Borealis 2022 Programme Book

2022

en festival for eksperimentell musikk

16.–20. mars

Festivalkontor Festival Office

Billetter Tickets

15.–20. mars 11.00–17.00 Bergen Kunsthall Rasmus Meyers allé 5

Kjøp billett på borealis.ticketco.events eller stikk innom vårt festivalkontor. I år tilbyr vi Borealis Pass og Borealis Klippekort i tillegg til enkeltbilletter. Buy tickets on borealis.ticketco.events or stop by our Festival Office. This year we offer the Borealis Pass and Borealis Klippekort as well as Single tickets.

All hjelp og informasjon du måtte trenge får du på vårt festivalkontor! Need information or guidance? Pop by the Festival Office!

Borealis Pass 300,–/400,–/500,– — Billettsalg & akkreditering — Programbøker og festivaloversikt — Borealis merch: Sokker, refleks, bager m.m. — Borealis Record Shop: Kjøp musikk fra artister som spiller på Borealis — Tickets sale & accreditation — Programme Books and festival overview — Borealis Merch: Socks, bags, reflective badges and more… — Borealis Record Shop: Buy music from artists performing at the festival

Anbefalt for den ultimate opplevelsen Recommended for the full immersive experience Ved kjøp av Borealis Pass koster det kun 50,– per arrangment! 1. Kjøp ditt Borealis Pass 2. Du får tilsendt promokode på e-post 2. Finn de arrangementene du vil på 3. Benytt promokoden på billettsiden til hvert arrangment, for å låse opp spesialprisen 4. Fullfør kjøp When buying a Borealis Pass you’ll only pay NOK 50 per event! 1. Buy your Borealis Pass 2. A promo code will be sent to your e-mail 3. Find the events you’d like to attend 4. Use your promo code to unlock the special price 5. Purchase your super cheap ticket!

Borealis Klippekort 300,–/375,–/450,– 3 konserter for en slikk og ingenting. Klippekortet er ikke personlig, og du kan bruke flere klipp på samme arrangement. 3 concerts for next to nothing. The clip card is not personal and you can use multiple clips at the same event.

Tilgjengelighet Accessibility

Dørene åpner Doors Open

Ledsagerbevis aksepteres. Fri adgang til ledsager. Send e-post til billett@borealisfestival.no med kopi av din billett, så får du tilsendt gratis ledsagerbillett. Ledsagerbevis vises i døren sammen med billett. For informasjon om tilgjengelighet på våre arenaer besøk vår nettside. Borealis welcomes Companion Certificates. Free access for companions. Send an e-mail to billett@borealisfestival.no with a copy of your ticket to retrieve your free companion ticket. Certificate to be shown at the door together with ticket. For information on accessibility in our venues visit our webpage.

Dørene åpner 30 minutter før konsertstart, med mindre annen informasjon oppgis. Tidspunkt oppgitt i programmet er konsertstart. Doors open 30 minutes prior to the concert, unless other information is given. Times given in the programme refer to when the concert starts.

Verdier Values Det er viktig for Borealis at festivalen er en trygg plass for alle involverte – tolerant, støttende og fri for trakassering. Vi ber derfor våre ansatte, artister, samarbeidspartnere, publikummere og frivillige om å respektere hverandre – uansett rase, etnisitet, lyttekompetanse, seksuell legning, kjønnsidentitet, funksjonsvariasjon eller alder. It is important that the festival is a safe place for everyone involved – tolerant, supportive and free from harassment. We ask all of our staff, artists, delegates, audience and volunteers to promote the same values of respect for all – regardless of race, ethnicity, listening experience, sexual orientation, gender identity or expression, disability or age.

Nyhetsbrev Newsletter For oppdateringer og informasjon, meld deg på vårt månedlige nyhetsbrev. Sign up to our monthly newsletter for updates and information.

www .bor ealis fest ival. no Borealis mottar i 2022 tilskudd til festival og drift fra Kulturrådet, Bergen kommune, Vestland fylkeskommune, Ernst von Siemens Music Foundation og Norsk Komponistforening. Borealis mottar i 2022 prosjekttilskudd fra Kulturrådet, Vestland fylkeskommune, Bergen kommune, Music Norway, Morten Eide Pedersens minnefond, Fritt Ord, Institut français de Norvège, samt Goethe-Institut og deres International Coproduction Fund. Borealis er medlem av Keychange, Balansekunst, Brak, Proscen og Bergen Internasjonale Kultursenter, samt sertifisert Grønn festival.

Arenaer Venues

aerial

C. Sundtsgate 38 Bergen Internasjonale Kultursenter

Kong Oscars gate 15 Bergen Kunsthall | Landmark | Festivalkontor

Rasmus Meyers allé 5 BEK – Bergen senter for elektronisk kunst

C. Sundstgate 55 Bergen Arkitekthøgskole

Sandviksboder 59-61a Bergen domkirke

Domkirkeplassen 1 Bergen Kjøtt

Skutevikstorget 1 Bergen Offentlige Bibliotek

Strømgaten 6 Cinemateket i Bergen

Georgernes verft 12 Christinegaard Hovedgaard

Formannsvei 3 Hordaland Kunstsenter

Klosteret 17 Kulturhuset i Bergen

Vaskerelven 8 Lydgalleriet

Strandgaten 195 Nordnes Sjøbad

Nordnesparken 30 Nordnesparken

Nordnesparken 1 Nykirken

Strandgaten 197B Nykirken menighetshus

Fredriksbergsgaten 4 Slettebakken kirke

Vilhelm Bjerknes vei 31 Studio 207

Strandgaten 207 Universitetsaulaen i Bergen

Muséplass 3

Onsdag 16. mars 13.00 Plattform X Borealis Samtale: Myteskaping og remix-kultur 14–18 Espen Sommer Eide – The Waves 19.00 Åpningskveld: BIT20 Ensemble String Quartet

Bergen Kunsthall Christinegaard Hovedgaard Kulturhuset i Bergen

# 5 4 6

Christinegaard Hovedgaard Bergen Offentlige Bibliotek Kulturhuset i Bergen Nykirken Universitetsaulaen i Bergen Bergen domkirke Bergen Kunsthall, Landmark

4 9 10 9 11 12 12

Kulturhuset i Bergen Christinegaard Hovedgaard Bergen Kunsthall Bergen Kjøtt Nykirken Bergen Kunsthall, Landmark

10 4 14 15 16 16

Christinegaard Hovedgaard Bergen Offentlige Bibliotek

4 18

Bergen Arkitekthøgskole Slettebakken kirke

20 19

Kulturhuset i Bergen Bergen Kunsthall, Landmark

10 22

+ RAGE Thormbones + Nothing Personal

Torsdag 17. mars 12–20 13.00 15–18 17.00 19.00 21.00 21–01

Espen Sommer Eide – The Waves Borealis Samtale: Om ‘Rational Intonation’ ICI Konsert for 1: Jeu de sens & Tente de chantier Mikrotonal sangworkshop med Catherine Lamb Sjøforsvarets musikkorps : Roscoe Mitchell, Kristine Tjøgersen, Rolf Gupta Borealis Ung Komponist Festivalbar

Fredag 18. mars 10–13 12–20 13.00 19.00 21.00 21–01

ICI Konsert for 1: Jeu de sens & Tente de chantier Espen Sommer Eide – The Waves Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell Marshall Trammell – The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy Catherine Lamb – inter-spatia Festivalbar

Lørdag 19. mars 10–20 Espen Sommer Eide – The Waves 11 .00 Borealis Samtale: Marshall Trammell om The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy

13.00 & 19.00 Guro Skumsnes Moe – Resonant Silence 15–18 Ensemble neoN/FEN/Lasse Marhaug – Fractured Times. A Reunion of Strangers

16–19 ICI Konsert for 1: Jeu de sens & Tente de chantier 21.00 Utmark X Borealis: SHYBOI + DJ Love Pump

Søndag 20. mars 10–20 Espen Sommer Eide – The Waves 10–16 Resonating Nordnes 14.30 & 18.00 ICI: et hus fylt med musikk + BOWER 11 .00 & 20.30 Avslutningskonsert: Roscoe Mitchell & John McCowen 22.00 Avslutningsfest: DJ Simon Alejandro

Christinegaard Hovedgaard 4 Nordnes 24–29 Kulturhuset i Bergen 30 Bergen Internasjonale 32 Kultursenter, Fensal Bergen Kunsthall, Landmark

Mye mer... Utstilling: File Under Freedom Festivalbar Artist in Residence

34 35 36

Borealis Online Radio Space Biografier

38 39 40

Velkommen! Etter å ha unngått hverandre etter beste evne i to år, har det vært forfriskende å høre antropolog Anna Lowenhapt Tsing omtale forurensing eller smitte, som en positiv kraft for kulturell endring. ”How does a gathering become a ”happening”, that is greater than the sum of its parts?” spør hun. ”One answer is contamination. We are contaminated by our encounters: they change who we are as we make way for others.”* Borealis har både overlevd, og blitt inspirert av denne forurensingen. Gjennom de to siste stormfulle årene, som har tæret sånn på kulturlivet, er det solidariteten til kollegaer og det kreative fellesskapet som har holdt oss oppe. Vi har lært av hverandre, mens vi har forsøkt å forstå hva det vil si å være en kulturorganisasjon. Vi har måttet grave frem nye veier som forhåpentligvis er mer hensynsfulle, og mer engasjerende enn noen gang før. Og vi har blitt inspirert av kunstnere og komponistene som har blitt tvunget til å omforme prosjekter, starte nye samarbeid, og la kunsten forurenses. Prosjekter som opprinnelig ble unnfanget i en verden med bekymringsløs reising og kulturell utveksling – formet og knadd gjennom en pandemi, holdt i live av ren stahet og kunstnerisk engasjement – føles nå mer gjennomarbeidet og presserende enn noen gang. Kultur har aldri eksistert i et vakuum, og gjennom musikken og kunsten som vi er så heldige å presentere i år, ser vi denne kulturelle forurensningen i spill. Kunstnere og komponister fra ulike musikalske verdener kolliderer i samarbeid, som fører til nye verk som krysser grenser og stiller spørsmål. Det er denne forurensningen som beveger musikken fremover, som gjør at den krever noe, og holder oss fascinert som lyttere. Borealis 2022 er vevd sammen med en lidenskap og et engasjement for å holde i livet denne fantastiske, utforskende kunstformen vi kaller musikk. Uansett hvordan du møter årets festival, håper vi at du gir tid og rom til nye lyder og opplevelser, og er åpen for forandring.

After two years of dutifully avoiding others, it’s been refreshing this year to read anthropologist Anna Lowenhaupt Tsing describe contamination as a positive force for cultural change. “How does a gathering become a “happening”, that is greater than the sum of its parts?” she asks. “One answer is contamination. We are contaminated by our encounters: they change who we are as we make way for others.”* Borealis has both survived through and been inspired by these contaminating interdependencies. It is the solidarity of colleagues and the creative community that has buoyed us aloft as we weathered the storms of the last two years that have taken their toll on cultural life in Norway. We have learned from each other as we have been forced to readdress what it means to make culture happen. Forging new positive pathways that hopefully may be more considerate, more engaged than ever before. And we have been inspired by artists and composers as they have been forced to reshape projects, drawing on new collaborations and artistic contaminations. Projects initially conceived in a world of carefree travel and cultural exchange, shaped and moulded through a pandemic, sustained by sheer stubbornness and artistic commitment, now feel more redolent and urgent than ever. Culture has never existed in a vacuum, and through the music and art we are lucky to present this year, we see these cultural contaminations at play, as artists and composers from different musical worlds collide, collaborate and create new works that cross borders and question boundaries. It is these contaminations that move music forward, that allow it to claim new ground, and keep us the listeners intrigued. Borealis 2022 is woven together with a passion and commitment to keeping this wonderful, exploratory artform we call music alive. However you encounter this year’s festival, we hope that in making time and space for new sounds and experiences, you too are changed.

Peter, Tine & Borealis-teamet

Peter, Tine & the Borealis Team

* T he Mushroom at the End of the World, av Anna Lowenhaupt Tsing

* f rom The Mushroom at the End of the World, by Anna Lowenhaupt Tsing

Welcome!

Onsdag

16. mars

File Under Freedom 11.00–17.00 Bergen Kunsthall

s.34

Plattform X Borealis Samtale: Myteskaping og remix-kultur 13.00–14.30 Bergen Kunsthall, Upstairs

Onsdag

Espen Sommer Eide – The Waves 14.00–18.00 Christinegaard Hovedgaard

Åpningskveld: BIT20 Ensemble String Quartet + RAGE Thormbones + Nothing Personal 19.00–22.00 Kulturhuset i Bergen

Wednesday

16. mars

Onsdag

Espen Sommer Eide – The Waves

Begi deg ut på en drømmende vandring fra rom til rom gjennom en gammel bergensvilla, i selskap med lydskygger fra andre tider og usynlige møbler fra glemte beboere. The Waves – inspirert av Virginia Woolfs roman – er en musikalsk installasjon og et eksperimentelt, romlig album av kunstner og komponist Espen Sommer Eide. Musikken ble laget på bestilling fra Borealis og Marres – hus for samtidskultur i Nederland. Innspillingen av albumet startet i Nederland i 2019, og musikken er skapt i samarbeid med vokalist Mari Kvien Brunvoll, tubaist Martin Taxt og fotokunstner Jochem vanden Ecker. Spesialbygde instrumenter laget av Sommer Eide selv ble brukt, med mål om å eksperimentere med nye former for improvisasjon og koplinger mellom lys og lyd, og bygningens akustikk og historie. The Waves ble presentert for første gang i 2020, og blir nå bearbeidet og reinstallert i den gamle villaen Christinegaard Hovedgaard i Sandviken. The Waves utforsker ideer rundt repetisjon, fravær og flerfoldige perspektiver. Stemmene til musikerne blir delt opp og prosjektert fra ulike vinkler samtidig – som i en eventyrlig hall av lydspeil. Musikken fremhever selve bygget som et tilholdssted for mulige parallelle verdener – uobservert og ubebodd. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Prosjektet er støttet av Fonds 21, BankGiro Loterij Fonds, the Mondriaan Fund, Norsk Komponistforening, Bergen kommune, BEK – Bergen senter for elektronisk kunst og SOFA Music.

Foto: Jochem vanden Ecker

16.–20. mars Ons 14.00–18.00 Tors & Fre 12.00–20.00 Lør & Søn 10.00–20.00 Christinegaard Hovedgaard 100,–/50,– *norgespremiere*

Espen Sommer Eide – komposisjon & installasjon Mari Kvien Brunvoll – vokal & elektronikk Martin Taxt – mikrotonal tuba Jochem vanden Ecker – konsept & fotografi

Join for a dream-like walk through the rooms of an old Bergen villa in the company of aural shadows cast by lost times and the invisible furniture of forgotten inhabitants. The Waves – inspired by the Virgina Woolf novel – is a musical installation and experimental spatial album by the Norwegian artist and composer Espen Sommer Eide commissioned by Borealis and Marres – House of Contemporary Culture in the Netherlands. Recording sessions began in Maastricht in 2019 in collaboration with musicians Mari Kvien Brunvoll and Martin Taxt, and photographic artist Jochem vanden Ecker. A large array of Sommer Eide’s custom made instruments were used, exploring new forms of improvisations mingling light and sound and the architectural acoustics and histories of the rooms. The result was first exhibited in 2020 and is now being reworked and re-installed in the old villa Christinegaard Hovedgaard in the historical area of Sandviken. The Waves explores ideas of repetition, absence and multiple perspectives. The voices and perspectives of the performers are multiplied and heard from multiple angles, as in an imaginary hall of sound mirrors. A music that highlight the building itself as container for possible worlds, unobserved, unoccupied by any particular subject.

Wednesday

Onsdag

16. mars

Plattform X Borealis Samtale: Myteskaping og remix-kultur 13.00–14.30 Bergen Kunsthall, Upstairs Gratis

Yulan Grant – forsker, kunstner & DJ

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English. Foto: George Nebieridze

Hvordan oppstår nye narrativer i en tid som preges av manipulering av media, og hvilken rolle spiller disse narrativene for ulike diasporaer? Yulan Grant, også kjent som SHYBOI, setter seg i samtale-sofaen i forkant av sin Utmark-opptreden på lørdagen. I denne samtalen gir hun innsikt i sin forskning rundt hvordan myteskaping og remix-kultur kan bli brukt som en taktikk for å skape nye sannheter. Grant er forsker innen Technology and Social Change (TaSC) ved Harvard Kennedy School sitt Shorenstein Center. Her jobber hun som en slags etterforskende etnograf, som blander akademisk forskning med eksperimentelle og konseptuelle rammeverk. Gjennom disse gransker hun ideer rundt identitet, maktforhold, hvordan historie oppleves, og de ulike konfliktpunktene som oppstår gjennom disse temaene. Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthalls foredragsserie Plattform. Borealis Samtale og Plattform er støttet av Fritt Ord.

In the age of media manipulation, how are new narratives made and what role do they play for diasporic communities? Yulan Grant (aka SHYBOI) ahead of her Utmark performance on Saturday, presents an insight into her recent research of how mythmaking and remix culture can be used as a transgressive tactic to create new truths. As a Technology and Social Change (TaSC) Research Fellow at Harvard Kennedy School’s Shorenstein Center, working as an investigative ethnographer who blends academic research and experimental conceptual frameworks, Grant interrogates ideas of identity, notions of power, perceived histories and the entanglements that happens within these topics.

Sjekk også ut Utmark X Borealis: SHYBOI + DJ Love Pump s.22

Wednesday

16. mars

Onsdag

Åpningskveld: B IT20 Ensemble String Quartet 19.00–22.00 + RAGE Thormbones Kulturhuset i Bergen 275,–/250,–/200,– + Nothing Personal *norgespremiere* Join us for this Opening Night across the three floors of the freshly minted Kulturhuset i Bergen, in a cascade of new music and sound that heralds the opening of Borealis 2022!

Velkommen til åpningen av Borealis 2022 i det splitter nye Kulturhuset i Bergen! Vi fyller alle tre etasjene med en kaskade av ny musikk og lyd som setter startskuddet for årets festival!

2. etg

BIT20 Ensemble String Quartet Foto: Thor Brødreskift

20.00–20-30 RAGE Thormbones: Mattie Barbier – trombone Weston Olencki – trombone

I midtetasjen finner du Mattie og Weston, to mennesker med en greie for tromboner. Med bearbeidede instrumenter som får dem til å se ut som en billigversjon av Ghostbusters, utforsker de mindre eksklusive varianter av blåsbare rør under navnet RAGE Thormbones. Denne høylydte duoen undersøker mulighetene som ligger i å komprimere luft, og trekker inspirasjon fra ny musikk, drone, støy samt en rekke blåsertradisjoner fra hele verden. RAGE Thormbones Foto: Mats O. Hansson

Roscoe Mitchell Foto: Joseph Blough

Filling the middle floor with sound are two human beings, Mattie and Weston, with a thing for trombones. With modified instruments that make them look like low-budget Ghostbusters exploring the low-end world of blown tubes, this often raucous duo investigate the sonic possibilities of compressed air, drawing on new composed music, drone and noise, as well as the myriad traditions of people around the world who blow things.

Nothing Personal Foto: Maria Saxegaard

Wednesday

Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthall og BIT20 Ensemble.

Onsdag

16. mars

START HERE!

3. etg

19.00–19.45 BIT20 Ensemble String Quartet: Alexander Kagan – fiolin 1 Jutta Morgenstern – fiolin 2 Liene Klava – bratsj Agnese Rugevica – cello

Catherine Lamb – divisio spiralis 3’5 Roscoe Mitchell – 9/9/99 with CARDS 12’ Susie Ibarra – Pulsation 7’30

Manuel Hofstätter – perkusjon Kvelden starter i toppetasjen, med tre norgespremierer på verker fra nålevende amerikanske komponister skrevet for strykekvartett, fremført av Bergens egen BIT20 Ensemble String Quartet. Den anerkjente musikeren og komponisten Roscoe Mitchell, som har en prominent plass under årets festival, har tatt med seg verket 9/9/99 with CARDS som utforsker improvisasjon og notert musikk. divisio spiralis av Catherine Lamb, en annen av årets profilerte komponister, gir en smakebit på hennes forkjærlighet for mikrotonalitetens verden, mens den filipinsk-amerikanske perkusjonisten Susie Ibarra sitt verk Pulsation utforsker det levende signalspråket fra den fillipinske kulintang-tradisjonen.

Starting at the very top of the building a trio of contrasting American works for String Quartet, are having their Norwegian premieres. From the renowned musician and composer Roscoe Mitchell, a new version of his 9/9/99 with CARDS exploring scored music and improvisation. Another taste of a featured festival composer comes in the shape of Catherine Lamb’s divisio spiralis, with a glimpse in to her Rational Intonation sound worlds. And from Filipino American percussionist Susie Ibarra, Pulsation, where the BIT20 Ensemble String Quartet are joined by percussion to explore the pulsating signalling language from Philippine kulintang gong rhythmic modes.

1. etg

21.00–22.00 Nothing Personal: Dorothea Økland – vokal & elektronikk Thea Emilie Wang – vokal & elektronikk Solveig Wang – elektronikk, vokal, synth & klarinett

Skal du kun på Nothing Personal? Only going to Nothing Personal? 175,–/150,–/125,–

Tobias Gulbrandsen – visuals For å sette et deilig punktum for kvelden, men et energisk startskudd for festivalen, tar den Oslo-baserte trioen Nothing Personal over grunnplanet av huset med sin blanding av synth-støy, stramme vokalharmonier og glidende beats. Solveig Wang, Dorothea Økland og Thea Emilie Wang dekonstruerer låtskriving, og utforsker de vage rommene mellom det analoge og digitale. Forvent deg sprudlende synthlyder i konkurranse med luftig klarinett, flyktig perk, krydret med fengende melodilinjer. En oppløftende og eksperimentell avslutning på åpningskvelden!

Closing out the evening on the ground floor, Oslo’s latest experimental pop three piece Nothing Personal bring their own blend of synth noise, tight harmony and skittering beats. Exploring blurry spaces of analogue and digital, Solveig Wang, Dorothea Økland and Thea Emilie Wang formed the band to explore collage and deconstruct song making. Expect bubbling synths competing with breathy clarinets, clattering percussion punctuated by fleeting catchy melodies, in an uplifting experimental end to our Opening Night!

Wednesday

17. mars

Torsdag

File Under Freedom

Espen Sommer Eide – The Waves

11.00–20.00 Bergen Kunsthall

12.00–20.00 Christinegaard Hovedgaard

Borealis Samtale: Om ‘Rational Intonation’ 13.00–14.30 Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen

ICI: Konsert for 1

Torsdag

Mikrotonal sangworkshop: Singing by Numbers 17.00–18.00 Nykirken

15.00–18.00 Kulturhuset i Bergen, Mesaninen

Sjøforsvarets musikkorps: Roscoe Mitchell, Kristine Tjøgersen & Rolf Gupta 19.00–20.00 Universitetsaulaen i Bergen

Borealis Ung Komponist 21.00–22.00 Bergen domkirke

Festivalbar 21.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Thursday

Torsdag Borealis Samtale: Om ‘Rational Intonation’ 13.00–14.30 Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen Gratis La komponist Catherine Lamb ta deg med mellom tonene, og utforsk den spennende musikalske verdenen bak termen ’Rational Intonation’. De fleste av oss kjenner musikk som notene på for eksempel et piano. Men mellom tangentene finnes det en verden av lyd og toner, som vi kan høre hvis vi finner en metode for det. ’Rational Intonation’ er tett knyttet opp mot matematikk og fysikk, og er en metode som skaper nye verktøy for å lage musikk og komponere. Denne åpner opp for helt nye muligheter innen musikkskaping. I sofaen med Catherine sitter også trombone-duoen RAGE Thormbones, og online fra Berlin, multi-instrumentalist og komponist Khyam Allami, hvis forskning utforsker overlappingen mellom stemming og musikkteknologi. Presentert i samarbeid med Bergen Offentlige Bibliotek. Borealis Samtale er støttet av Fritt Ord.

17. mars

Catherine Lamb – komponist RAGE Thormbones: Mattie Barbier & Weston Olencki – musikere Khyam Allami – multiinstrumentalist, forsker & komponist Peter Meanwell – moderator & kunstnerisk leder for Borealis

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English. Join composer Catherine Lamb to get between the notes, and explore the exciting musical world of Rational Intonation. Whilst many of us know music as the notes on the piano, there is a whole world of sound that exists, if we just find another way to hear it. Drawing on maths and physics, Rational Intonation, is a method of creating new tools for music making and composing, opening up new possibilities for sound creation. Catherine is joined on stage by trombone duo, RAGE Thrombones, and online from Berlin, Iraqi-British multi-instrumentalist and composer Khyam Allami, whose research explores the intersection of tuning and music technology

Mikrotonal sangworkshop: Singing by Numbers 17.00–18.00 Nykirken Gratis meld deg på sign up Lyst å lære mer om mikrotonalitet og termen ’Rational Intonation’? Den beste måten å få dette under huden er faktisk å synge det, og komponist Catherine Lamb er klar for å guide deg mellom tonene. Singing by Numbers åpner opp en flerdimensjonal verden av lyd, og frigjør oss fra den lineære måten å tenke musikk på. I Catherine Lamb sitt musikalske univers åpner hver tone opp et helt rom fylt med resonnerende tonevenner, som knytter bånd og forsterker hverandre, og skaper rike og komplekse harmonier. Bli med på denne avslappede sangseansen, og føl deg gjennom denne unike musikalske verdenen med stemmen og kroppen din.

Ingen forkunnskap nødvendig for å delta. Workshopen holdes av komponist Catherine Lamb, og foregår på engelsk. Bestillingsverk inter-spatia er støttet av Kulturrådet. Prosjektet er støttet av Goethe-Institut og deres International Coproduction Fund. Produsert i samarbeid med MaerzMusik - Festival for Time Issues.

Do you want to understand the world of Rational Intonation, but are not sure about all the terms? The best way to get under the skin of this exciting way of listening is to sing it, and composer Catherine Lamb is on hand to lead the way. Singing by Numbers, opens up the multidimensional world of sound, and frees us from the linear musical thinking of the piano keyboard. In Catherine Lamb’s musical world each tone opens up a whole universe of resonating friends, that connect and reinforce to create rich and complex harmonic spaces. Join this relaxed singing workshop to feel your way through this unique musical world with your voice and body.

No experience required to participate. The workshop is led by composer Catherine Lamb and will be held in English. Sjekk også ut Åpningskveld Borealis 2022 s.6 Catherine Lamb – inter-spatia s.16

Thursday

17. mars

Torsdag

ICI: Konsert for 1 Torsdag 17. mars 15.00–18.00 Fredag 18. mars 10.00–13.00 Lørdag 19. mars 16.00–19.00 Kulturhuset i Bergen, Mesaninen

Verkene fremføres for én publikummer om gangen. Opplevelsen varer 30 minutter.

The pieces are for an audience of one, and are performed in adjacent rooms. The experience lasts 30 minutes.

Gwen Rouger – Tente de chantier 100,–

Gwen Rouger – konseptutvikling & utøver Forestill deg at en pianist spør deg om hjelp til å fremføre et verk… I denne intime konserten for bare én publikummer, inviterer pianist Gwen Rouger deg til å ta steget inn i teltet sitt, og hjelpe henne fremføre et verk for preparert piano. Foran det åpne pianoet kommer du – som den eneste publikummeren – så nært som mulig til både instrumentet og utøverens bevegelser. Hvis du trodde du visste hva en typisk konsert er, må du tro igjen. Dette verket forkaster alle tidligere antagelser du måtte ha, og rekonstruerer forventningene dine gjennom en leken og lystig musikalsk opplevelse, som gir et intimt og spennende innblikk i hjertet av den musikalske skapelsesprosessen.

Imagine being asked to help the pianist perform! In this intimate concert for only one audience member, virtuosic pianist Gwen Rouger asks you to enter her tent, and help her perform a piece for prepared piano. In front of an entirely opened piano, the solo audience is as close as possible to the heart of the instrument and to the physical exertions of the pianist. If you thought you knew what a classical concert was this piece will deconstruct and reconstruct your expectations, as you experience a playful and joyful musical experience giving an intimate and exciting glimpse in to the heart of musical creation.

Benjamin Soistier – Jeu de sens 100,–

Benjamin Soistier – konseptutvikling & utøver Nicolas Perrin – elektronikk Èn enkelt publikummer entrer et rom alene, får bind for øynene og blir plassert ved et lydbord. I det hodetelefoner blir plassert over ørene, starter en lydreise som får fantasien til å gnistre! Jeu de sens er bokstavelig talt et sensorisk spill, der du som deltager vil påvirke hva du hører, i samspill med skaperen av konseptet, Benjamin Soistier og utøver Nicolas Perrin. Omsvøpt i lyd med ingenting annet å støtte deg til enn ørene, kan du strekke ut armene etter objektene og instrumentene som omringer deg, og se hvor fantasien din tar deg… Reisestøtte fra Institut français de Norvège. soundinitiative er støttet av kulturdepartementet i Ile-de-France-regionen.

A solo audience member enters the room alone, is blindfolded and seated at a sound table. Once headphones are placed on your ears, a sound journey igniting the imagination begins! Jeu de sens, is literally a sensory game, and as a participant in the piece, alongside the work’s creator Benjamin Soistier and performer Nicolas Perrin, you will affect the outcome of what you hear. Immersed in sound, with nothing to rely on but your ears, just reach out and touch the various incongruous objects and instruments in front of you and see where your imagination leads.

Sjekk også ut ICI: et hus fylt med musikk s.30

Thursday

Torsdag

17. mars

Sjøforsvarets musikkorps: Roscoe Mitchell, Kristine Tjøgersen & Rolf Gupta Foto: Sjur Pollen

19:00–20:00 Universitetsaulaen i Bergen 200,–/175,–/125,– *verdenspremierer*

Sjøforsvarets musikkorps Rolf Gupta – dirigent

Kristine Tjøgersen – Spiracle 6’ Roscoe Mitchell – NONAAH (for militærkorps, arr./orkestr. John McCowen) 20’ Rolf Gupta – In Memoriam 20’

Virtuos improvisasjon, religiøs indisk sang og haiens anatomi. Dette er noen av komponentene i nye komposisjoner for Sjøforsvarets musikkorps. Midtpunktet denne kvelden er et nytt verk fra den anerkjente amerikanske komponisten og improvisatøren Roscoe Mitchell, som gjester Bergen i anledning Borealis. NONAAH, opprinnelig ble skrevet for solo saksofon, ble først spilt inn i 1976, og har i løpet av tiårene som fulgte blitt bearbeidet til mange ulike versjoner, og nå arrangert i samarbeid med John McCowen for Sjøforvarets musikkorps. Ellers får man høre den norske komponisten og dirigenten Rolf Gupta sin siste utvikling av et verk som utforsker den vediske hymnen N sad ya S kta – en vakker vedisk tekst om opprinnelsen av universet. Kristine Tjøgersen sitt verk Spiracle for brasskvintett, åpner kvelden. Slap tounge-teknikk og flagrende lette lyder gir assosiasjoner til pustemekanismene til skapninger under vann.

Virtuosic improvisation, vedic chanting and the breathing openings of sharks. These are some of the elements in this stellar lineup of new compositions for the Norwegian Naval Forces Band. At the centre of the evening is a new work from acclaimed American composer and improviser Roscoe Mitchell. NONAAH, originally written for solo saxophone, was first recorded in 1976. Over the last five decades it has seen several different iterations, and is now arranged for Navy Band together with long–term collaborator John McCowen. Norwegian composer and conductor Rolf Gupta, presents the latest evolution of his work exploring the vedic hymn N sad ya S kta – a beautiful Vedic text about the creation of the universe. Opening the night, Kristine Tjøgersen’s Spiracle for brass quintet evokes through slap tongues and fluttering airy tones, the breathing apparatus of the undersea world.

Presentert i samarbeid med Sjøforsvarets musikkorps, Bergen Kunsthall og Universitetet i Bergen.

Sjekk også ut Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell s.14 Kristine Tjøgersen – BOWER s.31 Avslutningskonsert Borealis 2022 s.32

Thursday

17. mars

Torsdag

Borealis Ung Komponist 21.00–22.00 Bergen domkirke 200,–/175,–/125,– *verdenspremierer*

Mentorene: Johan Sara Jr, Camille Norment, Harpreet Bansal & Øyvind Torvund

Mirsaeed Hosseiny Panah – Textual Memories 15’ Karoline Wallace – Nær 15’ Astrid Solberg – healing pamper, no talking 15’ Peder Niilas Tårnesvik – Vi Beveger Oss Sammen 15’

Foto: Thor Brødreskift

Fire fremadstormende komponister har det siste halvåret deltatt på mentorprogrammet Borealis Ung Komponist, og brukt sine ulike bakgrunner til å skape musikk for vokalensemblet TABULA RASA. Denne kvelden får musikken endelig se dagens lys! Mirsaeed Hosseiny Panah trekker inspirasjon fra gamle minner både fra persisk musikk og landskap, for å skape en musikalsk verden full av teksturer, som lever og er formet av munnen til sangerne. Karoline Wallace leker med avstand, både fysisk og tidsmessig. Hun henter folketoner inn i nåtiden, og strekker lytteferdighetene våre slik at vi kan høre både det som er nært, og langt borte. Astrid Solberg bringer inn teknologi når hun utforsker tanker rundt kontroll og improvisasjon. Hennes Guitar Hero-inspirerte grafiske partiturer gjør vokalensemblet om til en hybrid – halvt menneske, halvt maskin. Kvelden ender med et verk fra Peder Niilas Tårnesvik, som bruker elektronikk og kraften i stemmen for å fremprovosere en rekke suggererende lydlandskap som vekker assosiasjoner til melankoli, regn og en storm av droner. Verkene skal senere på en turné i Vestland fylke. Presentert i samarbeid med Bergen domkirke. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Prosjektet er støttet av Morten Eide Pedersens minnefond, Kulturrådet, Bergen kommune, Vestland fylkeskommune.

TABULA RASA: Sigrun Jørdre – sopran 1 Elise Thorgersen Varne – sopran 2 Zsuzsa Zseni – alt Tord Kalvenes – tenor 1 Arild Rohde – tenor 2 Jakub Adam Niedziela – bass For our 2022 instalment of the Borealis Ung Komponist mentor programme, four emerging compositional voices meet vocal ensemble TABULA RASA for an evening showcasing diverse musical visions developed over the last eight months. Mirsaeed Hosseiny Panah draws on old memories, both of Persian musical modes and landscapes rooted in memory, to create a textural world that lives and is shaped by the mouths of the singers. Karoline Wallace plays with distance, pulling tones from Norwegian traditional music history into the present, and stretching our listening capabilities to hear and experience both up-close and far-away. Astrid Solberg adds technology to the mix as she probes ideas of control and improvisation, leaning on Guitar Hero style visual scores to create human machine hybrid performers. Closing the evening, Peder Niilas Tårnesvik combines the power of voices and electronics in a series of swirling soundscapes evoking melancholy, rain and a storm of drones. These new commissioned works will later be performed at various venues across Vestland county.

Festivalbar s.35

Stikk innom festivalbaren, for den perfekte avslutningen på kvelden!

Thursday

21.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Drop by the Festival Bar for a perfect end to a perfect night.

Fredag

18. mars

ICI: Konsert for 1 File Under Freedom

10.00–13.00 Kulturhuset i Bergen, Mesaninen

Espen Sommer Eide – The Waves

11.00–17.00 Bergen Kunsthall

12.00–20.00 Christinegaard Hovedgaard

Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell

Fredag

13.00–14.30 Bergen Kunsthall, Upstairs

Marshall Trammell – The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy 19.00–20.00 Bergen Kjøtt

Catherine Lamb – inter-spatia 21:00–22:30 Nykirken

Festivalbar 21.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Friday

18. mars

Fredag

Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell 13:00–14:30 Bergen Kunsthall, Upstairs Gratis

Roscoe Mitchell – komponist, musiker & forsker John McCowen – moderator & musiker

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English.

Gratis omvisning i utstillingen File Under Freedom etter samtalen. Free guided tour of the File Under Freedom exhibition after the conversation.

Hør den legendariske amerikanske komponisten og impro-helten Roscoe Mitchell i samtale om eget liv og virke. Som en av de opprinnelige medlemmene av Art Ensemble of Chicago, the Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) og Trio Space, har Mitchell en helt unik og historisk posisjon innen det eksperimentelle musikkfeltet. I jazzkretser kjent som en banebrytende, eksperimentell multiinstrumentalist, men også med en stilling som professor i komposisjon ved Mills College, unngår arbeidene hans fortsatt å bli satt i bås, mye takket være måten han smelter sammen ulike teknikker innen komposisjon og improvisasjon. I en alder av 81 år er han fortsatt like virtuos, grensesprengende og progressiv, og hans kunstnerskap fortsetter å utvikle seg gjennom utforsking av lydlige rom, ulike utøverpraksiser og ny teknologi. Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthalls foredragsserie Plattform. Borealis Samtale og Plattform er støttet av Fritt Ord.

Join legendary American composer and improviser Roscoe Mitchell in conversation with long time collaborator John McCowen about his life and work. As a founding member of the Art Ensemble of Chicago, the Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), and the Trio Space, Mitchell holds a key position in the history of experimental music. He’s an artist who defies easy categorisation. Whether known as the rule breaking experimental jazz multi-instrumentalist or Mills College composition professor, his work avoids being pigeonholed through his hybrid approach to composition and improvisation – whether that’s through improvisation as live composition, or scored pieces incorporating structured improvisation. Virtuosic, boundary pushing and progressive, his life in music and art continues to evolve exploring new sonic spaces, performance practices, and technologies.

Sjekk også ut Åpningskveld Borealis 2022 s.6 Sjøforsvarets musikkorps s.11 Avslutningskonsert Borealis 2022 s.32 File Under Freedom s.34

Friday

Fredag

18. mars

Marshall Trammell – The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy Foto: Stillbilde fra filmen 11 Postures

19:00–20:00 Bergen Kjøtt 200,–/175,–/125,– *verdenspremiere*

Marshall Trammell – konsept & perkusjon Anine Fatou Bråten – forsker & utøver Dora Poni J. Loro – forsker & utøver Carol Stampone – forsker & utøver Wengeal Abebe – forsker & utøver

Koder skjult i mønstre på lappetepper, utvidede perkusjonteknikker, svijern, den norske motstandsbevegelsen og spoken word, er noen av elementene som smelter sammen i gjestekunstner Marshall Trammell sin nye forestilling for fire stemmer og perkusjon. Under sitt gjestekunstneropphold i Bergen har han gått inn i samtaler, selv spilt og gått på konserter, holdt workshops for musikere og amatører, reflektert og lært om Norge, Bergen og samfunnet vi lever i. I The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy setter han søkelyset på følelsen av solidaritet og fellesskapets handlekraft gjennom lyd og musikk, for å beskytte demokratiske rom. Verket henter sin tittel fra to steder: John Steinbeck sin roman fra 1942, The Moon Is Down – en tilslørt gjenfortelling av den norske motstandsbevegelsen under 2. verdenskrig. Romanen inspirerte Trammell til å utforske nåtidens motstand i det norske samfunnet, og hans nye forestilling er på sett og vis en moderne tolkning av Steinbeck’s historie. The Status Quo Is My Enemy er trukket fra samtaler om den normative væremåten i det norske samfunnet, og hvordan den tilsynelatende harmoniske skandinaviske samfunnsmodellen kan være fremmedgjørende for dem som er marginaliserte grunnet hudfarge, kjønn eller bakgrunn. Fra ideer til bilder, bilder til lyd, lyd til forestilling, og fra forestilling til samtale; Trammell sin praksis bringer viktige samfunnskritiske samtaler frem i lyset, og trekker på en lang historie av radikale politiske standpunkt og lydpraksiser. Presentert i samarbeid med Bergen Kjøtt. Gjestekunstneroppholdet og bestillingsverket til Marshall Trammell er støttet av Kulturrådet.

Quilt codes, extended drum techniques, branding irons, wartime resistance – all elements that come together in Borealis Artist in Residence Marshall Trammell’s new performance piece created for five voices and percussion. Reflecting on residency time spent in Bergen in conversations, at concerts, performing and running workshops with musicians and non-musicians, this new work centres notions of solidarity and community action through sound and music, in defence of democratic spaces. The work’s title is two fold: John Steinbeck’s 1942 novel The Moon is Down, a fictional account of the Norwegian WW2 resistance, inspired Trammell to explore contemporary models of resistance in Norway today, and this new work is in essence a modern reading of the same story. The Status Quo Is My Enemy draws on conversations about normative behaviour in Norwegian society, and how Scandinavia’s seemingly harmonious social models can be alienating for those who are marginalised for reasons of skin colour, gender or background. From ideas to image, image to sound, sound to performance, and performance to conversation, Marshall’s practice makes important social conversations audible, and draws on a long history of radical politics and experimental sound practices.

Sjekk også ut Borealis Samtale: Marshall Trammell om The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy s.18 File Under Freedom s.34

Friday

18. mars

Fredag

Catherine Lamb – inter-spatia 21.00–22.30 Nykirken 200,–/175,–/125,– *verdenspremiere*

Microtub: Robin Hayward – mikrotonal F-tuba Peder Simonsen – mikrotonal C-tuba Martin Taxt – mikrotonal C-tuba Foto: Rui Camilo

RAGE Thormbones: Mattie Barbier – trombone Weston Olencki – trombone Henrik Munkeby Nørstebø – trombone M.O. Abbott – trombone

Catherine Lamb – komponist

Den amerikanske komponisten Catherine Lamb dediserer dette bestillingsverket til Maryanne Amacher, en pioner innen elektronisk musikk. Lamb fikk aldri møtt Amacher, som gikk bort i 2009, men Lamb har siden da benyttet henne som en imaginær komposisjonslærer, en slags musikalsk Skybert. inter-spatia er et langstrakt mikrotonalt verk fremført av tre mikrotonale tubaer og fire trombonister. Lamb sitt arbeid er godt plassert innenfor mikrotonal komposisjon både på teori- og idéplanet. I inter-spatia interagerer toner på ulike måter, helt til de eksploderer ut i stjerneformasjoner. Tubatrioen plasseres midten i kirkerommet og lager en fast fysisk formasjon, mens trombonistene beveger seg rundt, frem til de til slutt utgjør en stor enhet. Enten du er kjent med teorien bak mikrotonalitet eller ei, så vil det luftige rommet i kirken i samspill med Lamb sin komposisjon skape en unik musikalsk opplevelse der du kan miste deg selv, og bade i lyd. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Prosjektet er støttet av Goethe-Institut og deres International Coproduction Fund. Produsert i samarbeid med MaerzMusik - Festival for Time Issues.

American composer Catherine Lamb dedicates her new Borealis commission inter-spatia to the late electronic music pioneer Maryanne Amacher. Even though Lamb never quite met Amacher in person, who passed in 2009, Lamb has claimed her as an imaginary music teacher to guide and inspire her work. inter-spatia is a long form microtonal piece, performed by 3 microtonal tubas and 4 trombonists. Lamb’s work is rooted in the theory and ideas of microtonal composition. In inter-spatia the most elemental combinations of tones interact together in order to explode into star forms. The Tuba trio in the center of the space generates the shapes in the room, while the trombonists will move around, and finally join the trio and become a total unit, and an explicit shape together. Staged in the airy space of Nykirken, whether you understand the theory or not, Lamb’s compositions create unique musical experience over extended time frames, and are a space to lose oneself, and bathe in sound.

Festivalbar s.35

21.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Sjekk også ut Åpningskveld Borealis 2022 s.6 Borealis Samtale: Catherine Lamb s.9 Mikrotonal sangworkshop s.9

Stikk innom festivalbaren, for den perfekte avslutningen på kvelden!

Friday

Drop by the Festival Bar for a perfect end to a perfect night.

Lørdag

19. mars

File Under Freedom Espen Sommer Eide – The Waves

11.00–17.00 Bergen Kunsthall

10.00–20.00 Christinegaard Hovedgaard

Borealis Samtale: Marshall Trammel om The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy 11.00–12.30 Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen

Lørdag

Guro Skumsnes Moe – Resonant Silence 13.00–14.30 & 19.00–20.30 Bergen Arkitekthøgskole (BAS)

Ensemble neoN/FEN/Lasse Marhaug – Fractured Times. A Reunion of Strangers. 15.00–18.00 Slettebakken kirke

ICI: Konsert for 1 16.00–19.00 Kulturhuset i Bergen, Mesaninen

Utmark x Borealis: SHYBOI + DJ Love Pump 21.00–03.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Saturday

19. mars

Lørdag

Borealis Samtale: Marshall Trammel om The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy 11.00–12.30 Bergen Offentlige Bibliotek, Storsalen Gratis

Samtalen holdes på engelsk. The conversation is held in English.

I denne samtalen tar vår gjestekunster Marshall Trammell med seg utøverne fra sitt verk The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy for å snakke om sammensmeltningen mellom lyd og kunst, ideer og aktivisme. Gjennom sitt gjestekunstneroppdrag for Borealis har Marshall latt seg inspirere av den norske motstandsbevegelsen fra 2. verdenskrig, og oversatt ideen om solidaritet og motstand inn i sin lydpraksis, samtidig som han har hentet inn erfaringene til folk som puster og bor i Bergen by. Denne blandingen av historie, musikk og nåtidens levde liv har latt ham plassere arbeidet sitt i en bergensk kontekst, og har gjort verket relevant, her og nå. The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy som er resultatet av dette arbeidet inkluderer 5 stemmer og perkusjon. Stemmene tilhører fem kvinner fra Bergen, som sammen med Marshall har jobbet frem forestillingen, som har premiere på festivalen dagen før denne samtalen finner sted. Sammen reflekterer de denne ettermiddagen rundt prosessen, og hvordan språk og motstand kan oversettes inn i en kunstnerisk kontekst. Borealis Samtale er støttet av Fritt Ord. Gjestekunstneroppholdet og bestillingsverket til Marshall Trammell er støttet av Kulturrådet.

Foto: Thor Brødreskift

Marshall Trammell – komponist, perkusjonist, arkivar & Borealis sin gjestekunstner Anine Fatou Bråten – skribent & aktivist Dora Poni J. Loro – sosionom, barnevernspedagog & aktivist Carol Stampone – forfatter, utøver & filosof Wengeal Abebe – student Peter Meanwell – moderator & kunstnerisk leder for Borealis

Join Borealis artist in residence Marshall Trammell and performers from his festival premiere The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy to discuss the intertwining of sound and performance, ideas and activism. Inspired by the Norwegian WW2 resistance movement, over his Artist Residency with the festival Marshall has been translating ideas of solidarity and resistance in to sound practice, drawing on the lived experiences of Bergenser to culturally situate his activist work in Norway. The resulting piece, for 5 voices and percussion, was workshopped and created with five women from Bergen and premieres the day before this conversation takes place. In light of the premiere they take time to reflect on the process and how the language of resistance can be translated in to artistic contexts.

Sjekk også ut Marshall Trammell – The Moon Is Down: The Status Quo Is My Enemy s.15 File Under Freedom s.34

Saturday

Lørdag

19. mars

Ensemble neoN/FEN/Lasse Marhaug Fractured Times. A Reunion of Strangers. 15.00–18.00 Slettebakken kirke 200,–/175,–/125,– *verdenspremiere*

Foto: Arkitekttegning av Slettebakken kirke. Slides fra arkiv etter Tore Sveram, Bergen Byarkiv.

Ensemble neoN: Yumi Murakami – fløyter Ida Zimmerman Olsen – saksofoner Karin Hellqvist – fiolin Inga Grytås Byrkjeland – cello Silje Aker Johnsen – sopran Ane Marthe Sørlien Holen – slagverk Jan Martin Smørdal – gitar Heloisa Amaral – tangenter Christian Obermayer – lydteknikk FEN (Far East Network): Otomo Yoshihide – gitar Ryu Hankil – Max/MSP Yan Jun – elektronikk Yuen Chee Wai – gitar & elektronikk Lasse Marhaug – elektronikk

Lyd som beveger seg over kontinenter og tidssoner, gjennom ulike musikalske perspektiver og ideer, transplantert fra et sted til et annet, som til slutt krystalliseres i en heldags-konsert i Bergen som samler lyden av noen av de mest oppfinnsomme musikerne og komponistene fra Norge og Sørøst-Asia. Dette drømmesamarbeidet – som var påtenkt lenge før pandemien – samler Ensemble neoN, mester i lydmanipulasjon Lasse Marhaug, og det distinkte lydbildet til impro-ensemblet FEN, under samme tak. FEN består av fire anerkjente musikere fra Bejiing, Tokyo, Singapore og Seoul, alle med en unik signatur. I månedene opp mot festivalen har neoN, Marhaug og FEN utvekslet lyder, ideer og prosesser på avstand. Sammen har de laget nye sett med musikalske strukturer og materiale som fremføres av Ensemble neoN i Slettebakken kirke. Kirkens dramatiske og betongpregede arkitektur er inspirert av den ikoniske japanske arkitekten Kenzo Tange, som tegnet St. Mary’s Catherdral i Tokyo. Hør sammensmeltningen av ulike musikalske verdener – fra Norge til Asia – fylle det modernistiske kirkerommet i Slettebakken kirke under Borealis 2022. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Prosjektet har mottatt støtte fra Sasakawa Foundation.

Sound travelling across continents and timezones, through different musical perspectives and ideas, transplanted from one place to another and finally crystallising in a durational sound performance, bringing together in Bergen the sounds of some of the most inventive musicians and composers from Norway and East Asia. For this new collaboration, dreamed up before the global pandemic and shaped by our new international realities, Ensemble neoN join forces with master sound manipulator Lasse Marhaug to meet the distinctive sound world of improvising ensemble FEN (Far East Network) – four musicians from Beijing, Tokyo, Singapore and Seoul, each with a unique sonic fingerprint. Still hampered by travel restrictions, in the months preceding the festival, neoN, Marhaug and FEN have exchanged sounds, ideas and processes to create a new set of musical structures and material that Ensemble neoN will perform live, occupying the Slettebakken Church in Bergen, whose dramatic architecture in concrete was inspired by the iconic Kenzo Tange who designed St Mary’s Cathedral in Tokyo. Drawing on diverse musical worlds and channelling various performance practices, the work will haunt the modernist architecture of the church, channeling various presences and absences, through new collaborative composing.

Saturday

19. mars

Lørdag

Guro Skumsnes Moe – Resonant Silence 13.00–14.30 & 19.00–20.30 Bergen Arkitekthøgskole (BAS) 200,–/175,–/125,– *verdenspremiere*

Guro Skumsnes Moe – initiativ, komposisjon, konsept & oktobass Halldis Rønning – dirigering & konsept Astrid Groseth – koreografi, dans & konsept Elisabeth Holager Lund – scenografi & konsept Danishta Rivero – hydrophonium, cello & stemme Jacob Felix Heule – perkusjon Oscar Escalante – sekkepipe, blåseinstrument, perkusjon & stemme

Martín Escalante – alt saksofon, blåseinstrument & stemme Vivian Wang – analog synth, perkusjon & stemme Tuulia Kallio – kantele, tamburin & stemme Kari Rønnekleiv – bratsj & stemme Laura Marie Rueslåtten – klokker & skipsklokker John Hegre – lyd Tobias Leira – lys Saki Okuda – assistent Håvard Skaset – assistent

Saturday

Lørdag Komponist og utøver Guro Skumsnes Moe lar seg trigge av forfatter Jens Bjørneboe sine kolonialistiske historier, og dedikerer seg til å finne hulrommene av stillhet som historien har skapt. Den delen av Vestens historie som er dominert av frarøving av ressurser, kolonialisme og kapitalisme har ødelagt feminine strukturer, urfolks stemmer og naturressurser. Enten man liker det eller ei, så er dette en historie vi deler, det er vår historie. I installasjonsverket Resonant Silence, som er siste del av en trilogi, skapes det rom for å dvele ved ubehageligheten som ligger i det å se på historien. Hvordan kan vi bevege oss fremover, vel vitende om fortidens åpne sår? Den ressonerende stillheten som tittelen refererer til er ikke en spesifikk stemme, eller stillhet, som verket prøver å løse eller svare på. Forfatteren George Orwell skrev i sin ikoniske sci-fi roman 1984 at ”Den som kontrollerer fortiden, kontrollerer fremtiden. Den som kontrollerer nutiden, kontrollerer fortiden”. Kun gjennom ærlig anerkjennelse av all stillhet som råder i fortiden, kan vi utløse potensialet for å skape en ny fremtid, og ikke repetere overtrampene mot dem som kom før oss. Overtramp som fortsatt begås. Resonant Silence har vært under utvikling i tre år, og skapt er sammen med et kunstnerisk lag bestående av dirigent og fiolinist Halldis Rønning, koreograf og danser Astrid Groseth og scenograf Elisabeth Holager Lund. Sammen med et ensemble bestående av ni improvisatører, klassiske musikere, instrumentbyggere og støymusikere fra Norge, USA, Venezuela, Mexico, Finland og Singapore fungere denne konserten som en stedsspesifikk konsertinstallasjon, skrevet for kjelleren i den gamle kornsiloen i Skuteviken, som nå rommer Bergen Arkitekshøgskole. Byggets akustikk og resonans skaper rom for både store lyder, men også øredøvende stillhet. Utøvernes tilstedeværelse og bevegelse danner sammen med publikum grunnlaget for en kommunikasjon, som skaper et rom der lyden og stillheten krever refleksjon og handling.

19. mars

Triggered by iconic Norwegian author Jens Bjørneboe’s colonial histories, composer and performer Guro Skumsnes Moe has set out to find space to dwell on the cavernous silences that history has created. The history of Western Europe, dominated by patriarchal extractivism, colonialism and capitalism is written in the most part by the hands of the men who have destroyed feminine structures, indigenous voices, and natural resources. Yet these histories are today’s shared histories. Through this work, the third in a trilogy of pieces, the concert installation strives to dwell on the discomfort of looking at history, as a catalyst to ask ourself how to move forward. The Resonant Silence of the title, is not a specific voice, or a silence that the piece is trying to resolve or answer. But as Orwell writes in 1984; “Who controls the past controls the future. Who controls the present controls the past” it is only by honestly recognising this silence that is written into the past, that we can release the potential to create new futures, and stop repeating the abuses of those who have gone before us, and that continue today. Resonant Silence is the result of a 3 year long process, and is devised in creative collaboration and dialogue with conductor and violinist Halldis Rønning, choreographer and dancer Astrid Groseth and set designer Elisabeth Holager Lund. Together with a 9 piece ensemble of improvisers, classical musicians, instrument builders and noise artists hailing from Norway, USA/Venezuela, Mexico, Finland and Singapore, they have created a site specific concert installation for the now empty grain silos and basement of the Bergen School of Architecture. The building’s unique acoustics and resonance create room for both large sounds, but also a deafening silence. The presence and movement of the performers and the audience is the foundation of the communication creating a unique sonic space for reflection and action.

Presentert i samarbeid med Bergen Arkitekthøgskole. Støttet av Kulturrådet, Klevfos Industrimuseum og Headlands Center for the Arts.

Husk varme klær! Det serveres suppe ute etter konserten. Remember to wear a warm coat! Soup will be served outside after the concert.

Saturday

19. mars

Lørdag

Utmark x Borealis: SHYBOI + DJ Love Pump 21.00–03.00 Bergen Kunsthall, Landmark 150,–/125,–/100,–

SHYBOI Foto: George Nebieridze

DJ Love Pump Foto: Kristin Jørgensen

Ta steget inn i SHYBOI sitt soniske univers med et Dub Sound Bath og DJ-set på Bergen Kunsthall! SHYBOI er en multikunstner, DJ og forsker bosatt i New York, opprinnelig fra Kingston, Jamaica, kjent for sine hardtslående mixer for dansegulvet. I anledning den årlige sammenslåingen av konsertserien Utmark og Borealis, tar hun DJ-konseptet et steg lenger. Dub-badet er inspirert av hennes egen forskning på dub-sjangeren som et verktøy for å skape myter, og er en altomsluttende helhetsopplevelse for alle sansene. Rommet fylles med lys og essenser, mens SHYBOI snurrer gamle dub-plater som hun bearbeider gjennom effekter og prosessering. Temperaturen skrus betraktelig opp når SHYBOI etterfulgt av dub-badet sømløst glir over i sitt dj-set. SHYBOI følges opp av Bergens egen DJ Love Pump aka Liliana Palanca, som spiller musikk fra den afrikanske diasporaen; fra kizomba og kuduro, til baile funk og afrobeat. Sammen setter de fyr på dansegulvet under denne etterlengtede Utmark X Borealis-klubbkvelden!

Join SHYBOI for a unique Borealis X Utmark that kicks off with a Dub Sound Bath at Bergen Kunsthall. The New York based multi-disciplinary artist, DJ and researcher from Kingston, Jamaica, is well known for heavy bass mixes under her SHYBOI DJ moniker, but for this special Utmark X Borealis evening she opens the night with a similarly heavy but more immersive experience. Drawing on her research into Dub music as a mythologising technology, SHYBOI creates a sensory immersion, where in a room of light and scent, old dub records are re-dubbed live using a combination of effects and processing, invoking what acclaimed Guyanese writer and essayist Wilson Harris called “an orchestration of imageries and histories to take us through and beyond ourselves into the music of space, incandescent space and rhythmic space.” Following the Sound Bath, SHYBOI turns up the temperature for a long overdue festival dancefloor moment, joined by Bergen local and Klubb Diaspora resident DJ Love Pump aka Liliana Palanca, playing bass music from Africa and the diaspora – from kizomba to kuduro, baile funk to afrobeat.

Sjekk også ut Plattform X Borealis Samtale: Myteskaping og remix-kultur s.5

Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthalls konsertserie Utmark.

Saturday

Søndag Espen Sommer Eide – The Waves 10.00–20.00 Christinegaard Hovedgaard

20. mars

Resonating Nordnes 10.00–16.00 Nordnes Sjøbad, Studio 207, Nykirken Menighetshus, aerial, Lydgalleriet, Cinemateket i Bergen, BEK, Hordaland Kunstsenter, Nordnesparken, FM

ICI: et hus fylt med musikk + BOWER 11.00–13.00 & 14.30–16.30 & 18.00–20.00 Kulturhuset i Bergen

Søndag

File Under Freedom 11.00–17.00 Bergen Kunsthall

Avslutningskonsert: Roscoe Mitchell & John McCowen 20.30–22.00 Bergen Internasjonale Kultursenter, Fensal

Avslutningsfest: DJ Simon Alejandro 22.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

Sunday

20. mars

Søndag Stikk innom hovedkvarteret i Strandgaten 207 på dagen for mer informasjon, radioutlån eller nybakte boller!

Resonating Nordnes knytter forbindelser mellom steder og folk gjennom lyd, kringkaster over hele halvøyen der Borealis holder hus, og løfter frem det yrende kulturlivet som gjemmer seg på Nordnes! Få tak i et kart, bestem selv hvilke deler av programmet du vil få med deg, og knytt det hele sammen med en FM-radio i hånden som plukker opp lyd mens du trasker fra sted til sted. Enten du lytter til Niilas på Nordnes Sjøbad eller tar deg en treningsøkt til nykomponert samtidsmusikk, besøker en av utstillingene eller ser en film – det er noe for alle på Resonating Nordnes!

Drop by the Resonating Nordnes headquarters at Strandgaten 207 for more info, to pick up a radio or buy a bolle!

Connecting places and people with sound, broadcasting across the small peninsula where Borealis is based, amplifying our amazing colleagues and collaborators – Resonating Nordnes! Welcome to a day of sonic adventuring – just grab a map, take your pick of sound and music events across Nordnes, and join it all up with some FM radio hunting! Whether it’s listening to Niilas in the sjøbad or samtidsmusikk circuit training, visiting exhibitions or seeing a film, there’s something for everyone at Resonating Nordnes.

Presentert i samarbeid med Nordnes Sjøbad, Cinemateket i Bergen, Avgarde, aerial, Hordaland Kunstsenter, Lydgalleriet, BEK – Bergen senter for elektronisk kunst, Radiophrenia, RUMMUR Radio, Radio Multe, Bergen Kringkaster

Radio Space Lytterom lytting 10.00–16.00 Studio 207 Gratis

Jenny Berger Myhre – Slowly I wake up to my other life Elina Waage Mikalsen – Juolggit julggiid vuostá – the line has two sides Autumn Chacon – What Will Be Lost

Søk ly i det koselige Studio 207. Her kan du lytte til de splitter nye verkene festivalen har bestilt for radio fra Jenny Berger Myhre, Elina Waage Mikalsen og Autumn Chacon. Oppvåkningsfaser, stemmer fra underverdenen og forstyrrelser i naturen er noe av tematikken som tas opp i de tre bestillingsverkene for FM og online kringkasting. Borealis har videreført sin lidenskap for radioformatet ved å invitere tre lydkunstnere fra Norge, Sápmi og Navajo Nation til å dykke inn i sine ulike musikalske og kunstneriske praksiser. Verkene kan også høres på ulike FM-frekvenser på Nordnes som del av Resonating Nordnes, i tillegg til i vårt Radio Space på borealisfestival.no.

Come and shelter in the cosy environment of Studio 207, and listen to our festival Radio commissions in hi-fidelity from Jenny Berger Myhre, Elina Waage Mikalsen and Autumn Chacon. Waking states, underworld voices and extraction interference make up this trio of new Borealis commissions for FM and online broadcast. Continuing the festival’s commitment to radio broadcast as a space for creating new sound work, Borealis has invited the three artists to draw on their mixed musical and artistic practices. They are also broadcast across the Nordnes peninsula on FM, or you can catch them on Borealis’ Radio Space on borealisfestival.no.

Bestillingsverk i samarbeid med Radiophrenia. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Støttet av Creative Scotland’s Open Fund: Sustaining Creative Development Programme.

Sunday

Søndag

20. mars

Niilas – Musikk for sjøbading konsert & bading 11.00–12.00 Nordnes Sjøbad Konsert + bading: 230,–/205,–/180,–/140,– Kun konsert: 150,–/125,–/100,– *verdenspremiere*

Nordnes Sjøbad holder åpent 10.00–16.00 Nordnes Sjøbad is open 10.00–16.00

Presentert i samarbeid med Nordnes Sjøbad. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet.

Sjekk også ut Borealis Ung Komponist s.12

Foto: Christine Bouché

Bergens nye stolthet Niilas vender blikket mot havet i et bestillingsverk som skal fremføres for svømmende lyttere på Bergensperlen Nordnes Sjøbad. Niilas gled med sitt selv-utgitte elektronika-album Also This Will Change inn i det nasjonale rampelyset. På samme tid flyttet han inn i De Sjøfarendes Aldershjem på Nordnes, et tidligere fattighus for sjøfolk og enker av sjømenn. I dette historiske røde teglsteinsbygget startet Niilas å utforske friere komposisjon og mer langstrakte musikalske formater. Det nye verket, bestilt av Borealis, trekker på de livlige lydene fra hans eldre medbeboere, feltopptak fra de falleferdige instrumentene i fellesrommet, stemningsfull elektronisk musikk, og hans egen lidenskap for å svømme i det iskalde fjordvannet. De Sjøfarendes Aldershjem ligger et steinkast unna det 110 år gamle offentlige sjøbadet på tuppen av byen. Niilas, som har vokst opp i Bergen, med sterke familiære bånd til det sjøsamiske samfunnet i Kåfjord, har han en unik kobling til både naturen og sjøen. Under Borealis presenterer han denne musikalske meditasjonen over sjøen, som kan oppleves i vannet eller på land.

Bergens own electronic music master Niilas turns to face the sea in a new commission to be performed for swimmers at the Nordnes Sjøbad. Niilas arrived in the national spotlight as the bright star of Norwegian club music with his self released album Also This Will Change. At the same time he moved house into De Sjøfarendes Aldershjem, a former seafarers’ boarding house, where he began exploring freer and more long form compositions. Commissioned by Borealis, this new piece draws on the lively sounds of his elderly neighbours, field recordings from the dilapidated instruments of the house common room and his own passion for swimming in the icy fjord. De Sjøfarendes Aldershjem sits a stones throw from the 110 year old public seabath on a peninsula of the city centre jutting out in to the fjord. Growing up in Bergen as well as being part of the indigenous Sea sámi community from Kåfjord in Northern Norway, Niilas’s connections to the ocean and nature are multiple. Here he presents a new musical meditation on the ocean, to be experienced in the water, or on land.

Sunday

20. mars

Søndag

Avgarde Treningsmusikken trening 10.00–10.45 & 13.00–13.45 Nykirken menighetshus 150,– *verdenspremierer*

Make sure to book your ticket, as spots are limited. Bring comfortable clothes, water to drink and a willingness to work out! Training mats are provided.

Foto: Aiste Zumbakyte

Begrenset kapasitet, så vær tidlig ute med billettkjøp! Ta på deg komfortable klær, og ha med vann og stå-på-vilje. Treningsmatte får du utdelt ved oppmøte.

Ruth Bakke, Ole-Andreas Førde & Kathrine Bauck – komponister

Mara Haugen – fiolin Roger Andreas Holme – saksofon Jostein Stalheim – akkordeon Owen Weaver – slagverk

Vi har alle en idé om hvordan treningsmusikk høres ut, ikke sant? Men hva om man ga komponister i oppdrag å skrive musikk for fysisk utfoldelse, og fikk musikken fremført live mens man trente? Velkommen til Avgarde Treningsmusikken, et samarbeid mellom personlig trener Henriette Sophie Vik Skaten og tre bergenskomponister. Med nykomponerte verk for, ja nettopp trening, vil du ledes gjennom ulike og unike øvelser til live musikk. Treningen er inspirert av alt fra Tabata og bruk av egen kroppsvekt, til tyrkiske get-up rutiner. Hvordan vil det føles å gjøre planken eller sirkeltrening til musikk som ikke holder jevnt tempo, byr på uventede lydbilder eller har en uforutsigbar struktur? Og hva skjer med lyttingen når man kombinerer den med endorfiner og fokus på kroppen? Enten du er treningsnarkoman eller musikkelsker med hang for å eksperimentere; alle er velkommen på Treningsmusikken!

We all know what workout music sounds like, right? But what if it was reimagined by composers, and played by a live ensemble! Welcome to Avgarde Treningsmusikken, a collaboration between personal trainer Henriette Sophie Vik Skaten, and three Bergen based composers. With three newly composed workouts, you’ll be on the mat and lead through unique Tabata inspired, body weight training and Turkish get-up routines, each one with a newly composed soundtrack. What will it be like to plank, or circuit train to music that may have an uneven beat, unexpected soundscapes or an unpredictable structure? And what happens to listening when we combine it with rushing endorphins and focus on the body? Whether you’re a hardcore gym bunny, or a music lover who wants to try something new; Everyone is welcome to join Treningsmusikken!

Presentert i samarbeid med Avgarde.

Sunday

Søndag

20. mars

Green Bank Pastoral film 12.00–13.00 & 15.00–16.00 Cinemateket i Bergen 100,–/50,–

En film av Federico Urdaneta. Varighet 54 min.

Ta en liten pause fra utforskingen av Nordnes gjennom lyd og radio, og oppdag den lille byen Green Bank i USA, hvor alle elektromagnetiske signaler har vært bannlyst siden 50-tallet for å beskytte verdens største radioteleskop fra forstyrrelser. Byen er fri for radio-, telefon- og wifi-signaler, og har som resultat virket som en magnet på mennesker med elektromagnetisk hypersensitivitet, eller el-allergi. I Green Bank finner de pusterom fra den moderne verden og dens stråling. Denne prisvinnende dokumentaren, med musikk fra en av årets Borealis-artister Mattie Barbier, er en fortelling om det besynderlige forholdet mellom menneskene i Green Bank, og det massive radioteleskopet i midten av det hele.

As we explore Nordnes through sound and radio, take a pause and discover the small town Green Bank in America where all wireless signals have been banned since the 1950s to protect the world’s largest radio telescope from interference. The town has no radio, mobile or wifi signals and has as a result attracted a number of people that claim to suffer from Electro Hypersensitivity, seeking respite from the modern world. This award winning documentary, featuring music from Borealis artist Mattie Barbier, is the story of the peculiar relationship between these people, the small town folk, and the massive radio telescope in the middle of it all.

Presentert i samarbeid med Cinemateket i Bergen.

Autumn Chacon – What Will Be Lost radioinstallasjon 10.00–16.00 Nordnesparken Gratis

Lån en radio i Strandgaten 207 Pick up a radio in Strandgaten 207

Autumn Chacons What Will Be Lost er et helt nytt verk laget i samarbeid mellom Chacon, Sandra Marja West – samisk aktivist, kunstner og medlem av Sametinget, og den samiske komponisten og musikeren Johan Sara Jr. Chacon trekker på sine egne erfaringer som forekjemper for rettighetene til urbefolkningen i USA, og verket står i solidaritet med samenes pågående disputt med store gruveselskaper som henter ut kobber i Sápmi. What Will Be Lost er to parallelle kringkastinger der du hører en tale rettet mot den tyske kobberindustrien, som forstyrres av lyden av landskapet, vannet, dyrene, og folket som rammes av uthentingen av kobber i Sápmi.

Autumn Chacon’s What Will Be Lost is a new collaborative work between the Indigenous US based artist and Sandra Marja West, sámi activist, artist, and member of the sámi Parliament, and sámi composer and musician Johan Sara Jr. Drawing on her own history of vocal activism, Autumn’s work stands in solidarity with the current dispute the sámi face against big copper mining in Sápmi. What Will Be Lost, is two simultaneous broadcasts in which words directed at the German copper buying industry are interrupted by a second broadcast of the land, water, animals, and peoples who will be negatively affected by copper extraction in Sápmi.

Bestillingsverk i samarbeid med Radiophrenia. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Støttet av Creative Scotland’s Open Fund: Sustaining Creative Development Programme.

Sunday

20. mars

Søndag

Emilie Wright – Procession (poem of ecstasy) utstilling

10.00–16.00 — Lydgalleriet — Gratis Procession (poem of ecstasy) er en romlig lydinstallasjon av Emilie Wright. Gjennom å se på skjør arkitektur og psykoakustikk i feltopptak, vokal og lydprosessering, utforsker verket sado-masochisme, katarsis og indre kosmologi.

Procession (poem of ecstasy) is a spatial audio installation by artist Emile Wright. The work explores themes of sadomasochism, catharsis and internal cosmology through fragile architectures and psychoacoustics within experimental forms of field recording, vocals and audio signal processing.

& Radiosending og familieverksted på BEK lytting workshop 10.00–16.00 — BEK – Bergen senter for elektronisk kunst — Gratis

Stikk innom BEK for lydlig Drop by BEK for sonic utforsking! explorations! Presentert i samarbeid med BEK – Bergen senter for elektronisk kunst og Bergen Kringkaster

Radio Multe 10.00–13.00 — BEK & 93.8 FM Ta deg en kopp kaffe og hør på Radio Multe, Bergens nyeste eksperimentelle radiokanal. Fra sitt studio i Nygårdsgaten sender de et program om Nordnes’ historie, direkte over FM-nettet, med Anna Watson, Karen Werner og gjester.

Grab a coffee and listen to Radio Multe, Bergen’s newest community and experimental radio station broadcasting live on FM from their studio in Nygårdsgaten with a programme about Nordnes history with Anna Watson, Karen Werner and guests.

Familieverksted med Oda Bremnes 13.00–16.00 Bli med kunstner Oda Bremnes i å utforske hvordan man kan lage ulike lyder og leke seg med musikk. Intrikate maskiner og objekter, elektrisitet og mekaniske bevegelser; Oda har mange spennende kreasjoner som hun viser frem, og som inspirerer til eksperimentering med lyd.

Family workshop on sound making with artist Oda Bremnes to learn how different exciting sounds can be produced and played with. With intricate machines and objects, with electricity and mechanical movement, we invite you to listen to the gripping sound universe of Oda, and to experiment with different ways of creating sounds.

Sunday

Søndag Kjære Nabo åpent hus 14.00–16.00 — Hordaland Kunstsenter — Gratis Få innblikk i nabolagsprosjektet Kjære nabo, initiert og kuratert av Daniela Ramos Arias! Denne dagen åpner hun dørene til HKS, for å reflektere rundt prosjektet; en samling brev som ble sendt ut til de som bor i kunstsenterets nærområde. Til hver runde av serien ble en kunstner invitert til å benytte seg av brevformatet for å skape arbeid. Kunstner Nayara Leite valgte å utforske Nordnes sin skeive historie i tett samarbeid med Skeivt Arkiv. Resultatet ble en serie på tre fanziner, fem tusen og fem, som ble sendt til alle med postnummer 5005. Denne ettermiddagen får publikum se fanzinene, og det blir en felles lytteseanse der man hører Nayaras radioversjon av fem tusen og fem. Presentert i samarbeid med Hordaland Kunstsenter

20. mars

14.30 Lytteseanse: Nayara Leite – fem tusen og fem (lydverk) Welcome to an afternoon at the heart of Hordaland Kunstsenter and their ongoing project, Dear Neighbour. Curator Daniela Ramos Arias holds an open house to reflect on the project, a collection of letters, each composed by an artist, sent to people living in the vicinity of the arts centre. Brazilian visual artist Nayara Leite was invited to create a work for this context and explored the queer history of Nordnes, in close collaboration with Skeivt Arkiv. The result was a series of three fanzines titled fem tusen og fem distributed to Nordnes residents with postcode 5005. As part of the afternoon, the fanzines will be available to view and a community listening session will be held to listen to Nayara’s new radiophonic translation of the fanzines.

radiokringkasting Nayara Leite – fem tusen og fem Lån en radio i Strandgaten 207 Pick up a radio in Strandgaten 207

13.00–16.00 — Nordnes/93.8 FM — Gratis Still radioen inn på RUMMUR Radio på 93.8FM, og få servert et nytt bestillingsverk fra kunstner Nayara Leite! Som en del av RUMMUR Radio sitt arbeid med å utforske og fremme eksperimentell kortbølgeradio i Bergen, har de invitert Nayara til å lage et nytt lydverk for eteren, med utgangspunkt i prosjektet hennes fem tusen og fem som griper fatt i Nordnes’ skeive historie.

Tune in to RUMMUR Radio on 93.8FM, to hear a new commission by visual artist Nayara Leite. As part of RUMMUR Radio’s ongoing mission to explore and promote experimental FM broadcasting in Bergen, Nayara was invited to create a new transmission work drawing on her community project fem tusen og fem that resonates the queer history of Nordnes.

Presentert i samarbeid med RUMMUR Radio & Bergen Kringkaster

Makda Embaie – Breaking bread and language/ Å bryte brød og språk samtale 12.30–13.30 — aerial — Gratis Bli med kunstner Makda Embaie for å reflektere rundt nasjonalstaten og dens forhold til språk. I uken før Resonating Nordnes, har Makda hatt en rekke samlinger med mennesker som kan relatere til det å tilhøre en diaspora. Sammen har de oversatt tekster på tigrinja, ved bruk av Makda sin metode for å oversette uten å kunne språket man oversetter fra. Under denne seansen vil hun sammen med publikum reflektere rundt uken med workshops, og sitt eget arbeid.

Join artist Makda Embaie to reflect on the idea of the nation-state and its relationship to language. In the week prior to Resonating Nordnes, Makda will hold several sessions for people with diaspora experience to translate Tigrinya language texts together. She has developed a method of translating that doesn’t require the participants to be able to read or write in the language they translate from. Join Makda to reflect on her week of workshops and hear more about her work.

Presentert i samarbeid med aerial

Sunday

20. mars

Søndag

ICI: et hus fylt med musikk Foto: Joshua Hyde

11.00–13.00 & 14.30–16.30 & 18.00–20.00 Kulturhuset i Bergen 500,– (familiebillett) 275,–/225,–/150,– *verdenspremiere*

soundinitiative: Shao-Wei Chou – fløyte & utøver Etienne Graindorge – lydtekniker & utøver Winnie Huang – fiolin & utøver Joshua Hyde – saksofon & utøver Szymon Kaça – klarinett & utøver Louise Leverd – cello & utøver Gwen Rouger – tangenter & utøver Benjamin Soistier – perkusjon & utøver Franco Venturini – tangenter & utøver Velkommen til en musikalsk parkour-seanse i de mange etasjene i Kulturhuset i Bergen! Alt du trenger å gjøre er å møte opp med billetten din for så å bli geleidet mellom etasjene, inn og ut av fantastiske musikalske verdener knyttet sammen av utøvere fra det franske ensemblet soundinitiative. Fra dansende kropper til interaktive musikalske tau, fra keytar-soloer til vibrende vegger, er ICI en to-timers lydreise, med verk fra Frederic Mathevet, Winnie Huang, Julien Malaussena, Joshua Hyde, Michelle Agnès Magalhaes og Gwen Rouger. soundinitiative i deres samarbeid med koreografen Julie Desprairies, rekontekstualiserer hvordan vi som publikum opplever nyskapt musikk. ICI – som betyr ’her’ på fransk – er en forestilling for et spesifikt sted, som kun kan oppleves der og da. Det hele kulminerer i verdenspremieren på verket BOWER av en av Norges skinnende komponiststjerner, Kristine Tjøgersen. BOWER er skapt i samarbeid med scenograf Maja Nilsen, ensemblet selv og koreograf Julie Desprairies, og transporterer publikum inn i den unike verdenen til gartnerfuglen. Prosjektet ICI er støttet av The French Institute in Paris og Centre National de la Musique (CNM). Reisestøtte fra Institut français de Norvège. soundinitiative er støttet av kulturdepartementet i regionen Ile-de-France.

Sjekk også ut

BOWER Kristine Tjøgersen – konsept & komposisjon DIY-partitur 15’ Frederic Mathevet – komponist tick tock iiiiii 12’ Winnie Huang – komponist Portrait Étendu 12’ Julien Malaussena – komponist Distant Air (installasjon) Joshua Hyde – komponist Constella(c)tions 12’ Michelle Agnes Magalhaes – komponist Digestion (for keytar-solo) 15’ Gwen Rouger – komponist We invite you on a musical parkour through the multilayered spaces of Kulturhuset i Bergen! Just show up with your ticket to be gently led up and down the stairs through wonderful musical worlds, all woven together by the performers of French ensemble soundinitiative. From performing bodies to interactive musical ropes, from keytar solos to vibrating walls, soundinitiative along with their collaborator choreographer Julie Despraires, want to recontextualise how we experience new musical creations, relating each performance to the spaces and places where people are gathering. ICI meaning “here” in French, is a two hour sound adventure that leads you through different listening spaces and atmospheres, featuring works by Frederic Mathevet, Winnie Huang, Julien Malaussena, Joshua Hyde, Michelle Agnès Magalhaes and Gwen Rouger. It all culminates with the world premiere of a new piece by shining star of Norwegian new music Kristine Tjøgersen. In BOWER with scenographer Maja Nilson, ensemble and choreographer Julie Desprairies, this new interdisciplinary collaboration transports us in to the unique world of the Bower bird.

ICI Konsert for 1 s.10

Sunday

Søndag

20. mars

Kristine Tjøgersen – BOWER Kristine Tjøgersen – konsept & komposisjon Maja Nilsen – scenografi & kostyme Julie Desprairies – koreografi soundinitiative – ensemble Evelina Dembacke – lysdesign Feltopptak: Marc Anderson – Wild Ambience

Opplev et ekstraordinært fugleperspektiv gjennom det nyskapende performanceverket BOWER! Komponist Kristine Tjøgersen har utviklet BOWER, med scenografi og kostymedesign av Maja Nilsen og koreografi av franske Julie Desprairies. Stykket er spesialskrevet for det franske ensemblet soundinitiative, og det tverrkunstneriske verket er inspirert av gartnerfuglenes – bowerbirds – unike adferd. Fuglene er kjent for deres evne til å bygge arkitektonisk komplekse konstruksjoner, som kalles et ‘bower’. Fuglene bruker mesteparten av tiden sin på innfløkte parringsritualer, og hunnene velger den maken de er mest imponert over, etter nøye inspeksjon av hannens ferdigheter i både sang, dans, arkitektur og estetikk. Fuglenes oppførsel kan til og med kaste lys over opprinnelsen til den estetiske sans. Inspirert av dette ritualet blir scenerommet forvandlet, og bevegelser, lyd og musikk blir nøye tilpasset fuglenes habitat, lydverden og væremåte. Boweret blir både sci-fi nattklubb og skogsteater, i en gjenskapning av dette ekstraordinære frieriet, fremstilt i et fysisk format. Tjøgersens musikk lar ofte visuelle elementer legge premissene for en musikalsk utvikling. I denne forestillingen har hun arbeidet tett med scenograf og kostymedesigner Maja Nilsen, og vi får møte det performative og absurde i det lyriske og eksistensielle. BOWER blir urfremført på UNESCO Creative Cities Program i Centre des Arts d’Enghien-les-Bains i mars 2022. Bestillingsverk støttet av Kulturrådet. Prosjektet støttet av Fond for lyd og bilde og Kulturrådet.

Experience an extraordinary bird’s eye view at Borealis 2022 through the innovative new performance piece BOWER. Kristine Tjøgersen’s new piece BOWER is an interdisciplinary work inspired by the unique behaviours of the bowerbird. These remarkable birds are admired for their cultural and artistic abilities, building architecturally complex structures called a bower. The bowerbirds pass their days developing their dance oriented courtship and working on their bower; carefully arranging their found objects in a sophisticated system, hoping that it is impressive enough to woo a partner. We have placed this bower in a deep forest from the distant future, and it becomes unclear if it is birds or humans that are the center of attention. Movements, sound and music is directly translated and inspired by the birds’ daily routines, habitat, sound world, interaction and behaviour. The bower can be a sci-fi nightclub or a forest theater, recreating the extraordinary courtship, rendered in physical format. Tjøgersen’s music often lets visual elements lay the foundation for a musical development. In this performance she has worked closely with scenographer and costume designer Maja Nilsen. The performative and absurd meet the lyrical and existential. Through observing the bowerbirds’ behaviour we recognise ourselves.

Sjekk også ut Sjøforsvarets musikkorps s.11

Sunday

20. mars

Søndag

Avslutningskonsert: Roscoe Mitchell & John McCowen 20.30–22.00 Bergen Internasjonale Kultursenter, Fensal 275,–/250,–/200,–

Roscoe Mitchell – HOMUNCULUS (multimedia solo) Roscoe Mitchell & John McCowen – UOOU

En unik kveld der Roscoe Mitchell og John McCowen komponererer i sanntid, rett foran dine øyne og ører! Mitchell har utforsket improvisasjon og multiinstrumentale fremførelser fra starten av karrieren sin, og denne kvelden spiller han duett med seg selv på tvers av tid og rom, i verket han har navngitt HOMONCULUS. Gjennom en video skapt i samarbeid med filmskaper Wendy Nelson, spiller Mitchell perkusjon og saksofon live i Bergen, sammen med seg selv hjemme i Wisconsin. Verket er en flerdimensjonal solo, og en utforsking av Mitchell sin enorme spennvidde på ulike instrumenter. I andre halvdel av konserten får Mitchell besøk på scenen av sin tidligere student og nåværende samarbeidspartner, John McCowen. De har valgt å kalle fremførelsen UOOU, der McCowen sin klanglige utforsking av kontrabassklarinetten møter Mitchell sin bassaksofon; en uvanlig og dynamisk lydkombinasjon fra to sjeldne instrumenter. Denne konserten setter punktum for en hel uke med konserter og samtaler med Roscoe Mitchell, og samler de ulike sidene av Mitchell sin utøverpraksis og musikkskaping. Ikke gå glipp av denne historiske begivenheten!

A special evening of composition in real time from Roscoe Mitchell and John McCowen. As a tireless explorer of improvisation and multi–instrumental performance, Mitchell’s multimedia solo HOMONCULUS sees the 81 year old legend in duet with himself across time and space. Through a new film made in collaboration with film maker Wendy Nelson, Mitchell, live in Bergen performs saxophone and percussion with Roscoe at home in Wisconsin, creating possibilities of multidimensional solo-ing and expression that explore the full range of Mitchell’s instrumental interests. Joining Mitchell on stage for the second half of the concert is his one time student and now collaborator John McCowen. In their specially prepared duo performance UOOU, McCowen’s micro timbral explorations of the contrabass clarinet meet Mitchell’s bass saxophone playing, to create an unusual and dynamic combination of these two rarely heard low end instruments. Closing a week of performances and conversations with Roscoe Mitchell, this final concert for the festival brings together many facets of Mitchell as a performer and music creator. Don’t miss out!

Produsert og initiert i samarbeid med Bergen Kunsthall. Presentert med støtte fra Bergen Jazzforum.

Sjekk også ut Åpningskveld Borealis 2022 s.6 Sjøforsvarets musikkorps s.11 Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell s.14 File Under Freedom s.34

Sunday

Søndag

20. mars

Foto: Joseph Blough

Avslutningsfest: DJ Simon Alejandro 22.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark Gratis

Sunday

Utstilling FILE UNDER FREEDOM utstilling Roscoe Mitchell, Two Musicians and a Bird, 2020. Courtesy Roscoe Mitchell, USA.

5. februar–27. mars Bergen Kunsthall Tirs–Søn 11.00–17.00 Tors 11.00–20.00 (gratis 17.00–20.00) 50,– Utstillingen er gratis for alle med gyldig billett til Borealis. Free entrance with valid ticket to the festival.

Steinar Sekkingstad – kurator Lisa Alvarado, Eric Baudelaire, Olle Bonniér, Peter Brötzmann, Don Cherry, Moki Cherry, Alvin Curran, Douglas R. Ewart, Svein Finnerud, Milford Graves, Mats Gustafsson, Roscoe Mitchell, Thaddeus Mosley, Sidsel Paaske, Zak Prekop, Matana Roberts, Emilija Škarnulyt , Cauleen Smith, Ming Smith, Sun Ra, Marshall Trammell, Elena Wolay/Jazz Är Farligt File Under Freedom tar utgangspunkt i temaet improvisasjon innen musikk og kunst. Med både nyproduserte verk, sjeldent viste historiske arbeider, samt arkivmateriale, tematiserer utstillingen ideer om frihet slik det kommer til uttrykk blant utøvende improvisasjonsmusikere og samtidskunstnere. Frijazzen oppstod på 1960-tallet i USA, blant en generasjon banebrytende musikere som ikke bare revolusjonerte jazzmusikken, men hvis kunst i tillegg var uttrykk for en identitetssøken blant svarte musikere, med rom for motstand og protest. Utstillingen trekker flere historiske linjer, med noen av frijazzens ubestridte pionérer representert, i tillegg til en yngre generasjon kunstnere som behandler arven fra den friimproviserte og kreative musikkens mangfoldige historie. Utstillingen er også en visuell opplevelse, med bidrag fra kunstnere som arbeider med visuell improvisasjon gjennom maleri, trykk, collage, skulptur og grafiske partiturer. Produsert og initiert av Bergen Kunsthall.

File Under Freedom takes its cue from the history of improvisation in music and art. With recently produced and rarely shown historical works, as well as archive material, the exhibition explores ideas on freedom, expressed by improvising musicians and contemporary artists. Free jazz arose in the 1960s in the USA, among a generation of pioneering musicians who not only revolutionised jazz but whose art was also a search for identity among black musicians and created space for opposition and protest. Drawing several historical lines, the exhibition includes some of the undisputed pioneers of free jazz, as well as a younger generation of artists who employ the rich legacy of free improvisation and creative music. The exhibition is also a visual experience, featuring artists working with visual improvisations through painting, print, collage, sculpture, and graphic scores.

Utstillingen på Bergen Kunsthall følges av et aktivt liveprogram med konserter, foredrag og filmvisninger. Store deler av dette live-programmet finner sted under Borealis.

Exhibition

This Bergen Kunsthall exhibition is accompanied by an active live programme with concerts, talks and screenings. Large parts of this live programme will take place at Borealis.

Festivalbar Festivalbar 17. & 18. mars 21.00–01.00 Bergen Kunsthall, Landmark

La oss henge slik som før… Stikk innom Festivalbaren på Landmark og få den gode festivalfølelsen! Møt artister, festivalgjester, frivillige og andre publikummere; ta deg tid til å slå av en prat om musikken du har hørt, planlegg resten av Borealis-uken, eller del en drink og litt sladder med dine nærmeste. Musikk inspirert av utstillingen File Under Freedom strømmer ut av høytalerne, og de dyktige bartenderne på Landmark byr på et fantastisk utvalg av naturviner, mikrobrygg, alkoholfridrikke og cocktails. Og hvis forholdene ligger til rette kan det dukke opp en overraskelse eller to…

Let’s hang out like we used to… Stop by the Festival Bar for that nice festival atmosphere! Meet festival artists and guests, volunteers and other audiences, take time to talk about the music you’ve heard, plan your next Borealis move or gossip with friends. Music inspired by the File Under Freedom exhibiton will be playing in the background and the lovely Landmark staff serve up their great selection of natural wines, craft beers, non-alcoholic beverages and cocktails. And if the stars align, maybe you’re in for a surprise or two…

Foto: Xin Li Foto: Xin Li

Festival Bar

Artist in Residence 2020–22

Marshall Trammell, Music Research Strategies

“This image is a code or community informative called Simultaneous Multi-Dimensionality. It is borrowed from Dr. Willie Anku’s graphical depictions of general African percussion ensembles, of circular rhythmic patterns contributing to the totality of communication while carrying their own dynamic power around a central voice.“

Marshall Trammell, Music Research Strategies, LLC

“Over the two years of his artist–in–residence Music Research Strategist Marshall Trammell has challenged us to see the interconnectedness of things; the inseparability of social consciousness and musical performance. Together we have explored a journey of ideas to images to sound to performance to reception, that has led us down historic pathways and through contemporary solidarities. Often complex, always challenging, his work has laid new frameworks for the festival as it explores the collision of experimental sound practices with the upholding of democratic spaces. As his new work is titled, the status quo is my enemy, and ever-present listening, improvising and action are required from us all as we move forward together as musicians, audiences and activists”

Peter Meanwell, Artistic Director, Borealis

Borealis Online Også i år kan du få med deg noe av festivalen fra sofakroken. Vi streamer flere arrangementer på borealisfestival.no og Facebook. Du vil også kunne ri festivalbølgen på Instagram Live.

This year like last you can catch parts of the festival from home. We’re streaming live on borealisfestival.no and Facebook! You can also catch that festival vibe on Instagram Live.

Onsdag 16. mars 13.00–14.30

Plattform X Borealis Samtale: Myteskaping og remix-kultur

Torsdag 17. mars 13.00–14.30 21.00–22.00

Borealis Samtale: Om ‘Rational Intonation’ med Catherine Lamb, RAGE Thormbones & Khyam Allami Borealis Ung Komponist: Karoline Wallace, Astrid Solberg, Mirsaeed Hosseiny Panah, Peder Niilas Tårnesvik, TABULA RASA

Fredag 18. mars 13.00–14.30

Plattform X Borealis Samtale: Roscoe Mitchell i samtale med John McCowen

Lørdag 19. mars 15.00–18.00

Ensemble neoN/FEN/Lasse Marhaug – Fractured Times. A Reunion of Strangers.

Søndag 20. mars 11.00–12.00 20.30–22.00

Niilas – Musikk for sjøbading Avslutningskonsert: Roscoe Mitchell & John McCowen

borealisfestival.no Facebook Instagram Live 38

Radio Space Radio Space er Borealis sin plattform for radiokunst! Her presenterer vi verk for kringkasting laget av kjente internasjonale lydkunstnere, radiokunstnere og komponister. I år har Borealis videreført sin lidenskap for radioformatet ved å invitere Jenny Berger Myhre, Elina Waage Mikalsen og Autumn Chacon til å dykke inn i sine ulike musikalske og kunstneriske praksiser, og reflektere over kompleksitet og kraften av å bruke sin stemme. Du kan høre bestillingsverkene, og et utvalg fra den skotske radiofestivalen Radiophrenia enten du er hjemme i Bergen, eller fra en sofakrok hvor som helst i verden, på borealisfestival.no

Radio Space is Borealis’ radio art platform presenting work for broadcast by renowned international sound artists, radio artists and composers. Continuing the festival’s commitment to radio broadcast as a space for creating new sound work, in 2022 Borealis has invited Jenny Berger Myhre, Elina Waage Mikalsen and Autumn Chacon to draw on their mixed musical and artistic practices to reflect on the complexity and power of voices. The commissions and a selection from the Scottish radio festival Radiophrenia will be free to engage with whether you are sitting at home in Bergen, or around the world via borealisfestival.no

Elina Waage Mikalsen Foto: Lucas Leonardo Ibanez-Fæhn

RADIO SPAC E borealisfest 2022 ival.no 16.–31. mars

Jenny Berger Myhre Foto: Gerda Krutaja

Autumn Chacon

Radio Space er presentert i samarbeid med Radiophrenia.

Artister

Anine Fatou Bråten Anine Fatou, halvt norsk, halvt gambisk, født og oppvokst i Oslo, er skribent, taler, feminist og antirasistisk aktivist. Anine startet først sin utdanning i psykologi, med en plan om å hjelpe, forske og gjøre systematiske endringer. Men hennes lidenskap i kampen for rettferdighet, likestilling og frigjøring førte til at hun endret retning til juss. Målet hennes er å bli en internasjonal menneskerettighetsadvokat med fokus på kvinner og etniske minoriteter. Anine har vært leder av Women’s March-bevegelsen i Bergen siden starten i 2017, og hun leder The Female Minority Voices Book Club. I tillegg er hun skoleprogramvert for Bergen internasjonale filmfestival (BIFF). Anine Fatou, half Norwegian, half Gambian, is a writer, speaker, feminist and antiracist activist born and raised in Oslo. Anine started her educational journey with studies in Psychology with a plan to help, research and create systematic change. Her burning instinct to fight for equality, justice and freedom on a larger scale led her to take a turn and transfer to Law. Anine’s goal is to become an international human rights lawyer, especially focusing on women and ethnic minorities. Anine has been leading the Women’s March movement in Bergen since the start-up in 2017, and of The Female Minority Voices Book Club. She is also the educational programme host at Bergen International Film Festival (BIFF).

Astrid Groseth Astrid Groseth er en danser, koreograf og spesialpedagog. Hennes kunstnerskap består av dansekunst, koreografi, tekst, og kunstnerisk ledelse av tverrfaglige verk. Virket er farget av utdanningen og arbeidserfaringen til Astrid, som krysser faggrensene. I sjangeroverskridende samarbeid finner hun et mulighetsrom, hvor hun legger til rette for at alle involverte får benytte ressursene sine. Prosessen fram mot resultatet, får helt og holdent forme hvordan forestillingene blir. Hun er utdannet ved blant annet Den norske balletthøyskole der hun mottok en bachelor i samtidsdans og pedagogikk og ved NTNU der hun tok en master i rådgivningspedagogikk. I 2021 har Groseth startet Strand kunstnerresidens, som er initiert, ledet og driftet av henne selv. Residensen er fysisk plassert på Groseths bo- og arbeidssted i Ringsaker kommune i Innlandet fylke. Visjonen til Astrid, som dermed også kunstnerresidensen er forankret i, er å ha en kunstpraksis med dyp respekt og ydmykhet for naturen, et sterkt fokus på likeverd, diplomati, demokrati, og at kunsten kan speile livets omskiftelighet. Astrid Groseth is a dancer, choreographer and counselor. Her art practice consists of dance, choreography, text, and artistic direction of interdisciplinary works. The work is colored by Astrid’s education and work experience, which crosses professional boundaries. In cross-genre collaborations, she finds a space of opportunity, where she facilitates so that everyone involved makes use of their resources in the best way. The process leading up to the result, is allowed to completely shape how the performances turn out. She is educated at, among others, the Norwegian Ballet Academy where she received a bachelor’s degree in Contemporary Dance and Pedagogy and holds a master’s degree from NTNU in Counseling Pedagogy. In 2021, Groseth has started the Strand Artist Residency, which is initiated, managed and run by herself. The residency is physically located at Groseth’s place of residence and work in Ringsaker municipality in Innlandet County. Astrid’s vision, in which the residency is also rooted in, is to have an art practice with deep respect and humility for nature, a strong focus on equality, diplomacy, democracy, and that art can reflect the vicissitudes of life.

Astrid Solberg Astrid Solberg er komponist og utøver fra Oslo. Som komponist arbeider hun ofte konseptuelt, i grenseland til performance-kunst og instrumental-teater. Som utøver er hun aktiv både i andre kunstneres prosjekter, og i eget materiale gjennom video, og som live-utøver. Maktforhold og feminisme i musikk og kunst opptar henne, og hun har også stor interesse for og fokus på internettkultur, mental helse og hunder. Nå fokuserer arbeidet hennes seg rundt video, og koreografiske og visuelle elementer i forskjellige uttrykk og former. Hennes kritiske syn på kunstfeltet og tendenser i samfunnet kommer gjerne til syne gjennom bruk av satire og humor. Astrid er i år utvekslingsstudent ved Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst i Stuttgart, og fullfører høstsemesteret 2021 bachelor i komposisjon ved Norges musikkhøgskole. Hun deltar i Borealis Ung Komponist frem til mars 2022. Astrid Solberg is a composer and performer from Oslo, Norway. Her compositions balance conceptually on the edges of performance art and instrumental theatre. In her performance practice she works both in collaboration with other artists, and with her own material through video work and on stage. Power structures and feminism in music and art is of great interest to Astrid, in addition to internet culture, mental health and dogs. Her recent work is focused around video, choreography and visual elements in different forms. Her critical gaze on the art field and the tendencies in society is often presented through satire and humour. Astrid is currently an exchange student at Stuttgart University of Music and Performing Arts and will be finishing her Bachelor in Composition from the Norwegian Academy of Music in the autumn of this year. She’s participating in Borealis Ung Komponist up until March 2022.

Autumn Chacon Autumn Chacon er en multimediakunstner, og Diné* fra Navajo Nation som ligger i Albuquerque-området i New Mexico, USA. Fra en tidlig alder har hun vært en aktiv samfunnsaktør som har jobbet for å fremme den amerikanske urbefolkningens rettigheter, miljørettigheter og medias rettigheter og tilgjengelighet. Hennes bakgrunn som aktivist reflekteres sterkt gjennom hennes selvlærte kunstneriske praksis. Autumn har vist arbeider både innenfor og utenfor de amerikanske landegrensene, med lyd, performance og elektroniske

installasjoner. Hun har ingen mangel på historier å fortelle, og streber etter å engasjere gjennom nyere mediateknologi, selv om hennes historier har røtter fra langt tilbake. *D iné betyr ”folket” eller ”barn av det hellige folket” og er det foretrukkede navnet på Navajofolket som er en av flere urfolk-stammer i USA. Autumn Chacon is an Indigenous (Diné), multi-media and new-media artist of the Albuquerque, New Mexico area of the United States. From an early age she has been an active community organizer for the advancement of Native American Rights, Environmental Justice, and Media Rights and Access. Being a self taught artist her work reflects her activist values. Autumn has shown work domestically and abroad, in the mediums of sound, performance, and electronic installation. With no lack of stories to be told Autumn strives to engage through new media technologies even if her stories are very old. * Diné means “The People” or “Children of the Holy People” and is the name preferred by the Navajo people – a native american tribe.

BIT20 Ensemble String Quartet BIT20 Ensemble sin strykekvartett består av fiolinistene Jutta Morgenstern og Martin Shultz, bratsjist Liene Klava og cellist Agnese Rugevica. De fire har spilt sammen i BIT20 Ensemble i mange år, og er også i ledende posisjoner i Bergen Filharmoniske Orkester. Kvartetten jobber med nyskrevet musikk, spesielt av nordiske komponister. Som del av BIT20 Ensemblet har de jobbet med navn som Georg Friedrich Haas, Pauline Oliveros, Vinko Globokar, Karen Tanaka, Rolf Wallin, Henrik Hellstenius, Øyvind Torvund og mange flere – både i konsertformat og gjennom innspillinger. BIT20 Ensemble er en prisvinnende sinfonietta basert i Bergen og ble stiftet i 1989. Orkesterets innflytelsesrike innspillinger med komponister som Arne Nordheim, Vinko Globokar og György Ligeti har ført til internasjonal anerkjennelse. Ensemblet vant en Spellemannpris i 2020 for The Exotica Album med komponist Øyvind Torvund. BIT20 Ensemble’s string quartet consists of the violinists Jutta Morgenstern and Martin Shultz, violist Liene Klava and cellist Agnese Rugevica. They have played together in BIT20 Ensemble for many years, and they also have leading positions in the Bergen Philharmonic Orchestra. The quartet works with new music, especially written by Nordic composers. As part of the BIT20 Ensemble they

have worked with names like Georg Friedrich Haas, Pauline Oliveros, Vinko Globokar, Karen Tanaka, Rolf Wallin, Henrik Hellstenius, Øyvind Torvund and many more – both by performing and recording material. The BIT20 Ensemble is an award-winning sinfonietta orchestra based in Bergen, Norway, and was founded in 1989. Their seminal recordings with composers such as Arne Nordheim, Vinko Globokar and György Ligeti has led to international recognition. The ensemble won a Norwegian Grammy in 2020 for The Exotica Album by composer Øyvind Torvund.

Carol Stampone Carol Stampone er fra delstaten Minas Gerais i Brasil, og er forfatter, utøver og filosof – og vel så viktig er hun mor, utlending og en farget kvinne. Kjernen i hennes praksis er en rutine bestående av dans og skriving, som blant annet resulterer i det hun kaller for ’nesten-dikt’. Hennes nyeste filosofiske forskning fokuserer på flyktningers tilstander og feminismen i sydlige land. Hun er også i prosessen med å skrive en bok satt sammen av essay omhandlende morsrollen, og er deltagende i andre skrivesamarbeid. Carol har bachelor i filosofi fra UNICAMP i Brasil, master i filosofi fra Universitetet i Bergen, og teaterbakgrunn fra TEUC i Coimbra i Portugal. Carol Stampone from the inland state of Minas Gerais, Brazil, is a writer, performer and philosopher, but equally a mother, foreigner and a woman of colour. At the core of her current practice is the routine of dancing and writing, which gives birth to her almost poems. Her latest philosophical research is focused on refugeehood and feminism from the Global South. She is also working on a book of short stories about motherhood, and is part of a few collaborative writing projects. Carol has a Bachelor’s in Philosophy from UNICAMP in Brazil, a Master’s in Philosophy from University of Bergen, and theatre training from TEUC in Coimbra, Portugal.

Catherine Lamb Catherine Lamb er en amerikansk komponist som utforsker samspillet mellom tonene, summering av former og skygger, fenomenologiske utvidelser, arkitekturen i mellomrommet mellom det indre og ytre, og langstrakte introduksjonspartier. Hennes musikalske liv startet tidlig, men hun brøt med den klassiske utdannelsen, og forlot konservatoriet for å studere klassisk indisk musikk i Pune, i India. Catherine mottok sin bachelor i musikk med veile-

derne James Tenney og Michael Pisaro ved CalArts i Los Angeles. Hun startet sitt dykk ned i relasjonen mellom toner der, og har siden fortsatt med komponering, undervisning og samarbeid med en lang rekke musikere og ensembler som Ensemble neoN, London Contemporary Orchestra, Johnny Chang, Marc Sabat, Rebecca Lane og mange fler. Etter å ha fullført en master i musikk og lyd på Milton Avery School of Fine Arts på Bard College i New York, flyttet Catherine til Berlin, hvor hun har etablert seg som komponist. Hennes første orkestrale verk, Portions Transparent/Opaque, hadde sin premiere med BBC Scottish Symphony Orchestra under Tectonics-festivalen i Glasgow i 2014. Hun har vunnet en rekke priser, inkludert Ernst von Siemens komponistpris i 2020 og Grants to Artist-prisen fra Foundation of Contemporary Arts i 2018. Hun er også medgrunnlegger av det kollektivt orienterte Harmonic Space Orchestra i Berlin. Musikken og skriveriene hennes er blant annet publisert på QO2, Hubro, Black Pollen Press, Sound American, og Sacred Realism. Catherine Lamb is an American composer exploring the interaction of tone, summations of shapes and shadows, phenomenological expansions, the architecture of the liminal states in between the outside and inside, and the long introduction form. She began her musical life early, later abandoning the conservatory to study Hindustani music in Pune, India. She received her BFA under James Tenney and Michael Pisaro at CalArts in Los Angeles, where she first developed her research into the interaction of tone and continued to compose, teach, and collaborate with other musicians. After finishing her Master’s in music and sound from the Milton Avery School of Fine Arts at Bard College in New York, Catherine relocated to Berlin where she currently lives. Her first orchestral work, Portions Transparent/Opaque, was premiered by the BBC Scottish Symphony Orchestra at the 2014 Tectonics Festival in Glasgow. She has won a series of awards, including the Ernst von Siemens Composer’s prize in 2020, and the Grants to Artists award from the Foundation for Contemporary Arts in 2018. She has also co-founded the collectively oriented Harmonic Space Orchestra in Berlin. Catherine’s writings and recordings are published in QO2, Hubro Records, Black Pollen Press, Sound American, and Sacred Realism amongst others.

Pump is known for her amazing sets where she mixes kizomba, kuduro, baile funk, afrobeats, amapiano, afro house, gqom and soulful house. Her heavy beats hits right where they should and makes for an amazing dance floor.

Dora Poni J. Loro

Danishta Rivero Danishta Rivero bor i Oakland, USA og er vokalist, musiker og lydkunstner. I sine opptredener bruker hun elektronikk, cello og Hydrophonium – et vannbasert elektroakustisk perkusjonsinstrument som hun har skapt selv. Stemmen hennes har nådd alle verdens hjørner gjennom den unike og sterke tilstedeværelsen hun bringer i sine solo-opptredener. Hun opptrer også i den elektroakustiske duoen Voicehandler og i sin feministiske støy-reggaeton-duo Las Sucias. Danishta Rivero is a vocalist, musician and sound artist based in Oakland. She performs on electronics, the cello and the Hydrophonium – a water-based electro-acoustic percussion instrument that she has constructed herself. Her voice has reached all corners of the world, through solo performances with a unique and deep presence. She also performs as the electro-acoustic duo Voicehandler and her feminist noise reggaeton duo Las Sucias.

DJ Love Pump DJ Love Pump er født i Portugal av angolske foreldre, og er sterkt inspirert av svette og energiske klubbkvelder i hennes to hjemlands hovedsteder; Lisboa og Luanda. Hun er en del av klubbkonseptet Klubb Diaspora som ble startet opp i Bergen i 2018. Love Pump er kjent for å få opp stemningen med en god blanding av kizomba, kuduro, baile funk, afrobeats, amapiano, afro house, gqom og soulful house. Hun kjører seg opp på basstunge musikkstiler, som garantert fyller opp dansegulvet! Born in Portugal to Angolan parents, DJ Love Pump’s inspiration comes from hot club nights in the capitols of her two home countries; Lisboa and Luanda. She’s an integral part of the club concept Klubb Diaspora initiated in Bergen in 2018. Love

Dora Poni J. Loro er utdannet sosionom, og arbeider som barnevernskurator i barneverntjenesten for enslige mindreårige flyktninger. Hun har mastergrad i barnevern, og videreutdanning i traumebevisst omsorg, barnevernsarbeid etter avdekking av vold og overgrep, og samtaler med barn. Dora har mange års erfaring innen flerkulturelt arbeid, selvhjelpsarbeid med fattigdom og sosial ekskludering i Norge, samt erfaring innen prosjekt-koordinering, ledelse, og veiledning. Hun er sertifisert ressursperson i forebyggende arbeid mot helseskadelige praksiser som kjønnslemlestelse, æresrelatert vold og tvangsekteskap, og er kurset i Transformational Leadership for Sustainability. Dora er tobarnsmor og engasjerer seg sterkt som aktivist innen Empowerment-arbeid med kvinner og ungdom, og temaer relatert til migrasjon, sosial inkludering og samfunnsdeltakelse. Dora står støtt med kjærlighet, verdighet og styrke, og utnytter sitt fulle potensiale for seg selv, og andre. Dora Poni J. Loro is a social worker with a Master’s Degree in Child Welfare, and further studies in Trauma-Informed Care, disclosure of sexual abuse in children and young people, and conversation with children. She currently works in the Child Welfare Services for unaccompanied refugee minors in Bergen Municipality. She has many years experience in working in areas of multiculturalism, self-help, poverty and social exclusion in Norway and in coordinating and leading projects as well as councelling. Dora is a mother of two and a passionate social activist who engages herself in issues concerning empowerment of youth and women, cross-cultural parenting, migration challenges, and active participation and representation of minorities in Norwegian society. Dora stands firm in love, dignity, empowerment and full potential for herself and others.

Elina Waage Mikalsen Elina Waage Mikalsen er en multidisiplinær kunstner og musiker fra Tromsø, for tiden bosatt i Oslo. Hun arbeider med performance, tekstil, installasjon og tekst, nesten alltid koblet til lyd og lydutøvelse. Elina har sin bakgrunn i kunst og film, og ble i

2015 utnevnt til Årets unge kunstner ved den internasjonale urfolksfestivalen Riddu Ri u. Siden da har hun vært med i en rekke gruppeutstillinger og performance-programmer. Elina sitt kunstneriske arbeid er tett knyttet opp mot hennes norske og samiske tilhørighet. Møtet mellom det norske og samiske i hennes egen familie blir et bilde på maktrelasjonene som hjemsøker vårt samfunn som helhet. Dette intime blikket på samfunnet blir i hennes arbeider en plattform for å utforske temaer knyttet til identitet og utenforskap. I lydarbeidet kombinerer hun ofte stemmebruk med feltopptak, elektronikk og selvbygde instrumenter for å skape lydlige rom som legger seg et sted mellom virkelighet og fantasi. Det er lydens emosjonelle og narrative egenskapene som interesserer henne, og hvordan den kan fungere som en tidsmaskin, som får tiden til å kollapse og setter både fremtid og fortid i bevegelse. Elina Waage Mikalsen is a multidisciplinary artist and musician from Tromsø in Northern Norway, currently living in Oslo. She works with performance, textiles, installation and text, in connection to sound and sound practice. Elina has her background in art and film, and was awared the title Young Artist of the Year at the international indigenous festival Riddu Ri u in 2015. Since then she has participated in a number of group exhibitions and performance programmes. Elina’s artistic work is strongly intertwined with her Norwegian and Sami affiliations. The meeting point between these two cultures in her own family paints a picture of the power relations that haunt the society as a whole. In her work, this intimate view of society becomes a platform to explore themes related to identity and exclusion. In her sound work she often combines her voice with field recordings, electronics and self-built instruments to create sound spaces that sit somewhere between reality and fantasy. It is the emotional and narrative properties of sound that interests her, and how it can function as a time machine which causes time to collapse and sets both future and past in motion.

Elisabeth Holager Lund Elisabeth Holager Lund er fra Hamar, men bor i København, og jobber som frilans-scenograf med operaer og sceniske opptredener. Hun har en sterk intuisjon rundt det å bygge eller strukturere et rom med lyd. Hun arbeider metodisk med å finne de riktige materialene som vil overføre den riktige typen lyd, og bruker det som allerede eksisterer i

rommet som et navigerende startpunkt. Elisabeth er utdannet ved Kunstakademiets Arkitektskole i København og har jobbet som scenograf for blant annet Det Kongelige Teater, Odense Symfoniorkester, Opera Hadeland, samt det fransk-norske figur-teaterkompaniet Plexus Polaire, blant annet sammen med Guro Moe. Elisabeth Holager Lund is from Hamar, Norway but lives in Copenhagen, Denmark. She’s a freelance scenographer who has worked with various operas and scenic performances. Elisabeth has a strong intuition towards how to build or structure a room with sound. She works methodically towards searching for the right materials that will transmit the right type of sound, site-specifically utilising what already exists in the room as a navigating starting point. Elisabeth is educated in Architecture at the Royal Danish Academy in Copenhagen and has worked as scenographer for The Royal Danish Theatre, Odense Symphony Orchestra, Opera Hadeland and the French-Norwegian puppetry theatre company Plexus Polaire, together with composer Guro Moe amongst others.

Emilie Wright Emilie Wright er en kunstner og komponist fra Australia bosatt i Bergen. Deres praksis beveger seg mellom det soniske og visuelle, og utforsker historiefortelling gjennom lyd og bevegelse i rom, arkitektoniske miljøer og liveopptredener. Emilie interesserer seg for hvordan lyd former vår tilknytning til verden rundt oss, og hvordan vi oppfatter lyd når det totalt omfavner oss. Deres praksis og tankemønstre har utspring i posthumane, feministiske og skeive perspektiver, gjennom arbeid med forestillinger om offentlige, private og indre rom i forhold til kjønn, tid og kroppsliggjøring. Emilie Wright is an artist and composer Australia, living in Bergen, Norway. Their practice operates between the sonic and the visual, exploring modes of storytelling across spatial sound, movement, architectural environment, and live performance. They are interested in the capacity of sound to shape our relations to the world through psychoacoustics and the perception of sound within forms of immersive listening. Their practice and thinking stem form a posthuman, feminist, queer perspective, reflecting upon technologies, ecologies, and the construction of public, domestic and internal spaces in relation to gender, temporality and embodiment.

Ensemble neoN Ensemble neoN er en norsk samtidsmusikkgruppe som arbeider på tvers av kunstneriske former, og samarbeider med billedkunstnere og utøvere som Susanna, Phill Niblock, Alvin Lucier, Johannes Kreidler, Oren Ambarchi, Marina Rosenfeld og Jan St. Werner. neoN streber etter å lytte til en verden som er i stadig endring. Det er denne holdningen som stadig utfordrer og utvider ensemblets musikalske språk. De siste årene har Ensemble neoN markert seg både nasjonalt og internasjonalt ved å opptre på festivaler som MATA, Ultima, Molde Jazzfestival, klub katarakt og Only Connect. neoN sine utgivelser inkluderer ENSEMBLE NEON: Niblock/Lamb gitt ut på Hubro, Choosing to Sing gitt ut på SOFA, samt debutalbumet neoN på HUBRO og The Forester med Susanna Wallumrød på SONATACD, som begge ble tildelt Spellemannpris. Ensemble neoN is a Norwegian contemporary music group working across artistic forms, collaborating with visual artists and performers such as Susanna, Phill Niblock, Alvin Lucier, Johannes Kreidler, Oren Ambarchi, Marina Rosenfeld, Jan St. Werner. neoN strives to listen to a world that is constantly changing. It is this attitude that keeps challenging and expanding the ensemble’s musical language. The last years Ensemble neoN has made a mark both nationally and internationally by performing at festivals like MATA, Ultima, Molde Jazzfestival, klub katarakt and Only Connect. neoN’s releases include ENSEMBLE NEON: Niblock/ Lamb (Hubro), Choosing to Sing (SOFA), as well as the debut album neoN on HUBRO and The Forester with Susanna Wallumrød on SONATACD, both of which were awarded a Norwegian Grammy.

Espen Sommer Eide Espen Sommer Eide er komponist og kunstner bosatt i Bergen. Hans kunstneriske praksis involverer tidsbaserte medium, med musikk og lyd som sentrale elementer, og en eksperimentell tilnærming til instrumenter, arkiver, steder og språk. I tillegg til hans fokus på installasjoner og performance har han en mangeårig karriere innen eksperimentell elektronisk musikk. Denne siden av hans praksis har utspring fra technomiljøet i Tromsø på 90-tallet, der hovedprosjektene er Alog og Phonophani. Espen har en rekke utgivelser på plateselskapene Rune Grammofon, Sofa og Hubro, og verkene hans har vært utstilt og fremført på steder som Bergen Kunsthall, Bergen Assembly, Manifesta, Marres

Maastricht, Henie Onstad kunstsenter, Kode, Stedelijk Museum, Sami Center for Contemporary Art og GRM Paris. Prosjektet Alog sitt album Miniatures ble tildelt Spellemannpris i 2006. Espen Sommer Eide is a composer and artist based in Bergen, Norway. His artistic practice involves time-based media with a special focus on music and sound. This is further characterised by an experimental approach to instruments, archives, places and languages. In addition to installation and performances Espen is also a representative of experimental electronic music from Norway. Growing out of the techno scene in Tromsø in the 90s, his main projects are Alog and Phonophani. He’s released several albums on the labels Rune Grammofon, Sofa and Hubro and his work has been exhibited and performed in places like Bergen Kunsthall, Bergen Assembly, Manifesta, Marres, Henie Onstad Art Center, Stedelijk Museum, Sami Center for Contemporary Art, Mutek festival and Museo Reina Sofia. In 2006 Espen’s project Alog received a Norwegian Grammy for the album Minatures.

Federico Urdaneta Federico Urdaneta er en colombiansk filmregissør bosatt i Storbritannia. Han arbeider med fiksjonsog dokumentarfilm, reklame og musikkvideoer. Han har vunnet flere priser for sine filmer, blant annet for hans dokumentarfilm Hunter (2009), som var finalist i konkurransen Encounters with Herzog. Federico er den ene halvdelen av filmselskapet MIEL, sammen med Denise Moreno. Federico Urdaneta is a Colombian film director who currently lives and works in the UK. He does films, commercials, documentaries and music videos. Some of his work has won awards, among them his short documentary Hunter (2009) which was finalist in the Encounters with Herzog competition. Federico is also one half of the film company MIEL alongside Denise Moreno.

FEN (Far East Network) FEN (Far East Network) er et musikalsk improprosjekt satt sammen av en gruppe med musikere fra ulike deler av Sørøst-Asia. Kvartetten består av Otomo Yoshihide fra Japan, Ryu Hankil fra Korea, Yan Jun fra Kina og Yuen Chee Wai fra Singapore. FEN ble startet opp av musiker Otomo Yoshihide, og gruppen gjorde sin debut i 2008 på MIMI-festivalen i Marseilles, Frankrike. Siden den gang har

FEN gjennomført store mengder konserter over hele Europa og Asia. Alle medlemmene er artister som har individuelle karrierer innen den eksperimentelle musikkscenen i sine respektive land. FEN har som metode å ’opptre sammen gjennom improvisasjon’ og resultatet blir en slags ’musikk uten en slutt’. Samtidig som at FEN er en improvisatorisk musikk-gruppe arbeider de målrettet med idé og konsept med håp om å opprettholde en unik estetikk og bærekraftige relasjoner mellom de ulike asiatiske kulturene. Prosjektene deres utforsker estetiske grenser gjennom nye former av musikk, som ofte skiller seg ut i den vestlige verden. Målet til FEN er å bli en institusjon som organiserer mangfoldige møter for å støtte bærekraftige nettverk og kulturelle utvekslinger sammen med andre eksperimentelle musikere og artister i Asia. FEN ønsker å arbeide med musikere og kunstnere innenfor ulike disipliner, være det tradisjonelle eller kontemporære, fra hele det asiatiske kontintent. FEN (Far East Network) is an improvised music project group made up of musicians from different parts of Asia. The quartet comprises Otomo Yoshihide (Japan), Ryu Hankil (Korea), Yan Jun (China) and Yuen Chee Wai (Singapore). FEN was started by globally renowned musician Otomo Yoshihide and it made its debut 2008 at MIMI Festival in Marseilles, France. Following its debut, FEN has performed extensively throughout Europe and all across Asia. Each member is an artist who works individually in the experimental music scene in his respective country. FEN pursues ‘performing together by improvisation’ as a method and ‘music without ends’ as an outcome. While FEN is an improvisational music group it is at the same time an idea or concept which hopes to maintain unique aesthetics and sustainable relationships in diverse Asian cultures. FEN’s activities explore aesthetic possibilities in new forms of music which are different from the Western world. FEN’s goals are to become a foundation and to organise diverse meetings to support other sustainable networks and cultural exchanges among many other experimental musicians and artists in and throughout Asia. FEN further hopes to work with musicians and artists of other disciplines, traditional and contemporary, from all across Asia.

Guro Skumsnes Moe Guro Skumsnes Moe fra Hedemark er en kontrabassist, komponist og sanger som arbeider innenfor sjangrene rock, jazz, improvisasjons- og støymusikk. Guro sin produksjon inkluderer utgivelser av over 20 album og turnéer verden over med hennes rockeband MoE. Hun styrer også plateselskapet Conrad Sounds, har gitt ut flere diktsamlinger og en fanzine, Stundtrock #3 med MARHAUG FORLAG. Hun spiller på mange ulike typer bass, blant annet den gigantiske oktobassen, og har en naturlig drivkraft for å sprenge grensene innenfor improvisasjon, og hvordan hun kan uttrykke sitt indre. Guro Skumsnes Moe from Hedemark, Norway is a bass player, composer and singer who works within the genres of rock, jazz, improv and noise music. Her production includes more than 20 albums and world wide touring with her rock band MoE. Guro also runs the label Conrad Sound, has released several collections of poems and released a fanzine, Stuntrock #3 on MARHAUG FORLAG. She plays on many different types of bass, including the gigantic octobass, and has a natural drive towards pushing borders of improvisation and self expression.

Halldis Rønning Halldis Rønning er en dirigent og fiolinist fra Bergen. Hun har dirigert utallige verdenspremierer og samtidssverk på konserter og festivaler i Europa og Skandinavia. Hun mottok sin første dirigentpris allerede som 18-åring, og har senere dirigert for alle symfoniorkestrene i Norge, men også for orkestre og ensembler i Sverige, Nederland og Vietnam. I senere år har Halldis gradvis bevegd seg over i et mer kreativt felt, ved å utforske improvisasjon med orkester, komponering og tverrkunstnerlige kunstprosjekter med samarbeid i fokus. Nå ligger hennes interesse i å utvide dirigentens bevegelser mot en

mer performativ rolle, ved å bruke intuisjonen og sansene, som sterkere relaterer til andre kunstformer. Halldis Rønning from Bergen, Norway is a conductor and violinist. She has conducted countless world premieres and contemporary pieces in concerts and festivals in Europe and Scandinavia. She received her first prize for her conducting skills already at the age of 18, and has later conducted for all of Norway’s symphony orchestras, but also orchestras and ensembles in Sweden, the Netherlands and Vietnam. In recent years Halldis has gradually moved towards a more creative platform, exploring improvisation with orchestras, composition and collaborative art projects across disciplines. Following intuition and sensations, she is interested in expanding the conductor’s movements into a more performative role in stronger relation to other art forms.

Henriette Sophie Vik Skaten Henriette Sophie Vik Skaten fra Bergen er personlig trener, gruppeinstruktør og ernæringsfysiolog. Hun har en sterk lidenskap for de positive helseeffektene som trening, bevegelse og kosthold gir for kroppens fysiske og mentale helse. I tillegg til å ha en bachelor i ernæring med sportsernæring som hovedfag, har Henriette over de siste fem årene jobbet som gruppeinstruktør på treningssentre, som funksjonell fitness coach i Australia, og hjulpet mange individer med å oppnå sine helsemål gjennom coaching i form av trening og kostholdsveiledning. Henriette Sophie Vik Skaten from Bergen is a personal trainer, group instructor and nutritionist. She is very passionate about the positive impacts that exercise, movement and diet can bring to the body’s physical and mental health. Henriette holds a Bachelor in Nutrition, with a specialisation in Sports Nutrition, and has over the last five years worked as a group instructor in gyms, functional fitness coach in Australia, and has helped many individuals reach their health goals through coaching in the form of exercise and dietary guiding.

Henrik Munkeby Nørstebø Henrik Munkeby Nørstebø jobber som utøvende trombonist og lydkunstner, og komponerer musikk med utgangspunkt i kraftig forsterkning av brassinstrumentet, ispedd eksterne lydkilder som halvklarinett og diverse støygeneratorer. Den primitive messingkonstruksjonen fortsetter å være en kilde

til både fortvilelse og kjærlighet, og han bruker bortvelgelse av materiale som metode i en pågående fysisk og psykisk prosess hvor hans tålmodige og forskende halvdel kræsjer med den selvransakende og rastløse. Han har fokusert på improvisasjonsbasert musikk siden 2005, og spilt konserter i Europa, Nord- og Sør Amerika, Asia og Oseania. Henrik er basert i Berlin og Trondheim, hvor han blant annet jobber med Audrey Chen i duoen Beam splitter, JD Zazie, samtidsmusikkensemblet Aksiom og frijazzpopbandet Skadedyr. Henrik Munkeby Nørstebø is a musician and sound artist focusing on trombone performance, as well as compositional projects utilizing heavy amplification of the brass instrument alongside external sound sources like half-clarinet and various noise generators. The primitive brass construction continues to be a source of both love and despair, and Nørstebø is utilizing active deselection as a method in a continuous physical and mental process where his patient and researching half keeps crashing with his restless and critical side. He’s been focusing on various improvisational musical projects since 2005, and played concerts in Europe, North- and South America, Asia and Oceania. Henrik is based in Berlin and Trondheim, where he amongst others works with Audrey Chen in the duo Beam splitter, JD Zazie, new music ensemble Aksiom and the free jazz & pop band Skadedyr.

Jacob Felix Heule Jacob Felix Heule bor i Oakland i USA og er en lydingeniør og improviserende perkusjonist. Musikken hans er formet av intuisjon og lytting, med en spesiell interesse for friksjonsmetoder. Han omfavner begrensninger – for eksempel ved å kun ta i bruk en enkelt tromme eller cymbal – som en forpliktelse til å utforske dybden av instrumentene, og til å tvinge instrumentets logikk til å finne et nytt lydrom. Jacob samarbeider ofte, med blant annet Danishta Rivero og Guro Moe. Han organiserer også de månedlige improvisasjonsworkshopene Doors That Only Open in Silence i Oakland, California. Jacob Felix Heule is based in Oakland, California, and is an audio engineer and improvising percussionist with a special interest in friction techniques. His music is shaped by intuition and listening. He embraces limited instrumentation – like a single drum and a single cymbal – as a commitment to exploring the depth of his instruments, and to force the instruments’ logic to access a state of sound not

yet explored. Jacob frequently collaborates, with Danishta Rivero and Guro Moe amongst others. He also organises the monthly improvisation workshop, Doors That Only Open in Silence in Oakland, California.

Jenny Berger Myhre Jenny Berger Myhre er en multidisiplinær kunstner som fra sin base i Oslo arbeider med lyd, video, performance og fotografi. Musikken hennes består ofte av feltopptak, melodifragmenter, datagenererte sekvenser, modulære synther og lo-fi elektronikk. Dette resulterer i lydlandskaper med referanse til både den elektroakustiske tradisjonen, så vel som eksperimentell popmusikk. Jenny er interessert i personlige fortellinger, hukommelse og hverdagen. Hennes arbeid sirkler rundt arkiver, intimitet, minner, (u)virkelighet og re-kontekstualisering. Siden debutalbumet Lint ble sluppet i 2017, har hun også arbeidet med musiker og forfatter Jenny Hval, og var med på å lage og turnere med forestillingen The Practice of Love i 2019. De siste årene har Jenny laget flere bestillingsverk for radio og offentlige rom, og i 2022 gir hun ut sitt andre album Here Is Always Somewhere Else på Breton Cassette. Jenny Berger Myhre is a multidisciplinary artist working with sound, video, performance and photography, based in Oslo, Norway. Her music is created from field recordings, fragments of melodies, computer generated sequences, modular synths and lo-fi electronics – resulting in soundscapes with references to both the electro-acoustic tradition as well as experimental pop music. Coming from a DIY background, Jenny’s approach to music making is versatile and curious, with an apparent love for the quirky and unpolished. She is interested in personal stories, memories and everyday life. Her work revolves around archives, intimacy, reality and re-contextualisation. Since the release of her debut album Lint in 2017 she has also been working with musician and novelist Jenny Hval, contributing to, and touring with the performance The Practice of Love in 2019. For the past years, Jenny has made several commissions for public spaces and radio, and in 2022 she is releasing her second album Here Is Always Somewhere Else on Breton Cassette.

Jochem vanden Ecker Jochem vanden Ecker er fotograf og kunstner bosatt i Antwerp i Belgia. Han har studert fotografi ved akademiet for media og design i Genk. Arbeidet hans er prosessorientert, og han jobber dokumentarisk, ofte i dialog med andre kunstnere, arkitektur og situasjoner. Vandrelyst og det nomadiske er ofte sentrale konsepter i arbeidet hans. Jochem har publisert en rekke kunstbøker, blant annet A Skydog’s Time. A Skydog’s Place (2015) og From Brown to Blue (2013). Jochem vanden Ecker studied photography at the Media and Design Academy in Genk and has lived in Antwerp in Belgium for the last few years. Jochem’s work is processoriented, with a hybrid documentary method often in dialogue with other artists, architectures and situations. Wanderlust and nomadism are key concepts for him. Jochem has released a string of artist’s books such as A Skydog’s Time. A Skydog’s Place (2015) and From Brown to Blue (2013).

John McCowen John McCowen er en komponist og klarinettist fra Illinois i USA. Arbeidet hans fokuserer på å utvide de musikalske mulighetene til kontrabassklarinetten, og andre instrumenter. Musikken hans er blitt beskrevet av The New Yorker som ”den soniske ekvivalenten til å se på liv gjennom et mikroskop”. John sin fremgangsmåte går ut på å fremkalle flere toner i ett instrument samtidig, og preges av dronelyder, pulserende overtoner og differenstoner som oppstår gjennom denne teknikken. På denne måten skviser han ut det kompositoriske potensialet til én enkelt akustisk lydkilde. John er dedikert til den akustiske verdenen, og holder seg stort sett langt unna forsterkere og elektroniske lyder. For tiden bor han i Reykjavik på Island, hvor han er lærer i improvisasjon på Iceland University of the Arts. John McCowen is a composer and clarinettist focused on extending the possibilities of the contrabass clarinet and other instruments. His work has been described by The New Yorker as “the sonic equivalent of microscopic life viewed on a slide”. John’s multiphonic approach embraces drones, difference tones, and beating harmonics as a means to squeeze out the compositional potential within a single, acoustic sound source. John remains stubbornly dedicated to acoustic phenomena. His works do not utilise amplifier feedback or electronically

generated sounds unless specified. He currently resides in Reykjavik in Iceland where he teaches improvisation at the Iceland University of the Arts.

Julie Desprairies Julie Desprairies er en anerkjent fransk koreograf og arkitekt som bor i Paris og arbeider med sitt dansekompani i Lyon. Julie skaper kontekstuelle deltagende koreografiske prosjekter for arkitektoniske strukturer. Gjennom nøye studering av stedet og arkitektens intensjoner får hun danserne til å utforske stedets egenskaper med kroppen, og ofte er personer som bruker stedet en aktiv del av verket. Verkene hennes kommer i ulike størrelser, og kan være skapt for en bygning, et nabolag, en by eller et landskap. Resultatet kan komme i mange former, fra performance og forestillinger, utstillinger, radio og film. Julie har for eksempel laget en film i La Villeneuve de Grenoble i Frankrike hvor 80 skolebarn, innbyggere, butikkeiere og besøkende av nabolaget var de som danset. For Julie handler det om å gjøre den naturlige bevegelsen av et sted synlig. Julie er professor ved Arkitekstskolen i Paris/Malaquais. Hun har også utgitt to bøker om koreografi og dans. Julie Desprairies is a renowned French choreographer and architect who lives in Paris and works with her company in Lyon. Julie creates participatory choreographic projects for architectural structures. Based on a detailed study of the site and the architect’s intentions, she makes the dancers explore the properties of the space with their bodies – often including users and inhabitants of the spaces. Her creations are of varying scales and can be for a building, a neighbourhood, a city or a landscape. These creations take different forms, from performances and shows, to films and exhibitions, as well as radio broadcasts. Julie has for instance made a film in La Villeneuve de Grenoble, where 80 school children, residents, shopkeepers and people who visit the neighbourhood were the performers. She has also made a play, Paris à l’infini (la danse), for 200 municipal employees in Paris that was shown all night at the Nuit Blanche festival. To Julie it is a question of making the movement of places visible. Julie is a professor at the Paris-Malaquais School of Architecture. She is also the author of two books on choreography and dance.

Kari Rønnekleiv Kari Rønnekleiv er en norsk fiolinist og multiinstrumentalist, med utdanning fra Trøndelag Musikkonservatorium og Royal College of Music i London. Nå arbeider Kari som frilansmusiker med solo-prosjekter som tar henne rundt i Europa. Hun spiller blant annet med Bodø Sinfonietta og Trondheim Symfoniorkester. Hun har også vært med å starte opp kammerorkesteret Trondheimsolistene. I tillegg er hun del av improvisasjons-duoen Sheriffs of Nothingness sammen med Ole Henrik Moe, som har vunnet Spellemannprisen i kategorien samtidsmusikk, og Nordisk Råds Musikkpris. Kari har et brennende hjerte for en mer ikke-hierarkisk struktur i det klassiske musikkfeltet, og i samfunnet som helhet. Dette kanaliserer hun ofte i musikken gjennom å utforske mer åpne skalaer for å skape en mer åpen helhet basert på hver musikers individuelle lyd. Kari Rønnekleiv is a Norwegian violinist and multi-instrumentalist with an education from The Music Conservatory in Trøndelag and from Royal College of Music in London. Kari is now working as a freelance musician with solo projects which take her around Europe, and plays in the Norwegian orchestras Bodø Sinfonietta and Trondheim Symphony Orchestra. She is also a co-initiator of the chamber orchestra Trondheimsolistene. She is one half of the improvisation duo Sheriffs of Nothingness together with Ole Henrik Moe, who won the Norwegian Grammy in 2017 and the Nordic Council Music Prize. Kari has a burning heart towards a more non-hierarchical structure of classical music and towards society as a whole, which is channelled in her music through exploring an open scale to create a more alive togetherness based on each performers individual sound.

Karoline Wallace Karoline Wallace er sanger, improvisatør og komponist, og er fra Stabekk. Hun har gitt ut musikk med sine prosjekter Stiklinger, Lang vinter og Molecules & Erlend Skomsvoll. I tillegg har hun skrevet for blant annet strykekvartett, storband, blåseorkester og kor. Musikken hennes er å finne i sjiktet mellom jazz, norsk folkemusikk og samtidsmusikk, og hun er alltid på søken etter det kilende og røskende. Hun har en master i komposisjon og utøvende musikk fra Rytmisk Musikonservatorie i København, og en bachelor fra jazzlinjen på Griegakademiet.

Hun har bodd i Berlin, Bergen, Stockholm, Gøteborg, København og nå Oslo. Prosjektene hennes består ofte av mange mennesker og det er fordi hun komponerer ved å inspireres av instrumentet eller personen hun skriver for, og alle mulighetene som finnes i dem. Karoline deltar i Borealis Ung Komponist 2021/2022.

Kathrine Bauck Kathrine Bauck er en bergensk komponist med bakgrunn fra design, grafikk og håndverk. Hun har en søkende, håndverksmessig tilnærming til komposisjon, og tenker ofte tverrkunstnerisk i sitt arbeid. Kathrine henter inspirasjon fra hendelser, språk, filosofi, fenomener, fysikk og naturlover, og musikken hennes gjenspeiler ofte undring. Kathrine er styremedlem i konsertserien Avgarde. Kathrine Bauck is a composer from Bergen, Norway, with a background in design, graphics and crafts. She often thinks cross-disciplinary in her approach to compositions, exploring and bringing in her experiences with craftsmanship. Kathrine finds inspiration in situations, language, philosophy, phenomenons, physics and laws of nature, and the amusement and wonder surrounding these topics are often mirrored in her music. Kathrine is a member of the board in the concert series Avgarde.

Foto: Camille Blake

Karoline Wallace is a singer, improviser and composer from Stabekk, Norway. She has released music with her projects Stiklinger, Lang vinter and Molecules & Erlend Skomsvoll. She has also written for string quartet, big bands, wind orchestras and choirs. Her music and singing is inspired by Norwegian folk music, jazz and contemporary classical music, and she is always seeking sounds that tickle and shake. She has a masters degree in composition and performance from the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen and a bachelor from the jazz department at the Grieg Academy in Bergen. She has lived in Berlin, Bergen, Stockholm, Gothenburg, Copenhagen, and now Oslo. She gets her main compositional inspiration from the instrument or person she is writing for and all the possibilities that lies within them, her projects therefore often involve many musicians. Karoline participates in Borealis Ung Komponist 2021/2022.

Khyam Allami Khyam Allami er en irakisk og britisk multi-instrumentalist, komponist og forsker, og grunnlegger av plateselskapet Nawa Recordings. Hans kunstneriske virke dreier seg rundt en eksperimentell praksis som bygger på fundamentene i arabisk musikk, med et spesielt fokus på stemming. Khyam begynte først å spille oud i tyve-årene, men fikk til tross for dette raskt et internasjonalt renomé. Hans debutalbum fra 2011 Resonance/Dissonance mottok strålende kritikker, og førte til spillejobber både i Europa, og i den arabiske verden. Khyam har en bachelor- og mastergrad i etnomusikologi fra SOAS University of London, og fullfører for tiden en doktorgrad i komposisjon ved Royal Birmingham Conservatoire. Khyam Allami is an Iraqi-British multi-instrumentalist musician, composer, researcher and founder of Nawa Recordings. His artistic work revolves around a contemporary and experimental practice built on the fundamentals of Arabic music, with a focus on tuning. Despite only taking up the Oud – his principal instrument – in his twenties, Allami rapidly became a performer of international renown. His remarkably assured 2011 debut solo album Resonance/Dissonance was widely critically praised and led him to high profile performances across Europe and the Arab world including the BBC Proms (UK), WOMAD (UK) and Supersonic. He holds a BA and Masters in Ethnomusicology from SOAS, University of London and is currently completing an M4C/AHRC funded PhD in composition at the Royal Birmingham Conservatoire in the UK.

Kristine Tjøgersen Kristine Tjøgersen er en klarinettist og komponist fra Oslo. Med en spesiell interesse i samspillet mellom lyd og bilde, og hvordan de påvirker hverandre,

har hennes dristige komposisjoner satt henne i en særklasse på det kontemporære musikkfeltet. Hun komponerer med nysgjerrighet, fantasi, humor og presisjon, og skaper overraskende og absurde situasjoner med lyd som leker med tradisjon, og ofte etterlater en veldig konkret følelse av rart. Arbeidet hennes skaper rom for å se verden som kompleks, levende, og alltid i endring men uten å lede mot et avsluttende klimaks. Kristine har vunnet mange priser for sine komposisjoner, og verkene hennes har blitt fremført over store deler av Europa. Som klarinettist har hun fremført på mange anerkjente musikkfestivaler i Europa, sammen med prisvinnende ensembler som Ensemble neoN, Tøyen Fil og Klafferi, og asamisimasa. Kristine Tjøgersen from Oslo, Norway is a clarinettist and composer. She stands out on the contemporary music scene as a bold composer, taking special interest in the interplay between the visual and the auditory and how they affect each other. Her compositional practice is characterised by curiosity, imagination, humour and precision. Through her work she creates unexpected and absurd auditory situations through playing with tradition, often resulting in a particular strangeness. Her work opens up perceptions of the world as complex, alive, and ever changing and not heading towards a final climax. Kristine has won multiple prizes for her composition and her works have been performed over large parts of Europe. As clarinettist she has performed at many of the major European new music festivals with the award winning ensembles Ensemble neoN, Tøyen Fil og Klafferi and asamisimasa.

Lasse Marhaug Lasse Marhaug har siden begynnelsen av 1990-tallet vært en av de mest produktive artistene i den norske støy-/eksperimentelle musikkscenen. Som utøver og komponist har han bidratt til godt over 300 CD-, vinyl- og kassettutgivelser gjennom årene, i tillegg til omfattende turnéer og opptredener live i alle verdensdeler. I tillegg til soloarbeidet sitt, har Lasse samarbeidet med mange artister innen støy, eksperimentell, improvisasjon, jazz, ekstrem metal og samtidsmusikk, samt jobbet med musikk og lyd for teater, dans, installasjoner, kino og video. Han har også vært aktiv som arrangør, promotør, produsent, fotograf, grafisk designer, billedkunstner, og i 2019 debuterte han også som filmregissør. De siste årene har han begynt å komponere musikk for ensembler og solomusikere. Lasse bor for tiden på Sortland, Nord -Norge.

Lasse Marhaug has since the early 1990s been one of the most prolific artists in the Norwegian noise/ experimental music scene. As a performer and composer he has contributed to well over 300 CD, vinyl and cassette releases over the years, as well as extensive touring and performing live on all continents of the world. In addition to his solo work, Lasse has collaborated with many artists in the fields of noise, experimental, improv, jazz, extreme metal and contemporary music, as well as working with music and sound for theatre, dance, installations, cinema and video. He has also been active as an organizer, promoter, producer, photographer, graphic designer, visual artist, and in 2019 he also debuted as a film director. In recent years, he’s started composing music for ensembles and solo musicians. Lasse currently lives in Sortland, northern Norway.

Laura Marie Rueslåtten Laura Marie Rueslåtten er en av veldig få klokkenister i Norge – altså en musiker som trakterer klokkespill. Hun arbeider som klokkenist for Rådhuset i Oslo hvor hun også setter sammen programmet, og for Uranienborg Kirke, i tillegg til at hun ofte fremfører under spesielle omstendigheter som statsbesøk og Nobelpris-seremonien. Hun spesialiserer seg i kontemporær musikk og tar ofte del i kryss-disiplinære prosjekter, for eksempel samarbeidet med Kristin Ryg Helgebostad som blant annet har resultert i prosjektet Me Too i 2015, og som ble nominert til Kritikerprisen. Laura er også del av kammerorkesteret The Touchables, spiller i håndklokkekvartetten Markusklokker, og spiller i håndklokkebandet Ula Metall. Laura Marie Rueslåtten is one of very few carillonists in Norway. She is a carillonist in Oslo City Hall where she also programmes the repertoire, and for Uranienborg Church, as well as performing on special occasions like state visits and the Nobel Prize Ceremony. She is also part of the chamber orchestra The Touchables, plays in the hand bell quartet Markusklokker and in the hand bell cover band Ula Metall. Laura specialises in contemporary music and is frequently involved in cross-over projects, for instance in the long term collaboration with Kristin Ryg Helgebostad, that culminted in the project Me Too in 2015 which was nominated for the Norwegian Music Critics Awards.

M.O. Abbott M.O. Abbott bor i Berlin og er en komponist og trombonist. M.O. sitt kreative fokus ligger i data-assisterte algoritmiske komposisjoner, mikrotonalitet og ’just intonation’. Han brenner sterkt for kunstnerisk forskning, og er interessert i oppfatninger og presisjon, stamina, det konsekvente, det ikke-narrative og det ikke-politiske. M.O. har en bachelor i musikkteori fra Eastman School of Music, og en master i komponering fra Universitetet i Illinois i Urbana-Champaign, i USA. M.O. Abbott is a Berlin-based composer & trombonist. His creative foci include computer-assisted algorithmic composition, microtonality, and just intonation. He is an ardent supporter of artistic research and inquiry, and he is interested in perception, precision, stamina, consistency, the non-narrative, and the apolitical. M.O. holds a Bachelor in Music Theory from Eastman School of Music and a Master in Music Composition from the University of Illinois at Urbana-Champaign in the US.

Maja Nilsen Maja Nilsen bor og arbeider i Oslo som billedkunstner, scenograf og kostymedesigner. Hun arbeider hovedsakelig med collage, cut-outs, skulptur og stedsspesifikke prosjekter. I sitt arbeid er Maja interessert i hvordan folk har levd sine liv og hvordan vi i løpet av historien har prøvd å forstå verden rundt oss. Hvordan vi søker forklaringer på komplekse spørsmål og fenomener gjennom blant annet vitenskap, mytologi, religion og folketro. Hennes kunstprosjekter befinner seg ofte i grenselandet mellom fiksjon og fakta, og hvor korrespondansen mellom mikro og makro utgjør et viktig element – hvor de store og små fortellingene møtes i spennet mellom selvbiografiske referansepunkter og poetisk drømmeverdener. De ti siste årene har hun etablert seg innenfor scenekunstfeltet hvor hun hovedsakelig har jobbet med teater ved blant annet Trøndelag Teater, Nationaltheatret, Det Norske Teatre og Schauspielhaus Wien. Hun har også ferdigstilt flere utsmykninger, blitt innkjøpt av offentlige instanser og deltatt på utstillinger i inn- og utland. Maja Nilsen lives and works in Oslo, Norway and is a visual artist, set designer and costume designer. She works mainly with collage, cut-outs, sculpture and site-specific projects, and has completed several decorations, been purchased by public institutions, and participated in exhibitions in Norway

and abroad. In her work, Maja is interested in how people have lived their lives and how we throughout history have tried to understand the world around us. How we seek explanations for complex questions and phenomena through science, mythology, religion and folk beliefs. Her art projects often live on the border between fiction and fact, where the correspondence between micro and macro is an important element, and where the large and small narratives meet in the span between autobiographical reference points and poetic dream worlds. During the last ten years Maja has established herself in the field of performing arts, where she has mainly worked with theater in institutions such as Trøndelag Theater, The National Theater, the Norwegian Theater and the Schauspielhaus Vienna.

Makda Embaie Makda Embaie er poet og kunstner, og fokuserer på språk i relasjon til nasjonalstater og individet. Gjennom skildringer, aktiveringer og utøvinger av sin egne spesifikke opplevelse av språk, fremkaller hun komponenter i språket som relaterer til sted, tid og den individuelle kroppen, og som kompliserer nasjonalstatens ellers veldig lineære måte å beskrive folk og språk på. Gjennom installasjon, lyd, tekst, film og fotografi skifter Makda fokuset fra nasjonalstatens narrativ til en mer spesifikk opplevelse av språk. Spørsmålet hun stiller er hvordan språket ville sett ut hvis det heller var her utviklingen hadde startet. Makda er utdannet ved Konstfack i Stockholm, Biskop Arnos forfatterskole i Bålstad, og i postmasterkurset Decolonizing Architecture ved den Kongelige kunsthøgskolen i Stockholm. Makda uteksamineres med en master i kunst fra Kunsthøgskolen i Oslo i 2022. Makda Embaie is a poet and artist who focuses on languages in relation to the nation-state and the individual. Through portrayals, activations, and practicing of her own specific experiences of language she has revealed linguistic components that have to do with space, time and the specific body, which complicates the nation-state’s otherwise linear way of describing people and languages. Through installation, sound, text, film and photography, Makda shifts the focus from the nation-state’s narrative towards specific experiences of language, in order to dive into the question of what language would be if this is where it arose from. Makda is educated at Konstfack in Stockholm, Biskop Arnö’s author school and at the Royal Institute of Art Post-Master course, Decolonizing Architecture. She will graduate with an MA in Fine Art from Kunsthøyskolen i Oslo in 2022.

Mari Kvien Brunvoll Mari Kvien Brunvoll er en av norges største improvisatorer innen sang og en rekke uvanlige instrumenter. Hun har utdanningen sin fra Griegakademiet i Bergen, og har opptrådt på noen av Europas beste jazzklubber og festivaler. Mari har også sluppet noen unike albumer under plateselskap som Jazzland Recordings og Hubro. I tillegg er hun medlem i trioen Building Instrument. Mari Kvien Brunvoll is one of Norway’s leading improvisers in song and various eclectic instruments. A graduate of Grieg Academy in Bergen, Brunvoll has performed solo and in groups at some of Europe’s best jazz clubs and festivals and released twisted albums on labels like Jazzland Recordings and Hubro. Mari Kvien Brunvoll is also part of the trio Building Instrument.

egy, and alternative infrastructure development. His aesthetics and activism are centered in social change interventions and generate new local and global ecologies that embrace improvisation as a collective, movement-building tool in the creation of post-capitalist imaginaries. Marshall’s work also uses political aesthetic theory, data creation, mapping, and collective music-and-art making in order to step out of the domain of traditional cultural institutions, relocating the act of co-production back in the community. Marshall is Borealis’ Artist in Residence 2020–2022 and at the Contemporary Jewish Museum in San Fransisco. Through an extensive career Marshall has collaborated with a numerous amount of musicians including Raven Chacon, Ingebrigt Håker Flaten, Dohee Lee, Lisa Harris and David Murray. His latest release is White People Killed Them – a collaboration between himself, Raven Chacon and Deerhof guitarist, John Dietrich released on SIGE Records June 2021.

Marshall Trammell

Martín Escalante

Marshall Trammell er en eksperimentell arkivar, perkusjonist, komponist, dirigent og sosial aktivist bosatt i Oakland, California, også kjent for sin politiske og kunstneriske plattform for utdanning; Music Research Strategies. Hans estetikk og aktivisme er sentrert rundt tiltak for sosial endring. Marshall ønsker å produsere nye lokale og globale systemer for reell samfunnsendring, samt verktøy for å kunne forestille seg en post-kapitalistisk verden. Han bruker også politisk-estetisk teori, innsamling av data, kartlegging og kollektiv musikk- og kunstskaping for å ta tilbake skaperviljen i samfunnet, og ta den bort fra de tradisjonelle kulturinstitusjonene. Fremførelsene hans på trommesettet er ofte en musikalsk tolkning av menneskers refleksjon rundt eget liv, eller samfunnet de lever i. Marshall er Borealis sin gjestekunstner i perioden 2020–2022, og gjennomfører også et gjestekunstneropphold ved Contemporary Jewish Musuem i San Fransisco. Gjennom en omfattende karriere har Marshall samarbeidet med en rekke musikere, blant annet Raven Chacon, Ingebrigt Håker Flaten, Dohee Lee, Lisa Harris og David Murray. Den nyeste utgivelsen hans er White People Killed Them – et samarbeid mellom ham selv, Raven Chacon og gitaristen i Deerhof, John Dietrich – som kom ut på SIGE Records i juni 2021.

Martín Escalante er en fotograf, filmskaper og musiker fra Mexico. Hovedinstrumentet hans er en altsaksofonen som han modifiserer for å kunne produsere et vidt spenn av lyder, multi-fonikk og stemme-forlengelser. Martín eier plateselskapet Sploosh Records, hvor han utgir solo-arbeider men også samarbeidsprosjekter med andre artister fra Mexico, USA, Chile, Norge og Peru. Han har også bidratt på mange ulike plan i broren, den anerkjente filmregisssøren Amat Escalante, sine filmer. Den siste filmen han jobbet med var La Región Salvaje der han overvåket filmens lydspor, som var komponert av Guro Moe og Lasse Marhaug, og som senere ble gitt ut på hans eget label Sploosh Records.

Marshall Trammell is an experimental archivist, percussionist, conductor, and composer living in Oakland, California, also known for his Music Research Strategies – a performing-political education for embodied social justice vernacular, organizational strat-

Martín Escalante is a photographer, filmmaker and musician who grew up in Guanajuato, Mexico. His main instrument is the alto saxophone which he has slightly modified in order to produce a wide variety of noises, multi-phonics and voice extensions. He owns the record label Sploosh Records where he releases his solo work and collaborations as well as that of other artists from Mexico, USA, Chile, Norway and Perú. He has also contributed on many levels to the films of his brother, the renowned Mexican film director and writer Amat Escalante. On the most recent film La Región Salvaje Martín supervised the soundtrack, which was composed by Guro Moe and Lasse Marhaug, later released on his own label Sploosh Records.

Foto: Leikny Havik Skjærseth

Martin Taxt Tubaist og komponist Martin Taxt fra Trondheim har sin utdanning fra Norges Musikkhøgskole og CNSMDP i Paris. Hans solo debut First Room kom ut på Sofa Music i 2020. Han er for tiden aktiv i ensemblene Microtub og Muddersten samt i det prisvinnende kunstkollektivet Verdensteatret. Siden 2010 har han også drevet det norske plateselskapet Sofa Music. Tuba player and composer Martin Taxt from Trondheim, Norway has his education from the Norwegian Academy of Music and CNSMDP in Paris. His solo debut First Room was released on Sofa Music in 2020. He is currently active in the ensembles Microtub and Muddersten as well as in the award-winning art collective Verdensteatret. Since 2010, he has also run the Norwegian record company Sofa Music.

Microtub Microtub er verdens første mikrotonale tubatrio. Ensemblet kom sammen i 2010 og består av Robin Hayward, Peder Simonsen og Martin Taxt. Kjernen i ensemblets virke er en interesse for tid, rom og frekvenser. Musikken kan beskrives som ettertenksom, omsluttende og meditativ, med flere dimensjoner av lyd å oppdage for den interesserte lytter. De mikrotonale tubaene ensemblet spiller på er utviklet av Robin Hayward i samarbeid med den anerkjente instrumentmakeren B&S. Med disse tubaene utforsker Microtub mulighetene som finnes med det mikrotonale stemmesystemet kjent som ’Just Intonation’. Microtub har utgitt fem album og fremført musikken sin ved festivaler som Sonic Acts i Amsterdam, Ultima i Oslo, Festival Densites i Frankrike og FIMAV i Canada.

Microtub is the world’s first microtonal tuba ensemble. The trio was formed in 2010 and consists of Robin Hayward, Peder Simonsen and Martin Taxt. At the heart of their practice is an interest in time, space and frequencies. The music can be described as pensive, surrounding and meditative, with multiple dimensions of sound for the attentive listener to discover. They play on microtonal tubas developed by one of the members, Robin Hayward, in collaboration with the German instrument manufacturer B&S, through which they explore the possibilities that lie in the microtonal tuning system known as Just Intonation. Microtub has released five albums, and has presented their music at festivals such as Sonic Acts in Amsterdam, Ultima in Oslo, Festival Densites in France and FIMAV in Canada.

Mirsaeed Hosseiny Panah Mirsaeed Hosseiny Panah er komponist og musiker fra Iran, med santur som sitt hovedinstrument – et trapesformet strengeinstrument som spilles på med små hammere. Hans nysgjerrighet ovenfor ulike sjangre førte til at han studerte både klassisk og jazz, i tillegg til opphavet til den klassiske iranske musikken. Disse ulike innfallsvinklene har fått Mirsaeed til å konkludere med at til tross for sjangrenes kontraster, er det et musikalsk språk som kan forene alle de tre grenene. Han ble uteksaminert fra Universitetet i Teheran i 2013, og gikk nylig ut av Norges musikkhøgskole med sin andre mastergrad. I tillegg til å bli invitert som soloist med ulike orkestre og band, har Mirsaeed også skrevet flere bestillingsverk som komponist og arrangør. Mirsaeed deltar i Borealis Ung Komponist 2021/22. Mirsaeed Hosseiny Panah is an Iranian composer and musician with Santoor as his main instrument – a trapezoid shaped string instrument played on with small hammers. His curiosity toward different genres of music motivated him to study classical and jazz music in addition to the heritage of Iranian classical music. His background gave him the conclusion that despite the contrast between these musical fields, there is still a musical language out there that stands as a combination of all three. In 2013 he graduated from Tehran University, and recently he graduated with his second master’s degree from the Norwegian Academy of Music (NMH). In addition to being invited as a soloist with different orchestras/bands, he has been given several commissions as a composer and arranger. Mirsaeed is one of the participants in Borealis Ung Komponist 2021/22.

Foto: Nayara Leite

for electroacoustic creation and pop music, then specialised more actively in multiple forms of electronics for live performance. He designs spatial listening devices, and also develops instruments for his projects in dialogue with voices and acoustic instruments. Drawing on the diversity of artistic forms and encounters with all types of audiences, he plays in multiple international productions, poetry and visual arts productions, often in collaboration with other artists and groups, like for instance soundinitiative.

Nayara Leite

Niilas

Nayara Leite er en brasiliansk kunstner og skribent som bor i Bergen. Hun arbeider på tvers av analog-fotografi, performance, tekst, video og installasjon. Nayara identifiserer seg som lesbisk og forakter den selverklært homofobiske presidenten Jair Bolsonaro. Gjennom autobiografiske narrativ, politiske nyheter, brev til nære venner og arkivmateriale, skildrer Nayara realiteten av å leve som del av LHBTQ+miljøet i Brasil og i Norge.

Peder Niilas Tårnesvik har i løpet av de siste årene fått et stødig fotfeste som en av de mest interessante elektronika-artistene og produsentene vi har i Norge. Med prosjektet Niilas tok han virkelig steget frem, som i 2020 kulminerte i slippet av hans første full-lengde album, Also This Will Change. Albumet ble mottatt med strålende kritikk i Aftenposten og Bergens Tidende som begge trillet terningkast 6. Suksessen ble videre bekreftet da han stakk av med Spellemannprisen i kategorien Årets Elektronika 2020. Niilas har et øye for detaljer likt få andre, og blander sjangre, uttrykk og musikalske følelser i sitt helt særegne lydlandskap. Han bruker felt-opptak, samples, både live og digitale instrumenter, sammen med drypp fra sin samiske bakgrunn og skaper et glitrende teppe av lyd.

Nayara Leite is a Brazilian artist and writer based in Bergen, Norway. She works across analogue photography, performance, text, video and installation. Nayara identifies as a lesbian and despises the self-proclaimed homophobic president Jair Bolsonaro. Through autobiographical narrative, political news, letters to close friends and archival material, she produces a portrayal of the reality in which the LGBTQ+ community lives in Brazil and in Norway.

Nicolas Perrin Nicolas Perrin er komponist og teknisk designer. Gjennom årene har han utviklet en sensitiv metode for skapelse av lyd og komposisjoner. Nicolas startet med å skrive elektroakustisk musikk og pop, og fant videre veien til selve skapelsen av ulike elektroniske verktøy, spesielt egnet for live-opptreden. Nicolas designer nå lytte-enheter som fyller rom, men også instrumenter som kan passe inn sammen med stemme og eksisterende instrumenter i prosjektene sine. Ofte i samarbeid og med et bredt spekter av kunstneriske prosjekter, som også rommer poesi og visuell kunst, har han deltatt i mange internasjonale produksjoner, blant annet sammen med soundinitiative. Nicolas Perrin is a composer and a technical designer. Throughout the years he has developed a sensitive pedagogy around sound creation and contemporary composition. He started composing

Peder Niilas Tårnesvik has establised himself with great force in the last couple of years as one of the most interesting electronica artists and producers in Norway. With his project Niilas he stepped out of the shadows and released his first full-length album titled Also This Will Change in 2020. The album received astonishing reviews and the success was further emphasised when he won a Norwegian Grammy for Best Electronica 2020. There’s nothing quite like Niilas’ musical landscape, in which he uses his unique eye for details to merge genres, expressions and musical emotions. With field recordings, samples and both live and digital instruments, sprinkled with connotations to his Sami background, Niilas serves his listeners an iridescent field of sound.

Nothing Personal Nothing Personal er et kollasjprosjekt bestående av Thea Emilie Wang, Dorothea Økland og Solveig Wang. Bandet omfavner eksperimentelle poplåter, frie improvisasjonsstrekk og feltopptak, og

Nothing Personal is a collage project stitched together by Dorothea Økland, Thea Emilie Wang and Solveig Wang. The band embraces experimental pop tunes, free improvisation and field recording, and their music can be described as experimental pop with elements from jazz, R&B and electroacoustic music. Their debut single One Second arrived last year with reviews calling the band “a guide to the future of Norwegian music”. Nothing Personal serves the listener with live sound collages created in the present moment, utilising a mix of unconventional elements. Like the musical version of a science lab, the three alchemists explore sounds, tunes and effects, and includes the listener in this exploration, especially asking the question of what makes music personal – is it the lyrics of a pop tune, the field recorded voice of a great aunt, or the melody sung with autotune? Melting together with the live audial collage is also the visual elements, created by Tobias Guldbrandsen, giving the concerts its own dimension.

Ole-Andreas Førde Ole-Andreas Førde er komponist, arrangør og dirigent. Han bruker erfaring fra korps, kor, band, folkemusikk og heavy metal i musikken han skriver, gjennom utforskning av rytmikk og harmonikk i en søken på nye lydbilder. Ole-Andreas Førde is a composer, organiser and conductor. He uses his experiences with marching bands and regular bands, choirs, folk music and heavy metal to write his music, which through exploration in rhythmics and harmony seeks out new soundscapes.

Foto: Ashley Fell

musikken kan beskrives som eksperimentell pop med elementer fra jazz, R&B og elektroakustisk musikk. Etter at de i fjor slapp debutsingelen One Second, kalte Audun Vinger bandet for ”en veiviser til framtiden for norsk musikk”. Nothing Personal mikser ukonvensjonelle elementer og serverer lytterne en live lydkollasj som blir til i nuet. Tilnærmingen til musikken er som i en forskerlab der de tre alkymistene undersøker lyder, låter og effekter. Nothing Personal tar med lytteren i utforskningen av hva som er personlig i musikken. Er det teksten til en poplåt, et feltopptak av en grandtante som synger, eller en sunget melodi med autotune? Med seg har de Tobias Gulbrandsen på visuals som gir konsertopplevelsen en egen dimensjon.

Oscar Escalante Oscar Escalante er billedkunstner, instrumentbygger og charangospiller født i byen Durango i Mexico. Som en mystisk vandrer er Oscar i kontakt med en stor skaperkraft som tar mange former, gjennom billedkunst, installasjoner og nye oppfinnsomme instrumenter. Oscar kommer fra en kunstnerfamilie. Hans far var opprinnelig Cora, en urfolksnasjon tilhørende i Durango. Han var skredder, poet og musiker som overlot denne arven til flere av barna sine. Oscar begynte tidlig med visuell kunst, og lidenskapene lå i maleri, tegning, gravering, skulptur og musikk, så vel som instrumentbygging. Til tross for at han ikke har en formell akademisk bakgrunn, lærte Oscar seg forskjellige håndtverk fra sin far, og fra de utallige reisene han har gjort. Han har bodd i San Francisco og Barcelona, og er for tiden bosatt i Guanajuato i Mexico. Arbeidene hans har blitt stilt ut både i Europa og USA. Oscar er far til musikeren Martín Escalante og filmregissør Amat Escalante. Han dukket opp som skuespiller i Amat sin film The Wild Region som ble tildelt sølvløven på Venezia International Film Festival i september 2016. 74 år gammel utvikler og utforsker han stadig teknikken sin. Oscar Escalante is a visual artist, instrument builder and charango player born in the city of Durango in Mexico. Like a mystic wanderer Oscar is in touch with a great creative power that takes many forms, through visual art, installations and new inventive instruments. Oscar comes from a family of artists, his father of origin Cora, an indigenous town of Durango, was a tailor, poet and musician leaving this legacy to several of his children. Oscar set out on visual art from an early age, his passions being as diverse as painting, drawing, engraving, sculpture and music as well as the creation of his own instruments. Despite not having had a formal academic background, Oscar learned various trades from his

father and from the countless trips he has made. He has lived in San Francisco and Barcelona and currently resides in Guanajuato in Mexico. His work has been exhibited in both Europe and the US. Oscar is father of musician Martín Escalante and film director Amat Escalante. He appeared as an actor in Amat’s film The Wild Region which was awarded the Silver Lion at the Venice International Film Festival in September 2016. Aged 74 he’s still developing and exploring his technique.

RAGE Thormbones RAGE Thormbones er en lavfrekvent duo som arbeider i veiskillet mellom lek og problemløsing. Medlemmene Weston fra Vermont og Mattie fra Los Angeles fant hverandre i 2014, og hadde begge droppet den klassiske stien de var på med sitt instrument; trombonen. Lydene deres smelter sammen i en rekke de- og rekonstruerte messinginstrumenter og elektroniske synthesizere, krydret med ting de finner fra jernvarehandelen, polyfonisk nynning fra omgivelsene og en overbelastet datamaskin. Resultatet er en tettpakket lyd med metallisk resonans og toner som kryper seg under huden, og får rommet til å kjennes skikkelig tungt. Med dette sikter de mot å skifte brassinstrumentets rolle vekk fra vokalisk perfeksjon, og mer mot dets sanne jeg som improviserende organisk luftkompressor. RAGE har samarbeidet med en rekke artister, inkludert Kevin Drumm, Sarah Davachi, Michelle Lou og Scott Walker. De har blåst trombonene sine på alt fra Walt Disney Concert Hall, the Darmstadt Summer Courses og ISSUE Project Room, til sjarmerende samfunnshus på den svenske landsbygda. RAGE Thormbones is a low-frequency duo whose work exists at the intersections of “fuck around” and “find out”. Both members, Weston from Vermont and Mattie from Los Angeles, are classically trained trombonists but jumped that ship awhile ago and thankfully found each other in 2014. Their sounds bring together various de/re-constructed brass instruments and electronic synthesis + amplification, with many trips to the hardware store and the polyphonic hum of Mattie’s fabrication shop and Weston’s overworked CPU load. They produce sculpted masses of high-density sound, carving metallic resonance and subcutaneous tones to make rooms feel really heavy. They aim to shift the role of brass instruments away from vocal virtuosity and more toward their true selves as improvising organic air compressors - physically-modeled synthesis transcribed back into the acoustic domain.

RAGE has collaborated with a range of artists including Kevin Drumm, Sarah Davachi, Michelle Lou, and British pop maverick Scott Walker. They’ve tooted their trombones everywhere from Walt Disney Concert Hall, the Darmstadt Summer Courses, and ISSUE Project Room to their favorite basements/living rooms/warehouses/crypts and more recently, a charming community center deep within the Swedish countryside.

Rolf Gupta Rolf Gupta er dirigent og komponist, og en av de ledende norske dirigentene i sin generasjon. Som dirigent har Rolf et bredt repertoar som spenner fra tidligmusikk og romantikk, til samtids- og improvisasjonsmusikk. Han har ledet over 70 urfremføringer av norsk musikk, og for sine plateinnspillinger har han vunnet Spellemannprisen flere ganger, første gang i 1999. I tillegg har han vunnet Kritikerprisen både som dirigent og komponist. Han har vært professor ved Universitetet i Agder i Kristiansand siden 2012. Selv har han sin utdanning som kantor, komponist og dirigent, fra Agder Musikkonservatorium, Norges Musikkhøgskole, Sweelinck Conservatorium Amsterdam og Sibelius Akademiet i Helsinki. Rolf Gupta is a conductor and composer, and one of the leading Norwegian conductors of his generation. As a conductor Rolf holds a wide repertoire spanning from early music and romanticism to contemporary and improvisational music. He has conducted over 70 premieres of Norwegian music, and has won several Norwegian Grammys for his recordings, the first one in 1999. He has also won the Norwegian Critics Prize for Music both as conductor and composer. Since 2012 he has also been Professor in the University in Agder, Norway. He holds his own degrees, as cantor, composer and conductor, from the Music Conservatory in Agder, Norwegian Academy of Music, Sweelinck Conservatorium Amsterdam and Sibelius Academy in Helsinki.

Roscoe Mitchell Roscoe Mitchell er komponist, og en internasjonalt anerkjent musiker fra Chicago i USA. Roscoe har en utrolig evne til å fremmane magien i neglisjerte blåseinstrumenter. Han benytter seg av hele registeret til instrumentet, og er kjent for sine ambisiøse solo-opptredener. Musikken hans er en hybrid mellom komposisjon og improvisasjon, noe som har gjort ham til en foregangsfigur innen jazzen, og

samtidsmusikken. Roscoe sin ekspertise på blåseinstrumenter inkluderer hele saksofon- og blokkfløytefamilien, samt klarinetter, tverrfløyte, piccolo og andre fløyter – i tillegg til hans egne avanserte oppfinnelse, ’The Percussion Cage’. Roscoe sitt virke har ført til flere hundretalls utgivelser, og en imponerende liste med nominasjoner og priser. Han er en av grunnleggerne av jazzgruppen Art Ensemble of Chicago; Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), samt the Trio Space. Han er også kjent som grunnleggeren av organisasjonen Creative Arts Collective, og ensemblene The Roscoe Mitchell Sextet & Quartet, The Roscoe Mitchell Art Ensemble, The Sound Ensemble, The New Chamber Ensemble, og the Note Factory. Roscoe Mitchell is a composer and an internationally renowned musician from Chicago. His virtuosic resurrection of overlooked woodwind instruments spanning extreme registers, visionary solo performances, and assertion of a hybrid compositional/ improvisational paradigm have placed him at the forefront of contemporary music. His instrumental expertise includes the gamut of the saxophone and recorder families, clarinets, flute, piccolo, and the transverse flute in addition to his elaborate invention, The Percussion Cage. His oeuvre boasts hundreds of albums, and an impressive long list of nominations and awards. Roscoe is a founding member of the jazz group Art Ensemble of Chicago, the Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM),and the Trio Space. He is also distinguished as the founder of the Creative Arts Collective, and the groups The Roscoe Mitchell Sextet & Quartet, The Roscoe Mitchell Art Ensemble, The Sound Ensemble, The New Chamber Ensemble, and the Note Factory.

Ruth Bakke Ruth Bakke, født i Bergen, er komponist, organist og kordirigent som tok store deler av sin utdanning i USA på 60- og 70-tallet. Siden 1972 har hun arbeidet som organist og kordirigent i Bergen. Hun har blant annet jobbet som kirkeorganist i Storetveit kirke i 45 år, som også var konsertlokalet for hennes samarbeidsprosjekt med Anne Marthe Dyvi for Borealis i fjor. En sentral del av komposisjonene hennes er arbeidet med farge og rytme, noe som verk-titler som Illuminations og Chromocumuli gjerne kan antyde. Ruth har komponert store mengder kirke- og kammermusikk, arbeidet med multimedia og symfoniorkester, og undervist i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen.

Ruth Bakke was born in Bergen and works as a composer, organist and choir conductor. She did her studies in music in the US during the 60s and 70s. Since 1972 Ruth has worked as an organist and choir conductor in Bergen. She worked in Storetveit Church for 45 years, which is where she and Anne Marthe Dyvi were performing their collaboration project at Borealis last year. A central part of her compositions is her focus on colour and rhythm, which titles like Illuminations and Chromocumuli can indicate. Ruth has composed a great amount of church and chamber music, has worked with multimedia and symphony orchestras and has taught composition at the Grieg Academy in Bergen.

Sandra Márjá West Sandra Márjá West er fra det samiske kystområdet Gáivuotna i Troms og Finmark. Hun er en samisk duojár, politiker og aktivist. Duodji er det tradisjonelle håndverket til samefolket, og Sandra er tiltrukket av naturlige materialer som ull, silke, tre, gevir, skinn og reinsdyrlær. Hun bruker mye tid på å samle og forberede materialene. Sandra er medlem av Sametinget, og leder av urfolksfestivalen Riddu Ri u. For henne er dette en naturlig kombinasjon. Sandra kjemper for at hennes folk skal få fortelle sine egne historier og ta egne valg om framtiden. Dette ligger til grunn for alt arbeidet hun gjør – om det er kunst, aktivisme, politikk eller kulturelt arbeid. Sandra Márjá West is from the coastal Sámi area of Gáivuotna. She is a Sámi duojár, politician and activist. Duodji is the traditional art of the Sámi people and Sandra has a 3-year education from Sámij åhpadusguovdásj in Johkamohkki. She has a goldsmith journeyman’s letter. Natural materials like wool, silk, wood, antler, fur and reindeer leather attract her, and she spends a lot of time collecting and preparing her materials. Sandra is an elected member of the Sámi Parliament and leads the Indigenous festival Riddu Ri u. For her, this is a natural combination. Sandra’s fight for her people’s right to tell their own stories and make their own decisions on their future is the basis for all her work, both with art, activism, politics and as a cultural worker.

SHYBOI SHYBOI eller Yulan Grant er en multidisiplinær kunstner fra Jamaica som bor og arbeider i New York. SHYBOI er navnet hun bruker for å forårsake lydmessige forstyrrelser. Med opphav fra Karibia, bosatt i USA er hun posisjonert mellom to kulturer og tar gjennom lyd stilling til tanker rundt identitet, makt, forutinntatte historier, og sammensuriet som oppstår i møtepunktet mellom disse temaene. Hun er også medlem av det skeive kunstnerkollektivet #KUNQ, som skaper flerdimensjonale verk. De bruker lyd, visuelle elementer og performance, som utvider diskursen rundt subkulturer og sjangre som har blitt utvannet og diffuse gjennom en slags hybridifisering. Yulan Grant aka SHYBOI is a Jamaican born, New York based multidisciplinary artist. SHYBOI is the moniker she uses to cause sonic disruption. As a creative positioned between Caribbean and American culture, she uses sound to interrogate ideas of identity, notions of power, perceived histories and the entanglements that happens within these topics. She is also member of the queer artist collective #KUNQ whose ethos is centered around the production of multidimensional work through sound, visual and performance art while expanding the discourse surrounding the subcultures and genres that have become diluted or obscured in the name of hybridity.

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK) Sjøforsvarets musikkorps (SFMK), med røtter tilbake til 1792, er ett av Norges fem helprofesjonelle militærkorps. SFMK utgjør et dynamisk og svært allsidig ensemble av 27 musikere. Korpset opptrer på mange arenaer, både i og utenfor Forsvaret, og behersker de fleste musikalske sjangre. Korpset har markert seg som et av Norges fremste ensembler, særlig innen samtidsmusikken – med urfremføringer, festivalopptredener, CD-utgivelser og utøverprisen fra Norsk Komponistforening i 2008. I 2010 mottok Peter Szilvay og Ingar Bergby, korpsets tidligere kunstneriske ledere denne utmerkelsen. I 2016 ble Kulturrådets ærespris tildelt Forsvarets musikk for deres innsats for norsk kulturliv gjennom 200 år. The Norwegian Naval Forces Band (NNFB) is one of Norway’s five full-time professional military bands comprising 27 musicians of the highest professional standard. The band is a dynamic and versatile ensemble performing in a variety of

settings both military and civilian, covering most genres. It has made its mark particularly in the field of contemporary music with numerous world premieres, festival appearances, CD-recordings and The Performer Award from the Norwegian Society of Composers in 2008. In 2016 The Norwegian Armed Forces bands received an honorary prize for their 200 year long contribution to Norwegian cultural life.

soundinitiative Det franske soundinitiative er et av de fremste avantgarde-ensemblene i Europa og er kjent for sitt banebrytende arbeid i krysningspunktet mellom musikk og performance, hvor rommet mellom komponist og utøver viskes ut. Ensemblet henter sine inspirasjoner fra teater, dans, visuell kunst og performancekunst, og består av ni musikere som holder til i Paris. Utøverne har dedikert seg til å skape totalt unike konsertopplevelser, hvor rommet de spiller i resonnerer med lydene og bevegelsene til de som opptrer. For hver opptreden har soundinitiative et nytt kunstnerisk format som er designet for å invitere publikum til å oppdage nye lydopplevelser. soundinitiative har opptrådt verden rundt. De er også Artist-in-residence (2019–2023) ved kunstsenteret i Enghien-les-Bains utenfor Paris. Les mer om ensemblets medlemmer på borealisfestival.no The French Ensemble soundinitiative is one of the leading avant-garde ensembles in Europe and is known for their groundbreaking work in the intersection of music and performance, which delimits the space between composer and performers. Inspired by theatre, dance, visual and performance art, they were established in Paris in 2011 and consist of nine musicians. The performers are dedicated to creating completely unique concert experiences, where the performers’ sounds and movements resonate the performance space. For each piece, soundinitiative creates its very own artistic form, which is designed to invite the audience to discover new hidden sonic experiences. Ensemble soundinitiative has performed across Europe, North America, Australia and Asia. They are also Associate Artist-in-Residence at the Enghien-lesBains Centre of Arts near Paris 2019–2023. More on the members of soundinitative on borealisfestival.no.

TABULA RASA

Foto: Tony Cenicola

Susie Ibarra Susie Ibarra er en filippinsk-amerikansk komponist, perkusjonist og lydkunstner. Hennes enestående lydlandskap er en sammensmeltning av musikaliteten og perkusjons-bruken fra Filippinene, og en jazzinspirert trommestil. Komposisjonene hennes har blitt beskrevet som ”en fremkallelse av menneskekroppen selv; landskap som forsvinner i det siste gjenværende lyset; og veien som vann følger” av New York Times. Susie sitt arbeid inkluderer prosjektet An Acoustic Story on Climate Change: Himalayan Glacier Soundscapes, hvor hun har spilt inn og forsket på lyd langs Gangeselven i samarbeid med breforsker og geomorfolog Michele Koppes. Susie er også leder av DreamTime Ensemble, som nylig slapp albumet Perception, og som utforsker minner og skiftende sansende opplevelser. Susie Ibarra is a Filipina-American composer, percussionist, and sound artist. Her sound is like no other’s, incorporating the unique percussion and musical approach of her Filipino heritage with her flowing jazz drum set style. Her compositions are sometimes described as “calling up the movements of the human body; elsewhere it’s a landscape vanishing in the last light, or the path a waterway might trace” New York Times. Susie’s work includes recording and researching sound along the Ganges in collaboration with glaciologist and geomorphologist Michele Koppes. For her sound research of An Acoustic Story on Climate Change: Himalayan Glacier Soundscapes she is a Senior TED Fellow and an Asian Cultural Council Fellow. Susie is a National Geographic Explorer grantee in Storytelling and a United States Artist Fellow in Music. She also leads the DreamTime Ensemble, which recently released the album Perception, exploring memory and shifting sensory experiences.

TABULA RASA består av Sigrun Jørdre, Elise Thorgersen Varne, Zsuzsa Zseni, Tord Kalvenes, Arild Rohde og Jakub Adam Niedziela, og er årets ensemble i mentorprogrammet Borealis Ung Komponist. Vokalensemblet ble startet av Tord Kalvenes i 2017, og har siden mai 2019 vært under Arild Rohdes musikalske ledelse. Ensemblet har som mål å fremme ny klassisk vokalmusikk, med fokus på norske komponister. Vokalensemblet skiller seg ut gjennom å jobbe med improvisasjon og teatralske virkemidler for å skape konseptuelle konserter og forestillinger. TABULA RASA ønsker å nå frem med ny musikk til mennesker som ikke kjenner formen så godt fra før. Musikalsk søker de balanse mellom musikk som er gjenkjennelig og tilgjengelig for publikum, og musikk som er utfordrende og overraskende. De ønsker å bruke det emosjonelle og direkte kommunikative i menneskestemmen til å nå fram til publikum. Tabula Rasa søker samarbeid med komponister, utøvere samt tverrfaglige kunstsamarbeid i håp om å belyse sin samtid. Ensemblet jobber med ulike notasjonsformer, både konvensjonell notasjon, verktøy for improvisasjon, tekstnotasjon og bruk av rom i fremføringer. TABULA RASA is Sigrun Jørdre, Elise Thorgersen Varne, Zsuzsa Zseni, Tord Kalvenes, Arild Rohde og Jakub Adam Niedziela. The vocal ensemble was started by Tord Kalvenes in 2017 and has been under Arild Rohde’s musical direction since May 2019. The ensemble aims to promote new classical vocal music, with a focus on Norwegian composers and is has dedicated themselves to the 21/22 iteration of the Borealis Ung Komponist mentor programme. The vocal ensemble stands out by working with improvisation and theatrical elements to create conceptual concerts and performances. TABULA RASA wants to reach out with new music to people who do not know the form so well from before. Musically, they seek a balance between music that is recognisable and accessible to the audience, and music that is challenging and surprising. They want to use the emotional and direct communicative quality in the human voice to reach the audience. Tabula Rasa seeks collaboration with composers, performers and interdisciplinary art collaborations in the hope of illuminating their contemporaries. The ensemble works with various notation forms, both conventional notation, tools for improvisation, text notation and the use of space in performances.

Tuulia Kallio Tuulia Kallio er en musiker og vokalist fra Finland. Stemmen hennes bærer preg av treningen hun har gjort i balto-finske vokaltradisjoner. Hun er også lidenskapelig tro til sine røtter når hun spiller en modernisert versjon av det tradisjonelle finske og karelske strengeinstrumentet Kantele, i tillegg til at hun spiller tamburin. Tuulia Kallio is a musician and vocalist from Finland. Her vocal practice bears the influence of her training in Balto-Finnic vocal practice. With a further sincerity towards her origin she plays the Kantele, a modernised version of the traditional Finish and Karelian string instrument Kantele, as well as the tambourin.

Vivian Wang Vivian Wang er en lydkunstner, komponist og musiker fra Singapore. Hun bevegde seg bort fra sin klassiske bakgrunn da hun startet kunstrock-ensemblet The Observatory – en fruktbar gruppe som har lagt bak seg mer enn 10 plateutgivelser, og stiftet den eksperimentelle musikkfestivalen Playfreely. Vivian sin nåværende praksis utforsker ulike soniske møtepunkter mellom feltene kunst, kultur og rom. Hun dykker dypt inn i akustiske prosjekter som utforsker skapelse av lyd i samspill med alternative krysninger av disiplinære felt. Hennes hovedinstrumenter er synthesizer, vokal, elektronikk, felt-opptak og funnede objekter. Vivian har en omfattende mengde turnéer og prosjekter under beltet. For eksempel var hun med i prosjektet Struck Modernism som tok lydopptak av skulpturer som vibrerte ved hjelp av en hammer. Hun har også vært med på Veneziabiennalen i 2019, og den største årlige festivalen i Utrecht, Le Guess Who. Samtidig har hun samarbeidet med lydkunstnerne Tarek Atoui og Lasse Marhaug, og popartist Jenny Hval, hvor hun både var med på albumet og turnéen med The Practice of Love.

Her main instruments are synth, voice, electronics, field recording and prepared objects. Vivian has toured and worked extensively. She was part of a project series called Struck Modernism, that audifies recordings of sculptures set into vibration with a hammer. In these works, modernist sculptures went beyond being perceived as objects alone, but were temporalised and transformed into sounding bodies. Other recent performances include the Venice Biennale 2019 and Utrecht’s biggest annual festival Le Guess Who. Her collaborators include sound artists Tarek Atoui and Lasse Marhaug, as well as pop artist Jenny Hval, contributing to both the album and the touring of The Practice of Love.

Wengeal Abebe Wengeal Abebe har gjennom de siste årene utviklet en lidenskap for å lære om ulike kulturer og deres historier. Wengeal er en kreativ og aktiv 18-åring fra Etiopia, født og oppvokst i Norge, som er på siste året av videregående skole. Hun ser stor verdi og viktighet i å komme seg ut og møte nye mennesker som lærer henne om andre kulturer enn det hun selv er vant til hjemme. Gjennom samarbeidet med Marshall Trammell har Wengeal fått satt seg inn i et politisk utdannende prosjekt, og spesielt relevansen til afrikansk slaveri har vekket hennes interesse. Wengeal Abebe has throughout the last few years developed a passion for learning about different cultures and their history. Wengeal is a creative and active 18-year-old from Ethiopia, born and raised in Norway currently finishing high school. She sees immense value and importance in getting out and meeting new people and places that can teach her about cultures differing to the ones she has interacted with at home. Marshall Trammell’s project piqued her interest, especially the relevance to the history of enslaved people from Africa. It means a lot to Wengeal to get to be part of this politically educational project.

Vivian Wang is a Singaporean sound artist, composer and multi-instrumentalist. She diverged from her classical training when she started art rock ensemble The Observatory, a prolific group with more than 10 releases and the name behind experimental music festival Playfreely. Vivian’s current work explores intermediate spaces across a range of sonic intersections in art, culture and space. She delves deep into acoustic projects that explore sound making in alternative transdisciplinary fields.

REDAKSJON / EDITORIAL STAFF Redaktør / Editor Mari Irem Müftüo lu Oversettelse / Translation Mari Irem Müftüo lu Runa Halleraker Øyvind Skarbø Redaksjon / Editorial Peter Meanwell Tine Rude Øyvind Skarbø Runa Halleraker

ART DIRECTION & DESIGN Thomas Bush

FESTIVAL TEAM Kunstnerisk leder / Artistic Director Peter Meanwell Daglig leder / Managing Director Tine Rude Administrasjonsassistent & prosjektansvarlig / Administrative Assistant & Project Manager Abigael Asgedom Produksjonsansvarlig / Head of Production Mia Julie Wiland Produsent / Producer Kjetil Aabø Online produsent / Online Producer Fraser Keddie Kommunikasjonsansvarlig / Head of Communication Mari Irem Müftüo lu Kommunikasjonsmedarbeider / Communication Assistant Runa Halleraker

Frivilligansvarlig & distribusjon / Volunteer Coordinator & Distribution Émilie Fanor-Fontaine Transport & logistikk / Transport & Logistics Sunniva Vik Billetter / Tickets Phoebe Dobey Videograf / Director of Photography Ben Speck Fotografer / Photographers Thor Brødreskift Johanne Karlsrud Lysdesign / Light design Randiane Sandboe Lydkonsulent / Sound Consultant Tomin Tollefsen/Konsertsystemer Festivalkjøkken / Festival Kitchen Hallaisen Prosjektansvarlige / Event Producers Sølvi Katrine Andersen Line Jensen Ida Mari Njie Rølvåg Davone Sirmans Malin Nøss Vangsnes Hanna Veits Jay van der Vlist

STYRET / BOARD Styreleder / Board leader Elise Sæle Dahle Styremedlemmer / Board Members Grethe Bjørndal Jostein Gundersen Kjetil Traavik Møster Jeremy Welsh Varamedlemmer / Deputy Members Åse Løvgren Johanne Øra Danielsen

MEDLEMMER AV BOREALIS / BOREALIS MEMBER ORGANISATIONS

SAMARBEIDSPARTNERE / COLLABORATING ORGANISATIONS

Avgarde; BEK; Bergen Barokk; Bergen Filharmoniske Orkester; Bergens Kammermusikkforening; Bergen Kunsthall; Bergen Nasjonale Opera; BIT Teatergarasjen; BIT20 Ensemble; Cinemateket i Bergen; Collegium Musicum Kor og Orkester; Den Nationale Scene; Edvard Grieg Kor; KODE Kunstmuseer og komponisthjem; Lydgalleriet; nyMusikk Bergen; Sjøforsvarets musikkorps; UiB Fakultet for kunst, musikk og design; USF Verftet.

aerial; AdO; Avgarde; Augustin Hotel/De Bergenske; Bergen Filharmoniske Orkester; Bergen Internasjonale Kultursenter; BEK – Bergen senter for elektronisk kunst; Bergen Arkitekthøgskole; Bergen domkirke; Bergen Jazzforum; Bergen Kjøtt; Bergen Kringkaster; Bergen Kunsthall; Bergen Offentlige Bibliotek; BIT20 Ensemble; Cinemateket i Bergen; Griegakademiet; Hallaisen; Hordaland Kunstsenter; Kulturhuset i Bergen; Landmark; Lydgalleriet; MaerzMusik – Festival for Time Issues; MUNCH; Music Norway; Nordnes Sjøbad; Radio Multe; Radiophrenia; RUMMUR Radio; Sjøforsvarets musikkorps; Universitetet i Bergen; Utmark; Østre – hus for lydkunst og elektronisk musikk.

BOREALIS ER STØTTET AV / BOREALIS IS FUNDED BY Kulturrådet; Bergen kommune; Vestland fylkeskommune; Ernst von Siemens Music Foundation; Norsk Komponistforening; Morten Eide Pedersens minnefond; Fritt Ord; Institut français de Norvège; Goethe-Institut og deres International Coproduction Fund; Music Norway.

Borealis – en festival for eksperimentell musikk

@borealisfestival # borealis2022

programbok 2022

borealisfestival.no

I år tilbyr vi Borealis Pass og Borealis Klippekort i tillegg til enkeltbilletter.

This year we offer the Borealis Pass and Borealis Klippekort as well as Single tickets.

Borealis Pass gir deg de rimeligste billettene til Borealis 2022!

The Borealis Pass gives you the cheapest tickets to Borealis 2022!

Med Borealis Pass kan du kjøpe billetter til alle arrangementer for kun 50,–, uansett vanlig pris. Ved kjøp av passet får du tilsendt en promokode på e-post, som gir deg tilgang på spesialpris når du kjøper billetter til arrangementer. Dette er den billigste måten å få den ultimate Borealisopplevelsen!

With the Borealis Pass you can buy tickets to all our events for only NOK 50 regardless of the regular price. When you buy a Borealis Pass you’ll receive a promo code via email that you can use to unlock a special price when buying tickets to each of our events online. The cheapest way to have the full Borealis experience!

Borealis Klippekort gir deg 3 arrangementer til en svært rimelig pris.

Borealis Klippekort gives you 3 events at a very reasonable price.

Klippekortet er ikke personlig og du kan bruke flere klipp på samme arrangement.

The clip card is not personal and you can use multiple clips at the same event.

Kjøp billett på borealis.ticketco.events eller stikk innom vårt festivalkontor.

Buy tickets on borealis.ticketco.events or stop by our Festival Office

@borealisfestival # borealis2022

borealisfestival.no