La Gualdra 623

La edición 77 del Festival de Cannes terminó el 25 de mayo; Carlos Belmonte Grey y Sergi Ramos continuaron con sus actividades de cobertura de prensa para La Gualdra y en esta edición nos comparten más notas sobre las películas que pudieron ver durante todos estos días de festival. La Palma de Oro fue para la película Anora, de Sean Baker; y el filme Emilia Pérez, de Jacques Audiard, se llevó dos premios: al Mejor Director y a la Mejor Actriz. Este año se entregó por primera vez el Premio a la Mejor Obra Inmersiva.

[Edición especial del Festival de Cannes 2024]

Fotograma de Gloomy eyes (2019) de Fernando Maldonado y Jorge Tereso, de coproducción argentina, francesa y estadounidense. Festival de Cannes 2024.

NO. 623 /// 27 DE MAYO DE 2024 /// AÑO 13

La Gualdra No.

Editorial

La edición 77 del Festival de Cannes terminó el pasado 25 de mayo; Carlos Belmonte Grey y Sergi Ramos continuaron con sus actividades de cobertura de prensa y en esta edición nos comparten más notas sobre las películas que pudieron ver durante todos estos días de festival. La Palma de Oro fue para la película Anora, de Sean Baker; y el filme Emilia Pérez, de Jacques Audiard, se llevó dos premios: al Mejor Director y a la Mejor Actriz.

De Carlos Belmonte es el texto que les comparto a continuación, en el que da cuenta del palmarés completo y los comentarios finales; antes, debemos señalar que en próximas ediciones seguiremos publicando las reseñas, que, por cuestiones de espacio, no han sido publicadas en este número.

“El Gran Premio del Jurado fue para All we imagine as light de la cineasta Payal Kapdaia (India). Una película urbana, de mujeres solas pero suficientes y profesionales, para sus amores, su trabajo, su casa y su vida. Una grata sorpresa.

Ambas fueron películas que no teníamos en el radar y que por pura suerte nos metimos a ver. Y que pensábamos no ver hasta el final porque ya era muy noche su proyección. Pero se ven tan bien que la vimos llenos los ojos de alegría y gracia. Una narración fluida y simple para una historia compleja.

Emilia Pérez fue la otra gran premiada con dos reconocimientos. Una cinta que comentaremos en los próximos días porque su historia se centra en México: un narco sanguinario que se da cuenta que quiere cambiar de sexo y se hace la operación; con ese cambio físico él se convierte en una buscadora de desaparecidos.

El Jurado del 77 Festival de Cannes estuvo presidido por Greta Gerwig, acompañada por el guionista y fotógrafo turco Ebru Ceylan, la actriz americana Lily Gladstone, la actriz francesa Eva Green, la directora y guionista libanesa Nadine Labaki, el director y guionista Juan Antonio Bayona, el actor italiano Pierfrancesco Favino, el director japonés Kore-eda Hirokazu y el actor francés Omar Sy. Además, se entregó el Premio a la Mejor Obra Inmersiva para Noire (Negro) creado por Tania de Montaigne, Stéphane Foenkinos, Pierre-Alain Giraud. Una experiencia para revivir la

historia de Claudette Colvin que el 2 de marzo de 1955 (con apenas 15 años) se negó a dejar su asiento en un bus a una pasajera blanca; nueves meses más tarde, Rosa Parks repetirá el mismo gesto que pasará a la historia como una marca de la revuelta racial en Estados Unidos. En esta experiencia el espectador podrá caminar dentro del bus y ver a los personajes de la historia, hasta la llegada a la corte: violencia, discriminación y resistencia. Ésta fue la primera edición de la Competencia Inmersiva que tuvo 3000 tickets reservados por los festivaleros. A continuación, el resto de los premios:

Palmarés Cannes 2024: Palma de Oro: Anora, de Sean Baker. Gran Premio del Jurado: All we imagine as light, de Payal Kapdaia (India). Premio del Jurado: Emilia Pérez, de Jacques Audiard. El premio lo entregó a Juan Antonio Bayona porque es un filme que reconoce la identidad.

Mejor Director: al portugués Miguel Gomes, por Grand tour.

Mejor Guion: The Substance, de Coralie Fargeat.

Mejor Actor: Jesse Plemons, de Kinds of Kindness (Yorgos Lanthimos).

Mejor Actriz, año especial, se lo dieron al conjunto de actrices de Emilia Pérez (Jacques Audiard): Adriana Paz, Selena Gómez, Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón.

Premio Especial: Mohammad Rasoulof, por Les graines du figuier sauvage Por la fuerza de la esperanza.

El Premio de Una Cierta Mirada (Un Certain Regard), para Black dog , de Guan Hu.

El Premio de la Quincena de Realizadores: Volveréis, de Jonás Trueba.

La Queer Palm: Este año, ha sido una edición del Festival de Cannes, en todas sus categorías y secciones, especialmente Queer (nunca se habían presentado tantos filmes que incluyeran personajes o temas queer) . El jurado, presidido por Lukas Dhont, entregó el premio a: Trois kilomètres jusqu’à la fin du monde, del director rumano Emanuel Parvu; y a Las novias del sur , cortometraje de Elena López Riera”.

Que disfrute su lectura.

Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com

Directorio

Lira Saade Dir. General

De la provocación al terror: Limonov / la balada, de Kirill Serebrennikov Por Sergi Ramos

Competencia Inmersiva, dos experiencias diferentes: El amor y Atravesando el vapor Por Carlos Belmonte Grey

Le fil, de Daniel Auteuil [en Proyección Especial] Por Carlos Belmonte Grey

Del amor virtual: Eat the night, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel Por Sergi Ramos

Alain Guiraudie presenta Miséricorde, una historia del deseo Por Carlos Belmonte Grey

Primera Competencia Inmersiva en el Festival Cannes [Reconocen a Alejandro González Iñárritu] Por Carlos Belmonte Grey 5 4 6 7 3

Muerte e imagen: The shrouds, de David Cronenberg Por Sergi Ramos

Lluvia de vísceras sobre la Croisette: The substance, de Coralie Fargeat [Premio al Mejor Guion] Por Sergi Ramos 8

Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Roberto Castruita Diseño Editorial

Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com

De la provocación al terror: Limonov / la balada, de Kirill Serebrennikov

6 Por Sergi Ramos

Kirill Serebrennikov, cineasta ruso en exilio, presentó Limonov / La balada en competición oficial. La anterior Leto, de 2018, revivía con nostalgia la llegada del rock a Rusia, en los años 80, al mismo tiempo que empezaba a rasgarse el telón de acero y que la Unión Soviética se iba desencajando. Limonov, la balada, sería la otra cara de la moneda, el lado oscuro, ya no mecido por David Bowie, sino por la llegada del ruidismo al rock y el nacimiento del punk, que enterró cualquier posible utopía que esa corriente musical hubiera podido representar hasta entonces.

De la poesía al ultranacionalismo

Una de las citas más repetidas de André Breton, el Papa del surrealismo, apelaba al “acto surrealista más simple, que consiste en salir a la calle empuñando una pistola y disparar a la muchedumbre”. Divisa que Limonov pretende aplicar al pie de la letra en la película, primero de manera literaria, y más tarde literal.

Eduard Veniaminovitch Savenko, más conocido como Eduard Limonov, su nombre artístico, ejerció de obrero o mayordomo, entre otros muchos oficios. Pero fue también un poeta de vocación vanguardista en Ucrania y Rusia, beatnik en la Nueva York de la segunda mitad de los setenta, un sulfuroso novelista de éxito en la Francia de los ochenta, y el líder de los ultranacionalistas rusos a partir de su vuelta a Rusia en 1989 y hasta su muerte en 2020.

Espasmos físicos y espirituales

Kirill Serebrennikov, inspirándose en una biografía escrita por el escritor francés Emmanuel Carrère, esboza su retrato por toques desde la comedia, convirtiéndolo en una figura casi burlesca, impregnando su cuerpo de nerviosismo y tics diversos, fuera de control, como su espíritu. Ben Wishaw interpreta a la perfección este papel, aunque la elección de un actor anglófono suponga que en Rusia hablan inglés con acento ruso, a pesar del resto del elenco, lo que quizá sea un signo más de los despropósitos que habitaban al personaje.

La película le dedica más tiempo al pri-

mer periodo de la vida de Limonov, sus ambiciones literarias iniciales en Rusia y sobre todo su periodo beatnik en Nueva York. Los últimos años, presentes en la parte final del filme, abandonan cualquier atisbo de humor (si no es el negrísimo).

Transgresiones alucinadas Limonov es retratado como un personaje obsesivo, convencido de que su obra ha de conducirle a la fama, a pesar de que apenas consiga escribir. Un escritor fallido, por no conseguir separar su vida de su obra. Incapaz de plasmar en el papel su voluntad absoluta de transgresión, vivida como deseo y fantasía.

Estéril en literatura, donde sólo consigue hacer unos autorretratos megalomaníacos de sí mismo, como lo hace notar un editor de Nueva York. Y en la vida, poseído por pulsiones homicidas, que la película pone en escena como puras proyecciones de su imaginación.

También la inclusión de algunos números musicales, con temas de los Velvet Underground y de Lou Reed, son otras de las fan-

tasías que dan forma al tortuoso espíritu del escritor ruso. A pesar de estas provocaciones, y sumido en las contradicciones de su personalidad, el descastado también se muestra servil frente al poder y al dinero.

Un recorrido a través de la historia

El escritor atraviesa algunas grandes etapas de la segunda mitad del siglo XX. En una secuencia, corre por calles empapeladas con las grandes imágenes icónicas de los 70, y con los Sex Pistols de fondo; hasta salir de la ciudad, donde un giro de la cámara nos muestra que todo era un decorado. En algunos segundos, Limonov ha atravesado la década, mientras se anuncia el fin de la guerra fría. Y también ha abandonado su máscara de disidente para empezar a abrazar la fe del nacionalismo ruso.

La moraleja de Limonov, cuyo referente inmediato es la guerra entre Rusia y Ucrania, puede extenderse a todos los megalómanos, a quienes nuestras sociedades democráticas se apresuran a entregar el poder, y señala en particular la fina línea que separa la provocación del autoritarismo.

Festival de Cannes

/// Fotograma de Limonov / la balada, de Kirill Serebrennikov

Festival de Cannes

Primera Competencia Inmersiva

en el Festival Cannes [Reconocen a Alejandro González Iñárritu]

Por Carlos Belmonte Grey

En el 2017 Alejandro González Iñárritu se atrevió a dar un viraje en su cinematografía y realizó una película de Realidad Virtual Inmersiva (RV) intitulada Carne y Arena. Una obra presentada en la Selección Oficial del Festival de Cannes como una excepción. Era la historia del cruce hacía Estados Unidos por el desierto; el espectador los acompañaba en una película que además de ser inmersiva visualmente -no activa- involucraba una puesta en escena de emociones (arena, viento, agua).

Siete años más, el Festival de Cannes reconoce ese esfuerzo de Iñárritu como la primera obra Inmersiva de la historia presentada oficialmente en un gran festival, y abre su Primera Competencia Inmersiva de la Selección Oficial con ocho obras.

El mercado de la industria fílmica desde entonces ha estado explorando en las nuevas tecnologías para: contar historias con otras estrategias narrativas, visualidad, virtualidad activa -intervención en la historia-, dispositivos de proyección (lentes especiales, hologramas, proyectores), sonido (cascos o tímpanos) y soportes físicos de acceso (controles, sensores y ahora sensores visuales -se puede hacer la selección de películas sólo con la vista sin necesidad de las manos-).

El Festival de Cannes reconoce la importancia de incorporar estas nuevas narrativas que rompen el marco bidimensional de la pantalla cinematográfica y la cuarta pared del espectador, proponiendo una competencia con creadores internacionales.

La competencia está apoyada por el Centro Nacional del Cine y de la Imagen Animada (CNC) con las 8 obras seleccionadas por profesionales de la industria y miembros del equipo del Festival.

Hay que señalar que esta competencia demanda requerimientos importantes para su realización: espacios amplios para la puesta en escena, personal del festival a tiempo completo para vigilar la buena proyección de la obra y, ésta es la gran limitante, grupos muy pequeños de espectadores (tres en algunas y 10 en otras).

El premio al que aspiraron fue al de la Mejor Obra Inmersiva otorgado por el jurado conformado por especialistas del cine inmersivo; este año resultó ganadora Noire / Colored creada por Tania de Montaigne, Stéphane Foenkinos y Pierre-Alain Giraud. En paralelo, el Mercado del Film de Cannes continúa explorando la dimensión económica y técnica de esta nueva industria.

Breve recapitulativo

A la par de las obras seleccionadas para la competencia, la selección incluye 6 producciones que fueron también pioneras en el dispositivo y que se busca sirvan, de cierta manera, como ejemplos de la evolución del género. Entre ellas pudimos conocer tres: Notes on blindness (2016) de Arnaud Colinart, Amaury La Burthe, Peter Middleton y James Spinney, que es la experiencia que sufrió el poeta John Hull cuando se estaba quedando ciego y escribió sus sensaciones. La obra entonces va llevándonos a ese sufrimiento y cambio de vida.

Gloomy eyes (2019) de Fernando Maldonado y Jorge Tereso, de coproducción argentina, francesa y estadounidense. Son tres capítulos de 10 minutos y cuenta la historia de un mundo sin sol, éste decidió irse al comprobar la estupidez de los humanos provocando una larga noche que despertó a los zombis. Sólo regresó a la luz cuando se dio cuenta de dos jóvenes zombis enamorados.

BattleScar (2020) de Martin Allais y Nico Casavecchia. En el Nuevo York de 1978 se rinde culto a la cultura punk de la época con una historia iniciativa de dos chicas jóvenes.

En los próximos días estaremos compartiendo las historias de la Competencia Oficial.

/// BattleScar (2020) de Martin Allais y Nico Casavecchia.

/// Gloomy eyes (2019) de Fernando Maldonado y Jorge Tereso

/// Notes on blindness (2016) de Arnaud Colinart, Amaury La Burthe, Peter Middleton y James Spinney.

Competencia Inmersiva, dos experiencias diferentes:

El

amor y

Por Carlos Belmonte

Vimos dos experiencias de la Competencia Inmersiva en la Selección del Festival de Cannes; las describiremos más que comentarlas porque aún no tenemos todas las herramientas para hacer una crítica o un análisis. Las dos que leerán aquí abajo están hechos con tecnologías distintas de la inmersión, por eso las elegimos.

Amour

Amour (2024- Francia, 30”) Claire Bardainne, Adrien Mondot y Laurent Bar-

Atravesando

dainne: es de carácter inmersivo mixto, porque son artes del espectáculo, música e imagen interactiva, pero sin lentes ni participación. En un espacio completamente vacío, sólo con dos costados de muros para dar continuidad a las imágenes en una sola pieza; los creadores cuentan una historia de amor en completa paz y serenidad: del encuentro, de la pasión, de la familia, del cansancio, de la separación y de la vida en soledad y feliz. El espectador puede caminar por la alfombra y tocar los muros que reflejan escenas de mar y cielo y crear sus constelaciones sobre esos muros. No

hay otras imágenes que la naturaleza y una composición creada expresamente por la Filarmónica de París; o acostarse, ver el cielo digital y disfrutar la serenidad de una historia de amor. Una experiencia inmersiva de serenidad

Traversing the mist

Traversing the mist (2024, Taiwán, 30”) de Tung-Yen Chou: es un trabajo de realidad virtual activa porque el espectador se convierte en personaje que acciona con su presencia parte de la historia. Experiencia con tres participantes máximo, en inglés y que requiere la utilización de lentes. Uno va a vivir la experiencia de en -

el vapor

trar a una sauna gay, con vapor, jacuzzi y cabinas. El espectador se volverá un personaje que llega vestido de traje para desnudarse, dejar sus pertenencias en un locker y bajar a los niveles del deseo sin pudor.

El personaje podrá agarrar las llaves de las puertas, ver el deseo y el sexo de los otros, y acercarse para ver desde todos los ángulos las escenas de placer. Un elemento más se le agrega a la experiencia, que los otros dos participantes te acompañan también en personajes en la misma sauna. Todos nos vamos a ver ahí dentro y veremos nuestra curiosidad, ¿qué está mirando el otro?

Festival de Cannes

/// Amour (2024- Francia) Claire Bardainne, Adrien Mondot y Laurent Bardainne.

/// Amour (2024- Francia, 30”) Claire Bardainne, Adrien Mondot y Laurent Bardainne

/// Traversing the mist (2024, Taiwán, 30”) de Tung-Yen Chou.

/// Traversing the mist (2024, Taiwán, 30”) de Tung-Yen Chou.

Le fil, de Daniel Auteuil [en Proyección Especial]

Por Carlos Belmonte

El actor francés Daniel Auteuil presentó en Cannes su quinto largometraje en tanto que director, Le fil. Ésta es la primera vez que arranca una película a partir de un argumento no consolidado, sus anteriores cintas fueron adaptaciones de obras de Marcel Pagnol: La Fille du puisatier  (2011), Fanny (2013) y Marius (2013), luego realizó Amoureux de ma femme (2018) sacada de la pieza teatral de Florian Zeller; pero esta vez adaptó la historia Au guet-apens: chroniques de la justice pénale ordinaire escrita por el abogado penalista JeanYves Moyar. Muy lejos de la comedia romántica.

Auteuil se decantó por un thriller de una historia verdadera: el asesinato de una mujer a manos de su esposo que fue encarcelado: “Yo quería ver el lado humano y acercarme a la

6 Por Sergi Ramos

Uhistoria de este hombre que aparentemente era un padre dedicado a sus hijos y a cuidar a su mujer alcohólica. En apariencia ninguna razón tendría de haber matado a su mujer”,

Eat the night, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel Festival de Cannes

na de las cuestiones que atraviesa varias películas presentadas en el festival este año, consiste en interrogar cómo lo virtual está transformando nuestra relación con el mundo. Para ser más precisos, se trata de ver cómo está cambiando nuestra relación con las imágenes.

De la imagen virtual La imagen ha dejado de ser una representación exterior a nosotros, cuya función es reproducir una parte del mundo, para permitirnos reflexionar sobre él. En cambio, la imagen virtual no muestra el mundo, sino que pretende sustituirse a él, para que la habitemos, como un avatar se mueve en el metaverso.

David Cronenberg, en The shrouds , contaba cómo unas imágenes que nos permitieran observar la descomposición de los restos de nuestros difuntos nos privarían de la capacidad del duelo y nos aislarían de las emociones que, según él, sólo pueden pasar por el cuerpo.

Pocas horas después de la proyección de The shrouds , se presentaba en la Quincena de los Cineastas Eat the night , realizada por Caroline Poggi y Jonathan Vinel, dos jóvenes directores franceses. Una película cuya trama sucede parcialmente en un videojuego de dark fantasy , llamado Darknoon

Una nueva juventud

La película pretende ser el retrato de una nueva generación de adolescen -

comentó en la entrevista que nos dio en la Terraza Albane del lujoso Hotel Marriot.

Durante la entrevista una reportera le preguntó por qué no se había centrado más en el feminicidio de su historia, su respuesta fue certera: “No entiendo qué es feminicidio. Yo hablo de un asesinato”. Y las reporteras de la mesa insistían en llevarlo por el lado del género al asesinato, pero él simplemente se mantuvo en el asesinato sin otro agregado.

Del

Todo el guion estaba ya escrito, incluyendo el desenlace que parecía ser un agregado de último momento para acentuar el drama y darle otra explicación a la historia. Seleccionado en la Categoría Selección Especial, el filme de Auteuil no participó por la Palma de Oro, es sólo una muestra de cine que saldrá en salas próximamente.

amor virtual:

tes, cuya vida discurre sin la presencia y autoridad de los adultos, y de las formas de cohabitar e intercambiar que establecen entre ellos. Ambientada en la ciudad portuaria de Le Havre, víctima de la crisis económica, se centra en los jóvenes de clase popular. Apelando al thriller , cuenta la historia de Pablo, que se gana la vida fabricando y vendiendo drogas sintéticas, y de su hermana pequeña Apolline. Los dos pasan horas jugando a un juego en línea, Darknoon , hasta que Pablo conoce a Night, otro joven que tomará como socio y del que se acabará enamorando. Todo se complica cuando se

cruzan con una pandilla de dealers Como contaron los realizadores después de la proyección, “la libertad cinematográfica la aplicamos al nivel de la forma, entre thriller y tragedia, una manera de crear puentes entre los géneros, para obtener un cine heterogéneo que sea el espejo del mundo, de esta nueva generación”. Diversidad de géneros para una juventud amorosa que no entiende de diferencias de raza o de género.

Espacio virtual Más que una aproximación sociológica, a menudo presente en el cine de

“banlieue” (los suburbios franceses), la película muestra cuáles son las nuevas formas de relacionarse de esta generación, y cómo el espacio virtual del videojuego se convierte también en un lugar en el que puede florecer la amistad y el amor: “La base del filme era contar las historias de amor cruzadas, que el amor estuviera por todas partes. Sabíamos que el videojuego era oscuro, pero queríamos que la interpretación de los actores estuviera llevada por los sentimientos para salir de esta oscuridad”.

Al contrario de lo que parece afirmar Cronenberg en The shrouds , la existencia virtual es reivindicada como un espacio alternativo a la realidad devastada que los adultos estamos legando a nuestros jóvenes, una vez hemos acabado con todas las utopías: “La gran idea es que se trata de una generación que lucha contra la herencia de sus padres. Cómo la ciudad de Le Havre está en ruinas y cómo ellos intentan huir de todo esto. Hay que deshacerse de la herencia”. O como Apolline le dice a su padre: “Eres deprimente. No sirves para nada”.

/// Fotograma de la película Le fil, de Daniel Auteuil

/// Eat the night, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel.

/// Daniel Auteuil, director de Le fil

Alain Guiraudie presenta Miséricorde,

una historia del deseo

6 Por Carlos Belmonte Grey

Alain Guiraudie presentó en el Festival de Cannes 2013 su filme L’inconnue du lac (El desconocido del lago) provocando entonces un gran choque por lo explícito del deseo homosexual. Vuelve ahora con Miséricorde manteniendo ese tema, pero con el añadido del deseo cruzado (edades y géneros) en una especie de Teorema de Pier Paolo Pasolini (1968).

Durante la entrevista exclusiva que le hicimos en la terraza de Unifrance le preguntamos si este dispositivo temático y visual se enmarca ya en un proyecto de cine autoral: “Sí, creo que sí. Es ya un proyecto consciente de filmar el deseo, la soledad y el choque moral. Presentar esos laberintos en donde la gente se encuentra y desencuentra, donde las miradas mostradas indican si se desea o no”.

Miséricorde, dentro de la Selección Oficial de Premieres, es la historia de un chico que regresa al pueblo donde trabajó como aprendiz de panadero para el entierro de su maestro de oficio. Se quedará en la casa de la viuda, volverá a ver al hijo del difunto, al vecino y conocerá al sacerdote del pueblo y, por la tragedia, a los policías. Todos parecen desearlo o haber tenido una historia de amor. Pero, la puesta de escena, a diferencia de El desconocido del lago que sucede en los contornos del lago, ahora todo el crossing se hará en el bosque recolectando y buscando champiñones, “Agáchate para que los veas

Por Sergi Ramos

El canadiense David Cronenberg marcó con su sello el cine fantástico de finales del siglo XX. Su obra se caracterizaba por una potente imaginería, que declinó bajo diversas formas la relación entre el cuerpo y la tecnología. Esta reflexión evolucionó a medida que la propia ciencia avanzaba, ofreciendo un espejo deforme a buena parte del progreso científico y tecnológico.

En su anterior y fallida película, Cronenberg recuperaba un guion escrito tiempo atrás, en el que intentaba volver conectar con su singular imaginería, sin demasiado éxito. The shrouds / Las mortajas, su nuevo filme presentado en la competición oficial del Festival de Cannes, parece conectar con la potencia de su trabajo anterior, antes de derrumbarse estrepitosamente a los pocos minutos.

Imágenes y duelo

Karsh, interpretado por Vincent Cassel, es un hombre de negocios inconsolable desde la muerte de su esposa. Para luchar contra su profunda melancolía, diseña una mortaja equipada con cámaras que permite seguir segundo a segundo la lenta descomposición del cadáver, hasta su desaparición. Este dispositivo aparece como el gran acierto de la película de Cronenberg, tanto en las impresionantes imágenes que lo muestran, como en las consecuencias que éstas tienen sobre los seres vivos.

Karsh ha conseguido seguir conectado con su difunta esposa a través de la imagen, pero este vínculo le impide hacer el duelo y superar el dolor y la melancolía de la pérdida. Este argumento conecta con la vida real del propio Cronenberg, quien perdió a su esposa hace unos

mejor”, le dice el sacerdote durante uno de esos encuentros fortuitos y que sirven para explicar al visitante cómo encontrarlos e identificarlos más fácil. La explicación parece más connotar una invitación más sexual. En esta historia de cinema noir y de crossing el personaje favorito y más desestabilizante es definitivamente el sacerdote homosexual: Giraudie lo vuelve cómplice del asesinato y protector del asesino por el deseo de tenerlo; en su celda de la capilla sale de la cama completamente desnudo con un tremenda erección -que es tanto más notoria si se tiene en cuenta la avanzada edad del padre-; es tan fuerte que es capaz de cargar el cuerpo del

The

shrouds, de David Cronenberg Festival de Cannes

muerto en la noche dentro del cementerio y vestido de sotana para crear una imagen del Batman sacerdote homosexual, “por todo esto él es mi personaje favorito”, respondió el realizador francés.

El director construye esos personajes e historias con diálogos precisos que dan espacio a la vez a la comedia como a la tragedia. Aquí no hay tanta libertad de improvisación. Sin embargo, en la parte de escenarios sólo tiene presente los colores naturales del entorno, pero sabe que aquí no los puede completamente controlar.

Miséricorde una película que se une a la ola de apertura temática.

Muerte e imagen:

pocos años.

El fin de la imagen Después de este prometedor inicio, la película se derrumba. Unos extraños depósitos aparecidos sobre los huesos y la profanación de las tumbas orientan el resto de la película hacia un sinfín de tergiversaciones entre los distintos personajes, sobre teorías de la conspiración inverosímiles, en la que los diálogos, filmados de manera completamente plana, se convierten en el motor de la película, en detrimento de

cualquier invención visual o formal. La interpretación de los actores va a la par de la puesta en escena, la expresividad de Vincent Cassel estando tan momificada como los propios cadáveres. A pesar de ello, Cronenberg retoma de vez en cuando su tema inicial, sugiriendo que sólo el contacto con la materialidad, y en particular con el cuerpo y las emociones, pueden sacar al hombre de la impotencia en la que lo sume la nueva virtualidad de las imágenes y del mundo. Sólo queda entonces una pregunta en el aire: ¿habría perdido Cronenberg su propia fe

en el cine como creador de imaginarios, y saboteado su propia película? ¿Sería The shrouds la confesión del fin de su creencia en la imagen cinematográfica? The shrouds podría entenderse entonces como una renuncia ascética, frente a la vacuidad de los filmes que, como el Megalópolis de Coppola, privilegian una espectacularidad ampulosa.

/// Fotograma de la película Miséricorde, de de Alain Guiraudie

/// Fotograma de The shrouds, de David Cronenberg

/// Alain Guiraudie presenta Miséricorde en Cannes

/// The shrouds, de David Cronenberg

Festival de Cannes

Lluvia de vísceras sobre la Croisette: The substance, de Coralie Fargeat [Premio al Mejor Guion]

6

Por Sergi Ramos

Es bien sabido que el cine fantástico es un observatorio en el que se reformulan, bajo forma de pesadillas, algunos de los problemas que afectan a su época. Esto resulta especialmente cierto cuando hablamos del cuerpo, el laboratorio en el que el género expresa su mayor creatividad formal.

No es de extrañar que lo fantástico se haya interesado por los cambios en la percepción y las nuevas maneras de habitar nuestros propios cuerpos, que se han producido en la transformación acelerada de nuestras sociedades.

La imposición de la ideología consumista para concebir nuestro cuerpo como un producto más, nos aleja de la aceptación de su degradación, el miedo a la muerte y a la vejez, así como decreta el culto de la belleza, la salud y la juventud.

El Festival de Cannes sorprendió a todos premiando en 2021 a Titane, de Julia Ducornet, alucinada película fantástica, de raíz cronenberguiana. Así que cuando el festival anunció la selección de The substance, segunda película de terror de la francesa Coralie Fargeat, para la competición oficial, las expectativas eran altas.

Contra el envejecimiento

The substance es una película sobre el envejecimiento y cómo ha dejado de ser aceptado, convirtiéndose en motivo de exclusión social. Lo ejemplifica el personaje de Elisabeth Sparkle, interpretado por Demi Moore, veterana estrella televisiva de aeróbic, que es despedida por ser demasiado mayor.

Al mismo tiempo, descubre la existencia de una sustancia secreta que promete devolver la juventud, siempre que se respeten unas reglas. El rejuvenecimiento pasa por la creación de un doble más joven, más bello, más eficaz, retomando la figura fantástica clásica del doppelgänger, el doble maléfico destinado a acabar con su modelo original.

Demi Moore y la mirada masculina

La elección de Demi Moore para el papel es especialmente apropiada. Como es sabido por todos los amantes de la farándula, la actriz estadounidense ha recurrido a la cirugía para preservar su juventud, y su papel tiene todos los elementos de una valiente transposición autobiográfica.

También, de pasada, ajusta cuentas con el machismo de los medios televisivos, ya sea caricaturizando a los propietarios como una panda de ancianos lujuriosos, o bien parodiando la

mirada masculina a la hora de filmar lascivamente los cuerpos en el programa de fitness

Retorno de lo popular reprimido

Pero la película reserva una sorpresa. El inicio de la película, con estas premisas argumentales y el imaginario médico y orgánico, se inscribe

dentro de la tendencia cronenberguiana de la “nueva carne”, dentro de unas coordenadas de un cine fantástico de autor, plenamente aceptado ya por el festival. Sin embargo, la película se va desprendiendo de esta apariencia inicial para adoptar progresivamente otra estética, la del cine gore y hasta splatter y de las referencias a la serie Z, en particular las películas de la productora Troma, que culmina en el mayor baño de sangre probablemente visto en la historia de la Croisette. Así, al mudarse de piel, del cine de autor a la serie Z, The substance consigue infiltrar el cine popular en el elitista festival.

/// Fotograma de The substance, de Coralie Fargeat

/// The substance, de Coralie Fargeat, Premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes