Mindies nº2, Mayo 2013

EDITORIAL El tiempo pasa inexorable y aquí nos encontramos, en mayo ya. Llega con él la primavera y el segundo mes de nuestro proyecto, Mindies, que sigue adelante, creciendo día a día. Este mes nos hemos organizado más, mejorando las visitas al blog de forma espectacular y dando un subidón cualitativo y cuantitativo a nuestras publicaciones y noticias.

Este ha sido movidito, con grandes discos, grandes conciertos y enormes artistas. Hemos visto a Thom Yorke (uno de nuestros dioses personales), hemos disfrutado con The Eels y hemos conocido en persona a la mismísima Elba Fernández, más conocida como Jane Joyd. En definitiva, hemos hecho lo que más nos gusta: disfrutar de la música. Esperamos que nuestro amor por ella nos permita transmitiros al menos una décima parte de lo que sentimos a vosotros, nuestros lectores. Sin más rodeos, os dejamos con el número 2 de la revista Mindies.

PORTADA DEL MES

DIRECCIÓN Y COORDINACIÓN: MICHEL COMIN ESCUDE JOSEP DURAN SEVILLA ELISABETH GALLEGO RIGOL MAQUETACIÓN Y DISEÑO: CRISTINA ROLDÁN GALÁN ÁLVARO DÍAZ CRIADO RESPONSABLE DE EDICIÓN ÁLVARO DÍAZ CRIADO Y CRISTINA ROLDÁN GALÁN TEXTOS: ALBERTO ANDRÉS CALVO ÁLVARO DÍAZ CRIADO ELISABETH GALLEGO RIGOL ENRIQUE BARROSO CANTO JOSEP DURAN SEVILLA JULIA HIDALGO BERNABÉ MICHEL COMIN ESCUDE NOÉ RODRÍGUEZ RIVAS FOTOGRAFÍA ÁLVARO DIAZ CRIADO NOÉ RODRÍGUEZ RIVAS MINDIE CINEMA GUILLERMO BERMUDEZ GÓMEZ

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¿Quieres estar al día de los acontecimientos musicales en España? ¿No sabes el lugar donde se celebra el concierto? ¿No recuerdas la hora? ¿No encuentras dónde comprar la entrada? Todo esto y mucho más al alcance de un click.

Contacta con nosotros: ¿Tienes un grupo?¿Eres dueño de una sala?¿Te gustaría colaborar con nosotros? ¿Ha habido alguna errata? Si quieres ponerte en contacto con nosotros por alguna de estas razones o por Cualquier otra, no dudes en enviarnos un correo electrónico a: mindiesblog@gmail.com

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DISCOS

FESTIVAL LOVERS · NOTICIAS Confirmaciones BBK Live ‘13.......................................................Pág.4 Confirmaciones Festival Do Norte..............................................Pág.4 El cartel del Festival Pròxims Calonge ‘13.............................Pág.4 Low Cost Festival.................................................................................Pág.5 Cruilla 2013..............................................................................................Pág.5 Festival Veral 2013................................................................................Pág.5

Pág.10...............................................Daft Punk aparecen en Coachella Pág.10..........................................................Diiv cancela su gira europea Pág.10.....Dorian recorrerá España presentando su nuevo disco Pág.11................................................................Ya está disponible #Music Pág.11..................................Los 10 mejores discos de 2013 según NME Pág.11............................................................................Aperol Spritz Sound

NEW MUSIC · REVIEWS Babyshambles......................................................................................Pág.12 Nuevo disco en directo de White Stripes.............................Pág.12 Deap Valley.............................................................................................Pág.12 The Shouting Matches.....................................................................Pág.13 QOTSA detallan su regreso.........................................................Pág.13 Daft Punk en Wee Waa.....................................................................Pág.13 Los Campesinos...................................................................................Pág.14 Travis....................................................................................................Pág.14 La nueva gira de The Posies...........................................................Pág14

Delta Machine, Depeche Mode...................................................Pág.18 Amok, Atoms For Peace..................................................................Pág.19 Walkin’ on a pretty Daze., Kurt Vile........................................Pág.20 Woman, Rhye......................................................................................Pág.20 Big Flash, Wild Honey......................................................................Pág.20 Bankrupt, Phoenix..............................................................................Pág.21 Mosquito Yeah Yeah Yeahs........................................................Pág.21 Little X Monkeys...............................................................................Pág.22 Leissiel...................................................................................Pág22

DESCUBRIENDO A · ESPECIAL Foxygen.....................................................................................Pág.25 Laura Mvula............................................................... ...........................Pág.26 John Talabot.........................................................................................Pág.26

Entrevista a Jane Joyd...............................................................Pág.30-31 Crónica concierto.......................................................................Pág.32-33 Descubriendo a Jane Joyd........................................................Pág.34-36

ENTREVISTAS · CONCIERTOS Autumn Comets..........................................................................Pág.40-41 Lyona.................................................................... ...........................Pág.42-43

Dorian..............................................................................................Pág.46-47 Eels.........................................................................Pág.48 I am dive..........................................................................................Pág.50-51 Atoms For Peace.......................................................................Pág.52-53

MINDIES · CINEMA El gran Gatsby..................................................................................Pág.56 La invención de Hugo........................................................................Pág.57 Prometheus to Alien (Parte 2)............................................Pág.50-51

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FESTIVALES

FESTIVAL LOVERS!

El festival Bilbao BBK Live nos ha sorprendido hoy con nuevas confirmaciones. Entre ellas, un plato fuerte, Vampire Weekend.

Además también se suman al cartel White Denim, Edward Sharpe & The Magnetic Zeros y Jamie N Common. Tal y como dicen en su web: “El Bilbao BBK Live incorpora cuatro nuevos artistas al cartel de su octava edición. A la jornada inaugural del jueves, 11 de julio, se incorporan Edward Sharpe & The Magnetic Zeros y a la del sábado 13, Vampire Weekend –uno de los platos fuertes del día-, White Denim y Jamie N Commons.”

El festival se celebrará durante los días 11, 12 y 13 de julio en Kobetamendi, Bilbao

Durante la mañana del día de hoy, el festival murciano SOS 4.8 ha anunciado los nuevos artistas que se suman a su ya excelente cartel.

Los nombres son de sobra conocidos, y engloban a grupos como Dorian, Hola a Todo el Mundo, Clock Opera, The Suicide of Western Culture, BeGun y Kakkmaddafakka. Lamentablemente, se caen las hermanas de HAIM, que son remplazadas por The history of Apple Pie. Todos estos nombres se suman a otros como The XX o Justice.

Sin duda, un gran cartel para un estupendo festival. Los abonos actualmente están a 44.99 euros y podéis haceros con ellos en su página web http://www.sos48.com/

Revelado el nuevo cartel de “Pròxims Calonge 2013” Hace un mes os presentábamos aquí en primicia el cartel para el Festival Pròxims de Barcelona aunque nos quedaba por descubrir el cartel para su otra localización, el pueblo costero de Calonge. Ahora tenemos ya el line-up definitivo de esta edición del festival.

Para la velada del 10 de Agosto en Calonge, Pròxims nos traerá Manel presentando su nuevo disco “Atletes, baixin de l’escenari”, para aquellos que no los hayan podido ver en Barcelona. También presentarán álbum El petit de Cal Eril con “La Figura del Buit”, así como la formación Extraperlo presentando su segundo disco “Delirio Específico”, tres años después de su debut. A ellos se les suma la banda Inspira, con su tercer disco “Amunt!” que quiere dar un toque optimista al panorama social.

Las confirmaciones no se quedan aquí. Para completar el cartel de Calonge, los cantantes María Rodés, Ramón Rodríguez (The New Raemon) y Martí Sales, se únen para componer bajo el nombre de Convergència i Unió, un nuevo proyecto musical por descubrir.

Veremos si resulta una unión prometedora y de buena calidad, como lo son los tres artistas por separado. Por útlimo, el jóven grupo Berlin Ist de formación en 2011, estará presentando su primer EP, “Landscapes”.

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FESTIVALES

La mala suerte a la hora de elegir grupos acompaña una edición más al Primeravera Sound; esta vez le ha tocado a DIIV, que se borran del cartel debido al agotamiento de los miembros del grupo. Pero el Primavera Sound, como todo buen mago, siempre tiene un as escondido en la manga para estos casos, y rápidamente nos anuncian que Doldrums tomará el relevo.

La Habitación Roja, Dover (presenta en directo “Devil came to me”), Jane Joyd, Tórtel, Mvnich, Aurora, Amable y Gato Dj’s son las nuevas confirmaciones para el Festival do Norte 2013.

El FIB de Benicássim acaba de anunciar sus últimos nombres que completan el cartel de los escenarios principales como Beady Eye, Johnny Marr o Knife Party entre otros. También tenemos a nuestra disposición la distribución total de los artistas por día.

El Polifonik Sound nos ha mostrado al fin la distribución por días de los grupos de su cartel. Recordad que el precio de la entrada de día será de 20 euros para los 100 primeras. Las puertas del Recinto Institución Ferial de Barbastro se abrirán a las 21:30, y entre concierto y concierto, Far Pop Dj’s amenizará la espera.

Con estas confirmaciones se completan las programaciones de los escenarios Maravillas, Trident Senses y Pringles FIB Club, a falta de incluir a los ganadores de los concursos Proyecto Demo y Fast Track to Benicassim (Supajam). Os dejamos con las nuevas confirmaciones y os recordamos que el precio del abono para los cuatro días + camping ronda los 163 euros.

Beady Eye Johnny Marr Knife Party Skream Hola A Todo El Mundo Zane Lowe Wretch 32 Telepathe Lazaro Casanova Svreca Jessica Sweetman

-Djs Pringles FIB ClubDoorly (Ibiza Rocks) Aldo Linares Nicola Bear (Ibiza Rocks) Dj Rojiblanco (Radio 3) Sunta Templeton (XFM) Moomba & Cherry Juanpopp Indiespot Djs

Puedes consultar su distribución en la sección artistas de su página web: http://www.festivaldonorte.com/festivaldonorte2013/ artistas.html

VIERNES 17 DE MAYO Supersubmarina New Ivory Havalina Fira Fem Pecker Audioclaudio

SÁBADO 18 DE MAYO Dorian Dapuntobeat Izal Carlos Sadness Ukelele Clan Band El 21 Dj’s

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El Low Cost Festival acaba de anunciar a su ya buen cartel un nombre que sin duda atraerá a muchísimo público, Portishead. Suponemos que no darán un espectáculo como el mítico concierto desde la Roseland Ball de NYC por allá 1997, pero sin duda serán uno de los grandes atractivos del festival, siendo además al único festival al que acudirán los británicos en nuestras tierras.

Además, también se han sumado los muy interesante nombres de Simian Mobile Disco o Glasvegas, un poco desaparecidos desde hace un tiempo.

Recordad que se celebra del 26 al 28 de julio en Benidorm, en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor y todavía quedan abonos para los tres días a 60 euros.

Este año los festivales nacionales están dando mucho de qué hablar. Hay muchas apuestas interesantes, y por eso esperábamos con ansias conocer el resto de cartel del ya conocido Festival Cruïlla. Ayer se desveló definitivamente el cartel de este festival barcelonés, y menuda sorpresa nos llevamos! A Aquellos nombres que ya habíamos escuchado, como Morcheeba o Billy Bragg, se le han unido nombres como Suede, Rufus Wainwright e incluso Cat Power (quién canceló su paso por el pasado Primavera Club).

Por si esos tres nombres aún no te han empujado a asistir a este festival, te diremos que Standstill, Joan Colomo, The Suicide of Western Cutlure, Buraka Som Sistema, y muchos otros (incluido el conocidísmo rapero Snoop Dog) estarán también allí.

Este evento tendrá lugar los días 5 y 6 de julio en el Parc del Fòrum.

La sexta edición del festival vallisoletano ya tiene cartel completo. El buen hacer del Colectivo Laika ha sacado adelante una edición que se presenta muy interesante. Y es que la duración del festival será de tres días (16,17 y 18 de Mayo), siendo únicamente de pago el día 17. Sin embargo, ya nos advierten desde la organización que para que este modelo sea sostenible y el festival se pueda seguir realizando en un futuro, la respuesta del público debe de ser amplia. La verdad, es que con propuestas tan interesantes como las de Low, Pauline en la Playa o The Suicide of Western Culture hace falta poco más para que el público se anime.

El primer día del Véral, el jueves 16 de Mayo tendremos de manera gratuita sobre las tablas del LAVA a Biznaga, Fundación Robo (¿estará Nacho Vegas en la delegación?) y Erik Urano & Zar1. Al día siguiente, con un precio de 15 euros en anticipada (12 si tienes el carnet universitario de Valladolid) podrás disfrutar de nuevo en el LAVA de los míticos Low, Arbórea, Nudozurdo, Trajano! y Corzo.

Para cerrar la edición, el Véral aprovecha que el 18 de Mayo es el Día de los Museos, de modo que en la explanada del Patio Herreriano actuacrán Diploide, Pauline en la Playa y The Suicide of Western Culture.

Como podéis comprobar la oferta de muy variada y sobre todo repleta de calidad. Ver a Alan Sparhawk y los suyos no es una cosa que suceda todos los días, del mismo modo que propuestas frescas como la de Biznaga (un día de estos les dedicamos un bandcampeando) o la que nos pueda tener preparado el Colectivo Robo no suelen citarse en esta ciudad.

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Daft Punk “aparecen” en Coachella

Diiv cancelan en Europa su gira

El día 13 de abril por la noche los asistentes del Coachella pudieron ver a través de las pantallas del festival un teaser del nuevo disco de Daft Punk, mostrando 2 minutos de una de sus canciones. En este vídeo promocional de Random Access Memories, vemos al dúo francés acompañado de Pharrel y Nile Rodgers, interpretando una parte del tema del que ya conociamos 15 segundos. Además han confirmado la lista de colaboradores que mostramos el otro día.

Y otra más. Después de la muy dolorosa cancelación de Foxygen (para un servidor) y Fiona Apple en el Primavera Sound, hoy ha tocado a DIIV. Y ha sido el propio Zachary Cole que en una entrevista a la NME ha confirmado que cancela toda la gira europea.

Es desorbitado el hype que están creando con este método de promoción tan random en el que te encuentras algo nuevo de Daft Punk cuando menos te lo esperas.

Random Acces Memories, el nuevo disco de los franceses, sse pondrá a la venta el 21 de mayo.

El también guitarrista de Beach Fossils lo justifica diciendo que necesita alejarse del circuito de conciertos, ya que está muy cansado de estar tanto tiempo de gira (y más el, que ha llegado a estar de gira con varios grupos diferentes).

Después de esta última cancelación, y de las que aún pueden llegar, aquello del #bestfestivalever va siendo cada vez menos verdad. A ver si la organización sabe enmendar esta baja de última hora.

Dorian recorrerá España presentando su nuevo disco Dorian se encuentran de actualidad y no es para menos después de facturar un enorme álbum como es La velocidad del vacío. Los barceloneses han logrado reinventarse en su nuevo trabajo manteniendo la esencia de su pop electrónico a la par que han introducido nuevos sonidos más cercanos al folk rock. Del mismo modo, siguen facturando esas letras generacionales que hablan del amor y de todas esas aventuras juveniles, al igual que ocurría en La ciudad subterránea.

Como todo buen trabajo merece una buena presentación, Dorian tomó la carretera en este mes de abril. Tanto si sois fans o no de Dorian, no dejéis pasar la oportunidad de escuchar los nuevos y disfrutables temas de la banda en vivo.. Estas son las fechas de la gira: 17 de mayo: Festival Polifonik (Barbastro) 21 de julio: Festival FIB (Benicássim) 1, 2, 3 de agosto: Festival Arenal Sound (Burriana) 1, 2, 3 de agosto: Festival Santander Music (Santander) 15, 16, 17 de agosto: Festival Sonorama Ribera (Aranda de Duero)

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Ya está disponible #Music Ya está disponible en iTunes (y próximamente en Android) la aplicación #music, una iniciativa de Twitter que propone revolucionar la forma en la que encontramos música a través de las redes sociales.

Solo hay un problema: De momento, la aplicación sólo está disponible en EE.UU. Sin embargo, podéis descargarla de manera totalmente gratuita si creáis una cuenta americana.

Este servicio ofrece cuatro formas de consumir música: popular, artistas emergentes, música sugerida y a través del hashtag #nowplaying, el cual rastrea lo que nuestros amigos están escuchando.

Además su conectividad con Twitter es, obviamente, muy alta, permitiéndonos ver al instante el perfil de nuestros artistas favoritos, descubrir a los artistas más activos en la red social o indicarnos qué música es la más escuchada y mencionada en el momento.

Los mejores discos de 2013 según NME La revista inglesa NME, una de las más importantes del mundo, ya empieza a hacer listas. Esta vez opinan cuales son los mejores discos en lo que llevamos de 2013. La tempranera lista queda así: Mejores discos 2013 Mosquito - Yeah Yeah Yeahs Total Nite – Merchandise Comedown Machine - The Strokes Elements Of Light – Pantha Du Prince & The Bell Laboratory Push The Sky Away – Nick Cave & The Bad Seeds The Next Day – David Bowie Light Up Gold – Parquet Courts Amok – Atoms for Peace In Love – Peace Holy Fire – Foals The 20/20 – Justin Timberlake

Christina Rosenvinge y Najwa presentan el Aperol Spritz Sound Durante esta mañana, Christina Rosenvinge y Najwa han presentado el Aperol Spritz Sound. ¿Y en qué consite? Pues bien, son un ciclo de conciertos gratuitos que inundarán de música los mercados de San Antón (Madrid) y La Barceloneta (Barcelona), los fines de semana de mayo y junio durante la hora del aperitivo. También participarán gente como Iván Ferreiro, Anni B. Sweet, Sidonie, Second o Jero Romero (entre otros).

Christina y Najwa también tuvieron tiempo de hablar de sus nuevos proyectos. Christina ha confirmado que sigue trabajando en su nuevo disco del que “tiene casi todas las canciones terminadas”. Nawja, sin embargo, no está tan aplicada, aunque avanza que es posible que vuelva al inglés tras sacar sus dos últimos discos cantados en castellano. De momento, lleva cinco canciones escritas aunque asegura que “ya está metida de lleno”. Para la continuación de ‘Donde rugen los volcanes’ contará con el teclista de Brazilian Girls, Didi Gutman, y el productor de techno Son of Kick.ç Finalmente, estas son las fechas del Aperol Spritz Sound: Domingos Mercado de San Antón (Madrid) 13.00h.

12 de mayo: Najwa 19 de mayo: Christina Rosenvinge 26 de mayo: Iván Ferreiro 2 de junio: Julio de la Rosa + Nothing Places 9 de junio: Second

Sábados Mercado de la Barceloneta (Barcelona) 13.00h.

1 de junio: Sidonie 8 de junio: Jero Romero (trío) 15 de junio: La Bien Querida 22 de junio: Anni B Sweet 29 de junio: The New Raemon

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NEW MUSIC

“Babyshambles” trabajan en su nuevo álbum

Nuevo disco en directo de los White Stripes

El siempre inquieto Pete Doherty se encuentra trabajando en nuevo álbum de los Babyshambles según publica la NME. Al parecer Stephen Street, el productor del último trabajo de la banda (Shotters Nation de 2007) estaba trabajando con Pete en su segundo álbum en solitario cuando surgió la posibilidad de editarlo como uno nuevo de los Babyshambles.

White Stripes siguen dánonos alegrías a pesar de haberse separado. Con motivo del 10º aniversario de Elephant, el grupo va a publicar “Nine Miles from the While City”, a través de Third Man Records. Se trata de un disco grabado en directo en Chicago en 2003. Se editará junto a un 7” con demos de “I Want to Be the Boy to Warm Your Mother’s Heart” y “Little Acorns”, además de un libro de fotos.

En este futuro álbum el batería será Jamie Morrison, un habitual en Stereophonics y The Noisettes. El anterior batería del grupo Adam Ficek dejó la banda en 2010 por la puerta de atrás, deseando que nunca hubiese formado parte de ello. También se conoce que las priemras ideas del disco surgieron en Assault And Battery studio en Willesden, Londres. Sin embargo, la tarea creativa de Pete Doherty se desarrolla principalmente en París, ciudad en la que reside. Estos días, hemos podido comprobar como Pete y los suyo mostraban ‘Dr. No’, un nuevo tema en directo en un garito de París que podéis ver abajo.

Recordemos que la banda se encuentra en un parón indefinido desde 2010, año en que realizaron sus últimos conciertos. Posteriormente Pete Doherty grabó su primer álbum en solitario Grace/Wastelands, realizando una amplia gira en solitario. Tendremos que estar muy atentos a los avances del polémico pero a la vez virtuoso grupo que de momento se pasea feliz por París.

“Deap Vally” anuncian su primer LP Las chicas de Deap Valley, un grupo formado por Lindsey Troy y Julie Edwards, han anunciado que su debut Sistrionix será lanzado el 24 de junio. Será editado y producido en L.A. con el productor Lars Stalfors (The Mars Volta). El tracklist de Sistrionix es el siguiente: ‘End Of The World’ ‘Baby I Call Hell’ ‘Walk Of Shame’ ‘Gonna Make My Own Money’ ‘Creeplife’ ‘Your Love’ ‘Lies’ ‘Bad For My Body’ ‘Women Of Intention’ ‘Raw Material’ ‘Six Feet Under’

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1 When I Hear My Name 2 Dead Leaves and the Dirty Ground 3 Love Sick (Bob Dylan cover) 4 Hotel Yorba 5 Aluminum 6 Cool Drink of Water Blues (Tommy Johnson cover) 7 The Hardest Button to Button 8 I Want to Be the Boy to Warm Your Mother’s Heart 9 Stones in My Passway (Robert Johnson cover) 10 Stop Breakin’ Down (Robert Johnson cover) 11 Do 12 In the Cold, Cold Night 13 Seven Nation Army 14 The Same Boy You’ve Always Known 15 Black Jack Davey 16 We Are Going to Be Friends 17 Offend in Every Way

NOTICIAS

“The Shouting Matches”, la nueva aventura de Justin Vernon Nuestro querido Justin Vernon es una mente inquieta. Tras maravillar a medio mundo con Bon Iver, parece decidido a dar mucho de que hablar. Por el momento, ha decidido montar un nuevo grupo que lleva el nombre de The Shouting Matches. Junto a su amigo Brian Moen (perteneciente a Peter Wolf Crier), los dos norteamericanos nos dejan un delicioso trabajo titulado Grownass Mass.

El sonido de la nueva banda de Justin Vernon está claramente influenciado por el folk ruidista de grupos como los Woods sin renuncia al rock americano de los años 60 y algún que otro toque de psicodelia. También os resultará curioso comprobar la voz del bueno de Justin sin falsete. De momento la banda solo ofrecerá shows en Coachella, pero quién sabe si los dos amigos llegarán a girar por más partes de EE.UU o incluso lleguen a cruzar el charco.

Queens of the Stone Age nos detallan su regreso Tras anunciar su vuelta a la escena musical, QOTSA nos dan más detalles de su esperado regreso. Su nuevo álbum “Like Clockwork”, llegará a las tiendas el 4 de junio. El sucesor de “Era Vulgaris (2007)”, contará con las colaboraciones de Dave Grohl, Mark Lanegan, Trent Reznor, Elton John y Alex Turner (entre otros, por si estos no os parecen aún suficientes). El tracklist oficial del nuevo disco será el siguiente: 1. “Keep Your Eyes Peeled” 2. “I Sat By The Ocean” 3. “The Vampyre Of Time And Memory” 4. “If I Had A Tail” 5. “My God Is The Sun” 6. “Kalopsia” 7. “Fairweather Friends” 8. “Smooth Sailing” 9. “I Appear Missing” 10. “…Like Clockwork”

Daft Punk presentarán su álbum en Wee Waa Se que ahora mismo estáis todos pensando dos cosas: la primera es “¿¡otra vez Daft Punk!?”. Si amigos. Y es que los franceses no van a parar de generar noticias con el gran hype que están generando con su nuevo disco. Se ha anunciado que su nuevo disco se presentará en Wee Waa. Y es aquí donde entra en juego el segundo pensamiento que teníais: ¿Qué es Wee Waa? ¿Cómo puede ser que un festival del que no habíamos oído nunca hablar se quede con un cabeza de cartel tan importante como Daft Punk, y que estos no vayan ni al Choachella, ni al Primavera Sound, ni a Glastonbury?. Pues amigos, aquí es donde la cosa se pone interesante. Porqué Wee Waa no es un festival, sino un pueblo rural de Australia, y Daft Punk estarán tocando en el Annual Wee Waa Show, un festival de agricultura .

La fuente de la actuación es la propia página de la Wee Waa. No sabemos hasta que punto esta información es fiable, pero estaremos al tanto.

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“Los Campesinos!” anuncian nuevo disco ¡Buenas noticias! Los Campesinos anuncian que en junio tendremos nuevo disco, con sus directos en Islington Assembly Hall, donde estuvieron el pasado mes de diciembre.

Pero ahí no queda la cosa, el grupo anuncia que este verano se encerrarán para sacar un nuevo trabajo de estudio. Por lo pronto, tenemos poca información, tan sólo un adelanto y el tracklist: 1.Ways to Make it Through The Wall 2.Death to Los Campesinos!

3.Romance is Boring

Travis sacarám muevo disco en agosto La banda escocesa liderada por Francis Healy anuncian la edición de su próximo trabajo para el próximo 19 de agosto. Su nuevo álbum, el sucesor de Ode To J. Smith publicado en 2008, tendrá por título Where You Stand. Este nuevo trabajo ha contado con la producción de Michael Ilbert (The Hives, Supergrass, Robyn).A pesar de conocer ‘Another Guy’, el primer single llevará el mismo nombre que el álbum y podrá ser disfrutado el 20 de abril en las plataformas digitales correspondientes. Francis, mediante una carta, también nos ha querido dejar constancia de la gira internacional que acompañará a este nuevo trabajo, aunque no ha adelantado ninguna fecha nueva. Lo que si que sabemos es que la excelente banda escocesa encabezará la próxima edición del Sonorama Ribera junto con sus paisanos Belle & Sebastian. Habrá que comprobar si en este nuevo álbum la banda sigue por los sonidos más rockeros de su último trabajo o bien recuperan su esencia pop tan característica.

4.By Your Hand 5.Hello Sadness 6.A Heat Rash in the Shape of the Show Me State; or, Letters from Me to Charlotte 7.I Just Sighed. I Just Sighed, Just So You Know 8.Songs About Your Girlfriend 9.Miserabilia 10.We are Beautiful, We are Doomed 11.There are Listed Buildings 12.Knee Deep at ATP 13.Straight in at 101 14.My Year in Lists 15.Heart Swells/Pacific Daylight Time 16.The Sea is a Good Place to Think of the Future 17.You! Me! Dancing!

18.Baby I Got the Death Rattle 19.In Medias Res 20.We Throw Parties, You Throw Knives 21.Sweet Dreams, Sweet Cheeks

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The Posies se vienen de gira por España La emblemática banda norteamericana liderada por Ken Stringfellow y Jon Auer nos visitarán para ofrecernos una serie de directos en los que repasarán dos de sus más insignes álbumes como son Frosting On The Beater y Amazing Disgrace. Las ciudades afortunadas son El Puerto de Santa María, Madrid, Vigo, Gijón, Irún, Barcelona, Valencia y León. De este modo los seguidores de una de las bandas cruciales en la escena power pop de los noventa podrán disfrutar de éxitos como ‘Solar Sister’ o ‘Dream All Day’. Esta gira se enmarca dentro del 15º aniversario de Houston Party. Os dejamos con todas las fechas de una gira que promete mucho.

1-nov Puerto de Santa María, Cádiz Monkey Week 2-nov Puerto de Santa María, Cádiz Monkey Week 3-nov Valencia Loco Club 4-nov Madrid El Sol (Son Estrella Galicia) 5-nov Madrid El Sol (Son Estrella Galicia) 6-nov León Espacio Vías 7-nov Vigo Estación Marítima 8-nov Gijón Sala Acapulco 9-nov Irun Teatro Amaia 10-nov Barcelona Razzmatazz 2

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Delta Machine, Depeche Mode no están acabados Cuánto se ha hablado de la decadencia de Depeche Mode. Que si ya no son lo que eran, que si tenían que haberlo dejado cuando Alan Wilder salió del grupo. Y entre tanta discusión, ellos han sacado 5 discos de estudio en todo ese tiempo. 5 discos que han dividido tanto a crítica como a fans, sin conseguir ninguno la aceptación de Violator o Some Great Reward. ¿Les queda algo por ofrecer a Depeche Mode?

Delta Machine es, pues, el decimotercer álbum de estudio de los de Basildon en poco más de 30 años. Su predecesor, Sounds of the Universe, fue un fiasco para muchos y un disco correcto para unos pocos. A pesar de todo, quedaba claro que aun podían sacarse un par de hits de la manga. Las dudas llegaban con sus LPs, que pecaban de inconsistentes.

Quizá se haya sido injusto con ellos. Al fin y al cabo, Playing The Angel está bastante lejos de ser un mal disco, y tiene gran parte de los mayores éxitos de Depeche en los últimos 20 años. Algo parecido pasa con Ultra. ¿Se unirá Delta Machine a estos dos discos o caerá en el olvido como Exciter y Sounds of the Universe?

Para empezar, han decidido hacerlo diferente. El primer single, Heaven, es una balada ligera en la que predominan la guitarra y los coros de Martin Gore. Es decir, toman una dirección totalmente distinta respecto a Wrong o Precious, que sirvieron como adelanto en sus dos últimos discos. Welcome To My World, que abre el disco, comienza con Dave Gahan cantando sobre una base electrónica minimalista a la que se le van añadiendo capas de arreglos y detalles, llegando a aparecer incluso algún instrumento de cuerda. Angel es la típica canción entre la electrónica, el industrial y el rock que Depeche Mode llevan haciendo ya un buen tiempo. Y les sigue funcionando. Continúan de la misma manera en Secret To The End, que va creciendo al llegar al estribillo, con Gahan y Gore compartiendo rol de vocalista.

My Little Universe nos enseña una cara más experimental, recordando incluso a los Radiohead de Amnesiac. Una balada synthpop con melodías grandiosas made in Martin Gore acompañadas de una interpretación vocal perfecta por parte de Gahan. En principio, Delta Machine nos trae lo que se le llevaba pidiendo a un disco de Depeche Mode durante tanto tiempo: consistencia. 5 temas notables seguidos que consiguen engancharnos al disco.

Por eso mismo, es una lástima que de repente aparezca Slow y lo estropee. Entre el riff de guitarra horrible, los arreglos intrascendentes y la voz cansada de Gahan, Slow consigue ser una de las canciones más prescindibles del grupo. Lo mismo me pasa con The Child Inside, una balada azucarada cantada por Martin Gore.

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Entre medias está Broken, que –sin ser mala canción- no deja el buen sabor de boca de las 5 primeras canciones. Una especie de segunda parte de Little 15, cuyo estribillo nos saca de ese círculo vicioso de versos aburridos e insustanciales.

Miremos el lado positivo: la peor parte del disco dura únicamente 3 canciones. Lentas, aburridas, pero soportables. Pero ahí tenemos a Soft Touch/Raw Nerve para comenzar a remontar gracias a su hiperactividad, con la guitarra rockera de Martin Gore y un estribillo tan simple como pegadizo. Me costaría mucho entender que no se convirtiese en single. Otro de los grandes temas de esta última parte del disco es Should Be Higher, plagada de sintetizadores, con Gahan y su falsete saliéndose en un estribillo 100% Depeche Mode: “Your lies are more attractive than the truth”.

Alone hará las delicias de los fans del grupo, pese a que puede que no sea del agrado de todos, al ser la canción más difícil y oscura del álbum. Y llegamos a los dos últimos temas: Soothe My Soul nos lleva a un terreno mucho más bailable, bastante reminiscente de antiguas etapas de la banda, pero con tintes electrónicos más actuales. Una gran elección como segundo single. Delta Machine termina con Goodbye, un corte algo soso con un riff de guitarra country que va siendo tapado por los sintetizadores en partes de la canción. No es la mejor manera de despedirse, y menos después de haber encadenado unas cuantas buenas canciones.

Depeche Mode no se han ido, y han creado su trabajo más sólido desde Songs of Faith and Devotion. No llegará a ser un clásico, ni tampoco alcanzará el altar en el que están otros de sus discos anteriores, pero cuenta con grandes singles y bastantes canciones que agradarán en gran medida a sus seguidores. En Delta Machine, Depeche Mode han desmontado la leyenda de que llevan prácticamente 20 años siendo un grupo de singles.

Los bajones del álbum son soportables y -al contrario que con alguno de sus antecesores- el grupo sabe salir de ellos a base de grandes canciones. Olviden los prejuicios, Delta Machine es un disco que merece ser valorado.

7,5/10

DISCOS

AMOK, el esperadísimo trabajo de Atoms for Peace

7,6/10 La espera ha sido larga, desde que Thom Yorke, el carismático frontman de Radiohead, anunciara su “segunda banda”, Atoms For Peace, hasta que el pasado 25 de febrero saliera a la venta su primer disco, AMOK. Pero la espera ha valido la pena.

Aunque Amok es poco común, debido principalmente a los integrantes que la forman (entre los que cabe destacar Flea), todo el mundo se esperaba que este disco sonara a una mezcla entre Eraser (el disco debut de Thom Yorke como solista) y The King of Limbs (el último disco de Radiohead). Y la verdad es que no andábamos desencaminados.

El disco comienza con unos samples jugetones y joviales, junto con una guitarra que va punteando. Al rato se incorpora la voz de Thom Yorke con el “Look out of the window, what’s passing you by. If you really want this, bad enough“. Mientras tanto, se incorpora el bajo de forma delicada, pero a su vez contundente.

Esta entrada dura hasta pasado el estribillo que da título a la canción: “…And Before Your Very eyes”. Pasado este momento, la canción evoluciona y pasa de ese lado más orgánico y jovial hacia uno más electrónico con una base electrónica que llega a ser algo estridente. Realmente, esta canción me recuerda en cierta medida a Bloom, la primera canción de The King Of Limbs. Así, tenemos una canción con dos partes bastante diferenciadas: la primera, hasta el primer estribillo, que parece ser un canto de ánimo de Thom a alguien triste, que no ve sus posibilidades. Y luego tenemos la segunda: una parte más estridente, y que contrasta con lo que cantaba Thom en la primera parte, y que parece estar hablando de lo dura que es la vida. De la canción me quedaría con la siguiente frase “Sooner or later and before your very eyes…“, que me da a pensar en que las oportunidades vienen antes o después y que estarán delante nuestro, que no las dejemos escapar.

El disco continua con Default, el primer adelanto del disco que ya conocemos desde septiembre. Esta es una de las canciones más electrónicas de todo el CD, y se nota desde el principio de la canción, que empieza con ese sample entrecortado y se mantiene a lo largo de la canción como el hilo conductor (menos en los estribillos). Poco después se introduce la voz de Thom otra vez, y poco a poco se va añadiendo más electrónica al asunto, entre los que cabe destacar una base de bajo con un toque fantasmagórico. Ya introducido todos los elementos, Thom empieza a cantar, y lo hace una vez más con una frase contundente “ It slipped my mind and for a time I felt completely free” (se me olvidó, y por un tiempo me sentí totalmente libre). ¿Se refiere a el mismo? ¿Ha querido liberar toda su creatividad en este proyecto, olvidándose de que es el cantante de una banda como Radiohead? Esa es la sensación que me da. Posteriormente, entra el coro con fuerza, introduciendo nuevos samples, algunos de los cuales me recuerdan a una bola dando vueltas en la ruleta (solo lo escucho yo o está hecho exprofeso?). Mientras Thom va cantando “I laugh now, but later’s not so easy, I’ve gotta stop, the will is strong, but the flesh is weak. Guess that’s it. I’ve made my bed, and I’m lying in it. ¿Otra clara referencia a Radiohead? Es más que posible, y más cuando la canción acaba con “But it’s eating me up”. Sin duda un gran hit.

La tercera canción del disco es Ingenue, y como se puede deducir del título y de los samples tan sinuosos que suenan desde el principio de la canción, la canción parece que trata de amor. Y realmente, si esta canción no fuera tan electrónica, podría caber perfectamente en In Rainbows. “If I’m not there now physically, I’m always before you, come what may“, predica en el estribillo Thom. A todo esto se le suma el videoclip en el que salen bailando Thom Yorke con Fukiko Takase, y aunque parezca mentira, ahora no puedo escuchar la canción sin ver el videoclip.

Hasta aquí para un servidor el disco es de 10. Pero a partir de este punto, la cosa empieza a caer un poco. Primero cae con Droppped (valga la redundancia), y los motivos básicos para mí son que la letra de la canción no me dice absolutamente nada. A esta canción le sigue Unless, que le pasa como a Dropped, pero con el problema de que esta vez la canción se me hace una mezcla de Radiohead y Fuck Buttons. En general, estas dos canciones innovan poco y son mucho más electrónicas que las anteriores.

El disco parece retomar los vuelos de altura con Stuck Together Pieces, con una base sencilla, con guitarras y bajos, y Thom Yorke dando fuerza a la canción con sus letras con frases como “Why be rain when you could be sun? Why tie yourself to anyone?“. “You don’t get away so easily”. Parece que sepa que el disco había caído un poco.

Acto seguido el disco vuela aún más alto con Judge, Jury and Executioner, canción que nos avanzaron en su día y que, a pesar de que en este caso no le encuentro mucho sentido a lo que nos dice Thom, la verdad es que la canción en conjunto funciona muy bien. Cabe destacar ese bajo distorsionado que va acompañando a lo largo de la canción.

A continuación, el disco vuelve a caer un poco pero esta vez lo hace con suavidad, con una canción que personalmente me gusta mucho. Hablo de Reverse Running, canción menos electrónica y más instrumental, con unos punteos / arpegios característicos de Thom, y que nos someten en una espiral de locura. Todo esto va acompañado de las letras de Thom, frases cortas y concisas que parecen desordenadas, y que nos ayudan a dar la sensación de estar dando vueltas en nuestros pensamientos, tan desordenados.

El disco acaba genial con Amok (loco en el idioma de Cervantes, una palabra tal vez poco conocida). La canción casi empieza como acaba, con la base instrumental de la canción sin altibajos (excepto al final de la canción que sube un poco la intensidad), y con una voz de Thom Yorke totalmente diluida con la música, que va diciendo “A penny for your thoughts [...] to run Amok” . Y de esta forma, Atoms For Peace nos cierra el disco, con una canción que bien podría inducir a la locura, después de haber podido comprobar que Thom Yorke no es solo el cantante de Radiohead, ni Radiohead es solo Thom Yorke. Aún así, y con visión general, el disco es muy notable y con algunas canciones que son auténticas perlas.

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DISCOS Conciertos

Walkin’ on a Pretty Daze Kurt Vile 9,2/10 Kurt Vile es un tipo peculiar que siempre suele acertar con toda la música que hace. Su nuevo trabajo Wakin’ on a Pretty Daze no es una excepción, ya que el músico ha sabido continuar perfectamente con su rock que guarda elementos tanto clásicos como experimentales. Con a penas 30 años va camino de convertirse un de los grandes del mundillo, demostrándonos en este nuevo trabajo toda la experiencia que le ha proporcionado ser fundador y miembro de The War on Drugs, a la vez de rodearse de grandes músicos como son su banda de acompañamiento The Violators.

Para aquellos que esperen un álbum fácil de digerir y que entra en la primera escucha, que no se engañen. La música de Kurt Vile te atrapa poco a poco, especialmente en este álbum. O prestas mucha atención a la primera o escuchas los temas en diferentes momentos del día. Mi recomendación es que la segunda, ya que resulta más agradable ir descubriendo las melodías de este álbum de forma progresiva.

Woman Rhye 9,0/10 Es posible que uno, tras escuchar Woman (el debut de Rhye) pensara “está muy bien este grupo de chico y chica“. Pues os equivocáis amigos/as. Rhye es un proyecto liderado por Mike Milosh y Robin Hannibal y en el que no hay ninguna mujer, a pesar de que en todas las canciones aparezca su voz. ¿Entonces quién es? Pues nada menos que el productor Mike Milosh (si, es un tío). A ver como se os queda el cuerpo.

Después de escuchar el álbum entero, uno se queda con la sensación de que realmente este ha sido uno de los discos del año, y poco se ha hablado de él. Y esto lo digo no sólo por las estructuras bien armadas que tienen cada canción, sinó por la sensualidad y sentimiento que nos consigue retransmitir este disco. Sólo esperamos que Rhye no se quede en una colaboración anecdótica, que vuelvan a sacar más discos, y que no se convierta este disco en otro Put Your Back N 2 it de Perfume Genius

Big Flash Wild Honey 9,0/10 Guillermo Farré por fin se ha volcado de manera plena en su proyecto en solitario Wild Honey. Tras publicar en 2009 el magnífico Epic Handshakes and a Bear Hug, Guillermo continúa la senda de las canciones folk ligeras, plagadas de melodías tarareables ideales para disfrutar de la tranquilidad de una tarde de domingo. Y es que si por algo se caracteriza la música de Wild Honey es por la cercanía de sus temas y la suavidad con la que entran todas las canciones en el oyente. En este nuevo trabajo, Big Flash, Guillermo ha ido aún más allá y ha logrado dotar de aún más luminosidad las canciones. A parte, también tenemos que destacar que el maestro de ceremonias ha sido el mismísimo Tim Gane de Stereolab. Ambos han estado trabajando codo con codo en Berlín para sacar un sonido pop presente en décadas anteriores que mezclado con algunas pinceladas de psicodelia e incluso tropicalismo para obtener un disco redondo.

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DISCOS DISCOS

Bankrupt!

Phoenix 4,5/10 Tras una larga gira de presentación de su anterior álbum, Wolfang Amadeus Phoenix, los franceses entraron al estudio en 2011, anunciando en su blog que ya se encontraban escribiendo canciones.

Entonces -a principios de 2013- los de Versalles anunciaron un nuevo disco: Bankrupt!, supuestamente más experimental y menos pop que sus predecesores.

Como muchos nos temíamos, Phoenix habían entrado en el famoso juego de “estamos experimentando”. ¿Qué significa esto realmente? En este caso está bastante claro: “Las canciones nuevas no son tan buenas como las anteriores y tenemos que venderlas de alguna forma”. Hasta donde yo llego, tener un sintetizador haciendo lo mismo que antes hacía una guitarra está bastante lejos de experimentar.

Pero bueno, sigamos con el disco. Después de Entertainment, viene The Real Thing, que –pese a estar cargada de sintetizadores- se sigue apoyando únicamente en la voz de Mars hasta llegar al estribillo, en el que los bendings de guitarra acompañan a los “follow me” de Mars. Aprueba con nota pese a no ser un gran tema. S.O.S In Bel Air es el ejemplo perfecto del sopor que provoca una experimentación que no es tal: tan aburrida como decepcionante, justo cuando parece que va a arrancar nos mete de lleno en la misma rutina de estrofa/estribillo/estrofa cargada de sintetizadores desubicados.

Trying To Be Cool aporta el toque kitsch al disco. Más sintetizadores y tintes asiáticos, pero esta vez acompañados de una melodía bastante pegadiza y una letra muy de boy band. Sea a propósito o no, está más cerca de los Backstreet Boys que de los antiguos Phoenix. Como ya he dicho, la letra no tiene desperdicio: Cool/I’m just trying to be cool/It’s all because of you. Si experimentar era esto, yo me borro. Lo mismo pasa con Bankrupt!, que intenta ser otra Love Like A Sunset, con una primera parte instrumental electrónica sin dirección alguna, hasta que Mars comienza a cantar sobre una guitarra acústica y -¡sorpresa!- sintetizadores, esta vez imitando instrumentos de cuerda.

Hay algo que no funciona en este álbum. De hecho, se podría decir que lo único que funciona es la voz de Mars. Se echa de menos el guitarreo constante de anteriores trabajos, mientras los sintetizadores no encuentran su sitio en la mayoría de los temas, resultando incluso molestos.

En un intento burdo de experimentación, a Phoenix les ha salido el tiro por la culata. Sustituyen las guitarras con sintetizadores sin ni siquiera preguntarse si era necesario hacer tal cambio en todas las canciones. Así, Bankrupt! resulta un disco frío, artificial, sin oportunidad alguna de que ningún tema se convierta en un clásico. Sin lugar a dudas, una de las mayores decepciones del año.

Mosquito Yeah Yeah Yeahs 7.0/10 Yeah Yeah Yeahs (YYY’s) han vuelto a hacer lo que mejor saben; un buen disco. La carrera de YYY’s no destaca por tener álbums sobresalientes, sino más bien por haber sabido mantener el nivel de calidad a lo largo de sus tres anteriores trabajos.

A pesar de que ellos mismos habían dicho que volverían a sus inicios con Mosquito, el álbum ha resultado ser el más experimental hasta la fecha, con lo que la recurrente comparación con Primal Scream vuelve a ser inevitable. El disco empieza con la mejor canción del álbum con diferencia y primer single, ‘Sacrilege’. Sin duda una gran canción que representa la esencia más pura de YYY’s a pesar de los acertadísimos coros gospel hacia el final, esencia que se ha perdido en términos generales en este disco. ‘Subway’, el segundo tema de su carrera que habla de Nueva York, se convierte por sorpresa de todos en un gran tema.

Con una melodía sosegada, la voz susurrante de Karen O y unos efectos sonoros como mínimo interesantes, consigue que ni te enteres que dura más de 5 minutos, algo poco usual en YYY’s.

A continuación nos encontramos con un tema de homónimo nombre que el álbum. Una gamberrada de tema que parece más bien hecho para reírse un rato, con una letra de pre-escolar que efectivamente habla sobre un mosquito, pero que a mí me divierte. ‘Under Earth’ viene a continuación, clase media-baja que no obstante mantiene el listón gracias a la excelente producción, recordemos Dave Sitek de TV On The Radio vuelve a encargarse de la producción, acompañado de Nick Launay.

A continuación llegan dos de los mejores temas del álbum, ‘Slave’ y ‘These Paths’. Dos grandes canciones con aspectos muy similares y las más complejas y preciocistas del disco, se nos antoja un poco extraño que vayan seguidas…Pero lo más raro es lo que llega a continuación; ‘Area 52’ y ‘Buried Alive’. El primero es un intento de ser el grupo de rock que alguna vez fueron con Fever To Tell, y el segundo….qué narices pretenden con ‘Buried Alive’?

Cantado junto al rapero Dr. Octagon (o Kool Keith) y producido por James Murphy, nos sirve para comprender que incluso el ex-líder de LCD Soundsystem puede meter la pata hasta el fondo.

En fin, avancemos…‘Always’ llega a la parte final del disco para aportar un pequeña dosis de dream-pop, o algo parecido. No destaca sobremanera pero retoma el rumbo del disco de manera notable, al igual que la penúltima canción de Mosquito, ‘Despair’.

Un tema sencillo, que va in crescendo y probablemente el mejor cantado del álbum. Cierra el disco ‘Wedding Song’, un tema notable con un sonido muy limpio a pesar del órgano de iglesia, y que como curiosidad Karen O le cantó a su marido en el día de su boda por allá 2011.

En definitiva, a pesar de un par de desastres y alguna que otra letra que flojea, YYY’s han publicado un cuarto álbum, coincidiendo con el décimo aniversario de su primer trabajo. ¡Dejad que os pique el Mosquito!

21 othervoicesmusic.com 21 Mindies.es

DISCOS

BANDCAMPEANDO E

n Bandcampeando nos ponemos nuestro traje de neopreno, cogemos nuestras botellas de oxígeno y nos preparamos para bucear por la plataforma más usada por grupos noveles (y no tan noveles) para darse a conocer y vender sus primeros discos. Una oportunidad de descubrir nueva y desconocida música de una calidad igual o superior a aquella que ya ha encontrado discográfica y, por tanto, llega a más personas. ¡Venid y “Bandcampead” con nosotros!

Little X Monkeys: Black Bird Hoy viajamos a los recónditos parajes del lejano oeste más indie de la mano de los belgas Little X Monkeys. Tras este extraño nombre se esconden Francois Xavier Marciat ,Rudy Verschoren, Justin Veronesi, Antoine Dupagne grandes músicos al servicio de la singular voz de Marjorie Piret. Nos presentan -bandcamp mediante- su primer EP, “Black Bird “.

‘It’s a longway home’ es la presentación de lo que nos espera durante los seis temas que componen el EP. Un tema que podría encajar perfectamente en cualquier escena de un western hollywoodiense nos prepara para ‘Let’s Burn it Down’ , que a golpe de harmónica nos muestran la cara más desenfadada del grupo.

Difícil no imaginarse en un saloon bebiendo un buen whisky con este tema.

‘Black Bird’ es el primer single con los que Little X Monkeys pretenden darse a conocer al mundo. Quizá su tema más indie y menos western, tiene el suficiente poder para enganchar a nuevos seguidores. Seguramente su tema más accesible para el público general.

Y si ‘Black Bird’ era su tema más indie, indudablemente ‘I wanna Go’ es el más western. Un ritmo marcado por un banjo eminentemente country, acento sureño en las letras. A los amantes de la música proveniente de la américa más profunda, les encantará.

El instrumental ‘Lone Wolf” podría pasar perfectamente por uno de los temas de Mumford and Sons. Corto pero intenso, da paso a ‘Walking in the Road’, tema que cierra el disco. Su tema más flojo, cumple sin embargo perfectamente su función como broche de este regalo para nuestros oídos que es Black Bird. Dedicadle unos minutos de vuestra vida a estos belgas; creedme, no os defraudarán.

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Mindies.es

Lessiel: Flores secas Hoy en Bandcampeando “viajamos” hasta Alicante, donde Martín, Patricia, Jesús y Fran forman la formación Lessiel. Esta “españolización” de la expresión francesa “Le Ciel”, esconde a un grupo de amigos que vuelven a unirse tras su anterior proyecto Elastic Juice, con el que llegaron a tocar con artistas de la talla de Sidonie, La habitación Roja o Fangoria, entre otros. Lessiel no son nuevos en esto, y se nota. Con una “música enmarcada en el indie rock, aunque con melodías más cercanas al indie pop” – tal y como se presentan ellos mismos – nos brindan temas realmente buenos y pegadizos, con un estilo cercano a grupos como Radiohead o El último de la Fila.

El EP “Flores Secas“ abre con el tema de nombre homónimo.

Tema que si bien rítmicamente es bastante alegre e incluso bailable, en cuanto analizamos su letra nos damos cuenta de su oscuridad oculta (El silencio grita atrapado en este frío, tan denso/ Las paredes me hablan en idiomas que no entiendo, no entiendo).

Este es el primer capítulo de la historia que este EP parece contarnos a lo largo de sus cuatro temas; una relación abocada al desastre.

El siguiente capítulo se llama ‘Hoy’ . El primer single del grupo, es un impacto directo a nuestros tímpanos. Un tema con gran fuerza y una gran elección como single. En ‘Dices’ , el tema más corto del disco, Leissiel nos narra los difíciles momentos de una ruptura para acabar guiándonos a ‘Contaré hasta 10, final de la historia.

Un tema muy “Radiohead” y un cierre perfecto para un grandísimo debut. En definitiva, otra de las pequeñas joyas que nos reserva la gran mina de música independiente que es Bandcamp.

Si queréis escucharlos, sólo tenéis que visitar su bandcamp a la dirección: http://leissiel.bandcamp.com/album/flores-secas

Conciertos

23 mindies.es

DISCOS

DESCUBRIENDO

A...

DEERHUNTER LAURA MVULA JOHN TALABOT 24 mindies.es

DISCOS

DEERHUNTER (I)

(II)

Con motivo del lanzamiento de Monomania, el nuevo álbum de La inclusión de Pundt no afectó al espíritu pesimista de Bradestudio de Deerhunter, hemos decidido repasar toda la discografía del grupo, desde sus tumultuosos inicios hasta la consecución de la fama y aceptación mundial. Empecemos, pues, con su primer disco: Turn It Up Faggot (2005).

¿Quiénes son Deerhunter? Corría el año 2001 cuando Bradford Cox, cantante y compositor de Atlanta, decidió unir fuerzas con Moses Archuleta, batería del grupo. Durante sus inicios, el grupo estuvo marcado por idas y venidas de componentes e incluso por la muerte de Justin Bosworth, el bajista original. Y es que la tragedia siempre ha acompañado a Bradford Cox, que sufre de Síndrome de Marfan: una mutación genética que provoca el crecimiento desmedido de las extremidades, siendo esta la causa del extraño aspecto de Cox. Por si fuera poco, por culpa del divorcio de sus padres, Bradford vivió prácticamente solo durante su adolescencia, sin ir al instituto.

Pero volvamos a Turn It Up Faggot. El disco -grabado en solo dos días de julio de2004- nos enseña a unos Deerhunter totalmente diferentes a la imagen que se puede tener de ellos en la actualidad. Pese a mantener algunas similitudes melódicas con sus siguientes trabajos, Turn It Up Faggot es un disco directo, sucio, ruidoso, punk en toda regla. La batería está altísima durante todo el LP, casi al mismo nivel que la voz de Bradford, enterrada bajo las guitarras y bajo y distorsionada en todas las pistas. No hay más que escuchar los dos primeros temas: N. Animals y Adorno.

Ruido, distorsión y una producción más que dudosa. Merece la pena mencionar la línea de bajo de Adorno, bastante similar a las de discos posteriores.

Tech School recuerda a Jay Reatard, con esos “drop out” en los coros que otorgan al tema un carácter bastante juvenil, algo lógico teniendo en cuenta que Bradford apenas superaba los 20 años cuando escribió estas canciones. Durante la escasa media hora que dura, Deerhunter intentan solventar un evidente problema melódico tapándolo con distorsión, gritos y fills de batería. Ciertamente, da el pego, pero no llega a ser suficiente, convirtiendo el debut de los de Atlanta en un disco muy repetitivo y amateur.

El propio Cox ha declarado en varias ocasiones que odia Turn It Up Faggot y que nunca debería haber salido. Es obvio que no está a la altura de sus siguientes trabajos, pero resulta agradable ver a la banda en un terreno más cercano a los primeros Sonic Youth que a los estilos que adoptarían a posteriori. Incluso nos dejan pistas de lo que iban a ser: el reverb en las guitarras de Oceans es el mejor ejemplo de esto, dándole un toque shoegaze a la canción antes de que vuelvan los guitarreos y los golpes de batería violentos. Cabe destacar también la técnica de Archuleta en pistas como Basement o Young Layer, demostrando que estaba a años luz de sus compañeros de grupo en cuanto a habilidades musicales.

No, no es un disco perfecto, ni siquiera notable. Pero es un disco necesario para entender los orígenes del grupo y lo que serían Deerhunter en un futuro. Y es que justo después de la grabación del álbum, Cox le pidió a su amigo Lockett Puntz que se uniese a ellos como guitarrista. Como ya veremos en la siguiente entrega, Lockett se convertirá en la segunda pieza clave de la agrupación estadounidense, que apartará esta estética juvenil y amateur para adentrarse en otros terrenos. Estando muy lejos de ser un imprescindible, Turn It Up Faggot no debería desagradar a nadie que busque media hora de guitarras distorsionadas sin cesar.

ford, que acababa de ver cómo otro de sus amigos fallecía. Cryptograms está aún más cargado de rechazo y miedo que su predecesor, acompañado esta vez de capas de guitarras con reverb y la voz de Cox ligeramente distorsionada y alta en la mezcla, a diferencia de en los anteriores lanzamientos del grupo. “My greatest fear/ I fantasized/ The days were long/ The weeks flew by/ Before I knew/ I was awake/ My days were through/ It was too late” son las líneas que abren el tema homónimo del disco, y son bastante indicativas del estado mental del cantante.

White Ink nos muestra en lo que se han convertido Deerhunter con Pundt, las capas de guitarras shoegazers mezclándose entre ellas y con los teclados de Moses Archuleta, que en esta ocasión abandona la batería. Pero sigue habiendo restos de los antiguos Deerhunter en temas como Lake Somerset, llevada a lomos del bajo de Josh Fauver y la distorsión de las guitarras y la voz de Cox. Cryptograms no parece un disco consistente en cuanto a sonido, en cierta parte debido a que fue grabado en dos sesiones de un día, estando ambas separadas por varios meses. Es en esta primera parte en la que se encuentran las canciones más ambientales, entre ellas la ya mencionada White Ink, Providence u Octet, siendo esta última la más importante para el desarrollo del álbum.

Construida a partir del riff de bajo, la voz distorsionada va y viene como si de una psicofonía se tratase, mientras que el reverb de las guitarras va creando una atmósfera entre lo psicodélico y lo paranoico.

La primera parte termina con Red Ink, otra pista ambiental sin percusión alguna, esta vez cargada de teclados e incluso campanas. Sin llegar a ser mala canción, Red Ink suena demasiado forzada, como si el propio grupo se concentrase en conseguir un único sonido, alejando el sentimentalismo de ciertos sectores del ambiental para adentrarse en la soporífera música de ascensor.

La segunda parte nos presenta a unos Deerhunter que pasan de lo ambiental y el shoegaze al dream pop, con un optimismo falso, como inducido por el Xanax. Así es en Spring Hall Convent, que habla de la experiencia de Cox con el ácido en su adolescencia. O en Strange Lights, en la que canta “We walk into the sun/So glad to have a guide/Less lonely for the ride” sobre la simple progresión de acordes de guitarra de Pundt.

Pese a no tener nada que ver con la primera parte, el lado pop de Cryptograms suena más real, más puro que las primeras siete pistas, en las que –en un esfuerzo por parecer más profundos- pierden la naturalidad de las melodías pop para abrazar una oscuridad a la que no pertenecen. Le resta cohesión al disco, que queda muy descompensado, pero Deerhunter están mucho más cómodos con las guitarras de la up-tempo Hazel St. que en los interludios instrumentales como Tape Hiss Orchid, también perteneciente a esta segunda parte, en la que -a pesar de algún experimento como el último tema mencionado- encuentran su identidad como grupo.

En definitiva, pese a haber necesitado un disco y medio, Deerhunter parecen encontrar el camino a seguir, alejándose de las sombras de lo ambiental para entrar en un terreno pop en el que las melodías de Cox y las guitarras de Pundt por fin parecían encajar. Cryptograms es un álbum de una belleza bidimensional y trágica, que encontraría su sitio como una de las sorpresas más agradables de 2007.

25 mindies.es

DISCOS

A pocos días de empezar una temporada llena de festivales y

LAURA MVULA Laura Mvula ha empezado con fuerza este año, el que parece el de su consolidación, después dar a empezar a conocer su nombre en los últimos meses de 2012. Los amantes del soul/ jazz más comercial seguramente ya la conoceréis, para el resto aquí estamos.

Laura Douglas (debe su apellido Mvula a su marido, también cantante, Themba Mvula) nació en Birmingham el 23 de abril de 1987, así que está a punto de cumplir 26 años. Con una imagen impactante al estilo Skye Edwards, pero con una actitud y presencia en el escenario muy distinta, Laura es una de esas artistas con una formación musical envidiable. Graduada en música por el Birmingham Conservatoire con una mención en composición, Laura empezó a cantar con Black Voices en 2005, una formación a capella liderada por su tía. Más tarde en 2008 cantó y escribió para su banda Judyshouse. Actualmente sigue dirigiendo el Lichfield Community Gospel Choir, comunidad coral de música gospel formada por Black Voices y el Lichfield Festival en 2009, además de dirigir de vez en cuando el coro Alvechurch Community Choir.

Mientras trabajaba como profesora substituta en un instituto, Laura empezó a escribir las canciones de su futuro álbum en su ordenador. Más tarde, mientras trabajaba como recepcionista, fue cuando una de sus demos enviadas a múltiples discográficas, llamó suficientemente la atención de RCA y firmó su primer contrato discográfico. Su primer EP llamado She se lanzó el pasado 16 de noviembre, y el álbum debut de título Sing to the Moon se lanzó hace poco más de un mes, el 4 de marzo de este mismo año. Su estilo mezcla música soul, jazz, e incluso gospel, a menudo introduce elementos como vientos y cuerdas pura orquesta, o sonidos más étnicos que hacen que su estilo sea bastante personal, sobretodo gracias a su fácilmente reconocible voz. A menudo parece que, ayudada por sus letras, esté cantando gospel con música de otros estilos de acompañamiento. De hecho, el periodista musical Paul Lester de The Guardian clasificó su estilo como gospeldelia, otorgándole así un nuevo género musical. Pero todos sabemos lo que les gusta a los anglosajones inventarse palabras nuevas, quieren todo ordenado y con su correspondiente etiqueta. Entre sus referencias, Laura Mvula cita a la girl band de los noventa Eternal, Jill Scott, Erykah Badu o Lauryn Hill, y de algún modo sus influencias se dejan ver.

El primer single de Sing to the Moon es ‘Green Garden’, una canción que hace referencia a Selly Park y Kings Heath, los suburbios de Birminghan donde se crió. El tema es de lo más interesante y fresco en lo que va de 2013, y su videoclip tiene algo especial. Sin embargo, después de escuchar el álbum al completo, podemos decir que no sigue la linea de ‘Green Garden’, ya que el álbum en general tiene un ritmo bastante más relajado. Canciones como ‘She’, ‘Sing to the Moon’ o ‘That’s Alright’ son un auténtico regalo para nuestros oídos, y nos hacen pensar que Laura Mvula puede convertirse en una grande del soul. Con un producción excelente (especialmente a lo que orquestación se refiere), Sing to the Moon es un álbum que hará las delicias a los amantes del soul, un género en el que cuesta encontrar algo nuevo y fresco que realmente valga la pena.

26 mindies.es

conciertos, aprovechamos para conocer un poco más uno de los artistas electrónicos de nuestro país que triunfa más en el extranjero. Se trata del barcelonés Oriol Riverola, ¿quién? si hombre, John Talabot. Ahora sí. Personaje anónimo y desconocido que está pegando fuerte en los mejores locales y festivales de Europa dentro del panorama electrónico. Aunque a algún barcelonés le puede sonar el nombre de John Talabot desde hace años, ya que es así como se llama un colegio en Barcelona. Efectivamente, el colegio donde estudió Oriol.

Aprovechamos pues que tendremos repetidas oportunidades de ver y escuchar su directo, ya sea junto a The XX el 2 de Mayo en Barcelona, seguido de su aparición en el Festival SOS 4.8 y en la edición de este año del Primavera Sound. Tres oportunidades de escuchar los temas que conforman su álbum debut fIN y comprobar el porqué de su éxito.

Antes de la publicación de su primer álbum este pasado 2012, John Talabot ya llevaba unos pocos años repartiendo house bajo este seudónimo a modo de singles y saltando a la fama con temas como ‘Sunshine’ en el año 2010 y ofreciendo una gran actuación en la edición del Sónar de ese mismo año. Pero ha sido el recién álbum fIN, compuesto de 11 temas, el que ha consolidado la fama de este modesto productor. Talabot no tiene problema en mostrar su rostro, pero vemos que tampoco es fan de que sea su persona el símbolo de su música. De ahí este anonimato, el seudónimo, y el hecho de aparecer con el rostro artísticamente tapado en varias fotografías. ¿Muestra de modestia? Puede ser. Como también puede ser la idea de dejar que sea su música y sus trabajos los que hablen por él, dejar que sean sus temas los que se lleven el protagonismo que se merecen y no la persona que hay detrás.

Sea como sea, su fIn ha gustado, y mucho. Ha acertado en las co-producciones con Pional, en temas como ‘Destiny’ o ‘So will be now..’, que nos ofrecen distintas atmósferas a medida que avanzan los minutos, con sonidos más cálidos y suaves mediante el uso de una tímida percusión y los, sin falta, sintetizadores de John. A pesar de los prejuicios sobre los estilos musicales como el house o la electrónica, y la monotonía que puedan llevar consigo, los sonidos de nuestro productor autodidacta son todo lo contrario.

Cada tema es un mundo que te traslada a una atmósfera distinta mientras los escuchas tranquilo en tu habitación. Al mismo tiempo cada tema provoca el subidón y la euforia colectivo de los que lo escuchan en uno de sus directos. Música que no aburre, ni cansa, ni se repite, música atemporal de un artista que sin duda da, y dará que hablar.

JOHN TALABOT

Conciertos

27 mindies.es

JANE

Conciertos

28 mindies.es

JOYD

Conciertos

C

uando piensas en hacer una entrevista a un artista, has de tener en cuenta qué es lo que más le interesaría saber a los fans. Próximas fechas, rumores sobre un nuevo trabajo, inspiraciones, anécdotas…

Pero, ¿qué pasa cuando un fan le hace una entrevista a su artista preferida? Pasa, que el fan ya ha leído otras entrevistas anteriores. Sabe qué preguntas se repiten, y cuáles faltan. Ya ha leído muchas comparaciones con otros artistas, la búsqueda incesante -y sin sentido- de la etiqueta del grupo, cómo fue aquel concierto… Pero le falta conocer lo más importante: a la artista. Cómo es esa persona dentro y fuera del grupo, sus gustos, sus inquietudes, sus expectativas de futuro. Por eso, cuando tienes la suerte de hacer una entrevista a Jane Joyd, las preguntas salen solas.

29 mindies.es

Conciertos

Bueno, para empezar esta entrevista, creo que la primera pregunta debería ser: ¿Qué tal va el día?

Pues cansados, porque llevamos ya dos meses girando, y todos esos días que no hemos parado por casa, que son muchísimos (risas), se van sumando, pero siempre animados para tocar.

Sacas el nombre de un corto titulado Jane Lloyd, te gustan pelis de Lars Von Trier… ¿eres cinéfila, no?

Sí, es cierto que ahora no tengo mucho tiempo para ver cine, pero sí que lo disfruto, y sobre todo, saco mucha inspiración para la música también. Escucho muchas bandas sonoras, que me sirven después para hacer las letras.

En Jane Lloyd, se narra sin diálogo alguno la historia completa de una vida. ¿Crees que ocurre lo mismo con tus temas, donde tu voz y la orquesta transmiten tanto o más sentimientos que la letra?

Pues sí, es cierto que se ha convertido en una banda cada vez menos de autor, y que la música va en función de unas imágenes que no existen y que están transformadas en metáforas en las letras. En ellas se va narrando ilustraciones, imágenes, y una historia real, fantástica, con su porcentaje de realidad y de ficción.

A pesar de que las letras hablan de oscuridad y tristeza, ¿es posible encontrar un atisbo de esperanza en ellas?

Sí, de hecho hay muchísimos temas que hablan de temas dramáticos pero que realmente están hablando desde el punto de vista de la superación. Por lo tanto es algo esperanzador el hecho de aprender y sacar algo positivo y bonito de una desgracia que has vivido o que te has planteado.

Claro, entonces la faceta alegre de Jane Joyd en realidad existe de por sí en sus letras, ¿no?

Sí, es cierto que está muy escondida (risas), y que es una lectura muy secundaria, pero aunque el canto no es a la alegría, sí que es a las ganas de vivir.

En la review que hicimos de tu último EP, comentábamos la importancia de Xulio Vázquez en la banda. ¿Qué nos puedes contar de él?

30 mindies.es

Pues de Xulio puedo contar que es uno de mis mejores amigos, quizás el mejor.

Nos conocemos desde hace mucho tiempo, y tenemos una afinidad musical total.

Cuando empecé a tocar, estaba yo sola con la guitarra; después conocí a Xulio, y empezamos a ponerle ritmo a los temas y a hacer arreglos, y en función de eso fuimos montando el primer EP y llamando a músicos para formar la banda. Por lo tanto Xulio es una parte muy importante a la hora de componer y de situar el estilo de la banda, porque me conoce mucho y tiene una visión muy amplia a nivel de producción y estructural. Entre los dos hacemos un buen comping para eso.

“Un día normal en mi vida está lleno de cosas pendientes que hacer, entre ellas llamar a mis amigos” En directo sueles actuar con varios formatos distintos (en formato trío, con una sección de cuerdas etc.) ¿Con cuál te sientes más cómoda?

Pues cómoda estoy con todos los formatos, porque realmente es una adaptación a la sala en la que tocas, y digamos a las posibilidades que tienes de ir más lejos o más cerca. La banda es un formato muy caro, y para un grupo que está empezando pues es complicado. Es cierto que cuando tocamos en septeto los temas son muy clavados a lo que se puede escuchar en el disco; pero cuando vamos menos, los temas se transforman, lo cual es también es muy interesante. Disfruto también de ese punto libre que tiene ese formato.

Conocemos la parte íntima y oscura de Elba Fernández presente en los EP’s, pero, ¿cómo es Elba fuera de Jane Joyd?

Pues yo me considero una persona normal (risas), dentro de lo que se puede considerar normal. Me lo dice mucha gente, “eres como muy oscura, muy introspectiva”, pero realmente soy una persona muy llana y evidentemente sonrío todos los días.

Jane Joyd es una parte de mí que me gusta canalizar en la música, pero para nada soy una persona que se encierra en casa y se mete debajo de la cama (risas).

¿Cómo es un día normal en tu vida fuera de la música?

Pues un día normal en mi vida está lleno de cosas pendientes que hacer (risas), entre ellas llamar a mis amigos, porque no tengo mucho tiempo para ellos. Hay hasta una canción dedicada a ellos (risas), me gusta compartir el poco tiempo que tengo con ellos.

Hace poco leí que te costaba más hablar en público que subirte a un escenario, ¿cómo es eso?

Pues es así tal cual; me gusta relacionarme con las personas, pero es cierto que cuando te enfrentas a preguntas personales, aunque sean profesionales, estás expuesta, ya que están “hurgando” en ti. Pero cuando tú estás en un escenario estás contando lo que tú quieres. Además, la música te lleva a otro estado, te transformas, y casi que no eres tú; entonces es muchísimo más sencillo. Es como los actores, que son tímidos, y dices ¿cómo puedes ser tímido, si estás delante de una cámara? ¡Pero están detrás de un personaje! ¿Tú te escondes detrás del personaje de Jane Joyd?

Hay un porcentaje sí, escondido tras la música. ¿Es reconfortante pensar que temas donde vuelcas tanta pasión e intimidad gustan tanto a la gente?

Pues sí. Somos conscientes de que canto en inglés y que no llega a muchísima gente el mensaje escrito, pero la música que hacemos es muy emotiva. Lo que queremos realmente es que la gente tenga sensaciones simplemente al escucharla, y que tenga su propia lectura.

Cuando una música es tan emocional, es cierto que todos experimentamos sentimientos y tenemos nuestras tribulaciones. Es muy difícil no empaparse si sabes transmitir bien musicalmente eso.

Por lo tanto cuando la gente nos dice que realmente le ha llegado, significa que hemos hecho un buen trabajo, y es fantástico.

Dices que tus letras son metáforas que cada uno puede interpretar de forma personal; ¿crees que eso ha sido decisivo en el éxito de tus temas?

Yo creo que no es decisivo en el senti-

ESPECIAL bajo conceptual, pero ya más grande. Es más complicado, porque es un trabajo más amplio, y los temas tienen que tener una dinámica también entre ellos, que es algo que estos EP’s no tienen, son muy contundentes. Si hiciésemos un LP con estos temas tan grandes creo que no podríamos soportarlo ni nosotros mismos (risas).

do que hay público para todo. Hay personas que, igual que en la literatura, les gusta que sean historias muy concretas, y que puedan abstraerse de su propia vida. Después hay literatura que te gusta leer para sentirte identificado, y creerte tú un personaje. En ese sentido, supongo que tenemos un público que busca eso, y por eso funciona. Pero también funciona otro tipo de música con mensajes muy directos.

¿Narraríais una historia, o intercalaríais varias?

¿Crees que eso puede ser un problema también?

Me gusta trabajar sobre una idea en concreto, y que todo vaya en función de esa idea, porque es un reto creativo. Nos gusta mucho trabajar en ese sentido, entonces hagamos lo que hagamos a nivel estilístico/musical, todo girará en torno a un concepto, seguro.

También, es un arma de doble filo. Yo personalmente no pienso estratégicamente cómo tiene que ser un tema para llegar o no al público; si tiene que llegar, llegará de la manera que sea, y lo importante es ser sincero con uno mismo, con lo que se hace.

En el primer EP nos mostraste cuatro temas que compusiste en tu cuarto; ¿ha cambiado ese proceso de creación respecto al segundo y tercer EP? Pues ha cambiado totalmente, porque cuando tú estás en tu habitación con tu guitarra, no hay más que una voz, una guitarra, y unas letras. Planteando después una instrumentación más grande, hay que dejar paso a esos pasajes instrumentales; entonces hay que adaptar también esa letra a esa música, y viceversa. Se va construyendo más las cosas por capas, por lo que la forma de componer es totalmente diferente. ¿Mejor, peor, diferente?

Diferente sin más; antes primero escribía, y luego ponía música a las letras, y ahora el trabajo tiene que ser un poco al revés.

En tu segundo EP los protagonistas son los animales, mientras que en tu tercero son los paisajes los que guían los temas. ¿De dónde procede toda esa conexión con la naturaleza?

Pues es que Galicia es tan de eso… (risas).

Aunque vivo en la ciudad, a unos pocos minutos hay naturaleza a raudales, y la verdad es que estamos empapados de paisajes increíbles, y bosques y animales, y tormenta, lluvia y frío (risas), pero también hay playas (risas). Así que viene un poco todo de mis recuerdos de infancia, ya que la pasé en un pueblo. Supongo que muchas de esas imágenes me vienen de ahí.

Este tercer EP es una continuación del segundo. ¿Habrá un cuarto EP o apostaréis por un LP? ¿Costará más hacer un LP? ¿Será conceptual también?

Tenemos interés en hacer un LP, porque también es un formato que tenemos ganas de trabajar. Teníamos muchas ganas de hacer EP’s por la forma en que se trabaja, pero como somos inquietos, y nos gustan los retos, también queremos hacer un tra-

DISCOGRAFÍA Jane Joyd (2010) “The nightmare”, “Last days”, “My loneliness” “Try try try

Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tale of Her Animals(2012) “The cage” “Heartless horse (The disappearing act)” “Dead fish” “Renard came to my house, stole my smile and left forever”

Shy Little Jane Presents: So Lost in this Bleak Winter Landscape(2013) “Landscape nº1” “Landscape nº2” “Nowhere” “Landscape nº3” “Landscape nº4”

Cuando te preguntaban por lo bien acogido que fue el segundo EP, decías que a ver cómo serían las críticas del tercero, y ha sido bastante bien acogido en general. ¿Cómo sienta eso al grupo?

Pues bien, porque también este último EP tiene un añadido, que es la electrónica. Los arreglos son más complicados entre comillas, y bueno, a ese nivel fue un paso más.

Realmente el reto era el primero, porque era cuando hacíamos esa apuesta musical, conscientes que no era para nada música de primera escucha, ni de grandes masas, ni nada por el estilo, pero era lo que queríamos hacer. Es bueno tener muy buenas críticas, pero también eso implica que lo que hagas a continuación tiene que tener el mismo trabajo. Tiene mayor exigencia a nivel personal.

Claro, vemos que del primer EP al segundo hay un gran cambio, y del segundo al tercero también, pero en menor medida. ¿Eso quiere decir que habéis encontrado vuestro estilo?

Sí, todo lo que hay en común entre este último y el anterior es el sonido que andábamos buscando en este momento, porque evidentemente en el primero tenemos el sonido de otra época de mi vida. Pero bueno, también es una continuación porque así queríamos hacerlo; si escuchas el segundo y el tercero casi puedes escuchar un disco.

Vuestra música bebe mucho del folk más oscuro, sin embargo el panorama nacional gira hacia un folk mucho más alegre y luminoso ¿Cómo ve Elba Fernández la escena musical en la que se mueve?

Sabemos que no hacemos una música que pueda entrar de primeras en los oídos, por lo que es un riesgo. Pero también el hecho de hacerlo puede llamar la atención.

Simplemente hay que confiar en el trabajo que hacemos, que nos siga gustando lo que hacemos, y después el público es el que decide siempre, a corto y largo plazo.

En definitiva es eso.

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JANE JOYD EN CONCIERTO El pasado sábado 27 de abril, tras la entrevista que nos concedió Elba Fernández, tuvo lugar

el concierto presentación de la Monkey Week 2013 en la Sala Luxury (antigua Malandar), donde disfrutamos de la voz de la vocalista, de Xulio Vázquez a la percusión, y Fernando González a la trompeta. Aunque el formato original de la banda es el septeto, ellos tres consiguieron crear la atmósfera íntima y pasional a la que acostumbra Jane Joyd. Como dijo Elba, “Cuando tocamos en septeto los temas son muy clavados a lo que se puede escuchar en el disco; pero 32 mindies.es cuando vamos menos, los temas se transforman, lo cual es también es muy interesante.”

ESPECIAL

Durante el concierto, tuvimos dos sorpresas. La primera, nada

más empezar, fue el tema con el que abrieron la noche, ‘Song to Forget’. Dado que no podemos encontrar esta canción en ningún corto publicado, y que no es la primera vez que aparece en su setlist, puede que sea un adelanto de su próximo trabajo, el tan esperado LP. Suena bien, tiene fuerza, y nos da un importante detalle del (recordemos, hipotético) disco, y es que no hace referencia a ningún concepto. En Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tale Of Her Animals, los temas tienen a animales de título; mientras que en So Lost In This Bleak Winter Landscape, son paisajes. Al grupo le gusta trabajar con conceptos, por lo que el LP podría tratar sobre la historia de alguien. De este viaje al futuro, volvemos a los inicios del grupo con ‘Last Days’ y ‘My Loneliness’, presentes en Jane Joyd. Con estos tres temas, la sala ya está inmersa en la voz de Elba, que como buena hipnotizadora, sabe colarse en tu cabeza sin que te des cuenta.

Conforme pasa el tiempo, vamos siendo guiados a través de los 3 EPs. Así, de ‘Landscape Nº1’, pasamos a ‘Dead Fish’, y de ésta volvemos a ‘Landscape Nº4’, para terminar en ‘Try, Try, Try’. Podemos ver cómo el grupo disfruta tocando, a través de sus miradas de complicidad, y la pasión que pone cada miembro.

Es impresionante ver a Xulio Vázquez tocando la batería. Si ya de por sí este instrumento es difícil, tocarla al ritmo pausado que exigen los temas del grupo lo es aún más, pero parece que para él no es así. Está en su mundo, tranquilo, feliz, y los demás disfrutamos de su trabajo. Tampoco podemos olvidar a Fernando González, que aunque no participa tan activamente como los otros dos, espera pacientemente su turno, y no defrauda, dándole más intensidad si cabe a temas como ‘The Cage’.

Antes de que nos demos cuenta, el concierto termina. Pero antes de ello, el grupo tenía una última sorpresa, una cover de ‘Hardly Wait’ de PJ Harvey. Un buen regalo con el que ir terminando el concierto, antes de la canción final, Landscape Nº2. El orden de los temas fue el siguiente: Song To Forget Last Days My Loneliness Landscape Nº1 Dead Fish Landscape Nº4 Try, Try, Try The Cage Renard Came To My House, Stole My Smile, And left Forever Landscape Nº3 Heartless Horse The Nightmare Hardly Wait Landscape Nº2 Con este concierto cierran la gira de 2012, quedando las fechas del Festival Do norte, y el Sonorama Ribera. Desde la redacción de Mindies sólo podemos decir una cosa: ¡No os lo perdáis!

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DESCUBRIENDO A

JANE JOYD

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Conciertos

(I) Dentro de “poco” harán dos años desde que descubrí a Elba

Fernández en el FIB 2011. Era viernes, en el escenario Fiberfib, y hacía demasiado calor, como es normal un 15 de julio en Benicàssim. El día anterior nos había dejado los conciertazos de Plan B y Pendulum, y eso se notaba físicamente, pero las expectativas de ese día con Elbow y los Strokes en el horizonte, nos hacían olvidar el cansancio a mis amigos y a mí. Por eso, decidimos bajar pronto a los escenarios, e ir abriendo boca con Nudozurdo, I Am Dive, y una coruñesa de la que había oído hablar, poco, pero muy bien, una tal Jane Joyd. Eran las seis de la tarde, y el sol nos pegaba en la cara sin compasión, pero todo esto fue desapareciendo conforme Elba nos mostró por qué estaba en el FIB, y por qué había ganado el Proyecto Demo que le había dado el billete para dicho festival. Con un ambiente íntimo, dejando claro que con una guitarra y la adecuada percusión, no necesitaba más. No conocía sus canciones, pero el tiempo pasó volando. Cuando vas a un festival siempre hay algún grupo o artista que no conocías, y que te preguntas cómo no lo habías escuchado antes. Ese año le tocó a Jane Joyd.

Cuando regresé a mi casa (oh, amada cama, porqué te cambiaría por aquella esterilla…) y me recuperé de todos los conciertos acumulados, me dediqué a buscar algo de información sobre esa chica que me había maravillado. Como era de esperar, no había mucha. Algunas entrevistas por aquí, un EP con su nombre (en su ya desaparecido Bandcamp) por allá… En su twitter pude ver que se influenciaba de gente de la talla de Ólafur Arnalds o Ane Brun, lo cual le hizo sumar algunos puntos. Su nombre, es en gran parte “tomado prestado” de un famoso corto que le gustó a Elba, titulado “Jane Lloyd”.

Su primer EP con su nombre, Jane Joyd, nos deja lo que sería la puesta en escena de esta prometedora artista y su banda, a través de cuatro temas: ‘Last Days’, ‘The Nightmare’, ‘My Loneliness’, y ‘Try, Try, Try’.

En ‘Last Days’ podemos hacer una doble interpretación. Por un lado, es el final feliz de la historia que nos narra en este trabajo.

Por el otro, tenemos la carta de presentación de Elba. Distinta al resto de sus temas en cuanto a letra (y, dato curioso, es de las canciones que más letra tiene, si no la que más), clama por la esperanza, deseando que el sol la ilumine, al contrario que en el resto de sus temas, que suelen ser más tristes y oscuros. Si vamos un poco más allá, podemos ver cómo la artista nos avisa de su llegada como Jane Joyd. “The moment of arriving has arrived” “Getting out to breath, to learn how to walk, again, to follow my path, my aim and my fate” “Let the sun I’m here”. Alejándose de la temática del resto de canciones del EP, parece que Elba quiere decirnos que viene con fuerza y ganas, aunque su música tenga el estilo contrario.

Con ‘The Nightmare’ y ‘My Loneliness’ descubrimos a una chica destrozada, que quiere permanecer sola en su escondite, para dejarse llevar hacia la desolación, sin que la molesten. Durante todo el EP vamos viendo el peculiar estilo folk de la coruñesa, parecido al de autor, con matices americanos, pero quizás algo más evolucionado, y por supuesto con su estilo personal reconocible en todos su temas. Finalmente, ‘Try, Try, Try’, siguiendo la historia, nos cuenta cómo por mucho que nos escondemos, tendremos que acabar enfrentándonos a lo que tememos. Es un buen comienzo, que nos da una muestra del potencial de la artista, aunque claro está, aún queden cosas por pulir.

“Cuando vas a un festival siempre hay algún grupo o artista que no conocías, y que te preguntas cómo no lo habías escuchado antes. Ese año le tocó a Jane Joyd”

(II)

En esta segunda parte nos adentramos en el universo que Elba nos ha estado mostrando en sus dos últimos trabajos: “Shy Little Jane Presents”. En esta ocasión conocemos The Dramatic Tales of Her Animals, cuatro historias – tristes, por supuesto – acerca de un pájaro, un caballo, un pez, y el zorro Renard. Si en el anterior EP dijimos que había cosas por pulir, este siguiente trabajo nos muestra que Elba hizo los deberes.

Y es que dos son los puntos a destacar: su voz, y el resto de la banda. Ambos aspectos cobran un gran protagonismo en este nuevo trabajo, en el que vemos una versión más madura y refinada del grupo. Durante todo el EP nos sorprende la desgarradora voz de Elba para darle más sentimiento a unos temas que sin mucha letra, pero con sutiles metáforas, transmiten perfectamente cómo se sienten cada uno de estos animales. Y tras esa voz podemos encontrar una mini orquesta (en la que se nota la presencia de Julián Rodríguez), que terminan de crear la íntima atmósfera que se dibuja en cada uno de los temas.

El EP empieza con un desesperado ‘I am a bird in a cage’, en el que se resume perfectamente todo lo descrito en el anterior párrafo. Un pájaro enjaulado, solo, que quiere salir de su prisión pero no puede. En el siguiente tema, ‘Heartless Horse’, los coros acompañan a las cuatro -más que suficientes- líneas de la letra; ‘Run, run, run, horse, far’ le dice Elba al caballo al que le esconde su corazón dolorido. Todas estas historias dan forma al escenario por el que transcurren estos animales y sus metáforas, al que nosotros le damos nuestro toque personal, y que por tanto puede ser distinto en cada uno.

Pasando la mitad del EP, nos encontramos con ‘Dead Fish’, donde podemos ver claramente los toques blues y jazz presentes en todo el trabajo. Esta vez le toca el turno a un pez muerto nadando en un mar de lágrimas y recuerdos, para finalmente dejar paso al zorro de las fábulas Renard que viene a robarnos la sonrisa y huir para siempre. Los latidos del final del tema son un gran detalle para cerrar las cuatro historias.

Con todo esto, nos queda Shy Little Jane Presents: The Dramatic Tales of Her Animals, un EP con el sello de Origami Records que ha recibido muy buenas críticas a lo largo de todo el pasado 2012 allá donde va, y que sumado a los íntimos directos de Jane Joyd, ha hecho que el grupo se haga un merecido hueco en la escena indie.

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(III) 2012 fue un buen año para Shy Little Jane Presents: The Dra-

matic Tale of Her Animals, y, por ende, para Jane Joyd. Desde un concierto en Londres hasta aparecer en festivales de la talla del Monkey Week, el EP convence, llama la atención, y se empiezan a ver calles empapeladas con carteles anunciando que la banda toca esa noche en la ciudad. El nombre del grupo se hace cada vez más popular, y los distintos blogs y revistas de música empiezan a mostrar su opinión sobre el trabajo de Elba; y son estas críticas las que determinarán el futuro, para bien o para mal, de Jane Joyd. El resultado, como todos sabemos, fue una sorpresa unánime, sugiriendo la escucha del EP a los lectores, y preguntándose que sería lo siguiente que nos traería la coruñesa y su banda. Esta la pregunta ya tiene respuesta: Shy Little Jane Presents: So Lost in this Bleak Winter Landscape.

En esta ocasión cambiamos los relatos sobre animales por paisajes desolados, similares, según la propia Elba, a la intimidad de las sábanas de una cama, como las que podemos ver en la portada de este segundo EP. El primer tema, ‘Landscape Nº1′, nos recuerda a ‘My Loneliness’ en cuanto a la letra, pero claramente podemos ver una gran evolución tanto instrumentalmente como vocalmente. Empieza con una fuerza desgarradora para transmitirnos el miedo y la angustia que siente, la cual se va apaciguando cuando pasa el primer minuto de la canción, rompiendo con la entrada en escena del piano. Es una declaración de intenciones en la que Elba saca a pasear su potente voz, con Xulio Vázquez a la parte instrumental, estando ambos en perfecta armonía. Esta pareja perfecta nos acompaña en el segundo tema, ‘Landscape Nº2′, que sigue hablándonos de soledad y tristeza, pero esta vez con más intensidad si cabe.

Con ‘Nowhere’ llegamos al ecuador de este EP, un tema instrumental que nos recuerda que tras la tormenta que le precede, llega la calma, para pasar a ‘Landscape Nº3′, con letras más esperanzadoras (dentro del universo Jane Joyd lo son), recordándonos que hay que aguantar el chaparrón de recuerdos tristes cuando aparezcan. Uniendo su final con el principio de ‘Landscape Nº4′ se cierra el círculo y llegamos al final de este trabajo, en el que Elba se adentra definitivamente en su infierno particular, sin salida.

Si bien es cierto que en esta ocasión no hay una marcada evolución respecto a su anterior trabajo como pasó con Shy Little Jane: The Dramatic Tale of Her Animals y Jane Joyd, podemos ver el EP de una banda que parece haber definido su estilo, muy trabajado y cargado con dosis extra de pasión y soledad, que nos lleva a pensar con qué nos podrían sorprender si se deciden a grabar su primer disco.

Adicionalmente, ya ha confirmado su presencia en festivales como el Sonorama y el Festival do Norte.

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ENTREVISTAS

Autumn

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Entrevistas

“Cada uno aporta la parte que le toca trae su grano de arena. El producto final es así porque de un modo u otro estaba escrito’’ 40 othervoicesmusic.com

Comets

Entrevistas

Formados en 2008, Autumn Comets está compuesto por Julián P. Campesino (guitarra y voz), Pablo P. Campesino (batería), Emilio Lorente (guitarra), y Gonzalo Bautista (teclados y programación), uniéndose Manuel Moreno (viola/arreglos) en 2009 y Mario Perez (bajo) en 2012.

“Moriréis en Camboya” es un álbum repleto de matices, en el que aparecen multitud de capas creando momentos un tanto épicos como el final de Plans. ¿La música que escuchasteis durante el proceso de creación del disco tuvo algo que ver?

En 2009 autoeditan “Parades”, disco nacido de su pasión por el slow-core y el antifolk, y gracias a su inquietud creativa, sólo un año después, a finales de 2010, sacan al mercado “A Perfect Trampoline Jump”. La repercusión de este disco los llevó a ofrecer más de cincuenta directos por todo el país, algunos de ellos en escenarios emblemáticos como el Palau de la Música con Standstill , Dcode Festival, Día de la Música, Primavera Club (Madrid y Barcelona), Primavera Sound, Monkey Week, etc, en los que Autumn Comets se descubren como un “grupo de directo” ante público y crítica.

No suele tener nada que ver, para empezar porque al ser seis nunca ocurre que estemos escuchando al mismo grupo en el mismo periodo de tiempo. Cada uno aportando la parte que le toca trae su grano de arena. El producto final es así porque de un modo u otro ‘’estaba escrito’’.

En su nuevo trabajo “Moriréis en Camboya”, Autumn Comets han sabido destilar su sonido intrincado y complejo, lleno de hibridaciones, de una forma absolutamente personal para

Es difícil llevarlo al directo y que todo se entiende y esté en el plano en el que debe estar. A la hora de componer ya no es tan complicado. Llevamos cinco años y tenemos una manera de trabajar en la que cada uno entiende perfectamente qué está haciendo el otro. Es muy complicado llegar a esto, estamos contentos por ello!

trascenderlo e inocularlo en un puñado de nuevas canciones inmensas por las que entra luz a raudales. De este modo, a los ecos y reverberaciones de The Appleseed Cast, Slowdive, Bedhead o Red House Painters se unen los de Broken Social Scene, Wilco (en su versión más cabrona) y Local Natives, pero también los de Fuck Buttons, Jesu o Mogwai.

Con motivo de su actuación en Valladolid mañana viernes, hemos tenido la posibilidad de charlar con ellos. Esto es lo que nos han contado.

En vuestro último trabajo, “Moriréis en Camboya” (Subterfuge Records 2013), podemos decir que habéis dado un giro importante en vuestro sonido, acercándoos incluso al rock experimental en temas como When the Seagulls Follow a Trawler. ¿Tuvisteis claro desde un primer momento esta nueva dirección o surgió de forma espontánea?

La entrada de Mario jugó un papel muy imporante. Con él como nuevo bajista concretamos más la dirección de muchas canciones y en cierto modo simplificamos el acabado de las mismas. Fue algo que fue surgiendo y sigue desarrollándose a día de hoy en el local de ensayo. Sale de manera natural. Hay poco premeditado dentro de Autumn Comets.

La mayoría de canciones de este nuevo trabajo presentan una instrumentación abundante donde todos los instrumentos tienen su protagonismo, encajando a la perfección (temas como Baltimore suponen una buena prueba de ello). ¿Fue difícil esta tarea?

Referido de nuevo al proceso de grabación, podemos comentar que grabasteis en el estudio La Mina, uno de los estudios que cada vez aglutina a más y más nombres interesantes del panorama independiente como Pumuky, Soledad Vélez, Pony Bravo etc. ¿Cuál es la principal diferencia entre la autoedición de vuestro primer LP y la grabación en un estudio tan importante?

La diferencia es abismal. Tener a alguien que dirija tus pasos, te aconseje, conozca el lugar donde grabas, y te desbloquee en momentos de tensión (que siempre los hay en la grabación) es fundamental.

Raúl Pérez y su Mina han sido fundamentales para que el resultado sea el que es. El remate con la mezcla de Manuel Cabezalí redondeó el disco como queríamos.

En vuestro primer trabajo contasteis con colaboraciones estelares como el genial Micah P. Hinson en temas como The Day After Tomorrow donde el tejano aportaba su profunda voz. ¿Cómo fue la experiencia de grabación con gente tan ilustre?

Fueron dos experiencias muy distintas. Micah tocó con Manu varias veces y accedió

“Tener a alguien que dirija tus pasos, te aconseje, conozca el lugar donde grabas, y te desbloquee en momentos de tensión (que siempre los hay en la grabación) es fundamental” a grabar unas voces desde Texas. El caso de Lourdes es distinto. Sí, es un personaje muy famoso y ahora mismo la artista española más conocida fuera de aquí, pero nosotros lo vimos como una amiga grabando unas voces para nuestra canción.

Son varios años desde que la conocemos y aparte del resultado, fue genial contar con ella por poder tener a una amiga entre los créditos…

Autumn Comets sois un grupo al que le gustan los directos, como buena muestra los más de 50 que ofrecisteis después de editar A perfect trampolines Jump en lugares emblemáticos como el Palau de la Música. ¿Creéis que llevar los temas de Moriréis en Camboya al directo será más complicado?

No no, solemos grabar pensando en que todo lo grabado se puede trasladar al directo. Nos parece algo honesto y seguiremos haciéndolo así. Sí que es cierto que en directo todo se ensucia más, en el buen sentido de la palabra. Perdemos algo de nitidez pero ganamos en intensidad.

Por último, no nos vamos a quedarnos con las ganas de preguntaros de donde surge el original título de vuestro último LP. ¿Se puede contar?

Pues es muy sencillo, una señora cincuentona algo borracha nos lo gritó en un concierto que dimos en Zaragoza. También nos dijo ‘’más rock, maricones’’ y ‘’esos punteos, Robert Palmer’’. Nos pareció más bonito lo primero, y ahí se quedó.

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ENTREVISTAS

Lyona

videoclips. Me llegó una can ción que me gustaba mucho, que era de un grupo que se llamaba Dedo ,que ya no existen (risas), y presenté una propuesta y me la aceptaron, y entonces, hice el videoclip y fue cuando volví a disfrutar mucho de un rodaje: de planificar de todo, de montar y le volví a coger el gusto a esto y desde entonces que no he parado con los videoclips , es lo que hizo que volviera a querer el cine, me lo paso muy bien haciéndolo. ¿Cómo empieza tu aventura con los videoclips?

Un poco lo que te he comentado antes y también por Mürfila. Íbamos juntas al ESCAC y también fue entonces, al cabo de 4 años fichó por Sony, y tenía que hacer un videoclip y al principio quería dirigirlo ella porqué claro, como también había hecho dirección pues le apetecía, pero estar delante de la cámara y detrás la estresó y me dijo, ¿Me ayudas? Y la ayudé. Y después hicimos todos los videoclips juntas y la verdad es que ella me ayudó mucho en este sentido porqué sino no hubiese continuado haciendo videoclips. ¿Cómo lo haces para crear un videoclip?¿Cómo encuentras una idea?

Normalmente siempre espero que la canción me lo sugiera, o bien la letra o la música. A veces solo con las primeras notas ya te imaginas algo, ya ves una imagen. A veces necesitas leer toda la letra para saber de qué va e intentar plasmarlo. Depende, es que cada canción te pide una cosa, bueno, a mí me dice una cosa u otra, no sé al resto de gente (risas). Pero no tengo una manera de trabajar concreta. Depende.

Marta Puig, más conocida como Lyona, es realizadora de videoclips, diseñadora, fotógrafa, y ahora también dj. En Mindies nos gusta mucho todo lo relacionado con los videoclips y por eso decidimos entrevistar a Lyona, puesto que su manera de hacer vídeos la ha diferenciado de muchos otros realizadores. ¿Quién es Lyona y cómo decide dedicarse al mundo audiovisual?

Se remonta bastante al pasado. Cuando era pequeña mi abuelo siempre me llevaba al cine cada fin de semana, y un día viendo ‘Eduardo Manostijeras’ decidí que quería

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estudiar cine, lo que pasa es que entonces yo tendría unos 12 años y no sabía que se podía estudiar, y fue cuando estaba en el instituto cuando descubrí que existía el ESCAC y decidí estudiar allí. Cundo terminé, acabé un poco quemada de la ficción, hice un corto de final de carrera que estuve 6 meses rodando con animación y era como…no quiero saber nada más de audiovisuales durante mucho tiempo, y quizás para siempre…Y me puse a trabajar haciendo fotos, y al cabo de 4 años el ESCAC no sé cómo me hizo llegar un proyecto que ponía en contacto realizadores con discográficas de Cataluña para hacer

Te empezaste a hacer más conocida por tus proyectos con Love Of Lesbian. ¿Cómo nace vuestra historia?

A través de Myspace me escribió Santi, que había visto las fotos y algún vídeo que había hecho y le gustaba y me dijo : mira te doy el último disco que hemos hecho (yo no los conocía entonces) y me dio Cuentos Chinos para Niños del Japón y me dijo: haz lo que quieras, y yo …vale (risas) Puse el disco, y ya para la primera canción que era ‘Universos Infinitos’ vi el videoclip, y fue como…este sí, sí, lo tenemos que hacer, y el me dijo, hostia…es que no es justamente el que vemos como single y yo le dije: ya, pero es que mola mucho, y él me dijo: ¿Por qué no ‘Noches Reversibles’? Y yo, bueno va pues hago los dos (risas). Y al final acabé haciendo ‘Universos Infinitos’ y ‘Noches Reversibles’ no lo acabamos, de hecho está medio acabado, pero la verdad es que después cuando vieron ‘Universos Infinitos’ les gustó mucho y funcionó muy bien. A veces eso de que la canción no se ve como un single es algo muy subjetivo.

No tiene por qué ser súper movida o súper pegadiza para que sea un single. ¿Qué te aporta personalmente hacer videoclips?

Muchas cosas, por un lado pues el speed del rodaje me da vidilla, me lo paso muy bien rodando, también me gusta mucho el trabajar en equipo, todo lo que me aporta la gente que está conmigo. La directora de

ENTREVISTAS foto, el director de arte o el ayudante de dirección, las ideas, hablarlas y trabajarlas juntos. También la satisfacción de verlo, de decir mira, lo que yo me había imaginado ya está aquí. Que muchas veces no coincide, tu partes de una idea y acaba siendo otra, pero eso también es bonito durante el proceso se va modificando, y a veces quizás es peor que lo que te habías imaginado y otras es mejor. Y lo bonito es aprender durante el proceso. ¿En general, qué crees que un videoclip aporta a la canción?

No sé, depende, cada videoclip es un mundo, a algunas quizás le aporta otro significado, otros pues se complementan.

Otros hacen que te emociones porqué a veces una canción por sí sola te emociona y otras, no, y las imágenes a veces ayudan a que empatices más con lo qué está diciendo. Depende de cada canción y cada videoclip, es un mundo cada uno.

De los videoclips que has hecho tu, el que más te gusta es Universos Infinitos, pero de los que no has realizado tu, ¿Con cuál te quedas?

Me quedaría con muchos, pero hay uno que siempre que digo pero es que me gusta mucho. Es el de ‘Bitter Sweet Symphony ‘de The Verbe, que es muy sencillo pero me gusta mucho, lo qué transmite él solo caminando y con la actitud que tiene, creo que encaja muy bien con la canción.

Es súper sencillo y cuando lo vi me quedé fascinada, quiero decir, que siempre me ha gustado mucho.

Has rodado con Love of Lesbian, The New Raemon, Anna Roig i l’Ombre de ton

Chien, Sidonie, pero…¿Con quién te gustaría hacer un videoclip?

No lo sé… me gusta mucho Columpio Asesino, y de hecho me dijeron de hacer el videoclip de ‘Toro’, pero no pude porqué estaba rodando no sé qué y no pude… Y la verdad es que hay muchas canciones suyas que me encantan y las encuentro sobretodo como muy de banda sonora.

Por ejemplo, hay una que se llama MDMA que la he utilizado para hacer la bobina, que es solo instrumental y me encanta y bueno, es que sugiere muchas imágenes.

Y luego internacional, Jarvis Cooker, que ya es como una cosa que me gustaría mucho (risas), pero a parte! Katy Perry, me encanta! (risas) Participaste en el We can Be Heroes Just for One Night como dj. ¿Qué tal fue?

Muy bien, la verdad es que me lo pasé muy bien , fue muy divertido. Sí que noté que tenía que aprender, y de hecho para el próximo día intentaré mejorar (risas) intentaré mezclar un poco más . Pero bueno, de momento la primera fiesta estuvo muy bien, además fue muy bonito porqué se reunieron todos mis amigos allí y fue como una fiesta súper entrañable. ¿Y cuáles fueron los hits que sonaron?

Uy, ahora no me acuerdo. Sí, ‘Herores’, evidentemente (risas), ‘Do You Rememeber the First Time’ de Pulp, siempre empiezo las sesiones con esta. Katy Perry, Rihanna, fue una sesión muy ecléctica, The Vaccines también, Joy Division, The Smiths, Blur, bueno, hice desde los 80/90 hasta la actualidad más petarda(risas).

En Mindies nos encanta ir de conciertos y festivales. ¿Es algo que a ti te guste?

Uf, a mi cada vez me cuesta más. El festival para mi perfecto era el Faraday y se acaba este año..(risas) porque la entrada era para mil personas, era muy tranquilo, y a mi por ejemplo en el Primavera Sound, que normalmente el cartel me gusta, hay demasiada gente y me agobio, me pasa normalmente, que por ejemplo no puedo ir a las Ramblas o mercadillos. Así que el Primavera Sound últimamente no lo aguanto bien porqué ahora tienes que ir allí, luego allá y está todo como a 10 km y no llego a tiempo, veo el concierto a medias con guiris hablándome a la oreja y no me lo paso bien. Prefiero conciertos pequeños que grandes festivales. Aunque hace unos dos años fui al S.O.S Murcia, y me gustó mucho porque a pesar de ser bastante macrofestival no había tanta gente y era más tranquilo, me sentí más cómoda. ¿Cuál es el mejor concierto al que has ido?

Hay unos cuantos…Uno de David Bowie que lo fui a ver cuando tenía ocho años y que recuerdo como algo genial porque era muy muy espectacular. Bajaba como una araña enorme al escenario y él salía de dentro en una especie de trapecio. No sé, lo recuerdo todo como si fuera una peli de ciencia ficción y fue muy chuli. Después…

El de Blur en el Doctor Music Festival, que fue brutal y el de Arcade Fire en un festival en Francia (Déferlantes) donde se puso a llover. Este lo recuerdo como uno de los más apoteósicos de mi vida. ¿Qué concierto tienes pendiente?

Me encantaría volver a ver a David Bowie, a ver si hay la posibilidad. Igual vuelve.

Para terminar ¿Qué tres grupos nos recomiendas?

Los que más me gustan últimamente son Beach House, después The Vaccines, estoy muy enganchada y…déjame pensar… y Pulp! (risas).

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Dorian en Valladolid

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El pasado viernes 19 de abril, Dorian llegaban a Valladolid dispuestos a presentar su nuevo trabajo La Velocidad del Vacío en una sala My Way que presentaba una buena entrada. En primera fila, como no, los jóvenes incondicionales de la banda, que por estas tierras son muy numerosos. Y es que seguramente si por algo se caracterizan las letras de Dorian es por su carácter generacional, repletas de historias malditas y viajes de huida.

En estos dos últimos años, la banda de ha trabajado duro ya que a la interminable

gira de presentación de su anterior trabajo La ciudad Subterránea, le sucedieron otros muchos conciertos que los llevaron a lugares como Toronto o festivales como el DCode. Sin a apenas descanso, Dorian se fueron a grabar a México, consiguiendo un disco lleno de aire fresco. Las letras de estas nuevas canciones se acercan más hacia el amor, sintiendo una gran influencia del pop sudamericano. ‘Soda Stero’ es claro ejemplo de esto que comentamos. En el concierto, Marc nos introdujo el tema, ensalzando la figura de la banda argentina, comentándonos la influencia en la historia de la música que tuvieron y tienen.

En esta nueva gira, los chicos de Dorian nos presentan un repertorio variado, combinando m uchas de sus nuevas canciones a la par que viejos hits. Abriendo con esa poderosa intro que lleva por título ‘Los Placeres Efímeros’, Dorian rápidamente atacan con dos temas de su nuevo repertorio como son ‘Ningún Mar’ y ‘Tristeza’.

En ellas podemos observar el giro que han dado Dorian hace sonido más rockeros, dejando de un lado el pop electrónico de sus anteriores trabajos. Seguramente esa sea la principal novedad de los barceloneses, reforzada por su puesta en escena

sala tan pequeña como la My Way. Marc y Belly saben muy bien como conseguir que el público se divierta, dirigiéndose en todo momento a ellos. Al igual que otros artistas que pisan por Valladolid, Dorian también hicieron mención a las dificultades que pone el ayuntamiento a la hora de celebrarse eventos culturales y mostraron su disconformidad con un grito bien claro: “la música no se puede parar”.

que incluye al argentino Lisandro a la guitarra. De este modo Dorian consiguen un sonido ideal para los nuevos temas y un enfoque diferente a su repertorio clásico.

gusta cumplir con su público reservándose ‘Los Amigos que Perdí’ como tema final del repertorio. Seguramente esta canción sea el puente más claro entre sus dos últimos trabajos ya que guarda todos los elementos clásicos de su música. Incluso prometiéndonos el final con ese tema, los barceloneses se atrevieron con una adaptación de ‘Simulacro de Emergencia’ que confesaron no haberla tocado desde hace un tiempo. Así llegó el fin de una noche en la que Dorian mostraron su profesionalidad y nos demostraron que aplicar aquello de renovarse o morir siempre resulta acertado.

El concierto transcurre con momentos más reposados en temas como ‘El Temblor’ o ‘Las Palabras’, que demuestran el buen hacer de la banda sobre los escenarios. A pesar de ello, el público en seguida se viene arriba en canciones como ‘A cualquier otra parte’, una de las más En esta nueva gira, los chicos de Dorian celebradas de la noche. La cercanía del grupo con el público también es evidente más en una

Entre grandes temas como ‘La Tormenta de Arena’ o ‘Veleros’ la noche llegaba a su fin. Sin embargo, a Dorian siempre les

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Wonderful, Glorious, así sonaron The Eels El pasado sábado 27 tuve una cita en el antiguo teatro Arteria Paral·lel de Barcelona para ver, tres años después de su última visita, a The Eels. A las 8 en punto, cerveza en mano y sentada en un palco a primera fila desde donde podría haber saltado al escenario, esperaba impacientemente.

No salieron los Eels sino su telonera, ni más ni menos que Nicole Atkins, cantautora de folk-rock americana, esta vez en solitario y sin su banda Atkins & The Black Sea. La verdad es que no había tenido el placer de escuchar antes algo de su trabajo, pero sólo me bastó una canción para comprobar lo imponente y penetrante que llega a ser su voz. Con nada más que esto y su guitarra y de pie encima de una alfombrilla azul de baño, llenó todo el teatro.

A pesar de quedarme sin palabras con su vozarrón, las pocas canciones que tocó se me hicieron algo largas y parecidas, quizás debido a la impaciencia que tenía para que llegara el show de Mr. “E. Y por fin llegó. Un poco tarde y sin nada de presentaciones entraban los cinco miembros de la banda directos al grano. Creo que no fui la única asistente que comentó el atuendo de la banda, chándal azul con rayas blancas, sí sí del estilo Adidas de mercadillo, gafas de sol y pelos alocados. Todo un cuadro. Empezaron animando el cotarro con el tema ‘Prizefighter‘ de por allá el 2009, seguido de uno de los nuevos, ‘Kinda Fuzzy‘. Esperaba pues que no solo fuera un concierto de presentación de su último y décimo álbum Wonderful, Glorious, sacado hace

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pocos meses sino toda una muestra del repertorio y la trayectoria de la banda desde sus inicios por allá 1995. Y así fue. A sus viejos temas ‘That look you give that guy‘, ‘Fresh Feeling’, ‘Sound of fear’, ‘Fresh Blood’ y hasta la canción 21 que nos ofreció juntando acertadamente ‘My Beloved Monster’ y ‘Mr. E’s Beautiful Blues’, se le unieron unos cuantos temas del nuevo álbum. Estos fueron ‘Peach Blossom’, ‘New Alphabet’, ‘Open my Present’, ‘On the Ropes’, ‘Turnaround’ y finalmente ‘Wonderful, Glorious‘, ¡no nos podíamos quejar!

Para terminar de redondear el concierto, su líder Mark Oliver Everett, vaya el señor “E” y el resto de la banda, optaron por añadir un poco de humor al show no sólo llevando el atípico atuendo. La presentaciones de los miembros de la banda se fueron sucediendo entre canciones a modo de Give me a hug! (¡Dame un abrazo!) les pedía “E”. Así como la especia de boda que celebró con uno de sus guitarras, Jeff Lyster (The Chet) para renovar los votos de los diez años que llevaban tocando juntos, muy emotivo (y gracioso) todo.

La verdad es que The Eels sonaron de maravilla, estuvieron tiernos y eléctricos cuando hacía falta, llenado el teatro y provocando la euforia colectiva. El toque de humor durante todo el concierto me pareció acertado, sin caer en la vulgaridad ni en el frikismo y sin desmejorar su música.

Algunos han atribuido el uso de este recurso humorístico junto al “disfraz” chandalero a la necesidad de su cantante de

esconderse del mundo y las fatalidades, como una especie de vía de escape de todo lo malo ocurrido en su vida. A pesar de que “E” haya sufrido dolorosas y abundantes pérdidas familiares en pocos años, no me parece que el humor y el juego con la excentricidad en sus conciertos y su vida sean un disfraz ni que debamos entrar en especulaciones psicológicas después de ver su concierto. Simplemente “E” se lo pasa genial, disfruta tocando sus temas peculiares y de géneros varios, haciéndolos así más personales aún, y lo más importante consigue hacer disfrutar a su público y que nos quedemos con ganas de ver su directo otra vez.

Me pareció graciosa su forma de terminar el concierto aunque arriesgada. Una vez terminaron con el tercer bis pedido por el público y nos encontrábamos ya con un pie en la calle, oímos su música otra vez. ¿Un cd de fondo para despedir a los asistentes? Los Eels habían vuelto al escenario con las luces abiertas y a medio desmontar. Nos faltó tiempo para volver corriendo en modo avalancha y disfrutar de un último tema con las chaquetas puestas.

Genial y atrevido, suerte tuvieron de que gustó su concierto y los fans volvimos, buena forma de comprobar si lo has hecho bien! Con un último tema inesperado me marchaba a casa satisfecha y con ganas de contarle a todo el mundo el eléctrico y divertido show de The Eels y preguntando ese ¿cuándo crees que volverán? Tres años llevaban sin visitar Barcelona, ¿podré esperar otros tres más?.

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I am Dive

en Valladolid

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que disponen. Los acordes de la guitarra acústica de Esteban se entrelazaban con los sintetizadores que salían de los Macs creando el sonido más orgánico posible.

Caso parecido al del tema ‘The Cliff’ donde el sonido de un xilófono serpenteaba entre los sintetizadores. I am Dive nos demostraron que saben manejar ambientes diferentes como nos hicieron ver con ‘This Is Where The Rising Sun Dies’ donde el sonido de las bases aparece y desaparece entre la reconfortante voz de Esteban. Como tema con tendencía opuesta, ‘The Ghost In The Funeral Spark’, sumergía al público de la acogedora sala en una especie de dulce letargo, similar a cuando te despiertas y ver por sorpresa amanecer. Los sevillanos controlan muy bien el tempo del directo y dejando caer ‘Mount Eerv’, una de las canciones con ritmo más folk, hacia la mitad del concierto, atrapando a todos los asistentes en una especie de túnel gracias a esos sonidos de la percusión que se aproximan a pisadas secas sobre un hielo que cruje. Entre paisajes que suscitan las más diversas sensaciones y emociones en el público, I am Dive se despidieron con Summer Camp donde José le puso toda la entrega posible a la modulación de los pedales.

Unos pocos amantes de la música nos reunimos en la Sala Experimental del teatro Zorilla de Valladolid, dispuestos a dejarnos llevar por la calidez de las melodías de I am Dive. No nos resultó difícil meternos en situación, pero por si acaso, estaba Ángel Román (miembro de Corzo y My Friendly Ghost entre otros) para ejercer como el anitrión perfecto. De este modo, acompañado únicamente de su guitarra, Ángel desempolvó viejos clásicos con dedicatoria a los miembros de su familia allí presentes, a la par que nos mostró algún que otro tema nuevo de Corzo. También se atrevió con una versión de Atahualpa Yupanqui y nos interpretó temas como ‘Ladrones’ o ‘Annie’ que dejan constancia de la elegancia de las composiciones de su megabanda Corzo.

Después del buen sabor de boca que nos dejó Ángel Román, llegaban los sevillanos I am Dive dispuestos a transportarnos a ese mundo tan fascinante que recrean sus melodías. Esteban Ruiz y José A. Pérez estaban acompañados únicamente por sus Macs, sus guitarras, un par de teclados y su talento. Rápidamente abrieron con un tema nuevo que habían presentado en su exitosa gira por EE.UU. Diversas capas sonoras nos adentraban en atmósferas un tanto tormentosas. Sin embargo, pronto llegaría la calma y I am Dive nos mostrarían su lado más dream pop. De este modo atacaron canciones como la melancólica ‘The Years Rise Like The Dead’ donde per-fectamente nos imaginamos una escena

invernal donde la nieve se funde con las aguas de un estanque. Y es que precisamente una de las virtudes de I am Dive sea la de fundir y combinar a la perfección todos los sonidos y elementos de los

Fuente:: I am dive

A pesar del escaso número de asistentes, la noche no defraudó y I am Dive ofrecieron el tipo de concierto que el público esperaba. Propuestas tan personales como las de Movimiento Subterráneo sientan muy bien al forzosamente reducido ambiente cultural de la ciudad. Al salir a la calle, la noche estaba lluviosa y fría, sin embargo I am Dive nos habían transportado minutos antes a algún paraje de alguno de sus temas donde la humedad y la escasa temperatura también estaban presentes.

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Atoms For Peace http://www.lastfm.es/, EXIT festival.

El miércoles 17 de abril teníamos cita

con Thom Yorke y Nigel Godrich en la sala Razzmatazz de Barcelona. Abrían puertas a las 21h, así que pensamos que ir a las 19:30h sería suficiente para hacer cola pero tampoco demasiada. Al llegar allí nos sorprendió mucho ver que sólo había unas diez personas delante de nosotros, puesto que yo creía que los superfans de Yorke llevarían horas sentados al Sol para verle.

Mejor para nosotros.

Yorke no tardó mucho en salir de detrás de la mesa para acercarse a ambos lados del escenario a saludar a esos fans que enloquecían cada vez que el cantante de Radiohead se acercaba a ellos. En los primeros conciertos de Atoms for Peace Yorke apenas salía de detrás de la mesa de mezclas, pero en este concierto ya pudimos ver que él no sabe estarse quieto, y salió sempre que pudo a bailar y cantar ante todos.

Pudimos escuchar ocho temas de AMOK, entre ellos ‘Before Your Very Eyes’, ‘Dropped’, ‘Amok’ y ‘Default’, pero también sonaron algunos de los temas del disco en solitario de Thom, The Eraser: ‘Black Swan’, ‘The Eraser’, ‘Skip Divide’, ‘Atoms for Peace’ y ‘Harrowdown Hill’. Musicalmente poco puedo decir, sonaron bien, ¿pero cómo iban a sonar sino? Todo estaba hecho a base de mezclas y ordenadores, a excepción de aquellas dos o tres veces que Yorke cogió la guitarra, como por ejemplo en ‘Before your very Eyes’. En cuanto a puesta en el escenario cabe destacar las imágenes de fondo que acompañaban a la música, unas videoproyecciones hechas por Tarik Barri que encajaban a la perfección con todo aquello que iba sonando. No era nada novedoso, pero estaba hecho a medida para la música de Atoms for Peace.

Los baileoteos espasmódicos de Yorke tenían algo, no sabría como describirlo, pero había algo dentro de mí que me invitaba a bailar como él, tenía una energía contagiosa que hacía que te lo pasaras bien, que disfrutaras viendo como disfrutaba. En definitiva, te encontrabas ante un concierto donde dos personas acompañadas de imágenes, disfrutaban pinchando su música, y como si en una reunión de amigos estuvieras, te lo acababas pasando genial.

Primero dudé…Pensé: Uf…dos horas viendo a dos tocando detrás de una mesa puede ser un palo… Pero estaba equivocada señores, disfruté a pesar de que el concierto en sí, no tenía demasiado.

A las 21h abrieron puntuales, y al entrar y ver las enormes vallas de primera fila que separaban al público del escenario, decidimos subirnos al lateral derecho para verlo todo mejor. La sala se iba llenando sin prisa pero sin pausa mientras un Baldo pinchaba ya en el escenario. Con la sala ya llena, entró el segundo de los djs, Nathan Fake.

Finalmente hacia las 23h la sala enmudeció para dejar que los protagonistas de la noche entrarán en la sala. Yorke y Godrich se posicionaron detrás de la mesa y empezaron con ‘Ingenue’. Mientras empezaba la canción, ya podías ver cómo seguiría el concierto: dos amigos en el escenario han venido a pasárselo bien. Estuvieron hablando entre ellos, bromeando e incluso equivocándose. Casi no podías ver que en ese escenario se encontraba el vocalista de una de las mejores bandas del mundo, si no a alguien que quería disfrutar bailar y tocar música sin presión alguna.

El concierto acabó, y un par de minutos después de que los asistentes estuviésemos aplaudiendo y silbando, volvieron a entrar Godrich y Yorke. En este “bis” no escuchamos ninguno de sus temas, si no que estuvieron pinchando canciones como si fueran los djs de alguna sesión, fue algo muy raro. Era ya muy tarde, y al día siguiente trabajábamos así que desgraciadamente no pudimos ver como acabó todo, pero tampoco nos hizo falta, el buen sabor de boca se vino a casa con nosotros.

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El Gran Gatsby

y su interesante banda sonora Como muchos sabréis en mayo se estrena la película El gran Gatsby, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tobey McGuire y Carey Mulligan y dirigida por Baz Luhrman. La película se trata de una adapatación del libro con mismo nombre de F. Scott Fitzerald publicado en 1925, ambientado en los años 20 de Nueva York. No es la primera adaptación del libro, y en 1974 Jakc Clayton dirigió la que se considera la versión definitiva, protagonizada por Robert Redford y Mia farrow.

Lo que nos llama poderosamente la atención es el soundtrack de la versión de 2013. Nombres como Lana del Rey, Florence and The Machine, The XX, Jack White…y otros como Jay-Z o will.i.am….menuda mezcla! A continuación os dejamos con el soundtrack al completo y un par de interesantes canciones.

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1. Jay-Z “100$ Bill” 2. Beyoncé and André 3000 “Back to Black” 3. will.i.am “Bang Bang” 4. Fergie, Q-Tip, and GoonRock “A Little Party Never Killed Nobody (All We Got)” 5. Lana Del Rey “Young and Beautiful” 6. Bryan Ferry with The Bryan Ferry Orchestra “Love Is The Drug” 7. Florence and the Machine “Over The Love” 8. Coco O. of Quadron “Where The Wind Blows” 9. Emeli Sandé and The Bryan Ferry Orchestra “Crazy in Love” 10. The xx “Together” 11. Gotye “Hearts a Mess” 12. Jack White “Love is Blindness” 13. Nero “Into the Past”

Mindies Cinema Kingsley, que para mi gusto hace un papel excepcional, el resto de personajes no destacan, salvo quizás Sacha Baron Cohen, que destaca prácticamente en todo lo que hace, por su carácter o por los personajes que encarna. La estética, como he mencionado antes, es un extraño pastiche entre película de animación y actores reales que hace que tus retinas salten de alegría. De hecho, de los 11 Oscar a los que estuvo nominada, se alzó con Fotografía, Dirección Artística y Efectos Visuales (a parte de Edición de Sonido y Sonido) por lo que estamos hablando de algo que no defraudará. Por su parte el sonido, y especialmente la Banda Sonora, son envolventes y acogedores.

RESUMEN Poco más puedo decir de esta película, salvo que es una gran película. Scorsese (ganador del globo de Oro por este film) coge varios elementos buenos (como la fotografía, los efectos sonoros o la interpretación de Ben Kingsley) los mezcla con otros no experimentados( como el tema del 3D, lo que hace darle a la película escenas rápidas y de grandes movimientos, pensadas exclusivamente para lucir este sistema), lo une a una historia excepcional (y que al parecer es una adaptación bastante fiel del libro La Invención de Hugo Cabret, de Brian Selznick) y da como resultado una película excepcional, que dispone al espectador a soñar despierto y, lo que es más importante, a aprender historia del cine y a amarlo más de lo que lo amaba cuando empezó a ver la película. Como Méliès, Scorsese es un director que sabe cautivar al público y que hace películas de temática muy diversa y consigue que salgan no solo bien, sino que dejan huella en el espectador que sale con la sensación de haber visto un gran espectáculo que no será facilmente olvidado. Ya solo queda aprender más de Méliès, rescatarlo una vez más del olvido, y disfrutar con este regalo que hace Scorsese a la historia del cine.

LA HISTORIA DE HUGO CABRET Corría el año 1931 y la estación de Montparnasse explota en vida todas las mañanas mientras las gentes vienen y van de un lado a otro, ajenas a lo que les rodea. Sin embargo, no todo el mundo anda por los suelos de la estación, ya que hay un niño de 12 años, el joven Hugo Cabret, que vive entre las paredes de la estación y se dedica a mantener el gran reloj arreglado y en hora. Sin embargo, esto no es muy común, ya que en una de sus salidas, mientras huye del guardia de seguridad, su cuaderno cae y es recogido por un juguetero de la estación. Ese cuaderno es muy preciado para él, pues guarda secretos por descifrar, y no quiere perderlo tan facilmente, así que va a pedirle al juguetero, al que roba juguetes de vez en cuando, que se lo devuelva. El se niega, y Hugo lo sigue a su casa, donde descubre que tiene una hija de su misma edad..

UN CUENTO DE HOY EN DÍA “Érase una vez, hace mucho mucho tiempo, en el año 1931…”. Así podría empezar esta fábula moderna, ya que La Invención de Hugo es una película que rebosa magia por todas partes, queriendo volver en parte al cine de Méliès, a engatusar al espectador y mantenerlo en vilo con una historia poderosa y atractiva, con personajes interesantes y una estética que recuerda mucho al cine de animación, pero con actores reales. En cuanto al reparto, cuenta con Ben Kingsley en el papel del juguetero, Jude Law como el padre de Hugo, Chloe Grace Moretz (la niña de Kick-Ass) como Isabelle y Sacha Baron Cohen como el guarida de la estación. El personaje de Hugo es interpretado por Asa Butterfield, Bruno en El Niño del Pijama de Rayas y al que veremos pronto encarnando a Ender Wiggins en la adaptación del libro de ciencia-ficción El Juego de Ender. Salvo Ben

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PROMETHEUS TO ALIEN PARTE 2: FIN DE LA SAGA Y PRECUELA

ALIEN: RESURRECIÓN

PROMETHEUS

n el año 2012 Ridley Scott decidió volver al universo Alien y 200 años después de la muerte de la teniente Ripley junto E nos presentó una precuela a la que denominó Prometheus. Los con el Alien Reina que tenía de regalito en su barriga, unos oficiales científicos terrestres, usando muestras congeladas de la teniente, consiguen clonarla y traerla de vuelta a la vida. Pero Ripley no es como antes. Sus sentidos se han agudizado, su fuerza es superior, su sangre es un poco ácida y puede sentir a los Alien… y es que no ha vuelto sola, porque mientras clonaban a Ripley, también clonaron a una reina Alien con el objetivo de usarla como arma biológica. Mientras, un grupo de mercenarios atraca en la susodicha nave llevando una carga muy especial.

Pero algo ocurre en la nave e inicia el protocolo de emergencia: volver a la tierra…cargadita de Aliens.

Alien: Resurrección es una película traicionada por su nombre.

Me explico. Como director tenemos a Jean-Pierre Jeunet, director también de Amelie o de Delicatessen, que hace unos planos un poco extraños de vez en cuando, pero que en general tiene un buen acabado. Como guionista, tenemos a Joss Whedon, creador de Buffy Cazavampiros, Firefly o Los Vengadores, que goza de detractores y admiradores por igual gracias a sus historias bizarras de ciencia ficción y fantasía, pero que es uno de los genios frikazos del cine actual. Y en el elenco, a parte de Sigourney Weaver, tenemos a Winona Ryder o Dominique Pinon, un actor francés que a mi personalmente me encanta. Esta película cuenta con una banda sonora a la altura y con unos efectos especiales muy interesantes para la época y, sin embargo, es la peor de la saga. ¿Cómo es esto posible? Por su nombre, por ser Alien, ya que al estar obligatoriamente incluida dentro de la mitología creada por Ridley Scott, se consigue un producto innecesario y a todas luces inferior a todo lo anterior. Deberían haber modificado cosas y hacer una película de ciencia ficción independiente y, muy posiblemente, habría sido un clásico pero, sin embargo, se ha quedado en una producción poco menos que apestada entre los fans, sin ser mala película por si misma.

La edición en Blu Ray ofrece lo mismo que ofrecían las anteriores. Con respecto a la edición alternativa, decir que NO es la versión del director, ya que el propio Jeunet habla al principio de la película y dice que simplemente tenían material rodado y querían publicarlo, entre el cual se encuentra un final alternativo que cambia radicalmente el significado del final original. Calidad video/audio y menus igual de molones.

fans empezaron a hacer especulaciones sobre lo que podría ocurrir en esta precuela. Se habló de orígenes de los Xenomorfos, de la procedencia de la nave de la primera película, de la explicación de quienes son los Ingenieros…. incluso de si de verdad los Aliens y los Predators guardarían relación. Scott desmintió todo esto diciendo que esperaramos una película englobada en el universo Alien, pero sin tener nada que ver… y cumplió con su amenaza.

La película empieza en un planeta sin vida animal, cuando un extraterrestre humanoide, presumiblemente un Ingeniero, espera a que vengan sus amigos. Entonces se toma un zumito de algo y se descompone. La imagen muestra como cae al agua y se descompone su ADN para recomponerse y así formar una nueva cadena de ADN que, en teoría, da la vida a ese planeta (es basura creacionista, si, que se le va a hacer). No se sabe si este planeta es la Tierra.

En 2089 dos científicos, Elizabeth Shaw y Charlie Holloway descubren unos mapas estelares que se repiten en todo el mundo antiguo y creen haber encontrado la constelación que señalan todos ellos, así que la fundación Weyland les financia el viajecito a esa zona para explorar lo que ellos creen que es el origen de la vida en la tierra, el planeta natal de los creadores. Cuando llegan allí descubren un planeta inhóspito de atmósfera irrespirable con unas ruinas que guardan más de lo que aparentan en un principio.

La película no tiene ni pies ni cabeza. El precepto original es pobre, y la excusa para ir al planeta es un sinsentido. ¿Cómo saben exactamente a donde tienen que ir solo por unas pinturas que señalan una constelación? Además la película deja muchísimas más preguntas que respuestas, amén de algunas incongrüencias con respecto a la mitología Alien vista hasta ahora, relacionadas casi todas con el origen del Alien visto en la primera película. El desenlace es bastante abrupto, y además te deja con un sentimiento de ¿pero qué me estás contando? bastante curioso. ¿Se puede salvar algo de todo esto? Pues si. Dos cosas. La primera los efectos especiales, que son espectaculares como poco. Y la segunda las actuaciones, en especial Michael Fassbender en el papel de David.

La película no es tan mala como puede parecer por mis palabras.

Se deja ver y es buena película de acción/ciencia ficción (¿podría existir un nuevo género llamado ciencia-fiacción? jejeje), pero no ofrece respuesta alguna ni explicación al universo Alien, y te deja con ganas de más, de mucho más, con ganas de respuestas y de una conclusión, después de saber que llega el final solo por la duración de la película, ya que no tiene un desenlace real.

La edición en Blu Ray es mejor que la película. Cargada de extras, entre ellos entrevistas, documentales y escenas eliminadas. La calidad es mejor que la de las anteriores, ya que no ha tenido que ser remasterizada de cintas más antiguas, por lo que la imagen y sonido son geniales, dignos de ver en grandes pantallas y disfrutar. Destacar que el logo del menú ya no pone Weyland-Yutani, sino solo Weyland Corp.

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