La Gualdra 548

SUPLEMENTO CULTURAL

NO. 548 /// 24 DE OCTUBRE DE 2022 /// AÑO 11

DIR. JÁNEA ESTRADA LAZARÍN

Enrique Barajas Pro. 2022. Foto de Jánea Estrada.

“Las piezas más recientes juegan una recuperación del 2008 con la experiencia estética de 14 años. Ese ir y venir del lenguaje que se superpone y se retiene, luego se supera y se desborda en Estereotipos y Arquetipos. La tilde de esta serie es un juego donde todas las piezas se resuelven dentro de una caja que es agitada. Es un orden y caos vuelta a un orden y caos para tener como única experiencia la unidad y la pulsión lúdica”. Enrique Barajas Pro [Juan Carlos Villegas entrevista a Enrique Barajas Pro, quien inaugura su exposición Estereotipos y Arquetipos en el Museo Francisco Goitia el 27 de octubre]

La Gualdra No. 548

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LA GUALDRA NO. 548 /// 24 DE OCTUBRE DE 2022 /// AÑO 11

Editorial El Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) es un mecanismo de financiamiento que “busca genera condiciones para la realización de obras artísticas y fomentar y estimular a aquellos artistas que han realizado contribuciones significativas a la cultura mexicana.

El SNCA es el primer proyecto en México que crea condiciones económicas para que un artista dedique todo su tiempo a su vocación creadora en circunstancias favorables”,i de ahí que además de cumplir con los requerimientos de 35 años cumplidos y acreditar la nacionalidad mexicana o bien, la residencia legal en México durante 15 años consecutivos, los postulantes deben de cumplir con lo siguiente: “1.3 Presentar un proyecto para desarrollar en un plazo de tres años, mismo que deberá apegarse a los lineamientos de esta convocatoria. I.4 Haber creado obras de calidad en la disciplina en la que postula. I.5 Haber obtenido premios, distinciones y/o reconocimientos locales, municipales, estatales, nacionales o internacionales en la disciplina para la que postula. I.6 Tener una trayectoria artística comprobable en la disciplina en la que postula. I.7 Cumplir con el proceso de inscripción conforme a las fechas y procedimientos establecidos en la presente convocatoria”.ii Alrededor de 200 proyectos en las distintas disciplinas artísticas que incluye la convocatoria son elegidos de entre todas las muchísimas solicitudes que se presentan por parte de los artistas que se postulan. Los merecedores de este apoyo financiero son seleccionados por una comisión que se da a la tarea de revisar quiénes son los artistas que más méritos han acumulado a lo largo de su trayectoria profesional; y quienes obtienen esta distinción integran un grupo cuyas “contribuciones a la cultura mexicana” los distinguen profesionalmente. Formar parte del SNCA, en este sentido, es motivo de mucho orgullo para quienes reciben este reconocimiento y para los Estados de los que son originarios.

Los resultados del SNCA fueron dados a conocer la semana pasada y nos llenó de alegría ver en la lista de seleccionados a muchos artistas que han publicado en La Gualdra o que han sido

entrevistados en este espacio gualdreño. Va nuestra felicitación para todos los afortunados; pero debo mencionar aquí a Saúl Kaminer, en el área de pintura; Bernardo Fernández “BEF”, Miguel Barquiarena, y Antonio Ramos Revillas, en al área de narrativa; Luis Armenta Malpica, Balam Rodrigo, Jorge Ortega, Renato Tinajero y Beatriz Pérez Pereda, en el área de poesía. Beatriz Pérez Pereda es nuestra aliada gualdreña y ha publicado en tiempos recientes una serie de entrevistas a escritores jóvenes del país; se sumó a este proyecto gracias también a la ayuda de otro poeta (amigo muy querido) que resultó ganador del SNCA el año pasado, el michoacano Armando Salgado,iii así que estamos doblemente contentos por ellos y con ellos.

Quiero felicitar muy especialmente también, a dos escritores zacatecanos que este 2022 forman parte de esta selecta lista del Sistema Nacional de Creadores de Arte: a Javier Acosta (poesía) y a Gonzalo Lizardo (narrativa). Quise mencionarlos aparte porque siempre hemos dicho que en Zacatecas nos llenan de orgullo nuestros artistas y hoy es el momento de reafirmarlo.

Hemos seguido la trayectoria de estos dos escritores durante muchos años y noticias como esta son alentadoras, muy bien recibidas y por supuesto, sumamente celebradas. Ojalá que existieran más noticias así, que nos llenen de gusto, que no nos permitan olvidar que en nuestro Estado hay mucho talento y artistas que, con su trabajo y sus logros, ponen todos los días el ejemplo con sus acciones diarias.

Y a propósito de artistas zacatecanos, cierro este comentario invitándolos a que este 27 de octubre asistan a la inauguración de la exposición Estereotipos y Arquetipos, del artista plástico fresnillense Enrique Barajas Pro, en el Museo Francisco Goitia. En páginas centrales aparece una entrevista que le realizó Juan Carlos Villegas a Enrique, y una selección de las obras que conforman esta muestra.

Que disfrute su lectura.

Contenido Los Marcados y el cine en La Quemada Por Carlos Alberto Torreblanca Padilla

“El arte no se equivoca nunca, de ahí su eterna permanencia” [Estereotipos y Arquetipos, de Enrique Barajas Pro en el Museo Francisco Goitia] Por Juan Carlos Villegas

Los pasos de López, de Jorge Ibargüengoitia Por Miguel Ángel de Ávila González Arena Por Pilar Alba Harold Bloom: la crítica literaria como salvaguarda de la humanidad en la intemperie Por Sigifredo Esquivel Marín

Desayuno en Tiffany’s, mon ku Maixabel, la nueva película de Icíar Bollaín en el Cinema Utopia [Una historia del perdón de los victimarios de ETA] Por Carlos Belmonte Grey

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Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com

i Ver: http://www.elem.mx/institucion/datos/1415 ii https://fonca.cultura.gob.mx/sacpc/wp-content/uploads/2022/04/BGP_SNCA_2022.pdf iii

Armando ha entrevistado en La Gualdra a Luis Armenta Malpica, Balam Rodrigo, Jorge Ortega, Renato Tinajero y Beatriz Pérez Pereda, entre muchos otros; y publicado aquí también el trabajo de varios escritores mexicanos y extranjeros, como Miguel Barquiarena.

Directorio

Carmen Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx

Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Sandra Andrade Diseño Editorial

La Gualdra es una coproducción de Ediciones Culturales y La Jornada Zacatecas. Publicación semanal, distribuída e impresa por Información para la Democracia S.A. de C.V. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación, por cualquier medio sin permiso de los editores.

Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com

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Los Marcados y el cine en La Quemada 6 Por Carlos Alberto Torreblanca Padilla*

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s tiempo de preparar las palomitas y sentarnos a analizar la relación entre el cine y el patrimonio arqueológico. México tiene una gran cantidad de ciudades prehispánicas las cuales han sido empleadas como escenarios para recrear hechos históricos en filmes como Retorno a Aztlán o Ulama: juego de la vida y la muerte; así como para documentar el trabajo del arqueólogo, como lo podemos apreciar en película La excavación, producida por Netflix. También están aquellas películas de carácter fantástico como El coyote emplumado, o la famosa saga de Indiana Jones.

Las zonas arqueológicas se encuentran envueltas en impresionantes paisajes con un toque de misterio, atrayendo la atención de la industria cinematográfica. La zona arqueológica de La Quemada no fue la excepción ya que ha sido utilizada como escenografía de varias filmaciones como el western mexicano llamado Los Marcados, escrita, producida y actuada en el año de 1971 por el cantante y actor mexicano José Pascual Aguilar Márquez Barraza, mejor conocido como Antonio Aguilar, contando con la colaboración de Ricardo Garibay y Mario Hernández. En esta película actuaron Guillermina Jiménez Chabolla (Flor Silvestre), María Teresa Sánchez González (Carmen Montejo), J. Eduardo Eric del Castillo-Negrete Galván (Eric del Castillo), Javier Ruán Jaimes y Juan Carlos Ruiz, entre otros.

Más allá de hacer una crítica de esta controversial película, analizaremos las condiciones de conservación de los edificios prehispánicos que aparecen en escena, al igual que el empleo del patrimonio arqueológico en dicha industria.

En el rodaje de Los Marcados se emplearon vistas generales de los vestigios centrándose en la Acrópolis, es decir, la parte sur del cerro. Las locaciones particulares fueron en el Salón de Columnas, Juego de Pelota, Pirámide Votiva y Plaza de los Sacrificios.

Para los años 70´s en, las ruinas de La Quemada, solo se habían realizado trabajos de restauración en la Pirámide Votiva, el resto del sitio aún se encontraba cubierto por escombros de los propios edificios los cuales dificultaban el tránsito, por lo que se infiere que el primer nivel de los vestigios arqueológicas de La Quemada presentó las condiciones técnicas para llevarse a cabo las grabaciones.

Es interesante ver el uso del patrimonio arqueológico y una reinterpre-

Cartel de la película Los Marcados, 1971. Dir. Alberto Mariscal, Producciones Águila.

Fotograma de la película Los Marcados, min. 24.24, 1971, Dir. Alberto Mariscal, Producciones Águila.

Fotograma de la película Los Marcados, min. 1.21.47, 1971, Dir. Alberto Mariscal, Producciones Águila

Fotograma de la película Los Marcados, min. 1.18.44, 1971, Dir. Alberto Mariscal, Producciones Águila

tación del pasado mezclando un escenario prehispánico con mobiliario de latón, madera y finas telas al estilo Luis XVI; muestra de ello son las escenas grabadas en el Salón de Columnas donde se empleó una fina decoración compuesta por un comedor y una recámara. En este mismo espacio, en otra de las escenas se aprecia un pequeño estanque cerca, en el cual los protago-

nistas se duchan fundiendo una imagen de los baños romanos con vaqueros del viejo oeste.

Otra de las partes destacadas en el rodaje se presentó en la Plaza de los Sacrificios, donde se escenifica un foro para una declamación poética realizada por el personaje del Niño, quien viste una sábana blanca y porta un cráneo en su mano extendida evocando un

episodio del teatro griego recreado por Shakespeare. En el Juego de Pelota se reproduce un torneo de caballeros medievales, que a caballo y con una lanza golpean a un individuo que está colgado de un poste, conservando ciertos aspectos del viejo oeste americano.

Cerca de la derruida plaza principal, el Niño coquetea con uno de los secuaces quien le responde con un erótico gesto. En una cama de latón y espejos forrados con tela roja dentro del Salón de Columnas están recostados, en una relación incestuosa, el Niño y el Pardo.

Es notorio en toda la película que el patrimonio arqueológico existente en La Quemada solo sirvió de escenografía, quizás con la intención de promover turísticamente el lugar.

Desde la visión arqueológica, sobresale el estado de conservación en que se encontraban los edificios, la gran cantidad de escombro dispersos por el lugar producto de la intemperie y el saqueo. La cancha para el juego de pelota se presenta parcialmente liberada, en cambio en el Salón de Columnas aún se observan las calas de excavación arqueológica que se dejaron abiertas. En cuanto al pórtico y plaza principal se percibe la acumulación de lajas, dispuestas como banco de material para ser retiradas y posteriormente empleadas en la elaboración de los “lienzos” o para la construcción contemporánea. Una densa nopalera cubre el entorno a la plaza mayor donde se encuentra la calzada principal a la antigua ciudad prehispánica, por este lugar cabalga sigilosamente el Marcado. Este personaje, una vez de haber aniquilado a la horda de forajidos, pasa con su rostro inexpresivo a un costado de la Pirámide Votiva que es el único monumento que está en buen estado de conservación. Sin embargo, la escena que impacta en el quehacer arqueológico, es cuando el Marcado ingresa al Salón de Columnas derrumbando un muro, a pesar de ser este parte de la escenografía, el protagonista corre entre el escombro y calas expuestas, afectando el contexto arqueológico.

La industria cinematográfica también es un importante referente del documento histórico que llega a mostrar las condiciones sociales y culturales en un tiempo definido; con esta filmación la zona arqueológica de La Quemada muestra un panorama estructural de las ruinas en la década de los 70´s, así como una amplia vista paisajística en que se envuelve estos importantes vestigios arqueológicos. * Director de la Zona de Monumentos Arqueológicos y Museo de Sitio La Quemada, Centro INAH Zacatecas.

Ollin: Memoria en movimiento

Juegos de manos, a la sombra de un cine de verano juegos de manos, siempre daban una de romanos.

Joaquín Sabina, Una de romanos

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Artes plásticas

“El arte no se equivoca nunca, de ahí su eterna permanencia” [Estereotipos y Arquetipos, de Enrique Barajas Pro en el Museo Francisco Goitia] 6 Por Juan Carlos Villegas

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nrique Barajas Pro nació en Fresnillo, Zacatecas, en 1971. Él es uno de los artistas que se formaron en el Taller de Pintura y Grabado Julio Ruelas, bajo la tutela de Alejandro Nava. A propósito de su próxima exposición, presentamos un diálogo entre él y Juan Carlos Villegas, compañeros en el mismo taller, nacido también en 1971 y originario de Potrero de Gallegos, Valparaíso. Aquí la conversación entre ambos colegas.

Enrique Barajas Pro. Foto de Jánea Estrada

Juan Carlos Villegas: En un panorama donde cada vez son más presentes tendencias de vanguardia, enmarcadas dentro del llamado arte contemporáneo, ¿es importante seguir pintando, o la pintura sería ya cosa del pasado?

Enrique Barajas Pro: Las tendencias de vanguardia del arte contemporáneo son una expresión importante de nuestro tiempo. Hay una congruencia que el arte suele mostrar como manifestación del contexto histórico. Si el arte es dogmático, complejo, difícil, bello, vacío o carente de arte, no es el arte per se. Es, se podría decir, el mensajero de aquello que está en desorden o equivocado. El arte no se equivoca nunca, de ahí su eterna permanencia.

JCV: Sí, entiendo que las tendencias de vanguardia son la expresión de los tiempos actuales, pero insisto: ¿la pintura ya no es capaz de eso ahora?, será que ya no es protagonista de los nuevos tiempos y que el arte ahora se manifiesta a través de nuevas maneras? ¿Cómo entender el papel de los pintores tradicionales dentro de todo este nuevo escenario?

EBP: Intentaré responder, pues es complicado explicar algo que pudiera tener muchas aristas de causa. En lo personal estoy enfocado en que mi

trabajo -que, aunque lúdico y disperso trata de reflejar los tiempos actualestenga una mirada poética y a la vez con verdad. La evolución de mi concepto de verdad se fue construyendo a partir de que el pintor Alberto Castro Leñero me dijera una vez que es importante el valor (en el sentido de valentía) en alcanzar o expresar hasta aquellos lindes desconocidos. Así lo explico yo, pero él solo se limitó a decirlo así. Otro maestro me enseñó a que es importante expresar la pintura desde la pintura (la pintura por la pintura) y cuando se revisa su trabajo hay mucha congruencia. Entonces se suma la congruencia como elemento de verdad y de valor. A partir de ahí es casi sencillo separar o darse cuenta de las franjas que son vidrios de colores de las que no. Si a esos valores se imprime lo que te decía respecto a la personalidad en sustitución del estilo entonces es posible percibir la vibración al mirar una obra artística.

Aquella que da una potente lección, que provoca el estremecimiento de la mente y el alma. Desde ahí resuelvo que la pintura debe tener un sentido de función. Entonces pienso en Michael Borremans, William Turner, Michel Barceló, Richter (cuya fuerza derivó en algunos imitadores)… o en Freud, Scully o Motherwell. Confieso

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24 DE OCTUBRE DE 2022 que no estoy familiarizado con el arte de instalación, pero tuve una grata experiencia con una exposición de Gabriel Orozco en el MAM. En fin, que el arte no-funcional se resuelve en aquel que imita, pero que con suerte pudiera encontrarse; pero, está el que imita al imitador... pero eso no lo digas…

JCV: ¿Cómo ves tú el panorama actual de la pintura zacatecana y de qué manera encaja tu propuesta en tal escenario?

EBP: Hace tiempo reflexionaba con la idea de que nuestros mejores artistas se están yendo. Aquellos que con su personalidad artística dejaron una huella visible en la historia del arte mexicano… que tal vez quedamos los que no aprendimos cómo dejar esa huella bien impresa. Las redes nos dan cuenta de la pluralidad de expresiones y -así como hay comida chatarra- se vuelcan en satisfacer los sentidos del placer. Por ende, dejamos de pensar, de leer, de mirar, de arriesgarnos, abandonamos la inteligencia.

JCV: Mencionas que nuestros mejores artistas se están yendo, ¿crees que las nuevas generaciones estamos haciendo un digno papel para seguir con

JCV: Hay opiniones en favor y/o en contra tanto de tendencias abstractas como de figurativas, ¿consideras tú importante esa cuestión o se trata, desde tu punto de vista, de un falso debate?

EBP: Es un falso debate que surge por justificar las limitaciones de una formación integral. Se pinte abstracción o figuración es la personalidad y no el estilo lo que tiene mayor fuerza. La clave, y volviendo un poco a la pregunta anterior, es que la expresión artística ha dejado en su mayoría de tener fuerza. Afortunadamente para el arte, esas expresiones entran en la categoría de -no pintura-.

JCV: Platícanos entonces qué presentas ahora en esta exposición individual Estereotipos y Arquetipos en el Museo Francisco Goitia… es una recopilación de piezas del pasado a manera de retrospectiva, manejas una sola idea, un concepto, o es una nueva serie…

EBP: Presento 53 piezas que comprenden dos series expositivas: La Merienda Campestre que presenté en 2011 en Galería Irma Valerio, en su mayo-

ría al temple sobre tela. Y Espiración, que presenté en Arroyo de la Plata en 2016, y que comprendieron piezas al óleo y al carbón sobre tela. A piezas de estas dos exposiciones se suman piezas realizadas a partir de 2016 al 2022.

Una vez que el Museo Francisco Goitia me da cuenta de su interés en realizar la muestra, realizo algunas piezas al temple sobre tela en formato grande.

La idea de Estereotipos y Arquetipos es de carácter positivo en el sentido de que las series expositivas juegan en discrepancia; es decir, mientras la serie de 2011 que inicié a trabajar en 2008 experimentó una madurez técnica y estilística -de la cual me sentí muy a gusto-, Espiración se construyó en un momento de búsqueda impulsada por la anterior… se pueden apreciar óleos donde exploro el concepto de lo inconcluso como carácter estético y al mismo tiempo una abstracción concreta en la que se plasma la realidad abandonando los planos y la línea y se refina con el expresionismo del concepto de inconclusión.

Las piezas más recientes juegan una recuperación del 2008 con la experiencia estética de 14 años. Ese ir y venir del lenguaje que se superpone y se retiene, luego se supera y se desborda en Estereotipos y Arquetipos. La tilde de esta serie es un juego donde todas las piezas se resuelven dentro de una caja que es agitada. Es un orden y caos vuelta a un orden y caos para tener como única experiencia la unidad y la pulsión lúdica.

Artes plásticas

JCV: Eso me parece muy interesante… ¿Hasta qué punto es válido imitar?

EBP: Solo como práctica técnica. El resultado de esa práctica es asimilar el lenguaje y transmitirlo con la mayor inteligencia y originalidad posibles.

una tradición plástica de calidad en Zacatecas?

EBP: Sí, lo creo, ahora es su -nuestro- tiempo y es justo que se adapten a ello, pero sin dejar de lado la tradición. La tradición no es en la técnica sino el proceso creativo. El principio de transformación-evolución desde la inteligencia.

nálisis del augurio. Óleo sobre tela, 2020

Perseo y Andrómeda según Rubens. Óleo sobre tela, 2020

Enrique Barajas Pro. Foto de Jánea Estrada

La exposición Estereotipos y Arquetipos, de Enrique Barajas Pro, se inaugura este viernes 27 de octubre, a las 19:00 horas, en el Museo Francisco Goitia, en la ciudad de Zacatecas, Zac. Permanencia hasta marzo de 2023.

Año uno. Óleo sobre tela, 2021

Un metro cuadrado de tierra mojada. Óleo sobre tela, 2020

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Los pasos de López, de Jorge Ibargüengoitia Literatura

6 Por Miguel Ángel de Ávila González

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as novelas históricas se preocupan de los hechos y los personajes que, tanto para el imaginario literario como para el conocimiento histórico, determinan la configuración política y social de sus pueblos, que articulan los vértices de la realidad histórica de toda una nación o de una comunidad que tiene íconos y rasgos de identidad comunes entre sus miembros.

Entre las principales novelas históricas podemos mencionar: El impostor, de Javier Cercas; Noticias del imperio, de Fernando del Paso; El reino de este mundo y El arpa y la sombra, de Alejo Carpentier; Memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar; y, desde luego, Los pasos de López.

Esta novela plantea la desacralización del discurso oficialista de la historia. La desmitificación de la historia oficial y sus valores institucionales incólumes es una clara intención que logra verse durante toda la narración. Propone una lectura irreverente de lo que es enunciado con tono solemne en cualquier otro contexto.

Toma como tema y escenario espacio temporal de su narración los hechos que condujeron a la conspiración de Querétaro, encabezada por los corregidores Miguel Domínguez y su esposa Josefa Ortiz, a adelantar su planeado levantamiento revolucionario en contra de la dominación española durante el virreinato en México, con el propósito de independizar

a la región de la Nueva España de la Corona, la cual coartaba en casi todos los aspectos sociales y económicos el desarrollo de la población criolla sin mencionar el de las razas nativas sometidas.

La conspiración contaba con personales como Ignacio Allende y Juan Aldama.

Es al cura Miguel Hidalgo a quien se le atribuye haber comenzado el primer le-

vantamiento insurgente con el conocido Grito de Dolores, la madrugada del 16 de septiembre de 1810.

La novela convierte la historia del levantamiento independentista en un conjunto de conspiraciones y en una comedia de enredos al menos durante la primera mitad, lo cual no es necesariamente falso con respecto del discurso

histórico original, pero da lugar a interpretar hechos concretos donde una perspectiva esencialmente distinta a la no literaria y radicalmente distanciada de la historia oficial.

La segunda mitad recorre las andanzas de la comitiva insurgente liderada por Miguel Hidalgo hasta que es desbandada por las fuerzas españolas; cuando sus líderes son dispersados e Hidalgo es apresado y ejecutado, hecho con el que termina la narración de la novela.

La intención es convertir la narración histórica en una más emparentada con los géneros de entretenimiento popular una de las herramientas más eficaces para la desmitificación del discurso institucional.

El propósito del autor no es ridiculizar sino mostrar a nuestros héroes como seres humanos, proclives al error, el miedo, la duda. Los personajes son capaces de amar, traicionar y tomar decisiones importantes como cualquier ser humano.

Les otorga a los personajes cualidades jamás vistas en el discurso histórico y dota a la historia de una gran dosis de humor e ironía.

La narración pretende dotar a los héroes de sus peculiaridades y debilidades humanas, tiene el propósito de rescatar a Hidalgo y a los héroes de la independencia de los pedestales de la demagogia oficial para devolvérselos al pueblo.

Río de Palabras

Jorge Ibargüengoitia, Los pasos de López, Editorial Joaquín Mortiz, primera edición en boooket, México, 2006.

Arena

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6 Por Pilar Alba

ocó mis pies la arena, la humedad en mis plantas me hizo sentir cómoda, tanto tiempo esperando llegar, tan lejos mi casa de este montón de agua que ahora se presentaba ante mis ojos y se perdía en el infinito.

Caminé hasta el lugar en donde tocaba la playa, empezó a mojarme los pies, los tobillos, las rodillas, las pantorrillas… cada vez más. En su ir y venir me entró la angustia. Mis ojos de repente también expulsaron agua salada. La angustia se transformó en miedo. Tan grande el mar y tan pequeña yo, pensaba. Tan inmenso y majestuoso, él; tan insignificante e indefensa yo. Retrocedí, me senté en un camastro, me quedé mirándolo desde lejos. Tantos años queriendo estar aquí, tanto tiempo invertido para conseguir cruzar el desierto para por fin llegar a esta inmensidad de agua… esta reflexión me dio valor, corrí a la orilla, dejé una vez más que el mar me mojara, que me arrastrara. Salí con la ropa remojada, con el cabello revuelto y la piel llena de arena. Me recosté una vez más en el camastro, me dejé adormecer por el ruido de las olas. Pensé en mi casa, en mi ciudad, en el desierto. Todo es aparente, dije, en todos lados no somos, ni seremos más que arena. Arena que se pega en la piel, que irrita los ojos y los hace llorar, que se adhiere a los pies a los zapatos; arena en la que quedaremos por fin y para siempre sepultados.

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Harold Bloom:

la crítica literaria como salvaguarda de la humanidad en la intemperie 6 Por Sigifredo Esquivel Marín

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sistimos a una época de banalización de todas las cosas, personas y experiencias. Todo vale lo mismo, lo que significa nada vale y nada importa en realidad, empero el mercado termina por imponer sus criterios y cánones, así que en esta época de uniformidad gris, las excepciones y singularidades tienden a diluirse en un multiculturalismo light, ascéptico e incoloro.

En nombre de un falso igualitarismo se cortan cabezas, particularmente la idea de “genio creador” resulta subversiva y políticamente incorrecta. La corrección política dicta, con su micro-fascismo suave, que nada ni nadie puede estar por encima de la medianía estandarizada, por eso sorprende y asusta un crítico literario que hable de la necesidad de regresar a “la idea de genio creador” y que considere que el futuro de la humanidad reside en El futuro de la imaginación creadora (Barcelona, Anagrama, 2002).

Recién fallecido, el norteamericano Harold Bloom ha realizado una poderosa relectura estético-metafísica de la tradición literaria occidental. Sus afirmaciones autoritarias polémicas, pueden ser exasperantes, pero siempre están justificadas por una trayectoria vital coherente entregada a la lectura apasionada y a la conservación de los grandes libros de la humanidad,

desde luego que hay ausencias y sesgos notables, en algunos casos apenas justificables o tolerables, pero se trata de un hombre que hizo del amor a los libros su vida, su obra, su legado.

Su búsqueda vital e intelectual está motivada por la voluntad de creación e invención humana: ¿Dónde se encuentra la sabiduría? (Buenos Aires, Taurus, 2005) es el título de una obra suya fundamental, que también se podría leer como el proyecto de trazar una cartografía y brújula individual-colectiva para atesorar el arconte del saber humano de todos los tiempos bajo tres criterios improrrogables: esplendor estético, fuerza intelectual y sabiduría, por desgracia estos criterios de belleza, verdad y discernimiento cada vez resultan más escasos y lejanos en nuestros días.

Su perspectiva sobre ese otro gran erudito de la mística judía Gershom Scholem da cuenta tanto del amigo de Walter Benjamin como del profesor norteamericano: “el trabajo de toda una vida entregada a la recuperación y salvaguarda de la sabiduría antigua”.

El canon Occidental. La escuela y los libros de todas las épocas (Barcelona, Anagrama, 2004) suscita tanto odios como elogios. Una obra que nos invita a repensar las ideas de canon y de autor clásico, en una época relativista, anticanónica marcada por la desaparición del autor y la autoridad, donde el cla-

cisismo es denunciado como elitismo, violencia epistémica e imposición.

Enfatiza: “Un signo de originalidad capaz de otorgar el estatuto canónico a una obra literaria es esa extrañeza que nunca acabamos de asimilar, o que se convierte en algo tan asumido que permanecemos ciegos a sus características. Dante es el mayor representante de la primera posibilidad, y Shakespeare un fenomenal ejemplo de la segunda” (p. 14). Las metáforas e imágenes de las obras maestras definen y redefinen la historia de la humanidad en su conjunto. Las obras originales poderosas se convierten en canónicas porque nos enseñan a experimentar, o por lo menos atisbar, el mundo y el ser humano de otra forma.

Los grandes maestros de la creación son auténticos revolucionarios, crean arte y literatura ex nihilo.

El catedrático incendiario de Yale nos habla de la literatura con una pasión al rojo vivo siempre encendida y excedida. Su genio está poseído por el entusiamo creador. Pensar el arte y la literatura desde el canon es asumir la fragilidad, caducidad y finitud del ser humano y sus creaciones. Es tomar partido por una selección siempre arbitraria, sesgada, contingente, pero que busca dar un salto a la dimensión transhistórica y vislumbrar la eternidad de la creación originaria.

Filosofía

Harold Bloom. Foto tomada de @TheLastSisyphus

El canon literario no es únicamente un florilegio de obras con méritos estéticos sino el despliegue de la condición humana misma encarnada como obra artística. De ahí su consideración de William Shakespeare como epicentro del canon humano creador quien –según el crítico– reinventa y singulariza la condición humana moderna desde una individualidad irreductible en vez de tipos y arquetipos universales. Su lectura sobre Shakespeare (Barcelona, Anagrama, 2019) resulta sencillamente deslumbrante y nos muestra a un escritor inglés vigente para entender la condición humana de todos los tiempos, particularmente de los tiempos actuales caóticos. De ahí su recomendación de que: “Tenemos que ejercitarnos y leer a Shakespeare tan tenazmente como podamos, sabiendo a la vez que sus obras nos leerán más enérgicamente aún. Nos leen definitivamente” (p. 18).

La angustia de las influencias (Caracas, Monte Ávila, 1973) devela la anatomía de las relaciones intertextuales que atraviesan las grandes obras. Nos ayuda a entender y atender la genealogía de la creación y recreación de las obras maestras de todos los tiempos. Su exégesis del pensamiento gnóstico y religioso nos muestran a un creyente lúcido capaz de entender la tradición ancestral desde un presente desacralizado abierto al porvenir. Sus obras periodísticas aportan reflexiones que trascienden la opinión dominante, movilizan a pensarnos.

Resultan memorables las controversias con sus colegas e interlocutores de Yale como el gran Paul de Man y las polémicas con el mismo padre de la deconstrucción Jacques Derrida que en 1979 se publican bajo el título Deconstruction and criticism (Continuum, London-New York); el debate que recogen sus memorias es realmente rico, se lee con delicioso placer. Se trata de un texto seminal programático y paradigmático que anticipa las discusiones críticas de la contemporaneidad.

Las opiniones de Bloom podrán parecer totalitarias, pero en realidad son declaraciones de principios de un pensador auténtico que hizo de la tradición literaria y estética la salvaguarda de una condición humana al borde del naufragio. Su evangelio laico consiste en la recuperación de una paideia estética como arconte humano sacro. Harold Bloom es un gran crítico literario que ha hecho de la crítica literaria un auténtico ejercicio intelectual de recreación del sentido de lo humano frente a la debacle del mundo y del hombre.

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LA GUALDRA NO. 548 // 24 DE OCTUBRE DE 2022

Desayuno en Tiffany’s, mon ku

Maixabel, la nueva película de Icíar Bollaín en el Cinema Utopia

Cine

[Una historia del perdón de los victimarios de ETA] 6 Por Carlos Belmonte Grey

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cíar Bollaín es quizás la directora cinematográfica hispanoamericana más citada como herramienta pedagógica y sensibilizadora. Sus películas de cine social o compromiso político -según el acercamiento que se prefiera- han recibido una amplia aceptación y discusión entre los críticos especializados y los programadores.

El pasado viernes 21 de octubre, Bollaín presentó -invitada por la Asociación Contraluz de Aviñón, Francia-, en el Cinema Utopia de Aviñón (ubicado a un costado del inmenso Palacio de los Papas), su más reciente realización: Maixabel, estelarizada por Blanca Portillo y Luis Tosar.

Esta vez Bollaín entró al delicado tema del terrorismo del grupo vasco ETA que durante 50 años estuvo activo con reivindicaciones comunistas y nacionalistas contra el estado español, asesinando a personajes vinculados al gobierno o contrarios a sus principios ideológicos.

Maixabel, de Icíar Bollaín

Fotograma de Maixabel.

Icíar Bollaín, en Aviñón.

Foto de Carlos Belmonte Grey.

Pero no filmó una historia de ETA, sino que tomó la historia de Maixabel Lasa, viuda de Juan Mari Jáuregui, asesinado el 29 de julio del 2000 en Tolosa por tres miembros de ETA. Maixabel se convirtió en una de las personas que aceptaron, 10 años más tarde, entrevistarse con un grupo de encarcelados de ETA desde hacía tiempo y que se habían manifestado arrepentidos de sus asesinatos y deseaban encontrarse con los familiares de sus víctimas para explicar y pedir perdón, “con la consigna de no justificar sus actos, porque eso no ayudaría al perdón”, comentó Bollaín en entrevista.

Estas entrevistas al principio organizadas dentro de la cárcel y después, cuando el gobierno de Rajoy las eliminó, en lugares diversos al momento de las permisiones de salida de los prisioneros, tenían el objetivo de ayudar a superar el dolor de atentados que las familias en ocasiones no entendían y nunca habían recibido explicación:

“[…] era fuerte, porque nunca se habían hablado. Así fue la filmación y el cuidado entre los dos actores, Tosar y Portillo, ambos grandes actores, sobre todo que Portillo se sentía intimidada por Tosar, yo misma me siento intimidada. Cuidamos que ellos no se encontrarán en ningún momento durante la filmación porque no se conocían, y quería guardar esa emoción del primer encuentro de dos grandes actores. Hicimos sus escenas juntos ya al final del rodaje, y esto permitió tener un poco de esa angustia del primer encuentro”, respondió durante la charla con el público la directora de También la lluvia (2010).

Bollaín tomó ciertas precauciones en la realización del guion tratando de centrarse únicamente en la historia de Maixabel para evitar tocar dos delicados asuntos: el nacionalismo y la política del estado español frente a ETA. Por eso, el paso por las cárceles, el trato dado a los prisioneros y la recreación del atentado se hacen sin dar espacio a diálogos maniqueos.

Los diálogos, escritos con la guionista Isa Campo, se nutren de las entrevistas hechas con los prisioneros y con Maixabel, y mostraron lo terrible que era el momento histórico de una avasalladora ideología y ahora, actualmente, son testimonios de la dura vida de esos exmiembros de ETA colocados entre dos fuegos: de un lado, la denuncia de asesinosvictimarios, y del otro, traidores al grupo por haber aceptado participar en el programa y renegar de ETA. Ahora, con esta nueva película ¿cómo se puede definir el cine de la directora de Te doy mis ojos (2003) y colaboradora de Ken Loach en Land and freedom (1995), cine de autor, cine comercial, cine popular: de cine político o de cine social? Ella prefiere que se le trate de la manera en que pueda atraer el público a ver sus películas “que me inviten un viernes por la noche a ver una película al cine, y me digan vamos a ver una película de cine social, ‘Uff no dan ganas’, pero depende del país y del contexto.

Mi cine funciona porque hace reflexionar, porque provoca emociones, y sé que en las escuelas y en la policía se utilizan para sensibilizar”.