Lifestyle magazine
(DES)CONEXION SABORES
Música para enforcarte, relajarte o inspirarte PAG 18
Panadería artesanal: el regreso a lo esencial PAG 46
DESCUBRE
lo nuevo en moda ética y sotenible PAG 49
Cómo crear de arte en casa una galería
Descubre la empresa highlight de la edición
Foto:Unsplash
“MATERIALES QUE CONSTRUYEN ARTE”
El Arte de Sentir el Verano
El verano no solo se vive, se percibe. En julio, todo se vuelve más nítido: los colores, los sabores, las emociones. En Bonavio Lifestyle, celebramos esta temporada como una experiencia sensorial completa, donde el estilo va más allá de lo que se ve y se convierte en algo que se siente, que se habita y que se saborea.
Esta edición está pensada para inspirarte a reconectar con tus sentidos y disfrutar del presente desde lo más esencial.
En “Decoración sensorial: diseña para los sentidos”, te invitamos a transformar tus espacios en refugios multisensoriales. Texturas que abrazan, aromas que evocan, sonidos que calman… Porque tu casa también puede ser un lugar que te cuida.
En “Cocina para el alma: platos reconfortantes”, exploramos el poder emocional de la comida. Recetas que nos abrazan desde el primer bocado, ingredientes que sanan y sabores que nos devuelven a lo importante: el calor del hogar, la memoria y el placer de compartir.
Y en “Las películas más estéticas de los últimos tiempos”, rendimos homenaje al cine que trasciende lo narrativo para convertirse en arte visual. Una selección que estimula la mirada y nos recuerda que la belleza también transforma.
Este julio, te proponemos bajar el ritmo, afinar los sentidos y rodearte de lo que te hace bien. Porque el verdadero estilo no solo se ve: se vive, se respira y se disfruta. Desde Bonavio Lifestyle, te damos la bienvenida a un mes donde la estética es una forma de cuidado y el bienestar, una declaración de intenciones.
¡Bienvenido a la edición 11!
Redacción Bonavio
contenido
(DES)CONEXION
Pág 8-19
ESPACIOS Pág 23-31
MUSAE
Pág 34-36
DIRECTORIO:
CASA EDITORIAL:
VIGO PUBLICIDAD, SA DE CV
CONCEPTO Y DISEÑO EDITORIAL: BONAVIO BY VIGO
REDACCIÓN:
FERNANDA FIGUEROA JORGE GUIERREZ
DISEÑO EDITORIAL:
FERNANDA FIGUEROA JORGE GUIERREZ
SABORES Pág 39-47
DESCUBRE Pág 49-59
DERECHOS DE AUTOR Y DERECHOS CONEXOS, Año 2025 No. 11, BONAVIO® es una publicación mensual editada y publicada por Vigo Publicidad, S.A. de C.V., con domicilio en Real de Acueducto 300 piso 21 D1, Puerta de Hierro. 45116 Zapopan Jalisco. Tel: 33 120 03080 Editor Responsable: María Fernanda Figueroa Barragán. Tel 449 105 3989. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: 04-2024-05171473400; Certificado de Licitud de Título y Contenido: en trámite ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación; Responsable de la última actualización: María Fernanda Figueroa Barragán, fecha de última modificación 28 de Julio de 2025. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta Edición de BONAVIO®, sin autorización expresa y por escrito por parte del Consejo Directivo de Vigo Publicidad, S.A. de C.V. Vigo Publicidad, S.A. de C.V., no se identifica con las opiniones expresadas por sus lectores, colaboradores o autores en cualquiera de los artículos o secciones de la revista BONAVIO®, al igual que no se responsabiliza por la información publicada en las encuestas publicadas en su contenido ya que son una muestra de la opinión pública y no representan necesariamente la opinión de la población en general, siendo responsabilidad directa de la metodología implementada en estas las casas encuestadoras que las realizan, por lo que los lectores deben evaluar los resultados de las encuestas por su cuenta.
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autenticidad, valores y estética El nuevo lujo:
Por: Oscar Peimbert Morando
Durante mucho tiempo, el lujo fue sinónimo de exceso, ostentación y acumulación. Joyas brillantes, marcas exclusivas, objetos inaccesibles y experiencias reservadas para unos pocos. Sin embargo, el mundo ha cambiado y con él, la forma en que las personas entienden el verdadero significado del lujo. Hoy, el nuevo lujo no se mide en etiquetas, sino en autenticidad, valores y estética.
En una era de hiperconsumo y saturación de productos, el verdadero privilegio ya no está en tener más, sino en elegir mejor. El nuevo lujo se construye a partir de decisiones conscientes: quién lo hizo, cómo se produjo, qué representa. Las marcas y creadores que entienden este cambio están liderando una transformación silenciosa, pero profunda, en la forma de consumir.
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Autenticidad es la primera gran clave. Las personas ya no buscan simplemente objetos bellos, sino historias reales detrás de cada pieza. Quieren saber que lo que llevan o usan fue creado con intención, con manos expertas, con identidad propia.
Un bolso hecho a mano por un artesano local puede tener más valor simbólico y emocional que uno producido en masa por una firma de renombre. Lo auténtico conmueve, conecta y perdura.
El nuevo lujo también está anclado en valores. La sostenibilidad, la ética, el respeto por los oficios y las comunidades son ahora componentes esenciales de lo que se considera valioso. Una prenda que cuida el medio ambiente, una marca que paga salarios justos, un proyecto que protege técnicas ancestrales: todos son ejemplos de lujo con conciencia. Porque el verdadero lujo no puede construirse a costa del planeta o de otras personas.
La estética, por supuesto, sigue siendo importante, pero ya no responde a cánones impuestos o a tendencias efímeras. Se busca belleza con significado, con armonía y coherencia. Diseños sobrios, detalles cuidados, materiales nobles y funcionalidad inteligente son los nuevos códigos estéticos del lujo contemporáneo. La elegancia está en lo esencial, no en lo ostentoso.
Este cambio también ha llegado al estilo de vida. Las experiencias personalizadas, íntimas y transformadoras están desplazando a los lujos masivos. Una cena preparada por un chef local en una casa rural, una estancia en un hotel boutique con historia, una pieza de arte que habla del presente: eso es el nuevo lujo. Momentos que nutren el alma, que dejan huella, que se viven con atención plena.
Las nuevas generaciones, especialmente, valoran este enfoque. No les interesa el lujo que separa, sino el que une. Quieren consumir menos, pero mejor. Quieren que lo que poseen hable de quiénes son, de lo que creen y de cómo ven el mundo.
En conclusión, el nuevo lujo es más humano, más consciente y más auténtico. No se trata de poseer, sino de experimentar. No se trata de aparentar, sino de sentir. Es una invitación a redefinir lo valioso en nuestras vidas, a rodearnos de belleza con propósito, y a vivir con intención en cada elección.
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Las películas más estéticas de los últimos tiempos
Uno de los nombres que encabeza esta corriente es Wes Anderson, cuyo estilo simétrico, paleta pastel y diseño meticuloso lo han convertido en un ícono de la estética cinematográfica. Filmes como The Grand Budapest Hotel (2014) o Asteroid City (2023) son verdaderas obras de arte en movimiento, donde cada escena parece una pintura cuidadosamente compuesta. Su estética no es solo decorativa; comunica humor, nostalgia y una visión del mundo profundamente original.
En un mundo cada vez más visual, el cine ha encontrado en la estética una forma poderosa de contar historias. Más allá del guion o la actuación, algunas películas recientes han dejado huella por su impecable dirección de arte, fotografía, color y composición visual. Estas obras no solo narran, sino que encantan, conmueven y fascinan a través de la belleza.
Otra directora que ha marcado tendencia es Greta Gerwig, especialmente con Lady Bird (2017) y Little Women (2019). Sus películas se caracterizan por una calidez visual, iluminación suave y composición íntima que capturan con sensibilidad el paso del tiempo, la juventud y el deseo de pertenencia. Cada encuadre parece elegido con precisión emocional, haciendo de lo cotidiano algo poético.
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Por: Hector Rodriguez Bernal
En el terreno del cine asiático, Wong Kar-Wai sigue siendo un referente de la estética melancólica. Aunque su obra más emblemática, In the Mood for Love (2000), no es reciente, su influencia es palpable en películas actuales como Decision to Leave (2022) de Park Chanwook, que combina misterio, elegancia visual y una atmósfera envolvente.
Denis Villeneuve, con Dune (2021), elevó la ciencia ficción a un nivel visual pocas veces visto. Sus paisajes desérticos, contrastes de luz y escala monumental, junto con una cuidada dirección de arte, convirtieron la adaptación de la novela en un espectáculo estético que redefine lo épico en clave contemplativa.
En otro estilo, películas como Portrait of a Lady on Fire (2019), de Céline Sciamma, han enamorado al público con una fotografía basada en la luz natural y el uso del color como lenguaje emocional. Es una obra donde cada plano parece un lienzo del siglo XVIII, cargado de silencio, deseo y belleza suspendida. También destacan cintas más independientes como The Green Knight (2021) de David Lowery, una fábula medieval con una estética entre lo onírico y lo filosófico, y The Hand of God (2021) de Paolo Sorrentino, donde la belleza de Nápoles se mezcla con el drama familiar y la nostalgia en una narrativa tan visual como emocional.
Estas películas demuestran que la estética no es un lujo superficial, sino una herramienta narrativa poderosa. En ellas, cada color, cada textura, cada encuadre, están al servicio de la emoción y el significado. Son filmes que invitan a detenerse, a mirar, a sumergirse. En un mundo que corre a toda velocidad, estas películas nos recuerdan que la belleza también es una forma de resistencia. Y que el cine, en su mejor forma, puede ser tanto una historia como una experiencia estética inolvidable.
JULIO 2025 13
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inteligencia artificial
El futuro de la ¿Hacia dónde vamos?
Por: Fernando Vargas Roldan
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La inteligencia artificial (IA) ha pasado de ser un concepto de ciencia ficción a convertirse en una realidad que moldea nuestro presente y redefine el futuro de la humanidad. Su impacto ya se siente en áreas como la salud, la educación, el transporte, la industria y el entretenimiento. Sin embargo, la pregunta que sigue en el aire es: ¿hacia dónde nos llevará esta tecnología en las próximas décadas?
Uno de los aspectos más fascinantes de la IA es su capacidad de aprendizaje autónomo. Gracias a los algoritmos de aprendizaje profundo (deep learning) y al procesamiento masivo de datos, los sistemas pueden realizar tareas complejas con una precisión que rivaliza o incluso supera la capacidad humana.
En el ámbito de la medicina, la inteligencia artificial ya se utiliza para diagnosticar
enfermedades con una tasa de acierto impresionante. Por ejemplo, algoritmos de aprendizaje profundo han demostrado ser tan precisos como los médicos en la detección de enfermedades como el cáncer de piel o la retinopatía diabética. Un estudio publicado en Nature demostró que una IA desarrollada por Google Health logró detectar cáncer de mama en mamografías con una precisión superior a la de radiólogos humanos (McKinney et al., 2020). Además, la revista The Lancet Digital Health documentó cómo un sistema de IA logró diagnosticar enfermedades respiratorias pediátricas con más del 90% de precisión al analizar millones de registros clínicos (Li et al., 2019).
Sin embargo, estos avances también vienen acompañados de desafíos éticos y sociales. La automatización de procesos amenaza con reemplazar ciertos em-
pleos, lo que obliga a replantear la educación y la capacitación laboral para un futuro en el que la colaboración entre humanos y máquinas será clave.
Además, el uso indebido de la IA — como la manipulación de información o la creación de deepfakes— plantea riesgos que requieren regulación y marcos legales sólidos. En los próximos años, veremos una tendencia hacia la IA explicable, es decir, sistemas que no solo ofrezcan resultados precisos, sino que también puedan explicar cómo llegaron a esas conclusiones. Esto es crucial para generar confianza y garantizar una toma de decisiones ética y transparente.
A nivel global, la carrera por la supremacía en inteligencia artificial será un factor determinante en la economía y la geopolítica. Países y empresas tecnológicas invierten miles de millones en investigación para liderar esta revolución, mientras organismos interna-
cionales buscan establecer lineamientos que regulen su impacto y garanticen un uso responsable.
El futuro de la IA no consiste en reemplazar al ser humano, sino en potenciar sus capacidades.
Si logramos un equilibrio entre innovación, ética y responsabilidad, la inteligencia artificial podría convertirse en una de las herramientas más poderosas para resolver problemas globales como el cambio climático, la pobreza o las crisis sanitarias. En definitiva, la inteligencia artificial no es un destino, sino un camino en constante evolución.
El verdadero reto será asegurarnos de que avancemos en la dirección correcta: hacia un futuro donde la tecnología esté al servicio de la humanidad y no al revés. revolución, mientras organismos internacionales buscan establecer lineamientos que regulen su impacto y garanticen un uso responsable.
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El arte de la desconexión digital
Por: Ricardo Alonso Cardenas Muñoz
En un mundo hiperconectado, donde las notificaciones no dan tregua y las pantallas nos acompañan desde que despertamos hasta que dormimos, desconectarse se ha vuelto no solo un acto necesario, sino también un arte. La desconexión digital ya no es un lujo reservado a retiros espirituales o vacaciones aisladas, sino una práctica urgente para recuperar el equilibrio, la atención y el bienestar emocional.
La tecnología ha transformado la forma en que trabajamos, nos relacionamos y nos entretenemos. Pero también ha traído consigo fatiga mental, ansiedad, distracción constante y una creciente dificultad para estar plenamente presentes. Frente a ello, el arte de desconectarse no implica rechazar la tecnología, sino aprender a usarla con intención, establecer límites y reconectar con lo que verdaderamente importa.
Practicar la desconexión digital puede empezar por acciones simples: establecer horarios sin pantallas, dejar el teléfono fuera del dormitorio, dedicar momentos del día a estar sin conexión o tomar pausas conscientes durante la jornada laboral. También se puede extender a prácticas más profundas como la meditación, las caminatas al aire libre, el journaling o la lectura sin interrupciones.
Este arte también consiste en recuperar el silencio, el tiempo sin estímulos, y el placer de la atención plena. Volver a escuchar el entorno, a observar detalles, a sostener una conversación sin distracciones. En un mundo que premia la velocidad y la productividad constante, desacelerar se convierte en una forma de resistencia.
La desconexión digital no es aislamiento. Es crear espacios de presencia genuina. Es darle al cuerpo y a la mente un respiro, y al alma, un momento de descanso. Es, en última instancia, un regreso a lo esencial.Porque a veces, para volver a conectar con nosotros mismos y con los demás, lo primero que hay que hacer… es desconectarse.
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Foto: Pixabay
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Nota: estas playlist se pueden encontar en plataformas de streming como Spotify, Apple music o Tidal
Música para enfocarte, relajarte o inspirarte
Por: Sofia Reynoso Jokisch
La música tiene un poder casi mágico: puede transformar un estado de ánimo, activar la concentración, calmar la ansiedad o encender la chispa de la creatividad. Lejos de ser solo un acompañamiento de fondo, se ha convertido en una herramienta clave para gestionar nuestras emociones, mejorar el rendimiento diario y elevar la calidad de vida. En tiempos donde la mente se dispersa fácilmente y el ritmo del día a día puede ser abrumador, elegir la música adecuada puede marcar la diferencia entre el caos y la armonía.
Para enfocarte, la música puede ayudarte a entrar en un estado de flujo, donde la concentración es profunda y sostenida. Los sonidos instrumentales, especialmente los que carecen de letra, son ideales para este propósito. Géneros como la música clásica, el ambient, el jazz suave o incluso el lo-fi hip hop ofrecen ritmos constantes y melodías suaves que permiten mantener la mente enfocada sin distraerse. Autores como Ludovico Einaudi, Max Richter o playlists de “focus” en plataformas digitales pueden acompañar sesiones de estudio, trabajo o lectura con gran efectividad.
Para relajarte, la música es una aliada natural. Escuchar sonidos suaves y armónicos ayuda a reducir los niveles de cortisol (la hormona del estrés) y a desacelerar el ritmo cardiaco. Los paisajes sonoros con elementos de la naturaleza (lluvia, mar, viento), la música instrumental lenta, o cantos tradicionales como los mantras y las
piezas de meditación guiada crean un ambiente de paz mental. Artistas como Ólafur Arnalds, Snatam Kaur o Brian Eno han desarrollado propuestas sonoras especialmente diseñadas para inducir estados de calma y equilibrio emocional.
Para inspirarte, la música puede ser la chispa que enciende la creatividad. A veces, una melodía inesperada, una letra poderosa o un ritmo envolvente puede abrir la puerta a nuevas ideas, desbloquear emociones o dar impulso a un proyecto estancado. Aquí, la variedad es clave. Desde bandas sonoras cinematográficas que elevan cualquier escena (como las de Hans Zimmer o Ryuichi Sakamoto), hasta canciones indie, electrónica experimental o rock alternativo, cada persona tiene su propio lenguaje sonoro para despertar la inspiración.
Lo más fascinante de la música es su versatilidad. Un mismo tema puede servir para múltiples propósitos según el momento, la actividad o el estado de ánimo. Lo importante es aprender a escuchar, no solo con los oídos, sino también con la intuición. Crear playlists personalizadas para diferentes momentos del día —una para comenzar con energía, otra para meditar, otra para escribir o pintar— puede transformar la forma en que vivimos el presente. La música no es solo entretenimiento: es medicina, es energía, es compañía.
En un mundo lleno de ruido, elegir cuidadosamente lo que escuchamos es una forma de cuidar la mente y el alma. Porque a veces, todo lo que necesitas para seguir adelante es presionar “play”.
Este estudio encontró que los empleados que escuchaban música mientras trabajaban experimentaban mejoras en su estado de ánimo y un rendimiento más eficiente en tareas rutinarias, en comparación con cuando no escuchaban música.
Lesiuk, T. (2005). The effect of music listening on work performance.
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Cómo decorar una oficina en casa sin sacrificar el estilo
Por: Maria Jose OV
Trabajar desde casa se ha convertido en una realidad para millones de personas. Sin embargo, transformar un rincón del hogar en un espacio funcional y con estilo no siempre es fácil. La clave está en equilibrar practicidad con estética, creando una oficina que no solo sea eficiente, sino también inspiradora y fiel a tu personalidad.
Empieza por elegir el lugar adecuado. No necesitas una habitación completa; a veces, un rincón bien aprovechado basta. Busca un espacio con buena luz natural, ya que mejora la productividad y aporta vitalidad. Si eso no es posible, invierte en una lámpara con luz cálida y regulable que cree una atmósfera acogedora.
El mobiliario es esencial. Una silla ergonómica y un escritorio cómodo son la base de cualquier oficina funcional. Pero eso no significa sacrificar estilo. Opta por muebles de líneas limpias, colores neutros o acabados en madera natural. Añadir detalles metálicos, como patas doradas o accesorios de escritorio en cobre, eleva el diseño sin perder sobriedad.
Los colores también juegan un papel importante. Elige tonos suaves como blanco, beige, gris claro o verdes apagados que favorezcan la concentración y aporten calma. Si prefieres algo más vibrante, incorpora color en los accesorios: una alfombra con textura, cojines
estampados o arte mural. Personaliza el espacio con elementos decorativos. Una planta en el escritorio, fotografías enmarcadas, velas aromáticas o una pequeña estantería con libros favoritos pueden hacer que tu oficina se sienta única y acogedora, sin perder funcionalidad.
Organización y estilo van de la mano. Usa cajas decorativas, bandejas o revisteros que mantengan el orden sin desentonar con el diseño. Recuerda que un espacio despejado favorece la creatividad.
En resumen, decorar tu oficina en casa con estilo es totalmente posible. Solo necesitas un poco de intención, buen gusto y atención al detalle para crear un lugar que trabaje contigo, no contra ti.
JULIO 2025
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urante mucho tiempo, la decoración se centró principalmente en lo visual: el color de las paredes, el estilo del mobiliario, la iluminación o la armonía estética del espacio. Sin embargo, hoy más que nunca, el diseño interior se entiende como una experiencia multisensorial.
La decoración sensorial invita a pensar los espacios no solo para ser vistos, sino también para ser sentidos, olidos, escuchados y, en cierta forma, vividos con todos los
Diseñar para los sentidos implica crear ambientes que estimulen el bienestar de forma integral. En lugar de enfocarse exclusivamente en lo decorativo, se busca generar sensaciones: calma, energía, inspiración o confort, dependiendo del propósito del espacio. Cada elemento se convierte en un canal sensorial capaz de influir en el estado
Por: Ma. Guadalupe Gabriela Galicia Hernandez
La vista, por supuesto, sigue siendo protagonista. Los colores, las formas y la iluminación influyen directamente en cómo percibimos un espacio. Tonos cálidos y neutros pueden inducir tranquilidad, mientras que los colores vibrantes aportan dinamismo. La luz natural es ideal, pero si no se dispone de ella, las lámparas con luz cálida y difusa son una excelente alternativa para crear ambientes acogedores.
El tacto también es esencial. Texturas como el lino, la lana, la madera o el terciopelo aportan riqueza sensorial al espacio. Las superficies suaves, rugosas o acolchonadas ofrecen estímulos sutiles que conectan con la memoria y las emociones. Incluir alfombras mullidas, cojines con relieve o mantas tejidas puede transformar completamente la experiencia táctil de un hogar.
El olfato, a menudo olvidado en el diseño interior, tiene un impacto directo en el estado emocional. Aromas como lavanda, sándalo, cítricos o eucalipto pueden inducir estados de relajación, concentración o energía. Velas aromáticas, difusores o incluso plantas naturales como el romero o la menta ofrecen una forma elegante de incorporar este sentido al ambiente.
El oído también tiene un papel importante. Espacios con buena acústica, sonidos suaves de fondo o incluso el silencio pueden crear entornos propicios para la concentración o el descanso. Incorporar fuentes de agua, cortinas que amortigüen el ruido exterior o playlists ambientales cuidadosamente seleccionadas puede elevar la experiencia sonora del hogar.
El gusto, aunque menos evidente en la decoración, se relaciona con los espacios destinados a comer o relajarse. Un comedor bien dispuesto, con vajilla agradable al tacto y a la vista, puede hacer que la comida se disfrute más.
Detalles como una bandeja de frutas frescas o una estación de té pueden enriquecer la percepción del espacio a través del sabor.
La decoración sensorial es una invitación a vivir los espacios con presencia y profundidad. No se trata de llenar de objetos, sino de elegir con intención aquello que estimule los sentidos y cree una atmósfera alineada con nuestro estilo de vida. Es una forma de diseño que va más allá de lo visual y se convierte en un arte de cuidar el entorno y el alma.
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Un toque personal: Incorpora tus pasiones en la decoración
El hogar es mucho más que un espacio físico: es un reflejo de quienes somos, de nuestras emociones, vivencias y, sobre todo, de nuestras pasiones. En una época donde la autenticidad es valorada como nunca antes, decorar con propósito y significado se ha convertido en una forma de expresión personal. Incorporar tus intereses en el diseño interior no solo transforma tu entorno, sino que le da vida y carácter, haciéndolo único e irrepetible.
Ya sea la música, la literatura, el arte, los viajes, el cine o la cocina, cada afición tiene el potencial de convertirse en un eje decorativo. No se trata de llenar las paredes de pósters o abarrotar estantes con recuerdos; la clave está en curar cada elemento con intención, equilibrio y estilo.
Por ejemplo, si eres un apasionado de la música, una buena forma de integrarla es creando una pequeña “zona de escucha” con vinilos, bocinas vintage y arte relacionado. Un piano bien ubicado, una guitarra en una pared, o incluso partituras enmarcadas pueden aportar elegancia y personalidad al espacio. Si los libros son tu refugio, un rincón de lectura bien iluminado, con estanterías abiertas y textiles acogedores, puede convertirse en el corazón de tu casa.
Los amantes del arte pueden jugar con colores, texturas y composiciones, combinando obras propias o de artistas que los inspiren. Una galería en casa, aunque sea en un pasillo, comunica sensibilidad y buen gusto. Para los viajeros, los objetos recolectados en distintas partes del mundo —máscaras, textiles, cerámicas, mapas— pueden integrarse como piezas centrales de conversación y conexión cultural.
Las pasiones también pueden expresarse de forma sutil a través de la paleta de colores, los materiales o el mobiliario. Alguien que ama el mar podría elegir tonos azules y arenas, madera desgastada y elementos náuticos sin caer en lo temático. Quien disfruta de la cocina
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Por: Mauricio Lopez Muñoz
puede tener una barra abierta, utensilios en exhibición y libros de recetas como parte de la decoración. Lo importante es mantener un hilo conductor que armonice con el resto del hogar. No se trata de “mostrar todo”, sino de elegir con criterio lo que realmente representa tu esencia. Un cuadro, una silla, una lámpara o una alfombra pueden ser suficiente para contar una historia.
Decorar con tus pasiones no solo crea espacios estéticos, sino emocionales. Te conecta contigo mismo, con tus recuerdos y aspiraciones. Hace del hogar un lugar más cálido, más honesto y profundamente humano. Al final, una casa bien decorada no es la más costosa ni la más minimalista: es aquella donde cada objeto tiene un significado, y cada rincón cuenta algo sobre ti.
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Cómo crear una galería de arte en casa
Por: Marina Ivette MP
Convertir tu hogar en una galería de arte no solo eleva el nivel estético de tus espacios, sino que también les da un carácter único, íntimo y profundamente personal. Ya sea que seas coleccionista, artista o simplemente amante del arte, crear una galería en casa es una forma poderosa de rodearte de inspiración todos los días.
1. Elige un espacio estratégico
El primer paso es identificar el lugar ideal. Puede ser un pasillo, una pared vacía del comedor, una escalera, un vestíbulo o incluso una habitación entera. Lo importante es que tenga buena visibilidad y, de ser posible, una iluminación adecuada.
Las paredes blancas o neutras suelen ser las mejores aliadas porque permiten que las obras destaquen sin competir visualmente.
2. Define un estilo o tematica
Para evitar que la galería parezca caótica, es recomendable definir un hilo conductor: puede ser una temática (retratos, paisajes, abstracción), una paleta de colores, una técnica específica (fotografía, grabado, ilustración) o un enfoque personal (solo obras tuyas, de artistas locales o piezas recolectadas en viajes). Este criterio no tiene que ser rígido, pero sí te ayudará a dar coherencia al conjunto
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3. Juega con formatos y disposicíon
Una galería casera no tiene por qué seguir reglas estrictas. Puedes optar por una distribución simétrica con marcos iguales y medidas alineadas, o por una disposición libre tipo “salón”, en la que se combinan tamaños, colores de marcos y ubicaciones para lograr un efecto más dinámico y orgánico. Antes de colgar, es útil hacer una prueba en el piso, simulando la composición.
4. Cuida la iluminacíon
La luz puede realzar o arruinar una obra. Si tienes acceso a luz natural, asegúrate de que no incida directamente sobre las piezas para evitar que se deterioren. Complementa con iluminación artificial como focos dirigibles o lámparas tipo galería. Las luces LED cálidas y regulables son una excelente opción porque no generan calor y permiten destacar las texturas y colores del arte.
5. Integra el arte al ambiente
La galería debe dialogar con el resto del espacio. Puedes complementar con muebles que no roben protagonismo, alfombras neutras o elementos decorativos que refuercen la temática elegida. Si quieres dar un paso más, incluye una banca o sillón frente a la galería para disfrutarla como si estuvieras en un museo privado.
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El encanto de lo hecho a mano
Ma Ernestina Aguilera Mayoral
En un mundo dominado por la producción en masa, los algoritmos y la estandarización, lo hecho a mano ha cobrado un nuevo significado. Más allá de ser una técnica o un estilo, representa una filosofía: la de valorar el tiempo, la dedicación y la historia detrás de cada objeto. Lo artesanal tiene un encanto innegable, porque está impregnado de humanidad.
Cada pieza hecha a mano lleva consigo la huella de quien la creó: su visión, su sensibilidad, sus imperfecciones y su cuidado. Es justamente esa imperfección la que le da valor, porque no hay dos iguales, porque cada detalle fue elegido, no automatizado. Desde una cerámica moldeada con paciencia, hasta una prenda tejida con precisión o una silla tallada a mano, estos objetos hablan de tradición, identidad y conexión.
Incorporar lo hecho a mano en nuestros espacios no es solo una elección estética, sino también una declaración de principios. Es optar por lo auténtico frente a lo genérico, por lo duradero frente a lo desechable. Es reconocer el valor del trabajo artesanal, muchas veces transmitido de generación en generación, como un legado que resiste al tiempo y a la industria.
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El diseño artesanal no tiene por qué estar reñido con lo contemporáneo. Hoy, muchas casas y proyectos de interiorismo apuestan por fusionar lo moderno con lo hecho a mano, creando ambientes cálidos, eclécticos y llenos de carácter. Un tapete tejido en telar puede convivir con un sofá minimalista; una lámpara de barro puede ser el acento perfecto en un comedor industrial. Lo artesanal aporta textura, profundidad y alma.
Además, lo hecho a mano es, en muchos casos, sinónimo de sostenibilidad. Se produce en pequeña escala, con materiales naturales o reciclados, y bajo procesos que respetan el entorno. Comprar artesanía no solo es una forma de embellecer nuestros hogares, sino también de apoyar economías locales, preservar culturas y fomentar prácticas responsables.
También hay algo emocional en rodearse de objetos hechos con las manos. Nos conectan con nuestras raíces, con nuestros sentidos y con la historia de quienes los fabrican. Nos recuerdan que detrás de cada cosa puede haber una historia real, un rostro, una comunidad. Es una manera de traer el alma humana de vuelta a espacios que, muchas veces, se sienten impersonales o fríos.
Incluso hacer cosas a mano —ya sea pintar, bordar, cocinar, restaurar muebles o modelar barro— se ha vuelto una forma de reconectar con uno mismo. En tiempos donde todo ocurre rápido, el arte de hacer algo con tus propias manos puede ser una práctica terapéutica, un acto de presencia y de creación consciente.
Volver a lo hecho a mano no es un retroceso, sino un avance hacia lo esencial. En palabras de The New York Times, “el pan de masa madre no es solo alimento, es una declaración cultural sobre el tiempo, el cuidado y la procedencia” (NYT, 2020). En esa línea, los conceptos de fermentación lenta, sostenibilidad y procesos artesanales no son modas pasajeras, sino un retorno consciente a prácticas que priorizan la calidad por encima de la velocidad.
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Pinturas que hablan: obras que te hacen sentir
Hay pinturas que se admiran por su técnica, por sus colores o por su composición. Y hay otras que van más allá: hablan directamente al alma. Nos sacuden, nos reconectan con emociones profundas y despiertan algo que muchas veces ni siquiera sabíamos que estaba dormido.
Estas obras no necesitan una explicación extensa ni un contexto histórico para conmovernos. Basta un solo vistazo para que provoquen una emoción inmediata: un nudo en la garganta, una sonrisa repentina, un recuerdo olvidado. Esa es la magia del arte emocional. Artistas como Edvard Munch con El grito, Frida Kahlo con sus autorretratos, o Van Gogh con La noche estrellada han logrado que sus obras trasciendan el lienzo para convertirse en un espejo del espectador.
¿Qué hace que una pintura “hable”? No se trata solo de realismo o belleza. A veces es una pincelada imperfecta, un trazo cargado de dolor o una mirada que parece seguirnos. Es la intención del artista, su historia personal, lo que se esconde detrás de cada color. Y es también nuestra disposición para mirar con el corazón.
En un mundo donde lo visual abunda, estas obras destacan porque no solo se ven: se sienten. Son recordatorios de nuestra humanidad, de la complejidad de nuestras emociones y de la necesidad de detenernos a contemplar.
Visitar un museo, explorar una galería o incluso mirar una pintura en una pantalla puede convertirse en un acto de conexión profunda. Porque cuando una obra logra que nos miremos a nosotros mismos a través de ella, entonces ha cumplido su propósito.
Las pinturas que hablan no siempre son las más famosas ni las más reconocidas, pero sí son las que dejan huella. Y en esa huella, en esa emoción que provocan, reside su verdadero valor.
En un mundo saturado de imágenes, estas obras destacan porque no solo se ven: se sienten. Son recordatorios de nuestra humanidad, de la complejidad de nuestras emociones y de la necesidad de detenernos a contemplar. Porque cuando una obra logra que nos miremos a nosotros mismos a través de ella, entonces ha cumplido su propósito.
Las pinturas que hablan no siempre son las más famosas ni las más reconocidas, pero sí son las que dejan huella. Y en esa huella, en esa emoción que provocan, reside su verdadero valor.
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Por: Maria Fernanda SR
el alma:
platos Cocina para reconfortantes
Por: Mauricio Abraham Medrano Tequianes
Hay comidas que alimentan el cuerpo, y hay otras que alimentan algo más profundo: el alma. Se trata de esos platos que evocan recuerdos, que reconfortan en los días fríos o difíciles, que nos abrazan desde el primer bocado.
La cocina reconfortante no es solo una cuestión de sabor, es una experiencia emocional que nos conecta con nuestras raíces, con momentos felices y con la sensación de estar en casa.
La sopa caliente que nos preparaba la abuela, el pan recién horneado, el arroz con leche de la infancia o ese platillo que compartimos en familia cada domingo: todos ellos tienen un ingrediente invisible pero esencial, el amor.
Ese elemento intangible transforma una receta sencilla en un acto de cuidado y consuelo. Cocinar para alguien —o para uno mismo— puede ser una forma de decir “aquí estoy”, “te entiendo”, o simplemente “todo va a estar bien”. En tiempos de estrés, incertidumbre o nostalgia, muchas personas recurren a los sabores del hogar. No es casualidad que las recetas tradicionales resurjan en momentos difíciles.
Preparar una lasaña, un estofado, unas galletas o un guiso de pollo puede convertirse en un ritual terapéutico. El proceso de picar, mezclar y esperar también tiene un efecto calmante. La cocina se vuelve entonces un refugio, un espacio de creación y sanación.
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SABORES
En distintos rincones del mundo, la comida reconfortante adopta formas distintas, pero el propósito es el mismo. En México, un buen plato de pozole o de frijoles con queso puede brindar esa sensación de abrigo.
En Japón, el ramen cumple ese papel. En Italia, es el risotto o una pasta bien hecha. Cada cultura tiene su propio “abrazo en forma de comida”, y todos hablan el mismo idioma del alma. Hoy más que nunca, en un mundo que va rápido y exige tanto, cocinar y comer platos reconfortantes puede ser un acto de resistencia emocional. No se trata de lujos ni de técnica culinaria impecable.
Se trata de preparar lo que nos hace bien, de reconectar con lo esencial, de compartir una mesa —aunque sea con uno mismo— y saborear la vida.
Porque al final, los mejores platos no son los más sofisticados, sino los que nos hacen sentir acompañados, amados y en paz. La cocina para el alma no busca impresionar, sino reconfortar. Y en ese gesto simple, reside su verdadera magia.
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Secretos de chefs que debes probar en casa
Detrás de cada gran plato hay pequeños secretos que marcan la diferencia. Los chefs profesionales no solo cocinan con precisión y creatividad, sino que también aplican técnicas, trucos y hábitos que transforman cualquier receta en una experiencia sensorial. ¿La buena noticia? Muchos de estos secretos pueden aplicarse fácilmente en casa para elevar tu cocina a otro nivel.
Uno de los secretos más importantes es la mise en place, una expresión francesa que significa “todo en su lugar”. Los chefs nunca comienzan a cocinar sin tener todos sus ingredientes lavados, picados y organizados. Esto no solo mejora la eficiencia, sino que también permite enfocarse completamente en el proceso de cocción, reduciendo errores y estrés.
Otro tip esencial es probar y ajustar constantemente. Los chefs no siguen recetas de forma rígida; prueban, corrigen sabores, equilibran acidez y dulzor, y se aseguran de que cada bocado tenga armonía. En casa, perder el miedo a probar a mitad del proceso puede marcar la diferencia entre una comida buena y una excelente.
El uso del calor adecuado es otro de los grandes secretos. No todo se cocina a fuego alto. Los chefs entienden que cada técnica (saltear, cocer, asar, hervir) requiere temperaturas distintas para obtener texturas y
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Por: Alex Ponce
sabores óptimos. Sellar bien una carne, por ejemplo, crea una costra sabrosa sin sobrecocer el interior. Algo similar sucede con las verduras: saltearlas brevemente a fuego alto conserva su textura y color.
Los chefs también saben que el sabor no solo viene del ingrediente principal, sino de los complementos. Por eso dominan el uso de hierbas frescas, cítricos, especias y caldos caseros. Un chorrito de limón, un toque de jengibre o una ramita de romero pueden transformar por completo un platillo común. El truco está en experimentar y descubrir tu propia paleta de sabores.
Otro gran aliado en la cocina profesional es el fondo de despensa. Los chefs siempre tienen a la mano elementos clave: buenos aceites, vinagres, sal de calidad, ajos, cebolla, y bases como sofritos, salsas madre o reducciones. Tener estos básicos preparados o listos acelera cualquier preparación y garantiza profundidad en el sabor.
Y finalmente, el secreto más poderoso: el cuidado y la pasión. Los chefs cocinan con atención plena. No se trata de hacer mucho en poco tiempo, sino de respetar los ingredientes, de cocinar con intención. Ese nivel de presencia se nota en el resultado final.
Llevar estos secretos a tu cocina no significa convertirte en chef, sino disfrutar del placer de cocinar mejor, con más conciencia y creatividad. Porque al final, la buena cocina no es exclusiva de los restaurantes: también puede nacer en casa, con cada plato que prepares con amor y un toque de técnica.
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Ingredientes que conquistan chefs
Por: Brunela Zermeño Ochoa
Detrás de cada gran platillo, hay un ingrediente que lo transforma. Para los chefs profesionales, cocinar no solo es cuestión de técnica, sino de pasión por los sabores auténticos, la calidad y la frescura. Hay ciertos ingredientes que, por su versatilidad, intensidad o carácter único, se han ganado un lugar privilegiado en las cocinas más exigentes del mundo. Estos ingredientes no solo elevan el sabor de una receta, sino que inspiran la creatividad y despiertan emociones.
Uno de los favoritos indiscutibles es el aceite de oliva extra virgen. Más que una grasa para cocinar, es considerado por muchos chefs como un condimento en sí mismo. Sus notas herbales, afrutadas o picantes realzan ensaladas, pescados, pastas y hasta postres. Usado en crudo o al final de la cocción, aporta profundidad sin opacar los sabores principales.
Otro ingrediente que conquista paladares es la sal marina o sal en escamas. Lejos de la sal de mesa común, este tipo de sal conserva minerales naturales que intensifican el sabor sin necesidad de excesos. Algunos chefs incluso la utilizan como un toque final sobre carnes, verduras o chocolates, logrando contrastes deliciosos.
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Las hierbas frescas como albahaca, tomillo, menta o cilantro también son esenciales. No solo aportan aroma y sabor, sino que transforman visualmente cualquier plato. La clave está en usarlas con moderación y en el momento justo, para que sus aceites esenciales se mantengan vivos.
El limón y otros cítricos como el yuzu o la lima kaffir, son ingredientes que los chefs adoran por su capacidad para equilibrar grasas, refrescar sabores y añadir brillo. Unas gotas de jugo o un poco de ralladura pueden hacer que un plato cobre vida. En cuanto a proteínas, el huevo es uno de los más valorados por su versatilidad. Desde una yema curada hasta un huevo pochado, su textura y sabor pueden llevar una preparación sencilla a otro nivel. Además, es un ingrediente fundamental en muchas técnicas: emulsiones, repostería, masas, etc.
Las setas y hongos, especialmente los porcini, shiitake o trufa, son tesoros de la cocina. Su sabor terroso, umami y profundo es altamente apreciado. Las trufas, en particular, se usan con delicadeza y respeto, ya que bastan unas láminas para enriquecer un risotto o una pasta.
Y no puede faltar el chocolate de alta calidad, un ingrediente que va más allá del postre. Los chefs lo usan para crear salsas, glaseados, bebidas y hasta combinaciones saladas sorprendentes. Su textura, aroma y sabor complejo lo convierten en un verdadero protagonista.
Estos ingredientes no solo conquistan chefs por su sabor, sino por su historia, su origen y su potencial para emocionar. En sus manos, cada uno se convierte en parte de un relato culinario que celebra la excelencia, la autenticidad y el placer de comer bien. Porque al final, cocinar con ingredientes de verdad es el primer paso para crear magia en el plato.
el regreso a lo esencial Panadería artesanal:
Por: Redacción Bonavio
En un mundo acelerado, dominado por la producción en masa y los alimentos ultraprocesados, la panadería artesanal representa un acto de resistencia y un regreso a lo esencial.
Más que una tendencia, es un movimiento que valora la paciencia, la calidad de los ingredientes y la conexión humana con los procesos tradicionales. Cada hogaza, cada croissant, cada pan de masa madre hecho a mano cuenta una historia de dedicación, tiempo y respeto por el arte de hacer pan.
Lo que distingue a la panadería artesanal no es solo el resultado final, sino todo lo que hay detrás. A diferencia de los productos industriales, donde lo rápido y lo rentable suele ser la prioridad, el pan artesanal se elabora con técnicas antiguas, muchas veces heredadas de generación en generación.
Se utilizan fermentaciones largas, ingredientes naturales, harinas sin aditivos y
levaduras vivas que aportan no solo sabor, sino también beneficios para la salud digestiva. Uno de los íconos de este renacer es el pan de masa madre, cuya fermentación lenta puede durar hasta 48 horas. Este proceso no solo desarrolla una corteza crujiente y una miga esponjosa y sabrosa, sino que mejora la digestibilidad del pan y permite que los nutrientes de la harina se absorban mejor.
Para muchos panaderos, hacer masa madre es casi un ritual, una forma de reconectarse con lo vivo, con el tiempo y con el oficio.Pero la panadería artesanal no es solo técnica; es también emoción.
El aroma del pan recién horneado nos transporta a momentos de hogar, a desayunos compartidos y a recuerdos entrañables. Visitar una panadería local, observar el trabajo cuidadoso de los panaderos, elegir una pieza horneada esa misma mañana, es una experiencia que va más allá del simple acto de comprar alimento.
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Además, este regreso a lo esencial también es una apuesta por la sostenibilidad. Al usar ingredientes locales, apoyar pequeños productores y evitar conservadores y empaques innecesarios, la panadería artesanal se alinea con un estilo de vida más consciente. Muchos de estos espacios también promueven comunidades: talleres, degustaciones y charlas donde el pan se convierte en excusa para reunir, compartir y aprender.
Hoy, más que nunca, hay un deseo creciente de volver a lo auténtico. De valorar lo hecho a mano, lo lento, lo cuidado. La panadería artesanal responde a esa necesidad con humildad y sabor. Nos recuerda que el buen pan no necesita artificios, solo buenas manos, tiempo y respeto por los procesos.
En cada corteza dorada, en cada gramo de harina fermentada con paciencia, hay un pequeño homenaje a la tradición, al trabajo bien hecho y a la magia de transformar lo simple en extraordinario. Porque cuando hablamos de pan artesanal, hablamos también de volver a lo humano.
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Lo nuevo en moda ética y sostenible
Por: Josefina VM
La moda está cambiando. Lo que antes se movía al ritmo vertiginoso de las temporadas y las tendencias, hoy empieza a detenerse para mirar con más conciencia el impacto que genera. En respuesta a la crisis ambiental y a las condiciones injustas que persisten en la industria textil, ha surgido un movimiento poderoso y necesario: la moda ética y sostenible. Y no solo como alternativa, sino como el futuro del vestir.
La moda ética se enfoca en el respeto a los derechos humanos a lo largo de toda la cadena de producción. Significa que las prendas se elaboran en condiciones laborales justas, con salarios dignos, horarios adecuados y entornos seguros. Por su parte, la moda sostenible pone la mirada en el medio ambiente: utiliza materiales ecológicos, promueve procesos menos contaminantes y fomenta el consumo responsable.
Lo más interesante es que este movimiento no está reñido con el estilo ni con la innovación. Al contrario, lo nuevo en moda ética y sostenible destaca por su diseño inteligente, por propuestas creativas y por marcas comprometidas que entienden que es posible vestir con conciencia sin renunciar a la estética.
Hoy encontramos tejidos elaborados a partir de fibras recicladas, cáñamo, lino orgánico, bambú e incluso piña o cáscara de naranja.
También hay avances tecnológicos que permiten teñir sin agua o reutilizar prendas a través del upcycling, una técnica que transforma residuos textiles en piezas únicas.
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DESCUBRE
Además, muchas marcas están apostando por modelos de negocio circulares: ropa por suscripción, alquiler de prendas, servicios de reparación y programas de recolección para reciclar ropa usada. Todo con el objetivo de alargar la vida útil de las prendas y reducir el volumen de desechos textiles que terminan en vertederos.
Lo nuevo en esta corriente también es la transparencia. Cada vez más consumidores exigen saber quién hizo su ropa, con qué materiales, en qué condiciones. Y muchas marcas están respondiendo con etiquetas claras, trazabilidad y certificaciones que avalan su compromiso ético y ambiental.
En el terreno estético, la moda sostenible se desmarca del “usar y tirar” para proponer colecciones atemporales, con piezas versátiles, bien confeccionadas y pensadas para durar. No se trata de acumular, sino de elegir con intención: menos cantidad, más calidad.
Y aunque aún queda mucho por hacer, el cambio ya está en marcha. Diseñadores emergentes, grandes casas de moda y consumidores conscientes están redefiniendo las reglas del juego.
La moda ética y sostenible no es solo una tendencia pasajera; es una respuesta coherente a los desafíos actuales del planeta y una forma más honesta de expresar quiénes somos.Vestir con responsabilidad no significa perder estilo.
Significa ganar coherencia, autenticidad y conexión con un mundo que necesita más decisiones conscientes. Porque cada prenda tiene una historia, y hoy más que nunca, vale la pena elegir bien qué historia queremos llevar puesta.
ALMACENAJE
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Pintores latinoamericanos que están marcando tendencias
Por: Benjamin Venegas Montalvo
El arte latinoamericano vive un momento vibrante y transformador. Nuevas voces están emergiendo con fuerza, llevando consigo una mezcla poderosa de identidad, historia, denuncia social y belleza visual.
Los pintores contemporáneos del continente no solo están conquistando espacios en galerías internacionales, sino que están redefiniendo lo que significa hacer arte desde América Latina en el siglo XXI.
Una de las características más fascinantes de esta nueva generación de artistas es su capacidad para dialogar con el pasado sin dejar de mirar al futuro. En sus obras se encuentran ecos de las
raíces indígenas, la influencia colonial, los conflictos sociales y políticos, y también la exploración de lo urbano, lo digital y lo íntimo. Es un arte profundamente contextual, que no busca imitar, sino narrar su propia realidad.
Entre los nombres que destacan está Tania Candiani (México), cuya obra combina pintura, instalación y tecnología. Su enfoque interdisciplinario aborda temas de lenguaje, feminismo y memoria cultural. Aunque no es exclusivamente pintora, sus piezas visuales tienen una estética única que rompe fronteras entre disciplinas.
En Argentina, Eduardo Basualdo ha cap
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tado la atención internacional con una propuesta que combina pintura y escultura con una carga simbólica intensa. Sus obras exploran la tensión entre lo visible y lo invisible, lo racional y lo sensorial, y siempre invitan al espectador a una reflexión profunda.
Desde Colombia, Ana María Velasco está marcando pauta con sus pinturas llenas de color, textura y emoción. Su trabajo combina lo onírico con lo cotidiano y tiene una estética muy personal, donde la figura humana y lo simbólico se entrelazan constantemente.
También es imposible ignorar el trabajo de Osvaldo Budet (Puerto Rico), quien utiliza la pintura como medio para abordar temas de raza, poder y colonialismo. Con una técnica meticulosa y un discurso agudo, Budet construye retratos que confrontan al espectador con las realidades históricas y actuales del Caribe.
Otro nombre que resuena es el de Cinthia Marcelle (Brasil), artista cuya práctica incluye pintura, pero también instalaciones y acciones colectivas. Su obra se nutre del caos urbano y del dinamismo social de Brasil, logrando un lenguaje visual que es tan político como poético.
Estos artistas, y muchos otros, comparten un compromiso con la identidad, la experimentación y la autenticidad. No siguen fórmulas; crean desde el corazón de sus realidades, con un lenguaje propio y una voz firme. Su trabajo no solo embellece, sino que también cuestiona, incomoda y transforma.
La pintura latinoamericana contemporánea está en plena ebullición. Ya no es solo una promesa emergente, sino una realidad consolidada que sigue creciendo. Los artistas del continente están demostrando que el arte no tiene fronteras, pero sí raíces. Y desde esas raíces, están construyendo un nuevo panorama visual que cautiva al mundo.
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Este artista convierte emociones en obras únicas
Por Juan Gerardo Zermeño Padilla
Pocas obras han logrado capturar la angustia humana con tanta fuerza como El grito de Edvard Munch. Pero reducir el legado de este artista noruego a una sola pintura sería injusto. Munch fue un pionero en la representación del mundo interior, y su obra es un viaje honesto, a veces perturbador, por las emociones más profundas de la existencia humana.
Nacido en 1863 en Noruega, Munch creció rodeado de enfermedad, muerte y una profunda religiosidad. Su madre falleció cuando él tenía apenas cinco años, y su hermana Sophie, a los 15.
Estas pérdidas marcaron su visión del mundo, y se convirtieron en temas recurrentes en su arte. Para Munch, la pintura no era una cuestión decorativa: era un lenguaje emocional. Usó el lienzo como un espacio para expresar lo que muchos no podían decir con palabras.
Su estilo, fuertemente influenciado por el simbolismo y más tarde por el expresionismo, rompe con la tradición académica de su época. No buscaba retratar la realidad externa, sino plasmar los estados emocionales del alma. Las líneas curvas, los colores intensos
y las figuras distorsionadas que caracterizan su obra transmiten tensión, ansiedad, deseo y soledad. Munch no pintaba lo que veía, sino lo que sentía.
El grito, su obra más icónica, es el mejor ejemplo de esta visión. La figura central no es un retrato, sino un símbolo: representa el miedo existencial, la pérdida de control, el vacío. El cielo rojo, el puente ondulante, la expresión desfigurada… todo en la imagen comunica una experiencia emocional intensa y universal.
No es casualidad que esta pintura se haya convertido en un ícono de la cultura contemporánea: sigue resonando con quienes han sentido ansiedad, pánico o desesperación.
Pero Munch no se limitó al sufrimiento. En su serie de pinturas conocida como El friso de la vida, abordó también el amor, los celos, la enfermedad y la muerte, como parte de un ciclo humano inevitable. Para él, la vida era una experiencia profundamente emocional, y el arte debía reflejarla con la misma intensidad.
A lo largo de su carrera, Munch desafió las convenciones estéticas y morales de su tiempo. Fue criticado, incomprendido
y marginado por parte de la crítica. Pero nunca dejó de pintar desde sus entrañas. Con el paso de los años, su obra fue reconocida como precursora del arte moderno y fuente de inspiración para movimientos como el expresionismo alemán.
Edvard Munch no solo fue un artista: fue un explorador del alma humana. Su obra es un espejo emocional donde aún hoy podemos vernos reflejados.
En un mundo que muchas veces exige máscaras, su arte nos invita a mirar de frente lo que sentimos, con toda su belleza y su oscuridad. Porque como él mismo escribió:
“Del alma salen mis cuadros”.
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