CinéSpectacle

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sommaire SUMMARY Directrice artistique / Artistic Director Martine Lapointe Infographiste / Computer Artist Elena Jacome Réviseures / Revisers Marie Chabot (français / french) Sarah Mailhot (anglais / english) Textes et Photos / Text and photos François Roussillon et Associés Royal Shakespeare Company La Comédie-Française Royal Opera House Gran Teatre del Liceu Nicolas Jobin Yann Jobin ELC · SERVICES PROMOTIONNELS DE CINÉMA promocinemaelc.com

Nouvelle saison 2016-2017 New season 2016-2017 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 5 Royal Opera House . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 7 Royal Shakespeare Company . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 19 Comédie-Française . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 23 Opéra National de Paris . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 27 Gran Teatre del Liceu · Barcelone. . . . . . . . . . . . . . p. 35

Cinémas participants Participating Theaters . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 38

Horaire et billets disponibles dans les cinémas participants Schedule and Tickets in participating theaters

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CrĂŠdit photo : Yann Jobin

Nouvelle saison New season

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L

a présentation d’opéras en direct au cinéma gagne sans cesse en popularité, faisant annuellement des milliers de nouveaux adeptes à travers le monde. Témoins de cette effervescence manifeste, de plus en plus d’institutions emboîtent le pas et diffusent ainsi leur programmation, pour le plus grand plaisir des mélomanes et des cinéphiles.

Dans cette mouvance, aux productions de l’Opéra national de Paris que nous présentons depuis quatre ans, se sont ajoutés, l’an dernier, les opéras et les ballets du Royal Opera House de Londres, de même que les représentations de la Royal Shakespeare Company. Grande nouvelle : cette année encore, nous bonifions la programmation en ajoutant à cette diversité déjà enviable deux opéras du Gran Teatre del Liceu de Barcelone et trois pièces de la Comédie-Française pour plus de 25 spectacles!

Côté opéra, la saison du ROH relance ce jeu d’équilibre entre valeurs sûres et intrépidité à tout rompre qui fait sa réputation. En attendant le dernier Thomas Adès (adaptation d’El ángel exterminador de Buñuel), les plus audacieux se délecteront, en ouverture de saison, de la relecture de Norma par Àlex Ollé, directeur de la Fura dels Baus. Le spectacle bouscule les conventions de temps, de lieu et d’espace dans une démesure poétique reposant grandement sur la scénographie d’Alfons Flores. Exit les druides gaulois, c’est au cœur d’allusions aux ecclésiastiques de l’Inquisition espagnole et au Ku Klux Klan que l’héroïne de Bellini entonnera Casta Diva. Sinon, les mélomanes du Québec voudront renouer avec le ténor Jonas Kaufmann, lui qui fera ses débuts dans la peau du personnage-titre de l’Otello de Verdi.

Les amateurs de ballet se tourneront quant à eux vers l’Opéra Bastille, et pour cause; Le Lac des cygnes s’y imposera dans sa version la plus emblématique, soit celle noire, profonde, radicale de Rudolf Noureev qui revient à Paris plus de 30 ans après sa création, en 1984.

Puis, de Londres, Woolf Works de Wayne McGregor, d’après l’œuvre de Virginia Woolf, saura assurément séduire les cinéphiles, grâce notamment à la musique de Max Richter (Waltz with Bachir), très appréciée de ces derniers.

L

ive streaming of operas in cinemas is more and more popular, making thousands of new fans around the world each year. Witnessing this obvious excitement, more and more institutions start doing the same and broadcast their program, to music and cinema lovers’ delight.

With regards to this momentum, last year, operas and ballets from the Royal Opera House of London were added to the productions of the Opéra National de Paris that were presented for the last 4 years, as well as productions from the Royal Shakespeare Company. Good news: this year again, the already enviable programming is enriched with two operas by the Gran Teatre del Liceu of Barcelona and 3 plays by the Comédie-Française, making a total of over 25 presentations.

On the operatic stage, the ROH season renew the balancing act between safety and boldness for which it’s renowned. While waiting for the last Thomas Adès (adaptation of El ángel exterminador by Buñuel), the more adventurous will be delighted with Norma by Àlex Ollé, director of La Fura dels Baus, at the beginning of this season. The show shakes up the time, place and space conventions in a poetic enormity largely based on Alfons Flores’ scenography. There are no more Gallic druids: Bellini’s heroin will sing Casta Diva under remarks of the Spanish Inquisition’s clergymen and the Ku Klux Klan. Quebec’s music lovers will also reconnect with tenor Jonas Kaufmann, who will make his role debut as Otello, by Verdi.

Ballet lovers’ attention will be towards the Opéra Bastille for a good reason: Swan Lake will be presented in its most emblematic version; the dark, deep, extreme adaptation by Rudolph Noureev will be back in Paris, more than 30 years after its creation in 1984. From London, Woolf Works by Wayne McGregor, inspired by the works of Virginia Woolf, will undoubtedly charm the movie lovers, who will highly appreciate the music by Max Richter (Waltz With Bachir).

By the Comédie-Française, played for the first time in the Richelieu Performance Hall since 1954, the dramatic Romeo and Juliet is situated in a Southern Italy in-between war, directed by Éric Ruf. Critics having observed the coppolesque accents of the direction, the first live broadcasting of this play naturally had to be with us.

À la Comédie-Française, joué sur les planches de la salle Richelieu pour la toute première fois depuis 1954, le drame de Roméo et Juliette se voit cette fois déplacé au cœur de la Sicile d’entre les deux guerres par Éric Ruf. Certains critiques ayant relevé les accents coppolesques de la mise en scène, c’est tout naturellement que cette première émission de théâtre en direct de la Maison de Molière trouvera réception chez nous!

Bonne saison! Enjoy!

N.J 5

WOOLF WORK S ROYAL OPERA HOUSE

ROYAL OPERA HOUSE PREMIÈRE DIFFUSION first broadcast

Norma Bellini

26 septembre 2016 September 26, 2016

Così fan tutte Mozart

17 octobre 2016 October 17, 2016

Anastasia MacMillan

2 novembre 2016 November 2, 2016

The Nutcracker Wright

8 décembre 2016 December 8, 2016

�l Trovatore Verdi

31 janvier 2017 January 31, 2017

Woolf Works McGregor

8 février 2017 February 8, 2017

The Sleeping Beauty Petipa/Ashton/Wheeldon

28 février 2017 February 28, 2017

Madame Butterfly Puccini

30 mars 2017 March 30, 2017

Jewels Balanchine

11 avril 2017 April 11, 2017

The Dream / Symphonic Variations / Marguerite and Armand Ashton

7 juin 2017 June 7, 2017

Otello Verdi

28 juin 2017 June 28, 2017

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norma OPÉRA OPERA

Musique / Music Vincenzo Bellini Direction musicale / Conductor Antonio Pappano Livret de / Libretto by Felice Romani Mise en scène / Director Àlex Ollé Assistant / Associate director Valentina Carrasco Décors / Set designer Alfons Flores Costumes / Costume designer Lluc Castells Lumières / Lighting design Marco Filibeck Distribution / Cast Norma, Sonya Yoncheva Pollione, Joseph Calleja Adalgisa, Sonia Ganassi Oroveso, Brindley Sherratt Flavio, David Junghoon Kim, ClotildeVlada Borovko

Durée : 3 h environ plus un entracte Duration: 3hrs approx. plus one interval En direct : 26 septembre 2016 Direct: September 26, 2016

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Antonio Pappano dirige une distribution des plus grands noms dans cette nouvelle production du chef-d’œuvre lyrique de Bellini. Cette nouvelle production de Norma pour le Royal Opera se distingue par une distribution sans pareil, comprenant plusieurs chanteurs de renommée internationale. L’opéra bel canto classique de Bellini est composé de magnifiques airs et de solos, mais il est plus connu pour le pur bijou qu’est le magnifique aria de Norma, Casta diva. Àlex Ollé, de la troupe de théâtre moderne catalane La Fura dels Baus, dirige cet opéra en amenant un côté moderne à cette histoire intemporelle d’amour, de rivalité et de trahison, le tout se déroulant pendant une guerre causée par les extrêmes d’une société de fanatisme religieux. Le directeur musical de l’opéra, Antonio Pappane, dirige cette distribution spectaculaire incluant la soprano bulgare Sonya Yoncheva dans le rôle de Norma, Joseph Calleja dans le rôle de Pollione, son amant secret, Sonia Ganassi en prêtresse Adalgisa et Brindley Sherratt en tant que Oroveso, le père de Norma. L’époustouflante production ouvre la saison 2016/2017.

Antonio Pappano conducts an all-star cast in a new production of Bellini’s operatic masterpiece. This new production of Norma for The Royal Opera is distinguished by a superlative cast of internationally renowned singers. Bellini’s classic bel canto opera is full of wonderful melodies and opportunities for star singing. But it is especially known for Norma’s stunning showpiece aria, ‘Casta diva’. Àlex Ollé of innovative Catalan theatre group La Fura dels Baus directs, bringing a modern edge to this timeless tale of love, rivalry and betrayal, set against a backdrop of war driven by the extremes of a fanatically religious society. Royal Opera Music Director Antonio Pappano conducts this stunning cast including Bulgarian soprano Sonya Yoncheva as Norma with Joseph Calleja as her secret lover, Pollione, Sonia Ganassi as the priestess Adalgisa and Brindley Sherratt as Norma’s father Oroveso. This striking new production opens the 2016/17 Season.

cosi fan tutte OPÉRA OPERA

Musique / Music Wolfgang Amadeus Mozart Direction musicale / Conductor Semyon Bychkov Livret de / Libretto by Lorenzo da Ponte Mise en scène / Director Jan Philipp Gloger Décors / Set designer Ben Baur Costumes / Costume designer Karin Jud Éclairages / Lighting design Bernd Purkrabek Distribution / Cast Fiordiligi, Corinne Winters Dorabella, Angela Brower Ferrando, Daniel Behle Guglielmo, Alessio Arduini Don Alfonso, Johannes Martin Kränzle Despina, Sabina Puértolas

Durée : 3 h 15 environ plus un entracte Duration: 3hrs 15mins approx. plus one interval En direct : 17 octobre 2016 Direct: October 17, 2016

Semyon Bychkov dirige une distribution de jeunes talents prometteurs, comprenant la soprano américaine Corinne Winters, dans une nouvelle production de l’opéra de Mozart et la nature de l’amour. À quel point aimez-vous votre partenaire? À quel point lui faites-vous confiance? Peut-il vous faire confiance? L’opéra classique de Mozart Così fan tutte met à l’épreuve deux couples, le tout sur une superbe musique, pour arriver à des résultats inattendus.

Pour cette nouvelle production, le metteur en scène Jan Philipp Gloger crée un monde lyrique riche où se déroule cette comédie excentrique durant laquelle deux hommes tentent de séduire la compagne de l’autre pour gagner un pari. Don Alfonso, celui qui tire les ficelles de cette expérience sur l’amour, devient un directeur de théâtre qui utilise tous les décors et les accessoires à sa disposition pour inventer de nouvelles situations qui mettent au défi les sentiments des amoureux.

Ce regard dynamique, jeune et original sur l’un des opéras les plus appréciés au monde est joué par une distribution d’étoiles montantes dirigée par Semyon Bychkov.

Semyon Bychkov conducts a cast of young, up-and-coming talent including American soprano Corinne Winters in a new production of Mozart’s opera on the nature of love. How much do you love your partner? How much do you trust them? And can they trust you? Mozart’s classic opera Così fan tutte puts two pairs of lovers to the test – with great music but distinctly unexpected results.

For this new production, director Jan Philipp Gloger creates a richly theatrical world as the playground for this quirky comedy, where two men try to woo each other’s partners for a bet. Don Alfonso – the puppet master of this experiment in love – is here a theatre director who uses all the sets, props and tricks of his trade to invent new scenes to challenge the lovers’ affections.

This lively, youthful and imaginative take on one of the world’s best-loved operas is performed by a cast of rising stars conducted by Semyon Bychkov.

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anastasia BALLET

Musique / Music Piotr �litch Tchaïkovskyi Bohuslav Martinů Direction musicale / Conductor Simon Hewett Musique électronique / Electronic music Fritz Winckel, Rüdiger Rüfer Production / Production Deborah MacMillan Décors / Set designer Bob Crowley Éclairages / Lighting design John B. Read Distribution / Cast Anastasia / Anna Anderson, Natalia Osipova Mathilde Kschessinska, Marianela Nuñez Kshchessinska’s Partner, Federico Bonelli The Husband, Edward Watson Rasputin, Thiago Soares Tsarina Alexandra Feodorovna, Christina Arestis Tsar Nicholas II, Christopher Saunders

Durée : à confirmer Duration: to be confirmed En direct : 2 novembre 2016 Direct: November 2, 2016

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Le ballet complet de Kenneth MacMillan est une irrésistible exploration de l’identité dans le sillage trouble de la révolution russe. Une identité en pleine crise, un pays en révolution : Anastasia est un ballet sur l’un des plus grands mystères de l’histoire du 20e siècle dont la résolution est encore récente. Au plus fort de la révolution russe, la famille royale est exécutée, mais ensuite une jeune fille apparaît, supposément une princesse qui a survécu, la grande-duchesse Anastasia. Connue sous le nom d’Anna Anderson, elle ne peut se rappeler son passé et on la présume être un imposteur. Plusieurs voulaient oublier le massacre et la révolution. Plusieurs croyaient ou espéraient qu’une princesse ait survécu, comme un vestige du temps passé.

L’une des premières créations de Kenneth MacMillan, après être devenu directeur du Royal Ballet en 1970, Anastasia est une exploration dramatique et envoûtante du cauchemar d’Anna concernant ses souvenirs et son identité. Sur une musique de Tchaïkovski et de Martinů, nous suivons le cours des évènements qui ont mené à l’assassinat d’une famille et aux rêves confus – ou souvenirs – d’Anna. Un puissant défi psychologique pour la première danseuse, il s’agit d’une occasion rare de voir un ballet emblématique par un chorégraphe majeur.

Kenneth MacMillan’s full-length ballet is a compelling exploration of identity in the turbulent wake of the Russian revolution. An identity in crisis; a country in revolution. Anastasia is a ballet about one of the great historical mysteries of the 20th century, only recently solved. At the height of the Russian Revolution the royal family were executed, but afterwards a young woman appeared – apparently a surviving royal princess, the Grand Duchess Anastasia. Known as ‘Anna Anderson’, she couldn’t remember her past and she was presumed to be an imposter. Many wanted to forget the massacre and the Revolution; many believed, or hoped, that a princess could have survived, a remnant of the old world.

One of Kenneth MacMillan’s first creations on becoming Director of The Royal Ballet in 1970, Anastasia is a dramatic and haunting exploration of Anna’s nightmare of memory and identity. To music by Tchaïkovski and Martinů, we follow the events leading to the murder of a family, and Anna’s confused dreams – or memories. A powerful, psychological challenge for the principal ballerina, this is a rare opportunity to see a landmark ballet by a major choreographer.

casse-NOISETTE THE NUTCRACKER

BALLET

Musique / Music Piotr �litch Tchaïkovski Scénario original / Original scenario Marius Petipa Direction musicale / Conductor Boris Gruzin Production / Production Peter Wright Décors / Sets designs Julia Trevelyan Oman Éclairages / Lighting design Mark Henderson Chorégraphie / Choreography Peter Wright d’après / after Lev Ivanov Distribution / Cast The Sugar Plum Fairy, Lauren Cuthbertson The Prince, Federico Bonelli Clara, Francesca Hayward Hans-Peter/The Nutcracker, Alexander Campbell Herr Drosselmeyer, Gary Avis

Durée : 2 h 15 environ plus un entracte Duration: 2hrs 15mins approx. plus one interval En direct : 8 décembre 2016 Direct: December 8, 2016

Le Royal Ballet célèbre le 90e anniversaire de Peter Wright avec la production bien-aimée de ce magnifique ballet dansé sur une sublime trame sonore de Tchaïkovski.

La splendide production du Royal Ballet de Casse-noisette, créée par Peter Wright en 1984, est la production par excellence de l’un des ballets préférés de tous les temps.

C’est la veille de Noël, et Drosselmeyer le magicien entraînent la jeune Clara dans une aventure fantaisiste dans laquelle le temps s’est arrêté : la salle familiale devient un champ de bataille et un voyage magique les emmène à travers le Pays des Neiges et le Royaume des Bonbons. La musique de Tchaïkovski, les décors festifs et la danse captivante du Royal Ballet, incluant un pas de deux exquis entre la fée Dragée et son prince, font de ce Cassenoisette l’expérience ultime du temps des Fêtes.

The Royal Ballet celebrates Peter Wright’s 90th birthday with his much-loved production of this beautiful ballet, danced to Tchaikovsky’s magnificent score.

The Royal Ballet’s glorious production of The Nutcracker, created by Peter Wright in 1984, is the production par excellence of an all-time ballet favourite.

It is Christmas Eve and Drosselmeyer the magician sweeps young Clara away on a fantasy adventure in which time is suspended, the family living room becomes a great battlefield, and a magical journey takes them through the Land of Snow to the Kingdom of Sweets.

Tchaikovsky’s glittering score, the gorgeous festive stage designs and The Royal Ballet’s captivating dancing including an exquisite pas de deux between the Sugar Plum Fairy and her Prince – make this Nutcracker the quintessential Christmas experience.

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il trovatore IL TROVATORE

OPÉRA OPERA

Musique / Music Giuseppe Verdi Livret de / Libretto by Salvadore Cammarano Direction musicale / Conductor Richard Farnes Mise en scène / Director David Bösch Décors / Set designer Patrick Bannwart Éclairages / Lighting design Olaf Winter Assistant / Associate Nick Havell Costumes / Costume designer Meentje Nielsen Distribution / Cast Leonora, Lianna Haroutounian Manrico, Gregory Kunde Ferrando, Alexander Tsymbalyuk Azucena, Anita Rachvelishvili Count di Luna, Dmitri Hvorostovsky Ines, Francesca Chiejina Ruiz, Samuel Sakker

Durée : 3 h environ plus un entracte Duration: 3hrs approx. plus one interval En direct : 31 janvier 2017 Direct: January 31, 2017

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La première renaissance de la nouvelle production de David Bösch, dirigée par Richard Farnes et mettant en vedette Dmitri Hvorostovsky, Anita Rachvelishvili, Lianna Haroutounian et Gregory Kunde.

Les vedettes internationales Dmitri Hvorostovsky, Anita Rachvelishvili, Lianna Haroutounian et Gregory Kunde mènent une superbe distribution de chanteurs internationaux dans ce classique de Verdi. �l trovatore est l’un des grands opéras de la période romantique, une histoire de passion et de sang, d’amour et de vengeance, de désastre et d’assassinat.

Cette nouveauté, de la saison 2015/2016, dans une scène poétique de David Bösch transpose une histoire de passion dans un contexte de guerre. Le feu et la neige du paysage évoquent la cruauté et l’amour de cette histoire : les soldats et les gitans s’affrontent, une mère révèle un terrible secret et deux hommes sont engagés dans un combat fatal pour une femme. Le fameux Chœur des gitans n’est que l’un des moments forts de la musique exceptionnelle de Verdi qui capture les émotions changeantes du drame avec des duos passionnés, des solos fougueux et des chœurs émouvants.

The first revival of David Bösch’s new production, conducted by Richard Farnes AND starring Dmitri Hvorostovsky, Anita Rachvelishvili, Lianna Haroutounian and Gregory Kunde.

International superstars Dmitri Hvorostovsky, Anita Rachvelishvili, Lianna Haroutounian and Gregory Kunde lead a superb cast of world-class singers in this Verdi classic. �l trovatore is one of the great operas of the Romantic period, a story of passion and blood, love and vengeance, disaster and murder.

New in the 2015/16 Season, this atmospheric and poetic staging by director David Bösch puts the story of passion against the backdrop of war. Fire and snow in the landscape echo the cruelty and love of the story: soldiers and gypsies clash, a mother reveals a terrible secret and two men are engaged in a deadly fight for one woman. The famous Anvil Chorus is just one of the highlights of Verdi’s exceptionally fine music, which captures the shifting emotions of the drama through impassioned love duets, fiery solos and stirring choruses.

woolf works BALLET

Musique / Music Max Richter Mise en scène / Director Wayne McGregor Direction musicale / Conductor Koen Kessels Éclairages / Lighting design Lucy Carter Costumes / Costume designer Moritz Junge Chorégraphie / Choreography Wayne McGregor

La première reprise du triptyque de ballet de McGregor acclamé par la critique et inspiré des œuvres de Virginia Woolf.

Les œuvres littéraires avant-gardistes de Virginia Woolf ont été l’inspiration du chorégraphe primé Wayne McGregor pour son superbe triptyque pour le Royal Ballet. McGregor est depuis longtemps innovateur dans le monde du ballet, travaillant avec des collaborateurs de partout dans le monde artistique. Dans ce triptyque, il combine des thèmes provenant de trois des livres les plus marquants de Virginia Woolf : Mrs Dalloway, Orlando et Les Vagues, ainsi que des éléments de ses lettres, essais et journaux.

Le compositeur britannique reconnu Max Richter (Infra, Sum et Recomposed by Max Richter : Vivaldi, The Four Seasons) a créé une trame spécialement pour cette œuvre en y incorporant de la musique électronique et en direct.

Danseurs / Dancers Alessandra Ferri Sarah Lamb Natalia Osipova Akane Takada Beatriz Stix-Brunell Francesca Hayward Federico Bonelli Steven McRae Edward Watson Gary Avis Tristan Dyer Paul Kay Eric Underwood Matthew Ball

Durée : 2 h 35 environ plus un entracte

The first revival of Wayne McGregor’s critically acclaimed ballet triptych, inspired by the works of Virginia Woolf.

The pioneering literary work of Virginia Woolf is the inspiration for multi-award-winning choreographer Wayne McGregor’s brilliant triptych for The Royal Ballet. McGregor has long been at the cutting edge of ballet, working with collaborators from across the artistic world, and in this critically acclaimed work he combines themes from three of Woolf’s landmark novels – Mrs Dalloway, Orlando and The Waves – with elements of her letters, essays and diaries. Acclaimed British composer Max Richter (Infra, Sum and Recomposed by Max Richter: Vivaldi, The Four Seasons) creates a specially commissioned score incorporating electronic and live music.

Duration: 2hrs 35mins approx. plus one interval En direct : 8 février 2017 Direct : February 8, 2017

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la belle au BOIS DORMANT BALLET

THE SLEEPING BEAUTY

Musique / Music Piotr �litch Tchaïkovski Production / Production Monica Mason Christopher Newton Direction musicale / Conductor Koen Kessels Production / Production Peter Wright Décors / Set designer Julia Trevelyan Oman Éclairages / Lighting design Mark Jonathan Chorégraphie / Choreography Marius Petipa Chorégraphie additionnelle/ Additional choreography Anthony Dowell, Frederick Ashton, Christopher Wheeldon Distribution / Cast Princess Aurora, Marianela Nuñez Prince Florimund, Vadim Muntagirov

Durée : 3 h 15 environ plus un entracte Duration: 3hrs 15mins approx. plus one interval En direct : 28 février 2017 Direct: February 28, 2017

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Célébrez les 70 ans de la production emblématique du Royal Ballet et entrez dans un monde enchanté de princesses, de fées marraines et de magie. Un enchantement intemporel et un classique bien-aimé, La Belle au bois dormant du Royal Ballet mélange le meilleur du ballet classique, plein de charme et de virtuosité, avec une musique magnifique et des danseurs talentueux. D’abord chorégraphié par Marius Petipa sur une musique de Tchaïkovski, en Russie, en 1890, La Belle au bois dormant présente de merveilleux ensembles, des solos comprenant Rose Adage dans le rôle de la princesse Aurore qui rencontre ses soupirants et, bien sûr, la danse finale pour souligner la réunion joyeuse de la princesse et de son prince. La mise en scène mémorable du Royal Ballet a été réutilisée pour fêter les 75 ans de la troupe en 2006. Les décors d’Oliver Messell, l’un des plus grands scénographes du 20e siècle, ont été restaurés et mis au goût du jour pour cette production de Peter Farmer. Les riches évocations de l’opulence baroque d’une cour royale, l’aventure panoramique du prince vers le château envahi par la nature et les personnages colorés de ce conte de fées connu font de La Belle au bois dormant un spectacle incomparable.

Celebrate 70 years of The Royal Ballet’s landmark production and enter an enchanted world of princesses, fairy godmothers and magical spells.

A perennial delight and a much-loved classic, The Royal Ballet’s The Sleeping Beauty combines the best of classical ballet, with all its charms and virtuosity, splendid music and talented dancers. First choreographed to Tchaïkovski’s great musical score by Marius Petipa in Russia in 1890, The Sleeping Beauty has wonderful ensembles, solos including the Rose Adage as Princess Aurora meets her suitors, and of course the concluding celebratory dances for the happy union of prince and princess. The Royal Ballet’s landmark staging was revived for the Company’s 75th anniversary celebrations in 2006. The designs by Oliver Messell, one of the greatest stage designers of the 20th century, were restored and updated for this production by Peter Farmer. The rich evocations of the baroque opulence of a royal court, the panoramic journey of the prince to the overgrown castle and the colourful characters in this famous fairytale make this Sleeping Beauty a spectacle like no other.

madame butterfly OPÉRA OPERA

MADAMA BUTTERFLY

Musique / Music Giacomo Puccini Mise en scène / Director Moshe Leiser, Patrice Caurier Livret de / Libretto by Giuseppe Giacosa, Luigi �llica Direction musicale / Conductor Antonio Pappano Production / Production Peter Wright Décors / Set designer Christian Fenouillat Éclairages / Lighting design Christophe Forey Costumes / Costume designer Agostino Cavalca Distribution / Cast Cio-Cio-San, Ermonela Jaho Lieutenant B.F. Pinkerton, Marcelo Puente Sharpless, Scott Hendricks Goro, Carlo Bosi Suzuki, Elizabeth DeShong Bonze, Jeremy White Kate Pinkerton, Emily Edmonds Imperial Commissioner, Gyula Nagy Prince Yamadori, Yuriy Yurchuk

Durée : 2 h 45 environ plus un entracte Duration: 2hrs 45mins approx. plus one interval En direct : 30 mars 2017 Direct : March 30, 2017

Antonio Pappano dirige une distribution impressionnante menée par Ermonela Jaho dans cet opéra profondément bouleversant de Puccini. Madame Butterfly de Puccini est l’un des opéras les plus populaires avec sa musique ravissante et l’histoire déchirante d’une geisha abandonnée par son mari cruel. L’excellente soprano Ermonela Jaho chante dans le rôle-titre pour la première fois au Covent Garden, dans une production spectaculaire de Moshe Leiser et Patrice Caurier. L’imagerie exotique du décor de Nagasaki s’inspire des idées romancées des artistes occidentaux du 19e siècle sur le Japon. La musique de Puccini fait vivre les chants d’oiseaux matinaux, le rituel d’un mariage et la séduction de l’officier de marine B. F. Pinkerton (chanté par le ténor Marcelo Puente) par sa jeune et innocente épouse. Les moments les plus connus comprennent l’aria passionnée Un bel dì (Un beau jour) lorsque Cio-Cio-San, abandonnée, s’accroche vainement à ses rêves. Le directeur musical du Royal Opera, Antonio Pappano, acclamé pour ses interprétations d’opéras italiens, dirige cette aventure intense et enlevante qui va de la lumière et l’effervescence vers la noirceur et le sacrifice de soi.

Antonio Pappano conducts an impressive cast led by Ermonela Jaho in Puccini’s deeply poignant opera. Puccini’s Madama Butterfly is one of the most popular of all operas, with ravishing music and a heartbreaking story of a loving geisha deserted by a callous American husband. Muchloved soprano Ermonela Jaho sings the title role for the first time at Covent Garden, in Moshe Leiser and Patrice Caurier’s stunningly beautiful production. The exotic imagery of the Nagasaki setting is drawn from 19th-century Western artists’ romanticized views of Japan. Puccini’s music brings alive the birdsong of the morning, the ritual of a wedding and the seduction by naval officer B.F. Pinkerton (sung by exciting young tenor Marcelo Puente) of his young, innocent bride. Well known moments include the impassioned aria ‘Un bel dì’ (One fine day) as the abandoned CioCio-San clings vainly to her dreams. Royal Opera Music Director Antonio Pappano, acclaimed for his interpretations of Italian opera, conducts this intense and gripping journey from light and excitement to darkness and self-sacrifice.

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joyaux JEWELS

BALLET

Musique / Music Gabriel Fauré, Igor Stravinski, Pïotr �litch Tchaïkovski Mise en scène / Director Jean-Marc Puissant Direction musicale / Conductor Pavel Sorokin Éclairages / Lighting design Jennifer Tipton Costumes / Costume designer Barbara Karinska Chorégraphie / Choreography George Balanchine

Durée : 2 h 30 environ plus un entracte Duration: 2hrs 30mins approx. plus one interval En direct : 11 avril 2017 Direct: April 11, 2017

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L’évocation de George Balanchine de l’éclat des émeraudes, des rubis et des diamants est un superbe ballet classique. La musique de l’époque romantique française de Fauré fournit le dynamisme de la subtilité et le lyrisme de Émeraudes, alors que Rubis est inspirée de la musique de Stravinski et de l’énergie de l’ère du jazz de New York.

La grandeur et l’élégance complètent ce ballet avec la splendeur de la Russie impériale et de la musique inégalable de Tchaïkovski pour la pièce Diamants.

Joyaux est une classe de maître des aspects lumineux du ballet classique et du Royal Ballet lui-même : la chorégraphie virtuose de Balanchine, l’intensité des solistes et la précision de la troupe.

George Balanchine’s evocation of the sparkle of emeralds, rubies and diamonds is a brilliant ballet classic. The French Romantic music of Fauré provides the impetus for the subtlety and lyricism of ‘Emeralds’, while the fire of ‘Rubies’ comes from Stravinski and the jazz-age energy of New York. Grandeur and elegance complete the ballet with the splendour of Imperial Russia and the peerless music of Tchaïkovski in ‘Diamonds’.

Jewels is a masterclass in the many luminous facets of classical ballet and indeed of The Royal Ballet itself: the virtuoso choreography of Balanchine, the intensity of the soloists and the precision of the entire Company.

the dream / symphonic variationS marguerite and armand BALLET

THE DREAM Musique / Music Felix Mendelssohn Direction musicale / Conductor Emmanuel Plasson Mise en scène / Director David Walker Éclairages / Lighting design John B. Read Chorégraphie / Choreography Frederick Ashton SYMPHONIC VARIATIONS Musique / Music César Franck Direction musicale / Conductor Emmanuel Plasson Mise en scène / Director Sophie Fedorovitch Éclairages / Lighting design John B. Read Chorégraphie / Choreography Frederick Ashton MARGUERITE AND ARMAND Musique / Music Franz Liszt Direction musicale / Conductor Emmanuel Plasson Mise en scène / Director Cecil Beaton Éclairages / Lighting design John B. Read Chorégraphie / Choreography Frederick Ashton

Le Royal Ballet termine la célébration de ses 70 ans au Royal Opera House avec un programme mixte d’œuvres du chorégraphe fondateur Frederick Ashton.

Ce superbe programme mixte démontre la vision créative de Frederick Ashton, chorégraphe fondateur du Royal Ballet.

The Dream est une adaptation d’Ashton de la comédie irrévérencieuse de Shakespeare dans laquelle un elfe de la forêt sème le chaos à l’aide d’une potion d’amour. Symphonic Variations fut la première œuvre d’Ashton après la Deuxième Guerre mondiale, et l’une des premières à être dansée par la troupe sur la scène principale de la Royal Opera House en 1946; six danseurs y exécutent des quatuors, des duos, des sextuors et des solos sur la musique sombre de Variations symphoniques de Franck, ce chef-d’œuvre précurseur qui célèbre la pure beauté du mouvement. Marguerite et Armand est la version émouvante d’Ashton d’une histoire bien connue qui nous est familière grâce à La traviata de Verdi. Ashton a créé ce ballet poignant à propos de Margot Fonteyn et Rudolf Noureeev en 1963.

The Royal Ballet brings its celebrations of 70 years at the Royal Opera House to a close with a mixed programme of works by its Founder Choreographer Frederick Ashton.

This gorgeous mixed programme demonstrates the great creative vision of Frederick Ashton, Founder Choreographer of The Royal Ballet. The Dream is Ashton’s adaptation of Shakespeare’s riotous comedy in which a forest sprite plays havoc, armed with a love potion. Symphonic Variations was Ashton’s first work after World War II, and one of the Company’s first to be performed on the huge main stage of the Royal Opera House, in 1946. With six dancers performing a series of quartets, duets, sextets and solos to Franck’s brooding Variations symphoniques, this seminal masterpiece celebrates the pure beauty of movement. Marguerite and Armand is Ashton’s beautiful and emotional retelling of a well-known story, familiar to us through Verdi’s opera La traviata. Ashton famously created this poignant ballet on Margot Fonteyn and Rudolf Noureev in 1963.

Durée : à confirmer Duration: to be confirmed En direct : 7 juin 2017 Direct: June 7, 2017

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otello OPÉRA OPERA

Musique / Music Giuseppe Verdi Mise en scène / Director Keith Warner Livret de / Libretto by Arrigo Boito Direction musicale / Conductor Antonio Pappano Chorégraphie / Choreography Michael Barry Décors / Set designer Boris Kudlička Éclairages / Lighting design TBC Costumes / Costume designer Kaspar Glarner Distribution / Cast Otello, Jonas Kaufmann Desdemona, Maria Agresta Iago, Ludovic Tézier Cassio, Frédéric Antoun Roderigo, Thomas Atkins Emilia, Kai Rüütel Montano, Simon Shibambu Lodovico, In Sung Sim

Durée : 2 h 45 environ plus un entracte Duration: 2hrs 45mins approx. plus one interval En direct : 28 juin 2017 Direct: June 28, 2017

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Le ténor de renommée mondiale Jonas Kaufmann fait ses débuts dans le rôle d’Otello dans la version passionnelle de Verdi de la grande tragédie de Shakespeare sur la jalousie, la déception et le meurtre. La soprano Maria Agresta sera sa Desdémone et le baryton Ludovic Tézier jouera son rival, Iago, dans une nouvelle production de Keith Warner, gagnant d’un Olivier Award.

L’une des œuvres majeures du répertoire de l’opéra, Otello de Verdi, exploite toute la puissance de l’Orchestre de la Royal Opera House, du Chœur du Royal Opera et de cette distribution exceptionnelle de chanteurs avec des duos exquis, des solos touchants et des chœurs exaltants. Les moments forts comprennent le sublime duo amoureux d’Otello et Desdémone, ainsi que la Romance du Saule de Desdémone.

Le directeur musical du Royal Opera, Antonio Pappano, dirige ce chef-d’œuvre italien.

World-famous tenor Jonas Kaufmann makes his role debut as Otello in Verdi’s passionate retelling of Shakespeare’s great tragedy of jealousy, deception and murder. Soprano Maria Agresta will be his Desdemona and baritone Ludovic Tézier his nemesis Iago in a new production by Olivier Award-winning director Keith Warner.

A major work of the opera repertory, Verdi’s Otello draws on the full forces of the Orchestra of the Royal Opera House, the Royal Opera Chorus and this stellar line-up of principal singers, with exquisite duets, emotionally potent solo numbers and thrilling choruses. Particular highlights include Otello and Desdemona’s rapturous love duet and Desdemona’s poignant ‘Willow Song’. Royal Opera Music Director Antonio Pappano conducts this Italian masterpiece.

ROYAL SHAKESPEARE COMPANY

PREMIÈRE DIFFUSION first broadcast

Hamlet Shakespeare

2 octobre 2016 October 2, 2016

Cymbeline Shakespeare

30 octobre 2016 October 30, 2016

King Lear Shakespeare

20 novembre 2016 November 20, 2016

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HAMlET

THÉÂTRE THEATER

William Shakespeare Direction musicale / Conductor Sola Akingbola, Jon Nicholls Mise en scène / Director Simon Godwin Décors / Sets designs Paul Wills Costumes / Costume designer Sety Powel Éclairages / Lighting design Paul Anderson Son / Sound Christopher Shutt Chorégraphie / Choreography Mbulelo Ndaben Combats / Fights Kev McCurdy Distribution / Cast Claudius, Clarence Smith Ghost, Ewart James Walters Player, Temi Wilkey Horatio, Hiran Abeysekera Osric, Romayne Andrews Player Queen, Doreene Blackstock Voltimand, Eke Chukwu Rosencrantz, James Cooney Guildenstern, Bethan Cullinane Cornelia, Marième Diouf Hamlet, Paapa Essiedu Bernardo, Kevin N Golding Laertes, Marcus Griffiths Professor of Wittenberg, Byron Mondahl Gertrude, Tanya Moodie Polonius, Cyril Nri Fortinbras/ Marcellus/ Lucianus, Theo Ogundipe Ophelia, Natalie Simpson

Durée : 3 h 20 environ plus un entracte Duration: 3hrs 20mins approx. plus one interval Première diffusion : 2 octobre 2016 First broadcast: October 2, 2016

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La fulgurante tragédie du jeune étudiant Hamlet, tourmenté par la mort de son père et nous confrontant avec la réflexion de notre propre mortalité dans un monde imparfait.

Hamlet a le monde à ses pieds. �l est jeune, riche, et vit une vie hédoniste pendant ses études à l’étranger. Puis, il apprend la mort de son père. À son retour à la maison, il découvre un monde totalement différent.

Ses certitudes s’écroulent et sa demeure devient un pays étranger.

Luttant pour trouver sa place dans ce nouvel univers, il doit faire face à un choix cruel : se soumettre ou se battre contre l’injustice de sa nouvelle réalité. Simon Godwin (Les Deux Gentilshommes de Vérone) dirige Paapa Essiedu dans le rôle d’Hamlet dans cette tragédie poignante de Shakespeare. Aussi pertinent aujourd’hui qu’à l’époque de son écriture, Hamlet nous confronte avec la réflexion de notre propre mortalité dans un monde imparfait.

The searing tragedy of young student Hamlet, tormented by his father’s death and confronting each of us with the mirror of our own mortality in an imperfect world Hamlet has the world at his feet. Young, wealthy and living a hedonistic life studying abroad. Then word reaches him that his father is dead.

Returning home he finds his world is utterly changed, his certainties smashed and his home a foreign land. Struggling to understand his place in a new world order he faces a stark choice. Submit, or rage against the injustice of his new reality. Simon Godwin (The Two Gentlemen of Verona 2014) directs Paapa Essiedu as Hamlet in Shakespeare’s searing tragedy. As relevant today as when it was written, Hamlet confronts each of us with the mirror of our own mortality in an imperfect world.

cymbeline

THÉÂTRE THEATER

William Shakespeare Direction musicale / Conductor Dave Price Mise en scène / Director Melly Still Décors / Set designer Anna Fleischle Costumes / Costume designer Sety Powel Éclairages / Lighting design Philip Gladwell Son / Sound Jonathan Ruddick Chorégraphie / Choreography Emily Mytton Combats / Fights Terry King Distribution / Cast Belarius, Graham Turner Philharmonia, Temi Wilkey Pisanio, Kelly Williams Posthumus, Hiran Abeysekera Lord 1 / Dutchman, Romayne Andrews Cymbeline, Gillian Bevan Cornelia / Soldier, Doreene Blackstock Caius Lucius / Spaniard, Eke Chukwu Duke, James Clyde Arviragus, James Cooney Innogen, Bethan Cullinane Helen, Marième Diouf First Gentlewoma, Jenny Fennessy Tribune/ Messenger, Kevin N Golding Cloten, Marcus Griffiths Iachimo, Oliver Johnstone Philario / Soldier, Byron Mondahl Lord 2 / Frenchman, Theo Ogundipe Guideria, Natalie Simpson Belarius, Graham Turner Gentlewoman 2, Temi Wilkey

Durée : 3 h 20 environ plus un entracte Duration: 3hrs 20mins approx. plus one interval Première diffusion : 30 octobre 2016 First broadcast: October 30, 2016

L’histoire rarement interprétée de Shakespeare sur le pouvoir, la jalousie et un voyage qui mène à l’amour et la réconciliation La Grande-Bretagne est en crise. Rejetée, insulaire et au bord du désastre : peut-elle être sauvée? La reine Cymbeline, impuissante, règne sur une Grande-Bretagne dystopique divisée. Folle de chagrin après la mort de deux de ses enfants, son jugement est affecté. Lorsque Imogène, la seule héritière, épouse Posthumus en secret, une Cymbeline enragée le bannit. Derrière le trône, un personnage assoiffé de pouvoir complote pour obtenir le pouvoir en les tuant tous les deux.

Pendant son exil, on fait croire au mari d’Imogène qu’elle lui a été infidèle.

Dans un geste impulsif causé par la jalousie, il complote pour la faire assassiner. Avertie du danger, Imogène se déguise pour fuir la cour et se retrouve dans une aventure pleine de dangers qui mènera à la réunion de Cymbeline et de son héritière disparue et à la réconciliation des deux jeunes amants. Les thèmes abordés dans Cymbeline sont aussi pertinents aujourd’hui que lorsque Shakespeare les a écrits.

Avec les répercussions du Brexit et le questionnement sur l’identité nationale, la mise en scène de Melly Still semble curieusement contemporaine. Cymbeline rassemble plusieurs des histoires de Shakespeare (Hamlet, Otello et Roméo et Juliette, pour n’en nommer que quelques-unes). Melly Still (qui a conçu Contes d’Ovide et Les Enfants de minuit pour la RSC et mis en scène La Petite Renarde rusée pour le Festival de Glyndebourne et Coram Boy pour le National Theatre) dirige Gillian Bevan dans le rôle de Cymbeline, première femme à jouer ce rôle pour la RSC, et Bethan Cullinane (Le Roi Lear, 2013 Globe Theatre), acclamée par la critique pour son rôle d’Imogène.

Shakespeare’s rarely performed romance of power, jealousy and a journey of love and reconciliation Britain is in crisis. Alienated, insular and on the brink of disaster. Can it be saved? An ineffectual Queen Cymbeline rules over a divided dystopian Britain.

Consumed with grief at the death of two of her children, Cymbeline’s judgement is clouded. When Innogen, the only living heir, marries her sweetheart Posthumus in secret, an enraged Cymbeline banishes him. Behind the throne, a power-hungry figure plots to seize power by murdering them both.

In exile Innogen’s husband is tricked into believing she has been unfaithful to him and in an act of impulsive jealousy begins a scheme to have her murdered.

Warned of the danger, Innogen runs away from court in disguise and begins a journey fraught with danger that will eventually reunite Cymbeline with a long-lost heir and reconcile the young lovers. The themes of Cymbeline are as relevant today as they were when Shakespeare first wrote them.

With echoes of Brexit and questions of national identity, Melly Still’s direction of Shakespeare’s rarely performed play feels surprisingly contemporary.

Cymbeline mashes up a variety of different Shakespeare stories (Hamlet, Othello and Romeo and Juliet to name a few). Melly Still (who designed Tales from Ovid and Midnight’s Children for the RSC and whose directing credits include The Cunning Little Vixen for Glyndebourne Opera and Coram Boy for the National Theatre) directs Gillian Bevan in the role of Cymbeline, the first woman to take on the role for the RSC, and Bethan Cullinane (King Lear, 2013 Globe Theatre) as a critically-acclaimed Innogen.

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le roi lear KING LEAR

THÉÂTRE THEATER

William Shakespeare Direction musicale / Conductor �lona Sekacz Mise en scène / Director Gregory Doran Décors / Set designer Niki Turner Costumes / Costume designer Sety Powel Éclairages / Lighting design Tim Mitchell Son / Sound Jonathan Ruddick Chorégraphie / Choreography Michael Ashcroft Combats / Fights Bret Yount Distribution / Cast Fool, Graham Turner Old Man, Ewart James Walters Regan, Kelly Williams Soldier, Romayne Andrews Kent, Antony Byrne Soldier, Eke Chukwu Cornwall, James Clyde Soldier, James Cooney Lady, Bethan Cullinane Lady, Marième Diouf Edmund, Paapa Essiedu Lady, Jenny Fennessy Curan, Kevin N Golding France, Marcus Griffiths Goneril, Nia Gwynne Edgar, Oliver Johnstone Oswald, Byron Mondahl Burgundy, Theo Ogundipe King Lear, Antony Sher Cordelia, Natalie Simpson Albany, Clarence Smith Gloucester, David Troughton

Durée : 2 h 55 environ plus un entracte Duration: 2hrs 55mins approx. plus one interval Première diffusion : 20 novembre 2016 First broadcast: November 20, 2016

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Gregory Doran dirige Antony Sher dans l’un des plus grands rôles jamais écrits par Shakespeare Le roi Lear a régné pendant plusieurs années. Lorsque le poids de l’âge commence à se faire ressentir, il décide de diviser son royaume entre ses enfants pour vivre la fin de ses jours sans le fardeau du pouvoir. Homme fier, il laisse sa vanité obscurcir son jugement et croit qu’il peut renoncer à la couronne tout en ayant l’autorité et le respect qu’il connaît depuis toujours. �l surestime la loyauté de ses enfants et se retrouve rapidement privé de ses privilèges d’État, de la richesse et du pouvoir qu’il tenait pour acquis. Seul dans la nature, il doit confronter les erreurs d’une vie qui l’a mené jusqu’à ce point. Après sa performance dans le rôle de Willy Loman dans la grande tragédie américaine du 20e siècle d’Arthur Miller, Mort d’un commis voyageur, Antony Sher revient pour jouer le roi Lear, l’un des plus grands rôles jamais écrits par Shakespeare. La production est dirigée par le directeur artistique Gregory Doran.

Gregory Doran directs Antony Sher in one of the greatest parts ever written by Shakespeare King Lear has ruled for many years. As age begins to overtake him, he decides to divide his kingdom amongst his children, living out his days without the burden of power. A proud man, he allows vanity to cloud his judgment, believing that he can relinquish the crown, but enjoy the same authority and respect he has always known. Misjudging his children’s loyalty he soon finds himself stripped of all the trappings of state, wealth and power he had taken for granted.Alone in the wilderness he is left to confront the mistakes of a life that has brought him to this point. Following his performance as Willy Loman in Arthur Miller’s great 20th century American tragedy Death of a Salesman, Antony Sher returns to play King Lear, one of the greatest parts written by Shakespeare. The production is directed by Artistic Director Gregory Doran.

COMÉDIE-FRANÇAISE

PREMIÈRE DIFFUSION first broadcast

Roméo et Juliette Shakespeare

13 octobre 2016 October 13, 2016

Le Misanthrope Molière

9 février 2017 February 9, 2017

Cyrano de Bergerac Rostand

4 juillet 2017 July 4, 2017

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ROMÉO ET JULIETTE THÉÂTRE THEATER

ROMEO AND JULIET

Texte /Written by William Shakespeare Mise en scène / Director Éric Ruf Distribution / Cast la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française/ The Troupe and actors from the Académie de la Comédie-Française Gérard Giroudon : Montaigu Claude Mathieu : la nourrice Christian Blanc : Montaigu (en alternance/in rotation) Jérôme Pouly : le comte Pâris (en alternance/in rotation) Christian Gonon : Tybalt (en alternance/in rotation) Serge Bagdassarian : Frère Laurent Bakary Sangaré : Frère Jean Pierre Louis-Calixte : Mercutio Gilles David : le Prince Stéphane Varupenne : Tybalt (en alternance/in rotation) Suliane Brahim : Juliette Danièle Lebrun : Lady Capulet Nâzim Boudjenah : Benvolio (en alternance/in rotation) Jérémy Lopez : Roméo Elliot Jenicot : le comte Pâris (en alternance/in rotation) Laurent Lafitte : Benvolio (en alternance/in rotation) Didier Sandre : Capulet

Durée : 2 h 45 environ plus un entracte Duration: 2hrs 45mins approx. plus one interval En direct : 13 octobre 2016 Direct: april 13, 2017

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SYNOPSIS À Vérone, une rivalité ancestrale oppose les Capulet et les Montaigu. Lorsque Roméo Montaigu rencontre Juliette Capulet naît immédiatement entre eux un amour dont ils savent l’éternité et pressentent la fin tragique…

PRÉSENTATION Roméo et Juliette est sans doute l’œuvre la plus connue de Shakespeare et pourtant… là où la représentation communément partagée voit l’incarnation de l’histoire d’amour absolue se cachent nombre de ressorts bien plus complexes, au point que la romance ne semble y être qu’une anecdote. « �l y a un soleil noir dans cette pièce, c’est cela qu’il faut travailler », déclare Éric Ruf qui assure la mise en scène et la scénographie.

SYNOPSIS In Verona, an ancient rivalry opposes Capulet and Montague. When Romeo Montague meets Juliet Capulet, they immediately feel the birth of an eternal love for which they both sense the tragic ending.

PRESENTATION Romeo and Juliet is, without a doubt, the best-known play written

by Shakespeare. However, where the collective imagination sees the embodiment of the ultimate love story, there are a number of far more complex issues, to the point where romance seems like a mere anecdote.

“This play hides a dark sun, and that’s what we need to work on,” said Éric Ruf, who’s directing and staging it.

le MISANTHROPE THE MISANTHROPE

THÉÂTRE THEATER

Texte/Written by Molière Mise en scène / Director Clément Hervieu-Léger Distribution / Cast la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française/ The Troupe and actors from the Académie de la Comédie-Française

Durée : 3 h environ plus un entracte Duration: 3hrs approx. plus one interval En direct : 9 février 2017 Direct: february 9, 2017

SYNOPSIS Alceste aime Célimène, une jeune femme mondaine éprise de liberté, mais rejette la société de bienséance à laquelle ils appartiennent.

Hanté par un procès dont il redoute l’issue, Alceste se rend chez elle pour solliciter son aide…

PRÉSENTATION Le Misanthrope donne à voir une société libérée de l’emprise parentale et religieuse, dont le vernis social s’écaille lorsque surgit le désir. Poussés à bout par la radicalité d’Alceste, prêts à renoncer à toute forme de mondanité, les personnages dévoilent, le temps d’une journée, les contradictions du genre humain soumis à un cœur que la raison ne connaît point.

SYNOPSIS Alceste loves Célimène, a mundane young woman longing for freedom who rejects the society they’re living in. Haunted by a trial for which he fears the sentence, Alceste comes to her to ask for her help…

PRESENTATION The Misanthrope shows a society freed from parental and religious control in which the “social gloss” crumbles when desire arises. The characters, pushed to their limits by Alceste’s radicalism, are ready to give up all mundanity. For one day, they unveil the conflicts within humans subjected to a heart that the reasoning doesn’t know.

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THÉÂTRE THEATER

cyrano de BERGERAC Texte/Written by Edmond Rostand

Mise en scène / Director Denis Podalydès Distribution / Cast la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française/ The Troupe and actors from the Académie de la Comédie-Française

Durée : 3 h 05 environ plus un entracte Duration: 3hrs 05mins approx. plus one interval En direct : 4 juillet 2017 Direct: July 4, 2017

SYNOPSIS Cyrano est affligé d’un nez proéminent mais doté d’un don pour les mots grâce auquel il aide le beau Christian à conquérir le cœur de Roxane. �l est également amoureux de la jeune fille mais choisit de ne pas lui révéler que chaque mot que Christian prononce, Cyrano le vit…

PRÉSENTATION « Quand, acteurs de la Troupe, nous montons des pièces, nous avons inconsciemment le désir de montrer notre théâtre, tout ce qui nous le fait aimer et y rester. » C’est dans cet esprit que Denis Podalydès, sociétaire, s’empare du plateau de la salle Richelieu. Opéra-bouffe, tragédie, drame romantique, poésie symboliste, farce… tous les genres sont convoqués pour faire vibrer la partition de ce texte emblématique du répertoire français SYNOPSIS Cyrano has an extremely large nose, but his talent with words helps him to help Christian to conquer Roxane. While also in love with the young woman, he decides not to tell her that every word she hears from Christian comes from him…

PRESENTATION “ When we, as actors of the Troupe, we stage plays, we unconsciously wish to show off our theatre and everything that makes us love it and stay in it. ” It was it this spirit that the sociétaire of the Troupe Denis Podalydès took over the boards of the salle Richelieu. Opéra-bouffe, tragedy, romantic drama, symbolic poetry, farce… everything is there to make this emblematic play from the French repertoire unforgettable!

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OPÉRA NATIONAL DE PARIS PREMIÈRE DIFFUSION first broadcast

Samson et Dalila Camille Saint-Saëns

13 octobre 2016 October 13, 2016

Les Contes d’Hoffmann Offenbach

15 novembre 2016 November 15, 2016

Le Lac des cygnes Rudolf Noureev

8 décembre 2016 December 8, 2016

Così fan tutte Mozart

16 février 2017 February 16, 2017

Le Songe d’une nuit d’été George Balanchine

23 mars 2017 March 23, 2017

La Fille de neige Nilolai Rimski - Korsakov

25 avril 2017 April 25, 2017

La Cenerentola Rossini

20 juin 2017 June 20, 2017

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samson ET DALILA OPÉRA OPERA

SAMSON AND DALILAH

Opéra en trois actes et quatre tableaux / Opera in three acts and four scenes (1877) Musique de / Music by Camille Saint-Saëns Livret de / Libretto by Ferdinand Lemaire Direction musicale / Conductor Philippe Jordan Mise en scène / Director Damiano Michieletto Décors / Set designer Paolo Fantin Costumes / Costume designer Carla Teti Éclairages / Lighting design Alessandro Carletti Chef des Chœurs / Chorus master José Luis Basso Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Dalila, Anita Rachvelishvili Samson, Aleksandrs Antonenko Le Grand Prêtre de Dagon, Egils Silins Abimélech, Nicolas Testé Un vieillard hébreu, Nicolas Cavallier Un messager philistin, John Bernard Premier philistin, Luca Sannaï Deuxième philistin, Jian-Hong Zhao

Durée : 2 h 50 environ plus un entracte Duration: 2hrs 50mins approx. plus one interval En direct : 13 octobre 2016 Direct: October 13, 2016

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Les éclairs brillent déjà dans le ciel quand Dalila déclare sa flamme à Samson dans l’un des plus beaux airs d’amour de l’opéra romantique : « Mon cœur s’ouvre à ta voix comme s’ouvrent les fleurs aux baisers de l’aurore ». Une beauté envoûtante, mais trompeuse… Quand le tonnerre gronde enfin, Dalila trahit Samson en le livrant à ses ennemis : « Montez, cette fois il m’a ouvert tout son cœur », leur souffle-t-elle dans la nuit (Ancien Testament, Livre des Juges). Inspiré d’un sujet biblique violent et érotique, l’opéra de Saint-Saëns – qui doit sa création en 1877 à l’insistance de Liszt – met quinze ans avant d’être joué à Paris, au Palais Garnier. Cette première représentation parisienne, en 1892, comporte la danse alors inédite « des prêtresses de Dagon ». �l devient par la suite l’un des opéras français les plus joués au monde avec Faust et Carmen. Dirigée par Philippe Jordan, cette nouvelle production marque le retour à l’Opéra national de Paris de ce chef-d’œuvre du répertoire qui n’y a plus été joué depuis un quart de siècle. Anita Rachvelishvili, majestueuse dans les rôles de femmes fatales, incarne la prêtresse venimeuse dans une mise en scène de Damiano Michieletto.

Lightning streaks through the skies as Dalila declares her love to Samson in one of the finest arias of romantic opera. “My heart awakens to your voice like a flower to the kiss of dawn. ”An enchanting yet treacherous beauty... When the thunder at last rumbles, Dalila betrays Samson and offers him up to his enemies: “Come up, for this time he has shown me all his heart”, she whispers to them in the night (The Old Testament, Book of Judges). Based on a violent and erotic biblical story, Saint-Saëns’s opera – composed in 1877, much to Liszt’s insistence – would not be performed at the Palais Garnier until fifteen years later. This first Parisian performance in 1892 included the hitherto unperformed “Dance Of The Priestesses”.

Nevertheless, it became one of the most performed French operas in the world, together with Faust and Carmen. Conducted by Philippe Jordan, this new production brings back a repertoire masterpiece that has not been performed at the Paris Opera for twenty-five years. Ever sensational as a femme fatale, Anita Rachvelishvili plays the murderous Priestess in a production staged by Damiano Michieletto.

Les contes d’hoffmann OPÉRA OPERA

THE TALES OF HOFFMANN

Opéra fantastique en un prologue, trois actes et un épilogue / Opera in a prologue, three acts and an epilogue (1881) Musique de / Music by Jacques Offenbach Livret de / Libretto by Jules Barbier D’après / After Jules Barbier, Michel Carré Direction musicale / Conductor Philippe Jordan Mise en scène / Director Robert Carsen Décors et costumes / Set and Costume designer Michael Levine Éclairages / Lighting design Jean Kalman Chorégraphie / Choreography Philippe Giraudeau Dramaturgie / Dramaturgy Ian Burton Chef des Chœurs / Chorus master José Luis Basso Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Olympia, Sabine Devieilhe Giulietta, Kate Aldrich Antonia, Ermonela Jaho La Muse / Nicklausse, Stéphanie d’Oustrac Une Voix, Doris Soffel Hoffmann, Jonas Kaufmann Spalanzani, Rodolphe Briand Nathanaël, Cyrille Lovighi Luther / Crespel, Paul Gay Andrès / Cochenille / Pitichinaccio / Frantz, Yann Beuron Lindorf / Coppélius / Dapertutto / Miracle, Roberto Tagliavini Hermann, Laurent Laberdesque Schlemil, François Lis

Lorsqu’il s’attelle à la composition des Contes d’Hoffmann, Offenbach a déjà plus de 100 opéras à son actif. Laissée inachevée en raison de la mort du compositeur survenue au cours des répétitions, en octobre 1880, cette oeuvre ultime est une synthèse inouïe, à la fois drôle, grave et fantastique de l’opéra-bouffe, de l’opéra romantique et du grand opéra. Adaptation de trois contes d’E.T.A. Hoffmann, abreuvée du Faust de Goethe, elle met en scène le poète allemand – à la fois narrateur et héros – qui raconte trois amours : Olympia, Antonia et Giulietta. La spectaculaire mise en scène de Robert Carsen, formidable de cohérence et de sens dramatique pour une œuvre qui laisse de nombreux points en suspens, révèle le génie mélancolique d’un homme marqué par la vie. Dirigés par Philippe Jordan, Sabine Devieilhe, Stéphanie d’Oustrac, Kate Aldrich, Yann Beuron et Jonas Kaufmann, dans le rôle-titre, interprètent les airs mythiques de cette œuvre dont l’éclatant mystère ne finit plus d’illuminer les scènes lyriques.

By the time he came to tackle the composition of Les Contes d’Hoffmann, Offenbach’s opus already included more than a hundred operas. Left unfinished when he died during rehearsals in October 1880, his last work combines fantasy, gravity and humour in an unexpectedly innovative synthesis of opera buffa, romantic opera and grand opera. This adaptation of three tales by E.T.A. Hoffmann, with a sprinkling of Goethe’s Faust, portrays the German poet as both narrator and hero recounting his love affairs with Olympia, Antonia and Giuletta. Robert Carsen’s spectacular production highlights the melancholy genius of a man marked by life, with a coherence and dramatic sense remarkable for a work that leaves numerous questions unanswered. Under the baton of Philippe Jordan, Sabine Devieilhe, Stéphanie d’Oustrac, Kate Aldrich, Yann Beuron and Jonas Kaufmann in the main role, interpret the legendary airs of this work whose brilliant mystery will continue to dazzle opera houses for countless years to come.

Durée : 3 h 25 environ plus un entracte Duration: 3hrs 25mins approx. plus one interval En direct : 15 novembre 2016 Direct: November 15, 2016

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le lac DES CYGNES SWAN LAKE

BALLET

Ballet en quatre actes Ballet in four acts Musique de / Music by Piotr �litch Tchaïkovski Livret de / Libretto by Vladimir Begichev, Vassili Gueltzer D’après / After Marius Petipa, Lev Ivanov Chorégraphie / Choreography Rudolf Noureev Décors / Set designer Ezio Frigerio Costumes / Costume designer Franca Squarciapino Éclairages / Lighting design Vinicio Cheli Direction musicale / Conductor Vello Pähn Les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l’Opéra / Étoiles, Premiers Danseurs and Corps de Ballet of the Paris Opera Orchestre de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra

Durée : 2 h 35 environ plus un entracte Duration: 2hrs 35mins approx. plus one interval En direct : 8 décembre 2016 Direct: December 8, 2016

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Puisant aux sources d’anciennes légendes slaves et nordiques où la fatalité survient des mystérieuses forces de la nature, Le Lac des cygnes a créé son propre mythe. Première composition de Tchaïkovski pour le ballet, elle est empreinte d’une profonde nostalgie, comme en écho à la propre expérience du compositeur où l’amour rêvé demeure impossible. Cependant, l’œuvre reste incomprise jusqu’à ce que Marius Petipa lui prête sa propre lecture chorégraphique en 1895. �l déploie pour le corps de ballet féminin, avec le concours de Lev Ivanov, de majestueuses figures et donne vie à la danseusecygne. Dans la version « freudienne » que Rudolf Noureev imagine pour le Ballet de l’Opéra de Paris en 1984, le prince Siegfried, manipulé par le maléfique Rothbart, se dérobe à la réalité du pouvoir et du mariage pour se réfugier dans les rêves, où lui apparaît un lac magique porteur de l’amour idéalisé. Noureev hisse à la hauteur de l’héroïne le rôle du prince en lui donnant une nouvelle ampleur psychologique et préfère donner à ce chef-d’œuvre du ballet d’action une fin tragique plus harmonieuse avec l’écriture musicale.

Drawing on ancient Slavic and Norse mythology where destiny is often born out of the mysterious forces of nature, Swan Lake has become a legend in its own right. Tchaïkovsky’s first ballet score is imbued with a deep sense of nostalgia, echoing the composer’s own experience of love as elusive as it was impossible. However, the work remained misunderstood until 1895 when Marius Petipa undertook his own choreographic interpretation.

With the help of Lev Ivanov, Petipa created majestic figures for the female corps de ballet and breathed life into the swan-dancer. In Rudolf Nureyev’s “Freudian” version, conceived for the Paris Opera Ballet in 1984, Prince Siegfried, manipulated by the evil Rothbart, shuns the realities of power and marriage to take refuge in dreams where a magic lake symbolizing idealised love appears to him. Nureyev elevated the role of the prince to that of the heroine by giving him a deeper psychological dimension whilst opting to give this masterly action ballet a tragic denouement more in tune with its musical substance.

OPÉRA OPERA

cosi fan TUTTE

Opera buffa en deux actes / Opera buffa in two acts (1790) Musique de / Music by Wolfgang Amadeus Mozart Livret de / Libretto by Lorenzo Da Ponte Direction musicale / Conductor Philippe Jordan Mise en scène / Director Chorégraphie / Choreography Anne Teresa De Keersmaeker Costumes / Costume designer Dries Van Noten Éclairages / Lighting design Décors / Sets design Jan Versweyveld Chef des Chœurs / Chorus master Alessandro Di Stefano Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Fiordiligi, Jacquelyn Wagner Dorabella, Michèle Losier Ferrando, Frédéric Antoun Guglielmo, Philippe Sly Don Alfonso, Paulo Szot Despina, Ginger Costa-Jackson

Les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de ballet de l’Opéra national de Paris / Étoiles, Premiers Danseurs and Corps de Ballet of the Paris Opera

Provoqués par Don Alfonso, vieux philosophe cynique, deux jeunes idéalistes décident de mettre à l’épreuve la fidélité de leurs amantes.

L’amour leur infligera une amère leçon : ceux qui se croyaient phénix et déesses se découvriront corps désirants… Nous sommes en 1790, un an après la Révolution française, lorsque, pour ce qui sera leur dernière collaboration, Mozart et Da Ponte choisissent de mener cette expérience amoureuse et scientifique. Étrange musique que celle de ce Così fan tutte, complexe dans sa symétrie, souriante et pourtant d’une mélancolie presque sacrale. Étrange musique dont chacune des notes semble destinée à nous faire accepter la perte – perte du paradis, perte de la jeunesse, perte de l’être aimé – pour dessiner un monde où tout se transforme, tout est mouvement. Ce laboratoire de l’érotisme ne pouvait qu’inspirer Anne Teresa De Keersmaeker, chorégraphe, qui excelle à rendre visible sur scène la géométrie profonde des œuvres. Avec six chanteurs doublés de six danseurs, elle met en scène le désir qui unit et sépare les êtres, pareil aux interactions entre les atomes qui, quand elles se brisent, rendent possibles de nouvelles liaisons.

Prompted by Don Alfonso, a cynical old philosopher, two young idealists decide to put their lovers’ fidelity to the test. But love will teach them a bitter lesson: those who believe themselves phoenixes and goddesses will discover the desires of the flesh... In 1790, one year after the French Revolution, in what would be their final collaboration, Mozart and Da Ponte conduct a scientific investigation of love. The music of Così fan tutte is truly extraordinary – complex in its symmetry, jovial and yet infused with an almost sacred melancholia. An extraordinary score where each note seems intended to make us accept a loss – lost paradise, lost youth, or a lost loved-one – and portray a world where all is in a constant state of flux.

This laboratory of eroticism could but inspire choreographer Anne Teresa De Keersmaeker, who excels in revealing a work’s innermost geometry on stage. With six singers doubled by six dancers, she depicts the desire which unites and separates human beings, like the interactions between atoms that, once broken, make new bonds possible.

Durée : 3 h 25 environ plus un entracte Duration: 3hrs 25mins approx. plus one interval En direct : 16 février 2017 Direct: February 16, 2017

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le songe D’UNE NUIT D’ÉTÉ BALLET

A MIDSUMMER NIGHT’S DREAM

Entrée au répertoire D’après William Shakespeare, A Midsummer Night’s Dream Musique de / Music by Felix Mendelssohn-Bartholdy Chorégraphie / Choreography George Balanchine Décors et Costumes / Set and Costume designer Christian Lacroix Élairages / Lighting design Mark Stanley Les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l’Opéra national de Paris Direction musicale / Conductor Simon Hewett Chef des Chœurs / Chorus master José Luis Basso Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Solistes : Pranvera Lehnert, Anne-Sophie Ducret

Durée : 2 h environ plus un entracte Duration: 2hrs approx. plus one interval En direct : 23 mars 2017 Direct: March 23, 2017

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Nombreux sont les chorégraphes qui ont puisé dans l’œuvre de Shakespeare la matière dramatique de leur ballet, à commencer par Jean-Georges Noverre, ardent défenseur du « ballet d’action », et Marius Petipa, premier à utiliser la musique de scène de Mendelssohn.

En amoureux de cette partition, George Balanchine ne pouvait faire exception. Ainsi, en 1962, il crée pour le New York City Ballet sa version de la comédie de Shakespeare. Fidèle à son vocabulaire qu’il mêle à une subtile pantomime, il déroule en deux actes et six tableaux une intrigue sentimentale complexe. Autour de Thésée, duc d’Athènes, et d’Hippolyte, reine des Amazones, surviennent une querelle domestique entre le roi des elfes et la reine des fées, une intervention du facétieux Puck et de son philtre magique puis celle d’une troupe de comédiens amateurs. Le dénouement sera célébré à la manière d’un grand divertissement virtuose. Avec Le Songe d’une nuit d’été, c’est un des rares ballets narratifs de George Balanchine qui fait son entrée au répertoire du Ballet de l’Opéra national de Paris dont la réalisation des décors et costumes a été confiée à un autre magicien de la scène, Christian Lacroix.

Numerous choreographers have delved into Shakespeare to find dramatic material for their ballets, beginning with Jean-Georges Noverre, an ardent defender of the “action ballet” and Marius Petipa, who was the first to use Mendelssohn’s stage music. George Balanchine, who also loved the score, would prove no exception. In 1962 he created his version of Shakespeare’s comedy for New York City Ballet. Faithful to the Bard’s vocabulary whilst adding a subtle touch of pantomime, he portrays a complex love story in two acts and six scenes. Theseus, Duke of Athens, and Hippolyta, queen of the Amazons, become caught up in a domestic quarrel between the king of the elves and the queen of the fairies which results in the intervention of the mischievous Puck and his magic potion along with a troupe of amateur actors. The denouement is celebrated in the form of a grand virtuoso entertainment. One of George Balanchine’s rare narrative ballets, A Midsummer Night’s Dream is entering the Paris Opera Ballet’s repertoire. The sets and costumes for this production have been designed by another magician of the stage, Christian Lacroix.

la fille DE NEIGE OPÉRA OPERA

THE SNOW MAIDEN

Opéra (conte de printemps) en un prologue et quatre actes / Opera in a prologue and four acts (1882) Musique de / Music by Nikolaï Rimski-Korsakov Livret de / Libretto by Nikolaï Rimski-Korsakov D’après / After Alexandre Ostrovski Direction musicale / Conductor Mikhail Tatarnikov Mise en scène / Director Décors et costumes / Set and Costume designer Dmitri Tcherniakov Éclairages / Lighting design Gleb Filshtinsky Chef des Chœurs / Chorus master José Luis Basso Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Snegourotchka, Aida Garifullina Lel, Rupert Enticknap Kupava, Martina Serafin La Fée Printemps, Luciana D’Intino Bobylicka, Carole Wilson L’Esprit des bois, Vasily Efimov Un page, Olga Oussova Le tsar Berendei, Ramón Vargas Mizguir, Thomas Johannes Mayer Le bonhomme Hiver, Vladimir Ognovenko Bobyl Bakula, Vasily Gorshkov Bermiata, Franz Hawlata Premier Héraut, Vincent Morell Deuxième Héraut, Pierpaolo Palloni

En des temps immémoriaux, dans le fabuleux royaume du tsar Berendeï, naquit Snegourotchka, fruit des amours de la Fée Printemps et du vieil Hiver. Protégée par ses parents de la jalousie du dieu soleil Yarilo qui promit de réchauffer son cœur lorsque, devenue adulte, elle tomberait amoureuse, Snegourotchka l’enfant de neige est confiée à l’Esprit des bois… Particulièrement attaché à cet opéra, qu’il considérait lui-même être une oeuvre de maturité, RimskiKorsakov écrivait, plus de dix ans après sa création : « Quiconque n’aime pas Snegourotchka ne comprend rien à ma musique ni à ma personne ». Chef-d’œuvre de la littérature populaire slave, La Fille de neige porte sur le plateau un imaginaire féerique nourri des rigueurs du climat. C’est Aida Garifullina qui prête sa voix à Snegourotchka, la direction musicale et la mise en scène réunissant deux autres artistes russes : le jeune chef d’orchestre Mikhail Tatarnikov et le metteur en scène Dmitri Tcherniakov.

Snegurochka was born in times of old in Tsar Berendey’s mythical kingdom, the fruit of the union between Spring the Beauty and Grandfather Frost.

Protected by her parents from the jealousy of the Sun god Yarilo who has vowed to warm her heart when she gets older and falls in love, Snegurochka the snow maiden is entrusted to the wood sprite... Particularly attached to the opera which he himself considered to be a work of maturity, RimskyKorsakov would write ten years after its creation that: “anyone who fails to love The Snow Maiden understands nothing of my works nor of myself”.

A masterpiece of popular Slavic literature, The Snow Maiden brings to the stage a magical fantasy enriched by the rigours of the weather. Aida Garifullina sings the role of Snegurochka whilst the production and musical direction have been left in the capable hands of two other Russian artists: the young conductor Mikhail Tatarnikov and director Dmitri Tcherniakov.

Durée : 4 h 20 environ plus un entracte Duration: 4hrs 20mins approx. plus one interval En direct : 25 avril 2017 Direct: April 25, 2017

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OPÉRA OPERA

LA CENERENTOLA

Dramma giocoso en deux actes / Dramma giocoso in two acts (1817) Musique de / Music by Gioacchino Rossini Livret de / Libretto by Jacopo Ferretti D’après / After Charles Perrault, Cendrillon Direction musicale / Conductor Ottavio Dantone Mise en scène / Director Guillaume Gallienne Collaboration artistique / Artistic collaboration Marie Lambert Décors / Set designer Éric Ruf Costumes / Costume designer Olivier Bériot Éclairages / Lighting design Bertrand Couderc Chef des Chœurs / Chorus master José Luis Basso Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris / Paris Opera Orchestra and Chorus Don Ramiro, Juan José De León Dandini, Alessio Arduini Don Magnifico, Maurizio Muraro Clorinda, Chiara Skerath Tisbe, Isabelle Druet Angelina, Teresa Iervolino Alidoro, Roberto Tagliavini

Durée : 3 h environ plus un entracte Duration: 3hrs approx. plus one interval En direct : 20 juin 2017 Direct: June 20, 2017

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« Avant la fin du carnaval, tout Rome aimera ma Cendrillon… » Ainsi s’exprimait Rossini en 1817, après l’échec de la première, persuadé que la citrouille finirait par devenir un somptueux carrosse. L’avenir devait lui donner raison. Pourtant, en passant du conte de Perrault à l’opéra, l’humble servante qui rêve d’aller au bal a perdu tous ses atours magiques : ici point de fée qui, d’un coup de baguette, transforme les souris en chevaux, les rats en cochers et les lézards en laquais. Et ce n’est pas une pantoufle de vair mais un bracelet que la belle laisse, volontairement d’ailleurs, à son prince en le mettant au défi de la retrouver. Les Lumières ont allumé leurs feux à travers l’Europe et voici que La Cenerentola se concentre sur l’essentiel : se confronter à l’altérité sociale pour retrouver, sous les haillons, la crinoline. Guillaume Gallienne, sociétaire de la Comédie-Française, réalise sa première mise en scène d’opéra.

“Before the carnival is over, all Rome will love my Cinderella...”

Thus spoke Rossini in 1817, in the aftermath of the disastrous opening night, firmly convinced that his pumpkin would be transformed into a sumptuous carriage. The future was to prove him right. However, in moving from Perrault’s tale to the opera, the humble servant who dreams of going to the ball has lost all her magical attributes: here there is no fairy godmother to transform mice into horses, rats into coachmen and lizards into footmen with a wave of her wand.

And it is not a fur slipper but a bracelet that the beauty leaves behind for her prince, quite deliberately, challenging him to find her again. The Enlightenment had lit its fires throughout Europe and La Cenerentola focused on the burning issues of the day, confronting social divisions to reveal the crinoline beneath the rags. Guillaume Gallienne, member of the Comédie-Française, stages his first opera.

gran teatre del liceu

BARCELONE

PREMIÈRE DIFFUSION first broadcast

Macbeth Verdi

20 octobre 2016 October 20, 2016

Rigoletto Verdi

6 avril 2017 April 6, 2017

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macbeth

OPÉRA OPERA

Giuseppe Verdi Livret de / Libretto by Francesco Marsia Piave Direction musicale / Conductor Giampaolo Bisanti Mise en scène / Director Christof Loy Costumes / Costume designer Ursula Renzenbrink Décors / Set designer Jonas Dahlberg Éclairages / Lighting design Bernd Purkrabek Chorégraphie / Choreography Thomas Wilhelm Chef des Chœurs / Chorus master Conxita Garcia Grand Théâtre de Genève Symphony Orchestra and Chorus of the Liceu Opera Barcelona Distribution / Cast Macbeth, Ludovic Tézier Banquo, Vitalij Kowaljow Lady Macbeth, Martina Serafin Dama, Anna Puche Macduff, Saimir Pirgu Malcolm, Albert Casals Doctor, David Sánchez Servant, herald and assassin, Marc Canturri

Durée : 3 h 20 environ plus un entracte Duration: 3hrs 20mins approx. plus one interval En direct : 20 octobre 2016 Direct: October 20, 2016

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Un opéra pour marquer l’année Shakespeare dans une production spectaculaire et surréaliste. Écosse. Macbeth écoute les sorcières mystérieuses, qui lui annoncent qu’il deviendra roi d’Écosse. Lorsque sa femme l’apprend, elle le convainc de tuer le roi actuel pour prendre sa place. Les prédictions des sorcières font en sorte que Macbeth traite ses amis et ses ennemis avec la même brutalité jusqu’au moment où, seul et furieux, il se présente pour le combat final et meurt. Giuseppe Verdi vénérait cette pièce de Shakespeare et il s’agit de son premier opéra basé sur un texte de Bard. �l voulait accomplir « quelque chose d’extraordinaire », une expression qui résume bien son enthousiasme.

Dans cette version, le metteur en scène Christof Loy a choisi une approche classique et intemporelle, en y ajoutant une touche de surréalisme. Le blanc et le noir dominent et le drame est intense…

An opera to mark Shakespeare year in a spectacular and surrealistic production.

Scotland. Macbeth listens as the mysterious witches foretell that he will become king of Scotland. When his wife finds out, she persuades him to murder the present king and take his place. The witches’ predictions drive Macbeth to treat both friends and rivals with brutality until, alone and furious, he faces the final battle and perishes. Giuseppe Verdi venerated Shakespeare’s plays and this was his first opera based on a text by the Bard. He wanted to achieve “something extraordinary”, a phrase which sums up his his enthusiasm. In this version, stage director Christof Loy chooses a classical, timeless setting and adds touches of surrealism. Black and white predominate and the drama is intense...

rigoletto

OPÉRA OPERA

Giuseppe Verdi Mélodrame en trois actes / Melodrama in three acts Livret de / Libretto by Francesco Marsia Piave Direction musicale / Conductor Riccardo Frizza Mise en scène / Director Monique Wagemakers Décors / Set designer Michael Levine Costumes / Costume designer Sety Powel Éclairages / Lighting design Reinier Tweebeeke Dramaturge / Playwright Klaus Bertisch Coproduction / Co-production

Opéra de Liceu à Barcelone et Teatro Real (Madrid) - Orchestre symphonique et Chœur de l’opéra de Liceu à Barcelone / Liceu Opera Barcelona and Teatro Real (Madrid) - Symphony Orchestra and Chorus of the Liceu Opera Barcelona

Chef des Chœurs / Chorus master Conxita Garcia Distribution / Cast Duc de Mantoue, Javier Camarsena Rigoletto, Carlos Álvarez Gilda, Desirée Rancatore Sparafucile, Ante Jerkunica Magdalena, Ketevan Kemoklidze Giovanna, Gemma Coma-Alabert Conte di Monterone, Gianfranco Montresor Marsullo, Toni Marssol Matteo Borsa, Josep Fadó Conte di Ceprano, Xavier Mendoza Contessa di Ceprano, Mercedes Gancedo Duc de Mantoue, Javier Camarsena

Javier Camarsena et Antonino Siragusa en première dans le rôle du Duc de Mantoue. Mantoue, Italie. Rigoletto, le bouffon du duc de Mantoue, a une fille inconnue de tous. Le Duc la séduit après l’avoir fait enlever et amener dans son palace par des courtisans qui la croient la maîtresse du bouffon. Rigoletto évacue sa colère sur eux et exige de récupérer sa fille. Après avoir convaincu sa fille que le D duc ne l’aime pas, il prépare sa vengeance… Javier Camarsena et Antonio Siragusa ont choisi le Liceu pour accueillir leur première représentation en tant que Duc de Mantoue, aux côtés de Carlos Àlvarez, dans cette production luxueuse. Rigoletto, basé sur une pièce de Victor Hugo, fait partie du tryptique et fut censuré avant la première représentation en raison de sa critique de la monarchie de l’époque. La mise en scène minimaliste de Monique Wagemaker reste tout de même d’une grande complexité technique. Les costumes de la Renaissance d’un rouge de Venise recréent la palette d’émotions féroces de Rigoletto.

Javier Camarena & Antonino Siragusa debut as the Duke of Mantua.

Mantua, Italy. Rigoletto, the Duke of Mantua’s jester, has a secret daughter.

The Duke seduces her after having her abducted and brought to his palace by courtiers who think she is the jester’s mistress. Rigoletto vents his rage on them and demands his daughter back. After convincing his daughter that the Duke does not love her, he plots his revenge... Javier Camarena and Antonino Siragusa have chosen the Liceu for their debut as the Duke of Mantua, starring beside Carlos Álvarez in this luxury production.

Rigoletto, based on a play by Victor Hugo, is part of the operatic canon and was censored before the premiere for criticizing the monarchy of the period.Monique Wagemakers’ mise en scène is minimalist but of great technical complexity. The red Venetian Renaissance costumes recreate Rigoletto’s full range of fierce emotions.

Durée : 2 h 35 environ plus un entracte Duration: 2hrs 35mins approx. plus one interval En direct : 6 avril 2017 Direct: April 6, 2017

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CINÉMAS PARTICIPANTS PARTICIPATING MOVIE THEATERS

CINÉMA BEAUBIEN 2396, rue Beaubien Est, Montréal H2G 1N2 T : 514 721-6060 · cinemabeaubien.com

CINÉMA DU PARC 3575, av. du Parc, Montréal H2X 3P9 T : 514 281-1900 · cinemaduparc.com

CINÉMA LE CLAP 2360, ch. Sainte-Foy, Québec G1V 4H2 T : 418 653-2470 · clap.ca

LA MAISON DU CINÉMA 63, rue King Ouest, Sherbrooke J1H 1P1 T : 819 566-8782 · lamaisonducinema.com

CINÉMA AYLMER 400, boul. Wilfrid-Lavigne, Gatineau J9H 6A6 T : 613 248-2526· cinemaaylmer.com

CINÉMA COMPLEXE ALMA 900, boul. des Cascades Ouest, Alma G8B 3G4 T : 418 662-3456 · cinemacomplexealma.com

MÉGA-PLEX MARCHÉ CENTRAL 901, boul. Crémazie, Montréal H4N 3M5 T : 514 385-5566, poste 12 MÉGA-PLEX TERREBONNE 1071, ch. du Coteau, Terrebonne J6W 5Y8 T : 450 471-6644 MÉGA-PLEX DEUX-MONTAGNES 2701, boul. des Promenades, Deux-Montagnes J7R 0A6 T : 450 472-5566 MÉGA-PLEX TASCHEREAU 3514, boul. Taschereau, Longueuil J4V 2H7 T : 450 923-5566 MÉGA-PLEX PONT-VIAU 1055, boul. des Laurentides, Laval H7G 2W2 T : 450 967-4455 cinemaguzzo.com

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