Artister Artister Artister

Read all artist biographies!

Alwynne Pritchard works with sound, her voice and her body. She is a composer, singer, physical performer and actor, who also plays the violin. She makes theatre, works with text and uses colours and images to inform her thinking. Alwynne has created work for orchestras, ensembles, solo musicians and other performers internationally, and has appeared in stage productions in France, Germany, Italy, Latvia, Norway and the UK. In 2015, she co-founded the music-theatre company Neither Nor. Alwynne has also appeared in her own music-theatre pieces, such as Hospice Lazy and We, Three, performed in theatres in Germany, Latvia and Norway, and in her solo series Vitality Forms which she has performed across Europe, Scandinavia and in the USA. To date, Alwynne has commissioned more than twenty solo music-theatre works from composers around the globe for her solo project DOG/GOD, which she is now touring internationally as MONGREL . Alwynne’s professional life has also included stints as the Artistic Director of Borealis from 2008–2014 and for BIT20 Ensemble in Bergen. She has also been a member of the composition staff at Trinity Laban in London and a presenter for BBC Radio 3.

Alwynne was born in Glasgow, grew up in Bristol and now lives in Bergen.

Amber Ablett er en kunstner og forfatter bosatt i Bergen. Gjennom performance, tekst, lyd og gjenskapelse ser arbeidet hennes på viktigheten av tilhørighet. Hun fokuserer på måter å være sammen på, og ser på hvordan samfunnet vårt former, reflekterer, kontrollerer og begrenser våre sammensatte identiteter. Amber tar utgangspunkt i sin egen posisjon som en svart krysskulturell kvinne bosatt i Norge, for å skape rom for spørsmål, fellesskap og kritisk tenkning. Hun er opptatt av hvordan vi lærer om oss selv gjennom å lære om andre mennesker, og hvordan indre og opplevde følelser av hva hjem er kan komme i konflikt. Amber bruker ofte workshops og samlinger som et alternativ til normative måter å stille ut på.

Amber Ablett is an artist and writer based in Bergen, Norway. Using performance, text, sound and re-enactment, her work looks at the importance of belonging. She focuses on how to be together, and how our society shapes, reflects, controls and limits our multifaceted identities. Amber uses her own position, as a Black mixed race woman living in Norway, as a starting point to create a space for questioning, communality and critical thinking. She is interested in how we learn about ourselves through learning about other people, and the conflict between our internal and perceived sense of home. Stepping away from spectacle, Amber often uses workshops and gatherings as an alternative to normative exhibition frameworks.

Anahita Abbasi er en iransk komponist, for tiden bosatt i San Diego, USA hvor hun tar en doktorgrad i komposisjon hos Rand Steiger ved University of California San Diego. Hun komponerer akustisk og elektroakustisk musikk, som har blitt beskrevet som en svimlende sofistikert dagdrøm, med tykke og pulserende teksturer. Hun har tidligere studert komposisjon, blant annet hos Beat Furrer, samt musikkteori, ved University of Music and Performing Arts i Graz, Østerrike. Hun har jobbet tett på en rekke anerkjente komponister og musikere, som Georges Aperghis, Franck Bedrossian, Philippe Leroux, Francesco Filidei og Raphael Cendo. Musikken hennes har blitt fremført i mange land, både i Europa, USA og Asia. I 2013 var hun med å grunnlegge Schallfeld – Ensemble for Contemporary Music and Sound Art i Graz, Østerrike. I 2014 mottok Anahita arbeidsstipend fra Experimentalstudio des SWR i Freiburg, Tyskland, og i 2015 vant hun ASCAP pris for unge komponister.

Anahita Abbasi is an Iranian composer of acoustic and electroacoustic music. Her music has been described as a dizzyingly sophisticated reverie with dense and pulsating textures. She has previously studied composition, with composer Beat Furrer amongst others, and music theory, at University of Music and Performing Arts in Graz, Austria. She has worked closely with various master composers and musicians such as Georges Aperghis, Franck Bedrossian, Philippe Leroux, Francesco Filidei and Raphael Cendo. Her music has been featured in various countries in Europe, USA and Asia. In 2013 she co-founded Schallfeld – Ensemble for Contem- porary Music and Sound Art in Graz, Austria. In 2014 she received a working grant from Experimentalstudio des SWR in Freiburg, Germany, and in 2015 she was the winner of the ASCAP Young Composers Award. She is currently residing in San Diego, USA and pursuing her PhD in Composition with Rand Steiger at the University of California San Diego.

Asmaa Jama

Asmaa Jama er en kunstner og forfatter fra Somalia, bosatt i Bristol, Storbritannia. Som forfatter har Asmaa blitt hyllet av Brunel African Poetry Prize, og nominert til blant annet Wasafiri Writing Prize, James Berry Prize, New Poets Prize, og National Poetry Competition. Asmaa var med i Cave Canem-programmet i 2021, og er i år en del av Young Poets-programmet til The Barbican i London. De har også gitt ut poesiantologier på forlagene Flipped Eye og 20.35 Africa, og slipper en ny novelleantologi med Comma Press senere i år. Som filmregissør har Asmaa laget bestillingsverk for BBC Arts med den interaktive filmen Before We Disappear (2021), og for Bristol Old Vic med The Season of Burning Things (2021). Sistnevnte video-verk ble også vist på den 17. Veneziabiennalen for arkitektur. Asmaas kommende separatutstilling, som presenterer et nytt video-verk laget med deres samarbeidspartner Gouled Ahmed, åpner på Spike Island i Bristol i år.

Asmaa Jama is a Somali interdisciplinary artist and writer based in Bristol, UK. As a writer, Asmaa has been praised by the Brunel African Poetry Prize, shortlisted for the Wasafiri Writing Prize, James Berry Prize, New Poets Prize and longlisted in the National Poetry Competition. Asmaa was a Cave Canem Fellow in 2021, and is this year part of the Barbican Young Poets programme. They have also been published in poetry anthologies by Flipped Eye and 20.35 Africa, and in a forthcoming short story anthology with Comma Press. As a film director, Asmaa was commissioned by BBC Arts to make the interactive film Before We Disappear (2021), and by Bristol Old Vic to make The Season of Burning Things (2021), which was screened at the 17th Venice Biennale of Architecture. Asmaa’s upcoming solo exhibition, which will feature a new moving image work created together with their long term collaborator Gouled Ahmed, will open at Spike Island, Bristol, in 2023.

Axel Wieder

Axel Wieder er direktør ved Bergen Kunsthall. Han er utdannet kunsthistoriker og kulturteori ved Universitetet i Cologne og Humboldt Universitetet i Berlin, med spesialisering innen konseptuell kunst, historien til utstillinger og moderne arkitektur. Han er en av grunnleggerne av bokhandelen Pro qm i Berlin, har vært kunstnerisk leder ved Künstlerhaus Stuttgart, samt kurator og programsjef ved Arnolfini i Bristol. I 2012 organiserte Axel en utstilling om Maryanne Amacher sitt kunstneriske virke på daad og Hamburger Bahnhof i Berlin, som også ble vist på Bonner Kunstverein i 2014. Han ledet Index – The Swedish Contemporary Art Foundation i Stockholm før han tok jobben som direktør ved Bergen Kunsthall. Hans arbeid har ofte fokus på utstillingshistorikk og teori, arkitektur, sosiale rom og politisk representasjon.

Axel Wieder is Director at Bergen Kunsthall. He studied art history and cultural theory at the University of Cologne and the Humboldt University in Berlin, specializing in conceptual art, the history of exhibitions and modern architecture. He cofounded Pro qm in Berlin, was Artistic Director of Künstlerhaus Stuttgart, and Head of Programme at Arnolfini in Bristol. In 2012 Axel organised an exhibition about the work of Maryanne Amacher at daad and Hamburger Bahnhof in Berlin, which travelled to Bonner Kunstverein in 2014. Before he took the job as Director of Bergen Kunsthall he was Director of Index – the Swedish Contemporary Art Foundation in Stockholm. His work is often focused around exhibition history and theory, architecture, social spaces and political representation.

Beat Furrer

Beat Furrer er komponist og dirigent, født i Schaffhausen, Sveits og bosatt i Wien, Østerrike. Han er kjent for sin nyanserte utforskning av den menneskelige stemmen og dens forhold til instrumenters lyd. Siden 80-tallet har Beat komponert et bredt spekter av verk, fra solo- og ensemblemusikk til orkester- og korverk, samt opera. Han studerte direksjon og komposisjon ved University of Music and Performing Arts. Ti år senere grunnla han ensemblet Klangforum Wien, som han var leder av i syv år, og som han fortsatt har tilknytning til som dirigent. Senere medgrunnla han impuls, et internasjonalt ensemble- og komponistakademi for samtidsmusikk. I 1991 ble Beat professor i komposisjon ved University of Music and Performing Arts i Graz, i tillegg har han vært gjesteprofessor i komposisjon ved Musikkhøgskolen i Frankfurt. Beat komponerte sin første opera, Die Blinden, på oppdrag fra Wiens statsopera. Hans andre opera, Narcissus, hadde premiere under festivalen steirischer herbst på Graz Opera. Arbeidet hans som komponist har vunnet ham en rekke imponerende priser, som Gulløven på Veneziabiennalen i 2006 for verket FAMA, Wiens musikkpris i 2004, og Great Austrian State Prize i 2014.

Beat Furrer is a composer and conductor, born in Schaffhausen, Switzerland and based in Vienna, Austria. He is well known for his nuanced exploration of the human voice and its relationship to instrumental sound. Since the 1980s Beat Furrer has composed a wide range of works, from solo and ensemble music to orchestral and choral works, as well as opera. After moving to Vienna when he was 21, he studied conducting and composition at the University of Music and Performing Arts there. 10 years later he founded ensemble Klangforum Wien, which he directed for 7 years, and which he is still associated with as conductor. He later co-founded impuls, an International Ensemble and Composers Academy for Contemporary Music. In 1991 Beat became a Professor of Composition at the University of Music and Performing Arts in Graz, and has also been a guest professor in composition at the Music Academy in Frankfurt. Beat composed his first opera, Die Blinden, on commission by the Vienna State Opera. His second opera, Narcissus, was premiered as part of the Festival steirischer herbst at the Graz Opera. His work as a composer has awarded him a long list of impressive prizes, like the Golden Lion at the Venice Biennale in 2006 for his work FAMA, the Music Prize of the City of Vienna in 2004, and Great Austrian State Prize in 2014.

Beril Sarıaltun

Beril Sarıaltun er musiker, lyddesigner og produsent bosatt i Istanbul, Tyrkia. Hun spiller trommer og perkusjon, og har laget lyddesign og komponert musikk for teater. Hun er en av grunnleggerne og produsentene av plateselskapet BGST Records som støtter alternative lyder og moderne tilnærminger i musikkbransjen. I dag produserer hun podcastprogrammet K’nın Sesi (Voice of K), som presenterer lytteteater og samtaler basert på erfaringer fra kvinner, skeive og transpersoner med ulike bakgrunner knyttet til klasse, etnisitet, alder, seksualitet, og funksjonsevne. Hun har designet flere populære workshops og kurs, om blant annet musikkens grunnleggende elementer, musikkskaping med Ableton Live, og prinsipper for rytme og perkusjon. Hun er grunnleggeren av Beats By Girlz Turkey – en søstergruppe av Beats By Girlz, som styrker neste generasjons kvinner og kjønnskreative individer gjennom musikk og teknologi. Hun jobbet også som musikkkurator for den første utgaven av WOW Istanbul – en årlig kunst- og vitenskapsfestival som hovedsakelig holder til i London, og som feirer prestasjonene til kvinner og jenter og synliggjør hindringene de møter globalt.

Beril Sarıaltun is a musician, sound designer & producer based in Istanbul, Turkey. She plays drums and percussions, and has worked with sound design and composing music for theatre. She is one of the founders and producers of the record label BGST Records, which supports alternative sounds and contemporary approaches in the music industry. She is currently producing the podcast program K’nın Sesi (Voice of K). On the podcast you will hear audio drama plays and conversations based on experiences of women and LGBTQ+ people with diverse backgrounds relating to class, ethnicity, age, sexuality and ability. She has designed popular workshops and courses in several subjects, like Fundamentals of Music, Making Music with Ableton Live, and Principles of Rhythm & Percussion. She is the founder of Beats By Girlz Turkey – a chapter of Beats By Girlz, which focuses on empowering the next generation of women and gender-expansive individuals through music and technology. She also worked as a Music Curator for the first edition of WOW in Istanbul, an annual arts and science festival normally based in London that celebrates the achievements of women and girls, as well as looking at the obstacles they face globally.

Bill Dietz

Bill Dietz er komponist og forfatter, født i Arizona, USA. Han har vært kunstnerisk leder og dirigent for Ensemble Zwischentöne siden 2007, og har siden 2012 vært medformann for avdelingen for musikk og lyd ved Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts i New York. Arbeidet til Bill fokuserer på lytteopplevelsens historie, som blir presentert gjennom konserter og lydverk ved festivaler, men også i museer, leilighetsbygg og på gaten. I tillegg til å komponere lydverk, skriver han om dette i akademiske tidsskrifter og magasiner.

I 2013 grunnla han web-pulikasjonen Ear|Wave| Event sammen med Woody Sullender, som er en plattform som forsøker å bringe lyd inn i diskusjonene rundt kunst, ved å skrive om musikk gjennom et mer kunsthistorisk perspektiv. Han har gitt ut to bøker med lyttepartitur: én i serien hans Tutorial Diversions, som fremføres hjemme; og én bok med konsertstykker basert på historisk og moderne publikumsatferd. Han er også medforfatter av publikasjonen Universal Receptivity (2021) sammen med Kerstin Stakemeier, og har sammen med Amy Cimini vært redaktør for boken Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020).

Bill Dietz is an American composer and writer, born in Arizona, USA. He has been Artistic Director and Conductor of Ensemble Zwischentöne since 2007, and has since 2012 been co-chair of the Department of Music and Sound at Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts in New York. His work focuses on the history of the listening experience, which is presented as concerts and sound works in festivals, but also museums, apartment buildings and on the streets. In addition to composing sound, he also writes about this in academic journals and magazines. In 2013 he co-founded the web publication Ear|Wave|Event with Woody Sullender, which attempts to expand larger arts discourses to include the sonic by framing music criticism via a more art historical lens. He has published books with listening scores: one in his Tutorial Diversions series, which is meant to be performed at home; and one book of concert pieces based on historical and contemporary audience behaviour. He is the co-author of the publication Universal Receptivity (2021) together with Kerstin Stakemeier, and together with Amy Cimini he has edited the book Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020).

BIT20 Ensemble

BIT20 er et av Nordens ledende ensembler innen samtidsmusikk. Det har eksistert siden 1989 og ble født ut av et behov for å gi samtidsmusikken et løft i Bergen og Norge, og ble fort en spydspiss nasjonalt og internasjonalt. Ensemblet består av 16 faste musikere og de fleste er gruppeledere eller alternerende gruppeledere i Bergen Filharmoniske Orkester. Med en lidenskap for ny musikk, og fantastiske instrumentalister har BIT20 reist verden rundt med sitt repertoar – fra anerkjente festivaler og arenaer i Europa til land som Russland, Vietnam, Egypt og Canada.

The BIT20 Ensemble was formed in 1989 born out of a necessity to boost the contemporary music scene in Bergen and Norway. The ensemble rapidly became a spearhead both nationally and internationally. The BIT20 Ensemble consists of 16 musicians, several of whom hold principal or assistant principal positions in the Bergen Philharmonic Orchestra. They’ve taken their repertoire on the road, from renowned festivals and venues in Europe to destinations such as Russia, Vietnam, Egypt and Canada.

Dewa Alit & Gamelan Salukat

Som komponist er Dewa Alit en ledende skikkelse i sin generasjon på Bali, Indonesia. Dewa vokste opp i en familie av musikere i landsbyen Pengosekan på Bali, og var omgitt av balinesisk gamelan-musikk. I 1997, ett år før han ble uteksaminert fra Academy of Indonesian Performing Arts i Denpasar, grunnla Dewa og brødrene hans gamelan-gruppen Çudamani som turnerte internasjonalt, før han i 2007 grunnla Gamelan Salukat. Ordet Salukat er Dewa sin originale kombinasjon av to ord: Salu som betyr hus, og kat som betyr ”regenerering og sykluser av gjenfødelse”. Sammen skaper det et sted for nye former for kreativitet basert på tradisjon. Gamelan Salukat består av nye gamelan-instrumenter utviklet av Dewa selv, som gjenspeiler både hans sterke røtter i tradisjonell musikk så vel som hans håp om å møte utfordringene han står ovenfor ved å skape ny musikk på Bali. Hans verk Geregel (2000) var så innflytelsesrik at det ble utgangspunkt for en 50-siders analyse i tidsskriftet Perspectives on New Music skrevet av Wayne Vitale i 2002. I 2022 ble sporet Likad fra albumbet Chasing Phantoms hyllet som årets beste klassiske spor av The New York Times.

As a composer, Dewa Alit is a leading figure of his generation in Bali, Indonesia. His piece Geregel (2000) was so widely influential that it became the subject of a 50-page analysis in the journal Perspectives on New Music written by Wayne Vitale in 2002. Born to a family of artists in Pengosekan village in Bali, Dewa grew up surrounded by Balinese gamelan music. In 1997, a year before graduating from Academy of Indonesian Performing Arts in Denpasar, Dewa and his brothers founded the gamelan group Çudamani which toured internationally, before he founded Gamelan Salukat in 2007. The word Salukat is Dewa’s original combination of two words: Salu meaning house, and kat signifying regeneration and the cycles of rebirth. Together it creates a place for new creativities based on tradition. Gamelan Salukat is formed of new gamelan instruments developed by Dewa himself, reflecting both his strong root in traditional music as well as his hope to accommodate challenges he faces in creating new music in Bali. The New York Times selected Likad from the album Chasing Phantoms as one of the best classical tracks of 2022.

Elina Waage Mikalsen

Elina Waage Mikalsen er en multidisiplinær kunstner og musiker fra Tromsø, for tiden bosatt i Oslo. Hun arbeider med lyd, performance, tekstil, installasjon og tekst. Elina har sin bakgrunn i kunst og film, og ble i 2015 utnevnt til Årets unge kunstner ved den internasjonale urfolksfestivalen Riddu Riđđu. Siden da har hun vært med i en rekke gruppeutstillinger og performance-programmer. Elinas kunstneriske virke er tett knyttet opp mot hennes samiske og norske tilhørighet. Hun tar utgangspunkt i kropp og landskap, muntlige fortellertradisjoner og hullene i sin egen familiehistorie. Hun er opptatt av å ta det samiske blikket på verden på alvor, og hvordan mennesker og natur er uløselig forbundet. Hullene som fornorskningen har skapt i form av tap av språk og kulturarv er blitt et startsted for å fantasere og diskutere hva disse hullene representerer, hvilken materie de utgjør og hvordan de fortsetter å påvirke menneskene i våre samfunn. Som en de-kolonial praksis samler hun fragmenter av historier, materialer og praksiser og utforsker spenninger i mellomrommene, der det ambivalente og flertydelige befinner seg. Hun ser på tvetydighet som et viktig verktøy for å utfordre vestlige narrativ knyttet til kropp, landskap og dominante historiefortellinger.

I lydarbeidet kombinerer hun ofte stemmebruk med feltopptak, elektronikk og selvbygde instrumenter for å skape lydlige rom som legger seg et sted mellom virkelighet og fantasi. Det er lydens emosjonelle og narrative egenskaper som interesserer henne, og hvordan den kan fungere som en tidsmaskin, som får tiden til å kollapse og setter både fremtid og fortid i bevegelse.

Elina Waage Mikalsen is a multidisciplinary artist and musician from Tromsø, currently living in Oslo. She works with sound, performance, textile, installation and text. Elina has her background in art and film, and was awared the title Young Artist of the Year at the international indigenous festival Riddu Riđđu in 2015. Since then she has participated in a number of group exhibitions and performance programmes. Elina’s artistic work is strongly intertwined with her Sami and Norwegian background. Her work is based on the body and landscape, oral storytelling traditions and the gaps in her own family history. It’s important to her that the Sami view on the world is taken seriously, and how humans and nature are inextricably linked. The holes that the Norwegain assimilation has created in the form of loss of language and cultural heritage have become a starting point for imagining and discussing what these holes represent, what matter they constitute and how they continue to affect the people in our societies. As a de-colonial practice she collects fragments of stories, materials and practices, and explores interesting tensions in the spaces in between, where the ambivalent and ambiguous is found. She sees ambiguity as an important tool to challenge western narratives related to the body, landscape and dominant storytelling.

In her sound work, she often combines the use of voice with field recordings, electronics and self-built instruments to create aural spaces that lie somewhere between reality and fantasy. It is the emotional and narrative qualities of sound that interest her, and how it can function as a time machine, causing time to collapse and setting both the future and the past in motion.

Eline Rafteseth er en bassist og komponist fra Vestnes i Møre og Romsdal, bosatt i Bergen. Hun har en bachelorgrad i jazz fra Griegakademiet i Bergen, og driver bandet Shakai. Shakai deltok på turnéen Framtida i Norsk Jazz i 2016, og spilte samme år på den aller første utgaven av bransjefestivalen Vill Vill Vest. I 2018 slapp kvintetten sin debutplate, som ble spilt inn og produsert av den anerkjente produsenten Jørgen Træen i Duper Studio, og mastret av Iver Sandøy. Eline er også aktiv i de nyoppstartede trioene NH3 og Quorum Trio. I april 2022 ble Quorum Trio vinnere av utviklingsprogrammet Jazz i Sikte i Bergen, som ga dem spilletid under 50-årsjubileumet til Nattjazz. Konserten ble tatt opp, og gis ut i løpet av 2023. Eline driver i tillegg Playdate – en godt etablert konsertserie for improvisert musikk med tilholdssted på Landmark, Bergen Kunsthall. Eline er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Eline Rafteseth is a bass player and composer from Vestnes in Møre and Romsdal, living in Bergen. She holds a Bachelor’s degree in Jazz from the Grieg Academy in Bergen and runs the band Shakai. In 2016, Shakai toured with The Future of Norwegian Jazz and played the festival for new talent, Vill Vill Vest. In 2018, the quintet released their debut album, which was recorded and produced by the renowned producer Jørgen Træen in Duper Studio and mastered by Iver Sandøy. Eline is also active with the newly established trios NH3 and Quorum Trio. In April 2022, Quorum Trio won Jazz i Sikte in Bergen, granting them a spot at Nattjazz, one of the biggest jazz festivals in Norway. A record of this performance will be released in 2023. Eline also runs Playdate – a well-established concert series for improvised music based at Landmark in Bergen Kunsthall. Eline takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Else Olsen S.

Else Olsen S. er komponist, musiker og pedagog, utdannet ved Norges musikkhøgskole og gjennom egenstudier med de amerikanske komponistene Pauline Oliveros og Christian Wolff. Else sin utøvende praksis kan kjennetegnes med alternative spilleteknikker, leketøysinstrumenter og preparert piano. Hun eksperimenterer med blanding av sjangre, hvor hun blant annet trekker inn elementer fra bedehusmusikk og folkemusikk. I 2015 ferdigstilte hun sitt stipendiatarbeid, som har tittelen Open form – en utvidet utøverrolle. Dette prosjektet dreier seg om tolkning og framføring av verk med ukonvensjonell notesymbol, notert med grafikk, tekst eller tall, noe som også kjennetegner hennes egne verk.

Else Olsen S. is a Norwegian composer, musician and teaching artist. She received her education at the Norwegian Academy of Music and through studies with the American composers Pauline Oliveros and Christian Wolff. Her work is experimental, mixing genres such as Norwegian chapel house music and folk music. Her practice can be recognised by the use of extended instrumental techniques, toy instruments and prepared piano. In 2015 she finalised her doctoral work, which carries the title Open Form – An Expanded Performer’s Role. The project is about the interpretation and performance of works with unconventional notation, such as text or graphic scores, which also recognises her own way of notating music.

Elvin Brandhi

Elvin Brandhi er en improviserende tekstforfatter, produsent og lydkunstner fra Bridgend i Wales. Hun lager normbrytende beats av feltopptak, kassetter, vinylplater, instrumenter og vokal. Resultatet er et nytt og utvidet språk som bruker lyd og stemme for å bryte med gjengrodde systemer og kjent syntaks. Live-showene til Elvin Brandhi er eksplosive med en urokkelig energi, der hennes sarkastiske bevissthetsstrøm vibrerer med rastløs, glitchy tyngde.

Elvin Brandhi is a improvising lyricist, producer and sound artist from Bridgend, Wales, who builds aberrant beats from field recordings, tape, vinyl, instrument and voice. Using sound and voice as an expansive language transgressing deep-rooted systemics and inherited syntactical etiquettes, her live shows are unyielding bursts of erupting animation where her caustic stream of consciousness vibrates with restless, glitched out heaviness.

Ensemble Contrechamps

Contrechamps er et ensemble av solister spesialisert på å skape, utvikle og formidle instrumentalmusikk fra det 20. og 21. århundre, med tilholdssted i Genève, Sveits. Ensemblet streber etter å fremføre i nye formater, slik som å skape installasjonsforestillinger, radiofoniske konserter, forskningslaboratorier eller virtuelle omvisninger. Ensemblet er en hybrid, både orkester og kollektiv, noe som gjør det mulig å tilpasse seg en rekke kunstneriske begrensninger og forslag, avhengig av hvilke artister de jobber med. Contrechamps samarbeider også med Universitetet for musikk i Genève, noe som lar medlemmene være nært tilknyttet de ferskeste ideene, og lar dem formidle sin ekspertise til de kommende generasjonene. I over 40 år har Ensemble Contrechamps jobbet tett sammen med et stort antall komponister, dirigenter og artister. Ensemblet har spilt inn over 20 album, og har nylig gitt ut et portrett-album med musikk av komponisten Bryn Harrison i surroundlyd på plateselskapet Neu Records. Et liknende albumprosjekt er planlagt i 2023 med Chiyoko Szlavnic. Ensemblets nyeste plate, i samarbeid med perkusjons-kollektivet Eklekto og dedikert til Steve Reich sitt Music for 18 Musicians ble tildelt en Choc på det franske magasinet Classica.

Contrechamps is an ensemble based in Geneva, Switzerland, consisting of soloists specialised in creating, developing and performing instrumental music of the 20th and 21st centuries. The Ensemble strives to develop fresh formats such as installation performances, radiophonic concerts, research laboratories or virtual tours. The ensemble is a hybrid, both orchestra and collective, which enables it to adapt to a variety of artistic constraints and to the proposals of the artists it works with. Within this context, Contrechamp’s partnership with the Geneva University of Music is a meaningful collaboration, as it allows its members to remain in touch with the freshest ideas, as well as impart their expertise to coming generations. For over 40 years, Ensemble Contrechamps has been working closely with a large number of composers, conductors and artists. The

Ensemble has made over twenty recordings, and has recently released a CD portrait of composer Bryn Harrison in surround sound under the Neu Records label. A similar album is scheduled in 2023 with Chiyoko Szlavnic. The ensemble’s latest record in collaboration with percussion collective Eklekto and dedicated to Steve Reich’s Music for 18 Musicians was awarded a Choc by the French magazine Classica.

Ensemble Zwischentöne

Ensemble Zwischentöne ble grunnlagt i Berlin av komponisten Peter Ablinger, og har siden 2007 blitt drevet av deres kunstneriske leder Bill Dietz. Det startet som et kurs for eksperimentell musikk og improvisasjon ved Musikschule Kreuzberg i 1988, og ensemblet har forblitt en sammensetning av profesjonelle musikere, semi-profesjonelle musikere, og ikke-musikere. Denne bevisste blandingen ble tenkt på som en mekanisme for å unngå fallgruvene ved konservatorietrening, trangsynte oppfatninger av talent, og for å sikre at de fortsetter å stille seg spørrende til hvor langt grensene kan flyttes – noe de anser som ensemblets hovedoppgave. I de første årene fokuserte ensemblet på samarbeid med Berlin-baserte artister som Sven-Åke Johansson og Rolf Julius. I senere tid har de fremført musikk av internasjonale komponister som Maryanne Amacher, Pauline Oliveros, Akio Suzuki og Christian Wolff.

Ensemble Zwischentöne was founded in Berlin by the composer Peter Ablinger, and has since 2007 been run by their Artistic Director Bill Dietz. Initiated as a course for experimental music and improvisation at the Musikschule Kreuzberg in 1988, the Ensemble remains comprised of a mixture of professional musicians, semi-professional musicians and non-musicians. This mixtures was a conscious choice formed as a mechanism to avoid the pitfalls of conservatory training, narrow-minded views on talent, and to ensure that they forever continue to question how far boundaries can be pushed, which they consider to be the ensemble’s mission. In its early years, the ensemble focused on collaborations with Berlin-based artists like Sven-Åke Johansson and Rolf Julius. In later years the ensemble has performed music by international composers such as Maryanne Amacher, Pauline Oliveros, Akio Suzuki and Christian Wolff.

Guoste Tamulynaite er en kunstner fra Litauen, bosatt i Oslo, utdannet ved Norges Musikkhøgskole. Som utøver og komponist er Guoste interessert i å undersøke kompleksiteten av enkeltstående ting, som en lyd, en bevegelse eller et objekt. Hennes verk kan beskrives som minimalistiske og surrealistiske, gjerne uten en underliggende fortelling, men likevel med veldig tydelige referanser som gir publikum anledning til å tolke og finne egne assosiasjoner. Guoste er opptatt av å behandle alle elementer som likeverdige når hun iverksetter mer enn bare lyd. Blant annet lager hun også kostymer og scenografi til sine verk. Guoste er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Guoste Tamulynaite is an Oslo-based artist from Lithuania, educated at the Norwegian Academy of Music. As a performer and composer Guoste is interested in exploring the complexity of individual things, such as a sound, a movement or an object. Her work can be described as minimalist and surreal, often without an underlying narrative, but still with very clear references which give the audience the opportunity to interpret and add their own associations. Guoste is concerned with treating all elements as equal as she activates more than just sound, for instance by making her own costumes and scenography for her performances. Guoste takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Halldis Rønning

Halldis Rønning er dirigent og fiolinist fra Bergen. Hun har dirigert utallige verdenspremierer og samtidsverk på konserter og festivaler i Europa og Skandinavia. Hun mottok sin første dirigentpris allerede som 18-åring, og har senere dirigert for alle symfoniorkestrene i Norge, men også for orkestre og ensembler i Sverige, Nederland og Vietnam. I senere år har Halldis gradvis bevegd seg over i et mer kreativt felt, ved å utforske improvisasjon med orkester, komponering og tverrkunstnerlige kunstprosjekter med samarbeid i fokus. Nå ligger hennes interesse i å utvide dirigentens bevegelser mot en mer performativ rolle, ved å bruke intuisjonen og sansene, som sterkere relaterer til andre kunstformer.

Halldis Rønning from Bergen, Norway is a conductor and violinist. She has conducted countless world premieres and contemporary pieces at concerts and festivals in Europe and Scandinavia. She received her first prize for her conducting skills already at the age of 18, and has later conducted for all of Norway’s symphony orchestras, but also orchestras and ensembles in Sweden, the Netherlands and Vietnam. In recent years, Halldis has gradually moved towards a more creative platform, exploring improvisation with orchestras, composition and collaborative art projects across disciplines. Following intuition and sensations, she is interested in expanding the conductor’s movements into a more performative role in stronger relation to other art forms.

Jack Sheen

Jack Sheen er en mangefasettert musiker fra Manchester, Storbritannia, som arbeider som dirigent, komponist og pådriver for dynamiske, sjangeroverskridende kunstprosjekt. Gjennom performative installasjoner i gallerier og varehus settes musikere, dansere, film og audio sammen i konstellasjoner. Jack er en pådriver for utvikling, og hans visjonære idéer bidrar til å bevege den klassiske musikken i nye retninger. Med hans bakgrunn og lidenskap for samtidsmusikk evner han å tolke viktige verk med stor innsikt og hell. Til tross for hans unge alder har han allerede arbeidet med ledende orkestre som London Symphony Orchestra, London Philharmonic, BBC Philharmonic, Britten Sinfonia, Royal Northern Sinfonia og Manchester Camerata. Forrige sesong var han gjestekunstner ved Tanglewood Music Centre.

Jack Sheen is a musician, conductor and composer from Manchester, UK, who champions modern and contemporary music whilst being equally at home in classic repertoire, giving performances that have been highly praised. His rare set of talents and passions drives a vision for the future of classical music, and he is an active force for change. Not yet 30, Jack has already worked with leading orchestras including London Symphony Orchestra, London Philharmonic, BBC Philharmonic, Britten Sinfonia, Royal Northern Sinfonia, and Manchester Camerata. Last season he was the Guest Artist at Tanglewood Music Centre. His own music encompasses concert works for orchestras, ensembles and soloists, alongside immersive performance-installations that disperse live musicians, audio, film, and dancers around spaces such as galleries or warehouses.

Jenny

Hval

Jenny Hval har de siste årene skapt et navn for seg selv som musiker og forfatter både i Norge og i utlandet. Tverrkunsterlige og grensesprengende er ord som gjerne brukes for å beskrive kunsten hennes, men Jenny sitt polyfoniske kunstnerskap er i grunn en umerkbar sammenblanding av musikalske, litterære, visuelle og performative måter å uttrykke seg på. Hennes kunstneriske særpreg er synlig, tilgjengelig, og merkelig komplekst på samme tid. Hennes siste album Classic Objects ble gitt ut i 2022.

Norwegian artist Jenny Hval has in recent years made a name for herself as a recording artist and writer both in Norway and abroad. Multidisciplinary and transgressive are words often employed to describe her art, but Jenny’s polyphonic artistry is in fact seamlessly interwoven between musical, literary, visual and performative modes of expression. Her artistic voice is altogether present, accessible and obscurely complex at the same time. Her last album Classic Objects was released in 2022.

Jessie Cox

Jessie Cox er komponist, trommeslager og stipendiat, og tar for tiden sin doktorgrad ved Columbia University. Han vokste opp i Sveits, har røtter i Trinidad og Tobago, og er bosatt i New York. LA Times har beskrevet Jessie sin musikk som noe av det mest eksperimentelle på lenge, med en overflod av overraskelser og gleder. Han har skrevet over 100 verk for ensembler, inkludert elektroakustiske verk, soloverk, kammer- og orkesterverk, verk for jazzensembler og kor. Han har skapt bestillingsverk og konserter for blant andre LA Phil, Ensemble Modern, Heidi Duckler Dance, JACK Quartet og International Contemporary Ensemble. Som utøver har han fremført over hele verden, med musikere fra hele verden. Jessie har deltatt på anerkjente festivaler og gitt ut musikk på plateselskaper som Aztec Musics Declic Jazz Label, Gold Bolus Recordings og Infrequent Seams. Hans akademiske utforsking har blitt publisert i tidsskriftet Sound American, og snart kommer en annen publikasjon ut på bloggen Castle Of Our Skins, om kritiske studier i improvisasjon. I tillegg har han presentert sitt akademiske arbeid på en rekke konferanser og festivaler.

Jessie Cox is a composer, drummer, and scholar, currently in pursuit of his Doctorate Degree at Columbia University. Growing up in Switzerland, and having roots in Trinidad and Tobago, he is currently residing in New York City. LA Times has described the listener experience of Jessie’s music as some of the most experimental in a long time, holding “a listener’s attention with surprises and delights aplenty”. He has written over 100 works for various musical ensembles including electroacoustic works, solo works, chamber- and orchestral works, works for jazz ensembles and choirs. He has created commissions and performances for LA Phil, Ensemble Modern, Heidi Duckler Dance, JACK Quartet, International Contemporary Ensemble, and more. As a performer, he has played all over the world, with musicians from all over the world. Jessie has par- ticipated at esteemed festivals and his music can be heard on Aztec Music’s Declic Jazz Label, Gold Bolus Recordings and Infrequent Seams, as well as others. His scholarly writing has been published in the journal Sound American, and he has another publication coming out on the Castle Of Our Skins’ blog, about Critical Studies in Improvisation. He has also presented his work at numerous conferences and festivals.

Jo David Meyer Lysne

Jo David Meyer Lysne er en instrumentbygger og komponist fra Gvarv i Telemark. De siste årene har han fordypet seg i robotikk, intonasjon og akustisk kammermusikk. I verkstedet og studioet på Gvarv bygger han selvspillende akustiske instrumenter knyttet opp mot pågående bestillingsverk for artister som Sanae Yoshida, Amalie Stalheim og Vilde&Inga. Bærebjelken i hans komposisjonspraksis er forankret i å undersøke hva en lyttesituasjon er eller kan være. Han streber etter å lage tydelige lyttesituasjoner, hvor lytteren opplever lyden innenfor en scenisk ramme, som kan gi en ny eller uventet lytteopplevelse. Han har de siste årene gitt ut en rekke album under eget navn; Meander på Øra Fonogram, og Henger i luften og Kroksjø på Hubro.

Jo David Meyer Lysne is an instrument builder and composer from Gvarv in Telemark. In recent years, he has immersed himself in robotics, intonation and acoustic chamber music. In the workshop and studio at Gvarv, he builds self-playing acoustic instruments connected to ongoing commissions for artists such as Sanae Yoshida, Amalie Stalheim and Vilde&Inga. The backbone of his compositional practice is rooted in examining what a listening situation is or can be. He strives to create clear listening situations, where the listener experiences the sound within a scenic framework, which can provide a new or unexpected listening experience. In recent years, he has released a number of albums under his own name; Meander on Øra Fonogram, and Henger i luften and Kroksjø on Hubro.

Jostein Stalheim

Allerede da Jostein Stalheim var 17 år ble hans første arbeid kringkastet på både radio og TV. Nå er han internasjonalt anerkjent som akkordeonist med solo-opptredener på en rekke festivaler og med samtlige internasjonale orkestre, og for hans arbeid som komponist, performer og soundpainter. Han har skrevet musikk for scenekunst innen ballett, video, teater og opera, og arbeidet i teater både som komponist og musiker, ved blant annet Det kongelige teater i København, Hordaland Teater, Den Nationale Scene, Den norske opera og ballet, og Carte Blanche. Den siste operaen hans Rosetta’s Stone hadde urpremiere i San Francisco i 2016 og ble nominert til semifinale i The American Prize. Han har samarbeidet med en rekke orkestre, ensembler og solister som bl.a. BFO, KORK, Sergej Osadchuk, Esa Pekka Salonen og Geir Draugsvoll. Jostein har også fremført verk av blant annet Georg Friedrich Haas med BIT20, Therese B. Ulvo med avgardEns og en rekke nye verk under UNM i Bergen 2018. Han er professor ved Høgskulen på Vestlandet.

When only 17 years old Jostein Stalheim’s first works were broadcast on both radio and television. Now he is internationally recognised as an accordion soloist performing at festivals and with several international orchestras, and for his work as a composer, performer and soundpainter. He has studied composition and accordion at the Royal Conservatory of Music in Copenhagen and at the Norwegian State Academy of Music. He has received commissions from ensembles both in Norway and abroad. Stage music now comprises a considerable part of his production; including the opera Pr.Warrants Progress and the ballets; Watch, Volatile!, Alrekr and Kast. He has worked in theatres both as composer and musician, at The Royal Theatre in Copenhagen and around Norway. Jostein also composed the science opera Rosetta’s Stone which premiered in San Francisco in 2016 and was nominated in the semi-finale of The American Prize.

Juliet Fraser

Juliet Fraser er en britisk sopran, og spesialiserer seg på de knotete kantene av moderne klassisk musikk. Hun er internasjonalt anerkjent for å engasjere seg i tolkning av ny musikk, og dukker jevnlig opp som gjestesolist med ensembler som Musikfabrik, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Remix, Talea og Quatuor Bozzini, samt i duo sammen med Borealis-artist og pianist Mark Knoop. Hun er også et kjernemedlem av vokalensemblet EXAUDI, som hun grunnla sammen med komponist og dirigent James Weeks i 2002. Juliet er en populær solist for nyskrevet musikk og har jobbet spesielt tett med komponistene Laurence Crane, Pascale Criton, Bernhard Lang, Cassandra Miller og Rebecca Saunders. Juliet er også kunstnerisk leder for festivalen eavesdropping i London, direktør sammen med Newton Armstrong og Mark Knoop av all that dust

– et lite plateselskap for ny musikk, og programleder for VOICEBOX – et flunkende nytt studieprogram for utøvende samtidssang.

Juliet Fraser is a British soprano vocalist who specialises in the gnarly edges of contemporary classical music. She is internationally recognised as a committed interpreter of new music, and regularly appears as guest soloist with ensembles such as Musikfabrik, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Remix, Talea and Quatuor Bozzini, and as a duo with Borealis artist and pianist Mark Knoop. She remains a core member of vocal ensemble EXAUDI, which she co-founded with composer and conductor James Weeks in 2002. Juliet often performs new repertoire and has worked particularly closely with composers Laurence Crane, Pascale Criton, Bernhard Lang, Cassandra Miller and Rebecca Saunders. Juliet is also Artistic Director of the festival eavesdropping in London, co-director with Newton Armstrong and Mark Knoop of all that dust – a little independent label for new music, and Programme Director of VOICEBOX – a brand-new study programme for contemporary vocal performance.

Kari Robertson

Kari Robertson fra Edinburgh, Skottland, er billedkunstner, lærer og forsker bosatt i Nederland. Hun arbeider primært med tidsbaserte medier, og har de siste årene nøye undersøkt tanker om toksisitet og renhet, og utforsket de komplekse flokene mellom natur og kultur. Som del av hennes langsiktige forskning på disse miljøhensynene har kunstneren tatt utgangspunkt i vannets kretsløp for å tenke på vann som et kollektivt, levende og sansende arkiv – en eldgammel substans som husker og absorberer arven fra all menneskelig handling. Kari har nylig stilt ut på CCB, Bogota og TENT Rotterdam.

Kari Robertson from Edinburgh, Scotland, is a visual artist, teacher and researcher based in The Netherlands. Working primarily with time-based media, Kari has in recent years carefully examined the notions of toxicity and purity, and explored the complex entanglements between nature and culture. As part of her long-term research on these environmental concerns, the artist has taken the Hydrological Cycle as a starting point to think about the substance of water as a collective, living, and sensing archive; an inherently ancient matter, which remembers and retains legacies of all human endeavour. Kari has recently exhibited at CCB, Bogota and TENT Rotterdam.

Katarina Barruk

Katarina Barruk er kjent som en av Sábmies/Sápmis mest talentfulle liveartister. Hun er oppvokst i Lusspie (Storuman) og Gajhrege (Gardfjäll), men bor for tiden i Oslo. I løpet av det siste tiåret har Katarina turnert i hele Europa. Hun leverer en heftig, men dypt jordnær blanding av popmusikk, tradisjonell joik blandet med elementer av improvisasjon. Katarina synger på sitt morsmål, umesamisk. Språket står på UNESCOs rødliste over kritisk truede språk, men mange Umesámier tar språket tilbake. Hennes andre album, Ruhttuo (barskog) ble utgitt i 2022, og i 2020 mottok hun SKAPs Kulturbärarpris – en av Sveriges mest bemerkelsesverdige priser for skribenter og komponister.

Katarina Barruk is a Sámi artist who grew up in Lusspie (Storuman) and Gajhrege (Gardfjäll) in Sweden, and is currently based in Oslo. Her distinctive voice creates spaces for vulnerability and strength, as she delivers a fierce yet down-to-earth sound mixed with pop, traditional joik and improvisational elements. She sings in one of her mother tongues, Ume Sámi language. The language is on UNESCO’s red list of critically endangered languages, but many Umesámis are taking the language back. Katarina has toured throughout Europe. She released her second album, Ruhttuo (Boreal Forest) in 2022, and in 2020 she received SKAPs Kulturbärarpris – one of Sweden’s most eligible writer and composer prizes.

Kate Molleson

Kate Molleson er journalist og kringkaster bosatt i Edinburgh. Kate er programleder for New Music Show og Music Matters på BBC Radio 3. Hun skriver artikler for blant annet The Guardian, New Statesman og Prospect. I 2022 publiserte hun boken Sound Within Sound – a radical history of composers in the 20th century på Faber & Faber. Kate vokste opp i forskjellige deler av Skottland og nord i Canada. Hun studerte utøvende klarinett ved McGill University i Montreal og musikkvitenskap ved King’s College i London, og jobbet deretter som musikkritiker og spaltist for Montreal Gazette og vararedaktør i Opera Magazine, før hun ble musikkritiker av klassisk musikk for The Guardian i 2010.

Kate Molleson is a journalist and broadcaster based in Edinburgh. She hosts BBC Radio 3’s New Music Show and Music Matters. Her articles appear in The Guardian, the New Statesman, Prospect and elsewhere. Her book Sound Within Sound – a radical history of composers in the 20th century was published by Faber & Faber in 2022 to widespread acclaim. Kate grew up in various parts of Scotland and the north of Canada. She studied clarinet performance at McGill University in Montreal and musicology at King’s College in London, then worked as a music critic and columnist for the Montreal Gazette and deputy editor of Opera Magazine, before becoming The Guardian’s classical music critic in 2010.

Kjersti Alm Eriksen

Kjersti Alm Eriksen er utdannet designer ved Gerrit Rietveld Academie i Amsterdam. Via installasjonskunst og performance beveget hun seg inn i scenekunsten, og våren 2019 avsluttet hun en master i teater med spesialisering i scenografi ved Kunsthøgskolen i Oslo. De siste årene har hun jobbet med eksperimentelle scenekunstprosjekter med dans og teater på usedvanlige steder, såvel som selvstendige billedkunst-prosjekter. Arbeidet hennes drives av en nysgjerrighet for objekters og steders iboende historier, og deres interaksjon med omverdenen.

Kjersti Alm Eriksen holds a BA in design from the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Her interest in performance and installation brought her towards the performing arts, and in 2019 she graduated from the Oslo National Academy of the Arts with an MA in Theatre, specialising in Scenography. She works with a variety of experimental dance and theatre projects, often in places unusual to see these practices, as well as with solo projects within Fine Arts. In a constant dialogue with the past, present, and future of a site, Kjersti’s work explores the mechanisms of everyday life through the movements of objects and their interaction with their surroundings.

Knut Vaage

Knut Vaage er bosatt i Bergen hvor han livnærer seg som komponist. Han har utdanningen sin i klaver og komposisjon fra Griegakademiet i Bergen. Knut har vært aktiv innenfor flere stilarter, men med hovedvekt på improvisasjon- og samtidsmusikk. Han har i flere prosjekter utforsket grensene mellom improvisasjon og komposisjon. Utvikling av et hybrid akustisk/elektronisk lydbilde er et annet viktig tema i hans musikk. Knuts produksjon spenner fra symfoniske verk og opera, til solostykker. Musikken hans er ofte framført på konserter og festivaler i inn- og utland. Han ble nominert til Nordisk råds musikkpris i 2022 for verket Hybrid spetakkel, urfremført på Borealis i 2019.

Knut Vaage lives in Bergen where he works as a composer. He graduated as a pianist and composer from the Grieg Academy in Bergen. Knut has worked in different genres, but concentrates on improvised and contemporary music. Many of Knut’s projects have investigated the boundaries between improvisation and composition. His production ranges from symphonic works and opera to solo pieces. His music is frequently performed at concerts and festivals in Norway and abroad. Knut was in 2022 nominated to the Nordic Council Music Prize for the work Hybrid Spectacle, premiered at Borealis in 2019.

med alt fra innspilling av album, live-opptredener, filmatiske og kunstneriske lydspor. Hun er mester i el-fiolin, Apache-fiolin, piano, elektrisk gitar, keyboard, perkusjon, i tillegg til at hun ofte synger gjennom megafon og gjør feltopptak. Laura har opptrådt på The Whitney Museum of American Art og The Museum of Modern Art i New York, The Toronto Biennial i Ontario, Musée d’Art Contemporain de Montréal, og Centre Pompidou i Paris, samt utallige etablerte og DIY-arenaer i USA, Canada og Europa. I 2008 grunnla Laura the Coast Orchestra, et ensemble sammensatt av amerikanske urfolk, som fremførte et live soundtrack til The Land of the Head Hunters (1914) regissert av Edward Curtis – den første stumfilmen der samtlige i rollebesetningen var amerikanske urfolk. Lauras videosamarbeid My Soul Remainer er en del av samlingen til Baltimore Museum of Art i Maryland.

Laura Ortman is from White Mountain Apache and lives and works in Brooklyn, New York. She is a soloist and vibrant collaborator who works across recorded albums, live performances, filmic and artistic soundtracks, and is versed in amplified violin, Apache violin, piano, electric guitar, keyboards, percussion, often sings through a megaphone, and is a producer of capacious field recordings. She has performed at The Whitney Museum of American Art and The Museum of Modern Art in New York, The Toronto Biennial in Ontario, the Musée d’Art Contemporain de Montréal, and the Centre Pompidou, Paris, among countless established and DIY venues in the US, Canada, and Europe. In 2008 Laura founded the Coast Orchestra, an all-Native American orchestral ensemble that performed a live soundtrack to Edward Curtis’s film In the Land of the Head Hunters (1914), the first silent feature film to star an all-Native American cast. Laura’s video collaboration My Soul Remainer is in the collection of the Baltimore Museum of Art in Maryland.

Linda Lamignan

Laura Ortman er fra White Mountain Apache, og bor og arbeider i Brooklyn, New York. Hun er en solist og en ivrig samarbeidspartner som jobber

Linda Lamignan er billed- og performancekunstner fra Sandnes, bosatt i København. Arbeidene deres forteller historier om opplevelsen av å flyte mellom forskjellige verdener. Gjennom video, musikk, objekter og performance utforsker Linda opplevelser knyttet til vandring og diaspora, transformasjon og kjærlighet. Med en animistisk tilnærming jobber de med materialer knyttet til industri, historier, levende landskap og kulturelle relasjoner mellom Vest-Afrika og Skandinavia. Linda tok sin MFA-grad ved Det Kongelige Danske Kunstakademi i København og sin BFA-grad ved Kunstakademiet i Oslo.

Linda Lamignan is a visual and performance artist from Sandnes, Norway, based in Copenhagen. Their work tells stories about the experience of floating in-between different worlds. Through video, music, objects and performance, Linda explores notions related to wandering and diaspora, transformation and love. With an animistic approach, they work with materials connected to the industries, histories, living landscapes and cultural relations between West Africa and Scandinavia. Linda received their MFA degree at the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen and their BFA degree at the Academy of Fine Art in Oslo.

Lo Kristenson

Lo Kristenson skaper musikk som uttrykker motstand, hardhet og det klumsete, i samspill med det skjøre, sarte og sårbare. I sin kreative praksis søker Lo å utfordre sine egne arbeidsmetoder i samspill med andre musikere. Grunnstrukturen i musikken hennes kommer fra de personlige møtene mellom komponist og musiker. Hun har blant annet samarbeidet med den norske duoen Vilde&Inga, det danske kollektivet Damkapellet, Malvakvartetten, Kvinnoorkestern og Allegria. Som lydkunstner har Lo samarbeidet med Annika Liljedahl, skulpturer av insekter kombineres med insektlyder som menneskeøret vanligvis ikke kan høre. Lo ble i 2018 uteksaminert med en master i komposisjon fra Kungliga Musikkhögskolan i Stockholm, hvor hun blant annet studerte under Karin Rehnqvist. Arbeidene hennes har blitt presentert på plattformer som kunstgalleriet Artipelag, Norrlandsoperan, og festivalene Sound of Stockholm, Only Connect og KLANG festival.

Lo Kristenson creates music where expressions of resistance, harshness and clumsiness co-exist with fragile delicacy and vulnerability. In her creative practice Lo seeks to challenge her own ways of working in collective musical practices. The foundational structures for her music lie in the personal meetings between composer and musician. Among the ensembles that she has collaborated with are the Norwegian duo Vilde & Inga, Danish collective Damkapellet, Malvakvartetten, Kvinnoorkestern and Allegria. As a sound artist Lo has collaborated with Annika Liljedahl, where sculptures of insects meet insect sounds that our human ear normally cannot perceive. Lo is a 2018 graduate of the Mas- ter’s Programme in Composition from the Royal College of Music in Stockholm where she studied with, among others, Karin Rehnqvist. Her work has been presented at established platforms such as the art gallery Artipelag (SE), Norrlandsoperan, the festivals Sound of Stockholm, Only Connect (NO) and KLANG festival (DK).

Luke Drozd

Luke Drozd er en kunstner og kulturprodusent fra Storbritannia, bosatt i Bergen. Han utforsker fortellinger av historisk, folkloristisk og spekulativ karakter. Dette gjør han gjennom kollasj-inspirerte metoder, samling av objekter og improvisasjon i samarbeid med andre. Resultatene er tverrfaglige kunstneriske verk som tar form som alt fra skulpturer og trykk, til performance og lyd. Luke har integrert lyd mer og mer inn i sin praksis de siste årene. Stemme, språk og innsamlet lydmateriale er sentrale biter i verkene hans. Noen ganger er disse verkene produsert under kallenavnet Misery Bacon, eller som en halvpart av Reet Maff’l – en ‘spoken-weird’ duo, med kunstner og musiker Andy Abbott. I tillegg er Luke aktiv på Bergen sin lokale radio-plattform Vers Libre, hvor han er vert for Thunks & Thuds – et program for eksperimentell musikk. Han driver også plateselskapet for eksperimentell musikk Bloxham Tapes. Luke er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Luke Drozd is an artist and cultural producer originally from the UK, based in Bergen. His work explores historical, folkloric and speculative narratives through collage, collecting and collaborative improvisation. The results are multi-disciplinary artistic works including sculpture, print, performance and sound. Audio and sound has become an increasingly integral part of his work, with voice, language and found or collected sounds forming key elements. These works are sometimes produced under the moniker of Misery Bacon, or as one half of the ‘spoken-weird’ duo Reet Maff’l alongside artist and musician Andy Abbott. He is also the host of the experimental music radio show Thunks & Thuds on Bergen’s Vers Libre community radio platform and co-runs experimental music label Bloxham Tapes. Luke takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Maia Urstad

Maia Urstad er en kunstner bosatt i Bergen, som jobber i krysningspunktet mellom lyd- og billedkunst. Teknologisk utvikling og kommunikasjonsteknologi er gjennomgående temaer i arbeidene hennes, ofte med radioen som sentralt lydlig, visuelt og konseptuelt element. Disse verkene kommenterer det flyktige ved dagens teknologi, og hvilke spor og historier vi etterlater oss når nye oppfinnelser entrer vår hverdag. Maia har bidratt aktivt til den norske og internasjonale samtidskunsten siden 80-tallet. Hun er en del av det internasjonale lydkunstkollektivet Freq_out kuratert av CM von Hausswolff, og medgrunnlegger av Lydgalleriet i Bergen. Hun har vunnet priser som Rune Brynestads minnestipend – Norges gjeveste og største ettårige kunstnerstipend. Hennes solo-og samarbeidsprosjekter har vært presentert på mange ulike prestisjefylte arenaer i Norge og utlandet, blant annet på The XIV Biennial of Media Art (CL), Fundación PROA (AR), Ultimafestivalen (NO), Bonnhoeren (DE), Struer Tracks (DK), Lighthouse Brighton (UK) og Sonic Acts (NL).

Maia Urstad is an artist based in Bergen, Norway working at the intersection of audio and visual art. Technological progress and communications technology are pervasive themes in her projects. She uses radio as a key audio, visual and conceptual element, commenting on the temporary nature of present technology, and what traces and stories we leave behind when new inventions enter our daily lives. She has been an active contributor to the Norwegian and international contemporary art scene since the eighties. She is part of the international sound art collective Freq_out curated by CM von Hausswolff, and a co-founder of Lydgalleriet in Bergen. She has won prizes such as the Rune Brynestad’s memorial Grant – Norway’s finest and largest one-year grant for artists. Her solo and collaborative work has been presented in a wide range of prestigious spaces in Norway and abroad, such as The XIV Biennial of Media Art (CL), Fundación PROA (AR), Ultimafestivalen (NO), Bonnhoeren (DE), Struer Tracks (DK), Lighthouse Brighton (UK) and Sonic Acts (NL).

Maja S. K. Ratkje

Maja Solveig Kjelstrup Ratkje er komponist og utøver fra Trondheim. Musikken hennes involverer ofte sterke kontraster i leveringen av balanse og kinetisk handling, og noen ganger i skapelsen av sjokk eller effekt. Hun har en utrolig evne til å kontrollere vidt forskjellige materialer, og til å utnytte materialene med omtanke og tilbakeholdenhet. Maja streber etter større presisjon og frigjøring i notasjon, så selv om de fleste av partiturene hennes er notert, strekker mange av verkene seg forbi de tradisjonelle grensene av notasjon. Noen avslører hennes eget DNA som utøvende og improviserende musiker, mens andre verk ber utøvere om å improvisere eller produsere materiale selv. I hjertet av alt Maja skaper ligger hennes egen stemme – et gjennomgående verktøy for hennes unike uttrykk som tilegner seg en naturlighet og en nærhet til menneskelige sannheter. Det var gjennom utforskingen av hennes egen stemmes klangegenskaper at hun begynte å utnytte stemmen i komposisjon. I 2002 slapp hun albumet Voice – en katalog med tidligere uutforskede teknikker for vokalproduksjon, smeltet sammen med elektronikk. Dette albumet ble tildelt prisen Prix Ars Electronica. Hun har også mottatt andre priser i inn-og utland, deriblant to Edvardprisen, og UNESCOs Rostrumpris. Hun er i tillegg kjent som utøver, først og fremst av egne verker, og som improvisasjonsmusiker for gruppa SPUNK, og med Avant Joik.

Maja Solveig Kjelstrup Ratkje is a composer and performer from Trondheim, Norway. Maja’s music frequently involves stark contrasts, more often in the delivery of balance and kinetic action than in the creation of shock or effect. Her ability to hold disparate materials in her grasp is as apparent as her care and restraint with that material. While many of her scores are notated, many stretch beyond the confines of traditional notation in aspiring to both greater precision and greater liberation. Some reveal her DNA as a performing and improvising musician; some ask performers to improvise or produce material themselves. At its heart lies Ratkje’s own voice, an open door to her individual musicianship and a constant tool for realigning her work with natural expressions and human truths. Maja’s exploration of her own voice’s timbral properties led to its involvement in the compositional process. In 2002, she released the album Voice – a catalogue of previously unexplored vocal production techniques fused with electronics that was awarded the Prix Ars Electronica. She has also received other awards at home and abroad, including two Edvard Prizes, and UNESCO’s Rostrum Prize. In addition, she is known as a performer, primarily of her own works, and as an improvisational musician in the group SPUNK, and with Avant Joik.

Mariam Rezaei er komponist, turntablist, skribent og prisbelønt utøver. Musikken hennes har nylig blitt beskrevet som ’genuint banebrytende’ i London Jazz News 2022 og ’sonisk surrealisme med høy energi’ i The Guardian. I 2022 mottok hun Paul Hamlyn Foundation-prisen #AwardsForArtists, som hyllet hennes arbeid som komponist. Mariam har også en podkast om moderne turntablisme kalt These Are The Breaks … og er gjeste-DJ på Radical Scotland av Stewart Smith, begge på Repeater Radio. BOWN, hennes tredje album i triptyken BLUD : SKEEN : BOWN skal slippes senere i år. Hun har tidligere ledet ulike eksperimentelle kunstprosjekter, som TOPH, TUSK FRINGE og TUSK NORTH, og er kunstnerisk leder for TUSK Festival, som holder til i Newcastle og Gateshead.

Mariam Rezaei is a multi-award winning composer, turntablist, writer and performer. Her music has recently been described as ‘genuinely ground-breaking’ (London Jazz News 2022) and ‘high-velocity sonic surrealism’ (4* The Guardian 2022). In 2022, she received the Paul Hamlyn Foundation #AwardsForArtists, in recognition of her composition work. Mariam also presents a podcast on contemporary turntablism called These Are The Breaks… and is guest DJ on Radical Scotland by Stewart Smith, both on Repeater Radio. BOWN, her third album in the triptych BLUD : SKEEN : BOWN is due for release this year. She has previously led various experimental arts project, such as TOPH, TUSK FRINGE and TUSK NORTH, and is Artistic Director of TUSK Festival, based in Newcastle and Gateshead.

Mark Knoop er pianist og dirigent bosatt i London, og kjent for sine fryktløse opptredener og individuelle tolkninger. Hovedsakelig fokuser han på vår tids musikk, men med hans allsidige teknikk og erfaring gir han også nye tilnærminger til repertoaret fra 1900-tallet. Han fremfører jevnlig med ensembler, for eksempel Plus-Minus og Apartment House, og som duopartner med sopran Juliet Fraser. Han har vært dirigent for Scenatet, Britten Sinfonia, Crash Ensemble, og London Sinfonietta. Han har også bestilt, jobbet med og premiert utallige nye verk av respekterte komponister, inkludert Joanna Bailie, Bernhard Lang, Jennifer Walshe, Matthew Shlomowitz, Steven Kazuo Takasugi, Øyvind Torvund og Akiko Ushijima. Flere av hans innspillinger med musikk av komponister som John Cage, Morton Feldman og Bryn Harrison, har blitt hyllet. Mark opptrer regelmessig over hele Europa, Storbritannia og Australia, og har spilt i New Zealand, Sør-Korea, Mongolia, USA, Canada og på en rekke festivaler, blant annet for Borealis, sist i 2014. Han er også meddirektør for all that dust – et uavhengig plateselskap for ny musikk.

Mark Knoop is a pianist and conductor based in London, and is known for his fearless performances and individual interpretations. He mainly focussed on the music of our time, but his versatile technique and virtuosity also bring fresh approaches to the 20th-century repertoire. He often performs with ensembles including Plus-Minus and Apartment House, and as duo partner with soprano vocalist Juliet Fraser. He has also conducted for Scenatet, Britten Sinfonia, Crash Ensemble, and London

Sinfonietta. He has commissioned and premiered countless new works with many respected composers, including Joanna Bailie, Bernhard Lang, Jennifer Walshe, Matthew Shlomowitz, Steven Kazuo Takasugi, Øyvind Torvund, and Akiko Ushijima. His recordings of music by John Cage, Morton Feldman and Bryn Harrison have been highly praised. Mark performs regularly throughout Europe, the United Kingdom and Australia, and has played in New Zealand, South Korea, Mongolia, United States of America, Canada, and at a long list of festivals, including Borealis, last in 2014. He is also co-director of all that dust – an independent record label for new music.

Maryanne Amacher

Maryanne Amacher ble født i 1938 i Pennsylvania, USA. I 1955 startet hun studier ved University of Pennsylvania, hvor hun møtte mange store komponister og teoretikere. Maryanne mottok senere en lang rekke med internasjonale stipender og fellowships, blant annet et fellowship ved University of Illinois’ Experimental Music Studio. Her møtte hun John Cage, som hun skulle fortsette å samarbeide med i mange år fremover, og blant annet skape verkene Lecture on the Weather (1975) og Close Up (1979) med – lydkomponenten til John sin ’maraton-tekst’ Empty Words (1974). Ved overgangen til 80-tallet utviklet Maryanne Music for Sound-Joined Rooms og Mini Sound Series – prosjekter som nærmest fungerte som presentasjonsmodeller for hvordan hennes videre arbeid skulle iscenesettes. På denne tiden arbeidet hun også med Intelligent Life, et drama i flere deler, som opprinnelig skulle bli kringkastet på både TV og radio samtidig. Selv om dette prosjektet aldri ble fullstending realisert, sier det mye om Maryanne Amacher sin tankegang om musikk, og det store potensialet hun så i fremtidige lyttere sin mulighet til å overkomme sosiale og fysiologiske begrensninger slik vi kjenner dem. På 90-tallet arbeidet Maryanne mye internasjonalt, samtidig som hun komponerte et stortstilt verk for Kronos-kvartetten, mottok et Guggenheim-fellowship, fremførte på Woodstock ’94 og ga ut albumet Sound Characters. På 2000-tallet deltok hun på Whitney-biennalen og ble del av fakultetet ved Milton Avery Graduate School of the Arts ved Bard College. I 2005 mottok hun Ars Electronica Foundation sin høyeste utmerkelse, Golden Nica, før hun døde i Kingston, New York, sommeren 2009 etter å ha pådratt seg en hodeskade og et påfølgende hjerneslag.

Maryanne Amacher was born in 1938 in Kane, Pennsylvania, USA. She enrolled in the University of Pennsylvania in 1955, where she met many great composers and theorists. Maryanne went on to hold a series of international stipends and fellowships, amongst them the fellowship at University of Illinois’ Experimental Music Studio. Here she met John Cage, who she continued to collaborate with for many years, creating the works Lecture on the Weather (1975) and Close Up (1979) – the sound component for John’s ‘marathon text’ Empty Words (1974). During the transition to the 80s Maryanne developed Music for Sound-Joined Rooms and Mini Sound Series – project which worked as presentational models for how her subsequent work should be staged. During this time she also worked on the materials for a multi-part drama originally imagined for TV and radio simulcast called Intelligent Life. While never fully realised, this work reveals much of Maryanne’s thinking on music and the advancement of potentialities for future listeners, transcending the social and physiological limitations of music as we know it. In the 90s, Maryanne continued to work internationally, and in the US she was commissioned to compose a large-scale work for the Kronos Quartet, received a Guggenheim Fellowship, performed at Woodstock ’94, and released her album Sound Characters (1999). In the 2000s, she participated in the Whitney Biennial, and joined the faculty of the Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College. In 2005 she received Ars Electronica Foundation’s Golden Nica, their highest honour. Amacher died in Kingston, New York after sustaining a head injury and a subsequent stroke during the summer of 2009.

Mira Thiruchelvam

Mira Thiruchelvam er en fløytist, komponist og tekstforfatter fra Bergen, med tamilske røtter. Hun har bakgrunn i carnatisk klassisk musikk, men har stort sett eksperimentert med musikk på egen hånd. Dette har skapt komposisjoner som er fryktløse og frigjørende, i et lydlandskap som smelter sammen sør-indisk klassisk musikk, etnisk progressiv og ethio-pop, med tydelige bånd til hennes egne familierøtter i Sri Lanka og krevende vokalperkusjon. I 2015 startet hun bandet 9 Grader Nord sammen med søsteren Dipha Thiruchelvam, hvor Mira komponerer, spiller bambusfløyte og gitar. I 2020 vant hun Edvard-prisen i kategorien Utfordrer for bandets debutplate Jaffna. I tillegg skaper hun musikk for ulike prosjekter innenfor hip hop, klassisk, jazz, rock, blues og folkemusikk, blant annet som produsent og arrangør for Gutu Abera, som har hatt enorm suksess i Etiopia. Sommeren 2022 stod hun på scenen sammen med Karpe i Oslo Spektrum, i det som blir omtalt som ”the most beautiful show in the world right now” av Rolling Stone.

Mira Thiruchelvam is a flautist, composer and lyricist from Bergen, Norway with Tamil roots. She has a background in Carnatic classical music, but has mostly experimented with music independently. This has led to fearless and liberating compositions, in a soundscape that fuses South Indian classical music, ethnic progressive and Ethio Pop, with clear links to her own family ties in Sri Lanka and impressively demanding vocal percussion. In 2015 she started the band 9 Grader Nord with her sister Dipha Thiruchelvam, where she composes, plays the bamboo flute and guitar. In 2020 she won the Edvard Award in the category Challenger for the band’s debut record Jaffna. She also creates music for various projects within different genres such as hip hop, classical, jazz, rock, blues and folk music. She’s had great success as producer and arranger for Gutu Abera whose music has been met with great acclaim in Ethiopia. In the summer of 2022 she featured on stage as part of Norwegian rap duo Karpe’s ten live show’s in Oslo Spektrum, which was met with raging reviews and named “the most beautiful show in the world right now” by Rolling Stone.

Nicole L’Huillier, born in Santiago, Chile, is an artist and researcher. Her work centres around the exploration of sounds and vibrations as a construction material to delve into questions of agency, identity, collectivity and vibrational imagination. It usually materialises as sound installations, vibrational and sonic sculptures, performances, and compositions. She holds a Ph.D. in Media Arts & Sciences from Massachusetts Institute of Technology. Her work has been recently shown in Transmediale, Sonic Acts, Kunsthalle Baden Baden, Ural Industrial Biennial, Bienal de Artes Mediales Santiago, Venice Architecture Biennale, and Ars Electronica.

Pinquins

Pinquins er en grenseoverskridende og eksperimentell trio som holder til i Oslo. Trioen ble etablert i 2008 og består i dag av Sigrun Rogstad Gomnæs, Jennifer Torrence og Ane Marthe Sørlien Holen. De er alle utdannet som utøvende slagverkere, og har hver for seg levd musikerlivet som frilansere i mange ulike sammenhenger. Trioen sitt hovedfokus er samtidsmusikk, og deres målsetning er å utfordre publikum og utvide formatet de jobber innenfor. De jobber i tette samarbeid med komponister og utøvere innenfor samtidsmusikk så vel som i andre sjangre. Med sitt svært visuelle repertoar og sin unike sceniske tilstedeværelse, har trioen gjort seg bemerket som et av de mest innovative, nyskapende og ledende ensemblene på den norske samtidsmusikkscenen.

Nicole L’Huillier fra Santiago i Chile jobber eksperimentelt og antidisiplinært gjennom lyd for å navigere i de porøse og fruktbare territoriene mellom kunst og vitenskap. Med vibrasjoner, klang og konverteringsverktøy utforsker hun handlinger som strekker seg forbi det menneskelige, og dykker ned i både mikroskopiske og kosmiske verdener. Nicole skaper ritualer med klang, og kroppslige, ikke-statiske rom av lyder og vibrasjoner, som utforsker identitet, fremmer følelser av tilhørighet, og får fantasien til å løpe fritt. Gjennom både nye og eldgamle teknikker for historiefortelling og skapelse strekker hun perspektivet forbi det menneskesentrerte for å praktisere oppbyggingen av avkoloniserte verdener. Nicole er også en eksperimentell musiker, trommeslager og halvparten av duoen Breaking Forms som befinner seg i space pop-sjangeren. Hun har nettopp fullført en doktorgrad i Media Arts & Sciences ved Massachusetts Institute of Technology.

Pinquins is a border-crossing and experimental trio based in Oslo. The trio was established in 2008 and consists today of Sigrun Rogstad Gomnæs, Jennifer Torrence and Ane Marthe Sørlien Holen. They are all trained as performing percussionists, and have each worked as freelancers in many different musical contexts. The trio’s main focus is contemporary music, and their aim is to challenge the audience and expand the format they work within. They work in close collaboration with composers and performers within contemporary music as well as in other genres. With its highly visual repertoire and its unique stage presence, the trio has made a name for itself as one of the most innovative and leading ensembles on the Norwegian contemporary music scene.

Rebecka Ahvenniemi

Rebecka Sofia Ahvenniemi er komponist og filosof født i Finland og bosatt i Oslo. For tiden er Rebecka kunstnerisk stipendiat ved Norges musikkhøgskole. Rebecka skriver partiturmusikk, ofte ved å kombinere akustiske instrumenter med elektroniske medier. I 2022 var Rebecka huskomponist for KODE i Bergen, og festivalkomponist for Kaustinen Kammermusikkfestival.

I mange av hennes musikalske verk, samt forskning og forfatterskap, engasjerer hun seg i spørsmål som angår kultur og samfunn i større skala. Hun har tidligere studert komposisjon av musikk, og filosofi, ved Universitetet i Bergen, Universitetet i Helsinki, Ferie Universitet Berlin og Columbia University. Hun avsluttet sin doktorgrad i filosofi høsten 2021 med avhandlingen Musical Composition as Lingering Reflection. Exploring the Critical Potential of Music. Hun har også undervist i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen og Musikkhøgskolen i Oslo, og vært foredragsholder ved Filosofisk institutt, Universitetet i Bergen.

Rebecka Sofia Ahvenniemi is a composer and philosopher from Finland, living in Oslo, and currently an Artistic Research Fellow at the Norwegian Academy of Music. Most of Rebecka’s music is written score music, often combining acoustic instruments with electronic mediums. In 2022, Rebecka was engaged as the house composer of KODE in Bergen, and as the festival composer of Kaustinen Chamber Music Festival.

In many of her musical works, as well as research and writing, she engages in questions that concern culture and society on a larger scale. Rebecka studied composition of Music and Philosophy at the University of Bergen, the University of Helsinki, Ferie Universitet Berlin, and Columbia University. She finished her doctoral degree in Philosophy in 2021 with the thesis Musical Composition as Lingering Reflection. Exploring the Critical Potential of Music. Further, she has taught composition at the Grieg Academy in Bergen and Musikkhøgskolen in Oslo. She has also been a lecturer at the Department of Philosophy at the University of Bergen.

Rob Waring

Rob Waring, opprinnelig fra New York, bosatte seg i Oslo i 1981. Siden da har han vært en sentral aktør innenfor samtidsmusikk og jazz som vibrafonist, perkusjonist og komponist. Han er førsteamanuensis ved Norges musikkhøgskole der han underviser i klassisk slagverk og jazzvibrafon. I 2019 introduserte han valgemnet balinesisk gamelan ved musikkhøgskolen, der studenter kan erfare å spille tradisjonell balinesisk musikk og få innsikt i denne musikkens grunnleggende teoretiske prinsipper. Rob bodde på Bali i 4 måneder i 2002 for å studere balinesisk musikk, noe som siden da har vært en uendelig stor inspirasjonskilde for ham. Både som komponist og utøver har Rob samarbeidet med musikere og ensembler som representerer et bredt spekter av stilarter og tilnærminger til musikk. Han har komponert bestillingsverk til en rekke kammerensembler, kor og solister, laget elektroakustisk musikk og bygd en lydinstallasjon med 64 datastyrte høyttalere. Han har nylig gjort en innspilling for ECM Records med en kvartett ledet av saksofonist John Surman. Med vibrafonist David Friedman har Rob gjort en duo-innspilling som skal utgis til våren. Rob har hatt samarbeid med Sisu slagverktrio over mange år. Et nytt verk som han komponerte for dem under pandemien skal urframføres høsten 2023.

Rob Waring, originally from New York, settled in Oslo in 1981. Since then he has been a central figure within contemporary music and jazz as a vibraphonist, percussionist and composer. He is Associate Professor at the Norwegian Academy of Music where he teaches classical percussion and jazz vibraphone. In 2019 he introduced the elective course “Balinese Gamelan” at the Academy, where students get hands-on experience playing traditional Balinese music, and insight into the music’s basic theoretical principles. Rob stayed in Bali for 4 months in 2002 to study Balinese music. That experience has been, and still is, a huge source of inspiration. Both as composer and performer, Rob has collaborated with musicians and ensembles that represent a broad spectrum of styles and approaches to music. He has composed commissioned works for chamber ensembles, choirs and soloists, created electroacoustic music and built a sound installation with 64 computer-controlled loudspeakers. He recently did a recording for ECM Records with a quartet led by saxophonist John Surman. With vibraphonist David Friedman, Rob has made a duo recording which is being released this spring. Rob has collaborated with Sisu Percussion Trio over many years. A new piece which he composed for them during the pandemic will be premiered in the fall of 2023.

Ruth Bakke

Ruth Bakke, født i Bergen, er komponist, organist og kordirigent som tok store deler av sin utdanning i USA på 60- og 70-tallet. Siden 1972 har hun arbeidet som organist og kordirigent i Bergen. Hun har blant annet jobbet som kirkeorganist i Storetveit kirke i 45 år, som også var konsertlokalet for hennes samarbeidsprosjekt med Anne Marthe Dyvi for Borealis i 2021. En sentral del av komposisjonene hennes er arbeidet med farge og rytme, noe som verk-titler som Illuminations og Chromocumuli gjerne kan antyde. Ruth har komponert store mengder kirke- og kammermusikk, arbeidet med multimedia og symfoniorkester, og undervist i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen.

Ruth Bakke was born in Bergen and works as a composer, organist and choir conductor. She did her studies in music in the US during the 60s and 70s. Since 1972 Ruth has worked as an organist and choir conductor in Bergen. She worked in Storetveit Church for 45 years, which is where she and Anne Marthe Dyvi performed their collaborative project at Borealis in 2021. A central part of her compositions is her focus on colour and rhythm, which titles like Illuminations and Chromocumuli can indicate. Ruth has composed a great amount of church and chamber music, has worked with multimedia and symphony orchestras and has taught composition at the Grieg Academy in Bergen.

Sigbjørn Apeland/Berit Opheim/Nils Økland

Sigbjørn Apeland, Berit Opheim og Nils Økland har samarbeidet i ulike musikalske prosjekter i over 30 år. Deres karrierer har bevegd seg mellom klassisk musikk, folkemusikk, jazz, improvisasjon, rock og mer. Denne musikalske nysgjerrigheten, og åpne synet på sjangre, har vært drivkraften deres gjennom lange karrierer med mange nasjonale og internasjonale turneer. Nils Økland er fiolin- og felespiller, og har gitt ut flere kritikerroste album under Nils Økland Band, med både Spellemannpris og Folkelarmpris under beltet. Han er kjent for sin nyskapende stil og tilnærming til folkemusikken, og er et stort forbilde for mange yngre felespillere – spesielt har han åpnet opp nye rom for hardingfela. Sigbjørn Apeland har vært en stilskaper innenfor sitt fag som organist og pianist i Norge og internasjonalt. Han har medvirket til nært hundre album innen flere sjangre der improvisasjon alltid er sterkt til stede. Berit Opheim er vokalist og har arbeidet mye med tradisjonell folkesang, med mange urfremføringer av nyskrevne verk bak seg, lang fartstid som pedagog ved Ole Bull Akademiet, og i samarbeid med kor. Samtidig har Berit hatt rollen som Nattens dronning og Papagena i en folketeater-oppsetning av Tryllefløyta, og medvirket i mange andre tverrfaglige prosjekter.

Sigbjørn Apeland, Berit Opheim and Nils Økland have collaborated in various musical projects for more than 30 years. Their careers have moved between classical music, folk music, jazz, improvisation, rock and more. Their musical curiosity and openness to genres have been their driving forces throughout long careers with lots of national and international touring. Nils Økland is a violinist and fiddle player, and has released several critically acclaimed albums as Nils Økland Band, having won both Norwegian Grammy and Folkelarm prize. He is known for his innovative style and approach to folk music, and is a great role model for many younger fiddle players –especially for those playing the Norwegian Hardanger fiddle. Sigbjørn Apeland has been at the forefront in his profession as an organist and pianist in Norway and internationally. He has been part of close to a hundred albums in a multitude of genres, but with improvisation always present. Berit Opheim is a vocalist and has worked extensively with traditional Norwegian folk song and has premiered many new works, educated young musicians for 30 years at the Ole Bull Academy, and collaborated with choirs. Berit has also played the role of The Queen of the Night and Papagena in a production of The Magic Flute, and participated in many other cross-disciplinary projects.

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK)

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK), med røtter helt tilbake til 1792, er ett av Norges fem helprofesjonelle militærkorps. SFMK utgjør et dynamisk og svært allsidig ensemble av 27 musikere. Korpset opptrer på mange arenaer, både i og utenfor Forsvaret, og behersker de fleste musikalske sjangre. Korpset har markert seg som et av Norges fremste ensembler, særlig innen samtidsmusikken – med urfremføringer, festivalopptredener, CD-utgivelser og utøverprisen fra Norsk Komponistforening i 2008. I 2010 mottok Peter Szilvay og Ingar Bergby, korpsets tidligere kunstneriske ledere, den samme utmerkelsen. I 2016 ble Kulturrådets ærespris tildelt Forsvarets musikk for deres innsats for norsk kulturliv gjennom 200 år.

The Norwegian Naval Forces Band (NNFB) is one of Norway’s five full-time professional military bands comprising 27 musicians of the highest professional standard. The band is a dynamic and versatile ensemble performing in a variety of settings both military and civilian, covering most genres. It has made its mark particularly in the field of contemporary music with numerous world premieres, festival appearances, CD-recordings and The Performer Award from the Norwegian Society of Composers in 2008. In 2016 The Norwegian Armed Forces bands received an honorary prize for their 200 year long contribution to Norwegian cultural life.

Sofia Jernberg

Sofia Jernberg er en svensk eksperimentell vokalist, komponist, improvisator og utøver, født i Etiopia. Hun vokste opp i Etiopia, Vietnam og Sverige, og har siden 2011 bodd i Oslo. Som vokalist er hun dypt interessert i å utforske stemmens instrumentelle muligheter. Vokabularet hennes inkluderer lyder og teknikker som ofte motsier konvensjonell sangstil, som for eksempel ordløs vokal, og synging med delt tone, uten tone, og forvrenging. Sofia har fremført flere musikalstykker for teater, som Arnold Schönberg sin Pierrot Lunaire, og Salvatore Sciarrino sin Lohengrin. Mange komponister har spesialskrevet roller til henne, som i Emily Hall sin Folie à Deux og UR av Anna Thorvaldsdottir. Hun har opptrådt sammen med billedkunstner Camille Norment og tok del i stykket hennes Rapture under Veneziabiennalen 2015 og Lull vist på Festspillene i Bergen 2016. Hun er også å se i det 80-minutter lange filmverket Union of the North av Erna Ómarsdóttir, Matthew Barney og Valdimar Jóhannsson. Som komponist ligger hovedfokuset hennes i å blande komposisjon med improvisasjon.

Foruten å komponere for hennes egne ensembler, får hun jevnlig oppdrag fra andre, blant annet Barents komponistorkester, Sveriges Radio P2, Stockholm Jazzfestival, Trondheim jazzorkester, vokalensemblet Oslo 14, Klang – Copenhagen Avantgarde Music Festival og Ultima Contemporary Music Festival.

Sofia Jernberg is a Swedish experimental singer, composer, improviser and performer, born in Ethiopia. She grew up in Ethiopia, Vietnam and Sweden, and has since 2011 been based in Oslo, Norway. One of her deepest interests as a singer is to explore the instrumental possibilities of the voice. Her singing vocabulary include sounds and techniques that often contradict a conventional singing style. She has dug deep into nonverbal vocalising, split tone singing, pitchless singing and distorted singing. She has performed several staged music theater pieces like Arnold Schönberg’s Pierrot Lunaire and Salvatore Sciarrino’s Lohengrin. Composers have written roles especially with her in mind, like in Emily Hall’s Folie à Deux and Anna Thorvaldsdottir’s UR. She has performed together with visual artist Camille Norment and was a part of her piece Rapture for Venice Biennale 2015 and Lull during Festspillene i Bergen 2016. She is featured in the 80 minutes cinematic work Union of the North by Erna Ómarsdóttir, Matthew Barney and Valdimar Jóhannsson. As a composer, her main focus lies in blending improvisation and composition. Besides composing for her own ensembles, she regularly commissions for others. Previous commissions include: Barents composer orchestra, Swedish Radio P2, Stockholm Jazz Festival, Trondheim jazz orchestra, vocal ensemble Oslo 14, Klang –Copenhagen Avantgarde Music Festival and Ultima Contemporary Music Festival.

Susanne Xin er en norsk-vietnamesisk kunstner, pianist og musikkpedagog. Hennes komposisjoner er ofte tverrkunstneriske, og tar utgangspunkt i et tema eller en metode. For øyeblikket har hennes kunstneriske reise vendt blikket innover, og hun bruker ofte sine mange identiteter som en inngang til ulike forprosjekter: “Jeg er minoritetskvinne, skeiv og mine foreldre er flyktninger fra Vietnamkrigen. Det er mye materiale å hente fra disse perspektivene, og jeg synes det er utrolig spennende å tonesette disse minnene og historiene i ulike kunstneriske former”.

For tiden er hun med i TekstLab sitt Inkubator-program, og har komponert en dokumentarisk og tverrkunstnerisk soloforestilling som kombinerer musikk med bevegelse og tekst. Susanne har en bachelor i musikkpedagogikk med klaver som hovedinstrument fra Norges musikkhøgskole, og studerer for tiden medisin profesjon ved Universitetet i Oslo. Susanne er deltager i Borealis Ung Komponist 22/23.

Susanne Xin is a Norwegian-Vietnamese artist, pianist and music educator. Her compositions are often cross disciplinary, and are based on a specific theme or method. At the moment, her artistic journey has turned her gaze inwards, and she often uses her many identities as an entry point into various preliminary projects: “I am from a minority background, I’m a woman, I’m queer and my parents are refugees from the Vietnam War. There is a lot of material coming from these perspectives, and I find it incredibly exciting to set the tone for these memories and stories in various artistic forms ”.

Susanne is currently a member of TekstLab’s Incubator programme, and has composed a documentary and interdisciplinary solo performance which combines music with movement and text. Susanne has a Bachelor’s Degree in Music Pedagogy with piano as her main instrument from the Norwegian Academy of Music, and is currently studying medicine at the University of Oslo. Susanne takes part in Borealis Ung Komponist 22/23.

Thanusha Chandrasselan

Thanusha Chandrasselan fra Oslo er en mangefasettert danser, koreograf og pedagog. Hun arbeider innenfor og kombinerer en rekke stilarter, deriblant samtidsdans, break, house, popping og hiphop. I produksjonene sine fokuserer hun på bruk av dynamikk, energi og musikalitet, og trekker ofte inspirasjon fra røttene hun har fra Sri Lanka og tamilsk kultur. Hun har blant annet jobbet som danser for Marcus & Martinus, turnert i inn- og utland, og holdt workshops i Spania, Frankrike, Japan, SørKorea og Thailand. I tillegg til frilans-arbeid er hun instruktør på Quick Style Studio, et dansestudio for ungdom i Oslo som friskt kombinerer dansestiler og all type musikk, og utfordrer medlemmene sine fysisk, mentalt og følelsesmessig. Thanusha har studert streetdance på Edvard Munch VGS og prosjektledelse med kunst og kreativ næring på Høyskolen Kristiania.

Thanusha Chandrasselan from Oslo, Norway is a multifaceted dancer, choreographer and educator. She works with, and combines, a range of genres, including contemporary dance, break, house, popping and hip-hop. In her productions, Thanusha focuses on the use of dynamic, energy and musicality, often drawing inspiration from her Sri Lankan roots and Tamil culture. She has worked as a dancer for the Norwegian pop duo Marcus & Martinus, toured around Norway and abroad, and held workshops in Spain, France, Japan, South Korea and Thailand. In addition to freelance work, she is an instructor at Quick Style Studio in Oslo, known for combining genres of dance and music, and challenging its members physically, mentally and emotionally. Thanusha has studied street dance at Edvard Munch High School and project management specialised within creative industries at Kristiania University College.

Dr Thomas Schäfer, født i Hamburg, Tyskland, er direktør for International Music Institute Darmstadt og kunstnerisk leder for Darmstadt Summer Course. Han har studert historisk og systematisk musikkvitenskap, moderne tysk litteratur og filosofi ved Universitetet i Hamburg, og er medgründer av Working Group for Music in Exile ved Instituttet for musikkvitenskap der. Han har også en doktorgrad fra Universitetet i Humboldt, Berlin, omhandlende Gustav Mahler sin påvirkning på komponering av samtidsmusikk. Han har tidligere vært dramaturg for samtidsmusikk ved Wiener Konzerthaus og kurator for Wien Modern Festival.

Dr Thomas Schäfer, born in Hamburg, Germany, is Director of the International Music Institute Darmstadt and Artistic Director of the Darmstadt Summer Course. At the University of Hamburg he studied Historical and Systematic Musicology, Modern German Literature and Philosophy, and co-founded the Working Group for Music in Exile at the Musicological Institute there. He also holds a doctorate from the Humboldt University in Berlin, with a thesis about the compositional influence of Gustav Mahler in contemporary music. He has previously been Dramaturge for Contemporary Music at the Wiener Konzerthaus, and Curator of the Wien Modern Festival.

ritualistiske, kvernende landskap. Viktor har gjort seg bemerket på den eksperimentelle scenen i en rekke ulike prosjekter, særlig med sitt band Sex Magick Wizards som i 2022 turnerte Tyskland på kryss og tvers. I desember 2022 slapp han sitt første soloalbum, Sámi Noise, på Nice Things Records. På albumet er støy, joik, sampling og fuzz-lyder mesterlig sveiset sammen for å male bilder av undertrykkelse av urkultur, sinne og til slutt gjenopplivende frihet.

Viktor Bomstad is a Sámi experimental musician and traditional singer (joik). His work is largely improvisational with an unpolished and raw expression meeting ritualistic ever grinding and evolving landscapes. Viktor has been making his mark on the experimental scene, most notably with his fellow bandmates in Sex Magick Wizards with whom he has released two albums and toured Norway and Germany. In December 2022 Viktor released his debut solo album Sámi Noise on Nice Things Records. In the album, noise, joik, sampling and fuzz sounds are masterfully welded together to paint images of suppressed native culture, anger and at last rejuvenating freedom.

Vilde&Inga

Vilde&Inga er en eksperimentell strykeduo som spiller akustisk improvisert musikk. Ved å nærme seg instrumentene sine – fiolin og kontrabass – med nysgjerrighet og lekenhet, har duoen en utvidet klangfarge og stort spillerom. Deres åpne tolkninger lar musikken utvikle seg sakte og organisk, men likevel med en underliggende kompositorisk form og retningssans. De begynte å spille sammen i 2010 og studerte ved Norges musikkhøgskole i Oslo. I 2016 mottok de Lindemanprisen for unge musikere. Vilde &Inga turnerer over hele Norge og internasjonalt. I 2020 ble dobbeltalbumet How Forests Think gitt ut på det norske plateselskapet SOFA. Albumet er laget i samarbeid med den franske lydteknikeren og artisten Benjamin Maumus. Deres første album, Makrofauna, ble gitt ut på ECM i 2014, og Silfr på SOFA i 2017.

Viktor Bomstad er en samisk eksperimentell musiker og joiker. Hans musikk er sterkt preget av improvisasjon hvor det upolerte og støyete møter

Vilde&Inga is an experimental string duo playing acoustic improvised music. By approaching the violin and double bass with curiosity and playfulness, the duo has greatly expanded their timbre palette. Their wide horizons of colour allow the music to develop slowly and organically, yet with a keen underlying sense of compositional form. They started to play together in 2010 and studied at the Norwegian Academy of Music in Oslo. In 2016 they received the Lindeman Prize for Young Musicians. Vilde&Inga tour across Norway and internationally. In 2020 the double album How Forests Think was released on the Norwegian label SOFA. The album was made in collaboration with the French sound technician and artist Benjamin Maumus. Their first album, Makrofauna, was released on ECM in 2014, and Silfr on SOFA in 2017.

YrrY

YrrY kombinerer to av de eldste måtene å lage musikk på – stemmen og perkusjon – på nye og overraskende måter. Den bergensbaserte trioen utforsker akustikk, elektronikk og fysiske muligheter i improvisert og nyskrevet musikk. I anledning Borealis Ung Komponist er trioen gjort om til en kvartett ved å slå seg sammen med cellist Carmen Bóveda. Vokalist Mari Garcés utforsker spenningsfeltet mellom klassisk partiturmusikk og fri improvisasjon, med fokus på stemmens mulighet til å uttrykke følelser og identitet. Perkusjonistene Håkon Skjæret og Owen Weaver deler en lidenskap for ny musikk og uvanlige instrumenter, i tillegg til å være kollegaer i BIT20 Ensemble som utøvere og formidlere. Carmen Bovéda er cellist og startet i 2015 strykekvartetten Rosella som var med i første runde av Borealis Ung Komponist i 2017. Hun har også spilt og samarbeidet med flere kjente artister, som blant annet Aurora, Gabrielle og DePresno.

YrrY combines two of the world’s oldest means of making music – voice and percussion – in new and surprising ways. For this iteration of Borealis Ung Komponist they join forces with cellist Carmen Bóveda to form a quartet. Together they explore acoustic, electronic and physical possibilities in improvised and newly composed music. Vocalist Mari Garcés specialises in classical score music and free improv, focusing on the ability of the voice to express feelings and identity. Percussionists

Håkon Skjæret and Owen Weaver share a passion for new music and unconventional instruments, also working together in Bergen’s BIT20 Ensemble as performers and educators. Carmen Bovéda is a cellist and founder of the string quartet Rosella which aims to renew classical music and support experimental projects. She has also played and collaborated with renowned artists such as Aurora, Gabrielle and DePresno.

Ziúr

Ziúr er en eksperimentell produsent og musiker, og en bærebjelke i Berlins rike musikkmiljø. Hun produserer musikk med en dristig, fyldig og mangfoldig tekstur, med lyder som både er mekaniske og dypt menneskelige, leker hun med mekanisk isolasjon og det kaotiske spekteret av menneskelige følelser. I motsetning til filmmusikk kommer hennes musikalske narrativ helt uten bilde – her finner du intet annet enn stemningsfulle lyder som strekker seg mellom hver sang mot det kybernetiske. I 2021 ga hun ut det kritikerroste albumet, Antifate, som en oppfølger til de to EP’ene: Blur og Now Now.

Ziúr is an experimental producer and musician, and a fixture in Berlin’s rich musical scene. She produces music that is expansive, rich and diverse in texture, with sounds that are simultaneously machinistic and deeply anthropomorphic, toying with mechanical isolation and the chaotic spectrum of human emotion. Unlike a soundtrack or score, there is no film to which one can turn to give narrative to the music there are only evocative sounds reaching from each song towards the cybernetic. In 2021 she released her third album, Antifate, after two earlier EPs: Blur, and Now Now, all to critical acclaim.

Ørjan Matre

Ørjan Matre er en norsk komponist bosatt i Bergen. Han tilhører en generasjon norske komponister som tidlig utforsket og tilegnet seg det store orkesterformatet, og en stor del av Ørjans produksjon er derfor verk for orkester og større ensembler. Han har også jobbet mye som arrangør og tilrettelegger av andres musikk, og har i den sammenheng samarbeidet med musikere fra mange ulike sjangre, fra kor og folkemusikk, til improvisasjon, jazz og visesang. I 2023 er Ørjan huskomponist for Kode, Kunstmuseene i Bergen.

Ørjan Matre is a Norwegian composer living in Bergen. He belongs to a generation of Norwegian composers who early in their career explored and adopted the large orchestral format, and a large part of Ørjan’s works are therefore scored for orchestra and larger ensembles. He has also worked extensively as a transcriber and arranger of other people’s music, and in that context has collaborated with musicians from many different genres, from choirs and folk music, to improvisation, jazz, and singer-songwriters. In 2023, Ørjan is Composer in Residence for Kode, the Art Museums in Bergen.

Øyvind Skarbø

Øyvind Skarbø er trommeslager, komponist og produsent, bosatt i Bergen. Han studerte med Terje Isungset fra 2004–2006, og har også studert norsk, kubansk og nigeriansk tradisjonsmusikk. Øyvind har opptrådt på 31 album og spilt i 29 land med noen av de mest anerkjente jazz-musikerene i verden, blant annet Håkon Kornstad, Kris Davis og Fredrik Ljungkvist. I 2016 mottok han Vossajazz-prisen, og i 2022 vant han Edvard-prisen i kategorien Åpen klasse. Bandet hans Skarbø Skulekorps, hvor han også skriver all musikken, slapp sitt hyllede debut-album på Hubro i 2019. Det tredje albumet kommer i 2023.

Øyvind Skarbø is a drummer, composer and producer based in Bergen, Norway. He studied with Terje Isungset from 2004–2006, and has also studied Norwegian, Cuban and Yoruba traditional music. Øyvind has performed on 28 albums, and played in 28 countries with some of the top jazz musicians in the world, including Håkon Kornstad, Kris Davis and Fredrik Ljungkvist. In 2016 he received the Vossajazz Prize, and in 2022 he won the TONO Edvard award. His band Skarbø Skulekorps, for which he also writes all the music, released its widely praised debut album on Hubro in 2019. The third album will be released in 2023.

Øyvind Torvund

Øyvind Torvund er komponist, har studert i Oslo og Berlin, og spilt gitar i rockeband og improvisasjonsgrupper. Musikken hans er satt sammen av ulikt materiale og inkonsekvent tilnærming: Lyder fra rock og dagliglivet eller naturen, satt inn i kammermusikken; enkelhet i en kompleks kontekst; improvisasjon i sameksistens med nøyaktig notasjon; musikk kombinert med film eller projeksjoner; alvor satt opp mot humor. Musikkens hans har blitt fremført av alt fra asamisimasa til Oslo Filharmoniske Orkester, på festivaler og konsertsaler over hele verden. Torvund ble i 2016 nominert til Nordisk Råds Musikkpris, og vant sin andre Spellemannpris i 2020, i kategorien samtid sammen med BIT20 Ensemble for The Exotica Album, gitt ut på Hubro.

Norwegian composer Øyvind Torvund has played guitar in rock and improvising groups alongside regular musical studies in Oslo and Berlin. His music assembles disparate materials and inconsistent attitudes: sounds from rock or from everyday life or nature occurring in chamber music, simplicity in a complex context, improvisation coexisting with exact notation, music combined with film or projections, and seriousness in counterpoint with humour. Øyvind was nominated for Nordic Council Music Prize in 2016, and won his second Norwegian Grammy in the category Contemporary together with BIT20 Ensemble in 2020 for The Exotica Album, released on the label Hubro.