Piero Morales - Architecture Portfolio - Historia del Arte - RIBA Part 1 - Ulima - 2020

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE MORALES TRUJILLO,PIERO MILENKO 20182085

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Profesora: Cristina Isabel Dreifuss Serrano

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2020-2

TABLA DE CONTENIDOS

EP1

EP2

EF

01 Extraños comienzos CG2,CG3,CG7 02 Poder CG2,CG3,CG7 03 Poder y placer en la antigua Roma CG2,CG3,CG7 04 Síntesis de la antigüedad CG2,CG3 05 Islam CG2,CG3

04 05 07 09 11

06 Románico y Gótico CG2,CG3,CG7 07 Renacimiento CG2,CG3,CG7 08 La luz en el Barroco CG2,CG3,CG7 09 Pre Impresionismo CG2,CG3,CG7 10 Neoclásico CG2,CG3,CG7

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11 Trabajo Final CG2,CG3,CG7 12 Portafolio CG2,CG3,CG7

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Curriculum Vitae Información del curso

24 26

15 16 17

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01

CRITERIOS RIBA

CG2

Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3

Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

CG3

Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

02

Evaluación Parcial 1

01 EXTRAÑOS COMIENZOS

Nota: 2/3

Encargo: realizar un resumen gráfico (mapa conceptual, cuadro sinóptico o similar) sobre la lectura "Extraños comienzos" (Gombrich: Historia del Arte, capítulo 1). Incluir al menos 4 imágenes de obras mencionadas en la lectura, que no hayamos visto en clase.

Comentario: en este trabajo tuve una breve introducción hacia el arte primitivo, las primeras manifestaciones artísticas y su semejanza entre diferentes culturas. Sin duda fue un prologo de lo que seria el curso en general, lleno de misterios y cosas interesantes.

04

02 PODER Encargo: Escoger tres obras de arte que representen las principales ideas sobre el arte de la antigüedad.

Explicar cuáles son esas ideas y por qué han escogido las obras que escogieron. Colocar la información completa de las obras: nombre, fecha, cultura o estilo que las produjo.

La creación de Adán Datos Principales: Autor: Miguel Ángel Año: 1511 Ubicación: Techo de la capilla Sixtina - Italia

Poder de la imagen: Dios y Adán Posición de los personajes: Dios se encuentra más arriba que Adán, representando jerárquica sobre él.

Vestuarios: • Adán: Desnudo - representación de vulnerabilidad del hombre.

• Dios: Vestido - representa un ser respetable.

Representación y detalles de los personajes: • Adán: Joven - representa la humanidad y tener la libertad de reproducción.

• Dios: Adulto mayor - representa sabiduría y muestra que es él quien hace todo el esfuerzo.

Ubicación de los personajes: Abarcan toda el espacio • Adán: Acostado sobre la tierra - representa la vida terrenal.

• Dios: En el cielo siendo cargado por ángeles - representa el reino de los cielos.

Comentario: En este proyecto aprendí un poco mas acerca del significado de una obra de arte, que representa, como logra representarlo y las técnicas que usa para lograrlo. Este trabajo también me sirvió para ver que el arte es mucho mas que solo cuadros o pinturas.

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Nota: 3/3 Monte Rushmore Datos Principales: Autor: Gustzon Borglum Año: 1927-1941 Ubicación: Keystone Estados Unidos

Monumentalidad: Jerarquía de tamaño de las caras a comparación del entorno - representa superioridad del poder político con ciudadanos EJ: tamaño de las caras en contraste con los árboles Contraste con el entorno: La diferencia entre una montaña normal y el tallado de las caras Posición centrada: Mayor enfoque hacia las caras que el entorno Poder de la imagen: Cara de los expresidentes.

Detalles: Perfeccionismo - representando la importancia de reflejar la identidad de los personajes y pueblo americano Posición: joven arrodillado en el primer plano mientras que en el fondo todos están de pie y sin enfoque Contraste de color: • El joven tiene más color a comparación del fondo.

• El color de la bandera Posee elementos complementarios Accesorios: • Banderas peruanas con escudos representando la patria y lucha de corrupción.

• Mascarilla - representa el compromiso del pueblo con la patria.

Marcha contra Merino

Datos Principales: Año: 2020 Ubicación: Lima - Perú

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03 PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA ROMA Augusto de Prima Porta Octavio Augusto, primer emperador de Roma Autor: Desconocido Fecha: Imperio romano.

Posterior al 14 d.C. (Siglo I d.C.), de un original del 20 a.C. Ubicación: Museo Vaticano Material: mármol

Coliseo Romano Fecha: 70 - 80 d.C. Autor: Desconocido Ubicación: Roma, Italia Estructura: columnas y arcos clásicos de la arquitectura romana El emperador Vespasiano inició su construcción y Tito la concluyó.

En la antigua Roma, el poder era simbolizado a partir de la belleza, generando placer al espectador de la obra.

En la escultura del emperador Octavio Augusto de Roma, titulada Augusto de Prima Porta, se ve con claridad la idea de poder. Los elementos que denotan poder son: la postura, que demuestra una actitud de grandeza, al tener el brazo levantado, como símbolo de liderazgo y guía a sus tropas. El placer o belleza refuerzan también la idea de poder, lo que se ve en la anatomía lograda, el cuerpo fornido del personaje, evidencia preocupación por su físico y la importancia de su imagen frente al pueblo.

Asimismo, refleja la importancia de la masculinidad para la cultura romana. Continuando con la anatomía, el rostro no expresa mayor emoción, lo que representa control y superioridad del personaje frente al pueblo (como en el arte egipcio).

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Nota: 17/20 La vestimenta que Octavio Augusto lleva adquiere elementos religiosos (Cupido e imágenes de dioses). En ese sentido, los romanos adaptaron como un elemento complementario de la política, por lo tanto en su coraza combinan imágenes religiosos como aquellas que representan sus conquistas. Por otro lado, los pies descalzos vislumbra una idea divinizada del emperador. La presencia de Cupido abrazando la pierna de Augusto sobre un delfín simboliza la inmortalidad del emperador y su relación con la diosa Venus.

Por último, el uso del color, dado por los pigmentos que se utilizaban en la época, evidencian poder adquisitivo al ser insumos difíciles de conseguir y, por ende, costosos.

Asimismo, el detalle logrado en la obra y el tiempo que tomó hacerla muestra la importancia de rescatar la esencia del personaje.

Por otro lado, el Coliseo Romano es un claro ejemplo de la arquitectura romana. La idea de poder se encuentra principalmente en la escala de la obra, que es monumental.

Además, las altas columnas están unidas por arcos que forman puertas de gran tamaño, que otorgan una sensación de grandeza e importancia a quien visite el lugar. El poder también se podía medir en la división de las graderías, pues los patricios se ubicaban siempre más cerca a la arena mientras que la gente del pueblo se ubicaba en las gradas más altas, lo que daba diferentes perspectivas según el estatus del espectador.

Esta distinta ubicación también condiciona la experiencia estética de los asistentes, relacionada estrechamente al placer. Así, las graderías y su distribución permitían tener una visual panorámica de la estructura simétrica del coliseo, lo que remitió a la idea de perfección. El placer también se evidencia en las columnas de gran dimensión, que son de distintos tipos de acuerdo a su ubicación: las del primer piso de orden toscano, las del segundo de orden jónico y las del tercero de orden corintio, siguiendo una influencia helenística.

En conclusión, los antiguos romanos transformaron las ideas de poder y placer al crear una dualidad entre ellas que permitía simbolizar la grandeza de su cultura mediante elementos de belleza que posicionan al imperio romano como una civilización imponente y grandiosa en el mundo antiguo.

Comentario: en este trabajo aprendí acerca de la cultura romana ,tanto sus costumbres, vida y arte. El como representaban sus vivencias diarias ,el poder y el placer por medio de manifestaciones artísticas es muy interesante.

08

04 SINTESIS DE LA ANTIGUEDAD Encargo: escoger tres obras de arte que representen las principales ideas sobre el arte de la antigüedad.

Explicar cuáles son esas ideas y por qué han escogido las obras que escogieron. Colocar la información completa de las obras: nombre, fecha, cultura o estilo que las produjo El arte de la antigüedad es vasto y comprende un período largo de tiempo. Pero se pueden identificar tres ideas principales: el Poder, la Belleza y el querer imitar la realidad.

Estatua ecuestre de Marco Aurelio Fecha: 176 d.C. Cultura: Imperio Romano

Estilo: Estatua de bronce

El poder es algo presente en muchas obras de arte, sobre todo cuando hablamos de imperios, reinos o civilizaciones, ya que estos querían demostrar el poder que tenían los gobernantes sobre los gobernados. Todo a través de grandes monumentos como las pirámides de Egipto, el portón de la ciudad de Ishtar, templos enormes como los griegos y romanos, anfiteatros como el Coliseo romano o esculturas de los dioses imponentes y de los mismos gobernantes, ya sean faraones o emperadores. El punto más alto en la antigüedad del uso del poder en el arte, es el Imperio Romano. Usaban esculturas y monumentos para demostrar su poder sobre los pueblos conquistados o para celebrar las victorias en Roma misma. Es por eso que la obra elegida es la estatua ecuestre de Marco Aurelio, emperador de Roma. Este es representado en su caballo y con el brazo en alto, en pose de conquistador.

El hecho que no tenga armadura también podría simbolizar que es un pacificador, ya que bajo su reinado el imperio alcanzó su punto más alto de prosperidad.

La belleza está representada en todas las obras de arte, desde el periodo prehistórico hasta la antigua Roma, donde los artistas plasmaban sus ideas, pasando los años fueron puliendo y aprendiendo más acerca de la belleza, la cual es muy valiosa para el ser humano ya que te genera un ideal y una meta para seguir superándote. Desde los inicios partiendo de la interpretación que le daba la persona a lo que veía y posteriormente dibujarla, como son las pinturas rupestres, a pintar o esculpir a los faraones de Egipto como el rey Micerino, representar deidades más allá de nuestros conocimientos, como la escultura de Poseidón y la Venus de Milo, las obras a mayor escala como los arcos de triunfo y los coliseos de Roma, podemos notar como la belleza está y resalta a simple vista en cada una de las obras. La obra que elegimos es la estatua de Laocoonte y sus hijos, donde podemos apreciar el momento exacto donde las serpientes se enroscan en el cuerpo del sacerdote troyano y sus hijos, esta obra podría decirse que es la cumbre de lo real que se quería interpretar gracias al detalle en las serpientes y la forma como están esculpidas que se mimetiza con la escultura del hombre y sus hijos, el detalle y cuidado al esculpir las serpientes y sus colmillos clavándose en el cuerpo del hombre hasta en la contorsión de los músculos y la sensación de sufrimiento y lucha que Laocoonte te transmite gracias a la expresividad de su rostro, es como si le hubiera capturado el momento y la hubieran esculpido, dándonos a entender que esta obra va un paso más allá de lo que se buscaba y se asemeja a la belleza y perfección que se quiere llegar.

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Nota: 3/3

Laocoonte y sus hijos Fecha: 100 a.C. Cultura: Periodo Helénico Estilo: Estatua de mármol

Bisonte de las cuevas de Altamira ,España

Una característica compartida por gran parte de las culturas antiguas es el querer plasmar la realidad en sus obras. Es decir que se inspiraban en lo que día a día veían en su contexto, como la naturaleza, la vida cotidiana, la cultura en sí, entre otros. Es preciso suponer que la intención pudo haber sido transmitir un mensaje, plasmar experiencias o como en el caso de las pinturas rupestres representar su modo de vida. Gran parte de estas pinturas rupestres hacen alusión a cazas de animales, la vida del hombre primitivo y los peligros que atravesaba este. Conforme avanzó el tiempo la representación de la realidad se hizo cada vez más repetitiva en las obras. Por ejemplo en las grandes cacerías que realizaban los reyes de Mesopotamia (nótese que se hace visible incluso el sufrimiento de los leones) o la vida en el Egipto antiguo donde nos muestran la naturaleza y hasta la vida cotidiana de los faraones. En la época clásica esta representación se fue perfeccionando hasta convertirse en una técnica muy frecuente, lo encontramos en las vasijas griegas y el mensaje de cómo era su cultura, sus costumbres, su modo de vida, etc.

Llegando a Roma vemos una síntesis en la representación del mundo, del entorno, de la cultura; tenemos por ejemplo los grandes frisos romanos que nos muestran escenas específicas de un momento histórico (como los tallados en los arcos del triunfo o en la ciudad) logrando alcanzar la muestra más perfecta de la realidad en una obra de arte. Todo este proceso comenzó cuando el hombre se puso a tener en cuenta su alrededor y su modo de vida para poder sobrevivir; representando sus experiencias en pinturas rupestres como por ejemplo la cueva de Altamira en España donde nos muestran bisontes en su hábitat y también cacerías de estos por parte de los hombres (actividades que aseguraban la supervivencia).

Fecha: 15000 - 12000 a.C. Cultura: Hombres prehistóricos Estilo: Pintura rupestre Comentario: en este trabajo puse en practica los conocimientos obtenidos en las clases previas, esto debido a que realizamos un síntesis de todo el arte antiguo en un solo trabajo. Es increíble ver como pasamos de pintar en cuevas a moldear cuerpos.

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05 ISLAM

Nota: 3/3

Encargo: escoger una obra del arte islámico y explicar porque nos causa impresión y que aspectos rescatamos de este.

Palacio de Topkapi Ubicación: Estambul, Turquía Autor: Mehmed II Año: 1459-1564 Importancia: fue el centro administrativo del Imperio Otomano desde 1465 hasta 1853. ¿Qué nos gusta de la obra?

La majestuosidad y monumentalidad del palacio, que resalta en el paisaje. Por supuesto fue hecha con ese motivo; ya que Mehmed II fue el que conquistó Estambul para los otomanos, y la mejor manera de demostrar que dejó su huella fue construyendo un palacio gigantesco. El palacio está hecho con detalle y mucha ornamentación, como el uso de azulejos, algo típico de la arquitectura musulmana y que lo hace bastante llamativo.

Comentario: en este trabajo aprendí acerca del arte islámico, una cultura que nos aporto muchas enseñanzas y cosas sorprendentes. Quizá sea un arte que pase desapercibido para la cultura occidental ,pero no por ello debemos darlo de menos.

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Evaluación Parcial 2

06 ROMANICO Y GOTICO Encargo: escoger dos imágenes que representen el mismo hecho, una románica y la otra gótica (Posibles ejemplos: crucifixión, nacimiento, visita de los reyes magos, etc.).Explicar la evolución del románico al gótico, utilizando como referencia lo visto en clase y las dos imágenes escogidas.

Románico Obra: Majestad de Batlló Año: 1150 Aprox.

Ubicación: Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona, España Autor: Desconocido Características: • Un Cristo más triunfante vencedor de la muerte.

• Está apoyado en la cruz y con ropa.

• No muestra signos de sufrimiento y tiene una expresión de serenidad.

• No se logra ver sangre o alguna herida en el cuerpo.

• Una representación menos realista sin tener muchos detalles.

Gótico Obra: Cristo del Millón Año: Siglo XIV Ubicación: Catedral de Sevilla, España Autor: Desconocido Características: •Cristo cabizbajo y con expresiones de sufrimiento •Abundancia de sangre y dolor •Presencia de la corona de espinas •Se observa cómo el cuerpo de cristo cuelga de la cruz producto de la pérdida de fuerza •Expresiones y representación más realista

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Nota: 3/3

Conclusión: Estas dos obras representan bien las diferencias entre el románico y el gótico, como se evoluciona de uno al otro. Y como todo es influenciado por la época de cada uno y sus conflictos.

El Románico se desarrolla en un periodo de bonanza de la religión católica, hay una especie de unificación entre los cristianos; sobre todo gracias a las cruzadas. Esto se refleja en el arte, todo es representado un poco más idealizado y simplificado de lo normal , pura iconografía. Nos da la impresión de una religión para niños, y esto es sobre todo porque la población común era algo así. La gran mayoría no sabía leer y el arte dentro de las iglesias servía para entender mejor lo que pudiera decir un sacerdote. Entonces se intenta acentuar ciertos rasgos como la divinidad y casi no se muestra tanto la humillación y el dolor que sufrió Cristo. Muchas veces era representado con ropa y sin marcas de heridas, como en el ejemplo de arriba.

El Gótico en cambio se desarrolla en una etapa mucho más inestable para la iglesia y la sociedad europea en sí. La guerras entre reinos aumentaron, ya no habían cruzadas, la iglesia sufrió bastante con los cismas de oriente y occidente, y la corrupción de esta estaba en su punto más alto (algo que llegó a su límite con la reforma protestante) y la población no hacía más que sufrir con hambrunas o la peste. Por esto y más es que el arte Gótico viene representado más lúgubre, más crudo y más realista. Se humaniza a Cristo y a los demás personajes. Nace la figura de la Piedad, María, una madre que llora a su hijo muerto en sus brazos.

Jesús viene representado con heridas, desnutrido y semidesnudo. El arte representa el dolor y tristeza de la época.

Comentario: en este trabajo aprendí a comparar las obras acerca de un tema pero de distintos periodos, en este caso la crucifixión de Cristo. He podido darme cuenta de la evolución de la escultura tanto en los detalles como en el realismo.

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07 RENACIMIENTO

Nota: 2/3 Renacimiento

Obra: Crucifijo de Benvenuto Cellini Año: 1562 Ubicación: Basílica de El Escorial, Madrid, España Autor: Benvenuto Cellini

Características: •Se muestra una escultura perfeccionada y mucho más natural, humanizada.

•Se hace visible un dinamismo en las expresiones corporales y un dominio de la proporción.

•Se empieza a usar el tallado en mármol.

•Se hacen visibles mayores detalles tanto en la musculatura, expresión facial y la ropa.

El contraste entre el románico/gótico y el renacimiento: Si se comparan los tres estilos y épocas, se nota como todo es una evolución. Pasamos de un románico en el que casi se caricaturizaba a los personajes, a un gótico en que se busca más realismo, para llegar al renacimiento, en el que no solo se busca realismo de las expresiones y movimientos, sino en la textura de las esculturas que buscan el orden y la armonía. Por eso es que se regresa al mármol, que puede llegar a ser suave y limpio. Después de estar tantos años olvidado como material, se vuelve el material predilecto del Renacimiento en adelante. Ya no solo tiene que ser realista, se busca la perfección y la simetría. Se dejan a un lado las tendencias religiosas y se enfocan en el ser humano. En el ejemplo que ponemos, es como si la figura de Jesús quedara un poco en segundo plano, y se centraran más en intentar representar al ser humano perfecto. La musculatura, las venas y hasta el más mínimo detalle viene cuidado al máximo en esta escultura.

El regreso a las formas clásicas: Algo que resalta bastante en el renacimiento es el regreso a la cultura clásica, esto es Roma y Grecia. Esto lo vemos en las diferentes pinturas, esculturas o construcciones que en su mayoría usan las técnicas y representaciones clásicas como la forma humana realista, el uso del mármol en la escultura, técnicas de construcción clásicas y como estas se adaptan al hombre. Reivindican ese pasado glorioso de Europa y lo adaptan a la época brindándonos una forma de ver el mundo y un pensamiento nuevo inspirado en lo antiguo.

Comentario: en este trabajo le agregamos a la comparación anterior ,el renacimiento. Sin duda una de mis épocas preferidas en cuanto a historia del arte se refiere ,ya que significa un nuevo comienzo y abre las puertas a un mundo mas amplio para el arte.

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08 LA LUZ EN EL BARROCO

Nota: 2/3

Encargo: luego de ver la película "La joven de la Perla", tomar capturas de pantalla de dos escenas en las que se demuestre cómo la luz contribuye a las emociones que busca recrear una determinada escena. La luz debe analizarse no sólo como un componente funcional (que hace ver) sino como un elemento que puede acentuar las emociones. Esta es una idea muy potente en el barroco.

Captura 1: en la escena podemos ver a la muchacha viendo a través de la ventana ,el contraste entre lo iluminado y lo oscuro es muy tenue pero se logra apreciar algunos puntos ocultos producto de las sombras de los objetos. El hecho de que la luz ilumine gran parte del salón nos da una sensación de tranquilidad y armonía. Además las partes con mayor iluminación corresponden al lugar en donde se encuentra la muchacha haciendo que nuestra vista se vaya directamente a ese punto central de la toma, otros elementos con relevancia son el cuadro y la mesa de herramientas.

Captura 2: en la escena podemos ver a la muchacha viendo a través de una puerta semiabierta. En contraste con la primera captura, en esta el estilo de la iluminación y entradas de luz cambia por completo. Nos presenta una escena sombría con escasa iluminación, la luz en un principio se enfoca en el rostro de la muchacha, lo que guía al espectador a sentir emociones similares a las expresadas en el rostro de esta. Nos transmite miedo, angustia y confusión, el contraste de sombras y el único punto que aparentemente proporciona luz nos transmite intriga por saber que esta viendo la muchacha tras esa puerta.

Comentario: en este trabajo tuve que analizar el tema de la luz que vimos en el Barroco aplicado en la película La Joven de la Perla .En principio el análisis de las capturas me complico un poco, pero luego supe ordenar mis ideas y explicar de manera breve lo que representa la luz.

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09 PRE IMPRESIONISMO Encargo: se nos pidió escoger una imagen del preimpresionismo y compararla con el arte barroco, neoclásico o romanticismo. El rol del espectador en la pintura elegida.

Los jugadores de cartas (Quinta versión) 1894-1895 - Paul Cézanne 5 diferencias con respecto al barroco, al neoclásico y/o al romanticismo. Considerar técnica, temas representados, paleta de colores, función, etc.

•A diferencia de las 3 corrientes anteriores, en el Impresionismo podemos ver pinceladas espontáneas y rápidas lo cual nos proporciona un menor realismo, la imagen de los jugadores se nos muestra distorsionada y simple, obviando muchos detalles como los ojos o la textura de las prendas.

•Se prioriza la impresión y el sentimiento que te genera la pintura, en vez del realismo, algo que había sido el objetivo principal de los artistas desde el renacimiento. La pintura viene plasmada como si fuera un recuerdo, más que una representación fotográfica.

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Nota: 2/3

•La iluminación en la obra es otra diferencia que tiene este movimiento con los anteriores, podemos apreciar como las tonalidades en la ropa van cambiando dependiendo de la posición en la que se encuentran, al ser un lugar cerrado podemos ver el fondo más oscuro y las dos personas al frente con mayor iluminación por lo que la luz siempre esta cambiando.

•En contraste con el barroco o el neoclásico donde se nos presentaba escenas históricas, personajes épicos o ilustres de la época; en los jugadores de cartas se nos muestra una escena de la vida cotidiana, en donde los “protagonistas” parecieran ser simples personajes aleatorios y mundanos, en donde el mensaje que nos da pareciera ser relativo; sujeto más a interpretación.

•Otra diferencia notoria en la pintura es la gran cantidad de colores y diferentes pinceladas que esta tiene, es como si la mezcla de los colores se hubiera realizado en el mismo lienzo y no en una paleta aparte como estamos acostumbrados, se pierde la perfección en el dibujo pero el espectador gana una perspectiva diferente y más compleja. ¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

En este caso claramente el rol del espectador, es el de un jugador más. Cezanne posiciona el punto de vista al frente de la mesa (con el punto de fuga siendo la botella de vino), a una distancia suficiente como para que nos sintamos parte del juego de cartas y podamos apreciar toda la escena.

Comentario: en este trabajo analizamos una pintura del preimpresionismo y la comparamos con las técnicas vistas anteriormente en clase. Me pareció muy interesante la forma en como los pre impresionistas logran transmitir una escena con muy poco detalle.

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10 NEOCLASICO El Juramento de los Horacios Año: 1784 Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia Autor: Jacques-Louis David Estilo: Óleo sobre lienzo

Describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando.

Nos trasladamos al origen de Roma en el año 669 a.C. donde se evitó una guerra entre Roma y el Alba, ya que se decidió que se resolvería con la pelea de 3 campeones de cada bando. Por el lado del Alba llevarían a los hermanos Curiacios y Roma a los hermanos Horacios. Esto se vuelve complicado ya que las familias están relacionadas por matrimonios, donde una de las hermanas de los Horacios está casada con un Curiacio y viceversa. Se representa cómo era la antigua roma donde los soldados eran fieles a su patria y aceptan morir por ella, en este caso a los hermanos Horacios que juran lealtad a Roma, dejando de lado los temas personales y sentimentales.

¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico?

En la obra se nos muestra a los Horacios momentos antes de la batalla ,vemos que el padre levanta en la mano las tres espadas mientras estos realizan el saludo romano (un símbolo de lealtad y compromiso para con la patria).En efecto, esta escena podría representar la lealtad al estado y a la patria pues recordemos que fue mandado a hacer con ciertos fines políticos; en este caso David recibe el encargo de parte de la realeza de Francia como una manera de calmar la creciente crisis social que se vivía en el país. Debemos recordar que la obra es pintada años antes de que estalle la revolución francesa y con ella la caída del antiguo régimen.

Ahora bien ,es preciso suponer que la representación de los horacios en lealtad al pueblo de Roma es un claro llamado a la lealtad del pueblo francés hacia el estado,a la patria por sobre todas las cosas ,inclusive la familia(representada mediante las mujeres llorando en el lado derecho).Sin embargo, es curioso que David use como referencia a la república Romana y no al imperio ,el cual se asemejaba más al régimen del Rey lo que nos hace suponer que quizá esa lealtad que reflejan los horacios no sea hacia el estado, sino hacia la patria como tal, hacia los ideales perseguidos por los hombres que venían marcando los cambios del mundo (David se pasaría más adelante al bando revolucionario).

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Nota: 16/20 El artista decide representar la escena del mito en la que los hermanos Horacio le juran lealtad a Roma frente a su padre orgulloso. Este sostiene las 3 espadas de estos y está al centro de la pintura. Las dos mujeres a la derecha están llorando, una porque está de prometida con un Curiacio y la otra porque es hermana de los Curiacio y está casada con un Horacio. Atrás de ellas están los hijos de Sabina, que están con su cuidadora y terminan de espectadores de esta tragedia.

Todo está lleno de simbolismos. Los tres hermanos hacen el saludo romano (posteriormente conocido como saludo nazi), demostrando su valentía y lealtad a la patria. Solo las mujeres muestran sentimiento, ya que históricamente sólo ellas tienen permitido sentir y también enfatiza el que ellos solo piensan en su deber, olvidándose de cualquier sentimiento que tengan con los campeones de Alba Longa. Esto también viene resaltado por la composición de la obra, ya que los hombres están a base de líneas compositivas rectas (que muestran tensión) y las mujeres a base de líneas curvas (que muestran más pasividad). La perspectiva parte de la unión de las 3 espadas, casi al centro de la pintura. Toda la composición en sí es geométrica. Las dos mujeres forman una pirámide, mostrando desesperación y los hombres un cuadrado, mostrando estabilidad. Si analizamos solo a los hermanos forman un triángulo ellos también. Otra cosa que se puede apreciar es lo constante que es el número 3: 3 hermanos, 3 mujeres, 3 espadas y 3 arcos al fondo que dividen la pintura en 3. Esto último en clara inspiración de los trípticos de Giotto y otros artistas del arte gótico.

La obra es un ejemplo importante del neoclásico, que como dice su nombre “nuevo clásico”, es una alusión al periodo greco-romano del pasado que fue tan idealizado en esa época. Y la obra es una muestra clara de ello. El tema de la obra es un mito romano, la arquitectura de la obra son columnas dóricas son de origen griego, los personajes están vestidos como en la época (adiós a personajes del pasado con vestimenta moderna) y finalmente el predominio del dibujo sobre el color les da una apariencia como de escultura, pensando en las grandes esculturas del pasado.

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Evaluación Final

TRABAJO FINAL ¿Que obra de arte me robaría?

La danza de la vida Edvard Munch (1900)

Dejando de lado el tema ético y la moral, la obra de arte que me robaría seria “La danza de la vida".

Pintada por Edward Munch entre 1899 y 1900,es sin duda una de mis obras favoritas no solo del expresionismo, sino del arte en general. El estilo simple pero a la vez complejo que la obra transmite y sobre todo el mensaje que nos transmite a los espectadores es simplemente grandioso.

Enfatizando en la obra como tal, La danza de la vida me transmite una sensación de intriga y curiosidad.

Cuando la vi por primera vez me pareció una obra mas del expresionismo, que transmitía quizá una fiesta como las tantas que había en la época usando el estilo característico de los trazos simples y el poco realismo. Sin embargo, algo me llamo poderosamente la atención cuando empecé a verla detenidamente; la mujer del centro y las de los costados no parecían estar en ese lugar al azar, había algo mas. En efecto, supe que se trataba de la misma persona ,pero de distintas edades. Una mujer vestida de blanco con una cara joven que transmitía la inocencia y pureza; más adelante una mujer vestida de rojo, un poco mas madura ,transmitía la pasión y la etapa mas feliz de la vida. Por ultimo, la mujer vestida de negro en absoluta soledad, transmitía el final del camino ,la pena, el remordimiento.

En conjunto la obra me transmitía la vida misma, como pasamos de ser seres inocentes y jóvenes para después encontrar la compañía en nuestras vidas, creemos que nuestra vida no puede estar mejor, somos felices y cumplimos nuestros sueños. Sin embargo, todo tiene su final y vemos como esos días increíbles ya no están, se han ido, la vida misma nos ha apartado de ellos. Si me robaría esta pintura la tendría en mi habitación .Cada vez que me despierto veo la obra y veo reflejado el deber de que viva cada segundo de mi vida al máximo; porque cuando menos me lo espere todo lo que la vida me ha dado, todos los momentos buenos y malo, ya no estarán ahí, se habrán ido en la danza eterna de la vida.

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EVOLUCION DEL COLOR EN EL ARTE Antigua Roma Fresco, villa de Boscoreale En épocas de la antigua Roma, el color amarillo era usado para representar el color del oro, de la riqueza.

Esto se puede apreciar en muchos murales esparcidos a lo largo del imperio, entre ellos el fresco de villa de Boscoreale. En este fresco podemos ver claramente las columnas amarillas,doradas,forjadas con el oro que hacia grande a la Roma imperial. El amarillo nos da una visión de lo que fue Roma, una cultura rica, poderosa, imponente.

Neoclásico La triple generación-Francisco de Goya En el neoclásico podemos ver como el color amarillo se asocia mas al poder, la divinidad y la luz. En la obra de la triple generación vemos como el amarillo nos da una cierta jerarquía en los personajes pues mientras mas claro se hace el amarillo ,mas protagonismo tiene el personaje. En este caso Dios y el ave tienen tonos de amarillo mas claros, lo que les da un cierto grado de importancia y de luz. Por otro lado los personajes de la parte inferior utilizan tonos de amarillo mucho mas oscuros que quedan opacados ante la imagen clara de Dios.

Expresionismo Trigal con cuervos-Vincent Van Gogh En el expresionismo se usa el amarillo para un tema de transmitir emociones. Es así como Vincent Van Gogh lo usa en sus diferentes obras ,entre ellas el trigal con cuervos en donde vemos un amarillo claro que nos transmite cierta calma y tranquilidad. Asimismo ,nos transmite un clima cálido y sereno.

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CV PIERO MILENKO MORALES TRUJILLO CONTACTO EMAIL pieromilenkomorales9@gmail.com

TELEFONO 946 520 787

NACIMIENTO 09/05/2003

DIRECCION Jr. Los Corales 379 Balconcillo La Victoria Lima

Sobre mi: Soy un joven estudiante de la carrera de arquitectura de la Universidad de Lima cursando actualmente el primer ciclo. Me considero organizado y responsable con mis deberes ;así como también cortes y respetuoso con mis pares. Elegí la carrera de arquitectura porque esta despertó en mi un gran interés debido a las diversas oportunidades que esta ofrece.

En mi día a día me gusta estar informado acerca del contexto cultural, así como también investigar acerca de temas que sean de mi agrado(en especial la cultura general y el arte).En el tema físico me gusta salir a correr y pasear al aire libre siempre tomando las medidas de seguridad correspondiente. Mi mayor fortaleza considero yo es mi dedicación y perseverancia por conseguir mis metas trazadas. En el ámbito familiar paso mucho tiempo en compañía de mis padres y hermanos, comparto ideas y experiencias con estos ;y a su vez ayudo cuando necesitan de mis servicios.

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DATOS DE HABILIDADES PROGRAMAS

INTERESES

Microsoft Exel Microsoft Word Adobe Illustrator Microsoft Power Point Adobe Photoshop AutoCAD Revit

Lectura Dibujar y Pintar Historia y geografía Hacer deporte Arquitectura

IDIOMAS Español Ingles EDUCACION 2009-2014 Primaria Colegio Cruz Saco –La Victoria 2015-2019 Secundaria Colegio Cruz Saco-La Victoria 2020-Actualidad Pregrado Universidad de Lima

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INFORMACION DEL CURSO

I.SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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