CAMEO_40

PERRONI

REPORTAJES 25 AÑOS DE AMORESPERROS

TOM CRUISE EN MÉXICO

CINE PEDRO PASCAL

PRIMER VISTAZO DE LOS4FANTÁSTICOS

Foto Carlos Mora

AMORES PERROS 25 AÑOS

DEL INOLVIDABLE BINOMIO CINEMATOGRÁFICO

n aparatoso accidente vial tiene lugar en la ciudad de México, dejando varias víctimas en el lugar. Lo que ocurre después de ese incidente (y en los días previos al mismo), es el tema central de Amores perros, ópera prima de Alejandro González Iñárritu con la cual el cine mexicano daba la bienvenida al nuevo milenio, y comenzaría a escribir un nuevo capítulo en su historia.

En ese dramático choque coinciden los destinos de Octavio (Gael García Bernal), un muchacho enamorado de Susana (Vanessa Bauche), pareja de su hermano Ramiro (Marco Pérez); el de Valeria (Goya Toledo), una modelo y conductora de televisión española que sostiene un romance con Daniel (Álvaro Guerrero), jefe de una importante revista quien abandona a su esposa e hijos para irse a vivir con ella; y el de El Chivo (interpretado por el recientemente fallecido Emilio Echevarría), exprofesor universitario y exguerrillero el cual, tras pasar años encarcelado, ahora vive como si fuese un indigente más, siendo contratado ocasionalmente como sicario. Tres narraciones mostradas a modo de tres actos alternados, cuyas

acciones son detonadas por el binomio que le da nombre al filme.

Estrenada el 16 de junio del 2000, la cinta marca también el inicio de la fenomenal mancuerna entre el cineasta y su entonces guionista Guillermo Arriaga, al lado del cual desarrollaría la que se conoció como la Trilogía de la Muerte, continuada posteriormente con 21 Gramos (2003) y Babel (2006), siendo esta dos últimas producciones ya de corte internacional. Tras Babel vendría no solo el fin de dicha tríptico, sino también la ruptura del matrimonio artístico entre Iñarritu y Arriaga, donde cada uno tomaría su propio camino.

En la película se hallan ya muchos de los temas que le obsesionan como autor al otrora apodado Negro, y acentuados debidamente por el argumento de Arriaga. Temáticas las cuales no solo se desarrollarían en las siguientes entregas de su tríptico, sino que también se encuentran presentes en el grueso de su obra: el deseo y el amor, el dolor en todas sus formas, la muerte y la pérdida, la traición, la decadencia física y mental, así como la búsqueda de algún tipo de perdón. Hilos emocionales entrecruzados

aquí para formar un lienzo confeccionado por el destino y la fatalidad. El amor mencionado en el título el cual es experimentado por los personajes centrales de cada relato, representa las tres etapas de la existencia: juventud, madurez y vejez. Octavio experimenta un desbordado amor juvenil, sin medida ni restricciones, ese primer amor que siempre se recuerda y a veces cala muy hondo, y le hace caer en una espiral de violencia, traición, y mucha amargura. Valeria forma parte de una relación surgida por un intenso deseo y la atracción física, pero el accidente y sus secuelas la privan de su estilo de vida y, sobre todo, de su libertad, hundiéndose así en la depresión y la soledad, trayendo como consecuencia el desmoronamiento de su romance. Y a El Chivo sólo le resta el amor de su hija a quien no ha visto desde hace muchos años, y al cual desea regresar, pero no lo hace por la culpa y el miedo a ser rechazado por su terrible pasado. Así, los tres personajes comparten un amor y sueños de antemano condenados al fracaso.

La presencia canina (y segundo componente de este binomio) está presente

en momentos clave para los personajes, aunque para cada uno de ellos significan algo diferente: para Octavio es una fuente de ingresos y vehículo para materializar su sueño de irse con su amada a vivir lejos y comenzar de nuevo en otra parte. Para Valeria, es la representación de ese glamour que la ha rodeado siempre, el cual súbitamente desaparece llenándola de angustia y tristeza. Y para El Chivo, es una inesperada (y brutal) posibilidad de librarse de los pecados que arrastra consigo (encarnados en esos perros que le acompañan a todas partes) e iniciar así un camino hacia la ansiada redención. Para recalcar el entrecruzamientos de dichos hilos antes mencionado, Iñárritu -apoyado por los editores Luis Carballar y Fernando Pérez Unda- opta por hacer una narrativa no lineal, en donde el pasado y el presente se van mostrando simultáneamente, ensamblándose para permitir al espectador hacer una reconstrucción de los hechos (¿o recuento de los daños?) que involucran a sus protagonistas, y cuyo punto más álgido se da tras el terrible accidente automovilístico el cual cambiará para siempre el rumbo de sus existencias.

Por Francisco Javier Quintanar Polanco

Esta historia de proporciones operísticas, cuenta además con la magistral fotografía de Rodrigo Prieto; el minucioso y brutal trabajo sonoro de Martín Hernández acompasado con la melancólica atmósfera musical concebida por Gustavo Santaolalla; y una ecléctica banda sonora que lo mismo incluye a Celia Cruz ("La vida es un carnaval") y Los del Garrote ("La cumbia del garrote"), que a Nacha Pop ("Lucha de gigantes")

Control Machete ("Sí señor"), Titán ("Corazón") y hasta The Hollies ("Long Cool Woman (In a black dress)"); la cual se vendería muy bien en diversas -y ahora extintas- tiendas de discos durante un par de años después de su lanzamiento. Todos estos elementos en su conjunto, elevarían aún más su impacto y popularidad, haciéndole recaudar un total de 95 millones de pesos, convirtiéndola en la quinta producción mexicana más taquillera de ese entonces. Paralelamente, el largometraje recibió toda serie de reconocimientos

dentro y fuera de nuestro país. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó 11 premios Ariel, entre ellos los de Mejor película, Mejor director y Mejor actor (Bernal). Internacionalmente, recibió un BAFTA a Mejor película en lengua no inglesa; el premio de la crítica en el Festival de Cannes; y el Tokyo Sakura Grand Prix a la mejor película. Fue también nominada tanto al Globo de Oro como al Oscar en la categoría de Mejor película en lengua no inglesa. En el caso de esta última, marcó el retorno de México a esa categoría tras veinticinco años de ausencia desde la nominación de Actas de Marusia de Miguel Littin en 1975. También la mayoría de la crítica cinematográfica nacional recibió este trabajo con agrado. El portal Sector Cine publicó en junio de 2020 una lista de las 100 mejores películas nacionales, acorde a la opinión de 27 críticos y especialistas del cine en México. Amores perros ocupó allí el lugar 8, detrás de Canoa (1975)

de Felipe Cazals. Aunque no todo fue miel sobre hojuelas y también hubo algunas voces disidentes, como la del célebre crítico y académico Jorge Ayala Blanco quien en contraste la describió como “Una infiltración rabiosa abismal del emergente neocine privado mexicano apantallapendejos en la impresionable fatuidad de los megafestivales de cine; un éxito prefabricado por la estrategia mercadotécnica inventa foximoris, un tridramático culebrón exasperado con gusto a límite rancio, una película sin cerebro ni alma pero con abundancia de vísceras y chisguetes de hemoglobina y torrente de humores imparables chorrillos audiovisuales”.

En el muy complicado 2020, al cumplirse dos décadas de su lanzamiento, Alejandro González Iñárritu buscaría conmemorar dicho acontecimiento reestrenando una versión remasterizada la cual inauguró la edición 18 del Festival Internacional de Cine de Morelia, celebrada ese año. E incluso barajó la posibilidad

de efectuar una función gratuita y al aire libre en el zócalo capitalino. Pero por cuestiones relacionadas con la pandemia, no pudo llevarse a cabo. Ahora que cumple 25 años, se está planeando un reestreno en salas de cine mexicanas, en una versión restaurada en resolución 4K y promovida por una conocida plataforma digital. Dicho reestreno viene precedido de una presentación especial en la reciente edición del Festival de Cannes -lugar donde se proyectó por vez primera-, con la presencia del propio Iñárritu y de Gael García Bernal.

En ese evento, Thierry Frémaux, el director artístico del afamado festival afirmó que Amores Perros “Se ha convertido en un clásico no sólo de México, sino del mundo”. Y no le falta razón para hacer tal afirmación. Lo cierto es que este filme sería el primer peldaño en el camino a la transformación de su realizador en uno de los cineastas mexicanos más exitosos e influyentes a nivel internacional.

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PEDRO PASCAL

DA EL PRIMER VISTAZO DE LOS4FANTÁSTICOS EN LA CIUDAD DE MÉXICO

Con entusiasmo, humor y evidente complicidad, Pedro Pascal y el elenco de Los 4 fantásticos: primeros pasos desataron la euforia del público durante su presentación en el Thunder Stage de la CCXP (Comic Con Experience ) México 2025, uno de los eventos de cultura pop más importantes de América Latina, celebrado en la Ciudad de México.

La visita de Pascal formó parte de la gira promocional de la cinta y se convirtió en uno de los momentos más destacados del evento. Tras su participación, el actor ofreció declaraciones a medios presentes, donde expresó su emoción por estar en el país.

“Es un orgullo increíble y un placer estar acá. Esta será la primera vez que presentamos fragmentos de la película al público, y

hacerlo en México es un orgullo muy grande para mí”, afirmó. El elenco principal está conformado por Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach, quienes interpretan a La antorcha humana y La Mole, respectivamente.

Ambos acompañaron a Pascal en el escenario, donde interactuaron con los fanáticos y compartieron anécdotas del rodaje.

Vanessa Kirby, quien también forma parte del reparto, destacó la cercanía que se generó entre los actores durante la filmación. “La química trascendió la pantalla. En el set realmente se formó una hermandad”, señaló. La participación del elenco marcó uno de los momentos más esperados de la jornada, elevando las expectativas rumbo al estreno de la película.

Fotos y texto Carlos Mora

Pedro Pascal y Vanessa Kirby. El actor se muestra muy emocionado por estar en México.

Vanessa Kirby.

GRAN ELENCO. Ebon Moss-Bachrach, (Ben Grimm, La Mole); Pedro Pascal, (Reed Richards, Mr. Fantástico); Vanessa Kirby, (Sue Storm, la Mujer invisible) y Joseph Quinn (Johnny Storm, la Antorcha humana).

CULTURA POP AL MÁXIMO: CCXP MÉXICO ARRASÓ

LA SEGUNDA EDICIÓN de la CCXP México reunió a miles de fanáticos de la cultura pop en un evento que combinó entretenimiento, creatividad y comunidad. Hubo invitados especiales, sorpresas, regalos, comida y otros atractivos, con una organización notablemente más ordenada a pesar de la gran cantidad de asistentes reunidos en el centro Banamex. Las estrellas del cine no faltaron, y entre los invitados destacados durante los tres días estuvieron figuras como el actor Mads Mikkelsen, quien junto a Pedro Pascal en Los 4 Fantásticos: primeros pasos, fue uno de los más aplaudidos de la noche. Con una asistencia que superó las expectativas, el evento ofreció una amplia variedad de actividades que incluyeron paneles con celebridades, zonas interactivas y concursos de cosplay. Los asistentes elogiaron la calidad de los stands y la diversidad de experiencias disponibles.

Fotos y texto Carlos Mora

El actor Madds Mikkelsen.

Derek Luh, Lizzie Broadway, London Thor y Jaz Sinclair, elenco de la serie Gen V.

Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Pedro Pascal y Vanessa Kirby, durante su presentación de Los 4 Fantásticos.

El actor Xolo Maridueña.

Foto y texto Carlos Mora

La Arriera es una historia íntima, poderosa y profundamente humana que no puedes dejar pasar. Verla en pantalla grande es dejarse envolver por la inmensidad de la sierra, sentir cada sonido resonar en lo más profundo y apreciar la belleza de cada encuadre en su máxima expresión.

La película fue galardonada en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) 2024 con el Premio Mezcal a la Mejor Fotografía y Mejor Dirección, para Isabel Cristina Fregoso. Dos reconocimientos que celebran la fuerza visual y autoral de una cinta que merece vivirse en la sala de cine.

“Estoy muy contento, es mi debut en cine. Pasé del teatro a esta experiencia cinematográfica”, cuenta el actor. “Una de las cosas que más me gusta es el guiño que hace la película a las mujeres que participaron en la Revolución Mexicana, que salían con sus rifles. Hay un reconocimiento hacia ellas y una ruptura con la estructura tradicional.”

SOBRE EL CONTEXTO DE LA HISTORIA, COMENTA

“La película se sitúa en un momento histórico complejo, en una zona como la sierra, el rancho… lugares marcados por tradiciones fuertes. Me siento muy feliz de ser parte de esta cinta.”

¿CÓMO FUE EL RODAJE?

“Se grabó en Jalisco, casi el 80% en un pueblo llamado Mascota, de donde es originaria la familia de Isabel. Tienen una hacienda, y la casa que se usó es parte de su historia familiar. Eso generó una cercanía especial. Teníamos nuestros cuartos, convivíamos, aprendí a ordeñar, hicimos discadas con la gente del pueblo… Platiqué con una señora de 95 años que nos hospedó y nos contaba cómo, en su juventud, se escondía en una cueva para escapar de hombres que raptaban mujeres. Eso también está reflejado en la peli.”

“Yo tenía una muy mala relación con la naturaleza, no me gustaba. Pero esta película me hizo reconciliarme con ella. El primer día le dije a Isabel que necesitaba comprarme unas botas, y todos los días andaba con ellas, incluso salía en pijama por dulces, pero con mis botas puestas.”

ENTRE LA REBELDÍA Y EL DESEO: EL VIAJE DE LAARRIERA LUIS VEGAS

SOBRE EL PROCESO DE PRODUCCIÓN

“Es lamentable que para proyectos como este, que pasan años en desarrollo, en laboratorios, tocando puertas, buscando apoyos y distribución… se tarden tanto. La Arriera es mi primera película y se filmó hace cinco años. Yo era otra persona entonces. Había desesperación, queríamos que se estrenara ya. Pero también entendemos que hubo un trabajo muy riguroso, minucioso: el diseño sonoro incluyó instrumentos de época, el diseño de producción fue muy específico. Hubo un compromiso real con la historia y el universo que queríamos construir. Fue tardado, pero valió la pena.”

¿CÓMO FUE TRABAJAR CON ISABEL CRISTINA FREGOSO?

“Isabel es una súper artista. Conectamos profundamente. En las primeras lecturas del guion, yo sentía que mi personaje, Martín, era un chico herido, con una carga emocional fuerte, incluso lo veía como el ‘villano’ de la historia. Pero con ella fui descubriendo un personaje mucho más complejo: alguien en búsqueda de sí mismo, que en algún punto suelta las riendas del caballo —metafóricamente— y permite la libertad, tanto para sus hermanas como para él mismo. No es un perdedor porque fracasa en una escena de charrería: fracasa porque su condena es sostener el peso de un apellido, de una expectativa que lo rebasa.”

SOBRE EL GUIÑO AL AMOR ENTRE

LAS DOS PROTAGONISTAS

“Me parece una decisión increíble y hermosa. Hoy en día, el amor entre personas del mismo sexo ya no se representa como hace 20 años. Antes, las narrativas estaban centradas en el conflicto: la censura, el castigo, el sufrimiento. Isabel propone otra cosa. Hace un guiño, pero no lo convierte en el conflicto central. Su intención es homenajear, reconocer elementos que pertenecen a su universo, enaltecer sus raíces, hacer cine mexicano, referenciar el cine de oro… y también incorporar lo que somos. Desde ese lugar, me parece maravilloso.”

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Dispobible: Netflix

IDENTIDAD Y TRANSGRESIÓN EN LA ÓPERA PRIMA DE ISABEL CRISTINA

Con La arriera, ópera prima de Isabel Cristina Fregoso construye un puente entre el cine popular mexicano de antaño y los discursos contemporáneos de identidad y diversidad sexual. Ambientada en la Jalisco rural de los años treinta, la película sigue a Emila, una joven que, impulsada por el deseo y la necesidad de escapar de su entorno familiar, se disfraza de arriero y se lanza a recorrer la sierra a caballo. En ese viaje, no solo se descubre a sí misma, sino que también encuentra un mundo nuevo donde puede elegir su destino.

“La historia nace de una etapa muy intensa de mi vida: la adolescencia, el descubrimiento de mi sexualidad y ese rompimiento necesario para poder ser”, explica la directora. También está inspirada en

su abuelo, quien fue arriero desde muy joven, y en el peso del sistema patriarcal: “Siempre me ha generado ruido, pero también me ha estimulado a ser valiente. Encontré en la rebeldía un placer”.

Volver a Jalisco para filmar fue un proceso profundamente personal. “Nunca había abordado algo tan cercano como la familia. Mostrarle esta historia a mis padres, a mis tíos, fue muy relevante. Y hacer cine rural también fue muy especial: el campo está olvidado, pero guarda una conciencia y una cultura mexicana muy viva”.

La cinta, si bien es una historia íntima, también plantea una crítica social desde el afecto. “Hay temas duros, como los feminicidios, la violencia o la imposición de roles de género, pero los abordamos desde la mirada de niñas y niños. Por ejemplo,

muchos hombres se han conmovido con el personaje de Martín porque se ven reflejados en su relación con el padre y en esa exigencia de ser fuertes, proveedores, invulnerables”.

Para Fregoso, Jalisco simboliza tanto el orgullo cultural como el arraigo del machismo: “El tequila y el mariachi me encantan, pero no desde esa lógica patriarcal. La arriera busca mostrar esa contradicción: cómo algo que nos da identidad también puede doler”.

La película tendrá su estreno en la Ciudad de México abriendo el Festival Mix. “Estamos felices de abrir esta edición tan especial. Para mí, La arriera es un homenaje, un llamado a seguir conversando sobre estos temas. Estas películas hay que verlas, porque son medicina para la sociedad”.

Por Carlos Mora

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"Dicen que si algo funciona, ¿para qué cambiarlo?

Este refrán parece aplicarse perfectamente a una de las franquicias de animación más queridas de Dreamworks: Cómo entrenar a tu dragón. Que este mes estrena su adaptación live-action. “Trabajamos muy duro para que las películas trasciendan a lo largo de los años. Al final, todos estamos muy orgullosos de las películas animadas que creamos. Pero hay algo que se siente como una oportunidad perdida si no desempolvamos esta historia y la llevamos a otro medio”, afirmó el director Dean DeBlois en un encuentro especial en el que estuvo presente la Revista Cameo.

Por Alejandra Lomelí

Dean DeBlois ha estado inmerso en el universo de Cómo entrenar a tu dragón desde 2010, cuando se estrenó la primera película de la trilogía animada. Esta conquistó al público con la historia de Hipo, un adolescente vikingo que no encaja en su tribu de cazadores de dragones, pero cuyo destino cambia cuando conoce a un dragón negro al que llamará Chimuelo Tras tres películas y casi una década desarrollando la historia y los personajes creados por Cressida Cowell, el director decidió postularse para dirigir la versión en acción real, tal vez por egoísmo, confesó, ya que “no quería ver la versión de otra persona”, a pesar de su conocida aversión por los remakes de cintas animadas: “Cuando Universal propuso la idea de hacer una versión en live-action de Cómo entrenar a tu dragón, mi reacción instintiva fue defensiva. Quería proteger el universo, los personajes y el corazón de una historia que conozco tan bien. En este caso, estaba decidido a que, si lo íbamos a hacer, lo haríamos de la forma correcta, protegiendo lo maravilloso, el corazón... simplemente, cumpliendo los deseos que esta historia promete”.

El nuevo formato no solo implicó reinventar la historia, sino también un cambio significativo para el propio DeBlois, quien pasó de la animación a la dirección en acción real. Esta experiencia transformó incluso su percepción sobre el género: “Lo más sorprendente para mí, y la mayor enseñanza como director novato en este medio, fue entender que la magia ocurre cuando haces el trabajo de preparación y respondes la mayor cantidad posible de preguntas sobre sets, vestuario y logística. Hay una magia que sucede cuando le entregas todo esto a los actores. Aunque en ese momento no había dirigido una película en live-action, puso a prueba mis convicciones. Y lo que ofrecemos se hizo con cariño, sin cinismo; realmente se creó con todo el cuidado y atención que pudimos darle”.

La acción real aportó una nueva dimensión, ya que, a diferencia de la animación, este formato permite explorar de forma más directa la profundidad emocional de una historia que trata sobre la autoconfianza, las diferencias y las relaciones padre-hijo, así como los matices de los personajes:

DA EL SALTO

“Con Estoico, en el live-action, vemos sus contradicciones, sus momentos de calma, el dolor de un hombre atado a las tradiciones... es casi como contener la respiración con él. Luego surge su vulnerabilidad, y un desenlace que no creo que hubiera podido plasmar tan bien en animación como definitivamente lo logré aquí. Hay muchas más oportunidades de mostrar matices en los momentos clave de Estoico, especialmente en sus luchas internas”, dijo Gerard Butler, quien también interpretó a Estoico “el Vasto” con su voz en la trilogía animada.

“Lo hermoso del liveaction es que nos permite profundizar mucho más en la vulnerabilidad de Estoico y en cómo se desmorona. Quiere mucho a su hijo, sabe liderar una tribu, pero no sabe cómo comunicarse con él. Se siente como si luchara con su propio sentido de identidad”, añadió.

Nico Parker, quien calificó como “catártica” la experiencia de interpretar a Astrid, una de sus heroínas de la infancia, coincidió con Butler respecto a los beneficios del formato:

“El don del live-action es que te da más espacio y libertad para explorar los matices de estos personajes que ya conoces y amas. Así que profundizar en el trasfondo y las razones detrás del disgusto inicial

entre Astrid e Hipo fue realmente interesante”.

Mason Thames, por su parte, señaló que quería mantener los rasgos que hicieron de Hipo uno de los personajes más queridos de la saga, pero también mostrar su conflicto interno:

“Quería explorar un poco el lado más oscuro de Hipo, su tristeza, porque su tribu lo rechaza, no lo acepta por ser diferente. Todo lo que él quiere es enorgullecer a su padre, hacer honor a su nombre y ser un vikingo. Para ello, se supone que debe matar a un dragón. Pero cuando descubre que no puede hacerlo, es cuando entiende que es distinto... y lo acepta”.

Para dar vida a Chimuelo, el dragón Furia Nocturna que forma un vínculo estrecho con Hipo, el equipo de efectos buscó inspiración en el reino animal. Sin embargo, al intentarlo, la esencia del personaje se desvanecía:

“Nos dimos cuenta de que necesitábamos los ojos grandes y el hocico.

Estudiamos grandes felinos, su esqueleto, los músculos, las escamas iridiscentes... Intentamos darle aspectos reales y creíbles, pero siempre conservando la personalidad que ofrecía la versión animada”, explicó DeBlois.

También reveló que se construyó un animatróni-

co de Chimuelo que estuvo en el set como apoyo para los actores.

Además de crear una representación realista y tangible de la Isla de Berk con locaciones en Islandia y Escocia, y superar los desafíos de integrar dragones fotorrealistas en un escenario de fantasía, DeBlois subrayó que la gran diferencia entre la animación y el live-action está en los actores y la forma en la que construyeron a sus personajes:

“Aunque se trata de vikingos y dragones, en realidad habla de relaciones muy modernas y universales con las que todos podemos identificarnos.

CÓMO

ENTRENAR A TU DRAGÓN

Género: Fantasía, aventura, acción y drama

Duración: 98 minutos

País: EU

Nick [Frost], por ejemplo, interpreta a una figura paterna sustituta para un niño incomprendido por su verdadero padre. Este padre no solo lucha por liderar a una tribu desanimada, sino que también intenta ser un padre soltero... y está fracasando. La

relación de Hipo con una chica de origen desfavorecido, que se ha esforzado por ser líder de su generación pero está dispuesta a sacrificarlo todo al ver mérito en lo que este niño ha descubierto, es otro de los aspectos que pudimos ampliar y enriquecer”.

Gerard Butler también destacó el mensaje humano detrás de la historia:

“Esta película habla de fuerza y masculinidad, pero, en realidad, trata de lo contrario: de renunciar a todo eso y dejar que la singularidad brille. Quizás va sobre liderazgo, pero también sobre estar dispuesto a dejarlo ir, a tener empatía y compasión por quienes te rodean”. Finalmente, DeBlois concluyó que esta nueva versión está dirigida a un público actual, “quizás más comprensivo. Y gracias a esa madurez, deja de ser una película infantil para convertirse en una historia para todo público”.

AL LIVE-ACTION

Sin proponérselo —o al menos no de forma consciente, como confesó el propio Wes Anderson durante un encuentro especial con parte del elenco y prensa internacional en el que participó la Revista Cameo— El esquema fenicio es la historia de una relación familiar fracturada: la de un padre, el magnate Zsa-Zsa Korda (interpretado por Benicio del Toro), y su hija Liesl (Mia Threapleton), desarrollada en medio de una trama de espionaje cuya misión internacional los obliga a estrechar su vínculo.

“Después de ver la

película terminada, pensé que a veces uno no es totalmente consciente de lo que tiene en mente. No me había dado cuenta de lo obvio: la misión que emprende Zsa-Zsa, que lo enfrenta una y otra vez a la muerte, y el proyecto de negocios que intenta impulsar... todo eso es, en realidad, un mecanismo para volver a estar con ella. Actúa como si la estuviera preparando para ser su sucesora y, en realidad, trata más de lo que pasará entre ellos a partir de ahora. El negocio se convierte casi en un ritual para reencontrarse con su hija”, explicó el director, quien ya había explorado

las tensiones familiares y personajes distanciados en películas como Viaje a Darjeeling y Los excéntricos Tenenbaums.

“La historia de una familia y su negocio”, dice la escueta sinopsis de esta cinta, que gira en torno a Zsa-Zsa Korda, uno de los empresarios más ricos y poderosos de Europa. Tras sobrevivir a su sexto atentado aéreo, decide replantearse las decisiones sobre su legado, dejando todo en manos de su hija Liesl, una monja.

La idea de la historia surgió a partir de una visión que tuvo Anderson durante la premiere de La crónica francesa en el

Festival de Cannes, cuando vio a Benicio del Toro. En su mente, el actor aparecía como un magnate europeo, salido de una película de Michelangelo Antonioni: un personaje herido, difícil de aniquilar. Pero esa imagen se mezcló con la de una persona real, el suegro de Anderson, Fouad Malouf, a quien finalmente dedica la película:

“El padre de mi esposa, Fouad, era ingeniero y empresario. Tenía muchos proyectos en distintos lugares, era amable y cálido, pero muy intimidante. Tenía todos sus negocios distribuidos en diferentes ‘cajas’. En cierto momento, le explicó

UN ASUNTO DE FAMILIA (Y DE ESPÍAS) WESANDERSONIANO

Por Alejandra Lomelí

EL ESQUEMA

FENICIO

Género:

Comedia dramática y suspenso

Duración:

120 minutos

País: EU

Alemania

a su hija en qué consistía su trabajo, por si algún día ella tenía que hacerse cargo. Su reacción fue como se ve en la película”.

A partir de estas ideas, Anderson y su habitual colaborador Roman Coppola comenzaron a desarrollar la historia, en la que Benicio del Toro se involucró de sde Cannes. Aunque el actor aseguró haber tenido conversaciones con los guionistas sobre la historia y su enigmático personaje, reconoció que la complejidad está principalmente en el guion:

“La mayor parte proviene de la escritura de Wes. Es una historia compleja, algo que cualquier actor encuentra delicioso al intentar darle vida. El personaje está en las páginas; su trasfondo, también”.

Sobre su actuación, Del Toro comentó que en el set siempre hay espacio para la sorpresa, y que se busca un equilibrio entre

las indicaciones específicas de Anderson y la libertad interpretativa:

“Creo que el acercamiento es el mismo que en cualquier película que hago. Pero Wes quiere que vivas el momento, que le digas la verdad, sea lo que sea. Como actores, eso intentamos. Tienes todos tus diálogos, pero también debes aportar algo propio. Hay espacio para que la imaginación se desbloquee. Y tienes que divertirte”.

“Aunque el montaje sea específico, y los movimientos de cámara estén calculados, y a veces haya un ritmo que no quiero decir que sea restrictivo, pero sí particular, creo que con las actuaciones Wes es muy juguetón. Lo disfruta y fomenta la variedad”, añadió Scarlett Johansson sobre el cuidado aspecto visual del cine del director.

Además de su sofisticado estilo visual —la simetría de las tomas, los colores

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pastel y las bandas sonoras de Alexandre Desplat—, las películas de Anderson se caracterizan por sus grandes elencos. En El esquema fenicio participan rostros conocidos de su filmografía como Tom Hanks, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Jeffrey Wright, Richard Ayoade, Rupert Friend, Bill Murray, Bryan Cranston, Riz Ahmed, Mathieu Amalric y Charlotte Gainsbourg. Mia Threapleton, Michael Cera y Hope Davis se suman por primera vez a esta cofradía. “Scarlett ya estaba en mente. Bryan y Tom Hanks juntos... creo que los personajes surgieron tanto de imaginarlos como de adaptarlos después. También teníamos a Benicio, así que muchos ya sabíamos quién los interpretaría. A otros los fuimos eligiendo sobre la marcha”, explicó Anderson sobre su proceso de casting.

Con todos los elementos

característicos del cine de Wes Anderson, El esquema fenicio es un asunto de familia: una reflexión emotiva sobre la paternidad entre misterios, intrigas y atentados.

“Creo que hay algo en mi personaje que desea una segunda oportunidad para recomponer una relación rota. Y en ese proceso debe cambiar, y realmente lo consigue. Me gusta pensar que las personas pueden cambiar. No todos lo hacen, pero algunos sí, y para bien. Creo que eso es lo que la película muestra a través de la relación con su hija. Es algo que me conmueve cada vez que la veo”, expresó Benicio del Toro.

“Esa última toma realmente te dice que no solo han cambiado para bien, sino que existe una forma de encontrar lo que, creo yo, para él representa su versión de la felicidad doméstica”, concluyó Michael Cera.

Fotos y texto Carlos Mora

Tom Cruise desató la euforia en México durante la premier de Misión Imposible: La sentencia final, donde fue recibido como una auténtica estrella de acción. Mientras firmaba gorras y estampitas de santos con su propio rostro, los fanáticos gritaban con entusiasmo el clásico: “¡Viva México!”. El actor, visiblemente emocionado, respondió: “Muchas gracias a la gran familia mexicana. Este es un país precioso, fantástico... ¡La comida, la gente, lo amo!”.

TOM CRUISE

MISIÓNIMPOSIBLE, ÉXITO ROTUNDO EN SU PREMIER EN MÉXICO

Acompañado por Christopher McQuarrie, director de las últimas cuatro entregas de la saga, Cruise recorrió la alfombra roja ofreciendo autógrafos, fotografías y hasta videollamadas con seguidores de Misión Imposible. “Estoy trabajando en ocho películas. No tenemos fines de semana libres. Empezamos cada día hablando de cine”, confesó el actor de 62 años, consolidando una etapa especialmente prolífica en su carrera.

Entre los proyectos en curso se encuentran la esperada secuela de Al filo del mañana (2014) y una nueva colaboración con McQuarrie que, según rumores, podría llevarlo a filmar en el espacio. No sería extraño para alguien que ha escalado el Burj Khalifa, el edificio más alto del mundo, saltado

en moto a un abismo de más de 200 metros y se ha sumergido en un tanque con 8.5 millones de litros de agua.

“Me toca dirigir bajo el agua, o si él va en avión, yo voy en un helicóptero al lado rodando”, compartió McQuarrie, dejando ver que las hazañas de Cruise también requieren

compromiso total de su equipo.

A lo largo de su carrera, Cruise ha realizado giras mundiales para presentar sus películas más icónicas. En esta ocasión, su travesía ha incluido paradas en Corea del Sur, Japón, Reino Unido, Francia, Estados Unidos y México.

El recibimiento en

México fue especialmente emotivo: una banda sinfónica interpretó el famoso tema de la saga ante un público entusiasta que incluyó espectadores de Costa Rica y varios países de América Latina. Un homenaje a la altura de un actor que sigue desafiando los límites del cine de acción.

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El actor y el director, al lado de Ángelica Vale y Yordi Rosado.

El director Christopher McQuarrie y el actor, posan para los fotográfos en el Auditorio Nacional.

DIAMANTE SALVAJE UN VISTAZO A LA TOXICIDAD DE LAS REDES SOCIALES

Con una propuesta más sugestiva que arriesgada, la directora francesa Agathe Riedinger nos lleva con su ópera prima, Diamante salvaje, por el intrincado camino hacia la nueva fama, esa conseguida a través de la (sobre) exposición en redes sociales y a la que miles de adolescentes en todo el mundo aspiran alcanzar; diamantes en bruto que en este suburbial cuento de hadas están representado por Lian, una influencer en ascenso de 19 años determinada a convertirse en una estrella de las redes, facturar y salir de su precaria situación económica y familiar, personaje absoluto que es interpretado con garbo y sensibilidad por la también debutante Malou Khebizi.

La historia sigue entonces a Lian en sus esfuerzos por conseguir seguidores, ganar likes y sobresalir en la virtualidad, mientras eso ocurre su forma de subsistir es a través del robo de productos de almacén que luego vende en las calles, obteniendo dinero para comprar ropa

Por Alejandra Lomelí

o bien, invertir en futuras cirugías estéticas. Pero su oportunidad de ser amada llega cuando audiciona para el popular reality “La isla de los milagros”, su deseo por ser elegida como una de las participantes se transforma en obsesión, proporcionándole a Riedinger los elementos para abordar temas como el culto a la imagen prefabricada para las redes sociales, la manera en la que los adolescentes construyen una identidad defo rmada de sí mismos en las aplicaciones, la hipersexualización del cuerpo, la alienación digital y esa necesidad de validación en un lugar donde hay más hostilidad que simpatía.

Aunque la película tiene un estilo realista que funciona muy bien para subrayar el entorno marginal de la protagonista, este elemento no ha permeado del todo a una narrativa que nunca se atreve a dar el salto al vacío existencial de una generación que vive a través de la red. Diamante salvaje es apenas un vistazo a la toxicidad y los peligros de un medio gobernado por el deseo,

porque como dice Lian en su momento más climático: “quien es deseado tiene el poder”, aunque éste sea efímero o una moneda de cambio. Las lecturas que se desprenden de este largometraje son más estimulantes que las secuencias donde Lian camina por el borde del abismo, hay condescendencia con el personaje y poca introspección, aun así, Diamante salvaje tiene la intensidad necesaria para no pasar inadvertida.

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Dispobible: Netflix

DIAMANTE

SALVAJE

Género: Drama

Duración: 103 minutos

País: Francia

Con más de 30 largometrajes en su trayectoria, Frank Rodríguez se ha consolidado como una de las figuras más versátiles del cine latinoamericano contemporáneo. Actor, guionista, productor y ocasional director, ha construido una carrera centrada en el cine independiente y en historias con identidad propia.

“Todo lo hago en función del actor”, afirma. Hace algunos años decidió escribir y producir sus propias películas, desarrollando personajes que él mismo pudiera interpretar. En diciembre de 2024 estrenó Tumorrou, una cinta que escribió, protagonizó y produjo, reafirmando su perfil de creador integral.

El 2025 lo ha iniciado con una intensa agenda: Carretera 15 e Inevitable llegaron a Prime Video y ViX USA, mientras que Retrato Familiar, en la que comparte créditos con Salvador Zerboni y Carla Hernández, se estrenó en abril por Cine Latino. A lo largo del año también protagonizará Oxidado, María Desatadora de Nudos y Corazón Sagrado.

Radicado en Guadalajara, Rodríguez ha sido un impulsor del auge cinematográfico en Jalisco. “Antes de 2009, se filmaba una película cada cinco años;

Por Carlos Mora hoy se hacen más de 30 al año, en su mayoría sin fondos públicos”, comenta. Este espíritu independiente se refleja en su método: escribe, produce y actúa separando cada función con claridad para no interferir entre roles.

También ha sabido adaptarse a los nuevos modelos de distribución, aprovechando plataformas como Prime, ViX, Tubi y YouTube. “Muchas películas encontraron una segunda vida gracias al streaming. A veces es más negocio que la sala”, asegura.

Aunque sus principales géneros han sido el drama y la comedia, también ha incursionado en el horror y recientemente filmó en España Nos veremos esta noche, mi amor, bajo la dirección de Paco Barasanz, abriendo nuevas rutas internacionales.

Además de artista, Rodríguez es empresario del cine. Es cofundador de la Gran Fiesta del Cine Mexicano, que este año cumple 13 ediciones, y ha desarrollado un modelo sostenible a través de la autogestión y la distribución inteligente.

“Cuando tienes 10 o 15 películas, ya puedes hablar de una industria propia”.

Con base en Guadalajara, Frank ha logrado combinar talento local con proyección global, consolidándose como una figura indispensable del cine latinoamericano actual.

Por Carlos Aguillón

El horror tiene nuevas voces, y una de ellas habla en español. Marcos Muñoz Flores sigue ampliando su territorio creativo: tras cosechar premios en América, su cortometraje En el Nombre de… aterriza en España, dentro de la selección oficial del Cryptshow Festival de Barcelona, uno de los escaparates más potentes del cine fantástico y de terror en Europa.

No es un filme para estómagos ligeros. En el Nombre de… aborda la pederastia clerical con una crudeza visual que busca la incomodidad, no el escapismo. A medio camino entre el horror social y el cine de género más estilizado, la obra suma ya más de 25 selecciones internacionales y 12 galardones, entre ellos el de Mejor Cortometraje de Terror en el Festival Internacional de Cine de Taxco.

“Todo empezó en el Espanto Film Fest. Ese primer premio fue como una patada de buena suerte que impulsó todo lo demás”, recuerda Muñoz. Su frase resume el vértigo de estos meses en los que su obra ha cruzado fronteras.

Con una estética brutalista, un impecable trabajo técnico y un discurso sin

EL HORROR MEXICANO LLEGA A EUROPA

El cineasta Marcos Muñoz Flores sigue cosechando éxitos con su filme En el Nombre de… el cual aborda la pederastia clerical

concesiones, En el Nombre de… desnuda los silencios institucionales que protegen a los abusadores. El filme ha pasado por festivales como Mórbido Fest, Feratum, Pantalla de Cristal, 6ix Screams y Screamfest.

“Más allá de los presupuestos, el cine es pasión, disciplina y rodearte de la gente correcta”, afirma el director, que ha convertido la limitación de recursos en un motor creativo.

LO QUE VIENE: MODA, MUERTE Y EMOCIONES INCÓMODAS

El viaje de En el Nombre de… está lejos de terminar: tras el Cryptshow, la cinta viajará a la 26ª edición del Festival Internacional de Curtmetratges Fantàstics i Freaks de Cerdanyola del Vallès, además de tener presencia confirmada en Midsummer Scream (Los Ángeles) y HorrorHound (Ohio).

Pero Muñoz no se detiene. Su próximo cortometraje, El Último Grito de la Moda, será parte de una antología de terror que reflexionará sobre los extremos de la vanidad y sus consecuencias fatales. Y ya escribe su primer largometraje: DOMI, una historia que explorará la fina línea entre el amor, el egoísmo y el duelo.

TV Y STREAMING

“REPRESENTAMOS HISTORIAS QUE NOS ROMPEN”

Por Carlos Aguillón

En la nueva temporada de Mujeres asesinas, la cual ya está disponible por ViX, hay algo más que asesinatos. Lo que arde en cada capítulo no es solo el crimen, sino todo lo que lo antecede: el abandono, el miedo, la rabia, la impunidad. Y en el centro, están ellas: las actrices que dan vida a esas mujeres que alguna vez gritaron por ayuda y nadie las escuchó.

La actriz Cassandra Sánchez Navarro no se guarda

nada. “Estoy encabronada”, dice con una honestidad que corta como navaja. “He vivido violencia. Mis amigas también. Desde que somos niñas nos dicen cómo vestirnos, a qué hora volver, qué hacer para no provocarlos. ¿Y todavía tenemos que agradecer estar vivas?”

MUJERES

ASESINAS 3

Capítulos: Ocho

Dónde ver: ViX

Para Cassandra, esta serie fue un golpe en el estómago. “Cuando me enteré que eran historias reales, no lo podía creer. Me fui empapando de los casos. Vi videos, juicios. Vi una madre que mató al hombre que había asesinado a sus hijos, frente a un juez. Duele decirlo, pero la entendí”.

Su capítulo retrata precisamente esa línea borrosa entre la justicia y la desesperación. “No justifico el asesinato, pero a veces la justicia llega tarde… o nunca. ¿Qué haces cuando no te queda nada? ¿Qué haces cuando nadie te protege? Para muchas mujeres, esa es su única opción. Y eso me duele profundamente”.

Para Azul, el impacto fue personal. “Yo llegaba a mi casa molesta, revuelta. Esta serie te hace ver lo que muchas prefieren ignorar. Y yo no quería hacerlo. Sabía que esta serie la ve mucha gente. Y por eso había que contarla con verdad.”

Por su parte, Scarlet Gruber habla desde la empatía: “Es un honor contar estas historias. Detrás de cada mujer que mata, hay otra

Azul Guaita, otra de las protagonistas, admite que su personaje la dejó marcada: “Leía el guion y me daban ganas de gritar. Mi personaje pedía ayuda por todos lados y nadie la veía. ¿Cuántas están viviendo eso ahora mismo? ¿Cuántas están silenciadas, encerradas, solas?”

que primero fue víctima. Quiero que la gente vea eso, que lo entienda. Porque si seguimos culpando sin escuchar, nunca va a cambiar nada.”

CHECA EL TRAILER

UN ESPEJO DE LA SOCIEDAD EN 8 CAPÍTULOS

La violencia de género, la negligencia institucional, el sistema que falla… todo eso está presente en cada capítulo. Y para las actrices, no fue solo una interpretación: fue una confrontación directa con una realidad que muchas viven.

Mar Sordo, Yare Santana y Eileen Yañez, quienes también protagonizan casos reales, coinciden en algo: este trabajo cambió algo en ellas.

“Hay que hablar de lo que pasa antes del crimen”, dice Azul. “Antes de que una mujer mate, hay muchas veces en que pidió ayuda. Hay una historia de abuso, de miedo, de abandono. Ahí es donde deberíamos estar mirando”.

Yare expresó : “Estas historias me hicieron sentir agradecida por mi vida,

pero también muy responsable. ¿Qué estamos haciendo por las que no tienen recursos, por las que no saben leer, por las que no pueden salir?”

Para Eileen Yañez, la serie también sirve como un espejo social: “No se trata de justificar, se trata de entender. Muchas veces, la diferencia entre una mujer libre y una mujer en la cárcel es simplemente haber tenido una red de apoyo”.

Mientras que Mar lanza una pregunta clave:“¿Qué hacemos para que estas historias no se repitan?

Porque no basta con conmovernos. Hay que hacer algo. Ya”, concluyó. Cabe resaltar que la nueva temporada de Mujeres Asesinas no busca glorificar la violencia. Busca incomodar, provocar, abrir conversaciones urgentes. Y lo hace de la mano de mujeres que decidieron no solo actuar, sino poner el alma.

“Si aunque sea una mujer se siente acompañada, si alguien dice ‘yo viví eso y ahora entiendo que no fue mi culpa’, entonces todo valió la pena.”

ADRIÁN URIBE

SE ENCHILA EN SERIO

HUMOR, HISTORIA Y CHILE EN SU NUEVA TRAVESÍA GLOBAL

Por Carlos Aguillón

Adrián Uribe nunca había hecho un documental. Tampoco había viajado a la India caracterizado como El Vítor para entrevistar a un chef en inglés mientras sudaba por el chile más picante del mundo. Todo eso cambió con Al chile, la nueva docuserie de ViX en su plataforma premium.

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AL CHILE Capítulos: Cuatro Dónde ver: ViX

“Ya nomás le faltaba hacer un documental al Vítor, ¡y ya lo hizo!”, bromea Uribe. “Cuando me invitaron Pablo Cruz y Mike Palafox, me emocioné muchísimo.

El chile es un símbolo muy nuestro, y llevarlo al mundo con humor me pareció una gran combinación”.

La serie, producida por El Estudio creadores de Taco Chronicles, consta de cuatro episodios y recorre desde la Ciudad de México hasta la India, pasando por Jalisco, Sonora, Puebla, Oaxaca, Yucatán y Estados Unidos. En cada destino, Uribe mezcla la comedia con entrevistas a chefs, expertos, cultivadores y fanáticos del picante. El

resultado es un retrato atrevido, fresco y lleno de sabor de uno de los ingredientes más emblemáticos de la cultura mexicana.

“Lo que más me sorprendió fue todo lo que no sabía del chile. Uno cree que el habanero es lo más picante, y resulta que en la India tienen uno peor. También en Estados Unidos cultivan chiles extremos. Todo eso lo fuimos descubriendo mientras grabábamos, y creo que el público se va a sorprender igual que yo.”

Grabada en un mes y medio, la producción exigió un ritmo intenso, pero para Uribe fue una experiencia enriquecedora. “Estar enchilado en Bombay inten-

tando entrevistar en inglés con el acento del Vítor… fue una locura. Pero eso también te da libertad. Con el personaje puedo equivocarme, improvisar, conectar de forma distinta.”

BUSCA CONSOLIDARSE EN CINE Y SERIES

Uribe ha sabido moverse con inteligencia por la industria del entretenimiento. Desde la televisión abierta con La hora pico, hasta su paso por el teatro, el cine y ahora el streaming, ha logrado mantenerse vigente sin perder su esencia. Al chile representa un nuevo capítulo en esa evolución: una apuesta por formatos diferentes sin abandonar su sello de comedia familiar. “Me siento muy afortunado de haber vivido toda esta transición: la televisión tradicional, los sketches, y ahora las plataformas. Que El Vítor haya sobrevivido todo eso y ahora tenga un documental, habla de cómo la comedia también puede adaptarse y crecer.”

El actor tiene claro lo que quiere para su futuro. Después de este proyecto, presentará una nueva película musical junto a María León, y regresará con la tercera temporada de la serie Casados con hijos de Sony. Además, iniciará una gira teatral y planea rodar otra cinta en enero. Entre otros proyectos, no descarta dirigir y sueña con un papel dramático. “Quiero hacer algo que nadie espere de mí, algo que me rete, que me saque de mi zona de confort.”

Sobre la comedia actual, Uribe mantiene una postura firme, la cual se hizo a través de la admiración de figuras como: Héctor Suárez, Cantinflas, los hermanos Soler y otros grandes de la comedia mexicana: “A mí siempre me ha gustado hacer una comedia más familiar. No estoy en contra del humor con groserías, pero creo que hay que usarlas con propósito, no como muletilla. La comedia debe proponer, tener estilo, creatividad”, concluyó.

En el documental recorre desde la Ciudad de México hasta la India.

Por Carlos Aguillón

Cada junio, el país se viste de arcoíris para celebrar el Pride, una manifestación de lucha, memoria y celebración que en México ha tenido un recorrido vibrante y a la vez lleno de desafíos. Lo que comenzó como una protesta marginal ha encontrado eco en las calles, en redes sociales… y en las pantallas.

Hoy, personajes LGBTQ+ protagonizan tramas en series, telenovelas y cine mexicano como nunca antes. ¿Cómo llegamos hasta aquí? Te lo contamos.

LOS PRIMEROS PASOS: DEL SILENCIO AL ORGULLO

El primer desfile del Orgullo Gay en México se realizó en 1979, inspirado en los disturbios de Stonewall en Nueva York. Aquella manifestación reunió apenas a unas pocas centenas de personas valientes que desafiaron la intolerancia en una ciudad que aún reprimía cualquier muestra pública de diversidad sexual.

Durante las décadas de los 80 y 90, el contexto social estuvo marcado por la crisis del VIH/SIDA, la censura mediática y los estereotipos negativos en el entretenimiento. Los personajes LGBTQ+ en las telenovelas eran caricaturas, chistes

fáciles o villanos. Sin embargo, el activismo no cesó y, poco a poco, la representación fue ganando espacio. La democratización de los medios y la llegada de nuevas plataformas serían claves para darle visibilidad a la comunidad.

LA TRANSICIÓN EN LAS PANTALLAS

El cambio comenzó a sentirse en el cine independiente. Películas como Y tu mamá también (2001), con sus sutiles exploraciones de la sexualidad, y El lugar sin límites (1978), adelantada a su tiempo, abrieron caminos para representaciones más complejas.

La telenovela, ese espejo tan influyente en la cultura popular mexicana, tardó más. Fueron telenovelas como: La vida en el espejo (1999), Los exitosos

Pérez (2009), Las Aparicio (2010) y Juntos el corazón nunca se equivoca (2019), por citar algunas, las que rompieron el molde al mostrar una relación gay como parte integral de la trama, no solo como comic relief. Es entonces que la comunidad encontró por fin un espacio respetuoso y protagónico en el horario estelar.

SERIES Y CINE EN CLAVE

LGBTQ+: LA NUEVA OLA

Con la llegada del streaming,

ORGULLO EN PANTALLA: LA INCLUSIÓN LGBTQ+ EN EL CINE Y LA TV

la libertad creativa ha sido aún mayor. Netflix, Amazon Prime y plataformas locales han apostado por narrativas diversas.

• La casa de las flores (2018) de Manolo Caro no solo rompió récords de audiencia: su enfoque abierto hacia las identidades LGBTQ+ y personajes como Paulina de la Mora o María José, una mujer trans, fue revolucionario.

• En cine, filmes como Cuernavaca (2017), Todo el mundo tiene a alguien menos yo (2012), o el aclamado Te llevo conmigo (2020), que mezcla ficción y documental sobre una pareja gay migrante, han cosechado premios internacionales.

• Nuevas series como Desenfrenadas, Control Z, Todo va a estar bien y El secreto del río, continúan mostrando diversidad sin etiquetas ni moralismos.

EL FUTURO DEL ORGULLO AUDIOVISUAL

Hoy, los personajes LGBTQ+ en las series, telenovelas y cine mexicano son más variados y humanos. No están definidos solo por su orientación o identidad de género: son abogados,

médicos, madres, héroes y villanos, igual que cualquier otro personaje.

Sin embargo, la tarea no está completa. Faltan más voces trans, más narrativas interseccionales y diversidad fuera de los círculos urbanos privilegiados. Es importante como comunidad, no perder la escencia de esta fiesta anual, la cual tiene como raíz la protesta por el respeto y la igualdad de derechos. No olvidemos honrar a toda esa comunidad que aguantó humillaciones, violencia y desaprobación, para que las nuevas generaciones tengan más libertad de vivir y amor sin ataduras.

Mientras tanto, cada beso en pantalla, cada historia de amor y cada personaje auténtico siguen sumando en este arco narrativo del Pride que, afortunadamente, ya no tiene vuelta atrás.

En conclusión, lo que comenzó como un grito en las calles hoy resuena en las pantallas. Y la comunidad responde: porque vernos representados importa, y porque el amor en todas sus formas, siempre encontrará su historia.

TEATRO MÁS ALLÁ DEL SILENCIO... EL AMOR

MANUAL BÁSICO DE LENGUA DE SEÑAS PARA ROMPER CORAZONES

Foto Carlos Mora

PABLO PERRONI

AMOR, VERDAD Y REPRESENTACIÓN EN EL ESCENARIO

Por Carlos Aguillón

Fotos Carlos Mora

Este año, en el especial del Pride de Cameo, decidimos que nuestra nota estelar no solo debía representar a la comunidad, sino también tocar su corazón. Pablo Perroni protagoniza Destello, una obra que aborda el amor

entre dos hombres desde la vulnerabilidad, la memoria y las cicatrices invisibles que deja la homofobia. Su sensibilidad, entrega y visión lo convirtieron naturalmente en nuestro rostro de portada.

“Estoy feliz de la vida, me encanta formar parte de esto, y de contribuir en algo para la comunidad”, nos dijo

con una sonrisa cuando le contamos que sería él quien encabezaría este especial. Pablo llevaba años buscando un texto con temática LGBTQ+ que fuera digno, profundo y conmovedor. Lo encontró en una obra británica que leyó, adaptó y tradujo para presentarla en México bajo el nombre de Destello. Se

trata de una historia de amor entre Carlos y Julio, que se conocen en una aplicación, se enamoran, construyen una vida juntos… hasta que algo sucede una noche de lunes que lo cambia todo. La narrativa es fragmentada, no lineal, y exige al público armar el rompecabezas emocional junto a los personajes.

DESTELLO

¿DÓNDE Y CUÁNDO?

Jueves y viernes, 20:30 horas, sábado 19:00 horas y domingo 17:30 horas.

Foro Lucerna, calle Lucerna 64, Juárez. Funciones

Es una obra sobre la verdad, sobre los recuerdos; el cómo construimos (y reconstruimos) nuestras historias personales. También sobre la salud mental, la homofobia, la fragilidad, la vejez… pero, sobre todo… el amor. “Es una historia de amor en el centro de todo”, recalca Pablo, consciente de que el amor entre dos hombres aún necesita visibilizarse con dignidad en los escenarios. “La obra conecta con muchas personas en muchos niveles. Parte del reto fue cómo promoverla sin arruinar la experiencia con spoilers. Por eso, la campaña visual optó por imágenes inten-

sas: dos hombres besándose con pasión. Eso sucede, pero es solo una parte. Si vienen por el morbo, se llevan mucho más”, resaltó el actor.

EN LUCHA CONTRA

LA

HOMOFOBIA

Durante la charla, Pablo compartió momentos profundamente personales, como una agresión homofóbica que vivió en un gimnasio, que lo hizo sentirse de nuevo como el niño vulnerable de diez años que alguna vez fue. Esas heridas, dice, no se borran. “Todos tenemos esa huella. Y por eso es tan importante contar estas historias, porque siguen pasando cosas así todos los días”.

Agregó que: “El contar este tipo de historias, es la forma de darle algo a mi comunidad, contando a través del escenario, temas que nos atañen y que es importante abordarlos. Entonces seguiré poniendo énfasis en poner mi granito de arena, para buscar la reflexión de muchos temas que deben tener visibilidad”.

Pablo no se detiene. Ya tiene otras dos obras en puerta para este año, ambas con representación LGBTQ+. Una de ellas, según adelanta, lo confrontará directamente con su lado más frágil: “Hace unos años no hubiera podido interpretarlo”. Hoy lo asume con valentía, sabiendo que el teatro también puede ser un espacio de sanación.

Más allá de cualquier moraleja, Pablo cree que el teatro debe plantear preguntas, provocar reflexión, permitir que el público tome lo que necesite: “Cada cabeza interpreta la vida desde donde la ha vivido. Y eso está bien. Eso es humano”, concluyó.

Cabe resaltar que, Destello extendió su temporada debido al éxito, por lo que se presentará durante junio en el Foro Lucerna. Los boletos se pueden adquirir en línea, así como en las taquillas del teatro.

Los actores Pablo Perroni y Alejandro Oliva.

Cuando el amor va más allá de las palabras, lo que queda es la mirada, el gesto y el intento profundo de entender al otro. Eso es justo lo que propone Manual básico de lengua de señas para romper corazones, el entrañable y valiente montaje que se presenta cada jueves en La Teatrería. Bajo la dirección de Joserra Zúñiga y con un elenco que combina actores sordos y oyentes, esta obra bilingüe —en español y Lengua de Señas Mexicana— está revolucionando la escena teatral con su propuesta inclusiva, conmovedora y honesta.

Basada en el texto del cineasta y dramaturgo español Roberto Pérez Toledo, quien falleció apenas una semana antes del estreno en su país, la obra ha permanecido en cartelera en España por más de tres años. La adaptación mexicana no es una simple traducción: es una reconstrucción cultural, emocional y escénica que pone en diálogo la experiencia de la comunidad sorda en México con una historia de amor profundamente universal.

MANUAL BÁSICO DE LENGUA DE SEÑAS PARA ROMPER CORAZONES

EL AMOR MÁS ALLÁ DE LAS PALABRAS

Por Carlos Aguillón

Fotos Carlos Mora

UNA HISTORIA DE AMOR… Y DE BARRERAS QUE SE DERRUMBAN

La trama sigue a Jaime, un chico oyente que se enamora de Lucho, un chico sordo. Lo que comienza como un encuentro imposible, pronto se convierte en una travesía de aprendizaje y de apertura: no sólo hacia la lengua del otro, sino también hacia su mundo.

“La verdad es que ha sido una experiencia muy poderosa”, dice Martín Barba, quien interpreta a Jaime. “Lo más complejo para mí como actor oyente ha sido entender que la Lengua de Señas no es solo un idioma distinto: es una forma de concebir el mundo. Muchas veces intentábamos hacer chistes o referencias que simplemente no funcionan para la comunidad sorda, como el concepto de ‘salir del clóset’, que tuvimos que explicar y adaptar”.

Desde el primer ensayo, los retos fueron muchos. Moisés Melchor, actor sordo e integrante de la compañía Seña y Verbo, confiesa que al principio pensó que sería difícil establecer comunicación con el equipo.

Martín Barba

Moisés Melchor

Sergio Velasco

MANUAL BÁSICO DE LENGUA DE SEÑAS PARA ROMPER CORAZONES

¿DÓNDE Y CUÁNDO?

La Teatrería, calle Tabasco, Colonia Roma. Funciones todos los jueves a las 20:30 hrs.

“Nos preocupaba el tiempo de montaje, pensábamos que tardaríamos meses en lograrlo. Pero fue todo lo contrario. Se creó una conexión muy rápida con Martín y Sergio (Velasco), aprendieron muy bien la lengua de señas, y eso hizo que la experiencia fuera muy bonita. Realmente nos conocimos como equipo, desde lo humano y desde lo artístico”.

Antonio Sacruz, intérprete y director asociado,

explica uno de los mayores retos creativos: “La obra original está escrita para un contexto español. Tuvimos que hacer muchas adaptaciones para que la comunidad sorda mexicana se sintiera representada. Incluso hubo momentos del texto que cambiamos completamente para reflejar cómo en México, lamentablemente, aún falta información sobre temas como la diversidad sexual dentro de la comunidad sorda”.

UNA EXPERIENCIA QUE TRANSFORMA A LOS PÚBLICOS

Una de las preguntas inevitables para el equipo fue: ¿cómo lo recibiría el público? ¿Qué pasaría si durante diez minutos no se escucha ninguna palabra?

“Tenía mucho miedo”, dice Sergio Velasco, actor oyente. “Pero fue hermoso descubrir que el silencio también puede conmover. El público llora, se ríe, se emociona. Y lo más sorprendente: muchas personas nos han dicho que su parte favorita de la obra es justamente esa escena donde no se dice nada, solo se señan emociones como la rabia o el amor. Ese silencio está lleno de sentido”. Cabe resaltar que el montaje cuenta con subtitulaje en vivo, lo que requiere una coordinación minuciosa. Si se modifica un diálogo, el subtítulo también debe adaptarse en tiempo real. Pero la inclusión va mucho más allá del escenario. La Teatrería capacitó a su personal para dar las llamadas en lengua de señas, adaptó la taquilla para que no refleje la luz, lo que dificultaba la comunicación visual; e incluso incorporó personal que puede interactuar con el público sordo.

Los actores Martín

Barba, Moisés Melchor y Sergio Velasco.

Elisa Carrillo

SE DESPIDE DE BOLERO EN MÉXICO

La reconocida bailarina mexicana Elisa Carrillo Cabrera ofreció, durante la gala

Elisa y Amigos en el Auditorio Nacional, su última interpretación en México de Bolero, la emblemática coreografía del francés Maurice Béjart, acompañada por la icónica música homónima de Maurice Ravel.

“Fue la última vez que bailé el Bolero en México y lo único que

les puedo decir es que es un momento muy importante para mí como bailarina, por toda mi carrera. Esta pieza icónica de Béjart muy pocos bailarines en el mundo han tenido la oportunidad de presentarla”, afirmó Carrillo, después del evento.

Carrillo, recientemente nombrada directora de la prestigiada escuela John Cranko Schule Stuttgart en Alemania, ya había interpretado Bolero en el mismo recinto en 2022, acompañada por un elenco compuesto mayoritariamente por artistas mexicanos

La coreografía, que exige una gran resistencia física y entrega emocional, representa para la bailarina un punto culminante en su carrera:

“Después de 14 minutos estás muy cansado; lo primero es la parte física, pero también la parte mental para estar concentrado. Es una pieza en la que, si no entregas todo y no tienes una fuerza interpretativa, no puedes llegar a esa cúspide que estás buscando desde un principio”, señaló.

Para Carrillo, Bolero es una obra que llega a la vida

de los intérpretes en el momento justo: “Son piezas cuyo significado comprendes cuando ya eres un bailarín formado, cuando has tenido una trayectoria, interpretado grandes roles, y empiezas a buscar obras que te den satisfacción de otra manera”.

La gala Elisa y Amigos reunió nuevamente a destacados nombres de la danza internacional, en lo que fue una noche de alto voltaje emocional y artístico, coronada por esta despedida histórica de Bolero en suelo mexicano.

Texto y foto

Carlos Mora

CELEBRA CUATRO DÉCADAS DE IMPULSAR

EL CINE MEXICANO

Por Carlos Aguillón Foto Carlos Mora

Para Estrella Araiza, directora del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), cuatro décadas no son solo motivo de celebración, sino también de memoria, resistencia y renovación. Araiza

comparte con la Revista Cameo los desafíos de comandar uno de los festivales más relevantes de Iberoamérica en un panorama cambiante, donde la industria parece colapsar, pero el espíritu creativo se niega a extinguirse.

“Sí, cumplimos 40 años… pero, ¿qué significa eso realmente?”, se pregunta Estrella

con la sinceridad de quien no teme ir más allá del discurso oficial. Este aniversario es una oportunidad para mirar atrás y rendir homenaje a quienes construyeron el festival piedra por piedra: desde programadores y cineastas, hasta espectadores que han hecho del FICG una tradición. Uno de los eventos

más significativos será una exposición fotográfica en el Paseo Chapultepec, que retrata a las personas clave en la historia del festival. Además, se realizará un panel con ganadores del Mayahuel de Plata, que buscará generar una reflexión colectiva: “Quienes han vivido el festival puedan sentir ese apapacho”.

CHECA EL PROGRAMA DEL FICG

ESPECIAL FICG

ESTRELLA ARAIZA,

DIRECTORA DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE EN GUADALAJARA (FICG)

DOLORES HEREDIA

La reconocida actriz mexicana recibe el Mayahuel de Plata, el máximo galardón del festival, por sus 40 años de carrera en cine, teatro y televisión. Como parte del homenaje, se presentará el libro conmemorativo Dolores Heredia. Un ratito de vida es vida, y la actriz ofrecerá una clase magistral.

MÓNICA LOZANO

Productora de películas emblemáticas como Amores perros, es reconocida con el Mayahuel Homenaje Industria FICG por su impacto en la producción cinematográfica nacional.

Después de la pandemia, muchos festivales desaparecieron. No así el de Guadalajara. Araiza lo atribuye a la fortaleza de su estructura, especialmente en el área de industria:

“Nuestro objetivo es acompañar el proceso completo de una película: desde el guion hasta su estreno. Eso es lo que hace que este ecosistema funcione”.

La curaduría es un trabajo colectivo, intenso, con debates encendidos, pero también con pasión genuina. “No se trata de lo que a uno le gusta. Se trata de pensar: ¿quién necesita ver esta película?”, asegura.

EL CINE MEXICANO, EN CRISIS SILENCIOSA

“El cine mexicano está colapsado con la llegada masiva de las plataformas.

DANIELA VEGA

La actriz chilena, protagonista de Una mujer fantástica, recibe el Premio Maguey Queer Icon por su papel como referente en el cine LGBTQ+ y su activismo en favor de la diversidad.

Los jóvenes cineastas son absorbidos demasiado pronto: hacen una primera película y enseguida los llevan a dirigir series, sin espacio para madurar una voz cinematográfica propia.

“No digo que eso sea negativo en sí, pero no permite que se desarrollen grandes directores. La creación necesita libertad. Y tiempo.” En ese contexto, Araiza celebra que Michel Franco ofrecerá una masterclass en el festival sobre compromiso creativo. “Esos espacios de reflexión se vuelven más necesarios que nunca”.

PROGRAMACIÓN:

LA APUESTA POR LA DIVERSIDAD

Este año habrá 10 secciones curadas con minuciosidad, desde largo-

DENISSE GUERRERO

Vocalista de la banda Belanova, es homenajeada con el Premio Maguey Trayectoria. Además, se presenta el documental Murió la fantasía, que narra su carrera artística, y una exposición con vestuarios y objetos escénicos que han marcado su estilo.

metrajes iberoamericanos hasta cine experimental. Y, como siempre, sorpresas: desde películas recién salidas de otros grandes festivales hasta apuestas independientes que encontrarán aquí su primer público.

Destaca la premier de Soy Frankelda, la primera película mexicana en animación stop motion, una hazaña técnica y emocional. También el showcase de series suma propuestas como la nueva serie de Chespirito: Sin querer queriendo, el documental sobre El Padre Maciel (HBO), y una producción independiente chilena dirigida por Pablo Díaz, un actor que decidió reinventarse tras ser encasillado como galán de telenovelas.

Como cada año, el FICG

JUANANTONIO BAYONA

El cineasta español, director de La sociedad de la nieve, es reconocido con el Mayahuel Internacional por su destacada trayectoria en el cine global .

tiene un país invitado. En esta edición: Portugal, con una delegación fuerte y 30 películas en programación, entre cine contemporáneo y restauraciones históricas. Estrella lo explica como un homenaje mutuo: “Portugal y México comparten una sensibilidad cinematográfica poderosa”. Estrella Araiza no maquilla los retos. Dirigir un festival como este es navegar en medio de presiones políticas, económicas y culturales. “Todo el tiempo estamos compitiendo con lo impensable”, confiesa. “A veces siento que el trabajo que hacemos debería ser tarea del Estado. Nosotros garantizamos el derecho a la cultura, al entretenimiento, a la formación. Pero no siempre hay apoyo institucional”, concluye.

40 años narrando el país desde el cine Dolores Heredia,

Texto y foto Carlos Mora

La actriz Dolores Heredia recibirá el Homenaje Mayahuel de Plata del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), el máximo reconocimiento que otorga este importante encuentro cinematográfico. Con este galardón, el festival celebra cuatro décadas de entrega, talento y compromiso de una artista que ha dejado una huella profunda en el cine mexicano. El homenaje se acompañará de la presentación de un libro que documenta su trayectoria y reflexiona sobre el impacto de su carrera en la cultura cinematográfica del país.

¿SIEMPRE SON MERECIDOS

ESTOS PREMIOS?

“Es una pregunta compleja”, responde Dolores con honestidad. “Pero en lo personal, me siento profundamente conmovida y agradecida. Al mirar la lista de quienes han recibido este reconocimiento antes que yo, veo nombres que admiro profundamente, personas con trayectorias sólidas, valientes, comprometidas con el arte y con el país. Así que formar parte de esa constelación me emociona profundamente”.

La actriz confiesa que nunca ha trabajado esperando premios

o reconocimientos: “No lo he necesitado, pero cuando llegan —y llegan con tanto cariño—, no puedo evitar sentir que es un momento para detenerme y mirar hacia atrás. Es como si alguien me dijera: ‘Todo lo que has hecho ha valido la pena’. Y eso, sinceramente, es muy poderoso”.

SOBRE

LA

ELECCIÓN DE PROYECTOS

“¿Cómo elijo mis proyectos? Lo primero que me atrapa es el personaje”, explica. “Busco que tenga alma, que me rete, que me dé algo que aún no he explorado. Pero también me fijo en la historia completa, en el equipo, en el director o directora, en el mensaje que quiere transmitir la película. A veces me han ofrecido papeles pequeños, pero tan bien escritos o tan significativos, que no he podido decir que no. No todo se trata de protagonizar; a veces un personaje secundario puede ser el corazón de una historia”.

En un punto de su carrera en el que podría permitirse rechazar propuestas con facilidad, Dolores enfatiza que su tiempo es valioso: “Quiero estar en proyectos que me llenen, que me den felicidad, que me permitan seguir haciendo cine que tenga algo que decir. Elijo con el corazón y con la experiencia”.

DEFENSORA DEL CINE MEXICANO

Heredia ha sido una figura clave en la promoción y defensa del cine nacional, incluso en los momentos más difíciles. “El cine mexicano siempre ha tenido que abrirse paso en condiciones complicadas”, dice. “Desde los recortes a los fondos públicos hasta las dificultades para exhibir nuestras películas en salas comerciales. Y luego vino la pandemia, que fue devastadora para toda la industria. Pero, a pesar de todo, seguimos creando. Seguimos filmando, escribiendo, soñando”.

Para Dolores, la clave está en la diversidad: “Hay voces nuevas, estilos distintos, géneros que antes no se exploraban tanto. Eso me llena de esperanza. Sin embargo, necesitamos más espacios para que esas películas lleguen al público. El problema no es de talento, sino de estructuras. Hay que democratizar la exhibición, formar públicos, enseñar a ver cine más allá del entretenimiento inmediato”.

LA VIDA FUERA DEL SET

En cuanto a su vida personal, Dolores habla con una serenidad que transmite sabiduría. “He aprendido a proteger mi equilibrio. Vivimos en un mundo acelerado, con exigencias constantes, y es fácil perderse.

Me refugio en mis jardines, en mis plantas, en la tierra. Esos espacios verdes me enseñan paciencia, me devuelven a lo esencial”.

EL VALOR DE LOS RECONOCIMIENTOS

Hace poco recibió también una Diosa de Plata. ¿Qué significan estos premios ahora que ha recorrido tantos caminos?

“Creo que, más allá del trofeo, lo que se celebra es el trayecto, el esfuerzo, las batallas internas que muchas veces nadie ve. Uno trabaja por amor al arte, porque cree en lo que hace. Y cuando alguien te dice ‘gracias por tu trabajo’, eso toca algo profundo. Es como si el cine, que tantas veces me ha salvado, ahora me abrazara de vuelta”.

SU FILMOGRAFÍA EN EL FICG

Durante el festival, se proyectará una selección especial de su filmografía. “He elegido películas que, por diferentes razones, marcaron momentos importantes en mi vida. Algunas por lo que aprendí al hacerlas, otras por lo que significaron para el cine mexicano. Son solo una muestra, porque hay muchas más que también amo. Pero creo que este recorrido es una buena forma de celebrar todo lo vivido”.

MÁSCARAS, SUEÑOS Y PODER, LA TRAVESÍA DE SOBRELASOLAS

La cinta Sobre las olas del director

Horacio Alcalá y protagonizada por Ángeles Cruz, comparten el origen del proyecto, su conexión con la región y su apuesta por un cine que mezcla costumbrismo, surrealismo y realismo mágico. Tendrá su estreno mundial en la edición 40 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, compitiendo en las secciones Premio Maguey y Hecho en Jalisco.

Horacio, ¿Cómo nace el guion del filme?

Todo empezó cuando conocí a Ángeles en mi anterior cinta Finlandia

Ella tenía un personaje muy pequeño, con solo dos frases. Pero durante el rodaje se nos ocurrieron nuevas ideas, el personaje creció… y me quedé con muchas ganas de volver a trabajar con ella.

Yo pensaba: “quiero verla como una reina, como

alguien poderosa”. Luego tuve algunos sueños, se los conté, y le platiqué lo que quería: hablar de la fragilidad humana, de una familia que lo tiene todo de pronto. Y me pregunté: ¿cómo se comportarían?

A partir de ahí se empezó a construir la estructura de la historia. Ya en el rodaje nos soltamos.

Consideramos que la película tiene un arranque costumbrista —con un parto— pero rápidamente entra en otro registro. Es una película profundamente femenina, no solo por las historias, sino por la luna, la isla, las voces femeninas… es una historia femenina en todos los sentidos. Y a partir de eso, decidimos jugar y ver a dónde nos llevaba.

Ángeles, ¿cómo fue para ti abordar este personaje?

Como dice Horacio, todo empezó con querer seguir trabajando juntos. En una cena empezamos a compartir ideas, referen-

cias, a hablar del dinero y cómo puede trastocar la ética, lo moral. ¿Qué pasa en el cuerpo humano cuando algo así lo impacta?

El guión fue una base, pero desde ahí empezamos a jugar. Incluso durante el rodaje seguíamos escribiendo escenas nuevas. Fue un trabajo vivo, en movimiento, como una alegoría sobre la ambición y lo que provoca en el cuerpo.

Tomamos muchas referencias. Yo siempre digo que en todos los pueblos se usan máscaras: para ocultar, pero también para liberar. Al ponértela, puedes jugar a ser otra persona. Esta película es, en ese sentido, un viaje sensorial. ¿Qué pasa cuando llega un golpe de suerte o de poder? Te transforma, ya no eres la misma persona. Eso fue lo que quisimos explorar.

¿Podemos pensar en una metáfora contemporánea, como las redes sociales?

Horacio: Sí, claro. Es atemporal. Nunca decimos dónde ni cuándo estamos. Y justo las máscaras representan ese juego de ocultar y liberar. Yo le contaba a Horacio sobre los chingolos de mi pueblo: una máscara chiquita con barbas de chivo. Al ponértela, puedes ser quien sea. Es una mascarada donde todo se vale, y eso lo llevamos a la película.

El vestuario y el arte se volvieron locos con eso. No quisimos ubicarlo en una cultura específica, sino apropiarnos del sentido lúdico y universal de la máscara. Hay influencias de Rafael Coronel, de la pintura, del barroco.

Horacio, ¿Cómo se sienten de presentar Sobre las olas en el FICG?

El 90% de la película se rodó en los Altos de Jalisco y el lago de Chapala. Volver ahora, cuando el festival cumple 40, es muy significativo. Este es el festival ideal para esta película.

Texto y foto Carlos Mora

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La ópera prima del director mexicano se estrena en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, celebrando la diversidad y abriendo el diálogo sobre la intersexualidad.

“Mi mayor deseo es que la película logre tocar a quienes la vean, que despierte preguntas y emociones, y abra conversaciones sobre temas

(FICG), no sólo como parte de la Sección en Competencia del Premio Mezcal, sino también como contendiente en el Premio Maguey, que celebra la cinematografía LGBTQ+.

“Me llena de emoción que el estreno nacional sea en el FICG, un espacio fundamental para el cine mexicano que este año celebra su edición 40. Aplaudo que un festival tan

LA INTERSEXUALIDAD

LLEGA AL CINE MEXICANO CON ALEJANDRO ZUNO

Por Carlos Aguillón

de los que usualmente no se habla”, comentó Alejandro Zuno, director y guionista. Tras recorrer festivales internacionales y obtener reconocimientos, Un mundo para mí, llegará al Festival Internacional de Cine en Guadalajara

importante abra sus puertas a una película que aborda la intersexualidad y abraza la diversidad, especialmente en una época en la que los discursos de odio hacia la comunidad LGBTQ+ son tan frecuentes”, compartió el cineasta en en-

trevista con la Revista Cameo. El filme, protagonizado por Andrés Delgado, Mayra Hermosillo, Silvia Navarro y Nova Coronel, narra la historia de María y Nico, una pareja que debe enfrentar la incertidumbre tras descubrir que el sexo de su +bebé no puede determinarse debido a un trastorno del desarrollo sexual. Mientras él opta por seguir el protocolo médico y asignar un sexo quirúrgicamente, ella inicia un viaje de investigación y autodescubrimiento que la lleva a replantearse las normas de género y las ideas preconcebidas sobre la identidad.

HISTORIAS

INVISIBILIZADAS

“Me interesaba escribir una historia en torno a la intersexualidad, que me parece que es de la letras más desconocidas y quizá más invisibilizadas del acrónimo LGBTIQA+”, explicó Zuno. “Fue un proceso de investigación y aprendizaje para entender cómo se aborda médicamente y qué implicaciones tiene emocional y éticamente para las familias”. Zuno enfatiza que aunque la película no centra su

narrativa en el personaje intersexual, busca que el público acompañe a la madre en su proceso de aprendizaje y reflexión: “Quiero que las y los espectadores puedan vivir ese viaje de cuestionamiento sobre lo que damos por hecho en torno al género y la sexualidad”concluyo.

Tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Argentina y su paso por festivales como Cinequest, donde ganó el Global Vision Award, y el San Diego Latino Film Festival, Un mundo para mí inicia ahora su recorrido en México.

“Estoy muy emocionado porque el FICG es uno de los espacios más relevantes para el cine mexicano e iberoamericano. Y la posibilidad de que la película llegue a un público más amplio, ya sea en salas o plataformas, es una segunda etapa que también me entusiasma muchísimo” concluyó.

Alejandro Zuno continúa apostando por narrativas diversas. Actualmente se encuentra filmando la serie de Netflix No tengo miedo, bajo la dirección de Ernesto Contreras.

EDU CORTÉS: AMORDEPAPEL, UN RETRATO SINCERO DEL AMOR Y LA IDENTIDAD

Edu Cortés está convencido de que las historias de la comunidad LGBTQ+ deben contarse con autenticidad, sensibilidad y, sobre todo, dignidad. Tras el éxito de su ópera prima Háblame de ti, el director se embarca en un nuevo proyecto: la serie web Amor de papel, que se estrena este mes del Pride en YouTube. Edu nos revela en una charla con la la Revista Cameo, cómo un experimento entre amigos terminó convertido en un proyecto profesional que ya pisa fuerte en festivales.

“Esto empezó casi como un juego. Fue un gran amigo, quien me propuso crear juntos una pequeña serie LGBTQ+ hecha con recursos mínimos. La idea era casi grabarla con el celular y entre cuates”, recuerda. Pero la semilla creció rápidamente. Amor de papel terminó convirtiéndose en una serie de cinco episodios de cinco minutos cada uno, producida por un equipo compuesto en su mayoría por miembros de la comunidad LGBTQ+.

“Queríamos contar una historia nuestra, desde adentro, no desde afuera”,

Por Carlos Aguillón

enfatiza Edu. “Nos pusimos la meta de que las cabezas de departamento y la parte creativa fueran todas de la comunidad. Y así fuimos sumando talentos increíbles”.

DEMOCRATIZAR LAS HISTORIAS LGBTQ+

Desde el inicio, la serie fue pensada para ser accesible a todos. “Queríamos que fuera gratuita, que cualquiera pudiera verla en YouTube o en redes sociales como TikTok o Facebook. No todo el mundo tiene acceso a Netflix o Amazon”, explica Edu. La trama sigue a Christian, un joven librero que imagina romances con los clientes que entran a su tienda, basándose en los libros que eligen. Pero la llegada de Sebastián, un hombre que no encaja en sus fantasías literarias, lo lleva a cuestionar sus ideas sobre el amor y la identidad. “Quisimos alejarnos de los clichés. No todo tiene que ser hipersexualizado o hiperdramático”, subraya. Aunque Amor de papel fue concebida como una serie pequeña, ya ha dado un salto importante: ha sido seleccionada para el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, dentro de las proyecciones especiales Premiere Maguey y el

Showcase de series. “Empezó como algo muy chiquito y ahora se estrena en el festival de cine más importante de Iberoamérica. Eso son palabras mayores”, dice. Al cuestionario sobre los siguientes proyectos, el creativo expresó: “Nos encantaría hacer una segunda temporada, pero ya con una estructura más profesional, sin depender de favores ni de campañas. Ojalá alguna plataforma o marca se interese. Por ahora, la prioridad es medir la reacción del público y ver qué puertas puede abrir este proyecto”.

EL DESAFÍO DE CONTAR RELATOS DIFERENTES

“Venimos arrastrando siglos de conservadurismo y religiosidad. Eso no se cambia de un día para otro. Pero cada vez hay más apertura. El año pasado vimos series como Nadie nos va a extrañar o Tengo que morir todas las noches Creo que vamos por buen camino, pero las plataformas y productoras todavía miran estas historias con cierta reserva”. Cabe resaltar que, Edu ya trabaja en su segundo largometraje titulado Fugaz, un roadtrip con temática LGBTQ+ que espera rodar el próximo año.

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LOS INOCENTES , UNA EXPLORACIÓN DE LA SEXUALIDAD SIN FILTROS

La película Los Inocentes compite en la 40ª edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara dentro de la sección Maguey, que celebra lo mejor del cine LGBTQ+.

Escrita y dirigida por Germán Tejada, Los Inocentes narra la historia de Cara de Ángel, un joven que busca pertenecer a la “jauría” del barrio y demostrar su hombría en un entorno hostil marcado por el deseo, la fantasía, el punk y la traición.

¿Cómo te sientes de estar en Guadalajara?

La verdad, estoy muy contento. Los Inocentes tiene un vínculo muy fuerte con este festival. De alguna manera, la película es hija de Guadalajara. Coincidir con el 40 aniversario del festival ha sido muy especial. Estoy emocionado y nervioso de poder verla finalmente en pantalla grande.

¿Cómo surgió la idea de adaptar esta obra del escritor peruano Oswaldo Reynoso?

El libro llegó a mí cuando tenía unos 13 o 14 años. Aunque fue escrito en los años 60, es muy transgresor y directo para su época. Habla de masculinidades, del despertar sexual, de los chicos de la calle… y a mí me impactó profundamente. Estaba justo en esa etapa de cambios hormonales, cuestionándome qué significaba ser hombre, y el libro se volvió una

especie de aliado. Siempre supe que si hacía cine, esa debía ser mi primera película. Tardé más de lo que pensaba, pero me mantuve firme.

Hago un cine muy personal, y por eso mezclé mucho del libro con mi experiencia. El texto original es como un glosario de personajes que representan distintas formas de masculinidad. Los traje a la actualidad porque sentí que el discurso sigue siendo muy vigente. Vivimos un momento donde se cuestionan los géneros, el machismo, el feminismo, y también los hombres debemos revisarnos. La película nace de esa necesidad personal.

¿Cómo retratar personajesde barrios populares, algo que casi no se ve en el cine. ¿Qué opinas al respecto?

Fue muy importante para mí. Aunque el filme fue seleccionada en la sección Maguey, que celebra el cine LGBTQ+, no siento que hable directamente sobre la comunidad queer. Es más sobre una exploración libre de la sexualidad. Creo que el primer despertar sexual, en muchos casos, es bisexual. Todos nos hemos cuestionado alguna vez. La película busca normalizar eso, mostrarlo sin filtros.

Tiene momentos muy homoeróticos, sobre todo en las peleas, que a veces son actos sexuales reprimidos. Quería incomodar al espectador mas-

culino, sacarlo de su zona de confort. Y hay personajes que exploran su sexualidad libremente, como el cantante de la banda. No son necesariamente “gays”, sino jóvenes que se permiten sentir sin etiquetas.

Eso resuena mucho hoy, cuando pareciera que todo necesita una etiqueta

Exacto. Me parece curioso cómo ahora que se habla tanto de fluidez, también hay una tendencia a etiquetarlo todo: si eres bisexual, pansexual, etc. Y creo que deberíamos ir en sentido contrario: hacia la no etiqueta, hacia una mayor libertad. Los Inocentes recibió una etiqueta que no esperaba, pero la abrazo porque abre nuevas lecturas sobre la película.

UNA HISTORIA QUE

TRASPASA

DÉCADAS

Le rindo homenaje a Oswaldo Reynoso. Es un autor riquísimo que siento que, póstumamente, será reconocido aún más. Los Inocentes ya es un libro icónico en Perú, aunque sigue siendo de nicho. Ojalá con la película se abra a más lectores. Es un homenaje al libro y también a una etapa muy personal de mi vida. Es curioso cómo las películas son tan largas que, cuando las terminas, ya eres otra persona. Esta peli refleja una versión de mí que ya cambió, pero que me marcó profundamente.

Por Carlos Mora

De cantar junto a la alberca en la serie Acapulco de Apple TV+, a levantar la voz por las asistentes en los casting en un cortometraje, Rossana de León presenta su ópera prima como guionista en el FICG 2025, con el respaldo de Eugenio Derbez.

Actriz, cantante y ahora guionista. Rossana de León es uno de esos talentos que se mueven entre la comedia y el drama con la misma naturalidad con la que cambia de look en cada episodio de la serie Acapulco, de Apple TV+. Y aunque su rostro se ha vuelto familiar para el público gracias a su papel como cantante ochentera en esta serie bilingüe producida por Eugenio Derbez y Lionsgate, ahora su voz cobra fuerza desde otro frente: el de la denuncia.

El cortometraje La mosca en la pared, escrito y protagonizado por ella misma, se estrenará como parte de la Selección

Oficial del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2025, tras haber sido seleccionado también en el Los Angeles Latino International Film Festival (LALIFF). Se trata de un trabajo de ficción, pero con una raíz profundamente personal.

“Es una carta protesta a la industria del casting en México. Yo trabajé cinco años como asistente y viví muchas formas de violencia silenciosa. Es una historia sobre cómo normalizamos abusos, jerarquías y desprecio. Y decidí contarla desde el punto de vista de alguien invisible: la asistente”, comentó la cineasta.

Con un elenco encabezado por Rossana, Vanessa Bauche, Alejandro Calva y Rafa Pineda, y dirigida por Mar Novo, la pieza de 15 minutos explora el momento en que una joven es convocada a un callback que toma un giro incómodo, agresivo, ambiguo. La cámara es testigo de la tensión, el absurdo y el abuso cotidiano disfrazado de “proceso artístico”.

EL IMPULSO DE EUGENIO DERBEZ

La chispa que encendió la

escritura de este guion nació durante las grabaciones de la cuarta y última temporada de Acapulco, cuando Eugenio Derbez, en una cena informal, le dio un consejo directo: “Haz tus propios proyectos”.

“Me dijo que él tampoco era escritor ni director cuando hizo No se aceptan devoluciones… Pero se lanzó. Me marcó mucho ese consejo, porque me resaltó: ‘Hazlo aunque no sepas’, y lo hice”.

Con apoyo de la productora mexicana de Derbez, Visceral, Rossana levantó su proyecto con un equipo conformado principalmente por mujeres. Desde la fotografía (Mariana Saldívar) hasta la dirección, se trató de un acto de congruencia: no solo hablar de abuso de poder, sino combatirlo desde la raíz estructural. “Quise que todas las cabezas de departamento fueran mujeres. Porque los espacios liderados por mujeres son más pacíficos. Y porque si no nosotras, ¿quién va a generar trabajo para nosotras mismas?”

Durante la huelga de actores en Hollywood, Rossana aprovechó el paro para escribir. Así nació La mosca en la pared, que tardó seis meses en escribirse y otros tantos en levantarse. “No tenía ni idea de cómo hacerlo, pero lo hice rodeada de gente que sí sabía, que creyó en mí.”

El corto ha sido bien recibido: “Lo proyectaron incluso en una fiesta privada de la producción de Acapulco. Se corrió la voz, todos querían verlo. Al final, hubo gente llorando. Me dijeron: ‘Gracias por hablar de esto que todos vivimos y nadie menciona’”.

ACAPULCO: UNA

EXPERIENCIA

TRANSFORMADORA

Acapulco no solo le dio visibilidad internacional, sino que le permitió establecerse en Estados Unidos y afiliarse al sindicato SAG-AFTRA. Su personaje, una cantante del hotel Las Colinas en los años 80, inició como ambientación musical… y terminó con historia

ROSSANA DE LEÓN:

"EL IMPULSO DE DERBEZ ME LLEVÓ AL CINE"

Por

Carlos Aguillón

propia, gracias al cariño del público. “Íbamos a estar de fondo. Pero gustamos tanto que empezaron a escribirnos líneas. Fue hermoso ver cómo la gente nos pedía más y más”, expresó la actriz. Rossana destaca la diferencia entre las producciones mexicanas y una plataforma como Apple TV+: “Todo está cuidado al milímetro: vestuario, peinado, aprobación de cada canción. Nunca había estado en un proyecto con ese nivel de detalle. Y eso se nota en pantalla.”

Sobre sus nuevos proyec-

tos, Rossana no se detiene. Mientras audiciona para nuevos proyectos en EE.UU., trabaja en una obra de teatro y una serie propia. “Voy a seguir escribiendo, actuando y generando espacios para otras mujeres. Que ya no sorprenda ver una camarógrafa o una tramoyista. Que se vuelva normal. Ese es el cambio real”, concluyó. Rossana de León estará presente en el FICG 2025 durante las funciones oficiales de La mosca en la pared. También se despide de Acapulco, cuya cuarta temporada se estrena el 23 de julio por Apple TV+.

DIEGO TOUSSAINT PRESENTA SU ÓPERA PRIMA NO,GRACIAS,YANOFUMO

Por Carlos Mora

La ópera prima de Diego Toussaint, No, gracias, ya no fumo, forma parte de la selección oficial en competencia del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) en su edición 40, dentro de la sección Hecho en Jalisco. La cinta está protagonizada por Esmeralda Soto, Ximena Ayala, Juan Daniel García Treviño, Alexia Alexander, Daniela Salinas, Estefanía Inti, Saúl Sánchez, Imelda Sánchez y Esteban de la Isla.

En el filme, Nuria (Esmeralda Soto) enfrenta una jornada desastrosa: su llanta se poncha, su ropa está rota y acaba de perder su empleo. Pero su mayor preocupación es más urgente: tiene menos de 24 horas para pagar la renta o volver a vivir con su madre. En su búsqueda desesperada por conseguir dinero —y sentido a su vida— se cruza con familiares entrometidos, mirreyes, artistas egocéntricos y, sobre todo, sus propios demonios internos. Todo mientras intenta no volver a fumar.

¿Cómo te sientes con tu ópera prima?

Estoy emocionado, pero también nervioso. Esta película ha sido un proceso largo, casi dos años de producción buscando siempre la mejor versión. A veces se olvida el tiempo que toma hacer cine, lo complicado que es llegar hasta

aquí. Ahora que la cinta se presenta al público, uno se pregunta si realmente va a conectar con la audiencia, porque aunque uno hace cine para uno mismo, al final del día la película es de ellos.

¿Cuál fue la etapa más difícil durante la producción?

Definitivamente esa etapa previa a cerrar elenco y locaciones. Fue una época de mucha ansiedad. Tenía que tomar decisiones clave en muy poco tiempo, y con un elenco tan grande cualquier error podía costar caro. Recuerdo que dejé de ver películas porque me frustraban. Solo veía Looney Tunes, porque necesitaba reírme de algo que no me recordara todo lo que estaba en juego. A veces el trabajo de dirección consiste en saber elegir: ¿quién está en tu elenco? ¿qué espacios vas a mostrar? Todo parte de ahí.

¿Cómo fue filmar en Guadalajara y salir de la centralización en CDMX?

Creo que es muy importante descentralizar la producción cinematográfica. Guadalajara —como otras ciudades— tiene talento, infraestructura, creatividad y equipo técnico. No solo hay asistentes o maquinistas: hay diseñadoras de producción, directoras de foto, mezcladores de sonido… todo. Me gustaría

que en el futuro la gente no tenga que mudarse a la Ciudad de México para encontrar oportunidades, sino que pueda quedarse en sus ciudades y crear desde ahí. Esta película, y otras que se están haciendo en Jalisco, demuestran que sí se puede.

¿Cómo fue trabajar con Esmeralda Soto?

Fue una experiencia increíble. Desde el casting, Vanessa —nuestra directora de casting— pensó en ella, aunque al principio era para otro personaje. Pero nos dimos cuenta de que era perfecta para el papel protagónico. Esmeralda no solo es una gran actriz, también es dramaturga, directora, productora, hace música… está llena de talento. Es

alguien con quien puedes dialogar, que propone y que entiende el tono. Eso fue clave, porque al tener un elenco que iba rotando constantemente, ella se volvió un ancla. Yo podía enfocarme en explicar el tono a los nuevos, mientras ella ya estaba completamente dentro.

¿Qué esperas del estreno en el FICG?

Nadie ha visto la película aún. Así que hay nervios, claro, pero también emoción. Crecí viendo el festival, soñando con estar ahí, y ahora que estoy, es un sueño hecho realidad. Espero que el público se sienta abrazado por la película, que se vean reflejados en ella. Y si eso sucede, entonces todo habrá valido la pena.

CALDERÓN

ENTREVISTA CON CHIARA OLIVER ELE MARIANI PACO DE MARÍA

Foto Carlos Mora

MARLENE

RENACER EN EL PARAÍSO

DESPUÉS DE LA CATARSIS LLEGA EL PARAÍSO Marlene Calderón

Tras regresar a la música con “Locos de Atar” y “Catarsis”, junto al cantante Uly Boy, Marlene Calderón abre un nuevo capítulo en su carrera como solista. Su nuevo sencillo “Paraíso” no es solo una canción: es un homenaje desgarrador y luminoso a su hijo Orlando, quien falleció tras una valiente lucha contra el cáncer.

El tema, profundamente íntimo, es un canto de amor eterno y aceptación. Una carta musical que busca tender puentes hacia todos aquellos que han perdido a un ser querido.

“No espero que el tiempo vuelva atrás, ni deseo un hechizo para tenerlo de regreso. Solo quiero alquilar un paraíso donde

él está, para que me pueda reflejar su sonrisa”, confiesa Marlene, en una de las frases más conmovedoras del tema.

“Paraíso” fue escrito por Carlos Vargas, producido musicalmente por Benjamín Rosales y con Alfonso Martínez como productor ejecutivo. Más que un homenaje, la canción es un bálsamo para las almas que cargan con un duelo.

“Sé que hay muchas madres, padres, hermanos que llevan heridas invisibles. Esta canción es un abrazo para todos ellos”, agrega la artista.

UN MENSAJE

QUE VA MÁS ALLÁ DE LA MÚSICA

Pero la misión de Marlene no termina en la música. Con fuerza y convicción, ha iniciado una serie de

conferencias por todo México, con un objetivo claro: “Quiero aportar un granito de arena, para que no haya una víctima más. A través de mis conferencias: El silencio no es opción, busco concientizar a la gente sobre los riesgos de caer en redes coercitivas, el cómo identificar a un depredador… y sobre todo, nunca callar para que no exista una víctima más”, resalta. Estas conferencias ya están en marcha y continuarán recorriendo todo el país, llevando un mensaje de empoderamiento, prevención y resiliencia. Mientras tanto, Marlene seguirá lanzando música, tanto en solitario como junto al también compositor Uly Boy, en una etapa de su carrera en la que la vulnerabilidad, la verdad y el amor son los protagonistas.

Por Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora

Sigue a Marlene Calderón en sus redes: @marlenecalderonderat

¿Qué sucede cuando una joven compositora decide darle forma a su mundo interior con guitarras, charangos y sintetizadores?

Así nace Paz y Guerra, el álbum debut de Ele Mariani, una voz fresca y prometedora de la nueva canción latinoamericana. Entre letras que abrazan la contradicción emocional y una producción que mezcla tradición y modernidad, Ele nos invita a escuchar y sentir su universo. Nos encontramos con ella cuando su disco comienza a encontrar su lugar en el mundo digital, ese vasto océano donde las canciones pueden pasar desapercibidas o convertirse en refugios colectivos.

PAZ Y GUERRA: UN ESPEJO EMOCIONAL

El título del disco revela la dualidad que atraviesa la obra: “El disco me llevó por esos dos estados: introspección intensa y celebración, energía y reconexión. No existe la paz sin haber pasado por una guerra, ni se entiende la guerra sin conocer la paz. Eso es muy real en lo emocional”, comparte Ele.

Formada en música clásica y popular, compuso y grabó el álbum durante dos años, un tiempo en el que también atravesó procesos personales profundos. “Hacer música es un camino de autoconocimiento. Hay canciones que me dolieron escribir y otras que me dieron alegría inmediata. Paz y Guerra es ese viaje.”

VERSATILIDAD Y RAÍCES

El álbum sorprende por su variedad sonora, desde el indie pop hasta baladas acústicas, pasando por el folklore y el pop electrónico, sin perder coherencia. “Quise que sonara a mí y a todo lo que escucho y me conmueve”, afirma.

Canciones como “A paso lento” desafían la urgencia de la vida moderna, mientras “Vos y yo” mezcla un estribillo pop con tintes de tango y música andina. “Crecí

escuchando música latinoamericana y la estudié. Para mí, era importante incorporar esos sonidos con respeto y libertad. Me gusta pensar que el bandoneón o el charango pueden sonar tan actuales como un sintetizador.”

La producción es cuidada y expresiva, con arreglos que conjugan cuerdas acústicas y beats modernos, como en “En un instante”. Ele participó activamente en todos los arreglos: “La dirección creativa es parte de mi identidad como artista. No quería que alguien más tradujera lo que tenía en la cabeza.”

UN DISCO PARA

TIEMPOS ACELERADOS

Sobre la experiencia de lanzar música en la era digital, Ele reflexiona: “Es una herramienta increíble, pero también un arma de doble filo. La inmediatez puede jugar en contra. Uno tarda años en hacer un disco y el algoritmo decide en segundos si vale la pena. Por eso Paz y Guerra es un gesto de resistencia: un disco para escuchar completo y dejar que te atraviese.”

Apasionada por los vinilos, Ele busca recuperar la escucha ritual, ese momento de conexión auténtica: “Me encanta poner un vinilo, servirme una copa de vino y simplemente escuchar.”

IDENTIDAD ARGENTINA Y HORIZONTES MEXICANOS

Aunque fresca, su propuesta está arraigada en la música argentina, desde Piazzolla hasta Fito Páez. “El tango me marcó mucho, me inspira su intensidad y forma de narrar. Admiro a quienes modernizan esas tradiciones sin perder la esencia, como Natalia Lafourcade o Julieta Venegas.”

Con la vista puesta en México, Ele sueña con tocar allá: “Siento que hay una sensibilidad especial en el público mexicano.”

Antes de despedirnos, Ele invita: “Paz y Guerra es un disco para quienes buscan belleza en la contradicción”.

PAZYGUERRA: EL UNIVERSO MUSICAL DE ELE MARIANI

Por Carlos Mora

EL BIGBAND TIENE NOMBRE PROPIO: PACO DE MARÍA

Por Carlos Aguillón

El Lunario del Auditorio Nacional se convirtió en el epicentro de una velada mágica, íntima e inolvidable. Paco de María volvió a conquistar al público con su show de Big Band, en el que los clásicos del bolero, el jazz y el pop se reinventaron con una elegancia que solo él sabe imprimir.

“El Lunario permite ese contacto único con el público. Siempre bajo del escenario a compartir con ellos como si estuviéramos en la sala de una casa, en una bohemia”, nos dijo Paco en una charla exclusiva para la Revista Cameo.

CONQUISTAR

NUEVAS AUDIENCIAS

Lo que hace único el proyecto musical de Paco de María, es su capacidad de tender puentes entre generaciones. Sin perder la esencia del Big Band, su propuesta incluye hoy temas de Radiohead, Depeche Mode, Aerosmith, Queen y, claro, Bryan Adams, con una sofisticación sonora que sorprende y seduce.

“Cada canción que elijo tiene que resonar con mi historia personal. Las de mi adolescencia, cuando me fui de casa, me marcaron profundamente. Ahora les doy un nuevo aire con arreglos que mantienen la emoción original, pero con el sonido que quiero ofrecer hoy”, resaltó.

Además, el cantante

adelantó un proyecto muy especial: un dueto con Kika Edgar, en inglés, sobre un tema de U2. “Es la primera vez que Kika graba en inglés y quedó espectacular. Ya tenemos todo listo para lanzarlo”.

LA DEFENSA DEL ARTE GENUINO

En tiempos en que gran parte de la industria musical prioriza el espectáculo inmediato sobre la calidad artística, Paco de María se mantiene fiel a su convicción: “Me desmotiva un poco ver que muchos proyectos son improvisados, con voces e instrumentos que ni siquiera son reales. Nosotros seguimos apostando por la preparación, el estudio y el respeto a la música”.

A punto de celebrar 18 años de carrera, Paco siente que ha logrado algo valioso: un público cautivo que crece y se renueva. “Los jóvenes se acercan a este género gracias a los nuevos arreglos que hacemos. Eso me motiva muchísimo”.

"Con Everything I Do" (I Do It For You) como carta de presentación, Paco de María prepara el lanzamiento de su próximo álbum, Personality, en el que reinterpretará himnos del rock y el pop de las décadas de los 70, 80 y 90.

“El propósito siempre será conmover a través de las emociones. La música tiene que tocar el corazón. Eso es lo que busco cada vez que subo al escenario”, concluyó.

Texto y fotos Carlos Mora

Chiara Oliver es una cantante española de ascendencia inglesa que, con solo 20 años, ya ha dejado huella en algunos de los concursos de talento más reconocidos. En 2019 fue finalista en Got Talent España, en 2022 formó parte del equipo de Laura Pausini en La Voz, y en 2023 su paso por Operación Triunfo marcó un punto de inflexión en su vida, tanto personal como profesional.

Este año cierra una etapa significativa con el lanzamiento de La última página, un EP que continúa la narrativa iniciada en La libreta rosa, su anterior trabajo que llegó al número uno en ventas en España. “La última página es un poquito más madura, un escalón más arriba. Me gusta porque cada canción tiene su propia historia, su propio mundo, y eso hace que cada persona pueda encontrar algo con lo que

identificarse", comparte Chiara en entrevista con la Revista Cameo.

IDENTIDAD Y MEZCLA CULTURAL

La cantante creció en un entorno multilingüe y multicultural. "Mi madre es inglesa, así que en casa hablamos inglés. Estudié en catalán, crecí en España... tengo una mezcla muy grande", comenta. Esta diversidad la ha ayudado a construir una visión del mundo más amplia y a tener una sensibilidad especial hacia otras culturas: “No he viajado tanto como quisiera, pero ahora tengo muchas ganas de conocer más, de empaparme de nuevas formas de vida. Estar en México, por ejemplo, es como descubrir otro mundo".

LA EXPERIENCIA EN LOS REALITIES

Para Chiara, su paso por los concursos musicales ha sido fundamental: “Los realities me han servido sobre todo para aprender. En cada uno descubrí algo nuevo.

Chiara Oliver:

En uno confirmé que quería dedicarme a la música, en otro aprendí a valorar distintos estilos, y en OT fue como tenerlo todo junto”. Además, reconoce que son plataformas poderosas para llegar al público: “Te dan visibilidad, te ayudan a conectar con la gente que luego quiere seguirte y escuchar tu música”.

UNA VOZ PARA SU GENERACIÓN

La joven artista quiere ser una especie de cronista emocional de su generación: “Quiero contar lo que significa ser una chica de 20 años hoy. Hablar de lo que me pasa, de lo que veo, de lo que me inspira. Quiero que la gente escuche mis canciones y sienta que hablan de ellos también, porque al final todos vivimos cosas similares, sobre todo a nivel emocional”.

EL SALTO PROFESIONAL

Tras años preparándose, Chiara siente que ahora vive su sueño: “Llevo mucho tiempo haciendo música, aprendiendo, formándome. Tener la oportunidad de empezar mi carrera después de OT ha sido increíble. Es curioso cómo lo que imaginabas de niña no se parece tanto a la realidad... ¡y eso está bien! Es diferente, pero igual de emocionante".

INFLUENCIA MUSICAL

Entre sus referentes están artistas como Stevie Wonder, Mariah Carey,

Fleetwood Mac, Olivia Rodrigo o Sabrina Carpenter. Su gusto musical es amplio y diverso: “Siempre me ha gustado de todo: el rock clásico, el R&B de los 90, el pop de los 2000... A veces eso hace difícil encontrar un camino definido porque quiero hacerlo todo, pero también es parte de la diversión”.

MÚSICA EN LA ERA DE LAS REDES

Chiara también reflexiona sobre los nuevos modos de consumo musical: “Con TikTok y las redes, todo va rapidísimo. Las canciones a veces ya no duran tanto en el tiempo. Yo intento hacer música que tenga algo más, que no sea solo efímera. Quiero que mi música permanezca, que diga algo”.

FUTURO E INSPIRACIÓN

Finalmente, sobre su nuevo EP, afirma: “La última página representa muy bien lo que me inspira: la vida misma. Y eso quiero seguir haciendo: contar historias, emocionar, compartir”. ¿Planes para hacer turismo? “¡Ojalá tenga tiempo! Ya he dado algunas vueltas, pero si tienes alguna recomendación, dímela”. Uno de los aspectos que más ilusión le hace es el cariño del público latino: “Me escriben mucho desde México, Argentina y Chile. Es muy fuerte ver que mi música cruza el charco. Estar aquí por primera vez y sentir ese amor es increíble. Ojalá pueda seguir viniendo y creciendo”.

"LA MÚSICA ES MI MANERA DE CONTAR LA VIDA"

UNO BY REAL MADRID INAUGURA SEGUNDO RESTAURANTE EN MÉXICO

Por

UNO

by Real Madrid, la marca de restaurantes “fast casual” del Real Madrid, abrió su segundo restaurante en México. La apertura es parte del plan de expansión que tendrá lugar durante 2025 y 2026 en el país; así como en otros destinos Internacionales.

La inauguración tuvo como invitado al ex futbolista español, Emilio Butragueño, quien dirigió unos palabras a los asistentes, para darle paso al coctel y al recorrido del lugar, el cual cuenta con una gran exhibición de artículos e historia del club español.

El nuevo local cuenta con 1.200 metros cuadrados de espacio, incluyendo una terraza exterior donde poder disfrutar de la experiencia UNO by Real Madrid al aire libre. Además novedades como, un reservado con capacidad para 64 fans del club y una zona lúdica de entretenimiento con capacidad para 6 niños.

El espacio cuenta con una Tienda Oficial del Real Madrid: donde se ofrece desde merchandising oficial del Real Madrid, hasta productos únicos de UNO by Real Madrid. Mientras que el restaurante ofrece las smash burgers & shakes, acompañadas con la experiencia de disfrutar de los partidos del Real Madrid.

Carlos Aguillón