El grito_ capítulo 1

CapĂ­tulo I Un proyecto expositivo comisariado por MartĂ­llopis

2020 | Ediciones

Capítulo I Un proyecto expositivo comisariado por Martíllopis

2020 LAPASSA Ediciones

El Grito Capítulo I

Un proyecto expositivo comisariado por Martíllopis

Artistas participantes: Arze & Delacage Aurora Valero Claudia García de Mateos Sanchis Ester Galán Irene Covaleda Inés Regaña Kun Xiu Isabel Martí Miquel Ponce

Made in Martillopis Pepe Gimeno Pep Sales Gabarda Sara Vilar Van Jesus Toni Simarro Vicente Carrión Ximo Micó Mario Piragüilla Martíllopis

Diseño y maquetación: arze.design Fotografías de los trabajos: Tham Casany, Vicente Carrión, Claudia Garcia de Mateos Sanchis y Vicent Salvador.

Colaboran: Universitat Politècnica de València Ajuntament Alboraia Agradecimientos: Encarna Dolç (Gestor cultural de Alboraia) Manuel Andreu (Regidor de cultura de Alboraia).

© de los textos: Los autores © de las imágenes: Los propietarios © de la presente edición: LAPASSA

2020 LAPASSA Ediciones ISBN: 978-84-09-26050-8

Repensar El Grito.

La individualidad colectiva.

El proyecto expositivo El Grito parte de una tesitura, crear un nuevo discurso a partir de la obra de Munch, El Grito. Su objetivo pasa por observar la realidad que nos rodea para mostrar alguna de sus caras, incluso las no visibles, y, a la vez, hablar de arte.

El planteamiento es el siguiente: cómo pintaría, esculpiría, dibujaría, fotografiaría… Munch, El Grito, ante los cambios que se avecinan?

En ellas se apuesta por dar salida a lo emergente, a los alumnos de grado, de máster, doctorandos, y también a profesionales tanto del ámbito universitario como fuera de él, sin olvidar el arte amateur, un tanto ignorado. Se configura así una amalgama de propuestas que puede reflejar los diferentes puntos de vista de la sociedad actual.

Partiendo de esa realidad se ha propuesto abrir un camino donde cada cual desde su perspectiva pueda aportar su trabajo artístico. Éste puede ser una idea, un objeto, una pintura, una performance.

Dejo aquí sus palabras: “Estaba paseando con dos amigos. El sol se ponía. El cielo se volvió de un rojo sangriento. Sentí un vahído de melancolía. Me sentía mortalmente cansado sobre el fiordo azul y negro. De la ciudad colgaban sangre y lenguas de fuego. Mis amigos siguieron caminando. Yo me quedé atrás, estremecido de ansiedad. Sentí el gran grito en la naturaleza.”

- Munch (1893) El Proyecto El Grito se plantea como idea colectiva. En él se pretende evitar la mirada individual, y sin renunciar a las distintas subjetividades de los diferentes artistas, buscar la suma de lo común, un producto final que multiplique los relatos. Es una propuesta que, a la vez, va mutando de sala en sala, de ciudad en ciudad, en un continuo desarrollo que conserva la idea primaria de El Grito. En cada paso se amplía el elenco de los participantes y se colabora con diferentes comisarios para dar voz así a otros tantos nuevos artistas que enriquezcan, entre todos, los resultados.

El proyecto El Grito, quiere mostrar el papel del arte en un mundo agotado, cansado como diría Byung-Chul Han. La sobreexplotación junto con las auto-exigencias del máximo rendimiento han desconfigurado la sociedad utópica. Pero lo que sí aporta este nuevo paradigma, en nombre del progreso y la riqueza, es precariedad. Una precariedad configurada y conformada gracias al consumo desenfrenado y a la vez anonadado por la hiperinformación online. Un cambio que también ataca el medio ambiente, lo ecológico y lo saludable. Nada queda fuera del control de este capitalismo planetario.

Desde nuestra perspectiva podemos percibir, sentir y palpar que la naturaleza se está revelando y que la respuesta por parte de la sociedad y de sus dirigentes es insuficiente. Los artistas como observadores, tenemos la necesidad de mostrar lo que vemos y tal vez, como Munch, angustiados, de expresarlo en un lienzo, una tabla, un papel o cualquier disciplina que más se acomode a nuestras intenciones. Además, en

este proyecto se quiere realizar una exposición donde se conformen otras tantas lecturas que impliquen también al espectador como parte del colectivo y de esa manera crear entre todos una única obra que en cierta manera refleje el horror que en su día percibió Munch.

Si bien cada artista tiene su propio método y defiende su disciplina, lo que se les pide es que reparen, busquen y documenten estos cambios que afectan a nuestro planeta y que se nos presentan de manera arbitraria por los media, tergiversando los hechos según la parte interesada de los mismos.

Hoy las verdades se licuan como apunta Zigmunt Bauman, nadie es poseedor de las mismas. Nos queda por tanto la opción de exponerlo, tal vez gritarlo.

Por otro lado, simultáneamente, les pedimos que para titular su obra, como cartela, escojan un titular de prensa, un titular de hoy o de antes de ayer, o quizá que lo creen ellos mismos, como las fake news, pues es tanta la información programada que absorbemos que nos hemos vuelto inmunes. La realidad mediática ya no nos causa aflicción alguna.

Con todo, a modo de conclusión y referente al aspecto formal, en el montaje expositivo, en su conjunto, nos gustaría aportar nuestra propia propuesta que no es otra que desarrollar en cada muestra y como programa intangible varios conceptos. La TAUTOLOGÍA, la IDEA, lo EFÍMERO y lo COLECTIVO.

Por un lado y apoyándome en Joseph Kosuth, TAUTOLOGÍA. Pensamos que el arte habla de arte. Cuando realizamos una obra artística o una exposición no solo estamos expresando nuestra manera de ser y de proceder, y tal vez de donde venimos y a donde nos dirigimos, sino también cómo entendemos que es el arte y por tanto, valga la redundancia, cuando hacemos arte hablamos de arte. La IDEA como concepto nos habla de reflexión, documentación e investigación como paso previo y forma de trabajar para desarrollar el trabajo; la idea también, como algo intangible, nos lleva a lo EFÍMERO, aquello que a la vez es perecedero lejos de lo absoluto e inmortal y también a lo inmaterial, aquello que no está a la vista, la invisibilidad del arte; y por último, lo COLECTIVO, como modo de lucha contra el individualismo que tan arraigado está en nuestra manera de ser. Hoy más que nunca, la suma de todos es la única solución a un problema global y, como premisa, nos parece oportuno trabajar lo común, lo nuestro, en palabras de Marina Garcés, por encima de lo mío o lo tuyo.

- Martíllopis, comisario de El Grito

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Arze y DelaCage Dos jóvenes creativos asturianos acostumbrados a colaborar en la creación y gestión de proyectos artísticos. Trabajan entre las artes visuales, la ilustración y el diseño; en obras cargadas de crítica y de humor.

Ambos han participado en exhibiciones nacionales e internacionales y son los fundadores de Defensa Gráfica —las primeras Jornadas Virtuales de Arte Humanitario del mundo— un proyecto artístico destinado a recaudar fondos en defensa de los Derechos Humanos.

China anuncia que ya roza el pleno empleo infantil.

Esta obra trata de concienciar sobre varios conflictos socioeconómicos tangentes. Por un lado, cómo durante las últimas décadas las condiciones laborales de países como China, Pakistan o Bangladesh han convertido a los mismos en fábricas internacionales de bajo coste. Por otro lado, cómo en estos países existen enormes empresas como Foxconn que no dudan en explotar a menores de edad y a su vez reciben el beneplácito de gigantes conocidos por todos como Apple, Microsoft, HP, Cisco, Nintendo, Sony, Nokia, Amazon o Intel, entre otros. Todo eso teniendo en cuenta que aún existen multitud de países como Somalia, Corea del Norte o Eritrea donde las condiciones del trabajo infantil son aún más extremas.

Y a esto se suman otras dos preocupaciones. Por una parte, si nos acercamos, vemos señales como que en los últimos años cada vez es más frecuente ver Made in Spain dentro de los llamados bazares chinos; debido entre otras cosas al abaratamiento productivo en España que se ha conseguido mediante la reducción en salarios y condiciones laborales.

Por otra parte, si nos alejamos y tomamos distancia, ¿qué consecuencias tiene este sistema de producción lineal, no regulado y basado en la hipersaturación del mercado en nuestro planeta?

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Aurora Valero En 1953 va descobrir el mon de l’art: una experiència que va marcar la seua vida . Fins ara, mai ha deixat de treballar en la creació artística.

Tanmateix ha dedicat 44 anys a la educació en les universitats de Córdoba , Barcelona i Valencia. Ha realitzat mes de 100 exposicions individuals y mes de 200 col•lectives arreu del mon i està representada a molts museus. Estimar, sentir, comprender, transformar, expresar la bellesa i la força de la vida de manera emocionada, han estat algunes prioritats ineludibles.

Un crit a l’univers per la bellesa i la justícia.

Parlar de l’obra de Aurora Valero es enfonsar-se en un univers molt personal. L’energia i la força que ella ens mostra es materialitza en blanc i negre sobre el roig de la vida i el cosmos de color blau.

Aurora pinta o tal volta dibuixa allò que li neix, i ho fa per que sent la necessitat i la obligació de expressar-se des de dintre. De dintre cap a fora. La seua obra regida per les normes de composició mes adients fuig de la perspectiva renaixentista tergiversant la norma que regeix la pintura i el seu espai per a conformar una forma escultòrica que va de dins cap a fora, donant la benvinguda al espectador.

La impremta del blanc, de la llum del quadre sembla esclatar del centre cap als extrems diluint-se en les voreres creant moviments diagonals que inviten a observar i a anar més enllà del que hi té davant.

L’obra de Aurora Valero El crit de l’univers per la bellesa i la justícia es un homenatge a l’escriptor d’Alboraia Cristòfol Martí Adell.

Texto: Martillopis

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Claudia García de Mateos Sanchis Artista audiovisual. Estudió el Grado en Bellas Artes y el Máster de Producción Artística en la Universitat Politècnica de València.

Interesada en el cine, la fotografía, el diseño y la investigación teórica, trabaja con proyectos de carácter ensayístico, sobre conceptos como la autoexigencia, la sociedad del rendimiento y la deconstrucción de los relatos aprehendidos.

Adicción al trabajo: la paradoja de la autoexplotación laboral.

Bloque II: Descripción es la segunda parte del total de cuatro que configuran el proyecto Retrato de una cerilla, una investigación artístico-práctica sobre los mecanismos individuales y sociales que fomentan la autoexigencia hasta límites que provocan violencia neuronal.

Este bloque, influenciado por el mail art, consiste en la entrega de un sobre negro que contiene 24 postales: En el anverso vemos la combustión de una cerilla en el interior de un sujeto, y en el reverso, 24 preguntas por responder. Sólo hay una recomendación: responder en orden a las preguntas, puesto que configuran una línea de pensamiento evolutiva.

Al ser un work in progress, la colección de respuestas aumenta, pero en esta primera exposición se han mostrado más de 600 postales de 36 participantes, ordenadas por columnas según la pregunta contestada.

El proyecto nos plantea una cuestión muy clara: ¿la autoexigencia que se ha llegado a comprender como parte intrínseca de la personalidad, es realmente natural o es, por el contrario, un comportamiento inducido y naturalizado hasta el punto de hacerlo pasar como propio? ¿Soy así o he acabado siendo así? Si quieres saber más, e incluso participar, sigue el proyecto completo en: www.retratodeunacerilla.com

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Ester Galán Se licenció en Bellas Artes en 2014 y se dedica a la pintura mural, la pintura formal y la ilustración. El retrato y el cuerpo humano son su principal base de trabajo, ha realizado dos exposiciones individuales y está proyectando la tercera. Su mayor mural fue pintado junto a otro artista en la casa de la cultura de Alboraia en 2018. De carácter multidisciplinar en el arte y la artesanía.

La videovigilancia legal fía su gestión a la ética.

El susto, la sorpresa incómoda, un grito ahogado, miedo. Un retrato centrado. En el punto de mira, en todo momento. Este momento en sí, puede ser el resultado de la desnaturalización del ser anónimo.

La identificación del rostro a pesar de sus emociones, reconociendo sus medidas, sus marcas. Las emociones cedidas a la pantalla, a la cámara y a su vez haciendo caso omiso de ellas. Libres imágenes del individuo junto a su información, captadas en cualquier lugar y a cualquiera hora.

El fin del ser anónimo, viandante reconocido.

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Irene Covaleda Artista e investigadora. Durante su carrera académica ha utilizado diferentes técnicas creativas como herramientas para la creación de puentes interdisciplinares de comunicación y, en la actualidad colabora en diferentes colectivos artísticos interdisciplinares con los que realiza exposiciones y publicaciones en diferentes formatos. La obra que desarrolla está ligada a la pintura aunque también trabaja la instalación y la escultura.

Roban el agua destinada a la plantación de 10.000 árboles.

En la actualidad no nos impresionaría leer este titular en un periódico, sin embargo resulta extraño y es cada vez más inusual recordar la estrecha vinculación entre naturaleza y hombre. El fast life nos atrapa cada día y supone problemas de sostenibilidad y seguridad que afectan inevitablemente a nuestro escenario. Distraídos en nuestra capacidad de generar likes, perdemos la oportunidad de mirar al cielo, de descubrir las peculiaridades de los árboles y vegetación que nos acompaña, de observar la belleza del amanecer. Se han establecido otros rituales, mirar una pantalla es uno de ellos.

El elemento fundamental en la instalación realizada para la exposición El Grito es la madera de diferentes árboles. Se trata de 40 troncos macizos, dispuestos cada uno a una distancia de un metro y medio, es posible trazar diferentes recorridos. Esta pieza es un paisaje, un lugar que ocupamos y, es también una reivindicación sobre el espacio que quiero habitar. La vitalidad de estos árboles rebanados invita a reflexionar sobre el entorno cada día más devastado. Cada pieza que compone esta obra es irrepetible y para mirarla se recomienda silencio.

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Inés Regaña Licenciada en Bellas Artes y el Máster de Producción artística de la Universidad Politécnica de Valencia. Reflexiono sobre el arte como herramienta, para activar las sensaciones de los espectadores. Mi trabajo es interdisciplinar, siempre está presente el cuerpo, el espacio y el tiempo. En ellos suelen destacar materiales comunes convertidos en creadores de experiencias. Obras a destacar: Package, Mesogeios Thalassa, Violación, y Negro.

Todos los animales son igual, pero algunos son más iguales que otros.

La obra es una instalación de cinco metros por cuatro creada con papel translúcido, formando un rectángulo con paredes móviles. Terminada tras la acción realizada en su interior interviniendo el material con locuciones abstractas de pintura negra gracias a tres prótesis y a los movimientos creados con estas.

Erosión, tensión, intermitencia, extensión y aislamiento dentro de un recorrido que nos lleva desde un espacio exterior compartido a un espacio interior e íntimo.

Muestra las confrontaciones de la sociedad reflejadas dentro de un espacio de tiempo diseccionado en el cual podemos apreciar diferentes muestras de expresión, impedidas o alteradas por las prótesis, en las que no pretendo una invasión del arte sobre el espectador, más bien una continua experiencia formadora llevada gracias a mi cuerpo.

El sedimento que queda, es un espacio intervenido, un nuevo hábitat, que destaca por su plasticidad y sonoridad, que está pensado para poder seguir creando nuevas experiencias a posteriori de la performance. Este espacio es un cuerpo activo que se convierte en contenedor gracias a su función de dar y recibir.

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Kun Xiu Artista chino residente en Valencia desde 2012.

Con sus fotografías y vídeos desvía nuestra atención, desde las perspectivas urbanas complicadas y rápidas a las que nos hemos acostumbrado, a la naturaleza perdida hace mucho tiempo.

Muestran una reflexión sobre nosotros mismos después de apaciguar el ritmo. Fue residente en la galería nacional de Jordania y sus obras han sido exhibidas internacionalmente en ciudades como Valencia, Marnay Sur Seine, Santiago de Chile o Jyväskylä, en Finlandia.

The future of life on Earth lies in the balance.

Bruma, bruma, bruma, gris gris gris…

Muerte en los árboles, en las aguas, en los animales, en los seres humanos. Si no fuera por la bruma gris, los que viven en las grandes ciudades difícilmente sentirían las palabras “medio ambiente” y “naturaleza”, y tendrían pocos recuerdos de la sensación de mirar las estrellas o las montañas, ni se darían cuenta que las vidas se están marchitando en la naturaleza destruida por los seres humanos.

Este grupo de fotografías muestra consolar esas vidas marchitas en la naturaleza, revela esos gritos silenciosos de la naturaleza que han sido heridos por el rápido desarrollo de la sociedad humana. Al consolar las ramas secas y los cuerpos de los animales, siente la temperatura y el aliento que una vez poseyeron. Los niños son la única primavera que nos queda y la esperanza de que podamos abrazar esta tierra de nuevo.

Abrazar, abraza esas pocas aguas claras, cielo azul. Consolar, consuela esas vidas agotadas, y la conciencia humana perdida.

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Isabel Martí Artista amateur y componente del equipo multidisciplinar Made in Martillopis. Trabaja la pintura a partir de tierras y pigmentos.

Estos y sus devaneos provocados por las aguadas múltiples son el rizoma de su proyecto. Un proyecto intimista, donde el cromatismo y las texturas se unen para formar un solo cuerpo, una luz, una mirada.

Murieron en silencio y solos.

Un grito en blanco. La raíz de esta obra nace en el caolín, una arcilla de la tierra que nos ayuda a expresar de dónde venimos y hacia donde nos vamos. Forma y contenido se aúnan entre pigmentos grises donde el grito se ahoga para florecer la luz blanca que nos transporta.

Colocados uno encima de otro estas cuatro telas dibujan una línea ascendente que mira al cielo, a sus pies sobre una losa blanca, un ramo de flores mudas que nos recuerdan la soledad del fin.

Las flores se marchitan día a día como un vanitas. Esta refleja el dolor de todos los seres, estimados, que nos han dejado. Ellos se han ido solos y en silencio, sin un instante para el adiós, sin un abrazo, sin un beso.

Tan solo unas rosas blancas, lloran en silencio y gritan pidiendo una lucha solidaria para con nuestro entorno para la salud de nuestro medio y la empatía con todo el mundo. Para que la muerte de nuestros mayores no pase desapercibida.

Texto: Martíllopis

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Miquel Ponce Ha estudiado el Grado de Bellas Artes y el Máster en Producción Artística, ambos en la Universitat Politècnica de València. Ha participado en certámenes y exposiciones a nivel nacional.

Sus últimos proyectos han sido D’aquella pols, realizado durante la residencia de creación e investigación artística del Museo de la Universidad de Alicante; y Desprenderse, exposición realizada junto a Paula Valdeón Lemus en la Casa de Velázquez, Madrid.

Ensayo hacia el decrecimiento.

Parte de una reflexión sobre nuestro comportamiento como sociedad en relación con la producción y el consumo. Las dinámicas neoliberales han creado una situación de la que parece que no se puede salir, el mundo se ha convertido en un lugar hostil y peligroso. La situación medioambiental es cada vez más insostenible y estamos llegando a un punto de no retorno. Cabe preguntarse entonces qué nos deparará el futuro, cómo vamos a protegernos de aquellos peligros que nos afectarán tarde o temprano. La cuestión del cuidado se convierte en un concepto fundamental en estos tiempos.

Esta serie de piezas muestran la necesidad de proteger aquello frágil y valioso para nosotros, o de intentar que aquello que nos pertenece perdure en el tiempo, protegido y a salvo de cualquier peligro externo.

Estas pinturas erosionadas y frágiles son un signo más de nuestra época.

Las obras están listas para ir a otra parte, a otro espacio, a otro mundo, o tal vez para ser almacenadas en una enorme nave junto con otros miles de objetos restos de lo que fuimos.

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Made in Martíllopis Equipo formado por Isabel Martí, (Albalat dels Sorells, 1960), Vicent Salvador (Rafelbunyol, 1956) y Juan Luis Llopis (Rafelbunyol, 1958).

El interés que mueve a este equipo parte de algunas premisas, de conceptos, de la idea, buscando elementos que les ayuden a seguir el rastro del arte.

Ellos apostaron por el ready-made, un objeto usado y de consumo para reflejar en cierta manera la sociedad en la que vivimos.

El ministro de justicia rechaza abolir el delito de injurias a la corona.

Quan les institucions se degraden per la pròpia entropia consumista deixen de tindre sentit. Una cadira q ja no es cadira ni val per a seure, un rei que no reina y una taula davant el televisor escoltant les noticies q parlen de l’emèrit i les seues aventures suculentes entre mentides i fake news que les cloaques s’encarreguen de airejar.

El equip Made in Martíllopis comença en aquesta peça un nou projecte un tant objectual. A partir de mobles de fusta vella o tal volta arraconats, se els prepara com a suports on seguir investigant les transferències en modo de noticies, noticies entretallades, mesclades i truncades, reflex de la súper-informació en la que els medis tenen a la societat enganxada.

Repensar els mobles antics y en desús no deixa de ser més que una mostra de la societat que creix i avança més enllà del que pot assumir i comprendre convertint i consumint el futur de tal manera que el converteix en alguna cosa del passat, una societat que es consumeix a sí mateix per a esdevindré cada dia en un objecte obsolet, on les virtuts, els costums i la cordura han perdut el seny.

Texto: Martíllopis

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Pepe Gimeno A lo largo de su trayectoria profesional ha desarrollado proyectos en los campos del diseño gráfico, la tipografía y las artes plásticas.

Su obra ha sido recogida en numerosas publicaciones internacionales y ha formado parte de exposiciones que han recorrido Europa, Japón, Estados Unidos, China y Sudamérica.

Su trabajo queda reflejado en proyectos como Diario de un Náufrago o Grafía Callada expuesto en el IVAM en 2004, y en la sala del Type Directors Club de Nueva York en 2015.

Una onda gravitacional activa el gen del redescubrimiento de la esencia humana.

Un choque entre dos agujeros negros ha producido uno de los fenómenos más violentos del cosmos. Este fenómeno ha producido una onda gravitacional que viaja a la velocidad de la luz en todas direcciones y a su paso por el universo ha conseguido curvar el espacio-tiempo. Este fenómeno, del que Einstein nos habló en 1916, ha provocado en su tránsito por la tierra un extraño fenómeno en algunos habitantes del planeta.

Todas las personas afectadas han reaccionado de forma similar. En primer lugar, han sufrido una fuerte pulsión por redescubrir aquello invariable y permanente que los hace únicos y que constituye su verdadera naturaleza como personas.

En segundo lugar, han sufrido un fuerte rechazo por las nuevas tecnologías que, según ellos mismos manifiestan, les alejan de lo auténtico y sincero para centrarlos en las apariencias, en lo superficial y pomposo, descuidando sus raíces culturales y naturales. Para ellos, como decía El Principito, “lo esencial es invisible a los ojos”.

Todos estos efectos tienen altamente preocupadas a las autoridades.

En algunos países piensan que, de seguir con este incremento de casos, se pondrán en peligro los cimientos del actual establishment. Y es que temen que los valores del éxito y el dinero, se encuentren en peligro.

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Pep Sales Gabarda Licenciado en biología (bioquímica), director de teatro, actor y escenógrafo. Trabaja como técnico especialista en el Servei de Biblioteques i Documentació de la Universitat de València.

Actualmente se encuentra finalizando el grado de bellas Artes en la facultad de San Carlos de la UPV y las temáticas en sus trabajos artísticos giran en torno a las tecnologías de género.

Masculinidades tóxicas: un camino hacia la destrucción del planeta.

La masculinidad tóxica es un concepto utilizado en psicología y feminismo para referirse a ciertos comportamientos y normas culturales de los hombres que pueden generar cierto daño a la sociedad, incluyendo a los propios hombres.

A los hombres tradicionalmente se les suele asociar el estereotipo de ser más dominantes o competitivos. Sin embargo, pueden considerarse conductas tóxicas cuando se muestran junto a actitudes misóginas, homófobas o que promuevan la violencia, incluyendo la agresión sexual y la violencia de género. A menudo, estas actitudes están presentes desde el comienzo de la socialización de los chicos, normalizando actitudes violentas como forma de relacionarse con otras personas.

Sin embargo, otros estereotipos que también suelen estar asociados a los hombres, como la entrega al trabajo, el orgullo de destacar en los deportes o ser el principal sostén de la familia no son considerados tóxicos per se. El concepto de masculinidad tóxica no pretende demonizar a los hombres o los atributos masculinos, sino simplemente enfatizar los efectos nocivos de ciertos comportamientos.

Este término se originó en el movimiento mitopoiético de hombres entre los años 1980 y 1990 como una forma de análisis psicológico y de autoayuda, alcanzando gran difusión académica y popular.

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Sara Vilar Doctora en Bellas Artes y profesora del Departamento de Escultura de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València.

Ha participado en numerosas exposiciones y es autora de los libros Paraula Plàstica y De la paraula a les històries, ensayo premiado en la XVI Edició Premi Espais a la Crítica d’Art.

La UE cierra sus fronteras por primera vez en su historia.

Refugiados a la espera de un destino.

No hay nada que hacer, sólo esperar.

Su única actividad diaria es esperar: 24 horas al día, durante meses y meses.

Si un amigo de otro campo recibe los papeles antes, se acrecienta el nerviosismo: “¿Y a mí me deportarán?” preguntan. “Hay que esperar” responden siempre los funcionarios.

Esperar y esperar a que se abra la frontera y les dejen pasar. Y mientras esperan, pliegan los mapas que con tanta ilusión habían recogido antes de emprender el viaje. Mapas guardados con anhelo y que ilustran miles de sueños.

Una antigua leyenda japonesa dice que tu mayor deseo se hará realidad construyendo mil grullas de papel y aunque probablemente desconocen la leyenda, lo que sí saben es que doblar sus mapas les ayuda a que el tiempo transcurra con mayor rapidez, les distrae la mente y hace que la espera sea más leve. Grullas que simbolizan los deseos de llegar a un destino donde creen que van a tener una vida mejor.

La grulla de papel es un símbolo de paz y tradicionalmente, regalar grullas de papel se ha asociado con el hecho de desear bienestar, felicidad y prosperidad.

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Van Jesus Una artista multimedia y de performance.

Su investigación y prácticas artísticas pernean la creación colaborativa, el espacio público, la filosofía y el circo.

Organiza festivales de intervención urbana en Brasil y Paraguay. Actualmente investiga cómo la práctica artística puede apoyar comunidades en situación de post-catástrofe.

Suiza plantea cortar los picos de los Alpes para plantar cacao. ¿De donde viene lo que consumes? ¿De donde vienen las materias primas de los productos que consumes? ¿Cuánto se consume del planeta en la producción de lo que consumimos?

El proyecto nace de la provocación de contabilizar los gastos planetarios para la creación de la pieza que crearíamos para la exposición. Yo trabajo con performance, entonces pensé: “Voy a calcular mis gastos, pues mi cuerpo hace parte de la pieza”, luego he percibido que seria casi imposible calcular mis gastos totales desde el día que nací hasta hoy.

Entonces he decidido calcular mis gastos en el día de la abertura de la exposición, ya que estaba previsto una acción para la inauguración. Otra misión casi imposible. Entonces he elegido documentar mi consumo del día de la inauguración, iniciando desde mi despertar hasta mi llegada a la Casa de Cultura.

Comparto con ustedes en ese proyecto mis objetos personales y productos que he elegido consumir conscientemente en ese día, no he tocado en nada más y nada menos de lo que esta exhibido en los collages de esta exposición.

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Toni Simarro Artista visual y Doctor en Arte: Producción e Investigación por la Universitat Politècnica de València. Plantea a través de su obra pensamientos procedentes, generalmente, de problemáticas cercanas, que hablan del estado social contemporáneo y de la incapacidad resolutiva por parte de los Gobiernos.

Es común en su práctica artística el uso de materiales desechados, que procesa y descontextualiza para la creación de su obra artística.

Basuraleza, un nuevo término para un gran reto ambiental.

Los conceptos primigenios con los que nace nuestra obra, sustentan reflexiones que aúnan arte, ecología, sostenibilidad y naturaleza, pero, sobre todo, inquietudes y problemáticas sociales vinculadas a estas consideraciones.

Con la superproducción, el excesivo consumismo o la incontrolada explotación de los recursos naturales agotables, nos encontramos ante un nuevo diseño paisajístico que nos rodea, que nos atrapa y nos engulle.

Surgen bosques de deshechos y basuraleza que predominan en cualquier recoveco de este nuestro planeta.

A través del arte —instrumento portavoz de cuanto sucede en cualquier época— mostramos esta problemática existente y actual, donde se valora y empodera el objeto encontrado. Para muchos de nosotros, artistas contemporáneos, se trata del principal argumento de la propia pieza artística. Se enfoca ofreciendo un discurso diferente, seleccionando el material del propio ecosistema, transformándolo y devolviéndolo a la propia naturaleza para su exposición efímera.

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Vicente Carrión Nacido en Buñol en 1952, desde 1973 lleva una cámara en la mano y se siente fotógrafo amateur y autodidacta.

Sus intereses fotográficos los sitúa en dos facetas diferentes; una estrictamente compositiva buscando la estética de la composición y las formas; y otra el entorno al ser humano, su obra y su huella, donde la provocación y la ironía sean las características de su obra para contar historias.

No me mandes más postales hasta que tú seas mar, seas tierra, seas aire, seas río.

Enviamos al mar lo que nos sobra, los restos de nuestra diaria vida consumista poco a poco, pero disimuladamente como sin querer darnos cuenta. El mar es tan grande… Y el mar irritado nos grita y nos lo escupe a la cara, así, de golpe, cada cierto tiempo para que nos impacte en nuestra visión y ese grito nos alerte sobre nuestra inconsciencia y de cómo somos capaces de interferir negativamente en un equilibrio natural.

Por supuesto, las grandes multinacionales y las empresas que vierten sus residuos autorizados o clandestinamente, o los grandes barcos arrastreros que destrozan los fondos marinos son causantes de grandes desequilibrios y heridas a estos ambientes. Pero nosotros, individualmente, somos los responsables de esas latas, de esas botellas y bolsas de plástico. No lo podemos achacar a las grandes o pequeñas empresas e industrias. Es cosa nuestra, de nuestra conciencia. Y hablo del mar, hablo del aire, hablo de la tierra y de los ríos, hablo de un grito de socorro. Por todo eso, no me mandes más postales hasta que hagas las paces con la naturaleza.

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Ximo Micó Maestro de profesión, dedicado a la docencia desde 1983 en diversas áreas y edades académicas. Ha compaginado su actividad con variadas vertientes artísticas y sociales, a saber, pintura, fotografía, poesía, música, teatro y animación sociocultural. Impregnado por estas prácticas, su ámbito de trabajo en la escuela le permite ejecutar esa melange de disciplinas y aplicar distintas opciones creativas artístico-literarias para experimentar en ellas como emisor, como receptor o como agitador.

Dos niños se ahogan tras saltar al agua en el puerto para no ser repatriados.

En sus proyectos plásticos se repiten algunas constantes: inmersiones entre líneas, muros, fronteras, distancias, soledades... y se posiciona como observador de los movimientos migratorios, de los flujos provocados por un modelo de sociedad que tanto desequilibrio e injusticia nos reporta.

El poder comunicativo que nos ofrece el arte puede ser determinante como elemento transformador en este mundo global y tan individualizado a su vez. Es una herramienta pedagógica de la que hace uso con intencionalidad con el fin de que sirva, al menos, de reflexión y espejo de nuestras grandezas, pero sobre todo con el objetivo de que afloren nuestras miserias para sensibilizar y provocar cambios en pro de una convivencia más libre y más justa.

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Mario Albiñana Piraguilla Nació de manera especial y ha ido desarrollando cualidades que, si bien se reflejan en todos los niños, en él se cristalizan de diferente manera por sus dificultades para hablar, dibujar, escribir y mostrar sus sentimientos.

Sus gestos expresivos reflejan la energía y la capacidad de vivir desde las mismas entrañas, sin aditivos ni cortapisas, él es siempre fiel a su actitud de ¡sí, se puede!

Y te sigo tatuando con versos de niño las palabras que te abran camino cuando yo solo sea un recuerdo.

Amor, humor, alegría, música, inocencia, inteligencia, niñez, enseñanza, exploración, tenacidad, sueños, arte, lucha. Todas estas palabras son las que definen a Piragüilla como artista y, sobre todo, como persona.

En la exposición El Grito hemos trabajado con el concepto inclusivo.

Primero, por estar abierto a todo tipo de interpretaciones y miradas.

Y segundo, por la diversidad de color, sexo, edad y capacidades de los artistas. Hemos colaborado con artistas de Asturias, Teruel, Valencia, Extremadura, Brasil y Corea. Y en ella, junto a alumnos, profesores y profesionales ha participado Piragüilla. Un chaval de 9 años especial, con sus limitaciones pero con su grito y su ilusión por expresar la vida que lleva dentro.

Somos sabedores de que el arte no se resume en un cuadro ni en una sala de exposiciones, somos sabedores de que el arte es un proyecto, una vida, una decisión, pero con este gesto pretendemos desmitificar el “Arte en mayúsculas”, el arte de los mercados, de los media, de los grandes hitos, un arte un tanto prefabricado que se cuece en el ámbito de la razón productiva fuera de cualquier atisbo de emoción.

Texto: Martíllopis

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Martíllopis Artista y comisario. Graduado en Bellas Artes y con un Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia.

Se mueve entre las líneas de lo objetual y lo conceptual, apostando por la colaboración y lo colectivo como modelo de trabajo a fin de evitar los individualismos tan arraigados en el arte, que son fiel reflejo de una sociedad competitiva y totalmente jerarquizada.

El arte como experiencia.

Como reflexión sobre la relación del artista con el arte se me ocurre la importancia de los plátanos en la sala de exposiciones. Por un lado hace referencia al Maurizio Cattelan y su apuesta por su propuesta consistente en pegar con cinta Americana gris un plátano sobre la pared de una galería en el Art Basel de Miami.

Pero hay muchos más argumentos y más interesantes. El plátano no deja de ser una naturaleza muerta, un bodegón, algo que si bien muchas veces se le ha considerado un género de menor rango, por contra, al artista le otorga plena libertad al no estar sujeto a normas, encargos o conductas preestablecidas, pudiendo desarrollar su técnica de manera multidisciplinar y plenamente arbitraria; por otro lado es algo efímero, perecedero como la vida misma, en cierta manera un vanitas.

Y por último, si es que hay un número finito de interpretaciones, el plátano nos habla de agricultura, de nuestras costumbres alimentarias, de nuestra rutina consumista y apela, al ser una rama de plátanos de un huerto local, al comercio de proximidad, lejos de las explotaciones agrarias que nutren nuestros supermercados.

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Breve apunte sobre el autorrendimiento y la autoexigencia: el superyó y la biopolítica en la sociedad del rendimiento.

“El lazo entre la racionalización y el abuso de poder es evidente. (…) El problema, entonces, consiste en saber qué hacer con un dato tan evidente.” (Foucault, 1991, p.96) La historia del ser humano es un relato de poder, dominancia y conquista sobre otros, sobre lo salvaje y lo desconocido. Dentro de esta narración, se plantean dos argumentos que sostienen, actualmente, dichas dinámicas de control: el autorrendimiento y la autoexigencia.

Por un lado, el autorrendimiento se concreta en la explotación del propio ser como recurso material aparentemente inagotable, lo que lleva al sujeto a exigir mayor eficacia energética mientras se aumenta constantemente el tiempo dedicado al trabajo. Esto provoca un desgaste físico, mental y emocional muy alto, puesto que las necesidades vitales entran en conflicto con las metas propuestas por el propio ser en tanto a términos de rendimiento. Esta forma de relación con un mismo supone una “necesidad de reinvención personal, equivalente al descubrimiento de nuevos yacimientos que habrán de ser agotados. Así sucesivamente” (López, 2019, p.52); lo que crea una asimilación del valor personal “provisional y revocable, sometido a fluctuaciones y voluntades de un poseedor que decide reconocer o no la utilidad social de esas realizaciones, así como sus límites” (López, 2019, p.54).

Por otro lado, la autoexigencia se define como la voluntad de exprimir todos los recursos fí-

sicos y mentales del propio ser para llegar a niveles de productividad cada vez más altos.

Esto supone un ejercicio de violencia constante, ya que el superyó reclama tiempo y energía al cumplimiento de un rendimiento cada vez superior, obviando necesidades como las horas de sueño, el descanso o la sociabilidad como necesidad básica del ser humano, no como creación constante de una red de contactos laborales.

El filósofo Byung-Chul Han (Seúl, 1959) teoriza sobre un matiz con respecto a la posmodernidad, concretando en el aspecto de la sociedad del rendimiento, la cual conceptualiza y desarrolla como una evolución de la sociedad disciplinaria planteada por Michel Foucault (1926, Poitiers - 1984, París). Este nuevo sistema de control se ha visto optimizado por varias razones.

Por un lado, los actos son realizados por los sujetos con creencia de consciencia de libertad, mientras que, sin embargo, favorecen el propio autocontrol que una sociedad necesita para que los sujetos se mantengan afables al sistema. De esta manera, no es necesaria ninguna figura de vigilancia cuando los individuos son guardianes de sí mismos, tomando decisiones libremente con la creencia de que esa elección aumenta el ejercicio de la propia libertad, mientras que realmente favorecen el mantenimiento de un sistema capitalista neoliberal.

Por otro lado, entra en juego uno de los conceptos de la triada del psicoanálisis, teoría formulada por Sigmund Freud (Příbor, 1856 - Londres,

1939): el superyó. Esta región del inconsciente se personifica en el sujeto en forma de voz impersonal, lo que le dota de una gran influencia sobre el yo. Este ejercicio de control se lleva a cabo al “plantear severas exigencias ideales cuyo incumplimiento es castigado mediante una angustia de la conciencia moral” (Freud, 1986, p.137), a través de mecanismos como el sentimiento inconsciente de culpabilidad interiorizado en la infancia, resultado de tomar como propio del ser y de la consciencia cuestiones que vienen dadas por el ejercicio del poder de un dominio superior. Así pues, estas dinámicas de control se han visto facilitadas en espacios geopolíticos como Europa occidental por una cuestión muy concreta: “hemos heredado la tradición de moralidad cristiana que convierte la renuncia de sí en principio de salvación” (Foucault, 1990, p.54). El superyó reclamando la renuncia de las pulsiones del ello y llevando al yo a un conflicto constante, del cual el poder dominante se aprovecha, ofreciendo las aparentes soluciones a los problemas que el mismo genera.

De este modo, el autorrendimiento y la autoexigencia suponen un control tanto sobre el individuo como sobre la masa, al ser mecanismos biopolíticos que el propio ser ejerce sobre sí mismo y que son normalizados y potenciados por la sociedad. Así pues, la sociedad de rendimiento supone el caldo de cultivo perfecto para estas dinámicas de dominancia en las que se ha consolidado “el imperativo del rendimiento, como nuevo mandato de la sociedad del trabajo

tardomoderna” (Han, 2012, pág. 19).

Sin embargo, es importante matizar que el autorrendimiento y la autoexigencia no son siempre mecanismos nocivos, ya que ambos nacen de pulsiones de autoconservación y mejora de las condiciones vitales.

Ambos conceptos se vuelven negativos en el punto en el cual ejercen violencia neuronal sobre el sujeto y niegan necesidades básicas que el ello reclama, dando gran protagonismo al superyó y sus constantes recursos de manipulación interna, entre los cuales destaca el “entusiasmo inducido (que) se ha convertido en herramienta capitalista que permite mantener la velocidad productiva” (Zafra, 2017, p.31), todo ello con la “máxima dedicación, energía, entrega y sonrisa, como inercia que augura reconocimiento, quizá trabajo, quizá futuro” (Ibíd., p.32).

Referencias bibliográficas: Foucault, Michel & Morey, Miguel (1990). Tecnologías del yo y otros textos afines (2ª ed.). Barcelona, España: Paidós Ibérica.

Freud, Sigmund (1986). Obras completas de Sigmund Freud. Volumen 23 (1937-39). Moisés y la religión monoteísta, Esquema del psicoanálisis y otras obras (2ª ed.). Buenos Aires, Argentina: Amorrotu editores.

Han, Byung-Chul y Saratxaga Arregi, Arantzazu (2012). La sociedad del cansancio. Barcelona, España: Herder.

López, Javier (2019). Crítica de la razón precaria. La vida intelectual ante la obligación de lo extraordinario. Madrid, España: Catarata.

Zafra Alcaraz, Remedios (2017). El entusiasmo: precariedad y trabajo creativo en la era digital. Barcelona, España: Anagrama.

- Claudia García de Mateos Sanchis

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G Siempre hemos creído que el arte y la vida no pueden recorrer camino distintos y que aquel, el arte, en cierta manera no es más que el reflejo de lo que ocurre en ésta, la vida.

Hoy, podemos observar, sentir y palpar que las cosas están cambiando, que la naturaleza se está rebelando y que la respuesta por parte de la sociedad y de sus dirigentes es insuficiente.

Los artistas, como observadores, tienen la necesidad de mostrar lo que ven y, tal vez como Munch, estén ansiosos de expresarlo en un lienzo, una tabla, un papel o cualquier otro soporte que se acomode a sus intenciones. Es por ello que en este proyecto se quiere, a partir de lo colectivo, realizar una exposición donde, desde las individualidades, se conformen otras tantas lecturas que impliquen al espectador y, de esa manera, crear entre todos una única obra que en cierta manera refleje el horror que en su día percibió Munch.