Arte contemporáneo, catálogo y bitácora semestral.

ARTE CONTEMPORÁNEO 2022 Bitácora

Francisca Escobar, 2022. Concepción.

Alumna Francisca Es Profesora Claudia

Introducción

En el siguiente trabajo, se realizará un análisis o una suerte de recopilación de elementos, que personalmente considero fundamentales para el entendimiento y comprensión de una serie de fenómenos, corrientes y estilos artísticos que datan de mediados del siglo XIX hasta el XX, haciendo una bajada al XXI Todo esto con la finalidad de hacer un catastro semestral de artistas, autores e ideas que refuercen el contenido visto en clase, con la ayuda de investigaciones paralelas, revisión de documentales, y textos atingentes que nos ayudaron a formar una perspectiva crítica y amplia del fenómeno artístico y del análisis de documentos/obras de arte desde nuestro tiempo y con una mirada amplia hacia el futuro El contenido de este catálogo abarca desde agostos a diciembre del presente año

Francisca Escobar, 2022. Concepción.

“El arte se encuentra en el cuerpo de uno mismo.”

Olivier de Sagazan

índice

Primeros acercamientos. 1-13

La modernidad y lo moderno. 14-17

Lo contemporáneo y lo moderno 18-19

Movimientos abstractos. 20-21

Proceso de abstracción. 22-23

Arte abstracto 24-25 Pop art. 26-27 Arte Conceptual. 28-29 Mujeres 30-31 Este nuevo arte. 32-33

Un poco más de contexto. 34-41 Fuentes, autores e ideas 42-43

Así con la historia del arte. 44

La música. 45 Conclusión 46-47

Recomendación y bibliografía audio visual. 48 Bibliografía. 49

Primeros acercamientos

Revisando la base de nuestro contenido, el punto de inicio.

Reconocimiento de obras de vanguardia

Una identificación de obras que comprenden los periodos: Cubismo, Fauvismo, Dadaísmo, Surrealismo, Expresionismo y sus influencias

Matisse Lebonheurdevivre (Laalegríadevivir) 1905-1906

MaxErnst LaPuberté proche ouLes Pléiades 1921

K Schwitters Merzbau 1933

OskarKokoschka Mujerenazul 1919

Braque Elportués,Cerety Paris otoño1911-iniciosde 1912

Braque Botesdepesca 1941

KurtSchwitters DasUndbild' 1919

Picasso LesDemoiselles d'Avignon 1907

Derain Paisajeenelestaque, 1906

Los materiales utilizados, la manera de pintar, de representar o presentar, es cada vez mas comprometida con la concepción de "obra" que posee el artista y no precisamente con la estética tradicional.

Picasso Panyfruterasobre mesa 1909

WassilyKandinsky Studyfor "CompositionII" 1910

Picasso Guitarrapartituray vaso 1912

MarcelDuchamp Egouttoir(orPortebouteilles) 1914/64

RenéMagritte TheMenaced Assassin 1926

Picasso RetratodeAmbroise Vollard1910,

¡Es definitivo! ya no hay vuelta atrás, es la explosión de algo nuevo, de lo viejo, lo inconsciente y lo consciente, pero nunca de manera inocente.

Braque ViaductoenL'Estaque 1908

RenéMagritte Latraicióndeloasimágenes 1929

"A medida que se desarrolla el ser humano, se amplía el círculo de las cualidades que encierra en sí diferentes objetos y seres. Cuando se alcanza un alto grado de desarrollo de la sensibilidad, los objetos y los seres adquieren un valor interior y, finalmente, un sonido interior"

(pág 52) De lo espiritual en el arte

Vasili Kandinski

La modernidad y lo moderno

Análisis de una fuente sobre arte moderno.

Un vistazo al texto critico y analítico de arte moderno y contemporáneo "Modernidad y lo moderno" de:

Ana María Guasch

Serealizaunanálisisdelaintroducciónaltextolamodernidadaldebatequenosayudaasituarnos temporalmenteycomprendereldesarrollo,tantodelcurso,comodelmismotexto

El libro, abarca una serie de situaciones y discusiones con respecto al arte y la representación, que comprende desde mediados del s XIX hasta finales del s XX; más específicamente, el arte francés y su cultura visual.

Las acepciones "moderno" y "arte" se encuentran aquí en una interacción constante. La autora parafrasea y cita conceptos e ideas globales de la practica artística de la cultura occidental, que es resultado de las practicas sociales. Modernidad y modernización son inseparables de las transformaciones socio económicas (el impresionismo, por ejemplo, es inseparable de la modernidad). La premisa es cómo podemos organizar los objetos que abarcan la definición de "arte moderno" El contexto situado, la forma en que relacionamos y agrupamos el arte afecta la forma en que vemos y analizamos el fenómeno artístico. Lo moderno en sí mismo, es una forma de diferenciación, por ejemplo, la obra de Jackson Pollock, quien realiza una aceptación del soporte y el mismo evidencia el proceso de trabajo (perspectiva Greenberiana), al igual que la obra Jubileo de Jasper Johns.

Baudelaire por su parte, entendería la modernidad como lo efímero, lo fugitivo, lo contingente. Lo que el artista está pintando y lo que se está representando tienen un significado, pero no son la misma cosa.

Desde esta perspectiva tan rica y precisa, este libro es considerado una fuente de suma importancia para una construcción de un novedoso y actualizado relato de la historia y el mundo de las artes aportando, por ejemplo, perspectivas contemporáneas de género.

Hasta aquí es indudable que tanto las clases como el material de refuerzo e investigación, me han aportado de manera significativa, a mi formación y a mi libre apreciación del arte.

El proceso de abstracción pareciera ser una característica importante en ciertos movimientos, no solo de la modernidad de la vanguardia, si no que también del arte contemporáneo

Lo contemporáneo y lo moderno

Sus paralelismos

Nos situamos en el contexto del romanticismo, a fines del siglo XIX:

-Realismo

-Impresionismo

-Postimpresionismo

-Primitivismo y Fauvismo

Cambia la forma y función del arte, paralelamente a la 1ra guerra mundial (luego la segunda años más tarde), los tratados de París y Versalles de 1898 y 1919 respectivamente, la implementación del ferrocarril en 1850 aprox Además del nacionalismo creciente y las revoluciones industriales serían el contexto en el que se desarrollarían las vanguardias artísticas.

El arte contemporáneo por su parte contempla técnicas diversas, contextualizadas en la globalización, la sociedad de consumo, políticas y estados capitalistas, medios diversos como la Performance, la fotografía, el arte Pop y el Kitsch; la sociedad actual no es ajena a la realidad, la religión, el estado o el capital.

Es por ello por lo que la denominación de moderno es una clasificación temporal pero también acontece a la actualidad. La modernidad se podría definir desde la filosofía, la ciencia o las artes, desde un concepto que denominamos vanguardia La abstracción, la no figuración y aquel proceso de enfatizar ciertos aspectos particulares, sería un fenómeno que se data de aprox. la 1ra guerra mundial, pero que algunos historiadores como Clement Greenberg situaría desde Manet un -cierto proceso de abstracción- característico de, lo que él mismo determina como “la modernidad pictórica”

Estos historiadores y críticos nos permiten analizar ciertos aspectos que caracterizan la modernidad, como por ejemplo el concepto de autonomía (concepto clave), donde podríamos decir que el arte abstracto se desarrolla bajo sus propias leyes y es autónomo bajo sus propios problemas, experiencias y formas artísticas, ya que no dependería de la representación o la referencia. Es por ello por lo que el artista moderno hablaría más de la forma en que está hecha su obra que de la temática en sí, esto se enfrentaría a la tradición occidental del arte académico.

El arte moderno critica la teoría y función del arte, ya no es la representación de la naturaleza, no es cronológico ni precisamente estético, pero contiene una gran sensibilidad. El arte Contemporáneo o el arte de nuestro tiempo, que se dataría de principios del siglo XX, es un arte inherente de lo humano como la sociedad de consumo, la religión, el estado y los intereses del capital (Performance, Ready made, Collage y Arte pop). Las vanguardias tampoco estuvieron exentas como el Surrealismo, Dadaísmo, Minimalismo, etc , de artistas contextualizados y seleccionadores El uso de sustancias y la interpretación de textos y fuentes psicológicas y filosóficas ayudarían a formar la idea del artista (idiolecto) en un periodo que comprendemos como modernidad y contemporaneidad, un nuevo contexto de arte

Tengo tatuada esta obra, literalmente en la pierna derecha y al igual que en el brazo izquierdo llevo también una obra de Magritte, ambos me embriagaron a primera vista, nunca supe tampoco por qué exactamente...quizá leí algo vago pero hoy comprendo el contexto que las envuelve, la razón de ser, ahora quiero mis tatuajes más que antes y sin dudas sé un poco mas sobre mi "yo" interno diria que mucho mas que antes

Movimientos abstractos ¿Menos es más?

Nos situamos en el Suprematismo; planean una plástica pura y sin una finalidad aparente, se diferencian entre sí en grandes grupos como asimétricas complejas y sencillas, también los “campos de color”. La abstracción geométrica por su parte es parte del programa del racionalismo imperante en el arte de este periodo, resalta el Constructivismo ruso, el Suprematismo, el Neoplasticismo y la Bauhaus.

La pérdida de la figuración y el espacio se podrían rastrear por ejemplo en la Abstracción Lírica e incluso el Cubismo o Manet.

El constructivismo ruso de Tatlin, Stepanova y otros fueron una gran inspiración para el movimiento de la Bauhaus de W. Gropius y Mies Van de Rohe.

El Neoplasticismo y el grupo de Stills ( Pier Mondrian, Teo van Doesburg, Gerit Rietvelt y la 1ra sede de la Bauhaus) crearían un movimiento globalizador, con objetos tipo como por ejemplo la silla Wasilly de Marcel Breuer, la silla Barcelona de Mies van der Rohe y los vitrales de Gropius y Adolf Meyer.

Encuentro un sentimiento de fiel entendimiento con la BAUHAUS, estudiar arquitectura es parte de mi proyecto personal, pero francamente nunca comprendí precisamente por qué... y ahí está, lo vi en clases, está en las calles de Chillán, En el UNCTAD III y hasta en la UDEC, es un planteamiento proyectado a gran escala, una quizás muy utópico para funcionar, funcionar con lo menos posible...integrando todo conocimiento. Aun así me muero al ver un cuadro que es tachado de "decorativo", estudiaré arquitectura algún día, espero

Proceso de abstracción.

Arte abstracto

No puedo dejar de pensar en el desarrollo de estas clases y en torno precisamente a estas consignas y revoluciones sociales, que toda base que tenía antes de llegar a la universidad era plenamente revolucionaria, el contacto e con estas nuevas lecturas del arte (nuevas para mi claramente) me hubiesen sido quizá imposibles de conectar por vía propia A gradezco la formación en cuanto a este tema, a nuestra docente Claudia Ortiz y su desarrollo teórico del curso, que hasta aquí ha demostrado ser capaz de nutrir y aumentar los conocimientos en torno al arte y su contexto social e histórico.

El arte abstracto por definición se separa a si mismo de lo “decorativo”, sus consignas son lo no figurativo, lo puro, lo elemental, universal y equilibrado, la esencia, se ven en este periodo la misma libertad del idealismo, un arte puro que no representa nada precisamente. Para Greenberg esto significaría asumir el soporte y bidimensional de la pintura o los medios utilizados, como diría Wasilly Kandinsky un sentimiento más profundo y espiritual. Estos lineamientos de liberación que plantearía el marxismo y el anarquismo, además de la búsqueda de un nuevo tipo de arte, entrañarían una necesidad humana de comprender el mundo, desde mucho antes de 1848, año en que el manifiesto comunista acompañaría a la obra de realistas como Millet. Cuyas temáticas serían retomadas años más tarde, por posimpresionistas como Van Gogh e incluso el arte realista americano de la depresión de 1929.

Si bien del s XVIII en adelante la modernización trajo consigo un proceso de secularización, el impacto de estas ideas repercutiría en su momento, así como también años más tarde, en un arte que no se desarrolla bajo ninguna ley, ni busca figurativamente funcionar con certidumbre (Pollock, Rodchennko, Malevich, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Perle Fine, Joan Mitchell, entre otros).

Otra parte de la modernidad lleva consigo la idea teórica de que el arte debe ser utilitario, aquel lenguaje constructivista de la Bauhaus y el Constructivismo ruso, en donde el artista se plantea como un constructor, distinto al artista genio de siglos pasados. Según los lineamientos de la Bauhaus, el arte, la arquitectura, el diseño, se complementan en la construcción de una nueva realidad, pero particularmente la arquitectura, sería aquel elemento que se niega a desaparecer y que perduraría por más tiempo.

El s. XIX, y s.XX (periodo que comprende la modernidad y la época contemporánea) se caracteriza por un discurso de libertad, pero una “libertad” efímera o falseada, un supuesto -no control político, estatal ni religioso-

Arteabstracto

El resultado del proceso de abstracción

Debido a las hambrunas después de la guerra, EEUU y particularmente NY, recibiría artistas y científicos, luego de impactos de regímenes totalitarios como el nazismo; incluso Chile contrata profesores europeos con esta nueva oleada de inmigrantes, pero particularmente EEUU sería el foco americano, tendría mayor preponderancia luego de 1945, en donde el contexto artístico también cambiaría. La historia del arte moderno (suprematismo, neoplasticismo, expresionismo abstracto) y sus exposiciones identificaron a una seria de artistas y definieron círculos de arte en donde se definirían nuevos círculos de identidad, los campos de color y el “action painting”, se distinguirían por su gran formato, y centrar el foco de la atención en la pintura. Algunos de estos artistas años antes de emprender un camino pleno hacia la abstracción, desarrollaron obras dentro del proyecto conocido como New Deal, en donde pondrían en práctica sus influencias diversas, desde Europa y América como el expresionismo alemán e incluso el muralismo mexicano. Pero años más tarde desarrollarían sus características técnicas y estilos particulares por las cuales se les define como expresionistas abstractos (Rotko, Pollock y Sobel, entre otros). Por su parte el Pop art, un movimiento que surge hacia la época de los 60’s, y que rompería precisamente con el expresionismo abstracto, se nos presenta como un proceso revolucionario (aunque no más que sus antecesores) , que se enfocaría en la sociedad de consumo de manera irónica y contestataria, además de criticar la tradición de la pintura y los círculos de arte (Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Andy Warhol y Jasper Johns, entre otros).

Tengo una fascinación particular por el arte abstracto, sin embargo antes de este curso reconozco no saber nada mas allá de Rotko y Pollock (quienes me siguen gustando), Reconozco hoy obras de mujeres, lo cual me parece importante y enriquecedor

Pop art

Las nuevas estéticas del arte.

Surge como una respuesta al expresionismo abstracto y a su propio tiempo, se data aprox. de la obra de Paolozzi, pero al igual que ellos tuvieron a su contra parte el Minimalismo (como Sol Lewitt). Sin embargo, el Pop art traería consigo la explosión del arte conceptual incluso el procesual, las vanguardias artísticas europeas que habían marcado la pauta habrían llegado a su fin aproximadamente en 1945, producto de la 2da guerra mundial, y en donde pareciera que la hegemonía del arte migraría a América y particularmente a EEUU.

Para uno de sus críticos más cercanos Clement Greenberg el arte y el expresionismo abstractos como tal, serían “lo más moderno de lo moderno”, un formalismo puro, rescatando el gran formato y gesto de pintar de artistas como Kooning y Pollock, mientras que el Pop art se plantea como una oposición y una representación y a veces presentación literal de lo “mundano” y artificial, los productos de supermercado, de televisión, cine y publicidad.

El rol d la mujer e fundamental en toda área, ahora mas que nunca comprendo el significado del relato construido en torno al genero masculino, de nueva cuenta el curso repercute en mi percepción y actual definición de arte moderno y posmoderno.

Arte conceptual

Mas allá de las convenciones

Investigando y revisando clases de otras asignaturas, encontré el nombre de Carlos Leppe, Chileno. Cuya obra me estremeció en cuanto la ví, me fascina la manera en que integra diversos medios, debe haber sido toda una experiencia presenciar alguna de sus performances. Ser disidente en Chile es un peligro, y el contexto de la obra de Carlos Leppe es sumamente interesante ademas de revolucionario, parte de la historia de Chile que desconocía y que hoy puedo poner en valor y en contraste con la historia del arte.

Dentro de lo que conocemos como arte conceptual, tenemos como ejemplo al artista Matta-Clark, quien vivió en EEUU y estudió literatura, su trabajo posee un contenido social y político importante, que pronto sería definido por algunos como "Anarquitectura". El arte conceptual a partir del s. XX, el arte se transformaría literalmente en otra cosa y Matta-Clark realizaría intervenciones pronosticadas y medidas, en espacios abandonados o ruinas sin un contexto aparente, pero poniendo en práctica uno de los conocimientos más tradicionales del arte y diseño, como lo es la arquitectura. Sus conexiones con el dadaísmo son fáciles de asimilar, ya que pareciera que descontextualiza el edificio en donde su obra se sitúa. La situación del arte conceptual es variada, amplia y diversa, abarcando el arte público, la performance y la integración de medios novedosos.

Mujeres

El realismo tradicional derivado del método científico y el racionamiento empírico que derivaría en el positivismo decimonónico llegaría a su fin en este nuevo momento, así como también las grandes historias del arte y los meta relatos en torno a ellas.

La postmodernidad se concibe como el fin del meta relato y propone construir la realidad, en otros términos, términos que hoy identificamos como transdiciplinarios, multidisciplinarios e interdisciplinarios, además de un tráfico mundial muy alto y frecuentado de bienes culturales. El s. XIX traería consigo la definición y la separación del espacio público y privado, donde la vanguardia se presentaría como un punto de fuga o un quiebre que se vería más adelante como la realidad del arte contemporáneo y posmoderno.

La línea de pensamiento hegemónico relegó a las mujeres a espacios privados en los que se encontraban recluidas, sujetas a una serie de normas, sin embargo, eso no quiere decir que no existieran exponentes en todos los géneros, desde la modernidad a la época contemporánea, e incluso antes.

Siendo mujer en esta área, puedo corroborar el falo centrismo relacionado a las artes y su difusión, al igual que mi docente quien fue capaz de modificar su formación y ampliar su investigación para recurrir a autoras en sus clases, algunas fueron consideradas solo "Musas" Como Camille Claudel, pero gracias a los contenidos y la discusión de nuestra sala de clases hemos podido adquirir una consciencia y visión mayor del fenómeno de las artes, integrando poco a poco la perspectiva de género y teniendo cuidado con las denominaciones a priori (esposa de, pareja de).

Este nuevo arte

Desde la furia o el sin sentido

Por la definición de lo público y lo privado el arte y el lenguaje postmoderno tomarían varios rumbos hacia la década de 1960 aproximadamente, no solo gracias a la presencia del arte pop, sino que al igual que ha ocurrido a lo largo de toda la historia del arte, los procesos bélicos y sociales significaron un cambio rotundo en el paradigma, la concepción, y la producción artística. Es entonces cuando se observan nuevos rumbos hacia discursos feministas, ecológicos, raciales, sociales, económicos y políticos.

La Performance, la Instalación, el Arte Público, el Happening, la Música, el Teatro, el Cine y la Fotografía parecieran ser un reflejo más fiel del advenimiento de lo moderno y lo contemporáneo a nivel global, como un fenómeno propio de la experiencia humana, lo que nos llevaría a concluir o pensar que en nuestra historia podría ser revisitada y releída ara analizar nuestro presente, e incluso nuestro futuro, ya que hemos visto a lo largo de este proceso como algunos elementos, temáticas, y materiales incluso parecieran ponerse en debate y a la vez tomarse como referencia para modificar el presente, o criticarlo a través del arte También podemos ver como independientemente del género que produzca la obra ( hombre, mujer o disidente ) o del lugar geográfico en el que se encuentra el artista (América, Europa, Asia, etc ) el acontecer de este “nuevo “ tipo de arte pareciera ser algo intrínseco e inevitable, una manifestación no solo histórica sino que personal e interna de los individuos y de las comunidades.

Tan natural como la explosión de un volcán, tarde o temprano el "underground", lo abyecto y lo distópico surge, sale a flote y nos remece, me encanta como el arte actúa criticándolo todo. Hoy lo entiendo mejor, al redactar este trabajo entendí todo mi aprendizaje y resulta ser bastante en este semestre.

Un poco más de contexto

Al respecto de lo dicho hasta ahora y lo visto en clases.

Las vanguardias artísticas son movimientos artísticos que surgen en un determinado momento y tienen como objetivo romper con las normas y tradiciones establecidas y explorar nuevas formas de expresión y creación. A continuación, te presento una cronología de las vanguardias del siglo XIX y siglo XX:

Siglo XIX:

Romántico (1800-1850): movimiento artístico que se caracteriza por la emoción y la pasión y que se inspira en la naturaleza y el folclore.

Realismo (1848-1900): movimiento artístico que se centra en la representación de la realidad de manera objetiva y sin idealización.

Impresionismo (1860-1890): movimiento artístico que se caracteriza por el uso de la luz y el color para transmitir sensaciones y emociones

Siglo XX:

Expresionismo (1905-1925): movimiento artístico que se caracteriza por el uso de formas distorsionadas y colores intensos para transmitir emociones y sensaciones.

Surrealismo (1920-1940): movimiento artístico que se basa en la exploración del inconsciente y el sueño y que utiliza técnicas como la automatización y el collage.

Abstracción (1920-1970): movimiento artístico que se centra en la forma y el color y que rechaza la representación de la realidad.

Pop Art (1950-1970): movimiento artístico que se inspira en la cultura popular y el consumismo y que utiliza elementos como la publicidad y el cómic en sus obras Arte Conceptual (1960-1980): movimiento artístico que se centra en la idea y el concepto y que utiliza diferentes medios para transmitir su mensaje

Es importante tener en cuenta que esta es una cronología general y que existen muchas otras vanguardias y movimientos artísticos que han surgido a lo largo de la historia. Además, es posible que algunos movimientos artísticos no se encajen exactamente en las fechas que se han mencionado.

1 9 0 5

Nolde

H. Matisse

Klimnt

Emil

Gustav

Picasso

U. Boccioni

c. Brancusi

Vanssa Bell

Charles Demuth

1 9 1

Naum Gabo

Hannah Höch

Remedios Varo

1 9 2 0

Otto Dix

W. Gropius

Siqueiros

Grant Wood

1 9 5 0

Janet Sobel

Germanie Richier

Helen Frankenthaler

Richard Serra

Jasper Johns

Roberth Smithson

Piero Manzoni

Judy Chicago

1 9 7 0

Basquiat

CONTEXTO QUE NOS AYUDA A SITUARNOS Y COMPRENDER EL FENOMENO MODERNO Y CONTEMPORÁNEO DEL ARTE

El contenido visto en clases es reforzado a medida que crece el contexto y la investigación paralela a la asignatura

Ron Mueck

Damien Hirst

Fuentesautoreseideas

Loqueleíesteaño

En el siguiente apartado se emplearán ideas propias y análisis de citas textuales. Sin un orden particular, con la intención de reforzar ideas y pensamientos que sustenten de forma retórica el contenido visto en el transcurso de este semestre, decantando los elementos visuales en conceptos fundamentales e ideas englobadoras de los mismos artistas, historiadores y críticos del arte, según las fuentes visitadas a lo largo del desarrollo de este trabajo, nuevamente desde una investigación personal.

Referiremos

primero

a

Husserl y

su

perfectiva fenomenológica ante el arte:

"(…) el mirar fenomenológico es asociado de cerca al mirar estético en el arte “puro”; sólo que, claro está, no es un mirar para gozar estéticamente, sino ante todo para indagar con vistas a conocer y constituir determinaciones científicas de una nueva esfera..." (Husserl, 2000, Página 64).

Y enseguida agrega:

El artista que “observa” el mundo para alcanzar desde él, para sus fines, un conocimiento de la Naturaleza y del Hombre, se comporta respecto al mundo de forma parecida a como lo hace el fenomenólogo. Es decir: no como un científico o un psicólogo que observa la naturaleza, no como un observador humano práctico […] Para él, el mundo, al ser observado, se vuelve fenómeno, su existencia le es indiferente, exactamente como para el filósofo (en la crítica de la razón) (Husserl, 2000, Página 64).

La perspectiva de la Fenomenología nos invita a presentarnos frente a la obra como un fenómeno, un igual al mundo de los objetos pero en donde la Obra resaltaría por su conexión con el mundo del arte, lugar en donde se experiencia la verdad del ser (si seguimos el pensamiento de Gadamer y Heidegger)

Veamos la perspectiva que nos entrega Clement Greenberg:

Clement Greenberg fue un crítico de arte y ensayista estadounidense conocido por sus escritos sobre arte moderno y arte contemporáneo

"La Pintura moderna y otros ensayos" es una colección de ensayos escritos por Clement Greenberg sobre arte moderno y arte contemporáneo Aquí hay algunas citas famosas de esta obra:

"La pintura abstracta es una forma de arte que se ocupa exclusivamente de sí misma. Es arte porque es arte, no porque represente o refleje algo más."

"El arte moderno es la negación de la tradición, no una evolución de ella " (Página 32)

Lo Kitch y lo Pop:

El arte pop y el arte kitch son dos corrientes artísticas que surgieron en el siglo XX y se caracterizan por su uso de elementos de la cultura popular y el diseño comercial en sus obras. Algunas frases acerca de estas corrientes artísticas son:

"El arte pop se caracteriza por su uso de colores brillantes y elementos de la cultura popular, como la publicidad, el cómic y la televisión, para crear obras satíricas y críticas sociales." (Hockney, 1960)

"El arte kitch se basa en la idea de que cualquier cosa puede ser considerada arte si se presenta de manera adecuada. Se caracteriza por su uso de elementos kitsch o de mal gusto, como la ropa de diseño barato y los objetos de plástico, en sus obras." (Warhol, 1965)

"El arte pop y el arte kitch se han convertido en símbolos de la cultura popular y el consumismo en la sociedad moderna y han influido en el arte y el diseño de las últimas décadas." (Klein, 1970)

"El arte pop y el arte kitch han desafiantado las normas tradicionales del arte y han permitido a los artistas explorar nuevas formas de expresión a través de la cultura popular y el consumismo." (Lichtenstein, 1980)

Y el historiador de arte E. Gombrich:

Ernst Gombrich fue un historiador del arte y ensayista austriaco conocido por su obra "La historia del arte", una introducción a la historia del arte occidental que se ha convertido en un clásico de la literatura sobre arte. Aquí hay algunas citas de Gombrich sobre arte moderno y contemporáneo (1950) :

"El arte moderno y contemporáneo se ha vuelto más abstracto y conceptual, alejándose de la representación de la realidad y enfocándose más en la exploración de las posibilidades formales y conceptuales del arte." (página 74)

"El arte es una forma de conocimiento, y no sólo una forma de expresión" (Página 45)

Por su parte Kandisky:

Vasili Kandinsky fue un artista y teórico del arte ruso conocido como uno de los fundadores del movimiento abstracto. Aquí hay algunas citas famosas de Kandinsky :

"El color es el llanto de la forma." (Página 32)

"El arte es el suministro de la verdad " (Página 65)

"El arte es el suministro de la verdad " (Página 65)

"El color es el medio de expresión de la forma " (Página 74)

"El arte es una forma de conocimiento, no una forma de placer." (Página 85)

La BAUHAUS, tiene un lugar importante para mi:

Sí, la Bauhaus fue una escuela de arte, arquitectura y diseño fundada en 1919 en Alemania que tuvo un gran impacto en la historia del arte y el diseño del siglo XX. Aquí te presento algunas citas importantes relacionadas con la Bauhaus: "La Bauhaus fue la escuela más influyente de arte y diseño del siglo XX " (Gombrich, 1950)

"La Bauhaus representó una nueva forma de enseñar arte y diseño, basada en la teoría de que el arte y la industria debían trabajar juntos para crear una sociedad más bella y funcional " (Kandinsky, 1922)

"La Bauhaus se convirtió en un símbolo de la modernidad y la innovación en el arte y el diseño, y sus alumnos y profesores influyeron en el desarrollo del diseño gráfico, el diseño industrial y la arquitectura moderna." (Meyer, 1930)

"La Bauhaus fue una escuela que promovía la idea de que el arte y la industria debían unirse para crear una sociedad más bella y justa Esta filosofía tuvo un gran impacto en la historia del arte y el diseño y sigue siendo relevante hoy en día " (Mies van der Rohe, 1950)

El arte posmoderno y el arte contemporáneo son dos corrientes artísticas que surgieron en el siglo XX y que continúan siendo relevantes en la actualidad A continuación te presento una breve definición de cada una de ellas:

El arte posmoderno es un término utilizado para referirse a las corrientes artísticas que surgieron después del fin de la modernidad y que cuestionan las normas y convenciones establecidas. El arte posmoderno se caracteriza por su diversidad y por la mezcla de diferentes estilos y corrientes artísticas.

Arte contemporáneo se refiere a las corrientes artísticas que surgieron a partir de la segunda mitad del siglo XX y que continúan siendo relevantes en la actualidad El arte contemporáneo se caracteriza por su diversidad y por la exploración de nuevas formas de expresión y creación

Es importante tener en cuenta que estas son definiciones generales y que existen muchas otras corrientes artísticas que se han desarrollado en el siglo XX y en la actualidad. Además, es importante recordar que el arte es una forma de expresión y que no hay una única manera de definirlo o clasificarlo

Lamúsica

Partedelarte,partedemi

Hay muchos grupos y artistas musicales que han marcado la historia del arte y han tenido un gran impacto en la cultura y la sociedad a lo largo del tiempo. Algunos de los grupos y artistas más influyentes, desde mi gusto incluyen:

The Beatles y Pink Floyd : estos famoso grupos de rock británico, formados al rededor de 1960, tuvieron un gran impacto en la música popular y la cultura de la época y son considerados unos de los grupos más influyentes de la historia de la música

Elvis Presley: conocido como "El Rey del Rock and Roll", Elvis Presley es uno de los artistas más famosos y influyentes de la historia de la música Sus grabaciones y actuaciones en vivo marcaron un hito en la historia del rock and roll y tuvieron un gran impacto en la cultura popular de la época.

Madonna: Madonna es una de las artistas más influyentes y exitosas de la historia de la música y ha marcado tendencias a lo largo de su carrera Su música y su imagen han tenido un gran impacto en la cultura popular y han sido imitadas por muchos otros artistas

Hay muchos otros grupos y artistas que han marcado la historia del arte y la música y que han tenido un gran impacto en la cultura, la sociedad y en mi vida. Hoy para mi su contexto crece y escuchar estas canciones ya no tiene el mismo sentido, amo el arte y con ello la psicodelia del rock, la música progresiva y el jazz

Algunos otros ejemplos incluyen parte de mi repertorio personal de música: los Rolling Stones, Queen, Pink Floyd, El blues de Muddy Water, Chet Baket, Dave Brubeck, The Doors, Led Zeppelin, Kiss, Janis Joplin, Nina Simone, AC/DC, Metallica, Black Sabbath... todo esto sin mencionar a artistas nacionales y de habla hispana, para lo cual necesitamos hacer otro trabajo de investigación (quedo en deuda con aquello) Pero sin dudas todos ellos son parte importante de los contextos en los que nos situamos para analizar la realidad.

Frida Kahlo

"Pinto flores para que así no mueran"

Conclusión

En este trabajo pudimos revisar, re visitar y analizar una serie de fuentes, archivos y obras de arte. Todo esto con el fin de decantar la información de manera coherente y generando un relato consistente con las nociones que plantea el curso "Arte contemporáneo" , resaltando tres grandes momentos:

La modernidad, que es un término que se utiliza para referirse a una época de la historia que se caracteriza por la transformación de las sociedades occidentales a partir del siglo XVIII Durante este período, se produjeron importantes cambios en muchos aspectos de la vida, como la política, la economía, la tecnología y la cultura En el arte, la modernidad se caracteriza por la ruptura con las tradiciones y el uso de nuevas técnicas y enfoques Los artistas modernos buscaron expresar sus ideas y visiones de un mundo cambiante a través de nuevas formas de arte, como el impresionismo, el expresionismo, el cubismo y el surrealismo La modernidad también se reflejó en la arquitectura, con la aparición de nuevas formas y estilos, como el modernismo y el funcionalismo

En resumen, la modernidad es un período de la historia en el que se produjeron importantes cambios en muchas áreas de la vida y se exploraron nuevas formas de arte y arquitectura

La época contemporánea es el período de la historia que se inició a finales del siglo XX y que se extiende hasta la actualidad Esta época se caracteriza por la aceleración del cambio y la globalización, así como por la influencia de la tecnología en todos los aspectos de la vida

En el arte, la época contemporánea se ha caracterizado por la diversidad y la hibridación de estilos y enfoques Muchos artistas han utilizado técnicas mixtas y han explorado temas y conceptos relacionados con la identidad, la política y la sociedad Además, el arte contemporáneo ha incluido una gran variedad de medios y soportes, como la pintura, la escultura, la fotografía, el video y las instalaciones

La posmodernidad es un término que se ha utilizado para referirse a una época posterior a la modernidad, en la que se cuestionan muchas de las ideas y valores asociados a la modernidad En el arte, la posmodernidad se ha caracterizado por la ironía, la parodia y la reinterpretación de obras anteriores. Los artistas posmodernos han explorado temas como el consumismo, la mediación tecnológica y la fragmentación de la identidad Algunos de los movimientos artísticos más importantes de la posmodernidad son el pop art, el arte conceptual y el arte postmoderno. En resumen, la época contemporánea y la posmodernidad se han caracterizado por la diversidad y la hibridación en el arte, así como por la exploración de temas y conceptos relacionados con la identidad, la política y la sociedad.

Agradezco personalmente la formación que entrega este curso, así como también la perspectiva dada por autores y autoras a los que recurrí en esta ocasión, reconozco mi deuda con respecto a la paridad de género en cuanto a términos teóricos y visuales. Sin embargo, he tratado aquí de hacer un compilado más bien personal, de obras y autores que me han sido de ayuda y guía para el estudio y comprensión de las artes en su conjunto sin dejar de lado a mi género ni su vital importancia en la deconstrucción del "canon" y construcción de un nuevo relato nutrido en cuanto a las artes, la critica y la historia de su devenir

Francisca Escobar, 2022. Concepción.

Bibliografía

-Arte y cultura: ensayos críticos, Clement Greenberg, 1961.

-Arte Moderno, Julio Claudio Argán, 1980.

-Arte y poesía, Martin Heidegger, 1958

-Bauhaus Taschen Grande, Magdalena Droste, 1993

-El nuevo paradigma estético, 1992, Felix Guattari

-El arte último del siglo XX, Anna María Guasch, 2000

-El origen de la obra de arte, Heidegger Martin, 1950

-El pintor de la vida moderna (1859-60), Charles Baudelaire, 1863

-El Sentido social del gusto: elementos para una sociología de la cultura, Pierre Bourdieu ,1990.

-Historia del arte, Ernst Gombrich, 1950.

-La Actualidad de Lo Bello, Hans-Georg Gadamer, 1977.

-La pintura moderna y otros ensayos, Clement Greenberg, 2006.

-La Modernidad a debate, Anna María Guasch, 2000

-La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Walter Benjamin, 1935

-Las Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime, Imanuel Kant, 1764

-Manifiesto Comunista, Karl Marx, 1848

-Modernidad Liquida, Bauman Zygmunt, 1999

-Punto y línea sobre el plano, Vasili Kandinski, 1926

-¿Qué es el arte?, León Tolstoi, 1897.

-Vigilar y castigar, Michel Foucault, 1975.