PORTAFOLIO HISOTRIA DEL ARTE_JALIY DÁVALOS by jaliy Davalos Diestra

PORTAFOLIO

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HISTORIA DEL ARTE JALIY DÁVALOS DIESTRA 20202823

263 Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de Historia del Arte Ciclo 2021-1

ÍNDICE

ACTIVIDAD 1A Y 1B

CG2-CG3

ACTIVIDAD 2: MESOPOTAMIA Y EGIPTO CG2-CG3

ACTIVIDAD 3: GRECIA, ROMA, PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

CG2-CG3-CG4

E2 EF I.A

ACTIVIDAD 4: EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO

CG2-CG3-CG4-CG5

ACTIVIDAD 5: BARROCO NEOCLASICO ROMANTICISMO

CG2-CG3-CG4-CG5

ACTIVIDAD 6: IMPRESIONISMO EXPRESIONISMO CG7

REFLEXION GENERAL

CODIGO QR

INFORMACION DEL CURSO

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ACTIVIDAD 1A

INTRODUCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE

ENCARGO: Elija una obra de arte de un museo y coméntala siguiendo la metodología de la lectura “Análisis y Comentario de una Obra de Arte“. OBJETIVO: Familiarizarnos con el análisis de una obra. Relacionar la pintura y ver mas allá de lo literario.

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COMENTARIO: La presente obra artística titulada “La libertad guiando al pueblo” del pintor Eugène Delacroix, fue elaborada durante el siglo XIX. Para ser más específicos, en el año 1830 durante el mes de julio por lo que pertenece al tan característico estilo romántico. Todo este sentimiento patriota y nacionalista que dio cabida a la elaboración de esta pintura es en producto de la insurrección parisina, más conocida como las tres jornadas gloriosas, las cuales dieron fin al atormentado reinado de Carlos X y logró poner finalmente a Luis Felipe de Orleans como el nuevo rey. Esto marcaría la historia ya que por primera vez Francia le cedería el poder a la burguesía. También uno de los hechos que anteceden a esta obra es la carta que el autor le escribe a su hermano diciendo y cito textualmente “Si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella” por lo que en ella se expresa la amplia participación de todos los sectores y niveles socioeconómicos durante este periodo de lucha. Una vez definido el contexto histórico podemos empezar a analizar su composición. En primera instancia, se observa una mujer, con la ropa rasgada, portando un gorro frigio, el cual era usado normalmente por la clase baja, mostrando sus senos y sujetando una bandera tricolor, la bandera de Francia. Así mismo, se aprecia que el pueblo se deja guiar por este personaje, quien sería una versión temprana de Marianne dejándola a ella como la protagonista de esta obra por reflejar el concepto de la libertad, al no tener nada que esconder. Detrás, se observa una gran multitud integrada por personas de diferentes clases sociales. Entre ellos, los burgueses con chisteras, mendigos con harapos, niños con pistolas celebrando su victoria; cadáveres por doquier en el suelo; y más a lo lejos, una masa de gente anónima luchando entre el humo y las explosiones. En segunda instancia, se puede identificar las calles de París, en la que el autor toma como referencia, la catedral de Notre Dame entre el humo. A partir de ello, se logra justificar su trascendencia en la historia del arte debido a que no solo representaría el primer cuadro político de la pintura moderna, sino que también, manifiesta un aspecto cívico pues logró personificar a cada francés que defendió la causa que le puso fin a la tan desestimada monarquía. Además, que, con esta obra, Delacroix pone en manifiesto su ideología y su faceta de pintor comprometido con las circunstancias. El presente cuadro se exhibe actualmente en el museo Louvre ubicado en Francia. Este museo es uno de los más conocidos y famosos. No solo por su arquitectura, sino también por la gran cantidad de obras que ofrece mostrar al público. Además, la espacialidad que tienen sus pasajes y salones, los cuales se distribuyen según el año, autor y tipo de obra, son tan grandes, altas e iluminadas como para ofrecer una cómoda acogida a quienes lo visitan. El diseño interior también es influido por el contenido de sus obras. Por un lado, los salones que contienen una secuencia de obras de un autor en específico absorben la etapa en la que las han sido elaboradas y atrae al espectador a retroceder en el tiempo. Por otro lado, los pasajes del museo contienen diversos lienzos con dimensiones distintas, por lo que son altos y con colores neutrales para que sean las obras los protagonistas. Finalmente, se encuentra también un amplio patio alrededor de la famosa entrada del Louvre “La pirámide de cristal” con el departamento de antigüedades griegas, etruscas y romanas.

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ACTIVIDAD 2 MESOPOTAMIA Y EGIPTO

ENCARGO: El alumno deberá realizar dos dibujos: un Zigurat de Mesopotamia y un templo egipcio Debe acompañar a cada dibujo la siguiente información: Cultura y fecha de ejecución, ubicación geográfica, materialidad, usos de las diferentes áreas de cada edificación. Ambos dibujos irán acompañados de un pequeño comentario. OBJETIVO: Analizar , comprender y reconocer como se ven reflejados dentro de sus obras tanto artísticas como arquitectónicas las características y el contexto en los que se encontraban sus autores durante el periodo mesopotámico y egipcio.

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ACTIVIDAD 3

GRECIA, ROMA, PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO ENCARGO: Se analizará y comentará los elementos formales sobre las esculturas y edificios abajo mostrados según la lectura de “Análisis y Comentario de una Obra de Arte” de Morante y Ruiz Zapata sobre cada uno de los estilos artísticos representados y lo que les pueda ayudar con otras lecturas como el libro de Gombrich y otras lecturas subidas al Aula Virtual. OBJETIVO: Analizar , comprender y reconocer como se ven reflejados dentro de sus obras tanto artísticas como arquitectónicas las características y el contexto en los que se encontraban sus autores durante el periodo Greco, Romano, Paleocristiano y Bizantino

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A C T I V I D A D

C O M E N T A R I O La obra escultural fue descubierta en el siglo XVI, alrededor de los terrenos donde estuvo situado una villa de Nerón, por ello se cree que la escultura tuvo como principal uso decorativo en la villa del emperador, y simplemente se dedicaría a narrar la escena de la Eneida, sin que se derive ningún otro significado metafórico del relato virgiliano. Además podemos afirmar que esta se adscribe a la escuela de Rodas, la cual destaca al igual que la de Pérgamo por su desarrollo en los temas dramáticos, y una exaltación del "pathos" es decir, del momento más tenso y dramático, como vemos en el gesto desgarrado del Laocoonte, que nos guía hacia la catarsis artística. Al contrario de las escuelas de Alejandrina y Ateniense, las cuales se derivaron hacia temas más amables, cotidianos, anecdóticos y de mayor naturalidad, por lo que finalmente tras ser descubierto logro una gran influencia en artistas de aquella época como Miguel Ángel e incluso más aún durante el Barroco con autores como Bernini.

EL LAOCOONTE Y SUS HIJOS COMPOCISIÓN Y CARACTERÍSTICAS VISUALES Visual Piramidal

Fabricada en Mármol blanco

Laocoonte hombre adulto barbado y musculoso

Serpiente Marina 1

Antifante adolescente Timbreo adolescente 2,42 m

Serpiente Marina 2

INFLUENCIA DEL PERIODO EN LA ESCULTURA El Laocoonte y sus hijos pertenece a la cultura artística griega dentro del periodo Helenístico en el año 200 a.C. Esta escultura presenta características propias de dicha etapa que ya se encuentra materializadas; como primer punto tenemos la expresión del cambio de sensibilidad artística, ya que deja atrás el equilibrio, la austeridad y la serenidad del período clásico. Se muestra una clara expresión de angustia y padecimiento dentro de los personajes ya que esta nos narra la historia de cómo tres hombres intentan ser asesinados por dos serpientes lo que genera gran conmoción. Es una imagen bastante dinámica y cargada de tensión por lo que se cumple la búsqueda de un mayor naturalismo y emotividad. Se puede apreciar también la minuciosidad buscada dentro de los detalles exteriores como una piel lisa, una caballera bastante acercada a la realidad con una sensación de haberse esculpido cabello por cabello y una tensión muscular por lo que sus cuerpos se encuentran bien definidos y bastante trabajados; y finalmente anatómicamente presentan una proporción bastante acertada a la realidad.

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A C T I V I D A D

C O M E N T A R I O

ESCULTURA DE CESAR AUGUSTO la mano derecha levantada

mostrando su cuerpo entero usando una vestimenta militar y un bastón de mando consular

en su coraza un bajo relieve alusivos a los dioses romanos

reposa todo su peso en la pierna derecha de una manera serena

elementos figurativos, con mayor influencia del idealismo clásico griego y una combinación del realismo Se muestra una correcta anatomía, ropaje y pliegues finos y ondulantes. Esto representa una dimensión temporal de eternidad. La incidencia de luz que recae en la escultura, es contrastada, por su técnica policromada donde abarca los colores dorado, púrpura, azul, entre otros.

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toda la escultura presenta un alto relieve

se encuentra de pie y descalzo textura lisa y pulida en la superficie con un volumen tridimensional que se logra apreciar más de la frontalidad

Se puede localizar en los museos vaticanos de Roma.

Esta escultura se trata de un tipo de bulto redondo tallado en marmol.

La escultura de Cesar Augusto se desarrolló en el siglo I a.C., perteneciente al estilo de arte romano imperial, por un autor desconocido durante el periodo del imperio romano. Esta escultura representa al emperador de esa época Cesar Augusto quien gobernó entre el año 27 a.C. al año 14 d.C., por lo que es considerado como el emperador con el reinado más grande de la historia. Fue hecha con el fin de propagar la imagen del gobernador y admirar cómo fue héroe ante su imperio y otras culturas. Conquistó la cuenca del Danubio y proporcionó al Imperio una época de paz, estabilidad y esplendor cultural por 2 siglos. Esta obra trajo consigo importantes cambios tanto como el arte y la cultura romana, estas representan la culminación del proceso evolutivo de las culturas mediterráneas. Profundamente enraizado en la cultura griega, la cual se incorporan diversos elementos, con un sincretismo sumamente característico en los retratos de los emperadores, que eran idealizaciones que resumían todas las virtudes que debía tener alguien excepcional, digno de gobernar un imperio como ese. En conclusión, esta escultura da a conocer quien fue Cesar Augusto durante el imperio romano y su importancia en la historia donde se representa un estilo bajo las influencias del arte griego, sin embargo esta tiene detalles añadidos que son fieles a la realidad.

A C T I V I D A D

E S P A C I O S

La Basílica Papal de San Pedro, también conocido como basílica de San Pedro del Vaticano, fue construida en la época Constantina. Este tiene la finalidad de usarlo y recrear el arte como medio de adoctrinamiento cristiano. Según nuestro análisis, este refleja la arquitectura paleocristiana por lo siguiente: En primer lugar, sus materiales baratos como eran los ladrillos, mampuesto y madera. Además, usaban el mármol en la preparación de las columnas para darle más firmeza, puesto que tanto las columnas como los muros eran los principales soportes. Segundo lugar, sus componentes como la cubierta era de armadura de madera a excepción de el ábside (por su particular forma de semiesférica). Adicionalmente, en su interior, se ven distintos y abundantes mosaicos de mármol y junto a ellos ventanas con entradas de luz difusas que ayudan a inspirar sencillez.

BASÍLICA PALEOCRISTIANA DE SAN PEDRO EN EL VATICANO

P R O G R A M A C I Ó N

M A T E R I A L E S Y C O M P O N E N T E S

C O M E N T A R I O

M Á R M O L

L A D R I L L O

M O S A I C O

M A D E R A

V E N T A N A S

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ACTIVIDAD 4

EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO

ENCARGO: Para esta entrega el alumno debía elaborar el análisis formal así como comentario acerca de las piezas pertenecientes a los periodos Gótico y Románico para luego realizar una pequeña comparación de su arquitectura y arte de ambos. OBJETIVO: Analizar y mencionar los elementos formales de la pintura gótica flamenca hablando especialmente acerca de la pintura del Matrimonio de Arnolfini. Comentar sobre la pintura gótica flamenca hablando especialmente acerca de la pintura del Matrimonio de Arnolfini Analizar y mencionar los elementos formales de la arquitectura románica hablando especialmente acerca de composición estructural.

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ACTIVIDAD 5

BARROCO, NEOCLASICO Y ROMANTICISMO

ENCARGO: Para esta entrega el alumno debía elaborar el análisis formal así como comentario acerca de las piezas pertenecientes a los periodos Barroco, Neoclásico y Romanticismo para luego realizar una pequeña comparación de su arquitectura y arte de ambos.. OBJETIVO: Clasificar ambas obras pictóricas, señalando su autor estilo y fecha de ejecución, realizar un análisis formal de ambas obras y comentario respectivo.

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Año: 1621

A C T I V I D A D

EL DESEMBARCO DE MARÍA DE MEDICIS EN EL PUERTO DE MARSELLA Autor: Pedro Pablo Rubens

Técnica: Óleo sobre tela

F U E N T E : H T T P : / / J T R E P A T 0 8 . B L O G S P O T . C O M / 2 0 1 3 / 1 1 / L A H I S T O R I A - Y - E L - A R T E - V I . H T M L

Estilo: Barroco

¿ P O R Q U É P E R T E N E C E N E O C L A C I S I S M O ?

A L

La pintura presenta características como el contraste de luz, sombras, la fuerza e importante del juego entre colores cálidos y sobre todo la definición de elementos sin una línea marcada. Además, se basa mucho en la expresión y el el movimiento Escenográfico. Por último se guían mucho de cuadros, esculturas y arquitectura.

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- Cultiva diversas técnicas, en la que encontramos la pintura al óleo sobre tela.

- El dibujo se inspira en esculturas y se ve reflejado en los personajes que participan en la pintura.

- Uso de la línea pierde importancia. Se utiliza líneas subjetivas, vibrante y sin continuidad. (Morante y Ruíz Zapata 1997)

- El modelado conformado por contrastes violentos teatrales. En este caso, no se evidencian sombras.

- La perspectiva es tradicional, pero no muy evidente puesto la obra no se ubica en un espacio en donde reflejen una perspectiva desarrollada. En este caso se opto por figuras sobre un plano a modo de friso.

- Los colores son vivos en movimiento. Con gamas y tonos equilibrados.

Dirección de la luz

- Usa una luz conceptual difusa pero clara. No se evidencia su iluminación con potencia, protagonismo ni efectismo.

- Su composición es asimétrica, el gesto y predominan las curvas, espiral y diagonales. (Morante y Ruíz Zapata 1997)

- La temática en este caso es observa la pintura de género, dentro del contexto de retratos y hechos históricos, tanto del presente como el pasado. (Morante y Ruíz Zapata 1997)

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Año: 1621

A C T I V I D A D

PINTURA

LA MUERTE DE MARAT Autor: Jacques-Louis David

Técnica: Óleo sobre lienzo

Figura 2: Jacques-Louis David, La muerte de Marat, 1793, lienzo al óleo, Museo del Louvre Fuente: Wikimedia Commons

¿ P O R Q U É P E R T E N E C E N E O C L A C I S I S M O ?

A L

El principal propósito del neoclasicismo era la búsqueda de la repetición de los ideales de la ilustración y el gusto por el arte clásico de la Grecia Antigua. Buscaba volver a la serenidad visual y al argumento básico de la razón, un efecto totalmente opuesto y lógico a la época de

Estilo: Neoclásico

los excesos que nos tenía acostumbrada la corriente renacentista. En este sentido la obra “La muerte de Marat”, además de ser considerada la mejor obra y la más famosa de Jacques-Louis David, quien daría inicio a este movimiento, logre plasmar en dicha escena, la cual impresiona por tan dulce y delicado trabajo, no sea indiferente a nadie e impacte precisamente por la suavidad con la que está tratada. David es el principal exponente del neoclasicismo pictórico y esta obra es, posiblemente, su obra cumbre. Gran parte del neoclásico se caracteriza por recoger las premisas de la Ilustración en su simbología, sin embargo, con La muerte de Marat nos encontramos ante una variante del neoclásico más orientada hacia la Revolución Francesa, convirtiéndose en un arte prácticamente propagandístico, que intentaba unir los valores de la Revolución, así como engrandecer, como es el caso, a determinados personajes. Otra característica neoclásica presente en la pintura es un interés en el idealismo clásico. Si bien el estilo y la mayoría de los detalles de la conformación de la bañera están basados en la vida real, David optó por darle un toque de glamour al propio Marat, dejando de lado a una representación realista de su dermatitis visible para así representarlo con una piel sin manchas. También la pose de Marat, que recuerda a la Pietà, es una decisión muy bien pensada pues hace que la representación Marat sea como la de un mártir impecable. A partir de todas estas conjeturas es que decimos que estamos frente a una obra neoclásica. PÁGINA 19

Análisis formal: La obra ¨La muerte de Marat¨ elaborada por el reconocido pintor Jacques-Louis David tuvo un periodo de ejecución de cuatro años iniciando y concluida en el año. esta pintura utilizó la técnica de oleo sobre lienzo, en un formato de 1.66 por 1,27 metros y con un claro genero histórico, ya que fue solicitada como encargo de la asamblea nacional. En la actualidad podemos encontrarla en el museo Real de Bellas Artes de Bruselas. La muerte de Marat data de un hecho acontecido en el año 1793. Su iconografía nos muestra como Marat reposa muerto en la tina, lugar donde usualmente lograba el aliviar sus problemas de gota; además, el personaje central de la obra tiene en la mano una nota mediante la cual su asesina la monárquica Carlota Corday pretendía llegar hasta él; aunque esta no llego a ser leída por el mismo político, el ejecutor de la obra si se tomó dicha licencia. También se puede observar su cabeza se encuentra ladeada con una especie de turbante cuando ya finalmente se le es despojado de su vida terrenal producto de la herida en su pecho. En producto a ese hecho se muestran manchas de sangre las cuales acrecientan el dramatismo y fabrican un recorrido desde la nota, el agua enrojecida, la herida manando que llevan hasta el cuchillo ensangrentado. A un nivel compositivo, en un primer plano podemos captar la existencia de un amplio vacío en el espacio superior en el que predomina el color verde y una sombra negra lo que tal vez simbolizaría la huida de la vida. En la parte inferior sobresalen las líneas rectas geométricas de la bañera y el rectángulo de la caja de madera mientras que el cuerpo de Marat y sus brazos forman un triángulo siendo precisamente esta ultima parte de su cuerpo que se encuentra en diagonal lo que rompe la horizontalidad de la bañera. Además, pudimos rescatar que dentro de la imagen se hace referencia a la iconografía de los cristos yacentes y su brazo caído recuerda al cristo de la piedad de miguel ángel o al santo entierro de Caravaggio. El tratamiento de la pintura con respecto a su gama de colores vemos que utiliza una muy sencilla predominando el verde marrón ocres y blancos; dentro de su iluminación observamos la presencia de una luz interior la cual crea un fuerte claro oscuro de la influencia de Caravaggio que contrasta con la iluminación del revolucionario. Ahora haremos referencia a la figura y expresión se puede notar que el personaje está bastante idealizado puesto que presenta una leve sonrisa lo que nos muestra la afinidad del pintor por el revolucionario jacobino, quien viviría de forma muy humilde al servicio del pueblo como se deduce de los siguientes elementos simbólicos:

Acercamientos

Tratamiento de la figura y expresión

Su brazo caído recuerda a la iconografía Cristo de la Piedad de Miguel Ángel

Un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda

·El cuchillo con el que fue asesinado cerca de su mano caída que sostiene la pluma indica la oposición entre barbarie frente a ideales ilustrados ·La caja vieja utilizada como escritorio, sábanas con remiendos, el tapete verde que cubría la tabla que tenía sobre la bañera simbolizan la austeridad de Marat. ·Un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda con cinco hijos simboliza la generosidad del republicano frente a la traición de la carta de Charlotte Corday. PÁGINA 20

Dominan las líneas rectas y geométricas de la bañera, el rectángulo de la caja de madera

Acercamientos

Tratamiento de la figura y expresión

Su brazo caído recuerda a la iconografía Cristo de la Piedad de Miguel Ángel

Un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda

Dominan las líneas rectas y geométricas de la bañera, el rectángulo de la caja de madera

·Un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda con cinco hijos simboliza la generosidad del republicano frente a la traición de la carta de Charlotte Corday. PÁGINA 21

A C T I V I D A D Año: 1830

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO E U G É N E

D E L A C R O I X

Autor: Eugène Delacroix

Técnica: Óleo sobre lienzo

Figura 3-Eugéne Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1831, Museo del Louvre, Francia. Fuente: Wikimedia Commons

¿ P O R Q U É P E R T E N E C E R O M A N T I C I S M O ?

Estilo: Romanticismo

A L

La Libertad guiando al pueblo se interpreta como una defensa hacia la libertad como principio indivisible de la República y la evocación de la Revolución francesa de 1789, donde se proclaman los valores universales de libertad, igualdad y fraternidad. La República es una expresión histórica y concreta del pueblo ciudadano, este lienzo es un breve resumen de teoría política republicana, que expresa los valores que animaron a la formación de los Estados modernos y democráticos como los conocemos actualmente, gracias al pueblo. El lienzo es un símbolo del republicanismo universal y de la lucha por la igualdad. A través de este, Delacroix transgredió los límites entre los géneros pictóricos, al mezclar alegorías y símbolos con hechos históricos y la contemporaneidad. Asimismo, rechazó el academicismo clásico y la contención

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emocional para crear un trazo libre y expresivo.

Se utiliza la tecnica de la pintura al óleo, aplicando pinceladas sueltas y vaporosas que se convierten en texturas rugosas y sutiles.

Sus pinceleadas siguen un curso de libre expresividad el cual demuestra muchas emociones de la epoca.

Delacroix transgredió los límites entre los géneros pictóricos, al mezclar

alegorías

símbolos

con

hechos

históricos

contemporaneidad.

Se continua representando la perspectiva tradicional, está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo.

La iluminación cumple la funsión de resaltar algunos simbolos principales dentro de la obra y potenciar el movimiento.

Se utilizan colores pálidos con tonos ocres y con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

La composición es piramidal. La base de la pirámide abarca la línea inferior de punta a punta, donde se ubican los caídos en batalla. El vértice superior coincide con la bandera de Francia, que jerarquiza toda la escena.

La forma de expresión de esta obra muestra dramatismo, abigarramiento, tensión y dinamismo, pero no es algo que haya sucedido, sino es un representación a la situación de esa epoca.

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A C T I V I D A D

Año: 1818

LA BALSA DE LA MEDUSA -- Contexto: Trata de un escándalo internacional que representa una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa Méduse en la costa de Mauritania en Junio de 1816. 147 personas quedaron a la deriva, de las cuales 132 murieron, 15 sobrevivieron durante 13 días.

Autor: Eugène Delacroix

Técnica: Óleo sobre lienzo F U E N T E :

W I K I M E D I A

C O M M O N S

¿ P O R Q U É P E R T E N E C E R O M A N T I C I S M O ?

Estilo: Romanticismo

A L

El romanticismo es una contestación subjetiva al racionalismo de la ilustración (Morante y Ruíz Zapata 1997) que refleja y se basa en problemáticas o hechos sucedidos en ese periodo. A través de la pintura, buscaban dar a conocer su molestia mediante sentimientos e intuición. En la Balsa de la Medusa, se rescata los siguientes principios básicos del romanticismo: - Predomina la imaginación y sensibilidad a la razón (Morante y Ruíz Zapata 1997) - Tiene un gran sentido de la Naturaleza (Morante y Ruíz Zapata 1997) - Es más literario que plástico (Morante y Ruíz Zapata 1997) - Supone un momento de renovación técnica y estética (Morante y Ruíz Zapata 1997) - Arte sin concesiones a lo frívolo ni a lo decorativo (Morante y Ruíz Zapata 1997)

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Cultiva diversas técnicas, en la que encontramos la pintura al óleo como la que predomina en esta obra.

Líneas marcadas y detalladas

Pincelada, en esta obra, no es viva ni visible pero si es libre y llena expresividad.

Uso de la línea es variado (F1 Y F2). En la Balsa de la Medusa, predomina la la pictoricidad de la francesa, al igual que la perdida de preponderancia al color y existe un dominio de masas amplias.

El modelado se rige por métodos tradicionales de claroscuro

Menor preponderancia a las líneas

Pf1

Pf2 Línea de horizonte

La perspectiva (F3) es tradicional, con dos puntos de fuga (Pf1; Pf2) en el cual se hace hincapié a las luces. Con el objetivo de recrear profundidad en el paisaje.

El color (C1) es protagonista y estratégicamente usado que implica un estado psicológico dependiendo del mensaje de la obra. En este caso, se utilizan colores oscuros, y cálidos para representar, color, texturas de los objetos, cuerpos y paisaje.

a luz, posee un carácter efectista.

La composición es dinámica, con dominio de líneas oblicuas y curvas (F4), abundantes gestos dramáticos (F5) y posiciones convulsas y en algunos casos esquemas geométricos (F6).

Temática en la obra de Gericault, se cultiva el paisaje dominado por la inconmensurabilidad y la participación del hombre como relegado y oprimido.

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COMENTARIOS Figuras 1-2

El personaje de la obra conocido como Marat estaba profundamente involucrado en la Revolución francesa. Un periodo con mucha agitación política y social que se extendió por todo el país desde 1789 hasta finales de la década de 1790. Este levantamiento nace de la clase obrera o trabajadora, la cual se sentía frustrada por la discrepancia entre la riqueza de la familia real y los ciudadanos de Francia, quienes debían pagar impuestos altos y tenían salarios muy bajos. Producto de ello el pueblo no encontró mayor remedio que rebelarse contra la monarquía y exigir un cambio. Ya que la Revolución francesa surgió poco después de la Ilustración, los partidarios de la causa adoptaron y adaptaron muchos aspectos del movimiento, incluido el uso de los medios de comunicación para compartir sus ideas. Jean-Paul Marat, quien hasta entonces había sido médico y científico, abandonó su profesión para trabajar como periodista. En 1789, fundó un periódico, L'Ami du peuple (“El amigo de la gente”) para denunciar a los opositores de la causa, incluso a otros revolucionarios. Políticamente, las opiniones de Marat se alineaban con los jacobinos, uno de los partidos más radicales que nacieron con la Revolución. Con el tiempo, Marat se convertiría en el líder de este grupo, algo que lo puso en una puja constante con los girondinos, otra facción revolucionaria que Marat atacaba regularmente desde su periódico. En 1790, se libró de un arresto; en 1972, se vio obligado a esconderse en varias ocasiones; y, finalmente, en 1793, fue asesinado en su propia casa. De esta manera vemos reflejado la gran intervención que tiene el contesto político e histórico sobre la pintura siendo incluso elaborada en queja y denuncia de la muerte y final injusto que tuvo el personaje. Ahora si nos vamos hablar de la pintura de la figura 1. podemos decir que según los textos consultados para la elaboración de este comentario, resulta ser que estamos frente de uno de los más bellos cuadros de entre los veintiuno encargados por la reina madre francesa para prestigio propio y legitimación de su posición política. El programa de toda la serie fue ideado por el abad de Saint-Ambroise, pero igualmente contribuyeron con sus propuestas la reina, el cardenal Richelieu y el propio pintor. El cuadro representa el momento de la llegada de María a Francia, hecho que había tenido lugar hacía ya más de veinte años, tras su matrimonio por poderes con Enrique IV, a quien no había visto nunca. María sale de la nave ricamente decorada para recibir la bienvenida de las figuras alegóricas de Francia y Marsella. En la parte superior, la Fama toca las trompetas para anunciar su llegada. Bajo esta escena, y separada de la misma por las tallas doradas y la alfombra púrpura que cubre la pasarela, aparece el dios Neptuno acompañado por los tritones y las Nereidas, las criaturas que han escoltado la nave desde Italia hasta Francia. Una vez más se confirma la gran influencia que tienen es contexto histórico y político sobre las obras de arte teniendo este como principal objetivo plasmar el gran significado de trascendencia que tuvo el gobierno de la reina marcando hechos claves en la historia.

Figuras 3-4 La balsa: los detalles están inspirados en la realidad más cruel. La ambición del artista en este cuadro era inmensa y más impresionante cuando se tienen en cuenta que el tema elegido sólo podía causar inquietud al gobierno. Con este lienzo, Gericault hizo crítica de su tiempo: es, en definitiva, la sociedad la que está embarcada en esta balsa El pueblo guiando al pueblo: Se le considera el primer cuadro político de la pintura moderna, que exalta la insurrección popular contra la monarquía borbónica restaurada, es decir, con esta obra el romanticismo deja de mirar a la antigüedad y comienza a querer participar de la vida contemporánea. En ella, el deseo de compromiso político se hace patente al convivir con personajes reales, como el mismo artista. PÁGINA 26

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Morante, F. Ruiz, A. (1994) “Tema VIII: Arte Románico”. Morante, F. Ruiz, A. Análisis y comentario de una obra de Arte. Madrid: Edinumen. Gonzalvo,R. (2011) . Románico: Planta y alzado de la Catedral de Santiago de Compostel. Recuperado el 12 de noviembre de 2011, de Historia del Arte: Historia del Arte: Románico: Planta y alzado de la Catedral de Santiago de Compostela (verdadyverdades.blogspot.com) arte, F. e. (Dirección). (2021). Análisis a la Escuela de Atenas de Raphael [Película]. Camarasa, V. (13 de Diciembre de 2018). ANÁLISIS Y COMENTARIO DE LA ESCUELA DE ATENAS. RAFAEL. Obtenido de ANÁLISIS Y COMENTARIO DE LA ESCUELA DE ATENAS. RAFAEL: https://seordelbiombo.blogspot.com/2018/12/analisis-y-comentariode-la-escuela-de.html Imaginario, A. (s.f.). La Escuela de Atenas de Rafael Sanzio. Obtenido de La Escuela de Atenas de Rafael Sanzio: https://www.culturagenial.com/es/la-escuela-de-atenas-derafael-sanzio/ Pérez, T. (2 de Febrero de 2020). LA ESCUELA DE ATENAS DE RAFAEL. Obtenido de LA ESCUELA DE ATENAS DE RAFAEL: http://tomhistoriadelarte.blogspot.com/2007/03/la-escuela-de-atenas-de-rafael.html Zapata, F. M. (1994). Rafael.La escuela de Atenas (Sala de la asignatura,estancia vaticanas). En F. M. Zapata, Análisis y comentario de la obra de arte (pág. 169). Edinumen.

INTEGRANTES: Jaliy Dávalos Diestra Andrea Díaz Jáuregui Mirtha Zurita Valle

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ACTIVIDAD 6 IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO ENCARGO: Elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo las cuales representan un mismo tema. Hacer un trabajo académico con una extensión de 2000 palabras. Este deberá seguir la estructura del análisis de una obra pictórica por Morante Y Ruíz, conteniendo referencias. OBJETIVO: Aprender a escribir un ensayo en el cual se comparan y analicen obras arquitectónicas. Además aplicar la estructura de un análisis pictórico profundo como el mostrado en la lectura de Morante y Ruiz. Además utilizar referencias durante todo el análisis.

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COMENTARIO DEL CURSO

A lo largo de este curso he aprendido mucho, no tenia mucho concocimiento del arte como ahora, ya que no es un tema muy tocado ene l colegio o de mucha importancia, pero creo que el historia del arte es muy importante ya que también explica y da una mejor comprensión de lo que sucedia en esas epocas,

por

que

arte

esta

basado

las

situaciones

que

pasaron,

culturas, eventos, momentos epicos; que nos tratan de comunciar más allá a través de un pincel o un lienzo. Actualmente tengo un concepto muy amplio de cada tema que hemos tocado y esto me ayudo a conectarlo con la historia general, la cual me parece muy interesante. Ahora relacionando esto en el lado arquitectónico me ayudó bastante, ya que me amplío una gama de diversos tipos arquitectonicos durante el pasar del tiempo, y como es que la arquitectura existe dede el inicio de la era, desde el primer hombre que solo uso 3 rocas, 2 como muros y otra como techo, para protegerse del ambiente asi

generando

espacio.

arquitectura

tomado

una

evolución

fundamental en la historia no tan solo en el siseño arquitectonico sino en lo artistico, que nos ayuda a ubicarlo en que epoca ha pertenecido la obra creada. En mi opinion me gustaria llevar más este curso en otros ciclos y concer más. Por otro lado, las clases han sido super dinámicas, la profesora ha logrado llegar con todos los alumnos de una menra increíble, con claridad y firmeza de como entender el curso.

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INFORMACION DEL CURSO SUMILLA

El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVO GENERAL

Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECIFICOS

1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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CV JALIY DÁVALOS DIESTRA INFORMACION PERSONAL EMAIL jdavalos2002@gmail.com TELÉFONO 977879304 FECHA DE NACIMIENTO 20 de Octubre de 2002

PROGRAMAS Autocad 2018 Revit 2018 Adobe Illustrator Adobe Photoshop 3D MAX

INTERESES Bailar Natación Cine Deportes Dibujar y pintar Cantar Repostería Decoración

IDIOMAS Inglés Francés Español

EDUCACIÓN 2004-2006 2007-2014 2014-2019 2019-Actualidad

Nido My home Primaria San José de Monterrico Secundaria San José de Monterrico Pre-Grado Universidad de Lima PÁGINA 37

PORTAFOLIO HISOTRIA DEL ARTE_JALIY DÁVALOS

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ACTIVIDAD BARROCO NEOCLASICO Y ROMANTICISMO

ACTIVIDAD EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO