Angel Camilo Torres Ibague
Natalia Isabel Peña Ospino
Ewduin Yair Hidalgo Martin
Nicole Suarez Salgado
Angie Vanessa Sanchez
5
Realismo
Social
Movimiento
Realismo socilialista
Representantes
Características
12
Expresionismo
Abstracto
Movimiento
Representantes
Características
24 Diseño Gráfico en los años 40
El diseño gráfico durante la guerra. Cartel bélico
18
Nueva
Figuración
Movimiento
Representantes
24 Art Brut
Movimiento
Representantes
Características
Surgió como movimiento artístico en el año de 1930, y ejerció una enorme influencia en artistas, incluso estadounidenses, gracias a sus mensajes contestatarios y de protesta antisistema, que reflejaban las injusticias sociales, políticas, raciales y económicas. El término a veces se usa más estrictamente para un movimiento artístico que floreció entre las dos guerras mundiales como una reacción a las dificultades y problemas sufridos por la gente común después del Gran Accidente. Con el fin de hacer su arte más accesible para un público más amplio, los artistas recurrieron a retratos realistas de trabajadores anónimos y celebridades como símbolos heroicos de fuerza frente a la adversidad. El objetivo de los artistas al hacerlo fue político, ya que deseaban exponer las condiciones de deterioro de las clases pobres y trabajadoras y responsabilizar a los sistemas gubernamentales y sociales existentes.
llamar la atención sobre las condiciones sociopolíticas reales de la clase obrera como un medio para criticar las estructuras de poder detrás de estas condiciones.
Muchos artistas que se suscribieron al realismo social eran pintores con puntos de vista políticos socialistas (pero no necesariamente marxistas). Por lo tanto, el movimiento tiene algunos puntos en común con el realismo socialista utilizado en la Unión Soviética y el Bloque del Este, pero los dos no son idénticos: el realismo social no es un arte oficial y permite un espacio para la subjetividad. En ciertos contextos, el realismo socialista ha sido descrito como una rama específica del realismo social.
El realismo socialista fue concebido, en principio, como la reproducción figurativa de la revolución proletaria, hecha con una finalidad propagandística a favor del comunismo.
Para el año de 1934, todos los grupos artísticos independientes desparecieron por órdenes del régimen estalinista en la Unión Soviética y solo se permitió el arte oficial. La intención primordial del realismo socialista era la de azuzar a las masas de rusos analfabetos y plasmar su resiliencia y su valor, incitando con ello el patriotismo, la productividad, la acción revolucionaria y la esperanza.
El término data en una escala más amplia del movimiento realista en el arte francés a mediados del siglo XIX. El realismo social en el siglo XX se refiere a las obras del artista francés Gustave Courbet y, en particular, a las implicaciones de sus pinturas del siglo XIX A Burial at Ornans y The Stone Breakers, que escandalizaron a los asistentes al Salón de Francia de 1850, y son vistos como un fenómeno internacional también se remonta al realismo europeo y las obras de Honoré Daumier y Jean-François Millet. El estilo realista social cayó de moda en la década de 1960, pero sigue siendo influyente en el pensamiento y el arte de hoy.
El realismo social se desarrolló como una reacción contra el idealismo y el ego exagerado alentado por el romanticismo. Consecuencias de la revolución industrial se hicieron evidentes; los centros urbanos crecieron, los barrios marginales proliferaron en una nueva escala que contrastaba con el despliegue de riqueza de las clases altas. Con un nuevo sentido de conciencia social, los realistas sociales se comprometieron a «luchar contra el bello arte», cualquier estilo que atrajera la vista o las emociones. Se enfocaron en las horribles realidades de la vida contemporánea y simpatizaron con la gente de clase trabajadora, particularmente los pobres. Registraron lo que vieron («tal como existía») de una manera desapasionada. El realismo social indignó al público, en parte, porque no sabían cómo mirarlo o qué hacer con él.
Fue un artista ruso, creador de la Unión de Artistas Rusos y la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria. En su obra se ve una especie de resumen de la evolución del arte del país, desde el impresionismo a la entrada de las vanguardias, después el arte más experimental y finalmente un realismo social, produciendo excelentes pinturas.
Pintor francés, nacido en París. Provenía de una familia de clase trabajadora y en la década de 1930 se sintió atraído por la política de izquierda. Fue uno de los artistas que más ajustado estaba al lineamiento del realismo social y uno de los más famosos dentro de dicho movimiento.
La característica principal de este tipo de arte es que busca transmitir al espectador la realidad tal y como es. Es muy común ver en estas obras pobreza, hambre, los problemas y necesidades de los inmigrantes, entre otro tipo de circunstancias penosas y desfavorables.
Algunos de los temas a los que hacen alusión las obras de realismo social, son aquellos que eran comunes y cotidianos para la gente. Estos eran, por ejemplo, las guerras, el trabajo, la vida del campesino, los enfrentamientos, en suma, conflictos del día a día que formaban parte de la realidad del ciudadano de a pie.
Thomas Hart Benton
Pintor estadounidense, miembro del grupo de pintores conocidos como regionalistas, que desarrollaron en la época posterior a la Gran Depresión un estilo realista, de temática costumbrista, que retrata la vida rural y la historia del sur y del centro de Estados Unidos.
El arte del realismo social era una especie de demanda que se expresaba en contra de las malas condiciones sociales que experimentaron muchas personas. El objetivo de esta crítica de los males y deficiencias que se estaban presentando era que tuvieran lugar una crítica a gran escala y, de esa manera, se pudiera cambiar el rumbo de las personas desamparadas.
El surgimiento del expresionismo abstracto en la década de 1940 se produjo en un contexto histórico y cultural muy particular en los Estados Unidos. La Gran Depresión y Segunda Guerra Mundial habían generado una sensación de incertidumbre y desesperanza en la sociedad estadounidense, y muchos artistas sintieron la necesidad de explorar nuevas formas de expresión artística y cultural.
Los antecedentes del expresionismo abstracto se encuentran en varios movimientos artísticos que surgieron en las primeras décadas del siglo XX. El Cubismo, que rompió la forma y la figura, y el Expresionismo, que se centró en la expresión de las emociones y los sentimientos a través del arte, son dos ejemplos importantes. El Dadaísmo y el Surrealismo también influyeron en el desarrollo del expresionismo abstracto al desafiar las convenciones y explorar lo subconsciente y lo irracional.
En definitiva, el expresionismo abstracto surgió como una respuesta a las circunstancias históricas y culturales de la época, y se construyó a partir de las influencias y experiencias de varios movimientos artísticos anteriores.
Esta corriente artística se caracterizó por la utilización de técnicas gestuales y expresivas para crear obras abstractas que transmitieran emociones y sensaciones. El movimiento está altamente influenciado por el expresionismo Alemán de principios del siglo XX y figuras como Wassily Kandinsky
Los artistas se enfocaron en el proceso de creación, en lugar del resultado final, y utilizaban técnicas como el goteo, el chorreado y la superposición de capas de pintura para crear texturas y profundidad en sus obras.
El expresionismo abstracto tuvo un significado profundo para la sociedad estadounidense de la época. Los artistas se alejaron de la representación figurativa y crearon obras que reflejaban la complejidad y la ambigüedad del mundo moderno. La abstracción se convirtió en una forma de expresar la angustia, la ansiedad y la incertidumbre de la época, y los artistas encontraron en ella una forma de explorar y experimentar con la libertad creativa.
Uno de los hitos más importantes de esta época fue la exposición “The New American Painting”, que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1958. Esta exposición mostró al mundo la obra de artistas como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning, y fue un punto de inflexión para el reconocimiento internacional del expresionismo abstracto.
Nació en Letonia en 1903, La obra de Rothko se caracteriza por grandes bloques de color intenso, que parecen flotar en la superficie del lienzo. Rothko a menudo trabajaba con una paleta limitada de colores, y sus obras tienen una sensación de profundidad y luminosidad que es muy distintiva.
Es uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto, Pollock es conocido por su técnica de "drip painting", en la que arrojaba y chorreaba pintura sobre el lienzo, creando patrones complejos y enigmáticos.
Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo.
Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas como a la representación de la realidad.
Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el inconsciente colectivo y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra.
Fue uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto en Estados Unidos. En la década de 1940, De Kooning comenzó a crear obras abstractas que incorporaban elementos de la figura humana y el paisaje. Sus primeras obras abstractas a menudo presentan una serie de pinceladas violentas y gruesas, que se convierten en una red de líneas y formas. Más tarde, su obra se volvió más suave y delicada, con formas suaves y curvas.
Jackson Pollock
1950
NUMBER 14
Mark Rothko
1960
La Nueva figuración es un movimiento artístico nacido en la segunda mitad del siglo XX, y como bien dice su nombre, es una vuelta a la pintura figurativa después
de tanto expresionismo abstracto y otros tipos de abstracción.
Eso sí, es una figuración distinta, no del todo divorciada de lo abstracto, más bien se enriquece con sus aportaciones.
-Francis BaconQuisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba.
Por supuesto no hay dos nuevos figurativos iguales, pero podemos decir que la mayoría de ellos le dan el protagonismo a la figura humana, y juegan con el expresionismo en colores, gestos, atmósferas o temas.
Representa la realidad social del momento bajo una actitud cínica, cruel y de burla. La abstracción geométrica había caído en franco declive y algunos artistas retoman el uso de la figura. Es una síntesis de movimientos si caracteres uniformes.
La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad («iconocidad»), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas, como las obras de Francis Bacon, compuestas de manera desordenada (grupo Cobra).
Destacamos en importancia a los artistas de la Escuela de Londres, que se dedicaron a la figura en la época culmen del arte abstracto.
se caracterizó por emplear la deformación en sus obras y la gran ambigüedad en lo que tiene que ver con el plano internacional, este artista también se distinguía por su gran independencia y porque sus obras son un referente del arte europeo. Entre estas podemos mencionar el «Retrato de un hombre bajando una escalera» de 1972 y «Tres estudios de Lucian Freud» de 1969.
Representante de la segunda generación de la Escuela de Leipzig. Esta corriente supuso una nueva vuelta a la figuración de toda la vida. Rink hacía una figuración muy expresiva, mezclándola con cierta abstracción. Contornos nítidos, técnica minuciosa y composiciones audaces son algunas de las características principales de su pintura.
Especializado en retratos, sus cuadros son fríos, sin expresar apenas sentimientos, pero tratando de enfatizar la carnalidad y la materia, sobre todo en sus excelentes desnudos. Al inicio de su carrera abrazó el surrealismo. Como sucedió con muchos artistas, la llegada de Hitler al poder hizo que su familia emigrara y se instalara en Londres. En los años 40 ya asentaría su figuración, huyendo de la abstracción de moda en la época.
CHICA CON GATITO
Lucian Freud
1947
TRES ESTUDIOS DE FIGURAS EN LA CAMA
Francis Bacon
1972
El Art Brut fue el término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por personas ajenas al mundo artístico que no poseen ninguna formación académica.
Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos…
Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites.
Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras fundado en 1948 la “Compagnie d ‘Art Brut” junto a Breton, M. Tapié y otros. La colección formada llega a las 5.000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Décoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausanne. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, especialmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de arte psiquiátrico afirmando que “no existe un arte de los locos”. El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.
¿Qué arte no es loco? Cuando no está loco no es arte.
El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural, reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo autárquico de las producciones.
Es por tanto un arte ecléctico, son casi obras «no encasillables», y se caracterizan como un rasgo común por su política de abstención en cuanto a toda operación comercial. El carácter no lucrativo es una regla esencial. A nivel estético abunda de todo, pero se prodrían apreciar características comunes con el expresionismo.
Se le llamó también Arte Marginal, fuera de los límites de la cultura oficial.
Se le considera como uno de los exponentes más reconocidos del Art Brut. Estuvo internado en hospital psiquiátrico a causa de que presentaba episodios de agresividad u violencia. Su obra destaca por las formas geométricas y los patrones repetidos. Entre las obras más destacadas de Wölfli podemos mencionar «Heiliges» y «Catedral».
La obra de Alöise Corbaz es fruto de los años que la artista permaneció ingresada por esquizofrenia en un sanatorio. La Colección de Arte Bruto de Lausana consagra dos muestras a una de las más destacadas figuras de este género creativo.
Creador del Art Brut, la corriente de arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, libre de las preocupaciones intelectuales. Estamos hablando del arte de, por ejemplo, los pacientes mentales, las culturas primitivas o de los niños.
Siempre con un toque de buen humor, el suyo es un arte irónico, muy grotesco y ejecutado de forma ingenua.
Dubuffet trabajó ante todo con óleo, pero usó muchos otros materiales como arena, alquitrán y paja, consiguiendo unas texturas hasta ahora inusuales. También trabajó la escultura en poliestireno.
Dubuffet estudió pintura en el París de 1918, aunque la abandonó intermitentemente para dedicarse al negocio familiar de vinos. De hecho hasta pasados los 40 años no tuvo una exposición individual.
El estilo del art brut era particular, los artistas rechazan todo lo que poseía belleza, sus obras tenían un carácter grotesco, tosco, insensato y sencillo, aproximándose así a lo disparatado. Por otra parte, estas pinturas expresaban miseria y deformidad. Además, las obras de arte eran un claro reflejo de la persona interior del pintor.
En cuanto a los colores se refiere había mucha libertad cromática. Por ejemplo, al inicio se usaban los tonos terrosos, luego se fueron incorporando los colores de tonalidad más clara. Asimismo, los materiales solían ser muy variados, llegando a usar arena, hojas, madera, entre otros.
El Art Brut era un tipo de arte que se negó a obedecer los esquemas tradicionales del arte. Por ejemplo, rechazó de plano el orden, la homogeneidad y la congruencia.
En 1939 comienza el conflicto bélico más importante de la historia, la Segunda Guerra Mundial. El 1 de septiembre las tropas alemanas invaden Polonia comenzando un conflicto que terminará en 1945 con el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki.
Con el estallido de la segunda guerra mundial en 1939, fascismo comenzó a arrastrarse en toda Europa y amenaza con extenderse hacia una plataforma global durante la primera parte de la década de 1940. Esta aterradora realidad llevó al énfasis una vez comercial de diseño a ser sustituida por la propaganda y las imágenes motivacionales.
Durante el periodo de guerra, tanto durante la primera como durante la segunda, muchos diseñadores encaminan su trabajo a motivar a la población para apoyar a su país en la guerra. Con la Primera Guerra Mundial pero sobre todo, tras la revolución rusa, nace el concepto de cartel político o de propaganda, motivado por la necesidad de los gobiernos de movilizar y manipular a las masas. Algunos de lo diseño más interesante en este período fue de los artistas de la propaganda soviética, que fueron inspirados por el Arte Deco y el constructivismo (movimiento de arte ruso que arte como teniendo un propósito social) que desarrolló un estilo único y directo prestados en sombríos tonos de rojo, negro y gris.
Estilísticamente, modernismo se estaba convirtiendo en un movimiento más influyente, y podemos ver esto en el uso de ilustración abstracta, diseños irregulares y paletas de colores mínima. En el comienzo de la década de 1940, ilustraciones realistas que romanticized batalla eran muy populares, pero al final de la década, los consumidores estaban preparados para algo muy diferente.
Podemos ver las raíces del movimiento moderno de mediados de siglo en diseño e ilustración de la última década de 1940. Pinceladas visibles, ingeniosos diseños y colores ricos marcaron el final de los días oscuros de la guerra y anuncian un período de posguerra más soleado.
La propaganda de la Segunda Guerra Mundial siguió en gran parte las líneas de la primera. Hablaban sobre la importancia de la unidad nacional, la gloria del propio país, las atrocidades del bando contrario y la necesidad de sacrificio por un bien común.
Sin embargo, en esta época los carteles han evolucionado, la imagen huye de la estética publicitaria, las figuras son más genéricas y muchos tienen un aspecto más tétrico.
