Revista mindies n8

EDITORIAL Como cierto austriaco de apellido inpronunciable dijo una vez: “He vuelto”. Así es, la revista de Mindies está de vuelta, tras unos meses desaparecida. Así, volvemos a plasmar nuestros contenidos mes a mes en formato ‘magazine’, para que nuestros lectores puedan disfrutar con el blog de una manera diferente.

Este mes hemos tenido el placer de hablar con The Handsome Family - Un grupo que es mucho más que “La canción de True Detective”. También revelamos que Weezer sorprendentemente no estaban muertos, estaban de parranda.

Pero si por algo se caracteriza la filosofía Mindie, es por intentar descubrir a nuevos talentos. Quizá no tan conocidos por el gran público, os presentamos a The Limbos y a Menhai.

Así pues, os dejamos con el número 8 de nuestra revista. ¡Esperemos que la disfrutéis!

PORTADA DEL MES

DIRECCIÓN Y COORDINACIÓN: MICHEL COMIN ESCUDE JOSEP DURAN SEVILLA ELISABETH GALLEGO RIGOL MAQUETACIÓN Y DISEÑO: CRISTINA ROLDÁN GALÁN ÁLVARO DÍAZ CRIADO ELISABETH GALLEGO RIGOL RESPONSABLE DE EDICIÓN ÁLVARO DÍAZ CRIADO Y CRISTINA ROLDÁN GALÁN TEXTOS: ALBERTO ANDRÉS CALVO ÁLVARO DÍAZ CRIADO ELISABETH GALLEGO RIGOL ENRIQUE BARROSO CANTO JOSEP DURAN SEVILLA JULIA HIDALGO BERNABÉ MICHEL COMIN ESCUDE NOÉ RODRÍGUEZ RIVAS FOTOGRAFÍA NOÉ RODRÍGUEZ RIVAS JUAN G. ANDRES

Mindies

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DISCOS

NEW MUSIC · CONOCIENDO A Everything will be alright in the end...........................Pág.6 When, de Tomorrow Tulips...........................................................Pág.7

Conociendo a The Limboos...........................................................Pág.14 Conociendo a Menhai.......................................................................Pág.15

CONCIERTOS · ESPECIAL CHVRCHES............................................................................Pág.14 Wild Beasts.............................................................................................Pág. 15 Swans................................................................................................Pág.16-17

Kutxa Kultur Festival.................................................................Pág.18-23

ENTREVISTAS Ben Solee......................................................................................Pág. 24-29 The Handsome Family.............................................................Pág.30-33 Bastien Bo......................................................................................Pág.34-35

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REVIEWS

DISCOS

Analizamos ‘Everything Will Be Alright In The End’ Weezer murieron en 1996. Lo que pasó entre ese año y el 2013 fue algo terrible, un giro de guión macabro. De ser uno de los mejores grupos de los noventa —quien no crea que su debut y Pinkerton son dos de los mejores discos de dicha década puede dejar de leer esto, replantearse su vida y escucharlos de nuevo—, Weezer no tardaron en convertirse en una parodia consciente de sí mismos, una broma kitsch. Aunque sus dos primeros álbumes post-Pinkerton no fueron del todo malos, lo que vino después fue una auténtica pesadilla.

Es tan duro como que resulta difícil hacer un buen disco escogiendo las mejores canciones de sus últimos cuatro álbumes.

Y a hora, 2014. Con contrato discográfico nuevo, Weezer anunciaron disco, productor estrella (Ric Ocasek, encargado de su debut) y dijeron que este LP iba a ser una mezcla entre el Blue Album (1994, Geffen) y Pinkerton. Apuntando bajo, vamos. No hubo nadie que se lo tomase en serio o, como mínimo, sin escepticismo: qué vamos a decir si lo más digno que habían sacado en diez años era un disco con Hurley de Lost en la portada. Más allá de eso, la principal defensa que los fans de Weezer hacían de sus últimos trabajos era el manido “no son tan malos como se piensa”. No hablamos de un bajada importante de nivel como la han podido sufrir Oasis o The Strokes, sino de algo aún más catastrófico, nivel Pixies.

Como era de esperar, Everything Will Be Alright in The End no se parece en prácticamente nada a los dos primeros discos de Weezer. Lo que no nos imaginábamos es que es lo mejor que han hecho desde Pinkerton y su tercer mejor disco con bastante diferencia. No vais a encontrar la inocencia nerd del debut ni la angustia veinteañera de Pinkerton, sino una ópera rock sobre la propia carrera del grupo en la que Cuomo pide perdón por sus últimos LPs. Ante esto, tenemos ante nosotros un amplio abanico de posibilidades: a) Rivers Cuomo ha salido de un terrible bache —o coma profundo— artístico y se ha propuesto volver a tardar más de veinte minutos en escribir un disco completo. b) Weezer llevan diecisiete años siendo deliberadamente horribles para darnos en la boca con este álbum (mi preferida y la que más cuadra con el historial del grupo). c) Este disco ha sido una excepción y no tardarán en volver a colaborar con Lil’ Wayne.

Puede que los más devotos del grupo californiano identifiquen este Everything Will Be Alright con el fallido Songs From The Black Hole, disco grabado entre el debut y Pinkerton que nunca vio la luz oficialmente. Aunque el sentimiento de ambos LPs es sensiblemente distinto y no pueden ser comparados musicalmente, tienen en su coherencia temática un punto en común.

El principio no es brillante, pero sí sólido. Como buen tema power pop que es, ‘Ain’t Got Nobody’ supera su indulgencia y se acaba haciendo un hueco en tu cabeza a base de repetir el estribillo una y otra vez, que viene a ser como atravesar la puerta de golpe en vez de abrirla por el picaporte, pero en esto consiste el pop de guitarras. Por otro lado, ‘Back To The Shack’es indudablemente la peor canción del disco, y el hecho de que fuese el primer single refuerza la hipótesis b).

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La letra hace explícita la intención de Cuomo de volver a tomarse esto en serio y hacer un disco bueno, pero es acompañada por el rock genérico de manual del que él mismo se avergüenza y todo acaba pareciendo una parodia de Weird Al Yankovic. Teniendo ya el disco completo, cada vez parece más claro que elegir ‘Back To The Shack’ como primer adelanto fue un increíble movimiento de despiste de Weezer para bajar las expectativas que pudiesen existir.

Como si fuesen conscientes de que ya les hemos perdonado con las primeras cinco pistas, el resto de EWBAITE trata temas distintos con aún más brillantez que en el inicio. Cuomo se mete en la piel del patriota Paul Revere en ‘The British Are Coming’, su mejor canción en tiempo. Tan melódica como un corte del Blue Album y con la ventaja de la aparición de la guitarra acústica en las estrofas para apreciar mejor los inteligentes cambios de acordes, esta sexta pista debería ser el gran single del disco. Pronto encontramos ‘Go Away’, un buen dueto con Bethany Cosentino de Best Coast que podría haber dado más de sí de haber escogido a una compañera de aventuras con el poderío vocal que le falta a la cantante californiana.

Mientras ‘Cleopatra’, segundo adelanto, supone una ligera sorpresa con su compás de 5/4, el verdadero momento álgido llega con las últimas cuatro pistas, siendo las tres finales parte de una trilogía. Capturando una dureza similar a la de Pinkerton —siempre que esquivemos el gran bache generacional—, ‘Foolish Father’ enciende la mecha final con una letra cruel sobre una hija y su padre: Think of how destroyed he feels / Walking to his grave plot / Knowing that the one he loves / Hates him with all of her heart. Los dos últimos minutos y medio de la canción discurren entre un épico solo de guitarra, otro estribillo más y un coro de niños cantando el título del disco en lo que es uno de los momentos musicales más espectaculares del año. Es más, el buen momento se extiende hasta la última nota del LP, ya que la llamada Futurescope Trilogy —que consta de dos piezas instrumentales y la tremenda ‘Anonymous’ incrustada entre ellas— supone un inesperado y grandioso epílogo en el que Cuomo y Brian Bell se retan con sus guitarras.

Cuando las expectativas no podían estar más bajas, Weezer han resucitado y salido del lodo en el que estaban cubiertos hasta las cejas desde hace década y media. Sin ser perfecto, Everything Will Be Alright In The End es la sorpresa de lo que llevamos de año, un renacimiento tan improbable que hace que parezca aún mejor de lo que puede que realmente sea. Si me diesen a elegir entre un buen disco de Weezer y la paz mundial, me quedaría siempre con el disco. Y más si está a este nivel.

8,2/10

DISCOS

Reseñamos ‘When’, el tercer LP de Tomorrows Tulips Dentro de todo el entramado de sonidos velvetianos siempre ha habido bandas que se han limitado a avanzar continuando con el sonido clásico y otras que han ido más allá. Nuestros protagonistas de Costa Mesa pertenecen al segundo grupo. Tras editar en 2013 Experimental Jelly, su excelente y gustosamente depresivo segundo LP, regresan ahora con When (Burger Records, Ayo Silver!) otra obra en la que se han dado quizás una mayor libertad compositiva, aprovechando la ocasión para facturar un disco donde no sobra ni falta nada. Si en anteriores entregas se habían dejado llevar por la extrema languidez de sus guitarras, en este nuevo trabajo dejan en un segundo plano esta característica para lanzarse directamente a las melodías de domingo depresivo por motivos reales.

Desde a primera escucha del trabajo descubres como se han empleado a fondo para obtener estados de ánimo muy concretos y reflejarlos en los temas. Así descubrimos la inicial ‘Baby’, un tema donde sus guitarras suenan contundentes como nunca, escarbando al máximo en el rock añejo al que nos tienen acostumbrados gente como The White Fence. En poco más de un minuto nos han puesto en los terrenos de los The Clean más asépticos para comenzar una lección magistral de como el exceso de psicodelia no arruine tu vida. Tomorrows Tulips van muy a su aire y así nos lo demuestran con su segundo corte ‘Surplus Store’. Manteniendo riffs de guitarras en prácticamente todo el tema e introduciendo algún que otro coro hacia el final, sacan de la nada otra canción de despertares desconcertantes a las cinco de la tarde en un día gris.

A medida que avanzamos en el trabajo, caemos como en anteriores entregas del grupo en esa sensación de que en los últimos meses han pasado cosas, buenas o malas, que te sumergen en recuerdos profundos. Esto es lo que me ocurre a mí cuando Alex suelta en ‘Lying in the Sun’ esa frase de Why are your eyes smiling? y el tema entra en una gran espiral de guitarras tenues e instrumentos de cuerda. Uno de los momentos más íntimos y disfrutables sin duda del trabajo. Pero no nos vamos a quedar solo con lo pusilánime, sino que también habrá que pelearse algo con lo ocurrido. De este modo se presenta ‘When’, el tema que da título al trabajo y en el que las voces se tornan oscuras y las distorsiones van al grano.

ofunda desilusión que también contenía ‘Flowers in the Wall’, uno de los temas centrales de su anterior trabajo. Tampoco se queda corte ‘Glued to You’, el primer single del trabajo y que incorpora una línea de bajo áspera que se contrapone con esos lamentos transformados en susurros fantasmagóricos.

Acercándonos cada vez más al final, aparece ‘Papers in TV’, un tema que tiene un endiablado ritmo que te lleva de lleno a la música de Ian Curtis y su pandilla. El toque un tanto pérfido que tampoco viene tan mal. De aquí al final deja de escuchar el disco si no quieres llorar y todavía no lo has hecho. El final va a ser uno de los más tristes que puedas escuchar en unos cuantos años.

Buena parte de la culpa la tiene ‘Plan it Peace’, canción donde el grupo está sumergido en la depresión más profunda, con sus voces entrecortadas y guitarras que se van apagando poco a poco.

Aun así, todavía queda la canción reflexiva y con algún fino rayo de esperanza representada en ‘Confetti And Glue’. El tema que supone la perfecta síntesis al trabajo. Una escena en la que nos imaginamos al protagonista caminando con el sol al fondo, entregándose a su destino. El disco se cierra definitivamente con los aires dream pop de ‘Clear’, una canción que aparece como una especie de mantra vital. El despertar en otro lugar mejor.

Tomorrows Tulips han afrontado su tercer disco siendo fieles a lo que mejor se les da hacer. Pasando por un momento de inspiración óptimo, seguramente hayan logrado el disco de sus vidas.

Ese trabajo que nace de las experiencias más intensas, las que

9,2/10

Todo regresa a un aparente remanso de paz con las gotas que caen al principio de ‘Favorite Episode’, un tema prácticamente instrumental donde los nervios se van crispando poco a poco quedándose todo en un calentón. Jugando con esa variedad de texturas que saben sacar tan bien a sus guitarras, aplican una atmósfera casera en ‘Down Tuned Self Pity’, un tema triste donde los haya. Para continuar con la tristeza compartida, nos muestran otra de las grandes canciones del trabajo como ‘I Lay in My Bed’.

Aquí los ánimos ya están muy por los suelos y desde los arpegios iniciales hasta las últimas intenciones del tema nos enseñan la pr-

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Conociendo a The Limboos 15

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DISCOS

Rompiendo esquemas y contagiando positivismo, así es como se presentan The Limboos en su primer LP. Sonando clásicos pero muy actuales, la banda nos enseña perfectamente lo que es eso de revitalizar los clásicos y dotarlos de una mayor amplitud de sonidos. Y es que nada más escuchar las percusiones ciertamente tropicalistas y punteos de guitarras de ‘Big Chef’, el tema inicial del trabajo, a nuestra mente viene la imagen de un garito de una ciudad como Chicago, inundado de algo tan bailable como es el boogie-woogie. Un amplio abanico de combinaciones de elementos que por separado nos podría resultar confuso pero que puesto en los instrumentos de los Limboos nos descubren un particular nuevo mundo. Por ejemplo el tema homónimo del álbum nos sirve para ejemplificar perfectamente esto. R&B desfiante, percusión ligera, algo de Bossa Nova e incluso ritmos rockabilly. Una coctelera explosiva en la que todo está muy bien mezclado.

Si profundizamos en el trabajo, nos encontraremos con canciones tan contagiosas y desgarradoras como ‘What I’m Saying’. Ritmo peleón, voces que se quiebran y ganas de chasquear los dedos en cada estrofa. Algo que en un primer momento podrías considerar como demasiado pegajoso pero que no tardando te das cuenta de que entra de una forma muy ligera.

Eliminando el más mínimo artificio y dejando todo en virtud de unos punteos de unos rasgueos de guitarra de enorme expresividad, ‘Nervous’ aparece como un tema sin contemplaciones pero efectivo. El toque de teclados psicodélicos es la confirmación que el grupo se ha tomado muy en serio el más mínimo detalle en la producción del trabajo.

Saltando hacia el lado más exótico en el sentido más amplio de la palabra, aparece ‘Brownie’, un tema que con las condiciones adecuadas en directo, se puede convertir en un auténtico frenesí de bailes arriesgados y sudor. Algo similar ocurre con ‘Jambalaya Walk’, lo único que en este caso suena todo con un mayor concepto de fusión latina. Comprobando como el grupo abarca todo lo inabarcable, nos vamos a algo de raíz aún más americana como es ‘Call me a Tramp’. Algo así como el revelador blues de la noche plasmado en algo adaptado a nuestros tiempos. Lo dicho, todo un acierto.

Seguramente The Limboos no hayan inventado los componentes de su música por separado, pero han tenido la gran visión de juntar influencias llenas de calidad, manipular sus entresijos tales como ritmos y estructuras para conseguir un resultado apasionante. Muy atentos porque seguro que darán mucho juego.

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Hoy os presentamos el proyecto de Carmen Bartolomé, más conocida como Mehnai, una artista santanderina que factura canciones de corte folk con una agradable capa grisáceo influenciado por músicos tan importantes como Nick Drave. Intimidad a base de una instrumentación reducida y una voz cargada de delicadeza capaz de explorar los registros que le vienen como anillo al dedo a cada tema. Su debut se produjo en 2011 con Grab it While it’s Hot, un disco que desde la primera escucha nos demuestra que no es otra chica más que decide coger su guitarra y ponerse a componer canciones. Aquí las bases son sólidas y los acordes muy bien escogidos.

Al igual que los ya desaparecidos Jane Joyd, Mehnai se acoge a unos sonidos folk que trascienden más allá del propio género, incorporando hábilmente elementos de otros géneros de la música americana. Sin ir más lejos canciones como ‘I need it’, contienen ese aroma blues que convierte al tema en algo inquieto y atractivo. Como muestra de todo lo que abarca la música de Mehnai, nos encontramos con ‘Give me our first time back’ una composición que transmite ese lado de calma aparente de Mazzy Star.

En su segunda referencia publicada este año, Mehnai continúa mostrándonos su evolución. Trust Freebird es un trabajo en el que las ideas han crecido en múltiples direcciones, mostrándonos a una artista aún más cómoda con lo que hace. Grabado en el estudio

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Moon River, Menhai nos ofrece pruebas de como surcar los recovecos amorosos de una forma nada dolorosa.

Desde los primeros acordes de ‘Hope isa ll we have’, observamos una producción más cuidada a base de calidez, mostrando todo el esplendor de la voz de la artista junto con esos teclados que se entremezclan en cada estrofa. Pasando por los peores momentos del romance nos encontramos la poderosa ‘The Day just you were not here’, manteniendo el patrón musical pero dejando rienda suelta al contenido del tema muy bien expresado en la entrega vocal.

Un disco que cada vez se va tornando más absorbente empleando prácticamente los mismos elementos de principio a fin. Una característica que nos comunica que realmente hay algo interesante. Atmósferas sugerentes como los que recrean las cuerdas en ‘If you could stay’, uno de los temas más preciosistas del trabajo.

Un balanceo algo amargo que nos prepara para ‘This is all a problem of self esteem’, la canción más destructiva del trabajo y que más aires desérticos adopta. El final llega con rayos de luz entrando entre densos nubarrones. ‘You don’t deserve it no more’ es el desenlace perfecto a las subidas y bajas que contiene el trabajo. Buscando en todo momento lo correcto del sonido junto con la forma más perfecta de trasmitir sentimientos, Mehnai logra que su personal obra llegue al oyente envuelto en un manto de emociones que entran en nuestro interior de una en una.

Conocie

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Conciertos 12 othervoicesmusic.com

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CONCIERTOS Aunque CHVRCHES solo tienen un LP, ya han asistido a la ciudad condal en dos ocasiones. La primera vez lo hicieron en la pasada edición del Primavera Sound2014. Desgraciadamente, no pudimos verlos en ese momento (estábamos buscando sitio para no perdernos a Arcade Fire) pero por suerte, el Primavera decidió traer de nuevo a los escoceses a Barcelona, esta vez en un ambiente más íntimo, la Sala Apolo. Y la decisión fue más que acertada.

La noche empezó con Der Panther, grupo que nos sorprendió de buen grado. Aún no habíamos tenido la oportunidad de verlos en directo (y este año podremos verles dos veces, ya que también asistirán al Primavera Club 2014). Intentando llevarnos a un estado donde se mezcla el arte visual con la música electrónica más experimental, el grupo (en formato dúo para el directo) se situaron dentro de una instalación donde no podíamos ver nada más que sus siluetas y la de sus instrumentos, mezcladas con un projection mapping en una pantalla que recordaba en cierta medida a los televisores antiguos.

Finalizada la actuación de Der Panther, la sala empezaba ya a llenarse. Poco después salieron CHVRCHES, y por el primer tema que interpretaron ya pudimos ver que venían dispuestos a darnos una gigantesca dosis de energía. Aprovechando una prolongada introducción de ‘We Sink’, los escoceses fueron saliendo de uno en uno, hasta que Lauren Mayberry empezó a cantar los primeros versos: ‘We are / I’ve come apart and you made me…’, y la gente enloqueció. Sonando con claridad y con fuerza, el directo era inmaculado, haciéndose notoria la mejora de CHVRCHES desde que empezaron a girar. También se agradece que esta vez Lauren no estuviera situada en la parte trasera del escenario, como hemos podido ver en algunos conciertos suyos.

Siguiendo fuertes, los de Glasgow tocaron ‘Lies’, otro de los hits de su álbum debut (¿a caso hay alguna pista de The Bones of What You Believe que no sea un hit?), para posteriormente hacernos bailar con los beats distorsionados de ‘Lungs’.

Con ‘Gun’ dejaron claro lo bien que se les da esto de hacer música. Mientras nos hacían bailar con sus ritmos infecciosos, Mayberry cantaba con un registro vocal elevado y alegre pero a su vez nos amenazaba con ‘I will be a gun, and It’s you I’ll come for…’, creando así una antítesis entre la melodía y la letra de la canción.

Siguiendo con ‘Night Sky’ CHVRCHES nos colocaron en una noche estrellada, y con ‘Strong Hands’ y ‘Science/Visions’ nos mostraron que también saben ser contundentes. Entre canción y canción, Martin Doherty nos preguntó cuántos de los asistentes los habían visto en el Primavera Sound 2014, y explicó que esta era su segunda vez en Barcelona, que les encantaba la ciudad y que habían visto hoy la ‘catalan parade’ (refiriéndose a la V formada para la Diada de Cataluña).

Después de que en ‘Recover’ ayudáramos con las palmas en el segundo estribillo de la canción, llegó el momento álgido de la noche con ‘Tether’. Empezando con cierta melancolía, la canción va creciendo hasta que estalla hacia la mitad del tema. Este estallido cogió una fuerza tremenda en directo, mientras Lauren cantaba con cierta tristeza ‘Feeling capable of seeing the end / Feeling capable of saying it’s over’.

Aunque los de Glasgow sonaron impecables en directo, faltó algún que otro arreglo para el directo (que apenas duró 55 minutos), excepto cuando Martin salió al escenario a cantar ‘Under The Tide’ mientras bailaba como un poseído. Cantó de tal manera que le otorgó más energía al tema durante el concierto que en la versión de estudio.

Antes de irse para el bis, CHVRCHES sacaron su hit por excelencia. Aunque ‘The Mother We Share’ es el tema más conocido de la banda, tal vez fue el que sonó con menos energía. ¿Puede que estén cansados ya del tema y sea su ‘Creep’ de Radiohead? Lo achacaríamos a que la hemos escuchado hasta la saciedad.

Para el bis, Martin volvió a la posición central, esta vez con el bajo, para tocar ‘You Caught The Light’ tema cuya introducción recuerda inevitablemente a ‘Plainsong’ de The Cure (y que, casualidad o no, sonó justo antes de que empezara el concierto de CHVRCHES). ‘You Caught The Light’ nos situó en un abismo mientras mirábamos la inmensidad y la belleza del cosmos,a través de la voz distorsionada y con reverberación de Martin.

El concierto acabó con ‘By The Throat’, que nos hizo bajar de las estrellas para situarnos en un bosque en medio de la noche y así poder disfrutar del último baile, acabando con la banda deseando volver a vernos pronto. Así lo esperamos.

Despuésdequeen‘Recover’ayudáramosconlaspalmasenelsegundoestribillodelacanción,llegóelmomentoálgidodelanochecon‘Tether’.Empezandoconciertamelancolía,lacanciónvacreciendohastaqueestallahaciala mitaddeltema.Esteestallidocogióunafuerzatremendaendirecto,mientras Laurencantabaconciertatristeza‘Feelingcapableofseeingtheend/Feeling capable of saying it’s over’.

CHVRCHES Fuente: La vanguardia, 20 minutos.

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CONCIERTOS

Wild Beasts

El pasado viernes 12 de septiembre teníamos otra cita en la Sala Apolo y es que no hacía ni 12 horas de nuestra última visita a la sala barcelonesa donde Chvrches habían actuado la noche anterior. En esta ocasión regresábamos para ver a Wild Beasts, que abrían el 981 Heritage Son Estrella Galicia. El espacio no estaba tan lleno como esperábamos, sin embargo esto no afectó a los británicos que ofrecieron un concierto espectacular. La sala, que poco a poco iba albergando más espectadores, recibió con un gran aplauso al cuarteto de Kendal, que 10 minutos después de la hora prevista aparecían encima del escenario. Era la primera vez que podíamos disfrutar de la banda en una íntima sala, alejados del ajetreo que implica actuar en un festival.

Al principio hicieron gala de sus temas más movidos, cosa que agradeció todo el público que se contagió de sus ritmos con temas como ‘Bed of Nails’, ‘Sweet Spot’ o ‘The Devil’s Crayon’, curiosamente la única que tocaron de su álbum debut Limbo Panto. La grave y seductora voz de Fleming se entrelazaba con los magníficos falsetes de Thorpe en temas como ‘A Simple Beautiful Truth’ o ‘Reach A Bit Further’. El público se mantuvo enérgico y entusiasmado durante todo el concierto, y celebró especialmente las canciones pertenecientes a su segundo trabajo, Two Dancers, posiblemente el mejor álbum que han publicado hasta la fecha.

Todos aplaudieron y se emocionaron al escuchar los primeros acordes de ‘The Fun Powder Plot’ o ‘Hooting & Howling’.

Wild Beasts venían con un claro propósito; promocionar su último y exitoso trabajo Present Tense y es por ello que no nos extrañó que de las 16 canciones que formaron su setlist, la mitad, es decir 8, pertenecieran a este disco. Empezaron fuerte con uno de sus nuevos hits, ‘Mecca’, que rápidamente atrapó a todo el público. La actitud de su frontman Thorpe y la de su compañero Fleming hizo crecer sus canciones en directo dotándolas de mucha energía. Una de las cosas que más nos gusta de esta banda es la magia y el romanticismo que la mayoría de sus canciones transmiten, sin embargo, en algunos casos este derroche de energía hizo disminuir el dramatismo de alguno de sus temas.

La noche avanzaba y Wild Beasts no frenó en ningún momento, Little y Talbot siguieron a lo suyo, tocando los instrumentos como ellos saben, mientras Thorpe no dejó de beber vino y bailar con su guitarra al más puro estilo Oliver Sim. Por otro lado, su compañero Tom cantaba y saltaba sin parar mientras bebía cerveza. Llegó el momento de despedirnos de los británicos para dar paso un espectacular bis de tres canciones. Fue en estos tres temas donde pudimos ver lo mejor de esta banda a la que tantas ganas le teníamos. Regresaron con ‘Wanderlust’, el gran single de Present Tense con el que cantamos todos. Continuaron con la magnífica ‘All The King’s Men’ con un emocionadísimo Fleming al micro. Era inevitable gritar con él: “Watch me! watch me!/Hatch me! hatch me!/ A girl before/ Bouncing round behind the bedroom doors“.

Acabaron con ‘Lion’s Share’ de Smother, dotada de gran emoción y dramatismo, perfecto final.

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CONCIERTOS

Cuando vas a un concierto de Swans, tienes que ir preparado. No puedes ir con la guardia baja, pensando en otras cosas, porque el vendaval de sonido que producen los de Gira se te llevará por delante. También tienes que tener clara una cosa: vas a vivir una experiencia en la que seguramente el grupo absorba tu alma, la moldee a su gusto y luego la escupa cuando se haya cansado. Y tu te sentirás cansado y derrotado, pero con la energía suficiente para arrastrarte a casa y meditar sobre lo que acabas de vivir.

Escuchar un disco de Swans entero es duro. Primero por la duración de sus dos últimos álbumes (cercanos a las 2h), y porque lo tienes que escuchar a conciencia: no es música para tener de fondo mientras haces unas cervezas con los amigos y habláis de temas superfluos. Es una banda que tienes que escuchar en la soledad y cuando buscas tener una experiencia extrasensorial.

Aún así, reconozco que yo soy de los que escucha sus CDs en casi cualquier momento. Así que estaba preparado para vivir esta experiencia en directo.

en directo, los ojos de todos los miembros de la banda se dirigen a él, para saber cuál es el siguiente movimiento. Y es por eso que una canción de Swans va evolucionando y cambiando a lo largo de una gira, y nunca sonará igual dos veces. Este hecho se hizo palpable en ‘A Little God In My Hands’, donde pudimos ser testigos de una versión prolongada, más cruda y con más fuerza que la del disco, donde se echaron de menos algunos arreglos que hacen más interesante la versión de estudio.

La tarde en la sala Apolo empezó con la experimental Pharmakon en el escenario. Nunca había sido testigo de su música en directo, y la verdad es que su espectáculo puede dejar descolocado a más de uno. Ves que una chica joven y risueña se acerca a unos teclados y a un amasijo de cables y demás elementos. De golpe, lo que parecía que iba a ser un bolo con música alegre te traslada a la fábrica de metal, con ruido de cortadoras, acero y mucha distorsión. A todo esto, Margaret Chardiet, empieza a cantar con voz gutural de forma ininteligible y baja a hacerlo entre el público, al más puro estilo punk. Su actuación, de 30 minutos, estuvo llena de ruido y no sería capaz de identificar cuantas canciones tuvo el repertorio ni de identificar ninguna de ellas. Una telonera que sin duda alguna iba como anillo al dedo a lo que nos esperaba.

Tras este segundo tema, uno puede pensar que Swans es ruido.

Y en cierta medida, está en lo cierto. Pero la verdad es más complejo de lo que parece y cada sonido distorsionado, pero como comentamos en nuestra review de To Be Kind, cada repetición y cada sección alargada tiene un significado. Swans nunca utiliza el ruido por el ruido. Cada sección quiere hacernos pasar por un estado, de tal manera que tras una sección en la que las guitarras y la batería retumban, llega la calma para hacer que ese momento sea como salir del agua a respirar, y posteriormente poner los decibelios al máximo y que Swans nos pisoteen. Y todos estos elementos se pueden ver en ‘The Apostate’, la tercera canción del repertorio y que fue el punto álgido del concierto. En ella poco a poco y mediante un muro de sonido y de repetición Gira nos llevó a un ritual chamán, donde después de una introducción con la tribu, el ritual empezó a abrirnos las puertas del mismísimo infierno. Poco a poco, el frontman de Swans empezó a bailar de forma poseída, escupiendo las letras de la canción con dureza al micrófono, y haciendo que nos sintiéramos tan poseídos como para movernos a su son. Tras un largo paseo por los infiernos, Phil Puleo hizo retumbar un gran tambor con las dos manos, mimetizando millones de asteroides cayendo del cielo y enterrándonos a todos.

Puntual como un reloj, a las 20:45 saltó al escenario sin hacer mucho ruido Thor Harris, que se situó en el fondo y empezó a acariciar el Gong, simulando los vaivenes del sonido del mar. La gente, sin darse cuenta de que el concierto había empezado, seguía hablando hasta que los de primera fila se encargaron de ir callando a todos. Aproximadamente 10 minutos después, se unieron Phil Puleo, que se colocó a la batería y Christoph Hahn que entró con su Lap Steel Guitar para seguir enriqueciendo el sonido de ese mar. De repente te das cuenta de que más que el sonido del mar, esos sonidos configuran el pensamiento de un demente.

Tras tanta energía gastada, vino en cierta medida la calma con ‘I’m Just A Little Boy (for Chester Burnett)’, uno de los temas más interesantes del nuevo álbum de la banda. Aunque el tema tiene un tempo bastante constante y marcado en el LP, en directo la batuta humana de Swans se encargó de romperlo, arrastrando las palabras y cantando fuera de tiempo para acabar con un único grito de locura ‘I’m just a little boy!!’. Seguidamente continuó soltando frases un tanto ininteligibles mientras se intentaba arrancar la piel de forma demencial, lo cual acabó siendo otro momento de intensidad.

Es en ese justo momento cuando los demás miembros del grupo salieron a la palestra. Una vez estaban todos listos, los riffs primeros interminables a los que nos tienen acostumbrados Swans aparecieron, hasta que Gira decidió entrar en la sección relajada de la canción para cantar. Sin duda alguna, vaticinamos que este nuevo tema bautizado como ‘Frankie M’ será de los favoritos del próximo disco (como ya fue en su día ‘To Be Kind’). Su estrofa ‘Frankie M, close your eyes. Butterflies‘ y la manera de Michael de cantar, sigue deambulando en nuestras cabezas desde el día del concierto.

El penúltimo tema del repertorio fue el nuevo tema ‘Don’t Go’, el cual nos dejó indiferentes. Otro tema de tiempo pausado y lento como la canción anterior, pero sin ningún momento tan memorable. También pudo influenciar el hecho de que ya llevábamos 2h15m de concierto, y que todos los otros temas habían sido de extrema calidad. Cabe mencionar que ‘Don’t Go’ fue de las más cortas, con una duración de unos 15 minutos.

Y es cuando está toda la banda en el escenario cuando te das cuenta de que Swans es Michael Gira: en la jam session que crean Swans en directo, Gira se convierte en la batuta, el que marca los tiempos, indicando cuanto se tiene que alargar una sección de la canción o cuando tiene que entrar un instrumento. Es por eso que mindies.es 1 6 mindies.es 16

Pero aún quedaba el plato fuerte de la noche. Si en The Seer la canción más apoteósica es ‘The Apostate’ (con permiso de la canción que pone nombre al disco), en “To Be Kind” ese título se lo lleva ‘Bring The Sun / Toussaint L’Ouverture’. Pero haber tocado todo el tema hubiera sido un convencionalismo. Por Eso, Gira decidió que era mejor eliminar la parte de ‘Toussaint L’Ouverture’ para poner otro nuevo tema memorable; ‘Black Hole Man’. Así, después del éxtasis alcanzado con ‘Bring The Sun’, la nueva canFuente: La vanguardia, 20 minutos. ción sonó a pura adrenali na , incluso mejor que ‘Frankie M’.

CONCIERTOS

. Con ‘Black Hole Man’ parecía que todos los demás temas fueran absorbidos de golpe por un agujero negro que incluso nos absorbía a nosotros mismos. Eso es ‘Black Hole Man’. Después de que Gira agitara sus brazos de forma desbocada en la introducción de la canción, indicando que cada miembro improvisara en cierta medida, ‘Black Hole Man’ jugó con los momentos de “baja” intensidad mientras Michael cantaba comparado con los riffs que se potenciaron cada vez más entre estrofa y estrofa. Un tema que nos devolvió casi por completo toda la energía que habíamos prestado a Swans durante su directo.

Tras casi 3 horas de concierto, Swans solo podían agradecer al público haber estado con ellos esa noche, mientras Michael se encargaba de entregarnos amor a todos, humanizándose así, ya que pese a su gran talento, es una persona normal y corriente.

SWANS

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CONCIERTOS

Kutxa KUlir Festibala 2014 18 mindies.es

CONCIERTOS El Kutxa Kultur Festibala volvió a cautivar a todos los asistentes al monte Igeldo a lo largo del pasado fin de semana, tanto a los primerizos como a los que habían asistido en anteriores ocasiones a la cita. El tiempo acompañó y el espectáculo musical combinado con el envidiable paisaje que presenta el alto donostiarra logró atraer a un variopinto público de todas las edades. Desde familias en busca de un día diferente en un antiguo parque de atracciones hasta los que nunca eluden las citas musicales destacadas de su ciudad. Un crisol de personalidades atraídas o no por la música que tiene como resultado el concepto de festival europeo al que no estamos muy acostumbrados a ver por aquí.

Pudiendo disfrutar de todos los conciertos sin agobios y desde lugares muy diversos, la cuarta edición del festival supo conjugar a la perfección propuestas más exclusivas junto con otras propias de la habitual maraña festivalera. Un festival que sabe aprovechar muy bien las posibilidades de su entorno y los recursos de los que dispone a la hora de confeccionar su cartel.

Vamos, lo que debería ocurrir en todos los lados para que un evento sea viable y de calidad al mismo tiempo.

Comenzamos repasando lo que ocurrió en la tarde del viernes, cuando los rayos de sol incidían con fuerza sobre el recinto y la afluencia de público era bien escasa. Grises tuvieron la misión de abrir el escenario principal y animar a los allí presentes. Tras girar todo el verano en los festivales peninsulares, les llegaba la hora de jugar en casa y hacer valer sus bazas en directo.

Su concierto en el Kutxa Kultur estuvo marcado por la combinación de los temas de sus dos últimos trabajos junto con el carácter que siempre intentan ponerle en directo. Synth pop resultón y de letras enigmáticas que atrae a buena masa juvenil pero que a las tres o cuatro canciones rompe todo tipo de sorpresa inicial. Algo muy diferente, con influencias también claras pero mucho más enfocadas hacia el pop de color rosa, nos encontramos con Bassmatti y Vidaur.

Con la ayuda de sus guitarras y grabaciones de arreglos varios, desgranaron los temas que contiene su primer trabajo Melodías Concertantes. Canciones certeras sobre amor, melancolía y conversaciones con una taza de café delante.

El encanto norteño de su música desplegó su máximo esplendor en un lugar como aquel, metiéndose en el bolsillo a más de uno con canciones como ‘Dj Invitado’.

Aún no era de noche, ni mucho menos, pero Toy hacían su aparición en el escenario para intentar hacer que la luz se volviese cuanto menos algo más tenue. Ataviados en un riguroso negro, a excepción de su teclista Alejandra, hicieron que su hipnótica propuesta fuese más que convincente, ofreciéndonos uno de los conciertos más disfrutables del festival. Toda la maraña de intensas distorsiones de su último trabajo en directo se transforma en algo más accesible sin perder su esencia guitarrera. Arrancando con ‘Conductor’, el tema instrumental que abre su último trabajo, demostraron que podían hacernos caer cuando ellos quisiesen en algo muy siniestro y propio de gente cercana a Joy Division. Su lado más melódico y de riffs más limpios se mostró rápidamente con ‘Colours Running Out’, sonando mucho más directos que en sus grabaciones de estudio. Entre loops cada vez más desmesurados y una perfectas y oscuras armonías vocales, encararon el final del concierto con temas tan redondos como ‘My Heart Skips a Beat’ para rematar de la forma más frenética posible con ‘Join the Dots’.

Mientras sonaban los últimos acordes de Toy, Sean Nicholas Savage comenzaba a mostrarnos su elegancia y envolvernos en su dulce tropicalismo. Acompañado únicamente de otro músico a la batería electrónica, nos ofreció una nueva lección de su particular genialidad, que tanto nos atrapa a algunos y que tanto repele a otros (creemos que será por envidia). El canadiense se conoce a la perfección cada acorde de su guitarra, sabe recrearse a la perfección en cada melodía y ofrecer ese especial falsete que para nada lo parece. Centrándose en la primera parte del concierto en su último trabajo, nos brindó momentos de auténtico boogie con ‘The Rat’ intercalados con cálidas melodías caribeñas en ‘Naturally’. Una amplia gama de beats reconfortantes y una colorida languidez que salía a relucir en cada momento del concierto. Así fue como el estribillo de ‘Bermuda Waterfall’ estremecía y causaba placer al mismo tiempo.

Una combinación bipolar, difícil de lograr con tan poco.

La recta final del concierto buceó en apartados más introspectivos y de aún mayor protagonismo vocal del canadiense de la mano de ‘Like a Baby’. No pudo cerrar de forma más desgarradora que con ‘She Looks like a You’, elevando al máximo la siempre ineludible parte escénica de su propuesta.

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CONCIERTOS

Fotos realizadas por juan G. AndrĂŠs

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CONCIERTOS Después de la intensidad emocional de Sean Nicholas Savage, las canciones de Lori Meyers nos sabían a muy poco. Sin embargo sus fieles seguidores disfrutaron como si no hubiese mañana de éxitos modernos y antiguos como ‘Planilandia’, ‘Luciérnagas y Mariposas’ o ‘Luces de Neón’. Los granadinos en todo momento se mostraron muy agradecidos por la buena acogida de su propuesta y emocionados por la belleza del emplazamiento. Seguramente fuese el concierto que más público congregó del festival. Con mucho menos público y en el escenario secundario, Natural Child ofrecieron destellos de todo el polvoriento y al mismo tiempo grasiento rock que contienen sus discos. Decimos destellos porque en prácticamente ningún momento del directo la banda parecía metida de lleno en su papel. Canciones de su último trabajo como ‘Don’t The Time Pass Quickly’ fueron las que realmente empezaron a desatar bailes de todo tipo entre las primeras filas del público. Muy formales en la ejecución, sin salirse del guion establecido, nos brindaron los momentos más emocionantes del directo con sus canciones más lentas como ‘Don’t Wake the Baby’.

Cumplieron con su papel pero nosotros nos esperábamos algo más épico Cerramos la noche con la banda que se suponía ser cabeza de cartel: The Wombats. El conjunto británico ofreció un concierto entretenidtoyo en el que rápidamente nos dimos cuenta de cuáles eran sus mejores cartas sobre la mesa.

Guitarras hipervitaminadas unidas a sintetizadores que introducían cada uno de los temas, todo ello redondeado con estribillos que invitan rápidamente a los coros como fue el caso de ‘Our Perfect Disease’. Entre estos parámetros se desarrolló un concierto en el que poco a poco los músicos se encontraban más motivados, no parando ningún momento quietos sobre el escenario e invitando al baile en ‘Techno Fan’. Bromeando sobre si algún día su tercer trabajo verá la luz, nos presentaron dos temas nuevos como fueron ‘Animals’ y ‘Your Body is a Weapon’. Muy en la línea de techno pop a la que nos tienen acostumbrados. Cerraron como no podía ser de otra forma con su gran hit ‘Let’s Dance to Joy Division’ y empapados en tequila debido a la despedida de su tour manager Sarah en el que era su último directo a su lado.

El sábado se presentaba como otro día heterogéneo, muy apto para nostálgicos de los sonidos psicodélicos de la mano de Jacco Gardner

o también apropiado para los que quieren comprobar a que suenan los Planetas en directo en pleno año 2014. Comenzamos la tarde con Ínigo Cabezafuego y sus músicos, presentándonos las canciones que aparecerán en su primer trabajo en solitario Camina Conmigo. Temas cargados de acidez e ironía en torno a la etapa de los 40 mezclados con influencias de rock americano muy agradable. Algo diferente que en ningún momento peca de ostentoso y siempre provoca una buena sonrisa. Afinados los tres músicos en el escenario Red Bull, los comentarios que introducían entre canción y canción también fueron muy acordes al contenido de los temas. Hasta los problemas capilares de Floren (creemos que quiso decir J) también estuvieron presentes. Cerraron con ‘El Traje del Emperador’ dejándonos una muy buena impresión.

Acto seguido llegaba uno de los momentos que más esperábamos del festival y es que The Pains of Being Pure at Heart regresaban por tercera vez a Donostia para revisar sus grandes hits e introducirnos las canciones de su último trabajo Days of Abandon. Con una banda renovada que incluye a los hermanos Christophe y Anton Hochheim junto a la corista Drew Citron y Jacob Sloan, ofrecieron seguramente el concierto de sonido más limpio de todos los que les hemos visto hasta el momento. El giro dado en su último trabajo hacia el pop escandinavo de tonos pálidos, en directo se matiza con unas canciones más elaboradas y repletas de matices.

Arrancando con ‘Until The Sun Explode’, comenzaron a explorar su vertiente más guitarrera, todo ese fondo fuzzy que han ido acumulando a lo largo de los años. Escogiendo muy bien cuando introducir los nuevos temas, no se dejaron en el tintero ‘Simple and Sure’ y la motivante ‘Eurydice’. El no muy abundante público poco a poco se iba metiendo más de lleno, mientras que Kip y compañía soltaban sus mayores trallazos con ‘Come Saturday’ y ‘Young Adult Friction’. Dos de los mayores himnos de su discografía que aúnan distorsión y melodías juveniles a partes iguales. El concierto no podía acabar sin su tema homónimo, ese en el que corean la bonita premisa de “We Will Never Die”.

Tras creernos que realmente habían finalizado su concierto, regresaron ‘Belong’ y la despedida final. Los nuevos Pains cumplieron con creces y ofrecieron un concierto sin ningún altibajo.

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CONCIERTOS

Después de los Pains, llegó el turno de Perro en el escenario. Su original y atrevida propuesta basada en combinar melodías de baja fidelidad, ritmos contundentes y guitarras desaliñadas, tuvo como resultado otro concierto de carácter festivo. Las canciones de Tiene Bacalao, Tiene Melodía, en directo adquieren aires más convulsos que provocan que nadie pare quieto.

Canciones como ‘Marlotina’, por fin adquirieron completo sentido entonando ese grito de “Valeri Karpin” en la ciudad que desarrolló la mayor parte de su carrera futbolística. Agitando también a las masas llegaron El Columpio Asesino para centrar su propuesta en los temas de su último trabajo. Arrancando con ‘Babel’, los navarros trasmitieron en todo momento esos tenebrosos pensamientos que contienen sus temas. El protagonismo adquirido por Cristina en el estudio, también se materializó en un directo donde ella es la gran protagonista a los mandos de la batería electrónica. Elegancia junto con ese punto de femme fatale que siempre le ha acompañado para que canciones como ‘Ballenas Muertas en San Sebastián’ suenen muy afiliadas. Echando mano a sus temas más populares en el tramo final del concierto, supieron llevar a la perfección al público a su terreno.

Sin lugar a dudas, uno de los momentos más destacados del festival tuvo lugar en el Teatro Abandonado, lugar escogido para que Kokoshca ofreciesen dos conciertos inolvidables y arrolladores. Pongámonos en situación. El Teatro Abandonado es una especie de sótano con capacidad para 60 personas, aún más decadente que el propio parque de atracciones, decorado con unas cuantas plantas, luces de colores tenebrosas y una pianola con un muñeco que parece salido de la película La Casa de Cera. Con todos estos ingredientes, resulta muy difícil que un concierto de Kokoshca no resulte una experiencia reflexiva y a la vez reconfortante. Un clima extrañamente tropical en el que la voz y dulzura de Amaia y la batería de Álex recorrían cada rincón. El set que escogió el grupo abarcó las canciones más inquietantes y fantasmagóricas de su discografía como ‘Hay una Luz’ o ‘El Péndulo’, uno de los temas más polvorientos de los que sonaron. Un fondo brumoso que acompañaba a la perfección las estridencias de los teclados presentes en ‘Prefiero Golpes’.

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Con versión sorpresa de ‘Historia de un Amor’ de los Panchos, nos hicieron ver esa capacidad para que cualquier canción se torne aún más amarga y doliente. Entre tantas tinieblas e historias del bosque, llegaron los momentos de alto impacto con ‘Directo a tu Corazón’. Seguramente hasta verla interpretada en directo, no me había dado cuenta del hit potencial que es.

El fin de fiesta llegó con gran parte del público en el escenario cantando a pleno pulmón algo tan vigoroso como es ‘La Fuerza’ y toda una declaración de intenciones contenida en ‘No Volveré’. Un concierto que pasó de pasó de una atmósfera tormentosa a una épica en cuestión de muy pocos segundos y que nos dejó una huella muy grande dentro de este Kutxa Kult A la noche todavía le quedaba otro concierto de enorme belleza como fue el que ofreció Jacco Gardner en el escenario secundario. El holandés se presentó con su habitual banda más Frank Maston a los teclados para volver a teletransportarnos a una época de fotografías polaroid.

Recorrió magistralmente las canciones de Cabinet of Curiosities a base de todos esos teclados vintage, guitarras apagadas y coros espirituales. Un concierto en el que el propio Jacco se sentía muy emocionado por todo lo que podía percibir desde el escenario. El sonido de las olas lógicamente no llegaba a Igeldo, pero ese efecto tan anestesiante que contienen temas como ‘Summer’s Game’ nos puso en nuestra cabeza el agua chocando contra las rocas.

En cambio otros como ‘House on the Moon’ tuvieron un efecto más espacial con una distorsión de voz perfecta. Tampoco faltaron momentos emotivos y de carácter ciertamente infantil como ‘The Ballad of Little Jane’. Un ambiente agradable y relajado que aprovechó el bueno de Jacco para introducirnos dos nuevos temas que estarán en su próximo trabajo que verá la luz en 2015. Precisamente después de este directo, el último de su gira estival, entrará al estudio a grabarlo. Dejando cada vez más rienda suelta a la guitarra de Ben, la banda se adentró en la fase final del concierto ofreciéndonos una visión más roquera, algo así como despertarnos de un sueño para llevarnos a otro más intenso.

Esperemos que nos siga haciendo disfrutar tanto en próximos directos y grabaciones.

CONCIERTOS

El punto final del festival lo pusieron unos Planetas que al igual que hicieron en el Sonorama pecaron de un repertorio monótono hasta bien llegado el tramo final del concierto. Por el contrario, el público festejaba cada comienzo de tema reviviendo sus bonitos años 90. El momento álgido de su actuación se alcanzó cuando J le dedicó al desaparecido Pedro San Martín ‘Toxicosmos’, brindándole un bonito recuerdo a la que fue una de las figuras musicales más activas de la ciudad. Soltando su mejor baza al final, demostraron que siguen viviendo de las rentas y que poco parece importarles a ellos y a sus fans.

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Entrevistas

Ben Ben Sollee es uno de los músicos más peculiares y fascinantes que nos podemos encontrar ahora mismo. En todas sus composiciones, su mejor aliado es el chelo, un instrumento al que le consigue sacar sonidos realmente impresionantes que unidos a su voz, conforman verdaderas piezas atemporales. Un músico comprometido con sus ideas que no duda en reflejarlas en sus temas para que trasciendan a un mayor número de personas. Ahora llega el turno de poder disfrutar de sus temas en directo en una gira por Europa que afortunadamente pasa por nuestro país (fechas en el enlace). Unos días antes de llegar por estas tierras, hemos tenido el inmenso placer de entrevistarle.

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Entrevistas

Sollee 25 mindies.es

Entrevistas Hola Ben, ¿qué tal ha comenzado tu gira europea?

Muy bien. Mi primer concierto en Colonia estuvo repleto de maravillosos nuevos fans. También aproveché para recuperarme del jet lag y disfrutar de la bonita arquitectura… mucho más antigua que en mi país.

La primera cosa que me di cuenta cuando escuché tu música es todo lo que puedes llegar a hacer con simplemente tu chelo y voz. ¿Cómo te las arreglas con un instrumento tan diferente de lo que estamos acostumbrados a escuchar?

Para mí, los sonidos que provienen de mi chelo se han convertido en algo muy natural y es muy fácil olvidar que desafían las expectativas de las personas que escuchan mi música.

En general, creo que el chelo es no más que una herramienta, una caja de madera con cuerdas que utilizo para crear música. Sin embargo es la más versátil y romántica herramienta que jamás podría haber elegido. Mi sueño siempre ha sido que si continuo creando, suficientes personas descubrirán mi sonido y podré tener un trabajo digno a lo largo del camino.

“Principalmente, trato de estar seguro que el carácter y emoción de las letras aparecen representados de mi forma personal” 26 mindies.es

Tus canciones son un claro ejemplo de lo inútiles que son las etiquetas en la música. Siempre te mueves en un rango muy variado de estilos, consiguiendo una gran mezcla de sonidos. ¿Cómo logras combinar todas tus influencias para conseguir el formato adecuado de cada canción?

Sinceramente ahora vivimos en una época que con la globalización e internet los géneros y etiquetas carecen de significado. Cuando escribo un tema me centro en la narrativa. Si eso me lleva a combinar sonidos folk, perfecto. Aunque quizás una canción necesita un sonido electrónico más potente. Como artista solo puedo esperar que mi audiencia sea capaz de reconocer un sonido de una forma tan fácil como lo pueda hacer yo.

Cuando escucho tu música, a mi mente viene una versión más acústica de Andrew Bird. ¿Estás en contacto con la discografía de este músico?

Soy un honesto admirador de la música de Andrew Bird. Él es muy atento, creativo y siempre está en busca de nuevas composiciones. Mi canción favorita suya es ‘Eye to Eye’.

Tu último LP llamado The Hollow Sessions contiene versiones muy buenas de diferentes artistas que te han influenciado, desde The Zombies hasta Fiona Apple. ¿Cómo logras adaptar todas estas canciones a tu música?

Realmente no lo se. Empecé a cantarlas con el chelo en mi mano. Cualquier peculiaridad que pueda haber en los arreglos se debe a las limitaciones de mi chelo y voz. Principalmente, trato de estar seguro que el carácter y emoción de las letras aparecen representados de mi forma personal.

“Mi reto fue escribir algo totalmente diferente que me encantaba tanto como los objetivos que había logrado el directo con cada escena” Otro de los interesantes proyectos que has desarrollado ha sido la BSO del documental Maidentrip. Creo que todas las canciones representan perfectamente ese espíritu de libertad y naturaleza que aparece en la película. ¿Cambiaste muchas cosas a la hora de ponerte a trabajar para afrontar este trabajo?

No cambié mucho las cosas de cómo lo suelo hacer. Poner música a Maidentrip fue un alto proyecto colaborativo con el director y editor de la película Más de una vez me habría gustado componer una pieza que pensaba que estaba emocionalmente y musicalmente muy adaptada a mí, únicamente para darme cuenta de que estaba totalmente apagado. Por ello, mi reto fue escribir algo totalmente diferente que me encantaba tanto como los objetivos que había logrado el directo con cada escena.

Aparte de crear música, también eres una persona muy concienciada con las causas relacionadas con el medio ambiente y la pobreza. Recientemente leí que colabo-

Entrevistas

raste con Oxfam American viajando cientos de millas con tu instrumento en una bicicleta especial hasta llegar al Bonnaroo Festival. ¿Cómo fue esta experiencia?

Creo que la música es una tecnología perfecta para hacer surgir el conocimiento. Sirve para comunicar fácilmente un sentimiento de afección hacia un lugar o causa. Por ello, empleo mi música para transmitir mis pasiones y frustraciones acerca de un gran rango de causas como la destrucción de la cima de las montañas, infraestructuras habitables en las ciudades, educación,

pobreza en los montes Apalaches y otros lugares y el cambio climático. Oxfam America hacen un gran trabajo humano en la mayoría de las áreas. Mi tour en bicicleta hasta Bonnaroo fue una expresión en la que quería mostrar mi ritmo de vida y conectar con los fans y la prensa a través de buenas personas haciendo cosas buenas por el mundo.

También has trabajado con Daniel Martin Moore en el disco Dear Companion, consiguiendo temas de hermosa factura. ¿Cómo fue colaborar con él y contribuir a una gran

causa como fue la de las Voces de los Apalaches?

Daniel es un gran amigo de Kentucky. Me encantó su amable voz y sus palabras llenas de significado y estoy muy orgulloso de poder haber grabado con el Dear Companion. Provenimos de mundos musicales muy diferentes y el contraste ayudo a crear un disco muy equilibrado. Al igual que yo, él pasa gran parte de su tiempo leyendo y pensando acerca de las causas sociales y medioambientales, empleando su música para extenderlas por el mundo.

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CONCIERTOS Creo que el hecho de haber nacido en Kentucky tiene una parte muy importante en tu música. ¿Escribirías las mismas canciones y hablarías de los mismos temas si no hubieses nacido allí?

Por supuesto. Crecer en Kentucky tiene una gran influencia en mi música. Como región, siempre ha tenido una gran variedad de géneros musicales.

La música bluegrass, que combinar góspel, R&B, jazz y folk es uno de los ejemplos de la disposición que Kentucky tiene a trabajar con todos los géneros en su mano. Ciertamente es el tema global de mi música.

Después de tu gira en Europa, ¿cuáles son tus siguientes planes? ¿Vas a editar un trabajo en un futuro inmediato?

Mientras estoy aquí en Europa, estoy colaborando con una instalación localizada en Photoville en Brooklyn. El fotógrafo Ian Teh ha estado documentando el cambio climático en la meseta tibetana durante años y sus masivas fotografías del terreno capturan la historia de una manera fascinante. Como parte del Public Works Collaborative, he creado una nueva obra acerca de la naturaleza junto con sonidos a lugares

del Tibet. Estará disponible del 18 de septiembre hasta el 28. Cuando regrese a los Estados Unidos, entraré de lleno en la producción de un ballet que tengo en mente para el Charlotte Ballet. Estará adaptado a la obra de Dangerous Liasions del coreografo Sasha Janes que incorpora chelo con elementos electrónicos, proyecciones y bailes espectaculares. Después de ello giraré por los Estados y compondré un documental acerca de la visión de la cría 28 mindies.es

de animales a lo largo demundo gustaría tomarme con tranquilidad el mi nuevo trabajo este otoño, a través del lanzamiento de las canciones que contiene en un formato de diferentes instalaciones para poder lanzarlo al completo en la primavera.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejñeis una pregunta para el siguiente

grupo o cantante a entrevistar. ¿Cuál es la tuya? ¿Te gusta la miel filtrada o la miel pura?

Tenemos para ti una pregunta de Jim Jones. ¿has puesto alguna vez tus pies en Poughkeepsie?

Estuve una vez en Poughkeepsie y mies pies se mantuvieron ilesos en todo momento.

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“Creo que la música es una tecnología perfecta para hacer surgir el conocimiento.

Sirve para comunicar fácilmente un sentimiento de afección hacia un lugar o causa. “

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Entrevistas

The Handsome Family The Handsome Family son una de las bandas norteamericanas que han sabido tratar el folk de la forma más personal posible, introduciendo elementos olvidados de la propia tradición del género y logrando canciones de esas que te conmueven desde el primer instante. Su extensa discografía les avala. Con 10 trabajos de estudio, el último de ellos Wilderness publicado el año pasado, el matrimonio Sparks da buena muestra de una carrera sin ningún altibajo.

Apostando siempre por la esencia de su música y confeccionando unos temas en pleno contacto con la naturaleza, el grupo llegará a nuestro país la próxima semana en cuatro fechas. Aprovechando esta gran ocasión, hemos tenido el enorme placer de entrevistar a Rennie, una de las partes del dúo que nos da buena muestra de su característica personalidad y filosofía del grupo.

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Entrevistas Creo que vosotros y los Magnetic Fields sois las dos bandas más representativas de la evolución el folk americano en la última década. ¿Sientes que vuestra música ha influenciado realmente a nuevas bandas y generaciones?

No tengo absolutamente ni idea. Principalmente nos dedicamos a pensar en cómo escribir nuevos temas que nos apasionen y luego deseamos que la gente muestre interés por ellos.

A lo largo de los años, vuestros trabajos muestran una gran influencia de la naturaleza y la vida animal. En vuestro último disco también hay un montón de historias alrededor de la vida animal, pero también contáis historias de personas concretas. ¿Cómo se os ocurrió la idea de mezclar ambas?

La única forma que tenemos de conocer a otros animales es a través de nuestros sentidos humanos. Incluso si dedicase mi vida entera a estudiar a las arañas, solo podría sentir lo que siente un humano estudiando arañas.

“Me encanta esa sensación de insondable misterio y me recuerda que siempre estamos atrapados dentro del punto de vista humano”

Me encanta esa sensación de insondable misterio y me recuerda que siempre estamos atrapados dentro del punto de vista humano. Brian Eno escribió una gran canción acerca de ello llamada ‘Spider and I’.

Supongo que vuestra forma de vida también ha contribuido a lograr esas letras y sonido tan en contacto con la naturaleza. ¿Crees que sería posible hablar de las cosas que ocurren, por ejemplo, en un bosque, sin haber estado en contacto nunca con un bosque real?

Sí, yo veo naturaleza en todos los paisajes modernos norteamericanos. Creo que los grandes parkings y los enormes centros comerciales también son naturaleza. También los aeropuertos. Las autopistas pueden ser ríos. Los rascacielos son montañas. Sinceramente creo que reconstruimos el mundo natural una y otra vez, incluso cuando nos decimos a nosotros mismos que no lo necesitamos. Ir a comprar es como ir de caza y de recolección.

Uno de los aspectos que me atrae la atención de vuestra música es la capacidad de sugerir tanto sin ningún tipo de “efecto especial”, empleando únicamente vuestros instrumentos más o menos tradicionales. ¿Crees que la canción más simple puede ser la más emotiva? ¡Definitivamente usamos instrumentos modernos! Alguna de nuestras canciones está grabada empleando exclusivamente sonidos de muestra. Lo más extraño es que a veces el sonido más normal de una

“Siempre quiero que nuestras canciones puedan ser interpretadas con significados diferentes para distintas personas” mandolina que estás socando pueda ser el que más engañe.

La mayoría de vuestras canciones están compuestas en una especie de narrativa, algo que no es muy común en nuestros días y que debe de ser muy difícil de crear. ¿Crees que este hecho pueda apartar al oyente de interpretar la canción de su propia forma?

Intento que no ocurra. Siempre quiero que nuestras canciones puedan ser interpretadas con significados diferentes para distintas personas. No quiero ser una autorizad que diga lo que significan nuestros propios temas.

“Creo que al

final nos desharemos por completo de nuestros cuerpos y ascenderemos en un avión de luz y energía” 31 Mindies.es 31 othervoicesmusic.com

Entrevistas A parte de hacer música, también ponéis una especial atención a las portadas de vuestros discos y todo lo relacionado con imágenes promocionales. Por ejemplo, vuestra web es una auténtica obra de arte o el gran trabajo realizado con el libro que acompaña a vuestro último disco. ¿Cómo de importante es para vosotros este contexto pictórico?

Disfruto mucho creando trabajos artísticos. Suelo encontrarme con que el arte visual es mucho más bromista y alegre que las palabras. Siempre trato de seguir esa línea. Me encantan los colores claros y las escenas en las que imagino el mundo lleno de vida. ¡Creo que he tomado las drogas correctas! Jaja.

Fotografías realizadas por Jason Creps.

La pregunta obligada en la entrevista es acerca de la serie True Detective. Ellos escogieron vuestro tema ‘Far From Any Road’ y de repente todo el mundo empezó a hablar de vosotros.

“Creo que al final nos desharemos por completo de nuestros cuerpos y ascenderemos en un avión de luz y energía.”

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¿Crees que es demasiado injusto que parte de la gente os conozca solo como “el grupo de la canción de True Detective”? ¡Cielos!, no. Les estamos muy agradecidos por toda la promoción que nos han dado.

Sois una banda que ha sacado discos a principios de 1990 y los 2000 por lo que tenéis una gran visión de cómo han cambiado las cosas en el mundo de la industria. ¿Creeis que el formato digital ganará la batalla al formato físico?

“Creo que es un enorme honor ser conscientes de lo que es hacer música” Creo que al final nos desharemos por completo de nuestros cuerpos y ascenderemos en un avión de luz y energía.

Tenéis una gran parte de vuestra discografía editada en vinilo. ¿Crees que el resurgimiento del vinilo está más conectado con la nostalgia de la gente o con la mayor calidad del sonido?

Es normalmente una falsa nostalgia para la gente que son tan jóvenes como para no recordar que un vinilo era como un grano en el culo. Creo que es un enorme honor ser conscientes de lo que es hacer música. Los iPods contienen

muchísimas canciones como para que alguien las aprecie todas. Creo que tener el acceso a todas las que se graban es algo increíble, de este modo cualquiera se puede interesar por nuevas canciones. Todos tenemos suficiente pero siempre queremos más Recientemente Andrew Bird ha publicado un trabajo en el que versiona alguno de vuestros temas de una forma bastante diferente. ¿Qué pensáis sobre este disco? ¿Os atreveríais alguna vez a hacer algún cover de una canción de Andrew? ¡Nunca! No me puedo ni imaginarme interpretando una canción de Andrew. Nosotros somos cantautores, no músicos de verdad. Andrew es un músico real. El sueña con la música y encuentra en nuestras canciones mucho más de lo que nosotros podríamos llegar a encontrar.

En todas nuestras entrevistas nos gusta que nos dejéis una pregunta para el siguiente grupo a entrevistar. ¿Cuál es la tuya? ¿Por qué el color azul está relacionado con la tristeza?

Del mismo modo tenemos para ti una pregunta de Marissa Nadler. ¿Cómo acostumbras a tratar con el estúpido técnico de sonido ocasional?

Trataría de imaginar que él o ella están tratando de hacer su trabajo de la mejor forma que puede. No son normalmente estúpidos sino incomprendidos, gente desconectada. ¡Encuentra empatía y encontrarás amor!.

Entrevistas

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Entrevistas

Bastien Bo Bastien Bo, o lo que es lo mismo Axel y Pål Vindenes, o para que nos entendamos todos, los dos hermanos que crearon por allá el 2004 el grupo Kakkmaddafakka, son ahora noticia por el nuevo proyecto en paralelo a la banda en el que justo acaban de embarcarse. Bajo el nombre de Bastien Bo, acaban de sacar un primer tema llamado “Things”, un tema veraniego, bailable, pero con unos aires que distan de los sonidos ya

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conocidos de Kakkmaddafakka. Pero Bastien Bo no se queda sólo con un tema. Parece ser que se acaban de descubrir su lado artístico con la pintura; “Things” es también una pieza de arte pictórico y limitada a 50 copias, con un estilo que nos recuerda al impresionismo más placentero.

Hablamos de momento de un proyecto algo embrionario y del que esperamos ver qué evolución seguirá. Por el momento, la entrevista con los

protagonistas Axel y Pål Vindenes, sobre su nuevo giro.

Bastien Bo es un Proyecto multidisciplinar que abarca áreas más allá de la música. ¿Hasta dónde abarca nuevo proyecto?

Bastien Bo acaba de empezar.

Aún no sabemos dónde nos llevará. ¡Tenemos esperanzas para el futuro! Tras editar dos grandes trabajos con Kakkmaddafakka, ¿en qué momento decidisteis embarcaros en esta nueva aventura?

Entrevistas Lo decidimos en el momento en que teníamos demasiadas canciones que no encajaban con Kakkmaddafakka. Al mismo tiempo empezamos a pintar y queríamos compartir este lado creativo también. Creo que esto empezó en otoño de 2013.

Después de trabajar los dos hermanos codo con codo en Kakkmaddafakka, supongo que debe de haber sido muy fácil poneros de acuerdo a la hora de desarrollar este nuevo proyecto. ¿Tenías los dos desde un principio claro lo que querías que fuese Bastien Bo? La cosa sobre Bastien Bo es que no sabemos qué hacer. Es sólo una canción, una pieza de arte y una edición limitada imprimida de la pintura.

Habéis sacado vuestro primer tema ‘Things’, una canción muy veraniega y que se desliga un poco de la música de Kakkmaddafakka, acercándose al ambiente cálido de gente como Erlend Oye. ¿Cómo enfocasteis la composición de este tema?

No estaba planeado, tan sólo estábamos pasándolo bien en el estudio. Por supuesto que estamos inspirados por Erlend Øye entre muchos otros.

Provenís de Noruega, un país que desde el exterior nos da la sensación de ser muy frío.

Sin embargo todos vuestros proyectos rebosan influencias muy tropicales. ¿De dónde viene todo ese dinamismo y color presente en vuestras composiciones?

No lo sabemos, pero cuando la lluvia está cayendo y la temperatura no nos acompaña, la música es perfecta para animar tu alma. Acompañando a este tema también habéis realizado un cuadro impresionista limitado a 50 unidades que sin lugar a dudas recoge muy bien todo el ambiente que transmite el tema. ¿Cómo conseguisteis capturar esa esencia veraniega del tema?

Me inspiré en un viaje a la preciosa Sicilia, y el resto supongo que es talento. Aún no entiendo cómo fui capaz de pintar ese cuadro.

El videoclip del tema está realizado en un entorno totalmente costero. ¿Dónde está grabado y cómo surgió la idea de reflejar tan fielmente este lugar?

Está grabado en nuestra casa familiar en Viennes, a 1,5 horas de Bergen. El videoclip son simplemente imágenes de nuestras vacaciones.

Después de enseñarnos vuestros primeros pasos de Bastien Bo, ¿cuáles son los próximo planes para este proyecto?

El 6 de octubre presentamos 4 nuevas piezas de arte con música.

En vuestro Instagram publicasteis el otro día una frase que decía “Be proud of what you do, it’s the only way to live a healthy life”. ¿Consideráis que esta premisa siempre puede ser aplicada en la vida?

Sí, entre otras, como: eres lo que haces.

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