CAMEO_45

MÉNDEZ

CINE LUDWIKA PALETA

DESPUÉS,UN RELATO QUE ABRAZA EL CORAZÓN

DOLORES FONZI ÁMERICA FERRERA FRANKENSTEIN

Texto y fotos

Carlos Mora

Con más de tres décadas de trayectoria, Ludwika Paleta sigue sorprendiendo. Aunque la mayoría del público la asocia con la televisión y las comedias románticas, su más reciente proyecto cinematográfico, Después, dirigida por Sofía Gómez Córdova, marca un viraje profundo en su carrera: un drama íntimo y emocional donde explora la pérdida, la culpa y la posibilidad —o imposibilidad— de seguir viviendo tras una tragedia.

Habiendo construido gran parte de su carrera en televisión, Paleta ha incursionado en el cine principalmente en comedias románticas. Sin embargo, Después representa un cambio de rumbo en su filmografía. La cinta narra la historia de Carmen, una mujer que pierde a su hijo en circunstancias poco claras. El papel del joven está interpretado por Nicolás Haza, hijo de Ludwika en la vida real, lo que dota a la película de un peso emocional particular.

“Fue un proceso muy íntimo. Desde cómo se concibió la película, desde las primeras lecturas del guion, todo fue muy cercano. Trabajé muchos años con Sofía, y después se involucró Nicolás. Ya en el rodaje, fue como un viaje familiar, una historia contada desde el corazón”, cuenta la actriz.

LUDWIKA

La relación entre madre e hijo, que en la historia es el núcleo emocional, se construyó con naturalidad. “En el cine, cuando interpretas una relación cercana, tienes que crearla. Hay que hacer trabajo de mesa, hablar mucho, entenderse. Aquí eso ya estaba. Nos conocemos, nos queremos, nos entendemos, y eso se nota. Hay partes de Nicolás y mías que están ahí, se reflejan, y eso le da mucha credibilidad a la historia”, asegura.

PALETA EXPLORA LA MATERNIDAD Y EL DUELO EN DESPUÉS

Paleta también destaca el trabajo con la directora. “Sofía tiene una sensibilidad tremenda. Le gusta contar historias complejas, personajes con vidas difíciles, explorar la oscuridad humana pero desde un lugar amoroso.

"Aunque no es mamá, tiene una mirada muy maternal. Sabía perfectamente quién era Carmen, cómo quería que se viera, cómo debía moverse la cámara. Fue un trabajo bellísimo”.

En entrevista con la Revista Cameo, la actriz habla de su nuevo filme, un drama íntimo sobre la pérdida, la maternidad y la fuerza de seguir adelante, contado desde la emoción más profunda y una mirada profundamente humana.

La actriz posa con su hijo Nicolás Haza.

Ludwika Paleta (centro), protagonista del filme

Después, junto a Darío Rocas, Nicolás Haza, la directora

Sofía Gómez

Córdova y Alan Oliva.

DESPUÉS

Distribuidora:

Mandarina Cine

Para Ludwika, este tipo de cine representa lo que más disfruta hacer. “A mí me gustan las historias humanas, las que salen del alma. Me gusta verlas y filmarlas. No se trata del formato, sino del contenido. Este tipo de proyectos, chiquitos, íntimos, sin pretensiones pero con mucho corazón, son los que más me mueven”, afirma. El año pasado, la actriz recibió su primer Premio Ariel por su participación en la cinta Todo el silencio, un reconocimiento que la impulsó a seguir explorando proyectos más per-

sonales. “Fue muy emocionante. Pero lo curioso es que esta película ya la había hecho cuando recibí el premio. Las filmé casi al mismo tiempo. Lo del Ariel fue un impulso, pero Después ya era parte de mí. Este tipo de proyectos son los que más disfruto: donde hay verdad, donde se trabaja desde la emoción y lo más simple”. Sobre el impacto emocional de la película, Ludwika reconoce que Después busca conectar con el público desde la emoción más pura. “Es una historia que te obliga a sentir. Vivimos en un mundo lleno de distracciones: el celular, las redes, el trabajo, los hijos… pocas veces nos detenemos a preguntarnos qué sentimos.

"Las películas te ayudan a tocar esos botones que muchas veces no sabemos que están ahí. A veces necesitamos llorar, sacar, confrontar emociones. La ficción tiene ese poder. Te enfrenta a lo que no quieres mirar, pero también te ayuda a sanar”.

A más de tres décadas de carrera, Ludwika Paleta parece haber encontrado un punto de equilibrio entre lo personal y lo profesional. “Esta película me recordó por qué amo actuar. Porque actuar no es sólo interpretar, es vivir otras vidas, descubrirte en cada personaje. Después fue un viaje hacia adentro. Me hizo mirar partes de mí que tenía guardadas. Me hizo recordar cosas, entender otras. Fue sanador”. Y entre risas, la actriz deja una última reflexión: “A veces el arte duele, pero también te abraza. Y esta película fue eso: un abrazo a mi pasado, a mi maternidad y a mi propio corazón”.

FORJANDO SU PROPIO

CAMINO: EL

MOMENTO

DE NICOLÁS HAZA

Le actor comparte pantalla con su madre Ludwika Paleta en “Después”, un filme sobre el duelo y la conexión familiar, donde el actor confirma su determinación por labrar una trayectoria propia.

El joven actor reflexiona sobre su papel en Después, la nueva película de Sofía Gómez Córdova, donde comparte créditos con su madre, la actriz Ludwika Paleta.

Con un tono íntimo y profundamente humano, Después, retrata la historia de Carmen (Ludwika Paleta), una mujer que enfrenta la repentina muerte de su hijo Jorge (Nicolás Haza). A partir de esa pérdida, el filme explora el duelo, la maternidad y los silencios que habitan en las relaciones familiares. En entrevista con la Revista Cameo, Nicolás Haza recuerda cómo llegó al proyecto y las dudas que surgieron al inicio:

“Mi mamá fue quien me habló primero de Después. Al principio tuve miedo de que me dieran el papel

solo por ser su hijo, por el parecido o por el vínculo familiar. No quería que eso fuera el motivo. Cuando conocí a Sofía, me dio mucha tranquilidad sentir su energía, su honestidad. Me dijo que si era para mí, lo haría, y si no, buscaría a alguien más. Eso me hizo confiar”, comparte.

CREA SU PROPIA TRAYECTORIA

El actor, que se abre paso con pasos firmes en la industria, es consciente de los prejuicios que enfrentan quienes provienen de familias dedicadas al medio artístico.

“Existe esta etiqueta de ‘nepo baby’, y entiendo el prejuicio. Hay quienes nos han dado mala fama, pero al final, el que tiene que demostrar su talento soy yo. Lo que me deja tranquilo es saber que lo que he conseguido, lo he trabajado”, señala.

Sobre la experiencia de trabajar junto a su madre, Nicolás asegura que lo vivió con naturalidad y madurez. “Fue un rodaje muy bonito. No quisimos explotar nuestra relación. Hicimos el proyecto porque nos conmovía la historia y queríamos contarla juntos. Pero nunca lo haríamos solo por vender una imagen o aprovechar un lazo familiar”, afirma.

En Después, el personaje de Jorge encarna la búsqueda de sentido y la intensidad de quien quiere sentirse vivo a toda costa. “Yo creo que Jorge no quería morir; quería vivir. Es alguien que busca adrenalina, que se empuja al límite, y quizá un día se le fue la mano. Hay muchas personas así, que viven con esa pulsión. Y

eso lo hace profundamente humano”, reflexiona el actor.

Más allá del tema de la pérdida, Nicolás destaca el valor que el filme da a la salud mental: “Es importante hablar de eso. En la actuación, uno siente y vive cosas muy fuertes; el cuerpo no distingue entre lo real y lo interpretado. Por eso hay que conocerse bien, tener herramientas emocionales y cuidar la mente”.

Con Después, Nicolás Haza confirma que su camino en el cine no depende de herencias, sino de convicciones. “Lo que quiero construir es una carrera con propósito, con proyectos que me hagan crecer y que valgan la pena. Este fue uno de ellos”, concluye.

Texto y foto Carlos Mora

DOLORES FONZI

“BELÉN: UN TRIBUTO A LA LUCHA FEMENINA"

Un drama argentino inspirado en un caso real rinde homenaje al movimiento de mujeres y reflexiona sobre justicia, empatía y cambio social.

Texto y fotos Carlos Mora

La actriz y directora argentina Dolores Fonzi presentó su nueva película Belén , un drama basado en el libro Somos Belén (2019) de Ana Correa. El film relata la historia de una abogada que defiende a una joven encarcelada tras sufrir un aborto espontáneo. Con un elenco encabezado por Camila Pláate, Laura Paredes y Julieta Cardinali, la película aborda uno de los casos más emblemáticos de la lucha por los derechos reproductivos en Argentina. Durante la entrevista, Fonzi reflexionó sobre cómo nació la idea de llevar esta historia al cine. “Cuando conocí el caso de Belén, me impactó

profundamente. Era imposible no sentir que algo de nuestra humanidad estaba siendo puesto a prueba. Quise entender cómo una situación tan injusta podía transformarse en un relato cinematográfico que también sirviera para reflexionar”, contó la directora.

Para Fonzi, el desafío fue encontrar el equilibrio entre el realismo del caso y el lenguaje poético del cine: “Se trata de un hecho real, y eso te obliga a trabajar con una ética muy precisa. No quería caer en el morbo ni en la victimización, sino mostrar la dignidad, la fuerza y la humanidad de Belén y de todas las mujeres que la acompañaron”.

La cineasta señaló que Belén no busca ser una película triunfalista, sino una celebración del movimiento colectivo. “La película termina con una sensación de esperanza, pero también con la conciencia de que las injusticias continúan. Desde 2016 hasta hoy, todavía hay mujeres criminalizadas por emergencias obstétricas. Belén es, en parte, una denuncia, pero también un tributo a las que salieron a las calles y lograron cambiar la ley”, explicó.

Fonzi destacó el valor del trabajo colectivo que dio vida al proyecto: “Esta película fue posible gracias al trabajo de muchas mujeres. En un momento histórico donde se intenta dividirnos, nuestra unión fue un acto político. El feminismo no es el contrario del machismo, como algunos creen; es un movimiento humanista que busca igualdad y empatía”.

La directora también reflexionó sobre la etiqueta de “cine femenino”: “A veces me preguntan si Belén tiene contenido femenino. Me parece una pregunta absurda. El cine no tiene género: cuenta historias humanas. Si emociona, si interpela, si transforma, entonces ya está cumpliendo su función”.

Fonzi aseguró que lo más valioso de este proceso fue el diálogo que la película generó con el público: “Cuando alguien me dice que después de verla entendió algo que

antes no comprendía, eso ya es una victoria. El cine no hace milagros, pero puede cambiar una mirada, y con eso ya se cambia una parte de la realidad”.

Con Belén, Dolores Fonzi consolida su camino como una de las voces más comprometidas y sensibles del nuevo cine argentino. Su película no solo revisita un caso emblemático de injusticia, sino que también reafirma el poder del arte para acompañar las transformaciones sociales.

“Ojalá Belén sirva para recordarnos que cualquiera de nosotros puede hacer algo por alguien y cambiar una vida. Eso, para mí, ya es revolución”, concluyó Fonzi.

BELÉN DÓNDE VER: Prime Video

En su primer largometraje, Soy lo que nunca fui, el director y guionista Rodrigo Álvarez construye un retrato profundamente humano sobre la vida en la frontera. La película, protagonizada por Ángeles Cruz, Andrés Delgado, César Kancino, Ari López, Sara Juárez, Héctor Guerrero, Giancarlo Ruiz y Rubén Pablos, se adentra en las emociones, los conflictos y los lazos que mantienen unida —y a veces desgarran— a una familia que busca su lugar en el mundo desde Tijuana.

El filme, narra la historia de una madre y sus dos hijos, atrapados en un entramado de decisiones que marcan su destino. Cada uno de ellos carga con su historia y sus propias heridas, y al tomar decisiones personales, afectan inevitablemente a los demás. “Es una familia desgarrada por las emociones”, explica Álvarez Flores. “Cada elección cobra un precio en la vida de los otros, y eso era lo que quería retratar: la fragilidad de los lazos que nos unen y las consecuencias de nuestras decisiones”.

Para el cineasta, la película nace de una inquietud íntima. “Es una historia que surge desde lo personal. Me mudé muchas veces siguiendo a mi familia, y terminamos en Tijuana. Ahí descubrí el cine y comprendí que esa ciudad, tan distinta y contradictoria, era también una metáfora de la búsqueda de pertenencia.

SOY LO QUE NUNCA FUI

Distribuidora: Benuca films

LA FRONTERA COMO ESPEJO DEL ALMA EN SOYLOQUENUNCAFUI

La ópera prima de Rodrigo Álvarez, filmada en Tijuana y protagonizada por Ángeles Cruz, la película propone un retrato honesto y empático sobre las heridas, la libertad y la búsqueda de identidad en un país de múltiples miradas.

Por Carlos Mora

Siempre me interesó hablar de la soledad, del desarraigo y de cómo intentamos encontrar un lugar donde sentirnos parte de algo”.

En Soy lo que nunca fui, Tijuana no es solo un escenario, sino un personaje en sí misma. Su presencia atraviesa la película, aportando texturas, colores y atmósferas que reflejan la complejidad de sus habitantes. “La ciudad juega un papel invisible, pero esencial”, comenta el director. “Yo no quería retratarla como lo han hecho tantas veces, con esa mirada sepia o de frontera violenta.

"Tijuana tiene una crudeza, sí, pero también

una calidez. Sus barrios, sus pasajes, los colores desfasados, los atardeceres morados y naranjas… todo eso le da vida. Trabajamos con el fotógrafo Alejandro para estudiar esa textura visual que combinara dureza y ternura”.

Esa misma dualidad atraviesa a los personajes. Ninguno es del todo víctima ni victimario. “No quería hacer cine de víctimas”, aclara. “Todos mis personajes toman decisiones, y esas decisiones tienen consecuencias. No los justifico, pero sí busco que el espectador entienda de dónde vienen, que conozca su historia antes de juzgarlo”.

VIOLENCIA EMOCIONAL Y EMPATÍA

Aunque la cinta aborda temas de violencia, el director decidió alejarse de lo gráfico y apostar por una violencia más sutil, emocional. “No quería mostrar golpes ni sangre, sino las heridas que no se ven. La violencia de las palabras, del silencio, del abandono. Quise que el espectador completara las escenas con su imaginación. La construcción sonora fue clave para eso: que la audiencia sintiera, más que viera, lo que estaba pasando”. Esa aproximación busca generar empatía. “Me interesaba que el público pudie-

ra ponerse en los zapatos de los personajes. Que comprendiera a la madre, a los hijos, a todos. No hay buenos ni malos; hay seres humanos que toman decisiones desde su dolor”, afirma.

UN CINE DESCENTRALIZADO

Más allá de su historia familiar, el filme también es una declaración sobre la necesidad de descentralizar el cine. “México es un país enorme, diverso y complejo. No todo ocurre en la Ciudad de México. Escuchar voces de otros lugares es fundamental para entendernos como nación. Cada región tiene su propio lenguaje, su ritmo, su manera de mirar la vida”.

La película busca que el espectador salga con más preguntas que respuestas. “No busco dar soluciones, sino abrir un diálogo. Que la gente piense en sus propias decisiones, en su familia, en las veces que también esperaron demasiado o en los momentos en que se atrevieron a romper con todo. Al final, todos somos lo que nunca fuimos, o lo que aún estamos intentando ser”.

Con esta primera obra, el realizardor se suma a una generación de directores que apuestan por un cine emocional, íntimo y honesto, donde las fronteras son solo el punto de partida para entender quiénes somos.

AMÉRICA FERRERA EL ROSTRO DEL HEROÍSMO COTIDIANO

La actriz protagoniza "A través del fuego", una historia real sobre el heroísmo cotidiano y la empatía en medio de un devastador incendio en California.

Por Alejandra Lomelí

América Ferrera no podía tener, en este momento, un proyecto más cercano a su vida que A través del fuego (The Lost Bus). Nacida y criada en Los Ángeles, California, la actriz sabe lo que es vivir en una zona propensa a los incendios forestales. Pero también conoce el heroísmo cotidiano: esos pequeños actos que marcan grandes diferencias.

“Crecí viendo héroes cotidianos en mi vida. Mi propia madre tenía que trabajar día y noche para que en nuestra casa hubiera luz, agua caliente y comida en la mesa. En mi vida, lo que parecía imposible se volvió posible gracias a una maestra, o al padre de un amigo que vio una necesidad y la atendió, o que me dio ánimos justo cuando los necesitaba. Todos los héroes que he conocido

han sido personas comunes haciendo cosas cotidianas para crear posibilidades en mi vida”, compartió la actriz en entrevista para la Revista Cameo.

Dirigida por Paul Greengrass, A través del fuego relata una increíble historia real ocurrida durante uno de los incendios forestales más mortíferos en la historia de Estados Unidos.

Mientras la ciudad de Paradise, al norte de California, era arrasada por las llamas, Kevin McKay (Matthew McConaughey), conductor de un autobús escolar, y Mary Ludwig (América Ferrera), maestra de primaria, lucharon por salvar a 22 niños del desastre a bordo de un autobús.

“Creo que una de las cosas más bellas de la película es la manera en que muestra cuánto nos necesitamos unos a otros; que podemos cuidar y amar a

los hijos de otras personas tanto como a los nuestros. Cuando todo se derrumba, no vas a preguntarle a tu vecino por quién votó, solo vas a esperar que encuentre su humanidad y te ayude, que nos ayudemos entre todos”.

La película exalta ese heroísmo cotidiano que Ferrera ha presenciado a lo largo de su vida.

“La realidad es que todos somos socorristas (first responders), todos vamos a tener que convertirnos en uno en algún momento; de eso trata esta película. Mary y Kevin no se despertaron esa mañana buscando la forma de convertirse en héroes.

Gran parte del viaje de Mary es que ella, simplemente, está esperando que

los protocolos funcionen, y gran parte de la historia es ver cómo Mary y Kevin se dan cuenta de que solo se tienen el uno al otro”.

Aunque en su sólida carrera Ferrera ha interpretado personajes de profunda resonancia social, Mary le supuso un nuevo reto.

“Acepté el proyecto sabiendo y siendo muy consciente de que tenía dos trabajos por hacer: por un lado, debía cumplir con todo lo que requería la película en términos de acción y, al mismo tiempo, mantener vivo el conflicto interno y el viaje emocional de Mary. Eso fue un nuevo desafío para mí”.

Tanto su personaje como el de McConaughey representan una oportunidad de reconectar emocionalmente con el otro, resaltando el carácter inspirador de la película.

“Cuando leí el guion de A través del fuego me pareció tan conmovedor y tan hermoso que Mary y Kevin tomaran las decisiones que tomaron: responder al llamado y cuidar de los

niños que tenían frente a ellos, en lugar de correr a rescatar a los suyos —lo cual sería totalmente comprensible—. Pero ellos eligieron quedarse, hacer lo que la situación les pedía en ese momento. Eso, para mí, es profundamente inspirador, un recordatorio muy poderoso de lo que somos capaces de hacer”. El estreno de A través del fuego no podría llegar en un momento más oportuno, tras un inicio de año marcado por los incendios forestales que nuevamente azotaron California.

“Fue impactante, pero no sorprendente, entendiendo que estos no son desastres aislados; cada vez están más presentes en nuestra realidad. Pero, para mí, eso solo subrayó el poder de la película y por qué es una historia que merece ser experimentada y sentida. Es muy importante para nuestro tiempo, y no puedo imaginar un futuro cercano en el que deje de serlo; al contrario, será cada vez más relevante”, concluyó la actriz.

Guillermo del Toro no tomó ninguna decisión a la ligera en Frankenstein, así lo confesó el director durante la conferencia de prensa internacional a la que tuvo acceso la Revista Cameo, donde conversó del que quizá sea su proyecto más anhelado: adaptar la novela homónima escrita por Mary Shelley, una de las figuras emblemáticas del romanticismo gótico.

El nuevo filme del tapatío es pura emoción que alimenta una historia de ecos filosóficos sobre un hombre que juega a ser Dios, proyectando un reflejo deformado que lleva a cuestionar la humanidad y la monstruosidad del ser humano y una atípica relación padre-hijo.

El director mexicano reimagina el clásico como una historia de empatía, perdón y emoción, donde la criatura encarna lo más profundo de la condición humana.

Por Alejandra Lomelí

el tiempo, se volvió una historia sobre el perdón y la aceptación”, dijo.

LA RELACÍON

PADRE E HIJO

Aunque Frankenstein o el moderno Prometeo ha tenido numerosas adaptaciones tanto en cine como en televisón, Del Toro quería rescatar las reflexiones presentes en la narrativa de Shelley que se han obviado en otros trabajos, temas profundos tales como la inhumanidad del mundo, el hombre rebelándose ante Dios, pero, principalmente, el perdón y la aceptación.

“Creo que esta película es un acto de amor total, un acto de amor que ha tomado décadas en hacerse, al menos sé que es sincero, y sé que ha requerido un esfuerzo enorme de gente muy talentosa. Así que, nada en este filme es una decisión tomada a la ligera, como lo he dicho antes, adaptar un libro es como casarse con una viuda: tienes que respetar al difunto esposo”, expresó.

“Descubrí la película, o más bien, estuve expuesto a la obra maestra de Boris Karloff y James Whale cuando tenía siete años y tuvo un profundo efecto religioso en mí; fui criado como católico, pero allí encontré mi verdadera religión. Entendí en Karloff lo que significaba ser mártir y mesías, pensaba que él era yo. Luego leí el libro a los once años, me di cuenta de que la película no era el libro en absoluto y que había mucho que explorar a partir de allí: la humanidad de la criatura, la inhumanidad del mundo; los románticos creían que el verdadero enemigo era la vida misma.

"Creo que ese sentimiento resonó en mí. Quería escribir la película inspirada en mi relación con mi padre, luego, con

La experiencia de la paternidad fue clave en el proceso de escritura del director mexicano para encontrar una nueva perspectiva y, al mismo tiempo, respetar el espíritu de la novela clásica:

“Había intentado escribir una adaptación antes, pero me tomó tres años y medio darle forma definitiva. Desde que empecé a hablar con Oscar [Isaac], supe que quería escribirla para él. El mayor reto fue decidir la estructura: no quería repetir los mismos eventos desde distintos ángulos. Entonces entendí lo que quería contar era lo que sucede cuando te conviertes en padre: cuando tus hijos salen al mundo, regresan con sus propias historias y tú te das cuenta de cuánto de eso tiene raíces en ti o cuánto no. Ese descubrimiento fue lo que finalmente resolvió la película”, explicó.

EL ALMA HUMANA EN LA MIRADA DE

GUILLERMO DEL TORO

FRANKENSTEIN

OSCAR ISAAC

El actor da vida al doctor Víctor Frankenstein, explicó que nunca abordó al personaje desde el juicio moral:

“Nunca juzgué a Víctor, y creo que la película tampoco lo hace. Es solo la ceguera ante lo que está reaccionando. Su reconocimiento de la Criatura como su hijo y, al mismo tiempo, como alguien separado de él, me pareció profundamente conmovedor. Pero la crueldad hacia su creación, hacia su propio hijo, no tenía igual. Y el hecho de que ese ser —que también puede verse como su niño interior revivido— tenga que perseguirlo para decirle ‘te perdono’ fue algo muy poderoso”, dijo.

DANDO VIDA A UN NUEVO SER HUMANO

Otro elemento que distingue el Frankenstein de Del Toro es su particular concepción de la Criatura al que da vida Jacob Elordi; mientras que Víctor Frankenstein, en manos de Isaac, se entiende más como un artista que como un científico loco.

“Este hombre [Víctor] ha estado soñando con esa creación durante décadas. Primero la presenta con un medio cuerpo, luego con las figuras de cera en su estudio y, finalmente, la Criatura. De esta forma, te das cuenta que es alguien con una sensibilidad estética”, explicó el cineasta.

Del Toro detalló que la intención era que las características físicas dieran la idea del nacimiento de un nuevo ser humano con alma y no tanto de una criatura remendada:

“Nos inspiramos en la frenología del siglo XIX para diseñar la cabeza y concebimos el cuerpo como una escultura sagrada, un ser nuevo más que una criatura reparada. Queríamos mostrar su evolución: de un alma recién nacida a un ser pensante que actúa por

JACOB ELORDI

El joven actor quien da vida a la Criatura confesó que prepararse para el papel fue un proceso físico y espiritual inusual:

“Cuando leí el guion pensé mucho en lo que significa estar hecho de partes: una pierna de alguien, una parte del cerebro de otro… Guillermo me sugirió estudiar Butoh, una danza japonesa que explora la reanimación del cuerpo. Fue una manera muy útil de entrar en mi cuerpo. También observé bebés, a mi perro, y pasé horas frente al espejo”, mencionó.

voluntad propia. Cada detalle del diseño cuenta su historia; nada está hecho solo para impresionar, todo tiene un propósito narrativo”, explicó.

SIN TEMOR

A LA EMOCIÓN

Siempre fiel a su espíritu emotivo, Guillermo confesó: “Me pregunto qué pensaría Mary Shelley. De hecho, cambiaría toda mi carrera por una tarde con ella tomando el té”. También señaló que la personalidad de la escritora está presente a través del personaje de Elizabeth, interpretado por Mia Goth: “Creo que es el personaje más inteligente de la película, comprende más que nadie. Algunas personas saben más acerca de una cosa o de otra, pero no lo comprenden y ella aporta esa energía, comprende al otro, que es de lo que realmente trata la película: el otro eres tú. Así que, para mí, Shelley está fundida ahí”

Prefiriendo exaltar el mensaje humanista de la novela antes que dar su opinión sobre la manera en que la novela resuena en un contexto tan complejo como el actual, para el di-

rector, cada espectador es quien sacará sus lecturas:

“Si le das un solo significado, se convierte en matemáticas o en química. Creo que los símbolos son alquímicos, dependen de quién los lea, así que seré muy cauteloso con eso. Para mí, lo que la película intenta expresar es la humanidad”.

El director expresó su deseo de que el público encuentre en su Frankenstein la oportunidad de reconectar con sus emociones:

“Solo espero que los sabores sean claros, la fuerza evidente, la mexicanidad, o la latinidad. Una de las películas más importantes para mí fue La oveja negra con Pedro Infante, que es una historia sobre un padre y un hijo, y la secuela, No desearás a la mujer de tu hijo.

"El melodrama en Frankenstein tenía que tener esa intensidad. Mucha gente le teme a la emoción, les parece cursi. A mí no. Creo que ser emocional es el nuevo punk, es la nueva anarquía, tenemos que rebelarnos y decir, ‘con toda tu ironía y tu sabiduría, con toda tu frialdad y certeza, yo te ofrezco esto: emoción”.

FRANKENSTEIN DE GUILLERMO DEL TORO COBRA VIDA EN LA CIUDAD DE MÉXICO

EL GANADOR DEL OSCAR, Guillermo del Toro, regresó a la capital mexicana para presentar al nuevo integrante de su familia de monstruos. La celebración de Frankenstein, realizada en el Colegio de San Ildefonso, reunió a cientos de fanáticos del cineasta y contó con la presencia de los protagonistas de la cinta,

Oscar Isaac y Jacob Elordi, en una jornada marcada por la emoción, el furor y la admiración. El antiguo recinto dedicado al arte, la ciencia y el pensamiento, San Ildefonso, fue el escenario perfecto para dar vida a una historia que reflexiona sobre la creación, la soledad y el

anhelo de ser comprendido. Por la alfombra roja desfilaron las principales almas detrás de este relato gótico, así como diversas figuras del talento nacional. Con su característico carisma, Del Toro se acercó a convivir con decenas de admiradores, en un encuentro colmado de afecto y entusiasmo.

Por Carlos Mora

“Es una película que me ha dado mucha satisfacción, porque es la primera vez que filmo en la Ciudad de México, y trabajar con un reparto absolutamente extraordinario me hizo la vida muy sencilla”, expresó Rodrigo García con una sonrisa, minutos antes de la proyección de su nueva película, Las locuras.

El filme —conformado por seis relatos de mujeres entrelazados— retrata en procesos de autodescubrimiento marcados por el encierro, la autocensura y la presión social. “Siempre me ha interesado observar cómo las personas se comportan cuando sus emociones llegan al límite”, explicó. “En este caso, las protagonistas se enfrentan a decisiones que podrían parecer pequeñas, pero que en realidad definen su libertad”.

García confesó que la idea nació de su fascinación por las historias cortas: “Desde niño me gustaban los libros de cuentos. Hay algo en ese formato que me permite entrar de lleno a un conflicto y explorarlo con intensidad. Siempre me ha parecido más honesto que estirarlo hasta convertirlo en algo que pierda su fuerza”.

Aunque el formato de antología siempre conlleva un riesgo, el director lo asume con entusiasmo. “Cuando haces una película con varias historias, sabes que el público va a tener favoritas. Pero si no hay consenso sobre cuál es la mejor, quiere decir que todas funcionaron. Ese es el verdadero reto”.

Una de las historias surgió de una vivencia cercana. “Un

amigo atravesó una crisis mental muy fuerte; no sabía lo que le estaba pasando. Esa experiencia me conmovió profundamente, me hizo pensar en cómo las emociones extremas pueden alterar la percepción de la realidad. Esa fue una de las semillas de Las locuras”.

Rodrigo García también habló de su interés por los personajes femeninos, un sello distintivo en su filmografía. “Me interesa escribir mujeres porque es mi forma de hablar de emociones sin sentir que tengo que justificarme. Es un mundo que me resulta más honesto, más impredecible y, a veces, más generoso. Siempre me han fascinado las conversaciones entre mujeres, las cosas que se dicen y las que no”.

El reparto, integrado por actrices de distintas generaciones, fue clave en el tono íntimo del filme. “Cuando tienes un grupo como este, todo se vuelve más fácil. Cada una aporta una energía distinta, y eso se nota. Algunas ya habían trabajado conmigo antes, y eso creó una confianza inmediata”.

"LASLOCURAS ES UNA CELEBRACIÓN DEL CAOS EMOCIONAL": RODRIGO GARCÍA

El director vuelve a su territorio favorito: las emociones humanas en sus momentos más vulnerables. Seis mujeres en la Ciudad de México enfrentan sus deseos, miedos y contradicciones durante un día lluvioso que las une sin que lo sepan.

Sobre el tono emocional, García fue enfático: “No quería hacer una película que dictara un mensaje o una moraleja. Quería mostrar a los personajes en sus contradicciones, en sus dilemas, en su humanidad más pura. A veces, en el cine se busca resolverlo todo; yo prefiero dejar preguntas abiertas”.

Y concluyó con una reflexión que resume su mirada artística: “El cine, para mí, no es sobre respuestas. Es sobre la posibilidad de mirar de cerca lo que normalmente evitamos. Las locuras es eso: una celebración del caos emocional, del deseo, del error y de la libertad que se esconde en nuestras contradicciones”.

HOLLYWOODGATE: EL DOCUMENTAL QUE DESARMA LA GUERRA

Armado tan solo con su cámara y acompañado de un intérprete afgano, el director egipcio Ibrahim Nash’at se aventuró a registrar el retorno de los talibanes al poder tras la retirada del ejército estadounidense de Afganistán en 2021. El resultado es Hollywoodgate, un documental que también sirve para abordar una lectura expansiva sobre la responsabilidad del género documental e incluso sus limitaciones.

Siguiendo a talibanes de alto rango, el largometraje se enfoca en el jefe de las fuerzas aéreas afganas Malawi Mansour y el teniente MJ Mukhtar,

Por Alejandra Lomelí

cuyo grupo miliar tomó posesión de las instalaciones abandonas de la CIA conocidas como Hollywood Gate. A cambio de registrar la transición de una milicia insurgente a un régimen militar, Nash’at tuvo que estar de acuerdo en que el documental mostraría la imagen que ellos querían que el mundo viera de los talibanes, además estuvo bajo vigilancia extrema para asegurar que se cumpliera el acuerdo.

A través de una narración en primera persona, que a veces se siente como una bitácora periodística derivada de la formación como corresponsal de Nash’at, el largometraje muestra escenas

cotidianas de los militares, sesiones de adiestramiento y hasta los diversos recorridos que hacen por la antigua base para ocuparla y hacerse con los insumos, instrumentos y equipo abandonado (principalmente aéreo). Son estas secuencias las que arrojan la reflexión más cruda sobre la manera en la que los talibanes han encontrado en el equipamiento militar norteamericano la fuerza armada que les ha servido para dominar el territorio y fortalecer su régimen. Debido a la naturaleza condicionada de su filmación,

HOLLYWOODGATE: Distribuidora: Artegios

Hollywoodgate entrega una mirada limitada de un régimen extremadamente fundamentalista, sin embargo, las conversaciones que han quedado incluidas revelan la ideología de este grupo: desde las medidas restrictivas que deben seguir las mujeres, el deseo de exterminar a quienes los invaden y hasta el férreo control social. Al final, el documental teje una lectura elocuente sobre la dominación y aquello que el propio Ibrahim Nash’at denominó como “el poder obsceno de quienes rinden culto a la guerra”.

Por Carlos Aguillón

Con una sonrisa y los ojos brillando de ilusión, la actriz española Nahia Bergasa comparte su emoción por participar por primera vez en el Mórbido Film Fest, donde presentó El convento, una película de terror dirigida por Luis Galindo y Ángel M. Chivite, inspirada en hechos reales ocurridos a mediados del siglo XVIII en Navarra, España.

Para la actriz, el filme representa su debut cinematográfico y su primer protagónico, una experiencia que dice es “un regalo”.

“Estoy feliz. Esta oportunidad ha sido algo increíble. Cuando me llamaron para darme la noticia de que vendría a México a presentar la cinta, grité de emoción. Llegamos un día antes de la premier mundial y esta experiencia ha sido maravillosa”, comparte entusiasmada en entrevista con Revista Cameo.

En El convento, Nahia interpreta a Ana María, una joven que, junto a otra postulante, vive sucesos perturbadores tras ingresar a un convento bajo la tutela de la madre superiora Sor Águeda (interpretada por Ana Álvarez).

“Lo más complejo fue grabar ciertas escenas del final, que son bastante potentes y se rodaron en muy poco tiempo. Teníamos un calendario reducido, así que todo iba muy rápido. Fue un reto asimilar un personaje tan fuerte y hacerlo de la forma más realista posible, sin forzar las escenas ni el guion, que era muy intenso al final. Me concentré mucho para

entrar en esa situación mental y física que el papel requería”, explica.

El convento marca su debut en el largometraje.

“Es mi primera película en general. Yo también me estreno aquí. Antes había hecho muchos cortos, videoclips y algunos anuncios. Participé en la serie Valeria de Netflix y rodé con los mismos directores el cortometraje La víctima, que ha sido premiado internacionalmente”, cuenta.

En un entorno donde la competencia es feroz, Nahia mantiene los pies en la tierra y la mirada puesta en el futuro.

“Ojalá que después de iniciar aquí, en este festival, se abran más puertas; que la película se haga más conocida y que más plataformas o festivales se interesen por ella. Sería increíble seguir por este camino, porque es mi sueño. Yo voy a seguir luchando”, asegura.

NAHIA BERGASA LA REVELACIÓN ESPAÑOLA QUE NACIÓ DEL TERROR

La actriz debuta con su primer protagónico en “El convento”, película de terror presentada en el marco del Mórbido Film Fest; sueña con hacer carrera intern acional y hacer cine en México.

Confía en que su paso por México sea el comienzo de una nueva etapa.

“Estoy abierta a todo. Ojalá pueda volver a este país. Me encantaría hacer cine aquí y también en otros lugares. Mi sueño es tener una carrera internacional.”

Sobre la situación actual de los actores en España, Nahia no duda en señalar los retos que enfrenta su generación:

“Está muy difícil ahora mismo. Se está rodando mucho, pero también hay mucha competencia. Abrirte camino y que te conozcan por quién eres es complicado, pero a mí me encanta; es mi pasión.”

“Ojalá poder vivir de ser actriz. Yo voy a seguir intentándolo”, concluye .

Carla (Karla Coronado) se gana la vida como YouTuber, subiendo videos acerca de fantasmas, casas embrujadas y similares. Un día, se muda a un departamento ubicado en un edificio derruido con un historial negro tras de sí, el cual incluye varios accidentes terribles y decesos escalofriantes; y se habla de que en ese recinto tienen lugar fenómenos extraños y apariciones espectrales. Su decisión obedece a la urgencia de registrar en video dichos fenómenos, y con ello aumentar la cantidad de visitas a su sitio para obtener así una jugosa recompensa.

Apoyada por Sam (Julia Maqueo), otra YouTuber y su mejor amiga; deciden valerse de algunos rituales para convocar presencias paranormales, y así grabar videos más atractivos para subirlos a su canal. Y lo consiguen, al registrar algunos eventos en apariencia inexplicables. Pero Carla descubre en algunos de esos videos la imagen de una figura extraña

NO ME SIGAS Distribuidora: Cinépolis Distribución

NOMESIGAS: DE LO EFICAZ AL MERO EFECTISMO

Por Francisco Javier Quintanar Polanco y de aspecto espeluznante.

Gradualmente, las cosas comienzan a tornarse más siniestras, y pronto su estabilidad emocional y mental - así como su integridad física - se verán amenazadas por “algo” que se encuentra allí, al acecho.

No me sigas es el largometraje debut de los hermanos Ximena y Eduardo Lecuona. Un debut que, además, viene con un importante respaldo tras de sí: el de la casa productora Blumhouse, creadora de franquicias como Actividad Paranormal, La Purga, La Noche del Demonio, y recientemente Teléfono Negro. Y quienes ahora, por vez primera, producen un filme dirigido, rodado y estelarizado por talento mexicano.

En su primera mitad, el filme permite apreciar a un par de realizadores quienes saben utilizar de manera efectiva y controlada los recursos propios del género: la creación de atmósferas tétricas, el manejo de los jumpscares, etcétera. Pero también demuestran su eficacia narrativa, enganchando al espectador a la trama transcurridos los primeros minutos, y logrando que no pueda soltarla hasta el final. Adicionalmente se aventuran a plantear un par de cuestionamientos en torno a la búsqueda de la popularidad por medio de las redes sociales y cómo algunas personas están dispuestas a hacer cualquier cosa por alcanzarla.

Pero cuando se aproxima su desenlace, lo edificado por los

directores comienza a desmoronarse, y la revelación final hace que todo se venga abajo. Ese giro de tuerca no sólo emula (y mal) a los finales más truculentos del peor M. Night Shyamalan, sino que se encuentra con serias dificultades no sólo para encajar del todo con la premisa (y las posibilidades) planteadas por el propio argumento, sino incluso contradice a este último en varios puntos, restándole sentido a elementos claves en el mismo, y la cinta termina por percibirse como un trabajo meramente efectista y tramposo.

La gran pregunta que queda en el aire es: ese desenlace forzado el cual lo estropea todo, ¿fue resultado de un guión falto de pericia para resolver sus propios planteamientos de la mejor manera posible? u ¿obedeció a una decisión ejecutiva proveniente de la casa productora quien respaldó el proyecto? La única forma de saberlo será esperar a cuando la dupla creativa lance una nueva obra -ojalá no en un futuro lejano-, donde ratifique las cualidades mostradas aquí.

En 2003 se estrena la estrambótica comedia de ciencia-ficción Jigureul Jikyeora!, conocida internacionalmente como Save The Green Planet! Dirigida por el surcoreano Jang Joon-hwan, su trama versa sobre un par de peculiares personajes quienes secuestran a un importante ejecutivo de la industria farmacéutica, al creer que en realidad se trata de un extraterrestre proveniente de Andrómeda PK 45, y forma parte de una avanzada invasora la cual está por atacar la tierra. 22 años después, el cineasta griego Yorgos Lanthimos (Pobres criaturas, La favorita, Tipos de gentileza) retoma esa historia en Bugonia (Estados Unidos-Corea del Sur-Irlanda), donde vuelve a hacer mancuerna creativa con la actriz Emma Stone, quien también funge como productora al lado del propio Lanthimos y del realizador Ari Aster (Eddington, El legado del diablo, Beau tiene miedo).

Con un argumento de Will Tracy (guionista de la película El Menú, de la serie Sucesión y de la miniserie El régimen), el relato es trasladado a los

BUGONIA CONSPIRANOIA, COMEDIA Y COMENTARIO SOCIAL

EN UN MISMO LUGAR

Por Francisco Javier Quintanar Polanco

Estados Unidos del tiempo

actual, en donde Teddy Gatz (Jesse Plemons), un apicultor obseso de las teorías de la conspiración, quien vive con Don (Aidan Delbis), su primo aquejado por una discapacidad intelectual; convence a este último de ayudarle a secuestrar a Michelle Fuller (Stone), la opulenta, poderosa y un tanto vigorexica presidenta ejecutiva de una gran corporación farmacéutica, al estar convencido que ella pertenece a una raza alienígena la cual busca destruir nuestro planeta.

A partir de esta premisa, el director traslada el plot original de Jang Joon-hwan a su propio universo personal, y en él de-

sarrolla un peculiar thriller con pinceladas de comedia, el cual tiene lugar en espacios claustrofóbicos; ostenta un aura de oscuridad perpetua; incluye varios momentos de tensión y violencia y otros de pura mala leche; y se alimenta tanto de las teorías conspirativas que involucran a extraterrestres, como de la problemática del calentamiento global y la sistemática destrucción de nuestro mundo (y de la humanidad misma) por parte de inescrupulosas megacorporaciones. En ese universo, los personajes interpretados de forma estupenda por Stone y Plemons se confrontan, sostienen duelos de poder, y tratan de imponer

su propia versión de la verdad, manteniendo al espectador en vilo por poco menos de dos horas, y preguntándose si los captores tienen la razón o si todo es producto de los delirios paranoides de Teddy quien -como el filme revela-, busca también vengarse de Michelle y su farmacéutica, por haber propiciado el deterioro de salud de su madre (Alicia Silverstone).

A diferencia de sus últimos trabajos (especialmente de Tipos de gentileza) Bugonia resulta mucho menos críptica e incluso más accesible para aquel público el cual no conozca la obra previa de Yorgos Lanthimos. Pero ello no significa que no conserve muchas de sus constantes estilísticas y temáticas: excesos y transgresiones, personajes bizarros y retorcidos cuya brújula moral cambia de dirección acorde a sus propias necesidades y, sobre todo, comentarios agudos sobre el statu quo de nuestra sociedad actual. Y en ese sentido (y quizás gracias a optar por una sencillez más desarmante) este largometraje ocupa un lugar entre lo más logrado del autor hasta la fecha.

Distribuidora: Universal

BUGONIA

La cinematografía japonesa vuelve a explorar su lado más inquietante con Dollhouse: Muñeca Maldita, la película escrita y dirigida por Shinobu Yaguchi, que redefine el mito de la muñeca poseída al combinar el horror con una profunda reflexión sobre el duelo, la maternidad y la culpa. En apariencia, la historia se inscribe dentro del subgénero de objetos malditos. Sin embargo, Yaguchi, conocido por su atención al detalle y su capacidad para retratar emociones contenidas, utiliza esa premisa como punto de partida para hablar del dolor que deja la pérdida y del deseo imposible de reparar lo que se ha roto.

La trama sigue a Yoshie (Masami Nagasawa) y Tadahiko (Kōji Seto), un matrimonio que pierde a su hija pequeña en un trágico accidente doméstico. Incapaz de superar la ausencia, Yoshie compra una muñeca antigua —una tradicional ichimatsu llamada Aya— a la que comienza a tratar como si fuera su hija. Con el paso del tiempo, la pareja tiene una nueva niña, Mai (Aoi Ikemura), y la muñeca queda olvidada en un rincón de la casa. Años después, cuando

DOLLHOUSE: MUÑECA MALDITA

EL MIEDO TIENE ROSTRO DE MUÑECA

Por Carlos Mora

la niña la descubre, empiezan a suceder eventos extraños que alteran la paz familiar. Lo que parecía un simple juego infantil se convierte en una presencia amenazante que revive las heridas del pasado.

Con una ambientación minimalista y un manejo del sonido preciso, Yaguchi logra construir una atmósfera de inquietud constante. La mayor parte del relato ocurre en plena luz del día, dentro de espacios domésticos que acentúan la cercanía de lo sobrenatural con la cotidianidad. Esa elección, característica del terror japonés contemporáneo, multiplica el impacto psicológico: el miedo se filtra sin aviso, como un recuerdo reprimido que vuelve para exigir atención.

DOLLHOUSE: MUÑECA MALDITA

Distribuidora: Cinetopia

La muñeca se aleja del arquetipo visual de las figuras demoníacas. Su apariencia es simple, tradicional y casi inocente, lo que refuerza la sensación de familiaridad perturbadora. No es un monstruo, sino un espejo: un recordatorio físico del pasado y del peso que el duelo puede adquirir cuando no se deja ir.

Las interpretaciones sostienen gran parte de la tensión narrativa. Masami Nagasawa ofrece una actuación contenida y dolorosa, capaz de transitar de la ternura a la desesperación. Su personaje encarna la figura de una madre dividida entre el amor y la culpa, entre la necesidad de conservar la memoria de su hija y el temor de que esa memoria cobre vida.

En el aspecto técnico, la cinta destaca por su fotografía sobria y su ritmo pausado, más cercano al drama psicológico que al terror de sobresaltos. Algunos críticos han señalado que el segundo acto se vuelve lento y que ciertos giros son previsibles, pero incluso esos tropiezos sirven al tono de una película que apuesta por el malestar emocional más que por el impacto inmediato.

Lejos de buscar el espectáculo, la película propone un retrato del miedo íntimo: el que nace del amor y la pérdida, el que convierte a los recuerdos en fantasmas.

En tiempos donde el cine de horror suele apoyarse en fórmulas repetidas, Dollhouse: Muñeca Maldita ofrece una alternativa: un relato que asusta por lo que revela de nosotros mismos. Una historia que, más allá del miedo, recuerda que los objetos también guardan memoria y que, a veces, el verdadero terror habita en no poder dejar de amar a los que ya no están.

DEPECHE MODE: M.

Distribuidora:

Trafalgar Releasing y Sony Music Vision.

En 2022, el universo del pop electrónico recibió un tremendo golpe con el prematuro fallecimiento de Andrew Fletcher, miembro fundador del afamado grupo Depeche Mode.

Fletcher participó en todos los discos de la agrupación. Y de hecho, desde 2020 estaba trabajando con ellos en el material de lo que a la postre se convertiría en su decimoquinto álbum, cuando la fatalidad le sorprendió unas semanas antes de entrar al estudio de grabación. Dicho material se editaría en 2023, bajo el apropiado título de Memento Mori.

Tras su lanzamiento, los miembros originales restantes (Martin Gore y Dave Gahan) se embarcaron en una gira mundial, la cual pasó por México en septiembre de ese año, realizando tres conciertos el 21, 23 y 25 de ese mes, convocando a un poco más de 200,000 personas. Tal acontecimiento fue la semilla que hizo germinar Depeche Mode: M, un nuevo

DEPECHE MODE: M. MÚSICA, MORTALIDAD Y MEMORIA

Por Francisco Javier Quintanar

Polanco

documental -el tercero- sobre la banda, recopilando imágenes de dichos conciertos.

Dirigido por Fernando Frías de la Parra (Ya no estoy aquí, No voy a pedirle a nadie que me crea, Rezeta), el largometraje destaca por diversas razones. Una de ellas es que tanto el director y el equipo de producción son en su mayoría mexicanos, además de que buena parte del mismo (con obvia excepción de los temas musicales) está hablado en español.

Pero lo más destacado de este trabajo, es que Frías de la Parra se aparta del formato tradicional del mero concierto grabado en vivo, y entrelaza las ejecuciones de la banda en esos recitales, con una serie de imágenes en blanco y negro, asi como testimonios y monólogos (algunos a cargo del actor Daniel Jiménez Cacho) con los cuales conforma un cine-ensayo, buscando establecer paralelismos entre el concepto del propio álbum, con la relación que la cultura y la tradición nacionales sostienen con la muerte.

Al desarrollar dichas paralelismos, el realizador busca crear

un acercamiento más estrecho e íntimo entre la banda y sus fans mexicanos, vinculándolos por medio de conceptos como la propia mortalidad, la pérdida, el duelo y la dulce añoranza por aquellos que se han ido. Y la música atraviesa transversalmente por ellos, funcionando como potenciador catártico y vehículo para sanar el corazón y el alma.

Desde luego, el aspecto musical no está descuidado, y el filme incluye temas de la producción anteriormente mencionada, así como algunos clásicos de la banda como It's No Good; Everything Counts; Enjoy the Silence; Never Let Me Down Again y Personal Jesus. Y aunado a lo anteriormente descrito, la obra funciona bien tanto como registro de un instante histórico, pero también como un acercamiento artístico a símbolos que apelan a la memoria y a lo eterno.

TV Y STREAMING MARÍA JOSÉ CUEVAS

REVELA EL LADO ÍNTIMO DE JUAN GABRIEL EN SU NUEVA SERIE

Lucía Méndez

Inspirada en una cena real entre amigas, la nueva serie marca el regreso de Lucía Méndez, junto a Maribel Guardia, Laura Flores y Marjorie de Sousa, una historia que celebra la amistad, la irreverencia y la complicidad femenina.

Por Carlos Aguillón

“Tenía que hacerlo. Era una historia que salió de una noche entre amigas, de una cena real, de una carcajada verdadera.”

Así arranca la entrevista con Lucía Méndez, con esa mirada que mezcla poder y ternura, mientras recuerda cómo nació Cómplices, la serie que marca su regreso actriz, creativa y productora en la serie que se estrena por la plataforma ViX

La diva de la televisión y el cine, protagonista de clásicos como la telenovelas Viviana, Colorina, El extraño retorno de Diana Salazar, Tú o nadie y Amor de nadie, vuelve a crear y a dirigir su destino artístico.

“La idea nació de mi amistad con las cantantes Laura León y Dulce”,

cuenta. “Estábamos las tres cenando, Dulce viendo Tinder, yo discutiendo con ella de la app y mi amigo Hugo Mejuto nos grabó. Ese video tuvo 40 millones de visitas. Dije: ‘No, esto es una prueba de mercado’. Ahí supe que tenía que hacer algo sobre mujeres maduras, insolentes, disfuncionales y atrevidas”.

De esa chispa nació la serie de Cómplices, una historia sobre cuatro mujeres (María José, Paula, Roberta y Stacy), que deciden desafiar la edad, los estereotipos y el juicio social. “Le hablé a mi hijo, Pedro Antonio Torres, y le dije: ‘Vamos a romper esquemas’. Nos reunimos, escribimos los perfiles y más tarde encontramos a Inna Payán, una gran productora, con quien nos asociamos para hacer esto realidad”.

VUELVE A CREAR SU DESTINO CON CÓMPLICES Méndez

Lucía, quien da vida a María José, asegura que fue vital mantener la esencia original: “Nació de una vivencia real, de una amistad auténtica. Era muy importante no cambiar el concepto. Los guionistas (los Ferchos), entendieron a la perfección la línea que queríamos: mujeres reales, imperfectas, pero entrañables”.

“Siempre he buscado romper esquemas. Mis personajes nunca han sido cándidos, sino intensos, escandalosos. En Cómplices quería rodearme de mujeres con trayectoria, con peso, guapas, con fuerza. Maribel Guardia, Laura Flores y Marjorie de Sousa eran perfectas”, afirma.

La serie que fue dirigida por Salvador Espinosa, una propuesta divertida que habla de la vida de cuatro mujeres, tres de ellas trabajan en un canal televisivo en

un talk show y la otra es la esposa del productor Manuel Mancilla (Ernesto Laguardia), quien muere en su oficina y ellas resultan sospechosas.

Maribel Guardia encarna a Roberta, una mujer de carácter fuerte y maneras rudas, poco hábil para relacionarse con los hombres. Dentro del grupo de amigas es la voz de la razón, la que mantiene la calma y el control cuando deben decidir cómo salir bien libradas tras haber hallado el cadáver de Mancilla. La actriz recuerda entre risas que este proyecto la persiguió casi una década. “Lucía me habló hace ocho años. Me dijo que tenía una historia divina y que me veía dentro. En ese entonces se llamaba Amigas. Ocho años después volvió a llamarme y me dijo: ‘Ahora sí, Maribel’. Y aquí estamos, cumpliendo ese sueño”.

COMPLICES

DÓNDE VER: ViX

13 episodios, cada uno dura 50 minutos.

TAMBIÉN ACTUAN: Paco de la O, Leonardo Daniel, Malenyk González, Tania Lizardo, Emmanuel Orenday, Mónica del Carmen, Jair Sánchez, entre otros.

Para Laura Flores (Paula), el llamado de Méndez fue más que una oferta laboral, fue un voto de confianza: “Hoy en día todos hacemos casting, incluso con trayectoria.

Lucía no me pidió casting, me dio el papel. Eso habla de su confianza. Y además, tenerla como productora es una experiencia impresionante. Ella está en todo: la luz, el sonido, el maquillaje, el encuadre. Quiere que todas brillemos”.

Maribel agrega entre risas: “Es que es su hijo este proyecto. Está en cada detalle. Además tuvimos coach de actuación, mesa de trabajo, ensayos…

Lucía fue nuestra guía”.

EL SALTO DEL MELODRAMA AL LENGUAJE MODERNO

Acostumbradas a dominar el género de la telenovela, las actrices tuvieron que adaptarse a un nuevo ritmo narrativo. “Los directores nos quita -

ron todo lo telenovelero. Nos pidieron actuar orgánicamente, sin exagerar. Yo estaba llorando en una escena y el director me dijo: ‘¿Por qué lloras? No es necesario’. Imagínate, toda la vida me pedían llorar aunque no tuviera que hacerlo”, recuerda Maribel entre risas.

Lucía coincide: “El público joven no es tan dramático, es más relajado. Queríamos conectar con todas las generaciones, del niño al abuelo. Mostrar mujeres que se divierten, que se atreven, que siguen vivas”.

El estreno de Cómplices reunió a las cuatro protagonistas frente a la pantalla. “Verlo fue como ver nacer a un hijo. Yo observaba todo: la luz, el audio, la edición. Era como una revisión minuciosa de cada cuadro. Fue emocionante”, dice Laura, quien además resalta que espera sea del gusto del público y se logre una segunda temporada.

“Cuando algo nace de la vida real, funciona. Como me decía mi compadre Juan Gabriel: ‘Cuando algo sale del corazón, es éxito’, recordando cuándo me escribió la canción “Siempre estoy pensando en ti”, porque me vio llorar cuando termine mi relación con el actor Valentin Trujillo, porque no me quise casar con el. Y eso es Cómplices: verdad y complicidad”. Lucía no duda en destacar la energía que existe entre las protagonistas. “Hay una complicidad enorme dentro y fuera del set. Nos reímos, nos apoyamos, y eso se nota en la pantalla. El público siente cuando algo es verdadero. Yo no quería falsedad ni pose, quería naturalidad y locura”.

Laura coincide: “Nos convertimos en amigas reales. Cuando terminábamos de grabar, nos quedábamos platicando horas. Ese vínculo se

transformó en parte del alma de la serie. Creo que pocas veces se logra esa conexión”.

Y Maribel remata: “El objetivo es que queremos mostrar que las mujeres maduras también podemos ser irreverentes, bellas, sensuales y libres. Ya no estamos para pedir permiso, estamos para vivir. Cómplices es eso: libertad, humor, amor y verdad”.

Mientras Maribel concluyó su participación en la obra Lagunilla mi barrio, Laura Flores prepara shows en vivo y cierra proyectos en televisión. Por su parte, Lucía, quien prepara don proyectos más para plataformas, invita al público a acompañarlas en esta aventura: “Queremos que la gente diga ‘yo quiero tener amigas como ellas’. Que rían, que se identifiquen. Porque más allá de las luces, Cómplices somos todas”.

MARÍA JOSÉ CUEVAS

“EL

ARCHIVO DE JUAN GABRIEL

ERA UNA ARQUEOLOGÍA EMOCIONAL”

A casi una década de su partida, "Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero" — dirigida por María José Cuevas— revela el lado más íntimo del Divo de Juárez a través de videos, audios e imágenes capturadas por él mismo, en una serie documental que la directora detalla en entrevista con la Revista Cameo.

Por Carlos Mora

Alo largo de su carrera, María José Cuevas ha demostrado una sensibilidad única para retratar los mundos íntimos detrás de las figuras públicas. En Bellas de noche, su documental sobre las vedettes mexicanas, dio voz y cuerpo a mujeres que habían sido reducidas a la nostalgia o al estereotipo.

En La dama del silencio, exploró la relación entre los medios, la justicia y la representación de la violencia femenina.

Hoy, Cuevas da un salto inesperado —y profundamente personal— al dirigir una serie documental sobre Juan Gabriel, un proyecto monumental construido a partir del archivo privado del propio artista. Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero, los cuatro episodios de esta serie permitirán conocer a Alberto Aguilera, para entender a Juan Gabriel “Cuando me invitaron a dirigir este proyecto, lo primero que pensé fue: ¿qué podría yo decir de Juan Gabriel que no se haya dicho ya?”, recuerda

la directora. “Pero cuando supe que había un archivo enorme, guardado durante años, lleno de grabaciones personales, de videos familiares, de momentos cotidianos, entendí que no se trataba de repetir lo que todos conocemos, sino de descubrir algo completamente distinto: al hombre que se filmaba a sí mismo para no desaparecer”.

El acervo, cuidadosamente preservado por la familia Aguilera, incluye miles de cintas en distintos formatos, videos caseros, grabaciones en súper 8, entrevistas inéditas, cuadernos de composición, cartas, recibos, notas escritas a mano y hasta fragmentos de canciones inconclusas que el Divo registró durante sus giras. “Era una verdadera arqueología emocional y visual”, explica Cuevas.

“Encontramos audios donde tarareaba melodías, cuadernos de cuando tenía 13 años en el internado, incluso papeles con frases que luego se convertirían en letras de canciones.

SU MAYOR RETO

Cada hallazgo era como abrir una ventana al alma de Juan Gabriel”.

La directora confiesa que la primera emoción fue el vértigo. “Había tanto material que no sabíamos por dónde empezar. Cada caja, cada cinta, cada hoja parecía tener una historia que contar. Nos tomó meses simplemente catalogar todo lo que había. Era un universo en sí mismo. Juan Gabriel filmaba absolutamente todo: su casa, sus hijos, los ensayos, las grabaciones, sus perros, los viajes, los amigos… Era como si quisiera conservar cada segundo de su vida, como si supiera que un día todo eso se volvería parte de una historia mayor”. El proyecto reunió a más de 200 personas entre investigadores, restauradores, archivistas, editores y documentalistas. “Fue un trabajo de amor, de paciencia y de respeto. Había cintas dañadas por el paso del tiempo que tuvimos que restaurar fotograma a fotograma. Encontramos material que nunca había sido visto, y que ni siquiera su familia recordaba que existía. Fue un proceso casi espiritual, como si estuvié-

ramos dialogando con él desde el archivo”, cuenta. Durante la exploración, surgieron momentos insólitos. “Había una caja marcada como ‘Alberto con bigote bañándose’. Y cuando la abrimos, nos encontramos con imágenes que mostraban su humor, su ironía, su juego con la cámara. Era una mezcla entre performance, intimidad y arte.

Juan Gabriel no sólo cantaba, también dirigía, editaba, pensaba cada encuadre. Tenía una mirada cinematográfica impresionante. Sabía exactamente cómo quería que lo viéramos”. Cuevas subraya que esta serie no pretende ser una biografía tradicional ni una hagiografía. “No buscamos santificarlo ni reducirlo a los clichés del genio o del mito. Queríamos mostrar a la persona: el niño que fue, el artista que se inventó, el hombre que se cuidaba y se observaba con ternura. Juan Gabriel fue alguien que, a partir del dolor, creó belleza. Su historia es la de alguien que aprendió a transformar la herida en canto”.

JUAN GABRIEL VUELVE AL ZÓCALO

EN UN EVENTO sin precedentes, más de 170 mil asistentes de todas las generaciones se congregaron en el Zócalo capitalino para rendir homenaje a Juan Gabriel, coreando a una sola voz los temas que el Divo de Juárez inmortalizó en el Palacio de Bellas Artes hace 35 años, mientras se proyectaban escenas inéditas de aquel icónico concierto. Fans de todas las edades, imitadores del artista y diversas figuras públicas se dieron cita en el corazón de la ciudad, portando carteles, playeras y prendas inspiradas en el intérprete de Querida. El público pudo disfrutar de datos curiosos e imágenes nunca antes vistas de la vida del ídolo, provenientes del archivo personal de Alberto Aguilera Valadez.

directora encuentra un hilo conductor con sus anteriores trabajos. “En todas mis películas me interesa hablar de la identidad, de cómo las personas se reinventan para sobrevivir. Juan Gabriel fue un maestro de eso. Desde su infancia marcada por el abandono y la pobreza, hasta la creación de un personaje tan luminoso, tan libre, tan propio. Convertir su soledad en arte fue su acto más revolucionario”.

La serie documental, promete ofrecer un retrato inédito del ídolo. A través de cientos de horas de material restaurado y entrevistas con quienes lo acompañaron, el espectador podrá recorrer su vida desde los primeros años en Ciudad Juárez hasta su consagración mundial. “Es un viaje íntimo, visualmente poderoso, pero también profundamente emocional”, dice Cuevas. “No hay voz en off que lo explique. Él mismo se cuenta a través de su mirada, sus gestos, sus silencios”.

Para la directora, trabajar sin poder entrevistar directamente a Juan Gabriel fue un desafío, pero también una oportunidad. “Cuando

está, el archivo se convierte en su voz. En cada cinta, en cada gesto, él nos dice quién era, cómo se veía, qué le importaba. El archivo se volvió una conversación entre el pasado y el presente, entre su mirada y la nuestra”. Cuevas confiesa que la experiencia la transformó. “Al final, Juan Gabriel no sólo nos regaló canciones. Nos regaló una forma de mirar el mundo con alegría, con vulnerabilidad y con entrega absoluta. En medio de todo el ruido, de las etiquetas, de la fama, él siempre fue él mismo. Y eso, en un país tan complejo como el nuestro, es un acto de valentía”.

El documental, producido por Laura Woldenberg, no solo celebra el legado artístico del Divo de Juárez, sino que lo devuelve al territorio de lo humano, ese lugar donde la fragilidad convive con la genialidad.

“Juan Gabriel sigue siendo nuestro presente”, concluye Cuevas. “Sigue sonando, sigue doliendo, sigue iluminando. Y creo que esta serie es una forma de volver a escucharlo, de volver a verlo, de volver a entenderlo”.

“RESPETAR A JUAN GABRIEL FUE LA BRÚJULA QUE

GUIÓ

EL DOCUMENTAL”: LAURA WOLDENBERG

La productora de "Juan Gabriel:

Debo, Puedo y Quiero" comparte cómo fue reconstruir la vida íntima del ídolo a partir de cientos de horas de archivo personal y familiar, en una serie que evita el morbo y apuesta por la empatía y el respeto.

Por Carlos Mora

Retratar la vida de una figura tan inmensa como Juan Gabriel no es tarea sencilla.

Su voz, su historia y su mito han marcado a varias generaciones, pero en el documental Juan Gabriel: Debo, Puedo y Quiero, la productora Laura Woldenberg buscó ir más allá del ícono, para mostrar al hombre detrás de las luces.

Durante una entrevista con la Revista Cameo, Woldenberg explicó que el proceso fue tan complejo como fascinante. “Teníamos que armar un diseño de producción que implicaba conseguir todos los dispositivos de reproducción posibles desde los años setenta. En la oficina terminamos

con un cuarto lleno de cafeteras, cintas, grabadoras y tres personas revisando y filtrando material sin parar”, recuerda.

El archivo personal de Juan Gabriel —en el que el propio cantante grababa todo tipo de momentos, desde su participación en Siempre en Domingo hasta funerales o bodas reales— fue el punto de partida para construir el relato. “Le encantaba filmar cualquier cosa. Y eso nos permitió entender su mirada, su curiosidad y su enorme necesidad de registrar el mundo que lo rodeaba”, explica. Para Woldenberg, uno de los mayores retos fue mantener una postura ética frente al material.

“Aunque no es una víctima, como muchos de los personajes de otros

documentales que hemos hecho, aprendimos a respetarlo profundamente. Tuvimos acceso a todo gracias a su familia, y sabíamos que si ese material caía en manos equivocadas, podía haberse hecho algo sensacionalista o hiriente. Por eso nuestra premisa fue la empatía, no el morbo.”

Otro aspecto clave fue decidir quiénes serían las voces que acompañarían el relato. “Había decenas de personas queriendo hablar, pero no todas aportaban verdad. El archivo mismo fue guiándonos: había personas que aparecían en las cintas de los ochenta y luego volvían dos décadas después. Esos rostros, esas presencias constantes, nos ayudaron a entender quiénes

realmente formaron parte de su vida.”

El resultado, dice la productora, se aleja de los testimonios obvios. “No hay tantas figuras famosas hablando de Juan Gabriel o de Alberto Aguilera Valadez. Lo que mostramos son las voces de quienes realmente lo conocieron, las que estaban cerca de él, las que compartieron su cotidianidad.”

Con Juan Gabriel: Debo, Puedo y Quiero, Woldenberg y su equipo lograron un retrato íntimo y respetuoso, que permite redescubrir al artista desde su propia mirada. “La vía fue dejarnos guiar por el archivo —resume—. Porque en esos videos, en esas imágenes, está la huella más honesta de quién fue él.”

En su nueva docuserie

La Trevi: Sin Filtro, disponible en ViX, Gloria Trevi abre las puertas de su casa, de su gira y de su intimidad. Entre risas, lágrimas y reflexiones, la cantante regiomontana repasa su historia, habla del perdón, del amor, de su familia y de las heridas que sigue sanando frente a las cámaras. Con su característico humor y una sinceridad que a veces desarma, Gloria Trevi vuelve a ponerse frente al ojo público, pero esta vez desde su propia narrativa. La Trevi: Sin Filtro, dirigida por Sebastián Jiménez, la sigue durante su gira internacional Mi Soundtrack y se adentra en su vida cotidiana: los ensayos, los vestuarios, los hijos, las discusiones y las reconciliaciones. La cámara la acompaña en los escenarios, pero también en los momentos en que apaga las luces y regresa a ser Gloria, la mujer, la madre, la esposa y la amiga. “Cuando me propusieron abrir las puertas de mi casa, dije que sí, encantada. Es una manera de agradecerle al público el apoyo que me ha dado. Ellos ya me ven en el escenario, pero ahora podrán ver lo que hay detrás de un concierto, las cosas cotidianas, la familia, todo”, contó la artista de 57 años en un encuentro con la prensa. La serie muestra momentos íntimos junto a su esposo y mánager, Armando Gómez, y sus hijos, Ángel Gabriel y Miguel Armando. Entre bromas, se revelan dinámicas familiares que, según Trevi, reflejan la complicidad y los desafíos de vivir bajo la mirada pública. “Sí, me enojo, aunque no lo crean”, confiesa riendo. “Pero también he aprendido a que hay prioridades, y una de ellas es la

En "La Trevi: Sin Filtro", la cantante mexicana muestra su lado más íntimo y comparte su historia de amor, fe y reconciliación.

Texto y fotos

Carlos Mora

GLORIA TREVI:

familia. Me tengo que partir en pedazos para cumplir con todo, pero al final vale la pena”. Hablar de su esposo fue uno de los momentos más emotivos del encuentro. Trevi no escatima elogios hacia Armando, quien ha sido pieza clave en su reconstrucción personal y profesional. “Él me conoció cuando estaba en la cárcel, con la reputación hecha pedazos, y decidió quedarse conmigo. A veces es exigente, pero lo admiro porque siempre da la cara por mí y por nuestros hijos. Me defiende como nadie. Y al que no le guste, pues que se case con otro, porque este ya está casado”, dice entre risas y lágrimas.

La cantante tampoco rehúye las preguntas sobre su pasado ni el escrutinio público que ha acompañado su carrera. Al contrario, afirma que mostrarse sin máscaras es su

SU VIDA, CONTADA SIN FILTROS

manera de enfrentar los juicios y reafirmar su autenticidad. “No le veo el peligro a abrir mi vida. Yo quiero que la gente me quiera como soy, no que amen a alguien imaginario. Prefiero un amor verdadero, aunque eso signifique mostrarme tal cual”, asegura.

A lo largo de los diez episodios, La Trevi: Sin Filtro mezcla imágenes inéditas de archivo con grabaciones actuales de sus giras y de su vida cotidiana. Lejos de intentar construir una imagen perfecta, la docuserie abraza las contradicciones de la cantante: la artista poderosa y la mujer frágil, la madre protectora y la creadora incansable, la figura pública y la persona que busca consuelo en la fe y la familia. En varios momentos, se le ve llorar, reír, recordar y también reconciliarse con su propia historia.

A la par de la docuserie, Gloria prepara nueva música y una próxima gira. Lejos de vivir solo de sus éxitos pasados, asegura que su deseo es mantenerse vigente, creativa y libre.

“No me gusta vivir solo de los clásicos. Me gusta crear, estar al día, seguir soñando. La Trevi: Sin Filtro es un agradecimiento al público y un recordatorio de que sigo aquí, con todo lo que soy: mamá, esposa, artista y mujer que se levanta una y otra vez”.

Más allá del espectáculo, el proyecto funciona como un espejo emocional. En él, Trevi se mira sin adornos, con las cicatrices a la vista, pero también con la misma energía rebelde que la hizo un ícono desde los años noventa. A ratos divertida, a ratos nostálgica, la serie es un testimonio de resistencia y transformación, una manera de reconciliar la fama con la vulnerabilidad. Porque si algo demuestra La Trevi: Sin Filtro es que detrás de la estrella hay una mujer que aprendió que la libertad se conquista cada día, incluso frente a una cámara.

De entre todas las historias que han salido de la prolífica mente de Stephen King, la de Eso (It) sigue obsesionando con su hipnótico relato de la naturaleza cíclica del mal y, a pesar de que todavía tenemos fresca la ambiciosa adaptación a manera de díptico que realizó Andy Muschietti en 2017, estos últimos meses del año llega It: Welcome to Derry , la nueva serie basada en la novela.

Creada como precuela de los eventos narrados en la película de 2017, It: Welcome to Derry se ubica en plena década de 1960 para narrar los orígenes de Pennywise. Para ser más precisos, tan solo se toman los capítulos “Interludio” de la novela que relatan la investigación que Hanlon realiza durante años para

IT:WELCOMETODERRY, LOS ORÍGENES DEL TERROR ORIGINAL

Por Alejandra Lomelí

entender la historia oscura de Derry. Al mismo tiempo, se han tomado referencias de otras novelas icónicas de Stephen King, convirtiendo el show en un universo cinematográfico interconectado.

La serie, por un lado, sigue la trama del grupo de niños que enfrentarán a Pennywise, nuestros nuevos Perdedores (aunque no se alude como tal). Por el otro, tenemos la trama de los adultos irán revelando cómo fue la llegada de Eso a Derry.

IT: WELCOME TO DERRY

Dónde ver:

HBO Max

Primera temporada

8 episodios

Priorizando el desarrollo de algunos argumentos que tienen que ver con el racismo y la maldad inherente en los habitantes de Derry, antes que en el impacto, los creadores Jason Fuchs

y Andy Muschietti dilatan la aparición en pantalla de Pennywise, una maniobra arriesgada que no siempre tiene buenos resultados, aunque ciertamente beneficia la estructura mítica de la entidad cósmica cuando se busca profundizar en sus orígenes, de ahí que la historias que se desarrolla en la base militar con el Mayor Hanlon (Jovan Adepo) y Dick Hallorann (Chris Chalk), así como la protagonizada por los nativos americanos, sean no solamente las tramas más atractivas, sino también las de mayor peso y con los personajes mejor desarrollados.

Con todo el sello Muschietti, el terror no decepciona, hay escenas bien ejecutadas que destacan

por su crudeza y repulsión donde Eso adquiere formas impactantes. Y, aunque no hay espacio para construir una propuesta autoral en este rubro, la primera aparición de Pennywise es realmente aterradora.

Quizás el mayor problema que enfrent a It: Welcome to Derry sea la cercanía que tiene con las películas de 2017 y 2019. Aunque la serie muestra aspectos que fueron imposibles de incluir en las películas por estar sujetas al metraje, no deja de sentirse como una repetición de eventos, principalmente, todo lo que ocurre con los niños.

Sin embargo, la serie propone lugares por descubrir, y al referenciar otras historias de King nos ofrece una oportunidad para conectar de una manera diferente con una historia conocida.

MARINA DE TAVIRA

DA VIDA A ANTÍGONA EN UN MONÓLOGO POTENTE

ENTREVISTAS CON SANDRA URIBE XIMENA ROMO

FOTO CARLOS MORA

EL MITO DE ANTÍGONA REVIVE EN LA VOZ DE

Marina de Tavira

La actriz lleva a escena "Antígona González", adaptación del texto de Sara Uribe dirigida por Sandra Félix, una propuesta que desde el teatro confronta las ausencias del país y celebra la memoria como forma de resistencia.

ANTÍGONA GONZÁLEZ

DÓNDE VER: Teatro El Milagro, ubicado Milán 24 colonia Juárez.

TEMPORADA: 15 de noviembre al 7 de diciembre

FUNCIONES: jueves y viernes: 20:00 hrs.

Sábados: 19:00 hrs.

Domingos: 18:00 hrs.

La actriz Marina de Tavira vive un cierre de año particularmente intenso. Tras haber participado en dos montajes teatrales en 2025, presenta ahora su tercera obra del año, Antígona González , un monólogo basado en el libro homónimo de Sara Uribe, dirigido por Sandra Félix, que se estrena en el Teatro El Milagro, uno de los espacios más emblemáticos del teatro independiente en México.

La puesta en escena marca un nuevo capítulo en la trayectoria de De Tavira, quien por primera vez asume un proyecto completamente en solitario.

“Es un reto al que nunca me había enfrentado”, explica la actriz. “Aunque tengo un equipo de creativos y creativas talentosísimas ayudándome, al final es pararse sola en escena, y eso da un vértigo que no te

puedo ni contar. Además, es algo que dije que jamás haría, pero se me presentó un texto que no podía ignorar. Me habló y tuve que hacerlo.”

UNA ANTÍGONA

CONTEMPORÁNEA

El mito clásico de Antígona, símbolo de resistencia y ética, ha acompañado a De Tavira desde sus años de formación. La actriz recuerda que fue uno de los personajes que más la marcaron en la escuela de actuación, y que a lo largo del tiempo ha leído múltiples versiones —desde Jean Anouilh hasta Bertolt Brecht, Jean Cocteau y Bernard Shaw— buscando su propio acercamiento a la historia.

“Por mucho tiempo estuve pensando cómo hacer una Antígona. Si pedía a alguna dramaturga que escribiera una versión o si la adaptaba yo misma”, comenta. “Hasta

que un día el escritor Emiliano Monge me puso en las manos el libro de Sara Uribe. En cuanto leí la primera frase supe que era la Antígona que tenía que hacer.”

La obra de Uribe, publicada en 2012, parte de la figura mítica para situarla en el contexto de la violencia y las desapariciones forzadas en México y América Latina, un tema que la actriz considera urgente y dolorosamente vigente.

“Me encantaría haberla leído y pensar: ‘esto ya se superó, ya no tenemos que hablar de esto’. Pero no es así. Me di cuenta de cómo la figura de la adolescente que quiere enterrar a su hermano a toda costa se enlaza con la de las personas buscadoras de nuestros países.”

De Tavira reflexiona sobre la responsabilidad del arte frente a la violencia cotidiana, y cómo el teatro puede convertirse en

un espacio de resistencia y memoria.

“No sé ni qué decir sobre la realidad de las desapariciones. Lo único que puedo hacer es ser testigo del horror. Es una de las situaciones más terribles que le pueden suceder a una persona, y se repite una y otra vez hasta el anonimato. Ya no conocemos todos los rostros de las víctimas ni de quienes buscan. Por eso hago teatro, porque es lo único que sé hacer.”

La actriz sostiene que el teatro, al igual que el cine, debe dialogar con su tiempo y buscar generar empatía.

“Siempre he creído en el teatro y en el cine que hablan con su realidad y pretenden transformarla, aunque sea un poquito. El teatro nos junta, incluso cuando tenemos que hablar de cosas que ojalá no existieran. Nos recuerda que todavía somos un colectivo.”

Texto y fotos Carlos Mora

El proyecto de Antígona González se inserta también en una tendencia del teatro contemporáneo por revisitar personajes femeninos de la antigüedad desde nuevas perspectivas.

“Conozco la obra de Itatí Cantoral (Juicio a una zorra) sobre Helena de Troya, y me encanta ver que más actrices estén retomando figuras míticas para repensarlas. Nosotros hicimos recientemente una versión de Clitemnestra (La niña en el altar), escrita por la dramaturga irlandesa Marina Carr, que hablaba de la guerra como una epidemia. Antígona es lo mismo: una figura que nos permite hablar de los conflictos actuales desde el mito.”

Aunque la actriz cuenta con una amplia trayectoria en teatro, televisión y cine —incluida su nominación al premio Oscar por el filme Roma—, reconoce que este monólogo la coloca frente a un tipo de

vulnerabilidad distinta.

“Nunca había hecho un monólogo. No hay quien te salve si algo pasa en escena. A veces tus compañeros te rescatan si se te va el texto o te sostienen con la energía, pero aquí no hay eso. Una vez que se dice tercera llamada, estoy sola. Y sí, da miedo, pero ya estoy ahí, ya no hay para atrás.”

Antígona González llega tras un año en el que Marina de Tavira decidió dedicarse por completo al teatro. En meses recientes fue nominada a los Premios ACCP por La niña del altar, obra del director Enrique Singer, que también abordaba temas sociales desde la poesía y la tragedia.

“Me dio muchísimo gusto esa nominación, porque era un texto poderosísimo y muy poético. Con Antígona González sucede algo similar: es un material fuerte, pero necesario. A mí me gusta pensar que

el éxito no tiene que ver con premios, sino con la capacidad de entregar el mensaje. Y siento que en ambas obras, el mensaje se entregó.”

Con esta puesta en escena, Marina de Tavira reafirma su compromiso con un teatro que reflexiona sobre la memoria, la justicia y la resistencia. Aunque reconoce el peso emocional del texto, lo

asume como una forma de acompañar a las familias que siguen buscando a sus desaparecidos.

“Llego a la recta final del año con un estreno encima, no fácil, pero con entusiasmo. Aunque duela, el teatro es alegría, es creación y encuentro. Y mientras sigamos reuniéndonos para hablar de lo que importa, hay esperanza.”

Sandra Félix, directora.

Sara Uribe, escritora.

Marina de Tavira actriz.

UNA ANTÍGONA MEXICANA FRENTE AL SILENCIO DE LOS DESAPARECIDOS

En su propuesta, Sandra Uribe convierte el dolor compartido en un acto poético que une la fuerza del mito con las heridas de nuestro tiempo.

y foto Carlos Mora

La tragedia de la desaparición forzada en México sigue resonando en la escena teatral con Antígona González, una adaptación escénica del texto de Sara Uribe, que se presenta como un grito poético contra el olvido. Inspirada en la figura clásica de Antígona, la obra lleva el mito a la realidad contemporánea mexicana, donde miles de mujeres —como la propia Antígona González— buscan incansablemente a sus seres queridos desaparecidos.

Esta propuesta teatral busca generar un diálogo directo con adolescentes, adultos, colectivos, asociaciones civiles y familias de personas desaparecidas. Más que una puesta en escena, Antígona González es una experiencia colectiva de memoria y resistencia, un espacio para mirar de frente una de las heridas más profundas del país.

En conversación con la escritora Sandra Uribe, autora del texto original, la reflexión sobre la obra se vuelve aún más urgente. “Al principio el tema de las desapariciones era invisible. Y me parecía que no hablar de ellas, no colocarlas en el lenguaje, era desaparecerlas aún más”, explicó la escritora.

Uribe compartió que su

proceso creativo surgió del desconcierto y la impotencia ante los primeros casos de desapariciones masivas, particularmente en Tamaulipas, su estado natal. “Todo comenzó con las fosas de San Fernando, en 2011. Estábamos presentando una colección de libros y se pidió un minuto de si-

ANTÍGONA

GONZÁLEZ

DÓNDE VER: Teatro El Milagro.

TEMPORADA: 15 de noviembre al 7 de diciembre

FUNCIONES:

jueves y viernes: 20:00 hrs.

Sábados: 19:00 hrs.

Domingos: 18:00 hrs.

lencio, pero entendí que el silencio no bastaba; comprendí que no mencionar siquiera a esos cuerpos era hacerlos desaparecer otra vez”, recordó.

A partir de ese gesto, la autora sintió la necesidad de escribir un texto que diera voz a los ausentes: “Tenía que escribir un libro y situarlo en un lugar

donde el lenguaje no borrara, sino que nombrara. Donde las palabras fueran una forma de levantar el cuerpo del desaparecido”.

Uribe también habló de la complejidad emocional del proceso. “Yo no tengo un familiar desaparecido, y eso me hacía sentir que quizás no tenía derecho a escribir sobre ello. Pero comprendí que la escritura también puede ser una forma de acompañar, de decir: no estás sola”. El texto de Antígona González se construyó a partir de testimonios reales de familiares, de frases sueltas, de breves fragmentos que intentan reconstruir una presencia a partir del lenguaje. “Los dolores no tienen la capacidad de hacer discursos largos; por eso el libro es fragmentario. Cada frase y palabra es un intento de devolver cuerpo y voz a quien ya no está”, explicó. En un país donde se estima que existen más de 130 mil personas desaparecidas, la escritora insiste en que el arte tiene un papel crucial: “Nombrar es resistir. Es impedir que el silencio se convierta en la norma. Ojalá que esta Antígona mexicana despierte empatía y nos haga preguntarnos qué vamos a hacer nosotros frente a esta tragedia”.

Texto

Foto: Eugenio Vargarci

Abrigo: Bimba y Lola

Después de varios años lejos de los escenarios, Ximena Romo regresa al teatro con una sonrisa y una energía renovada. Su regreso no podría ser más vertiginoso: ¡Qué desastre de función! (Noises Off), la legendaria comedia británica de Michael Frayn, llega bajo la dirección de Cristian Magaloni. Un montaje que, literalmente, pone el teatro patas arriba: el escenario gira 360 grados, las puertas no cierran, las sardinas desaparecen y los actores se enredan en su propio caos. Para Romo, esta es la obra perfecta para reencontrarse con el vértigo y la precisión que solo el teatro puede ofrecer.

“Tenía muchas ganas de volver. Desde antes de la pandemia no hacía teatro, y me da muchísimo gusto regresar con una obra así, porque el teatro es un monstruo también. Hay que escucharlo, sentirlo, y sobre todo tener una buena condición física y mental. Es un regreso que me emociona porque me permite jugar, soltarme y sentirme parte de algo grande, de un equipo, sin el peso del drama.

Ximena Romo

REGRESA AL TEATRO PARA

RECONECTAR CON SU OFICIO

Es pura comedia, puro caos, y eso es liberador”, confiesa. La actriz, que ha destacado tanto en el cine independiente como en producciones internacionales, reconoce que esta experiencia la ha hecho reconectar con su oficio desde un lugar distinto. “Tuve un pequeño distanciamiento con la actuación. No fue planeado, simplemente sucedió. Pero mi regreso empezó en el cine independiente, en proyectos más pequeños, más íntimos, y ahora llega esta obra que me hace sentir que estoy dando pasos coherentes hacia una nueva etapa. Mi relación con la actuación ya está en otro punto del proceso: más maduro, más libre”.

UN CAOS CALCULADO

¡Qué desastre de función! ha sido calificada por la crítica como “la comedia más divertida jamás escrita” (The New York Post).

En entrevista con la Revista Cameo la actriz platica de su regreso al teatro con "¡Qué desastre de función!", una nueva mirada sobre su oficio.

Por Carlos Mora

ENTRE EL CINE Y LA ESCENA

UN NUEVO

CICLO

CREATIVO

¡QUÉ DESASTRE DE FUNCIÓN!

Dónde: Teatro Jorge Negrete. Funciones: Viernes a las 20:00 hrs. sábados a las 17:00 y 20:30 hrs. domingos a las 17:30 hrs.

La historia gira en torno a una compañía de actores que intenta montar una obra dentro de la obra… y todo lo que puede salir mal, sale mal. Entre puertas que no abren, textos olvidados, egos heridos y romances entre bambalinas, el público asiste al colapso progresivo del montaje con una mezcla de asombro y carcajadas.

Para Ximena, la clave está en la precisión: “Es una obra que exige un ritmo milimétrico. En los ensayos estamos todo el tiempo limpiando, afinando, puliendo. Cada movimiento, cada entrada y salida, tiene que ser exacta. Si uno se desconcentra, se nota. Es un caos perfectamente calculado, y justo ahí está su magia”.

El montaje es también un homenaje al teatro mismo, a ese espacio donde todo puede pasar y donde la línea entre la ficción y la realidad se difumina. “El público ve lo que ocurre frente y detrás del escenario. Se ríe del error, pero también se da cuenta del enorme trabajo que hay detrás. Es una montaña rusa de carcajadas, pero también una carta de amor a la locura de hacer teatro”.

En paralelo a su regreso teatral, Ximena Romo también participa en Las muertas, la esperada serie de Luis Estrada para Netflix. “Cuando me habló Luis Estrada, supe que era un proyecto que tenía que hacer. Es un director con una visión muy clara, con un ojo al detalle impresionante. Nada es casual con él. Todos los personajes, grandes o pequeños, son importantes. Y me sorprendió mucho que supiera tanto de mí, que tuviera tan claro por qué quería que yo interpretara a Conchita. Fue un honor trabajar con él”. La actriz recuerda con entusiasmo su experiencia en el rodaje: “Fue muy especial reencontrarme con Christian Vázquez, con quien no trabajaba desde Oveja negra. Trabajar junto a Paulina Gaitán y Arcelia Ramírez fue un sueño. Son actrices a las que admiro muchísimo. Creo que Las muertas es un proyecto que refleja la fuerza y diversidad de la actuación mexicana”. Romo considera que la serie representa un paso más en la consolidación del talento nacional: “México ya lleva tiempo demostrando que puede producir proyectos de calidad internacional. Con directores como Luis Estrada y plataformas que estan apostando fuerte, se están contando historias que son profundamente nuestras, con un nivel técnico y narrativo que compite en cualquier lugar del mundo”.

En este momento de su carrera, Romo está expandiendo sus horizontes. Además de actuar, se encuentra preparando su debut como productora teatral. “El próximo año cumplo 20 años de carrera, y siento que ya tengo la experiencia y las herramientas para contar las historias que me importan. Estoy planeando producir mi primera obra de teatro, actuar en ella, y explorar desde otro lugar lo que significa crear. Quiero asumir la responsabilidad de generar mis propios proyectos”. Su visión sobre el teatro mexicano es optimista y apasionada: “Me encanta ver cómo conviven las grandes producciones con los proyectos independientes, los unipersonales, las propuestas experimentales. Hay un movimiento teatral muy vivo, con muchos espacios y públicos que quieren ver teatro. Eso es lo más bonito: que hay hambre de escena, de historias,”. Con ¡Qué desastre de función!, Ximena Romo celebra no solo su regreso al escenario, sino también un reencuentro con el placer de actuar, con la energía del público y con el sentido de comunidad que solo el teatro ofrece. “El teatro es la casa del actor, el gimnasio del alma. Es donde realmente te pruebas, donde te confrontas y creces. Cada función es una nueva oportunidad de fallar, reír, improvisar, y volver a empezar. Y eso, para mí, es el verdadero milagro del teatro”.

Con humor ácido, situaciones extremas y una inesperada ternura, P.D. Tu gato ha muerto regresa a los escenarios para recordarnos que, incluso en las peores rachas, pueden surgir las relaciones más improbables. Protagonizada por Alejandro Nones y Rodrigo Brand, la obra—considerada un clásico moderno—ha sorprendido al público por la química entre sus actores y la vigencia de su mensaje.

La historia parte de un actor (Nones) que vive la peor noche de su vida: lo despidieron de una obra, su novia lo abandonó, su gato murió y, para colmo, ha sido robado dos veces. Cuando por fin atrapa al ladrón (Brand) en su departamento durante la noche de Año Nuevo, decide “enseñarle una lección”… pero lo que comienza como un intento de venganza se transforma en una relación llena de humor, ternura y una amistad muy inusual.

Desde las primeras semanas, la recepción del público ha superado las expectativas. Alejandro Nones lo define así:

“Luego existen las taquillas, las métricas, los ratings… pero la energía del público ahí cerquita, eso no te lo da nada. Me atrevo a decir que pocas veces he vivido algo como lo que pasa aquí cada semana”.

Para Nones, la clave ha sido la conexión en escena:

“Hay una compenetración muy bonita entre Rodrigo y yo. La disfrutamos muchísimo, nos la pasamos muy bien, y eso se refleja en la reacción de la gente”.

Rodrigo Brand coincide:

“Es una belleza cómo pasa el tiempo. Uno pensaría que una obra de una hora cuarenta y cinco podría sentirse larga, pero al contrario: se pasa rapidísimo, y la gente sale feliz… y ese es el objetivo”.

UN CLÁSICO

DEL TEATRO

Estrenada en México en los años 80, P.D. Tu gato ha muerto es una pieza que ha trascendido generaciones.

“Cuando las historias están bien escritas y hablan de la humanidad— de nuestras fallas, de nuestra vulnerabilidad, de lo inesperado—jamás pasan de moda”, explica Nones.

Para él, la obra dialoga con algo muy profundo y vigente:

“Si quieres hacer reír a Dios, cuéntale tus planes. La vida te mueve, te cambia, te obliga a reinventarte. Eso conecta, siempre”.

Rodrigo habla de la sorpresa que ha significado interpretar a Vito Antonucci:

“El personaje me eligió. Me ha enseñado muchísimo. Y no solo por el tema del desnudo—que siempre se menciona— sino por lo que representa emocionalmente. Tiene momentos muy honestos, muy fuertes. Me enamoré de Vito”.

P.D.TUGATOHAMUERTO LA OBRA QUE DESNUDA EL ALMA

En entrevista con la Revista Cameo, Alejandro Nones y Rodrigo Brand hablan de la fuerza del público, los retos emocionales de sus personajes y la vigencia de "P.D. Tu gato ha muerto", una comedia que mezcla humor, vulnerabilidad y una amistad inesperada.

Texto y fotos Carlos Mora

P.D. TU GATO HA MUERTO

Dónde: Teatro 11 de Julio

Función: Jueves 20:00 horas.

Duración: 100 minutos

EL PUDOR EN ESCENA

La obra toca temas que pueden resultar incómodos para algunos, pero ambos actores coinciden en que el pudor no tiene cabida cuando se suben al escenario.

“Si te subes con pudor, ya estás empezando desde un lugar equivocado”, afirma Rodrigo. “Esta obra requiere jugar, entregarte, soltar”.

Nones va más allá:

“Todos hablamos del pudor físico, pero lo difícil es desnudar el alma. Contar la verdad desde un personaje es muchísimo más complicado. Eso es lo que realmente exige valentía”.

Hace años la obra causó revuelo en montajes anteriores. Los actores reflexionan sobre cómo la cultura mediática y del streaming transformó nuestra relación con la imagen y los cuerpos.

Alejandro explica:

“Con el cable y luego el streaming llegaron nuevas libertades. Antes se escondían muchas cosas. Hoy ves desnudos en las series más exitosas y nadie habla de eso. Ya se volvió parte del lenguaje audiovisual”.

Y añade:

“Ya no nos escandalizamos igual. Hoy la crudeza puede venir de muchas otras cosas. A veces, lo que vemos en pantalla es más fuerte que cualquier desnudo”.

Rodrigo complementa:

“Hoy vivimos en un ‘todo está bien o todo está mal’, depende de quién lo diga. La obra incluso tiene un texto sobre eso. Cada cosa genera conflicto. Es muy loco”.

El tema deriva en la violencia en pantalla:

“Las series más vistas son las que tienen violencia desmedida. El juego del calamar fue un fenómeno. Eso también refleja la sociedad en la que vivimos”, comenta Rodrigo.

En medio del ruido de redes sociales y la cultura de lo instantáneo, el teatro se convierte en un espacio de resistencia y esencia.

“Para mí, estar en el teatro es una bendición”, dice Nones. “Es lo más básico del actor: leer, ensayar, montar, encontrar al personaje. Te conecta con lo esencial”.

Rodrigo coincide completamente:

“El teatro tiene una mística que jamás desaparecerá. En un mundo lleno de inteligencia artificial, venir a ver algo en vivo, sentir algo real, es necesario. La gente sale distinta”.

Mientras tanto, cada función sigue consolidando a P.D. Tu gato ha muerto como una de las puestas más entrañables, divertidas y emocionalmente sinceras de la temporada teatral actual.

EL ACOSO Y LA INTOLERANCIA EN ELPEQUEÑOPONI

LA OBRA El pequeño poni, escrita por el dramaturgo español Paco Bezerra, aborda de manera directa el tema del acoso escolar y la intolerancia en la sociedad actual. Inspirada en un caso real ocurrido en Estados Unidos, la historia presenta a un matrimonio cuyos valores son puestos a prueba cuando su hijo es víctima de bullying en la escuela por llevar una

mochila del personaje infantil My Little Pony. A lo largo de la trama, Bezerra expone cómo el miedo y los prejuicios de los adultos pueden ser tan dañinos como la crueldad de los niños. La obra invita al espectador a reflexionar sobre la diversidad, la empatía y la educación en la diferencia, mostrando cómo la sociedad a menudo culpa a la víctima en lugar de protegerla.

Con un lenguaje sencillo pero cargado de simbolismo, la obra se ha representado en distintos países y ha sido elogiada por su relevancia social. Su puesta en escena suele ser íntima, centrada en el diálogo y la tensión emocional entre los padres del niño (Natalia Morlacci y Francisco Celhay), quienes encarnan dos posturas opuestas. Bajo la dirección de Diego del Río.

EL PEQUEÑO PONI

DÓNDE: Espacio Urgente 2, Foro Shakespeare Hasta el 17 de diciembre.

FOTOS

CARLOS MORA

ALEJANDRA HAYDEE

LA LUZ DESPUÉS DE LA SOMBRA

De niña prodigio a actriz consciente; entre la televisión, la discriminación y un regreso al teatro con mirada propia.

Por Carlos Aguillón

De Chiquititas a Lo que callamos las mujeres, Alejandra Haydee ha vivido una carrera marcada por la constancia y la resiliencia; tras enfrentar prejuicios por su color de piel, hoy escribe su propia obra de teatro y busca reencontrar la pasión que la llevó a actuar desde los once años.

“Yo quería meterme a la televisión, literalmente”, dice Haydee al recordar su infancia, durante la entrevista con la Revista Cameo.

Su primera oportunidad la llevó a debutar a los once años en la telenovela Chiquititas, producción argentina.

“Grabamos ocho meses, pero al aire duró cuatro. Fue triste porque se cortó justo cuando empezaba la parte más bonita, la gira”, recuerda sobre aquella etapa que la obligó a vivir en Argentina y que, sin saberlo, sería el inicio de una larga relación con la televisión. Después, llegaron programas de conducción, telenovelas, unitarios y una de las series más longevas y emblemáticas de la televisión mexicana: Lo que callamos las mujeres de TV Azteca. “Estuve ahí casi toda mi vida —cuenta—. Desde los 16 hasta el año pasado, imagínate. Me conocían todos. Era como mi segunda casa”.

Su filmografía incluye títulos como Belinda, Los Rey, Cautiva por amor o Capadocia. En teatro ha colaborado con figuras como Ofelia Medina, a quien considera “una madre adoptiva”. Con ella compartió obras como A cada quien su Frida, Dos mujeres y Voces mexicanas. “El

teatro me llegó tarde, pero me llegó bonito, admite. Ha sido un espacio de conciencia, de reflexión. Con Ofelia aprendí a entender el arte desde otro lugar”.

La conversación se vuelve más profunda cuando recuerda la etapa en que enfrentó discriminación por su color de piel. “Sí, creo que por ser morena. Yo misma me preguntaba: ¿por qué soy morena? Sentía que las güeritas, las de ojos verdes, tenían los mejores papeles. Al principio me dolía. Con el tiempo entendí que lo que veía como una desventaja, era mi raíz”.

Su orgullo surgió, dice, gracias al público. “Hice personajes que conectaban con gente de Oaxaca o Guerrero, ellos me enseñaron a amar ser morena. Me agradecían por representarlos. Me quitaron esa pena que tenía y me dieron orgullo”. Esa reflexión la ha hecho más consciente de los retos actuales para las actrices. “Antes te ganaban por talento, ahora ves mil influencers en un casting y tres actores. Y se quedan los influencers”.

Tras más de dos décadas de carrera, Haydee confiesa que a veces extraña la ilusión con la que empezó. “Creo que perdí la capacidad de sorprenderme. Ya no me asombra ver a alguien en el set. Pero sigo nerviosa cada vez que actúo. Es un nervio bonito. Eso me mantiene viva”. Esa búsqueda de reconexión la ha llevado a escribir su propia obra de teatro, aún en preparación, con un enfoque en las mujeres y sus emociones.

EUGENIA LEÓN

CELEBRA 50 AÑOS DE MÚSICA Y PASIÓN

MEME DEL REAL FANGORIA MAABELLE

Eugenia León vive un nuevo comienzo. A más de medio siglo de haber iniciado su carrera, la voz que ha acompañado momentos esenciales de la historia musical de México se adentra, con serenidad y emoción, en un terreno que durante años observó con respeto: la composición.

Su más reciente tema, “Carita de cielo”, es el tercer sencillo de su álbum Mis canciones, un proyecto que, más que un disco, es un recorrido afectivo por su vida y por los sonidos que la han acompañado. Con arreglos de mariachi y una producción que rescata la calidez del sonido clásico, Mis canciones se presenta como una celebración de la memoria, la ternura y la experiencia acumulada de quien ha habitado todos los escenarios posibles.

“La compuse regando mis plantas. Empezó a salir la melodía y la letra al mismo tiempo, como un canto de amor, de ternura, hacia todos los seres que queremos”, relata Eugenia. En ese gesto cotidiano —un día cualquiera, entre flores y tierra— encontró la chispa que encendió este nuevo ciclo creativo. “A veces la vida es tan dura que olvidamos esos pequeños regalos: la mirada de alguien que amamos, una mariposa, un abrazo. Quise cantar eso, el consuelo de lo sencillo.”

“Carita de cielo” es también una declaración de amor al pasado, a esa música que formó el alma de generaciones. Inspirada en los sonidos del cine mexicano de los años cuarenta, la canción evoca a los compositores y arreglistas que marcaron la identidad musical del país.

EUGENIA LEÓN

LA TERNURA TAMBIÉN SE CANTA

La intérprete celebra más de cinco décadas de carrera y abraza una nueva faceta como compositora.

Su nuevo tema, “Carita de cielo”, rinde homenaje al cine de oro y al amor en su forma más pura.

“Cuando la terminé, me di cuenta de que sonaba a aquella época. Pensé en Manuel Esperón, en esas melodías que eran como pequeñas películas: románticas, sinceras, sin pretensiones. Lo terminé de componer con la intención de que fuera un ejercicio de estilo, un tributo a esa música que nos dio identidad”, explica la cantante.

El video musical —en preparación— retomará esta estética, con guiños al blanco y negro, al glamour de los foros de cine y a la ingenuidad luminosa del amor que se canta sin ironía.

Por Carlos Aguillón

DE INTÉRPRETE

A COMPOSITORA

Aunque muchos la conocen por su potencia interpretativa, Eugenia confiesa que este paso hacia la composición le llegó tarde, pero con una emoción completamente nueva.

“Llevo más de cincuenta años cantando y hasta ahora me animé. Las melodías empezaron a llegar solas, muy fluidas; las grabo en el celular para no perderlas. No toco ningún instrumento, pero las canciones me buscan”, dice con una sonrisa.

Este gesto de humildad y curiosidad la define. A lo largo de su carrera, Eugenia ha interpretado a los más grandes compositores de México y América Latina — de José Alfredo Jiménez a Joan Manuel Serrat—, pero ahora decide escuchar su propia voz interior. “Es bonito cuando dejas de cantar solo lo que otros escriben y empiezas a hablar desde ti misma. Es otro tipo de vulnerabilidad.”

La artista reflexiona sobre el paso del tiempo con la lucidez que solo otorgan los años vividos sobre el escenario: “El tiempo pasa, pero no me pesa. Mi voz ha cambiado, sí, pero también mi manera de mirar el mundo. Ya no necesito cantar para demostrar nada.”

Tras una operación de columna, Eugenia ha aprendido a mirar la vida con calma, a reconectarse con lo esencial. “Mis condiciones son nuevas, distintas, pero sigo aquí. No tengo fecha de caducidad. Me muevo más despacio, pero con más conciencia.”

Consciente del lugar que ocupa, observa con curiosidad y respeto el panorama musical contemporáneo. “Veo una generación de jóvenes muy creativa. Hay grandes voces, mucha experimentación. No todo

será memorable, pero el tiempo dirá qué canciones se quedarán en la memoria.

También reconoce la importancia de mantenerse abierta a las nuevas formas de difusión y conexión con el público. “Ahora todo pasa por las redes, y eso también puede ser un espacio de ternura. Me emociona cuando chicas jóvenes me escriben para decirme que descubrieron una canción mía gracias a su abuela o a un video en internet. Es como una cadena de amor que sigue viva.”

La artista, que ha sido reconocida con el Grammy Latino a la Excelencia Musical y es una de las voces más respetadas del continente, asegura que su motor sigue siendo la curiosidad: “He sobrevivido cincuenta años y lo más lindo es ver nuevos públicos: hijos y nietos de quienes me escuchaban al inicio. Soy una persona muy feliz, porque sigo aprendiendo.”

Eugenia, esa voz que ha acompañado los momentos más intensos de la vida de millones, continúa encontrando nuevas formas de cantar, de sentir. Y su voz —eterna, luminosa, indómita— sigue recordándonos que, incluso en tiempos de ruido y prisa, la ternura también canta.

UN VIAJE HACIA LA CUMBRE DE SU PROPIA VOZ Meme

El integrante de Café Tacvba presentó su primer álbum como solista, "La Montaña Encendida", durante su actuación en el festival Pulso GNP en Querétaro, marcando el inicio de una nueva etapa en su trayectoria musical.

Texto y fotos Carlos Mora

“Este proyecto nació en silencio, sin planes, sin expectativas. Solo quería volver a sentir la música desde otro lugar”, dijo Meme del Real tras presentarse por primera vez como solista en el festival Pulso GNP, celebrado en el Autódromo de Querétaro. El músico, conocido por ser uno de los pilares de Café Tacvba, ofreció un concierto que marcó un antes y un después en su carrera, al presentar su primer álbum solista, titulado La Montaña Encendida.

Real

En el escenario, rodeado por un ambiente de luces cálidas y una atmósfera intimista, Meme interpretó temas de su nuevo disco frente a miles de asistentes que celebraron su evolución artística.

“Siempre he estado detrás de los teclados, de las ideas, de los arreglos… pero esta vez sentí que tenía que poner la voz al frente, arriesgarme, salir de la zona cómoda”, comentó el músico, visiblemente emocionado después de su actuación.

UNA NOCHE

PARA RENACER

Su presentación en Pulso GNP fue una de las más esperadas del festival. Meme abrió su set con “El resplandor”, tema que también inaugura el álbum, y continuó con piezas como “Luz de agua”, “La montaña encendida” y “Mares de sal”, mezclando sonidos orgánicos y electrónicos. El público lo acompañó en cada canción, entre aplausos y ovaciones que evidenciaron el cariño que el músico ha construido a lo largo de tres décadas de trayectoria.

“Tocar en Querétaro me recordó mis primeros conciertos con la banda, cuando todo era más incierto pero también más libre. Hoy siento esa misma emoción, solo que desde otro lugar, más personal, más consciente”, expresó. El espectáculo fue sencillo pero emotivo: sin grandes pantallas ni artificios, el foco estuvo en la música y la conexión directa con la audiencia. En algunos momentos, el artista agradeció a quienes lo han acompañado en esta nueva etapa. “Este disco lo hice rodeado de amigos, de gente que me empujó a creer en mis propias canciones. No es un salto en solitario, es un viaje acompañado”, dijo.

UN VIAJE INTERIOR

El disco, disponible ya en todas las plataformas digitales, se grabó principalmente en el estudio personal del músico en Valle de Bravo. A lo largo de once temas, La Montaña Encendida atraviesa distintos géneros —del bolero y la cumbia al pop electrónico y la experimentación ambiental— en un recorri-

do sonoro que refleja una búsqueda interior.

“Durante la pandemia tuve tiempo de escucharme, de componer sin pensar en un público ni en un concepto. De ahí nació esta montaña, que más que un lugar físico es una metáfora de lo que uno tiene que escalar para encontrarse”, explicó.

En la producción participó Gustavo Santaolalla, quien acompañó a Meme en la definición del sonido final.

Las letras de La Montaña Encendida hablan del amor, la introspección y el paso del tiempo. Algunas canciones evocan una sensación de calma y contemplación, mientras que otras juegan con ritmos latinoamericanos y arreglos digitales que evidencian su inquietud creativa.

EL FUTURO DE UNA NUEVA VOZ

El concierto en Querétaro sirvió también como antesala de lo que será la presentación oficial del disco el 30 de enero de 2026 en el Teatro Metropólitan

de la Ciudad de México.

“Ese show será especial, más cercano, más narrativo. Quiero que la gente conozca estas canciones tal como nacieron”, adelantó el músico.

Meme del Real también confirmó que planea llevar el proyecto a otros escenarios del país y explorar colaboraciones con artistas de distintas generaciones. “Estamos en un momento donde la música no necesita etiquetas. Quiero colaborar con quien me inspire, sin importar el género o la edad. La Montaña Encendida es, en parte, una invitación a eso: a encontrarse con los otros.”

Su regreso en Pulso GNP no solo presentó un nuevo sonido, sino también una declaración de principios.

“Después de tantos años de carrera, entendí que no se trata de empezar de cero, sino de seguir encendiendo fuegos distintos. Esa es la montaña: subir, caer, y volver a subir, siempre con la música como guía”, concluyó.

Por Carlos Aguillón

México no es solo un destino en la carrera de Alaska: es un territorio emocional, una fuente inagotable de inspiración y uno de los escenarios más significativos en su historia musical. A lo largo de más de cuatro décadas de trayectoria, la artista española ha encontrado en el público mexicano una complicidad que trasciende generaciones, estilos y fronteras. Aquí, Fangoria no solo ofrece conciertos: celebra una comunión artística y afectiva que se renueva con cada visita.

“Cerrar en México es como un cierre perfecto”, confiesa Alaska. “Después de tocar en todas partes, terminar aquí me parece lo más bonito. Este año termina una etapa, y el próximo disco marcará otra. Es como pasar de una piel a otra”. Sus palabras resumen un vínculo que se ha consolidado con los años, una relación basada en la admiración mutua y en una sensibilidad compartida que entiende la música como un acto de libertad.

Para Alaska, el público mexicano tiene una energía única, una pasión que se traduce en respeto y conocimiento. “Hay una forma de

expresarse y una seriedad a la hora de conocer el repertorio que no es comparable con ningún otro lugar del mundo”, afirma. “Lo he visto en grupitos indies en un antro de la Condesa y en el Auditorio viendo a Miguel Bosé. Es un público de verdad, que se sabe las canciones y respeta al artista”.

Esa devoción tiene raíces profundas. México fue uno de los primeros países que acogió su música desde los años de Kaka de Luxe y Dinarama, y que convirtió sus himnos —como Ni tú ni nadie o A quién le importa— en parte del imaginario colectivo. En cada presentación, Alaska se encuentra con nuevas generaciones que la descubren por primera vez, mientras las anteriores la celebran como un ícono que sigue reinventándose sin perder autenticidad.

MÉXICO COMO MUSA

Pero más allá del público, el país también ha influido en el universo creativo de Fangoria. Entre los puestos de la Lagunilla y las vitrinas de revistas antiguas, Alaska y Mario Vaquerizo han encontrado la materia prima para muchas de sus letras y títulos. “Miedo me da cuando vamos

FANGORIA Y SU ETERNO AMOR POR MÉXICO

Alaska elige territorio mexicano como escenario para cerrar un ciclo y dar inicio a una nueva etapa.

DEL TINGO AL TANGO

DÓNDE:

28 de noviembre en el Palacio de los Deportes.

29 en el Teatro Estudio Cavaret de Guadalajara.

a la Lagunilla y compramos revistas, porque de ahí salen letras y títulos”, bromea. “Si lo sabe Dios, que lo sepa el mundo nació de una cajita de muertos besándose; y Todo lo que ayer hice por amor, hoy lo hago por dinero de una revista de vedettes de los años sesenta”.

Ese humor elegante, macabro y con guiños al melodrama mexicano es parte del ADN de Fangoria. Su música siempre ha abrazado lo teatral, lo cinematográfico y lo irónico, como si cada canción fuera una escena dentro de una película pop. En ese sentido, México ha funcionado como espejo y detonante: un país donde la estética del exceso y la pasión desbordada conviven con una profunda melancolía, tal como sucede en las letras del dúo.

El título de su gira más reciente, Del Tingo al Tango, toma su nombre de una expresión mexicana que Alaska y Mario han adoptado como lema vital. “Nos encantó la frase, porque es muy nuestra y muy de aquí. Resume lo que somos: un ir y venir constante entre géneros, décadas y emociones”, explica.

Para ellos, la clave está en no detenerse. “No hemos hecho ningún esfuerzo por sonar modernos ni por quedarnos en los ochenta”, dice Alaska. “El mundo no se para. Seguimos escuchando música nueva y eso nos influye. Nos sale solo. Para nosotros sería imposible seguir tocando con los mismos arreglos de Dinarama cuarenta años después”.

UN LEGADO

SIN NOSTALGIA

A sus más de cuarenta años de carrera, Alaska no siente nostalgia. Más bien, celebra la evolución. “La rebeldía por la rebeldía es infantil. Lo importante es ser auténtico, ser tú mismo y seguir evolucionando”, afirma con convicción. Por eso, Fangoria continúa mirando hacia adelante”.

UN LEGADO QUE INSPIRA

Esa coherencia entre discurso y acción ha convertido a Alaska en una figura de referencia para las nuevas generaciones. Artistas como Aitana la han citado como ejemplo de libertad y autenticidad.

“Siempre llama la atención que alguien mucho más joven te mencione como influencia”, reconoce. “Te hace pensar: ‘wow, soy para esta persona lo que mis ídolos fueron para mí’. Es mejor no pensarlo demasiado, para no volverte loco”.

Con una carrera marcada por la reinvención, el humor y la inteligencia estética, Alaska y Fangoria demuestran que el pop puede ser tan profundo como bailable, tan reflexivo como divertido. En cada visita a México, el dúo reafirma su identidad y la conexión con un público que los ha acompañado desde siempre.

“México siempre ha sido casa —concluye Alaska—, pero ahora lo es más que nunca. Aquí están nuestras canciones, nuestros amigos, y parte de la inspiración que nos hace seguir creando”.

AUDIBLE REVIVE LA LEYENDA DE HILDA KRÜGER, ESPÍA EN TIEMPOS DE GUERRA

"Hilda Krüger", audio drama de Audible, narra la vida de la actriz alemana y espía en México durante la Segunda Guerra Mundial, con Ilse Salas, Alfonso Herrera y Gael García Bernal.

Durante la Segunda Guerra Mundial, una mujer rubia y enigmática apareció en los círculos más exclusivos de la Ciudad de México. Su nombre era Hilda Krüger, actriz alemana, amante de las luces y los secretos. A su alrededor orbitaban políticos, empresarios y artistas; su belleza abría puertas, pero su verdadera misión —según decían— era otra: espiar para el régimen nazi. Su historia, tejida entre glamour, poder y traición, regresa ahora en un formato inesperado: un audio drama original de Audible, narrado por Gael García Bernal y protagonizado por Ilse Salas y Alfonso Herrera.

Producido por La Corriente del Golfo, la casa fundada por García Bernal y Diego Luna, Hilda Krüger es una serie sonora de seis capítulos. Con una duración de entre 20 y 30 minutos por capítulo, la producción combina espionaje, acción e historia, ofrecie ndo una experiencia inmersiva donde las

voces, los sonidos y la música sustituyen a la imagen, invitando al oyente a imaginar cada escena y cada intriga.

Basada en hechos reales, la historia sigue a una mujer que supo moverse entre las sombras del poder con una audacia que la convirtió en leyenda. A través de su mirada, el audio drama propone un viaje por la posguerra, cuando México era un punto de encuentro entre diplomáticos, artistas y conspiradores.

Por Carlos Mora

Alfonso Herrera, quien encarna a uno de los hombres clave en la red de influencias de la espía, la serie mantiene una tensión constante marcada por el misterio y la ambigüedad moral.

HILDA KRÜGER

FORMATO:

Audio drama en español

ELENCO:

Gael García Bernal (narrador), Ilse Salas, Alfonso Herrera

PRODUCTORA:

La Corriente del Golfo

Para Ilse Salas, interpretar a Krüger es adentrarse en una feminidad compleja: seductora y estratégica, víctima y villana a la vez. Junto a

GÉNERO: Acción, aventura histórica y espionaje

DURACIÓN: 6 capítulos de 20 a 30 minutos

PLATAFORMA: Audible (exclusivo)

Narrado por Gael García Bernal, el proyecto confirma el interés de Audible por llevar el entretenimiento sonoro a un nivel superior, donde la historia y la ficción se entrelazan con producción de alto calibre. Hilda Krüger forma parte de los Audible Originals, experiencias creadas exclusivamente para audio que

exploran nuevas formas de contar y seducen a través de lo que no se ve, sino se escucha.

“Su historia es una mezcla irresistible de glamour, poder y secretos: romances con figuras influyentes, acceso a los círculos más altos del país y un misterio que aún genera controversia”, señaló Audible en un comunicado oficial.

Cargada de acción y ubicada en un contexto de aventura histórica y espionaje, la serie presenta a Krüger como una mujer atrapada entre la lealtad y la traición. Desde Los Ángeles hasta Ciudad de México, utiliza su encanto para infiltrarse en las élites políticas y sociales, mientras su ideología y sus principios son puestos a prueba. Bajo la mirada del ministro nazi Joseph Goebbels, Hilde se convierte en informante, pero con el tiempo comienza a cuestionar la ideología que alguna vez defendió, mientras un periodista mexicano obsesionado con el conflicto y con ella narra su historia.

Por Carlos Aguillón

Maabelle irradia una energía que trasciende fronteras. Actriz, cantante y compositora, presenta Amapiano , un tema con el que se convierte en la primera artista mexicana en cantar este género sudafricano en español, tendiendo un puente sonoro entre Veracruz y Ciudad del Cabo. “El amapiano no es solo fiesta. Es un ritual de vibración positiva”, afirma.

El sencillo combina afrohouse, amapiano y espiritualidad en una experiencia sensorial que invita a la introspección. Con frases como “Ori me guía y yo me dejo llevar” o “México a Cape Town, la energía es un vibe”, Maabelle sintetiza su visión de la música como manifestación de bienestar y conexión ancestral. Pero detrás de este sonido global hay una historia personal marcada por la búsqueda de identidad. “Durante mucho tiempo intenté encajar. Me decían: ‘no te pongas ciertos colores porque te vas a ver muy morena’, o ‘no uses esa ropa porque te ves vulgar’. Aprendí a habitar mi piel con orgullo y a transformar esas heridas en poder”, revela. Esa fortaleza se traduce hoy en un proyecto artístico que une raíces afro y mexicanas. Su padre, músico originario de Veracruz, le transmitió el amor por la percusión y la cadencia que ahora reconoce como parte de

EL VIAJE SONORO DE VERACRUZ AL CORAZÓN DE ÁFRICA

La cantante y actriz convierte la discriminación que sufrió en un mensaje de orgullo afrodescendiente; su nuevo sencillo, "Amapiano", mezcla espiritualidad, raíces veracruzanas y ritmos africanos para celebrar la identidad y la diversidad.

su herencia afrodescendiente. “Siempre sentí esa conexión con África sin entender del todo por qué. Ahora sé que viene de ahí, de mi historia, de mi sangre”, dice. La huella internacional de Maabelle no deja de crecer. Tras su participación en la telenovela Mi fortuna es amarte —emitida recientemente en Kenia y Tanzania— y el éxito viral de su remix Enviciada (Amapiano) en África, la cantante se consolida como una de las voces pioneras del movimiento afro-latino. Próximamente lanzará un remix oficial de Amapiano junto al productor sudafricano KQWANEL604, una figura destacada del género con más de 200 mil oyentes mensuales en Spotify.

Más allá de la música, Maabelle asume su papel como agente de cambio. Es Embajadora de UNFPA en la prevención de la violencia de género y la autonomía corporal, participa en Papás por siempre, una producción de Televisa en colaboración con la ONU, y colabora con Racismo MX para visibilizar la afromexicanidad.

“Mi propósito es abrir caminos. Quiero que otras niñas que se ven como yo sepan que su piel, su cabello y su historia son hermosos. No somos la excepción, somos la raíz”, concluye. Con Amapiano , Maabelle no solo hace historia en la música: convierte la herencia, la lucha y la espiritualidad en un ritmo de libertad que une continentes.

MEJORES MOMENTOS DEL FICM 2025

Revista Cameo hace un recuento de diez de los momentos más destacados y/o aquellos que hicieron memorable su edición 23 del Festival Internacional del Cine de Morelia.

POR CARLOS MORA

1. UNA INAUGURACIÓN DE LUJO CON KLEBER MENDONÇA FILHO

La edición 23 del FICM comenzó con una función de gala: El agente secreto, del director brasileño Kleber Mendonça Filho, quien presentó personalmente la película ante un Teatro Matamoros lleno. La alfombra roja reunió a estrellas como Juliette Binoche, Dario Yazbek, Stephanie Sigman, Edgar Ramírez y Martín Barba, dando el tono cosmopolita que caracteriza al festival.

2. JULIETTE BINOCHE Y LA DANZA DEL CINE EN MOVIMIENTO

La actriz francesa Juliette Binoche regresó a Morelia para presentar In-I: In Motion, documental que retrata su proceso creativo junto al coreógrafo Akram Khan. Su presencia generó una de las funciones más concurridas del certamen, además de una charla íntima donde habló sobre el cuerpo, la vulnerabilidad y la libertad en la actuación.

3. SOY FRANKELDA CONQUISTA

MORELIA Y CONSOLIDA

LA ANIMACIÓN MEXICANA

La presencia de Soy Frankelda fue una de las grandes sorpresas del festival. Con la proyección de la primera película mexicana se Stop Motion, también una charla con los creadores Roy y Arturo Ambriz de Cinema Fantasma, el FICM celebró el auge de la animación.

3. PREMIO JOSÉ CUERVO

A DARIO YAZBEK

El FICM celebró uno de sus instantes más significativos con la entrega del Premio José Cuervo Tradicional a Dario Yazbek, reconocimiento a su trabajo como actor y productor dentro del nuevo cine mexicano. Visiblemente emocionado, Yazbek agradeció al festival por acompañar su crecimiento artístico y destacó la importancia de crear cine desde la autenticidad y el riesgo creativo.

4. ESTRENO DE FRANKENSTEIN, DE GUILLERMO DEL TORO

Uno de los acontecimientos más esperados del FICM 2025 fue el estreno anticipado de Frankenstein, dirigida por Guillermo del Toro. La película, producida por Netflix, fue presentada en una función especial con presencia de parte del elenco, encabezado por Oscar Isaac, Mia Goth y Andrew Garfield. El director tapatío envió un mensaje en video en el que agradeció al público mexicano por ser “el primer hogar de todas sus criaturas”.

6. JODIE FOSTER Y STELLAN SKARSGÅRD, GRANDES INVITADOS

La presencia de Jodie Foster y Stellan Skarsgård causó gran expectación entre el público. Foster participó en un encuentro sobre dirección y diversidad en Hollywood, mientras que Skarsgård presentó un adelanto de What Remains, producción nórdica que combina historia y thriller. Ambos demostraron que Morelia sigue siendo un puente entre la industria y el arte.

9. EL REGRESO DE GAEL GARCÍA BERNAL AL FICM

Uno de los momentos más celebrados fue la visita de Gael García Bernal, quien presentó el aniversario de Amores Perros y ofreció una charla. Su presencia reafirmó la conexión entre el FICM y los creadores mexicanos que triunfan en el extranjero. El público lo recibió con ovaciones, consolidando a Morelia como un punto de encuentro entre generaciones de cineastas.

5. EL REGRESO DE LOS GRANDES AUTORES DEL CINE MUNDIAL

El festival se consolidó como punto de encuentro de cineastas fundamentales. Lucrecia Martel presentó Nuestra tierra, un ensayo visual sobre los vínculos entre memoria y naturaleza; Oliver Laxe mostró Sirât, una experiencia espiritual filmada en el Atlas marroquí. Dos miradas distintas que reafirmaron el compromiso del FICM con el cine de autor.

7. EL HOMENAJE A MARÍA FÉLIX, UNA DIOSA EN PANTALLA GRANDE

Uno de los momentos más emotivos fue el homenaje a María Félix, con la retrospectiva Una diosa para una diosa, que reunió siete de sus películas icónicas y una exposición fotográfica en el Centro Cultural Clavijero. Fue un gesto de reconocimiento a la historia del cine mexicano y a una figura que sigue inspirando nuevas generaciones.

10. UN CIERRE QUE MIRA HACIA EL FUTURO

La edición 23 del FICM concluyó reafirmando su misión: apoyar al cine mexicano y fortalecer su diálogo con el mundo. Entre estrenos, homenajes y descubrimientos, el festival dejó una promesa clara: que Morelia seguirá siendo el corazón cinematográfico de México y un espacio donde las historias siguen vivas.

FICM GRAN CIERRE DE LA EDICIÓN 23

El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) cerró su 23ª edición con una ceremonia en el Teatro Melchor Ocampo en la que premió a lo mejor de su Selección Oficial. Después de intensas deliberaciones, el jurado conformado por Ava DuVernay, Pablo Berger, David Linde, Andrea Pallaoro, B. Ruby Rich, Andrei Ujica, Kathy Geritz, Léo Ortuno, Iván Fund, Edward Venero, Fernanda Becerril Chávez, Dinorath Ramírez González y Laura Alderete eligió a los mejores trabajos de entre 103 películas que formaron parte de la competencia del 23a edición del FICM. Asimismo, la audiencia votó por sus películas favoritas para otorgar el Premio del Público en diversas secciones.

LOS GANADORES DE ESTE AÑO SON:

SECCIÓN DE CORTOMETRAJE MEXICANO

· Mención especial de la Sección de Cortometraje Mexicano: Al borde del volcán, de Jorge Granados Ross.

· Premio Especial del Jurado para Cortometraje Mexicano de Ficción patrocinado por Renta Imagen: Sigo Soñando (Oc ni temiki), de Misael Alva.

· Ojo a Mejor Cortometraje de Animación Mexicano: Una parvada de estruendo, de Mariana Mendivil.

· Ojo a Mejor Cortometraje Documental Mexicano: Las voces del despeñadero, de Irving Serrano y Víctor Rejón.

· Ojo a Mejor Cortometraje de Ficción Mexicano: Casa Chica, de Lau Charles.

SECCIÓN DE LARGOMETRAJE DOCUMENTAL MEXICANO

Mención especial de la Sección de Largometraje Documental Mexicano: Brigada 2045, de Olivia Luengas Magaña.

· Premio del Público a Largometraje Documental Mexicano: Mi Benjamín, de Victoria Clay-Mendoza.

· Ojo a Mejor Largometraje Documental Mexicano: Llamarse Olimpia, de Indira Cato.

SECCIÓN DE LARGOMETRAJE MEXICANO DE FICCIÓN

· Mención especial de Largometraje Mexicano de Ficción: Basilio Moncada por su interpretación en El guardián

· Premio del Público a Largometraje Mexicano de Ficción: Vainilla, de Mayra Hermosillo.

· Ojito a Mejor Actor de Largometraje Mexicano: Víctor Miguel Prieto y Osvaldo Sánchez, de En el camino.

· Ojito a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano: Carolina Guzman por su trabajo en La reserva.

· Premio a Mejor Guion de Largometraje Mexicano de Ficción: Karen Plata y Ernestos Martínez Bucio por El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja).

· Premio a Mejor Fotografía de Largometraje Mexicano: Ximena Amann, de En el camino.

· Premio Casa Wabi-Escine para la directora o director de una ópera prima: Nuria Ibáñez Castañeda directora de la ópera prima El guardián.

· Ojo a Mejor Dirección de Largometraje Mexicano de Ficción: Pablo Pérez Lombardini por La reserva.

· Ojo a Mejor Largometraje Mexicano: La reserva, de Pablo Pérez Lombardini.

Juliette Binoche volvió al Festival Internacional de Cine de Morelia once años después de su primera visita, ahora como invitada de honor y para presentar In-I: In Motion, una película que parte de un experimento escénico que la actriz creó junto con el coreógrafo británico Akram Khan.

La actriz francesa explicó que el corazón del proyecto fue explorar un territorio en el que actuación y danza se encuentran.

“La esencia era mostrar el vínculo entre la actuación y la danza, y no fue fácil”, confesó.

Binoche detalló que su proceso como actriz parte de la memoria, de emociones que se encarnan antes de llegar al diálogo; mientras que la danza exige un inicio frente al espejo, desde el cuerpo, antes de que aflore la emoción.

Ese choque de métodos, dice, la obligó a exponerse como nunca.El origen de In-I: In Motion se remonta a 2007, cuando Binoche y Khan montaron un espectáculo en seis meses y lo llevaron a más de 120 funciones alrededor del mundo.

En la cinta, Binoche interpreta un personaje que ella misma escribió. Ese gesto creativo, afirma, le permitió profundizar en un nivel de intimidad pocas veces visto:

“Como actriz quieres mostrar un lugar muy íntimo. Ese es el reto”.

“No pensaba que estaba bailando, sino expresándome a través del movimiento… pensé que iba a morir”, dijo entre risas, hablando de la exigencia física del montaje.

JULIETTE BINOCHE Y EL ARTE DE REINVENTARSE

En su regreso al FICM, Juliette Binoche compartió la fuerza creativa detrás de "In-I: In Motion", un proyecto que une actuación y danza desde la vulnerabilidad, el riesgo y la necesidad de expresarse con el cuerpo entero.

Texto y foto Carlos Mora

DAVID PABLOS Director

el camino

NATALIA PLASCENCIA

OLIVER LAXE

OCTAVIO HINOJOSA Actor

Sobriedad me estás matando

KARLA CORONADO Actriz No me sigas

ÉDGAR RAMÍREZ Productor

Aún es de noche en Caracas

DIANA SEDANO

l actor juarense Víctor Prieto debuta en el cine como protagonista de En el camino, la nueva cinta de drama de David Pablos filmada en Ciudad Juárez. Su llegada al papel ocurrió por accidente —y casi sin querer—, pero terminó convirtiéndose en un proceso transformador que lo llevó a descubrir una vocación que no sabía que tenía.

VÍCTOR PRIETO DA EL SALTO AL CINE CON ENELCAMINO E

En el camino, narra la historia de Veneno (Prieto), un joven estafador que intercambia favores sexuales por dinero en un restaurante de carretera. Su vida cambia cuando conoce a Muñeco (Osvaldo Sánchez), un camionero con quien inicia un viaje marcado por el deseo, el peligro y la persecución de quienes pertenecen al pasado de Veneno. La película, escrita y dirigida por Pablos.

Prieto, de 24 años, trabajaba como ingeniero electromecánico cuando llegó por casualidad al casting. “Yo solo acompañé a mi pareja. Yo no quería hacerlo, ni soñaba con algo así. En Juárez no se ve”, cuenta. Sin formación actoral ni experiencia frente a cámara, terminó pasando por cinco castings y un callback en Ciudad de México, donde compitió contra aspirantes de varias ciudades.

Días después recibió la llamada del director: el papel era suyo. “No lo podía creer. Tenía emoción, pero también miedo porque no sabía en qué me estaba metiendo.”

Pablos lo trasladó a la Ciudad de México para un taller. Ahí, dice, descubrió habilidades que desconocía: “No sabía que tenía el talento.”

Al leer el guion por primera vez, Prieto se sintió confrontado por la complejidad

del personaje: “Es un papel fuerte, con escenas sexuales y con muchas emociones al mismo tiempo. Pensé: ¿cómo voy a hacer esto?”

La conexión llegó desde su propia historia. Veneno es un joven que busca ser libre, especialmente por sus padres. “Yo apenas salí del clóset hace dos años. En Ciudad Juárez eso todavía es muy oculto; muchos no lo hacen por miedo. También viví algo parecido, y eso me movió.”

Esa identificación hizo que el proceso se volviera personal y necesario: “Sentí que tenía que contar esta historia. Si no la cuento yo, ¿quién la va a contar? Y qué mejor que alguien de Juárez.”

UNA MIRADA AL MACHISMO

La película retrata masculinidades frágiles, doble vidas y el machismo que permea entornos como el de los traileros, donde se mueve el personaje de Muñeco. “En Juárez muchos aparentan ser algo que no son. Hay quienes prefieren vivir solos para no enfrentar el rechazo”, explica Prieto. Para él, era importante dar voz a esas historias: “Quiero que la gente vea y entienda lo que muchos jóvenes viven.”

El rodaje marcó un antes y un después. “Me enamoré del cine. No sabía cómo funcionaba y resultó ser algo terapéutico. Me ayudó a conocerme, a liberar emociones. Antes era muy cohibido.”

Apenas comienza su trayectoria, pero ya siente el impulso de usar su voz: “Si esto sirve para que la gente recapacite y entienda que amar no es algo diferente, quiero ser parte de ese cambio.”

Texto y fotos Carlos Mora

El actor debuta en la nueva cinta de David Pablos tras llegar al casting por accidente y descubrir una profunda conexión con su personaje.La historia aborda el deseo, el machismo y la búsqueda de libertad.

FERATUM CELEBRA UNA EDICIÓN

LLENA DE TERROR Y LA FANTASÍA

Estuvimos presentes en el Festival Internacional de Cine Fantástico Feratum, que este año celebró su 14ª edición en Pátzcuaro, consolidándose una vez más como un referente del cine de género en Latinoamérica. Este año Feratum presentó 76 títulos y una amplia variedad de actividades formativas, entre las que destacó el panel “La distribución de cine, el monstruo más temido”, reforzando el compromiso del festival con la industria cinematográfica y la profesionalización de nuevas generaciones de cineastas.

LOS GANADORES DE ESTE AÑO SON:

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Mejor Cortometraje de Animación Internacional:

El aspirante

Mención Honorífica:

Como si la tierra se las hubiera tragado

Competencia de Cortometraje Internacional

Mejor Cortometraje Internacional de Ficción:

The Sentry

Competencia Internacional de Largometraje de Ficción

Mejor Película Internacional:

Adorable Humans

Mejor Guion Internacional:

Anders Jon, Michael Kunov, Kasper Juhl &

Michael Panduro (Adorable Humans)

Mención Honorífica Guion Internacional:

Daniel Negret (Shaman)

Mejor Dirección Internacional:

Anders Jon, Michael Kunov, Kasper Juhl & Michael Panduro (Adorable Humans)

Mención Honorífica Dirección Internacional:

Laura Casabé (La virgen de la Tosquera)

SECCIÓN ALUCARDA

Competencia Mexicana de Cortometraje de Ficción

Mejor Cortometraje Mexicano: Levantamuertos

Mejor Cortometraje de Terror: Ni cumpleaños ni bautismos

Mejor Cortometraje de Sci-Fi y Fantasía: Luces de la noche

Mejor Actuación:

Susana Alexander (MemoNeura)

Competencia Mexicana de Largometraje de Ficción

Mejor Largometraje Mexicano: No Dejes a los Niños Solos

Mejor Director:

Emilio Portes (No Dejes a los Niños Solos)

Mejor Guion:

Gil Espejo (Estela)

Mejor Fotografía:

Martín Boege (No Dejes a los Niños Solos)

Mejor Diseño de Producción:

Alejandro García (No Dejes a los Niños Solos)

Mejor Actuación:

Dolores Heredia (Seres)

LOS MEJORES MOMENTOS DE FERATUM

ESTRENO MUNDIAL DE SERES.

La inauguración del festival contó con la proyección mundial de Seres, la ópera prima del director Sandro Arceo. La cinta, protagonizada por Dolores Heredia y Romanni Villicaña, aborda temas de soledad, empatía y humanidad desde la ciencia ficción. La función inaugural, realizada en el Teatro Emperador Caltzontzin, reunió a cineastas, programadores internacionales, prensa especializada y público local que llenó la sala desde tempranas horas. Con un recibimiento cálido y una atmósfera de expectativa, Seres se convirtió en el primer gran acontecimiento del festival.

LA MARCHA DE LAS BESTIAS EN EL CENTRO HISTÓRICO. Otro instante que dejó huella fue la tradicional Marcha de las Bestias: más de 100 personas caracterizadas como criaturas fantásticas recorrieron el centro histórico de Pátzcuaro con antorchas, máscaras y maquillaje. Este desfile se convirtió en un espectáculo performativo, que no sólo fue para los asistentes sino parte activa del festival, generando una convivencia entre público, cine, y la ciudad misma. Fue un momento de comunidad, de celebración del género y de inmersión total en el universo del festival.

HOMENAJE A TIBURÓN (JAWS).

Uno de los momentos más simbólicos del Festival Internacional de Cine Fantástico FERATUM 2025 fue el homenaje dedicado a Tiburón (Jaws), la película de Steven Spielberg que revolucionó el cine de terror acuático y que este año celebra su 50 aniversario. El festival, cuya edición estuvo centrada en la temática “Monstruos Marinos”, tomó al clásico de 1975 como punto de partida para construir una parte importante de su identidad visual y programática.

EL RECONOCIMIENTO A NO DEJES A LOS NIÑOS SOLOS

La película mexicana dirigida por Emilio Portes se alzó con el gran galardón: el Premio Alucarda a Mejor Largometraje Mexicano, además de Mejor Director, Mejor Fotografía y Mejor Diseño de Producción. El triunfo de esta cinta marcó un reforzamiento del festival hacia el talento local y la presencia activa del cine fantástico mexicano en un contexto internacionalizado. Fue un gran momento de orgullo y visibilidad para la industria nacional.

HOMENAJE AL LEGADO DE GÉNERO.

La función de clausura fue más que un cierre: la proyección de Estela, dirigida por el fallecido cineasta Adrián Araujo, se convirtió en homenaje a su legado dentro del cine de género. Además, la entrega de premios reunió a cineastas, público, voluntarios y equipo de producción, en una velada que confirmó la vitalidad de Feratum como plataforma de cine fantástico en Latinoamérica. Fue un momento de emoción, comunidad y reflexión sobre lo realizado.

En la inauguración del Festival Internacional de Cine Fantástico Feratum 2025, el público se reunió para la premiere mundial de Seres, una cinta que combina el sci fi, atmósferas densas y un acercamiento emocional a la fragilidad humana en tiempos hiperconectados.

Romanni Villacaña vivió una noche decisiva: presentar su primer protagónico, un momento que —como él confiesa en entrevista con la Revista Cameo— todavía está procesando.

Romanni llegó al festival con una mezcla evidente de emoción, nervios y orgullo. No es para menos: Seres no solo marca su salto como protagonista, sino también un desafío interpretativo que lo acompañó desde la primera lectura del guion.

Recuerda con claridad la llamada en la que le ofrecieron el papel y aún sonríe incrédulo al evocarlo. “Cuando me dijeron que me querían como protagonista, pensé que era una broma. Seres es una historia compleja e intensa, y que confiaran en mí para cargarla sobre los hombros… me descolocó. Pero también me emocionó profundamente”, afirma.

El proyecto significó para él un proceso de introspección y disciplina. Su personaje, Lucio, un ingeniero en robótica que comienza a experimentar visiones y alteraciones emocionales mientras desarrolla un androide femenino con fines médicos, lo obligó a enfrentarse a emociones profundas y a construir una vulnerabilidad que no había explorado antes. “Fue un rodaje que

EL SALTO DE ROMANNI VILLACAÑA: SU PRIMER PROTAGÓNICO LLEGA CON SERES

me exigió mucho. Había escenas que terminaba drenado, emocionalmente vacío. Pero al mismo tiempo me sentía vivo, conectado. Descubrí capas de mí que no conocía”, comparte.

El trabajo en el set fue igualmente demandante. No solo por el nivel emocional del personaje, sino por la atmósfera que el equipo creativo buscó imprimir en cada escena: silencios inquietantes, movimientos mínimos, sombras que parecían respirar. Romanni recuerda varias jornadas en las que necesitaba tiempo después de filmar para regresar a sí mismo. “Mi personaje vive rodeado de presencias que solo él puede ver. Eso te obliga a imaginar, a responder a estímulos que no están ahí. El director me decía: ‘Confía en lo que estás sintiendo’. Ese acompañamiento fue clave. Sentí que podía arriesgarme.”

Bajo la dirección de Sandro Arceo, Seres es una exploración íntima sobre la soledad en una era donde la tecnología promete conexión, pero muchas veces provoca lo contrario.

Con la premiere mundial concretada y las primeras reacciones positivas circulando, Romanni mira con gratitud y entusiasmo hacia lo que sigue. Sabe que Seres marca un parteaguas en su trayectoria. “Este protagónico me abrió los ojos. Quiero seguir trabajando en historias que me incomoden, que me empujen. Salgo de la película más seguro y más enamorado del cine.”

Feratum se convirtió, en el inicio oficial de una nueva etapa para él.

Texto y fotos Carlos Mora Romanni Villacaña debuta como protagonista en el cine en "Seres", presentada en su premiere mundial en Feratum 2025, un reto que marcó un nuevo capítulo en su carrera.

LA AMACC CELEBRA

LOS 125 AÑOS DE LUIS BUÑUEL EN LA CASA BUÑUEL

LA ACADEMIA MEXICANA de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) conmemora los 125 años del natalicio de Luis Buñuel. La celebración incluye dos exposiciones en la Casa Buñuel, sede de la AMACC. La primera, Los rostros de Buñuel, reúne caricaturas de destacados artistas mexicanos y del español Fermín Solís. La segunda exposición llamada Su vida al cielo. Las actrices en la obra cinematográfica de Luis Buñuel las homenajea a través de sorprendentes artículos de colección como retratos, fotografías de las películas, lobby cards, pósters, press kits y libros que reviven aquellos gloriosos años.

SU VIDA AL CIELO LOS ROSTROS DE BUÑUEL

DÓNDE:

Casa Buñuel

Horario de 11:00 a 17:00 h de lunes a viernes Cita al correo electrónico exposiciones@amacc.org.mx

Fotos y texto Carlos Mora

FRANKELDA: CREACIÓN Y PESADILLAS

DÓNDE:

Galería de la Cineteca Xoco, Disponible hasta el 6 de enero de 2026.

Martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas, la entrada tiene un costo general de $50 MXN y $35 MXN para niños.

FRANKELDA UN RECORRIDO POR LA ANIMACIÓN STOP‑MOTION

LA CINETECA NACIONAL presenta la exposición

Frankelda: Creación y Pesadillas, un recorrido inmersivo que revela el proceso creativo detrás de Soy Frankelda, la primera película mexicana de animación stop-motion. La exposición incluye más de 120 marionetas, 20 maquetas y una serie de bocetos, storyboards y arte conceptual que permiten al público conocer paso a paso cómo se construyó la película. Los visitantes pueden apreciar desde la creación de los personajes y escenarios hasta la técnica de animación cuadro por cuadro que caracteriza al stop-motion.

Fotos y texto Carlos Mora