YIRA-YIRA por
la
ciudad
El cuarto escalón…
Editorial
Un mes de festejos se vivió para alegría de todos los argentinos. 200 años de historia viva pasaron frente a nuestros ojos en el bicentenario y eso no es poca cosa porque nos hizo recordar con orgullo nuestra historia. Crecimos con lo que nos contaron que éramos: el cantito a la bandera, los inmaculados próceres de bronce, el granero del mundo, la viveza criolla y mirándonos más en el espejo europeo que en nuestras raíces aborígenes. Argentinos como San Martín, el Che, Gardel, Favaloro, Borges, Maradona... Pero también como innombrables que mancharon la nación. Crecemos con lo que somos. Porque por nuestra realidad supo -y aún sabe- desfilar la intolerancia, la pobreza, la corrupción, la violencia y la indiferencia. Pero seguimos esperando lo que podemos ser porque al fin de cuentas la historia no es la que nos contaron, sino la que escribimos día a día. Y es hora de hacernos cargo de ese legado.
Queremos compartir con ustedes unas palabras de Jorge Lanata publicadas en su libro Argentinos I y II: “Apáticos o apasionados: los argentinos somos, básicamente, exagerados (…) Heredamos el motor del deseo de los inmigrantes, que también nos dejaron el miedo al ridículo, el pavoroso temor del criollo a ser sobrado por el que venía. Por eso valoramos el culto a la apariencia, valoramos el tener sobre el ser, compramos el auto antes que la casa, exigimos que nos llamen “doctor” y tememos que nuestra presencia no se note. Somos los argentinos el resultado de un país joven que pasó por una infancia violenta. Nuestros ojos guardan, todavía, el miedo al saqueo, la genuflexión de las clases dirigentes, la traición a la vuelta de la esquina, la vital necesidad de creer en algo que no sabemos de qué se trata. ¿Cuándo nos tomaremos en serio a nosotros mismos? (…) Argentina dolió y duele, pero también sueña. Argentina se reescribe sola, en cada uno de los que no quieren darse por vencidos”.
Por último Yira Yira no puede dejar de lado el Mundial y despedimos a la selección que fue rumbo a Sudáfrica con la añoranza de repetir la hazaña del ’86. Es que quizás el arte sea a través de nuestro “Dios” futbolístico Diego Armando Maradona y tal vez la música la pongan Messi, Tevez, Verón, Mascherano y, por qué no, el Chino Garcé. Es por eso que hoy desde acá viviremos este mes apoyando a la celeste y blanca y quizás más adelante podamos festejar en el obelisco como lo hicimos para el bicentenario.
Yira-Yira
por la Año 1 - Nro 4 - Junio de 2010 Distribución gratuita
ciudad
Dirección: Florencia Mancedo Leonel Tueso Fotografía: Diego Patrón Cristian Scotellaro. Natalia Soubielle Diseño Web: Marco Antonio Villán para www.yirayiraporlaciudad.com.ar Colaboración: José Luis Tueso Producción Publicitaria: Analía Lanfranco Juan Patrón María Virginia Tueso Contactos: Florencia Mancedo: (011) 15-3819-6522 Leonel Tueso: (011) 15-5493-1277 prensa@yirayiraporla ciudad.com.ar
Suerte muchachos. La dirección.
Agradecemos a todos los que hicieron posible que este sueño se trasforme en realidad, ustedes son parte de nosotros.
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El cuarto escalón…
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Un mes de festejos se vivió para alegría de todos los argentinos. 200 años de historia viva pasaron frente a nuestros ojos en el bicentenario y eso no es poca cosa porque nos hizo recordar con orgullo nuestra historia. Crecimos con lo que nos contaron que éramos: el cantito a la bandera, los inmaculados próceres de bronce, el granero del mundo, la viveza criolla y mirándonos más en el espejo europeo que en nuestras raíces aborígenes. Argentinos como San Martín, el Che, Gardel, Favaloro, Borges, Maradona... Pero también como innombrables que mancharon la nación. Crecemos con lo que somos. Porque por nuestra realidad supo -y aún sabe- desfilar la intolerancia, la pobreza, la corrupción, la violencia y la indiferencia. Pero seguimos esperando lo que podemos ser porque al fin de cuentas la historia no es la que nos contaron, sino la que escribimos día a día. Y es hora de hacernos cargo de ese legado.
Queremos compartir con ustedes unas palabras de Jorge Lanata publicadas en su libro Argentinos I y II: “Apáticos o apasionados: los argentinos somos, básicamente, exagerados (…) Heredamos el motor del deseo de los inmigrantes, que también nos dejaron el miedo al ridículo, el pavoroso temor del criollo a ser sobrado por el que venía. Por eso valoramos el culto a la apariencia, valoramos el tener sobre el ser, compramos el auto antes que la casa, exigimos que nos llamen “doctor” y tememos que nuestra presencia no se note. Somos los argentinos el resultado de un país joven que pasó por una infancia violenta. Nuestros ojos guardan, todavía, el miedo al saqueo, la genuflexión de las clases dirigentes, la traición a la vuelta de la esquina, la vital necesidad de creer en algo que no sabemos de qué se trata. ¿Cuándo nos tomaremos en serio a nosotros mismos? (…) Argentina dolió y duele, pero también sueña. Argentina se reescribe sola, en cada uno de los que no quieren darse por vencidos”.
Por último Yira Yira no puede dejar de lado el Mundial y despedimos a la selección que fue rumbo a Sudáfrica con la añoranza de repetir la hazaña del ’86. Es que quizás el arte sea a través de nuestro “Dios” futbolístico Diego Armando Maradona y tal vez la música la pongan Messi, Tevez, Verón, Mascherano y, por qué no, el Chino Garcé. Es por eso que hoy desde acá viviremos este mes apoyando a la celeste y blanca y quizás más adelante podamos festejar en el obelisco como lo hicimos para el bicentenario.
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Por la ciudad
El hombr hombree de de las las máscaras máscaras El Actor, improvisador, docente, director artístico del Teatro Belisario, Marcelo Savignone gana el escenario con un despliegue de personajes y situaciones en Vivo, una obra que se propone “generar puntos de reflexión más allá de lo intelectual”. Cuenta la historia que por 1999 Marcelo Savignone probó una máscara balinesa durante un workshp -taller- con el creador chileno Andrés Pérez Araya que le disparó la necesidad de provocarse como actor. Esa experiencia marcó el comienzo de una búsqueda que lo llevaría a recorrer Bali (Indonesia). Allí conoció a un artesano
que talló varias máscaras a pedido suyo. Desde entonces convirtió las máscaras balinesas de tipo Bondres -esa que cubre parte del rostro- en un nuevo soporte de la actuación que pasaría a ser el sustento de Vivo, un espectáculo experimental de improvisación, donde el intérprete lleva la actuación a sus estados más primitivos y carnales a partir de las máscaras que
sirven como vehículo poético. Todo un desafío creativo. El escenario es absolutamente negro. Sólo hay un cubo iluminado, con máscaras colgadas en hileras. Elige una y busca en el público disparadores de la trama. Un lugar y una situación servirán de guías. A partir de allí sucederán personajes, donde a cada fisonomía particular -porque cada máscara resalta un rasgo físico determinado- le corresponderá una voz, una postura y un gesto específicos. Siempre con una tendencia hacia lo cómico y grotesco. Provocación y búsqueda. Denominado res comunes de un recorrido artístico que se permite ostentar la fundación de la Compañía Sucesos Argentinos, la dirección artística del Teatro Belisario y reconocimiento en el exterior. ¿Cuál su modo de entender la improvisación? La improvisación tiene que ser entendida como creación. Así, se concibe al actor como un instrumento al servicio de una creación, que forma parte de un presente único e irrepetible. ¿Prejuicios contra la improvisación? Son producto del mal entendimiento. La inmediatez genera resultados muy superficiales que dan
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Por la ciudad crédito a estos prejuicios. El ser espontáneo no significa ser artista. ¿Cómo definiría al lenguaje del género? El lenguaje radica en la poética del cuerpo, la acción como elemento determinante de la misma. La creación espontánea basada en los impulsos. La principal regla es la aceptación en lo amplio de su sentido. La idea de máscaras conceptualmen te tiende a remitirnos al opuestocomplementario de ocultar-descubrir, ¿qué hay de eso en Vivo? Eso es Vivo. La utilización de una máscara para adentrarme en las profundidades de otros seres en donde nos podemos sentir reflejados ya sea por empatía o por oposición. ¿Qué concepto de significado o representación hay detrás de las máscaras? La máscara como permiso expresivo, como expansión del ser antes que el hacer. ¿Qué tipo de relación se construye con el espectador? De complicidad, el espectador forma parte de esa creación espontánea de manera activa. Es decir que todo lo que sucede es parte de ese presente, de Vivo. Vivo ya desfiló por algunos festivales de Chile y Perú y en noviembre se presentará en Alemania. En Buenos Aires, esta propuesta de carácter experimental se puede ver en una de las salas del Konex lo cual, sin duda alguna, es todo un desafío. A su vez, Marcelo Savignone se pone en la piel de Laertes en la versión que Manuel Ledvabni hace de Hamlet en el Centro Cultural de la Cooperación, los sábados y domingos. Mientras tanto, está filmando la miniserie italiana Tierra rebelde. Y como si fuera poco está ideando su próxima obra Mierda: “Ya está en mi cabeza y ahora está empezando a estar en mi cuerpo. Con Suerte unipersonal basado en el suicidio- llegué a un límite con el lenguaje. Vivo pertenece al ámbito de la creación espontánea; en cambio, Suerte tiene más que ver con la dramaturgia. Es como mi otro camino. Mierda va a ser el paso siguiente” , explica.
EL BICENTENARIO
200 años de historia El Bicentenario de la República Argentina se celebro 25 de mayo, exactamente doscientos años después de la Revolución de Mayo de 1810 en la cual se destituyó al virrey español Baltasar Hidalgo de Cisneros y se creó la Primera Junta de gobierno, que se convirtió entonces en el Primer gobierno patrio de Argentina. En la ciudad de Buenos Aires, el gobierno nacional organizó el principal evento conmemorativo del año que se desarrolló en la Avenida 9 de Julio. Los festejos comenzaron el día 21 de mayo y finalizaron el 25. Algunos de los actos destacados en esas fechas fueron: Homenaje a los 40 años del rock nacional, el desfile militar, la reinauguración del Teatro Colon (organizado por el gobierno de la Municipalidad de Buenos Aires), el recital de música latinoamericana, espectáculo de tango y folclore argentino, el partido de despedida de la selección y muchos otros mas que transformaron la capital y el país en una fiesta donde asistieron millones de personas.
Centro de Estudio Superiores Carrera de Grafología Talcahuano 78 1ro A (CABA) centrovels@gmail.com.ar
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YIRA YIRA YIRA Asomando
Escalando posiciones Yira Yira por la ciudad te presenta interpretes que cada vez hacen más ruido en la movida cultural del país. Desde abajo, pisan fuerte y siguen sumando seguidores. Los Calmantes
Esta Banda nace en el oeste del Gran Buenos Aires en noviembre de 2008, de la mano de Max Moretto (guitarra y voz) y Tavo Petrollini (bajo), luego se sumaron Diego Cienfuegos (guitarra) y en la base rítmica Machu Eguiazabal (batería) y Kb Freytes. Esta banda se caracteriza por su versatilidad donde mezclan diferentes armonías como rock, reggae, ska, punk y folk. Luego de varias presentaciones grabaron su primer álbum titulado “Surfing Paraguay” que cuenta con 11 tracks como: Monedas Falsas, Flores en mi Ciudad, Su Majestad, Playa y Paraná”, entre otras. Dada la afinidad que se da entre los músicos del oeste, Los Calmantes eligieron como productor del álbum a Tomás Taranto, de Infierno 18. Este disco fue grabado y mezclado entre marzo y junio en los estudios Del Cielito y Cool Sound. Sitio Oficial: www.loscalmantes.com.ar
Ale Cambiaggi
Ale tiene treinta años y le dedicó a la música más de la mitad de su vida. Empezó su trayectoria musical en la localidad de Azul, como el inquieto cantante de una banda de rock bautizada la Oveja Coja. A fines de los noventa se mudó a La Plata, y luego a la Capital Federal donde lo encontraron al frente de La Mistonga, una banda de rock con melodías tangueras, mezclando algo de reggae y ska. En 2008 Cambiaggi se dedicó a reacomodar algunas ideas, cambió la intensidad de su lenguaje musical y hasta sus expresiones. Sus canciones manifiestan una paz monumental, contrapuesta absolutamente con el frenesí de sus años más rabiosos. A fines del 2008 publicó algunas canciones bajo el título “Bendita tu eres”, armado con un repertorio acústico amable y generoso. Entre sus influencias más visibles se encuentran Luca Prodan, Ale Sokol, Palo Pandolfo y Gabo Ferro. Para este año tiene programado numerosos shows en Capital Federal y la grabación de su segundo disco solista.
The Raccoons
En el año 2007 Manu Hattom y Fernando Fagiani entraron a grabar algunos demos en el estudio “La isla”, dando origen a The Raccoons, cuando luego de terminar las sesiones de grabación surgió la idea de armar la banda. Después se sumaron Matías Jove, quien tomó las riendas del bajo, y Jony Doná las de la batería. Así fue que luego de ensayos incansables y de armar lo que serían las presentaciones en vivo del 2008 y 2009, entraron en estudios Galápagos a grabar su homónimo primer disco, el cual contiene nueve canciones y fue editado en mayo del 2010. Sitio Oficial: www.theraccoons.com.ar
Eduardo Arguelles
“Ebrio de luna” es el nombre del primer disco del compositor y cantante Eduardo Argüelles. Consta de 12 canciones que mezclan diferentes tipos de estilo como pop y rock. Siempre con un criterio abierto a las sonoridades del jazz, los ritmos latinos y las baladas. El disco fue grabado en la ciudad de Buenos Aires, en los estudios “Poley records” y fue editado en forma independiente en noviembre de 2009. La producción artística fue realizada por Osi Tejerina. En la grabación participaron Sawa Kobayashi y Alejandro Sasso, en coros; Juan Pablo Domanico y Maycown Reichembach, en guitarras y Osi Tejerina, en teclados y programaciones. Sitio Oficial: www.myspace.com/eduardoarguelles
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BOB MARLEY
Especial
“La leyenda”
Hace 29 años, el 11 de mayo de 1981 fallecía la leyenda del reggae, Robert Nesta Marley, trasformado tiempo después en el mítico Bob Marley. Nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles, una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe. A finales de los ‘50 se trasladó a Kingston junto a su madre y allí se crió en un barrio humilde rodeado de músicos. Se codeó con Peter Tosh y Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quienes armaría la agrupación «Wailing Wailers» (Gritos de protesta). Este grupo lanzó su primer single, «Summer Down», con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith. El grupo creció en popularidad aunque tiempo después se reestructuraría por la ida de Tosh, quien dedicaría su carrera musical a ser solista. Con el correr del tiempo la banda pasó a llamarse Bob Marley & The Wailers. El primer disco de la nueva formación sería Natty dread, un gran éxito. En 1974 se le diagnosticó un cáncer del que intentó recuperarse en los años posteriores. Finalmente falleció por causa de la enfermedad en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, donde hasta el día de la fecha descansa en un mausoleo. Solía decir «No olvides tu historia ni tu destino». El nunca olvidó sus raíces y mucho menos, su destino: la lucha por la igualdad y la desaparición del racismo. Desgraciadamente se fue muy rápido. Hoy su nombre es sinónimo de igualdad, solidaridad, revolución y reggae.
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Entrevista: Riddim
Rompiendo prejuicios prejuicios Rompiendo
Fotos Diego Patrón
Riddim Riddim, Riddim Riddim, banda banda de de reggae reggae roots roots por por excelencia, excelencia, rompió rompiótodos todossus susprejuicios prejuiciosde defirmar firmar contrato contrato con con una una discográfica discográfica para para poder poder tener tener más más difusión, difusión, pero pero sin sin perder perder la la esencia esencia de de su su música música yy su su arte. arte. Con Con seis seis discos discoseditados editadosen ensu suhaber, haber,hoy hoypresentan presentan “Donde “Donde brilla brilla el el sol” sol” su su última última placa placa que que los los llevó llevó aa posicionarse, posicionarse, luego luegode de15 15años años de de trayectoria, trayectoria, como como uno uno de de los los mejores mejores exponentes exponentes del del género género en en nuestro nuestro país. país. En Almagro se respira reggae. Es que Riddim, banda que lidera el carismático Pety, está adentro de la sala de ensayo “Gallo” diagramando lo que será el show en La Trastienda el 26 de junio, uno de los más importantes en la historia del grupo. Allí presentarán de forma completa su última obra que tiene como primer corte el tema “Tu amor”, que ya suena en todas las radios. El nombre de la banda está relacionado al patrón rítmico que forman el bajo y la batería, donde se suman los demás instrumentos en la música reggae. Y es por eso que Riddim no es una banda más, sino que respeta su origen a rajatabla; en su música, en la palabra, en el gesto y, sobre todo, en el mensaje que trasmiten. Porque la historia de la banda está escrita con trabajo, amistad y esfuerzo. Federico Echeverría (bajo) nuestro anfitrión para la ocasión nos da la bienvenida, luego llega Fernando Deaño (guitarra y coros). El resto de la banda Marcelo Castagna (trompeta), Matías Traut (trombón y coros), Gabriel Vanasco (saxo y coros), Andrés Castro (teclados), Tony Iribarne (batería) y Ariel Villanueva (guitarras y coros)prepara todo para el ensayo. Por último llega Pety (líder y voz) con una exultante carcajada y muchas ganas de hablar. No pierde un segundo en sentarse y contarnos parte de su historia y su conexión con la música. ¿Cómo te conectás con el reggae? ¿Cuál fue ese primer acercamiento
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que te llevó a Londres y a Jamaica para empaparte de las raíces? Pety: A partir de esos viajes que fueron en el ’94 volví con la cabeza con mucha data. Veníamos de tocar con Fernando en otras bandas que si bien hacían reggae, tenían una mixtura con el rock y era más argentinizado. Riddim arrancó en el ’95 con una puesta en estudio haciendo temas propios y muchos covers; siempre nos gustó meter en nuestra lista, temas clásicos de Jamaica para que la gente conozca más allá de Bob Marley. La idea de la banda siempre fue esa, tratar de sonar lo más parecido a esas bandas que habíamos visto en vivo en esos años. Y en el ’96 ya estábamos con la misma formación que tenemos actualmente. Siempre 8 ó 9 integrantes y haciendo el reggae que nos gusta, que es el de la época de oro en Jamaica, de fines de los ’70, comienzos de los ’80. Y a partir de ver esas grandes bandas, dijimos la fórmula es esta ahora hay que tratar de sonar lo más parecido posible y es lo que estamos haciendo. ¿Cómo ven el reggae en la escena local? ¿Qué piensan de las bandas de rock que incursionan en el género? Fernando: Lo que está bueno de las bandas que no hacen reggae, es que incorporan este estilo porque es un movimiento muy grande. Y si bien está de moda -aunque esa palabra no nos gusta mucho porque una moda no puede durar 20 años- está bueno que las bandas que no hacen reggae se tiren a hacerlo y lo muestren. Lo que no está
bueno es que a veces hay bandas que tratan de hacer reggae y terminan mezclándolo, pero no se comprometen con el ritmo del género. Nosotros hacemos el reggae roots que es el que nos gusta y no tratamos de mezclarlo con nada. ¿Qué evolución considerán que hubo a través de los diferentes materiales que grabaron? ¿Cómo se refleja en Donde brilla el sol? Fernando: Creo que Riddim tiene siempre un disco mejor al anterior y eso es algo que valoramos muchísimo, en el sentido de que cada trabajo que hacemos estamos más conformes con el sonido de la banda. Federico: Este disco es el primero que vamos a tocar entero en la presentación. Es la primera vez que nos gustan todos los temas y por eso los vamos a hacer en La Trastienda. Ahí se ve un crecimiento. Pety: Esta vez estamos orgullosos del disco que hicimos. Posta. Es un disco que nos representa desde el primer al último tema. La banda está con mucha energía para seguir tocándolo y presentarlo durante todo el año. ¿Cuál es el mensaje que quieren transmitir? Pety: Es de positivismo. Es el mensaje que tienen todos los artistas de reggae que hablan de paz, amor y unidad. Cualquier letra que traduzcas de Bob Marley deja eso. Y en este disco, puntualmente, hay muchas letras que hablan de amor y está bueno en estos
tiempos hablar de eso; también hay letras bastante sociales. ¿Por qué decidieron tras quince años de producciones independientes continuar la carrera con el empujón de un sello con la estructura de la productora Pop Art? Pety: Durante todo el período independiente tuvimos la bendición de tener gente amiga (pone el acento en amiga) que hizo el laburo administrativo. Teníamos -tenemos- un amigo que es nuestro manager y se hizo bien de abajo, como la banda misma. Asistentes de escenario que eran amigos, gente que aportó monetariamente lo que necesitábamos para sacar un disco y después nosotros vendíamos los CD en los shows para devolver esa plata. Ninguna empresa apoyándote atrás, era todo movido por amigos y, cuando sos independiente, creo que la mejor forma es rodearte de gente que se cope con el proyecto y te ayude. Pero, por otro lado, lo que no se podía conseguir, es difusión. Riddim no sonaba en las radios. Salvo en las radios independientes. Ese fue el principal cambio de trabajar con una compañía. Cuando nos reunimos, lo primero que hablamos era qué nos iban a ofrecer a nivel difusión. Porque todo lo demás no nos interesaba. El laburo ya estaba hecho. Son 14 años de tocar en todos lados, la gente conoce el nombre de la banda y lo que nos faltaba era sonar en las radios.
trabajando con una compañía y viéndolo con perspectiva, ¿creen que esa era una mirada un poco prejuiciosa? Pety: No era un prejuicio. Cuando estás conforme con lo que hacés no necesitás firmar con nadie. Cuando ves que tu banda puede dar mucho más y lo que falta es conocimiento a la gente, entonces decís ‘bueno, probemos a ver qué pasa con una compañía’. Federico: Lo que más bronca te puede llegar a dar es que si no entrás con una compañía tenés todas las puertas cerradas. Nosotros ni poniendo plata podíamos llegar a sonar en las radios. Lo que uno quiere cuando hace música es que la gente te escuche. Pety: El propósito de la banda es no estancarse. Cuando vos ves que te estancás, tenés que pensar una jugada para seguir creciendo. ¿No tienen miedo de que el arte se pierda con la masividad y tengan que hacer discos comerciales? Pety: El día que dejemos de hacer esto no vamos a ser Riddim. Fernando: Es medio difícil pensar cómo va a ser el futuro. Hacemos las cosas para que duren, no para que exploten.
Federico: Además no tenemos una fórmula para componer, todos los discos son diferentes. Pety: Si nos morimos todos mañana y el último disco de Riddim fue este, estamos conformes. ¿Entendés? Porque nuestro último hit fue un tema que decía ‘tu amor me ha levantado’. Está bueno. Prefiero que diga eso y no todos para arriba, todos para abajo (risas).
¿Cómo se trabaja con la discográfica? Pety: Ellos te muestran un contrato que vos tenés que firmar y cumplir. No nos pareció nada raro lo que nos pidieron. Es algo lógico. En lo artístico no se meten, seguimos teniendo nosotros el control. Ellos se encargan de la difusión. Federico: De hecho el disco nosotros lo grabamos y les dimos el Master. Por ahí después eligieron qué tema iba a rotar, primero nos preguntaron qué tema queríamos y justo se dio la casualidad que elegimos el mismo. Ustedes renegaban mucho de firmar con una compañía e, incluso, cuando les ofrecieron lo rechazaron. Ahora
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Especial Reggae
“El “El reggae reggae educa” educa”
Fotos Cristian Scotellaro
En el mes en que se conmemora la muerte del ícono del reggae, se celebró la cuarta edición del B o b Marley Day y, festival que homenajea a la leyenda jamaiquina, con la presencia de destacadas figuras del género del ambiente local e internacional. Los Cafres, Dread Mar II, la banda chilena Gondwana y el jamaiquino Luciano engalanaron cinco noches de buenas vibras y demostraron que el reggae está más vivo que nunca. Por primera vez, el BMD pasó por Rosario, Córdoba, Mendoza y Mar del Plata, para culminar su quinta fecha, el 29 de mayo, en el Estadio Malvinas Argentinas (Capital Federal).
Nacido a mediados de los ’60 en Jamaica, el reggae era la música de los marginados. «El reggae es el reflejo de una raza y una cultura, de sus sentimientos, ideas, anhelos, alegrías y dolores. Es el reflejo de una raza dolida con el destino, pero que a pesar de todo no deja de cantar su alegría por existir», expresa su manifiesto. Será por eso que su fuerza descansa en un mensaje de paz, unión y amor que suma cada vez más seguidores. Lejos de ser una moda pasajera, el género ha sabido instalar sus raíces con buenas vibras. “Quizás puedan decir que soy un iluso, pero mi música es para siempre” , decía Bob Marley. Y ciertamente, no se equivocaba. En esta oportunidad, el Bob Marley Day se dio el lujo de contar con grosos como Luciano, una de las mayores estrellas del reggae mundial, que hizo su primera presentación en Buenos Aires con su banda The Messenjah Band y Los Cafres -ya habían participado de la segunda edición- que recorrieron sus éxitos de siempre y algunos temas de su último disco «Classic lover covers». Además, Gondwana estrenó su reciente DVD, grabado el año pasado en Argentina, y Dread Mar I, que viene de llenar tres Gran Rex durante la Pág. 10
presentación de “Vivi en do”, demostró que está en su mejor momento y que sigue afianzándose como ícono nacional del reggae roots y lover. Antes del cierre del Bob Marley Day, Yira Yira por la ciudad charló con Dread Mar I, Gonzalo Albornoz (bajista de Los Cafres) y Keno Valenzuela (tecladista de Gondwana) sobre la importancia del festival y la presencia cada vez más fuerte del reggae como un género que vino para quedarse. ¿Qué significa para ustedes participar en este festival? Keno: Es importantísimo. Sobre todo, compartir escenario con bandas que
tenemos harta historia juntos y ahora con Luciano, que viene por primera vez a la Argentina y le da el toque mundial al festival. Gonzalo: Va a ser una doble fiesta. Para el público que va a ver a todos estos artistas juntos y disfrutar la noche y para nosotros, por una cuestión de historia y de amistades que se han ido tejiendo, va a ser una fiesta poder encontrarnos en el camarín, charlar y compartir la música. Dread Mar I: Va a ser increíble. El hecho de que venga un referente tan grande del reggae como es Luciano a nuestro país ya habla de que el género está muy fuerte. Los Gondwana ya prácticamente viven acá en Argentina y viajamos con ellos a todos lados. Va a ser terminar lo
Especial Reggae que empezó hace un par de días y disfrutarlo. Y está buenísimo que se llame el Bob Marley Day porque a todos nos une la misma persona. Seguramente lo primero que cada uno escuchó de reggae de afuera fue Bob Marley, entonces está buenísimo celebrar eso y juntarnos a tocar. ¿Cómo ven al reggae actualmente? Keno: En este momento Argentina es la capital del reggae latinoamericana. Diría que el último año ha crecido mucho el movimiento en toda latinoamerica. Hay países que no tenían mucho reggae, como Ecuador por ejemplo o Colombia, y ahora donde no había ninguna banda de reggae hay tres. Dread Mar I: Y esa es una semilla que después empieza a crecer. Así pasó exactamente acá hace unos años. Había pocas bandas que hacían reggae. Y ahora es lo que es por toda esa gente que se quedó trabajando para que funcione. Nosotros mismos pensábamos que iba a ser imposible que pase algo como lo que pasó con el rock en su momento. Nunca pensamos que íbamos a vivir de esto. Gonzalo: Y está bueno también que además de estar el reggae así muy en boga, esto empezó con una movida de lo que fue el reggae en español. Entonces, además de la música del reggae, está llegando el mensaje. Eso es lo más poderoso de esta música: que permite que la gente piense. Eso es lo que más sostiene este movimiento. Además, no es una música mezquina sino que viene a enriquecer otros géneros. ¿Puede ser que coincida la explosión del reggae con una necesidad de estos tiempos de hacernos eco del mensaje de paz, amor y unidad tan característico del género? Dread Mar I: Creo que la gente encontró en el reggae lo que no pudo encontrar en el rock o en otras cosas. Muchas veces me preguntan por qué van muchas chicas a los recitales y la teoría que tengo es que es muy probable que no haya nada de violencia, que todo esté en paz y tranquilo. Encima recibe un mensaje que otra música por ahí no te da. Y lo que tiene también es que es un mensaje muy directo, no hay mucha vuelta para decir y eso a la gente le llega y se hace más fácil escucharlo; un niño lo puede entender y una persona grande también. Eso abre un poco más la cabeza.
un género que se quedó, así como se quedó en su momento el rock o la cumbia y cualquier género de música que vino y se plantó. Ya trascendió la moda. Gonzalo: A eso hay que sumarle que no sólo es un género musical que vino y se quedó sino que tiene contenido e ideas. Las letras en general no son vacías. Es una música con la que me he educado, eso no pasa con muchos estilos de música. Pudo haber venido al principio como moda, pero ahora la gente está metiéndose mucho más en el reggae, está escuchando y entendiendo mucho más. Y ahora que se está volviendo masivo, ¿se replantean su responsabilidad social como artistas? Dread Mar I: Personalmente no me hago cargo de eso. Me hago cargo de lo que a mi me gusta hacer y de la manera en que me gusta hacerlo. La gente es la que opta si me quiere escuchar o no. Por lo menos no encuentro en mis canciones ninguna maldad, ningún daño como para que no lo escuchen. Hago lo que me
gustaría escuchar o lo que me gustaría transmitir. Pero no me hago cargo de por qué te estoy diciendo eso. Se para qué lo hago. Mis canciones explican que lo que hago es para mí, es mi forma de aprender todos los días y de tratar de cambiar. No soy responsable de lo que genera porque el que lo está eligiendo sos vos. Puedo decir lo que quiero, pero si no hay alguien del otro lado que lo escuche el mensaje no llega. Cuando algo no me gusta, directamente no lo escucho. Entonces no puede influir sobre mí nada porque lo descar to. Por eso no me siento responsable. Más allá de músico soy un escuchador de música desde hace muchos años y siempre opté por escuchar lo que tenía ganas. Gonzalo: Coincido con él. La única responsabilidad que uno tiene que tomar es la de ser genuino y hacer todo desde el corazón. Ser franco con uno mismo y que la música refleje eso, tu espíritu, tu alma, algo sincero. Después de ahí en adelante uno ya no es responsable de nada.
También están los que dicen que el reggae está “de moda”… Dread Mar I: Las modas no duran más que un verano. Este es un género de música que se quedó acá, con gente seria haciéndolo y cuando vienen artistas de Jamaica, avalan a los de acá. Entonces está bien hecho y es muy respetado. Es Pág. 11
Especial Reggae Fotos Cristian Scotellaro
Keno: Todo tiene sus matices. Siempre hay un poco de responsabilidad, por un tema de que los mensajes tuyos tienen que ser simples y directos, pero también hay que pensar que hay gente en la calle que te para y te dice que su vida cambió cuando escuchó tu canción. Y si tu dices en tu canción que tenés que pegarle a tu mamá, capaz que alguno lo escucha y le pega a la madre. También hay que saber lo que uno dice. Y hay mucha música nueva que tiene ese mensaje. Lo que pasa es que está en inglés, entonces nadie se da cuenta. Hay algunos que asumen responsabilidad, otros que no asumen ninguna. En el caso del reggae siempre tiene un mensaje positivo, entonces no hay cosas que temer. Hay que saber que lo que tu dices, muchos lo van a hacer. Entonces hay que tener cuidado con eso. El reggae tiene un mensaje puro en ese sentido… Gonzalo: En cierto punto creo que nosotros fuimos educados por el reggae. Yo aprendí cosas de la letra y de la música que no me enseñaron en la escuela ni en ningún lado. Y eso forma parte de la educación. El día que hago una letra tiene que ver con mi vida, mi identidad, mi educación y todo el mensaje que recibí anteriormente. Cuando te educaron de una determinada manera ya te crea tu personalidad afín a la música que recibiste. El reggae educa.
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Lanzamientos
Lanzamientos Lanzamientos 2010 2010 El Bordo La banda integrada por Ale Kurz en voz y guitarra, Pablo Spivak en bajo, Migue Soifer en batería y percusión, Diego Kurz en guitarra y slide y Leandro
Andrés Calamaro
La Pulposa
“On the rock” es el nombre del último trabajo discográfico de Andrés Calamaro, uno de los símbolos más importantes de la escena del rock nacional. Su última placa de estudio había sido «La lengua popular», editado en 2007, y dos años más tarde lanzó un box con 6 discos que contiene sus grandes éxitos. «On the rock» se editó en los primeros días de junio. Fue grabado en Madrid entre septiembre de 2009 y marzo de 2010, junto a su banda habitual, y mezclado en Buenos Aires y en los estudios MasterHouse de Miami. Este trabajo contiene 12 nuevas canciones con c o l a b o r a c i o n e s destacadas, como la de Diego el Cigala y Niño Josele en la canción «Barcos»; Langui se suma en el track «Te extraño» ; mientras que Calle 13 lo hace en «Insoportablemente cruel».
La banda quilmeña que se formó a fines de 1997 sacó su tercer disco llamado “Solo una cuestión de piel”. Este material deja entrever el crecimiento de este grupo que muestra influencias del rock and roll. En el 2000 grabaron su primer disco de forma independiente, que pronto se agotó a nivel local, llamado «La Pulposa» y en 2004 se reeditó con nueva fisonomía y contenidos gráficos, rebautizándose «Sudando Rock’ and Roll», con llegada a casi todo el país. Luego darían luz a «Quemando Horas» y por último, «Solo una cuestión de piel», que contiene 12 temas y su primer corte es una versión de «Canción para mi muerte» de Charly García. También, participa Toti Iglesias en «4 Pasiones» y en una versión acústica de «Por una cabeza».
Kohon en armónica, trabajó en los estudios del AbastoMansión Monsterland desde diciembre de 2009 hasta marzo de 2010 para lanzar su nuevo disco titulado “Historias Perdidas”. Allí fueron tomando forma las 11 canciones compuestas por Ale Kurz que finalmente fueron seleccionadas para integrar el nuevo álbum de la banda. El primer corte de difusión es el tema “Siento (el cielo va a brillar)” un poderoso rock.
Jorge Drexler El cantautor uruguayo Jorge Drexler lanza al mercado su décimo trabajo «Amar la trama», un disco con una sincera calidez que envuelve canciones elegantes, con las que Drexler sigue demostrando que es un maestro a la hora de idear melodías inolvidables. Tres años después de «12 segundos de oscuridad», este artista saca a la luz «Amar la Trama», grabado de forma peculiar: todos los músicos tocando a la vez en un estudio con 20 personas como público. Su nuevo disco se abre con una filosófica «Tres mil millones de latidos», donde desde el principio sorprende la fuerte presencia de una sección de vientos que se convierte en protagonista esencial de todo el álbum.
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YIRA-YIRA en fotos Gatillazo
Dancing Mood
Villanos
NTVG
R S
Guasones
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YIRA-YIRA en fotos Los Cafres
Arbol Kapanga
Catimbao
Charlie 3
Resistencia uburbana
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Entrevista: Leonchalon Fotos Cristian Scotellaro
El rugido de Leonchalon Desde Villa Ariza, Ituzaingó -rebautizado por la banda Ituzión, lugar que definirán como su “casa”- al oeste del conurbano bonaerense, nace el sonido de Leonchalon, un grupo que encuentra en el reggae el medio para trasmitir un mensaje de buenas vibras, conciencia social y respeto.
Te sentís como un fan” , resume. Con respecto a la cantidad de gente que los sigue, Santiago confiesa: “No lo imaginábamos. Se fue dando y estamos respondiendo a esa necesidad del reclamo. A la gente le gusta la banda, entonces nosotros nos vemos obligados a crecer, a darles otro disco, lugares más grandes para que vaya más gente a vernos y un mejor espectáculo”. Y es por eso quizás que Leonchalon sea como un torbellino de ideas que por una cuestión de recursos y de tiempo “vamos a tiempo de hombre”, dirán- no llegan a concretar: “Hay tres cosas que se complementan: juventud, fuerza e ideas. Está todo ahora, latente”, explica Leandro Arena (bajo). Por lo pronto ya están trabajando en el sucesor de “Coronado” y tienen terminadas varias canciones que serán grabadas para fin de año, que “representarán la actualidad de la banda”.
Leonch
Hoy celebran sus tres años de vida y un crecimiento vertiginoso que coronarán el 16 de julio con una gran apuesta: la primera Trastienda, donde presentarán “Coronado”, su primer disco editado en 2009 y grabado en los míticos estudios Del Cielito. Como si fuera poco, redoblan el desafío y ya hablan del sucesor para el año que viene.
“Como un hobbie de un grupo de amigos”, cuenta Santiago Benítez (líder y voz) que se fue formando la banda: “Empezamos haciendo covers por diversión, hasta que tuvimos un par de canciones y probamos suerte. Nos presentamos en vivo y nos fue bien. Tocamos una o dos veces por mes, así
hasta la fecha. Hoy es un proyecto serio”, agrega.
Y es que ninguno de los integrantes de la banda esperaba tener tanta repercusión y masividad en tan poco tiempo, como llenar Niceto, tocar ante 5 mil personas el día de la primavera en Castelar o rodearse con músicos consagrados de la talla de Los Cafres, Luís Alfa de Resistencia Suburbana, Fidel Nadal y Dread Mar I, entre otros. “Hasta ahora nos encontramos con toda gente buena onda, con la que nos identificamos. Aunque siempre hay alguna decepción”, recuerda entre risas Santiago al tiempo que reconoce que todavía no se siente a la par “porque ellos tienen una trayectoria.
Y aunque la búsqueda sea crear el estilo propio, si de influencias se trata, no hay dudas de que Leonchalon es una banda abierta musicalmente y que sus gustos van desde el reggae de Bob Marley pasando por el rock de Los Redonditos de Ricota, el folclore, el jazz, la cumbia, el reggeton, el ska e, incluso, el rap. Es ahí donde Santiago se siente más cómodo y se convierte en Artifex, su proyecto solista donde descarga su batería verbal de hip hop en los escenarios mostrando la realidad de los tiempos en los que vive y donde toma elementos de reggae para lograr una amalgama de sonidos poco habitual para la gente. “Tengo mi proyecto aparte de la banda y toco sound system. Ninguna cosa le come tiempo a la otra, conviven de la mano y no hay problema. Los chicos están de acuerdo”, confiesa Benítez. Tal vez la fórmula de Leonchalon sea disfrutar y divertirse tanto arriba como abajo del escenario. Quizás sea esto lo
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SARGENTO GARCIA
Un músico sin fronteras
que lo que los convierta en una banda tan atractiva para la gente y quizás aquí esté el secreto de su repentino crecimiento. Ellos dirán que “la búsqueda está justamente en crear y encontrar nuestro propio estilo” y por qué no, divertirse en el camino.
¿Están componiendo para el nuevo disco? Santiago: Ya tenemos 12 canciones. De octubre para adelante lo estaremos grabando. Para marzo o abril del año que viene está en la calle. Pato: Si bien el disco anterior se editó hace poco, ya no representa a la actualidad de la banda musicalmente. Además, hay canciones que están versionadas de otra manera en vivo porque sumamos muchos instrumentos desde el primer disco. Ahora se compone con otra cabeza, teniendo en cuenta la presencia más fuerte de vientos. Estamos buscando hacer el segundo disco que represente esta realidad. Santiago: Es nuestro momento y lo estamos aprovechando. De hecho este año para Leonchalón es una gran siembra, el año que viene vamos a empezar a cosechar.
halon ¿Cómo surgió el nombre Leonchalon? Santiago: Salió de una situación medio chistosa con los chicos tocando. Lea: También es una combinación de palabras que forman un solo concepto. Representa al reggae, la fuerza, el barrio. Surgió en un momento y quedó. No hubo ningún otro nombre que lo pudo desplazar. Pato: Al principio era medio chocante, pero después quedó. Lea: Sí, claro que es chocante por el hace referencia a la marihuana-. Al principio nos replanteamos si podíamos estar así, tan marcados con el nombre, pero nos hicimos cargo de lo que hacemos y de lo que sentimos y de lo que surgió en el momento. Todo fue tan espontáneo en la banda, juntarse, los temas, el nombre, grabar el primer disco. Lo que hacemos tiene mucho grado de espontaneidad y por algo surgió ese nombre en ese momento y ahí quedó. ¿Qué proyectos tienen para lo que queda del año? Santiago: Lo más importante ahora es La Trastienda el 16 de julio. Y después viene la pre producción del segundo disco y la grabación, para fin de año. Y el verano, todo enero en la costa. Estamos por hacer un video en vivo con algunas recopilaciones de Niceto y del Auditorio. Después de la gira por la costa nos empezó a seguir gente de otros lugares. Este año vamos a intentar probar en el interior: Córdoba y Santa fe. Estuvimos en Uruguay. Queremos hacer más cosas de las que nos da el cuero. Si pudiéramos, haríamos muchas cosas más. Es el momento ahora.
Leonchalon Santiago Benítez: voz Angie Astolfo: saxo y coros Leandro Arena: bajo Leandro Ocamica: trombón Nacho Mattielo: teclados Pablo Yellowman Arena: percusión Pato Cutain: guitarra Rodrigo Abdul Zárate: batería Tute Palacios: trompeta
Nacido del mestizaje cultural -en su composición genética se entrelazan argelinos, franceses y españoles- no sorprende que su música sea una constante sucesión de mezclas. Bruno “Sargento” García es un artista franco español reconocido internacionalmente que visitó por primera vez Buenos Aires con un estilo que denomina “salsamuffin”, un puente entre las culturas ancestrales y las nuevas sonoridades urbanas donde mixtura géneros y estilos con influencias que van desde el son cubano a la música flamenca (pasando por la salsa, el ska y el raggamuffin). Heredero natural de la explosión rebelde de Manu Chao, Bruno es de aquellos que ven en el arte un arma social. Por eso, en su música se respira barrio, sonidos de la calle y un mundo globalizado que trata de ir al encuentro del otro. Se destaca de su discografía «Un Poquito Quemao», el álbum de su consagración, el elegante «Sin Fronteras», «Máscaras», el disco más redondo, y el reciente “Cumbiamuffin”, resultado de sesiones trasnochadas en Bogotá. Se presentó el 27 y el 28 de mayo en Niceto y el 5 y 6 de este mes en el Auditorio Oeste en formato soundsystem, sin la banda. Una verdadera fiesta que fusionó rock, salsa, reggae y cumbias que dejó al público con ganas de más. Y todo parece indicar que octubre traerá una gira latinoamericana del Sargento García, esta vez, con la banda Los locos del barrio.
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Catimbao
Catimbao: nada más Real Un fin de semana con amigos en Villa Elisa, Entre Ríos. Así nació Catimbao. De la zapada, de los asados en el campo y de noches de fernet en el bar de Martín «Churro» Lugrín, un amigo que, sin proponérselo, iba a dar forma al escenario en el que naciera la banda. Con el tiempo, y casi sin quererlo, Catimbao tomaría importancia y se convertiría en un proyecto serio. Foto Diego Patrón
qué me iban a proponer ni cuánto me iban a exigir. Uno piensa que Los Piojos te van a pedir exclusividad y nada que ver», recuerda Juanchi. «Por suer te todo se dio de la mejor manera para Catimbao», concluye. Y así fue. Juanchi nunca dejó de tocar en Catimbao. Mientras, su paso por Los Piojos representó mucha difusión, muchas puertas que se abrieron y, sobre todo, reconocimiento.
Ni guión, ni actores: REALidades
Con Juanchi Bisio -guitarra/voz-, Gonza Bisio -bajo/coros-, Mauri Acuña -percusión- y Juan ‘Pacho’ Pita -batería, la banda está preparando su segundo disco, el sucesor de «Existir» (editado bajo el sello MTT Records en 2007), una propuesta musical que incluye fuertes influencias tanto del reggae y del dub, así como del rock y de la música latinoamericana. Sus letras están empapadas de mensajes positivos y también tienen un alto contenido de protesta, además de las típicas composiciones que giran en torno al amor y al desamor. «Existir» está compuesto por 12 temas y sorprende con las versiones regueras del tango «Nostalgias» y «Yendo de la cama al living» de Charly García. Además, incluyeron un medley de Bob Marley,
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donde suenan, entre otras, «War», «Get Up Stand Up» y «Exodus» . Entre los temas propios se destacan «Real», «Existir», «Siempre vas a estar» y «Voy».
Cuatro caminos diferentes, un mismo destino. Esa es la idea que quieren transmitir con Real, su primer video que actua como la presentación en sociedad de esta banda de amigos. De ahí la importancia de poner el foco en la identidad: «La banda es una mesa de cuatro patas, todas distintas, pero parejitas» , explica Gonza. Un poco sucede eso en el video: mostrar las diferentes realidades que vive cada uno pero resaltar el camino que los une. Y agrega: «El tema arranca en exteriores, con cada uno de nosotros yendo hacia el estudio de grabación, y termina con la banda tocando. No es una novela. No hay un guión perfecto ni cuenta la letra. No somos actores y hubiera quedado forzado actuar. Para resolverlo, tampoco quisimos buscar otras caras que vinieran a representar nuestra letra, nuestra música.»
Atrás parecen haber quedado las zapadas en Villa Elisa, frente a esta nueva realidad que vive la banda. Nada más lejos. Si hay algo que se respira en Catimbao es ese empuje y ese a todo a pulmón de los pibes que salían a hacer covers sin ensayar. En 2008, Juanchi se convirtió en el nuevo violero de Los Piojos justo cuando Catimbao había sido elegida para participar en el Pepsi Music y daba sus primeros pasos profesionales: «Fue bastante angustiante porque no conocía a los chicos de los Piojos y no sabía
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El Palomar
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