MEPE
Mexicanos en Peligro de Extinción
Lugares, gente, cultura, oficios y más… Mayo / Junio 2021
Mexicanos en Peligro de Extinción Nuestra portada: **Obra: “Renacimiento” **Autor: Chucho O Rope
La obra trata sobre la capacidad del ser humano para sobreponerse a circunstancias adversas en su existir, inspirada en conceptos dalinianos. Un hombre renace después de un periodo de adversidad de un cascarón de huevo que representa al embrión y la incubación, más fuerte, alerta y capaz de sobrellevar los nuevos retos a los que se enfrentará. Se posa sobre una mesa redonda, que alude a la mesa de quirófano, a la vez que simboliza el punto de debate, de reunión entre personas de la élite, en cuyo caso no están presentes para decidir sobre la vida y el futuro del nuevo ser. El mantel, en este caso, es un símbolo por medio del cual se puede dar cuenta de qué tan positivas o negativas van a ser las cosas en el futuro; su color dorado evoca la fortuna, pero el doblez puede argumentar la desdicha. A la izquierda, la Madre Naturaleza apunta con su mano derecha a su punto de creación, mientras que con la izquierda trata de salir de la escena, incluso del mismo lienzo por su temor a la humanidad. En la esquina superior derecha, una mujer renace de otro cascarón, quien representa la desdicha o el amor en espera del nuevo ser. Su vestido azul transmite paz y estabilidad, pero su postura está a la defensiva. En la parte superior media escurre una yema con un feto que simboliza el desperdicio de nacimientos humanos que sobre pueblan la Tierra, mientras otros huevos esperan su turno a la distancia para poder ser tocados por la Madre Naturaleza. El paisaje se altera con un cúmulo de nubes dalinianas enfrentándose para oscurecer el día y la esperanza en medio de un paisaje desértico que representa la soledad. Chucho O Rope
EDITORIAL Que el encierro no corte tus alas, toma este tiempo para permitirles descansar y retomar fuerza; pero, aún en este descanso obligado sigue creando y preparando tu estrategia para volver al mundo real. Muchas cosas han cambiado rápidamente en un periodo muy corto, se requiere de imaginación y pasión para salir al mundo nuevamente y tomar las riendas de nuestras vidas. En nuestra portada Chucho O Rope; el autor de esta obra, expone el renacimiento del ser humano tras un periodo de adversidad… ¡Te invitamos a renacer más fuerte, más creativo, más preparado! ¡Gracias por ser un Mexicano en Peligro de Extinción!
¡Salvemos nuestro hábitat que es México!
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CONTENIDO
Museo Tuukul Taam
(Quintana Roo, México)
Leo Matiz
(Débora Lewinson)
En imágenes…
Arte popular, mezcla de realidad y fantasía
Rhiannon Folk Dance
“Dibujando la música a través de la danza”
El arte de reencontrar la raíz
“Ballet Folklórico Quetzalcóatl”
¡Llegó el Mitote a Cuautitlán ! El color del arte
(Alberta Mendoza)
¿Sabias qué?...
Viejos del Corpus
En otras letras…
*No eres un número más (Graciela Montesinos)
*Te amo
(Felipe Elizalde Lizarraga)
En Leona Vicario, municipio de Puerto Morelos, Quintana Roo, aproximadamente a 45 minutos de Cancún y 40 minutos de la cabecera municipal, hemos encontrado una pequeña y valiosa joya… ¡El Museo Tuukul Taam! Este museo surge a iniciativa de varios simpatizantes del arte, la cultura y la educación, como Imelda Corona, Ricardo Mecott, Javier Jiménez y Candelario Durán, convocados por Elizabeth Corona quien cede su casa para así disponer de un espacio para esos fines. El lugar inició actividades oficialmente el 15 de Septiembre del 2019, pero sólo permaneció en funciones 6 meses debido a la pandemia. De ahí volvió a abrirse en agosto del 2020, por lo que es un museo joven con aproximadamente un año de brindar servicio a sus visitantes .
El museo es una propuesta cultural independiente ubicado en una zona en la cual abundan templos de diversas tendencias así como expendios de bebidas alcohólicas, pero se carece de espacios de ocio cultural o dedicados a despertar la cu riosidad científica de sus habitantes. El tema principal de este lugar es el estudio de las rocas y minerales pero dentro de un contexto muy mexicano, histórico y haciendo uso de elementos didácticos que permi tan a los visitantes disfrutar esa cercanía a la educación y el arte. “TUUKUL TAAM” está conformado por dos palabras mayas que hacen alusión a “PENSAMIENTO PROFUNDO”.
El museo cuenta con 9 pequeñas salas, una de ellas cuenta con pinturas murales de personajes mexicanos y un mapa con los principales grupos indígenas de México, donde se ubican las rocas más representativas de la península de Yucatán. En la segunda sala se montó una maqueta de la vivienda maya sobre una roca dura denominada chal tun para explicar el fenómeno geológico denominado karst y sus implicaciones en las zonas cavernosas, cenotes y formación de espeleotemas. En la tercera sala, se presenta una exhibición de fósiles de gasterópodos y de bivalvos encontrados en Leona Vicario, así como un corte de estalactita donde se puede hacer la lectura de las vetas de sequía y humedad que quedaron registra das en ella. En la cuarta sala se representan los principales dioses mayas para ambientar la explicación del jade; piedra sagrada de esa cultura. En la quinta sala y contando con la autorización del INAH, se presentan restos fósiles del periodo cretácico de San Luis Potosí para poder establecer un análisis comparativo con los encontrados en Quintana Roo. Por corresponder al último período en que vivieron los dinosaurios, la sala exhi-
be murales con los dinosaurios considerados endémicos de México: El Huehue canautlus tiquichensis, el Labocania anómala, el Coahuila ceratops magnacuerna, entre otros. En la sexta sala se exhiben rocas, minerales y fósiles de diversas partes de México, el objetivo es diferenciar entre los tres tipos de rocas y hacer un estudio de las propiedades físicas de algunos minerales; así mismo, reconocer la importancia del uso de las rocas en la evolución de la humanidad. En la séptima sala se exhiben trabajos de reciclado que se realizan en los talleres con niños y adultos mayores y que tienen por temática el origen del universo. En ella se exhiben minerales de distintas partes del mundo (Grecia, Rusia, España, Alemania, entre otros).
En la octava sala se presenta el fenómeno de la fluorescencia y de la fosforescencia, presente en algunos minerales tanto de Leona Vicario como de otras partes de México. La novena sala está dedicada a la tradición mexicana del día de muertos, y se exhiben artesanías de reciclado que han elaborado personas de la comunidad. Es una invitación a reflexionar filosóficamente sobre lo efímero de la vida. Además de las mencionadas salas, el museo cuenta con un sendero botánico, una plataforma para presentación del cine maya, en la que se exhibe el Popol Vuh, dos patios de talleres y una área recreativa.
Además de lo anterior en el museo también se imparten talleres de educación ambiental, sexualidad humana responsable, etnobotánica, dibujo y pintura, manualidades con reciclado, etcétera. Se implementó un club de lectura pa ra niños y amas de casa que pretende despertar y fortalecer el amor por la literatura. Se organizan eventos como la celebración del día de muertos, la independencia, día del niño y otros.
El museo no recibe ningún tipo de apoyo de las autoridades municipales, estatales ni federales. Se sostiene gracias a los ingresos que los voluntarios generan con sus oficios
y profesiones, con la cuota de recuperación que se genera de las entradas y con la venta de cuadros y arte popular. Algunos simpatizantes de la cultura apoyan con insumos cuando hay eventos.
“SI ERES SIMPATIZANTE DEL DESARROLLO COMUNITARIO, DEL ARTE, LA CULTURA O LA EDUCACIÓN FUERA DE ESPACIOS FORMALES, TE INVITAMOS A QUE SI DENTRO DE TUS POSIBILIDADES ESTÁ, APOYES AL MUSEO TUUKUL TAAM CON LA DONACIÓN DE SILLAS Y MESAS PLEGABLES, CUBETAS DE PINTURA E IMPERMEBILIZANTE PUES LAS INSTALACIONES REQUIEREN DE UN MANTENIMIEN TO CONSTANTE”.
¿CÓMO LLEGAR? El Museo Tuukul Taam se ubica en Leona Vicario, Municipio de Puerto Morelos, Quintana Roo, México, aproximadamente a 45 minutos de Cancún y 40 minutos de la cabecera municipal. Se encuentra sólo a unas cuadras de la carretera libre a Mérida y Cancún y de la vía que va hacia Central Vallarta y Puerto Morelos por lo que el acceso es sencillo. Llegando a Leona Vicario, hay que avanzar del parque principal hasta llegar a la cuchilla donde se encuentra el Sindicato de taxistas Luis Donaldo Colosio y tomar la calle Vigésimo primero de mayo, de ahí avanzar hacia el callejón de los artesanos Palomo.
Revista Mexicanos en Peligro de Extinción (MEPE), agradece a Elizbeth Corona el apoyo, la información e imágenes para la realización de este artículo. Elizabeth Corona es originaria de Jalisco, pero radica en Leona Vicario desde el año 2000, estudió artes plásticas en la Universidad de Guadalajara y psicología enfocada en lo social, asimismo funge como Directora del museo.
El museo abre todos los días de 10 a 5 de la tarde. Si se requieren visitas especiales en otros horarios, se concerta cita al teléfono 99 82 02 34 07 Correo electrónico: tuukultaam1@gmail.com O vía Messenger, Facebook: Museo Tuukul Taam. Todas las visitas son guiadas La cuota de recuperación es de 50 pesos por persona. Hablantes de lengua maya y niños menores de 10 años pasan gratuitamente.
“La red”
Leo Matiz (Débora Lewinson) Leo Matiz nació en 1917 en Aracataca, Magdalena, Colombia. Se dedicó sobre todo a la fotografía; sin embargo, también fue pintor y caricaturista. En 1933 publica en la revista Civilización sus primeras caricaturas, funda en Santa María la revista “Lauros” e ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Bogotá.
En 1937 Enrique Santos, director del periódico El Tiem po, le regala una cámara fotográfica y lo estimula a trabajar en fotografía. En 1939 realiza una gira como reportero gráfico de varias revistas, viajando por diversos países de Centroamérica y llegando a México, donde más adelante se establece y trabaja como re portero gráfico de la revista “Así”. Expone en el palacio de Bellas Artes junto con algunos artistas colombianos, la cual fue inaugurada por Pablo Neruda
“Frida y Diego”
“Anna Pavlova” A principios de los años cuarentas, expone en la galería de Decoración y se vincula con el Sindicato de la Unión Cinematográfica de México trabajando como fotógrafo de rodaje, teniendo contacto con artistas como María Félix, Dolores del Río, Mario Moreno Cantinflas, entre otros. En 1945 conoce al director Luis Buñuel a quien le muestra su trabajo acerca de los marginados en la Ciudad de México. La prensa le concede el premio del mejor reportero gráfico de México.
En 1947 realiza en Nueva York reportajes para las revistas Life y Norte y expone en una muestra especial en el MOMA. Colabora con Siqueiros en el proyecto del Mural Cuauhtémoc. A quien denuncia por plagio de sus fotografías. Su estudio fue incendiado y siendo per seguido por Siqueiros abandona México. En 1948, cubriendo la IX Confe rencia Panamericana en Bogotá, es herido en la insurrección popular que provocó el crimen del líder liberal Jorge Eliécer Gaitán. Como observador especial de la ONU en Medio Oriente, es testigo presencial del atentado contra el Conde Bernardotte, y las imágenes del mediador ase sinado fueron divulgadas por todas las agencias de prensa internacionales. Fue reconocido el 1949 por la prensa internacional como uno de los 10 mejores fotógrafos del mundo. En 1951 funda la primera galería de arte en Colombia y expone la obra de Fernando Botero. Esta galería se convierte en el punto de cultura más importan te en Bogota.
“Frida Kahlo” En 1988 realiza una exposición retrospectiva de sus 50 años como artista y fotógrafo en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Después exhibe en diferentes lugares en Europa y Estados Unidos, donde recibió varios premios y recono cimientos En 1996 regresa a México, realiza el libro “Los Hombres del Campo” editado en Japón. En Florencia recibe el premio Filo d’Argento en el Palacio Vecchio.
Muere en Santa Fe de Bogotá, Colombia en 1998. Durante este mismo año se le rinden varios homenajes, libros y do cumentales. En 2016 se organizó la exposición Frida Kahlo, Fotográfías de Leo Matiz en la Casa Azul, que se expuso en la Térmica en Málaga, España, la Sala de las Francesas en Valladolid, España y el Instituto México en Madrid, España. Su obra es testigo de muchos hechos históricos, en diferrentes países, especialmente México, Colombia y Venezuela. Leo Matiz logró aportar un discurso estético de su tiempo con sus bellas imágenes. Dejo un gran legado con su obra que Lewinson Art tiene el honor de promover.
Lewinson Art Facebook: Lewinson Art “Frida Kahlo”
En imágenes… Arte popular Mezcla de realidad y fantasía
Carreta de los siete pecados capitales (Barro negro) “Carlomagno Pedro Martínez” (Oaxaca)
Máscara del purgatorio (Barro policromado) “Cenaida Rafael Julián” (Michoacán)
Máscara de diablo (Madera tallada) “Arcelio Hernández Romero” (Michoacán)
Rhiannon Folk Dance surgió con la idea de fusionar dos estilos de danza, la israelí y la irlandesa; sin embargo, la primera fusión que realizan es danza irlandesa con árabe para posteriormente incorporar la israelí. Es así como surge el crear la fusión de estas tres danzas dando inicio el andar de este grupo de jóvenes artistas.
El nombre “Rhiannon” corresponde a una diosa de la cultu ra Celta, en la antigua Galia (lo que ahora es Francia) se le conocía como Epona, es una diosa madre que particularmente patrocina a los guerreros y una de sus características principales es la magia, la forma en que se manifestaba en la naturaleza era la de una mu jer con cabeza de caballo. De acuerdo con uno de los miembros del grupo, este nom bre se elige como una madre, como un símbolo de fertilidad, ya que al ellos unirse tienen en mente crear más cosas, es el pensar que al hacer una fusión la unión de todos genera un embrión que creará más, es una gran fertilidad cultural en busca de unir tres culturas a través de la danza, las cuales parecen muy distintas pero ellos tienen la firme idea que a través del arte se trascienden las diferencias, el racismo, la religión, etcétera. Hemos hablado un poco de Rhiannon pero: ¿Quién está de trás del mismo? ¡Vayamos a co nocerlos! Asimismo, les invitamos a saber un poco más acerca de su actividad artística,
su sentir y sus experiencias en el camino dentro de la danza a través de las siguiente entrevista otorgada a MEPE.
Laura Castro Profesora de historia y música. Es una persona creativa y amante del arte; especialmente de la música y la danza.
Aglae Citali López Reyes Profesora de inglés y francés, traductora para TV e instructora de spinning desde el 2011 en diferentes gimnasios, como Urban fitness (Motolinia) o en Black Fitness, en el Pedregal. Amante de la cultura y el arte, siempre está buscando diferentes expresiones, le gusta investigar la historia de cada cultura y cada vez que encuentra algo que le atrae trata de profundizar en ello.
la escritura y fotografía, es alguien que busca vivir la vida.
Teresa Santiago
Julián Aguilar Profesor de filosofía y agente de seguros. Persona agradecida con la vida y de carácter sensible, le gusta expresarse de diversas formas, en especial a través de la danza o
¿Cómo y cuándo se formó este grupo? Julian: Eso fue en 2015, los tres amamos las manifestaciones cultu rales, lo cual llevó a conocernos ya que yo impartía un taller de danza judía y Laura llego al mismo para aprender, así a través de la danza comezamos a conocernos, pero también ella por su parte derivado de la música y danza conoció a Aglae.
Posteriormente surgió la idea de hacer una fusión de la danza israelí con la irlandesa o la irlan desa con la árabe. Hacer una especie de encuentro de culturas, poder expresar nuestro gusto por ello y la diversidad. Esa fue la idea; primero hacerlo por pasión, porque amamos el arte y por mostrar un poco sobre la cultura, en mi caso soy de origen judío y me gusta compartir la danza, a veces la gente quie re aprender o conocer aspectos culturales y a través de la danza yo trato de compartirlo. En el caso de Laura a ella le fascina la cultura irlandesa, la cultura celta, entonces a través de la danza lo expresa, Aglae también; ella maneja danza árabes, le gusta la cultura, le gusta investigar, siempre estar sacando más, hace investigaciones y las plasma en la danza. Así es como en 2015, primero participaron Laura y Aglae, luego Aglae y yo para finallmente ya los tres formar lo que ahora es Rhiannon Folk Dance. Platíquenos sobre el vestuario de cada uno de los estilos de danza que presentan . Aglae: Nuestro vestuario siempre va a
depender un poco de las piezas que vamos a bailar; es decir, cuando son piezas en donde cada uno tiene que representar su cultura, tra tamos que nuestros vestuarios representen cada una; por ejemplo, en el caso de Laura, que su vestuario sea más del tipo irlandés, tenga los tonos verdes de Irlanda así como algún elemento Celta, en el caso de Julián también que tenga elementos que sean más de la cultura judía de manera más visible, lo mismo para la danza árabe, pero también existen danzas en donde tratamos de representar más la fusión y es ahí donde tenemos que empezar a combinar un poco los vestuarios, pero que cada uno aún represente nuestra propia cultura; por ejemplo, tenemos una danza fallahi donde fusionamos danza árabe e israelí, yo salgo con vestidos muy floreados; no es tan clásico árabe con los velos, sino más de tipo campesina y lo podemos fusionar bien con los pasos que tiene Julián, entonces él fusiona los pasos tanto de la danza árabe original varonil con sus propios pasos, así que es por eso que tratamos
siempre de crear los vestuarios de pendiendo la pieza y lo que deseamos expresar con la misma. ¿En cuanto a la fusión que realizan, cómo es recibida dentro de este medio? Aglae: Hasta el momento nos ha ido bien pero a veces hay personas que nos hacen críticas tales como: “¿Cómo crees que danza irlandesa con ritmos árabes?” o “ No es posible pasos de danza árabe con música que no tiene nada que ver con danza árabe” Es ahí donde hemos tenido un poco de problemas con las personas que son más puristas, es algo difícil pero al mismo tiempo aceptable porque cada quien tiene una concepción de las cosas, así que no pasa nada, hemos tratado siempre dar nuestra mejor cara y mejorar. Julián: Nosotros normalmente ensayamos al aire libre, eso nos gusta porque la danza folklórica es más de pueblo; no hay estudios de por medio, alguna vez ensayando en la alameda hubo una señora que me decía “tú que bailas, bailas algo muy raro”, yo estaba bailando música gallega pero con pasos
míos de danza judía, obviamente en una fusión y me decía: “Yo conozco la danza gallega y esto no se baila así”, no le expliqué sólo guardé silencio pero lo que no entendía es que era una fusión. Hemos tenido a veces críticas en cuanto a la danza de Aglae y mía, que es dan za árabe y danza judía por cuestiones políticas o religio sas: “¿Cómo se atreven a hacer este tipo de bailes?” “¿Cómo es que lo juntan, no se puede, no existe?” Algunas personas intentan poner el odio de tajo, son pocas pero si han llegado ese tipo de críticas, nos dicen: “¿Có-
mo es posible que hagas danza árabe con terroristas?” o tam bién le dicen a ella: “¿Por qué danza árabe con un chico judío sionista?” A veces con ese tipo de comentarios tratan de hacer una barrera pero nosotros seguimos adelante demostrando que el arte trasciende y hemos tenido muy buena acep tación al respecto, porque a través de las redes podemos contactarnos con gente de otros países, especialmente con Palestina, hay palestinos que
al ver las danzas que hacemos Aglae y yo comentan: “Está muy bien lo que hacen y tratan de limpiar todo el odio que hay”, también muchas personas de la comunidad judía dicen: “Está bien porque nos están quitando un prejuicio de que el árabe es el malo o el palestino que dice que el judío es el malo”. La danza… El arte realmente es una experiencia que conecta a la huma nidad. Platíquenos sobre el estilo de danza que cada uno ejecuta y ¿Qué signi
fica la danza a nivel personal para cada uno de ustedes? Julián: La danza judía es una danza muy diversa, siempre la comparo con México en relación a lo que es la danza folklórica la cual es muy basta, hay muchas regiones, estados, grupos étnicos, tenemos diver sidad de música y danzas. Lo mismo ocurre con la danza judía, a veces piensan que es sólo un estilo, pero no es así, también tiene muchos estilos y géneros y eso es muy agradable porque habla sobre la historia del pueblo judío el cual estuvo muchos años en el exilio errando, entonces donde lle gaban, influenciaban con su cultu ra pero también eran influenciados. Cuando fueron expulsados muchos llegaron a países árabes, otros llegaron a lo que es Rusia, Alemania, España, entonces donde llegaban se nutrían. Con la danza de España y sus expresiones culturales surge la danza judía Sefardí, cuando andaban en Alemania, Polonia o el sur de Rusia, ahí nace la danza judía askenazí o Klezmer jasídica, cuando se fueron a Yemen, Afganistán, Irán, etcétera, ahí nace la danza judía árabe, por tanto hay muchos estilos de danza, a esta danza en hebreo le conocemos como “Rikudim”, lo cual significa “Danzas del
pueblo”, “danza populares” o “danzas folklóricas”, tienen mu chos estilos y habla sobre la historia del pueblo, sus éxitos, sus persecuciones, el sufrimiento, el dolor, pero también habla de nuestra alegría y nuestras tradiciones, actualmente el rikudim es muy apreciado en Israel y nos hemos puesto de acuerdo todos como judíos para que cuando saquemos una pieza o una coreografía, tratemos de enseñarla a todos los judíos que hay ya sea primeramente en Israel pero a todo el mundo, ahora es más fácil por las redes sociales, hacemos una danza, una coreografía y nos encargamos de difundirla y todos bailamos ese mismo baile, esa misma coreo grafía en todo el mundo y así tenemos un repertorio muy grande de rikudim que se baila por todos, se baila por judíos pero también por perso-
nas no judías, personas que les gusta la cultura, hombres, niños, personas religiosas o no, todos son bienvenidos y siempre al aire libre en las plazas. Personalmente la danza para mí es una necesidad de expresarme, el baile es una expresión muy natural en el ser humano, nuestro cuerpo reacciona a la música de forma natural ante los ritmos, pero eso es como dejarte llevar, la danza trasciende al baile, la danza ya no sólo es seguir el ritmo, es incluso interpretar el ritmo, la danza es expresar tus sentimientos, emociones, tu intuición pero también a veces tu pensamiento, tu cultura, con la danza puedo expresar emociones que tal vez con palabras no puedo, es una expresión sublime del ser humano que trasciende al baile. Aglae: En danzas árabes hay una diversi dad inmensa, hay cosas que ni siquiera se saben de este lado del mundo acerca de sus danzas, originalmente me agradó ver el Belly dance, pero en mí surgía la duda de si sólo se bailaba así, poco a poco fui investigando, me metí a talleres de danza de la UNAM, tuve una maestra un po
co estricta, muy purista, pero digamos que para ellos las danzas son igual que en cualquier otra cultura, es una expresión cultural, una expresión del pueblo, hay danzas que se bailan por hombres pero también hay muchas danzas que son solamente pa ra mujeres. Lo que se piensa cuando decimos danzas árabes es Belly Dance y la mujer con movimientos muy sensuales, pero eso es solamente la punta del iceberg, es sólo un tipo de danza que ahora es ya fusionado con otro tipo de danzas, es más comercial. Tenemos que hubo un momento llamado orientalismo presentándose primero en pin turas, donde los pintores además de las cosas que veían también se imaginaban co-
,
mo era dentro de un harem; no necesariamente entraban, así que se imaginaban las mujeres con velos y los vestuarios que vemos ahora. Después con el cine llega también un boom porque cuando empezó el cine en EU con las primeras pelícu las en blanco y negro, hubo una mujer que fue a bailar y todos dijeron que se veía ridícula y grotesca porque era una mujer mos trando el vientre, un po co llenita y bailaba moviendo demasiado el cuerpo de manera “”La danza es libertad” muy sensual; es decir, moviendo la cadera haciendo ochos y como tratando de acercar a la gente a ella, fue muy mal vista pero hubo muchas mujeres que les gustó y empezaron a sacar la danza, en películas empezaron a utilizar su danza haciendo suposiciones de los pasos de baile; el traje que ahora conocemos es de hecho un diseño francés que no tiene nada que ver con las danzas originales, ya después empieza esta moda y se hacen fusiones pero pensando cómo sería la danza; no se documentaron, actualmente si podemos documentarlo ya que esas danzas están vivas, no se documentaron e hicieron una cosa muy comercial, igual que cuando retratan a los mexicanos con sombrero flamenco y uno dice “Esto no tiene nada que ver”, así que ese es el problema con esta danza, que uno siempre va a pensar que va a haber algo espectacular, el “Belly dance super star”, etcétera, pero cuan-
do ya nos acercamos a su pueblo las danzas son más finas, mucho más variadas y también hay ciertas clases que sólo son para mujeres, hay danzas que son exorcismos, su vida está ligada a la danza, pero hay algo muy curioso ya que las mujeres que lo hacen de manera profesional son mal vistas, son vistas como prostitutas. Es importante tratar de acercarnos a esta cultura no sólo por lo comercial y lo que se ve bonito sino tratar de documentarnos, de acercarnos a su cultura con respeto y es lo que a mi forma trato de rescatar, trato de docu mentarme lo más posible y es lo que traigo al grupo, que no solamente vean lo de siempre, sino que vean un poquito más variadas las culturas. A nivel personal la danza para mí es libertad, vengo de una familia que le gusta mucho el baile, me encanta el tango, cuando decido aprender danzas árabes fue sencillo porque podía seguir los ritmos pero ese esfuerzo extra para mí fue una especie de libertad, darme cuenta que podía hacer otras cosas fue como una libertad corporal, fue un momento de descubrimiento ya que no sabía que podía expresarme de
esa manera, fue algo similar a una liberación tanto corporal como espiritual. Laura: La danza irlandesa está documentada desde el siglo XVIII, se sabe que nació en los pueblos y aldeas de Irlanda, desde ese tiempo se conocían diferentes géneros, se bailaba con saltos, no se utilizaba un tipo de zapato en especial pero si se bailaba saltando. En el siglo XIX se populariza a través de algo conocido como “Las noche de Keily” o los Keilys, que eran fiestas en los pueblos de Irlanda y Escocia en donde se reunía la gente y los músicos de diferentes regiones a compartir sus canciones pero también a com poner nuevas piezas, es ahí donde van naciendo diferentes géneros musicales y la danza va ligada a cada uno de esos géneros, ahí la gente bailaba no solamente escuchaba a los músicos, de ahí se va popularizando más, hacía los años 20’s y 30’s hay grabaciones de bailarines irlandeses y si se comparan con el estilo que existe ahora es muy diferente a como se bailaba en esa época, pero sin duda el boom de la danza irlandesa fue en los 90’s con
“Lord of the dance”, que fue el show que ubica la danza irlandesa a un nivel internacional y poco a poco la va profesionalizando, es una danza muy exigente en cuanto a la parte técnica, no usa los brazos y se requiere mucha fuerza en piernas y pies. Ahora ya hay muchas escuelas alrededor del mundo, incluso en China y Medio Oriente, también hay una Comisión de Danza Irlandesa que es desde donde se establece a nivel mundial los estilos de baile, las velocidades a las que se debe bailar cada estilo y van estableciendo ciertos pasos universales, algunas coreografías estándar, pe ro es curioso porque por un lado está esa danza de show y espectáculo profesional y por otro la danza del pueblo, porque los Keilys siguen existiendo, en Irlanda se siguen organizando en las tabernas, llegan los músicos se ponen a tocar, llega la gente y se pone a bailar y a eso se le conoce como los Keilys que también existen a nivel competencia, le llaman así ahora a los bailes grupales que es la participan desde dos hasta 16 personas, les conocen como Keilys o figuras y depen de de la habilidad de los bailarines para poder hacer correctamente esas figuras .
En la danza irlandesa que se conoce a nivel profesional se utilizan dos estilos, uno que es “El zapato suave” el cual es un tipo de zapatilla muy parecida a la del ballet pero tiene cier tas características al momento de amarrarla al pie y el “Zapato duro” que es el que se utiliza con el tacón y es el que se ha popularizado más, cuando se va a las competencias se tiene que usar un vesti-
do especial dependiendo ya de los niveles más altos de esta danza, con forme uno avanza en ésta se requiere cierto traje especial que lleva cris tales y diseños sacados de la cultura Celta, entonces cada bailarín tiene su traje personalizado de acuerdo al nivel que tiene, son vestidos muy bonitos que representan a la cultura irlandesa, incluso he visto bailarines que utilizan fusión de diseños irlandeses y mexicanos; por ejemplo, en una competencia vi a un chico que llevaba un cinturón de Quetzalcóatl fusionado con trenzado Celta y se veía muy bien ese diseño. A nivel personal la danza me da libertad, para mí es dibujar la música, es poder llevar mi cuerpo al límite, siempre es un reto esta danza, la pri mera vez que la vi me conmovió, ese fue mi sentimiento, conmoverme al grado de querer llorar, vi un bailarín de danza irlandesa y dije: “yo quiero bailar eso” y
cuando vi “Lord of the dance” se me hacía increíble como mueven los pies y la fuerza que tienen, para mí significaba un reto, la primera vez que me paré en una competencia no lo creía, entonces es llevar mi cuerpo al límite, es un reto cada día porque sigo aprendiendo y explorando mis habilidades físicas, es mi forma de libertad, de poder expresar y dibujar la música con el cuerpo.
“La danza es dibujar la música con el cuerpo”
¿Cómo ha sido el camino des de la creación de Rhiannon? Laura: Pues ha sido alternado entre los cuadros blancos y negros, luz y obscuridad, hemos tenido muy buenos momentos en escenario, estado en lugares donde nos ha aceptado la gente muy bien, nos han reali zado buenos comentarios e in cluso se llevan algo a nivel cultural ya que empiezan a preguntar sobre el tipo de danzas; principalmente con la danza israelí que es menos conocida, hemos tenido muy buena recepción, muy buenos lugares, pero también hemos estado en lugres donde ni aplausos, ni gracias, ni nada y si nos desmoraliza que ni siquiera nos ponen atención, vamos al lugar, presentamos el show y la verdad aunque sean 10 minutos se requiere de trabajo para hacer esa presentación y la gente no hizo caso, ni nos hablaron los organizadores, ni nada, ha sido alternar entre los buenos y malos momentos. Julián: Ha sido un proceso de evolución porque cuando nos conocimos cada uno sabía su
propia danza, me llamaba la atención la danza irlandesa pero no sabía nada; con Laura aprendí. La danza israe lí a veces es parecida a la árabe, también encontré cosas muy parecidas a la danza árabe y cosas un poco más diferentes que aprendí, mis compañeras han aprendido la danza judía, hemos aprendido danza árabe, hemos cometido errores y de ellos aprendido. Quizás un error que tuvimos al principio en este proceso de aprendizaje fue irnos a meter a lugares donde tal vez todavía no nos tocaba ir y fue difícil, pero a pesar de eso aprendimos que siempre tenemos que prepararnos, tenemos que estar trabajando en armonía los tres, nos quitamos el miedo, nos hemos pulido y estamos muy felices porque hemos logrado estar en escenarios de eventos rela tivamente grandes como el “Celtia”, donde también fue muy buena para nosotros la recepción, nunca me imaginé estar con Rhiannon en un evento así o en el de “San Patricio” que estuvimos el año pasado en un Pub, fue una ex periencia muy buena. Yo digo que la danza la hago
para mí porque es mi expresión y mi sentir pero yo decido si la comparto con alguien y cuando lo hago estoy expuesto a que mucha gente le guste y a otro tanto no, entonces ya estamos nosotros con esa conciencia de que vamos a exponer nuestra danza y vendrán aplausos pero también críticas, hemos aprendido a hacer nos más fuertes de carácter y que no nos afecte, tomar lo que corresponda y mejorar. Aglae: Exactamente, porque hasta de las críticas hemos sacado cosas buenas, ha habido críticas en muy mala actitud, sólo con ganas de molestar pero apren dimos a tomar eso de una manera ligera, no tomarlo tan a pecho pero sacarle a esa crítica algún aprendizaje para mejorar. ¿Durante la vida del grupo cuál ha sido el momento más entrañable? Laura: Fueron dos eventos: “Celtia” y la celebración de “San Patricio”, que no creíamos llegar ahí porque son festivales muy exigentes en cuanto al nivel de los artistas, la mayoría tiene
una amplia trayectoria, son festi vales de música y danza tradicional pero todos son profesionales, para nosotros fue inscribir nos y probar suerte porque no somos profesionales, al menos en danza irlandesa. Presentamos tres piezas en “Cel tia”; hicimos Keilys, pero escuchar a la gente que nos aplaudía y gritaba nos sorprendió ya que estábamos muy nerviosos, subimos y empezamos a presen tar el primer Keily y la gente estaba acompañando con aplausos el ritmo… esa fue una experiencia que nos lleno de alegría y en San Patricio fue lo mismo, nunca habíamos entrado a las tabernas irlandesas a bailar y también fue todo un re-
to porque sabemos que ahí hay gente que si conoce la danza y les dije a mis compañeros:“Tenemos que hacer el mejor esfuerzo para que las figuras salgan bien”, porque al menos en los Keilys no hay tanta exigencia técnica en las piernas o la postura de los pies, lo que ahí se requiere es que las figuras estén bien marcadas, lo mismo la coordinación de los bailarines; entonces, yo les decía: “¡No se desanimen! ¡Vamos a hacerlo” pero si estaban un poco temerosos. Estuvimos en el Mccarthy'S y tuvimos muy buena recepción, no querían que nos bajáramos del escenario, presentamos tres piezas y nos aplaudieron y preguntaron acerca del grupo, eso nos marcó para hacer más cosas porque nos motivamos a seguir trabajando en nuestra técnica ya que así podemos llegar más lejos. ¿Más allá de lo que es “Rhiannon”, existe algún otro proyecto en el que se desempeñen y deseen compartirnos? Julián: Ahora que llegó la pandemia nosotros teníamos eventos y fechas pero todo se canceló
obligándonos a buscar alternativas, especialmente en medios digitales, por lo que Laura comenzó a contactar músicos y empezaron a ensamblar piezas musicales cada uno desde su lugar de origen; ni siquiera nos hemos conocido en persona, se preparó la música con nosotros en la parte de danza. Es un proyecto maravilloso porque la danza tiene que tener cierta estructura y los músicos ahí tenían trabajo, pero a su vez los músicos ya habían hecho cierto material y había que adecuar la danza a ese tipo de música, fue un proceso entre los músicos y los bailarines, después repetimos algo similar con un grupo que se llama “Goirias”, y nos salió muy bien, de este modo estamos planean do seguir probando con más música y colaboraciones sin perder nuestra esencia como grupo, hacer colaboraciones con otras personas es uno de los proyectos que hemos estado trabajando con música medieval y de otro tipo. ¿A largo plazo cuál es el sueño? Laura: Queremos llegar a festivales de
mayor nivel como lo son las “ferias de culturas”, desde antes de la pandemia teníamos eso en mente pues creo que somos muy buen ejemplo de la fusión cultural y podemos aportar mucho pero sabemos que para eso tenemos que trabajar nuestra técnica, coordinación, ser constantes en los ensayos, se requiere de mucha voluntad y eso lo tenemos que desarrollar en los ensayos para poder llegar a ese tipo de festivales que hemos visto que se realizan no sólo en la CDMX sino en otros estados de la Republica, son festivales ya más exigentes en cuanto a la calidad no sólo de la técnica sino del material que piden para presentar y hay que seguir trabajando para poder entrar a esos festivales. Julián: A mí me gustaría poder llevar el grupo a algún evento de la comunidad judía, por ejemplo alguna sinagoga o centro cultural donde puedan vernos de manera presencial y que conoz can lo que hacemos, pero creo que lo que buscamos ahora y a largo plazo es ser un referente de esas tres culturas a través de la danza irlandesa, judía y
árabe así como la hermandad entre ellas.
hemos encontrado más espacios.
¿En cuanto a los espacios, qué tan fácil o difícil llega a ser conseguirlos para presentarse? ¿Hay espacios suficientes? Julián: Creo que si hay espacios porque hemos tenido mucha actividad y ahora en pandemia se han abierto más a través de los medios digitales, pero existen algunos espacios donde no es fácil entrar ya que depende de muchos factores, lo primero que te piden es tu técnica y trayecto ría, pero en ocasiones vemos que hay gente que está en ciertos eventos o escenarios y no tienen el perfil que se supone el evento busca.
Julián: También hay que reconocer que durante nuestros inicios hubo lugares y eventos que si nos dieron la oportunidad de presentarnos y estamos muy agradecidos con ellos, son a veces de corte independiente, pero nos apoyaron y eso nos ayudó ya que en estos eventos la gente nos grababa vídeos; entonces, alguien nos abrió las puertas estamos muy agradecidos y aparte hubo material para poder difundir.
Aglae: En un principio fue un poco más difícil porque no éramos conocidos y era cuestión de buscar a la gente que organiza los eventos y hacer labor de convencimiento, ya cuando empezaron a conocernos ha sido un poco más “sencillo”, conforme fuimos creciendo, teniendo más material, experiencia, así como más soltura para hacer nuestras fusio nes y presentar nuestras danzas
¿En México cómo se da la aceptación del arte por el público, en este caso de la danza? Julián: En mi experiencia, como te decía, siempre nos preparamos en las calles o parques, la gente se nos acerca, nos mira, nos rodea, incluso hasta graban, la gente está atenta a lo que hacemos, quizás es algo que no conocen, están acostumbrados a otro tipo de baile y música y se les hace tal vez novedoso pero la gen-
te se acerca, a veces no dicen nada sólo nos ven, otras nos aplauden o nos hacen comentarios y veo que a la gente le inte resa, en cuanto a los eventos, éstos se realizan con un corte más temático, ahí la gente que va es porque le gusta, pero en la calle es donde encuentras un buen termómetro con la gen te común, he visto que les gusta lo que hacemos y nos han aceptado, los vídeos que subimos en redes sociales los comparten y se siente muy bien que la gente si responde, sobre todo hay que hacer las cosas de corazón y la gente lo capta. Aglae: Mucha gente va a los eventos
de corte medieval o de brujas, pero también hay gente que no va no porque no le guste sino porque no se entera, está más sumergida en las cosas comerciales, el trabajo, los problemas cotidianos, etcétera, y si de pron to hay eventos en la calle; lo vemos con la feria de las culturas, se llena y toda la gente está viendo el escenario, a la gente le gusta mucho la cultura, el arte, aunque muchas personas digan que no, que es sólo a un cierto sector, a la gente en gene ral le gusta sólo hay que acercárselos, hemos tenido personas que son muy agradecidas y aceptan nuestro proyecto como otros tantos porque se los acercamos, cuando ensayamos en
Aglae: Exactamente, si la hay pero es para ciertos estratos solamente, hay veces que los eventos son gratuitos y la gente al pasar es cuando se entera. A la gente si le gusta pero se requiere un poco más de difusión, también dejar de lado esa idea de que el arte es elitista. la calle la gente se acerca y pregunta sobre lo que hacemos y les damos nuestras referencias de contacto para que nos sigan, también si los eventos tienen un precio aunque sea bajo pero quieren ir con la familia, el costo se infla y ya lo piensan dos veces para asistir. La visión que se tiene al pensar que la cultura es elitista y sólo para un cierto grupo, no me agrada porque a toda la gente le gusta, la cultura está en todas partes, así que el hecho que nos acepten, ir a un lugar tal vez hasta gratuito o bailar en la calle y que la gente se acerque es indicativo si le gusta mucho. ¿Podríamos resumir esto en: A la gente le gusta el arte pero no hay difusión del mismo?
Laura: Está esa parte de la difusión y poder acercar el arte a las per sonas pero también ha pasado que al ir a ciertos eventos les ponían un filtro; no podíamos invitar gente porque tenían que consumir cierta canti dad, entonces eso los frenaba de acercarse al mismo, nos decían: “Si te voy a ver pero cuando te presentes en otro lugar”. ¿Cómo y cuándo llega la danza a la vida de cada uno de ustedes? Laura: La danza me llegó desde los 5 años ya que mi hermano era el pianista de una academia y tenía sus alumnas de ballet, en algún momento me quiso llevar pero yo ahí me enfrenté al gran muro de que mi familia
pertenecía a una tradición cristiana y tienen prohibido el baile pero mi hermano siempre me vio potencial y cuando se dio cuenta le dijo a mi mamá que había que llevarme a ballet para que empezara desde los 5 años y cuando tuviera 15 ya tendría la flexibilidad y la técnica de bailarina, mi mamá no estuvo de acuerdo en relación a su religión, pero a mí se me quedo esa espinita de “Yo si quiero el ballet”. Alrededor del año 2000 o 2001 fui a un evento de música Celta y ahí fue donde por primera vez vi un bailarín irlandés y me movió algo dentro de mí: “Es que yo quiero bailar eso”, comencé a buscar vídeos, encontré “Lord of
the dance” y “Riverdance”, empecé imitando los pasos, no tenía idea de la técnica veía e imitaba. En 2015 conozco a Sergio Téllez que es el director de la academia “Inishfree México” en Ciudad Satélite, y me propone un intercambio cultural, me dice: “Tengo una flauta transversa, que te parece si intercambiamos, tú me das clases de flauta y yo te empiezo a enseñar danza irlandesa, y así iniciamos. A través del intercambio empecé a estudiar con ellos, tengo ya seis años bailando en esa academía pero fue todo un reto, primero por la parte técnica y después veía el obstáculo de la
edad ya que sus alumnos eran de 6, 12, 15, máximo 18 años por lo que pensaba que a mis casi 30 años sería muy difícil a lo que él me dijo: “No te detengas y no te metas eso en la cabeza, vamos a trabajar para que tu cuerpo se vuelva flexible y puedas hacerlo”, pero fue todo un reto para mí el poder pararme en una competencia, en un show. Así fue como llegó la danza conmigo.
Aglae: Provengo de una familia que les gusta el baile y sin que nadie me dijera cómo, un día a los cuatro años comencé a bailar solita con mi papá, se me hacía fácil pero cuando veía ciertos programas en televisión como el caso del ballet y escuchaba la música quería bailar eso, lo mismo me paso con el tango pero nunca hubo los medios, fue hasta 2011 o finales de 2010 estando ya en la universidad cuando vi los talleres de danza y empecé a tomar al mismo tiempo tango y danza árabe, curiosamente lo que me enseñaban en una era similar a la otra, lo de la conciencia de donde está el peso de los pies, la conciencia del cuerpo, etcétera, es ahí donde empecé a acercarme a la dan za como yo lo quería realmente. Julián: Desde pequeño mi cuerpo respondió a la música, principalmente con las percusiones, en casa escuchaban todo tipo de música pero especialmente un género, venimos de una familia judía sefardí y escuchábamos música Sefardí la cual tiene mu
cha percusión de fondo y mi cuerpo siempre reaccionaba a esa música pero yo nunca comenté nada sobre que quisiera bailar, con el paso del tiempo siendo niño todavía yo jugaba a bailar, recuerdo que ponía muñecos como espectadores y bailaba para ellos o ponía a mi familia a ver ese pequeño es pectáculo, ya en la escuela siempre que habían eventos o festivales yo era el primero en levantar la mano para bailar y ahí fue donde inicie el aprendizaje del rikudim, en la secunda ría yo salía en las tablas ritmicas y más grande en los 15 años, posteriormente seguí apren
diendo el rikudim, comencé a bailarlo y presentarlo. A la gente le gustaba y pedía que les enseñara o pusiera cierta coreografía, en la comunidad judía comenzaba a ponerlo en eventos, festividades, bodas, di rigir los pasos para la boda, me encantaba eso. A los veintitantos me dedicaba a otras cosas no de lleno a la danza pero vi un documental sobre Pina Bausch (Bailarina de danza contemporánea), me en cantó lo que vi y dije: “Yo quie ro hacer eso”, fue cuando com prendí que lo mío era la danza más allá de enseñar y fue que me metí más en eso investigan-
do sobre danza contemporánea. Isadora Duncan y Pina Bausch fueron mis influencias principales y en la escuela entré a estudiar danza contemporánea en los talleres, ahí aprendí a canalizar, mis sentimientos, mis emociones, mi energía; ya no era bailar por bailar, era canalizarlo, hacer de eso algo espiritual, no me dedico a eso como profesión pero si por gusto y así fue que conocí a mis compañeras de Rhiannon y desde ahí hemos hecho esto. ¿Algo que deseen agregar? Aglae: Sólo un comentario acerca de lo que muchas personas dicen sobre el porqué fusionamos esto o que no queda la fusión del irlandés con nuestras danzas o lo judío con lo árabe. En la mende la gente decir cultura árabe es sólo eso, cultura mexicana y sólo eso, cultura irlandesa y sólo eso y es una idea errónea, nosotros tratamos de transmitir que a fin de cuentas las culturas tienen en el fondo una conexión; es de cir, no es solamente yo hablo español y mi cultura es mexicana, no es así porque la cultura mexicana viene también de gente migrante, después de la conquis ta hubo muchas fusiones y cada
cultura aportó algo, así que es erróneo la idea de “no pueden hacer esto” cuando a fin de cuentas tenemos fusiones culturales en todas partes, somos de hecho producto de fusiones culturales. Julián: Mucha gente dice que el folklore es intocable, que lo tienes que respetar tal como es, como si ya estuviese muerto y fuese algo del pasado. El folklore está vivo y está en continua transformación, somos producto del folklore y al hacer esto también estamos haciendo folklore, es algo muy popular no es algo académico, nosotros lo estamos haciendo, somos parte del pueblo y el folklore está vivo, no es algo del pasado. A propósito de esto también tenemos una fusión que hicimos con danza mexicana puesto que somos mexicanos y también es nuestra cultura. La música es de la tradición Celta pero cuando la escuchamos notamos un parecido con las percusiones mexicas y surgió la idea de hacer una fusión de lo irlandés, árabe y judío pero con nuestra cultura madre que es la mexicana, y le metimos algo me xicano con la danza prehispanica.
Reencontrando las raíces “Ballet Folklórico Quetzalcóatl“
De la mano del profesor Ricardo Rodríguez Vieyra y con el arte de la danza como herramienta, el Ballet Folklórico Quetzalcóatl se ha impuesto la maravillosa misión de difundir y revitalizar las tradiciones locales.
De acuerdo con el director del Ballet una de las estrategias principales para lograr lo anterior será el difundir el trabajo de los creadores, artesanos, artistas textiles, investigadores y demás personas que intervienen en las distintas etapas del desarrollo artístico de la danza, su música e indumentaria y de este modo impactar en la vida de sus integrantes y las comunidades donde participan. Así es como el arte está presente mostrando que nuestras raíces son la fortaleza para el árbol de nuestra identidad. Próximamente en nuestra edición Julio / Agosto 2021 conoceremos más sobre el "Ballet Folklórico Quetzalcóatl” a través de una entrevista con su director Ricardo Rodríguez, mientras tanto aquí compartimos algunas imágenes de nuestros amigos durante la celebración de Corpus en el municipio de Huixquilucan, Estado de México.
Alberta Mendoza ¿Se puede vivir sin arte?
El arte a medida que transcuconocemos y expandimos la vírren los años se ha vuelto alsión de nuestro mundo, el arte go esencialmente adherido al es una cualidad única del homespíritu del hombre, estoy com bre, la necesidad de crear nace pletamente convencida que el a partir del conocimiento que te arte forma parte de la vida, es nemos de nosotros mismos y lo fundamental en el transcurrir que nos rodea, por lo tanto y de nuestros días, definitivamen definitivamente no podríamos te no puedo imaginar un munvivir sin arte. do sin arte; ¿Pueden imaginar La idea del Arte es muy subjetiun mundo sin arte? Un mundo va y cada persona tiene una visin música, escultura, pintura, sión diferente en cuanto a este arquitectura, literatura, danza, concepto, en mi particular puncine; definitivamente el arte es to de vista he redactado éste fundamental en nuestra exisfragmento introductorio para atencia. portar no sólo mis ideales sino Es gracias al arte que podeconcientizar sobre la importanmosmás observar la cultura de los ca- medios cia delde mismo, creo firmemente Con de 25 años en comunicación realida país, aquello que distingue que el periódicos, arte es capaz programas de transfor zando colaboraciones para algunos de forma única a cada nación, mar al ser y a su vez cambiar el deporque radioelyarte TV es asíelcomo programas principio mundo. propios en canal 40, Jorge Tinajero nos presenta desde su casa habitual: de la cultura. Mi nombre Alberta Mendoza “RADIORAMA”, una nueva temporada delesprograma radioEl arte no sólo nos despierta a López soy Artista Plástica, me fónico “Expresión total Comunicación sin límite”, pero antes la vida, el arte nos transforma dedico al arte de la pintura, esdey profundizar en éstever conozcamos brevemente a Jorge Tisensibiliza, podemos otoy trabajando en nuevas obras tras realidades el ar que pronto podrán ver, he reali najero quien es mediante Conductor y Director del mismo. te que nos abre nuevos horizado varias exposiciones en la zontes, es gracias al arte que Ciudad de México y en otros Es
tados de la República Mexicana, actualmente doy clases de pintura de forma independiente, en la casa de cultura de Teoloyucan y en Tepotzotlán, mi pasión y mi profesión es el arte de la Pintura. Yo estaré a cargo en esta
nueva sección dentro de MEPE y en próximos números les estaré presentando un tema que es fundamental comprender y es el papel del arte pictórico en nuestra sociedad; espero se den el tiempo para leer ésta sección que dedico con mucho cariño para todos ustedes.
Alberta Mendoza López Artista plástica. Su obra se basa en la analogía del universo y la vida cotidiana, explicando el sentimiento del amor de una forma simbólica. Facebook: @albertamendozalopez · Arte
¡Llegó El Mitote a Cuautitlán! Con este nombre nace en Cuautitlán, Estado de México, un lugar donde la cultura se hace presente ya que aparte de la degustación de buenos alimentos también encontraran exposicio nes, música y artesanías. Se pretende que éste sea un espacio en el que aquellos que así lo deseen puedan exponer su obra plástica o fotográfica así como presentar su música o danza, lo anterior buscando que el sitio sea considerado como “La casa del artista”.
“El Mitote” abrió sus puertas el pasado 19 de mayo de 2021 a través de un colectivo de artistas unidos para apoyar con este espa cio de difusión cultural, se calcula que alrededor de 150 artistas estarán presentándose en lo que resta de este año. Además el lugar genera 14 empleos directos y un estimado de 30 indirectos. El chef Guillermo Hernández con más de 20 años en el arte culinario les invita a visitar “El Mitote”, ya que además de la alimentos, el ar te y la música que pueden apreciar, también se preten de llevar a cabo eventos gastronómicos de comida re gional mexicana próximamente.
¡Ven a conocer “El Mitote”!
Simón Bolívar 408, Colonia El Huerto, 54800, Cuautitlán, Estado de México.
Teléfono: 55 3984 7141 Whats app: 55 7537 1172 Correo electrónico: el.mitote.restaurante@gmail.com Instagram: https://www.instagram.com/el_mitote_restaurante/
¿Sabias qué?… La "Danza de Viejos de Corpus“ tiene sus orígenes prehispánicos en la zona de Temascalcingo, Estado de México, originalmente dedicada al dios del sol y del agua para solicitar la bendición de la lluvia y posterior a la llegada de los españoles es prohibida para retomarse durante una sequia; pero, ahora dedicada a Cristo aunque con el mismo fin; el de pedir la lluvia. Es conocida como "Viejos de Corpus" ya que se efectúa durante lo que es la festividad de Corpus Christi dentro de la religión católica.
Fuente: Prof. Ricardo Rodríguez Vieyra Ballet Folklórico Quetzalcóatl Huixquilucan, Estado de México
En otras letras… No eres un número más
(Graciela Montesinos)
Tienes un collar de diamantes hecho de lágrimas que de paso lava mis pecados y los de los demás. Tienes una voz silenciosa que se pierde en la nada, culebreando en el vasto desierto, buscando una cueva donde hacer eco para ser escuchada; pero es una voz sin eco, sin destino tal vez. En tus labios se dibuja una sonrisa que esconde tus heridas; tu labial, es la sangre que de tu boca mana, también el tinte de tu cabello largo que bajo la burka escondes. Quieres y no quieres que el mundo mire tu rostro deformado, desfigurado, desdibujado por el candente hierro o por el ácido, por un despechado pretendiente incapaz de sentirse rechazado. Quieres y no quieres revelarte a tu destino, pues el miedo ancestral te sobrecoge, sella tus labios y baja tu mirada, y como tumba permanece en el olvido, con el sol del desierto calcinando tu osamenta que lamentos cruje y que el viento lleva hasta la etérea inmensidad de la inconsciencia, hasta que alguien piadoso por fin diga: “Me he levantado de mi tumba para decirte, mujer, que si eres alguien, no sólo un número más en la lista de muertos y desaparecidos, o un número más en el libro del registro; no sólo una cruz y un jarrón con flores en algún sitio perdido y unos huesos blanqueados por el sol en las arenas; no sólo un cuerpo lacio y sin vida a quien ya nadie llora; ni las cenizas de una esposa que se inmola, o una muñeca rota y descosida a la que le han sacado el corazón y las entrañas; no eres sólo un trazo de gis en la avenida que la lluvia borrará con el tiempo para depositarlo en la sucia alcantarilla; no eres sólo un manchón de sangre seca en la banqueta por donde solías caminar al terminar tu turno en el taller donde cosías,
donde unías, remendabas los retazos de tu vida y tu familia; ni aquella que cubierta como momia aguanta el hambre y la sed de comida y de Dejé escrito, eljusticia. vocablo gitano, aquel que se queda Node eres sólo un número más en la lista. Eres la madre, la hija, la hermana. Eres el rostro inolvidable, el beso tierno sobre la frente, la risa fácil que alegraba a otro, el pan y la palabra de aliento de cada día, la caricia tibia que dejaste en el pelo enmarañado de algún infante. Eres la virgen, que nunca supo del amor. Eres aquella, que de Norte a Sur, de Oriente a Poniente, tiene un nombre para ser recordado y una voz para ser escuchada. No mujer, no eres sólo un número en la lista.
¡Te amo!
Dejé escrito, el vocablo gitano, de aquel que se queda (Felipe Elizalde Lizarraga)
¡A ti que me has dado todo sin pedirme nada a cambio! ¡Que me has hecho feliz y desgraciado! ¡Que me has hecho ver el cielo y el infierno! ¡Que has sido toda entrega y desapego! ¡Que me has mostrado la abundancia, la riqueza, la miseria y la carestía! Tú que has sido mi compañera y mi soledad. Tú que me has enseñado a vivir y a esperar la muerte como un acontecimiento necesario para alcanzar la inmortalidad del alma. ¿Cómo no amarte y odiarte, si mi sino está encadenado a ti? Te amo sobre todo porque en ti encontré la felicidad y la razón de vivir. Por todo ello… !Te amo vida!
¡Próximo número entrevista con Lizbeth García!
Mexicanos en Peligro de Extinción Email: mepe_revista@live.com.mx Fotografías, ilustraciones y textos: Martha Jiménez / Emilio Meza Fotografías en Rhiannón Folk Dance: Rhiannon Folk Dance / Emilio Meza Texto en “El color del arte” : Alberta Mendoza
Portada: Chucho O Rope
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