BLUSH Dream #34

THE NEW ALL-ELECTRIC MACAN. Change your look. Not your style.

BIG BANG 20TH ANNIVERSARY TITANIUM CERAMIC THEY’LL NEVER NEVER SEE IT COMING

PREMIUM PARKING SOLUTIONS

SPRING SUMMER 2025

CONTENT

23. EDITORIAL

TIME-KEEPERS

26. BUGATTI

A remarkable tale in the world of horology.

32. HUBLOT

Big Bang 20th Anniversary.

36. LOUIS VUITTON

An invitation to travel.

JEWELLERY

42. CHOPARD

The Palme d’or.

48. JOTHI-SÈ

Pushing back the boundaries of art.

54. FULLORD

The alchemy of ancestral strength.

PEOPLE

56. LILY-ROSE DEPP

A love of Paris.

FASHION

64. THE AGAPARA SIGNATURE

Exceptional sneakers and embroidery.

68. DE MARQUET

Everyday Italian Elegance.

72. OUTLET AUBONNE

A premium shopping experience at the best price.

76. BADR - CLAIR DE LUNE

When night inspires your days with elegance.

BEAUTY

80. HELENA RUBINSTEIN

A step ahead of Beauty.

PHOTO EDITORIAL

88. NEO GLAM SWIM CLUB By Ron Contarsy for Highmark Studios.

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SPRING SUMMER 2025

CONTENT

DESIGN

98. FORNASETTI

Imagination holds the key to salvation.

106. MAXIME D’ANGEAC

Reinventing the myth of the Orient Express.

114. ARCOLA STUDIO

When design speaks volumes.

120. CLARAVAL

Harmony of sound curves.

124. SKNIFE

Knife-making with the precision of a watch.

DRIVE

128. ALFA ROMEO 33 STRADALE

Daring to dream.

134. CARDOK

Innovation that never says no.

ART

138. PHILIPPE SCHILLER

An immersed view from a sailor from Geneva.

140. GRIET VAN MALDEREN

Wild Beauty.

140. TELEMACHUS

Between transmission and introspection.

TRAVEL

150. ROMEO ROMA HOTEL

A new era of luxury in the Eternal City.

156. MAISON BARRIÈRE VENDÔME

A tribute to exceptional women.

162. SPLENDIDO A BELMOND HOTEL Riviera reborn.

168. THE RITZ-CARLYON VIENNA

The perfect choice.

170. PUEBLO ESPAÑOL

A Timeless Masterpiece Reimagined for Art and Events.

172. KÜHN PROPERTIES

Unlisted luxury.

GASTRONOMY

176. PERRIER JOUËT AND ATELIER MONTEX

An exceptional collaboration for the Volutes Edition.

180. VITA CANNES

Italy invites itself to the heart of the Riviera.

182. FISKEBAR

A thousand colours, a thousand flavours.

LAMBORGHINI GENèVE

Authorised Dealer

#WeAreFullHybrid

With the Revuelto, the first HPEV (High Performance Electrified Vehicle) hybrid super sports car, Lamborghini has established a new benchmark in performance, on-board technology, and driving pleasure. The ultimate thrill provided by the Revuelto is reached thanks to a powertrain that delivers 1015 CV total, combining the power of a brand-new 12-cylinder internal combustion engine with three high-density electric motors and a groundbreaking transversal dual clutch e-gearbox. The power of hybridization is harnessed to take performance and driving emotions to an unprecedented level.

Route de Saint-Julien 184 1228 Plan-les-Ouates - Suisse Tél. +41 (0)22 721 04 30

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Dear readers,

There are seasons that don't ask for permission. Summer is one of them. It arrives like a warm breeze on your skin, inviting you to slow down, live life to the fullest and feel more alive. In this summer issue of Blush Dream, we celebrate beauty in all its forms, creative daring and the art of living with passion. Our pages are pulsing to the rhythm of this uninhibited season: spontaneous getaways, sun-kissed beauty, inspiring confessions and trends that make you want to dare to do anything. We wish you a wonderful summer, filled with unforgettable moments and inspiring discoveries. Enjoy every moment, explore, dream and, above all, be yourself.

Have a great summer,

Gregory

Chères lectrices, chers lecteurs,

Il y a des saisons qui ne demandent pas de permission. L’été en fait partie. Il arrive comme un souffle chaud sur la peau, une invitation à ralentir, à vivre en grand, à vibrer plus fort. Dans ce numéro estival de Blush Dream, nous célébrons la beauté sous toutes ses formes, l'audace créative et l'art de vivre avec passion. Nos pages vibrent au rythme de cette saison sans complexes : escapades spontanées, beauté(s) solaire(s), confidences inspirantes, tendances qui donnent envie de tout oser. Nous vous souhaitons un merveilleux été, rempli de moments inoubliables et de découvertes inspirantes. Profitez de chaque instant, explorez, rêvez et surtout, soyez vous-même.

Bel été,

Ayoun

Publication director Directeur de publication

Publication Director : Gregory Ayoun

Art Director : Yvan Babillon - www.kyf-studio.com

Editorial Project Manager : Caroline Sambucchi

Writers : Eduardo Costerg, Helena Perdoux-Frances, Claudia Ferreira, Quitterie Pasquesoone

Marketing : Fiona Esther, Emma Houffin, Thibault Faura, Elise Montaner, Cyril Montegu

Distribution :

EDS Media AG -Meilen

MPK Luxembourg GmbH - Luxembourg

BLUSH DREAM is a biannual edition. Edited and published by BLUSH EDITIONS. BLUSH DREAM declines responsibility for any unpublished texts, illustrations or photos it receives.

Reproduction of texts, drawings and pictures published in this magazine remains the property of Blush Editions, owned by Publiscope, which reserves the right of reproduction and translation in the whole world.

Publiscope accepts no responsibility for the published documents. All rights reserved. ISSN n°2267-7372

Printed in EU at 30.000 ex.

Blush Editions bénéficie d'un partenariat officiel avec Les Clefs d'Or Suisse.

Covers :

Nicole Whittaker © Ron Contarsy for Highmark Studios

Matteo Wasescha : © Ron Contarsy for Highmark Studios

Lily Rose Depp © Franck Castel/ABACAPRESS.COM

Credit: Abaca Press/Alamy Live News

Bugatti

A remarkable tale in the world of horology

For 115 years, Bugatti has written an unparalleled story of technical excellence, precision, and artistry, values that have not only defined its cars but have also forged an enduring relationship with the world of horology. Throughout its evolution, the French marque has maintained an intrinsic connection to watchmaking, with its iconic designs inspiring some of the most innovative and luxurious timepieces in history.

Au cours des 115 dernières années, Bugatti a écrit un récit inédit, alliant excellence technique, précision et art, des valeurs clés qui ont non seulement façonné ses véhicules, mais aussi forgé une connexion indéfectible avec l'horlogerie. En effet, tout au long de son parcours, la marque française a cultivé une relation avec l'univers horloger grâce à des modèles emblématiques ayant inspiré certains des gardetemps les plus audacieux et raffinés de l’histoire.

RIGHT

The Jacob & Co. Bugatti Tourbillon watch: an incomparable model that reinterprets the exceptional aesthetics of the new Molsheim hyper sports car.

LEFT Mido and Bugatti's unique creations – combining elegance and robust mechanisms – were designed to guarantee perfect legibility in all environments.

The bond between Bugatti and the most esteemed watchmakers can be traced back to 1925, when Bugatti caught the eye of Swiss watchmaker Mido. Known for its automotive-inspired timepieces, Mido saw in Bugatti the same dedication to performance and design that it expected of itself. Reflecting this, and in respect of Ettore Bugatti’s wishes, Mido released a collection of watches that perfectly echoed Bugatti’s aesthetic.

In 1932, while Mido was producing wristwatches for Ettore, the founder of Bugatti also commissioned a series of clocks for the iconic Type 41 Royale – the most luxurious car ever built. For Ettore, no other brand than Breguet would suffice for this honor. The Swiss watchmaker was tasked with crafting a range of chronographs – with a tachometer function to measure speed over time – to be proudly displayed in the center of the steering wheel of the Royale automobiles. The dial bearing the inscription "Special for Bugatti" and the impeccable finish of these instruments echo the absolute refinement of Molsheim automobiles.

Cette forte connexion entre Bugatti et les grands Maîtres Horlogers remonte à 1925, date à laquelle la marque a capté l'attention de l'horloger suisse Mido. Réputée pour ses gardetemps inspirés de l'univers automobile, la maison Mido a reconnu en Bugatti un dévouement identique au sien, tant en termes de performance que de design. Elle a ainsi débuté une collection de montres restituant parfaitement l'esthétique distinctive de la marque automobile, selon le souhait d’Ettore Bugatti.

As decades rolled into the period of renaissance for Bugatti in the early 2000s, the influence of this resolute passion was to grow only further. The marque sought artisans united in the desire to craft a timepiece as revolutionary as its Veyron hyper sports car; a creation that would draw on its pioneering spirit in establishing a new segment, and its unequalled combination of performance and precious elegance.

En 1932, alors que la maison Mido poursuivait la production de montres pour Ettore, ce dernier a également souhaité commander une série d'horloges destinées à venir orner l'emblématique Type 41 Royale – voiture la plus luxueuse jamais construite. Pour Ettore, Breguet était la marque la plus à même de relever ce défi. L'horloger suisse a été chargé de concevoir des chronographes destinés à être placés au centre du volant des modèles Type 41 Royale. Le cadran portant la mention « Spécial pour Bugatti » et la finition impeccable de ces instruments font écho au raffinement absolu des automobiles Molsheim. Au cours des décennies suivant la renaissance de Bugatti au début des années 2000, l'influence de cet engagement inébranlable n'a cessé de croître. La marque s'est mise à la recherche d'artisans animés par le désir de créer un garde-temps aussi révolutionnaire que la Bugatti Veyron – pionnière d'un nouveau segment automobile –et mettant en lumière son remarquable esprit d'innovation et son alchimie parfaite entre performance et élégance.

LEFT

A series of nine chronographs signed Breguet was delivered to Bugatti to adorn the steering wheel of the iconic Type 41 Royale.

RIGHT FROM TOP TO BOTTOM

1. Renowned at the time for its automobile-inspired timepieces, Mido demonstrated the same commitment to performance and exceptional design as Bugatti.

2. Inspired by Bugatti's avant-garde genius, Parmigiani Fleurier watches are perfectly in-tune with the brand's quest for ultimate performance and excellence.

© Bugatti

Fast forward to the modern day, and Bugatti’s connection to the world of horology is stronger than ever. In 2019, Bugatti and pioneering watchmaker Jacob & Co. embarked on a journey continuing Bugatti’s story in celebrating the concept of time. It is one that has yielded timepieces pushing the boundaries of both form and function; all forging their own path in redefining what is mechanically achievable, llowing hundreds of bespoke components to work together in mesmerizing harmony that, like Bugatti cars, deliver a degree of mechanical beauty never seen before.

As the Tourbillon hyper sports car was unveiled at the home of Bugatti in June 2024, so the marque’s inimitable timelessness and horological affinity entered a new era. Developed to be showcased on the concours lawns of this century and the next, the Tourbillon offers carefully curated engineering crafting techniques that will transcend time, including an unprecedented analogue instrument cluster, created in collaboration with the most skilled Swiss watchmakers.

From the refinement of Breguet and craftsmanship of Mido in the 1920s and ’30s, to the modern-day art pieces of Jacob & Co., Bugatti’s connection to watchmaking is a testament to its unrelenting pursuit of perfection in aesthetics, mechanical excellence, and ultimate luxury. Just as Bugatti’s hyper sports cars have transcended the automotive realm to become symbols of sophistication, elegance, and timelessness, the watches with which it is associated are more than just instruments for measuring time. They are works of art honoring the thrill of performance engineering, created with the same passion and precision that define everything Bugatti touches.

Aujourd’hui, le lien entre Bugatti et le monde de l’horlogerie est plus fort que jamais. En 2019, la marque s’est associée à l’horloger de renom Jacob & Co. pour un nouveau projet parfaitement en phase avec son histoire et son évolution actuelle. Ensemble, ils ont conçu des montres repoussant les limites de l’innovation, alliant forme et fonction de manière absolument inédite.

Lorsque la Bugatti Tourbillon a été dévoilée à Molsheim en juin 2024, l’intemporalité inimitable de la marque et son affinité avec le monde de l’horlogerie sont entrées dans une nouvelle ère. Conçue pour illuminer les concours d’élégance et transcender les époques à venir, la Tourbillon incarne l’ingénierie d’exception et l’attention aux détails poussée à son paroxysme – comme en témoigne la création d’un tableau de bord analogique inédit, développé en collaboration avec les horlogers suisses les plus talentueux.

Du raffinement de Breguet au savoir-faire de Mido, en passant par les pièces d’art moderne de Jacob & Co., la connexion de Bugatti avec l’horlogerie témoigne de sa quête incessante de perfection en matière d’esthétique, d’excellence mécanique et de luxe ultime. Tout comme les hypersportives signées Molsheim ont transcendé le domaine automobile pour devenir des symboles de sophistication, d’élégance et d’intemporalité, les montres associées à la marque ne se contentent pas de mesurer le temps. Ces véritables œuvres d’art – créées avec la même passion et le même niveau de précision qui définissent tout ce qu’entreprend Bugatti – célèbrent l’ingénierie de pointe au service de la performance ultime.

2. A true ‘driver’s watch’, the Parmigiani Fleurier won the prestigious distinction of ‘Watch of the Year’ in 2006.

LEFT

Bugatti Chiron Tourbillon Timepiece Limited Editions. Four editions reflect Bugatti design, energy and craftsmanship in a timepiece to honor the iconic Chiron.

RIGHT FROM TOP TO BOTTOM

1.The engineering and design excellence of the Bugatti Tourbillon is perfectly illustrated by its analogue instrument panel, meticulously crafted by Swiss watchmakers.

Hublot Big Bang 20th Anniversary

In 2005 the Big Bang marked the advent of a new era in watchmaking, more closely attuned than ever to the privileges of its name. Twenty years after its launch, it remains the incarnation of a Manufacture that constantly pushes the boundaries of the imagination.

FIRST SHOCK

In the 1980s, Hublot shook the world of luxury watchmaking to its core. Doing the unthinkable, the brand entered the scene by combining two materials from seemingly opposing worlds: gold and rubber. With its distinctive porthole design and clear nautical inspiration, the aim was to create a watch that was both sporty and opulent, fulfilling the dream of the brand’s founder Carlo Crocco to have a watch that he could rely on when sailing and still look sleek with a suit and tie. In 2005, that same revolutionary mindset was brought back to life in new extremes with the Big Bang, boasting a maximalist design and oversized yet ergonomic proportions. Nothing would be the same.

BIG BANG

The Big Bang. The cosmic event from which all matter and time itself would be born. An entire ever-expanding universe created from a singularity event. The Hublot Big Bang would indeed usher a new reality for not just the brand, but the entire trajectory of contemporary watchmaking. Under its “Art of Fusion” philosophy, the established rules were there to be broken in pursuit of absolute creative freedom. With the introduction of the very first Big Bang in 2005, this new approach would allow design and materials to reign supreme. Foregoing a traditional construction, Hublot deftly combined 18K pink gold, ceramic, rubber and carbon fibre in a layered construction that was unlike anything the world had seen until that point, opening a world of infinite possibilities. The original Big Bang went on to receive numerous awards and accolades, including the prestigious GPHG 2005 “Design Watch” prize. But it was just the beginning for the Hublot Big Bang, and the only limit was imagination.

PREMIER CHOC

Dans les années 1980, Hublot a bouleversé le monde de l'horlogerie de luxe. Réalisant l'inconcevable, la marque est entrée en scène en combinant deux matériaux issus de mondes apparemment opposés : l'or et le caoutchouc. Avec son design de hublot distinctif et son inspiration nautique évidente, l'objectif était de créer une montre à la fois sportive et luxueuse, réalisant ainsi le rêve du fondateur de la marque, Carlo Crocco, de disposer d'une montre sur laquelle il pourrait compter pour naviguer tout en conservant une allure élégante avec un costume et une cravate. En 2005, ce même esprit révolutionnaire a été ranimé et poussé à l'extrême avec la Big Bang, qui présente un design extravagant et des proportions à la fois surdimensionnées et ergonomiques. Rien ne serait plus pareil.

BIG BANG

Le Big Bang. L'événement cosmique dont découlent toute la matière et le temps lui-même. Un univers entier en expansion constante créé à partir d'un événement singulier. La Hublot Big Bang a elle aussi inauguré une nouvelle ère, non seulement pour la marque, mais aussi dans le monde de l’horlogerie contemporaine. D'après sa philosophie de l'« Art de la Fusion », les règles établies sont là pour être brisées à la poursuite d'une liberté créative absolue. Avec l'introduction de la toute première Big Bang en 2005, cette nouvelle approche a permis au design et aux matériaux de régner en maîtres. Renonçant à une construction traditionnelle, Hublot a habilement combiné l'or rose 18 ct, la céramique, le caoutchouc et la fibre de carbone dans une construction multicouche qui ne ressemblait à rien de ce que le monde avait vu jusqu'alors, ouvrant un univers de possibilités infinies. La Big Bang originale a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le prestigieux prix « Design Watch » au GPHG de 2005. Mais ce n'était que le début pour la Hublot Big Bang, et la seule limite est l'imagination.

A REVOLUTIONARY MINDSET

Audacious. Unexpected. Groundbreaking. Playful. These are the principles that have guided Hublot since its foundation. In the years following the Big Bang’s introduction, Hublot would continue to redefine the rules and raise the stakes. Not confined by history or tradition, Hublot goes where other no other watchmaker would dare to, incorporating a sense of daring playfulness and individualism in all its creations. From introducing new materials and exceptional chromatics in ceramic and sapphire and even inventing a few such as Magic Gold, to reimagining ages-old mechanical complications and transcending the barriers between horology and contemporary art and culture, the Big Bang is indeed a porthole offering a view onto the future of watchmaking.

20 YEARS OF THE UNEXPECTED

Since its unveiling in 2005, the Big Bang has become a veritable platform to surprise and astonish. Always pushing boundaries and exploring new creative possibilities, the Big Bang is in a perpetual state of evolution and metamorphosis. Whether it’s the wide array of materials and their unprecedented combinations or the manufacture-made movements and complications, the Big Bang continues to bring out the unexpected and set the tone for Hublot’s wildest and most imaginative creations.

UN ESPRIT RÉVOLUTIONNAIRE

Audacieux. Inattendu. Innovant. Espiègle. Voilà l'esprit qui guide Hublot depuis sa fondation. Dans les années qui ont suivi l'introduction de la Big Bang, Hublot a continué à redéfinir les règles et à élever les enjeux. Sans se laisser enfermer par l'histoire ou la tradition, Hublot va là où aucun autre horloger n'oserait aller, intégrant un sens du jeu audacieux et du charisme dans toutes ses créations. En introduisant de nouveaux matériaux et de nouveaux chromatismes exceptionnels pour la céramique et le saphir, en inventant des matériaux comme le Magic Gold, en revisitant des complications mécaniques séculaires et en transcendant les barrières entre l'horlogerie et l'art contemporain et la culture, la Big Bang est bel et bien un hublot qui s'ouvre sur l'avenir de l'horlogerie.

VINGT ANS D'INATTENDUS

Depuis qu'elle a été dévoilée en 2005, la Big Bang est devenue une véritable scène pour surprendre et étonner. Repoussant sans cesse les limites et explorant de nouvelles possibilités créatives, la Big Bang connaît un état perpétuel d'évolution et de métamorphose. Qu'il s'agisse du large évantail de matériaux et de leurs combinaisons inédites ou des mouvements et complications de la manufacture, la Big Bang continue de proposer l'inattendu et de donner le ton des créations les plus folles et les plus imaginatives de la Manufacture Hublot.

De l’air du temps

An invitation to travel by Louis Vuitton

Louis Vuitton’s passion for travel and daring creativity takes flight with the Montgolfière Aéro, a remarkable horological object that marks a new chapter for the Maison. Soaring to new heights, the Montgolfière Aéro is a precious fusion of the Maison’s distinct high jewelry and trunkmaking savoir-faire, combined to Swiss watchmaking. By Eduardo Costerg

La passion du voyage et l’audace créative de Louis Vuitton prennent leur envol avec la Montgolfière Aéro, un extraordinaire objet horloger inaugurant un nouveau chapitre de l’histoire de la Maison. Métaphore d’une ascension vers les plus hauts sommets d’excellence, la Montgolfière Aéro fusionne l'horlogerie Suisse et les savoir-faire distinctifs de Louis Vuitton dans les univers de la Haute Joaillerie et de la malleterie d'exception.

Adeep appreciation for adventure and discovery ensured that Louis Vuitton trunks were designed to be functional as well as elegant, innovative and expertly crafted. This led Louis Vuitton, in 1906, to create the Aéro Trunk, a state-of-the-art piece that attached to the basket of a hot air balloon. Light and durable, the trunk also featured a watertight seal, ensuring that in the event of a fall into the sea, the basket would float. Tapping into the fascination for hot air balloon flights, the Louis Vuitton Aéro Trunk captured the imagination of daring individuals keen to explore the world.

The hot-air balloon – an imaginative, emblematic symbol of the Maison – now ascends into the world of Haute Horlogerie at Louis Vuitton, inspiring two incredible horological objects. Exploring a new way of telling the time, the piece’s creation began with a simple question: What is more precious than time ?

AN INVITATION TO DREAM

The Montgolfière Aéro horological objects now channel that very craft and creativity which enraptured Louis Vuitton

Passionné d'aventure et de découverte, Louis Vuitton conçoit des malles conjuguant fonctionnalité et élégance, innovation et excellence artisanale. Cette vision avant-gardiste conduit la Maison à créer la Malle Aéro en 1906. À la fois légère, robuste et étanche, cette pièce révolutionnaire se fixe alors à la nacelle d’une montgolfière dont elle doit assurer la flottabilité en cas de chute en mer. Née de la fascination de l'époque pour les vols en ballon, la Malle Louis Vuitton Aéro captive l’imaginaire des voyageurs les plus téméraires de leur temps.

Symbole allégorique signature de la Maison, la montgolfière s’élève désormais dans le monde de la Haute Horlogerie Louis Vuitton. Le délicat ballon a inspiré la création de deux incroyables objets horlogers. Exploration d’une nouvelle lecture de l’heure, ces pièces posent une question simple, à l’origine de leur création : qu’existe-t-il de plus précieux que le temps ?

UNE INVITATION AU RÊVE

Les objets horlogers Montgolfière Aéro perpétuent le savoirfaire et la créativité qui ont séduit Louis Vuitton au début du siècle dernier. Ces merveilleux ballons – l’un en verre traditionnel rouge et transparent, l'autre en bois précieux – sont animés par une

over a century ago. A gorgeous balloon – in either traditional red and transparent glass, or another in precious wood – incorporates a Swiss mechanical clock. The balloon rests on a basket fashioned as a miniature Louis Vuitton trunk, which has been handcrafted using all the same centuries-old trunkmaking savoir-faire, completed with the Maison’s signature elements and design codes. The trunk also houses the movement’s winding mechanism.

The clock embraces multiple codes of the Maison. A Louis Vuitton Monogram Flower indicates the hours and minutes, which are displayed on an upper and lower disc. At the centre of the openwork balloon is a prominent Louis Vuitton Monogram Flower, while the underside of the trunk also features an Louis Vuitton Monogram Flower lever, which unfolds to wind the clock. An imaginative object that invites one to dream, the Montgolfière Aéro can be displayed in two ways. It’s either a table clock for a desk or shelf, or can be suspended from the ceiling. Floating in the air as the hot-air balloon intended. Designed by Louis Vuitton, the Montgolfière Aéro was manufactured with L’Épee 1839, the historic and award-winning Swiss clockmaker that this year celebrates its 185th anniversary.

horloge mécanique suisse. Leur nacelle en forme de malle Louis Vuitton miniature a été façonnée à la main dans le respect du savoir-faire malletier. Rehaussée des éléments et codes esthétiques signature de la Maison, la malle abrite par ailleurs le remontoir du mouvement.

L’horloge se pare, elle aussi, des emblèmes de la Maison. Imposante au centre du ballon ajouré, la Fleur de Monogram se mue en un élégant et discret indicateur des heures et des minutes sur un double disque rotatif, et en un remontoir rétractable sur la face inférieure de la malle. Véritable invitation au rêve, la Montgolfière Aéro se présente en horloge de table sur un bureau ou une étagère, ou peut être suspendue dans les airs.

Cette pièce magistrale semble ainsi flotter en apesanteur.

Dessinée par Louis Vuitton, la Montgolfière Aéro a été conçue avec L’Épée 1839, horloger suisse historique maintes fois primé qui célèbre son 185e anniversaire cette année.

A TRADITIONAL BALLOON

With a playful transparent and white motif, the Montgolfière Aéro pays homage to a traditional object that has inspired Louis Vuitton campaigns and creations over the years. Each of the Montgolfière Aéro’s glass wings are fully handcrafted, meticulously and precisely made to fit the balloon’s structure. Like a watch or piece of jewelry, the structure incorporates different finishes, allowing for a wonderful play of light and reflections. At the center of the balloon is a distinctive Louis Vuitton Monogram Flower, a dynamic motif that delightfully spins on its axis with a gentle push.

Meanwhile, the remarkable Louis Vuitton trunk is among the smallest trunks ever created by the Maison. Though miniature in size, it retains all the codes of Louis Vuitton’s trunkmaking savoir-faire. Each trunk is entirely handmade from lozines embossing to nailing. The Maison’s emblematic Louis Vuitton Monogram canvas adorns the trunk.

A PRECIOUS MONTGOLFIÈRE AÉRO

Limited to only eight pieces, an exceptional Montgolfière Aéro creation pays homage to the beauty of precious wood. Complementing this craftsmanship, time and patience is Louis Vuitton’s high jewelry savoir-faire. Two exquisite gemstones were directly sourced by Louis Vuitton’s in-house stone department, which has been custom cutting Louis Vuitton Monogram-shape diamonds for over 15 years. A magnificent 9.06-carat citrine briolette adorns the Louis Vuitton Monogram Flower at the heart of the openwork balloon. With a fiery orange and brown hue that recalls the bursting flame of a hot air balloon, the citrine emanates a brilliant play of light and transparency from 80 custom-cut facets.

UN BALLON TRADITIONNEL

Rehaussée d’un resplendissant motif rouge et transparent, la Montgolfière Aéro rend hommage à l’aéronef traditionnel réinventé par Louis Vuitton au fil de ses campagnes et de ses créations. Parfaitement ajustée à la structure du ballon, chaque ailette en verre a été entièrement exécutée à la main avec une extrême précision. À l’instar des pièces d’horlogerie et de joaillerie d’exception, l’architecture de la montgolfière s’habille de différentes finitions captivant le regard par leurs jeux de lumière et reflets enchanteurs.

En son centre, le motif distinctif de la Fleur de Monogram tournoie délicatement sur son axe à la moindre impulsion. La remarquable Malle Louis Vuitton est l’une des plus petites jamais créées par la Maison. Malgré sa taille miniature, elle concentre tous les codes du savoir-faire malletier de Louis Vuitton. Entièrement façonnée à la main, depuis les lozines jusqu’aux finitions métalliques, la malle est revêtue de l’emblématique toile Monogram de la Maison.

UNE PRÉCIEUSE MONTGOLFIÈRE AÉRO

Perfectly matching this stone is another square-cut citrine that’s set on the Louis Vuitton Monogram Flower that indicates the time. Meanwhile, additional preciousness comes courtesy of 1,200 diamonds that embellish the balloon’s structure. Finally, the bespoke trunk is also crafted in precious wood. Miniature in size, the trunk incorporates all the historic codes of the Maison’s trunkmaking expertise: coins, nails, even tiny Louis Vuitton signatures on the lozines. To complement the preciousness of the Montgolifère Aéro, the trunk comes studded with diamonds – a first ever for the Maison. To accompany this exclusive clock, a trunk was specifically handcrafted in Louis Vuitton’s historic workshops in Asnières.

A new milestone for Louis Vuitton, the Montgolfière Aéro embodies a fusion of the finest savoir-faire, where Swiss watchmaking meets high jewelry, further imbued with Louis Vuitton’s singular trunkmaking know-how. Channeling Louis Vuitton’s daring spirit and passion for travel, the Montgolfière Aéro joyously welcomes a new way of telling the time – and an exciting new adventure for the Maison.

Limitée à seulement huit exemplaires, cette exceptionnelle Montgolfière Aéro célèbre la beauté du bois précieux. Alchimie remarquable du temps, de la patience et de l’excellence artisanale, cette version de la Montgolfière Aéro met également à l’honneur le savoirfaire de Haute Joaillerie Louis Vuitton. Deux éblouissantes pierres minutieusement sélectionnées par les ateliers de la Maison ont ainsi été taillées par les artisans experts qui sculptent des diamants en forme de Monogram depuis plus de quinze ans. La première, une magnifique citrine briolette de 9,06 carats, illumine la Fleur de Monogram ornant le centre du ballon ajouré. La flamboyante teinte brunorangé de la gemme évoque la flamme incandescente d’une montgolfière, tandis que ses 80 facettes spécialement taillées pour cette pièce irradient l’horloge d’un jeu de lumières et de transparence. D’un appairage parfait, une seconde citrine taille carré rehausse le cœur de la Fleur de Monogram qui indique le passage du temps. La structure du ballon est sublimée d’une constellation de 1 200 diamants. Dans le même esprit, la malle miniature en bois précieux réunit, elle aussi, tous les codes historiques du savoir-faire malletier de la Maison : depuis les angles et les clous jusqu’aux minuscules signatures LV sur les lozines. Pour compléter la préciosité de la Montgolfière Aéro, la malle est réhaussée de clous en diamant, une première dans l’histoire de la Maison. Pour accompagner cette horloge exclusive, une malle fut spécialement conçue et fabriquée à la main dans les ateliers historiques de Louis Vuitton à Asnières.

Nouvelle étape du voyage créatif de Louis Vuitton, la Montgolfière Aéro symbolise la fusion des techniques les plus virtuoses, à la croisée de la Haute Horlogerie, de la Haute Joaillerie et de l’incomparable savoir-faire malletier de la Maison. Expression de l’esprit audacieux et de la passion du voyage chers à Louis Vuitton, la Montgolfière Aéro réinvente la lecture de l’heure et marque le début d'une nouvelle aventure extraordinaire.

The Palme d’or

A film icon celebrates 70 years

Acknowledged as the ultimate accolade in the seventh art, the Palme d'or is celebrating its 70th anniversary. The mere mention of its name brings to mind endless silver-screen memories, as well as the admiration Chopard nurtures for the Cannes Film Festival, to which it has served as official partner since 1998. The Maison’s privilege of designing and creating the Palme d’or as well as all Festival awards is attributable to its Co-President and Artistic Director Caroline Scheufele. No less than 70 hours of work and precious expertise are required to craft the trophy in Chopard's Haute Joaillerie workshops in Geneva.

L’ultime récompense du septième art, la Palme d’or, célèbre son 70e anniversaire. À la simple mention de son nom, ce Graal du cinéma convie tant de souvenirs sur grand écran, mais aussi toute l’admiration que Chopard voue au Festival de Cannes – dont elle est partenaire officiel depuis 1998. En effet, c’est grâce à Caroline Scheufele, sa coprésidente et directrice artistique, que la Maison a l’honneur de redessiner et de fabriquer la Palme d’or ainsi que l’ensemble des récompenses décernées par le Festival. Pas moins de 70 heures de travail et de savoir-faire précieux sont nécessaires à la réalisation du trophée dans les ateliers de Haute Joaillerie de Chopard à Genève.

FILM-MAKING’S HOLY GRAIL

The closing ceremony of the Cannes Film Festival is the most publicised event on the planet after the World Cup and the Olympic Games. It is hardly surprising that its General Delegate Thierry Frémaux says: “Each awarding of the Palme d'or is distinctive and beautiful in its own right. I could reel off every moment of every year. I hope it will always remain the ‘Holy Grail’ that makes filmmakers mad with desire.” The Palme d'or has been the stuff of dreams and glamour for 70 years, even though the award only took its current form in 1998 thanks to Caroline Scheufele’s creative boldness.

Between 1946 and 1954, the Festival's main trophy was in fact called the Grand Prix du Festival International du Film and took the form of an artwork that was renewed for each edition. In 1954, a competition among several jewellers was launched to develop a permanent and immediately recognisable award. Lucienne Lazon created the first trophy, inspired by the city of Cannes’ coat of arms and awarded to Delbert Mann for Marty in 1955. From 1964 to 1974, there was no Palme d'or: the Festival temporarily returned to the Grand Prix before deciding to once again offer the famous award for the best cinematographic work. In the early 1980s, the base of the Palme d'or became pyramid-shaped and in 1992, jeweller Thierry de Bourqueney redesigned it and created its 19 leaflets, placed on a hand-cut crystal pyramid.

GRAAL CINÉMATOGRAPHIQUE

La cérémonie de clôture du Festival de Cannes est l’événement le plus médiatisé au monde après la Coupe du Monde et les Jeux Olympiques. Pas étonnant que son délégué général, Thierry Frémaux, confie : « Chaque remise de Palme d’or est singulière et belle. Je pourrais égrener chaque moment de chaque année. J’espère qu’elle restera toujours ce Graal qui rend les cinéastes fous de désir ». L’évocation de la Palme d’or convie rêves et glamour depuis 70 ans, même si la récompense n’a pris sa forme actuelle qu’en 1998, grâce à l’audace créative de Caroline Scheufele. En effet, entre 1946 et 1954, le trophée principal du Festival se prénommait « Grand Prix du Festival International du Film », sous la forme d’une œuvre d’art renouvelée à chaque édition. En 1954, un concours est lancé auprès de plusieurs joailliers afin de développer une distinction pérenne et immédiatement reconnaissable. C’est Lucienne Lazon qui crée ainsi le premier trophée en s’inspirant du blason de la ville de Cannes. Il est remis à Delbert Mann pour Marty en 1955. De 1964 à 1974, plus de Palme d’or : le Festival revient temporairement au « Grand Prix » avant de décider d’offrir à nouveau la fameuse récompense à la meilleure œuvre cinématographique. Au début des années 1980, le socle de la Palme d’or devient pyramidal et en 1992, le joaillier Thierry de Bourqueney la redessine et lui offre ses 19 folioles, posées sur une pyramide en cristal taillé à la main.

Anew chapter began: "It all started in 1997 when I met Pierre Viot, then President of the Cannes Film Festival. I was looking closely at the Palme d'or placed in his office: a palm leaf placed on a Plexiglas pyramid. As I explained to him that my job was to design jewellery, he invited me to redesign the Palme d'or. It was a fantastic challenge for me and a real honour”, explains Caroline Scheufele. When love of the silver screen and a passion for Haute Joaillerie converge, anything is possible. Witness the little heart – symbol of the Maison – that the Artistic Director reinvented at the tip of the Palme d'or stem. Overall, the designer gave the trophy a complete makeover, modernising it, while remaining faithful to the famous palm trees lining the Croisette and the city of Cannes’ coat of arms. The Holy Grail of cinema gained in relief and depth, becoming a veritable piece of jewellery with its 19 leaflets in 18-carat yellow gold mounted on a rock crystal cushion hand-cut like a diamond. With the new Palme d'or, Chopard became official partner to the Cannes Film Festival in 1998. That year, director Theo Angelopoulos departed with the first Palme d'or made by Chopard for Eternity and a Day. As Caroline Scheufele comments: “The Palme d'or is not just a trophy; it represents a declaration of love for cinema. Every detail reflects our passion for this universal art that transcends borders and unites hearts.”

LEFT FROM TOP TO BOTTOM

1.Pouring the gold in the mold.

2.Polishing separate elements of the Palme d'or.

3.Soldering with a torch.

4.Detail of the crystal. RIGHT Gold smelting.

Une nouvelle page s’écrit ensuite : « Tout a commencé en 1997, lorsque j’ai rencontré Pierre Viot, alors directeur du Festival de Cannes. Je regardais attentivement la Palme d’or posée dans son bureau ; une feuille de palmier, posée sur une pyramide en plexiglas. Alors que je lui expliquais que mon travail était de dessiner des bijoux, il m’a invité à redessiner la Palme d’or. Ce fut pour moi un défi fantastique et un véritable honneur », explique Caroline Scheufele. Quand l’amour du septième art et la passion pour la Haute Joaillerie sont de la partie, tout est possible. En témoigne ce petit cœur, symbole de la Maison, que la directrice artistique réinvente à l’extrémité de la tige de la Palme d’or. Pour le reste, la créatrice offre au trophée un bain de jouvence. Elle la modernise tout en restant fidèle aux célèbres palmiers de la Croisette et aux armoiries de la ville de Cannes. Le Graal du cinéma gagne en relief et en profondeur et devient un véritable bijou, avec ses 19 folioles en or jaune 18 carats montées sur un coussin en cristal de roche taillé à la main, tel un diamant. Avec la nouvelle Palme d’or, Chopard devient partenaire officiel du Festival de Cannes dès 1998. Cette année-là, le réalisateur Theo Angelopoulous repart avec la première Palme d’or signée Chopard pour « L’Éternité et un jour ». « La Palme d’or n’est pas seulement un trophée ; elle représente une déclaration d’amour au cinéma. Chaque détail reflète notre passion pour cet art universel qui transcende les frontières et unit les cœurs » commente Caroline Scheufele.

No less than 70 hours of meticulous work are required to craft the trophy. Since 2014, as part of Chopard's Journey to Sustainable Luxury, it has been made of ethical gold. Mined in accordance with the best social and environmental standards, these 118 grams of gold pass through the hands of six specialised artisans. The numerous manufacturing stages include the mould produced using the ‘lost wax casting’ technique, or the smelting of the metal at 900 degrees Celsius in the foundry of Chopard’s workshops.

HISTORIC MOMENTS

Since its creation in 1955, the Palme d'or has become the most coveted award in the film industry, synonymous with excellence and recognition for filmmakers the world over. Nine directors have won it twice, including Francis Ford Coppola, Emir Kusturica and Ken Loach. Ruben Östlund is the latest member of this elite group of two-time laureates of this accolade: he enjoyed the distinctive privilege of being awarded the two anniversary Palmes d’or that Chopard had exceptionally set with diamonds to mark the 70th and 75th editions of the Cannes Film Festival in 2017 and 2022. It was not until 1993 that the first woman was honoured, with Jane Campion – nicknamed ‘Lady Palme d'or’ – for The Piano. It was another 30 years however, before Julia Ducournau won the Palme d'or for Titanium, followed in 2023 by Justine Triet and her gripping Anatomy of a Fall. The history of the Palme d'or will continue to be written at the closing ceremony of the 78th Cannes Film Festival on 24 May.

Pas moins de 70 heures de travail méticuleux sont nécessaires à la réalisation du trophée. Depuis 2014, s’inscrivant dans le Voyage vers un Luxe Durable de Chopard, il est fabriqué en or éthique. 118 grammes d’or extrait dans le respect des meilleurs standards tant sociaux qu’environnementaux, passent entre les mains de six artisans spécialisés. Les étapes de fabrication sont nombreuses, telles que celles du moule élaboré selon la technique dite de « fonte à cire perdue », ou encore la fusion du métal à 900 degrés dans la fonderie des ateliers Chopard.

MOMENTS HISTORIQUES

Depuis sa création en 1955, la Palme d’or est devenue la récompense la plus convoitée du septième art, synonyme d’excellence et de consécration pour les cinéastes du monde entier. Neuf réalisateurs l’ont remportée deux fois, parmi lesquels Francis Ford Coppola, Emir Kusturica ou encore Ken Loach. Ruben Östlund est le dernier membre de cette congrégation de cinéastes doublement palmés : il a la particularité d’avoir reçu les deux Palmes d’or anniversaires que Chopard avait exceptionnellement serties de diamants à l’occasion des 70e et 75e éditions du Festival de Cannes en 2017 et 2022. Il a fallu attendre 1993 pour que la première femme soit consacrée, avec Jane Campion – surnommée « Lady Palme d’or » – pour La Leçon de piano. Ce n’est que 30 ans plus tard que Julia Ducournau repart avec la Palme d’or pour Titane, suivie en 2023 par Justine Triet et son très prenant Anatomie d’une chute. L’histoire de la Palme d’or continuera de s’écrire lors de la cérémonie de clôture du 78e Festival de Cannes, le 24 mai prochain.

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Pushing back

The boundaries of art

His story begins in a palace where art takes over the great outdoors. His fascination for the beautiful and precious took root there. Yet it is far from the beaten track that Jothi-Sè roj Ebroussard will give life to his imagination forged around the idea of total art. Imposing and singular, combining precious metals with rare woods and expertise with innovation, the pieces created by the man who describes himself as a sculptor-jeweller express a bold vision that goes beyond convention. A craftsman, designer and entrepreneur with a passion for Antiquity, he tells us about the genesis of his creations, the fruit of a dialogue between history and modernity, between technical mastery and the quest for emotion. The same emotion that inspired his idea for the very private 24Host club. By Claùdia Ferreira

Son histoire débute dans un palais où l’art s’empare des grands espaces. Sa fascination pour le beau et le précieux prend racine en ces lieux. Pourtant, c’est bien loin des sentiers battus que Jothi-Sèroj Ebroussard donnera vie à son imaginaire forgé autour de l’idée d’un art total. Imposantes et singulières, unissant les métaux précieux aux bois rares, le savoir-faire à l’innovation, les pièces de celui qui se décrit comme un joaillier sculpteur, expriment une vision audacieuse au-delà des conventions. Artisan, designer, entrepreneur et passionné par l’Antiquité, il nous raconte la genèse de ses créations, fruit d'un dialogue entre histoire et modernité, entre maîtrise technique et quête d’émotion. Celle-là même qui lui a inspiré l’idée du club très privé 24Host.

At just 21, you set out on your own. By the age of 28, you were exhibiting at the Grand Palais, followed by collaborations with such fine houses as Dubail and Qannati. Where does this attraction for the precious and the aesthetic come from?

I've always had a particular taste for art and precious things like the ancient treasures of the royal courts or the collections of the Medici. As a child, I used to play pirate for treasure, I was fascinated by ancient Egypt and I wanted to become an alchemist. What attracts me is the creation of a universe with this feeling of total art where the environment is important. From a career as an architect, which I was heading towards, fuelled by an attraction for volumes, I went into jewellery, fascinated by precious objects. I was able to do a placement in a small workshop in Paris that specialised in sculptural fine jewellery, but also in precious objects: picture clocks in gold, frames made of precious materials, with a level of excellence and craftsmanship.

Your pieces are original. They stand out because of their imposing presence and, in some cases, their bold mix of materials and colours. Is that what sets you apart from other artists and jewellery houses?

Because of its level of excellence and its reputation, Parisian haute joaillerie is very focused on itself. By leaving this network, and thanks to what I had already learnt, I opened myself up to other methods. Working with precious objects brought me into contact with other materials, types of wood, types of hard stone - in short, a variety of materials that change and require adaptation. Once you've got to grips with the more traditional materials, you turn to something else.

Do you remember your first piece of jewellery?

I must have been 16. I was happy, I thought it was cool, when in fact it was something banal (laughs). I don't have any particular affection for my first pieces, or even for the ones I create, because it's good not to get too attached to what you're doing, because otherwise you can't move on to the next thing. What interests me is quite simply creating and building.

It's not just the great houses that call on you, but also the great royal and princely families…

One of them asked me to make furniture entirely sculpted in solid silver on an ebony base from ancient wood. It was an absolutely colossal job. For my part alone, over 5,000 hours of carving with several dozen kilos of precious metal.

À seulement 21 ans, vous vous lancez en indépendant. À 28 ans, vous exposez au Grand Palais, s’en suivront des collaborations avec de belles maisons telles que Dubail ou Qannati. D’où vient cette attirance pour le précieux et l’esthétique ?

Jothi-Sèroj : J’ai toujours eu un goût particulier pour l’art et le précieux comme les anciens trésors des cours royales ou les collections des Médicis. Petit, je jouais au pirate pour le trésor, j’étais fasciné par l’Egypte ancienne, je voulais devenir alchimiste. Ce qui m’attire, c’est la création d’un univers avec cette sensation d’art total où son environnement est important. D’une carrière d’architecte vers laquelle je m’orientais, nourri par un attrait des volumes, je suis allé vers la joaillerie, fasciné par les objets précieux. J’ai pu faire un stage dans un petit atelier à Paris qui était spécialisé dans la haute joaillerie sculpturale, mais également dans les objets précieux : des horloges de tableaux en or, des cadres faits de matériaux précieux, avec un niveau d’excellence et travail artisanal.

Vos pièces sont originales. Elles se démarquent par leur présence imposante, pour certaines, le mélange audacieux des matières et des couleurs. C’est ce qui vous distingue d’autres artistes et maisons de joaillerie ?

Du fait de son niveau d’excellence et de sa réputation, la haute joaillerie parisienne est très centrée sur elle-même. En sortant de ce réseau, et grâce à ce que j’avais déjà appris, je me suis ouvert à d’autres méthodes. Travailler avec des objets précieux m’a permis d’être en contact avec d’autres matériaux, des types de bois, des types de pierres dures, bref, une variété de matières qui changent et qui nécessitent une adaptation. Une fois qu’on a fait le tour des matières les plus classiques, on se tourne vers autre chose.

Vous souvenez-vous de votre premier bijou personnel ?

Je devais avoir 16 ans. J’étais content, je le trouvais cool, alors qu’en fait, c’était quelque chose de banal (rire). Je n’ai pas un affect particulier pour mes premières pièces, ni même pour celles que je créé, car c’est bien de ne pas s’attacher trop longtemps à ce qu’on fait, parce que sinon on n’arrive pas à passer assez à la suite. Ce qui m’intéresse, c’est tout simplement de créer, de construire.

Il n’y a pas que les grandes maisons qui font appel à vous, il y a aussi les grandes familles royales et princières…

L’une d’entre elles m’a demandé des meubles entièrement sculptés d’argent massif sur une base en ébène du bois ancien.

C’était un travail absolument colossal. Rien que pour ma partie, plus de 5000 heures de sculpture avec plusieurs dizaines de kilos de métal précieux.

Is passion the main driving force behind your work?

Because passion is wonderful. But when you're creating, there's also a form of suffering, especially on exceptional pieces, where there's a lot of craftsmanship, where there's a lot of… It's a bit of a battle against the material, against the limits of the material. Perhaps it's less so today, because I'm surrounded by quality collaborators.

Jothi-Sè roj Ebroussard, you are an atypical figure in the world of jewellery. You are both a workshop embodying artisanal expertise and a brand with a strong identity…

What my teams and I like is to have a global vision. We don't just try to focus on one part of the stage or one part of the product. Our pieces are a balance between art, comfort, perception of value… It's really very subtle and sometimes it's not even rational, it's a feeling.

Was it this holistic approach that inspired you to create the 24 Hosts showroom?

What I particularly like about London, where I started my business, is the concept of private clubs. So I imagined 24 Hosts as a place where friends from excellent professions could come together to showcase their skills in both art and craft. The first showroom is set up in a former palace in Nice, but the dream would be to have 24 locations all over the world.

La passion, est-elle le moteur principal de votre travail ?

Parce que la passion, c’est magnifique. Mais lorsque l’on crée, il y a aussi une forme de souffrance, surtout sur les pièces d’exception, où il y a un gros travail artisanal, où il y a des gros… C’est un peu un petit combat contre la matière, contre les limites de la matière. Ça l’est peut-être un moins aujourd’hui, car je suis entouré de collaborateurs de qualité.

Jothi-Sèroj Ebroussard, vous êtes une figure atypique dans l’univers de la joaillerie. Vous êtes aussi bien un atelier incarnant un savoir-faire artisanal, qu’une marque dotée d’une identité forte…

Ce qu’on aime, avec mes équipes, c’est d’avoir une vision globale. On ne cherche pas juste à se concentrer sur une partie de l’étape ou sur une partie du produit. Nos pièces sont un équilibre entre art, confort, perception de la valeur… C’est vraiment très subtil et parfois, ce n’est même pas rationnel, c’est un ressenti.

Est-ce cette approche holistique qui vous a inspiré la création du showroom 24 Hosts ?

Ce que j’apprécie particulièrement à Londres, où j’ai démarré mon entreprise, c’est le concept de clubs privés. J’ai donc imaginé 24 Hosts comme un lieu où des amis provenant des métiers d’excellence se retrouvent pour révéler leur savoir-faire aussi bien dans l’art que dans l’artisanat. Le premier showroom est installé dans un ancien palace niçois, mais le rêve serait d’avoir 24 lieux partout dans le monde.

Tell us about 24Host, which hosted the Dédard Milano event last March…

24 Hosts is a private club bringing together a small microcosm of professionals in the arts and crafts, creative people and designers. Individuals can only join by invitation and appointment. We are developing our own design studio, dealing with architecture, interior architecture and product design. We also have an art curation and consultancy unit for artists. This concept is quite original. It gives customers access to a myriad of specialists working hand in hand, with quality partners, on their requests in order to offer them a holistic solution. This means that customers only have to deal with one intermediary when it comes, for example, to fitting out their property, creating a room, or anything else. On 12 March, Dédard Milano organised a special event to announce the acquisition of the MariaFlora brand. For 24HOSTS, this is a turning point: Dédard has signed a new contract with us to take up an exclusive office within the club. This event symbolises an exciting new stage for the showroom.

24Host is a new concept that's constantly evolving… In the future, we want to open galleries to house the work of various artists. My wife does the curating for the collectors and I'm very happy about that. As an artist, I'm part of the club and she advises me. It's important for artists to have support that enables them to develop, to have a framework, particularly a legal one, but also a first-rate, high-quality venue where they can exhibit their work with complete confidence.

You explain that we shouldn't get too attached to the objects we create. Yet jewellery is a deeply personal and emotional object, just like interior design and architecture. Ultimately, your creations resonate with the intimacy and emotions of your customers…

Absolutely. When we work as designers, we have to give the same attention to detail and respect to the pieces we create. And maybe even more, because customers bring us beautiful projects. They entrust us with their desires, however original they may be. With us, they know they will find the quality, service, advice and expertise that we provide.

Parlez-nous de 24Host, qui a accueilli l’événement Dédard

en mars dernier…

24 Hosts est donc un club privé réunissant un petit microcosme de professionnels des métiers d’art, de créatifs ou encore de designers. Un particulier peut y accéder uniquement sur invitation et sur rendez-vous. Nous y développons notre propre studio de design, traitant à la fois de l’architecture, de l’architecture d’intérieur et le design de produit. Nous avons également un pôle curation d’art et conseil pour les artistes. Ce concept est assez inédit. Il permet aux clients d’avoir accès à une myriade de spécialistes travaillant main dans la main, avec des partenaires de qualité, sur leurs demandes afin de leur proposer une solution holistique. Le client n’a donc qu’un seul intermédiaire pour, par exemple, aménager ses biens immobiliers, créer une pièce, ou autre. Le 12 mars dernier, Dédard Milano y a organisé un événement spécial pour annoncer l’acquisition de la marque MariaFlora. Pour 24HOSTS, c’est un tournant : Dédard a signé un nouveau contrat avec nous pour prendre un bureau exclusif au sein du club. Cet événement symbolise une nouvelle étape passionnante pour le showroom.

24Host est un concept inédit en pleine évolution… À l’avenir, nous souhaitons ouvrir des galeries pour accueillir les œuvres de divers artistes. Mon épouse s’occupe de la curation pour les collectionneurs et j’en suis très heureux. En tant qu’artiste, je fais partie du club et elle me conseille. Il est important pour les artistes d’avoir un soutien qui leur permette de se développer, d’avoir un cadre, notamment juridique, mais aussi un lieu de premier choix et de qualité où ils peuvent exposer leurs œuvres en toute confiance.

Vous expliquez qu’il ne faut pas trop s’attacher aux objets que l’on crée. Pourtant, le bijou est un objet profondément personnel et chargé d’émotion, tout comme la décoration et l’architecture d’intérieur. En fin de compte, vos créations entrent en résonance avec l’intimité et les émotions de vos clients…

Tout à fait. Lorsque nous travaillons en tant que créatifs, de porter à la pièce que nous créons la même attention, le même goût du détail, le même respect. Et peut-être même plus, car les clients nous amènent de beaux projets. Ce sont leurs désirs qu’ils nous confient, aussi originaux soient-ils. Avec nous, ils savent qu’ils trouveront la qualité, le service, le conseil et l’expertise que nous leur apportons.

Milano

Masai

The alchemy of ancestral strength

The Masai collection emerges as a meditation on inherited strengtha bridge between ancestral wisdom and contemporary resilience, where the Masai spirit finds expression through meticulously crafted gold.

Sandrine Thibaud's vision crystallized in African landscapes where the iconic spear revealed itself not as object but as materialized courage - tangible manifestation of intangible strength transcending its physical form. At its heart lies sacred geometry reimagined - the spear's linear precision preserved while its expression evolves, embodying the tension between heritage and innovation as visual poetry of determination. The collection invites contemplation of strength beyond conventional understanding - not rigid dominance but adaptability that has sustained the Masai through centuries, celebrating the warrior archetype as unwavering commitment to authenticity. More than jewelry, these pieces represent conscious alignment with resilience - a testament to enduring human strength across generations, inviting wearers to recognize that true empowerment emerges from connecting with the boundless strength they already carry within.

La vision de Sandrine Thibaud s’est cristallisée dans les paysages africains, où la lance iconique ne se présente plus comme un simple objet, mais comme un symbole du courage, une manifestation tangible d’une force intangible transcendant sa forme physique. Au cœur de cette création se cache une géométrie sacrée réinventée, où la précision linéaire de la lance est préservée tout en laissant place à une expression évolutive. Cette pièce joaillière devient ainsi le symbole d’un équilibre entre l’héritage et l’innovation, se transformant en une véritable ode à la détermination. La collection invite à contempler la force au-delà d’une compréhension conventionnelle, non pas dans la domination rigide, mais dans l’adaptabilité qui a soutenu les Masaï à travers les siècles, célébrant l’archétype du guerrier comme engagement sans faille, fidèle à ses valeurs.

Plus qu’un simple bijou, ces pièces incarnent un alignement conscient sur la résilience et témoignent de la force humaine à travers les générations. Elles incitent ceux qui les portent à reconnaître que le véritable pouvoir d’auto-détermination provient de cette force illimitée qu’ils possèdent déjà en eux.

Fullord was born from a journey - one of resilience, discovery, and a vision to redefine modern luxury. Inspired by founder Sandrine Thibaud’s experiences across continents, the brand embraces transformation as an essential part of its DNA. Based in Geneva, Fullord is a fine jewelry house that dares to redefine modern luxury. Led by Sandrine Thibaud, Fullord crafts bold, ingenious jewelry that carries deep meaning, bridging past and future through artistry. designed to celebrate individuality and tell a story of resilience and transformation. With a commitment to exceptional artistry, the brand merges sculptural precision with deep symbolism, making every piece a statement of strength, purpose, and expression.

Fullord est né d’un voyage - un voyage de résilience, de découverte, et d’une vision pour redéfinir le luxe moderne. Inspirée par les expériences de Sandrine Thibaud à travers les continents, la marque considère la transformation comme une partie essentielle de son identité. Basée à Genève, Fullord est une maison de haute joaillerie qui ose repenser le luxe moderne. Sous la direction de Sandrine Thibaud, Fullord crée des bijoux audacieux et ingénieux qui ont une signification profonde, jetant un pont entre le passé et l’avenir par le biais de l’art, conçus pour célébrer l’individualité et raconter une histoire de résilience et de transformation. Avec un engagement artistique exceptionnel, la marque fusionne la précision sculpturale avec un symbolisme profond, faisant de chaque pièce une déclaration de force et d’expression.

Kiss From a Rose

Lily-Rose Depp, on language, a love of Paris, diligence, and dealing with a childhood immersed in the pressure of being at the centre of a power couple.

Lily-Rose Depp évoque la langue, son amour pour Paris, la rigueur et le fait de grandir sous la pression d’être l’enfant d’un couple iconique.

By James Evans

It was predictable that the daughter of two of the most recognisable parents on the planet should follow in their footsteps, venturing into the vagaries of film, music and modelling. As far as music goes, although Lily-Rose Depp hasn’t fully stepped into songbook spotlight in the way her mother Vanessa Paradis did, in 2023 she has certainly immersed herself in the music industry portraying Jocelyn in HBO drama The Idol.

“I couldn’t actually believe that I landed the role, to be totally honest,” the actress begins, with a modesty that surely comes from her mother’s side. “I thought there would be so many more gorgeous girls who were far more musical than I am, yet life is sometimes unpredictable and, like everything else I’ve done, I’m always ready to step up.”

Born in Neuilly-sur-Seine, 9km west of Paris, Lily-Rose was only a year older than her mother was when setting out. Paradis was just 14 when she released the single Joe Le Taxi – it went on to become an international smash hit.

Long before that role, a route into modelling emerged when in 2015, aged just 16, Depp was chosen by Karl Lagerfeld to be a Chanel ambassador. A year before, Depp had enjoyed a cameo in the Kevin Smith film Tusk, and further credits followed in the films

The Dancer, Planetarium and The King. Her father Johnny never pushed her into drama, yet has admitted his pride at Lily-Rose’s passion for the subject. Undoubtedly, Depp has raw ability – she adds gravitas to her roles, yet so much of what she provides comes not from inherent talent; instead, it is a passion for research and exploration of a theme and a character.

Il était prévisible que la fille de deux des parents les plus reconnaissables de la planète suive leurs traces, en s’aventurant dans les aléas du cinéma, de la musique et du mannequinat. En ce qui concerne la musique, bien que Lily-Rose Depp ne se soit pas pleinement lancée dans le domaine du chant comme sa mère Vanessa Paradis, en 2023, elle s’est assurément immergée dans l’industrie musicale en incarnant Jocelyn dans le drame HBO The Idol. « Je n’arrivais vraiment pas à croire que j’avais obtenu ce rôle, pour être tout à fait honnête », commence l’actrice, avec une modestie qui vient sûrement du côté de sa mère. « Je pensais qu’il y aurait tellement de filles magnifiques bien plus musicales que moi, pourtant la vie est parfois imprévisible et, comme tout ce que j’ai fait, je suis toujours prête à relever le défi. »

Née à Neuilly-sur-Seine, à 9 km à l’ouest de Paris, Lily-Rose avait un an de plus que sa mère lorsqu’elle a commencé. Paradis n’avait que 14 ans lorsqu’elle a sorti le single Joe Le Taxi – un tube international.

Bien avant ce rôle, une porte vers le mannequinat s’est ouverte lorsqu’en 2015, à seulement 16 ans, Depp a été choisie par Karl Lagerfeld pour être ambassadrice de Chanel. Un an auparavant, Depp avait fait une apparition dans le film Tusk de Kevin Smith, et d’autres rôles suivirent dans les films The Dancer, Planetarium et The King. Son père Johnny ne l’a jamais poussée vers le théâtre, mais a avoué sa fierté face à la passion de Lily-Rose pour ce métier. Indéniablement, Depp possède un talent brut – elle ajoute de la gravité à ses rôles, mais une grande partie de ce qu’elle apporte ne vient pas seulement de son talent naturel ; il s’agit plutôt de sa passion pour la recherche et l’exploration d’un thème et d’un personnage.

“I FEEL LIKE MY PARENTS DID THE BEST JOB THAT THEY POSSIBLY COULD WHEN IT CAME TO GIVING ME THE MOST ‘NORMAL CHILDHOOD’,”.

“I’VE ALWAYS HAD THAT MOTIVE,” SHE SAYS. “I ACTUALLY DON’T RUSH INTO JOBS; I DON’T TAKE THE FIRST OFFER THAT COMES MY WAY.

“I know the expectations when you are the product of two stars, and I know as well the criticism, the accusations of nepotism… I know it all because I’ve lived it,” she says. “In reality I think you have to prove yourself so much more to gain the same level of credit as someone who has emerged out of obscurity. It’s like the scrutiny on you is so much greater – and I get that, even though it can feel frustrating and unfair.”

Depp certainly continued her drive to sway the doubters in last year’s Nosferatu, in which she starred alongside Bill Skarsgard and Nicholas Hoult. Arguably her greatest film to date, the horror was, in many ways, a career-defining role, as Ellen Hutter, a character caught between desire and the consequences of a vampire’s curse. She portrayed internal conflict, intensity and vulnerability. “They all came quite naturally to me,” she jokes. As for outward image, it’s impossible not to be struck by Depp’s sense of cool elegance. She dresses like an experienced fashionista, yet is also extremely media-savvy, and able to switch back and forth between French and English with effortless ease. In doing so she continues to build confidence – enough to convince her to take on the world in her own right, even if that means throwing herself into the media snake pit.

“It's hard, but I've decided not to let it bother me oryou'll ruin your life if you close yourself off to the world,” she says. “I've grown up living with all the media circus around my family and it's not a big deal for me. If you choose to be an actress you have to accept the attention that comes with it. “It's a small price to pay for the opportunity to do this job, to be able to travel around the world and get to work with very creative people.” “My parents are very supportive, always, and they have always tried to encourage me to decide for myself and be very independent. If I need advice, I know I can always count on them,” she says, yet admits she tries to avoid involving them in her work.

Perhaps surprisingly so, it was never a certainty that Depp would follow in her parents' footsteps when it came to acting. And while modelling offered a glance at an altogether different world, it was never one that truly captured Depp’s imagination.

“I think I realised after working on La Danseuse and Planetarium in 2016 that it was impossible for me to pursue acting as a career and still do other things. “At the time that was school work and modelling. I knew If I was serious about my decision to become an actress, I didn’t want to waste my time writing school papers and sitting in a classroom, and in the same way I didn’t really want to sitting around waiting for photoshoots.”

« Je sais quelles sont les attentes quand on est le produit de deux stars, et je sais aussi la critique, les accusations de népotisme… Je connais tout ça parce que je l’ai vécu », dit-elle. « En réalité, je pense qu’il faut se prouver tellement plus pour obtenir le même crédit que quelqu’un qui émerge de l’obscurité. C’est comme si la pression sur toi était beaucoup plus grande – et je le comprends, même si ça peut paraître frustrant et injuste. »

Depp a certainement poursuivi son travail pour convaincre les sceptiques dans Nosferatu l’année dernière, dans lequel elle a joué aux côtés de Bill Skarsgard et Nicholas Hoult. Sans doute son plus grand film à ce jour, l’horreur était, à bien des égards, un rôle qui a défini sa carrière, celui d’Ellen Hutter, un personnage pris entre désir et les conséquences de la malédiction d’un vampire. Elle a incarné le conflit intérieur, l’intensité et la vulnérabilité. « Tout cela m’est venu assez naturellement », plaisante-t-elle. Quant à son image extérieure, il est impossible de ne pas être frappé par le sens de l’élégance de Depp. Elle s’habille comme une fashionista expérimentée, mais elle est aussi extrêmement avisée en matière de médias, capable de passer sans effort du français à l’anglais. Ce faisant, elle continue à gagner en confiance – suffisamment pour la convaincre de conquérir le monde par elle-même, même si cela signifie se jeter dans la fosse aux serpents des médias.

« C’est difficile, mais j’ai décidé de ne pas m’embêter avec ça. ou –on ruinerait sa vie si on se coupait du monde », dit-elle. « J’ai grandi entourée du cirque médiatique autour de ma famille et ce n’est pas un grand problème pour moi. Si tu choisis d’être actrice, tu dois accepter l’attention qui va avec. « C’est un petit prix à payer pour l’opportunité de faire ce travail, de pouvoir voyager autour du monde et de travailler avec des gens très créatifs. » « Mes parents sont toujours très soutenants et ils m’ont toujours encouragée à décider par moimême et à être très indépendante. Si j’ai besoin de conseils, je sais que je peux toujours compter sur eux », dit-elle, mais admet qu’elle essaie d’éviter de les impliquer dans son travail.

Peut-être de manière surprenante, il n’a jamais été acquis que Depp suive les traces de ses parents en matière de comédie. Et bien que le mannequinat lui ait offert un aperçu d’un monde totalement différent, ce n’était jamais un domaine qui avait réellement captivé l’imagination de Depp.

« Je pense que je me suis rendu compte après avoir travaillé sur La Danseuse et Planetarium en 2016 qu’il était impossible pour moi de poursuivre une carrière d’actrice tout en faisant d’autres choses.

« A l’époque, c’était les devoirs scolaires et le mannequinat. Je savais que si je voulais vraiment devenir actrice, je ne voulais pas perdre mon temps à écrire des devoirs et à m’asseoir dans une salle de classe, et de la même manière je ne voulais pas attendre des photoshoots. »

That said, never say never. After all, it feels almost perverse that someone with so much natural beauty, style, presence and poise shouldn’t end up captured in the photographer’s lens, yet she insists, like so many other things in her life, she will judge each opportunity as it comes.

“I would say I am extremely selective, not out of some sort of arrogance, more the fact I know I can only really give a project my absolute 100% if I know I am totally immersed by and bowled over by the proposition. “If I am not, in my heart I feel it’s only fair to let someone else do it who is willing to commit absolutely everything to it.”

As for life away from work, Depp is currently in a relationship with female rapper 070 Shake, having previously dated Timothée Chalamet and Austin Butler. Happily splitting her time between the US and France, she takes with her a curious mix of perfect Parisian and life-loving LA native. “I grew up speaking both languages,” she says, “and always felt immersed in both cultures.

“Paris always gives me the stronger feeling, more than anywhere else in the world, though I'm a product of both cultures… I feel both American and French. “I went to school in America so I'm obviously also a product of American culture. It’s a nice blend of two cultures that are rarely mixed together!

Cela dit, ne jamais dire jamais. Après tout, il semble presque pervers que quelqu’un avec autant de beauté naturelle, de style, de présence et de prestance ne finisse pas capturé dans l’objectif d'un photographe, mais elle insiste, comme pour tant d’autres choses dans sa vie, elle jugera chaque opportunité à mesure qu’elle viendra.

"Je dirais que je suis extrêmement sélective, pas par arrogance, mais parce que je sais que je ne peux vraiment donner 100 % à un projet que si je suis totalement absorbée et époustouflée par la proposition. Si ce n’est pas le cas, dans mon cœur je pense qu’il est juste de laisser quelqu’un d’autre le faire, quelqu’un qui est prêt à s’engager totalement."

Quant à sa vie privée, Depp est actuellement en couple avec la rappeuse 070 Shake, après avoir fréquenté Timothée Chalamet et Austin Butler. Se partageant entre les États-Unis et la France, elle emporte avec elle un mélange curieux de Parisienne parfaite et de native de Los Angeles, amoureuse de la vie. "J’ai grandi en parlant les deux langues", dit-elle, "et je me suis toujours sentie immergée dans les deux cultures.

“PERHAPS THAT’S WHAT GIVES ME AN EDGE, PERHAPS I’M JUST LUCKY. WHATEVER IT IS, I NEED TO RUN WITH IT…”

"Paris me procure toujours le sentiment le plus fort, plus que n’importe où ailleurs dans le monde, bien que je sois un produit des deux cultures… Je me sens à la fois américaine et française." "Je suis allée à l’école aux États-Unis, donc je suis évidemment aussi un produit de la culture américaine. C’est un joli mélange de deux cultures qui sont rarement mélangées ensemble ! "Peut-être que c’est ce qui me donne un avantage, peut-être que je suis juste chanceuse. Quoi qu’il en soit, je dois en profiter…"

The Agaparasignature

Exceptional sneakers and embroidery

Today's world loves the ephemeral and refuses to equate trends with time. The Agapara brand, on the other hand, seems to want to be part of the long term, through its creations, which are veritable tributes to craftsmanship, nature and the preservation of wildlife. It's like an invitation to travel… a wish worn on your toes, an invitation to discover legends engraved in your footsteps, their beauty embroidered on your shoes.

By Helena Perdoux-Frances

COMMITTED EXPERTISE

Agapara sneakers are entirely handmade by craftsmen whose passion is matched only by their expertise. These sneakers, with their unique identity and sophisticated embroidery, are a tribute to the Portuguese craftsmen, while at the same time instilling an inevitably contemporary focus on environmental conservation. Their motifs, inspired by the beauty and vulnerability of natural landscapes and their wildlife, are made using recycled polyester thread, manufactured in Germany, reflecting the brand's commitment to the environment, and a silver thread composed of 2% pure silver, for a flawless aesthetic. When aesthetics meet quality and ethics are not forgotten.

AGAPARA, A TRUE STORYTELLER

A species to protect, its natural habitat to magnify, all to the rhythm of your footsteps… The embroidered motifs are more than just backdrops; they draw their inspiration from the splendour of threatened ecosystems, with each embroidery capturing the very essence of nature while underlining the urgent need to preserve it. An original and magnificent way of informing and alerting us. All the designs are the result of collaborations with national parks and associations dedicated to preserving biodiversity, and support an initiative, whether it's saving the dolphins in the Bay of Saint-Tropez, preserving Bonelli's eagle in the Calanques de Cassis, or supporting the wolves in Haute-Savoie. Agapara is reinventing the age-old art of embroidery by integrating it into the world of sustainable luxury.

UN SAVOIR-FAIRE ENGAGÉ

Les sneakers Agapara sont entièrement confectionnées à la main par des artisans dont la passion n'a d'égale que leur savoir-faire. Ces sneakers, à l'identité unique, ornées de broderies sophistiquées, font honneur aux artisans portugais tout en insufflant une considération inévitablement contemporaine, axée sur la préservation de l'environnement. Leurs motifs, inspirés de la beauté et de la vulnérabilité des paysages naturels et de leur faune, sont réalisés avec des fils de polyester recyclé, fabriqués en Allemagne, reflétant l'engagement de la marque envers l'environnement, et un fil d'argent composé à 2 % d'argent pur, pour un esthétisme sans faille. Quand l'esthétique rejoint la qualité et n'oublie pas l'éthique.

AGAPARA, VÉRITABLE CONTEUR

Une espèce à protéger, son habitat naturel à magnifier, tout cela au rythme de vos pas… Les motifs brodés ne sont pas de seuls décors ; ils puisent leur inspiration dans la splendeur des écosystèmes menacés, chaque broderie capturant l'essence même de la nature tout en soulignant l'urgence de sa préservation. Une façon originale et magnifique de nous informer et nous alerter. Tous les modèles sont ainsi les résultats de collaborations avec des parcs nationaux et des associations dédiées à la préservation de la biodiversité, et soutiennent une initiative, qu’il s’agisse de la sauvegarde des dauphins de la baie de Saint-Tropez, de la préservation de l’aigle de Bonelli dans les Calanques de Cassis, ou encore du soutien aux loups de Haute-Savoie. Agapara réinvente l'art ancestral de la broderie en l'intégrant dans l'univers du luxe durable.

A PHILOSOPHY OF LIFE IN ALL ITS FORMS

AN ODE TO ESCAPE AND CRAFTSMANSHIP, BROUGHT TOGETHER BY A LOVE OF NATURE.

The name Agapara is not an insignificant choice. In Provençal, it means "to work and preserve", perfectly reflecting the brand's philosophy. The word resonates with the brand's emblem: a bird, a symbol of freedom in a natural world untouched by man, and a compass, a guide that shows you the way. It's an original way of linking fashion and conscience, an artistic manifesto for a world that respects every living thing. The displays made from driftwood branches reinforce this vision of inspiring nature, the source of sublime creations . By incorporating a century-old artistic expression into its creations, Agapara offers luxury vegan sneakers that combine elegance, craftsmanship and ecological commitment, reinforcing its position as the undisputed benchmark in luxury embroidered sneakers.

A SENSORY AND RESPONSIBLE EXPERIENCE

Agapara appeals to some of our senses, particularly our sense of smell, thanks to the fragrance distilled by all the sneakers, "Souffle du monde". A subtle aroma that awakens a love of style. So create your own trend… a trend that's eco-friendly and respectful. Enter the world of Agapara, wear its stories and take part in the most beautiful way possible in preserving the beauty of our planet, this wild world of which we are all a part.

MORE INFOS: www.agapara.com

UNE PHILOSOPHIE, LA VIE SOUS TOUTES SES FORMES

Le nom Agapara n'est pas un choix anodin. En provençal, il signifie "œuvrer et préserver", reflétant parfaitement la philosophie de la marque. Ce mot résonne avec son emblème : un oiseau, symbole de liberté dans une nature affranchie de l’empreinte humaine, et une boussole, un guide qui vous montre la voie. Une façon originale de lier la mode et la conscience, un manifeste artistique pour un univers dans le respect de chaque être vivant. Les présentoirs en branches de bois flotté renforcent cette vision d'une nature inspirante, source de créations sublimes. En intégrant une expression artistique centenaire dans ses créations, Agapara propose des sneakers vegan de luxe qui allient élégance, artisanat et engagement écologique, renforçant ainsi sa position en tant que référence incontournable dans le domaine des sneakers brodées de luxe.

UNE EXPÉRIENCE

SENSORIELLE ET RESPONSABLE

Agapara sollicite quelques-uns de nos sens, notamment l’odorat grâce au parfum distillé par tous les sneakers, "Souffle du monde". Un arôme subtil qui fait naître en nous, l'amour du style. Alors, créez votre tendance… une tendance eco-friendly et respectueuse. Entrez dans l'univers d'Agapara, portez ses histoires et participez de la plus jolie façon qu'il soit, à la préservation de la beauté de notre planète, de ce monde sauvage dont chacun de nous fait partie. Agapara, une ode à l'évasion et à l'artisanat, réunis par amour de la nature.

THE DE MARQUET SUCCESS STORY… BAGS OF RESPONSIBLE BEAUTY AND POWERFUL STYLE.

De Marquet Everyday Italian Elegance

A certain minimalism that owes everything to harmony, a serene audacity combined with a touch of Italian handcrafted beauty… that's how you could sum up the soul of De Marquet. Enter the world of a Maison that has redefined the contours of contemporary chic beyond all borders.

By Helena Perdoux-Frances

DE MARQUET LANDS IN AMERICA!

It's official: Swiss handbag brand De Marquet has set up shop in the United States. De Marquet's creations are a familiar sight on international red carpets and have already delighted many world-famous actresses and singers. Today, New Yorkers, Floridians and even Texans have embraced this remarkable blend of expertise and innovative refinement.

"We are absolutely delighted with the warm welcome we have received in the US" says Raffaella Iten, founder and creative force behind De Marquet. "In recent years, many of our guests at iconic Belmond hotels such as the Cipriani and Splendido have been American - so it seemed natural to take this next step."

A LINK BETWEEN ALL MODES OF TRANSPORT

The Autumn/Winter 2025-26 collection will warm our hearts with Made in 70s colours thanks to its revival of the 'Elevated Essentials'. A welcome breath of freedom shakes things up with bold faux crocodile, shiny patent leather, hints of retro blue and cherry red, not to mention minimalist geometric silhouettes that make all the difference. The perfect marriage of timeless vintage and modern sophistication… the image of a free-spirited woman, perfect for any occasion.

DE MARQUET DÉBARQUE

EN AMÉRIQUE !

C'est officiel, la marque de sacs à main suisse De Marquet s'est implantée aux Etats-Unis. Bien connue des habituées des tapis rouges internationaux, les créations De Marquet ont déjà fait le bonheur de nombreuses actrices et chanteuses de renommée mondiale. Aujourd'hui, les new-yorkaises, les floridiennes et même les texanes ont adopté ce mélange remarquable de savoir-faire et de délicatesse innovante.

"Nous sommes absolument ravis de l'accueil chaleureux que nous avons reçu aux États-Unis", déclare Raffaella Iten, fondatrice et force créatrice de De Marquet. "Ces dernières années, un grand nombre de nos clients dans les hôtels Belmond emblématiques tels que le Cipriani et le Splendido étaient américains - il nous a donc semblé naturel de franchir cette nouvelle étape".

UN LIEN ENTRE TOUTES LES MODES

La collection automne/hiver 2025-26 va réchauffer nos cœurs des couleurs Made in 70s grâce à sa revisite des "Elevated Essentials".

Un souffle de liberté bienvenu nous bouscule quelque peu avec un faux croco audacieux, un cuir verni glossy, des touches de bleu rétro et de rouge cerise sans oublier des silhouettes géométriques minimalistes qui font toute la différence. Le mariage parfait d'un vintage intemporel et d'une sophistication tout en modernité… l'image d'une femme libre, parfaite en toutes occasions.

MODELS WITH CHARACTER

Four new models have been added to the range. Envelope, an unexpectedly minimalist, mysterious and generous novelty… DoubleFlap, designed for the woman with an organised daily routine, a compartmentalised life with a touch of style… MiniBox, the irresistible accessory that combines practicality and elegance… and Cube Nocturne, when the austerity of the square meets the daring sensuality of your evenings.

SIGNATURE BABY, NEW VERSION

This iconic De Marquet model makes a remarkable comeback in two new colourblock variations inspired by autumnal landscapes: Aubergine, an inspiring blend of deep red and forest green, and Butternut, a warm fusion of orange and brown.

A SWISS VISION OF ITALIAN SAVOIR-FAIRE

Handmade in Italy, all De Marquet bags are created with respect for ethics and the environment. This constant concern for eco-responsible design earned De Marquet the silver medal for sustainable development at the COTERIE trade fair in New York. Proof, if proof were needed, that beauty can become our planet's ally.

TIMELESS, CONTEMPORARY ELEGANCE, THE DE MARQUET SPIRIT

True to the aesthetic for which it has always been known, De Marquet combines timeless beauty with modern practicality. Versatile yet refined creations, designed for the style-conscious woman in every circumstance. De Marquet remains the signature brand for those seeking discreet luxury without unnecessary ostentation. Available in Switzerland at PKZ Woman, Bongénie and Maison Julie, the brand will continue to follow its path with creative serenity.

DES MODÈLES QUI ONT DU CARACTÈRE

Quatre nouveaux modèles viennent enrichir la gamme. Envelope, comme une nouvelle qu'on n'attendait pas, minimaliste, mystérieuse et généreuse à la fois… DoubleFlap, pensé pour la femme au quotidien organisé, une vie compartimentée avec une touche de style… MiniBox, l'accessoire irrésistible alliant praticité et élégance… et Cube Nocturne, quand la rigueur du carré fusionne avec la sensualité audacieuse de vos soirées.

SIGNATURE BABY, NOUVELLE VERSION

Ce modèle emblématique de De Marquet, fait un retour remarqué dans deux nouvelles variations Colorblock inspirées des paysages d'automne : la couleur aubergine mélangeant un rouge profond et un vert forêt inspirant et la Butternut, une chaleureuse fusion d'orange et de brun.

UNE CERTAINE VISION HELVÈTE

D'UN SAVOIR-FAIRE ITALIEN

Fabriqués à la main en Italie, tous les sacs De Marquet naissent dans le respect de l'éthique et de l'environnement. Ce souci constant d'une esthétique écoresponsable lui a valu la médaille d'argent du développement durable, lors du salon COTERIE, à New York. Preuve, s'il en était besoin, que la beauté peut devenir l'alliée de notre planète.

ELÉGANCE INTEMPORELLE ET CONTEMPORAINE, L’ESPRIT DE MARQUET

Fidèle à son esthétique affichée depuis ses débuts, De Marquet sait allier beauté atemporelle et praticité moderne. Des créations polyvalentes mais toujours dans le raffinement, conçues pour la femme soucieuse de son style, en toutes circonstances. De Marquet reste la signature de celles en quête d’un luxe discret qui s'affiche sans ostentation inutile. Disponible en Suisse chez PKZ Woman, Bongénie ou encore Maison Julie, la marque ira là où son chemin la mène, dans une sérénité créatrice.

Découvrez l’élégance intemporelle du Fairmont Le Montreux Palace. Profitez d’une vue imprenable sur le lac Léman depuis votre suite, ressourcez-vous dans notre spa de 2000 m², et vivez des expériences culinaires d’exception au cœur de la Riviera suisse.

Outlet Aubonne

A

premium shopping experience at the best price

Do you want to buy smart, preserve style and quality without breaking the bank? There's a place dedicated to shopping lovers who subscribe to this philosophy… Strategically located between Lausanne and Geneva, Outlet Aubonne has become a must for lovers of style and bargains. Since 2023, managed by the Advantail group, this space has continued to grow and strengthen its appeal, thanks in particular to the arrival of new retailers such as ba&sh, US Polo and Le Creuset.

By Helena Perdoux-Frances

A PREMIUM OFFER WHATEVER YOUR STYLE

Outlet Aubonne has no fewer than 50 boutiques offering permanent sales of at least all year round. Well-known brands such as Sandro, The Kooples, Claudie Pierlot, Diesel, Adidas and Fusalp are available to suit your budget. Outlet Aubonne puts everything you need to shine in the evening, perform on the snowy slopes and then relax at home, surrounded by design objects, at your fingertips and at the last minute.

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Just imagine… an outing for two in which each of you will find what you're looking for. While Madame explores the Maje collection, Monsieur will be dreaming in a new Boggi Milano style. Once the pleasure of fashion is satisfied, a gourmet break at Mama Jolie, a restaurant serving homemade Italian cuisine, is a must. And finally, a visit to Le Creuset or Villeroy & Boch will sweeten their return to a "home sweet home".

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OUTLET AUBONNE MAKES LIFE EASIER

Outlet Aubonne doesn't forget about your well-being, and relies on easy access: free parking and easy accessibility thanks to the station just five minutes away on foot. When comfort is combined with a touch of tourism, seduction takes centre stage. You'll be seduced by the scent of the Tulip Festival in Morges… you'll be drawn to the beach at Préverenges… you'll be touched by the animals at Signal de Bougy. There's no doubt that Outlet Aubonne combines shopping and lifestyle.

A KEY PLAYER IN SMART SHOPPING

Whatever the economic climate, footfall is not weakening, and the figures prove it. With an occupancy rate of 100%, an average length of visit of 1 hour 20 minutes in 2024, and local and international customers, particularly from neighbouring France, Outlet Aubonne remains a major player in smart shopping in Frenchspeaking Switzerland.

INFOS: www.outlet-aubonne.ch

OUTLET AUBONNE VOUS FACILITE LA VIE

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UN ACTEUR CLÉ DU SHOPPING MALIN

OUTLET

AUBONNE OR THE SHOPPING EXPERIENCE REINVENTED… FASH -

ION AND SAVINGS, A TRENDY DUO.

Quel que soit le contexte économique, la fréquentation ne faiblit pas et les chiffres le prouvent. Avec un taux d'occupation de 100 %, une durée moyenne de visite de 1h20 en 2024, et une clientèle locale et internationale en provenance notamment de la France voisine, Outlet Aubonne reste un acteur important du shopping astucieux en Suisse romande .

BADR Clair de Lune

When night inspires your days with elegance

The world of luxury has welcomed a brand that has revisited our well-being by adding touch of eco-responsible elegance. BADR-Clair de Lune, founded by Valérie Albrecht and her daughter, Sherine Ben Hassine, embodies the perfect blend of delicacy, intimate comfort and modern beauty.

By Helena Perdoux-Frances

BADR, LIKE A FAIRY TALE

Full moon… the luminous, serene moon of a calm, clear night. BADR is the translation of this and has its roots in the Arabic language. The famous "Clair de Lune" (Moonlight) that follows it, makes your nights safer like a soothing little nightlight. A reassuring concept guided by an owl delicately placed on the logo.

COMFORT AND REFINEMENT… A WHOLE PHILOSOPHY

Let yourself be enveloped in a bubble of softness, where every detail has been designed for sophisticated relaxation. Fluidity, natural materials and carefully chosen colours represent a certain vision of "homewear". Homewear becomes a jewel box, a place where you can relax in total beauty.

NO CREATION WITHOUT ETHICS

BADR-Clair de Lune's eco-responsible approach is far removed from the path of mindless consumption. The fabrics are rigorously selected, under the seal of GOTS certification (Global Organic Textile Standard), in compliance with an ecological ethic. These pyjamas are designed to be "lived in" without ever neglecting their style.

BADR, COMME UN CONTE DE FÉE

"Pleine Lune"… la lune lumineuse, sereine d'une nuit calme et claire. BADR en est la traduction et trouve ses racines dans la langue arabe. Le fameux "Clair de Lune" qui le suit, sécurise vos nuits comme une petite veilleuse apaisante. Un concept rassurant guidé par une chouette délicatement posée sur le logo.

LE CONFORT DANS LE RAFFINEMENT… TOUTE UNE PHILOSOPHIE

Laissez-vous envelopper par une bulle de douceur dont chaque détail a été pensé pour une décontraction sophistiquée. Fluidité, matières naturelles et couleurs soigneusement choisies représentent une certaine vision du "homewear". Le vêtement d'intérieur devient un écrin, celui de votre détente en toute beauté.

PAS DE CRÉATION SANS ÉTHIQUE

Loin des sentiers menant à une consommation sans réflexion et sans aucune incarnation, BADR-Clair de Lune affirme sa démarche écoresponsable. Les tissus sont sélectionnés avec rigueur, sous le sceau de la certification GOTS (Global Organic Textile Standard), dans le respect d'une éthique écologique. Ces pyjamas sont conçus pour être "habités" sans jamais en négliger l'allure.

FEMININITY

GETS INVOLVED

BADR-Clair de Lune has become the spokesperson for a cause that is too often ignored by women: endometriosis. Touched personally by this scourge, mother and daughter wanted to do their bit… to inform and raise awareness, not only among women but also among those who support them, and also to participate through contributions to associations.

BADR-CLAIR DE LUNE INVITES THE TIMELESS STYLE OF YOUR NIGHTS INTO THE HEART OF YOUR LIVES.

BADR-Clair de Lune takes care of women's bodies and shows them off in a gentle way…

PYJAMAS BECOME AN ART OF LIVING

The "Le Festif" pyjamas alone represent everything that BADR-Clair de Lune suggests to women… a free spirit, comfortable and sophisticated at the same time. Worn at home for a cocooning moment, it can accompany you on your outings and become a daring look. A pair of heels and it represents you magnificently in the evening… a pair of sneakers and it lights up your everyday life.

FROM LIVING ROOM TO BEDROOM, LUXURY INVITES ITSELF…

Buoyed by their success, the founders of BADR-Clair de Lune plan to bring men and children into this bubble of softness. And, because sleep is not just about pyjamas, the idea that everyone should be able to slip into top-of-the-range bed linen is gradually taking hold.

LA FÉMINITÉ S'ENGAGE

BADR-Clair de Lune s'est fait le porte-parole d'une cause féminine trop souvent méconnue, l'endométriose. Touchées personnellement par ce fléau, mère et fille ont souhaité apporter leur pierre à l'édifice… informer, sensibiliser, non seulement les femmes mais également ceux qui les accompagnent et participer également grâce à des contributions associatives. BADR-Clair de Lune prend soin du corps des femmes et l'affiche tout en douceur…

LE PYJAMA DEVIENT UN ART DE VIVRE

Le pyjama "Le Festif" représente à lui seul tout ce que BADRClair de Lune suggère aux femmes… un esprit libre, confortable et sophistiqué à la fois. Porté chez vous pour un moment cocoon, il peut vous accompagner dans vos sorties et devient un look audacieux. Une paire de talons et il vous représente magnifiquement en soirée… une paire de sneakers et il illumine votre vie de tous les jours.

DU SALON À LA CHAMBRE, LE LUXE S'INVITE…

Fortes de leur succès, les fondatrices de BADR-Clair de Lune envisagent de faire entrer dans cette bulle de douceur, hommes et enfants. Et, parce que la qualité du sommeil ne s'attache pas qu'aux pyjamas, l'idée que tous puissent se glisser dans du linge de lit haut de gamme, s'impose petit à petit. BADR-Clair de Lune invite le style intemporel de vos nuits au cœur de vos vies.

A step ahead of Beauty Helena Rubinstein

As a bold, visionary woman, a figure of emancipation and a genius inventor, Helena Rubinstein left her mark on her era and all those to come. Her flair, intelligence, perseverance and business mind opened the doors to an empire that she built singlehandedly. Her whole life was about inventing and reinventing herself, beating fate and her humble origins to reach for the stars. Let’s unravel the thread of an extraordinary destiny that takes us from Krakow to Melbourne, from Paris to New York – a destiny deeply imbued with a love of beauty and a disconcertingly modern spirit. We retrace the steps of the woman who was nicknamed ‘the empress of beauty’ or ‘Madame Avant-Garde’. By Eduardo Costerg

Femme audacieuse et visionnaire, figure d’émancipation, inventrice géniale, Helena Rubinstein a marqué son époque et toutes celles qui viendront ensuite. Son flair, son intelligence, sa persévérance et son sens des affaires lui ont ouvert les portes d’un empire qu’elle a bâti seule. Toute sa vie, il aura été question de s’inventer, de se réinventer, de déjouer le sort et ses origines modestes pour se hisser jusqu’aux étoiles. Déroulons le fil d’un destin extraordinaire qui nous mène de Cracovie à Melbourne, de Paris à New York — un destin profondément imprégné par l’amour des belles choses et par un esprit d’une modernité déroutante. Retour sur les traces de celle qu’on surnommait « l’impératrice de la beauté », ou encore « Madame Avant-Garde ».

LEFT

Helena Rubenstein.

RIGHT

Helena Rubinstein by Paul César Helleu.

COURAGE TO SPARE AND A NAME TO MAKE

1872. While being born into a family of small shopkeepers in Krakow’s Jewish quarter, the eldest of eight sisters, nothing predestined Helena Rubinstein for the fame that lay ahead. At the time, the young woman went by the name Chaja Rubinstein – a name she later changed to reinvent herself. Stubborn, determined and inflexible, she stood up to her father, refused to get married and initially left for Vienna. There, she honed her business and sales skills in a fur shop, but still dreamt of more freedom. Aboard the Prinz Regent, she set sail for Australia, where her uncles had settled. It was a long crossing, but she felt that at the other end of the world, everything still had to be done. Her mother packed twelve small jars of cream: God knows what damage the Oceania sun could do to her daughter’s porcelain skin! Helena Rubinstein didn’t know it yet, but she carried with her the key to her future success. The Australians, truly fascinated by the Polish woman’s complexion, were willing to pay a high price to know the secret. The business begins! As the cream had been formulated by a chemist who was a friend of the family – Dr Lykuvsky – it didn’t take Helena long to get her hands on its composition, and after her working days – she was a waitress at the time – , she didn’t hesitate to experiment, changing the dosages and adding new ingredients. It was only after several months of empirical research that Valaze cream saw the light of day, and with it the start of a dazzling career. The whole country quickly snapped up her product, and in 1902, Helena Rubinstein’s name became a brand name. In the same impetus, she opened a new kind of boutique in Melbourne, marking the birth of the first beauty salon. It was a resounding success, thanks as much to the quality of the products the entrepreneur made as to the value of her advice.

DU COURAGE À REVENDRE, UN NOM À SE FAIRE

1872. Alors qu’elle naît dans une famille de petits commerçants du quartier juif de Cracovie, aînée d’une fratrie de huit sœurs, rien ne prédestine Helena Rubinstein à la gloire qui l’attend. À  ’époque d’ailleurs, la jeune femme porte le nom de Chaja Rubinstein — nom qu’elle changera par la suite pour mieux se réinventer. Têtue, déterminée, inflexible, elle tient tête à son père, refuse de se marier et part dans un premier temps pour Vienne. Là-bas, elle affûte son sens des affaires et de la vente dans une boutique de fourrure, mais son rêve davantage de liberté. À bord du Prinz Regent, elle embarque pour l’Australie où ses oncles se sont installés. La traversée est longue, mais elle sent qu’à l’autre bout du monde, tout est encore à faire. Sa mère glisse dans ses bagages douze petits pots de crèmes : Dieu sait quel dégât le soleil d’Océanie pourrait causer à la peau de porcelaine de sa fille ! Helena Rubinstein ne le sait pas encore, mais elle transporte avec elle la clé de son succès à venir. Les Australiennes, véritablement fascinées par la complexion de la Polonaise, sont prêtes à payer le prix fort pour en connaître le secret. Les affaires commencent ! Comme la crème a été formulée par un chimiste ami de la famille — le docteur Lykuvsky —, Helena ne tarde pas à mettre la main sur sa composition et après ses journées de travail — elle est alors serveuse —, elle n’hésite pas à expérimenter, à en changer les dosages, à y ajouter de nouveaux ingrédients. Ce n’est qu’après plusieurs mois de recherches empiriques que la crème Valaze voit le jour, et avec elle, le début d’une carrière éblouissante. Très vite, le pays tout entier s’arrache son produit et en 1902, le nom de Helena Rubinstein devient une marque : dans ce même élan, elle fait ouvrir à Melbourne une boutique, d’un nouveau genre ; c’est la naissance du premier institut de beauté. Si celui-ci est une franche réussite, c’est aussi bien grâce à la qualité des produits que confectionne l’entrepreneuse qu’à la valeur de ses conseils.

LEFT FROM TOP TO BOTTOM 1. 1940s USA Helena Rubinstein Magazine Advert. 2. 1963 British advertisement for Helena Rubinstein Silk Minute Make-Up face powder.

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Helena Rubinstein, beauty salon at 655 5th Ave.

REINVENTING THE RULES OF BEAUTY

As soon as she arrived in Australia, Helena Rubinstein never took her sunshade off – she knew the harmful effects of the sun on the skin – but she also understood that beauty care was not just a matter of products and treatments: well-being, sleep, diet and exercise were all factors that had to be taken into account. Her intuition was right, and her success soon spread to Europe, reaching Vienna, London, Berlin and Paris. There, she met the leading scientists and dermatologists of her day, and honed her knowledge alongside them. Building on her success in Australia, Madame – as she was known – decided to take things a step further by devising a revolutionary concept. In 1912, at 126 rue du Faubourg Saint-Honoré, she inaugurated the first beauty clinic: here, dietary advice was given, women were taught how to apply make-up to enhance their appearance, and beauty treatments were combined with massage sessions – science and beauty became inseparable.

As well as inventing a place entirely devoted to beauty, Helena Rubinstein reinvented the techniques associated with each of her products. Under her influence, the world of cosmetics took a quantum leap forward and the profession of beautician, as we know it today, took on a new lease of life. In New York, Madame opened a school where women trained for six months in the profession, learning how to diagnose the skin and model the face, specializing in make-up and body massage… A vast field of knowledge was opened up.

Helena Rebinstein was not only a formidable businesswoman who shaped the world of beauty in her own image, she was also one of the first ‘muse makers’ of the 20th century. Who better than theatre and film stars to promote her cosmetics? At the dawn of the 1900s, she recommended her Valaze cream to Nellie Stewart – the darling of the Australian stage – and advised her to reduce her exposure to the sun. Convinced by the effectiveness of the treatment, the actress declared, ‘It’s the most wonderful preparation I’ve ever used.’ The power of advertising was not lost on the entrepreneur, who never ceased to make the most of it.

Beauty is no longer a subject to be trifled with. It is an empire that is taking shape step by step under the visionary eye of Helena Rubinstein, an empire that has adopted all the codes of modernity.

RÉINVENTER LES RÈGLES DE LA BEAUTÉ

Si dès son arrivée en Australie, Helena Rubinstein ne se défait jamais de son ombrelle — elle connaît les effets néfastes du soleil sur la peau —, elle comprend aussi que l’entretien de la beauté n’est pas qu’une affaire de produits et de soins : le bien-être, le sommeil, l’alimentation, l’exercice physique ont autant de facteurs dont il faut savoir tenir compte. Son intuition ne la trompe pas et bientôt, son succès remonte jusqu’en Europe et gagne Vienne, Londres, Berlin, Paris. Elle y rencontre les plus grands scientifiques et dermatologues de son époque et affine ses connaissances à leurs côtés. Forte de son succès en Australie, Madame — comme on l’appelle à présent — décide alors de franchir un nouveau cap en imaginant un concept révolutionnaire. Elle inaugure en 1912, au 126 rue du Faubourg Saint-Honoré, la première clinique de beauté : ici, on prodigue des conseils diététiques, on apprend aux femmes à se maquiller pour se mettre en valeur, on conjugue les soins aux séances de massage — science et beauté deviennent indissociables.

Au-delà d’inventer un lieu entièrement consacré à l’esthétisme, Helena Rubinstein réinvente les gestes de beauté associés à chacun de ses produits. Sous son influence, le monde de la beauté fait un bond en avant et le métier d’esthéticien, tel qu’on le connaît aujourd’hui prend un nouvel essor. À New York, Madame ouvre une école où des femmes se forment durant six mois à ce métier, apprend à faire un diagnostic de la peau, un modelage de visage, se spécialise dans le maquillage ou dans le massage du corps… C’est un champ immense de connaissance qui s’ouvre.

Non contente de façonner à son image le monde de la beauté, Helena Rebinstein, femme d’affaire redoutable, c’est aussi l’une des premières « faiseuses d’égéries » du XXe siècle. Qui de mieux que les vedettes du théâtre et du cinéma pour promouvoir ses cosmétiques ? À l’aube des années 1900, elle parvient à recommander à Nellie Stewart — coqueluche de la scène australienne — sa crème Valaze et lui conseille de moins s’exposer au soleil. Convaincue par l’efficacité du soin, l’actrice déclare « C’est la préparation la plus merveilleuse que j’ai jamais utilisée ». La force de frappe de la réclame publicitaire n’échappe pas à l’entrepreneuse qui ne cessera d’en tirer le meilleur parti.

La beauté n’est plus un sujet avec lequel on peut badiner. C’est un empire qui prend forme pas à pas sous l’œil visionnaire d’Helena Rubinstein, un empire qui a adopté tous les codes de la modernité.

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Helena Rubinstein beauty products factory in Nazareth. Employees sticking labels on bottles.

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Helena Rubinstein, beauty salon at 655 5th Ave.

FROM INNOVATION TO INNOVATION

Although the first pots of cream made by Helena Rubinstein were more of a craft, she realized that to become more effective and push back the boundaries of cosmetics, she would have to turn more to science. Her encounters with renowned European scientists – notably Emmie List, inventor of the peel, and Eugène Hollander, father of the facelift – would provide lasting inspiration for her ambition, but Madame wanted to learn more. In Paris, Marcelin Berthelot, the chemist and biologist behind bleach disinfection, gave her a lecture on the dermis and epidermis, and together they demonstrated the existence of three skin typologies. Keen to continue her quest for knowledge, the daring Helena went so far as to study dermatology at the Hôpital Saint-Louis. Beauty is no longer an art, but a science that can only be advanced through research, repeated trials and meticulous attention to detail.

Helena Rubinstein’s path has been paved with innovation – she’s never satisfied with coming second, after all; you have to be first or nothing! Madame’s reign over the world of beauty was marked by many feats. The first hormone mask, designed to preserve the skin’s youthful appearance, was created in 1934. The first waterproof mascara appeared five years later, and was presented to the swimmers in the aquatic ballet at the New York World’s Fair. In 1948, it was the turn of the first sunscreen duo, Sun Twins – which combined a bronzing powder with sun protection – to enter the market. The first anti-ageing product, the first automatic mascara… How far will Helena Rubinstein go? She gave her company its own rules, its own ideas, its own ambitions. Even after the death of its founder in 1972, the brand remained at the forefront, true to its spirit: the invention of the first pre-melanin treatment, the first non-invasive lifting treatment, the first electrostimulation facial, the first treatment that reverses time, and many more. First or nothing!

Helena Rubinstein may be gone, but her legacy remains intact. She was a pioneer in cosmetics, paving the way for all beauty artisans and continuing to inspire those who believe in boldness and excellence.

D’INNOVATION EN INNOVATION

Si les premiers pots de crème confectionnés par Helena Rubinstein relèvent plutôt de l’artisanat, celle-ci devine que pour gagner en efficacité et repousser les limites de la cosmétique, elle doit se tourner davantage vers la science. Ses rencontres avec des scientifiques européens de renom — notamment Emmie List, inventrice du peeling et Eugène Hollander, père du lifting — vont durablement nourrir son ambition, mais Madame souhaite en apprendre davantage. À Paris, Marcelin Berthelot, chimiste et biologiste à l’origine de la désinfection à l’eau de Javel, lui dispense un cours magistral sur le derme et l’épiderme et ensemble, ils mettent en évidence l’existence de trois typologies de peau. Désireuse de poursuivre cette quête de connaissances, l’audacieuse Helena va jusqu’à étudier la dermatologie à l’hôpital Saint-Louis. La beauté n’est plus un art mais une science que seuls la recherche, les essais répétés et la minutie permettent de faire avancer.

C’est véritablement sous le signe de l’innovation que Helena Rubinstein trace sa voie — elle ne se contente jamais d’arriver en seconde position après tout ; il faut être la première sinon rien ! Le règne de Madame sur l’univers de la beauté est en effet marqué par de nombreuses prouesses. Le premier masque aux hormones, destiné à préserver la jeunesse de la peau, voit le jour en 1934. Le premier mascara waterproof fait son apparition cinq ans plus tard et est présenté aux nageuses du ballet aquatique de l’Exposition universelle de NewYork. En 1948, c’est au tour du premier duo solaire, Sun Twins — qui allie une poudre bronzante à une protection solaire — de faire son entrée sur le marché. Premier produit de préservation anti-âge, premier mascara automatique… Jusqu’où Helena Rubinstein ira-t-elle ? Elle a insufflé à sa maison ses propres règles, ses idées, ses ambitions. Même après la disparition de sa fondatrice, en 1972, la marque a su se maintenir à l’avant-garde, fidèle à son esprit : invention du premier soin à la pré-mélanine, du premier traitement liftant non invasif, du premier soin du visage par électrostimulation, du premier soin qui inverse le temps, et bien d’autres encore. Être premier sinon rien !

Si aujourd’hui, Helena Rubinstein n’est plus là, son héritage, lui, est resté intact. Elle aura été pionnière en matière de cosmétique, aura pavé la voie pour tous les artisans de la beauté et continu a inspiré ceux et celles qui croient en l’audace et en l’excellence.

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Helena Rubinstein Gave Pearls to Guest as part the 'Pearl Look'.

NEO GLAM SWIM CLUB

Photographer : Ron Contarsy for Highmark Studios

Digital Post : Highmark Studios

Photo Assistant : Felix Persaud

Stylist : Ursula M Agurto

Stylist Assistant : Rocky Jackson

Model : Nicole Whittaker-State Models-NYC

Hair : Ashley Malcom-Factory Downtown

Makeup: Viktorija Bowers for Kit Ritual

Manicurist : Jazz Style @seemanagement Using CND Vinlux Polish

WAVE MASK SUNGLASSES BY LOEWE - MULBERRY SILK SCARF BY BEAUTÉ COMME

TOI - RUFFLE STRAP

“HELENA” BIKINI BY BELIEVE BIKINI

“JOSIE” SWIMSUIT BY PQ SWIM - “MOLLY” STATEMENT

DROP

EARRINGS BY TOVA - GRADIENT

OVERSIZED SUNGLASSES BY GUCCI

PAISLEY PRINT BIKINI BY RALPH LAUREN - CASSANDRE EARRINGS BY SEZANE - OVERSIZED STRAW HAT BY SOLANA

“AERIAL”

“ORINDA” SWIM TOP BY BOHN JSELL - OVERSIZED RED SATIN FLOWER BROOCH BY M&S SCHMALBERG

“CENTRAL PARK” MULBERRY SILK SCARF BY CHAMBERLIN

“HEIDIE” SWIMSUIT BY BELIEVE BIKINI - WOODEN BANGLES BY ORNAMENT IS CRIME

CUT OUT “LINDA” TWO PIECE BY BELIEVE BIKINI - "LA LA LOVE" CUFF BRACELET BY TOVA

1 PRODUCT - 4 ACTIONS

LESS IMPERFECTIONS

BRIGHTER SKIN

EXCELLENT MOISTURIZATION

BETTER PROTECTION

LE PRIVILÈGE

BASE

TRAITANTE

Imagination holds the key to salvation FORNASETTI

Few individuals can unequivocally define the boundary between art and design. In early 20th-century Milan, a young painter, Piero Fornasetti, made the task even more ambiguous. An iconoclast, self-taught and daring, Fornasetti broke down barriers, blazing his own trail. Precious porcelain and furniture of all kinds – nothing is beyond his reach! This versatile artist and artisan is a master of all trades, with an imagination that knows no bounds. Carried on by his son Barnaba Fornasetti, the legacy and ambitions of this visionary artist continue to challenge the status quo with wit and elegance. The Atelier Fornasetti is far from finished! A skinny dip a daydream. By Eduardo Costerg

Ils sont rares ceux qui peuvent affirmer, sans l’ombre d’un doute, où s’arrête l’art et où commence le design. Dans le Milan du début du XXe, le jeune peintre Piero Fornasetti rend la tâche plus difficile encore : iconoclaste, autodidacte, audacieux, Fornasetti brouille davantage les pistes et trace sa propre voie. Porcelaines précieuses et meubles en tout genre, rien n’est hors de sa portée ! Cet artiste-artisan aux mille et une facettes touche à tout, et sa fantaisie ne connaît pas de limite. Perpétués par Barnaba Fornasetti, son fils, l’héritage et les ambitions de l’artiste visionnaire continue à bousculer les codes avec humour et finesse. L’Atelier Fornasetti est loin d’avoir dit son dernier mot ! Plongée au cœur d’un rêve éveillé.

LEFT Piero Fornasetti at work in his studio. RIGHT

A REBEL AT (HE)ART

As a child, Piero Fornasetti had dreamed of exploring his creative impulses. However, his time at the Brera Academy of Fine Arts left a bitter. The school banned work with live models, which was enough to make the young painter indignant. At age 19, he questioned these outdated methods and was expelled from the academy for insubordination. Nevermind, he’ll find his way elsewhere…

Rather than being deterred, Fornasetti honed his skills in his father’s workshop, a typewriter salesman, and explored various engraving and printing techniques, including lithography, copperplate, drypoint, monotype, and more. Following his expulsion in 1932, he enrolled at the Castello Sforzesco School of Applied Arts, where he continued to educate himself. His efforts bore fruit, and his art print shop soon attracted the attention of the great design maestro, Gio Ponti. 1939 marked the beginning of a wonderful collaboration between these visionaries, leaving their mark on Italy’s artistic heritage.

The first commissions poured in, and success grew. So much so that, in 1940, Fornasetti opened his own studio. He worked on furniture, magazine covers, art books, and frescoes. The artist’s strength was his versatility, but also his exceptional intuition – known as ‘practical madness’ –, which he used to combine beauty and creativity with practicality. During World War II, Fornasetti was compelled to flee Italy and seek asylum in Switzerland. There, he honed his craft as a textile designer for a textile company. During this turbulent time, persistence was key: the artist persevered, in spite of all, to pursue his artistic passions. It was upon his return to Milan that his true success story began. The 1950s marked a new era for Fornasetti, whose fame and unique style spread to the rest of the world, leaving a lasting impact. This audacity stemmed from a profound longing for freedom: ‘I don’t subscribe to the concept of epochs or time periods. They hold no meaning for me,’ he declares. I refuse to establish the value of a thing in terms of its age. I don’t set myself limits and nothing is too esoteric to be taken as a source of inspiration. I want to free my inspiration from the limits of the usual.

REBELLE DANS L’ÂME, REBELLE DANS L’ART

Si le jeune Piero Fornasetti rêve d’éprouver sa fibre créative depuis qu’il est enfant, son passage à l’Académie des beaux-arts de Brera, lui laissera un goût amer. L’établissement interdit le travail sur modèle vivant ; il n’en faut pas plus pour que le jeune peintre s’indigne. À 19 ans seulement, il remet en cause ces méthodes qu’il trouve dépassées et se voit exclu de l’Académie pour indiscipline. Tant pis, il tracera sa voie ailleurs.

Loin de se décourager, Fornasetti se fait la main dans l’atelier de son père — vendeur de machines à écrire — et expérimente plusieurs techniques de gravure et d’impression : lithographie, travail sur cuivre, pointe sèche, monotype, tout y passe. À la suite de son renvoi, en 1932 , il intègre l’École des Arts appliqués de Castello Sforzesco où il se forme en autodidacte. Son travail paie et son imprimerie d’art ne tarde pas à attirer l’attention du grand maestro du design, Gio Ponti. L’année 1939 marque le début d’une belle collaboration entre ces visionnaires qui laisseront leur empreinte dans le patrimoine artistique italien.

Les premières commandes affluent et le succès va crescendo, si bien qu’en 1940, Fornasetti inaugure son atelier. Meubles, couvertures de magazines, livres d’art, fresques… La force de l’artiste, c’est sa polyvalence, mais aussi sa grande intuition — ladite « Folie pratique » —, mettant la beauté et la créativité au service de l’usage. Dès 1943, la guerre pousse Fornasetti à l’exil. Il trouve refuge en Suisse où il devient dessinateur au sein d’une entreprise textile. Au cœur de cette période trouble, la résilience est de mise : le peintre continue, malgré tout, à explorer ses aspirations artistiques. C’est à son retour à son retour à Milan que le véritable succès l’attend. Les années 50 marquent un nouvel essor pour Fornasetti, dont la renommée gagne peu à peu le reste du monde et son style inégalable fait des vagues. À la source de cette audace, un grand désir de liberté : « Je ne crois pas aux époques ni aux dates. Je n’y crois pas, affirme-t-il. Je refuse d’établir la valeur d’une chose en fonction de la date. Je ne me fixe pas de limites et rien n’est trop ésotérique pour être pris pour source d’inspiration. Je souhaite libérer mon inspiration des limites de l’habituel ».

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Atelier Fornasetti © Fantacuzzi Galati. RIGHT

1. 1919 Armchair and Isidoro trunk-bar © Poltrona Frau. 2. Wall plate Tema e variazioni gold n°47.

THE ‘TEMA E VARIAZIONI’ OBSESSION

Fornasetti is also a face: a young woman with intense eyes and serene features, who is always changing, never quite the same, never quite another…

The ‘Tema e variazioni’ series came to life in 1952. Over the years, Piero Fornasetti reproduced, reinterpreted and recomposed the portrait of Lina Cavalieri countless times. The exercise becomes an obsession, and the obsession becomes an icon. Lina Cavalieri’s face was transformed into innumerable variations, appearing on porcelain plates and lamps, in its natural state as well as in surrealist interpretations! ‘Fornasetti’s obsession was contagious. It became ours,’ concludes journalist Glenn O’Brien.

Lina Cavalieri was a renowned opera singer and actress in the early 1900s, and many artists fell in love with the woman nicknamed ‘the most beautiful woman in the word. Although Fornasetti never met her in person, he was inspired by her image in a magazine and made her his muse. Although she embodied classical beauty ideals for him, Fornasetti transformed her into an obsessive motif that he used to his advantage with a touch of humour and poetry, foreshadowing the Pop Art movement. Was Fornasetti a visionary, ahead of his time? It wouldn’t be a first!

FORNASETTI: A NAME, A LEGACY

More than just a name, Piero left behind a unique sense of audacity and creativity in his son, Barnaba. The young man followed in his father’s footsteps, even attending – ironically – the Brera Academy of Fine Arts. His collaboration with the Italian designer Ken Scott and his role as artistic director of the underground magazine Get Ready provided him with a boost, propelling him into the world of design.

In the 1980s, father and son started a new chapter: Barnaba joined the Fornasetti Atelier. To mark the beginning of this new collaboration, the two designers injected a touch of Fornasetti’s madness into a Ford Granada.

Piero Fornasetti passed away in 1988, yet his influence on the realm of art and design remains indelible. Eager to carry on his father’s legacy, Barnaba took over running the atelier, spending several years studying his father’s work, distilling its essence, and applying it to previously unexplored media. Under his leadership, the atelier designed its first clothing collection, launched a series of iconic vases, and even produced its own version of Mozart’s Don Giovanni. Barnaba extended his creativity even further, signing an artistic collaboration with Comme des Garçons, then with British artist Anj Smith. His crowning achievement came in 2017 when he was awarded the MAD visionaries! Award. It seems the apple truly didn’t fall far from the tree.

L’OBSESSION « TEMA E VARIAZIONI »

Fornasetti, c’est aussi un visage ; un visage de jeune femme au regard pénétrant et aux traits sereins qui n’est jamais tout à fait la même, jamais tout à fait une autre…

Dès 1952, la série « Tema e variazioni » prend vie : Piero Fornasetti reproduit, réinterprète et recompose le portrait de Lina Cavalieri d’innombrables fois au fil des ans. L’exercice vire à l’obsession, l’obsession devient une icône. Sur les assiettes en porcelaine comme sur les lampes, au naturel ou détourné à la manière surréaliste, le visage de Lina Cavalieri prend mille et une formes ! « L’obsession de Fornasetti était contagieuse. Elle est devenue la nôtre », en vient même à conclure le journaliste Glenn O’Brien.

Chanteuse d’opéra et actrice, Lina Cavalieri connaît, durant la première moitié du XXe siècle, un succès immense et nombre d’artistes s’entichent de celle qu’on surnomme « la plus belle femme du monde ». Si Fornasetti en fait sa muse, il ne l’a pourtant jamais rencontrée : c’est au hasard des pages d’un magazine que le visage de la cantatrice apparaît à l’artiste.

Bien qu’elle incarne pour lui tous les canons d’une beauté classique, Fornasetti en fait un motif obsédant qu’il détourne avec humour et poésie, comme un signe avant-coureur du mouvement Pop art. Piero Fornasetti en avance sur son temps ?

Ce ne serait pas la première fois !

FORNASETTI : UN NOM, UN HÉRITAGE

Plus qu’un nom, c’est une audace singulière et un esprit créateur que Piero lègue à son fils Barnaba. Le jeune homme marche sur les pas de son père et en vient même — ironie du sort — à fréquenter l’Académie des beaux-arts de Brera. Très vite, il tire son épingle du jeu : sa collaboration avec le designer italien Ken Scott et sa position de directeur artistique pour la revue underground Get Ready lui donne des ailes et le lance dans le milieu du design.

Dans les années 80, père et fils entament ensemble un nouveau chapitre et Barnaba rejoint l’Atelier Fornasetti. Pour inaugurer cette nouvelle collaboration, les deux designers insufflent à une Ford Granada ce petit grain de folie signé Fornasetti.

Si Piero Fornasetti disparaît en 1988, l’empreinte laisse sur le monde de l’art et du design est indélébile. Désireux de perpétuer l’héritage de son père, Barnaba reprend la direction de l’Atelier. Il consacre plusieurs années à passer en revenue le travail de son père et à en extraire la substantifique moelle. Plus encore, il décline l’univers de Fornasetti sur des supports jamais explorés jusqu’alors. Sous son impulsion, l’Atelier signe par exemple sa première collection de vêtements, lance une série de vases devenue iconique, et produit même sa version du Don Giovanni de Mozart. Barnaba étend la créativité plus loin encore en signant une collaboration artistique avec Comme des Garçons puis avec l’artiste britannique Anj Smith. La consécration arrive en 2017, alors que le designer est récompensé du MAD visionaries! Award. Il faut croire que la pomme ne tombe jamais très loin de l’arbre.

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1.Wall clocks.

2.Small lamp bases. RIGHT

the woman with the mustaches.

REPAINTING THE WORLD OVER AND OVER AGAIN

Despite its century-long history, the Atelier’s artistic fervour remains unabated. At the 2025 Milan Design Week, Fornasetti is set to captivate audiences once again with their latest creations. These masterpieces continue the tradition of Fornasetti’s favourite artistic pursuit: transforming grandeur into miniature by manipulating dimensions. Sixteenthcentury palaces and the solar system become the perfect motifs to adorn everyday objects. The new collection applies this concept, transforming the contemporary home into a surreal world where various elements harmoniously coexist. By upsetting proportions and changing perspectives: on bedside lamps, table or wall clocks, and scented candles intermingle with the opulence of Renaissance palaces rub shoulders with the comfort and modernity of a modern living room.

The sky, in the meantime, enters the picture in the form of anthropomorphized suns and moons. The Sun, majestic, austere, or witty, often serves as a companion to the Moon, its feminine counterpart, in a silent conversation. In a playful reduction of the titanic to the minuscule, this imaginary solar system revolves around small accessories for the home. A curious exploration of the universe, where the only rule is to let your imagination run wild.

Finally, this latest edition of Milan Design Week is all about collaboration. Poltrona Frau and Fornasetti are continuing their joint efforts by presenting two unique re-editions: the iconic 1919 armchair and the Isidoro bar-chest, printed with the evocative Ultime Notizie (‘Latest News’ In English) motif from the Fornasetti archives. ‘Last news – last news from Fornasetti’s wonderland: who better than Poltrona Frau to develop this concept and bring it to life with an armchair on which, as soon as I sit down, I start to dream,’ says Barnaba.

Fornasetti uses his heritage in the present tense, expanding and stretching it beyond its limits. The ‘classics’ become a source of wonder; surprisingly, repetition leads to innovation. Imagination is the key to unlocking this world governed by its own laws, and it is here that Fornasetti’s enchantment begins.

REPEINDRE LE MONDE, ENCORE ET ENCORE

Si l’Atelier porte en lui une histoire presque centenaire, sa folie créative demeure intarissable. Fornasetti s’illustre une fois encore lors de la Milan design Week 2025. Ces dernières créations réinterprètent l’un des jeux artistiques préférés de Fornasetti : tordre les dimensions pour rendre le majestueux minuscule. Palais du XVIe siècle et système solaire deviennent les motifs parfaits pour orner les objets du quotidien. La nouvelle collection applique ce principe à la lettre, transformant la maison moderne en un univers onirique où les différents éléments interagissent dans des combinaisons toujours nouvelles. En bouleversant les proportions et en changeant les perspectives : sur les lampes de chevet, les horloges de table ou murales, la vaisselle ou les bougies parfumées, les palais de la Renaissance côtoient le confort et la modernité d’un salon moderne.

Le ciel, quant à lui, s’invite à l’intérieur sous la forme de soleils et de lunes dotés de traits anthropomorphes. Majestueux, sévère ou malin, le Soleil est souvent un alter ego, engagé dans un dialogue silencieux avec son homologue féminin, la Lune. Dans la réduction ludique du titanesque au minuscule, ce système solaire imaginaire gravite autour de petits accessoires pour la maison. Une curieuse exploration de l’univers, où la seule règle est de laisser libre cours à l’imagination.

Enfin, cette dernière édition de la Milan design Week se place sous le signe de la collaboration. Poltrona Frau et Fornasetti poursuivent leurs efforts communs en présentant deux rééditions uniques : l’emblématique fauteuil 1919 et le coffre-bar Isidoro, imprimé du motif évocateur Ultime Notizie (« Dernières nouvelles » en italien) provenant des archives de Fornasetti. « Dernières nouvelles — dernières nouvelles du pays des merveilles de Fornasetti : Qui de mieux que Poltrona Frau pour développer ce concept et lui donner vie avec un fauteuil sur lequel, dès que je m’assois, je commence à rêver ? », confie Barnaba.

Son héritage, Fornasetti le conjugue au temps présent, le décline, l’étire au-delà des possibles. Le « classique » devient un élément de surprise ; la répétition, paradoxalement, engendre la nouveauté. Pour percer à jour cet univers régi par ses propres règles, l’imagination est la clé ; c’est ici que commence la magie de Fornasetti.

MORE

FROMT TOP TO BOTTOM

1.Wall clock. 2.Piero Fornasetti at work in his studio.

Reinventing the myth of the Orient Express Maxime D’ANGEAC

This is the story of a train that has defied the centuries, leaving in its wake a perfume of mystery and an intact legend. Reimagined by French architect Maxime d’Angeac, the Orient Express is back in service, more in tune with the times than ever. While its spirit remains intimately linked to the effervescence of the Belle Époque and the 1920s, the train now embraces all the codes of contemporary luxury. A look back at the project of a lifetime. By

Eduardo Costerg

C’est l’histoire d’un train qui défie les siècles et laisse dans son sillage un parfum de mystère et une légende intacte. Réimaginé par l’architecte français Maxime d’Angeac, l’Orient Express reprend du service, plus imprégné de l’air du temps que jamais. Si son esprit demeure intimement lié à l’effervescence de la Belle Époque et des années 20, c’est tous les codes du luxe contemporain que le train épouse à présent. Retour sur le projet d’une vie.

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Bar night © Maxime d'Angeac & Martin Darzacq for Orient Express, Accor.

‘THE IMPOSSIBLE MUST BE POSSIBLE IN SPITE OF APPEARANCES.’

The mere mention of its name conjures up immense horizons in everyone’s mind: Orient Express. On 4 October 1883, the world’s most luxurious train left Paris behind and embarked on its maiden voyage. It was a crazy gamble by its founder, Georges Nagelmackers, who, inspired by his trip to the Americas, imagined a travelling palace drawing a line between the capitals of Europe and the gates of the Orient. A magical epic that came to an end in 1977. Although the historic train was twice brought back to life in the 1980s (under the names Nostalgie-Istanbul-OrientExpress and Extreme-Orient-Express), the spark never caught and the Orient Express fell back into legend.

So how do we resurrect the myth and bring it into the 21st century with the same sparkle as in its golden age? Make it part of the zeitgeist without betraying it? Maxime d’Angeac, no stranger to masterpieces, takes us through his thinking: ‘It all began with sketches and models. Meticulous work. Just as before. By slipping into the shoes of its creators, from René Prou to Suzanne Lalique, I tried to reinterpret the history of this legendary train, without any nostalgia, but with the desire to extend its story, transport us elsewhere. As if in a dream. The dream is the leitmotif that runs through both the history of the train and the designer’s thinking. ‘The starting point for this fabulous project is a dream. A contemporary story in the wake of the Orient Express myth. A projection into an era, the 1920s. In the culture of luxury. And its craftsmen.’

« L’IMPOSSIBLE DOIT DEVENIR POSSIBLE, MALGRÉ LES APPARENCES. »

La simple évocation de son nom laisse entrevoir, dans l’esprit de tous, des horizons immenses : Orient Express. Le train le plus luxueux du monde laisse Paris derrière lui le 4 octobre 1883 et embarque pour son premier voyage. Un pari fou, celui de son fondateur Georges Nagelmackers qui, inspiré par son voyage aux Amériques, imagine un palace ambulant tirant un trait d'union entre les capitales européennes et les portes de l’Orient. Une épopée magique qui prend fin en 1977. Si par deux fois, le train historique a été ramené à la vie dans les années 80 (sous les noms de Nostalgie-Istanbul-Orient-Express et d’Extreme-Orient-Express), l’étincelle ne prend pas et l’Orient Express retombe dans la légende. Alors, comment ressusciter le mythe ? Le faire entrer dans le XXIe siècle avec le même éclat qu’à son âge d’or ? L’inscrire dans l’air du temps sans le trahir ? Maxime d’Angeac, qui n’en est plus à son premier coup de maître, déroule pour nous le fil de sa réflexion: « Tout a débuté autour de dessins, de croquis et de maquettes réalisés à la main. Un travail millimétré. Comme avant. En me glissant dans la peau de ses créateurs, de René Prou à Suzanne Lalique, j’ai tenté de réinterpréter l’histoire de ce train de légende, sans nostalgie aucune, mais avec le désir de prolonger son histoire, de nous transporter ailleurs. Comme dans un rêve. » Le rêve, c’est le leitmotiv qui traverse aussi bien l’histoire du train que la réflexion du designer. « Le point de départ de ce fabuleux projet est un rêve. Une histoire contemporaine qui s’inscrit dans le sillage du mythe Orient Express. Une projection dans une époque, les années 20. Dans la culture du luxe. Et de ses artisans. »

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Dining car © Maxime d'Angeac & Martin Darzacq for Orient Express, Accor.

RIGHT Train exterior day © Maxime d'Angeac & Martin Darzacq for Orient Express, Accor.

MOVEMENT AND SPACE AS RAW MATERIAL

‘The future Orient Express is first and foremost a technical challenge. It’s a complex object in motion, sacred to the beauty of rhythm, defined by the laws of gravity, criss-crossed by technological revolutions and the history of invention and design. These principles have given rise to an original, resolutely contemporary project.'

Places of encounters and surprises, the corridors of the future Orient Express are a theatre set in themselves . Under a vaulted ceiling, punctuated by ‘flowerlamps signed Lalique – original pieces salvaged from the Nostalgie-IstanbulOrient-Express – the graphic carpet gives rhythm to the space; everything here evokes movement. The large windows, like frames hanging over the passing landscapes, are adorned with embroidered curtains and support bars that are ideal for daydreaming.

We move from the space of sharing to that of intimacy: the bedroom. To counter the strict lines and planes of the train, Maxime d’Angeac introduces the figure of the circle, conveying softness and harmony. Everywhere, angles are rounded and witchcraft mirrors play with perspectives. The partitions are covered in precious woods and wall leather that reinterprets Suzanne Lalique’s famous ‘railmotif, while the headboards feature wooden embroidery combining mother-of-pearl beads and bronze. The niches are adorned with Lalique’s original ’Merles et Raisins panels, salvaged from the carriages of the Nostalgie-Istanbul-Orient-Express. On the elliptical shelves, newspapers, objects and travel souvenirs, bottle holders and glasses are cleverly arranged. Here again, movement and comfort are the key elements. During the day, settees and sofas invite travellers to rest and read; but when it’s time for the Great Transformation (the transition to the ‘nightconfiguration), they give way to a comfortable 2 × 1.40 metre bed – and a new dreamlike journey begins. With subtlety and ingenuity, the bathroom with sliding doors is adorned with marble, while a toilet and dressing room complete the precious furnishings.

Designing a space as atypical as the Orient Express carriages without compromising on luxury amenities is quite a challenge. For Maxime d’Angeac, the guiding principle has always been very clear: ‘a project on a human scale, inspired by the concept of the Modulor (a system of architectural proportions based on the golden ratio and standard human stature) established by Le Corbusier in 1945, with strict respect for the proportions at the source of the design, and the constant quest for comfort on board’.

LE MOUVEMENT ET L’ESPACE COMME MATIÈRE

« Le futur Orient Express est d’abord un défi technique. Un objet en mouvement, complexe, sacré par la beauté du rythme, défini par les lois de la gravité, traversé par des révolutions technologiques, par l’histoire des inventions et du design. De ces principes s’est construit un projet inédit, résolument contemporain. »

Lieux des rencontres et des surprises, les couloirs du futur Orient Express sont un décor de théâtre à eux seuls. Sous un plafond voûté, ponctué des lampes « fleurs » signées maison Lalique — pièces originales récupérées au sein du Nostalgie-IstanbulOrient-Express —, la moquette graphique rythme l’espace ; tout ici évoque le mouvement. Les larges fenêtres, comme des cadres suspendus sur les paysages qui défilent, se parent de rideaux brodés et de barres d’appui propices à la rêverie.

On passe de l’espace du partage à celui de l’intime : la chambre. Pour parer aux lignes et aux plans stricts du train, Maxime d’Angeac introduit la figure du cercle, porteuse de douceur et d’harmonie. Partout, les angles s’arrondissent et les miroirs sorcière s’amusent des perspectives. Les cloisons se couvrent de bois précieux et d’un cuir mural qui réinterprète le célèbre motif « rail » de Suzanne Lalique, tandis que les têtes de lits arborent des broderies de bois mêlant perles de nacre et bronze. Les niches se parent des panneaux Lalique « Merles et Raisins » originaux, ceux récupérés dans les voitures du Nostalgie-Istanbul-Orient-Express. Sur les tablettes en ellipse, journaux, objets et souvenirs de voyage, porte-bouteilles et verres trouvent d’astucieux agencements. Là encore, mouvement et confort s’imposent comme éléments clés. Durant la journée, canapé et sofa invitent les voyageurs au repos, à la lecture ; mais à l’heure de la Grande Transformation (le passage en configuration « nuit »), ils laissent place à un confortable lit de 2 x 1,40 mètre — c’est alors un nouveau voyage onirique qui commence. Avec subtilité et ingéniosité, la salle de bain à portes coulissantes se pare de marbre, tandis qu’un cabinet de toilette et un dressing viennent compléter l’aménagement précieux.

Agencer un espace aussi atypique que les voitures de l’Orient Express sans faire d’impasse sur les agréments du luxe relève du défi. Pour Maxime d’Angeac, la ligne directrice a toujours été très claire : « un projet à échelle humaine, inspiré par la notion du Modulor (système de proportions architecturales s’appuyant sur le nombre d’or et sur la stature humaine standard) établie par Le Corbusier en 1945, par le strict respect des proportions aux sources de la conception, et la recherche permanente du confort à bord. »

A LINK BETWEEN ERAS

More than just a journey through fabulous spaces and landscapes as they pass along the rails, it’s a journey through time that awaits guests aboard the Orient Express. One hundred and forty years after the launch of the first luxury trains, Maxime d’Angeac wanted first and foremost to pay tribute to the decorative codes of the 19th century. Large light domes in the Second Empire style, supported by four columns, cover the intimate lounges of the Voiture-Bar. From the rosewood to the marble covering the tables, from the bronze capitals to the shades of green, from the carpets to the armchairs, everything contributes to the hushed ambience and elegance of the place. Delightful detail: at each table, a clock signals the time for cocktails and dinner. The Bar – The centrepiece of the car, the bar has an all-glass counter revisits the symbols of the house, a real tribute to Lalique. Different eras converse here without contradicting each other, like travellers over a glass. Roundness, freedom, conviviality, it’s all here; and in the air, there’s something romantic… a whiff of adventure.

UN TRAIT D’UNION ENTRE LES ÉPOQUES

Plus qu’un voyage à travers des espaces fabuleux, paysages qui défilent au fil des rails, c’est un voyage à travers le temps qui attend les invités à bord de l’Orient Express. Cent quarante ans après le lancement des premiers trains de luxe, Maxime d’Angeac tient d’abord à rendre hommage aux codes décoratifs du XIXe. De larges coupoles de lumière au style Second Empire, soutenues par quatre colonnes, couvent les salons intimistes de la Voiture-Bar. Du bois de palissandre au marbre couvrant les tables, du bronze des chapiteaux au camaïeu de vert, de la moquette et des fauteuils, tout participe à l’ambiance feutré et à l’élégance du lieu. Délicieux détail : à chaque table, une pendule sonne l’heure du cocktail et du dîner. Le Bar — Pièce maîtresse de la voiture, le bar — s’offre quant à lui un comptoir tout en verre qui revisite les symboles de la maison, véritable hommage à Lalique. Différentes époques dialoguent ici sans se contredire, comme les voyageurs autour d’un verre. Rondeur, liberté, convivialité, tout y est ; et au fond de l’air, il y a quelque chose de romanesque… un parfum d’aventure.

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Suite sink © Maxime d'Angeac & Martin

Darzacq for Orient Express, Accor.

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Suite night © Maxime d'Angeac & Martin

Darzacq for Orient Express, Accor.

Spectacular and unexpected, the Restaurant Car of the future Orient Express plays with codes and blurs the lines. The charm of the past is combined with the present: here too, Maxime d’Angeac has reinterpreted Suzanne Lalique’s ‘rail’ motif, used on the partitions using the old stoneboard technique. Tablecloth-covered tables and wrap-around armchairs line up and are reflected on the shimmering ceiling, lit by lamps with shades inspired by the original models. In the kitchen, the chef and his brigade are busy working behind a glass wall. From the dining room, you can see the choreography taking place, glimpsing the meticulousness of each gesture without revealing the secret.

Entering the 21st century without betraying his heritage, making something new out of something old, making technical prowess inseparable from the objet d’art, setting the myth in motion… Maxime d’Angeac, an excellent craftsman of complexity, manages to reconcile all the paradoxes of the Orient Express. He is one of those people you call for his ideas, because he is known to be iconoclastic and totally dedicated to his projects. In writing a new chapter in the history of the legendary train, he has created, in his own words: ‘A recomposed past, free of all fashions, to transport us into an atmosphere devoid of the superfluous, where every detail has meaning. In the end, a picture to dream about, conceived as an embassy of luxury à la Française, a refined showcase sublimated by the skills and talents of the finest French craftsmen’.

Spectaculaire et inattendue, la Voiture-Restaurant du futur Orient Express se joue des codes et brouille les pistes. Le charme du passé se conjugue au présent : là encore, Maxime d’Angeac réinterprète le motif « rail » de Suzanne Lalique, décliné sur les cloisons grâce à la technique ancienne du carton-pierre. Des tables nappées et des fauteuils enveloppants s’alignent et se reflètent sur le plafond miroitant, éclairé par des lampes à abat-jour s’inspirant des modèles originaux. En cuisine, le chef et sa brigade s’affairent derrière une paroi en verre. Depuis la salle, on devine la chorégraphie qui s’y déroule, on entr’aperçoit la minutie de chaque geste sans pour autant en éventer le secret.

Entrer dans le XXIe siècle sans trahir son héritage, faire du nouveau avec de l’ancien, rendre la prouesse technique indissociable de l’objet d’art, mettre le mythe en mouvement… Maxime d’Angeac, en excellent artisan de la complexité, parvient à concilier tous les paradoxes de l’Orient Express. Il est de ceux que l’on appelle pour ses idées, parce qu’on le sait iconoclaste et entièrement dévolu à ses projets. En écrivant un nouveau chapitre du train légendaire, il donne à voir, selon ses mots : « Un passé recomposé, qui s’affranchit de toutes les modes, pour nous transporter dans une ambiance dénuée de superflu, où chaque détail trouve un sens. Au final, un tableau pour rêver, pensé comme une ambassade du luxe à la Française, un écrin raffiné, et sublimé par le savoir-faire et les talents des meilleurs artisans français. »

When design speaks volumes Arcola STUDIO

Arcola Studio, a young London-based architectural practice, was born out of the passion of two friends shared a passion for creating furniture and spaces of the highest quality and elegance. This year, the studio has decided to take on a new look, unveiling its new identity and, at the same time, its new ambitions. Large-scale projects, unique creations, the poetry of purity, responsible commitments… Welcome to the urban chic world of Arcola Studio. By Eduardo Costerg

Jeune cabinet d’architecture londonien, Arcola Studio est née de la passion de deux amis animés d’une même passion : la création de meubles et d’espaces placés sous le signe de la qualité et de l’élégance. Cette année, le studio a décidé de faire peau neuve et dévoile sa nouvelle identité et, par la même occasion, ses nouvelles ambitions. Projets d’envergures, créations uniques, poésie de l’épure, engagements responsables… Bienvenue dans l’univers urban chic d’Arcola Studio.

"TALENT WITH TWO T'S

The studio's story began in 2017, under the impetus of two friends, Tom Mackenzie-Burrows and Sami Jalili. The former is an interior designer, and the latter has a wealth of experience in academia, contemporary art and publishing: two singular visions, two complementary talents who embark on a wild creative adventure.

Initially, Arcola Studio's business focused primarily on furniture design, but the firm had a flair for expanding its field of action and put the full range of its talents to the test to seize golden opportunities. Initially approached by a young music label - a collaboration that would launch the firm's success - the two designers moved into the world of hotels, designing offices and commercial premises, and launched into the creation of studios in the King's Cross district. One thing is certain, word of mouth has quickly spread and the collaborations follow one another without resembling one another.

Although creating space is part of Arcola Studio's business, designing bespoke furniture - the two friends' starting point - is at the heart of every project. The studio prepares a capsule collection of unique pieces that reflect the essence and philosophy of the designers.

COMMITMENT AS A DRIVER OF EXCELLENCE

The refined vision of interior design embodied by Arcola studio is underpinned by sustainable practices that run through every stage of its creative process. Using eco-friendly and recycled materials, working closely with local craftspeople to support the regional economy and highlighting traditional know-how: the designers take great pride in making every project an opportunity to combine aesthetics, innovation and environmental responsibility.

To achieve this quest for excellence, Arcola carefully selects its partners to ensure that, from start to finish, everything is calibrated around the values it holds dear. In particular, the studio relies on the expertise of Yarn Collective, a London-based supplier committed to using natural and recycled fibres such as cotton, linen, hemp and jute.

« TALENT » AVEC DEUX « T »

L’histoire du studio commence en 2017, sous l’impulsion de deux amis, Tom Mackenzie-Burrows et Sami Jalili. Le premier est architecte d’intérieur, et l’autre riche d’une expérience dans l’univers académique, de l’art contemporain et de l’édition : deux visions singulières, deux talents complémentaires qui se lancent dans une folle aventure créative.

Si initialement, l’activité Arcola Studio se concentre avant tout autour la création de mobilier, le cabinet a du flair et n’a pas peur d’étendre son champ d’action et met à l’épreuve tout l’éventail de ses talents pour saisir des occasions en or. D’abord sollicités par un jeune label de musique — collaboration qui lancera le succès du cabinet —, les deux créateurs s’immiscent dans le monde de l’hôtellerie, conçoivent des bureaux et des locaux commerciaux, et se lancent dans la réalisation de studios dans le quartier de King’s Cross. Une chose est certaine, le bouche-à-oreille a rapidement pris et les collaborations se succèdent sans se ressembler.

Bien que la création d’espace occupe une partie de l’activité d’Arcola Studio, la conception de mobilier sur mesure — point de départ des deux amis — s’inscrit au cœur de chaque projet.

Le studio prépare une collection capsule de pièces uniques qui traduisent l’essence et la philosophie des créateurs.

L’ENGAGEMENT COMME MOTEUR D’EXCELLENCE

La vision raffinée du design d’intérieur qu’incarne Arcola studio s’appuie sur sur des pratiques durables qui traversent chaque étape de son processus créatif. Utilisation de matériaux écologiques et recyclés, collaboration étroite avec des artisans locaux pour soutenir l’économie régionale et mise en lumière sur le savoir-faire traditionnel : les créateurs mettent un point d’orgue à faire de chaque projet l’opportunité d’allier esthétisme, innovation et responsabilité environnementale.

Pour mener à bien cette quête d’excellence, Arcola sélectionne minutieusement ses partenaires pour que d’un bout à l’autre du processus, tout soit calibré autour des valeurs qui lui tiennent à cœur. Le studio fait notamment confiance au savoir-faire de Yarn Collective, un fournisseur londonien engagé dans l’utilisation de fibres naturelles et recyclées, telles que le coton, le lin, le chanvre et le jute.

MULTIPLE PROJECTS, A UNIQUE STYLE

The studio's current major project is the development of three houses in the Scottish Highlands. Once again, the studio's commitment to responsible design is at the forefront of the two designers' thinking - as are the timber frames for the buildings, which are derived renewable sources.

But this is not the firm's first project! It has already worked miracles on a former factory dating from 1950, which was converted into a workplace in the 2000s by designer Ross Lovegrove. The building, tucked away in the backstreets of Notting Hills, is no stranger to spectacular transformations, and the stakes are high! Arcola's mission is to reimagine this atypical space by creating interiors that blend warmth and elegance with refined details and technology. But above all, it was a question of paying homage to the history and original purpose of the building by preserving the elements that give it its soul, such as Lovegrove's 'DNA' spiral staircase. Extending certain aspects of the original palette, carefully selecting a number of period pieces, creating bespoke furniture… nothing was left to chance to make the project a great success. The future looks bright for these young designers!

PROJETS PLURIELS, PATTE SINGULIÈRE

Le grand projet qui met actuellement le studio en effervescence, c’est le développement de trois maisons dans les Highlands écossaises. Une fois encore, l’engagement responsable du studio tient une place prépondérante dans la réflexion des deux créateurs — comme les ossatures en bois des constructions issues de sources renouvelables.

Mais le cabinet n’en est pas à son premier projet ! Il avait déjà fait des miracles dans une ancienne usine de 1950 réhabilitée de lieux de travail dans les années 2000 par le designer Ross Lovegrove. Le bâtiment, niché dans les ruelles de Notting Hills, n’est donc pas étranger aux transformations spectaculaires et l’enjeu et de taille ! La mission d’Arcola consiste à réimaginer cet espace atypique par la création d’intérieurs, mêlant chaleur et élégance, détails épurés et technologiques. Mais plus que tout, il s’agit de rendre hommage à l’histoire et à la vocation initiale du bâtiment en conservant les éléments qui lui donnent son âme, comme l’escalier en spirale « DNA » de Lovegrove. Prolongation de certains aspects de la palette originale, sélection minutieuse de quelques pièces d’époque, création de mobilier sur mesure… rien n’est laissé au hasard pour faire du projet un beau succès. L’avenir s’annonce radieux pour les jeunes créateurs !

Harmony of sound curves CLARAVAL

By fusing art, technology and sound, Claraval is pushing back the boundaries of ceramics. Since its creation, the Portuguese brand has created sculptural pieces in which curves come to life under the influence of music and sound. Through unique collaborations, such as that with singer Sónia Tavares, its works become immersive sensory experiences, where ceramics become a reflection of human emotions. By

Claùdia Ferreira

En fusionnant art, technologie et son, Claraval repousse les frontières de la céramique. Depuis sa création, la marque portugaise donne vie à des pièces sculpturales où les courbes prennent vie sous l’influence de la musique et des sons. Avec ses collaborations uniques, comme celle avec la chanteuse Sónia Tavares, ses œuvres deviennent des expériences sensorielles immersives, où la céramique devient le reflet des émotions humaines.

In the sacred silence of the monastery of Santa Maria d'Alcobaça, north of Lisbon, a powerful voice echoes: that of Portuguese fadist Sónia Tavares. The melancholy notes carried by the Saudade take shape in fascinating organic geometries, modelled in 3D, giving rise to unique ceramic pieces, with elegant curves and imbued with musicality, for the Monastère collection. Claraval's work redefines the boundaries of craftsmanship, combining traditional knowhow with technological innovation.

Claraval has teamed up with Perpetua Pereira & Almeida (PPA) and Skopelab to push back the boundaries of ceramics and create pieces that are both sculptural and sensorially fascinating. Based in Alcobaça, PPA embodies traditional craftsmanship with its complex, technically advanced decorative ceramics. Skopelab, meanwhile, is an innovation laboratory pioneering the use of sound to create 3D shapes, a technology developed by Mark Lloyd. He explains: "I wanted to find a way of transforming sound - its rhythms and harmonies - into three-dimensional shapes. After several years' work, I was able to capture the sounds and convert their frequencies into shapes using an algorithm that I devised". Once this stage has been completed, PPA takes the 3D model, prints it, creates a mould and produces the ceramic piece.

Dans le silence sacré du monastère de Santa Maria d'Alcobaça, au nord de Lisbonne, résonne une voix puissante : celle de la fadiste portugaise Sónia Tavares. Les notes empreintes de mélancolie, portées par la Saudade, prennent forme à travers des géométries organiques fascinantes, modelées par la 3D, donnant ainsi naissance à des pièces en céramique uniques, aux courbes élégantes et imprégnées de musicalité, pour la collection Monastère. Avec ses œuvres, Claraval redéfinit les frontières de l’artisanat en alliant savoir-faire traditionnel et innovations technologiques. Pour repousser les limites de la céramique et créer des pièces à la fois sculpturales et sensoriellement fascinantes, Claraval s’est associée à Perpetua Pereira & Almeida (PPA) et Skopelab. Située à Alcobaça, PPA incarne l’artisanat traditionnel avec ses céramiques décoratives à la fois complexes et techniquement avancées. Skopelab, quant à elle, est un laboratoire d'innovation pionnier dans l’utilisation du son pour créer des formes en 3D, une technologie développée par Mark Lloyd. Ce dernier explique : « Je voulais trouver un moyen de transformer le son — ses rythmes et harmonies — en formes tridimensionnelles. Après plusieurs années de travail, j'ai réussi à capturer les sons et à convertir leurs fréquences en formes grâce à un algorithme que j'ai conçu. »

Une fois cette étape accomplie, PPA prend le modèle 3D, l’imprime, crée un moule et produit la pièce en céramique.

TECHNOLOGY MEETS DEEP CERAMIC TRADITION

"To give shape to this unprecedented process, I turned to PPA, firstly because a large part of my life is here in Portugal," confides Mark Lloyd. "Secondly, because there is a long tradition of ceramics in the country, with a highly developed infrastructure. Many top designers and brands come to Portugal to work with its craftsmen, attracted by the expertise that is an integral part of the local culture. This deep-rooted tradition of ceramic production seemed to us to be an ideal combination."

From this fusion of art, Portuguese know-how, science and technology come living works of art where the environment and human emotions communicate to tell stories such as 'The Gift'. A tribute to Portuguese singer Sónia Tavares, this piece was the centrepiece of the Sound-Made event at Coletivo 284 gallery in Lisbon in September 2024. For the occasion, visitors were treated to an immersive and unique experience in which the ceramic was created live, accompanied by musical performances from artist Mia Benita.

AN ARTISTIC JOURNEY

In the world of art and design, Claraval has gone from strength to strength since its first appearance on the international stage at Portugal Home Week in 2023. After attracting attention there for its innovative approach to decorative ceramics, the brand was selected for the Trends+ exhibition, reserved for the most avant-garde projects, at Ambiente 2024 in Frankfurt. The brand's participation in one of the world's leading trade fairs for interior decoration and design marked a real turning point in its history. Now with an international reach, Claraval is attracting customers in the United States, Lebanon, Germany, France, Dubai, Jordan and beyond. "It's a unique project, and it's that uniqueness that attracts attention. Since the birth of the brand, four public collections have been created: the Monastery collection, the Mia collection, the Foz collection (registered at Foz do Douro), and recently, a new collection entitled Forbidden Fruit. "The latter was produced using the same algorithm, but instead of recording sounds, we use magnetic fields as input. This adds a new dimension to what Claraval does. Looking to the future, Claraval continues to explore new approaches while remaining true to its values: creating works that are aesthetically pleasing, full of history and emotion.

LA TECHNOLOGIE À LA RENCONTRE DE LA TRADITION CÉRAMIQUE PROFONDE

« Pour donner forme à ce processus inédit, je me suis tourné vers PPA, d’abord parce qu’une grande partie de ma vie est ici, au Portugal », confie Mark Lloyd. « Ensuite, parce qu'il existe une longue tradition de céramique dans le pays, avec des infrastructures très développées. De nombreux grands créateurs et marques viennent au Portugal pour collaborer avec ses artisans, attirés par l'expertise qui fait partie intégrante de la culture locale. Cette tradition de production céramique, profondément ancrée, nous a semblé être une combinaison idéale. »

De cette fusion de l’art, du savoir-faire portugais, de la science et de la technologie naissent des œuvres d'art vivantes où l’environnement et les émotions humaines communiquent pour raconter des histoires telles que “The Gift”. En hommage à la chanteuse portugaise Sónia Tavares, cette pièce a été au centre de l'événement Sound-Made à la galerie Coletivo 284, à Lisbonne, en septembre 2024. Pour l’occasion, les visiteurs ont pu vivre une expérience immersive et inédite où la céramique était créée en direct, accompagnée des prestations musicales de l’artiste Mia Benita.

UN VOYAGE ARTISTIQUE

Dans le monde artistique et du design, Claraval ne cesse de renforcer sa place depuis sa première apparition sur la scène internationale lors de la Portugal Home Week en 2023. Après y avoir attiré l’attention pour son approche novatrice de la céramique décorative, la marque est sélectionnée pour l’exposition Trends+, réservée aux projets les plus avant-gardistes, lors de l’Ambiente 2024 à Francfort. Sa participation à l'un des plus grands salons internationaux dédiés à la décoration intérieure et au design marque alors un véritable tournant dans son histoire. Rayonnant désormais à l’international, Claraval séduit des clients aux ÉtatsUnis, au Liban, en Allemagne, en France, à Dubaï, en Jordanie et bien au-delà. « C’est un projet unique et c’est cette unicité qui attire l’attention. » Depuis la naissance de la marque, quatre collections publiques ont pu voir le jour : la collection Monastery, la collection Mia, la collection Foz (enregistrée au Foz do Douro), et récemment, une nouvelle collection intitulée Forbidden Fruit. « Cette dernière a été réalisée en utilisant le même algorithme, mais au lieu d’enregistrer des sons, nous utilisons des champs magnétiques comme entrée. Cela ajoute une nouvelle dimension à ce que fait Claraval. » Tournée vers l’avenir, Claraval continue à explorer de nouvelles approches tout en restant fidèle à ses valeurs : créer des œuvres esthétiques, remplies d’histoire et d’émotion.

SKNIFE Knife-making with the

precision of a watch

Sknife is celebrating its 10th anniversary as a pioneer in Swiss cutlery craftsmanship! For a decade, the Biel-based company has been synonymous with precision and perfection. Winner of 4 international design awards, Sknife knives grace the tables of the world's most renowned hotels and restaurants, with over 300 Michelin stars.

LIMITED AND SPECIAL JUBILEE EDITIONS

To celebrate this milestone, Sknife is presenting exclusive limited and special editions. The limited edition d amask pocket knife features a hand-selected driftwood handle and a stainless blade made from 800-layer torsion d amask steel - each piece highlights the uniqueness of the material. The perfect harmony between torsion d amask and the exceptional grain of driftwood. The special edition of the steak knife set with surgical steel blade also impresses with its driftwood handle - a magnificent work of art crafted over many years by the water.

SYNONYMOUS WITH QUALITY AND INNOVATION

The design of the steak knife - developed in collaboration with leading Swiss chefs - features a non-contact cutting edge, perfect weight distribution and an elegant shape. Based on drawings, the first prototype was made in raw steel by Hansjörg Kilchenmann, a friend of his who is a cutler in Basel.

Sknife fête ses 10 ans jouant un rôle pionnier dans l‘artisanat de la coutellerie suisse! Depuis une décennie, la manufacture biennoise est synonyme de précision et de perfection. Avec une pluie de récompenses de 4 prix design internationaux, les couteaux Sknife ornent les tables des hôtels & restaurants les plus renommés du monde avec plus de 300 étoiles Michelin.

ÉDITIONS LIMITÉES ET SPÉCIALES POUR LE JUBILÉ

Pour célébrer cette étape importante, Sknife présente des éditions limitées et spéciales exclusives. L‘édition limitée du couteau de poche en damas séduit par son manche en bois flotté sélectionné à la main et sa lame inoxydable en acier damas torsion en 800 couches – chaque pièce souligne le caractère unique du matériau.

L‘harmonie parfaite entre le damas de torsion et les veines exceptionnelles du bois flotté. L‘édition spéciale du set de couteaux à steak avec lame en acier chirurgical séduit également par son manche en bois flotté - une magnifique oeuvre d‘art façonnée par l‘eau pendant des années.

SYNONYME DE QUALITÉ ET D‘INNOVATION

Le design du couteau à steak – développé en collaboration avec des grands chefs suisses renommés – se caractérise par une arête de coupe sans contact, une répartition parfaite du poids et une forme élégante. Basé sur des dessins, le premier prototype a été réalisé en acier brut de Hansjörg Kilchenmann, un ami coutelier à Bâle.

SWISS CUTLERY CRAFTSMANSHIP AND STABILISED WOOD FOR GLOBAL SUCCESS

In addition to sophisticated design and precision craftsmanship, the international breakthrough is also based on two new technological processes: Sknife pioneered the industrial forging of surgical and damask steel knives in Switzerland, and the stabilisation of Swiss wood to make it suitable for gastronomy. As a result, knives and cutlery are also well established in seaside hotels and on yachts, in colours to match the interior. From the forging of the hot steel in the Emmental and the working of the local wood in Neuenegg to the final sharpening of the blade, the knives are made in the traditional way. The knives are finished and sharpened by hand at the sknife knife factory in Biel by Timo Müller and his team.

From the complex manufacture of knives to the personalisation of engravings, precision sharpening equipment and maintenance kits, Sknife offers everything you need for everyday knife use. Upgrade: polishing leather infiltrated with 5-micron diamonds gives razor-sharp results for pocket knives and high-quality kitchen knives. The Sknife factory aspires to become a place dedicated to the art of cutlery; more and more knife collectors are coming to Bienne, in particular to take part in the monthly "Open Manufacture" tours.

L’ARTISANAT DE LA COUTELLERIE SUISSE ET LE BOIS STABILISÉ POUR UN SUCCÈS MONDIAL

Outre le design sophistiqué et la précision artisanale, la percée internationale repose également sur deux nouveaux procédés technologiques : Sknife a été le pionnier du forgeage industriel de couteaux en acier chirurgical et damassé en Suisse, ainsi que de la stabilisation du bois suisse, afin de le rendre apte à la gastronomie. Ainsi, les couteaux et les couverts sont également bien établis dans les hôtels en bord de mer et sur les yachts, dans des couleurs assorties à l‘intérieur. Du forgeage de l‘acier chaud dans l‘Emmental et du travail du bois local à Neuenegg jusqu‘au dernier affûtage de la lame, les couteaux sont fabriqués à la main en Suisse. La finition et l’affilage à la main sont effectués dans la manufacture de couteaux sknife à Bienne par le coutelier Timo Müller et son équipe.

De la manufacture complexe des couteaux à la personnalisation de gravures, à l’appareil d’aiguisage de précision et du kit d‘entretien, Sknife propose tout ce qu‘il faut pour l‘utilisation quotidienne des couteaux. Upgrade: le cuir de polissage infiltré de diamants de 5 microns permet d‘obtenir une netteté de rasoir pour les couteaux de poche ainsi que pour les couteaux de cuisine de haute qualité. La manufacture Sknife aspire à devenir un lieu dédié à l’art de la coutellerie ; de plus en plus de collectionneurs de couteaux se rendent à Bienne, notamment pour participer aux visites mensuelles de la « Manufacture ouverte ».

ALFA ROMEO 33 STRADALE

DARING TO DREAM

Alfa Romeo is delighted to announce the rebirth of the “fuoriserie” (custom-built) 33 Stradale, a veritable manifesto of the Italian brand’s capabilities – now and in the future – in terms of style and driving experience. Made in only 33 exclusive units, according to a unique artisan process, the new two-seat coupé combines the brand’s heritage and future as the symbol of noble Italian sportsmanship.

Alfa Romeo a le plaisir d'annoncer la renaissance de la « fuoriserie » 33 Stradale, véritable « manifeste » du savoir-faire de la marque italienne - aujourd'hui et demainen termes de style et d'expérience de conduite. Fabriquée à seulement 33 exemplaires exclusifs, selon un processus artisanal unique, le nouveau coupé « biplace » allie l'héritage et l'avenir de la marque, symbole de la noble sportivité italienne.

To make a dream come true, the essential ingredients are a good dose of courage and a pinch of healthy madness. This was the same recipe used for the car considered by many to be among the most beautiful ever: the 33 Stradale, launched in 1967. Today, with the same boldness and vision, the Alfa Romeo team has designed and developed the new 33 Stradale, an authentic work of art in motion, the perfect combination of beauty and technology. Its goal is to provide the most exciting driving experience and the immortal charm of an icon to a very small circle of enthusiasts, who have believed in the project from the outset. The new 33 Stradale was created at the newly founded Alfa Romeo Bottega, where, following in the footsteps of Renaissance artisan boutiques and the 1960s workshops of renowned Italian coachbuilders, the brand’s designers, engineers and historians listened to potential buyers, before producing the car to their specification.

Pour qu'un rêve devienne réalité, l'ingrédient essentiel est une bonne dose de courage et une pincée de saine folie. C'est la même recette que pour la voiture considérée par beaucoup comme l'une des plus belles de tous les temps, la 33 Stradale, lancée en 1967. Aujourd'hui, avec la même audace et la même vision, l'équipe Alfa Romeo a conçu et développé la nouvelle 33 Stradale, une authentique œuvre d'art en mouvement, fruit de l'alliance parfaite entre la beauté et la technologie. L’objectif de la marque est d'offrir l'expérience de conduite la plus excitante et le charme immortel d'une icône à un cercle très restreint de passionnés, qui ont cru à ce projet depuis ses débuts. La nouvelle 33 Stradale a été créée dans la toute nouvelle « Bottega » Alfa Romeo, où designers, ingénieurs et historiens de la marque ont d'abord écouté les acheteurs potentiels, puis ont produit la voiture ensemble, exactement comme dans les boutiques des artisans de la Renaissance ou dans les ateliers des carrossiers italiens de renom des années 1960.

THE EPITOME OF NECESSARY BEAUTY

Produced by the Alfa Romeo Centro Stile, the new 33 Stradale is inspired by the historic 1967 model enriching its sculptural beauty with elements from the new Alfa Romeo design language. The exterior features a perfect balance of proportions, volumes and processing of the surfaces, epitomising the necessary beauty of Alfa Romeo, the creative principle inherent in the brand's DNA that sees aesthetics and technique profoundly intertwine. The front has a powerful and muscular volume, where the standout features are the iconic Scudetto shield and the lights with their complex form and elliptical base. The profile is dynamic and slender, with butterfly doors and two large air inlets on the side. The body is projected forward, with surfaces modelled according to the typical formal Alfa Romeo expression. The corner opening doors and the large wraparound sunroof allow the driver to enjoy a unique view, reminiscent of and airplane cockpit. The brutal rear is balanced by the sinuous front and the maximum height is not at the level of the windscreen, as on any other sports car, but in the middle of the roof. The rear area expresses the strength of the car courtesy of the truncated tail, V-shaped graphic and round rear light clusters. The aerodynamic efficiency is confirmed by a Cx (aerodynamic drag

LA PLUS HAUTE EXPRESSION DE LA « BEAUTÉ NÉCESSAIRE »

Produite par le Centro Stile Alfa Romeo, la nouvelle 33 Stradale s'inspire du modèle historique de 1967 tout en enrichissant sa beauté sculpturale d’éléments de design issus du nouveau langage stylistique de la marque. L'extérieur présente un équilibre parfait entre les proportions, les volumes et le traitement des surfaces, devenant ainsi la plus haute expression de la « beauté nécessaire » selon Alfa Romeo. L'avant présente un volume puissant et musclé, où se distinguent le bouclier iconique et les formes complexes des feux à base elliptique. Le profil est dynamique et élancé, avec des portes à ouverture en élytre et deux grandes entrées d'air sur les côtés. La carrosserie est projetée vers l'avant, avec des surfaces modelées selon les critères typiques de l'expression formelle d'Alfa Romeo. En outre, grâce à l'ouverture en coin des portes et au grand toit ouvrant enveloppant, le conducteur peut jouir d'une vue exceptionnelle, très semblable à celle que l'on a dans le cockpit d'un avion. La vision d'ensemble offerte par l'ouverture du capot et des portes rehausse l'aspect esthétique de la voiture. L'arrière, « brutal », est équilibré par un avant sinueux. Quant à la hauteur maximale, elle ne se situe pas au niveau du parebrise, comme sur n'importe quelle autre voiture de sport, mais au milieu du toit. L'arrière, en particulier, exprime la force de

coefficient) of 0.375 at zero Cz (downforce) – for precise handling without the aid of active systems. The interiors are also distinguished by this minimalist approach to design and materials, designed to provide the most engaging driving experience. The cockpit was designed to minimise components that could distract the driver, as seen in the limited number of controls on the centre console all with a practical use when driving. Directly ahead of the driver is a display, the 3D telescopic design engages the driver in a first-of-its-kind interaction. The steering wheel, devoid of all its usual buttons, enhances the experience and put the focus on the pure pleasure of driving. As in an airplane cockpit, the controls are located at different levels, in the low centre console and on a higher plane, installed in the central lining on the inside of the roof. The interior is available in two trims: Tributo and Alfa Corse. The aviation-inspired dashboard and central tunnel employ materials such as aluminium, carbon fibre, leather and Alcantara. The wraparound seats reinterpret those of its forerunner, ensuring comfort and ergonomics. Every detail is designed to create an exclusive and engaging environment, maintaining the aesthetic and technical heritage of the 1967 33 Stradale.

la voiture avec sa « coda tronca », un dessin en « V » et des feux arrière ronds. L'efficience aérodynamique est confirmée par un Cx de 0,375 à Cz zéro (downlift) – résultat d’un réglage précis, sans l'aide de systèmes actifs. L’intérieur se distingue aussi par le minimalisme du design et des matériaux, tous conçus dans le but de maximiser l'expérience de conduite. Le cockpit, en particulier, a été conçu afin de minimiser les éléments susceptibles de distraire le conducteur, comme en témoigne le nombre limité de commandes utiles à la conduite, et que l'on trouve sur la console centrale. Devant le conducteur, un écran enchâssé dans un « cannocchiale » 3D permet une interaction unique en son genre. Le volant, dépourvu des commandes habituelles, offre une expérience de pur plaisir de conduire. Comme dans un cockpit d'avion, les commandes sont situées à différents niveaux, sur la console centrale basse et sur une console haute située sur le pavillon central. L’intérieur est disponible en deux niveaux de finition : « Tributo » et « Alfa Corse ». Le tableau de bord et le tunnel central, inspirés de l'aviation, utilisent des matériaux tels que l'aluminium, la fibre de carbone, le cuir et l'Alcantara. Les sièges enveloppants réinterprètent ceux de la 33 Stradale historique, garantissant confort et ergonomie. Chaque détail est conçu pour créer un environnement exclusif et attrayant, tout en conservant l'héritage esthétique et technique de la 33 Stradale de 1967.

CARDOK Innovation that never says no

Founded in 2005, Cardok is revolutionising the way we park our cars, combining cutting-edge engineering, sophisticated innovation and refined luxury. It all started with a simple article in a local Bristol newspaper… a real wake-up call for Patrick Martin, engineer and cofounder with his wife Monika. She will manage the company, allowing her husband to develop new products and innovative solutions. This concept, imagined as a way of providing an underground showcase for our cars, quickly became a reality. What began as a daring idea has grown into an international company serving an exceptional clientele. By Helena Perdoux-Frances

Fondée en 2005, la société Cardok révolutionne la manière de stationner nos voitures, mariant ingénierie de pointe, innovation sophistiquée et luxe raffiné. A la genèse de cette aventure, un simple article dans un journal local de Bristol… véritable déclic pour Patrick Martin, ingénieur et cofondateur avec son épouse Monika. Cette dernière prendra en main la gestion de la société, laissant à son mari, le développement des nouveaux produits et des solutions innovantes. Ce concept, imaginé afin d'offrir un écrin souterrain à nos voitures, s'est rapidement concrétisé. Ce qui n'était qu'une idée audacieuse s'est transformé en une entreprise internationale, au service d'une clientèle d'exception.

PASSION AS MOTIVATION

Driven every day by an insatiable passion and the desire to take on previously unsolved challenges, Patrick Martin is dedicated to identifying the surprising aspirations of demanding clients. He works closely with architects, proposing new and sophisticated solutions… These same architects, through their expertise, contribute to the company's unique prestige.

FROM BRISTOL TO GENEVA, TRAVELLING THE WORLD

After buying the company, this entrepreneurial couple moved its headquarters to Switzerland, taking advantage of its connections with Poland, thanks to Monika's origins, to manufacture its made-to-measure products there. In a short space of time, Cardok has become a company with international status, installing its solutions all over the world. From St Barth's in the Caribbean to Auckland, New Zealand, Sydney, Singapore and the Middle East, Cardok has set the standard.

INNOVATION FOR URBAN DEVELOPMENT

With strong urban growth, traditional garage access ramps have entered a phase of programmed obsolescence. The Carlift system makes it possible to optimise space and give homes a certain aesthetic appeal. In Geneva, for example, these ramps are about to be banned, and car lifts are proving to be an ideal solution. This apparently simple technical process uses hydraulic scissors or, for more ambitious projects, rigid chain technology taken from the world of theatre. This means that heavy platforms can be lifted with no limits on size or weight. After searching the world over for the answer to its questions, Geneva has finally travelled a few kilometres to unearth the rare gem…

DISCREET CUSTOMISATION

For many affluent homeowners, owning a Cardok is more than just acquiring cutting-edge technology. Like the sophisticated gadgets of James Bond, it offers much more than increased security for their vehicle: it transforms their home into a remarkable place. A finely integrated premium parking solution gives the home a secret and luxurious dimension, reminiscent of the intrigues of Britain's most famous spy. This unique combination of luxury, personalisation and security appeals to both private customers and co-owners of prestigious buildings.

LA PASSION POUR MOTIVATION

Animé chaque jour par une passion insatiable et le désir de relever des défis jusqu’alors irrésolus, Patrick Martin se consacre à l'identification des aspirations surprenantes de clients exigeants. Il collabore étroitement avec des architectes, leur proposant des solutions inédites et sophistiquées… Ces mêmes architectes, par leur expertise, contribuent au prestige unique de l’entreprise.

DE BRISTOL À GENÈVE, PARCOURIR LE MONDE

Après avoir racheté la société, ce couple d’entrepreneurs a déplacé son siège en Suisse, profitant de ses connexions avec la Pologne, grâce aux origines de Monika, pour y fabriquer ses produits sur mesure. En peu de temps, Cardok est devenue une entreprise au statut international, qui installe ses solutions dans le monde entier. De Saint-Barth, aux Caraïbes, à Auckland, en NouvelleZélande, en passant par Sydney, Singapour et le Moyen-Orient, Cardok est devenue la référence en la matière.

UNE INNOVATION AU SERVICE DE L’URBANISATION

Avec une forte croissance urbaine, les rampes d’accès aux garages traditionnelles sont entrées dans une phase d’obsolescence programmée. Le système Carlift permet d’optimiser l’espace et d’offrir un certain esthétisme aux résidences. À Genève, par exemple, ces rampes sont en passe d’être interdites, et les ascenseurs pour voitures se révèlent être une solution idéale. Ce procédé technique, simple en apparence, utilise des ciseaux hydrauliques, ou, pour les projets plus ambitieux, une technologie de chaine rigide, issue du monde du théâtre. Cela permet de lever de lourdes plateformes, sans limite de taille ni de poids. Genève justement, qui après avoir interrogé le monde entier pour trouver réponse à ses questionnements, a finalement parcouru quelques petits kilomètres pour dénicher la perle rare…

UNE PERSONNALISATION EN TOUTE DISCRÉTION

Pour de nombreux propriétaires fortunés, posséder un Cardok transcende la simple acquisition d'une technologie de pointe. À l'image des gadgets sophistiqués de James Bond, il offre bien plus qu'une sécurité accrue pour leur véhicule : il transforme leur résidence en un lieu remarquable. Une solution de parking premium, intégrée avec finesse, confère à la maison une dimension secrète et luxueuse, rappelant les intrigues de l'espion britannique le plus célèbre. Cette alliance unique de luxe, de personnalisation et de sécurité, séduit aussi bien les clients privés que les copropriétaires d'immeubles prestigieux.

PRIORITY TO AESTHETICS

Beyond its technological excellence, Cardok stands out for its refined design and harmonious integration into modern architecture. Each system is designed to enhance the aesthetics of a home, transforming the solution into a discreet and distinguished design element. This careful integration not only provides a premium parking experience, but also helps to enhance property values. For customers looking for luxury and a long-term investment, Cardok represents the perfect blend of innovation, architectural elegance and asset enhancement.

INNOVATION WITHOUT LIMITS

Visionary and daring, the founders of Cardok cultivate the art of turning the impossible into reality. Each project is an invitation to push back the boundaries of engineering and design, whether it involves lifting exceptional vehicles or even aircraft. Monika and Patrick Martin take on each challenge with absolute precision, adapting their creations to the most stringent demands, while complying with the most demanding local standards.

A FUTURE WITHOUT BORDERS

Driven by infinite ambition, Patrick and Monika are boldly looking to the future. While Cardok has already made its mark in Europe and internationally, the United States is the next territory to be conquered. Driven by a constant quest for innovation and uncompromising standards, the company continues to grow, affirming its status as a benchmark in the world of luxury and sovereign engineering.

EXCELLENCE AT THE SERVICE OF DREAMS

PRIORITÉ À L’ESTHÉTISME

Au-delà de son excellence technologique, Cardok se distingue par son design raffiné et son intégration harmonieuse dans l'architecture moderne. Chaque système est conçu pour sublimer l'esthétique des résidences, transformant cette solution en un élément de design discret et distingué. Cette intégration soignée offre non seulement une expérience de stationnement haut de gamme, mais contribue également à rehausser la valeur immobilière des biens. Pour les clients en quête de luxe et d'investissement pérenne, Cardok représente la parfaite alliance entre innovation, élégance architecturale et valorisation patrimoniale.

UNE INNOVATION SANS LIMITES

Visionnaires et audacieux, les fondateurs de Cardok cultivent l’art de transformer l’impossible en réalité. Chaque projet est une invitation à repousser les frontières de l’ingénierie et du design, qu’il s’agisse de soulever des véhicules exceptionnels ou même des aéronefs. Monika et Patrick Martin relèvent chaque défi avec une précision absolue, adaptant leurs créations aux prétentions les plus strictes, tout en respectant les normes locales les plus exigeantes.

Some stories leave a lasting impression. When a passionate collector ran out of space to display his prestigious automobiles, Cardok was able to offer him a solution, enabling him to enrich his collection without compromise. Every challenge becomes an opportunity to magnify everyday life, to combine engineering and the art of living. By infusing each project with a touch of the exceptional, Cardok makes the extraordinary a matter of course and pushes back the boundaries of the possible to bring the boldest dreams to life.

UN AVENIR SANS FRONTIÈRES

Guidés par une ambition infinie, Patrick et Monika envisagent l’avenir avec audace. Si Cardok s’est déjà imposée en Europe et à l’international, les ÉtatsUnis représentent le prochain territoire à conquérir. Portée par une quête constante d’innovation et une exigence absolue, l’entreprise poursuit son ascension, affirmant son statut de référence dans l’univers du luxe et de l’ingénierie souveraine.

L’EXCELLENCE AU SERVICE DU RÊVE

Certaines histoires marquent à jamais. Lorsqu’un collectionneur passionné s’est retrouvé à court d’espace pour exposer ses automobiles prestigieuses, Cardok a su lui offrir une solution sur mesure, lui permettant d’enrichir sa collection sans compromis. Chaque défi devient une opportunité de magnifier le quotidien, d’associer ingénierie et art de vivre. En insufflant à chaque projet une touche d’exception, Cardok fait de l’extraordinaire, une évidence et repousse les limites du possible pour donner vie aux rêves les plus audacieux.

An immersed view from a sailor from Geneva

Philippe Schiller

Having sailed the equivalent of almost two circumnavigations of the globe in races across all the oceans of the world, Philippe Schiller lifts the veil on the fascinating world of sailors and sailing. Through his best photographs, this sailor-photographer gives us a deep and secret look at the regatta sailors and their amazing boats.

20 YEARS AFTER THEIR TRIUMPH, THE SWISS ARE ONCE AGAIN CHALLENGING FOR THE AMERICA'S CUP

What better time than the summer of 2025 for such an event, when we will be celebrating the 20th anniversary of Alinghi's victory and their grand return to defend the colours of Switzerland in the next America's Cup.

EXCEPTIONAL PHOTOS

Captured by this extraordinary photographer, his vibrant hues give the sea a new density, showcasing the power of giant boats with furious bows and men in action in the foam. They tell the story of those who compete on board gigantic machines, taming their forces and moods. His photographs are surprising, they dare to capture the soul of the moment or the spirit of an object. Playing with our first glance, they lead us to see things differently. This treatment of the image, combined with a clear desire to reveal what the eye does not see, gives his photographs both substance and original depth. Through meticulous composition, he captures the link between the chosen subject and the atmosphere that surrounds it, thus bringing it fully to life. Philippe Schiller explores human emotions, composing with light, using the right textures and making the most of the constraints of the terrain. Through pronounced relief and original material effects, he gives his subject an intensity of unexpected emotions.

Avec l’équivalent de près de deux tours du monde parcourus en course sur tous les océans du globe, Philippe Schiller lève le voile sur le monde fascinant des marins et de la voile. À travers ses meilleures photographies, ce navigateur-photographe nous livre un regard profond et secret sur les régatiers et leurs étonnants bateaux.

20 ANS APRÈS LEUR TRIOMPHE, LES SUISSES À NOUVEAU CHALLENGERS DE LA COUPE DE L’AMERICA

Quelle meilleure période que l’été 2025 pour un tel événement, alors que nous célébrerons les vingt ans de la victoire d’Alinghi et leur grand retour pour défendre les couleurs de la Suisse lors de la prochaine coupe de l’America.

DES PHOTOS D’EXCEPTION

Capturées par ce photographe hors du commun, ses de teintes vibrantes. Donnant à la mer une densité nouvelle, elles mettent en scène la puissance de bateaux géants aux étraves furieuses et des hommes en action au milieu de l’écume. Elle raconte l’histoire de ceux qui s’ affrontent, à bord de machines gigantesques dont ils domptent les forces et les mouvements d’humeur.

Ses photographies surprennent, elles osent capter l’âme de l’instant ou l’esprit d’un objet. Se jouant de notre premier regard, elles nous amènent à voir autrement. Ce traitement de l’image, associé à une volonté claire de faire découvrir ce que l’œil ne voit pas, donne du corps à ses photographies autant qu’une profondeur originale. Par un minutieux travail de composition, il rend compte du lien qui existe entre le sujet choisi et l’atmosphère qui l’entoure, lui donnant ainsi sa pleine dimension. Philippe Schiller explore les émotions humaines, il compose avec les lumières, utilise les textures opportunes et se joue des contraintes de terrain. Par des reliefs prononcés et des effets de matière inédits, il donne à son sujet, une intensité d’émotions inattendues.

MORE INFOS: Exposition « America's Cup » by Philippe Schiller - From June 3rd to June 30th 2025

Rotonde du Mont-Blanc - Geneve - Accueillie par La Société Nautique de Geneve & La Ville de Geneve Organisé par Vanessa Bikindou@ Brilliant Media

Through Griet Van Malderen’s Lens

LEFT Alone in a frozen world Svalbard 2023. RIGHT Frozen Majestic Antarctica 2023.

Griet Van Malderen takes us far from the marked paths – and from her native Belgium. Furtively and without making a sound, we follow the photographer through the wildest regions of the world, in the solitude of the desert dunes or under the canopy of the equatorial forests, from the ice of Antarctica to the craggy peaks of Patagonia. As an adventurer at heart, and a lover of the great outdoors, Griet has been following in the footsteps of animals as majestic as they are fierce for years, in search of the perfect photograph. Holding her camera over her shoulder, she captures unique moments – fragments of the animals’ secret lives – and brings out all the poetry, strength and tenderness that emanate from them. The photographer paints a portrait of Africa, full of colours and life – the animals which have given rise to a passion within her. More than an encounter, it’s a journey.

C’est bien loin des sentiers battus — et de sa Belgique natale — que nous emmène Griet Van Malderen. À pas de loups, sans faire de bruit, on suit la photographe à travers les contrées les plus sauvages du monde, dans la solitude des dunes du désert comme sous la canopée des forêts équatoriales, des glaces de l’Antarctique aux sommets escarpés de la Patagonie. Aventurière dans l’âme et amoureuse de grands espaces, Griet se lance depuis des années sur les traces d’animaux aussi majestueux que farouches, à la recherche de la photo parfaite. Appareil à la main, elle capture des instants volés — fragments de la vie secrète des bêtes — et met en lumière toute la poésie, l’humour et la tendresse qui en émanent. La photographe nous brosse le portrait de bêtes plus vraies que nature, pleines de couleurs et de vie, qui ont fait naître en elle une passion intarissable. Plus qu’une rencontre, c’est un voyage.

LEFT

‘When I look around me, I think of photographs from now on: I either see a shot or I don’t. I have a particular fondness for animal subjects, but that’s not all. I sometimes spend hours waiting, observing, following the tracks of the animal I’m interested in. I lived according to their rhythm, their hunting habits, their relationship with humans’, says the photographer.

Through her photographs, Griet Van Malderen is keen to raise public awareness of the wonders of the natural world, encouraging people to come into contact with it, but also to respect nature, unconditionally. She reminds us: ‘The beauty of nature, its flora and fauna, is a common good – we have received it as a gift and it is up to us to take better care of it.’

« Quand je regarde autour de moi, je pense photographie : je vois un cliché ou je ne le vois pas. En tant que photographe avec un attachement particulier pour les sujets animaliers, je vis à mon propre rythme. Je passe parfois des heures à attendre, à observer, à suivre la trace de l’animal qui m’intéresse. J’observe leurs rythmes de vie, leurs manières de chasser, leurs rapports aux êtres humains. C’est une épreuve de patience, mais le jeu en vaut la chandelle », confie la photographe.

À travers ses clichés, Griet Van Malderen a à cœur de sensibiliser son public aux merveilles du monde naturel, l’incite à entrer en contact avec elles, mais aussi et à les respecter, inconditionnellement. Elle rappelle : « La beauté de la nature est un bien commun — nous la recevons tous en partage et c’est à nous d’en prendre soin. »

Telemachus A father-son legacy

Between the reflections of the lagoon and the ancient stones of Palazzo Bonvicini, we catch a glimpse of Telemachus, the latest art exhibition by Fondation Valmont, exploring the father-son relationship. By Helena Perdoux-Frances

Entre les reflets de la lagune et les pierres séculaires du Palazzo Bonvicini, nous apercevons Télémaque, la dernière exposition de la Fondation Valmont… une exploration de la relation père-fils.

PARTNERSHIP AND CURIOSITY, THE FOUNDATIONS OF DIALOGUE

Featuring four artists — Jakub Flejšar, Pavel Roučka, Maxence Guillon, and Didier Guillon — the exhibition presents a deeply personal and intergenerational dialogue, reflecting the relationship between father and son through two distinct pairs. In this reinterpretation of Homer's myth, Maxence Guillon becomes a modern version of Telemachus, a young man in search of his own identity, a gladiator at the centre of a symbolic arena and, for the first time, of artistic expression "It's the first time I'm at the centre of the artistic game. I’m exploring my journey as both a man and a son, following in the footsteps of my father " Maxence tells us.

Didier Guillon, his father, plays with dreams; artistic sensitivity runs through his veins. His ancestors, sculptors like Alphonse Lami or art dealers like Charles Sedelmayer, still vibrate in him. His installations, always dreamlike, explore the invisible, the present and the future "Curiosity is the key. As a father, I had to give Maxence the freedom to doubt, to create. Telemachus is more than an exhibition. It's the dream of continuing this silent conversation between generations… of taking artists and spectators, fathers and sons, on this dreamlike journey" he says.

FONDATION VALMONT, AT THE HEART OF THE ARTS

This shared curiosity is tirelessly expressed through Fondation Valmont. Since its creation in Venice in 2015, conceived by Didier Guillon and chaired by his son Maxence from 2022, it has established itself as a unique place dedicated to contemporary art. Much more than an exhibition space, it embodies an artistic sanctuary where creative freedom, emotion and beauty intertwine, radiating from Venice to Hydra, Verbier and Barcelona. With "Telemachus", Fondation Valmont celebrates both a decade of artistic commitment and a family history deeply rooted in aesthetics.

WHEN ART MEETS BEAUTY

Valmont's artistic soul doesn't stop at the picture frame, it also lives on in its skincare products. The Swiss legendary cosmetic House celebrates 40 years of magic in 2025 with the launch of the new exclusive Vitality skincare collection and the new Eau by Valmont, a limited-edition mist and a breath of pure Alpine freshness. 40 years of Valmont “Art de Vivre” where art meets beauty.

INFOS: www.fondationvalmont.com - www.lamaisonvalmont.com

COMPLICITÉ ET SOIF DE DÉCOUVERTE, LES FONDATIONS DU DIALOGUE

Grâce aux quatre artistes

– Jakub Flejšar, Pavel Roučka, Maxence Guillon et Didier Guillon – l'exposition présente un dialogue intimiste et intergénérationnel, reflétant la relation entre un père et son fils, à travers deux groupes distincts.

Dans cette réinterprétation du mythe d'Homère, Maxence Guillon devient une version moderne de Télémaque, un jeune homme en quête de sa propre identité, un gladiateur au centre d'une arène symbolique, et, pour la première fois, d'une expression artistique… “C’est la première fois que je suis au centre du jeu artistique, j'explore mon parcours d'homme et de fils, sur les traces de mon père ” nous confie Maxence.

Didier Guillon, son père, joue avec les rêves ; la sensibilité artistique coule dans ses veines. Ses ancêtres, sculpteurs comme Alphonse Lami ou marchands d'art comme Charles Sedelmayer, vibrent toujours en lui. Ses installations, toujours oniriques, explorent l'invisible, le présent et le futur. “La curiosité est la clé. En tant que père, je devais amener Maxence à cette liberté de douter, de créer.

Télémaque est plus qu'une exposition. C'est le rêve de poursuivre cette conversation silencieuse entre les générations… d'emmener, artistes et spectateurs, pères et fils, dans ce voyage onirique” dit-il.

LA FONDATION VALMONT, AU CŒUR DE L'ART

Cette curiosité partagée s'exprime inlassablement au travers de la Fondation Valmont. Depuis sa création en 2015, à Venise, imaginée par Didier Guillon et présidée par son fils Maxence depuis 2022, elle s’est imposée comme un lieu unique, dédié à l’art contemporain. Bien plus qu’un espace d’exposition, elle incarne un sanctuaire artistique où s'entrelacent liberté créative, émotions et beauté, qui rayonne de Venise à Hydra, Verbier et Barcelona. Avec "Télémaque" la Fondation Valmont célèbre à la fois une décennie d’engagement artistique et une histoire familiale profondément enracinée dans l’esthétique.

QUAND L'ART RENCONTRE LA BEAUTÉ

L'âme artistique de Valmont ne s'arrête pas au cadre, elle se retrouve également dans ses produits de soin. La légendaire maison cosmétique suisse célèbre 40 ans de magie en 2025 avec le lancement de la nouvelle collection exclusive de soins Vitality et de la nouvelle Eau by Valmont, une brume en édition limitée qui offre une bouffée de fraîcheur alpine pure. 40 ans de « Art de Vivre » Valmont, où l'art rencontre la beauté.

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HASTENS COM

Romeo Roma Hotel

A new era of luxury in the Eternal City

Located just a few steps from Piazza del Popolo, inside the historic Palazzo Capponi, ROMEO Roma's seventy-four rooms embody the concept of conscious luxury, where art, architecture, design, gastronomy and wellbeing meet in a timeless setting.

Situé à quelques pas de la Piazza del Popolo, à l’intérieur de l’historique Palazzo Capponi, ROMEO Roma incarne, au fil de ses soixante-quatorze chambres, le concept de luxe conscient où se rencontrent l’art, l’architecture, le design, la gastronomie et le bien-être dans un cadre intemporel.

Just a few steps from Piazza del Popolo, inside the historic Palazzo Capponi, this exclusive boutique hotel embodies the concept of conscious luxury, blending art, architecture, design, gastronomy and wellness in a timeless setting.

Designed by the famous architect Zaha Hadid, the ROMEO Roma hotel is one of her latest projects. It harmoniously blends the building's centuries-old history with contemporary, futuristic architectural elements. This balance between tradition and innovation is not only visual, but also extends to sustainability, with the use of eco-friendly materials and cutting-edge techniques to minimise environmental impact.

Situé à quelques pas de la Piazza del Popolo, à l’intérieur de l’historique Palazzo Capponi, cet hôtel de charme exclusif de 74 chambres incarne le concept de luxe conscient en mélangeant l’art, l’architecture, le design, la gastronomie et le bien-être dans un cadre intemporel.

Conçu par la célèbre architecte Zaha Hadid, l’hôtel ROMEO Roma est l’un de ses derniers projets. Il fusionne harmonieusement l’histoire séculaire du bâtiment avec des éléments architecturaux contemporains et futuristes. Cet équilibre entre tradition et innovation n’est pas seulement visuel, il s’étend également à la durabilité, avec l’utilisation de matériaux écologiques et de techniques de pointe pour minimiser l’impact sur l’environnement.

High-quality materials such as Macassar ebony, Nero Marquina marble and Carrara marble create a dialogue between tradition and innovation, anchoring the hotel in its Roman context while exploring new frontiers in sustainable design. Hadid's characteristic fluid and dynamic lines blend harmoniously with historic elements such as frescoed ceilings, creating an environment where past and present coexist in perfect harmony. Each space is enriched by works by contemporary artists such as Christian Leperino, Mario Schifano, Mimmo Paladino and Francesco Clemente. Alongside these modern works, the hotel displays historical objects discovered during restoration work, such as the white marble head of Livia Drusilla, wife of the Emperor Augustus, offering guests a unique link with the history of Rome.

The opening of the hotel also marks an important milestone for Rome's culinary scene: Il Ristorante Alain Ducasse Roma, is a temple of culinary excellence, where tradition and modernity merge, highlighting the finest Italian ingredients with avant-garde techniques and redefining Roman gastronomic standards.

Des matériaux haut de gamme, tels que l’ébène de Macassar, le marbre Nero Marquina et le marbre de Carrare, créent un dialogue entre tradition et innovation, ancrant l’hôtel dans son contexte romain tout en explorant de nouvelles frontières en matière de conception durable. Les lignes fluides et dynamiques caractéristiques de Hadid se marient harmonieusement avec des éléments historiques tels que les plafonds ornés de fresques, créant un environnement où le passé et le présent coexistent en parfaite harmonie. Chaque espace est enrichi d’œuvres d’artistes contemporains tels que Christian Leperino, Mario Schifano, Mimmo Paladino et Francesco Clemente. À côté de ces œuvres modernes, l’hôtel expose des objets historiques découverts lors des travaux de restauration, comme la tête en marbre blanc de Livia Drusilla, épouse de l’empereur Auguste, offrant ainsi aux clients un lien unique avec l’histoire de Rome.

L’ouverture de l’hôtel marque également une étape importante pour la scène culinaire de Rome : Il Ristorante Alain Ducasse Roma, est un temple de l’excellence culinaire, où tradition et modernité fusionnent, mettent en valeur les meilleurs ingrédients italiens avec des techniques d’avant-garde et redéfinissent les standards gastronomiques romains.

Votre nouvelle vie commence ici

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Maison Barrière Vendôme

A tribute to exceptional women

The Barrière group unveils Maison Barrière Vendôme, a 5-star hotel with 26 rooms, suites and flats, located between Place Vendôme and the Tuileries Gardens. In the heart of the fashion and jewellery district, this confidential, intimate and refined new setting is an invitation to experience Paris in a different way. The unique comfort of a Parisian piedà-terre combined with the luxury of madeto-measure service.

Le groupe Barrière dévoile Maison Barrière Vendôme, un hôtel 5 étoiles de 26 chambres, suites et appartements, situé entre la Place Vendôme et les Jardins des Tuileries. Au cœur du quartier de la mode et de la joaillerie, ce nouvel écrin confidentiel, intimiste et raffiné, invite à vivre Paris autrement. Le confort unique d’un pied-à-terre parisien allié au luxe d’un service sur-mesure.

Corinne Evens, who initiated the project, has designed a magical setting for Goralska, her jewellery brand, in the heart of a completely renovated townhouse. Dedicated to committed women who are masters of their own destinies and lead their lives with daring and talent, she has chosen twenty-seven nomadic, visionary female figures from her pantheon who have never met each other, but who have each defied the conventions of their times.

Maison Barrière Vendôme is an ode to these remarkable women, made up of exceptional objects, decorations and materials, calling on the great names in the art of craftsmanship. Because it creates links between the past and the future, between courage and grace, the establishment is a natural extension of the heritage and values of Barrière Hotels, which have found a new and unique place of expression in the heart of Paris. In this timeless house, you will discover the rooms as if you were visiting an art gallery, each paying tribute to one of the female figures who left their mark on history. From the Suite Georges Sand, dressed in 18th-century fabrics inspired by the novelist' personal bedroom, to the Suite Sarah Bernhardt, whose embossed velvet by Maison Pierre Frey recalls the motifs of one of the actress's stage dresses, twenty-seven illustrious women are honoured by architect Daniel Jibert, whose acute sense of detail and precious materials sublimate his authentic and confidential creations.

À l’initiative du projet, Corinne Evens a conçu, au cœur d’un hôtel particulier entièrement rénové, un écrin magique pour Goralska, sa marque de joaillerie. Dédiée aux femmes engagées, maîtresses de leurs destins et menant leur vie avec audace et talent, elle a choisi dans son panthéon vingt-sept figures féminines nomades, visionnaires, qui ne se sont jamais rencontrées, mais qui ont, chacune, défié les conventions de leurs temps.

Maison Barrière Vendôme est une ode à ces femmes remarquables, composée d’objets, de décors et de matériaux d’exception, convoquant de grands noms des métiers d’art. Parce qu’elle crée des liens entre le passé et l’avenir, entre le courage et la grâce, l’établissement s’inscrit naturellement dans l’héritage et les valeurs plus que centenaires des Hôtels Barrière, qui trouvent au cœur de Paris un nouveau lieu d’expression unique.

Dans cette maison hors du temps, on découvre les chambres comme on visite une galerie d’art, chacune rendant hommage à l’une de ces figures féminines qui ont marqué l’Histoire de leur éclat.

De la Suite Georges Sand, habillée des tissus 18e inspirés de la chambre personnelle de la romancière, à la Suite Sarah Bernhardt dont le velours gaufré de la Maison Pierre Frey rappelle les motifs d’une robe de scène de la comédienne, vingt-sept femmes illustres sont mises à l’honneur par l’architecte Daniel Jibert, dont le sens aigu du détail et des matériaux précieux sublime ses réalisations authentiques et confidentielles.

The hotel reveals a poetic, elegant and colourful universe, where Versailles parquet flooring rubs shoulders with onyx marble, crimson velvet and pearly terrazzo, giving the rooms a timeless charm and contemporary boldness. Designed to offer the comfort of home, the most spacious suites allow guests to entertain their guests at private dinners orchestrated by exceptional chefs. Nestling on the first floor of the Parisian hotel, the bar-restaurant Le Frida extends from the bar to the veranda, opening onto a secret garden, a tree-lined patio that offers a haven of peace and greenery away from the hustle and bustle of Paris. Finally, the historic cellars will soon reveal a spa under its freestone vaults.

L’hôtel dévoile ainsi un univers poétique, élégant et vibrant de couleurs, où le parquet Versailles côtoie le marbre onyx, le velours carmin et le terrazzo nacré, conférant aux chambres un charme intemporel et une audace contemporaine. Aménagées pour offrir le confort d’un chez-soi, les suites les plus spacieuses permettent aux hôtes de recevoir leurs convives lors de dîners privés orchestrés par des chefs d’exception. Niché au premier étage de l’hôtel parisien, le bar-restaurant Le Frida s’étend du bar à la véranda, ouvrant sur un jardin secret, un patio arboré qui offre un havre de paix et un coin de verdure à l’abri de la frénésie parisienne. Enfin, les caves historiques dévoileront bientôt un spa sous ses voûtes en pierre de taille. MORE INFOS: Maison Barrière Vendôme - 17 rue du Mont Thabor - 75 001 Paris - hotelsbarriere.com/maison-barriere-vendome

UN FESTIVAL DE COUPS DE CŒUR

Le Golfe de Saint Tropez entre Terre et Mer, un patrimoine d’exception.

Rayonner de bonheur

© G Voiturier

Splendido A Belmond Hotel

Riviera reborn

Portofino, the jewel of the Italian Riviera will enter a new era of splendour next June, as the town’s original Grand Dame, Splendido, A Belmond Hotel, Portofino reveals a new, major phase of its multi-year renovation, by internationally renowned Martin Brudnizki Design Studio. An emblem of Portofino’s allure since the 1950s, the hotel will reveal an entirely renovated main building, capturing the spirit of Ligurian craftsmanship and design

Portofino, le joyau de la Riviera italienne, entrera dans une nouvelle ère de splendeur en juin prochain, lorsque Splendido, A Belmond Hotel, Portofino, la grande dame originale de la ville, dévoilera une nouvelle phase majeure de sa rénovation pluriannuelle, réalisée par le Martin Brudnizki Design Studio, de renommée internationale. Emblème de l'attrait de Portofino depuis les années 1950, l'hôtel dévoilera un bâtiment principal entièrement rénové, capturant l'esprit de l'artisanat et du design ligurien.

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Splendido's iconic saltwater swimming pool ©Mattia Aquila

For the 2025 season, Splendido, a legendary haven of glamour and natural beauty, will continue its evolution revealing a renovated main building, with a focus on new rooms and communal areas, including a restyled cocktail bar; coffee bar; lounge bar; breakfast area; retail space; champagne display and Dior Spa. This new wellness space includes four treatment cabins and a dedicated relaxation space on an exclusive roof terrace. The new rooms and suites are adorned with contemporary Italian artworks and local botanical prints, whilst the corridors feature exclusive sketches of Portofino and heritage photos of the iconic property and its guests, over the years.

Pour la saison 2025, le Splendido, havre légendaire de glamour et de beauté naturelle, poursuivra son évolution en dévoilant un bâtiment principal rénové, avec un accent mis sur les nouvelles chambres et les espaces communs, y compris un bar à cocktails remodelé, un bar à café, un bar lounge, un espace petit-déjeuner, un espace commercial, un présentoir à champagne et le Dior Spa. Ce nouvel espace de bien-être comprend quatre cabines de soins et un espace de relaxation dédié sur un toit-terrasse exclusif. Les nouvelles chambres et suites sont ornées d'œuvres d'art italiennes contemporaines et d'imprimés botaniques locaux, tandis que les couloirs présentent des croquis exclusifs de Portofino et des photos du patrimoine de la propriété emblématique et de ses hôtes, au fil des ans.

living Room connecting to dining area in Riviera Suite 101 © Salva Lopes

Living room of Riviera Suite 101 ©Salva Lopes

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1. Indoor bar day view rendering ©Martin Brudnizki

2. Table details in Riviera Suite 101 ©Salva Lopes RIGHT FROM TO P TO BOTTOM

Nestled in the tranquil hillside above Portofino, Splendido has been the epitome of la Dolce Vita since the 1950s. Set in a terraced former 16th-century Benedictine monastery overlooking the bay, the hotel is both a timeless retreat and a glamorous destination, welcoming acclaimed guests from renowned actors to artists and film directors, and even royalty. Inspired by the natural beauty and legacy of the Ligurian Riviera, Splendido's landscaping offers versatile spaces capable of hosting both grand events and smaller, more intimate gatherings. The planting scheme incorporates indigenous flora and minerals, reflecting the distinctive beauty of Portofino. The colour palette draws inspiration from the blues and turquoises of the Mediterranean Sea, while the unique "Puddinga" rock formations of Portofino's cliffs and the fragrant subtropical and Ligurian herbs further enhance the botanical ambience.

Niché dans la paisible colline surplombant Portofino, le Splendido est l'incarnation de la Dolce Vita depuis les années 1950. Installé dans un ancien monastère bénédictin du XVIe siècle surplombant la baie, l'hôtel est à la fois une retraite intemporelle et une destination glamour, accueillant des hôtes de renom tels que des acteurs célèbres, des artistes et des réalisateurs de films, et même des membres de la famille royale. Inspiré par la beauté naturelle et l'héritage de la Riviera ligure, l'aménagement paysager du Splendido offre des espaces polyvalents capables d'accueillir aussi bien des événements grandioses que des réunions plus petites et plus intimes. Le plan de plantation incorpore la flore et les minéraux indigènes, reflétant la beauté distinctive de Portofino. La palette de couleurs s'inspire des bleus et des turquoises de la mer Méditerranée, tandis que les formations rocheuses uniques « Puddinga » des falaises de Portofino et les herbes odorantes subtropicales et liguriennes renforcent l'ambiance botanique.

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1. Splendido La Terrazza restaurant

2. Splendido Pool ©Lucy Laucht

STORE IN GENEVA

BUY, SELL, TRADE, TALK, WATCH, LISTEN, EAT, DRINK, READ, RESTORE:

THE HOUSE OF WATCHES BECOME THE FIRST WATCH CONCEPT STORE IN SWITZERLAND. A UNIQUE PLACE WHERE THE WORD “HOUSE” REALLY MAKE SENSE.

The Ritz-Carlton Vienna

If you are seeking a place in Vienna where luxury, well-being, and culinary delights come together in the heart of the historic city center, just steps from the Stadtpark, The Ritz-Carlton, Vienna is the perfect choice.

Nestled within four 19th-century palaces, the hotel offers 200 exquisite and tastefully appointed rooms, including 43 suites, where timeless elegance meets generous space. Each room and suite is a thoughtfully designed sanctuary, offering a seamless mix of contemporary comforts and elegant touches, reflecting the grandeur of the city From coffeehouses to castles, Vienna reveals itself as a truly enchanting city.

The Ritz-Carlton, Vienna is situated directly beside Beethovenplatz, a favorite haven during spring and summer for those wishing to take a leisurely pause or bask in the sun. At the heart of the square stands the famous Beethoven Monument - a tribute to the composer who made Vienna his permanent home and created many of his masterpieces here. Just steps away lies the lush Stadtpark, with Vienna’s iconic Musikverein, Karlskirche, and the Vienna State Opera within easy reach. From this prime location, guests can effortlessly explore the city’s finest shopping streets and cultural treasures, including the majestic St. Stephen’s Cathedral.

The dedicated Concierges at The Ritz-Carlton, Vienna are passionate about crafting unforgettable experiences with an authentic local touch. Whether it’s arranging private vineyard tours, museum visits, or an evening at the exclusive “Chef’s Party” at Dstrikt Steakhouse, they are delighted to assist in curating the perfect journey through Vienna.

Idéalement situé dans quatre palais historiques du XIXe siècle, The Ritz-Carlton, Vienna propose 200 chambres et 43 suites élégamment aménagées, alliant le charme classique à un confort contemporain. Chaque espace a été pensé comme un véritable cocon de sérénité, en parfaite harmonie avec la grandeur et le raffinement de la ville.

À quelques pas seulement de la Beethovenplatz — lieu de prédilection des Viennois aux beaux jours — l’hôtel bénéficie d’un emplacement exceptionnel. Le célèbre monument à Beethoven y trône majestueusement, tandis que les joyaux culturels tels que le Stadtpark, le Musikverein, la Karlskirche ou encore l’Opéra sont facilement accessibles. La cathédrale Saint-Étienne et les plus belles avenues commerçantes se trouvent également à proximité immédiate.

Les Concierges de The Ritz-Carlton, Vienna sont animés par une passion sincère pour l’hospitalité et la création de souvenirs uniques. Qu’il s’agisse d’une dégustation privée dans un vignoble, d’une visite exclusive de musée ou d’une soirée gastronomique à la "Chef’s Party" du Dstrikt Steakhouse, chaque expérience est conçue sur mesure, avec une touche locale authentique. Après une journée de découvertes, les clients sont invités à savourer un moment d’exception à l’Atmosphere Rooftop Bar. En collaboration avec la maison de champagne Perrier-Jouët, cette terrasse élégante rend hommage à l’union entre l’art et la nature, dans un décor inspiré de la délicatesse de l’anémone blanche — emblème

After a day of discovery, guests are invited to unwind at the Atmosphere Rooftop Bar. In collaboration with the esteemed Champagne house Perrier-Jouët, renowned for its floral and artistically composed champagnes, the rooftop terrace seamlessly blends art and nature, reflecting timeless elegance. Inspired by the delicate beauty of the white anemone flower, Perrier-Jouët’s signature motif, this elegant oasis combines natural charm with exclusive indulgence, offering breathtaking panoramic views over the city - an idyllic setting for memorable moments and special occasions. Guests can look forward to an exquisite selection of fresh, sparkling Perrier-Jouët Champagnes, masterfully crafted cocktails, and refined culinary delights, all served in a stylish summer ambiance. Throughout Vienna, the city’s rich heritage is ever-present - seen in its gilded architecture, heard in classical concerts, and savored in its world-class dining scene. Here, a sense of exclusive living meets timeless sophistication. The Ritz-Carlton inspires life’s most meaningful journeys, and our Ladies and Gentlemen look forward to creating lasting memories of Vienna for you.

de la maison. Lieu de raffinement absolu, le rooftop propose une sélection exquise de champagnes, cocktails signatures et créations culinaires, le tout avec une vue imprenable sur les toits de Vienne. Au Ritz-Carlton, Vienna, nous cultivons une véritable passion pour la collaboration internationale, unissant les talents et les savoir-faire de notre grande famille Ritz-Carlton à travers le monde. À Vienne, l’élégance intemporelle rencontre la richesse culturelle. Laissez-vous inspirer par une ville aux mille facettes, où chaque instant devient un souvenir précieux.

Pueblo Español

A Timeless Masterpiece Reimagined for Art and Events

Nestled in Palma de Mallorca’s city centre, Pueblo Español is a unique open-air museum that distills the architectural spirit of Spain into one enchanting village. Conceived by architect Fernando Chueca Goitia and inaugurated in 1967, this remarkable enclave was designed to transport visitors through the diverse regions of Spain without ever leaving the island. Winding cobbled streets, graceful courtyards, and meticulously crafted replicas of iconic buildings-ranging from the Moorish splendor of the Alhambra to the Renaissance elegance of Salamanca’s Plaza Mayor-invite exploration and wonder.

More than a historical showcase, Pueblo Español is undergoing a vibrant cultural renaissance. Today, it stands as both a tribute to Spanish heritage and a dynamic stage for creativity, connection, and celebration. Recent years have seen the introduction of curated contemporary art galleries, infusing fresh energy into its storied walls. These thoughtfully designed spaces juxtapose tradition and innovation, drawing collectors, curators, and art enthusiasts who seek inspiration in a setting unlike any other. Rotating exhibitions, installations, and artist showcases are transforming Pueblo Español into a focal point of Palma’s flourishing art scene.

Niché dans le centre-ville de Palma de Majorque, Pueblo Español est un musée en plein air unique qui distille l’esprit architectural de l’Espagne dans un village enchanteur. Conçu par l’architecte Fernando Chueca Goitia et inauguré en 1967, cet enclave remarquable a été conçu pour transporter les visiteurs à travers les différentes régions d’Espagne sans jamais quitter l’île. Ses rues pavées sinueuses, ses cours gracieuses et ses répliques minutieusement réalisées de bâtiments emblématiques, allant de la splendeur mauresque de l’Alhambra à l’élégance Renaissance de la Plaza Mayor de Salamanque, invitent à l’exploration et à l’émerveillement. Plus qu’une simple vitrine historique, le Pueblo Español connaît actuellement une renaissance culturelle dynamique. Aujourd’hui, il est à la fois un hommage au patrimoine espagnol et une scène dynamique pour la créativité, les rencontres et les célébrations. Ces dernières années, des galeries d’art contemporain ont vu le jour, insufflant une énergie nouvelle à ses murs chargés d’histoire. Ces espaces soigneusement conçus juxtaposent tradition et innovation, attirant collectionneurs, conservateurs et amateurs d’art en quête d’inspiration dans un cadre unique. Des expositions temporaires, des installations et des présentations d’artistes transforment le Pueblo Español en un point central de la scène artistique florissante de Palma.

What truly distinguishes Pueblo Español is its exceptional versatility as an event venue. Behind its historic façades lies a modern infrastructure capable of hosting events of every scale with elegance and sophistication. Expansive plazas, intimate courtyards, and atmospheric arcades provide a canvas for unforgettable gatherings-whether beneath Mallorca’s sunlit skies or under the stars by candlelight. The cinematic atmosphere and architectural diversity have also made Pueblo Español a sought-after location for international film and television productions, offering directors a visually rich, adaptable backdrop for countless shoots-all without the need to relocate entire sets from city to city.

Pueblo Español’s distinctive ambiance has established it as a preferred destination for high-profile occasions, including:

• Prestigious car launches and luxury product presentations.

• Corporate conventions, brand events, and executive retreats.

• Private galas, weddings, and milestone celebrations.

• Immersive candlelight concerts and cultural performances.

Blending heritage, modernity, and Mediterranean charm, Pueblo Español offers more than just a venue-it delivers an experience defined by elegance, atmosphere, and timeless beauty. Whether hosting visionary art, innovative brands, or moments of personal significance, Pueblo Español stands as a testament to how history can be preserved and reimagined, making it one of Mallorca’s most exceptional destinations.

Ce qui distingue vraiment le Pueblo Español, c’est son exceptionnelle polyvalence en tant que lieu d’événements. Derrière ses façades historiques se cache une infrastructure moderne capable d’accueillir des événements de toute envergure avec élégance et sophistication. De vastes places, des cours intimes et des arcades pleines de charme offrent un cadre idéal pour des réunions inoubliables, que ce soit sous le ciel ensoleillé de Majorque ou à la lueur des bougies sous les étoiles. L’atmosphère cinématographique et la diversité architecturale ont également fait du Pueblo Español un lieu très prisé des productions cinématographiques et télévisuelles internationales, offrant aux réalisateurs un décor visuellement riche et adaptable pour d’innombrables tournages, sans avoir à déplacer des décors entiers d’une ville à l’autre. L’ambiance distinctive du Pueblo Español en a fait une destination privilégiée pour les événements prestigieux, notamment

• Lancements de voitures de luxe et présentations de produits haut de gamme.

• Conventions d’entreprise, événements de marque et séminaires pour cadres.

• Galas privés, mariages et célébrations importantes.

• Concerts immersifs à la lueur des bougies et spectacles culturels. Alliant patrimoine, modernité et charme méditerranéen, le Pueblo Español est bien plus qu’un simple lieu : il offre une expérience définie par l’élégance, l’atmosphère et la beauté intemporelle. Qu’il s’agisse d’accueillir des œuvres d’art visionnaires, des marques innovantes ou des moments personnels importants, Pueblo Español témoigne de la manière dont l’histoire peut être préservée et réinventée, ce qui en fait l’une des destinations les plus exceptionnelles de Majorque.

Tagomago Island

Just 900 meters off the northeast coast of Ibiza lies TAGOMAGO, one of the world’s most exclusive private islands. Surrounded by turquoise waters and dramatic coastlines, it offers total privacy and unmatched luxury.

Covering over 600,000 square meters of unspoiled nature, TAGOMAGO is the ultimate escape - ideal for peaceful family retreats or unforgettable celebrations. The island features breathtaking views, a private jetty, and 24/7 access by tender boat, all designed for complete freedom and indulgence.

Guests can enjoy a range of land and sea experiences, from jet skiing, wakeboarding, and snorkeling to scenic hikes, private jogging trails, and relaxing by the pool. Though just five minutes by boat from the charming bay of Pou des Lleó, the island remains a secluded sanctuary.

Your stay includes five master suites for up to ten guests, private airport transfers, around-theclock tender service, and a full team including a chef, butler, concierge, and housekeeping staff. All water sports equipment is available for unlimited use. Weekly rates start at €160,000 during the summer season and €130,000 for the rest of the year, with weddings and special events available upon request. TAGOMAGO is more than a destination—it’s a one-of-a-kind experience where every moment is tailored to perfection.

Local 32 - Puerto Portals - Mallorca - Islas Baleares - España www.kuhn-properties.com - info@kuhn-properties.com - +34 643 387 725

Bienvenue sur l'île TAGOMAGO – Où le paradis devient réalité À seulement 900 mètres au large de la côte nord-est d'Ibiza se trouve TAGOMAGO, l'une des îles privées les plus exclusives au monde. Entourée d'eaux turquoise et de côtes spectaculaires, elle offre une intimité totale et un luxe inégalé. Couvrant plus de 600 000 mètres carrés de nature préservée, TAGOMAGO est l'évasion ultime, idéale pour des retraites familiales paisibles ou des célébrations inoubliables. L'île offre des vues à couper le souffle, une jetée privée et un accès 24h/24 et 7j/7 par bateau, le tout conçu pour une liberté et un confort absolus. Les clients peuvent profiter d'une multitude d'activités terrestres et nautiques, du jet ski au wakeboard en passant par la plongée avec tuba, les randonnées panoramiques, les parcours de jogging privés et la détente au bord de la piscine. Bien que située à seulement cinq minutes en bateau de la charmante baie de Pou des Lleó, l'île reste un sanctuaire isolé. Votre séjour comprend cinq suites principales pouvant accueillir jusqu'à dix personnes, des transferts privés depuis l'aéroport, un service de navette 24h/24 et une équipe complète comprenant un chef, un majordome, un concierge et du personnel d'entretien. Tous les équipements de sports nautiques sont disponibles en illimité. Les tarifs hebdomadaires commencent à 160 000 € pendant la saison estivale et à 130 000 € le reste de l'année. Les mariages et les événements spéciaux sont disponibles sur demande. TAGOMAGO est plus qu'une destination, c'est une expérience unique où chaque instant est pensé pour atteindre la perfection.

Las Palmeras

Set on an expansive 22,000 m² estate, this one-of-akind residence offers complete privacy, panoramic sea views, and world-class amenities designed for those who value elegance, serenity, and independence. From the moment you arrive, the estate captivates with its sweeping coastal views stretching from Alcudia to Son Serra de Marina, set against the majestic backdrop of the Tramuntana mountains.

Inside, approximately 700 m² of living space unfolds across refined interiors featuring natural stone, high-end finishes, and smart home technology throughout. Two suites on the upper floor and a Jacuzzi with sweeping views, while an integrated guest apartment with its own entrance offers discreet accommodation for visitors or staff. The open-plan kitchen is a chef’s dream—sleek, white, and outfitted with premium Gaggenau appliances, including a 20-zone induction cooktop and professional-grade refrigeration. A Swiss warm-air fireplace and a Bang & Olufsen sound system add ambiance to the expansive living and dining areas, designed for both comfort and sophistication. Wellness and relaxation continue in the lower level, where a spa with Jacuzzi, gym, library, and home cinema provide the ultimate escape. An enormous, climate-controlled underground garage accommodates up to ten vehicles, alongside a temperature-controlled wine cellar, seven storage rooms, and a high-tech control center. Sustainability meets innovation with a nearly self-sufficient energy system: 50 solar panels, an 80 kWh battery bank, a private well and a 330,000 liters water storage, a desalination and water treatment facility.

Située sur un vaste domaine de 22 000 m², cette résidence unique en son genre offre une intimité totale, une vue panoramique sur la mer et des équipements de classe mondiale conçus pour ceux qui apprécient l'élégance, la sérénité et l'indépendance. Dès votre arrivée, le domaine vous séduira par sa vue imprenable sur la côte, qui s'étend d'Alcudia à Son Serra de Marina, avec en toile de fond les majestueuses montagnes de la Tramuntana.

À l'intérieur, environ 700 m² d'espace de vie s'étendent dans des intérieurs raffinés, avec de la pierre naturelle, des finitions haut de gamme et une technologie domotique intelligente. Deux suites à l'étage supérieur et un jacuzzi avec vue panoramique, tandis qu'un appartement d'amis intégré avec sa propre entrée offre un hébergement discret pour les visiteurs ou le personnel. La cuisine ouverte est le rêve de tout chef : élégante, blanche et équipée d'appareils électroménagers Gaggenau haut de gamme, dont une plaque à induction 20 zones et un réfrigérateur professionnel. Une cheminée suisse à air chaud et un système audio Bang & Olufsen ajoutent à l'ambiance des vastes espaces de vie et de salle à manger, conçus pour offrir confort et sophistication. Le bien-être et la détente se prolongent au niveau inférieur, où un spa avec jacuzzi, une salle de sport, une bibliothèque et un home cinéma offrent une évasion ultime. Un immense garage souterrain climatisé peut accueillir jusqu'à dix véhicules, ainsi qu'une cave à vin à température contrôlée, sept pièces de rangement et un centre de contrôle high-tech. La durabilité rencontre l'innovation avec un système énergétique presque autosuffisant : 50 panneaux solaires, un parc de batteries de 80 kWh, un puits privé et un réservoir d'eau de 330 000 litres, une installation de dessalement et de traitement de l'eau.

Finca Las Palmeras in Playa Muro / Alcudia €14`500`000.

Villa Bella Vista - Santa Ponça

The newly constructed villa was built with great attention to detail on one of the last plots with sea views in Santa Ponsa. Particular attention was paid to quality, good energy efficiency and suitability for everyday use in combination with modern design. Thanks to the plateau plot, sunlight is guaranteed practically all day long, and another great advantage is that it is excellently protected from the sea breeze, which makes living particularly pleasant. The living floor impresses with its open and bright design with floor-to-ceiling windows, so that the unique panoramic view is omnipresent. The style of the 2.7 million year old fossil stone that runs through the entire house lends additional charm and character. In the colder seasons, the underfloor heating (heat pump) and the fireplace ensure a pleasant atmosphere. On this level there is also a large suite with its own bathroom and the master suite with master bathroom, equipped with a sauna. A wind-protected patio leads to the spacious roof terrace via an external staircase. Here you are rewarded with a panoramic view of the sea and the coast of Santa Ponsa. On the lower level of the villa there are two guest suites, each with its own bathroom and a shared living area that could be converted into an additional bedroom. In the basement, car lovers will be delighted with the spacious garage.

Cette villa récemment construite a été bâtie avec une grande attention portée aux détails sur l'un des derniers terrains avec vue sur la mer à Santa Ponsa. Une attention particulière a été accordée à la qualité, à la bonne efficacité énergétique et à l’ adaptation à un usage quotidien, le tout combiné à un design moderne. Grâce à son emplacement sur un plateau, la lumière du soleil est garantie pratiquement toute la journée, et un autre grand avantage est qu'elle est parfaitement protégée de la brise marine, ce qui rend la vie particulièrement agréable. Le rez-de-chaussée impressionne par son design ouvert et lumineux avec des baies vitrées, de sorte que la vue panoramique unique est omniprésente. Le style de la pierre fossile vieille de 2,7 millions d'années qui traverse toute la maison confère un charme et un caractère supplémentaires. Pendant les saisons plus froides, le chauffage au sol (pompe à chaleur) et la cheminée assurent une atmosphère agréable. À ce niveau se trouvent également une grande suite avec salle de bains et la suite parentale avec salle de bains principale, équipée d'un sauna. Un patio abrité du vent mène à la grande terrasse sur le toit par un escalier extérieur. Vous y êtes récompensé par une vue panoramique sur la mer et la côte de Santa Ponsa. Au niveau inférieur de la villa, il y a deux suites d'invités, chacune avec sa propre salle de bains et un salon commun qui pourrait être transformé en chambre supplémentaire. Au sous-sol, les amateurs de voitures seront ravis par le garage spacieux.

Seafront in Portixol - Molinar

Rising proudly along the prestigious coastline of Portixol - Molinar, this extraordinary residence represents one of Mallorca’s most remarkable homes — where architectural brilliance meets Mediterranean grandeur. Built atop four historic fishermen’s houses, the estate spans approximately 1,330 sqm, with 930 sqm of refined living space and 400 sqm of terraces designed for seamless indoor-outdoor living. Every element, from the visionary design by acclaimed architects to the curated artworks by Luca Monzani, reflects an unwavering commitment to excellence. Three elegant levels reveal a private paradise: a luminous courtyard oasis, a sumptuous master suite with spa-inspired bathrooms and bespoke dressing rooms, an independent luxury apartment, a spectacular living and dining space with endless sea views, and a full wellness area with fitness suite and jacuzzi. Two separate double garages provide ultimate convenience, while a rooftop terrace of rare beauty crowns the property — featuring a 20-meter infinity pool, an outdoor kitchen, a chic bar, and panoramic views over the sparkling sea and historic skyline. An exceptional property where timeless craftsmanship and modern sophistication converge on Mallorca’s most desirable waterfront.

S'élevant fièrement le long du prestigieux littoral de PortixolMolinar, cette résidence extraordinaire représente l'une des maisons les plus remarquables de Majorque, où le génie architectural rencontre la grandeur méditerranéenne. Construite sur quatre maisons de pêcheurs historiques, la propriété s'étend sur environ 1 330 m², avec 930 m² d'espace de vie raffiné et 400 m² de terrasses conçues pour une vie harmonieuse entre intérieur et extérieur. Chaque élément, de la conception visionnaire des architectes de renom aux œuvres d'art sélectionnées par Luca Monzani, reflète un engagement sans faille envers l'excellence. Trois niveaux élégants révèlent un paradis privé : une cour intérieure lumineuse, une somptueuse suite parentale avec des salles de bains inspirées d'un spa et des dressings sur mesure, un appartement de luxe indépendant, un spectaculaire salon et salle à manger avec vue imprenable sur la mer, et un espace bien-être complet avec salle de sport et jacuzzi. Deux garages doubles séparés offrent un confort optimal, tandis qu'une terrasse sur le toit d'une rare beauté couronne la propriété, avec une piscine à débordement de 20 mètres, une cuisine extérieure, un bar chic et une vue panoramique sur la mer scintillante et la ligne d'horizon historique. Une propriété exceptionnelle où l'artisanat intemporel et la sophistication moderne se rencontrent sur le front de mer le plus prisé de Majorque.

Perrier Jouët and Atelier Montex

An exceptional collaboration for the Volutes Edition

For over two centuries, Maison Perrier-Jouët has been admired not only for the excellence of its champagnes, but also for its passion for art and nature – endless sources of inspiration since the House’s founding. Today, art, nature and champagne are celebrated in the Perrier-Jouët Objets Extraordinaires Collection, a series of exceptional objects crafted from the finest materials by the most skilful artisans in a dazzling display of savoir-faire that complements the House’s rare and precious Belle Époque vintage cuvées.

Depuis plus de deux siècles, la Maison Perrier-Jouët est reconnue non seulement pour ses champagnes d’excellence, mais également pour sa passion pour l’art et la nature depuis sa fondation en 1811. Aujourd’hui, l’art, la nature et le champagne sont à l’honneur avec la collection Objets Extraordinaires Perrier-Jouët, des pièces d’exception fabriquées dans les matériaux les plus nobles par des artisans de grand talent : une éblouissante démonstration de savoir-faire pour magnifier les cuvées rares et précieuses Perrier-Jouët Belle Époque.

Perrier-Jouët, the emblematic champagne house founded in 1811, has teamed up with Atelier Montex, a contemporary haute couture embroidery house, to unveil Ode à la Nature - Édition Volutes, a unique creation combining traditional craftsmanship and oenological excellence. Following on from the success of the Dragonfly Edition, this new creation celebrates Art Nouveau through a bottle magnified by the precious embroidery of Atelier Montex.

Ode à la Nature - Volutes Edition is a tribute to traditional craftsmanship. A masterpiece of grace and delicacy, the intricately detailed embroidered flowers seem to twirl around the champagne bottle. Inspired by the Japanese anemone, a symbol of the House since 1902, the Volutes Edition combines carved wood, gilded brass and embroidered organza, enhanced with pearls and crystals. This exceptional work, which took 160 hours to complete, highlights three exceptional vintages of Perrier-Jouët Belle Époque (1999, 2008, 2012), each revealing the elegance and richness of the cuvée.

To accompany Ode à la Nature – Edition Volutes, Cellar Master Séverine Frerson has selected from the Oenothèque Perrier-Jouët – the House’s reserve of rare vintages – three outstanding expressions of the iconic Perrier-Jouët Belle Epoque cuvée in a majestic jeroboam format. A symbol of luxury and craftsmanship, this limited edition of ten is available at a price of 100,000 euros.

Perrier-Jouët, maison de champagne emblématique fondée en 1811, s’aassocie à Atelier Montex, maison de broderie contemporaine haute couture, et dévoile Ode à la Nature – Édition Volutes, une pièce unique fusionnant savoir-faire artisanal et excellence œnologique. Après le succès de l’Édition Libellule, cette nouvelle création célèbre l’Art Nouveau à travers une bouteille magnifiée par les broderies précieuses de l’Atelier Montex.

Ode à la Nature - Édition Volutes est un hommage au savoir-faire artisanal. Chef-d’œuvre de grâce et de délicatesse, les fleurs brodées aux détails complexes semblent virevolter autour de la bouteille de champagne. Inspirée par l’anémone du Japon, symbole de la maison depuis 1902, l’Édition Volutes allie bois sculpté, laiton doré et organza brodé, rehaussé de perles et cristaux. Cette œuvre d’exception, réalisée en 160 heures, met en lumière trois millésimes d’exception de Perrier-Jouët Belle Époque (1999, 2008, 2012), chacun révélant l’élégance et la richesse de la cuvée.

Pour Ode à la Nature - Édition Volutes, l a Chef de Caves Séverine Frerson a sélectionné dans l’Œnothèque Perrier-Jouët –la réserve qui conserve les millésimes les plus anciens de la Maison – trois expressions rares de la cuvée emblématique Perrier-Jouët Belle Époque dans un format jéroboam. Symbole du luxe et de l’artisanat, cette édition limitée à dix exemplaires est disponible au prix de 100 000 euros

Vita Cannes Italy invites itself to the heart of the Riviera

By Helena Perdoux-Frances

Just a stone's throw from La Croisette, a veritable legend of the 7th art, tucked away out of sight in one of Cannes' typical little streets, the Vita restaurant has become a stylish gourmet interlude for all those in search of conviviality and gustatory delectation. An embodiment of the Riviera, an invitation to the gentle way of life…

THREE WORDS, THREE REFLECTIONS OF VITA'S SOUL

Authenticity or the genesis of a gastronomic art known for its generosity. Dolce Vita, or the anima dell'Italia… Conviviality or simply happiness at the table… quite simply. From the moment you enter, you'll be seduced by the warm atmosphere and meticulous decor. The stone walls, so typical of a South we all love, don't manage to steal the limelight from the natural wood furniture, but undeniably help to set them off to their best advantage. A few contemporary touches and designer light fittings add to the chic yet relaxed atmosphere. A place where the air-conditioning shelters you on sunny days, a terrace where you can enjoy the tranquillity of Cannes evenings… Slide out of time!Vita Cannes, an authentic Italian trattoria, is here to offer you an extra touch of sensibility, a zest of emotion… a stroll through which gustatory pleasure and refined simplicity transport you to the heart of Italy.

À quelques pas seulement de La Croisette, véritable légende du 7ème art, niché à l'abri des regards, dans l'une de ces petites rues typiques de Cannes, le restaurant Vita est devenu une parenthèse à la gourmandise stylée pour tous ceux en quête de convivialité et d'une délectation gustative. Une incarnation de la Riviera, une invitation à la douceur de vivre…

TROIS MOTS, TROIS REFLETS DE L'ÂME DE VITA

Authenticité ou la genèse d'un art gastronomique connu pour sa générosité… Dolce Vita, ou l'anima dell'Italia… Convivialité ou le bonheur attablé… tout simplement. Dès l'entrée, vous serez séduit par une atmosphère chaleureuse et une décoration soignée. Les murs en pierre, tellement typiques d'un Sud que nous aimons tous, ne parviennent pas à voler la vedette au mobilier en bois naturel, mais contribuent indéniablement à les mettre en valeur. Quelques touches contemporaines et des luminaires design participent à l'ambiance tout à la fois chic et décontractée. Un lieu où la climatisation vous met à l'abri des journées ensoleillées, une terrasse sur laquelle vous profiterez de la quiétude des soirées cannoises… Vita Cannes, authentique trattoria italienne, est là pour vous offrir un surplus de sensibilité, un zest d'émotion… une flânerie tout au long de laquelle, plaisir gustatif et simplicité raffinée, vous transportent au cœur de l'Italie.

GENEROUS CUISINE, TRUE TO ITS ROOTS

When it comes to flavours, Vita stands out for its selection of Italian dishes… an ode to epicureanism, where fresh produce and homemade recipes transport you to a veritable gastronomic golden age. The pizzas, made by Mr Seghari, reigning French champion, are sure to delight every palate. Haute couture" pizzas, tailor-made and elegant… a real feast for the senses. Vita is home to loyal neighbours who undeniably contribute to the authenticity of the place… festival-goers who appreciate Italy, wherever they come from… celebrities who can't resist the taste of a gourmet break, just a stone's throw from La Croisette.

AN ITALIAN ANECDOTE

Vita is also a place for the unexpected. Omar Sy found the venue to his liking for an impromptu meeting with his staff. The last-minute privatisation was just a detail, but the best part was Mr Sy's special affection for a pizza, which he will have delivered every evening of the Cannes Film Festival! Vita is all about life. A place where you can enjoy a meal with friends, the restaurant for your first romantic dinner or a place where you can do business. Vita adapts to your needs and desires, with a touch of charm… that little extra something that makes it such a success.

THE CANNES FESTIVAL OR PASSION INCARNATE

Intense and stimulating, the Cannes Film Festival spares no one and no place. These special days are experienced by Vita with the passion they deserve. An electric atmosphere, a unique experience… seduction renewed every year. Federico Fellini's La Dolce Vita is a must-see! This film embodies the very essence of Vita: a gentle celebration of the passing of time, sharing simple, refined pleasures under the generous sunshine of Cannes.

UNE CUISINE GÉNÉREUSE, FIDÈLE À SES RACINES

Du côté des saveurs, Vita se distingue par sa sélection de plats italiens… une ode à l’épicurisme, où produits frais et recettes maison vous transportent vers un véritable âge d’or gastronomique. Les pizzas, élaborées par M. Seghari, champion de France en titre, enchantent tous les appassionatos. Une pizza "haute couture", créée sur mesure, élégante… une véritable exaltation des sens. Vita voit passer en ses murs, les voisins fidèles qui participent indéniablement à l'authenticité du lieu… les festivaliers qui apprécient l'Italie, d'où qu'ils viennent… les célébrités qui ne résistent pas à la saveur d'une pause gourmande, à quelques pas seulement de La Croisette.

UNE

ANECDOTE SOUS LE SIGNE DE L'ITALIE

Vita, c'est aussi l'imprévu. Omar Sy a trouvé ce lieu à son goût pour une réunion improvisée avec son staff. La privatisation de dernière minute n'est qu'un détail, le meilleur réside dans l'affection particulière développée par M. Sy pour une pizza, pizza qu'il se fera livrer chaque soir du Festival de Cannes ! Vita, c'est la vie avant tout. Un lieu où vous viendrez vous régaler entre amis, le restaurant de votre premier dîner romantique ou bien encore un endroit propice aux affaires. Vita s'adapte à vos envies, vos besoins avec une touche de charme… le petit "truc" en plus qui fait les grands succès.

LE FESTIVAL DE CANNES OU LA PASSION INCARNÉE

Intense et stimulant, le Festival de Cannes n'épargne personne ni aucun lieu. Ces journées particulières sont vécues par Vita, avec la passion qu'elles méritent. Une ambiance électrique, une expérience unique… la séduction renouvelée chaque année. La Dolce Vita de Federico Fellini, s'impose ! Ce film incarne l'essence même de Vita : une célébration du temps qui passe en douceur, le partage de plaisirs simples et raffinés, sous le soleil généreux de Cannes.

Fiskebar A thousand colours, a thousand flavours

Italian chef Francesca Fucci is opening the doors of a unique restaurant on the shores of Lake Geneva: Fiskebar. Inspired by Nordic gastronomy and refinement, the restaurant offers fusion cuisine, combining seasonal organic produce with experimental culinary techniques - a bridge across cultures. The Fiskebar emphasises comfort, conviviality and authenticity, as well as a unique concept with unique flavours.

A meeting with Francesca Fucci, chef and artist who explores the bonds that cooking forges between us.

By Eduardo Costerg

La cheffe italienne Francesca Fucci vous ouvre les portes d’un restaurant unique en son genre sur les rives du Léman : le Fiskebar. S’inspirant du raffinement et de la gastronomie nordique, l’établissement propose une cuisine de fusion, mêlant produits saisonniers biologiques et techniques culinaires expérimentales — une rencontre entre les cultures. C’est sur le confort, la convivialité et l’authenticité que le Fiskebar met l’accent ainsi que sur un concept unique aux saveurs uniques. Rencontre avec Francesca Fucci, cheffe-artiste qui explore les liens que la cuisine tisse entre nous.

THE

FISKEBAR,

A HYPHEN BETWEEN CULTURES

Within the sublime setting of the Hôtel de la Paix, the Fiskebar surprises in many ways.

The restaurant draws its inspiration from the latest trends in gastronomy. It showcases the refinement of Scandinavian cuisine by sublimating it, here and there, with nuances and flavours more reminiscent of Italy.

To compose the hybrid and surprising flavours of Fiskebar, Francesca Fucci combines her cultural and culinary heritage, comprising olive oil, bread, cheese, and garlic, with products from the North: fish, cranberries, berries, wood, and mushrooms. Innate knowledge and acquired knowledge, tradition and novelty intertwine. The chef is convinced: cooking is an art, even an empirical science, which arises from experiences. With her team, she explores ideas from start to finish, tasting, adjusting, and starting over. “I never say no. We must search without ever stopping; that’s what stimulates me.”

The restaurant’s open kitchen, which could have seemed threatening at first, has now become a veritable playground for the chef. As through a two-way mirror, two worlds collide: the guests, driven by curiosity, closely follow the ballet that is performed in the kitchen.

LE

FISKEBAR,

UN TRAIT D’UNION ENTRE LES CULTURES

Au sein de l’Hôtel de la Paix, le Fiskebar surprend à bien des égards. Le restaurant puise son inspiration dans les dernières tendances en matière de gastronomie. Il met à l’honneur le raffinement de la cuisine scandinave en la rehaussant, çà et là, par des nuances et des saveurs évoquant plus volontiers l’Italie.

Pour composer les saveurs du Fiskebar, saveurs hybrides et surprenantes, l’huile d’olive, le pain, le fromage, l’ail — héritage culturel et culinaire de Francesca Fucci — s’allient aux produits venus du nord, aux poissons, aux airelles, aux baies, au bois, aux champignons. Le savoir inné et les acquis, la tradition et la nouveauté s’entremêlent. La cheffe en est convaincue : la cuisine est un art — une science ? — empirique, qui naît des expériences. Avec son équipe, elle mène ses recherches jusqu’au bout, goûte, ajuste, recommence. « Je ne dis jamais non. Il faut chercher sans jamais s’arrêter ; c’est ça qui me stimule ».

La cuisine ouverte du restaurant, qui pouvait paraître si menaçante au début, est maintenant devenue un véritable terrain de jeu pour la cheffe. Comme à travers un miroir sans tain, deux mondes se heurtent : les convives, poussées par la curiosité, suivent de près le ballet qui s’exécute en cuisine.

A CONSCIOUS CUISINE IS A CREATIVE CUISINE

In the kitchen, the chef's devotion is unwavering, with a total respect for her art. She makes a point of working with local, seasonal produce, which are sometimes the harvest of her foraging expeditions in the mountains. When preparing each and every dish, it is important to test one’s inventiveness in order to avoid wasting these precious ingredients. “When I think of a recipe, I also think of the waste likely to be generated, and I try to consider how best to reuse it in order to make something else. It is the chef’s responsibility to make an effort in this regard, to take this into account for future generations, and for the environment.” Francesca Fucci turns what seems to be a constraint into a new driving force for creation: ho fatto di necessità virtù. “Sometimes my cooking is improvised ,” she tells us. “Certain recipes are born like that, because I refuse to throw anything away. ”

Rather than following dogmas, the chef traces her own path and invents her own codes. Of course, cooking is also a question of method, of acquiring certain basics. To break the rules, you need to know them first. Nonetheless, instinct plays a very large part.

After our interview with Francesca Fucci, new perspectives begin to emerge: if we can travel on a plate, if cooking is the most direct, the most universal way of expression, and perhaps the only one that does not come up against language barriers, then it surely says something about us and our humanity, something profound and magnificent that we need to explore.

UNE CUISINE ENGAGÉE EST UNE CUISINE CRÉATIVE

En cuisine, la dévotion de la cheffe est sans failles, le respect pour son art est entier. Elle met un point d’honneur à travailler des produits locaux, de saison, qui sont parfois le fruit de ses propres cueillettes en montagne. Pour chaque préparation, il s’agit de mettre à l’épreuve son inventivité afin d’éviter de gaspiller ces précieux ingrédients. « Quand je pense à une recette, je pense aussi aux déchets, je me demande comment les réutiliser pour en faire autre chose. C’est la responsabilité des chefs de faire des efforts, de prendre ça en compte pour les générations futures et pour l’environnement. » Francesca Fucci fait de ce qui semble être une contrainte un nouveau moteur de création — ho fatto di necessità virtù. « Parfois, ma cuisine s’improvise », nous confiet-elle, « certaines recettes naissent comme ça, parce que je refuse de jeter quelque chose ».

Plutôt que de suivre les dogmes, la cheffe trace sa propre voie, invente ses propres codes. Bien sûr, la cuisine est aussi une question de méthode, de bases à acquérir — pour briser les règles, il faut d’abord les connaître — ; mais il y a également une très grande part d’instinct.

Après notre entretien avec Francesca Fucci, de nouvelles perspectives se dessinent : si l’on peut voyager dans une assiette, si la cuisine est la manière d’expression la plus directe, la plus universelle — la seule, peut-être, qui ne se heurte pas aux barrières de la langue —, alors c’est sûrement qu’elle dit quelque chose de nous, de notre humanité — quelque chose de profond et de magnifique que nous ignorons peut-être encore.

MORE INFOS: The Ritz-Carlton Hôtel de la Paix, Genève - Quai du Mont-Blanc 11, 1201 Genève, Suisse - www.fiskebar.ch

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