsamiske og norske kunstneren og musikeren Elina Waage Mikalsen er vår gjestekunstner fra 2022–2024. I løpet av de to neste årene vil Elina, med støtte fra festivalen, utforske sammenhengen mellom samisk historie, identitet og kulturutsletting og eksperimentell lyd, musikk og ulike måter å lytte på. Prosjektet vil ha tre grener, en som er forskningsbasert, en som tar form som deltagende workshops, og et publikumsrettet program. Ved å spørre oss hva samisk lydbasert eksperimentalisme er vil vi sammen utforske hvem som definerer hva å eksperimentere er, hvem som lytter og hvordan, og hvilke rammer som definerer hvordan vi deltar i lytting. Det handler ikke om å finne et definitivt svar på spørsmålet, men om å ha en samtale. Som en ung samisk kvinne med røtter i Norge, vil Elina lede diskusjonen fra sitt ståsted, og bringe andre synspunkter og mennesker inn i både diskusjonen, kurateringen og publikumsengasjeringen. Inspirert av arven til den samiske kunstneren, poeten og musikeren Nils-Aslak Valkeapää også kjent under navnet Áillohaš, vil Elina kartlegge ulike muligheter for lydlig eksperimentering i Sápmi, samtidig som hun trekker inspirasjon fra urfolksperspektiver fra hele verden, og lærer av deres lytte- og organiseringstradisjoner.

Elina er Borealis sin tredje gjestekunstner, og følger i fotsporene til Jenny Moore og Marshall Trammell. Igjen har Borealis invitert en kunstner som arbeider i krysningspunktet mellom lyd, musikk og sosial aktivisme. Denne metoden legger til rette for at både artisten selv, publikum og festivalen som organisasjon kan utvikle seg, og lære. Vi gleder oss til å se hvor Elina sin utforskning og samtale fører oss over de to neste årene

Samene er et urfolk som har sine tradisjonelle bosettingsområder i Norge, Sverige, Finland og Russland, også kalt Fennoskandia. På dette landområdet, Sápmi, har det samiske folket levd i flere århundrer, side om side med naturen. De livnærte seg blant annet gjennom fiske, dyrehold, jakt, og ved å følge reinsdyrene. Det finnes 10 samiske språk på tvers av Norge, Sverige, Finland og Russland.

Sea Sámi and Norwegian artist and musician Elina Waage Mikalsen is our Artist in Residence between 2022–2024. Supported by the festival, Elina will develop a research, engagement and performance programme that explores the interaction of Sámi history, identity and erasure with experimental sound, music and listening practices. Asking the question, “What is Sámi sonic experimentalism?” together we will explore who defines experimentalism, who is listening and how, and what frames define how we take part in listening? Far from building a definitive answer to these research questions, as a young Sámi woman with roots in Norway too, Elina will lead the discussion from her viewpoint and work collaboratively to invite different voices into our discussions, curation and audience engagement. Inspired by the legacy of the seminal Sámi artist, poet and musician Nils-Aslak Valkeapää / Áillohaš, Elina begins by mapping the different possibilities of sonic experimentation across Sápmi and will draw inspiration from global indigenous performance, listening and organising traditions.

As the third Borealis’ artist in residency – following on from Marshall Trammell and Jenny Moore – Borealis once again invites an artist in whose work exploratory sound and music and social justice activism intersect, and provides a framework for development and learning for artist, audiences and the festival as an organisation. We’re excited to see where Elina’s research and conversations lead us over the next two years!

The Sámi are recognised as the indigenous people of the Fennoscandian region. On the land of this region, Sápmi, the Sámi people have lived since time immemorial, respectfully harvesting from nature by fishing, farming, hunting and following reindeer, amongst other activities. There are 10 sámi languages spoken across Norway, Sweden, Finland and Russia.

Gjestekunstneroppholdet støttet av Kulturrådet

Lydlagerlaging (workshop for barn)

11.00–12.00 & 12.00–13.00

Åsane Bibliotek

100,– for barn (gratis for voksne)

Begrenset antall plasser! Aldersgrense 6+.

Sjekk også ut Fami -

liedag på BEK! s. 27

Check out Family Day at BEK! p. 27

Barn må komme i følge med en voksen. Byggingen vil innebære bruk av saks, tråd, lim, metalltråder, tang m.m. Limited places available! Age limit 6+

Kids must come accompanied. The workshop involves use of basic craft materials including scissors, string, glue, metal wire, pliers etc.

Rett fra verdenspremiere med Pinquins kvelden før kommer designer og scenograf Kjersti Alm Eriksen til Åsane Bibliotek for å holde en workshop for barn, og deres foreldre. Kjersti liker å arbeide med analoge maskiner, og deres feil og mangler. Under denne workshopen leder hun barna gjennom bygging av lydlagermaskiner! Det brukes dagligdagse objekter som blikkbokser, papp, aluminiumsfolie og andre ting man har liggende i hjemmet. Hver deltager får ta med seg maskinen sin hjem etter workshopen, og kan videreutvikle den eller bruke den på ulike måter hjemmefra. Med åpne ører og hoder kan man stikke hjem å lage lyd og musikk av alt man har rundt seg!

Presentert i samarbeid med Åsane Bibliotek

Myk Forestilling:

14.00–15.00

Åsane kulturhus, Multisalen 50,–/75,–/100,–

Fresh from her world premiere collaboration with Pinquins the night before, artist Kjersti Alm Eriksen leads a workshop for children and their parents. Kjersti’s work centres around analogue machines and the way that they embrace failure or imperfection. For Borealis she’ll be leading you through the construction of sound making machines using every day objects like tin-cans, cardboard and tin foil. Each participant will get to take their little machine home with them, with the potential to expand it or use it in different ways outside of the workshop, opening ears and minds to the potential of all sounds and objects to create art.

Øyvind Torvund –Plans for Future Operas

Vi ønsker deg velkommen til en Myk Forestilling av Plans for Future Operas! En Myk Forestilling, kjent som Relaxed Performance på engelsk, er for dem som foretrekker en mer avslappet atmosfære når de skal på konsert. Dette inkluderer, men er ikke begrenset til: småbarnsforeldre med barn som trenger å bevege på seg, prate, rope, gråte eller le, mennesker med autisme, sensorisk sensitivitet, Tourette syndrom, læringsvansker eller demens, i tillegg til mennesker som lever med angst, eller mennesker som har opplevd traumer. I en Myk Forestilling fokuserer vi på å tilpasse konsertmiljøet, men fortsatt opprettholde den kunstneriske integriteten til forestillingen.

For mer om hva vi har gjort for å tilpasse forestillingen og informasjonspakke om forestillingen besøk borealisfestival.no

Borealis welcomes you to a Relaxed Performance of Plans for Future Operas! Relaxed Performances are for anyone who would benefit from a more relaxed environment. This can include, but is not limited to, those with small children who need some space to move their bodies or the freedom to talk / shout / cry or laugh, people with autism, sensory sensitivities, Tourette’s syndrome, learning disabilities or dementia, as well as people living with anxiety or people who have experienced trauma. In our Relaxed Performances we focus on relaxing or adapting the concert environment while maintaining the creative integrity of the show.

For more on how we’ve adapted this performance and pre-show resources go to borealisfestival.no

Kjersti Alm Eriksen – workshopleder

Øyvind Torvund –Plans for Future Operas

18.00–19.00

Åsane kulturhus, Multisalen 125,–/175,–/200,–

*Norgespremiere*

I norgespremieren av verket Plans for Future Operas presenterer den internasjonalt anerkjente komponisten og Borealis-gjenganger Øvyind Torvund, planer for fremtidige operaer som fremstår helt urealistiske, og som aldri vil fremføres på en ekte operascene.

Verket er en del av Øyvind sin Plans for Future…serie, og er laget for stemme og keyboard. Gjennom verket presenteres en rekke fragmenterte ideer og fantastiske scenarioer som ikke tar høyde for verken fysikkens- eller akkustikkens lover. Vokalist Juliet Fraser og pianist Mark Knoop fremfører disse ideene fremfor en skjerm som viser Øyvind sine tegninger – håndlagede visualiseringer av hans villeste operafantasier. Tegningene er startpunktet for musikalske ideer uten konsekvenstenkning, og trekker like mye inspirasjon fra hverdagslivet, som fra operaens verden. I Øvyind sin storstilte fantasi presenteres operaer uten grenser, der karakterer kan kommunisere på tvers av tidsepoker, rom og dimensjoner.

Sjarmerende og morsomt som verket er får det oss til å tenke over hva musikkteater er, hva det kan være, og sier samtidig mye om menneskets fremste interesse; kommunikasjon. Gjennom enkle håndlagde tegninger, akkompagnert av musikk, gis det rom for at lytteren selv kan spinne videre på fremtidens opera i sitt eget sinn.

Bestilt av Die Münchener Biennale – Internationales Festival für neues Musiktheater Støttet av Morten Eide Pedersens Minnefond

In this Norwegian premiere, long time Borealis collaborator and Bergen resident, composer Øyvind Torvund, creates plans for future operas and it seems extremely unrealistic that they will ever be completed.

Part of his ongoing series of “Plans for Future…” works, this staged piece for voice and keyboards is a collection of fragments of ideas, fantastical scenarious that pay no heed to the laws of physics and acoustics. Written for soprano Juliet Fraser and pianist Mark Knoop, the performance unfolds in front of an abundance of projected drawings, handmade visualisations of Øyvind’s fantasy opera worlds. These sketches are the starting point for open ended, musical ideas, drawing as much on the sound worlds of everyday life as the formal world of opera. In Øyvind’s large scale plans, operas are imagined without limit, where characters communicate with the past, with people in other rooms and even other dimensions.

Charming as well as funny, the work makes us think about what music theatre is, and can be, and returns often to that most human preoccupation, communication. Through it all, these simple hand drawn sketches, and their wild musical counterparts, leave space for the real futures operas to take flight and come alive in the minds of the listeners.

Øyvind Torvund – komponist, tekst & tegninger Juliet Fraser – sopran Mark Knoop – piano, keyboard & teknikk

Illustrasjon: Øyvind Torvund

Maryanne Amacher – GLIA

20.00–21.00

Åsane kulturhus, Kultursalen 125,–/175,–/200,–*Norgespremiere*

Få med deg samtalen om Maryanne Amacher s.10

Don’t miss the conversation on Maryanne Amacher p.10

Ensemble Contrechamps & Ensemble Zwischentöne

Susanne Peters – fløyte

Dorothee Sporbeck – fløyte

Maximilian Haft – fiolin

Akiko Ahrendt – fiolin

Lucy Railton – cello

Volker Schindel – akkordeon

Helles Weber – akkordeon

Bill Dietz – kunstnerisk leder, elektronikk & dirigent

En sjelden mulighet til å høre det skjellsettende verket GLIA av Maryanne Amacher – en særegen pionér innen lyd og musikk.

“How sounds are perceived – what perceptual modes they trigger, where and how they exist for the listener – becomes as important in shaping an aural architecture as the sonic information: frequencies, tone colors, and rhythms.”

Maryanne Amacher

Maryanne Amacher er en monumental og viktig skikkelse innen den amerikanske avantegarde-tradisjonen. På 70-tallet var hun assosiert med Anthony Braxton og Musica Elletronica

Viva (MEV), og var ofte å se på scenen med store mengder reel-to-reel båndopptakere. Gjennom sitt arbeid med elektronikk, lange toner, og høyt volum oppdaget hun at det indre øret kunne produsere og forsterke toner på egenhånd. Disse lydutslippene fra det indre øret kalles for otoakustikk, og brukes den dag i dag for å teste hørselen til spedbarn. Bruken av otoakustikk ga Maryanne sine fremførelser et kroppslig og spøkelsesaktig lag som ikke kunne fanges på opptak.

Alvin Curran hedret henne med disse ordene i The New York Times, da hun døde i 2009: “Malnourished bundle of genius and bone, thin, taut drinker’s muscle and brains that literally burst in waves of successive icti, the strongest and most fragile woman I have ever known, unequivocally one of the greatest music-makers of the 20th century.”

A rare chance to hear a ground-breaking work by Maryanne Amacher, an idiosyncratic pioneer of sound and music.

“How sounds are perceived – what perceptual modes they trigger, where and how they exist for the listener – becomes as important in shaping an aural architecture as the sonic information: frequencies, tone colors, and rhythms.”

Maryanne Amacher

A monumental, brilliant figure of the American avant-garde, in the 1970s Amacher was a co-conspirator of Anthony Braxton and the group Musica Elettronica Viva (MEV), often accompanied on stage by a pile of reel to reel tape machines. Through her work with electronics, sustained tones and high volumes she discovered that in certain circumstances the inner ear could produce and amplify tones of its own. These “otoacoustic” emissions which are now used in hearing tests for babies, added a visceral, ghostly extra layer to her performances, almost impossible to capture on recordings.

“Malnourished bundle of genius and bone, thin, taut drinker’s muscle and brains that literally burst in waves of successive icti, the strongest and most fragile woman I have ever known, unequivocally one of the greatest music-makers of the 20th century” Alvin Curran in The New York Times, in tribute to composer Maryanne Amacher upon her death in 2009.

Hun var dypt involvert i forskning så vel som utøvelse og musikkskaping, og ble både hedret og misforstått mens hun levde. I 2005 skrev hun verket GLIA til det berlinske Ensemble Zwischentöne. Verket er skrevet for sju instrumenter og elektronikk, og er oppkalt etter gliaceller – en type hjernecelle som har lange utløpere som omslutter enkelte synaptiske områder i hjernen, som en slags isolasjon fra nabostrukturene. Musikerne er plassert i en pyramideform i midten av konsertsalen, mens høytalerne omringer publikum. Maryanne forestilte seg publikum som en slags gliacelle som fungerer som en overgang mellom de elektroniske og akustiske elementene i verket.

GLIA ble bare fremført en gang mens Amacher var i live, og er blitt rekonstruert av hennes samarbeidspartner over mange år, Bill Dietz. Han leder konserten under Borealis med utøvere fra Ensemble Contrechamps og noen av originalmedlemmene fra Ensemble Zwischentöne.

Støttet av Pro Helvetia

Deeply involved in research as well as performance and creation, and simultaneously celebrated and misunderstood whilst she was alive, in 2005 Amacher wrote GLIA for the Berlin-based Ensemble Zwischentöne. For seven instruments and electronics, the piece is named after the brain cells which assist in neurotransmission between synapses. With the performers sat on a pyramid structure in the middle of the concert space, and loudspeakers circling the edges, Amacher imagined the listener as a sort of ‘glial’ interface between the electronic and acoustic elements of the work.

Only performed once during her liftetime, GLIA was reconstructed for performance by her previous collaborator Bill Dietz, who leads tonight’s Norwegian premiere, with Swiss based Ensemble Contrechamps and original performers from Ensemble Zwischentöne.

Maryanne Amacher under prosessen med Sound House – Mini Sound Series. Capp Street Projects, San Fransico, 1985.

Foto: Peggy

Weil

Borealis X Bergen Kunsthall:

Laura Ortman + Ziúr & Elvin Brandhi + DJs

22.00–03.00

Bergen Kunsthall, Landmark 100,–/125,–/150,–*Verdenspremiere*

Borealis og Bergen Kunsthall samarbeider om en kveld på Landmark som blander eksperimentell musikk og klubbkultur. Det er en glede å kunne få Laura Ortman over Atlanteren til Bergen –fiolinisten fra urfolksstammen White Mountain Apache. Det blir hennes første konsert i Norge, og et kjærkomment gjensyn etter smakebiten vi fikk gjennom konsertfilmen Brooklyn Bridge Bergen laget til festivalen i 2021. Laura sin unike musikalske energi og blandingen av intens fiolinteknikk og støyelementer, skaper en lydverden som både er hypnotiserende og energisk. Ziúr & Elvin Brandhi tar med seg sin sammensmeltning av særegen vokalakrobatikk og pønkete elektronikk fra Berlins klubbmiljø til Landmark, for å fremføre sitt lydsystem-knusende samarbeid live for første gang. De to har jobbet frem nytt materiale under et kunstneropphold ved Inkonst i Malmø, og raffinerer showet sitt på BEK – Bergen senter for elektronisk kunst en uke i forkant av festivalen. Sammen går de til angrep på dansegulvets utdaterte tradisjoner med uhåndterlige komposisjoner som setter heftige rytmer opp mot intense sangteknikker, og skaper et friskt nytt språk helt uten grenser.

Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthall & BEK – Bergen senter for elektronisk kunst.

Del av New Perspectives for Action. Et prosjekt av Re-Imagine Europe, delfinansiert av Den europeiske union.

Borealis and Bergen Kunsthall once again join forces to take over Landmark and present a night blending the best of experimental music and club culture. We’re delighted to welcome back to Borealis White Mountain Apache violinist and artist Laura Ortman to perform live in Norway for the first time, after her incredible COVID film performance in 2021. Laura’s live energy and musical blend of intense violin techniques and overdriven noise chains creates sound worlds that are both hypnotic and energising. Fusing free-spirited vocal acrobatics with punk electronics from the dimly-lit heart of Berlin, Ziúr & Elvin Brandhi are poised to debut their brand new soundsystem-destroying live collaboration. After a week writing new material at Inkonst in Malmö, they’ve had another week to refine their live show in residence at BEK – Bergen Centre for Electronic Arts. Attacking dancefloor traditionalism with unwieldy compositions that juxtapose precarious rhythms with guttural shrieks, they’re creating a vital new language that’s truly without borders.

Foto: Whitney Museum of American Art

Foto: Elvin Brandhi

Foto: Mai Nestor

Musikk for sjøbading:

Mira Thiruchelvam

11.00–12.00

Nordnes Sjøbad

100–230,–*Verdenspremiere*

Konsert + tilgang på basseng: 120,–/180,–/205,–/230,–

Eller, du kan delta på dette arrangementet uten å bade.

Konsert (uten tilgang på basseng): 100,–/125,–/150,–

Concert + pool access: NOK 120/180/205/230

Or, you can take part in this event without swimming Concert (no pool access): NOK 100/125/150

Borealis presenterer et nytt verk fra komponist og utøver Mira Thiruchelvam, formet og inspirert av det unike Nordnes Sjøbad – en utendørs badeoase i Bergen sentrum etablert i 1910. Mira er en dynamisk og sterk stemme som har gjort seg gjeldende på det norske musikk-kartet de siste årene. Hun mottok Edvard-prisen i kategorien Årets Utfordrer i 2020 for sine komposisjoner, og henter frem både sin norske og tamilske bakgrunn enten hun lager musikk til 9 Grader Nord, produserer og arrangerer for Gutu Abera, eller står på scenen og spiller med Karpe. Mira vokste opp i arbeiderklassestrøket på Laksevåg, og hadde utsikt over fjorden til Nordnes-halvøyen, og Nordnes Sjøbad. Familiens røtter strekker seg tilbake til Jaffna på Sri Lanka – også en halvøy som stikker ut mot det åpne hav. Hennes nye verk skapes til det historiske utebadet, for både svømmende og ikke-svømmende publikum, og trekker på de komplekse rytmene og harmoniske strukturene fra tamilsk musikktradisjon, og gir henne muligheten til å utforske et mer langstrakt format, både gjennom lyd og fremførelse. Komposisjonene hennes er karakterisert av lyden, men også det visuelle og poetiske, tre elementer som i tamilsk kunsttradisjon er helt avhengig av hverandre – இயல், இசை, நாடகம்/ poesi, musikk, drama.

Musikk for sjøbading er en serie med bestillingsverk laget for Borealis og Nordnes Sjøbad – et saltvannsbasseng på tuppen av Nordnes i Bergen, som har tatt i mot badeentusiaster siden 1910. Enten man ønsker å bade eller bare lytte, er Musikk for sjøbading en unik måte å høre nye musikkstykker på.

Mira Thiruchelvam – komponist

Thanusha Chandrasselan – danser

A brand new work from composer and performer Mira Thiruchelvam, crafted for the unique environment of Nordnes Sjøbad, the historic outdoor bathing spot in the centre of Bergen established 1910. A dynamic young voice in the Norwegian music scene, and recipient of TONO’s Edvard prize for composition, Mira Thiruchelvam brings both her Norwegian and Tamil heritage to the table as she makes music with her band 9 Grader Nord, producing and arranging for Gutu Abera, and performing with Karpe. Growing up in the historically working-class city district of Laksevåg, looking across the water to Nordnes, her family roots are on the Jaffna peninsula, in Tamil Sri Lanka – a spit of land that also reaches out in to the ocean. This new work composed for the unique outdoor setting of swimming and non-swimming audiences draws on the complex rhythms and harmonic structures of Sri Lankan Tamil folk music, and gives her space to explore longer form ideas both in sound and performance. Her work is characterised by a care for both sound and visual, drawing on the interconnected universe of Tamil arts –

நாடகம்/ poetry, music and drama.

Musikk for Sjøbading is a unique series of commissions for the setting of the Nordnes Sjøbad, a saltwater pool that has been hosting Bergen’s cold water swimmers since 1910. Whether you swim or not whilst you listen, it creates a unique Sunday morning environment for listening to new work.

Bestillingsverk støttet av Kulturrådet Presentert i samarbeid med Nordnes Sjøbad.

இயல்,

Foto: Kristoffer Ivan

Familiedag på BEK!

12.00–16.00

BEK – Bergen senter for elektronisk kunst Gratis

Det er gratis inngang til Familiedag på BEK!

Lydsløyfe-workshop

12.00–16.00

Gratis, drop-in. Alle aldre er velkommen.

Entrance is free of charge!

Sonic Loops workshop

12.00–16.00

Free, drop in. All ages welcome.

Lydlagerlaging med Kjersti Alm Eriksen

12.00–13.00 & 13.00–14.00 100,– per barn. Anbefalt for 6+.

Ta med hele familien og fordyp deg i lydeksperimenter på BEK – Bergen senter for elektronisk kunst på Nordnes! Familiedagen på BEK er for mennesker i alle aldre. Stikk innom og utforsk lydsløyfer, og ulike måter å lage dem på ved hjelp av linjaler, tape og magnetisk spolebånd på båndopptakere som strekker seg gjennom bygningen. Eller skaff deg billett til Kjersti Alm Eriksen sin workshop Lydlagerlaging der du får lage små lydlager-roboter av hverdagsting. Om du ikke vil delta på noen av workshopene er det masse plass til å tegne, rulle rundt på gulvet, og massevis av kaffe og vafler til de som trenger det.

Så stikk innom lydekspertene på BEK, og utforsk et vell av lyder!

Presentert i samarbeid med BEK – Bergen senter for elektronisk kunst

Lydlagerlaging workshop with Kjersti Alm Eriksen

12.00–13.00 & 13.00–14.00

NOK 100 per child. Recommended for 6+.

Bring the whole family for an afternoon of sonic experimentation for all ages at the Bergen Centre for Electronic Arts (BEK) in Nordnes! Drop by to explore sonic loops, and different ways to make them using rulers, crayons and magnetic tape on reel to reel recorders extending far into the building and back again. Or sign up to take part in artist Kirsti Alm Eriksen’s workshop making tiny fallible sound making robots out of every day objects. Even if you’re not taking part in a workshop there’s plenty of room for colouring and space to roll around for the smallest, and lots of coffee and waffles for those who need it.

Stop by BEK to explore the universes of sounds at our fingertips.

Foto: Thor Brødreskift

Vilde&Inga X Lo Kristenson: Erfarenheter av trä – till den skog som en gång var

16.00–17.00

Studio Bergen

125,–/175,–/200,–*Verdenspremiere*

Vilde&Inga:

I det helt nye verket Erfarenheter av trä – till den skog som en gång var ser Lo Kristenson nærmere på forholdet mellom strykeinstrumentenes trekropp, og de levende organismene og vekstene som finnes i en skog. Kan musikere og skapende mennesker lære noe av trærne?

Verket tar utgangspunkt i menneskets relasjon til trær og trematerialer. Stadig får vi ny kunnskap om skogsøkologi som utfordrer våre relasjoner til trærne. Vi vet nå at trær har et slags kollektivt minne som kan kommunisere til andre trær gjennom rotsystemer og mycelium. Trærne lever sine liv i samarbeidende kollektiv. Musikken vil fremføres fra et partitur som er delvis grafisk, der Kristenson kombinerer tradisjonell noteskrift med visuelle tegn inspirert av årringer, bark, rotsystemer og næringskjeder. I tillegg til dette lager Kristenson et rammeverk med instruksjoner og klanger der både komponisten og utøvernes uttrykk får spillerom. Både Kristenson og Vilde&Inga er interesserte i å utforske potensialet i å la det komponerte og noterte få møte det uforutsigbare og spontane i improviserte øyeblikk. Med Erfarenheter av trä – till den skog som en gång var ønsker de å skape et rom for å minnes all skog som ikke lenger finnes – områder som har blitt utsatt for avskoging, der trærne har blitt røsket opp med roten og grunnen blitt pløyet. Områder som har mistet sine røtter og nettverk, og gjennom det, sin evne til å samarbeide. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet

Få med deg Vilde&Inga X Jo David Meyer Lysne s.12

Don’t miss Vilde&Inga X Jo David Meyer Lysne p.12

Building on a deep engagement with trees and forest ecosystems, Lo Kristenson’s new work for Vilde&Inga asks what we as humans can learn from the trees and their world. Based on the human relationship with trees and wooden materials, Kristenson looks closely at the connections between the wooden body of stringed instruments and the living organisms and plants found in a forest. As we gain new knowledge about forest ecology our relationship with the trees is also challenged, and we now know that trees have a kind of collective memory that can communicate to other trees through root systems and mycelium. The trees live their lives in cooperative collectives.

Performed from a score that is partly graphic, Kristenson combines traditional notation with visual signs inspired by annual rings, bark, root systems and food chains. Referencing the trees cooperative collectives, Kristenson creates a framework with instructions and sounds where both the composer and the performers expressions are given room to play. Both Kristenson and Vilde&Inga are interested in exploring the potential of allowing the composed and notated to meet the unpredictable and spontaneous in improvised moments. With Experiences of wood – to the forest that once was, they want to create a space to remember the forests that no longer exist. Forests that have been subjected to deforestation, where the trees have been uprooted and the ground has been plowed. Where the site now has lost its foundational network and its ability for cooperation.

Lo Kristenson – komponist

Vilde Sandve Alnæs – fiolin

Inga Margrete Aas – kontrabass

Foto: Sigrid Bjorbekkmo, Inga Margrete Aas

Maia Urstad –IONOS

19.00–20.00

Bergen Kjøtt

125,–/175,–/200,–*Verdenspremiere*

I et splitter nytt verk av den anerkjente lydkunstneren og komponisten Maia Urstad utforskes amatørradioens særegne lydunivers. En gren av amatørradio-kulturen heter DX-ing – en syssel som kan fremstå som noe foreldet i den digitale tidsalderen. Men, med sin nær hundreårige historie og relativt enkle teknologi, søker entusiaster over hele kloden fremdeles kontakt med fjerne himmelstrøk og hverandre via langtrekkende radiosignaler. DX står for ”The Distance X”, og går ut på å motta og sende radiosignaler, gjerne over store avstander. Ved å vende radiosendere mot himmelen, reflekteres høyfrekvente radiobølger tilbake fra ionosfæren. Disse radiosignalene kan reise over lange distanser. Over flere tiår har entusiastiske DX-ere mang en gang plukket opp signaler fra andre deler av verden, og forsøkt å opprette kontakt ved å sende meldinger tilbake. I Maia sitt nye verk kombinerer hun overføring og mottak av radiosignaler i sanntid med bearbeidet og forhåndsinnspilt lydmateriale. Verket spilles av i flere kanaler, med høyttalere som vil omgi publikum, og er nesten som en sang fra eteren, der en blanding av signaler og støy bestemmes av tilstanden i atmosfæren. Muligheten for å knytte kontakt, og å være del av et miljø av lyttere rundt omkring på kloden skjer i sanntid – og kanskje får vi også noen nye venner i løpet av fremførelsen av verket!

Maia Urstad sitt nye verk markerer at det er 20 år siden hun for første gang var kunstner på Borealis i 2004. Den gangen hadde hun laget installasjonen Lydmur, som ble utstilt i et midlertidig galleri i Strandgaten 218 på Nordnes.

Bestillingsverk støttet av Kulturrådet

Radioamatører:

Øystein Ask, LA7CFA

Erik Chancy, LB1KJ

Unni Borge, LA9BGA

Irmantas

A brand new performance piece from renowned Bergen based soundartist and composer Maia Urstad, exploring the intriguing sound world of amateur radio. Often considered obsolete in today’s world of digital communication, amateur short wave radio or DX’ing, is an enduring low-fi form of connecting that spans the globe. By angling transmitters towards the sky and “bouncing” high frequency radio waves off the ionosphere shortwave radio can travel great distances, and for decades when enthusiastic listeners have picked up distant signals they have tried to make contact back. For this new work Maia combines the act of live radio transmission and receiving with modulated and pre-recorded sound worlds. This multi-channel immersive performance is a kind of “ether song” where the mix of signal and noise is determined by atmospheric conditions, and the possibility of connecting and building community across borders happens in real time – perhaps we’ll make new friends across the world during the piece!

Maia Urstad’s new work marks 20 years since she first appeared as a Borealis artist, with the installation Lydmur during Borealis 2004, installed in a temporary exhibition space at Strandgaten 218 in Nordnes.

Prosjekt støttet av BEK – Bergen senter for elektronisk kunst Presentert i samarbeid med Bergen Kjøtt.

Maia Urstad – komponist

Lars-Andreas Forthun – lydtekniker

Butkevicius, LB1AH – kabel & antenne

Foto: Sharon Bailey

Alwynne Pritchard & BIT20 Ensemble –

Counting Backwards

21.00–22.00

Cornerteateret, Kongesalen

180,–/225,–/250,–*Verdenspremiere*

Alwynne Pritchard – Arnabuar og tidligere kunstnerisk leder for Borealis – inntar 20-årsjubileet med verdenspremieren på sitt verk Counting Backwards. Verket er bestilt av BIT20 Ensemble, dirigert av Jack Sheen, og har et barn som forteller, et talekor og en stum trestamme. Gjennom Counting Backwards stiller Alwynne spørsmål ved om vi mennesker, som har skapt klimakrisen, egentlig kan finne svar uten å tenke radikalt nytt om hvem vi er, og vår eksistens.

“Someone suggested to me recently that as human beings we should see ourselves as co-evolved parasites of the earth’s systems. If this is so, maybe nothing we do will ever solve the problems we’ve created. Maybe we should think instead of undoing: of letting go, descending, releasing – decaying, even. Perhaps before optimism and action, we need to experience collective grief – to cultivate acts in which we can submit to the necessity for our own inertia.”

I verket omringer de virtuose musikerne i BIT20 Ensemble publikum, og skaper en altoppslukende konsertopplevelse. Fra stillheten høres en barnestemme, og ekkoet fra et kor. Lyden av vann, steiner og treverk er også tilstede i rommet. Det telles bakover.

Alwynne grubler over vår arts evne til å skape endring, og utfordrer samtidig seg selv som komponist ved å avdekke egen kunnskap, og finne nye måter å jobbe på. Verket ligner ikke noe av det hun tidligere har skrevet – med nyskapt symbolikk og metoder, prøver hun å finne veien til optimismen gjennom sorg.

Presentert i samarbeid med BIT20 Ensemble Bestillingsverk støttet av Kulturrådet.

BIT20 Ensemble

Jack Sheen – dirigent

Alwynne Pritchard – komponist, forteller & vokalist

Dulcie Pugh – barneforteller

Alexander Fiske Fosse, Gunhild Sannes Larsen, Mirte Bogaert og Philipo Njaidi – bevegelse

Mirte Bogaert – bevegelseskonsulent

Thorolf Thuestad – lyd

Silje Grimstad – lys

Victoria Pritchard – stemmepedagog

Michele Braga – feltopptak

Bergen based composer and former Borealis director Alwynne Pritchard premieres her newest commission from the BIT20 Ensemble, conducted by Jack Sheen, featuring a child narrator, speech choir and a mute tree stump. Through this work, Alwynne questions whether we, the people who have created the climate crisis can really find the answers without radically rethinking who we are and how we exist.

“Someone suggested to me recently that as human beings we should see ourselves as co-evolved parasites of the earth’s systems. If this is so, maybe nothing we do will ever solve the problems we’ve created. Maybe we should think instead of undoing: of letting go, descending, releasing – decaying, even. Perhaps before optimism and action, we need to experience collective grief – to cultivate acts in which we can submit to the necessity for our own inertia.”

In Counting Backwards, the virtuosic musicians of BIT20 Ensemble surround the audience, creating an immersive concert experience. Through the stillness a child’s voice speaks, echoed by a choir. Sound of water, stones, wood are present in the space. Counting backwards.

As she ruminates on our ability as a species to effect change, Alwynne challenges herself as a composer to unravel her own knowledge, to find new ways of working. Writing a piece unlike her previous work, she challenges herself to create new symbologies and mythologies. She tries to find a way to optimism through grief.

Festivalbar Festivalbar

17. & 18. mars 21.00–01.00

Bergen Kunsthall, Landmark

Stikk innom Festivalbaren på Landmark torsdag og fredag under festivalen. Møt artister, festivalgjester, gode venner og boltr deg i den deilige festivalstemningen.

Drop by the Festival Bar at Landmark Thursday and Friday of the festival! Meet artists, festival guests and good friends and wallow in the lovely festival feeling.

Borealis – ein sider for eksperimentell musikk

Ingen bursdag uten et godt brygg. I anledning 20-årsjubileet har vi fått hjelp av den fantastiske gjengen i Harding Økologiske Sideri. Med epler fra Nes gard lages de deiligste drikker, helt økologisk uten bruk av kommersiell gjær. Oppskriften er enkel, og du kan smake herligheten på festivalen.

1. Plukk de beste økologiske eplene fra gården din i Hardanger

2. Press eplene for hånd mellom bakkar og berg, ha oppi litt økologisk sukker og villgjæren som du har foredlet de siste 8 årene…

3. La sideren gjære kaldt i cirka 5 måneder, slik de gjorde det før i tiden

4. Inviter nabogårdene på smaking!

Borealis – a cider for experimental music

No birthday without a nice brew. For our 20th Anniversary we’ve teamed up with the lovely people of Harding – a organic cider producer situated in lovely Hardanger. They make a killer cider from apples growing in Nes farm completly free of commercial yeast. The recipe is simple they claim. We’ll leave the cider-making to the experts though, so get it at the festival!

1. Pick the best apples from your very own farm in Hardanger

2. Press the apples by hand whilst watching the picturesque hills and fjords. Add some organic sugar and wild yeast that you’ve nurtured for the last 8 months…

3. Leave the cider to develop for 5 months in a cold space like they did back in the days

4. Invite all the neighbouring farms for a taste!

Radio Space

15.–31. mars 24/7

borealisfestival. no

Radio Space er tilbake! I samarbeid med det danske radioprosjektet The Lake strømmer vi bestillingsverk skapt for radio-formatet, 24 timer i døgnet mellom 15.–31. mars. Works for Radio er et bestillingsverk-prosjekt som har sørget for at ny musikk blir laget for radio-formatet, siden 2016. Som del av dette prosjektet har vi, sammen med Radiophrenia i Glasgow og colaboradio i Berlin plukket ut fem nye verk for kringkasting laget av Kari Robertson, Nicole L’Huillier, Jenny Hval, Asmaa Jama og Linda Lamignan som alle opererer i ulike felt. Utfordringen de fikk var å reagere lydlig på idéen om “livet på bunnen av innsjøen”. Hvilke myter, skatter, søppel og skapninger lever i innsjøens trykkende miljø, bortgjemt fra vårt synsfelt, dagslys og luft? Hva skal man spare på, og hva bør få bli?

Sjekk ut kringkastingen for å høre resultatet!

Borealis Radio Space returns in a special collaboration with Danish radio project The Lake, to stream new commissioned Works for Radio, 24/7 between 15–31 March. Initiated by The Lake, Works for Radio is a commissioning project that since 2016 has facilitated new art being made for radio. For this project Borealis joined like minded radio broadcasters Radiophrenia (Glasgow, UK) and colaboradio (Berlin, DE) in selecting five new art works for broadcast from artists Kari Robertson, Nicole L’Huillier, Jenny Hval, Asmaa Jama and Linda Lamignan. With each artist coming from very different backgrounds, from broadcast, visual arts to music, this project challenged them to respond to the open idea of “life at the bottom of the lake” – what myths, treasures, trash or creatures are living under the immense pressure, shielded from our attention, daylight and air? What needs to be salvaged and what needs to stay?

Tune in to find out how they respond!

Presentert i samarbeid med The Lake

Foto:

Foto: Jenny Berger Myhre

Foto: Despina Papachristoudi

Foto: Ann Sophie Vagle

Foto: ukjent

Foto: Nicole L’Huillier & Patricia Dominguez

Artister Artister Artister

Alwynne Pritchard

Alwynne Pritchard jobber med lyd, stemmen og kroppen sin. Hun er komponist, sanger, utøver og skuespiller, som også spiller fiolin. Hun lager teater, jobber med tekst og bruker farger og bilder for å gi liv til tankene sine. Alwynne har skapt verk for orkestre, ensembler, solo-musikere og andre utøvere internasjonalt, og har tatt del i sceneproduksjoner rundt om i Europa. I 2015 var hun med å stifte musikk- og teaterproduksjonsselskapet Neither Nor. Hun er også utøver i egne musikkteater-stykker som Hospice Lazy, og We, Three, som ble vist på teaterscener i Tyskland, Latvia og Norge, og i solo-serien hennes Vitality Forms som hun har fremført rundt om i Europa, Skandinavia og USA. Gjennom solo-prosjektet hennes DOG/GOD har hun per dags dato bestilt mer enn tjue verk fra komponister verden over, som hun nå turnerer med internasjonalt under navnet MONGREL . Alwynne sitt profesjonelle liv har også inkludert perioder som kunstnerisk leder, både for Borealis fra 2008–2014, og for BIT20 Ensemble i Bergen. I tillegg har hun vært ansatt i komponistgruppen ved Trinity Laban, og som programleder for BBC Radio 3.

Alwynne Pritchard works with sound, her voice and her body. She is a composer, singer, physical performer and actor, who also plays the violin. She makes theatre, works with text and uses colours and images to inform her thinking. Alwynne has created work for orchestras, ensembles, solo musicians and other performers internationally, and has appeared in stage productions in France, Germany, Italy, Latvia, Norway and the UK. In 2015, she co-founded the music-theatre company Neither Nor. Alwynne has also appeared in her own music-theatre pieces, such as Hospice Lazy and We, Three, performed in theatres in Germany, Latvia and Norway, and in her solo series Vitality Forms which she has performed across Europe, Scandinavia and in the USA. To date, Alwynne has commissioned more than twenty solo music-theatre works from composers around the globe for her solo project DOG/GOD, which she is now touring internationally as MONGREL . Alwynne’s professional life has also included stints as the Artistic Director of Borealis from 2008–2014 and for BIT20 Ensemble in Bergen. She has also been a member of the composition staff at Trinity Laban in London and a presenter for BBC Radio 3.

Alwynne was born in Glasgow, grew up in Bristol and now lives in Bergen.

Amber Ablett er en kunstner og forfatter bosatt i Bergen. Gjennom performance, tekst, lyd og gjenskapelse ser arbeidet hennes på viktigheten av tilhørighet. Hun fokuserer på måter å være sammen på, og ser på hvordan samfunnet vårt former, reflekterer, kontrollerer og begrenser våre sammensatte identiteter. Amber tar utgangspunkt i sin egen posisjon som en svart krysskulturell kvinne bosatt i Norge, for å skape rom for spørsmål, fellesskap og kritisk tenkning. Hun er opptatt av hvordan vi lærer om oss selv gjennom å lære om andre mennesker, og hvordan indre og opplevde følelser av hva hjem er kan komme i konflikt. Amber bruker ofte workshops og samlinger som et alternativ til normative måter å stille ut på.

Amber Ablett is an artist and writer based in Bergen, Norway. Using performance, text, sound and re-enactment, her work looks at the importance of belonging. She focuses on how to be together, and how our society shapes, reflects, controls and limits our multifaceted identities. Amber uses her own position, as a Black mixed race woman living in Norway, as a starting point to create a space for questioning, communality and critical thinking. She is interested in how we learn about ourselves through learning about other people, and the conflict between our internal and perceived sense of home. Stepping away from spectacle, Amber often uses workshops and gatherings as an alternative to normative exhibition frameworks.

Amber Ablett

Amber Ablett –Foto: Jan Khur

Anahita Abbasi er en iransk komponist, for tiden bosatt i San Diego, USA hvor hun tar en doktorgrad i komposisjon hos Rand Steiger ved University of California San Diego. Hun komponerer akustisk og elektroakustisk musikk, som har blitt beskrevet som en svimlende sofistikert dagdrøm, med tykke og pulserende teksturer. Hun har tidligere studert komposisjon, blant annet hos Beat Furrer, samt musikkteori, ved University of Music and Performing Arts i Graz, Østerrike. Hun har jobbet tett på en rekke anerkjente komponister og musikere, som Georges Aperghis, Franck Bedrossian, Philippe Leroux, Francesco Filidei og Raphael Cendo. Musikken hennes har blitt fremført i mange land, både i Europa, USA og Asia. I 2013 var hun med å grunnlegge Schallfeld – Ensemble for Contemporary Music and Sound Art i Graz, Østerrike. I 2014 mottok Anahita arbeidsstipend fra Experimentalstudio des SWR i Freiburg, Tyskland, og i 2015 vant hun ASCAP pris for unge komponister.

Anahita Abbasi is an Iranian composer of acoustic and electroacoustic music. Her music has been described as a dizzyingly sophisticated reverie with dense and pulsating textures. She has previously studied composition, with composer Beat Furrer amongst others, and music theory, at University of Music and Performing Arts in Graz, Austria. She has worked closely with various master composers and musicians such as Georges Aperghis, Franck Bedrossian, Philippe Leroux, Francesco Filidei and Raphael Cendo. Her music has been featured in various countries in Europe, USA and Asia. In 2013 she co-founded Schallfeld – Ensemble for Contem-

porary Music and Sound Art in Graz, Austria. In 2014 she received a working grant from Experimentalstudio des SWR in Freiburg, Germany, and in 2015 she was the winner of the ASCAP Young Composers Award. She is currently residing in San Diego, USA and pursuing her PhD in Composition with Rand Steiger at the University of California San Diego.

Asmaa Jama

Asmaa Jama er en kunstner og forfatter fra Somalia, bosatt i Bristol, Storbritannia. Som forfatter har Asmaa blitt hyllet av Brunel African Poetry Prize, og nominert til blant annet Wasafiri Writing Prize, James Berry Prize, New Poets Prize, og National Poetry Competition. Asmaa var med i Cave Canem-programmet i 2021, og er i år en del av Young Poets-programmet til The Barbican i London. De har også gitt ut poesiantologier på forlagene Flipped Eye og 20.35 Africa, og slipper en ny novelleantologi med Comma Press senere i år. Som filmregissør har Asmaa laget bestillingsverk for BBC Arts med den interaktive filmen Before We Disappear (2021), og for Bristol Old Vic med The Season of Burning Things (2021). Sistnevnte video-verk ble også vist på den 17. Veneziabiennalen for arkitektur. Asmaas kommende separatutstilling, som presenterer et nytt video-verk laget med deres samarbeidspartner Gouled Ahmed, åpner på Spike Island i Bristol i år.

Asmaa Jama is a Somali interdisciplinary artist and writer based in Bristol, UK. As a writer, Asmaa has been praised by the Brunel African Poetry Prize, shortlisted for the Wasafiri Writing Prize, James Berry Prize, New Poets Prize and longlisted in the National Poetry Competition. Asmaa was a Cave Canem Fellow in 2021, and is this year part of the Barbican Young Poets programme. They have also been published in poetry anthologies by Flipped Eye and 20.35 Africa, and in a forthcoming short story anthology with Comma Press. As a film director, Asmaa was commissioned by BBC Arts to make the interactive film Before We Disappear (2021), and by Bristol Old Vic to make The Season of Burning Things (2021), which was screened at the 17th Venice Biennale of Architecture. Asmaa’s upcoming solo exhibition, which will feature a new moving image work created together with their long term collaborator Gouled Ahmed, will open at Spike Island, Bristol, in 2023.

Anahita Abbasi

Anahita Abbasi –Foto: Niloufar Shiri

Axel Wieder

Axel Wieder er direktør ved Bergen Kunsthall. Han er utdannet kunsthistoriker og kulturteori ved Universitetet i Cologne og Humboldt Universitetet i Berlin, med spesialisering innen konseptuell kunst, historien til utstillinger og moderne arkitektur. Han er en av grunnleggerne av bokhandelen Pro qm i Berlin, har vært kunstnerisk leder ved Künstlerhaus Stuttgart, samt kurator og programsjef ved Arnolfini i Bristol. I 2012 organiserte Axel en utstilling om Maryanne Amacher sitt kunstneriske virke på daad og Hamburger Bahnhof i Berlin, som også ble vist på Bonner Kunstverein i 2014. Han ledet Index – The Swedish Contemporary Art Foundation i Stockholm før han tok jobben som direktør ved Bergen Kunsthall. Hans arbeid har ofte fokus på utstillingshistorikk og teori, arkitektur, sosiale rom og politisk representasjon.

Axel Wieder is Director at Bergen Kunsthall. He studied art history and cultural theory at the University of Cologne and the Humboldt University in Berlin, specializing in conceptual art, the history of exhibitions and modern architecture. He cofounded Pro qm in Berlin, was Artistic Director of Künstlerhaus Stuttgart, and Head of Programme at Arnolfini in Bristol. In 2012 Axel organised an exhibition about the work of Maryanne Amacher at daad and Hamburger Bahnhof in Berlin, which travelled to Bonner Kunstverein in 2014. Before he took the job as Director of Bergen Kunsthall he was Director of Index – the Swedish Contemporary Art Foundation in Stockholm. His work is often focused around exhibition history and theory, architecture, social spaces and political representation.

Beat Furrer

Beat Furrer er komponist og dirigent, født i Schaffhausen, Sveits og bosatt i Wien, Østerrike. Han er kjent for sin nyanserte utforskning av den menneskelige stemmen og dens forhold til instrumenters lyd. Siden 80-tallet har Beat komponert et bredt spekter av verk, fra solo- og ensemblemusikk til orkester- og korverk, samt opera. Han studerte direksjon og komposisjon ved University of Music and Performing Arts. Ti år senere grunnla han ensemblet Klangforum Wien, som han var leder av i syv år, og som han fortsatt har tilknytning til som dirigent. Senere medgrunnla han impuls, et internasjonalt ensemble- og komponistakademi for samtidsmusikk. I 1991 ble Beat professor i komposisjon ved University of Music and Performing Arts i Graz,

i tillegg har han vært gjesteprofessor i komposisjon ved Musikkhøgskolen i Frankfurt. Beat komponerte sin første opera, Die Blinden, på oppdrag fra Wiens statsopera. Hans andre opera, Narcissus, hadde premiere under festivalen steirischer herbst på Graz Opera. Arbeidet hans som komponist har vunnet ham en rekke imponerende priser, som Gulløven på Veneziabiennalen i 2006 for verket FAMA, Wiens musikkpris i 2004, og Great Austrian State Prize i 2014.

Beat Furrer is a composer and conductor, born in Schaffhausen, Switzerland and based in Vienna, Austria. He is well known for his nuanced exploration of the human voice and its relationship to instrumental sound. Since the 1980s Beat Furrer has composed a wide range of works, from solo and ensemble music to orchestral and choral works, as well as opera. After moving to Vienna when he was 21, he studied conducting and composition at the University of Music and Performing Arts there. 10 years later he founded ensemble Klangforum Wien, which he directed for 7 years, and which he is still associated with as conductor. He later co-founded impuls, an International Ensemble and Composers Academy for Contemporary Music. In 1991 Beat became a Professor of Composition at the University of Music and Performing Arts in Graz, and has also been a guest professor in composition at the Music Academy in Frankfurt. Beat composed his first opera, Die Blinden, on commission by the Vienna State Opera. His second opera, Narcissus, was premiered as part of the Festival steirischer herbst at the Graz Opera. His work as a composer has awarded him a long list of impressive prizes, like the Golden Lion at the Venice Biennale in 2006 for his work FAMA, the Music Prize of the City of Vienna in 2004, and Great Austrian State Prize in 2014.

Beat Furrer –Foto: David Furrer

Beril Sarıaltun

Beril Sarıaltun er musiker, lyddesigner og produsent bosatt i Istanbul, Tyrkia. Hun spiller trommer og perkusjon, og har laget lyddesign og komponert musikk for teater. Hun er en av grunnleggerne og produsentene av plateselskapet BGST Records som støtter alternative lyder og moderne tilnærminger i musikkbransjen. I dag produserer hun podcastprogrammet K’nın Sesi (Voice of K), som presenterer lytteteater og samtaler basert på erfaringer fra kvinner, skeive og transpersoner med ulike bakgrunner knyttet til klasse, etnisitet, alder, seksualitet, og funksjonsevne. Hun har designet flere populære workshops og kurs, om blant annet musikkens grunnleggende elementer, musikkskaping med Ableton Live, og prinsipper for rytme og perkusjon. Hun er grunnleggeren av Beats By Girlz Turkey – en søstergruppe av Beats By Girlz, som styrker neste generasjons kvinner og kjønnskreative individer gjennom musikk og teknologi. Hun jobbet også som musikkkurator for den første utgaven av WOW Istanbul – en årlig kunst- og vitenskapsfestival som hovedsakelig holder til i London, og som feirer prestasjonene til kvinner og jenter og synliggjør hindringene de møter globalt.

Beril Sarıaltun is a musician, sound designer & producer based in Istanbul, Turkey. She plays drums and percussions, and has worked with sound design and composing music for theatre. She is one of the founders and producers of the record label BGST Records, which supports alternative sounds and contemporary approaches in the music industry. She is currently producing the podcast program K’nın Sesi (Voice of K). On the podcast

you will hear audio drama plays and conversations based on experiences of women and LGBTQ+ people with diverse backgrounds relating to class, ethnicity, age, sexuality and ability. She has designed popular workshops and courses in several subjects, like Fundamentals of Music, Making Music with Ableton Live, and Principles of Rhythm & Percussion. She is the founder of Beats By Girlz Turkey – a chapter of Beats By Girlz, which focuses on empowering the next generation of women and gender-expansive individuals through music and technology. She also worked as a Music Curator for the first edition of WOW in Istanbul, an annual arts and science festival normally based in London that celebrates the achievements of women and girls, as well as looking at the obstacles they face globally.

Bill Dietz

Bill Dietz er komponist og forfatter, født i Arizona, USA. Han har vært kunstnerisk leder og dirigent for Ensemble Zwischentöne siden 2007, og har siden 2012 vært medformann for avdelingen for musikk og lyd ved Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts i New York. Arbeidet til Bill fokuserer på lytteopplevelsens historie, som blir presentert gjennom konserter og lydverk ved festivaler, men også i museer, leilighetsbygg og på gaten. I tillegg til å komponere lydverk, skriver han om dette i akademiske tidsskrifter og magasiner.

I 2013 grunnla han web-pulikasjonen Ear|Wave| Event sammen med Woody Sullender, som er en plattform som forsøker å bringe lyd inn i diskusjonene rundt kunst, ved å skrive om musikk gjennom et mer kunsthistorisk perspektiv. Han har gitt ut to bøker med lyttepartitur: én i serien hans Tutorial Diversions, som fremføres hjemme; og én bok med konsertstykker basert på historisk og moderne publikumsatferd. Han er også medforfatter av publikasjonen Universal Receptivity (2021) sammen med Kerstin Stakemeier, og har sammen med Amy Cimini vært redaktør for boken Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020).

Bill Dietz is an American composer and writer, born in Arizona, USA. He has been Artistic Director and Conductor of Ensemble Zwischentöne since 2007, and has since 2012 been co-chair of the Department of Music and Sound at Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts in New York. His work focuses on the history of the listening experience, which is presented as concerts and sound works in festivals, but also museums, apartment buildings and on the streets. In addition

Beril Sarıaltun –

Foto: Erman Çivici

to composing sound, he also writes about this in academic journals and magazines. In 2013 he co-founded the web publication Ear|Wave|Event with Woody Sullender, which attempts to expand larger arts discourses to include the sonic by framing music criticism via a more art historical lens. He has published books with listening scores: one in his Tutorial Diversions series, which is meant to be performed at home; and one book of concert pieces based on historical and contemporary audience behaviour. He is the co-author of the publication Universal Receptivity (2021) together with Kerstin Stakemeier, and together with Amy Cimini he has edited the book Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020).

BIT20 Ensemble

BIT20 er et av Nordens ledende ensembler innen samtidsmusikk. Det har eksistert siden 1989 og ble født ut av et behov for å gi samtidsmusikken et løft i Bergen og Norge, og ble fort en spydspiss nasjonalt og internasjonalt. Ensemblet består av 16 faste musikere og de fleste er gruppeledere eller alternerende gruppeledere i Bergen Filharmoniske Orkester. Med en lidenskap for ny musikk, og fantastiske instrumentalister har BIT20 reist verden rundt med sitt repertoar – fra anerkjente festivaler og arenaer i Europa til land som Russland, Vietnam, Egypt og Canada.

The BIT20 Ensemble was formed in 1989 born out of a necessity to boost the contemporary music scene in Bergen and Norway. The ensemble rapidly became a spearhead both nationally and internationally. The BIT20 Ensemble consists of 16 musicians, several of whom hold principal or assistant principal positions in the Bergen Philharmonic Orchestra. They’ve taken their repertoire on the road, from renowned festivals and venues in Europe to destinations such as Russia, Vietnam, Egypt and Canada.

Dewa Alit & Gamelan Salukat

Som komponist er Dewa Alit en ledende skikkelse i sin generasjon på Bali, Indonesia. Dewa vokste opp i en familie av musikere i landsbyen Pengosekan på Bali, og var omgitt av balinesisk gamelan-musikk. I 1997, ett år før han ble uteksaminert fra Academy of Indonesian Performing Arts i Denpasar, grunnla Dewa og brødrene hans gamelan-gruppen Çudamani som turnerte internasjonalt, før han i 2007 grunnla Gamelan Salukat. Ordet Salukat er Dewa sin originale kombinasjon av to ord: Salu som betyr

hus, og kat som betyr ”regenerering og sykluser av gjenfødelse”. Sammen skaper det et sted for nye former for kreativitet basert på tradisjon. Gamelan Salukat består av nye gamelan-instrumenter utviklet av Dewa selv, som gjenspeiler både hans sterke røtter i tradisjonell musikk så vel som hans håp om å møte utfordringene han står ovenfor ved å skape ny musikk på Bali. Hans verk Geregel (2000) var så innflytelsesrik at det ble utgangspunkt for en 50-siders analyse i tidsskriftet Perspectives on New Music skrevet av Wayne Vitale i 2002. I 2022 ble sporet Likad fra albumbet Chasing Phantoms hyllet som årets beste klassiske spor av The New York Times.

As a composer, Dewa Alit is a leading figure of his generation in Bali, Indonesia. His piece Geregel (2000) was so widely influential that it became the subject of a 50-page analysis in the journal Perspectives on New Music written by Wayne Vitale in 2002. Born to a family of artists in Pengosekan village in Bali, Dewa grew up surrounded by Balinese gamelan music. In 1997, a year before graduating from Academy of Indonesian Performing Arts in Denpasar, Dewa and his brothers founded the gamelan group Çudamani which toured internationally, before he founded Gamelan Salukat in 2007. The word Salukat is Dewa’s original combination of two words: Salu meaning house, and kat signifying regeneration and the cycles of rebirth. Together it creates a place for new creativities based on tradition. Gamelan Salukat is formed of new gamelan instruments developed by Dewa himself, reflecting both his strong root in traditional music as well as his hope to accommodate challenges he faces in creating new music in Bali. The New York Times selected Likad from the album Chasing Phantoms as one of the best classical tracks of 2022.

Elina Waage Mikalsen

Elina Waage Mikalsen er en multidisiplinær kunstner og musiker fra Tromsø, for tiden bosatt i Oslo. Hun arbeider med lyd, performance, tekstil, installasjon og tekst. Elina har sin bakgrunn i kunst og film, og ble i 2015 utnevnt til Årets unge kunstner ved den internasjonale urfolksfestivalen Riddu Riđđu. Siden da har hun vært med i en rekke gruppeutstillinger og performance-programmer. Elinas kunstneriske virke er tett knyttet opp mot hennes samiske og norske tilhørighet. Hun tar utgangspunkt i kropp og landskap, muntlige fortellertradisjoner og hullene i sin egen familiehistorie. Hun er opptatt av å ta det samiske blikket på verden på alvor, og hvordan mennesker og natur er uløselig

forbundet. Hullene som fornorskningen har skapt i form av tap av språk og kulturarv er blitt et startsted for å fantasere og diskutere hva disse hullene representerer, hvilken materie de utgjør og hvordan de fortsetter å påvirke menneskene i våre samfunn. Som en de-kolonial praksis samler hun fragmenter av historier, materialer og praksiser og utforsker spenninger i mellomrommene, der det ambivalente og flertydelige befinner seg. Hun ser på tvetydighet som et viktig verktøy for å utfordre vestlige narrativ knyttet til kropp, landskap og dominante historiefortellinger.

I lydarbeidet kombinerer hun ofte stemmebruk med feltopptak, elektronikk og selvbygde instrumenter for å skape lydlige rom som legger seg et sted mellom virkelighet og fantasi. Det er lydens emosjonelle og narrative egenskaper som interesserer henne, og hvordan den kan fungere som en tidsmaskin, som får tiden til å kollapse og setter både fremtid og fortid i bevegelse.

Elina Waage Mikalsen is a multidisciplinary artist and musician from Tromsø, currently living in Oslo. She works with sound, performance, textile, installation and text. Elina has her background in art and film, and was awared the title Young Artist of the Year at the international indigenous festival Riddu Riđđu in 2015. Since then she has participated in a number of group exhibitions and performance programmes. Elina’s artistic work is strongly intertwined with her Sami and Norwegian background. Her work is based on the body and landscape, oral storytelling traditions and the gaps in her own family history. It’s important to her that the Sami view on the world is taken seriously, and how humans and nature are inextricably linked. The holes that the Norwegain assimilation has created in the form of loss of language and cultural heritage have become a starting point for imagining and discussing what these holes represent, what matter they constitute and how they continue to affect the people in our societies. As a de-colonial practice she collects fragments of stories, materials and practices, and explores interesting tensions in the spaces in between, where the ambivalent and ambiguous is found. She sees ambiguity as an important tool to challenge western narratives related to the body, landscape and dominant storytelling.

In her sound work, she often combines the use of voice with field recordings, electronics and self-built instruments to create aural spaces that lie somewhere between reality and fantasy. It is the emotional and narrative qualities of sound that interest her, and how it can function as a time machine, causing time to collapse and setting both the future and the past in motion.

Eline Rafteseth er en bassist og komponist fra Vestnes i Møre og Romsdal, bosatt i Bergen. Hun har en bachelorgrad i jazz fra Griegakademiet i Bergen, og driver bandet Shakai. Shakai deltok på turnéen Framtida i Norsk Jazz i 2016, og spilte samme år på den aller første utgaven av bransjefestivalen Vill Vill Vest. I 2018 slapp kvintetten sin debutplate, som ble spilt inn og produsert av den anerkjente produsenten Jørgen Træen i Duper Studio, og mastret av Iver Sandøy. Eline er også aktiv i de nyoppstartede trioene NH3 og Quorum Trio. I april 2022 ble Quorum Trio vinnere av utviklingsprogrammet Jazz i Sikte i Bergen, som ga dem spilletid under 50-årsjubileumet til Nattjazz. Konserten ble tatt opp, og gis ut i løpet av 2023. Eline driver i tillegg Playdate – en godt etablert konsertserie for improvisert musikk med tilholdssted på Landmark, Bergen Kunsthall. Eline er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Eline Rafteseth is a bass player and composer from Vestnes in Møre and Romsdal, living in Bergen. She holds a Bachelor’s degree in Jazz from the Grieg Academy in Bergen and runs the band Shakai. In 2016, Shakai toured with The Future of Norwegian Jazz and played the festival for new talent, Vill Vill Vest. In 2018, the quintet released their debut album, which was recorded and produced by the renowned producer Jørgen Træen in Duper Studio and mastered by Iver Sandøy. Eline is also active with the newly established trios NH3 and Quorum Trio. In April 2022, Quorum Trio won Jazz i Sikte in Bergen, granting them a spot at Nattjazz, one of the biggest jazz festivals in Norway. A record of

Eline Rafteseth

Eline Rafteseth –Foto: Thor Brødreskift/Borealis

this performance will be released in 2023. Eline also runs Playdate – a well-established concert series for improvised music based at Landmark in Bergen Kunsthall. Eline takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Else Olsen S.

Else Olsen S. er komponist, musiker og pedagog, utdannet ved Norges musikkhøgskole og gjennom egenstudier med de amerikanske komponistene Pauline Oliveros og Christian Wolff. Else sin utøvende praksis kan kjennetegnes med alternative spilleteknikker, leketøysinstrumenter og preparert piano. Hun eksperimenterer med blanding av sjangre, hvor hun blant annet trekker inn elementer fra bedehusmusikk og folkemusikk. I 2015 ferdigstilte hun sitt stipendiatarbeid, som har tittelen Open form – en utvidet utøverrolle. Dette prosjektet dreier seg om tolkning og framføring av verk med ukonvensjonell notesymbol, notert med grafikk, tekst eller tall, noe som også kjennetegner hennes egne verk.

Else Olsen S. is a Norwegian composer, musician and teaching artist. She received her education at the Norwegian Academy of Music and through studies with the American composers Pauline Oliveros and Christian Wolff. Her work is experimental, mixing genres such as Norwegian chapel house music and folk music. Her practice can be recognised by the use of extended instrumental techniques, toy instruments and prepared piano. In 2015 she finalised her doctoral work, which carries the title Open Form – An Expanded Performer’s Role. The project is about the interpretation and performance of works with unconventional notation, such as text or graphic scores, which also recognises her own way of notating music.

Elvin Brandhi

Elvin Brandhi er en improviserende tekstforfatter, produsent og lydkunstner fra Bridgend i Wales. Hun lager normbrytende beats av feltopptak, kassetter, vinylplater, instrumenter og vokal. Resultatet er et nytt og utvidet språk som bruker lyd og stemme for å bryte med gjengrodde systemer og kjent syntaks. Live-showene til Elvin Brandhi er eksplosive med en urokkelig energi, der hennes sarkastiske bevissthetsstrøm vibrerer med rastløs, glitchy tyngde.

Elvin Brandhi is a improvising lyricist, producer and sound artist from Bridgend, Wales, who builds

aberrant beats from field recordings, tape, vinyl, instrument and voice. Using sound and voice as an expansive language transgressing deep-rooted systemics and inherited syntactical etiquettes, her live shows are unyielding bursts of erupting animation where her caustic stream of consciousness vibrates with restless, glitched out heaviness.

Ensemble Contrechamps

Contrechamps er et ensemble av solister spesialisert på å skape, utvikle og formidle instrumentalmusikk fra det 20. og 21. århundre, med tilholdssted i Genève, Sveits. Ensemblet streber etter å fremføre i nye formater, slik som å skape installasjonsforestillinger, radiofoniske konserter, forskningslaboratorier eller virtuelle omvisninger. Ensemblet er en hybrid, både orkester og kollektiv, noe som gjør det mulig å tilpasse seg en rekke kunstneriske begrensninger og forslag, avhengig av hvilke artister de jobber med. Contrechamps samarbeider også med Universitetet for musikk i Genève, noe som lar medlemmene være nært tilknyttet de ferskeste ideene, og lar dem formidle sin ekspertise til de kommende generasjonene. I over 40 år har Ensemble Contrechamps jobbet tett sammen med et stort antall komponister, dirigenter og artister. Ensemblet har spilt inn over 20 album, og har nylig gitt ut et portrett-album med musikk av komponisten Bryn Harrison i surroundlyd på plateselskapet Neu Records. Et liknende albumprosjekt er planlagt i 2023 med Chiyoko Szlavnic. Ensemblets nyeste plate, i samarbeid med perkusjons-kollektivet Eklekto og dedikert til Steve Reich sitt Music for 18 Musicians ble tildelt en Choc på det franske magasinet Classica.

Contrechamps is an ensemble based in Geneva, Switzerland, consisting of soloists specialised in creating, developing and performing instrumental music of the 20th and 21st centuries. The Ensemble strives to develop fresh formats such as installation performances, radiophonic concerts, research laboratories or virtual tours. The ensemble is a hybrid, both orchestra and collective, which enables it to adapt to a variety of artistic constraints and to the proposals of the artists it works with. Within this context, Contrechamp’s partnership with the Geneva University of Music is a meaningful collaboration, as it allows its members to remain in touch with the freshest ideas, as well as impart their expertise to coming generations. For over 40 years, Ensemble Contrechamps has been working closely with a large number of composers, conductors and artists. The

Ensemble has made over twenty recordings, and has recently released a CD portrait of composer Bryn Harrison in surround sound under the Neu Records label. A similar album is scheduled in 2023 with Chiyoko Szlavnic. The ensemble’s latest record in collaboration with percussion collective Eklekto and dedicated to Steve Reich’s Music for 18 Musicians was awarded a Choc by the French magazine Classica.

Ensemble Zwischentöne

Ensemble Zwischentöne ble grunnlagt i Berlin av komponisten Peter Ablinger, og har siden 2007 blitt drevet av deres kunstneriske leder Bill Dietz. Det startet som et kurs for eksperimentell musikk og improvisasjon ved Musikschule Kreuzberg i 1988, og ensemblet har forblitt en sammensetning av profesjonelle musikere, semi-profesjonelle musikere, og ikke-musikere. Denne bevisste blandingen ble tenkt på som en mekanisme for å unngå fallgruvene ved konservatorietrening, trangsynte oppfatninger av talent, og for å sikre at de fortsetter å stille seg spørrende til hvor langt grensene kan flyttes – noe de anser som ensemblets hovedoppgave. I de første årene fokuserte ensemblet på samarbeid med Berlin-baserte artister som Sven-Åke Johansson og Rolf Julius. I senere tid har de fremført musikk av internasjonale komponister som Maryanne Amacher, Pauline Oliveros, Akio Suzuki og Christian Wolff.

Ensemble Zwischentöne was founded in Berlin by the composer Peter Ablinger, and has since 2007 been run by their Artistic Director Bill Dietz. Initiated as a course for experimental music and improvisation at the Musikschule Kreuzberg in 1988, the Ensemble remains comprised of a mixture of professional musicians, semi-professional musicians and non-musicians. This mixtures was a conscious choice formed as a mechanism to avoid the pitfalls of conservatory training, narrow-minded views on talent, and to ensure that they forever continue to question how far boundaries can be pushed, which they consider to be the ensemble’s mission. In its early years, the ensemble focused on collaborations with Berlin-based artists like Sven-Åke Johansson and Rolf Julius. In later years the ensemble has performed music by international composers such as Maryanne Amacher, Pauline Oliveros, Akio Suzuki and Christian Wolff.

Guoste Tamulynaite er en kunstner fra Litauen, bosatt i Oslo, utdannet ved Norges Musikkhøgskole. Som utøver og komponist er Guoste interessert i å undersøke kompleksiteten av enkeltstående ting, som en lyd, en bevegelse eller et objekt. Hennes verk kan beskrives som minimalistiske og surrealistiske, gjerne uten en underliggende fortelling, men likevel med veldig tydelige referanser som gir publikum anledning til å tolke og finne egne assosiasjoner. Guoste er opptatt av å behandle alle elementer som likeverdige når hun iverksetter mer enn bare lyd. Blant annet lager hun også kostymer og scenografi til sine verk. Guoste er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Guoste Tamulynaite is an Oslo-based artist from Lithuania, educated at the Norwegian Academy of Music. As a performer and composer Guoste is interested in exploring the complexity of individual things, such as a sound, a movement or an object. Her work can be described as minimalist and surreal, often without an underlying narrative, but still with very clear references which give the audience the opportunity to interpret and add their own associations. Guoste is concerned with treating all elements as equal as she activates more than just sound, for instance by making her own costumes and scenography for her performances. Guoste takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Guoste Tamulynaite

Guoste Tamulynaite –Foto: Thor Brødreskift/Borealis

Halldis Rønning

Halldis Rønning er dirigent og fiolinist fra Bergen. Hun har dirigert utallige verdenspremierer og samtidsverk på konserter og festivaler i Europa og Skandinavia. Hun mottok sin første dirigentpris allerede som 18-åring, og har senere dirigert for alle symfoniorkestrene i Norge, men også for orkestre og ensembler i Sverige, Nederland og Vietnam. I senere år har Halldis gradvis bevegd seg over i et mer kreativt felt, ved å utforske improvisasjon med orkester, komponering og tverrkunstnerlige kunstprosjekter med samarbeid i fokus. Nå ligger hennes interesse i å utvide dirigentens bevegelser mot en mer performativ rolle, ved å bruke intuisjonen og sansene, som sterkere relaterer til andre kunstformer.

Halldis Rønning from Bergen, Norway is a conductor and violinist. She has conducted countless world premieres and contemporary pieces at concerts and festivals in Europe and Scandinavia. She received her first prize for her conducting skills already at the age of 18, and has later conducted for all of Norway’s symphony orchestras, but also orchestras and ensembles in Sweden, the Netherlands and Vietnam. In recent years, Halldis has gradually moved towards a more creative platform, exploring improvisation with orchestras, composition and collaborative art projects across disciplines. Following intuition and sensations, she is interested in expanding the conductor’s movements into a more performative role in stronger relation to other art forms.

Jack Sheen

Jack Sheen er en mangefasettert musiker fra Manchester, Storbritannia, som arbeider som dirigent, komponist og pådriver for dynamiske, sjangeroverskridende kunstprosjekt. Gjennom performative installasjoner i gallerier og varehus settes musikere, dansere, film og audio sammen i konstellasjoner. Jack er en pådriver for utvikling, og hans visjonære idéer bidrar til å bevege den klassiske musikken i nye retninger. Med hans bakgrunn og lidenskap for samtidsmusikk evner han å tolke viktige verk med stor innsikt og hell. Til tross for hans unge alder har han allerede arbeidet med ledende orkestre som London Symphony Orchestra, London Philharmonic, BBC Philharmonic, Britten Sinfonia, Royal Northern Sinfonia og Manchester Camerata. Forrige sesong var han gjestekunstner ved Tanglewood Music Centre.

Jack Sheen is a musician, conductor and composer from Manchester, UK, who champions modern and contemporary music whilst being equally at home in classic repertoire, giving performances that have been highly praised. His rare set of talents and passions drives a vision for the future of classical music, and he is an active force for change. Not yet 30, Jack has already worked with leading orchestras including London Symphony Orchestra, London Philharmonic, BBC Philharmonic, Britten Sinfonia, Royal Northern Sinfonia, and Manchester Camerata. Last season he was the Guest Artist at Tanglewood Music Centre. His own music encompasses concert works for orchestras, ensembles and soloists, alongside immersive performance-installations that disperse live musicians, audio, film, and dancers around spaces such as galleries or warehouses.

Jenny

Hval

Jenny Hval har de siste årene skapt et navn for seg selv som musiker og forfatter både i Norge og i utlandet. Tverrkunsterlige og grensesprengende er ord som gjerne brukes for å beskrive kunsten hennes, men Jenny sitt polyfoniske kunstnerskap er i grunn en umerkbar sammenblanding av musikalske, litterære, visuelle og performative måter å uttrykke seg på. Hennes kunstneriske særpreg er synlig, tilgjengelig, og merkelig komplekst på samme tid. Hennes siste album Classic Objects ble gitt ut i 2022.

Halldis Rønning –

Foto: Britt Embry

Norwegian artist Jenny Hval has in recent years made a name for herself as a recording artist and writer both in Norway and abroad. Multidisciplinary and transgressive are words often employed to describe her art, but Jenny’s polyphonic artistry is in fact seamlessly interwoven between musical, literary, visual and performative modes of expression. Her artistic voice is altogether present, accessible and obscurely complex at the same time. Her last album Classic Objects was released in 2022.

Jessie Cox

Jessie Cox er komponist, trommeslager og stipendiat, og tar for tiden sin doktorgrad ved Columbia University. Han vokste opp i Sveits, har røtter i Trinidad og Tobago, og er bosatt i New York. LA Times har beskrevet Jessie sin musikk som noe av det mest eksperimentelle på lenge, med en overflod av overraskelser og gleder. Han har skrevet over 100 verk for ensembler, inkludert elektroakustiske verk, soloverk, kammer- og orkesterverk, verk for jazzensembler og kor. Han har skapt bestillingsverk og konserter for blant andre LA Phil, Ensemble Modern, Heidi Duckler Dance, JACK Quartet og International Contemporary Ensemble. Som utøver har han fremført over hele verden, med musikere fra hele verden. Jessie har deltatt på anerkjente festivaler og gitt ut musikk på plateselskaper som Aztec Musics Declic Jazz Label, Gold Bolus Recordings og Infrequent Seams. Hans akademiske utforsking har blitt publisert i tidsskriftet Sound American, og snart kommer en annen publikasjon ut på bloggen Castle Of Our Skins, om kritiske studier i improvisasjon. I tillegg har han presentert sitt akademiske arbeid på en rekke konferanser og festivaler.

Jessie Cox is a composer, drummer, and scholar, currently in pursuit of his Doctorate Degree at Columbia University. Growing up in Switzerland, and having roots in Trinidad and Tobago, he is currently residing in New York City. LA Times has described the listener experience of Jessie’s music as some of the most experimental in a long time, holding “a listener’s attention with surprises and delights aplenty”. He has written over 100 works for various musical ensembles including electroacoustic works, solo works, chamber- and orchestral works, works for jazz ensembles and choirs. He has created commissions and performances for LA Phil, Ensemble Modern, Heidi Duckler Dance, JACK Quartet, International Contemporary Ensemble, and more. As a performer, he has played all over the world, with musicians from all over the world. Jessie has par-

ticipated at esteemed festivals and his music can be heard on Aztec Music’s Declic Jazz Label, Gold Bolus Recordings and Infrequent Seams, as well as others. His scholarly writing has been published in the journal Sound American, and he has another publication coming out on the Castle Of Our Skins’ blog, about Critical Studies in Improvisation. He has also presented his work at numerous conferences and festivals.

Jo David Meyer Lysne

Jo David Meyer Lysne er en instrumentbygger og komponist fra Gvarv i Telemark. De siste årene har han fordypet seg i robotikk, intonasjon og akustisk kammermusikk. I verkstedet og studioet på Gvarv bygger han selvspillende akustiske instrumenter knyttet opp mot pågående bestillingsverk for artister som Sanae Yoshida, Amalie Stalheim og Vilde&Inga. Bærebjelken i hans komposisjonspraksis er forankret i å undersøke hva en lyttesituasjon er eller kan være. Han streber etter å lage tydelige lyttesituasjoner, hvor lytteren opplever lyden innenfor en scenisk ramme, som kan gi en ny eller uventet lytteopplevelse. Han har de siste årene gitt ut en rekke album under eget navn; Meander på Øra Fonogram, og Henger i luften og Kroksjø på Hubro.

Jo David Meyer Lysne is an instrument builder and composer from Gvarv in Telemark. In recent years, he has immersed himself in robotics, intonation and acoustic chamber music. In the workshop and studio at Gvarv, he builds self-playing acoustic instruments connected to ongoing commissions for artists such as Sanae Yoshida, Amalie Stalheim and Vilde&Inga. The backbone of his compositional practice is rooted in examining what a listening situation is or can be. He strives to create clear listening situations, where the listener experiences the sound within a scenic framework, which can provide a new or unexpected listening experience. In recent years, he has released a number of albums under his own name; Meander on Øra Fonogram, and Henger i luften and Kroksjø on Hubro.

Jostein Stalheim

Allerede da Jostein Stalheim var 17 år ble hans første arbeid kringkastet på både radio og TV. Nå er han internasjonalt anerkjent som akkordeonist med solo-opptredener på en rekke festivaler og med samtlige internasjonale orkestre, og for hans arbeid som komponist, performer og soundpainter. Han har skrevet musikk for scenekunst innen ballett,

video, teater og opera, og arbeidet i teater både som komponist og musiker, ved blant annet Det kongelige teater i København, Hordaland Teater, Den Nationale Scene, Den norske opera og ballet, og Carte Blanche. Den siste operaen hans Rosetta’s Stone hadde urpremiere i San Francisco i 2016 og ble nominert til semifinale i The American Prize. Han har samarbeidet med en rekke orkestre, ensembler og solister som bl.a. BFO, KORK, Sergej Osadchuk, Esa Pekka Salonen og Geir Draugsvoll. Jostein har også fremført verk av blant annet Georg Friedrich Haas med BIT20, Therese B. Ulvo med avgardEns og en rekke nye verk under UNM i Bergen 2018. Han er professor ved Høgskulen på Vestlandet.

When only 17 years old Jostein Stalheim’s first works were broadcast on both radio and television. Now he is internationally recognised as an accordion soloist performing at festivals and with several international orchestras, and for his work as a composer, performer and soundpainter. He has studied composition and accordion at the Royal Conservatory of Music in Copenhagen and at the Norwegian State Academy of Music. He has received commissions from ensembles both in Norway and abroad. Stage music now comprises a considerable part of his production; including the opera Pr.Warrants Progress and the ballets; Watch, Volatile!, Alrekr and Kast. He has worked in theatres both as composer and musician, at The Royal Theatre in Copenhagen and around Norway. Jostein also composed the science opera Rosetta’s Stone which premiered in San Francisco in 2016 and was nominated in the semi-finale of The American Prize.

Juliet Fraser

Juliet Fraser er en britisk sopran, og spesialiserer seg på de knotete kantene av moderne klassisk musikk. Hun er internasjonalt anerkjent for å engasjere seg i tolkning av ny musikk, og dukker jevnlig opp som gjestesolist med ensembler som Musikfabrik, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Remix, Talea og Quatuor Bozzini, samt i duo sammen med Borealis-artist og pianist Mark Knoop. Hun er også et kjernemedlem av vokalensemblet EXAUDI, som hun grunnla sammen med komponist og dirigent James Weeks i 2002. Juliet er en populær solist for nyskrevet musikk og har jobbet spesielt tett med komponistene Laurence Crane, Pascale Criton, Bernhard Lang, Cassandra Miller og Rebecca Saunders. Juliet er også kunstnerisk leder for festivalen eavesdropping i London, direktør sammen med Newton Armstrong og Mark Knoop av all that dust

– et lite plateselskap for ny musikk, og programleder for VOICEBOX – et flunkende nytt studieprogram for utøvende samtidssang.

Juliet Fraser is a British soprano vocalist who specialises in the gnarly edges of contemporary classical music. She is internationally recognised as a committed interpreter of new music, and regularly appears as guest soloist with ensembles such as Musikfabrik, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Remix, Talea and Quatuor Bozzini, and as a duo with Borealis artist and pianist Mark Knoop. She remains a core member of vocal ensemble EXAUDI, which she co-founded with composer and conductor James Weeks in 2002. Juliet often performs new repertoire and has worked particularly closely with composers Laurence Crane, Pascale Criton, Bernhard Lang, Cassandra Miller and Rebecca Saunders. Juliet is also Artistic Director of the festival eavesdropping in London, co-director with Newton Armstrong and Mark Knoop of all that dust – a little independent label for new music, and Programme Director of VOICEBOX – a brand-new study programme for contemporary vocal performance.

Kari Robertson

Kari Robertson fra Edinburgh, Skottland, er billedkunstner, lærer og forsker bosatt i Nederland. Hun arbeider primært med tidsbaserte medier, og har de siste årene nøye undersøkt tanker om toksisitet og renhet, og utforsket de komplekse flokene mellom natur og kultur. Som del av hennes langsiktige forskning på disse miljøhensynene har kunstneren tatt utgangspunkt i vannets kretsløp for å tenke på vann som et kollektivt, levende og sansende arkiv – en eldgammel substans som husker og absorberer arven fra all menneskelig handling. Kari har nylig stilt ut på CCB, Bogota og TENT Rotterdam.

Kari Robertson from Edinburgh, Scotland, is a visual artist, teacher and researcher based in The Netherlands. Working primarily with time-based media, Kari has in recent years carefully examined the notions of toxicity and purity, and explored the complex entanglements between nature and culture. As part of her long-term research on these environmental concerns, the artist has taken the Hydrological Cycle as a starting point to think about the substance of water as a collective, living, and sensing archive; an inherently ancient matter, which remembers and retains legacies of all human endeavour. Kari has recently exhibited at CCB, Bogota and TENT Rotterdam.

Katarina Barruk

Katarina Barruk er kjent som en av Sábmies/Sápmis mest talentfulle liveartister. Hun er oppvokst i Lusspie (Storuman) og Gajhrege (Gardfjäll), men bor for tiden i Oslo. I løpet av det siste tiåret har Katarina turnert i hele Europa. Hun leverer en heftig, men dypt jordnær blanding av popmusikk, tradisjonell joik blandet med elementer av improvisasjon. Katarina synger på sitt morsmål, umesamisk. Språket står på UNESCOs rødliste over kritisk truede språk, men mange Umesámier tar språket tilbake. Hennes andre album, Ruhttuo (barskog) ble utgitt i 2022, og i 2020 mottok hun SKAPs Kulturbärarpris – en av Sveriges mest bemerkelsesverdige priser for skribenter og komponister.

Katarina Barruk is a Sámi artist who grew up in Lusspie (Storuman) and Gajhrege (Gardfjäll) in Sweden, and is currently based in Oslo. Her distinctive voice creates spaces for vulnerability and strength, as she delivers a fierce yet down-to-earth sound mixed with pop, traditional joik and improvisational elements. She sings in one of her mother tongues, Ume Sámi language. The language is on UNESCO’s red list of critically endangered languages, but many Umesámis are taking the language back. Katarina has toured throughout Europe. She released her second album, Ruhttuo (Boreal Forest) in 2022, and in 2020 she received SKAPs Kulturbärarpris – one of Sweden’s most eligible writer and composer prizes.

Kate Molleson

Kate Molleson er journalist og kringkaster bosatt i Edinburgh. Kate er programleder for New Music Show og Music Matters på BBC Radio 3. Hun skriver artikler for blant annet The Guardian, New Statesman og Prospect. I 2022 publiserte hun

boken Sound Within Sound – a radical history of composers in the 20th century på Faber & Faber. Kate vokste opp i forskjellige deler av Skottland og nord i Canada. Hun studerte utøvende klarinett ved McGill University i Montreal og musikkvitenskap ved King’s College i London, og jobbet deretter som musikkritiker og spaltist for Montreal Gazette og vararedaktør i Opera Magazine, før hun ble musikkritiker av klassisk musikk for The Guardian i 2010.

Kate Molleson is a journalist and broadcaster based in Edinburgh. She hosts BBC Radio 3’s New Music Show and Music Matters. Her articles appear in The Guardian, the New Statesman, Prospect and elsewhere. Her book Sound Within Sound – a radical history of composers in the 20th century was published by Faber & Faber in 2022 to widespread acclaim. Kate grew up in various parts of Scotland and the north of Canada. She studied clarinet performance at McGill University in Montreal and musicology at King’s College in London, then worked as a music critic and columnist for the Montreal Gazette and deputy editor of Opera Magazine, before becoming The Guardian’s classical music critic in 2010.

Kjersti Alm Eriksen

Kjersti Alm Eriksen er utdannet designer ved Gerrit Rietveld Academie i Amsterdam. Via installasjonskunst og performance beveget hun seg inn i scenekunsten, og våren 2019 avsluttet hun en master i teater med spesialisering i scenografi ved Kunsthøgskolen i Oslo. De siste årene har hun jobbet med eksperimentelle scenekunstprosjekter med dans og teater på usedvanlige steder, såvel som selvstendige billedkunst-prosjekter. Arbeidet hennes drives av en nysgjerrighet for objekters og steders iboende historier, og deres interaksjon med omverdenen.

Kjersti Alm Eriksen holds a BA in design from the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Her interest in performance and installation brought her towards the performing arts, and in 2019 she graduated from the Oslo National Academy of the Arts with an MA in Theatre, specialising in Scenography. She works with a variety of experimental dance and theatre projects, often in places unusual to see these practices, as well as with solo projects within Fine Arts. In a constant dialogue with the past, present, and future of a site, Kjersti’s work explores the mechanisms of everyday life through the movements of objects and their interaction with their surroundings.

Katarina Barruk –

Foto: Sara Berglund

Knut Vaage

Knut Vaage er bosatt i Bergen hvor han livnærer seg som komponist. Han har utdanningen sin i klaver og komposisjon fra Griegakademiet i Bergen. Knut har vært aktiv innenfor flere stilarter, men med hovedvekt på improvisasjon- og samtidsmusikk. Han har i flere prosjekter utforsket grensene mellom improvisasjon og komposisjon. Utvikling av et hybrid akustisk/elektronisk lydbilde er et annet viktig tema i hans musikk. Knuts produksjon spenner fra symfoniske verk og opera, til solostykker. Musikken hans er ofte framført på konserter og festivaler i inn- og utland. Han ble nominert til Nordisk råds musikkpris i 2022 for verket Hybrid spetakkel, urfremført på Borealis i 2019.

Knut Vaage lives in Bergen where he works as a composer. He graduated as a pianist and composer from the Grieg Academy in Bergen. Knut has worked in different genres, but concentrates on improvised and contemporary music. Many of Knut’s projects have investigated the boundaries between improvisation and composition. His production ranges from symphonic works and opera to solo pieces. His music is frequently performed at concerts and festivals in Norway and abroad. Knut was in 2022 nominated to the Nordic Council Music Prize for the work Hybrid Spectacle, premiered at Borealis in 2019.

med alt fra innspilling av album, live-opptredener, filmatiske og kunstneriske lydspor. Hun er mester i el-fiolin, Apache-fiolin, piano, elektrisk gitar, keyboard, perkusjon, i tillegg til at hun ofte synger gjennom megafon og gjør feltopptak. Laura har opptrådt på The Whitney Museum of American Art og The Museum of Modern Art i New York, The Toronto Biennial i Ontario, Musée d’Art Contemporain de Montréal, og Centre Pompidou i Paris, samt utallige etablerte og DIY-arenaer i USA, Canada og Europa. I 2008 grunnla Laura the Coast Orchestra, et ensemble sammensatt av amerikanske urfolk, som fremførte et live soundtrack til The Land of the Head Hunters (1914) regissert av Edward Curtis – den første stumfilmen der samtlige i rollebesetningen var amerikanske urfolk. Lauras videosamarbeid My Soul Remainer er en del av samlingen til Baltimore Museum of Art i Maryland.

Laura Ortman is from White Mountain Apache and lives and works in Brooklyn, New York. She is a soloist and vibrant collaborator who works across recorded albums, live performances, filmic and artistic soundtracks, and is versed in amplified violin, Apache violin, piano, electric guitar, keyboards, percussion, often sings through a megaphone, and is a producer of capacious field recordings. She has performed at The Whitney Museum of American Art and The Museum of Modern Art in New York, The Toronto Biennial in Ontario, the Musée d’Art Contemporain de Montréal, and the Centre Pompidou, Paris, among countless established and DIY venues in the US, Canada, and Europe. In 2008 Laura founded the Coast Orchestra, an all-Native American orchestral ensemble that performed a live soundtrack to Edward Curtis’s film In the Land of the Head Hunters (1914), the first silent feature film to star an all-Native American cast. Laura’s video collaboration My Soul Remainer is in the collection of the Baltimore Museum of Art in Maryland.

Linda Lamignan

Laura Ortman er fra White Mountain Apache, og bor og arbeider i Brooklyn, New York. Hun er en solist og en ivrig samarbeidspartner som jobber

Linda Lamignan er billed- og performancekunstner fra Sandnes, bosatt i København. Arbeidene deres forteller historier om opplevelsen av å flyte mellom forskjellige verdener. Gjennom video, musikk, objekter og performance utforsker Linda opplevelser knyttet til vandring og diaspora, transformasjon og kjærlighet. Med en animistisk tilnærming jobber de med materialer knyttet til industri, historier, levende landskap og kulturelle relasjoner mellom Vest-Afrika og Skandinavia. Linda tok sin MFA-grad

Laura Ortman

Knut Vaage –Foto: Observatoriet

ved Det Kongelige Danske Kunstakademi i København og sin BFA-grad ved Kunstakademiet i Oslo.

Linda Lamignan is a visual and performance artist from Sandnes, Norway, based in Copenhagen. Their work tells stories about the experience of floating in-between different worlds. Through video, music, objects and performance, Linda explores notions related to wandering and diaspora, transformation and love. With an animistic approach, they work with materials connected to the industries, histories, living landscapes and cultural relations between West Africa and Scandinavia. Linda received their MFA degree at the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen and their BFA degree at the Academy of Fine Art in Oslo.

Lo Kristenson

Lo Kristenson skaper musikk som uttrykker motstand, hardhet og det klumsete, i samspill med det skjøre, sarte og sårbare. I sin kreative praksis søker Lo å utfordre sine egne arbeidsmetoder i samspill med andre musikere. Grunnstrukturen i musikken hennes kommer fra de personlige møtene mellom komponist og musiker. Hun har blant annet samarbeidet med den norske duoen Vilde&Inga, det danske kollektivet Damkapellet, Malvakvartetten, Kvinnoorkestern og Allegria. Som lydkunstner har Lo samarbeidet med Annika Liljedahl, skulpturer av insekter kombineres med insektlyder som menneskeøret vanligvis ikke kan høre. Lo ble i 2018 uteksaminert med en master i komposisjon fra Kungliga Musikkhögskolan i Stockholm, hvor hun blant annet studerte under Karin Rehnqvist. Arbeidene hennes har blitt presentert på plattformer som kunstgalleriet Artipelag, Norrlandsoperan, og festivalene Sound of Stockholm, Only Connect og KLANG festival.

Lo Kristenson creates music where expressions of resistance, harshness and clumsiness co-exist with fragile delicacy and vulnerability. In her creative practice Lo seeks to challenge her own ways of working in collective musical practices. The foundational structures for her music lie in the personal meetings between composer and musician. Among the ensembles that she has collaborated with are the Norwegian duo Vilde & Inga, Danish collective Damkapellet, Malvakvartetten, Kvinnoorkestern and Allegria. As a sound artist Lo has collaborated with Annika Liljedahl, where sculptures of insects meet insect sounds that our human ear normally cannot perceive. Lo is a 2018 graduate of the Mas-

ter’s Programme in Composition from the Royal College of Music in Stockholm where she studied with, among others, Karin Rehnqvist. Her work has been presented at established platforms such as the art gallery Artipelag (SE), Norrlandsoperan, the festivals Sound of Stockholm, Only Connect (NO) and KLANG festival (DK).

Luke Drozd

Luke Drozd er en kunstner og kulturprodusent fra Storbritannia, bosatt i Bergen. Han utforsker fortellinger av historisk, folkloristisk og spekulativ karakter. Dette gjør han gjennom kollasj-inspirerte metoder, samling av objekter og improvisasjon i samarbeid med andre. Resultatene er tverrfaglige kunstneriske verk som tar form som alt fra skulpturer og trykk, til performance og lyd. Luke har integrert lyd mer og mer inn i sin praksis de siste årene. Stemme, språk og innsamlet lydmateriale er sentrale biter i verkene hans. Noen ganger er disse verkene produsert under kallenavnet Misery Bacon, eller som en halvpart av Reet Maff’l – en ‘spoken-weird’ duo, med kunstner og musiker Andy Abbott. I tillegg er Luke aktiv på Bergen sin lokale radio-plattform Vers Libre, hvor han er vert for Thunks & Thuds – et program for eksperimentell musikk. Han driver også plateselskapet for eksperimentell musikk Bloxham Tapes. Luke er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Luke Drozd is an artist and cultural producer originally from the UK, based in Bergen. His work explores historical, folkloric and speculative narratives through collage, collecting and collaborative improvisation. The results are multi-disciplinary artistic works including sculpture, print, performance and sound. Audio and sound has become an increasingly integral part of his work, with voice, language and found or collected sounds forming key elements. These works are sometimes produced under the moniker of Misery Bacon, or as one half of the ‘spoken-weird’ duo Reet Maff’l alongside artist and musician Andy Abbott. He is also the host of the experimental music radio show Thunks & Thuds on Bergen’s Vers Libre community radio platform and co-runs experimental music label Bloxham Tapes. Luke takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Maia Urstad

Maia Urstad er en kunstner bosatt i Bergen, som jobber i krysningspunktet mellom lyd- og billedkunst. Teknologisk utvikling og kommunikasjonsteknologi er gjennomgående temaer i arbeidene hennes, ofte med radioen som sentralt lydlig, visuelt og konseptuelt element. Disse verkene kommenterer det flyktige ved dagens teknologi, og hvilke spor og historier vi etterlater oss når nye oppfinnelser entrer vår hverdag. Maia har bidratt aktivt til den norske og internasjonale samtidskunsten siden 80-tallet. Hun er en del av det internasjonale lydkunstkollektivet Freq_out kuratert av CM von Hausswolff, og medgrunnlegger av Lydgalleriet i Bergen. Hun har vunnet priser som Rune Brynestads minnestipend – Norges gjeveste og største ettårige kunstnerstipend. Hennes solo-og samarbeidsprosjekter har vært presentert på mange ulike prestisjefylte arenaer i Norge og utlandet, blant annet på The XIV Biennial of Media Art (CL), Fundación PROA (AR), Ultimafestivalen (NO), Bonnhoeren (DE), Struer Tracks (DK), Lighthouse Brighton (UK) og Sonic Acts (NL).

Maia Urstad is an artist based in Bergen, Norway working at the intersection of audio and visual art. Technological progress and communications technology are pervasive themes in her projects. She uses radio as a key audio, visual and conceptual element, commenting on the temporary nature of present technology, and what traces and stories we leave behind when new inventions enter our daily lives. She has been an active contributor to the Norwegian and international contemporary art scene since the eighties. She is part of the international sound art collective Freq_out curated by CM von Hausswolff, and a co-founder of Lydgalleriet in Bergen. She has won prizes such as the Rune Brynestad’s memorial Grant – Norway’s finest and largest one-year grant for artists. Her solo and collaborative work has been presented in a wide range of prestigious spaces in Norway and abroad, such as The XIV Biennial of Media Art (CL), Fundación PROA (AR), Ultimafestivalen (NO), Bonnhoeren (DE), Struer Tracks (DK), Lighthouse Brighton (UK) and Sonic Acts (NL).

Maja S. K. Ratkje

Maja Solveig Kjelstrup Ratkje er komponist og utøver fra Trondheim. Musikken hennes involverer ofte sterke kontraster i leveringen av balanse og kinetisk handling, og noen ganger i skapelsen av sjokk eller

effekt. Hun har en utrolig evne til å kontrollere vidt forskjellige materialer, og til å utnytte materialene med omtanke og tilbakeholdenhet. Maja streber etter større presisjon og frigjøring i notasjon, så selv om de fleste av partiturene hennes er notert, strekker mange av verkene seg forbi de tradisjonelle grensene av notasjon. Noen avslører hennes eget DNA som utøvende og improviserende musiker, mens andre verk ber utøvere om å improvisere eller produsere materiale selv. I hjertet av alt Maja skaper ligger hennes egen stemme – et gjennomgående verktøy for hennes unike uttrykk som tilegner seg en naturlighet og en nærhet til menneskelige sannheter. Det var gjennom utforskingen av hennes egen stemmes klangegenskaper at hun begynte å utnytte stemmen i komposisjon. I 2002 slapp hun albumet Voice – en katalog med tidligere uutforskede teknikker for vokalproduksjon, smeltet sammen med elektronikk. Dette albumet ble tildelt prisen Prix Ars Electronica. Hun har også mottatt andre priser i inn-og utland, deriblant to Edvardprisen, og UNESCOs Rostrumpris. Hun er i tillegg kjent som utøver, først og fremst av egne verker, og som improvisasjonsmusiker for gruppa SPUNK, og med Avant Joik.

Maja Solveig Kjelstrup Ratkje is a composer and performer from Trondheim, Norway. Maja’s music frequently involves stark contrasts, more often in the delivery of balance and kinetic action than in the creation of shock or effect. Her ability to hold disparate materials in her grasp is as apparent as her care and restraint with that material. While many of her scores are notated, many stretch beyond the confines of traditional notation in aspiring to both greater precision and greater liberation. Some reveal her DNA as a performing and improvising musician; some ask performers to improvise or produce material themselves. At its heart lies Ratkje’s own voice, an open door to her individual musicianship and a constant tool for realigning her work with natural expressions and human truths. Maja’s exploration of her own voice’s timbral properties led to its involvement in the compositional process. In 2002, she released the album Voice – a catalogue of previously unexplored vocal production techniques fused with electronics that was awarded the Prix Ars Electronica. She has also received other awards at home and abroad, including two Edvard Prizes, and UNESCO’s Rostrum Prize. In addition, she is known as a performer, primarily of her own works, and as an improvisational musician in the group SPUNK, and with Avant Joik.

Mariam Rezaei er komponist, turntablist, skribent og prisbelønt utøver. Musikken hennes har nylig blitt beskrevet som ’genuint banebrytende’ i London Jazz News 2022 og ’sonisk surrealisme med høy energi’ i The Guardian. I 2022 mottok hun Paul Hamlyn Foundation-prisen #AwardsForArtists, som hyllet hennes arbeid som komponist. Mariam har også en podkast om moderne turntablisme kalt These Are The Breaks … og er gjeste-DJ på Radical Scotland av Stewart Smith, begge på Repeater Radio. BOWN, hennes tredje album i triptyken BLUD : SKEEN : BOWN skal slippes senere i år. Hun har tidligere ledet ulike eksperimentelle kunstprosjekter, som TOPH, TUSK FRINGE og TUSK NORTH, og er kunstnerisk leder for TUSK Festival, som holder til i Newcastle og Gateshead.

Mariam Rezaei is a multi-award winning composer, turntablist, writer and performer. Her music has recently been described as ‘genuinely ground-breaking’ (London Jazz News 2022) and ‘high-velocity sonic surrealism’ (4* The Guardian 2022). In 2022, she received the Paul Hamlyn Foundation #AwardsForArtists, in recognition of her composition work. Mariam also presents a podcast on contemporary turntablism called These Are The Breaks… and is guest DJ on Radical Scotland by Stewart Smith, both on Repeater Radio. BOWN, her third album in the triptych BLUD : SKEEN : BOWN is due for release this year. She has previously led various experimental arts project, such as TOPH, TUSK FRINGE and TUSK NORTH, and is Artistic Director of TUSK Festival, based in Newcastle and Gateshead.

Mark Knoop er pianist og dirigent bosatt i London, og kjent for sine fryktløse opptredener og individuelle tolkninger. Hovedsakelig fokuser han på vår tids musikk, men med hans allsidige teknikk og erfaring gir han også nye tilnærminger til repertoaret fra 1900-tallet. Han fremfører jevnlig med ensembler, for eksempel Plus-Minus og Apartment House, og som duopartner med sopran Juliet Fraser. Han har vært dirigent for Scenatet, Britten Sinfonia, Crash Ensemble, og London Sinfonietta. Han har også bestilt, jobbet med og premiert utallige nye verk av respekterte komponister, inkludert Joanna Bailie, Bernhard Lang, Jennifer Walshe, Matthew Shlomowitz, Steven Kazuo Takasugi, Øyvind Torvund og Akiko Ushijima. Flere av hans innspillinger med musikk av komponister som John Cage, Morton Feldman og Bryn Harrison, har blitt hyllet. Mark opptrer regelmessig over hele Europa, Storbritannia og Australia, og har spilt i New Zealand, Sør-Korea, Mongolia, USA, Canada og på en rekke festivaler, blant annet for Borealis, sist i 2014. Han er også meddirektør for all that dust – et uavhengig plateselskap for ny musikk.

Mark Knoop is a pianist and conductor based in London, and is known for his fearless performances and individual interpretations. He mainly focussed on the music of our time, but his versatile technique and virtuosity also bring fresh approaches to the 20th-century repertoire. He often performs with ensembles including Plus-Minus and Apartment House, and as duo partner with soprano vocalist Juliet Fraser. He has also conducted for Scenatet, Britten Sinfonia, Crash Ensemble, and London

Mariam Rezaei

Mark Knoop

Mariam Rezaei –Foto: Fair Light Photos

Mark Knoop –Foto: Dimitri Djuric

Sinfonietta. He has commissioned and premiered countless new works with many respected composers, including Joanna Bailie, Bernhard Lang, Jennifer Walshe, Matthew Shlomowitz, Steven Kazuo Takasugi, Øyvind Torvund, and Akiko Ushijima. His recordings of music by John Cage, Morton Feldman and Bryn Harrison have been highly praised. Mark performs regularly throughout Europe, the United Kingdom and Australia, and has played in New Zealand, South Korea, Mongolia, United States of America, Canada, and at a long list of festivals, including Borealis, last in 2014. He is also co-director of all that dust – an independent record label for new music.

Maryanne Amacher

Maryanne Amacher ble født i 1938 i Pennsylvania, USA. I 1955 startet hun studier ved University of Pennsylvania, hvor hun møtte mange store komponister og teoretikere. Maryanne mottok senere en lang rekke med internasjonale stipender og fellowships, blant annet et fellowship ved University of Illinois’ Experimental Music Studio. Her møtte hun John Cage, som hun skulle fortsette å samarbeide med i mange år fremover, og blant annet skape verkene Lecture on the Weather (1975) og Close Up (1979) med – lydkomponenten til John sin ’maraton-tekst’ Empty Words (1974). Ved overgangen til 80-tallet utviklet Maryanne Music for Sound-Joined Rooms og Mini Sound Series – prosjekter som nærmest fungerte som presentasjonsmodeller for hvordan hennes videre arbeid skulle iscenesettes. På denne tiden arbeidet hun også med Intelligent Life, et drama i flere deler, som opprinnelig skulle bli kringkastet på både TV og radio samtidig. Selv om dette prosjektet aldri ble fullstending realisert, sier det mye om Maryanne Amacher sin tankegang om musikk, og det store potensialet hun så i fremtidige lyttere sin mulighet til å overkomme sosiale og fysiologiske begrensninger slik vi kjenner dem. På 90-tallet arbeidet Maryanne mye internasjonalt, samtidig som hun komponerte et stortstilt verk for Kronos-kvartetten, mottok et Guggenheim-fellowship, fremførte på Woodstock ’94 og ga ut albumet Sound Characters. På 2000-tallet deltok hun på Whitney-biennalen og ble del av fakultetet ved Milton Avery Graduate School of the Arts ved Bard College. I 2005 mottok hun Ars Electronica Foundation sin høyeste utmerkelse, Golden Nica, før hun døde i Kingston, New York, sommeren 2009 etter å ha pådratt seg en hodeskade og et påfølgende hjerneslag.

Maryanne Amacher was born in 1938 in Kane, Pennsylvania, USA. She enrolled in the University of Pennsylvania in 1955, where she met many great composers and theorists. Maryanne went on to hold a series of international stipends and fellowships, amongst them the fellowship at University of Illinois’ Experimental Music Studio. Here she met John Cage, who she continued to collaborate with for many years, creating the works Lecture on the Weather (1975) and Close Up (1979) – the sound component for John’s ‘marathon text’ Empty Words (1974). During the transition to the 80s Maryanne developed Music for Sound-Joined Rooms and Mini Sound Series – project which worked as presentational models for how her subsequent work should be staged. During this time she also worked on the materials for a multi-part drama originally imagined for TV and radio simulcast called Intelligent Life. While never fully realised, this work reveals much of Maryanne’s thinking on music and the advancement of potentialities for future listeners, transcending the social and physiological limitations of music as we know it. In the 90s, Maryanne continued to work internationally, and in the US she was commissioned to compose a large-scale work for the Kronos Quartet, received a Guggenheim Fellowship, performed at Woodstock ’94, and released her album Sound Characters (1999). In the 2000s, she participated in the Whitney Biennial, and joined the faculty of the Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College. In 2005 she received Ars Electronica Foundation’s Golden Nica, their highest honour. Amacher died in Kingston, New York after sustaining a head injury and a subsequent stroke during the summer of 2009.

Mira Thiruchelvam

Mira Thiruchelvam er en fløytist, komponist og tekstforfatter fra Bergen, med tamilske røtter. Hun har bakgrunn i carnatisk klassisk musikk, men har stort sett eksperimentert med musikk på egen hånd. Dette har skapt komposisjoner som er fryktløse og frigjørende, i et lydlandskap som smelter sammen sør-indisk klassisk musikk, etnisk progressiv og ethio-pop, med tydelige bånd til hennes egne familierøtter i Sri Lanka og krevende vokalperkusjon. I 2015 startet hun bandet 9 Grader Nord sammen med søsteren Dipha Thiruchelvam, hvor Mira komponerer, spiller bambusfløyte og gitar. I 2020 vant hun Edvard-prisen i kategorien Utfordrer for bandets debutplate Jaffna. I tillegg skaper hun musikk for ulike prosjekter innenfor hip hop, klassisk, jazz, rock, blues og folkemusikk, blant annet

som produsent og arrangør for Gutu Abera, som har hatt enorm suksess i Etiopia. Sommeren 2022 stod hun på scenen sammen med Karpe i Oslo Spektrum, i det som blir omtalt som ”the most beautiful show in the world right now” av Rolling Stone.

Mira Thiruchelvam is a flautist, composer and lyricist from Bergen, Norway with Tamil roots. She has a background in Carnatic classical music, but has mostly experimented with music independently. This has led to fearless and liberating compositions, in a soundscape that fuses South Indian classical music, ethnic progressive and Ethio Pop, with clear links to her own family ties in Sri Lanka and impressively demanding vocal percussion. In 2015 she started the band 9 Grader Nord with her sister Dipha Thiruchelvam, where she composes, plays the bamboo flute and guitar. In 2020 she won the Edvard Award in the category Challenger for the band’s debut record Jaffna. She also creates music for various projects within different genres such as hip hop, classical, jazz, rock, blues and folk music. She’s had great success as producer and arranger for Gutu Abera whose music has been met with great acclaim in Ethiopia. In the summer of 2022 she featured on stage as part of Norwegian rap duo Karpe’s ten live show’s in Oslo Spektrum, which was met with raging reviews and named “the most beautiful show in the world right now” by Rolling Stone.

Nicole L’Huillier, born in Santiago, Chile, is an artist and researcher. Her work centres around the exploration of sounds and vibrations as a construction material to delve into questions of agency, identity, collectivity and vibrational imagination. It usually materialises as sound installations, vibrational and sonic sculptures, performances, and compositions. She holds a Ph.D. in Media Arts & Sciences from Massachusetts Institute of Technology. Her work has been recently shown in Transmediale, Sonic Acts, Kunsthalle Baden Baden, Ural Industrial Biennial, Bienal de Artes Mediales Santiago, Venice Architecture Biennale, and Ars Electronica.

Pinquins

Pinquins er en grenseoverskridende og eksperimentell trio som holder til i Oslo. Trioen ble etablert i 2008 og består i dag av Sigrun Rogstad Gomnæs, Jennifer Torrence og Ane Marthe Sørlien Holen. De er alle utdannet som utøvende slagverkere, og har hver for seg levd musikerlivet som frilansere i mange ulike sammenhenger. Trioen sitt hovedfokus er samtidsmusikk, og deres målsetning er å utfordre publikum og utvide formatet de jobber innenfor. De jobber i tette samarbeid med komponister og utøvere innenfor samtidsmusikk så vel som i andre sjangre. Med sitt svært visuelle repertoar og sin unike sceniske tilstedeværelse, har trioen gjort seg bemerket som et av de mest innovative, nyskapende og ledende ensemblene på den norske samtidsmusikkscenen.

Nicole L’Huillier fra Santiago i Chile jobber eksperimentelt og antidisiplinært gjennom lyd for å navigere i de porøse og fruktbare territoriene mellom kunst og vitenskap. Med vibrasjoner, klang og konverteringsverktøy utforsker hun handlinger som strekker seg forbi det menneskelige, og dykker ned i både mikroskopiske og kosmiske verdener. Nicole skaper ritualer med klang, og kroppslige, ikke-statiske rom av lyder og vibrasjoner, som utforsker identitet, fremmer følelser av tilhørighet, og får fantasien til å løpe fritt. Gjennom både nye og eldgamle teknikker for historiefortelling og skapelse strekker hun perspektivet forbi det menneskesentrerte for å praktisere oppbyggingen av avkoloniserte verdener. Nicole er også en eksperimentell musiker, trommeslager og halvparten av duoen Breaking Forms som befinner seg i space pop-sjangeren. Hun har nettopp fullført en doktorgrad i Media Arts & Sciences ved Massachusetts Institute of Technology.

Pinquins is a border-crossing and experimental trio based in Oslo. The trio was established in 2008 and consists today of Sigrun Rogstad Gomnæs, Jennifer Torrence and Ane Marthe Sørlien Holen. They are all trained as performing percussionists, and have each worked as freelancers in many different musical contexts. The trio’s main focus is contemporary music, and their aim is to challenge the audience and expand the format they work within. They work in close collaboration with composers and performers within contemporary music as well as in other genres. With its highly visual repertoire and its unique stage presence, the trio has made a name for itself as one of the most innovative and leading ensembles on the Norwegian contemporary music scene.

Nicole L’Huillier

Rebecka Ahvenniemi

Rebecka Sofia Ahvenniemi er komponist og filosof født i Finland og bosatt i Oslo. For tiden er Rebecka kunstnerisk stipendiat ved Norges musikkhøgskole. Rebecka skriver partiturmusikk, ofte ved å kombinere akustiske instrumenter med elektroniske medier. I 2022 var Rebecka huskomponist for KODE i Bergen, og festivalkomponist for Kaustinen Kammermusikkfestival.

I mange av hennes musikalske verk, samt forskning og forfatterskap, engasjerer hun seg i spørsmål som angår kultur og samfunn i større skala. Hun har tidligere studert komposisjon av musikk, og filosofi, ved Universitetet i Bergen, Universitetet i Helsinki, Ferie Universitet Berlin og Columbia University. Hun avsluttet sin doktorgrad i filosofi høsten 2021 med avhandlingen Musical Composition as Lingering Reflection. Exploring the Critical Potential of Music. Hun har også undervist i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen og Musikkhøgskolen i Oslo, og vært foredragsholder ved Filosofisk institutt, Universitetet i Bergen.

Rebecka Sofia Ahvenniemi is a composer and philosopher from Finland, living in Oslo, and currently an Artistic Research Fellow at the Norwegian Academy of Music. Most of Rebecka’s music is written score music, often combining acoustic instruments with electronic mediums. In 2022, Rebecka was engaged as the house composer of KODE in Bergen, and as the festival composer of Kaustinen Chamber Music Festival.

In many of her musical works, as well as research and writing, she engages in questions that concern culture and society on a larger scale. Rebecka studied composition of Music and Philosophy at the University of Bergen, the University of Helsinki, Ferie Universitet Berlin, and Columbia University. She finished her doctoral degree in Philosophy in 2021 with the thesis Musical Composition as Lingering Reflection. Exploring the Critical Potential of Music. Further, she has taught composition at the Grieg Academy in Bergen and Musikkhøgskolen in Oslo. She has also been a lecturer at the Department of Philosophy at the University of Bergen.

Rob Waring

Rob Waring, opprinnelig fra New York, bosatte seg i Oslo i 1981. Siden da har han vært en sentral aktør innenfor samtidsmusikk og jazz som vibrafonist, perkusjonist og komponist. Han er førsteamanuensis ved Norges musikkhøgskole der han underviser i klassisk slagverk og jazzvibrafon. I 2019 introduserte han valgemnet balinesisk gamelan ved musikkhøgskolen, der studenter kan erfare å spille tradisjonell balinesisk musikk og få innsikt i denne musikkens grunnleggende teoretiske prinsipper. Rob bodde på Bali i 4 måneder i 2002 for å studere balinesisk musikk, noe som siden da har vært en uendelig stor inspirasjonskilde for ham. Både som komponist og utøver har Rob samarbeidet med musikere og ensembler som representerer et bredt spekter av stilarter og tilnærminger til musikk. Han har komponert bestillingsverk til en rekke kammerensembler, kor og solister, laget elektroakustisk musikk og bygd en lydinstallasjon med 64 datastyrte høyttalere. Han har nylig gjort en innspilling for ECM Records med en kvartett ledet av saksofonist John Surman. Med vibrafonist David Friedman har Rob gjort en duo-innspilling som skal utgis til våren. Rob har hatt samarbeid med Sisu slagverktrio over mange år. Et nytt verk som han komponerte for dem under pandemien skal urframføres høsten 2023.

Rob Waring, originally from New York, settled in Oslo in 1981. Since then he has been a central figure within contemporary music and jazz as a vibraphonist, percussionist and composer. He is Associate Professor at the Norwegian Academy of Music where he teaches classical percussion and jazz vibraphone. In 2019 he introduced the elective course “Balinese Gamelan” at the Academy, where students get hands-on experience playing traditional Balinese music, and insight into the music’s

Rebecka Ahvenniemi –

Foto: Monika Kolstad

basic theoretical principles. Rob stayed in Bali for 4 months in 2002 to study Balinese music. That experience has been, and still is, a huge source of inspiration. Both as composer and performer, Rob has collaborated with musicians and ensembles that represent a broad spectrum of styles and approaches to music. He has composed commissioned works for chamber ensembles, choirs and soloists, created electroacoustic music and built a sound installation with 64 computer-controlled loudspeakers. He recently did a recording for ECM Records with a quartet led by saxophonist John Surman. With vibraphonist David Friedman, Rob has made a duo recording which is being released this spring. Rob has collaborated with Sisu Percussion Trio over many years. A new piece which he composed for them during the pandemic will be premiered in the fall of 2023.

Ruth Bakke

Ruth Bakke, født i Bergen, er komponist, organist og kordirigent som tok store deler av sin utdanning i USA på 60- og 70-tallet. Siden 1972 har hun arbeidet som organist og kordirigent i Bergen. Hun har blant annet jobbet som kirkeorganist i Storetveit kirke i 45 år, som også var konsertlokalet for hennes samarbeidsprosjekt med Anne Marthe Dyvi for Borealis i 2021. En sentral del av komposisjonene hennes er arbeidet med farge og rytme, noe som verk-titler som Illuminations og Chromocumuli gjerne kan antyde. Ruth har komponert store mengder kirke- og kammermusikk, arbeidet med multimedia og symfoniorkester, og undervist i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen.

Ruth Bakke was born in Bergen and works as a composer, organist and choir conductor. She did her studies in music in the US during the 60s and 70s. Since 1972 Ruth has worked as an organist and choir conductor in Bergen. She worked in Storetveit Church for 45 years, which is where she and Anne Marthe Dyvi performed their collaborative project at Borealis in 2021. A central part of her compositions is her focus on colour and rhythm, which titles like Illuminations and Chromocumuli can indicate. Ruth has composed a great amount of church and chamber music, has worked with multimedia and symphony orchestras and has taught composition at the Grieg Academy in Bergen.

Sigbjørn Apeland/Berit Opheim/Nils Økland

Sigbjørn Apeland, Berit Opheim og Nils Økland har samarbeidet i ulike musikalske prosjekter i over 30 år. Deres karrierer har bevegd seg mellom klassisk musikk, folkemusikk, jazz, improvisasjon, rock og mer. Denne musikalske nysgjerrigheten, og åpne synet på sjangre, har vært drivkraften deres gjennom lange karrierer med mange nasjonale og internasjonale turneer. Nils Økland er fiolin- og felespiller, og har gitt ut flere kritikerroste album under Nils Økland Band, med både Spellemannpris og Folkelarmpris under beltet. Han er kjent for sin nyskapende stil og tilnærming til folkemusikken, og er et stort forbilde for mange yngre felespillere – spesielt har han åpnet opp nye rom for hardingfela. Sigbjørn Apeland har vært en stilskaper innenfor sitt fag som organist og pianist i Norge og internasjonalt. Han har medvirket til nært hundre album innen flere sjangre der improvisasjon alltid er sterkt til stede. Berit Opheim er vokalist og har arbeidet mye med tradisjonell folkesang, med mange urfremføringer av nyskrevne verk bak seg, lang fartstid som pedagog ved Ole Bull Akademiet, og i samarbeid med kor. Samtidig har Berit hatt rollen som Nattens dronning og Papagena i en folketeater-oppsetning av Tryllefløyta, og medvirket i mange andre tverrfaglige prosjekter.

Sigbjørn Apeland, Berit Opheim and Nils Økland have collaborated in various musical projects for more than 30 years. Their careers have moved between classical music, folk music, jazz, improvisation, rock and more. Their musical curiosity and openness to genres have been their driving forces throughout long careers with lots of national and international touring. Nils Økland is a violinist and fiddle player, and has released several critically acclaimed albums as Nils Økland Band, having won both Norwegian Grammy and Folkelarm prize. He is known for his innovative style and approach to folk music, and is a great role model for many younger fiddle players –especially for those playing the Norwegian Hardanger fiddle. Sigbjørn Apeland has been at the forefront in his profession as an organist and pianist in Norway and internationally. He has been part of close to a hundred albums in a multitude of genres, but with improvisation always present. Berit Opheim is a vocalist and has worked extensively with traditional Norwegian folk song and has premiered many new works, educated young musicians for 30 years at the Ole Bull Academy, and collaborated with choirs. Berit has also played the role of The Queen of the Night and Papagena in a production of The Magic Flute, and participated in many other cross-disciplinary projects.

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK)

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK), med røtter helt tilbake til 1792, er ett av Norges fem helprofesjonelle militærkorps. SFMK utgjør et dynamisk og svært allsidig ensemble av 27 musikere. Korpset opptrer på mange arenaer, både i og utenfor Forsvaret, og behersker de fleste musikalske sjangre. Korpset har markert seg som et av Norges fremste ensembler, særlig innen samtidsmusikken – med urfremføringer, festivalopptredener, CD-utgivelser og utøverprisen fra Norsk Komponistforening i 2008. I 2010 mottok Peter Szilvay og Ingar Bergby, korpsets tidligere kunstneriske ledere, den samme utmerkelsen. I 2016 ble Kulturrådets ærespris tildelt Forsvarets musikk for deres innsats for norsk kulturliv gjennom 200 år.

The Norwegian Naval Forces Band (NNFB) is one of Norway’s five full-time professional military bands comprising 27 musicians of the highest professional standard. The band is a dynamic and versatile ensemble performing in a variety of settings both military and civilian, covering most genres. It has made its mark particularly in the field of contemporary music with numerous world premieres, festival appearances, CD-recordings and The Performer Award from the Norwegian Society of Composers in 2008. In 2016 The Norwegian Armed Forces bands received an honorary prize for their 200 year long contribution to Norwegian cultural life.

Sofia Jernberg

Sofia Jernberg er en svensk eksperimentell vokalist, komponist, improvisator og utøver, født i Etiopia. Hun vokste opp i Etiopia, Vietnam og Sverige, og har siden 2011 bodd i Oslo. Som vokalist er hun dypt interessert i å utforske stemmens instrumentelle muligheter. Vokabularet hennes inkluderer lyder og teknikker som ofte motsier konvensjonell sangstil, som for eksempel ordløs vokal, og synging med delt tone, uten tone, og forvrenging. Sofia har fremført flere musikalstykker for teater, som Arnold Schönberg sin Pierrot Lunaire, og Salvatore Sciarrino sin Lohengrin. Mange komponister har spesialskrevet roller til henne, som i Emily Hall sin Folie à Deux og UR av Anna Thorvaldsdottir. Hun har opptrådt sammen med billedkunstner Camille Norment og tok del i stykket hennes Rapture under Veneziabiennalen 2015 og Lull vist på Festspillene i Bergen 2016. Hun er også å se i det 80-minutter lange filmverket Union of the North av Erna Ómarsdóttir, Matthew Barney og Valdimar Jóhannsson. Som komponist ligger hovedfokuset hennes i å blande komposisjon med improvisasjon.

Foruten å komponere for hennes egne ensembler, får hun jevnlig oppdrag fra andre, blant annet Barents komponistorkester, Sveriges Radio P2, Stockholm Jazzfestival, Trondheim jazzorkester, vokalensemblet Oslo 14, Klang – Copenhagen Avantgarde Music Festival og Ultima Contemporary Music Festival.

Sofia Jernberg is a Swedish experimental singer, composer, improviser and performer, born in Ethiopia. She grew up in Ethiopia, Vietnam and Sweden, and has since 2011 been based in Oslo, Norway. One of her deepest interests as a singer is to explore the instrumental possibilities of the voice. Her singing vocabulary include sounds and techniques that often contradict a conventional singing style. She has dug deep into nonverbal vocalising, split tone singing, pitchless singing and distorted singing. She has performed several staged music theater pieces like Arnold Schönberg’s Pierrot Lunaire and Salvatore Sciarrino’s Lohengrin. Composers have written roles especially with her in mind, like in Emily Hall’s Folie à Deux and Anna Thorvaldsdottir’s UR. She has performed together with visual artist Camille Norment and was a part of her piece Rapture for Venice Biennale 2015 and Lull during Festspillene i Bergen 2016. She is featured in the 80 minutes cinematic work Union of the North by Erna Ómarsdóttir, Matthew Barney and Valdimar Jóhannsson. As a composer, her main focus lies in blending improvisation and composition. Besides composing for her own ensembles, she regularly commissions for others. Previous commissions include: Barents composer orchestra, Swedish Radio P2, Stockholm Jazz Festival, Trondheim jazz orchestra, vocal ensemble Oslo 14, Klang –Copenhagen Avantgarde Music Festival and Ultima Contemporary Music Festival.

Sofia Jernberg –

Foto: Jon Edergren

Susanne Xin er en norsk-vietnamesisk kunstner, pianist og musikkpedagog. Hennes komposisjoner er ofte tverrkunstneriske, og tar utgangspunkt i et tema eller en metode. For øyeblikket har hennes kunstneriske reise vendt blikket innover, og hun bruker ofte sine mange identiteter som en inngang til ulike forprosjekter: “Jeg er minoritetskvinne, skeiv og mine foreldre er flyktninger fra Vietnamkrigen. Det er mye materiale å hente fra disse perspektivene, og jeg synes det er utrolig spennende å tonesette disse minnene og historiene i ulike kunstneriske former”.

For tiden er hun med i TekstLab sitt Inkubator-program, og har komponert en dokumentarisk og tverrkunstnerisk soloforestilling som kombinerer musikk med bevegelse og tekst. Susanne har en bachelor i musikkpedagogikk med klaver som hovedinstrument fra Norges musikkhøgskole, og studerer for tiden medisin profesjon ved Universitetet i Oslo. Susanne er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Susanne Xin is a Norwegian-Vietnamese artist, pianist and music educator. Her compositions are often cross disciplinary, and are based on a specific theme or method. At the moment, her artistic journey has turned her gaze inwards, and she often uses her many identities as an entry point into various preliminary projects: “I am from a minority background, I’m a woman, I’m queer and my parents are refugees from the Vietnam War. There is a lot of material coming from these perspectives, and I find it incredibly exciting to set the tone for these memories and stories in various artistic forms ”.

Susanne is currently a member of TekstLab’s Incubator programme, and has composed a documentary and interdisciplinary solo performance which combines music with movement and text. Susanne has a Bachelor’s Degree in Music Pedagogy with piano as her main instrument from the Norwegian Academy of Music, and is currently studying medicine at the University of Oslo. Susanne takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Thanusha Chandrasselan

Thanusha Chandrasselan fra Oslo er en mangefasettert danser, koreograf og pedagog. Hun arbeider innenfor og kombinerer en rekke stilarter, deriblant samtidsdans, break, house, popping og hiphop. I produksjonene sine fokuserer hun på bruk av dynamikk, energi og musikalitet, og trekker ofte inspirasjon fra røttene hun har fra Sri Lanka og tamilsk kultur. Hun har blant annet jobbet som danser for Marcus & Martinus, turnert i inn- og utland, og holdt workshops i Spania, Frankrike, Japan, SørKorea og Thailand. I tillegg til frilans-arbeid er hun instruktør på Quick Style Studio, et dansestudio for ungdom i Oslo som friskt kombinerer dansestiler og all type musikk, og utfordrer medlemmene sine fysisk, mentalt og følelsesmessig. Thanusha har studert streetdance på Edvard Munch VGS og prosjektledelse med kunst og kreativ næring på Høyskolen Kristiania.

Thanusha Chandrasselan from Oslo, Norway is a multifaceted dancer, choreographer and educator. She works with, and combines, a range of genres, including contemporary dance, break, house, popping and hip-hop. In her productions, Thanusha focuses on the use of dynamic, energy and musicality, often drawing inspiration from her Sri Lankan roots and Tamil culture. She has worked as a dancer for the Norwegian pop duo Marcus & Martinus, toured around Norway and abroad, and held workshops in Spain, France, Japan, South Korea and Thailand. In addition to freelance work, she is an instructor at Quick Style Studio in Oslo, known for combining genres of dance and music, and challenging its members physically, mentally and emotionally. Thanusha has studied street dance at Edvard Munch High School and project management specialised within creative industries at Kristiania University College.

Susanne Xin

Susanne Xin –Foto: Thor Brødreskift/Borealis

Dr Thomas Schäfer, født i Hamburg, Tyskland, er direktør for International Music Institute Darmstadt og kunstnerisk leder for Darmstadt Summer Course. Han har studert historisk og systematisk musikkvitenskap, moderne tysk litteratur og filosofi ved Universitetet i Hamburg, og er medgründer av Working Group for Music in Exile ved Instituttet for musikkvitenskap der. Han har også en doktorgrad fra Universitetet i Humboldt, Berlin, omhandlende Gustav Mahler sin påvirkning på komponering av samtidsmusikk. Han har tidligere vært dramaturg for samtidsmusikk ved Wiener Konzerthaus og kurator for Wien Modern Festival.

Dr Thomas Schäfer, born in Hamburg, Germany, is Director of the International Music Institute Darmstadt and Artistic Director of the Darmstadt Summer Course. At the University of Hamburg he studied Historical and Systematic Musicology, Modern German Literature and Philosophy, and co-founded the Working Group for Music in Exile at the Musicological Institute there. He also holds a doctorate from the Humboldt University in Berlin, with a thesis about the compositional influence of Gustav Mahler in contemporary music. He has previously been Dramaturge for Contemporary Music at the Wiener Konzerthaus, and Curator of the Wien Modern Festival.

ritualistiske, kvernende landskap. Viktor har gjort seg bemerket på den eksperimentelle scenen i en rekke ulike prosjekter, særlig med sitt band Sex Magick Wizards som i 2022 turnerte Tyskland på kryss og tvers. I desember 2022 slapp han sitt første soloalbum, Sámi Noise, på Nice Things Records. På albumet er støy, joik, sampling og fuzz-lyder mesterlig sveiset sammen for å male bilder av undertrykkelse av urkultur, sinne og til slutt gjenopplivende frihet.

Viktor Bomstad is a Sámi experimental musician and traditional singer (joik). His work is largely improvisational with an unpolished and raw expression meeting ritualistic ever grinding and evolving landscapes. Viktor has been making his mark on the experimental scene, most notably with his fellow bandmates in Sex Magick Wizards with whom he has released two albums and toured Norway and Germany. In December 2022 Viktor released his debut solo album Sámi Noise on Nice Things Records. In the album, noise, joik, sampling and fuzz sounds are masterfully welded together to paint images of suppressed native culture, anger and at last rejuvenating freedom.

Vilde&Inga

Vilde&Inga er en eksperimentell strykeduo som spiller akustisk improvisert musikk. Ved å nærme seg instrumentene sine – fiolin og kontrabass – med nysgjerrighet og lekenhet, har duoen en utvidet klangfarge og stort spillerom. Deres åpne tolkninger lar musikken utvikle seg sakte og organisk, men likevel med en underliggende kompositorisk form og retningssans. De begynte å spille sammen i 2010 og studerte ved Norges musikkhøgskole i Oslo. I 2016 mottok de Lindemanprisen for unge musikere. Vilde &Inga turnerer over hele Norge og internasjonalt. I 2020 ble dobbeltalbumet How Forests Think gitt ut på det norske plateselskapet SOFA. Albumet er laget i samarbeid med den franske lydteknikeren og artisten Benjamin Maumus. Deres første album, Makrofauna, ble gitt ut på ECM i 2014, og Silfr på SOFA i 2017.

Viktor Bomstad er en samisk eksperimentell musiker og joiker. Hans musikk er sterkt preget av improvisasjon hvor det upolerte og støyete møter

Vilde&Inga is an experimental string duo playing acoustic improvised music. By approaching the violin and double bass with curiosity and playfulness, the duo has greatly expanded their timbre palette. Their wide horizons of colour allow the music to develop slowly and organically, yet with a keen underlying sense of compositional form. They started to play together in 2010 and studied at the Norwegian Academy of Music in Oslo. In 2016 they

Thomas Schäfer

Viktor Bomstad

Thomas Schäfer –Foto: IMD Archiv / Albrecht Haag

received the Lindeman Prize for Young Musicians. Vilde&Inga tour across Norway and internationally. In 2020 the double album How Forests Think was released on the Norwegian label SOFA. The album was made in collaboration with the French sound technician and artist Benjamin Maumus. Their first album, Makrofauna, was released on ECM in 2014, and Silfr on SOFA in 2017.

YrrY

YrrY kombinerer to av de eldste måtene å lage musikk på – stemmen og perkusjon – på nye og overraskende måter. Den bergensbaserte trioen utforsker akustikk, elektronikk og fysiske muligheter i improvisert og nyskrevet musikk. I anledning Borealis Ung Komponist er trioen gjort om til en kvartett ved å slå seg sammen med cellist Carmen Bóveda. Vokalist Mari Garcés utforsker spenningsfeltet mellom klassisk partiturmusikk og fri improvisasjon, med fokus på stemmens mulighet til å uttrykke følelser og identitet. Perkusjonistene Håkon Skjæret og Owen Weaver deler en lidenskap for ny musikk og uvanlige instrumenter, i tillegg til å være kollegaer i BIT20 Ensemble som utøvere og formidlere. Carmen Bovéda er cellist og startet i 2015 strykekvartetten Rosella som var med i første runde av Borealis Ung Komponist i 2017. Hun har også spilt og samarbeidet med flere kjente artister, som blant annet Aurora, Gabrielle og DePresno.

YrrY combines two of the world’s oldest means of making music – voice and percussion – in new and surprising ways. For this iteration of Borealis Ung Komponist they join forces with cellist Carmen Bóveda to form a quartet. Together they explore acoustic, electronic and physical possibilities in improvised and newly composed music. Vocalist Mari Garcés specialises in classical score music and free improv, focusing on the ability of the voice to express feelings and identity. Percussionists

Håkon Skjæret and Owen Weaver share a passion for new music and unconventional instruments, also working together in Bergen’s BIT20 Ensemble as performers and educators. Carmen Bovéda is a cellist and founder of the string quartet Rosella which aims to renew classical music and support experimental projects. She has also played and collaborated with renowned artists such as Aurora, Gabrielle and DePresno.

Ziúr

Ziúr er en eksperimentell produsent og musiker, og en bærebjelke i Berlins rike musikkmiljø. Hun produserer musikk med en dristig, fyldig og mangfoldig tekstur, med lyder som både er mekaniske og dypt menneskelige, leker hun med mekanisk isolasjon og det kaotiske spekteret av menneskelige følelser. I motsetning til filmmusikk kommer hennes musikalske narrativ helt uten bilde – her finner du intet annet enn stemningsfulle lyder som strekker seg mellom hver sang mot det kybernetiske. I 2021 ga hun ut det kritikerroste albumet, Antifate, som en oppfølger til de to EP’ene: Blur og Now Now.

Ziúr is an experimental producer and musician, and a fixture in Berlin’s rich musical scene. She produces music that is expansive, rich and diverse in texture, with sounds that are simultaneously machinistic and deeply anthropomorphic, toying with mechanical isolation and the chaotic spectrum of human emotion. Unlike a soundtrack or score, there is no film to which one can turn to give narrative to the music

there are only evocative sounds reaching from each song towards the cybernetic. In 2021 she released her third album, Antifate, after two earlier EPs: Blur, and Now Now, all to critical acclaim.

Ørjan Matre

Ørjan Matre er en norsk komponist bosatt i Bergen. Han tilhører en generasjon norske komponister som tidlig utforsket og tilegnet seg det store orkesterformatet, og en stor del av Ørjans produksjon er derfor

Ziúr –Foto: Stefan Fähler

verk for orkester og større ensembler. Han har også jobbet mye som arrangør og tilrettelegger av andres musikk, og har i den sammenheng samarbeidet med musikere fra mange ulike sjangre, fra kor og folkemusikk, til improvisasjon, jazz og visesang. I 2023 er Ørjan huskomponist for Kode, Kunstmuseene i Bergen.

Ørjan Matre is a Norwegian composer living in Bergen. He belongs to a generation of Norwegian composers who early in their career explored and adopted the large orchestral format, and a large part of Ørjan’s works are therefore scored for orchestra and larger ensembles. He has also worked extensively as a transcriber and arranger of other people’s music, and in that context has collaborated with musicians from many different genres, from choirs and folk music, to improvisation, jazz, and singer-songwriters. In 2023, Ørjan is Composer in Residence for Kode, the Art Museums in Bergen.

Øyvind Skarbø

Øyvind Skarbø er trommeslager, komponist og produsent, bosatt i Bergen. Han studerte med Terje Isungset fra 2004–2006, og har også studert norsk, kubansk og nigeriansk tradisjonsmusikk. Øyvind har opptrådt på 31 album og spilt i 29 land med noen av de mest anerkjente jazz-musikerene i verden, blant annet Håkon Kornstad, Kris Davis og Fredrik Ljungkvist. I 2016 mottok han Vossajazz-prisen, og i 2022 vant han Edvard-prisen i kategorien Åpen klasse. Bandet hans Skarbø Skulekorps, hvor han også skriver all musikken, slapp sitt hyllede debut-album på Hubro i 2019. Det tredje albumet kommer i 2023.

Øyvind Skarbø is a drummer, composer and producer based in Bergen, Norway. He studied with Terje Isungset from 2004–2006, and has also studied Norwegian, Cuban and Yoruba traditional music. Øyvind has performed on 28 albums, and played in 28 countries with some of the top jazz musicians in the world, including Håkon Kornstad, Kris Davis and Fredrik Ljungkvist. In 2016 he received the Vossajazz Prize, and in 2022 he won the TONO Edvard award. His band Skarbø Skulekorps, for which he also writes all the music, released its widely praised debut album on Hubro in 2019. The third album will be released in 2023.

Øyvind Torvund

Øyvind Torvund er komponist, har studert i Oslo og Berlin, og spilt gitar i rockeband og improvisasjonsgrupper. Musikken hans er satt sammen av ulikt materiale og inkonsekvent tilnærming: Lyder fra rock og dagliglivet eller naturen, satt inn i kammermusikken; enkelhet i en kompleks kontekst; improvisasjon i sameksistens med nøyaktig notasjon; musikk kombinert med film eller projeksjoner; alvor satt opp mot humor. Musikkens hans har blitt fremført av alt fra asamisimasa til Oslo Filharmoniske Orkester, på festivaler og konsertsaler over hele verden. Torvund ble i 2016 nominert til Nordisk Råds Musikkpris, og vant sin andre Spellemannpris i 2020, i kategorien samtid sammen med BIT20 Ensemble for The Exotica Album, gitt ut på Hubro.

Norwegian composer Øyvind Torvund has played guitar in rock and improvising groups alongside regular musical studies in Oslo and Berlin. His music assembles disparate materials and inconsistent attitudes: sounds from rock or from everyday life or nature occurring in chamber music, simplicity in a complex context, improvisation coexisting with exact notation, music combined with film or projections, and seriousness in counterpoint with humour. Øyvind was nominated for Nordic Council Music Prize in 2016, and won his second Norwegian Grammy in the category Contemporary together with BIT20 Ensemble in 2020 for The Exotica Album, released on the label Hubro.

Øyvind Skarbø –Foto: Helge Skodvin

Tilgjengelighet

Det er viktig for Borealis å være en åpen, inkluderende og tilgjengelig festival.

Vi jobber med nye tilnærminger for tilretteleggelse og inkludering for de med funksjonsnedsettelse på våre arrangementer. Vi bruker 13 ulike arenaer i 2023. Ikke alle arenaene vi benytter er fullt tilgjengelige, så det kan hende at noen arrangementer passer bedre for deg enn andre. På vår nettside finner du en liste over alle arenaene vi bruker, og tilgjengeligheten på hver enkelt:

Ledsagerbillett/Personlig assistent/Reserverte sitteplasser

Om du har behov for assistanse fra en venn eller en hjelper, ordner vi med fri adgang til din ledsager. Ta kontakt med billettkontoret vårt for å bestille ledsagerbillett.

Reservering av billett er tilgjengelig ved henvendelse. Send en mail til billettkontoret med din forespørsel, så skal vi gjøre vårt aller beste for å imøtekomme dette. Du er også velkommen til å ta med din egen stol – vennligst gi oss beskjed om du ønsker dette.

Billettkontoret: billett@borealisfestival.no

Myk Forestilling

I år tester vi for første gang konseptet Myk Forestilling – for dem som foretrekker en mer avslappet atmosfære når de skal på konsert.

Lørdag 18. mars

14.00–15.00

Åsane Kulturhus, Multisalen

Myk Forestilling: Øyvind Torvund – Plans for Future Operas

Les mer på s. 20

Vi har fortsatt mye å lære, og vil gjerne ha tilbakemelding! Om du har ideer til hvordan vi kan gjøre ting på en bedre måte, eller bare ønsker å vite mer om våre krav til tilgjengelighet eller fasilitetene på våre arenaer, ta kontakt på: tilgjengelighet@borealisfestival.no

Access

Borealis is dedicated to being a welcoming, inclusive and accessible festival.

We are working on new approaches in access and audience engagement. In 2023 we are spread out in 13 different venues. Not all our venues are accessible, and you may find some of our performances more suitable than others. You’ll find a list of each venue’s accessibility on our webpage:

Personal Assistant/Companion Tickets/Reserved Seating

If you require the assistance of a friend or helper to attend, we can make a free ticket available for your companion. You can book access companion tickets by contacting the Box Office.

Reserved seating is available on request. Message Box Office and we will do our best to accommodate you. You are also welcome to bring your own chair as long as you let us know in advance.

Box Office: billett@borealisfestival.no

Relaxed Performance

This year we are testing the concept of a Relaxed Performance – for anyone who would benefit from a more relaxed environment in the concert hall.

Saturday 18 March

14.00–15.00

Åsane Kulturhus, Multisalen

Relaxed Performance: Øyvind Torvund – Plans for Future Operas

Read more on p. 20

While we are committed to accessibility, we still have a lot to learn and any feedback is welcome. If you have any ideas about what we could do better or just want to know more about our access policies or venue facilities, please get in touch at:

tilgjengelighet@borealisfestival.no

REDAKSJON PROGRAMBOK / EDITORIAL STAFF PROGRAMME BOOK

Mari rem Müftüo lu

Redaktør / Editor

Mari rem Müftüo lu

Runa Halleraker

Oversettelse / Translations

Mari rem Müftüo lu

Peter Meanwell

Runa Halleraker

Redaksjon / Editorial

ART DIRECTION & DESIGN

Thomas Bush

STYRET / THE BOARD

Caroline Stampone Oliveira

Styremedlem / Board Member

Elise Sæle Dahl

Styreleder / Board Leader

Inish Sofia Hedén Næss

Varamedlem / Deputy member

Johanne Øra Danielsen

Varamedlem / Deputy member

Jostein Gundersen

Styremedlem / Board Member

Kjetil Traavik Møster

Styremedlem / Board Member

Marieke Verbiesen

Styremedlem / Board Member

FESTIVALSTAB / FESTIVAL TEAM

Abigael Asgedom

Administrasjonsansvarlig & prosjektansvarlig / Administrative Assistant & Project Manager

Aist Žumbakyt

Produsent / Producer

Alex Millar

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Beate Poik ne

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Ben Speck

Videograf / Videographer

Bertha Chan

Insta Live

Bo Schleisner

Distribusjon / Distribution

Clea Ingwersen

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Eirik Hunnes

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Emiliano Orbe

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Émilie Fanor-Fontaine

Frivilligansvarlig / Volunteer Coordinator

Hallaisen (May Yee Tee & She Fah Szetu)

Festivalkjøkken / Festival Kitchen

Ine Terese Hogstad

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Ingrid Ormevik

Insta Live

Mari rem Müftüo lu

Kommunikasjonsansvarlig / Head of Communication

Johanne Karlsrud

Fotograf / Photographer

Johanne Øra Danielsen

Transport & logistikk / Transport & Logistics

Kathrine Bauck

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Malin Nøss Vangsnes

Produsent / Producer

Peter Meanwell

Kunstnerisk leder / Artistic Director

Phoebe Dobey

Billetter / Tickets

Rachel Louis

Daglig leder / Managing Director

Randiane Sandboe

Lyskonsept / Lighting Concept

Runa Halleraker

Kommunikasjonsassistent / Communication Assistant

Sasha Azanova

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Simone Marie Jarvis

Arrangementsansvarlig / Event Manager

Thor Brødreskift

Fotograf / Photographer

Tomin Tollefsen

Teknisk konsulent / Technical Consultant

Yamina Saoula

Frivilligassistent / Volunteer Assistant

BOREALIS MEDLEMSORGANISASJONER / BOREALIS MEMBERSHIP ORGANISATIONS

Avgarde; BEK – Bergen senter for elektronisk kunst; Bergen Barokk; Bergen Filharmoniske Orkester; Bergens Kammermusikkforening; Bergen Kunsthall; Bergen Nasjonale Opera; BIT Teatergarasjen; BIT20 Ensemble; Cinemateket i Bergen; Collegium Musicum Kor og Orkester; Den Nationale Scene; Edvard Grieg Kor; KODE Kunstmuseer og komponisthjem; Lydgalleriet; nyMusikk Bergen; Sjøforsvarets musikkorps; UiB Fakultet for kunst, musikk og design; USF Verftet.

BOREALIS ER STØTTET AV / BOREALIS IS FUNDED BY Kulturrådet; Bergen kommune; Vestland fylkeskommune; Ernst von Siemens Music Foundation; Fritt Ord; Music Norway; Pro Helvetia; Nordisk kulturkontakt; Nordisk kulturfond; Den europeiske union; Norges ambassader

SAMARBEIDSPARTNERE / COLLABORATING ORGANISATIONS

Avgarde; Augustin Hotel (De Bergenske); BBC; Bergen Internasjonale Kultursenter; BEK –Bergen senter for elektronisk kunst; Bergen Kjøtt; Bergen Kunsthall; Bergen Offentlige Bibliotek; BIT20 Ensemble; BT Fordel; Griegakademiet; Harding Økologiske Sideri; Hallaisen; Høgskulen på Vestlandet; Konsertsystemer; Landmark; Lydgalleriet; Music Norway; Nordnes Sjøbad (AdO); Re-Imagine Europe; Sjøforsvarets musikkorps (SFMK); The Lake; Østre – hus for lydkunst og elektronisk musikk; Åsane Bibliotek; Åsane Kulturhus

Re-Imagine Europe

Borealis tar del i New Perspectives for Action.

Et prosjekt av Re-Imagine Europe, et samarbeid mellom Paradiso og Sonic Acts (NL), Elevate Festival (Austria), A4 (SK), INA GRM (FR), Borealis (NO), KONTEJNER (HR), RUPERT (LT), Semibreve (PT), Parco d’Arte Vivente (IT), Disruption Network Lab (DE), BEK (NO), Kontrapunkt (MK) og Radio Web MACBA (ES). Delfinansiert av Den europeiske union. Synspunkter og holdninger, som kommer til uttrykk, er utelukkende forfatterens/forfatternes og er ikke nøvendigvis uttrykk for Den europeiske union eller Det Europeiske forvaltningsorgan for utdannelse og kulturs (EACEA) offisielle holdning. Hverken Den europeiske union eller EACEA tar noe ansvar for disse.

of experimental music in

years

20

Takk til alle som har

jobbet for vært frivillige på samarbeidet med støttet vært publikum på spilt på laget musikk til

Thank You to everyone who has

worked at volunteered at collaborated with supported been an audience at played at made music for

år med eksperimentell musikk i Bergen