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Tercera época Número: 475 Villahermosa, Tabasco, México, lunes 30 de junio de 2025 Precio: $ 10.00
Lunes 30 de junio de 2025
Acontecimientos, nacimientos y fallecimientos importantes en un día como hoy, 30 de junio
El 30 de junio es el 181.º (centésimo octogésimo primer) día del año en el calendario gregoriano y el 182.º en los años bisiestos, el último del primer semestre (enero-junio) Quedan 184 días para finalizar el año.
Acontecimientos
1520: los aztecas gobernados por Cuitláhuac expulsan de la ciudad de Tenochtitlan a los conquistadores españoles, en la llamada Noche Triste.
1521: los conquistadores españoles arrasan la ciudad de Tlatelolco, aliada de Tenochtitlan, en una de las batallas decisivas de la conquista y destrucción del Imperio azteca.
1741: en el puerto de La Habana (Cuba) ocurre la voladura del navío Invencible.
1893: en Costa Rica, el patriota cubano José Martí visita a Antonio Maceo para ultimar detalles de la independencia de Cuba.
1988: La FIFA sanciona a la Selección de Fútbol de México con una suspensión de dos años por alinear jugadores de mayor edad en la eliminatoria para la Copa Mundial de Fútbol Juvenil.
Palabra del día: donjuán
Tb. don juan
Nacimientos
1912: Leopoldo Zea, filósofo mexicano (f. 2004).
1923: Blanquita Amaro, actriz, cantante y bailarina cubana (f. 2007).
1939: José Emilio Pacheco, escritor mexicano (f. 2014).
1941: Alfonso Zayas, actor mexicano (f. 2021).
1966: Mike Tyson, boxeador estadounidense.
Por alus. a don Juan Tenorio, personaje popularizado por Tirso de Molina y José Zorrilla.
1. m. Hombre seductor o conquistador.
2. m. dondiego.
Sinónimos o afines de «donjuán»
● tenorio, seductor, conquistador, burlador, mujeriego, casanova, galán, libertino.
● dondiego, diego, dompedro, arrebolera.
Fallecimientos
1959: José Vasconcelos, historiador y político mexicano (n. 1882).
1986: Mauricio Magdaleno, escritor y periodista mexicano (n. 1906).
1988: Santiago Amon, humanista, filósofo y crítico de arte (n. 1927).
2001: Chet Atkins, músico y productor estadounidense (n. 1924).
2008: Ángel Tavira, compositor y violinista mexicano (n. 1924).
Directorio
Julio César Javier Quero Fundador y Director General
Julio César Javier Cortés Coordinador Editorial
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Inició la 34ª temporada de Teatro en 30
La noche del pasado viernes 27 de junio, el Teatro en 30 abrió oficialmente su temporada número 34 en el Faccionamiento Guadalupe, en la calle Quintana Roo 97, en Villahermosa, Tabasco. La programación, que se extenderá hasta el 20 de julio, promete una variedad de obras que cautivarán a los amantes del teatro local y regional.
Las funciones se realizan los viernes, sábados y domingos en horarios de 19:00, 20:00 y 21:00 horas, brindando a los asistentes múltiples opciones para disfrutar de las obras en un ambiente familiar y culturalmente enriquecedor.
Entre las propuestas destacadas, se presenta «¿Por qué me dueles Diego?», una obra escrita, producida e interpretada por Luis Iñigo. Esta pieza, dirigida por Víctor Balboa y con escenografía de Pera Ramos, se ha convertido en un referente del teatro independiente. El elenco cuenta también con asistentes de sala como Conchy Correa y Andrés Hernández, además del arte y diseño a cargo de Juan de los Santos.
Otra producción que llama la atención es «Las viudas de Ramón», presentada por Víctor Balboa. La obra, cuyo libreto es de José Gregorio Rodríguez, ha sido adaptada y dirigida por Balboa, con escenografía de Alejandro Fuenmayor y fotografía, arte y diseño de Joel Cardeño. El elenco está conformado por Alanyd Valencia, Diana Pardo Filigrana y América Díaz.
Por su parte, «Función de medianoche», presentada por Ethan Poch y José Pérez, cuenta con un elenco integrado por Ethan Poch, Dany Baldo, Paula Malú, Ian Nieto, Carlos Ríos y Elis Álvarez, prometiendo una velada llena de suspenso y emoción.
«El pato y la muerte», una puesta en escena de Mi Vida en el arte, dirigida por Alejandro de la Cruz y adaptada por Laura Vidal, ofrecerá una mirada profunda sobre temas universales a través de su interpretación.
Finalmente, «Sorbos de café», otra producción de Víctor Balboa, presenta una ambientación escenográfica a cargo de Rigel Balboa Margalli, con dramaturgia de Edni Tijerina-Chapa y fotografía de Joel Cardeño. El elenco principal está integrado por reconocidos actores como Ana María Amadon, Eduardo Broka y Lorena López, quienes darán vida a esta obra que seguramente dejará huella en los asistentes.
El programa de Teatro en 30 continúa ofreciendo una oportunidad única para disfrutar del talento local y promover la cultura en la comunidad. Se invita a toda la población a apoyar y asistir a estas funciones que enriquecen la vida cultural de la región.
Abre la 2.ª convocatoria de residencias de producción artística en lenguas originarias de Oaxaca
● Podrán participar promotores, maestros, ilustradores, artistas, dibujantes y hablantes en general de alguna lengua originaria de Oaxaca
● La inscripción cierra el 6 de julio, las bases pueden consultarse en la página oficial del IAGO
El INBAL, a través del IAGO, Amigos del IAGO, CFMAB A.C. y CASA, invita a promotores, docentes, hablantes de lenguas originarias de Oaxaca, así como a ilustradores, artistas y dibujantes, a participar en la segunda edición del programa Residencias de Producción Artística en Lenguas Originarias.
Hazam Jara, director del IAGO, destacó que este programa continúa el legado de Francisco Toledo, quien promovió materiales en lenguas originarias para su difusión y conservación. Desde 2010, se han realizado talleres con docentes y hablantes para crear contenidos didácticos en diversas lenguas, ya que no existían materiales específicos para atender las necesidades de cada comunidad. La primera convocatoria en 2024 tuvo buenos resultados y se centró en producir materiales dirigidos principalmente a la infancia, como memoramas, loterías y cuadernos con el abecedario en distintas lenguas, abordando historias, tradiciones y cosmovisiones.
El objetivo principal es fomentar el desarrollo, la preservación y la di-
fusión de las lenguas originarias, asegurando la calidad de los materiales. Para ello, promotores y artistas trabajarán en pareja, combinando sus conocimientos y habilidades para crear productos con valor estético y cultural. El proceso será híbrido: del 21 de julio al 1 de agosto será virtual, y del 4 al 8 de agosto, presencial en CASA, donde se promoverá la interacción y el intercambio cultural. El IAGO cubrirá transporte, hospedaje y alimentación de los participantes presenciales.
Los perfiles requeridos indican que los promotores deben tener experiencia en enseñanza y difusión de su lengua y ser originarios de la comunidad. Los artistas y ilustradores deben presentar una carpeta de trabajo, estar dispuestos a colaborar en equipo y a aprender sobre las cosmovisiones de las comunidades. El producto final será digital y se distribuirá libremente, además de que tres proyectos serán impresos en offset. Esta iniciativa busca fortalecer las capacidades de promotores y artistas, brindándoles herramientas para obtener becas y desarrollar futuros proyectos. En el pasado, dos promotoras ganaron el Premio CASA, lo que les brindó mayor respaldo para continuar su labor.
La inscripción cierra el 6 de julio. Las bases están disponibles en la página del IAGO y, para dudas o asesorías, pueden contactarse en residencias@iago.com.mx.
Obras y personas
LETRAS VENCIDAS, de Salvador Novo
Salvador Novo escribe un libro donde reúne ensayos, opiniones, disertando sobre la Literatura nacional e internacional de manera… digamos erudita sin menoscabar la inteligencia de este enorme autor. Aunque la crítica literaria no sería lo suyo. Entre muchas cosas encontramos preferencias muy marcadas. Y qué crítico no las tiene. Novo consume las más de 200 páginas en enumerar, elogiar, ponderar, delinear cómo fueron escritas las obras que comenta. Además, entre sus muchos lugares comunes, diserta entre la enciclopedia y el diccionario de escritores.
Iniciemos por la reseña de la novela Astucia. Novo agrega algunas críticas precedentes a esta obra que sobrepasó al Periquillo, el de Fernández de Lizardi, en el gusto de los lectores mexicanos. Astucia de Luis G. Inclán reúne las aventuras del este líder de bandoleros que asolaron los caminos de Veracruz a la ciudad de México cerca de 1800. Toma Novo las reseñas de Luis González Obregón y Francisco Pimentel para encontrar la suya propia. Datos, datos, datos de la novela en comento y de las opiniones son acomodadas en poco menos de cinco páginas. El cronista de la ciudad de México habla por sobre la oportunidad, dándonos un esbozo biográfico de Inclán, sus correrías por el Norte de la república así como su regreso al rancho de Carrasco donde casa y enviuda en menos de cinco años así como la invasión norteamericana que acaba con el rancho y su asentamiento en la ciudad de México. Todo esto para aclarar el título del ensayo, Actualidad de Astucia. La conclusión es interesante. Cito. (Astucia)… es la obra que ningún mexicano debería desconocer. (pag. 31).
Por lo demás, si logramos pasar el albéitar del libro, nos adentraremos en otros tantos ensayos que magnifican, un tanto a fuerzas, su valía. Encontramos el nombre señero de Manuel Gutiérrez Nájera y su articulo bien vale un exceso de lateralidad. Gutiérrez Nájera es visto, nuevamente quizá como un recurso estilístico del autor, desde la perspectiva de José Tomás de Cuéllar y de Ángel del Campo. Ambos escritores, nacidos algunos años después de la muerte del Duque Job, éste, el seudónimo más conocido de Gutiérrez Nájera, en pluma de sus biógrafos, vive muy a gusto en la ciudad. Esa ciudad que tiene la doble instancia de ser oscura y siniestra por otro lado. ¿De quién es la culpa de que Gutiérrez Nájera no vea una y sí goce la otra?, se pregunta Novo. Del autor o de la ciudad. No está errado el futuro cronista de la ciudad de los palacios. En nuestra misma ciudad, la capital de Tabasco, el poeta Teodosio García Ruiz se dio a la tarea de descifrarla con un denuedo capaz y poético. Quizá si Sin lugar a dudas y Villahermosa, peligros para caminantes, hubieran caído en manos de Novo, hubiéramos leído una retahíla de elogios a veces duraderos, otras ingeniosos. Volvamos a Gutiérrez Nájera. Novo es partidario de la vena aguda y sarcástica del reseñado. Recoge un epígrafe dedicado al tesorero Espinosa que doy a conocer ya que dejé de reír sobre las teclas de la computadora.
El tesorero Espinosa
Ha fabricado una casa, Y así se explica la cosa: La tesorería, ESCASA, Y esta, es casa, de Espinosa.
Ácido y buen versador, Gutiérrez Nájera define un estilo que se ha dejado de lado pues la caricatura, cual más sea, es preferida por el público pues ofrece la comprensión inmediata por sobre el epigrama al que hay que dedicarle intelecto. En algún punto, el gran poeta, el inspirado poeta, se dedicó a fustigar a los políticos a través de la columna escrita en el diario El universal, donde el poeta se firmaba como Recamier. De este estilo expongo un fragmento de su poema Raterías.
Un ratón de nadie gato que anda en tratos con mi gata, me dijo hace poco rato: «Si no hay plata para el plato, lo dicho, me vuelvo rata». Y tiene mucha razón el caballero ratón, porque no tiene ni un peso: Y, estando el peso a tostón, no es pecado robar queso.
Es decir, cuando el genio ríe lo hace genialmente. Señala Novo una rareza, o más bien una simpatía literaria. Al nacimiento de su segunda hija, Margarita el 12 de enero de 1890, acuden para firmar el acta de nacimiento, dos eminentes adalides de las letras latinoamericanas, José Martí y Joaquín Arcadio Pagaza. Novo sabe escudriñar en los pasatiempos del pasado, de los seres inteligentes y de los amplios conocedores de la poesía mexicana.
Otros acercamientos son el de su trato con escritores, que van desde la presencia de don Alfonso Reyes en su vida hasta Xavier Villaurrutia. Dice algo muy coherente el reseñista. Hay dos maneras de conocer a los escritores, por su vida o por su obra; y dos maneras de tratarlos, conociéndolos o leyéndolos. Esta que pareciera ser la más fácil de las aproximaciones, resulta ser la menos recurrente. Nos leemos poco entre los escritores. Somos propicios al conocimiento del autor que de su lectura. Nos apoyamos más en sus excentricidades que en lo escrito.
El escritor que define Novo es ese, distinto al de los contemporáneos de Zolá. El escritor del tiempo de Novo vive velozmente, ferozmente. No hay escritor químicamente puro, es otro de los sofismas mejor expuestos del autor. Cómo puede haberlo. A diferencia de los ancestros, el escritor en esos, y estos, tiempos debe salir a la calle, al desarrollo cultural de su tiempo. Sale y ve, y de lo que ve se irrita, de lo que se irrita escribe y de lo escrito deja huella. Oh. Y eso nos lo dice Novo que, al parecer, no se irritaba, no se definía, no se cansaba.
Letras vencidas, el libro referido, es una suerte de ingeniosos laudos a quienes no están, pero estuvieron. O de quienes estuvieron y aportaron lo que en su momento, no fue comprendido. Un buen libro para estos fines de semana.
Vicente Gómez Montero
Lunes 30 de junio de 2025
La Cueva de Olla, el sitio arqueológico más antiguo de México
El vasto y antiguo mundo prehispánico de México guarda en sus entrañas vestigios que narran la historia de civilizaciones que florecieron mucho antes de la llegada de los conquistadores. Entre estos hallazgos, la Cueva de la Olla, ubicada en Chihuahua, destaca como uno de los sitios arqueológicos más antiguos del país, reconocido por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) como el más antiguo en México.
Un legado que trasciende milenios
Aunque sitios emblemáticos como Teotihuacán, fundada alrededor del 200 a.C. y que alcanzó su apogeo entre los años 700 y 750 d.C., son ampliamente conocidos, la historia humana en territorio mexicano se remonta aún más atrás. La ciudad de La Venta, una de las urbes más antiguas de Mesoamérica, data aproximadamente del 1200 a.C., pero la Cueva de la Olla, con sus vestigios que alcanzan los 5,500 años de antigüedad, supera estas cifras y se establece como un testimonio vivo de las primeras comunidades que habitaron la región.
El origen de la Cultura Casas Grandes
De acuerdo con el Sistema de Información Cultural de México de la Secretaría de Cultura, la Cueva de la Olla forma parte de un conjunto de vestigios en el Valle de las Cuevas, Chihuahua, que muestra características de la Cultura Casas Grandes. Esta cultura influyó en el noroeste de la Sierra Madre Occidental, abarcando áreas que hoy corresponden a Chihuahua, Sonora, Arizona y Nuevo México. Se estima que esta civilización llegó al Valle de Casas Grandes alrededor del año 900 d.C., construyendo más de mil cuartos en lo que hoy conocemos como Paquimé, un sitio que fue uno de los centros culturales más importantes de la región.
Vestigios de una civilización temprana Antes del establecimiento de Paquimé, la Cueva de la Olla sirvió como hábitat de los primeros habitantes en la zona, quienes dejaron vestigios arqueológicos en varias cuevas cercanas, como la Laja y el Rincón. Investigadores del INAH indican que fue aproximadamente en el 1100 d.C. cuando estos grupos comenzaron a asentarse en los valles, cerca de sus cultivos, dando inicio formal a la Cultura Casas Grandes.
El sitio fue también un lugar de enterramientos, donde el investigador estadounidense Robert H. Lister descubrió dos entierros humanos en la zona. La cueva, que recibe su nombre por un vestigio de un granero con forma de olla, refleja la importancia de la agricultura y la vida en comunidad en aquella época.
Visita y conservación
Ubicada en el municipio de Casas Grandes, Chihuahua, en la Cuenca del río Piedras Verdes, la Cueva de la Olla se encuentra a unos 47 kilómetros al suroeste de Paquimé y de la moderna población de Casas Grandes. Los visitantes pueden explorar este patrimonio cultural en un horario de 9:00 a 18:00 horas, con recorridos disponibles de 9:00 a 15:00 horas, y la entrada es gratuita, permitiendo que tanto investigadores como turistas puedan acercarse a comprender los albores de la historia mexicana.
Un patrimonio que conecta el pasado con el presente
La Cueva de la Olla no solo es un testimonio de los primeros pasos de las civilizaciones en México, sino que también representa la riqueza cultural y arqueológica que sigue aún revelándose en nuestro territorio. Con cada vestigio, se reconstruye la historia de un México prehispánico que, a pesar de la distancia en el tiempo, sigue vivo en sus restos y en la memoria de sus comunidades originarias.
El Museo Nacional de Culturas Populares rinde homenaje a Pedro Linares, creador de los alebrijes, por su 119 aniversario
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México a través de la Dirección General de Culturas Populares, Indígenas y Urbanas (DGCPIU), rendirá homenaje al artesano y creador de los alebrijes, Pedro Linares, al conmemorarse el 119 aniversario de su natalicio.
Esta actividad tuvo como objetivo preservar, difundir y mantener viva la cartonería tradicional mexicana, además de celebrar la vida y obra de este importante exponente del arte popular.
Pedro Linares López (1906-1992), fue un destacado artesano mexicano, creador de los alebrijes; figuras imaginarias artesanales hechas con cartón y papel, decoradas con colores alegres y diseños fantásticos que combinan elementos de distintos animales. Estas criaturas, que han cobrado vida en diversas celebraciones, como el Desfile de Alebrijes Monumentales en la Ciudad de México, son hoy símbolo del ingenio y la riqueza del arte popular mexicano.
Como parte de esta jornada, el pasado sábado 28 de junio, de 12:00 a 14:00 horas, se llevó a cabo el conversatorio «La vida y obra de Pedro Linares» en el patio Jacarandas, con la participación de los cartoneros David Linares Vargas y Gerardo Linares Gómez, nieto y bisnieto del maestro artesano.
Asimismo, de 11:00 a 14:00 horas, el mismo David, junto con Salma Linares (bisnieta de Pedro) y María Elena Gómez impartieron el taller «Iniciación a la cartonería, modelado con papel y engrudo». Durante esta actividad las y los participantes pudieron acercarse a esta técnica artesanal en la Quinta margarita del Museo Nacional de Culturas Populares.
Además, el público pudo adquirir piezas de cartonería y alebrijes elaborados artesanalmente por las y los herederos de Pedro Linares, cuyos precios oscilaban entre los 300, 500 y 600 pesos, o bien, obras de colección valuadas hasta en 20 mil pesos.
El Museo Nacional de Culturas Populares se llena de acordes: rock y bolero en vivo
● El recinto de las culturas vivas recibe a la banda de rock JJ Lovers y a Panchas Trío
● La entrada es libre y se podrá disfrutar de estas presentaciones los días 5 y 11 de julio de 2025
Con el objetivo de que el público disfrute de una variedad de expresiones musicales, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través de la Dirección General de Culturas Populares, Indígenas y Urbanas, invita al público a disfrutar de los conciertos de rock y bolero que tendrán lugar en el mes de julio, en el patio Jacarandas del Museo Nacional de Culturas Populares (MNCP).
El sábado 5 de julio a las 17:00 horas se presentará la banda de rock JJ Lovers, integrada por Alejandro Coleote Islas (guitarra), Mauricio Julián González Téllez (guitarra y voz), Diego Javier Rayón (guitarra y bajo), Jesús Mendoza Martínez (piano, congas y voz), Luis Ivanhoe Pacheco Pérez (batería, voz y guitarra), Miguel Ángel Casillas Martínez (guitarra) y Balam Said Sánchez Alvarado (guitarra y bajo).
Este concierto se lleva a cabo en colaboración con las Unidades de Transformación y Organización para la Inclusión y la Armonía Social, UTOPÍAS, de la alcaldía Iztapalapa.
JJ Lovers se fundó el 24 de abril del 2022, a partir de la relación de sus miembros con espacios comunitarios y talleres sociales en las calles de Iztapalapa, por lo que su propuesta se nutre no solo de la fuerza del rock urbano, sino de las profundas raíces de la identidad colectiva que tiene lugar en los márgenes de la ciudad.
En este concierto rendirán homenaje a grupos legendarios del rock. Uno de ellos, Las Víctimas del Doctor Cerebro, con quienes compartieron escenario en la macro plaza de Iztapalapa en 2024 para interpretar el tema “El esqueleto”, con un arreglo sinfónico del maestro Juan Jesús Franco. Además, repasarán canciones emblemáticas de Botellita de Jerez y Caifanes, con quienes también se han vinculado al tocar con Francisco Barrios El Mastuerzo y Sabo Romo en la Utopía Meyehualco.
Adicionalmente, en el marco del ciclo Bolero en el Museo, el viernes 11 de julio a las 19:00 horas se presentará Panchas Trío, agrupación integrada
por las músicas y cantantes Laura Torrero, Mayte Serralde y Gloria Buerba. Creado en septiembre de 2019, Panchas Trío se ha consolidado como una de las agrupaciones femeninas más reconocidas y activas en el panorama actual de este género. Herederas de intérpretes de la década de los 50, como Lucha Villa, Olga Guillot y María Luisa Landín, Panchas Trío ofrece una propuesta musical que revitaliza temas clásicos e incorpora canciones de otros géneros, adaptadas al bolero.
A lo largo de su trayectoria, han participado en importantes escenarios como el Teatro Ángela Peralta y el Teatro Metropólitan y han sido parte de la programación del Festival Mundial del Bolero. También han tenido una destacada presencia en medios como Canal Once, TV Mexiquense, Radio IPN y Anesma TV.
A través de estas actividades el Museo Nacional de Culturas Populares preserva y promueve la diversidad de expresiones musicales en los que se inscriben grupos emergentes y consolidados en México.
Crean paisaje basado en las lecciones de Eugenio Landesio en el Museo Nacional de San Carlos
● El taller Diorama de un paisaje: ver y componer, se llevó ayer domingo 29 de junio a las 13 horas,
● Organizado en el marco de la exposición Eugenio Landesio. Las lecciones del arte
El Museo Nacional de San Carlos (MNSC), del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), ofreció el taller Diorama de un paisaje: ver y componer, en el contexto de la exposición temporal Eugenio Landesio. Las lecciones del arte. Impartido por el equipo de aprendizaje y mediación del MNSC, el taller fue de entrada gratuita y con cupo limitado.
La actividad inició con un recorrido por la muestra dedicada a Eugenio Landesio, pintor y grabador italiano que llegó a México para compartir sus conocimientos sobre pintura de paisaje, perspectiva y ornato. Sus enseñanzas sentaron las bases para desarrollar una pintura paisajística con identidad propia, que integra elementos naturales y culturales del territorio mexicano.
El taller Diorama de un paisaje: ver y componer invitó a reflexionar sobre este género pictórico, mostrando que el paisaje no solo representa una vista natural, sino que implica una construcción visual en la que se organizan intencionalmente los elementos en el espacio. El recorrido previo permitirá conocer conceptos fundamentales de composición visual y teoría del color, aplicados posteriormente en la creación de un diorama con volumen.
Dos obras del acervo que servieron como fuente de inspiración, y que están incluidas en la exposición, son: Un gran tronco de encino, 1844 y Vista de Roma tomada de la Villa Freborn, por la vía Cassia, 1853, ambos óleos sobre tela.
La exposición de Eugenio Landesio. Las lecciones del arte permite conocer la propuesta pedagógica del artista, así como sus aportaciones en la creación de una escuela mexicana de paisaje.
La muestra podrá apreciarse hasta el 14 de septiembre en el Museo Nacional de San Carlos, que se ubica en avenida México-Tenochtitlan No. 50, colonia Tabacalera, alcaldía Cuauhtémoc, CDMX.
Lunes 30 de junio de 2025
● La publicación de la doctora Irene Herner, en colaboración con la doctora Mónica Ruiz, ofrece una revisión de 57 obras de caballete de David Alfaro Siqueiros
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) invitan a la presentación del libro Siqueiros documentado Testimonio de un proceso creativo, en el que la doctora Irene Herner, en colaboración con la doctora Mónica Ruiz, realiza una revisión de los orígenes, técnicas, cromáticas y procesos creativos de 57 obras de caballete de David Alfaro Siqueiros.
El evento se llevará a cabo el miércoles 2 de julio a las 19 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con la participación de las autoras Irene Herner y Mónica Ruiz; así como de Mariana Pérez Amor, Alejandra Reygadas de Yturbe y Daniel Garza Usabiaga. La presentación será moderada por Gerardo Cedillo, coordinador nacional de Artes Visuales.
La investigadora y crítica de arte Irene Herner revela, con conocimiento y pasión por la vida y obra de David Alfaro Siqueiros (29 de diciembre de 1896, Ciudad de México – 6 de enero de 1974, Morelos), una faceta poco explorada del artista: los procesos creativos detrás de 57 obras de caballete, varias de ellas realizadas durante sus temporadas en reclusión en la antigua cárcel de Lecumberri.
Con apoyo del INBAL, la especialista pudo explorar —entre otras fuentes— el archivo que se resguarda en la Sala de Arte Público Siqueiros, legado al pueblo de México por el propio artista, donde encontró información e ideas consignadas de mano de Siqueiros, de quien el año pasado se conmemoró su cincuenta aniversario luctuoso.
Asimismo, se hallaron bocetos o copias fotostáticas de obras que, gracias a la labor de inves-
tigación de la doctora Herner, pudieron ser ubicadas incluso en galerías de Estados Unidos, cada una con una historia que suma al imaginario de un hombre coherente con sus ideas.
El libro está conformado por nueve capítulos que profundizan en los temas recurrentes a lo largo de su trayectoria —Siqueiros por Siqueiros, Visiones de niños, Mujeres de México, Bailarinas, Lo grotesco, Paisajes, Árboles y flores, Imágenes del pueblo y Personajes—. Cada capítulo se enfoca en algunos de los 57 cuadros para facilitar un análisis detallado, marcando tanto su contexto socioe-
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conómico y político-cultural como los tipos de experimentaciones que en ese momento estaba llevando a cabo Siqueiros, ya sea como líder de un movimiento, como el Experimental Workshop en Nueva York que convocó a artistas como Jackson Pollock, o bien en otras vertientes que lo motivaron a explorar las singularidades del cómic o el cine, por ejemplo.
La publicación permitirá acercarse a Siqueiros con otra mirada y valorar con mayor justeza uno de los patrimonios visuales más ricos en expresividad y contenido de México.
Lunes 30 de junio de 2025
Encuentran en la costa india una estatua de Vishnu que reaviva el interés por los templos sumergidos
Un descubrimiento fortuito en la playa de Pedda Rushikonda ha despertado un renovado interés en la arqueología submarina y en los antiguos templos sumergidos de la India. Una mujer encontró una figura rota en la arena que, tras un análisis posterior, resultó ser una antigua escultura de Vishnu, uno de los dioses más venerados en la tradición hindú, con una antigüedad estimada de más de 700 años, según informa la revista Muy Interesante.
El hallazgo ocurrió cuando la mujer notó un fragmento de roca entre la arena, que en un principio pareció ser simplemente un pedazo de piedra. Sin embargo, al examinarlo con mayor detalle, se descubrió que se trataba de una escultura en granito, parcialmente destruida, que representaba a Vishnu en su forma de Janardana, conocido por ser el protector del universo y eliminador del sufrimiento. La figura presentaba daños visibles en una de sus extremidades, específicamente en el brazo que, en la iconografía tradicional, sostiene el shankha, o caracol sagrado.
El uso de granito en la escultura resulta inusual para la región, donde predominan esculturas en khondalita, una roca metamórfica local. Esta particularidad ha llevado a los expertos a plantear que la obra pudo haber sido originaria de una región distante, lo que sugiere la existencia de antiguas rutas comerciales marítimas que conectaban diferentes zonas del subcontinente indio en la época medieval.
La presencia del dios Vishnu en esta forma y en esta región también alimenta hipótesis sobre la existencia de templos y santuarios costeros que, con el paso de los siglos, pudieron haber sido destruidos por fenómenos naturales o erosionados, dejando sus reliquias en el fondo del mar.
El shankha, o caracol que Vishnu sostiene en sus representaciones, simboliza el sonido primordial
del universo y la purificación espiritual. La pérdida de este elemento en la escultura, que fue arrastrada por las olas hasta la orilla, añade un matiz simbólico a la historia: la figura, aunque mutilada, parece ser un recordatorio de la influencia y el poder del dios en tiempos pasados.
Expertos consultados por Muy Interesante señalan que en muchas comunidades hindúes aún persiste la tradición de sumergir ídolos deteriorados en aguas sagradas, como una forma de devolver la divinidad a la naturaleza y completar un ciclo ritual. La hipótesis es que la estatua pudo haber pertenecido a un templo costero que, con el tiempo, fue destruido o sumergido debido a la erosión y los cambios geológicos en la región.
La costa oriental de la India ha sido escenario de múltiples fenómenos geológicos y cambios en el nivel del mar a lo largo de los siglos. En años recien-
tes, diversas investigaciones han documentado la existencia de templos sumergidos en áreas cercanas a desembocaduras de ríos y zonas costeras anteriormente a mayor altura. Ejemplos en Tamil Nadu y Odisha evidencian la presencia de restos arqueológicos y estatuas que sugieren una rica historia religiosa ahora oculta bajo las aguas.
El océano, además de ser una vía de comercio y comunicación, ocupa un lugar central en la cosmología hindú. La historia del Samudra Manthan – la legendaria agitación del océano de leche para extraer el néctar de la inmortalidad – y la presencia del caracol sagrado en esa narrativa refuerzan la idea de que el mar es un depósito de significado espiritual y ritual.
Este descubrimiento ha colocado a Visakhapatnam en el mapa de la arqueología moderna en India. Ya hay voces que llaman a intensificar las exploraciones submarinas en la región, con la esperanza de encontrar inscripciones, estructuras y otras figuras devocionales que puedan esclarecer aún más la historia de los templos sumergidos.
Aunque todavía quedan muchos secretos en el fondo del océano, la reciente aparición de esta estatua de Vishnu representa solo el inicio de una historia que promete revelar más sobre las antiguas civilizaciones y sus prácticas religiosas en la costa india.
Este hallazgo no solo reafirma la importancia del océano como espacio de memoria cultural y espiritual, sino que también invita a repensar el pasado sumergido y los restos que aún esperan ser descubiertos en las profundidades marinas. La figura rota de Vishnu emerge como un símbolo de pérdida, pero también de posible renacimiento y recuperación de un patrimonio ancestral que aún tiene mucho por contar.
España, país invitado de honor en la Feria del Libro de Guatemala
España será País Invitado de Honor en la XXII Feria Internacional del Libro en Guatemala (FILGUA), que se celebrará del 1 al 13 de julio en la Ciudad de Guatemala. Organizada por el Ministerio de Cultura, AECID, el Centro Cultural de España en Guatemala, Acción Cultural Española y el Instituto Cervantes, la feria contará con la participación de una veintena de autores españoles durante dos semanas.
El lema de esta edición, «Leer para levantar el vuelo», invita a entender la lectura y los libros como derechos fundamentales y espacios de libertad. En un contexto donde la democracia está siendo cuestionada, la feria busca defender el derecho a leer, escribir y expresarse sin censura ni represión.
El programa literario busca inspirar a las nuevas generaciones a explorar la poesía, el ensayo, el cómic y la narrativa española mediante conversatorios, diálogos entre autores españoles y guatemaltecos, presentaciones de libros, talleres y masterclass gratuitas en escritura, ilustración, dramaturgia y cómic. También habrá actividades infantiles y familiares.
Participan autores destacados como Irene Vallejo, Santiago Posteguillo, Irene Reyes-Noguerol, Marilar Aleixandre, David Lozano, Xaime Martínez, Jorge Gonzalvo y Tamara Gutiérrez, además de ilustradores como Nadia Hafid, An-
drea Ganuza y 72 kg. La conferencia inaugural será a cargo de Lozano y Aleixandre.
El programa fomenta diálogos sobre edición, bibliotecas y fomento a la lectura, con expertos como José Pablo Gallo, Jorge Gonzalvo y Freddy Gonçalves. En el sector editorial participarán Olga Martínez y José Pulido. El stand de España mostrará lo más reciente de su producción editorial en diversos idiomas, reflejando su diversidad cultural.
Además de la literatura, el programa incluye propuestas musicales como el concierto de Calequi y las Panteras, y la conferencia cantada de las ‘Nanas’ de Federico García Lorca, a cargo de Ultramarinos de Lucas y la cantante Izaro. Se presenta la exposición ‘De metáforas y otros textos’ en el Centro Cultural de España, con obras de siete artistas visuales españoles inspiradas en libros y literatura, abiertas al público.
La participación de España en FILGUA 2025 forma parte de su estrategia de internacionalización del libro, centrada en el continente americano en el último año. En 2024, España también fue país invitado en ferias de Panamá y México, y participó en el Festival Internacional del Cómic de Angulema en Francia, fortaleciendo su presencia en mercados especializados.
La Gruta Cosquer: un tesoro prehistórico sumergido en el mar Mediterráneo
Ubicada en el sur de Francia, frente a las costas del mar Mediterráneo, la Gruta Cosquer es una de las joyas más sorprendentes del patrimonio arqueológico mundial. Sus pinturas rupestres, que datan de hace aproximadamente 29 000 años, representan algunos de los testimonios artísticos más antiguos y valiosos de la humanidad. Sin embargo, lo que hace a esta cueva aún más fascinante es su ubicación: su única entrada se encuentra a 36 metros bajo el nivel del mar, una realidad que añade un velo de misterio y protección a este sitio único.
Hace más de 30 000 años, la cueva se encontraba en la cima de un cerro, a unos 120 metros sobre el nivel del mar, en una zona que en aquel entonces estaba mucho más cercana a la costa mediterránea, a unos 10,8 kilómetros de la antigua línea de playa. Aunque no hay evidencia de que las civilizaciones que habitaron la región hayan utilizado la cueva como vivienda, probablemente la consideraron un espacio sagrado o un lugar de reunión, dada la riqueza de sus pinturas y símbolos.
El hallazgo moderno de la Gruta Cosquer ocurrió en 1985, cuando el buzo francés Henri Cosquer, explorando la zona, descubrió la entrada sumergida de la cueva. La entrada, ubicada a 36 metros bajo el mar, permaneció oculta durante milenios, ya que el aumento del nivel del mar tras la última glaciación inundó gran parte del área. Cosquer tomó fotografías y documentó el lugar, pero mantuvo su descubrimiento en secreto hasta que, en 1991, la tragedia golpeó a la comunidad de exploradores: tres buzos que intentaron explorar la cueva fallecieron en un accidente, lo que llevó a que las autoridades cerraran el acceso al público para preservar el sitio.
Desde su descubrimiento, la Gruta Cosquer ha sido reconocida como un monumento histórico de Francia en 1992 y, años más tarde, en 1998, se certificó la antigüedad y autenticidad de sus pinturas a través de estudios científicos. En 2022, se inauguró el Museo Cosquer en Marsella, una réplica a escala de la cueva que permite a los visitantes apreciar su belleza y significado sin poner en riesgo las pinturas originales.
Actualmente, solo científicos y investigadores autorizados tienen acceso a la cueva, debido a los delicados restos de arte rupestre y las condiciones de conservación. Muchas de las pinturas originales, realizadas con pigmentos de carbón y otros materiales, se encuentran en riesgo debido a la humedad, las variaciones de temperatura y, lamentablemente, el aumento del nivel del mar, que en un futuro cercano podría inundar por completo la cueva y destruir este patrimonio invaluable.
Las pinturas de la Gruta Cosquer incluyen aproximadamente 65 plantillas de manos, distribuidas en 44 negras y 21 rojas, que son algunas de las más antiguas del mundo, con una antigüedad de cerca de 29 000 años. Además, la cueva alberga 117 figuras de animales, entre las que se pueden distinguir caballos, cabras, venados, bisontes, uros, focas, pingüinos, medusas y peces, realizadas por al menos dos civilizaciones distintas que habitaron la región hace aproximadamente 21 000 años.
Muchos de estos restos artísticos permanecen protegidos en las profundidades, y otros se han perdido con el paso del tiempo, especialmente aquellos
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que quedaron bajo el agua en siglos pasados. La cueva, por tanto, es un testimonio vivo de la creatividad y las creencias de nuestros antepasados, que lograron plasmar en sus paredes escenas que aún asombran a los científicos.
El destino de la Gruta Cosquer está sellado por las fuerzas naturales: el aumento del nivel del mar debido al calentamiento global amenaza con inundar el sitio en un futuro cercano, borrando para siempre las pinturas rupestres que contienen. La conservación y protección de esta joya prehistórica son un recordatorio de la importancia de preservar nuestro patrimonio cultural frente a los efectos del cambio climático.
En resumen, la Gruta Cosquer no solo revela la historia artística y cultural de los primeros seres humanos en Europa, sino que también nos invita a reflexionar sobre la fragilidad de nuestro patrimonio y la necesidad de actuar para protegerlo para las generaciones futuras.
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Lunes 30 de junio de 2025
El Estilo Plateresco: La Esencia de la Ornamentación en la Arquitectura Española del Siglo XVI
La arquitectura española del siglo XVI se distingue por la aparición de un estilo único y característico que refleja la riqueza cultural y artística de la época: el estilo plateresco. Este movimiento, que floreció durante el Renacimiento en España, se caracteriza por su exuberante ornamentación y su capacidad para fusionar diversos estilos arquitectónicos en una expresión estética compleja y armoniosa. Conoce en profundidad este fascinante movimiento que dejó un legado indeleble en el patrimonio arquitectónico del país.
Origen y significado del estilo plateresco
El término «plateresco» proviene de la palabra «platero», en alusión a la similitud de su ornamentación detallada y minuciosa con el trabajo de los orfebres y plateros. Este estilo refleja una época en la que la decoración y la belleza artística se convertían en elementos fundamentales para transmitir poder, fe y cultura. Aunque es considerado el primer estilo renacentista en España, el plateresco mantiene una fuerte influencia de las tradiciones góticas y mudéjares, creando un estilo híbrido que representa la transición entre estos períodos.
Características principales del estilo plateresco
Decoración exuberante y detallada
Una de las características más distintivas del plateresco es su decoración abundante y elaborada. Los edificios presentan fachadas ricamente ornamentadas con motivos heráldicos, conchas, escudos, pilastras almohadilladas, frontones y columnas que aportan profundidad y dinamismo a la estructura. Los detalles decorativos no solo cumplen una función estética, sino que también reflejan el estatus y la historia de quienes los encargaron.
Fusión de estilos arquitectónicos
El plateresco combina elementos del gótico, como pináculos y arcos apuntados, con formas renacentistas, como columnas, pilastras y arcos de medio punto. Esta mezcla crea un estilo ecléctico y vibrante, donde la tradición gótica se suaviza con las líneas armoniosas del Renacimiento, dando lugar a una estética única y distintiva.
Influencia mudéjar y motivos ornamentales
El arte mudéjar, caracterizado por su uso de motivos geométricos y decorativos en la cerámica y la madera, también se integra en el estilo plateresco. La decoración en los edificios platerescos a menudo incluye motivos mudéjares, que aportan un carácter regional y una riqueza adicional a la ornamentación.
Fachadas monumentales y edificios emblemáticos
Las fachadas en el estilo plateresco son verdaderamente impresionantes. Ricamente decoradas, suelen incluir portadas elaboradas, escudos heráldicos, esculturas y relieves que capturan la atención del espectador. Este estilo se aplica tanto en edificios religiosos como cívicos, reflejando su importancia en la vida pública y privada de la época.
Ejemplos notables del plateresco
Catedral de Salamanca: Su fachada principal es uno de los ejemplos más emblemáticos del estilo plateresco, con una decoración minuciosa que combina elementos góticos y renacentistas, mostrando la maestría en la ornamentación.
Fachada de la Universidad de Salamanca: Destaca por su elaborada portada, considerada una de las joyas del plateresco, que combina esculturas, motivos heráldicos y detalles decorativos en un conjunto armonioso.
Catedral de Burgos (Puerta de la Pellejería): Una puerta secundaria decorada con motivos platerescos que ejemplifica la riqueza ornamental de la época. Ayuntamiento de Sevilla: Un magnífico ejemplo de arquitectura civil en estilo plateresco, con fachadas decoradas y detalles que reflejan la influencia del movimiento.
Conventos franciscanos y dominicos en México: La expansión del estilo más allá de España se evidencia en ejemplos como el convento de Huejotzingo, que combina la ornamentación plateresca con elementos del arte regional.
Legado y relevancia
El estilo plateresco no solo representa una etapa de esplendor en la arquitec-
tura española, sino que también marca la transición hacia el Renacimiento en el país. Su riqueza ornamental y su capacidad para integrar diferentes tradiciones culturales hacen que sea considerado un patrimonio invaluable, símbolo de la creatividad y el refinamiento de la época. Hoy en día, su influencia se puede apreciar en numerosos monumentos y edificaciones que continúan impresionando por su belleza y complejidad.
En conclusión, el estilo plateresco es una manifestación artística que refleja la riqueza cultural y artística del siglo XVI en España. Su ornamentación exuberante, la fusión de estilos y su presencia en importantes edificios históricos convierten a este movimiento en un símbolo del esplendor del Renacimiento español, dejando un legado que sigue siendo admirado y valorado en la actualidad.
Universidad de Salamanca
Catedral de Burgos
Convento de Huejotzingo
Lunes 30 de junio de 2025
La historia de «La Niña de Guatemala»: un amor trágico que inspiró a la poesía universal
Guatemala, tierra de historia, cultura y leyendas, alberga en su memoria una historia que ha trascendido generaciones y ha llegado a los corazones de muchos: la trágica y romántica historia de «La Niña de Guatemala». Esta historia, que combina amor, tristeza y arte, está estrechamente vinculada a María García Granados y Saborío, una joven de la alta sociedad guatemalteca, y al poeta cubano José Martí, uno de los intelectuales más influyentes del siglo XIX.
Un encuentro en la tertulia familiar María García Granados, hija del expresidente Miguel García Granados, fue una joven perteneciente a la élite social de Guatemala en el siglo XIX. Su vida social giraba en torno a las tertulias familiares, espacios de reunión donde intelectuales, artistas y personajes destacados compartían ideas, música y cultura. En uno de estos encuentros, María conoció a José Martí, un joven poeta y periodista cubano que llegó a Guatemala en 1877 en busca de inspiración y conocimiento.
El flechazo del amor y las expectativas Durante esas reuniones, la belleza y sensibilidad de María cautivaron a Martí, quien se sintió profundamente atraído por ella. La joven, por su parte, también se enamoró de Martí, compartiendo con él momentos de ternura y complicidad. Sin embargo, el destino tenía otros planes. Martí, comprometido con Carmen Zayas Bazán, no pudo corresponder plenamente a los sentimientos de María, quien, a pesar de su amor, debió aceptar la imposibilidad de unirse a él.
La tragedia de un amor no correspondido
La separación fue dolorosa para ambos. Martí regresó a México, donde contrajo matrimonio con Carmen Zayas Bazán. La tristeza de María fue inmensa; su amor no correspondido la sumió en una profunda melancolía que, con el tiempo, tuvo consecuencias fatales. La joven falleció, dejando tras de sí un legado de amor y dolor que trascendió su vida terrenal.
La inmortalización en la poesía
La historia de María García Granados encontró su eco en la pluma del propio José Martí. Inspirado por su amor imposible y su trágico destino, Martí escribió el poema «La niña de Guatemala». En sus versos, Martí narra la historia de una joven hermosa y triste, cuyo amor no fue correspondido y cuya muerte simboliza la profunda tristeza de un amor no logrado. La figura de María, convertida en musa y símbolo, ha perdurado en la literatura latinoamericana como un ejemplo de amor verdadero y doloroso.
Legado y simbolismo
La historia de "La Niña de Guatemala" no solo es una narración romántica, sino también un reflejo de las pasiones y tragedias humanas que trascienden
el tiempo y las fronteras. La figura de María García Granados, inmortalizada en la poesía de Martí, representa la inocencia, la belleza y la tristeza del amor imposible. Hoy en día, su historia sigue siendo un recordatorio de cómo el arte puede convertir el dolor personal en un legado universal, inspirando a generaciones a valorar la pasión y la sensibilidad en medio de las adversidades. En conclusión, la leyenda de «La Niña de Guatemala» nos invita a reflexionar sobre el poder del amor y el arte para transformar las historias personales en símbolos eternos. La historia de María García Granados y José Martí es un testimonio del impacto que una historia de amor puede tener en la cultura y la literatura, dejando una huella imborrable en la memoria colectiva de América Latina.
La casa editorial Jaqueeditor pone a su consideración su más reciente lanzamiento, el libro: Un viaje a los confines del mundo, cuyo autor es Julio César Javier Quero. Esta obra está prologada por el escritor italiano Amadeo Conti Bianchi, quien reside en Livorno, Italia. El prologuista comenta acerca del libro: «A medida que la vida avanza, a menudo nos encontramos atrapados en la rutina diaria, en la vorágine de compromisos, trabajos y responsabilidades que parecen no tener fin. Sin embargo, hay momentos en los que la vida nos llama a una aventura, a un viaje que nos permite explorar no solo el mundo que nos rodea, sino también las profundidades de nuestro ser. En este contexto, Julio César Javier Quero y sus hijos, Sandra, Julio César y Mauricio, se embarcan en una travesía que trasciende las fronteras físicas y emocionales, una expedición que se convierte en un verdadero descubrimiento de la vida y de sí mismos. Un viaje a los confines del mundo es mucho más que el relato de una aventura por Sudamérica; es una crónica de la conexión familiar, de la búsqueda de nuevas experiencias y del deseo de conocer la diversidad cultural y natural de nuestro continente.»
Este libro está a la venta en: https://n9.cl/p51qh
Noticias internacionales
San Juan Camagüeyano una tradición que merece ser patrimonio cultural de Cuba
EMavel Ponce de León Hernández Corresponsal
del semanario Solar de Cultura en Cuba
l entierro de San Pedro, cada 29 de junio a las tres de la tarde, es una tradición que data de tres siglos en la otrora Villa de Santa María del Puerto del Príncipe en el Camagüey de la mayor de las Antillas. La fiesta que inicia los días 24 en un jolgorio popular con las raíces camagüeyanas desde la época colonial en el San Juan Camagüeyano.
El poeta nacional de Cuba, Nicolás Guillén, escribió en torno a la ceremonia del Entierro de San Pedro.
«Es caso curioso que, siendo esta fiesta la de este nombre, termine precisamente con la muerte de un Pedro, pero así lo ha dispuesto la tradición que en estas cosas es la que manda y no hay más remedio que aceptarlo. Pedro mata a Juan»
Los festejos en sus inicios tenían el color de carreras de caballos, las ferias y los lazos de los vecinos y familiares. Las comparsas y las llamativas carrozas muy peculiares se introducen posteriormente.
Con la «Lectura del Bando», desde el Ayuntamiento, comenzó el San Juan, en la edición de 2025, con la presencia de Dixamy Rodríguez Gómez, presidenta de la Asamblea Municipal del Poder Popular. Resaltó que, a pesar de las adversas circuns- tancias económicas y eléctricas que atra-
viesa el país, se tomó la decisión de llevar a cabo de manera modesta el evento que constituye una parte fundamental del patrimonio cultural de la región.
Según reflejan sitios digitales de la Radio Cubana en esa central provincia de la isla caribeña.
Desde calle Cisneros y en las cercanías al parque Agramontés, los camagüeyanos como la gran familia que son llegaron a celebrar con diversas expresiones artísticas entre estas bailarinas del cabaret Tropicana de Cuba, músicos, comparsas y las rítmicas congas locales que con los coloridos vestuarios sombreros de yarey y objetos tradicionales embellecen unas de las fiestas de mayor antigüedad y verdadera tradición popular en Cuba. El ajiaco como expresión de la cultura culinaria es otra de las grandes atracciones con el sabor a cuba desde el sazón del camagüeyano único en la isla de la música y la alegría desde el arte y las tradiciones que merece y aspira a convertirse en Patrimonio Cultural de Cuba.
El Ballet Nacional de Cuba regresa a Vietnam tras exitoso paso por China
El Ballet Nacional de Cuba (BNC) continúa consolidando sus lazos culturales con Asia, tras una destacada gira que lo llevó desde China hasta Vietnam.
La reconocida compañía, dirigida por la primera bailarina Viengsay Valdés, regresó a territorio vietnamita con el propósito de ofrecer un espectáculo de alto nivel artístico y reafirmar su presencia en la escena internacional.
El pasado miércoles, el BNC subió al escenario del Teatro Ho Guom Opera en Hanói, donde presentó un variado programa que incluyó tanto piezas clásicas como contemporáneas. La función formaba parte de una gira que comenzó en mayo en Zhengzhou, China, donde la compañía ofreció 18 funciones de «El lago de los cisnes» en la célebre versión de Alicia Alonso, consolidando así su presencia en Asia luego de seis meses.
El programa en Vietnam contó con destacadas interpretaciones, entre ellas «El adagio de la rosa de La Bella durmiente», y una inusual versión masculina de «La muerte de un cisne», coreografiada por Michel Descombey, exdirector del Ballet de la Ópera de París. Además, el público vietnamita pudo disfrutar de obras como «Imago», «El fin de los tiempos», fragmentos de «Cascanueces» y del segundo acto de «El lago de los cisnes». La velada culminó con la presentación de «Majísimo», una de las obras emblemáticas del repertorio cubano.
La función del pasado domingo 29 en el mismo escenario marcó el cierre de esta intensa gira asiática. Para Valdés, regresar a Vietnam representó un motivo de orgullo y emoción. «Es un inmenso placer volver a acercarnos a estas latitudes, porque Vietnam es de esos países que siempre han estado muy cercanos a Cuba», expresó la directora.
Recordó que el BNC fue la primera manifestación artística en visitar Vietnam, en 1964, en una delegación encabezada por Alicia Alonso, que incluyó un
histórico encuentro con el presidente Ho Chi Minh. «Volver hoy con un ballet joven, pero con la misma fuerza técnica y artística que nos legaron nuestros fundadores, es un honor y una responsabilidad», afirmó Valdés.
La presencia del BNC en Vietnam no solo simbolizó un intercambio cultural, sino también una muestra de la solidez y continuidad del legado artístico cubano en el escenario internacional. «Demostramos que no importa el lugar, lo más importante es siempre dar lo mejor», concluyó la directora, reafirmando el compromiso de la compañía con la excelencia artística y la amistad entre ambos países. Con esta gira, el Ballet Nacional de Cuba reafirma su posición como embajador del ballet clásico y contemporáneo, llevando la belleza y la pasión de la danza cubana a nuevos públicos en Asia.
Imágenes de la Agencia Cubana de Noticias