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Por la ciudad
¡Para bailar esto es una bomba! La Franela trabaja duro El grupo liderado por Daniel “Piti” Fernández no para un segundo. Terminaron de grabar el video del tema «Pasarás» -que próximamente rotará por los canales de música- junto al líder de Las Pelotas, Germán Daffunchio. Como si fuera poco, -atentos fanáticos de la bandaconfirmaron desde su Facebook oficial que ya están grabadas las bases para el próximo disco de la banda, sucesor de Después de ver, su disco debut que marcó el comienzo del camino de un grupo que tiene ganas de seguir en el ruedo. Además, tuvo muy buenas críticas por los medios de comunicación y el creciente público franelero. La apuesta de la banda seguramente seguirá por este camino cosechando seguidores a lo largo de las giras por el país y los ya clásicos shows en La Trastienda. La fórmula parece simple: conmover con melodías dulces y sinceras, que lleguen al corazón de la gente y un vivo sin desperdicio, que el público vive como una verdadera fiesta.
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Tiembla el Oeste. El dream team de la percusión criolla se presentará en el Auditorio. Un fenómeno social que ya ha trascendido sus fronteras; una verdadera fiesta de baile que no te podés perder. Ruido. Tambores. Y mucha gente saltando al compás de cada replique. Una verdadera fiesta de buenas vibras y percusión. Eso es La Bomba de tiempo, el espectáculo que le cambió el color a los lunes grises de Sui Generis. Es que este fenómeno social transformó el barrio del Abasto, que pasó de ser un páramo a tener varias fiestas (“after bomba”), artesanos en sus veredas y gente por las calles en constante circulación. Ahora, por primera vez, la Bomba de tiempo llega al oeste. La cita es el 18 de junio en el Auditorio Oeste a la medianoche. Aquí, lo primitivo de la danza se mezcla con la adrenalina de la improvisación, creando un lenguaje nuevo, que cambia la rutina durante un show de dos horas coordinado por un sistema de señas inspirado en el compositor estadounidense Butch Morris. Hace cinco años que el galpón del Centro Cultural Konex se convirtió en un ritual donde Santiago Vázquez -director de La Bomba- y su troupe de 17 percusionistas mueven la energía de tres mil personas de la más variada fauna en estado de libertad. Desde el comienzo hasta el final la música que hacen está improvisada y dirigida a través de un sistema de más de 100 señas que hace el director con las manos, los dedos y el cuerpo. Cada concierto es único e impredecible ya que depende de la interacción de todos los involucrados en
el ritual: los músicos, el director, el público, el lugar, la acústica, los instrumentos, el clima y el momento. “Desde su nacimiento La Bomba de Tiempo ha pasado de ser una idea y una lista de músicos excelentes, a convertirse en un lugar de encuentro donde una enorme cantidad de público puede conectarse con el ritmo y con los demás”, cuenta Vázquez, al tiempo que explica: “También, La Bomba es un grupo humano y musical maravilloso con un lenguaje propio -bien de acá- que hace un aporte y a la vez rinde homenaje a la cultura de Buenos Aires. La Bomba de Tiempo nació con el deseo de generar un espacio de reunión de diferentes públicos y también de integración genuina de los diversos estilos musicales presentes en la ciudad. Cumpliendo nuestros primeros cinco años estamos muy felices de comprobar que todo esto sucede en cada concierto de La Bomba”. La bomba de tiempo no para un minuto y es un espectáculo para la gente y con la gente. Quizás sea este fenómeno de pertenencia lo que le de el tinte distintivo. Según Vázquez desde que comenzó esta travesía la experiencia más grata de La Bomba de Tiempo fue tocar con el “Chango” Spaciuk donde todo el público bailó chamamé y también presentarse en el Quilmes rock 2008 en el estadio de River Plate, invitados por La Bersuit. A su vez, recibieron como invitados a Calle 13, Café Tacuba y muchos músicos mas.
Babel, la torre con 30 mil libros Así como en 1983 el Partenón de Libros simbolizaba la democracia, La Torre de Babel representa la búsqueda de la unidad. De este modo, la artista plástica Marta Minujín resumió el concepto de su instalación de arte efímero, una estructura de 25 metros de altura y 30 mil libros de todas partes del mundo que hasta el 28 de junio podrá visitarse en la plaza San Martín. La notable demanda de porteños y turistas para visitar la nueva obra de Minujín -desde que fue abierta al público, el 12 mayo, la recorrieron unas 14 mil personas- impulsó un cambio en los planes, ya que el cierre de la Torre estaba previsto para el 27 de mayo. Cinco años después de exhibir en aquel Partenón los 30 mil libros que habían estado prohibidos durante la dictadura y que las editoriales guardaron con celo, Marta Minujín comenzó a soñar la Torre de Babel de los Libros. Pero logró plasmarlo mucho tiempo después, en coincidencia con el año en que Buenos Aires es la Capital Mundial del Libro. La torre es una obra de arte urbana y efímera de 28 metros de altura y unos ocho pisos. Está hecha con libros de 54 países como Arabia Saudita, Cuba, China,
Finlandia, Japón o Siria. En la planta baja hay ejemplares de todo el mundo; en el primer y segundo piso de América; en el tercero y el cuarto europeos; en el quinto de África, y en el sexto, de Asia. Los 30 mil libros, que fueron donados por vecinos y embajadas, están colocados en paneles metálicos, formando una torre helicoidal iluminada y protegidos por bolsas plásticas. De este modo, la Torre de Babel de Libros de Marta Minujín se constituye como una gran obra que muestra lo diverso, lo particular conviviendo en un mismo espacio; el mundo, nuestra ciudad y la obra armando la trama. La posibilidad de construir lo colectivo desde lo particular: una gran metáfora de lo que sucede a diario en la ciudad de Buenos Aires.
Las visitas a la Torre son gratuitas y se realizan de 12 a 20. Hay que solicitar previamente un turno ingresando a ww.capitaldellibro2011.gob.ar/ torredebabel. Por una cuestión de seguridad, el recorrido es en grupos de 25 personas con tres grupos por hora, con un guía. Cuando el 28 de junio se inicie el desarme de la torre, pequeños grupos de residentes oriundos de los diferentes países intervinientes en el proyecto tomarán un ejemplar en su idioma materno. El conjunto restante de los libros serán trasladados a la sede de la Biblioteca Gálvez, avenida Córdoba 1556, para ser catalogados y pasar formar parte de la Primera Biblioteca Multilingüe de la Ciudad de Buenos Aires.
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YIRA YIRA YIRA Asomando
Desde Desde el el under under escalan escalan posiciones posiciones
El cantante y compositor quilmeño Pablo Sciepura es también conocido como Paul LeRocq. Comenzó en la secundaria siendo el zurdo guitarrista de una banda, tomó clases de guitarra de manera ocasional pero siempre fue más autodidacta que músico de partitura. Lo mismo le pasó con el piano, instrumento que también utiliza para componer canciones en english / spanish y hoy cuenta con más de 100 temas en su haber. Comenzó a producir su primer disco en forma independiente entre los años 2007 y 2008 con Osvaldo Tejerina, fundador de Digital Poley Records. Luego de varios años de esfuerzo y perseverancia, LeRocq sigue en pie con buena música, nuevo sonido y lo principal, muchas ganas de seguir adelante, y poder concluir la filmación de su primer video clip con el tema que da nombre al CD «Rock to the top», de la banda que completan Ariel Casós Vello en bajo, Gabriel Pozzo en batería y Federico Chiarelli en primera guitarra.
Le Rocq
Dulce Natural
La banda nace en 2001 y tres años más tarde editan su demo «Dulce natural», grabado de forma «casera» en una porta-studio de 4 canales. En 2005 lanzan su primer CD «Remar» a nivel nacional (editado por la UMI -Unión de Músicos Independientes). Al año siguiente se presentan en el Baradero Rock 2006 junto a Los Gardelitos, Almafuerte, Resistencia Suburbana, entre otros. En el 2008 se registra su nuevo disco «Reflexiones». La banda fue reconocida como Mejor banda/ artista del año 2010 en los Premios de Medios Independientes organizado por la A.M.I. (Agrupación de Medios Independientes). Actualmente, el trío integrado por Diego «Carri» Carrizo (voz y bajo), Cesar «Chechi» Aguilera (guitarra y coros) y Lucas «Chino»Carrizo (guitarra, batería y voz) recorre los escenarios para presentar su último material, donde logran plasmar el crecimiento artístico y creativo de unas de las agrupaciones del nuevo punk rock nacional.
Fluidos místicos
El grupo de power rock integrado por Ariel Morinelli (voz), Marcos Christin (guitarra), Maximiliano Díaz (batería) y Emiliano Tosar (bajo) logra un «sonido sanguíneo» con el agregado del buen gusto del rock americano pero bien argentino, bajo las influencias rockeras y bluseras de los ´60 y ´70, de bandas como The Rolling Stones, The Beatles, Creedence, Jimi Hendrix, The Doors, Deep Purple, Led Zeppelin, Pappo, Sumo y otros grandes. Finalizando la década del ´90, desde Munro (Vicente López, Pcia. de Buenos Aires) la banda recorre con más de una década el circuito rockero de Capital y provincia de Buenos Aires, hasta llegar a su primer registro discográfico titulado “Un paso más” (2005), diez canciones grabadas en Tecson. En 2009 editan «De pie», once temas producidos y masterizados en los estudios El Pie.
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De España a la Argentina Vuelve Muchachito Bombo Infierno!!!
Foto: Scote C.
El Músico español Jairo Perera más conocido como Muchachito vuelve a nuestro país el próximo 18 de noviembre, justo un año después de su primer recital en Argentina, en donde brindó un concierto durante más de tres horas haciendo bailar, cantar y reír al público presente . Aún no se sabe sobre el nuevo espectáculo que presentará en esta nueva gira. Eso sí, ya está confirmado es que vendrá con su fiel compañero y artista Santos de Veracruz quien lo acompaña incondicionalmente realizando sus obras de arte en pleno concierto. Muchachito, mezclará libre y alegre, la rumba con el swing y el funk. Nos interpretará a todo ritmo las canciones del repertorio de sus tres discos auto-editados así como sus versiones favoritas. Puro rumboxing, un auténtico cuerpo a cuerpo con el público.
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Entrevista: Ray Fajardo
Empezar de cero El batero Ray Fajardo, charló con Yira Yira y contó un poco de todo. Desde su alejamiento de El Otro Yo, pasando por su laburo como productor musical hasta el desafío de volver al ruedo con una nueva banda .Con ustedes, Jauría.
Dicen que los cambios externos vienen acompañados de profundas transformaciones en el interior. Y algo de eso se respira en Jauría. Es que la banda se comenzó a gestar luego de que todos sus integrantes decidiera dejar sus viejos proyectos con la certeza de que no podían seguir donde estaban -como apunta Ray-. Pero también hubo replanteos respecto a sus destinos como personas: “Cada uno de nosotros venía de hacer un salto al vacío: la salida de las bandas de las que habíamos sido parte durante tanto tiempo, además de un proceso de introspección, de volver al eje, de reubicar las prioridades” , cuenta Ray.
es reconocida por ser un megahit, sino más bien por ser temas que encajarían a la perfección en el presente, como «Onírico», «Piscis», «Caballito de Hierro», «Ángel», «Espiral de Silencio» y, por supuesto, «El Perro».
La historia cuenta que en marzo de 2009, Ciro Pertusi anunció que se bajaba de Attaque 77 tras 21 años de actividad. Pero el gr upo siguió con Mariano Martínez al frente. Ciro desapareció del mapa con un autoexilio en México que lo llevaría a volver a encontrar el rumbo. Allí comenzó a escribir canciones, en principio sin destino. Y, sin proponérselo, la operación Jauría estaba en marcha. Desde México y por MSN. Primero lo llamó a Pichu Serniotti, ex Cabezones, para las guitarras. Después a Ray Fajardo, que ya había dejado El Otro Yo y por último pensó en Mauro Ambesi para el bajo, viejo compañero de su hermano Federico en De Romanticistas Shaolin’s, banda de punk rock del under de los ´90. Quiso la “ley de atracción” -como dirá Ray- que estos cuatro perros sin techo que habían dado un salto al vacío coincidiera casi de manera “intuitiva” en un renacer con el instinto como guía. El nombre del grupo no podía ser más exacto: un montón de perros sueltos que se encuentran, según ellos mismos, o de lobos con hambre que quieren carne; depende de cómo lo miremos. O, como
¿Fue difícil el proceso de decidir bajarte de EOY? Fue todo un desafío. Cuando uno asume riesgos sabemos lo que puede suceder. El haber dado por terminado esa etapa sin saber que en el futuro estaba la jauría esperándome fue difícil. Si bien seguía con mi trabajo como productor artístico, tocar, pertenecer a un grupo, a un equipo de rock es muy distinto. Pero justamente esa decisión me convirtió en parte de ella, en cierta forma hay un nuevo Ciro, Pichu, Mauro, aunque trae análogamente como el ser humano la experiencia de vidas pasadas en nuestro caso de bandas en las cuales nos forjamos y crecimos. EOY significa mucho para mí. Antes de tocar en EOY, estuve en muchísimas bandas que fueron muy importantes en mi vida artística, aunque no hayan trascendido en lo masivo. Creo que cada paso, cada decisión que di o tomé, me llevó a Jauría, Cada paso fue el necesario.
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¿Cómo te sentís vos después de tantos años tocando con EOY, ahora en Jauría? Renovado, con mucho por hacer, decir, crear y dar. Con nuevos compañeros/ amigos a quienes admiro y no dejan de sorprenderme en un clima de comunicación ideal, abierto. Mirarnos a los ojos y saber que estamos ahí de verdad.
describe Ray: “Jauría es una banda espiritualmente potente, salvajemente creativa, humanamente única”. Lo demás son ladridos. Su homónimo disco debut, con nada menos que 15 temas y la producción de Jim Wirt (Beach Boys, Fiona Apple, Incubus, No Doubt, Suicidal Tendencies) los tuvo girando para su presentación en Mar del Plata, luego en Cosquín Rock, el Rosario Rock, la cucha porteña, el conurbano, el interior y hasta el Quilmes Rock. Además, ya empiezan a querer asomar en Latinoamérica: este año se presentarán, en principio, en Chile y Uruguay. En vivo, al igual que en el disco, Jauría va al frente recorriendo el único álbum en su haber más un puñado de viejas composiciones que Pertusi hizo en los años de Attaque 77. Y salvo «Donde las águilas se atreven», ninguna de esas canciones
¿Te parece que al ser músicos ya consagrados en su mayoría tienen una presión extra por lo nuevo que están haciendo?
Creo que cualquier persona, se dedique a lo que se dedique, le imprime la impronta artística cuando siente la necesidad, una sana exigencia de tratar de superarse constantemente, de buscar nuevas y mejores formas de hacer lo que hace e imprimirle su personalidad y amor. Eso mejora el mundo a las personas y es un aporte que lo puede hacer un mecánico, un futbolista, un carpintero, o un músico. Nosotros dejamos que nos guíen la intuición y ganas. No permitimos que ningún factor externo afecte nuestras prioridades, ni que afloren factores internos que ya creemos superados para atentar contra Jauría.
conocimiento personal- el público se sumaba a alentar y apoyar un proyecto sin haber una canción compuesta. Fue algo nunca visto y nos llenó de emoción, de responsabilidad y de ganas de trabajar Fue una muestra de lo que es ser un verdadero mestizo. Cuando escucharon el disco se sintieron sorprendidos y fueron excelentes las devoluciones, no sólo de los mestizos sino también de la prensa especializada y de colegas músicos. Nadie quería más de lo mismo, ni nosotros ni el resto del mundo. Queríamos que Jauría fuese y ocupase, un lugar nuevo dentro de la escena de rock nacional.
No tuvimos ningún Einstein en el rock independiente nacional todavía. La diferencia radica más que nada en los recursos. Te puedo asegurar que ahora trabajando con una compaña ni me doy cuenta de todo ese falso fantasma de que te dicen lo que tenés que hacer, decir o tocar. Eso pasaba en otras épocas y también es chivo expiatorio de no poder conseguir un buen contrato discográfico por parte de muchos artistas independientes que de independientes no tienen nada y sólo usan la estructura, transforman su pregonería en un panfleto político y sacan los beneficios para lograr tener un primer contrato con una compañía. Generalmente, las bandas con trayectoria autogestiva terminan con una discográfica por la difusión que ofrece. La distribución y difusión son los puntos más débiles de la producción independiente. Por eso insistí hace años en que EOY trabajara como socio junto a DBN, antes de trabajar con 6 ó 7 distribuidores independientes que estaban aprendiendo a vender discos y conocer a los disqueros. Por suerte hoy hay un canal nuevo llamado Internet, donde no suceden milagros pero sirve como medio de difusión.
Jauria Jauria
Después de EOY estuviste un poco alejado de la música, ¿tenías pensado volver o lo de Jauría aceleró tu vuelta a los escenarios? Cuando me alejé de EOY, sólo me dedique a la producción artística allá en Adrogué, en el Estudio Quinto que tenemos con unos amigos músicos que funciona como una especie de cooperativa de trabajo. Pasó mucho para poder exorcizar lo que me causaba pasar cerca de una batería….lo peor de lo peor. Pero respeté lo que sentía, no me desesperé. Hasta que pasado un tiempo sentí la necesidad de sentarme a tocar, de juntarme con amigos, volver a componer mis canciones. Justo en ese momento apareció Ciro y largas conversaciones filosófico/existencialistas con Ciro desde México…. ¿Cómo fue grabar el disco con un productor de la talla de Jim Wirt? Cátedra de producción de la vieja escuela, a cinta sin editar mucho, tomando una buena fotografía del momento, real, descriptiva. Como productor artístico que soy lo admiro, como músico fue una experiencia de aprendizaje alucinante y como persona, nos divertimos mucho. Hicimos en 20 días todo el disco, tracción a sangre. Espero que se repita. ¿Cómo sentís que fue recibido el disco por la gente? Superó para nosotros toda expectativa. Nos sorprendió sobre todo el fenómeno que se dio un año y medio antes durante la pre producción, la búsqueda de personalidad musical, de estilo y
Junto con EOY impulsaron la autogestión, ¿creés que las multinacionales son negativas? Cada banda traza lo que es mejor para su desarrollo y crecimiento. Ser independiente o no, no da mayor crédito o valor creativo a lo que hacés, es sólo una manera de trabajar y muchas veces, como en el caso de EOY, no es por elección sino por necesidad. La realidad es que nadie quería editar la música de EOY, no es que teníamos a las compañías peleándose por nosotros. Lo que sí se rescata es el sacrificio, lo artesanal, lo que uno puede hacer desde uno… pero no me gusta que eso se convierta en la justificación de que lo que haces es bueno. No tiene más valor agregado de lo que genera un grupo con compañía o mayor respaldo económico. ¿Qué diferencias hay entre sacar un disco en forma independiente y hacerlo con el apoyo de una discográfica? Generalmente la autogestión es hacer desde el no saber, aprender en el camino a hacerlo: sea diseñar un flyer, producir un video, escribir un guión, hacer un arte de tapa o un logo como lo hice en EOY, aparte de componer y tocar. Cuando salen bien las cosas es muy puro, muy propio lo que uno deja en lo que hizo. Pero ocurre también que algunas bandas independientes llegan a un techo porque en ese tiempo que uno aprende otros trabajan con especialistas y el resultado es obviamente mucho mejor. Creo que lo mejor es el músico dedicado a músico e íntimamente ligado a la creatividad musical. Para esto no es necesario que esté al tanto de todo lo que pasa o tenga el control de auditar lo que se está haciendo. Todos los músicos que quisieron ser a la vez manager, discográfica, ect fracasaron por sus propias limitaciones y eso es lo natural.
Aparte de pertenecer a Jauría sos productor artístico, ¿cómo incide en el laburo como banda -ideas, arreglos- el hecho de que seas productor? Cuando trabajo con una banda pongo todo lo que soy, todo lo que tengo y hago lo que hay que hacer. En ese punto mi experiencia como músico, como compositor, como productor artístico está a la espera de lo que Jauría genere y necesite. Así también piensan mis compañeros. Esa dinámica de trabajo hace que cada uno ponga lo mejor de sí. En el disco Pichu propuso partes rítmicas, Ciro compuso ensambles de cuerdas, Mauro armonías vocales, yo toqué punteos, pianos, hice letras. Trabajamos con mucho compromiso, tomándonos en serio lo que hacemos y por eso nos divertimos mucho y no nos tomamos tan en serio a nosotros mismos o a lo que aparentemente representamos como músicos. Estamos disfrutando de dar los primeros pasos en lo que sentimos es lo mejor que hicimos hasta el momento y en sana ambición queremos ir por más.
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Especial AC/DC
Recorremos ecorremos la la historia historia de de la la emblemática emblemática banda banda de de hard hard rock. rock. Desde Desde sus sus inicios inicios R hasta la la promesa promesa de de una una gira gira en en 2013 2013 para para celebrar celebrar sus sus primeros primeros 40 40 años años de de carrera carrera hasta la grabación grabación de de un un nuevo nuevo álbum álbum para para en en la la ruta. ruta. yy la Prendemos la máquina del tiempo de Yira Yira para trasladarnos al año 1973, a Australia, más específicamente, a la hermosa ciudad de Sidney. Ese va a ser nuestro punto de partida para conocer un poco más sobre una de las bandas más grandes de la historia de la música: con ustedes AC/DC. Fue a principios de la década del ’70 cuando la banda formada por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young, empiezan a gestar un sonido arrollador. Ellos mismos fueron los que pusieron el nombre al grupo luego de ver AC/DC en la parte de abajo de una máquina de coser. Nunca mejor puesto: AC/DC representa la abreviación que indica que un dispositivo eléctrico puede conectarse a la red eléctrica alterna e internamente la convierte en corriente directa o continua. Los hermanos sintieron que ese nombre simbolizaba la energía y la potencia de las presentaciones de la banda. Ciertamente, no se equivocaron. A parte de los hermanos Young a la banda la completaban el bajista Larry Pág. 10
Van Kriedt, el cantante Dave Evans y el baterista Colin Burgess, quien fue el primer miembro despedido. Luego y hasta la actualidad varios músicos integrarían el grupo emblema del rock australiano. Jóvenes, vitales y atrevidos daban sus primeros conciertos con muy poco público. Así fue que empezaron a hacerse conocidos hasta dar su primer paso firme cuando lanzaron su primer sencillo “Can I Sit Next to You Girl”. Desde ese momento sus actuaciones se hicieron famosas entre sus fanáticos por las atípicas vestimentas que el extravagante guitarrista Angus Young usaba generalmente, un uniforme de colegial, aunque anteriormente había probado con disfrazarse del zorro, spiderman, superman y gorila. En el año 1975, y luego de varias modificaciones, la formación de la banda se estabilizó: Scott, los hermanos Young, el bajista Mark Evans y el baterista Phil Rudd. Luego de un tiempo por el año 1976
coincidiendo con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio Dirty Deeds Done Dirt Cheap, viajarían a Gran Bretaña, ciudad natal de los hermanos Young. Y en ese desembarco, la banda empieza a explotar comercialmente y las ventas de sus obras musicales suben de una manera sin igual. Con discos como Let There Be Rock (1977), Powerage (1978), If You Want Blood You’ve Got It (1978) y Highway to Hell (1979), vendieron millones de copias y AC/DC ya empezaba a forjar un camino sólido. La década del ’70 siempre estará plasmada en la memoria de los AC/DC por haber iniciado ese camino que hasta la fecha los mantiene intactos como grupo y que los consolidó como el emblema del rock australiano. A diferencia de esos primeros años increíbles que daban inicio a la banda, los ‘80 le darían un cachetazo al grupo por la desaparición física de su vocalista Bon Scott fallecido por una intoxicación etílica. Luego de este terrible episodio, el grupo decide forzadamente elegir a Brian Johnson en su lugar, quien
pertenecía al grupo Geordie. Aunque en esa época Gran Bretaña estaba en pleno auge el punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de esa década, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década del ‘90. Fue en 1993, cuando el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película “El último gran héroe”, inter pretada por Schwarzenegger, alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker y en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde, y en el 2008 lanzaron Black Ice. En diciembre del 2009 AC/DC eligió Argentina como escenario de un DVD en vivo que se basaría en las grabaciones realizadas durante las tres presentaciones en el estadio de River Plate, fechas a las que asistieron aproximadamente 66 mil personas por noche. Durante los tres shows que ofrecieron aquí, grabaron todas las imágenes que formaron parte de ese nuevo registro en vivo que se dio en llamar AC/DC: Live at River. Adicionalmente, se grabaron a puertas cerradas ciertas tomas e inserts que no podían realizarse con el público dentro del estadio. El 28 de junio de 2010, con un concierto en el estadio de San Mamés, en Bilbao, AC/DC puso fin a su gira Black Ice, en la que desde octubre de 2008 han ofrecido unos 170 conciertos en cuatro continentes ante más de 4millones de personas. La banda aseguró que, para el 40 aniversario de la banda, en el año 2013, sacarían un nuevo disco y volverían a hacer una nueva gira mundial. Los geniales AC/DC llevan vendidos alrededor de 200 millones de álbumes en todo el mundo y, de ellos, 70 en los Estados Unidos. El álbum Back in Black (1980) ha vendido más de 50 millones de unidades y más de 22 millones sólo Estados Unidos, convirtiéndose en el quinto álbum de mayor venta de todos los tiempos en los EE. UU. y el segundo entre los álbumes más vendidos mundialmente de toda la historia, detrás de Thriller (sexto disco de estudio de Michael Jackson, lanzado en 1982). Además de todos los galardones que han cosechado a lo largo de su exitosa carrera, se le agrega el de la prestigiosa revista Q magazine que les colocó en el primer lugar en su lista: «Los 50 grupos que debes ver antes de morir”.
En Ascenso directo LA ILEGALl El grupo integrado por Alejandro Braccini (guitarra y voz), Facundo Braccini (bajo y coros), Matías Lizarraga (primera guitarra), Lucas «Kuky» Lizarraga (batería), Leonardo Silvestrin (percusiones y arreglos) y Gastón «Gato» González (trompeta, guitarra acústica y coros) recorre los barrios de la ciudad desde 2005. Con influencias que van de Pink Floyd y The Doors, pasando por Los Redondos, No te va gustar, La Renga, La Vela Puerca, Cielo Razzo, a Los Fabulosos Cadillacs . La Ilegal abre nuevos horizontes mostrando actitud rockera, personalidad en su música y una explosión de energía sobre el escenario. En febrero de 2010 se consagraron como banda revelación en el 36° Festival Nacional de Música Popular en Baradero (Anfiteatro Pedro Carossi). El 2011 los encuentra más activo que nunca. Agotada la primera edición de su primer disco «Rompecabezas», reeditan el CD. Para el relanzamiento, la banda emprendió en enero su primera gira por la costa atlántica denominada «Sol & Mar 2011». actualmente siguen presentando el disco por Bs As.
De Mendoza a Chile La banda mendocina Bela Lugosi se presentó por primera vez en tierras chilenas el pasado 27 y 28 de mayo en el barrio de Bellavista y en el marco del festival “Rock sin Fronteras”. Para adentrarse a sus clásicos, primero abrieron el recital con “No lo dudes”, calentando el lugar a pleno, pasado una hora y media de show se despiden junto a la gente cantando “Mondongo Reggae”, su corte de difusión del último disco titulado Desde el puente, material que propone “un sonido equilibrado con las letras” y donde cada una de las diez canciones puede apreciarse como “diez fotos de un mismo álbum”, según explica Marcelo Zoloa, voz y guitarra del grupo que completan Manolo Pereiro, en batería, Tomás Escola, en bajo y coros, y Javier Bravo, en saxo y teclados. Los Bela Lugosi se formaron en el año 93 en la provincia de Mendoza conjugando una música que va desde el más crudo rock and roll hasta la cadencia del reggae, siempre con una marcada línea melódica. Luego la banda se instaló en Capital Federal en los años 94 y 95, iniciando así su camino profesional.
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Entrevista: O’connor
Desde las profundidades hacia hacia la la gran ciudad Refugiado en su búnker en el Tigre, el baluarte del heavy nacional habla de su último CD y de lo que se viene. Desde su casa a orillas de un Río Extraño, Claudio O’connor, uno de los exponentes máximos del metal argentino se alejó de la gran jungla de cemento para asentarse en las profundidades del Río Paraná y contarnos desde ahí su nueva vida, cómo fue reencontrarse consigo mismo, y todo sobre su último trabajo de estudio, seguido por la grabación en vivo de sus discos anteriores en los shows en La trastienda que verán la luz a fin de año. De difícil acceso para la prensa -no por nada para llegar a él los caminos se reducen a un celular que muy pocas veces tiene señal o a alguna lancha colectiva que permita trepar el Delta a su encuentro-, Claudio, baluarte si los hay del rock duro de Argentina, dista mucho de ser el estereotipo del metalero. Quizás, el pelo largo, los tatuajes y la forma de vestir, puedan dar una imagen alejada de la realidad. Claro está, el hombre que pisó los 47 años está bien plantado sobre la tierra y es desde esa seguridad que construye un mundo “más grande que el corral del metal” y se anima a derribar dogmas baratos. Un ser ubicado en espacio y tiempo que Pág. 12
sin pelos en la lengua se anima a hablar de su pasado, presente y futuro. Es justamente desde este lugar que abordó Río extraño, noveno disco de la banda que nació con la partida de Claudio de Malón, allá por 1998 (aunque comenzó a gestarse como un grupo paralelo), y hoy cuenta entre sus filas con Hernán García en el bajo, Darío Casciaro en la guitarra y Pablo Naydon en la batería. Lanzado en 2010, la placa se presenta agresiva y con un concepto de rock bien duro. ¿Cómo es tu vida a orillas del Rio Paraná? Descubrí este lugar hace un tiempo y está bastante a mano de la ciudad. El Tigre es muy loco porque tiene eso de salir a la puerta de tu casa y que tu calle sea un río. Yo no se si me hubiera venido de más joven, pero hoy es mi lugar. Hay gente a la que no le gusta ami me vino bien porque me encontré mucho conmigo mismo. Estoy mucho tiempo solo, con mis cosas, mis dudas, mis enfrentamientos, cuestiones por mejorar o cosas que ni sabía que estaban y eso es lo bueno .
¿Cómo fue la grabación del disco? ¿Y cómo es trabajar con Hernán García, porque siempre se los ve muy unidos? Con Hernán me llevo muy bien. Me di cuenta que encontré la persona que necesitaba para plasmar mis inquietudes. Es un tipo con un talento increíble y con una cabeza muy abierta. Todo lo que sale es producto del esfuerzo por buscar cosas lindas juntos. Ya me conoce y sabe para dónde puedo agarrar. Con respecto al disco me gustó el impulso musical que tomamos, sino, jamás hubiese salido. La mayoría de las voces las grabé engripado, porque no podíamos postergar las sesiones. Por eso no hay tanto de mi voz clásica y eso hizo que el disco tomara otro rumbo. Al principio, dudé de cómo iba a quedar pero me terminé convenciendo. Soy cantante y quiero demostrar que canto, por eso fui explorando otras voces. En abril de 1999 O’connor se presentó en vivo, en un show promocionado como «el primer recital de Claudio O’Connor luego de la separación de Malón». A través de su larga trayectoria la
Río Extraño
banda comenzó a marcar el rumbo con los discos Hay un lugar (1999) y Yerba mala nunca muere (2000). Justamente, estos discos bisagra serán reeditados, esta vez, en vivo en La Trastienda, bajo el nombre Un lugar que nunca muere. El material saldría recién a fin de año para darle recorrido a Río extraño. ¿Cómo decidieron grabar en vivo Hay un lugar y Yerba mala nunca muere? La idea se fue dando sola, aunque ya lo veníamos pensando hace mucho. Porque la compañía que editó el álbum físicamente ya no existe más y el disco quedó descatalogado hace mucho tiempo. Y la gente lo demandaba mucho a través de nuestra página de internet. Es más, hubo una época en que se nos había ocurrido hacer nuestras propias copias del original para que la gente lo pueda tener. Para tocar estos discos tuvimos que ensayar un montón, a parte son temas q no siempre tocamos así, tuvimos que agarrar el cuaderno y el borrador. Había canciones que quizás las habíamos tocado dos o tres veces en 10 años, así que fue retroceder en el tiempo para dejar grabados de la mejor manera estos discos para toda la gente que nos los pide y nos apoya siempre.
El sucesor de Luego de Estamos Pariendo (2006) y Naturaleza Muerta (2008) es el noveno disco de O’Connor y deja bien en claro que el músico volvió a las raíces del metal con sonidos arrolladores y más agresivos que sus anteriores placas donde se pueden escuchar las excelentes voces del artista y un trabajo increíble del bajista y compositor Hernán García. El disco arranca con “Discordia”, con el riff de una guitarra poderosa, luego “Río extraño” nombre que titula al álbum seguido por “La maldad” y “Hay un presagio”, temas que hablan de aniquilación, del destino, humanidad condenada, el juicio final y toda una apocalipsis donde como a lo largo de la obra se resaltan las guitarras y la exquisita voz de Claudio. El disco sigue con “Abre el portal”, que tiene la particularidad de no tener bajo ni batería y aparecen los teclados grabados por Hernán García, convirtiéndose así, en el primer tema de O’connor con estas características. “Trinchera”, un tema dedicado a un amigo que combatió en Malvinas; “Salir a buscar”, “Hacedor de terror” y “La lima del ritmo”, donde Juanchi Baleirón deslumbra con su solo de guitarra, son los encargados de cerrar el disco. Fue grabado íntegramente en los Estudios El Pie de Buenos Aires entre los meses de agosto y septiembre de 2010, la grabación y mezcla estuvo a cargo de Juan José Burgos, bajo la producción artística de Hernán García, el mastering se hizo en Breuer Prod por Mario Breuer y cuenta con la presencia de Juanchi Bailerón y Lisardo Álvarez como músicos invitados.
El Vuelo de la grulla
A dos años de su desvinculación con Los Piojos, el baterista Sebastián “Roger” Cardero presenta, Metamorfosis , nombre que le da titulo al disco de debut del power trío ¨El Vuelo de la Grulla¨ integrado, además, por su hermano Fernando Cardero, en bajo y coros, y Guillermo Cudmani, en voz y guitarra. Este primer álbum debut tendrá 10 temas que dejaran entrever el poder y la fuerza sonora de una banda que ya empieza a asomar como un power trío bien consolidado. El material fue completamente compuesto y preproducido entre los meses de agosto y diciembre de 2010 en la sala de la banda. Además, el grupo contó con la mano de Pablo Romero de “Árbol” en la producción y Claudio Romandini como ingeniero de grabación. El disco saldrá a la venta y estará disponible en las bateas de argentinas desde julio.
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Una foto, una historia
Escrito por: Scote C.
Kevin ter: Carter: Kevin Car Car ter: Carter: la la imagen imagen que que lo lo condujo condujo al al suicidio suicidio Hay fotografías que guardan, más allá del fuerte mensaje o registro, una conmovedora historia detrás. Ése es el caso de la foto de la niña y el buitre tomada por el fotoperiodista sudafricano, Kevin Carter. La guerra, las injusticias y el racismo implantado por el Apartheid, eran denominadores comunes de un lente que pretendía documentar la cruda realidad de su país. Kevin era conocido en el ambiente por pertenecer al Bang Bang Club, un grupo de valientes fotógrafos que trabajaban en situaciones de extremo peligro registrando imágenes durísimas sobre la Sudáfrica del Apertheid. Sin ir más lejos, el bang bang se refiere onomatopéyicamente al sonido de los disparos. Documentar esa realidad era su forma de denunciar, de concienciar y de gritar al mundo lo que ocurría en ese rincón del planeta. Con esas premisas como eje, Carter se dirigió en marzo de 1993 hacia una conflictiva Sudán, con la intención de registrar la hambruna y la violencia en el país africano. Una vez ahí, apenas aterriza, se encontró con la imagen de una niña, totalmente desnutrida y famélica, quien carente de fuerzas intentaba arrastrarse hacia el campamento de ayuda de las Naciones Unidas, ubicado en las cercanías del lugar. Pocos metros detrás de la niña,
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un buitre estaba al asecho, expectante, esperando el momento justo. Kevin tomó fotos de la escena durante aproximadamente unos 20 minutos, asegurándose de captar la mejor imagen de la situación y se retiró. En cuanto a cuál fue la suerte de la niña, poco se supo. Según Kevin, ella se recuperó lo suficiente como para reanudar su marcha una vez alejado el buitre, aunque ignora si logró llegar al centro de reparto de comida. La foto de la niña y el buitre no tardó en recorrer el mundo entero, tras ser publicada por primera vez por el New York Times. Alcanzó gran repercusión y se desató la polémica: ¿qué rol debe asumir el periodista respecto a su objeto? Inmediatamente Carter se convirtió en el foco de duras críticas que lo acusaban de no haber ayudado a la niña y de aprovechar la situación para su provecho personal. Fuera a donde fuera, le hacían la misma pregunta. “Y después, ¿ayudaste a la niña?”. Aquél registro se había trasformado en una pesadilla para el fotógrafo: el dilema entre ser un mero narrador de los hechos o intervenir en ellos, lo atormentó hasta el último de sus días. Pero la imagen era más fuerte que las críticas y en abril de 1994 lo llaman de Nueva York para informarle que había ganado unos de los premios más
significativos que puede recibir un fotoperiodista: el Pulitzer. Al recibir el galardón, Carter declaró: “Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla. La odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña”. Y a medida que los días pasaban, la angustia, la culpa y la fuerte presión de las críticas, lo iban hundiendo en una profunda depresión. Depresión que fue aún más acrecentada por la muerte de su mejor amigo y colega, el fotógrafo Ken Oosterbroek, quien murió en un tiroteo mientras tomaba fotos en Tokosa , muy pocos días después de que Kevin recibiera el impor tante premio. Car ter lloró como nunca y lamentó amargamente que la bala no hubiera sido para él. A dos meses de recibir el Pulitzer, Kevin Carter se dirigió a la orilla de un río donde jugaba cuando era niño, antes de que supiera lo que era el apartheid, el sufrimiento, la injusticia. Allí, dentro de su camioneta, inhalando monóxido de carbono con un tubo desde el caño de escape. Así el famoso fotógrafo Kevin Carter decide poner fin a una historia de sufrimiento y a sus 33 años.
Lanzamientos
Guasones
AC/DC
Lady Gaga
A tres años de su último disco en estudio, Esclavo (2008), y a dos de aquel famoso Vivo Luna Park (2009), Guasones lanzó Parque de Depresiones, su flamante último disco. Desde el vamos, la imagen de un parque de diversiones abandonado es un boleto directo a la tristeza infinita, y esa sensación de territorio devastado invade las letras de Facundo Soto y pinta de gris el poder rockero de Guasones: 13 canciones en los que manda el rock en su estado más puro, guitarras arriba, canciones fuertes y consistentes que, con la dosis justa de melodías suaves, aportan colores y matices diferentes. A casi veinte años de su formación, el cuarteto platense mejora las marcas de sus discos más exitosos (Toro rojo, Esclavo), trabajados por los infalibles Toth y Guyot. Ahora es Alvaro Villagra quien ordena el sonido y resalta sin artificios las violas de Maxi Tym o propone una reversión de sus amados Riff.
Grabado con 32 cámaras HD, el grupo emblema del rock australiano condensó en un exhaustivo dvd sus tres shows en Nuñez como marco de la gira Black Ice. AC/DC: Live at River Plate contiene 19 canciones (110 minutos) y material de backstage exclusivo más un bonus dividido en cuatro tipos de testimonios llamado «The Fan, The Roadie, The Guitar Tech & The Meat». Por primera vez un grupo rockero internacional refleja al detalle (no contemos Megadeth, ni a futuro Iron Maiden)como 32cámaras inspeccionan hasta el más ínfimo tatuaje, donde la corriente alterna y directa dice presente. La pantalla partida por la mitad con tomas de fans extasiados que saben la letra al dedillo, proyecciones desde el cielo de River y hasta el enfoque en alguna bengala prendida (como lamentable marca de exportación), refleja en este dvd, el poderío de esta flamante banda que anuncio que en 2013 quizas vuelva otra vez.
Si Born This Way no es el disco que la mayoría de los fanáticos de Lady Gaga esperaban, por lo menos si es un disco que ha llegado a vender el millón de copias a tan sólo dos días de haber salido al mercado. Y es que tanta fue su demanda, que hasta colapsó la página de Amazon. La historia de esta “madre monstruo” comenzó hace más de tres meses. Gaga estaba “embarazada” y el engendro fue parido en partes: el primer sencillo, “Born This Way”, respiró y lanzó su alarido el 12 de febrero. Muchos afirmaron que se trató de una copia inspirada en “Express Yourself” (1989) de Madonna. Lo cierto es que Gaga ha reconocido su admiración por la reina del pop y, definitivamente, no se ha robado nada. Aunque el estribillo guarda evidentes semejanzas con este clásico. El sucesor de The Fame -el disco que terminó de convertirla en estrella pop y reina de Twitter- incluye 14 canciones increibles que siguen posicionando a esta estrella del pop.
lanzamientos
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El status cultural del tatuaje evolucionó y pasó de ser una actividad anti social para la cultura occidental a ser una moda en la década de los ‘60 y un hecho cultural en los ‘90. Más allá de la tendencia, los tatuajes fueron usados a través de la historia por diversas razones: identificación, cosmética, religión y hechicería. Se han encontrado tatuajes en algunas momias con una antigüedad de hasta 7000 años. Etimológicamente, “tatuaje” proviene de la palabra inglesa «tattoo», que a su vez proviene del término samoano «tátau», que significa marcar o golpear dos veces. En los ‘70 fue adoptado por las estrellas de rock más referentes como los Rolling Stones. Para los ‘80 el tatuaje había penetrado a todos los ámbitos sociales. En la actualidad son aceptados por todos. Sin ir más lejos, desde hace varias décadas el tatuaje ha ganado auge como forma artística y muchas galerías de arte contemporáneo exponen fotos y diseños de tatuajes. No hay dudas, el rock fue el ámbito desde el cual se catapultó y revivió este arte milenario en el seno de las sociedades occidentales, más que nada debido a que ambos son símbolos de transgresión, rebeldía y de un estilo de vida, por lo que es común ver tanto a los fanáticos como a los rockers llevar la marca tatuada eternamente. El revival del tatuaje empezó a introducirse a la sociedad en su conjunto a través de figuras del rock and roll; desde la periferia hacia el centro, el desplazamiento de esta práctica ancestral. El rock mismo, como fenómeno cultural, experimentó este acomodamiento. La Pág.16
valoración del tatuaje ahora es más común y eso favorece al desarrollo de este arte. Desde sus inicios el rock y la música se transformaron para miles de personas de todo el mundo en un estilo de vida, una religión, donde el concierto era la comunión principal que reunía a miles de fanáticos que vibraban al compás de los acordes, punto máximo de adrenalina para los espectadores, los cuales se fundían en una sola pieza con sus ídolos durante varias horas de show, algo mítico que pocas veces se ha visto en otras grandes congregaciones multitudinarias. Hoy el presente no desentona con ese pasado que vivieron otras generaciones, sólo que se le han sumado “adornos” a este alocado fanatismo: banderas, gorros, remeras, mochilas, piercing y hasta zapatillas pintadas son los típicos suvenir que usa la gente como símbolo de pertenencia a esa tribu de seguidores incondicionales de una banda de rock, punk, reggae y ska, entre otras. Décadas atrás ya se empezaba a futbolizar el ambiente de la música y los conocidos trapos o banderas que se veían en todas las canchas de fútbol se trasladaron a los recitales, describiendo algún lugar de nuestro país, confirmando el presente y el yo estuve ahí. Con el transcurso del tiempo las banderas eran cada vez más grandes transformándose en el colorido de los recitales. La futbolización del rock en su máxima expresión: ahora el espectáculo también está en el público. Actualmente, y a pesar de que la tendencia de las banderas sigue en pie,
los tatuajes han adquirido un protagonismo sin precedente en nuestro país, reflejando artísticamente el sentido de pertenencia a una banda de rock, como aseguran varios integrantes de la Convención Argentina de Tatuajes. Y no sólo los fanáticos graban la música en su piel sino que los músicos también se ven identificados con esas marcas eternas que deja el arte del tatuador. Los seguidores de las bandas nacionales que toman la delantera no dejan de ser Los Redonditos de Ricota, La Renga y Los piojos seguidos por Callejeros, La 25 y muchas otras más. Mientras que en el ámbito internacional sin duda alguna la lengua de Los Rolling Stone toma la delantera seguida por la tipografía de Los Beatles, AC DC y Nirvana, entre otros. También es muy común que los músicos se tatúen sus propios instrumentos, no sólo como emblema de su música, sino también como tributo a aquellas extensiones de su cuerpo que los definen como personas y hacedores de música. No hay que olvidar que el rock también se ve representado por sus instrumentos, que ayudan a su creación. Dentro de los instrumentos musicales, sin duda el más representativo y popular de todos es la guitarra eléctrica, símbolo por excelencia del rock, que está en la cima del diseño más elegido por los músicos. Estos tatuajes suelen ser muy versátiles, ya que no solo hay muchísimos modelos de guitarras sino que también hay muchos elementos para complementarlas y que tengan un espíritu del rock aun mayor.
Carajo al Luna Park Con el pretexto de festejar los 10 años del power trío, el grupo metálico conformado por el bajista y cantante Marcelo “Corvata” Corvalán, Andrés Vilanova (batería) y el guitarrista Hernán «Tery» Langer, desembarca el 1 de julio en el mítico Palacio de los Deportes. Allí, no sólo tocarán temas de su flamante El mar de las almas que se destaca por sus cortes de difusión “Acido” y “Luna Herida”, sino que además repasarán canciones de toda una discografía que hoy los consolida como una de las bandas más representativas del género en Argentina, con una propuesta artística cada día más sólida. Carajo fue galardonada como Banda Revelación en el 2002 por la prensa especializada. Realizó giras por todo el país y por Latinoamérica, compartiendo escenario con artistas internacionales como Ozzy Osbourne, Korn, Marilyn Manson y Black Label Society. Lleva grabados cuatro discos de estudio, un disco acústico en vivo y un DVD de su presentación en Obras. Además, una década de ininterrumpido crecimiento a base de canciones sólidas, melodías complejas y letras vitales. Desde 2001 a 2005 organizó cuatro festivales temáticos autogestionados , cinco Giras por los barrios del 2007 al 2011.
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Fuerza Bruta
Fuerza Bruta presenta Wayra Tour La compañía teatral liderada por Diqui James, uno de los creadores de De La Guarda, estrenará mundialmente su nuevo espectáculo el viernes 17 de Junio, en el mítico estadio Luna Park. El grupo, que estuvo a cargo del desfile de los festejos por el Bicentenario de la Revolución de Mayo, redobla su apuesta con Wayra Tour y cambia de recinto para su estreno. Como es su costumbre, Fuerza Bruta desafía una vez más los límites de los sentidos, mezclando la teatralidad más primitiva con tecnología de última generación. La fuerza y la suavidad. Los golpes de la tierra explotando todos los transformadores de la ciudad. Crea un ritual único cada noche, se escapa y se ubica cada vez más lejos de las convenciones. Y este nuevo escenario ofrece la posibilidad de acercarse al espectáculo desde dos ópticas diferentes porque conviven dos mundos paralelos: en la libertad del campo el espectador podrá formar parte del desenfreno total de un show que va directo al cuerpo, a todos los sentidos, donde es protagonista; o bien desde la butaca, donde se puede disfrutar de un viaje visual absolutamente fantástico, donde las luces, la escenografía, la tecnología, la música y los efectos especiales conducen al público por un mundo visual soñado : un mundo en donde podrán ver con toda claridad a un mar de espectadores sumergidos en el show, apareciendo y desapareciendo en una paleta de texturas indescifrables. ¿Cuándo? Viernes 17 a las 20.30, sábado 18 a las 18 y 22, domingo 19 a las 17 y 22 y lunes 20 a las 19. Desde $ 60.
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