ANTES DE AYER_Irene Covaleda & Colectiva

ANTES DE AYER Irene Covaleda & Colectiva

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Título: Antes de ayer_ Irene Covaleda & Colectiva Textos: Martíllopis Elia Torreceilla Alejandro Mañas García. [A.M].

Irene Covaleda Fotografías: Vicent Salvador Kun Xiu Alejandro Mañas Belén Puente-Dodd Irene Covaleda Arze Diseño y maquetación Alejandro Mañas García Martíllopis

© de los textos: los autores © de las imágenes: Los propietarios y/o depositarios © de la presente edición: Martillopis

Lapassa Ediciones ISBN: 978-84-09-17079-1 Portada Foto editada sobre la obra “intramurs” de Irene Covaleda

ANTES DE AYER Comisario Martíllopis Ayuntamiento de Bétera Universitat Politècnica de València Antes de ayer 4 MartíLlopis & Irene Covaleda Lo que visité Antes de ayer y hoy recuerdo 6 Alejandro Mañas Cuadros-postales para ser enviadas a otro tiempo 8 Elia Torecilla Piezas y reflexiones para Antes de ayer 11 Irene Covaleda Sobre Irene Covaleda & Colectiva 18 Martíllopis Alejandro Mañas Cristian Gil Arze & DelaCage Chiara Carzan Pepe Gimeno Anna Lombardo Paco Alcantud Vicent Salvador

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De los artistas 29 Alejandro Mañas Curriculums 33

ANTES DE AYER

Irene Covaleda y Martíllopis

El vínculo de discursos nos lleva a pensar (una vez más) en un inabarcable espacio de significados. El arte y el creador conceptualizan y, es en la sala de exposiciones, el lugar donde las aristas de cada mirada van a cruzarse y a generar una nueva piel.

“Antes de ayer” es, también, un concepto colectivo, de unión, de lo nuestro, una ampliación de miradas provocada por el hecho de abrir las fronteras y provocar múltiples lecturas. Hoy, estamos aquí, por la lucha y los logros de las generaciones anteriores, de antes de ayer, y en ese contexto, se pretende desmontar el mito de artista solitario y apostar por la diversidad, para que la suma de todo ello nos precipite hacia un espacio de posibilidades donde los límites se abren y multiplican más allá de la solitud a la que nos vemos abocados en este mundo digitalizado, donde la incomunicación nos impide mover nada.

Las obras, las imágenes forman y deforman metáforas que implican múltiples voces, lecturas y construcciones. Sus diferentes sentidos van de la mano del contexto al que acompaña y por ello se complementan los significados. En “Antes de ayer” hemos apostado por lo emergente, la novedad, la curiosidad, también por lo consolidado, manufacturado en las bellas artes y por otro lado, algo fuera del ámbito estrictamente académico, como el eterno amateur. En cierta manera, un reflejo, un autorretrato de los aquí presentes.

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Detalle.

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LO QUE VISITÉ ANTES DE AYER Y HOY RECUERDO

Antes de ayer, visité la exposición que tiene el mismo título con el que empieza este verso, una exposición comisariado por Martíllopis. De lo que vi, y recuerdo os quiero hablar:

La muestra recoge la investigación de 9 creadores, en los que me encuentro presente. Su contenedor es el Ayuntamiento Viejo, una edificación que se encuentra en el casco viejo de la población de Bétera. El edificio en sí, es un paseo por la historia y la identidad de un pueblo, cada ladrillo, cada viga de madera, cada puerta, están llenas de encanto, y si eres capaz de escuchar, cada elemento esconde y te cuenta una historia del pasado.

La exposición es una propuesta de Martíllopis que nos invita a mirar, ver y percibir, que recoge a nueve investigadores del campo de las Artes, en el que propone aunar el pasado -es decir el recuerdo- como recurso creativo, para convertirlo en estética de hoy. Con ello, se quiere reivindicar la preocupación social de las generaciones de hoy y las venideras, las que viven el presente. Es decir, sin darse cuenta, por el exceso del uso de las nuevas tecnologías que proporcionan una inmediatez del ahora, sus usuarios son incapaces de mirar hacia atrás, de mirar su pasado, de recuperar la memoria histórica y menos de estudiarla. No solo podemos vivir de lo actual, necesitamos del pasado para alimentarnos, nutrimos para actualizarlo. Necesitamos de nuestro pasado para reconstruirlo, estudiarlo y no cometer nuevos errores. Con ello no quiero manifestar que todo lo vivido anteriormente sea necesariamente erróneo – que sí las guerras-, sino que todo nuestro pasado ha servido para que el ser humano evolucione. Tampoco podemos olvidarnos de las estéticas pasadas, de las manifestaciones y corrientes artistas, que son para el creador toda una fuente de estudio e inspiración. Una realidad que hoy nuestros jóvenes no son capaces de canalizar, viven el presente y se nutren de él, pero erróneamente se olvidan de donde viene aquello de lo que actualmente se alimentan. Un problema muy importante que nos atañe a todos. El pasado y la memoria no solo queda escrita, si no que tampoco se puede vivir, por ello, es muy importante analizar, estudiar para hacerla llegar hoy a aquellos que no pudieron vivir esos momentos, pero más allá de todo, recuperarla, hablarla, exponerla, para que no quede en el silencio, en el olvido. Este error, no morar al pasado nos lleva a una visión egocéntrica, una visión en la cual la globalización y el consumismo tiene

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mucho de culpa. ¡Qué importante es la experiencia!, con ello también me refiero, a una infancia que hoy en las ciudades no se da ¿quien no ha jugado a realizar cabañas, castillos de barro, etc...?

Por tanto, la muestra, recoge el recuerdo para hacerlo vigente, materializarlo para vivirlo, sacar a la luz imágenes del pasado de Antes de ayer, para que no quede en el olvido. Son lecturas de un pasado cercano que se abren a experiencias para el hoy. Un trabajo que nos ha ayudado a viajar al pasado para encontrar las respuestas del presente. Herramientas que el artista ha de tener vigente, y así mismo Manuel Borja-Villel afirma que “el arte moderno y antiguo han de ir de la mano”. Este es un caso ejemplar donde, su contenedor comparte espacio para que el arte contemporáneo -contenido- dialogue sobre la memoria, el recuerdo vivido.

Como conclusión de mi recuerdo a Antes de ayer, más que nunca Martíllopis reivindica junto a los creadores la importancia del recuerdo interior, de un pasado que hemos de explorar, como una necesidad para avanzar en la sociedad, en la que el artista se ve obligado a mirar su pasado para dejar constancia de lo que un día se vivió. Como afirma Virginia Torrente: «El arte es un arma para indagar en el entorno. Una meditación entre seres humanos que a veces sirve para contar cosas que de otra manera no se explicarían». Recuerdos que vienen de la comunicación corporal, del dolor, del viaje, de la memoria, de la infancia, de personajes que se han de rescatar, y por su puesto tampoco caiga en el olvido nuestra propia identidad. Hay es donde el arte tiene que poner sus herramientas para hacerlo perdurar por la eternidad: buscar en el Antes de ayer, para no olvidar.

Alejandro Mañas García Profesor del Departament d’Escultura de la UPV

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CUADROS-POSTALES PARA SER ENVIADAS A OTRO TIEMPO

Consigue un sello antiguo, Pégatelo en la frente, Cierra los ojos y viaja al pasado.

Atravieso el umbral: una puerta de madera abre el espacio, un viaje en el tiempo. Una escalera hipertextual conecta dos espacios, que son en realidad infinitos superpuestos en un palimpsesto transitable.

La exposición Antes de ayer de Irene Covaleda es un acto de comunicación donde dialogan tiempos, espacios, modos de ver y modos de hacer.

En el pasado, cierra los ojos, respira profundo, déjate llevar.

Me detengo frente a uno de los cuadros de la muestra, respiro hondo y sus transparencias se vuelven de un material ligero, una especie de niebla templada que me permite atravesarlo, saltar al otro lado de la ventana. Allí me encuentro a una Irene todavía niña, a la sombra de un guardasol rojo oriental.

En el suelo, juega con distintos materiales, atenta a sus texturas los mezcla y combina en un acto de unión de lo viejo con lo nuevo. Y tras el juego, un acto de reflexión. Observa: el rojo guardasol no impide que la luz atraviese las obras y las traspasa proyectando una sombra móvil, porque en la obra de Irene hay algo de tránsito, de pequeños ritos de paso.

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Compra un sello, Pégatelo en la frente, Envíate a otro lugar, Entrégate al presente.

Y tras el juego, la introspección: tras el viaje, el regreso. Volver a una casa sin paredes donde las líneas se dibujan en el aire formando su estructura. Atravesarla parece fácil, pero uno debe adentrarse en ella a través de sus sombras. Irene nos señala el camino por un sendero de luz, y al traspasarla, nos transportamos a una infancia feliz. Allí La artista nos invita a volver a jugar, a experimentar la libertad creativa, nos desvela unos descubrimientos científicos y nos inventamos símbolos.

Sin miedo, nos sumergimos en un charco de agua que refleja un verde intenso y con el barro del fondo, modelamos la materia pictórica. Irene salta e imprime en esa sustancia sus manos, sus pies… y nos invade la alegría de volver a ser a través del fluido y la textura. Consciente del paso del tiempo, Irene sella las obras para que su yo de ayer traspase, paso a paso, el presente.

En el presente, cierra los ojos, respira profundo, déjate llevar.

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Elia Torrecilla Profesora del Departamento de Arte de la Facultad de Bellas Artes de Altea.

Universidad Miguel Hernández de Elche

IRENE COVALEDA

PIEZAS Y REFLEXIONES PARA ANTES DE AYER

En el tejido social actual, existen multitud de retos que artísticamente debemos abordar. Entre ellos, el de reflexionar sobre sobre el entorno que habitamos, “Antes de Ayer” es una exposición que habla del tiempo y de la percepción que tenemos sobre él. Los proyectos que se interpelan al uso del espacio y que abordan las relaciones existentes entre ámbitos cuyos límites resultan cada día más difíciles de precisar, son los motivos con los que he trabajado para evidenciar el trasvase de una a otra esfera. Con las obras que se muestran en la exposición Antes de ayer, se pretende crear un espacio de debate en el que las distintas áreas de la producción artística jueguen un papel de difuso reconocimiento.

Las obras de la historia del arte forman y deforman metáforas que implican múltiples voces, lecturas y construcciones. El acceso a los medios y estructuras de información artística, podría ser una de las causas de la proliferación de movimientos como el net art, el video-arte, acciones callejeras y performances, corrientes que apuestan por la integración de la actividad artística en las estructuras de los medios y códigos cotidianos de comunicación.

Plantear estas ideas supone la utilización de múltiples elementos en cada pieza, como las transparencias del hule, los sellos que han transportado infinidad de contenido y han estado en circulación comportándose como instrumento para verificar una mercancía o un recibo, o malla que actúa como soporte para generar sombras que también formulan texturas. Y es en este sentido, en el que quiero generar un debate sobre el comportamiento del arte y su papel.

Los tiempos que establecen el presente y el pasado, permanecen en permanente revisión y aparecen en la obra como relación a la inestabilidad que propone el sistema de información. En este proceso de análisis, “Antes de Ayer” propone una revisión de la combinación de materiales y su sentido en la sala de exposiciones.

Irene Covaleda Doctora en Bellas Artes

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ANTES: Empieza.

Finalizará en algún momento, más ¿importa cuándo?

Empieza, porque empieza.

DE: La manera de correspondencia de aquellos y estos discursos, van a proporcionarnos de capacidad de transformar y transformase.

AYER: Palabra que pertenece a las anotaciones que se han producido durante el paseo pasado.

Paisaje in situ. 2019. Tríptico.

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Al Aire. 2018. Mixta. 114 x 162 cm

“Girl Under a Japanese Parasol” 2019. Ready-made

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Las notas que se borraron. 2017. Mixta. 70 x100 cm

Detalle. Transparencias y manchas de color.

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Nota al pie. 2011 Mixta . 70 x 100 cm

En “ANTES DE AYER” hay un continuo Romper y Crear se forma, a veces, tras roturas Nvoluntarias. Completan partes pero algunas desaparecen en el proceso de creación.

Lo anecdótico no está Ncompleto, pero a veces, carece de importancia. Se muestran sutilezas del efecto y su defecto.

Los innovadores de las Artes Plásticas, son constructores de nuevas visiones de los objetos y reveladores de un Objeto Nuevo, o sea, de uno viejo.

Lass palabras son Ropa de Familia, son heredadas y herencia. Los elementos de las formas, como la luz, la línea, la superficie, son elementos enterrados entre los secretos de la composición.

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Detalle de sala con “Verdes” y “nota al pie”..

Leer las cartelas, es un acto de solidaridad con el artista. La obra, que tras ese periodo de comunicación escrita al fin, es observada en su formato, queda como adulación cultural, y asume que carece de valor hasta que la juzguen digna de volver a mirarse. Por eso no hay cartelas “Antes de Ayer”

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Intramurs. 2019. Instalaciรณn - site specific..

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SOBRE IRENE COVALEDA & COLECTIVA

Son muchas las facetas que Irene Covaleda es capaz de desarrollar y a la vez sorprenderte.

Su manera de moverse en el mundo artístico hace que las disciplinas se entremezclen y discutan por sus límites. Por un lado, si bien trabaja el lienzo con colores, digamos, planos, los transfiere con sutiles relieves; sus blancos están llenos de matices; y repite una y otra vez texturas verdes de su Teruel natal. Sus soportes, tal vez, de antaño, los entrecruza con materiales impropios para la pintura convirtiéndolos en pequeños volúmenes escultóricos rellenos de sombra y vacío.

Dicho así parece un espectro un tanto contradictorio, y Sí, su arte se lo permite. Aunque su obra se pasea por caminos fronterizos y de riesgo, Irene Covaleda nos muestra un viaje tranquilo, pausado, llano, sin estridencias aparentes, que invitan a adentrase en sus entrañas, y a la vez, a interpelarnos, dejándonos sólo ante sus dudas. Porque ella nos plantea la cuestión, ¿de donde venimos? ¿A donde vamos? En Antes de Ayer, se quiere reflexionar sobre la manera de actuar en un presente que parece no tener pasado y un futuro tan inmediato, que parece ya, obsoleto, ya, pasado. Irene Covaleda pretende mostrar un espacio pausado, que parta de Antes de Ayer para construir arte de hoy, de futuro, para construir la identidad, una identidad que se siente mujer y a la vez artista.

La exposición Antes de Ayer, que he tenido el placer de comisaria en la sala de L’Ajuntament Vell, el antiguo ayuntamiento de Bétera, nos ha sorprendido a ambos, a Irene y a mí, pues se ha creado, un nuevo espacio, una nueva obra que nos ha ayudado a multiplicar las lecturas y conformar una mirada más exquisita donde saborear todas las aristas del trabajo de la artista turolense, Irene Covaleda.

Aún así, he de puntualizar un detalle relevante que quizá nos ayude a precisar la esencia de esta artista. Se trata de la obra “Girl Under a Japanese Parasol”. Un ready-made, un hecho de Antes De Ayer, una apropiación, un homenaje a Ernst Kirchner, en definitiva una mirada al pasado para lanzarse a crear nuevas expectativas, nuevos futuros

La elección de este objeto encontrado nos desvela la capacidad de observar, de mirar con otros sentidos y poder construir una pieza artística desde la nada, desde el vacío. “La sombra japonesa” ha sido un punto y aparte, el colofón de un viaje, ese momento inesperado, azaroso; es el destello de una chispa que le ha abierto las alas para buscar otros escenarios, un objeto de Antes de Ayer que le abre las puertas a un

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futuro, quizás, incierto, pero, sin duda, esperanzador. Irene Covaleda ha empezado una ruta que ya no puede dejar atrás.

Sería injusto por nuestra parte dejar a un lado, a esos otros artistas que han colaborado en esta exposición de IRENE COVALEDA & COLECTIVA.

Para reforzar la idea de Antes de Ayer, decidimos buscar la participación de otros artistas para que desde sus diferentes perspectivas nos proporcionaran otras lecturas. Buscamos artistas emergentes, otros más consolidados y por último artistas fuera del ámbito universitario, si se quiere, amateurs, los eternos amateurs, los grandes conquistadores.

Y por seguir el recorrido de la sala, empezaré con Paco Alcantud, con su puente, un puente que nos traslada del ayer a un mañana, de una orilla a otra, a veces inalcanzable a veces sin final; Vicent Salvador, nos muestra al poeta Josep Mª Ribelles, la reivindicación de un poeta que ya falleció y que vivía la vida observando a la muerte; Alejandro Mañas, exquisito, nos muestra a San Ignacio con la mano en pecho, como la fuerza que nos ayuda a avanzar; el dolor y la angustia, como coraje, como creatividad, es lo que nos quiere mostrar el artista de Albuixech, Cristian Gil reflejando el alma de su ser querido en el espejo casual de la pared de enfrente; entre pilar y pilar, Chiara Carzan, presenta una fotografía de una rejilla, donde por debajo de esta podemos observar un pasado, quizá lo que nos estorba, quizás tantos sueños perdidos; Anna Lombardo nos trae un recuerdo, canciones en formato LP. Horas y horas escuchando a Pavarotti. A veces amado, a veces odiado, tachado, borrado. Recuerdos del pasado que forman parte de nuestra vida presente y que son a la vez la fuerza de lo próximo ; en una esquina, arrinconados, los doce apóstoles de DelaCage & Arze, dos artistas asturianos, que nos muestran la otra cara de ese Antes de Ayer, donde los apóstoles eran tratados, vapuleados, encerrados y torturados como delincuentes tal y como ocurre ahora con aquello que se sale de la norma, de lo común. Por eso Pepe Gimeno en su Cartel de gran formato nos muestra el canibalismo como aquello en lo que nos estamos convirtiendo, compitiendo humanos con humanos por ser los dueños de una parcela que no nos pertenece, como es el planeta, nuestro planeta, de todos.

Martíllopis_Comisario

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& COLECTIVA

Alejandro MaĂąas Cristian Gil Arze & DelaCage Chiara Carzan Pepe Gimeno Anna Lombardo Paco Alcantud

«cada vez que el hombre cae en aquel pecado o defecto particular, ponga la mano en el pecho» __San Ignacio de Loyola

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Alejandro Mañas Mano en pecho

Cristian Gil Instalación

“La malaltia, el dolor, la mort... ens podran eliminar. Però l’art ens farà eterns i lliures”

Su investigación sobre temas de arte y salud, gira en torno a las representaciones que desde el arte se pueden hacer sobre el dolor, la enfermedad, el sufrimiento, la muerte, la vida, la esperanza, el cuerpo, etc.

En esta obra titulada “A tu iaio” y a modo de homenaje, trabaja sobre la muerte como un vacío lleno de dolor. Para ello toma como inspiración las confluencias entre cuerpo y naturaleza compuestos por fluidos esenciales como el agua y la sangre. El riego sanguíneo es ingrediente fundamental para la existencia del cuerpo, y el agua para la huerta, la que su abuelo llenaba de vida con el método tradicional de regadío.

Este método es utilizado ahora como metáfora para verter sobre un ataúd negro unas piezas blancas de gres, entendidas como la cosificación del dolor y siendo estas el resultado de apretar fuerte con la mano. Un sufrimiento que se desborda en los más próximos, anegando, y ahogando. cuerpo de pena y de

dolor.

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Arze & DelaCage

Instalación

“Yo estoy con vosotros todos los días, hasta el fin del mundo” _(Mateo 28:20).

En nuestra re-interpretación de La Última Cena aprovechamos las propias connotaciones de la técnica del transfer para recrearnos en el concepto de dualidad positivo-negativo y conseguir re-contextualizar la celebérrima escena.

Hoy en día vivimos en una sociedad movida por el morbo y la ira que conmemora más “el mal” que “el bien”. De esta forma, convertimos a los que en su día fueron santos en delincuentes y tatuamos a cada uno de los apóstoles con su simbología más representativa como si se tratase de una asociación criminal. Y es que, pese a que parezcan mundos completamente opuestos, la religión y la fe siempre ha estado muy conectada con la penitencia y la cárcel. Desde gente que ingresa en prisión por crímenes cometidos por motivaciones religiosas hasta otros que precisamente en prisión creen haber visto la luz y recuperado la fe. Por ello, las caras tatuadas no son la única referencia al ámbito penitenciario, pues no se trata de un recurso puramente estético. También el color rosa de los platos hace referencia a las cárceles que tiñen de rosa las pertenencias de los presidiarios con el fin de enfadarlos y/o humillarlos. Pero aún hay algo más evidente, y es que si existe alguien que pueda decirse que practica esa Última Cena, es un preso condenado a pena de muerte antes de su ejecución, concepto que los estadounidenses creyeron conveniente rebajar titulándolo como nosotros a esta obra, “La Cena Especial”.

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Anna Lombardo

Carátula de vinilo intervenida.

“Quando l’altro ieri arriverà: Parlami d’amore Mariù” è”

- La memoria di uno scarabocchio intanto il nonno sceglie la musica - Un Io esploratore di librerie dimenticate - Lo stupore del ritrovamento: il passato è una linea retta che ci viene incontro; - La differenza tra oggi e l’altro ieri - Soffermarsi sul ruolo che hanno oggetti nella nostra vita

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Pepe Gimeno Cartel

“Si analizamos el “Antes de Ayer” de la historia de la humanidad, encontraremos grandes similitudes en lo que es esencial en el ser humano. Sus sueños, sus miedos, sus sentimientos, son básicamente los mismos. Así el pasado y el futuro se unen en un bucle interminable. Nuestro “Hoy” es la “Post- Prehistoria” del futuro”.

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Chiara Garzan Fotografía

“Le grate sono linee sottili tra passato e presente, creano nuovi orizzonti”.

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Paco Alcantud Fotografía

“Aquella noche luminosa y espejada en la que estuvimos a punto de ver el infinito, y nos dimos cuenta que el camino para llegar hasta allí comienza antes de ayer y termina pasado mañana”

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Vicent Salvador Fotografía

“El ayer como cimiento Melancolía o ternura.

Lo que no tiene sentido Antes de la propia muerte” _Josep Mª Ribelles

Aquesta obra remet a la exposició RIBELLES EN TERTÚLIA. És una mirada directa, brillant sobre la figura de Josep Maria Ribelles un out sider de la lírica que va marcar una fita en les lletres hispàniques en els anys setanta del segle passat amb el llibre ''Penumbra del cuerpo que ilumina''.

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DE LOS ARTISTAS

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DE LOS ARTISTAS Cristian Gil, con la intención de recuperar aquello pasado y doloroso, saca de su memoria el recuerdo de un amor que se ha hecho estética para romper sus emociones de un trance y relación de nieto a abuelo. Tras su fallecimiento, Gil rompe con el silencio para exponer una relación de cariño y de amistad que ya no se encuentra, y que el arte hará eterna.

Otros recuerdos de la infancia me vienen a la cabeza con Chiara Garzan y su obra, recuerdos y recuerdos de la niñez, juegos, miradas, búsquedas de tesoros…

Cuantas veces de pequeños y no tan de pequeños la curiosidad nos hace mirar entre ventas de casas viejas, habitaciones cerradas… recuerdos, misterios, lo oculto.

La obra te lleva a mirar a través de una mirilla, buscando lo que hay más allá, recuerdos de un pasado.

De una caja salen piezas de un blanco roto, que nos recuerdan a lo que queda tras la muerte, restos arqueológicos de aquello que un día fue vivido. Con ello manifiesta la energía, sus espíritus y la memoria.

De esta forma ofrece al espectador potenciar su curiosidad por el qué habrá al otro lado: ¿quizá otra dimensión? ¿Nuestro interior?

Anna Lombardo nos habla de la nostalgia, aquella de la que hemos hablado, la infancia. ¿Quién no recuerda viajar con sus padres escuchando a José Luis Perales, Antonio Molina o Demis Roussos en aquellos casetes que parecían interminables? Lombardo nos habla de sus recuerdos de una manera sencilla y directa, un disco de vinilo de Luciano Pavarotti, que, a modo de soporte, su carátula es re-escrita a modo expresionista sobre su superficie, en el que tacha los ojos, la mirada y el recuerdo de aquel disco una y otra vez escuchado.

Continuando el viaje del pasado al presente Pepe Gimeno a través del diseño, nos expone la importancia del descubrimiento, sobre todo en un viaje que en la creación artística nos hace preguntarnos.

Pues su inspiración está inmersa en la sociedad, por la cual, a través de los sentidos de los que percibe del mundo real y circundante, sonidos, imágenes, sensaciones, etc., se convierten en el sustento que dará la obra, por ello, el artista creará obras que reflejen su sociedad actual, de la que antes ha analizado e investigado.

Un camino que nos ayuda a descubrirnos, para dar respuesta a la cuestión del hombre, la cuestión de la existencia.

En este sentido, Aimé Michel apunta que «el hombre que mira al mundo interior na-

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ció al mismo tiempo que el hombre en sí, durante los milenios de la Prehistoria» Todo el arte es una conexión como la obra de Paco Alcantud que nos trasporta mediante una fotografía poética de un puente a dos mundos, el de ayer y el de hoy, recordándonos la importancia de revisar, de hacer introspección, del mirar atrás para caminar hacia el futuro. Recordándonos que el artista es capaz de dar una nueva estética artística a partir de la historia.

Arze & DelaCage nos invitan a cenar junto a los apóstoles, nos predisponen a los apóstoles de Ribera -recordándonos el pasado- intervenidos como pieles tatuadas. Una obra que nos invita a pensar, a recordar y dialogar, pues su luz central nos trae la intimidad de aquel cenáculo donde estaba en juego la humanidad, donde lo sagrado se convierte en profano y a la inversa.

Asimismo, la obra se nos ofrece como una pasarela para una metafísica que nos llevan a la interiorización, al cultivo interior como puente de aquello que está más allá.

Una interesante puesta en escena que nos retrae nuestra historia conjugada con la contemporaneidad.

Caminar hacia atrás y hacia delante, rememorar lo que un día hubo y ya no esta, es otro puente que nos propone Vicent Salvador. Pues nos trae a la memoria de inmediato a través de unas excelentes fotografías el recuerdo y vivencia del poeta Josep Mª Ribelles. Personajes ilustres e intelectuales en muchas ocasiones caen en el olvido, y que, gracias a la cámara, hoy podemos rendirles homenaje. ¡Cuántas historias por conocer, si no fueran por los artistas!, que gracias a su afán por recuperar lo perdido, hoy siguen vigentes en nuestros pensamientos y memoria

Y, por último, mi obra Mano en pecho, pieza que nos trae una vivencia del pasado a una visión contemporánea. Y cómo con el ejemplo se predica, os expongo mi viaje: Mano en pecho es la pieza elegida para la muestra, está inspirada y tiene como referente a san Ignacio de Loyola. La obra nace como necesidad por retratar todo un mundo de búsqueda interior, el retrato de la experiencia mística, así como el fervor religioso que se respiraba en el Siglo de Oro: una búsqueda incesante por alcanzar lo absoluto. La pieza representada del Santo son los Ejercicios espirituales.

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Una parte en la que incide Mano en pecho, es la influencia de Ignacio de Loyola en un hecho artístico, en la actitud vigilante de caballero. Con el afán de parecerse a él, muchos aristócratas se hacían retratar con una calavera o mano en pecho, haciéndose valer simbólicamente como hombre ascético y espiritual. Por tanto, procedo a representar esta actitud en un escenario tenebrista en el que la bruma va inundando la acción. Este elemento es utilizado porque genera una consciencia más lenta y cauta, la que alude al mundo del pensamiento racional que más tarde da paso a la ensoñación, lo ambiguo, un tipo de conocimiento con más matices .

Todo ello conjugado con la luz, concepto positivo, representando aquello que se interpone entre la vida y la muerte. El

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conjunto de la acción va acompañado de una música mantra que ayuda a generar el ambiente de introspección. Toda una obra que ha necesitado una mirada al pasado.

Alejandro Mañas

CURRICULUMS Irene Covaleda Irene Covaleda es artista e investigadora, comienza su carrera artística profesional en la Escuela de Bellas Artes de Teruel.

Prolonga su formación en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca donde da lugar su desarrollo como Mail Artista. Este periodo da paso al incremento del análisis del panorama actual artístico para así estudiar el Máster de producción artística que mas tarde le llevó a elaborar una Tesis Doctoral en la que abordó el Mail Art como herramienta para la creación de puentes interdisciplinares de comunicación.

Actualmente es profesora en el grado de BBAA en la Universidad de Zaragoza y ha realizado numerosas exposiciones a nivel individual y colectivo en espacios de reconocido prestigio como la sala de la muralla del Col•legi Major Rector Peset perteneciente a la Universidad de Valencia, en la Casa de Cultura de Bétera, Spai de Art de Benidorm, en la Escuela de Arte de Arte de Teruel, en diferentes salas de la Universidad de Zaragoza y ha publicado artículos en revistas de investigación así como diferentes libros junto a grupos de investigación de Valencia y Teruel. Par-

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ticipa anualmente en diferentes congresos de investigación artística a nivel nacional e internacional y ha formado parte de distintos comités de selección tanto en proyectos de exposición artística como en congresos de investigación.

Coordina el área de conocimiento Circulart del laboratorio Circular Society Labs en el que se presentan líneas de trabajo vinculadas al desarrollo socioeconómico, sostenible y de innovación social en el marco de producción con el que se pretende impulsar la creatividad y la innovación a través de convocatorias participativas con las que poder exponer los resultados en diferentes espacios Irene Covaleda, de esta manera, pretende mantener una linea que forme parte de las diferentes áreas de conocimiento para abordar las circunstancias desde varias perspectivas, diversas voces y planteamientos, de un modo plural.

En la sala última, es decir la principal de este proyecto, nos encontramos con una obra que nos habla de la experiencia humana hecha lenguaje, rescatando lo que denomino patrimonio inmaterial de nuestra sociedad.

El artista tiene que rescatar la memoria olvidada para recuperarla, como en el caso de esta exposición, en que la espiritualidad y lo humano se ponen en evidencia. Así mismo, la obra de Irene Covaleda, que conjuga la instalación y la pintura, nos acerca a su viaje personal, en el que rememora sus recuerdos a través de gestos pictóricos que recuerdan mensajes escritos para el futuro.

Sus obras nos evocan a postales que como un Mail Art, esperan su respuesta. irenecovaleda87@hotmail.com

Alejandro Mañas Profesor del Departament d’Escultura y Doctor en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València. Su trabajo versa sobre la mística y la espiritualidad en el arte contemporáneo. Su obra plantea la creación de espacios para el cultivo de la interioridad y la búsqueda de conocimiento en la sociedad actual. Entre sus últimas exposiciones individuales se encuentra: La antesala (2017) Fundació Caixa Castelló; o Silenx nox (2018) en Panamá. Ha participado en muestras colectivas como: Donde germinan los silencios (2019) en el Centre del Carmen; Antropologías contemporáneas (2019) en la galería La Xina Art de Barcelona; Solo Pintura (2019) en el Museo de Arte de Caldas. Su obra está presente en diferentes instituciones como: Museo de Bellas Artes de Castellón; Centro Internazionale d’Arte Contemporanea (Roma); Universidad Católica de Colombia; o Colección cultural de la AECID en Tegucigalpa, entre otras. Actualmente es representado por la Galería Espai Nivi Collblanc (Castellón). alejandro.manas.garcia@gmail.com

dor artístico en el IVAM en la exposición “Respiración Artificial” de la artista Dora García; ha participado en la construcción de Fallas Experimentales para la UPV Camí de Vera y ha sido premiado en la XX Mostra d’Art Públic de la UV y OliverArt (La Granadella, Cataluña), creando en ambas una escultura para el espacio público. De sus muchas exposiciones destaca internacionalmente la exhibición de su obra en la Maison du Arte de Tetouan (Marruecos), en la Resonance Gallery de Plovdiv (Bulgária), en el Taman Budaya de Yogyakarta (Indonesia) y en el Arsenal de Venecia.

cristiangilgil92@gmail.com

Cristian Gil Grado Profesional de Música y Graduado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València.

En la misma universidad cursa actualmente el Doctorado en Arte donde desarrolla tareas de investigación (arte y salud) y docencia. Su obra plástica, aunque multidisciplinar, está ligada principalmente a la escultura en la que trabaja materiales como terracota, resina, hierro y madera.

Entre otros, ha trabajado como dinamiza-

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Arze & DelaCage

Dos jóvenes artistas visuales multidisciplinares de origen asturiano. Ambos graduados en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y técnicos superiores de artes plásticas y diseño en Ilustración por la Escuela de Arte de Oviedo.

Pese a su corta experiencia profesional, han realizado y participado en numerosos proyectos, tanto individuales como colectivos, a nivel local, nacional e internacional.

También son los fundadores y coordinadores de Defensa Gráfica, las primeras jornadas virtuales de arte humanitario.

Un proyecto en colaboración con Amnistía Internacional España que recauda fondos para financiar campañas en defensa de los derechos humanos.

Levante EMV, Diario 16 o Saó.

Ha participat en Camacuc, Germania i Brosquil Edicions. Ha obtingut diversos premis de fotografia, Gavà (Barna), Silla, Puçol, Canals, etc... A l’any 2007 realitza una exposició a Puçol sobre la figura del poeta Josep Maria Ribelles.

A partir de 2014, forma part de l’equip MADE IN MARTÍLLOPIS. envicent@yahoo.es

arze@arze-art.com delacage.artworks@gmail.com

Vicent Salvador i Llopis

Pepe Gimeno

Comença a treballar en la fotografia a finals dels anys huitanta. Durant la mateixa dècada forma part del col·lectiu d’artistes de l’Horta Nord_PINÇA. Ha format tàndem amb els també fotògrafs Antonio Requena, amb qui va realitzar entre altres exposicions Fragments d’un paisatge, i amb José Manuel Ortuño, amb qui va confeccionar un treball sobre els escriptors valencians.

Ha col·laborat amb alguns mitjans com ara El País, Las Provincias, Camacuc,

A lo largo de su trayectoria, Pepe Gimeno ha desarrollado proyectos en los campos del diseño gráfico, la tipografía y las artes plásticas. Su trabajo ha sido reconocido con numerosas distinciones y premios. Ha recibido, en 2001, TDC Typeface Design Award por su tipografía FFPepe y en cinco ocasiones el TDC Communication Design Award del Type Directors Club de New York, así como tres certificados del ISTD del Reino Unido, el Golden y el Platinum Award del Graphis Poster.

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Su obra ha sido recogida en numerosas publicaciones internacionales y ha formado parte de exposiciones que han recorrido Europa, Japón, Estados Unidos, China y Sudamérica. Su trabajo queda reflejado en proyectos como Diario de un Náufrago o Grafía Callada expuesto en el IVAM en 2004, en el TDC de Nueva York en 2015 y en el CCE de Miami en 2016.

organizadora de eventos culturales Exposiciones: 2019. Individual: ARTIST FLUID EXPO. Wayco, Valencia. Colectiva: Locus Solus - Palazzo Branciforti, Palermo 2018 Error T4 – UPV, Valencia, Colectiva: Transparere - UPV, Valencia. Comisaria: MARCAT TACREM - Rafelbunyol

pepe@gimenografic.co http://www.gimenografic.com

2018 Colaboraciones: In liberty we trust di Gabriella Ciancimino, Collateral Event de Manifesta12 Palermo. Onde Corte - Geografie possibili con Alessandro Olla- Festival Curva Minore 2018, Palermo.

Chiara Garzan Graduada con honores en 2019 en la Accademia di Belle arti di Palermo en el curso de arte ambientale e linguaggi sperimentali, ha hecho el Erasmus en la (UPV) Universitat Politecnica de Valencia en 2018. Actualmente estudiante en el curso de segundo grado de Comunicazione Espositiva en la Accademia di belle arti di Brera (Milano). Su ambicion es hacer una carrera como comisaria y

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chiara.carzan@libero.it

Anna Lombardo

Juan Luis Llopis Salvador _ Martíllopis.

Anna Lombardo Erice, Sicilia. Realiza los estudios en la Academia de Bellas Artes de Palermo, haciendo el curso de Arte Ambiental y Lenguajes Experimentales.

Actualmente, ha realizado su Erasmus en UPV, Valencia.

Máster en producción artística en la Facultat de Belles Arts de la UPV. El interés por el arte, sus periferias y el rastro que este deja en la sociedad es lo que mueve a este artista para conformar su proyecto de comisariado artístico.

Lleva desde 2014 trabajando con su propio equipo Made in Martíllopis, y desde 2017 haciendo las labores de comisario para artistas como Bel Folgado, Kita Pardo, Inés Regaña, Nano Pía, Tania Ansio y el grupo LAPASSA, siendo su principal objetivo la apropiación en lo colectivo. A destacar sus exposiciones anteriores: “Embalatge” y “Sin título”, donde colaboraron artistas como Tham Casany, Pep Sales Gavarda, Gema Hoyas, Pepe Romero, Teresa Cháfer, Elena Martín, Miquel Valls, Gara Barreto, Elia Torrecilla, Irene Covaleda, Pepe Gimeno y Alejandro Mañas. martillopis@martillopis.es www.martillopis.es

Su principal herramienta expresiva es la fotografía, pero sigue siendo exploradora de las posibilidades que puede ofrecer el sonido para exprimir su arte.

Exposiciones: 2019 Transparere; Error zUPV, Valencia. 2018 Locus Solus-Palazzo Branciforti, Palermo 2018 COLABORACIONES: In liberty we trust di Gabriella Ciancimino, Palermo 2018.

Onde Corte - Geografie possibili con Alessandro Olla- Festival Curva Minore 2018, Palermo. MERCAT TACREM. Comisaria.

Casa Cultira Rafelbunyol. annannalombardo@gmail.com

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IRENE COVALEDA & COLECTIVA

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IRENE COVALEDA & COLECTIVA

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