aínas N°14 . 6/2021
Karma Così viene il maestrale luce chiara sul mare così va la mia vita la magia del silenzio nella notte infinita Volevo amare essere l’onda una nuvola, il mare e rinascere altrove per poterti incontrare
Giovanni Bernuzzi, Trasparenze
aínas W W W . A I N A S M A G A Z I N E . C O M
AÍNAS Nº14 . 6/2021 www.ainasmagazine.com info@ainasmagazine.com Direttore Bianca Laura Petretto Condirettore Giorgio Giorgetti Responsabile Comunicazione Mariagrazia Marilotti Grafica Gabriele Congia Informatica Michelangelo Melis In copertina Visual Performance Artist Debra Rapoport . La fotografia è di Denton Taylor© © Aínas 2021 La traduzione, la riproduzione e l’adattamento totale o parziale, effettuati con qualsiasi mezzo, inclusi la fotocopiatura, i microfilm e la memorizzazione elettronica, anche a uso interno o didattico, sono consentiti solo previa autorizzazione dell’editore. Gli abusi saranno perseguiti a termini di legge. is aínas faint is fainas . gli strumenti fanno le opere AÍNAS nº14 © 6/2021, reg. n° 31/01 Tribunale di Cagliari del 19 09 2001, periodico di informazione trimestrale, cartaceo e telematico. Iscrizione n° 372004 al Registro della stampa periodica Regione Sardegna, L.R. 3 luglio 1998, n° 22, ART. 21. ISSN 2611-5271 Editore e Direttore responsabile Bianca Laura Petretto, Cagliari, Quartu Sant’Elena, viale Marco Polo n. 4
B&BArt MuseodiArte contemporanea
Un ringraziamento speciale a Guido Festa Progettazione e costruzione di “GLOVE BOXES” e prototipi per la ricerca farmaceutica e nucleare www.euralpha.it
www.bbartcontemporanea.it info@bbartcontemporanea.com
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AÍNAS Nº14 5 chapter I . the special 6 matter of style . debra rapoport 7 bianca laura petretto 14 silent pictures . françoise de felice 15 bianca saibante
27 chapter II . news 28 marta ramirez 32 marie rauzy 33 alin avila 38 colibries de loto . paola becerril
41 chapter III . the new code 43 a modern ukiyo-e painter . tanihara natsuko 46 nakai yasuyuki
49 chapter IV . crossing 50 abalozi bayeza . lhola amira 53 flávio da silva nogueira
55 chapter V . portraits 56 la pensée itinérante . bojana nikcevik 60 laëtitia testard
63 chapter VI . pataatap 63 michael johnson
71 chapter VII . swallow 75 tendenze complicate . giorgio giorgetti
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I THE SPECIAL
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SPECIAL
matter of style
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Susie Lang©
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST (DETAIL) Debra Rapoport Fotografia di Susie Lang©
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Susie Lang©
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DEBRA RAPOPORT Giocare, provocare, esprimersi è il carattere che trasborda dalle vesti di Debra Rapoport. Non possiamo parlare di abiti, nè di mascheramenti, le sue performances della quotidianità sono sculture mobili e fluttuanti. Hanno gli scarti e la bellezza Newyorkese. Debra porta con sè il respiro dell’ombelico del mondo. Un’artista ecclettica, arcimboldiana, futurista e vittoriana insieme. I suoi rutilanti copricapo di feltro e oggetti di scarto sono un inno al vivere quotidiano ma con il suo stile. Eccessiva e viva, estetica e spiritosa, instancabile performer dell’eccentrico rappresenta il melting pot e la vivacità della Grande Mela. È considerata un’autentica icona, capace di usare l’ornamento come cura in modo originale e autentico. In lei convivono l’eccesso e l’ingenuità, la bellezza di chi esplora gli abissi con gli occhi trasparenti. Le sue sono opere in cammino, dinamiche e fluide dove la banalità e l’abbandono dell’oggetto assurge a nobile espressione della creatività e forse aspira alla improbabile immortalità. Ciò che rimane è il sorriso, il colore, la forma cambiata di quello che non è più. Questione di stile. Bianca Laura Petretto
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SPECIAL
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AINAS MAGAZINE
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Denton Taylor©
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◀ VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Denton Taylor©
SPECIAL
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Denton Taylor©
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◀ VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Denton Taylor©
SPECIAL Debra Rapoport. Born NYC 1945 As a visual/performance artist, I call what I do “Dressing Up, Over and Again!” Working with non-traditional and re-purposed materials, I create embellishments and head gear for the body. Everything’s a hat, be it a lampshade, a vase or a paper bag. With a hat you have Hatitude. It’s also about “Framing the Face” and that can be done with a BOA, BIB or BREASTPLATE as well as a hat. “Frugality is Fun” so rather than consume I’d rather re-invent and curate my closet. This transcends fashion into personal style. I believe “Style is Healing” because you are in relationship with and expressing Your Self. SELF first. “Dress to De-stress”. “Hand to mouth is better than 9-5” because I’ve always been an independent artist! These are my meditations and mantras. My creations start with my A/B/C s, Assembling, Building and Constructing for the body incorporating color, texture and layering. I have been featured in the film Advanced Style as well as the 3 Advanced Style books and Advanced Style TEDx talk with Ari Seth Cohen (Amsterdam 2014.) I have taught at University of California, Davis, New York University, MAD and MOMA. My work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, NYC, L.A. County Museum of Art, Museum of Fine Arts, Houston, Helen Williams Drutt Collection, Philadelphia Museum of Art, Ilias Lalaounis Jewelry Museum, Athens, Greece, Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.
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◀ VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Susie Lang©
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VISUAL ARTIST PERFORMANCE ARTIST Debra Rapoport Fotografia di Mavash Saba©
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silent pictures
NYMPHE (DETAIL) Françoise de Felice 65x54 cm., huile sur toile, 2019
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ZEBRITUDE Françoise de Felice 70x100 cm., huile sur toile, 2015
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FRANÇOISE DE FELICE L’impressione è quella di un’arte raffinata, leggermente erotica attenta alla femminilità. La maestria di Françoise de Felice danza con delicatezza tra vesti trasparenti e pensieri profondi. Le sue figure svelano segreti nascosti attraverso le sapienti pennellate della pittura. L’artista lavora per detrazione. Cancella, rifinisce, schiarisce per ottenere un’atmosfera acquosa, impalpabile. Le sue figure sono androgine, uomini e donne tra storie antiche e mitiche di sublime bellezza. Sogni da cui l’artista prende le distanze per dipingere spazi lontani dal vuoto. Per creare una realtà spirituale. “Non c’è orizzonte nei miei quadri, il punto di fuga è l’occhio dello spettatore, che è quindi dentro la tela. Sono una cercatrice di anime, per questo gli sguardi sono così significativi nella mia arte.” La sua è pittura del non detto, della vulnerabilità, della dualità, del silenzio. “Esploro l’adolescenza perché è la perdita dell’infanzia e la porta in un mondo sconosciuto agli adulti, dove l’amore è da scoprire. È il vero inizio per esseri fragili e disarmati che lottano nella vita con la morte all’orizzonte. Un artista è sempre alle prese con la morte…” A chi osserva, l’artista lascia l’eredità dell’ascolto: “Comincio ogni quadro cercando in modo casuale e molto rapidamente mi imbatto in un muro. Solo quando riesco ad avere la meglio riesco a riprendere fiato e il lavoro nasce”. Bianca Saibante
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SPECIAL
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SPECIAL
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LES REVE DE HYACINTA Françoise de Felice 160x320 cm., huile sur toile, 2018
◀ BRUMES SECRÈTES Françoise de Felice 116x81 cm., huile sur toile, 2018
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LA FORCE CACHÉE (DETAIL) Françoise de Felice 50x70 cm., huile sur toile, 2016
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la bataille d’anghiari «La bataille d’Anghiari» est une mégalofolie que j’ai partagée avec Rubens et un autre peintre anonyme du XVIIème siècle. L’objectif : ressusciter «la bataille d’Anghiari» de Léonard de Vinci. Cette œuvre était perdue depuis des siècles et des centaines de scientifiques l’ont recherchée en vain. On sait aujourd’hui que ce chef-d’œuvre se trouve sous une fresque, dans la salle des Cinq-Cents à Florence. Etant peu probable qu’ils puissent l’extraire du mur sans détruire la première couche peinte, que reste- rait-il de cette bataille ? Cette chasse au trésor fait partie des mystères de de Vinci. Celui-ci nous a laissé des ébauches, et pour Rubens l’envie de se les approprier. Mais comme toute œuvre d’art n’appartient vraiment à personne, pourquoi pas à moi ? Je me suis lancée dans cette aventure et pour ne pas tomber dans le plagiat (ce qui aurait été sans intérêt), j’ai peint comme Rubens à la Rubens, j’ai donc peint cette bataille à la de Felice. Voici pour l’apparence et la postérité de l’apparence. En réalité, il m’était impossible de ne pas érotiser cette masse mouvante de chair, de lances, de cuissardes étincelantes. Et la Bataille est devenue une immense métaphore aux sons wagnériens. Hommes et femmes perchés sur des chevaux qui n’ont rien demandé, luttent férocement à coup de lances et de boucliers mais les chairs nues et féminines ont le dessus, bien vivantes et loin d’être anéan-ties. Cette belle jeune fille, de tout son poids de chair blonde, exulte, elle qui était de tout temps la joie de vivre, qui avait toute sa vie dansé, danse encore victorieuse. Eros a gagné et gagnera toujours. Cette jeunesse à la peau de porcelaine, aux joues vermeilles et cheveux d’or, fait de ses héroïnes «les reines de ce monde». Et c’est très bien comme ça ....
SPECIAL
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DÉLICE DE SAVANE (DETAIL) Françoise de Felice 100x100 cm., huile sur toile, 2019
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L’AUBE Françoise de Felice 60x120 cm., huile sur toile, 2018
SPECIAL
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le chaos d’un monde absurde En partant de la mort de Hyacinthe de Tiepolo, j’ai vite dévié vers une épopée de l’absurde dans laquelle j’ôte toute cohérence et à la manière de Ionesco, je raconte un rêve shakespearien «Le songe d’une nuit d’été» qui traite aussi de l’absurde : et c’est en assemblant sans réfléchir tous ces éléments que je mets en lumière les rouages d’un monde injustifié. Cette toile renvoie à la folie slave ainsi qu’à la tragédie grecque. Après mon triptyque intitulé «Anges et démons» qui dénonçait le chaos de l’univers, je pointe dans cette œuvre le monde absurde dans lequel nous vivons tant par sa comicité que par sa dramatique injustice. Françoise de Felice
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Françoise de Felice, descendant of an Italian father and French mother, was born in Paris in 1952 where she lived until she was 20 years of age. As a child Françoise de Felice was introduced to art by her grandmother. Later whilst at the Sorbonne she also attended the Beaux Arts. Her initial introduction was to that of the essental Impressionism. Françoise de Felice then left France for Sicily where she found that the French Impressionism was not enough. There she developed her own style, letting go of the well worn paths in order to create her own style. Inspired by the magnificence of the Sicilian baroque and the light of the island she reached out further to an almost liquid yet precise line. Her style derives both from instinct and depth of thought. The compositions of her paintings are an introspective story, one of self analysis.
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LES CHÉRUBINS Françoise de Felice 120x60 cm., huile sur toile, 2015
◀ L’ANGE DÉCHU (DETAIL) Françoise de Felice 80x100 cm., huile sur toile 2010
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DESTELLOS DE ENERGÍA I (DETAIL) . Marta Ramirez 163x190 cm., óleo sobre tela, 2020
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II NEWS
NEWS
marta ramirez – 28 –
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Marta Ramirez was born on April the 5th. 1942 in Mexico City. At the age of 16 she already showed a great passion for art. She starts her art education with Suarez Olvera and later with Robin Bond. After completing her studies she works as a teacher at Robin Bond’s Art school. Along her life she participated in the creation and coordination of the Latin American Literature Magazine “Juego de Hojas” and two years later she becomes the Art Director of the “Revista Latinoamericana de Escritores”. Since 1978 she has transmitted her ability and knowledge, teaching and forming professional painters in her own study, working with an amount of 60 students approximately. SIN TÍTULO Marta Ramirez 27x46cm., acrílico y carbòn sóbre papel, 2020
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EN BUSCA DEL ENTENDIMIENTO Marta Ramirez 175x175cm., collage, acrílico y óleo sobre tela, 2020
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UNA HISTORIA SOBRE LA LIBERTAD Marta Ramirez 163x190cm., acrílico y óleo sobre tela, 2020
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NEWS hablar de mi historia artística es hablar de mi vida entera A escasos 10 años me di cuenta que los mejores instantes de mis días eran cuando dibujaba o pintaba. En ningún momento sentí que tuviera que buscar mi pasión o elegir que camino trazar, porque el Arte me eligió a mi desde que tengo memoria. Cuando iba a primaria llegaba más temprano a la escuela para ver quién necesitaba ayuda en sus trabajos de dibujo y yo poder realizarlos. Era una necesidad de encontrar cualquier pretexto para utilizar mi mano y mi creatividad. Mis padres estimularon mi gusto prodigándome de los mejores materiales que encontraban para que yo pudiera trabajar. Más adelante me buscan clases de arte y después de un largo recorrido por diversos mundos de enseñanza llego con el maestro Suárez Olvera. Con él, aparte de sus enseñanzas, lo asisto en sus murales. Esto me lleva a unos años de vida dónde pintar ocupaba mis días y semanas enteras. Es en ese momento dónde descubro que eso es para mi la felicidad y placer: pintar y crear todo el tiempo, todo el día... Siempre con interés y hambre por lo que sucedía en el mundo; mis ideales sociales, mis lecturas y mi entorno eran lo que me generaba un deseo de plasmar todo aquello que sentía y pensaba. Transmitirlo de una manera que no fuera obvia y descriptiva fue lo que hizo que mi trabajo se empezara a transformar hacia la expresión abstracta. Para mi, el arte abstracto era lo que me permitía un lenguaje artístico más amplio, enriquecedor y completo para manifestar mis emociones. Así llegué con el maestro Robin Bond, dónde me encontré con un mundo totalmente evocado a la creatividad. Un mundo lleno de intención, sentido personal y artístico. En su taller aprendí a reconocer con más detalle mi código de lenguaje plástico. También es en el taller de Robin dónde inicié mi trayectoria como maestra de arte, que continúa a la fecha. Cabe mencionar que no sólo encontré mi propio lenguaje, además encontré el amor. Ya que al poco tiempo Robin y yo nos unimos para construir una vida juntos. Una vida que entrelazaba el amor, la lectura, el arte y la familia. Rodeándonos de un círculo extenso de personas llenas de pasión por la vida, por el análisis social del mundo, por entender los complejos recovecos del ser humano y como todo esto nos llevaba a ser seres de creación. Entonces me di cuenta que también estaba casada con el arte desde hace muchos años. Es desde ese momento que fuí consciente que sin importar lo que sienta, ya sea dolor, desesperación, confusión, euforia... Todo encuentra su equilibrio dentro de mi, al momento de ponerme a pintar. Sin importar si es mi obra personal o es impartiendo clases a mis alumnos.... Es la expresión plástica y la creación mi regulador interno. Es mi oxígeno y mi alimento diario. Marta Ramirez
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marie rauzy
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Marie Rauzy est peintre. Par quelle condensation verbale pourrions-nous dire que cela n’est pas une seconde, mais son essentielle nature, tentons ce mot : homopictor. Homopictor, non parce qu’elle produit de la peinture – trop nombreux qui s’en prétendent au titre d’artiste… mais parce qu’en sa joie d’être, elle est la peinture même. Ce qu’elle nous confirme mettant en exergue de sa dernière exposition à la Galerie Vitoux : “la grande joie du métier de peintre est de pouvoir tout essayer. Alors je ne me refuse rien.” La race des homopictors, les scientifiques ne la reconnaissent pas, alors qu’ils s’appuient sur son essentielle caractéristique pour prouver l’humanité de l’homme, en reconnaissant que l’acte de déposer signes et traces, affirme une sensibilité libérée de l’instant où elle s’exprime. C’est alors qu’elle projette en avant un message qui résonne au-delà du présent et fait que l’homme quitte son animalité. Marie Rauzy est sereine, et les vérités qu’elle délivre valent pour son total détachement aux sujets qu’elle aborde. Je pourrais même dire qu’elle peint n’importe quoi, pourvu que cela devienne cette chose visuelle qui témoigne de l’investissement ontologique de son geste qui est la peinture même. Son geste rapide, fougueux ne prétend pas fouiller tréfonds et turpitudes de la vie, ni d’entretenir le jardin suranné du surréalisme. Sa peinture est mensonge et non pas fiction, de par son sujet, mais aussi de par sa manière à n’être qu’un leurre saisi par son pinceau. Cris de singes sous la coupole, violence délicieuse de l’air quand le sublime cramoisi d’un pourpoint rencontre une stupide gaufre ou qu’un essaim d’oiseaux remplit de son vol un bel habit. Ici Marie Rauzy réunit au point de les fondre sans les confondre, un sujet et un autre, pour n’en avoir aucun, ou du moins un seul, essentiel : la peinture. Toujours, elle pose sur ses toiles au moins deux natures d’espaces, deux temps. Le non-sens qui en résulte ne fonctionne que par une maîtrise inconsciente des matières, et jette le regard dans la jubilation d’un doute spécifique, allez, disons d’un mystère en quelque sorte, mais qui n’a qu’un seul nom, celui de peinture. Ici se heurtent des temps disjoints, se produit de l’inimaginable et quelque chose semble se maintenir vivant. Et atteindre ce mensonge, ce merveilleux mensonge qui nous fait encore croire qu’un sourire peint voilà cinq siècles peut s’envoler vers nous. Alin Avila
Née en 1961 à Marseille Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1988 . Vit et travaille en région parisienne . Nombreuses expositions personnelles en France, Belgique, Allemagne, Chine, Japon depuis 1987. – 33 –
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“J’aime toujours deux choses, alors, je choisis les deux. Ainsi, je ne suis jamais déçue”. Cela ne pourrait mieux définir mon travail. J’aime le calme et la tempête, le chaud et le froid, la peinture classique et le minimalisme. J’aime tout et même son contraire. J’aime surtout chercher cette complexité, cette réalité humaine faite de paradoxes. La grande joie du métier d’artiste est de pouvoir tout essayer, alors, je ne me refuse rien. Je peux rater, gâcher, salir, faire du joli ; aller du pastel au stylo 3D, mêler le stylo-bille et la peinture à l’huile ; peindre mes promenades en forêt ou des pains au chocolat. Je confronte, mixe, associe les sujets et les techniques pour peu que j’y trouve du sens. Dans l’histoire de l’art, je trouve mille façons de peindre. Les mélanges de dessins et de peintures, du flou et du net, la traînée de pinceau, les rapprochements colorés me servent de vocabulaire. La magnificence de Louis XIV de Rigaud, l’énergie du cheval de Napoléon peint par David, la légèreté de Fragonard, me procurent des émotions que j’aime confronter à d’autres univers qui me sont plus familiers. Ils apportent au métro, à la forêt, au réel amplifié par le prisme de la télévision, un sentiment de liberté, de frivolité, de ridicule, de décalage qui met en perspective et relativise le quotidien. Quand je me pose la question du sujet en peinture, je vais voir des œuvres d’art. L’effet merveilleux que me produisent les tableaux me répond : il n’y a pas de sujet, il y a une façon d’aborder les choses qui les rend sujets : la manière de les peindre. Autrement dit, une pomme n’est qu’un fruit, jusqu’au moment où, représentée sur le tableau, elle devient, une tache, un cercle, le point d’équilibre de l’œuvre. Elle devient faim, désir et beauté. Alors, quand je regarde autour de moi tout peut devenir “sujet” et l’envie de tout peindre me prend. Marie Rauzy
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AU MILIEU COULE UNE RIVIÈRE Marie Rauzy 97x89 cm., huile sur toile, 2020
LE TEMPS PASSÉ À REGARDER LES FLEURS Marie Rauzy 100x150 cm., huile sur toile, 2021
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ANABEL LISANT Marie Rauzy 100x81 cm., huile sur toile, 2020
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OISELLERIE Marie Rauzy 120x80 cm., huile sur toile, 2020
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paola becerril colibries de loto Esta colección en acuarela surge del juego con la mancha, de lo inesperado, de la sobrecarga del agua que corre sobre el papel y se detiene en donde lo prefiere, haciéndome consciente del proceso de incertidumbre al que nos enfrentó a todos el año 2020. Todo comenzó por la mancha, por el accidente, por el no saber. Los colibríes empezaron a surgir de lo que cada mancha me sugería cuando la afectaba con el pincel y un poco de agua, justo como las flores de loto surgen de los pantanos. El colibrí tiene un significado muy profundo en mi cultura mexicana. Los aztecas lo valoraban por su fuerza física dentro de su fragilidad, los mayas lo consideraban un mensajero espiritual, hoy gozamos además de su colorida belleza. Cada una de estás obras me conecto con la fuerza que vive debajo de mi fragilidad, la que experimenté ante la inesperada muerte de mi padre.
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Cada una me conecto también con ese mundo espiritual en el que me refugie ante la pérdida de casi todo lo que para mi era conocido. Cada una me conecto con esa labor de mensajera que hoy difundo a través de la Arteterapia. “Colibrí de Loto. Fragilidad y fuerza. Encuentras en una mancha tu belleza. Protector de guerreros. Polinizador de corazones. Puente entre lo divino y lo humano. Forma que contiene al fondo. Corazón de carne y universo. Vuelas colibrí con el poder del alma en las alas”. Paola Becerril
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SUBSISTIR Paola Becerril 27x35 cm., acuarela sobre papel, 2020
RENACER Paola Becerril 27x35 cm., acuarela sobre papel, 2020
THIS IMPURE WORLD . Tanihara Natsuko 245x340 cm., oil, acrylic, glitter, rhinestone, spangles on velvet, 2015 ©Natsuko Tanihara, courtesy MEM, Tokyo Photographed by Kazuo Fukunaga
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III THE NEW CODE
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THE NEW CODE
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TANIHARA NATSUKO . a modern ukiyo-e painter ‘Art’ and ‘death’ have always maintained a close relationship with each other. Religious subjects provided one of the earliest forms of art and together with sculpture, paintings were used to capture an image of the departed or even create a likeness of the gods that rule the next world. With the advent of modern times, people began to talk of the ‘death of God’, and art’s role as a device to express fables decreased, to be replaced by Surrealism, which gave new meaning to artworks and started a new trend to reveal the world that exists in the subconscious. These artworks, which attempt to express something that is invisible to the eye, serve to constantly rein in the progressive tendencies that are driven by the intellectual and superficial world, as represented by Formalism. However, in Japan, we are able to discern another artistic lineage - the ukiyo-e school of genre paintings that is said to have been founded by Iwasa Matabe-e. Iwasa miraculously survived the massacre of his entire family, including his young mother, the year after he was born, which resulted from his father, Araki Murashige’s, rebellion against Oda Nobunaga. After the death of his family, Matabe-e became a page to Nobunaga’s son, Oda Nobukatsu, and being well-versed in all the arts, such as writing, painting, etc., he became a trusted advisor. After Nobukatsu was banished, Matabe-e moved to Kyoto as a ronin (masterless samurai) where he became active as a painter. At around the age of 40, he was invited to serve the daimyō of Fukui domain, Matsudaira Tadanao, and later his younger brother, Tadamasa, living in Fukui for around 20 years and producing numerous works. It is thought that it was while he was living in Fukui that he created his greatest work, the picture scroll, ‘Yamanaka tokiwa monogatari’. This work was based on a ningyō jōruri (puppet theater) play that was popular at the time. The main plot of this play follows Tokiwa gozen, who travels to Hiraizumi to visit her son Ushiwakamaru (later to become the hero, Yoshitsune) but is attacked and murdered in the mountains by bandits who are in turn killed in revenge by Ushiwakamaru. Consisting of 12 scrolls and with a total length of 150 meters, this work has long been famous for the horrific depiction of Tokiwa gozen’s murder. It shows a man with his hand wrapped in her hair as he stabs her with a sword, the dark red blood flowing from her soft white skin creating a shocking scene that is easily the equal of any Hollywood splatter movie. It is unlikely that Matabe-e could remember the murder of his family when he was an infant, but it is quite possible that he took the tales of the people who had witnessed it and superimposed them on the plot of the drama, adding his own emotions to the scene. It seems that this masochistic act of recreating the cruel murder of his own mother served as proof of his existence, while presenting the viewer with a frightful scene. It may be thought that I have concentrated too much on Matabe-e, but the fact is that when I was first confronted with the work of Tanihara Natsuko I found it quite fascinating, but for some reason its dark atmosphere reminded me of the gruesome scene from Matabe-e’s picture scroll. That is why I gave a rough outline of Matabe-e’s career as a painter. Now however, I must explain the details of my chance encounter with Tanihara’s work. Four years ago I visited ‘Hanarart’, a local art project in Nara Prefecture that is held in multiple venues dotted around the area. The last place I visited was the old, deserted Takiman Ryokan hotel that is situated on the approach to Hōzanji Temple in Ikoma and which had been converted into a huge exhibition space. Before I went there, I had visited the old Kawamoto building that had once served as a brothel in the castle town of Kōriyama. The memory of the dark, narrow rooms in the brothel were still fresh in my memory and dusk was fast approaching as I entered the guest rooms of the – 43 –
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ENCOUNTER - NEW THEORY OF TAKETORI MONOGATARI ((THE TALE OF THE BAMBOO CUTTER) Tanihara Natsuko 45,5x45,5 cm., oil, glitter on velvet, 2020
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Tanihara Natsuko 227,3x291 cm., oil, acrylic, glitter, oil pastel on velvet, 2021 ©Natsuko Tanihara, courtesy MEM, Tokyo Photographed by Kazuo Fukunaga
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I FOLLOW YOU WHEREVER YOU GO Tanihara Natsuko 73x52 cm., oil, glitter, oil pastel on velvet, 2019 ©Natsuko Tanihara, courtesy MEM, Tokyo Photographed by Kazuo Fukunaga
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old hotel. In this way, these incidental stage effects were all in place when I first saw Tanihara’s body of work. Among them was an iconic picture of a young girl who seemed to stare back at the viewer, she was wearing a loose, white garment and sitting in front of a round fire. In that quiet space, I felt that I had discovered a bottomless, spiritual darkness as I was drawn into the picture. There were numerous other works - a naked man wandering through a dark forest, a prostitute with a young girl in a dark bamboo grove, a naked girl in a dark park who was breathing fire - all of which clamored for attention. Tanihara paints all her works on a black, velvet-like material. Her choice of subjects also gives rise to a synergistic effect, expressing the complicated sentiments of the young girls clearly. Furthermore, it is easy to imagine that the images painted there are spun together from painful memories experienced by the artist. Thinking back, these works, which can almost be described as self-harming, bring to mind the horrific scene of murder depicted in Iwasa Matabe-e ‘Yamanaka’. To return to the subject of ‘genre paintings’, the first examples of these can be seen in the Yūraku-zu (Amusements in the Outdoors) works produced by the Kanō School during the Momoyama period (1568–1603), but after the Tokugawa government became firmly established and peace finally came to the country, there was a sudden increase in the number of works depicting the amusements of the ordinary people. In the scenes of young men and women enjoying themselves, such as the ‘Hikone byōbu’ folding screen, we can feel something of the ‘transient’ or ‘floating world’, which had its roots in the Buddhist-influenced ‘world weariness’ that had influenced art from the Heian period (794–1185). This style of work, which combines a feeling of ‘the helpless transience of life’ with ‘enjoying high spirits’ first appeared in the early Edo period (1603–1868) and was developed by Iwasa Matabe-e. There is no more room to go into greater detail here, so I will summarize by saying, the spirit of Iwasa Matabe-e, who established the ukiyo-e style genre paintings that are imbued with the shadow of ‘death’, has reappeared in the work of Tanihara Natsuko and her work demonstrates that she is progressing down this path as his true successor. It is our first encounter with Tanihara, the contemporary ukiyo-e artist. Nakai Yasuyuki Vice Director/Chief Curator The National Museum of Art, Osaka
Original text written in September 2019 Translated by Gavin Frew From Nakai Yasuyuki, “A Modern Ukiyo-e Painter - The Work of Tanihara Natsuko”, Natsuko Tanihara: MATSUROWANU-MONO, MEM, 2019, pp.4–5 – 46 –
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CORALLO . Fotografia di Bianca Laura Petretto
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IV CROSSING
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abalozi bayeza
LÁGRIMAS DO UNIVERSO 1 (DETAIL) Lhola Amira 2019 Image courtesy of SMAC Gallery, artwork copyright of Lhola Amira
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LÁGRIMAS DO UNIVERSO 2 Lhola Amira 2019 Image courtesy of SMAC Gallery, artwork copyright of Lhola Amira
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LHOLA AMIRA . os deuses estão chegando A série Abalozi bayeza (Os deuses estão chegando, em tradução do zulu para o português), 2018-2019, é registrada pela própria artista como uma constelação que compõe nove de trabalhos: cinco fotografias, denominadas iNyembezi zomKhathilibe (Lágrimas do universo), Abadala banginika impisi (Os anciãos me deram lobo), Lana siyaminza, siyahlanza, siyaphila (Aqui nós drien, purificamos, curamos), Abalozi Bayeza (Os deuses estão chegando) e Kancane kancane, nyathela (pouco a pouco, ande); três serigrafias em tecido de algodão, nominadas como The bones of our ancestors are turning and our bodies are remembering, Bayeza nam’yeza e Thokoza Axè; e, por fim, uma instalação, Philisa. Todas nasceram do envolvimento de Lhola
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CROSSING
Amira (1984, Gugulethu, África do Sul), com o Brasil em 2018, especialmente durante sua passagem por Salvador (Bahia). No Brasil, a artista esteve em 2018 em São Paulo e Salvador, apresentando alguns dos seus trabalhos. Na capital paulista, Lhola participou da 33ª Bienal de São Paulo, apresentando a performance As Appearances, ou Aparições, expondo-a, também, ao público da Praça da República.Por sua vez, na capital baiana, a convite do Instituto Goethe, exibiu seu filme “WhatA TimeToBeBlackWomxQueer”. Essa ida à capital baiana rendeu a série Abalozi bayeza. Nessas obras, a artista expõe uma jornada da qual torna-se testemunha: a perda de terras e da identidade coletiva durante a diáspora baiana. A praia é a paisagem onde muitos que deixaram a África foram negociados como escravos para serem violentados em outras terras. A partir de então, destacam-se duas das narrativas fotográficas - iNyembezi zomKhathilibe e Abadala banginika impisi - e, também, a instalação Philisa. Essas obras juntas simbolizam as camadas mais relevantes do corpo de obras. Em iNyembezi zomKhathilibe (Lágrimas do universo), Amira está em oração. Ela segura uma vela. No contexto cultural e religioso de alguns países africanos, esse gesto demonstra respeito pelas pessoas no poder. Por sua vez, as miçangas vermelhas representam uma espécie de bênção. É uma forma de “negociar” um lugar para aqueles que não tiveram sepultamento. Torna-se oferenda para o mundo ancestral e, simultaneamente, um aceno para um “novo tempo”. Em Abadala banginika impisi (Os anciãos me deram lobo), Lhola Amira carrega um Ishoba (instrumento desenvolvido da cauda de um animal que é usado por curandeiros tradicionais como uma ferramenta para guiar). Com ele em mãos, a artista gesticula em direção a ukuzilinda (do zulu, direção para se guiar), invocando os ancestrais espirituais que a acompanham até o território baiano. Por ser um sinal de ukukhunga (oração), sendo o momento de reconhecer que está em união com outro ser espiritual: uma alma que opera em uma dinâmica não física. A presença da própria artista centraliza inquietações. Em suas performances, ela se coloca como protagonista, confrontando seu corpo negro com questões de descolonização e identidade. A mala também confere uma forte representação nessa série, sendo guiada pela ancestralidade, podendo simbolizar o retorno dos sequestrados ao continente africano. Na instalação Philisa, Amira surge com a cura para as feridas proporcionadas pela violência aplicada aos povos africanos, do período colonial até a atualidade, desenvolvendo uma instalação na qual a estrutura é circular e suspensa com miçangas e uma pilha de sal grosso colocada no solo. O envolvimento de Lhola com materiais simbólicos, como as miçangas brancas e o sal grosso, assinala para um processo de cura para os corpos negros. Assim sobre as obras aqui discutidas, notam-se diversas camadas que envolvem a série Abalozi bayeza. Na narrativa fotográfica, o som também marca presença. Os versos de abertura da música Namhlanje (do zulu, hoje), de Abdullah Ibrahim e Johnny Dyani, do álbum Echoes of Africa, que proclamam “Bayasibiza bathi masigoduke, bayasibiza bathi masigoduke, masigoduke siy’ ekhaya e Afrika” (tradução do zulu: Eles estão nos chamando para casa, eles estão nos chamando para casa, vamos voltar para a África) serviram de inspiração na construção da série que, como se observa, reflete fortemente a violência colonial.
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A partir de múltiplos olhares e dos trabalhos repletos de camadas, Lhola Amira rompe a membrana de um espaço predominantemente branco e rico. Amira, mulher jovem, negra, queer e africana, penetra em um ambiente de poder ao marcar presença em diversas residências artísticas pelo mundo. Nas exposições coletivas, participou da 22ª Bienal de Sydney (2020Austrália); em 2019, na Noruega, integrou a mostra Kubatana, uma exposição composta apenas por artistas africanos; na Suécia, foi convidada para participar do painel de discussão Part of the Labyrinth e, na Ásia, suas obras fizeram parte de uma exposição na galeria Osage, em Hong Kong. Na Europa, participou da Subvision Kunst, na Alemanha (2009), e da Artissima, na Itália, em 2017. Além de diversas participações pela África do Sul, Gana (Acra) e Zimbábue (Harare). Seu universo estético e contemporâneo mostra existências pluriversais. Ela mergulha nos processos de cura, aborda questões atuais, observando o passado e o futuro; subverte o olhar colocado sobre os corpos negros e expõe uma profunda observação sobre a colonização. Flávio da Silva Nogueira Jornalista e especialista em Cultura, Educação e Relações Étnico-Raciais pela Universidade de São Paulo – CELACC USP.
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WHERE I END AND YOU BEGIN 1 . Bojana Nikcevic 62x60x250 cm., feutre, couture, collage, laine, soie, fibres siliconées, 2019-2020 Photographie de Daniel Cluzel©
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V PORTRAITS
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PORTRAITS
la pensée itinérante
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BOJANA NIKCEVIC Le textile, pour la plupart d’entre nous, êtres sans gloire ni pouvoir, à longtemps été relégué à une simple fonction : nous couvrir, de notre naissance à notre mort. Le feutre particulièrement. Du vieux français filtir, ce qui fut durant des millénaires une étoffe grossière, non tissée, faite de poils ou de brins végétaux maniés au foulage pour aider l’homme à traverser les routes et les saisons, prend pourtant aujourd’hui ses quartiers dans des salons d’art contemporain. Le feutre n’est plus exclusivement un textile prosaïque qui habille et protège, le feutre s’expose, le feutre raconte des métamorphoses et des hybridations nouvelles. Il ne recouvre plus, il dévoile. Délaissant la photo et la vidéo, ces médiums d’expression qui ont forgé ses premières expériences sensibles, la rencontre fortuite et encore récente de Bojana Nikcevik avec le textile est issu d’un hasard intuitif qu’elle ne pouvait pas prendre pour une simple coïncidence. Au contact des
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micro-écailles enchevêtrées, elle a senti aux premiers effleurements et palpations des fibres sous ses doigts que “c’était ça”. Que quelque chose d’archaïque lui soufflait son futur. Le feutre n’est pas seulement action sur la matière, il est création de la matière, transfiguration d’une animalité originelle perdue. En le travaillant, l’artiste essaie de se souvenir et de recueillir les récits des temps anciens cachés dans les fonds marins et les neiges éternelles. L’origine de la vie. La vie des origines. Parce que chaque jour, en ce presque premier quart du XXIème siècle, notre environnement nous rappelle à la crainte de sa disparition, il est question dans le langage tactile et feutré de l’artiste de survie et de mémoire. Constatant les filaments neurofibrillaires en déclin de la condition humaine, l’urgence lucide est d’anticiper, de réparer et de préserver ce qui peut l’être. Du feutre, rien ne peut mourir. Tout se régule. Froidure et chaleur. Usure et régénérescence. La pensée itinérante de Bojana Nikcevic où son corps se meut dans le tissage d’un texte tactile repense peut-être à l’évènement déterminant le parcours de Joseph Beuys, aviateur survivant de la Luftwaffe accueilli par des nomades tartares, qui interrogera sa quête métaphorique après sa résurrection. Le feutre lui avait sauvé la vie. Les œuvres de Bojana Nikcevic sont le fruit d’une réflexion qui conjugue archéologie, anthropologie, géographie, ethnographie, architecture low poly, topographie. Sous les doigts de l’artiste-fileuse, le tissu manufacturé naît tout d’abord d’une contemplation des fibres isolées d’où elle opérera une renaissance organique. On pense à la figure tutélaire que fut Magdalena Abakanowicz qui déclarait en 1978 : «Je vois la fibre comme l’élément premier constituant le monde organique de notre planète, comme le plus grand mystère de notre environnement ; c’est de la fibre que sont issus tous les organismes vivants – la composition des plantes et nousmêmes, notre système nerveux, notre code génétique, les canaux de nos veines, nos muscles.» Des fibres désaccordées sur le plan de travail, la transformation opère. Les étapes alchimiques de l’humidité, de la friction, de la pression et de la chaleur, petit à petit, transforment la masse informe. La présence d’écailles sur le brin de laine facilite la cohésion des poils et des filaments entre elles. Un souvenir de flux et reflux conduisent ses doigts dans les stries de la laine dans un enchevêtrement mémoriel. Laborieuse d’un texte tactile devenant textile, texture d’impressions, visions narratives sur un fil, surgissent des compositions en volume débridées de frontière, sans carte routière, ni routes droites, ni nœuds. La face cachée du textile est exactement identique à sa moitié visible. L’une et l’autre participent d’une homogénéité patiente que l’artiste, sous son apparence humaine et sa condition terrestre, ressent encore comme une apesanteur archaïque d’avoir remué sous les mers préhistoriques. De mémoire, ses doigts tissent des mandibules, des tentacules. Et on se souvient que le toucher est le premier des sens quand l’obscurité est totale et qu’il s’agit de survivre. En contemplant ses œuvres, on s’interroge : qui prolonge qui entre l’artiste et la forme anthropomorphe ? Est-ce le corps humain qui s’est greffé à la figure animale ? Est-ce l’être aquatique qui revient secourir sa lointaine lignée cellulaire asphyxiée ? Dans l’isolement du nouveau territoire qui est le nôtre, «en Pandémie», pour reprendre les mots de Barbara Stiegler, Bojana Nikcevic a ressenti une réelle difficulté à ne pas se déplacer librement tous ces derniers mois. Originaire des Balkans, les voyages sont pour elle une seconde peau, à la fois vitaux à sa respiration créatrice et nécessaires pour retrouver les siens. Ne pouvant plus voyager et retrouver ses paysages ou en découvrir de nouveaux, elle les a déplacés jusqu’à elle – 58 –
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WHERE I END AND YOU BEGIN 2 Bojana Nikcevic 54x27x125 et 130 cm., feutre, couture, collage, laine, soie, fibres siliconées, 2020 Photographie de Daniel Cluzel©
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WHERE I END AND YOU BEGIN 2 Bojana Nikcevic 54x27x125 et 130 cm., feutre, couture, collage, laine, soie, fibres siliconées, 2020 Photographie de Daniel Cluzel©
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PORTRAITS en les reconstituant à une échelle compatible avec l’espace obligé du confinement. Les montagnes monténégrines de son enfance étaient loin ? Elle les a recomposées avec toute la vertu du souvenir intact. Réfraction du temps passé, elles éblouissent d’une beauté personnelle comme ancestrale. Mis sous verre, ce paysage artificiel peut être considéré et observé comme une espèce en voie de disparition, aussi millénaire que les cristaux qui le recouvrent et le textile dont il est fait. Ces montagnes miniatures aux cristaux d’alun pourraient être les derniers vestiges d’un monde qui n’a pas su vivre. Laëtitia Testard
Née au Monténégro, Bojana Nikcevic vit et travaille en France depuis 1997. Plasticienne autodidacte, elle a fait des études en linguistique historique comparée avant de se consacrer à l’art. Le feutre, sa technique de prédilection, lui offre d’infinies possibilités d’expérimentation. Son travail a fait partie de la sélection de plusieurs expositions internationales d’art textile. – 60 –
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◀ WHERE I END AND YOU BEGIN 3 Bojana Nikcevic 20x43x200 cm., feutre, couture, collage, laine, soie, fibres siliconées, 2020 Photographie de Daniel Cluzel©
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WHERE I END AND YOU BEGIN 4 Bojana Nikcevic 26x60x293 cm., feutre, couture, collage, laine, soie, fibres siliconées, 2019-2020 Photographie de Daniel Cluzel©
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SNOWMAN Michael Johnson 210x85 cm., crayon on paper , 2021
BIRD IN HAND Michael Johnson 90x105 cm., crayon on paper , 2021
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THE PESTILENCE WITH SHIP OF FOOLS (DETAIL) Michael Johnson 124x206 cm., oil on canvas, 2021
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AINAS MAGAZINE All my work is based upon years of drawing from life, alongside a process of imaginative improvisation, during which, subjects and associations may suggest themselves, often touching upon contemporary socio-political issues, but never bound to these to the exclusion of wider associations. Another aspect of my work centres upon landscape, usually with a human element or narrative. I draw in order to connect with the world around me, in the hope of transmitting feeling, atmosphere and humanity; out of joy, and the dream of encompassing a range of emotions and experience. The works I have included here were all made in the year of the Pandemic and are saturated with an almost mediaeval sense of human vulnerability. I made much of the work outside, even in snow and rain, in order to connect with nature’s energy, but also to see people, if only from a safe distance. The process reminded me of those wonderful drawings by Van Gogh, where humans are subject to the power of nature, full of vitality but not in control, as perhaps we have been reminded of during this tragic time. Michael Johnson Michael Johnson, born 25th May 1962, Minehead, UK. First Class Honours Degree, Fine Art, University of Reading Postgraduate Scholarship, Byam Shaw School of Art, London.
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Michael Johnson 180x180 cm., crayon on paper, 2021
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FISH MAN Michael Johnson 240x60 cm., crayon on paper, 2021
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PERSEPHONE (DETAIL) Michael Johnson 150x170 cm., crayon on paper , 2021
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ASSYNT Michael Johnson 210x300 cm., crayon on paper , 2021
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tendenze complicate
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Arte e artigianato erano un tempo legati a doppio filo. Poi si sono slegati, hanno proseguito per strade indipendenti, a volte ritrovandosi, a volte no. Nello scisma, ognuno ha perso e guadagnato qualcosa. Ciò che l’arte ha perso è il pubblico, che brama l’eccellenza palpabile della perizia tecnica. Non è un caso che si ami Raffaello più di Pollock: nel primo l’artigianato si tasta con gli occhi, nel secondo si cela a qualsiasi percezione. L’abilità manuale cattura, irretisce, poiché rappresenta il superamento di un limite. Ipnotizza come il giocoliere di un circo. E, per un artista, un pubblico con occhi spalancati e bocca aperta è la più feroce delle tentazioni. Anche la cucina, così come l’arte, è piena di tecniche e tentazioni. Come per l’arte, il grande artigianato ha dominato per secoli sulle tavole imbandite d’Europa. Oggi, di contro, il vanto maggiore di uno chef è sfiorare la purezza. Non la semplicità, ma la purezza. Che è sinonimo d’essenza. L’essenza di un cibo, di un alimento, di un sapore, di un profumo, di una consistenza. L’equilibrio tra le sensazioni, così puro da diventare elegante. In questo percorso l’abilità non si nota, soggiace; l’artigianato si scherma. La strada del paradiso, insomma, è questa. Ma nessuno riesce a scordare le lusinghe dell’inferno. Quando senti parlare di materie prime eccellenti, allora sei in presenza di un asceta, che è la veste più indossata dai cuochi moderni. La materia prima eccezionale aiuta a catturare l’essenza. Paradossalmente, la tentazione della grande tecnica è passata dalle cucine ai campi, agli allevamenti, alle manifatturiere. I veri virtuosi, oggi, sono i produttori. Poi ci sono gli spagnoli. Non solo loro, naturalmente. Ma gli spagnoli sono quelli che, più di altri, si sono lasciati sedurre dalla tentazione della tecnica. La parola d’ordine è stata (ed è) modificare. Modificare prima di tutto la percezione del cibo, attraverso tecniche innovative che scompongono la materia per ricostruirla in sensazioni inaspettate. Il freddo dove si aspetta il caldo, il duro dove si attende il morbido, il liquido per il solido e viceversa. La cucina delle complicazioni è qui e fa scuola. Da una parte affascina, dall’altra spaventa. Eppure, e non è neppure tanto strano, l’ossessione principale è sempre la stessa: colpire al cuore l’essenza della materia. Da una parte il paradiso, che tende a sublimare la purezza di questa essenza. Dall’altra l’inferno, che di quest’essenza ci rivela la sopravvivenza sempre e comunque, nonostante le infinite modificazioni che rasentano il barocco. E che ci spalancano occhi e bocca. Forse solo nella cucina, tra tutte le attività umane, uomini, dei e demoni procedono a braccetto per sentieri che si biforcano e poi s’uniscono, alla ricerca di un’idea del sapore che risiede in cielo e in terra. Purificandoci e, al tempo stesso, tentandoci. Giogio Giorgetti
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Giovanni Bernuzzi Andante con bici
Il viaggio di una vita alla ricerca di verità e bellezza, narrato con amore in uno stile semplice e trasparente, libero.
Giovanni Bernuzzi
Andante con bici
A vent’anni, a Milano, il mio grande sogno era di vivere in un’isola greca con una giapponese. Trent’anni dopo la vita ha scelto per me la Sardegna, e ha scelto bene.
Giovanni Bernuzzi
Andante con bici
L’opera in copertina Demoiselle Dragonne (travail en cours octobre 2018) è di Jean-Claude Borowiak E 14,00
Grafica di Amelia Verga
Happy Hour to the Happy Few Ainas propone un’originale iniziativa editoriale, la collana di libri Happy Hour, classici moderni e contemporanei con in copertina un’opera di artisti internazionali presentati su Ainas Magazine. Edita da Bianca Laura Petretto e diretta dal poeta e scrittore Giovanni Bernuzzi, che l’ha creata nel 2010, pubblica pochi titoli all’anno realizzati con estrema cura editoriale e grafica, puntando sulla qualità etica ed estetica di una proposta innovativa con vocazione internazionale. I libri Happy Hour Edizioni sono disponibili in tutte le librerie e sui siti di vendita online. per consultare il catalogo: https://ainasmagazine.com/happy-hour-edizioni/
L’acquerello nello sfondo è di Paola Becerril
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Happy Hour Edizioni
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LA BATAILLE D’ANGHIARI Françoise de Felice 114x162 cm., huile sur toile, 2016
KOÏ Françoise de Felice 60x120 cm., huile sur toile, 2019 Finito di stampare nel mese di luglio 2021
ISSN 2611-5271 € 33.00
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