PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE I

CASA KEN DONE - ELEVACIÓN (ELABORACIÓN PROPIA)

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE

325

CRISTINA ISABEL DREIFUSS SERRANO

ALESSANDRA KAORI BALUARTE ADANIYA (20200206)

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-1

HISTORIA DEL ARTE I. SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

02

CRITERIOS RIBA Descripción El Royal Institute of British Architecture (RIBA) es la Agencia de Acreditación Internacional de carreras de Arquitectura más prestigiosa del mundo. Desde 1837 promueve la calidad de la formación de arquitectos en universidades inglesas como Oxford y Cambridge. Desde 1928 lo hace en todo el mundo.

Criterios Riba empleados en el curso CG2 Capacitar al estudiante en la aplicación de la técnica gráfica a partir del desarrollo de lenguajes y códigos técnicos de expresión de dibujo arquitectónico utilizando herramientas digitales.

CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico

CG7 Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño

03

CONTENIDO EP1 Extraños comienzos (CG2,CG3,CG7) - Poder (CG2,CG3,CG7) Placer (CG2,CG3,CG7) Poder y Placer en la antigüedad (CG2,CG3,CG7) Síntesis de la antigüedad (CG2,CG3) Islam (CG2,CG3)

04

08 10 12 18 20 22

EP2 26

Románico y Gótico (CG2,CG3,CG7) Renacimiento (CG2,CG3,CG7) Luz en el barroco (CG2,CG3,CG7) Preimpresionismo (CG2,CG3,CG7) Neoclásico (CG2,CG3, CG7)

30 34 36 40

EF Trabajo final (CG2,CG3,CG7) Portafolio (CG2,CG3,CG7)

05

48

_________________________________

EP1

INDICE CONTENIDO - Extraños comienzos (CG2,CG3,CG7) - Poder (CG2,CG3,CG7) - Placer (CG2,CG3,CG7) - Poder y Placer en la antigüedad (CG2,CG3,CG7) - Síntesis de la antigüedad (CG2,CG3) - Islam (CG2,CG3)

____________________________________

____________________________

CG2

│ GC3│CG7

EXTRAÑOS COMIENZOS Realizar un resumen gráfico (mapa conceptual, cuadro sinóptico o similar) sobre la lectura "Extraños comienzos" (Gombrich: Historia del Arte, capítulo 1).

Incluir al menos 4 imágenes de obras mencionadas en la lectura, que no hayamos visto en clase.

08

EJERCICIO 1

9

│ GC3│CG7 EL PODER Y JERARQUÍA CG2

1. Escoger dos obras de arte realizadas durante la antigua Roma en donde se representan ambas ideas: poder y placer.

La Ronda de la Noche

Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn Creación: 1640-1642 En esta obra se identificó como la representación del poder al personaje que sale en el centro de la obra. Para identificar la jerarquía en esta pintura tuvimos en cuenta la ubicación del personaje, que como ya mencionamos, se encuentra en el centro y delante de los otros personajes quienes aparentan seguirlo, se puede decir que la atención recae sobre él; de igual manera apreciamos su postura que es firme e indica que se dirige hacia el frente, junto con el gesto de su mano. A comparación de los otros personajes de la obra, los detalles en su cara y su expresión facial (que cabe resaltar se encuentran mejor iluminados que el resto de su cuerpo), transmiten seguridad como el líder, no como las otras expresiones de los demás personajes que transmiten tristeza, angustia y seriedad. Agregamos finalmente que, se puede observar su vestimenta, que destaca de los demás, ya que, es completamente negra y está muy bien detallada, junto a una banda roja que genera contraste y puede simbolizar su rango oposición.

10

EJERCICIO 2

Maria Knotenlöserin

El Tribunal de la Casa de la Moneda

En el cuadro se representa a la Virgen María como personaje principal, situada en el centro de la pintura rodeada de ángeles que la adoran y veneran aparentando una enorme devoción, una cualidad muy curiosa en el personaje ,es que con su pie izquierdo observamos que pisa la cabeza de una Serpiente la cual en la religión cristiana y católica se considera como una representación de Satán, evidenciando una jerarquía que simboliza el bien (Maria) siendo superior al mal (la serpiente ) una y alegoría hacia la representación de la religión.

En esta obra se puede evidenciar el poder en el personaje central. En primer lugar, debido a su posición, donde parecen estar los demás personajes distribuidos a su alrededor para acompañarla. Además, la postura que muestra la mujer destaca sobre las demás por la elegancia. En segundo lugar, se percibe en el fondo colores oscuros pero encima de ella se observa una luz como una iluminación hacia ella. Por otro lado, se observa el uso de elementos como la espada en su atuendo y una aureola sobre su cabeza. Cabe resaltar, que esta aureola está siendo colocada por 3 ángeles que se sitúan alrededor de su cabeza, y que la observan conatención.

Autor: Johann Georg Melchior Schmidtner Creación: aprox 1700

Estéticamente observamos que la jerarquía es presentada en la forma en cómo está ubicada Maria y la atención recae sobre ella por parte de los demás personajes mostrando una mayor iluminación y detalle en su rostro y pintada con una paleta de colores más vivaces y fuertes comparación del fondo

Autor: Brabante en Amberes Creación: 1594

Al observar con más detenimiento la obra, se evidencia en la parte inferior casi en los pies de la figura jerárquica que se sitúan dos personajes. Uno de ellos, una mujer desnuda que la está viendo. Así como, un hombre con una venda en los ojos, con cadenas en las manos y de rodillas. Cabe mencionar, que la figura jerarquizada está sujetando un balanza que simboliza la justicia. Finalmente, su atuendo es un vestido que lleva colores rojizos que la hacen destacar a comparación de un grupo de los personajes que llevan el mismoatuendo.

11

│ GC3│CG7 PLACER CG2

Definiciones de placer El placer en la edad Contemporanea: La Edad Contemporánea es el perlado histórico que abarca desde el ano 1789, con la Revolución francesa, hasta la actualidad. . Antes de la Edad Contemporánea, durante la Edad Media, surgieron diversos movimientos e ideólogas como el Renacimiento y la Ilustración, que resultaron de gran influencia en el arte, en la sociedad y en la política, y que impusieron nuevos valores humanistas como el concepto de los derechos humanos.

Esta nueva forma de pensar se propago de manera rápida y contribuyo al estallido social y revolucionario en diversas sociedades seguido de la primera revolución industrial que trajeron grandes innovaciones muchas de ellas enfocadas en el entretenimiento como PLACER , como el cine, la invención de la televisión y la animación a color y en cuanto a la música dejo de estancarse en lo clásico y se quebró en diversos géneros musicales y así podríamos nombrar diversos ejemplos de invenciones hasta la actualidad.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/edad-contemporanea/#ixzz6sawUXanl

El placer en la Edad Media: El termino placer de la junta en la Edad Media es un tema extenso, puede ser interpretado de muchas maneras si se refiere esta etapa.. La razón radica en los bienes invisibles su fruta y su placer, tales como la sensibilidad de descubrir el sabor de las mercancías sensibles a la que esta adaptada. Este antiguo pensamiento ya tiene una demanda en la conciencia del hombre medieval en lo que los sentidos y el alma puede producir. «" En este sentido Aulu Gelle escribio, "estos dos placeres, gusto y tacto, es decir, la codicia y el amor a la física, placeres son el único común entre los seres humanos y animales, por lo tanto, todos los hombres esclavos de estos placeres bestiales se cuentan entre los brutos y bestias. » Se alcanzo el clímax del placer conectado con la comida durante los banquetes, hay varios documentos que dan testimonio de la magnificencia de estos partidos y la importancia de la estructura social que abarco el periodo.

12

CG2

│ GC3│CG7

EJERCICIO 3

Así que el placer es el total, todo lo que rodea al hecho de comer y compartir, no debemos olvidar que los huéspedes están bien entre ellos, el concepto de la convivencia de su importancia, el hecho de tenerlo placer y buena compañía, la preparación de los platos, durante las fiestas medievales, donde todos los invitados estaban sentados en el mismo lado de la mesa que comparten los mismos placeres de los sentidos y del espíritu, se llevo a cabo el intercambio de ideas, alianzas políticas, promesas de matrimonio y todo lo que aprovecharon la ocasión.

Fuente: http://www.italiamedievale.org/portale/piacere-nel-medioevo/?lang=es

El placer en el siglo IV: “Carta a Meneceo” Autor: Epicuro de Samos "Cierto que todo placer es, por naturaleza, un bien en si mismo y, sin embargo, no todo placer ha de tomarse; de modo similar, todo dolor es un mal, pero no siempre han de evitarse todos” - Carta a Meneceo

Según Epicuro, el placer es un bien inherente a nuestra naturaleza, y estamos destinados a buscar el placer. El placer y dolor son innatos en el ser humano, por ello es inútil intentar evitarlos, además, lo definió como la satisfacción de las necesidades del cuerpo y la tranquilidad del alma. Para el epicureísmo, lo malo es todo aquello que le produce dolor al ser humano, y lo bueno es todo lo que produce placer.

Desde la perspectiva de la ética de Epicuro, el autentico placer, es el placer calculado, producto de un gran autocontrol y de una buena madurez intelectual. Este placer lo alcanzamos cuando conseguimos el pleno dominio de nosotros mismos, de nuestros propios deseos y afecciones. Si bien para Epicuro la felicidad consiste en vivir en continuo placer, no se trata de cualquier placer, estos se deben elegir sabiamente.

"Por consiguiente, todo placer, por su misma naturaleza, es un bien, pero todo placer no es deseable. Igualmente todo dolor es un mal, pero no debemos huir necesariamente de todo dolor. Y por tanto, todas las cosas deben ser apreciadas por una prudente consideración de las ventajas y molestias que proporcionan. En efecto, en algunos casos tratamos el bien como un mal, y en otros el mal como un bien.”

—

Carta a Meneceo

Fuente: http://onomazein.letras.uc.cl/Articulos/4/23 Oyarzun.pdf https://lacasadelaetica.com/epicuro-la-etica-del-placer/

13

CG2

│ GC3│CG7

Imágenes que nos producen placer

"The Altar of Dionysos" (Gustav Klimt)

Creador: Gustav Klimt Lugar: Burgtheater Vienna, State Staircase Volksgartenseite Fotografo: Georg Soulek

14

CG2

│ GC3│CG7

EJERCICIO 3

Psique reanimada por el beso del amor Creador: Antonio Canova Tamaño: 1,55 m x 1,68 m Ubicación: Museo de Louvre Modelo: Cupido Estilo: Neoclasico Material: Marmol 15

CG2

│ GC3│CG7

Obra: Laocoonte y sus hijos

Artistas: Artistas:Agesandro de Rodas,Atenodoro de Rodas,Athenodoros of Rhodes, Polydorus of Rhodes Ubicacion: Museo Vaticano Creacion: siglo I d.C. Periodo: Arte de la Antigua Grecia

16

CG2

│ GC3│CG7

EJERCICIO 3

¿Cuáles son las razones por las que las obras de arte escogidas les producen placer?

El placer se refiere a la experiencia que se siente bien, que implica el disfrute de algo. este sentir el cual esta ligado al bienestar, felicidad y conformidad respecto a algo en concreto. Al apreciar estas diferentes imágenes es un hecho que el sentir placer es totalmente objetivo y depende de cada persona vista de su perspectiva a continuación cada uno de los integrantes explicara la razón del por que la obra que escogieron les genera este sentimiento.

The Altar of Dionysos En lo personal la obra "The Altar of Dionysos" me produce placer al expresarme tranquilidad. Visualmente es atractivo por la paleta de colores empleados en la obra porque en su mayarla son neutros o con gran carga de tonalidades claras, y el contraste generado con la imagen central del niño rodeado de flores. Sale de una estructura solida y lisa, un elemento lleno de vida. La iluminaciones la obra también es muy agradable.

Psique reanimada por el beso del amor Personalmente al observar esta escultura me da la sensación de ternura y dulzura ,realmente es hermoso como es que la obra muestra de una manera muy dramática el amor a través de la postura de los protagonistas mostrando delicados detalles que te cuentan una historia cabe precisar que en efecto esta obra buscaba representar la historia mitológica de cupido ,el dios del amor, y psique se puede decir que me siento atraída hacia esta obra por la razón de que siento un gran gusto por este tipo de historias propias de la mitología griega que te transportan a un mundo lleno de magia dioses y historias fantásticas Laocoonte y sus hijos El arte de la obra “Laocoonte y sus hijos” influyeen mi experiencia de maneras distintas, al generar una respuesta de placer según mi perspectiva, ya que brinda con cada uno de sus elementos diversas emociones como satisfacción, deseo, felicidad e incluso el dolor y la vergüenza que abarcan la definición del placer. El rol del arte en la experiencia del placer en esta obra se denota al ver la representación de la lucha y sufrimiento de Laocoonte y sus hijos para librarse de dos monstruosas serpientes, lo cual expresa el cambio de sensibilidad artística, dejando atrás el equilibrio, y serenidad del periodo clásico.

17

│ GC3│CG7 PODER Y PLACER CG2

1. Escoger dos obras de arte realizadas durante la antigua Roma en donde se representan ambas ideas: poder y placer.

Augusto de Prima Potra Autor: Desconocido Material: Mármol Creación: Siglo I d.C. Dimensión: 2.08 metros y 0.12 metros x 1.3 metros Modelo: Augusto

Esta escultura retrata la imagen idealizada de Octavio Augusto el primer emperador de roma, La estatua claramente fue realizada con el propósito de conmemorar las diversas victorias del emperador al, observar el monumento vemos que detalles como el lenguaje corporal y vestimenta tratan de dar un mensaje de fuerza y poder, esto se ve reflejado en la posición en el que se encuentra el personaje señalando al frente y mostrando una expresión de seguridad mostrando su liderazgo y importancia. Otra característica a destacar es la vestimenta del emperador, este usa un uniforme militar el cual si observamos detenidamente los detalles de la coraza ,esta presenta relieves alusivos a diversos dioses romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos territorios conquistados por el. En esta estatua genera en uno una especie de intimidación y respeto.

Con respecto al placer, la elaboración de la obra no se centraba en el placer y gusto que este podría generar en los ciudadanos romanos, mas que en los propietarios y monarcas los cuales se representaba. Estas esculturas servían de una manera para someter e imponer territorio. En cuanto al placer que genera como espectadores actuales ,podemos afirmar que la escultura presenta una estética muy bella que genera un gran deleite, es impresionante ver la precisión de cada detalle en la escultura y impresiona aun mas el hecho que este legado artístico sigue vivo después de tantos siglos.

18

EJERCICIO 2

Villa Boscotrecase

Lugar de origen: Pompeya Autor: Desconocido Creación: Siglo I d.C.

En esta obra se identifico como la representación del poder al personaje que sale en el centro de la obra. Para identificar la jerarquía en esta pintura tuvimos en cuenta la ubicación del personaje, que como ya mencionamos, se encuentra en la parte central, frente de los otros personajes quienes aparentan acercarse, se puede decir que la atención recae sobre el, ya que, se encuentra debajo del elemento mas grande de la obra (el árbol) y al lado de una columna de gran tamaño; de igual manera apreciamos su postura que es firme y recta, proyecta la sensación de poder. A comparación de los otros personajes de la obra, su vestimenta destaca ya que esta mucho mas detallada, además se encuentra mejor iluminada.

El color empleado en sus prendas es un naranja fuerte con toques de marrón, este destaca del fondo verde en tonos claros, generando un contraste y un mejor efecto visual, haciendo que la atención se enfoquen esa persona. Este personaje se encuentra sentado sobre una clase de trono o asiento especial, además cuenta con emblema en una de sus manos que aparenta ser un cetro (un accesorio que sugiere poder). En cuanto al placer en esta pintura, encontramos dos tipos, el placer generado en el observador de la obra, es un placer netamente visual, puede provocar diferentes sensaciones en el observador, pero en su mayoría son de disfrute, los colores empleados y la composición de la obra es algo agradable frente al ojo humano, mas aun en aquella época, en la cual la obra se encontraba en mejor estado y su acabado era mejor, tenia los colores mas vividos y no presentaba deterioro por los anos. Luego tenemos al placer representado en la misma, que se evidencia en el personaje de mayor jerarquía de la obra la cual se encuentra descansando, aparenta ser una figura de poder por lo cual podríamos inferir que da ordenes a sus súbditos o plebeyos que trabajan para ella y cumplen sus ordenes, lo que generaría placer en ella.

2. Explicar de que manera los antiguos romanos transforman la idea de poder y la adecuan a sus propias necesidades.

Roma, poseia mucha influencia por parte del arte helemstico. La mayoria de los artistas que trabajaron en Roma fueron griegos, y la mayoria de los coleccionistas romanos adquirian obras de grandes maestros de Grecia, o copias de ellas. Sin embargo, el arte tuvo un giro drastico, en cierta medida, cuando Roma se expandio y se convirtio en un imperio. A consecuencia, a los artistas les fueron encomendadas nuevas tareas y tuvieron que acomodar a ellas sus metodos.

Para esto, los romanos eran gente practica y se preocupaban menos que los griegos en imaginar dioses. Por lo que, la transformation de Roma de ciudad-estado a un Imperio, fue un proceso largo que comienza con el expansionismo por el Mediterraneo, lo que deriva en una profunda crisis en las instituciones republicanas y la solution es el fin de la Republica. La instauracion de un fuerte poder central y de caracter personal es la respuesta a la division del poder tivico y a la profunda crisis que se vivia en todos los ambitos. Por otro lado, incluso el arte en Roma dio un gran giro, por el cual sus realizaciones mas sobresalientes fueron mejores vistas en la arquitectura civil, utilizando ademas como caracteristica importante el uso del arco, representando el triunfo de los romanos en todo su imperio.

19

│ GC3 SÍNTESIS DE LA ANTIGUEDAD CG2

Escoger tres obras de arte realizadas durante la Antigüedad en donde se representan en síntesis las características de las épocas estudiadas en clase (puede ser pintura, escultura, arquitectura).

Etruscos Creación: 900-27 a.C aprox En esta pintura podemos observar 3 hombres provenientes de la epoca de los Etruscos, ellos fueron el primer grupo humano organizado en la zona que hoy se conoce como Toscana (Italia), lugar que fue el nucleo de esta civilizacion. Luego fueron expandiendose poco a poco hasta llegar al imperio Romano, lo que termino en su conquista.

En esta obra podemos observar la influencia egipcia en la pintura, como representan a las cabezas de las personas de perfil y agregando el hecho que las expresiones corporales aun no se ven muy naturales. Sin embargo, tambien se aprecia las caracteristicas de la epoca, ya existe un intento de retratar los cuerpos desde otros puntos de vista, tambien hay cambios en los objetos que poseen los personajes de la pintura como la vestimenta y objetos que portan (que los diferencian de los otros personajes, resaltan su jerarquia y poder), cabe resaltar que existe una mejor proporcion del cuerpo humano (aunque aun se ve un poco ambiguo) y el uso de colores mas vivos. Finalmente, los etruscos tambien intentaron retratar el movimiento en la pintura, se ve como los pies y piernas estan en posicion de caminar, como las manos del hombre central se encuentran posicionadas al instrumento y como es que su vestimenta esta siendo alzada por el aire que corre.

20

EJERCICIO 2

Fuente: https://www.artehistoria.com/es/obra/afrodita-y-pan https://www.facebook.com/1475761416070303/posts/18596945110103 23/

Fuente: https://www.rome-museum.com/es/panteonroma.php#>:text=Sab%C3%ADas%20que%20la%20c%C3 %BApula%20del.de%20acero%20en%20su%2Qinteri

Afrodita, Pan y Eros

Cúpula del Panteón

La obra surgio en el periodo helenistico, se basa en la representation de la diosa Afrodita amenazando con una sandalia a Pan, dios de los pastores y los rebanos.

Este aparece siempre representado con piernas de macho cabrio y torso humano. Detras esta Eros, un nino alado que es el hijo de la diosa, que con su mano izquierda parece querer retener a Pan y ayudar a su madre.

Ideas principales del periodo de Grecia que denotan en la escultura Afrodita, Pan y Eros: El placer en la mujer, Afrodita (diosa del amor, sensualidad y belleza) esta desnuda, y se cubre la parte intima con una sola mano, como tambien, Pan (dios de los pastores y rebanos; mitad humano, mitad bestia), el cual somete a Afroditaen la presencia de su hijo. Cabe resaltar que las proporciones del cuerpo estaban correctamente desarrolladas en el hombre, la mujer y el nino. Por ultimo, influia la naturaleza humana, donde el hombre-satiro, era humano y por momentos bestia, asimismo el placer denota debido a que sus expresiones y signos que representan no son de lucha. Ademas, la sandalia de Afrodita representa su desnudez, si bien es cierto, existen escenas con ceramica griega donde la sandalia aparece como elemento iconografico, pero es usado contra mujeres (heteras o prostitutas) por sus clientes, sin embargo, en este caso la diosa tiene este elemento en su mano

El panteón de roma es una de las obras arquitectónicas mejor conservadas proveniente de la antigua roma, Este estructura era un templo realizado por la orden de Adriano el aquel entonces emperador de roma Esta obra nos muestra claramente que la arquitectura en el imperio romano tomaba un rol muy importante en cuanto expresar el Poder ser refiere a igual que el clasismo que exista en esa época , en el caso de este templo en general por fuera muestra un tamaño descomunal en comparación a tamaño de una persona promedio visualmente tiene una esencia de fuerza.

Lo que que destaca de esta obra es su interior, específicamente la cúpula, al ser una obra religiosa romana esta es mas dinámica frente a la griega, pero aun así observamos que en cuanto a estética y religiosidad la cultura griega influye fuertemente.

En cuanto a la iluminación , es natural entra por un tragaluz estratégicamente colocado al medio buscando que el espectador sienta una impresión de divinidad al encontrarse dentro.

Creación: 150 a.C. Grecia

Creación:118-125 a.C

21

│ GC3 ISLAM CG2

La cúpula de Alhambra

Autor: desconocido Creación: 1320 d.C. Ubicación: Palacio del Patral Fuente: https://universes.art/es/art-destinations/berlin/museum-dearte-islamico/alhambra-cupola

Lo que mas me gusto de la cúpula es que, presenta una organización geométrica y división simétrica que produce un efecto visual agradable. También, como se puede ver en la foto, tiene detalles de caligrafía arábica que no ha sido escrita sino que ha sido tallada en madera y queda en forma de relieve, de esta manera de diferencia de otras obras donde la caligrafíes producidas solamente con tinta, de igual forma se aprecia elementos decorativos como flores y pinas a lo largo de la cúpula. Me gusto la gran cantidad de elementos y sus detalles producidos en la composición , y en conjunto considero que generan una armonía. Juegan con las profundidades del tamaño y las formas de cada elemento, mientras que algunos son formas geométricas planas, otros son vacíos curvos, lo que también genera sombra y juego con la luz. se puede encontrar de todo en esta obra. En si, es una estructura imponente que produce la sensación de pequeñez.

22

EJERCICIO 2

Esta obra arquitectónica islámica se caracteriza

Lo mas fascinante de la cúpula es su conversión

por los impresionantes y hermosos relieves

que inicia en base a un cuadrado, para volverse en

tallados en madera. Personalmente me causa

octógono y posteriormente un polígono, como

asombro el nivel de detalle que se logra observar

también cada ángulo del cuadrado, esta decorado

en toda la cúpula y me parece curioso que estos

con un triangulo que alberga una cúpula en

relieves no se alejan de lo religioso, pues si

miniatura en su centro, lo cual es impresionante

tomamos mucha atención a estos pequeños

por su decoración en el fondo con pequeños

detalles, podemos observar la presencia de una

detalles como flores, pinas, conchitas y arabescos,

silueta que corresponde a la estrella de ocho

que brindan conectividad con el ambiente por sus

puntas ,símbolo propio de la religión islámica.

diversos elementos colocados detalladamente en

Otro detalle que me parece interesante es que

su arquitectura, resaltando además el relieve

en

caligrafía

alrededor de toda la cúpula. De tal forma que

impregnada en relieves alrededor de esta, en

brinda un ambiente puramente religioso, al

conclusión, opino que, esta obra es un tesoro en

destacar la importancia de la caligrafía en los

la historia de la arquitectura es realmente bello

relieves, y los elementos a detalle en base a una

como la simetría y los detalles decorativos se

composición geométrica.

la

cúpula

se

observa

una

fusionan con el simbolismo religioso todo esto impregnados en relieves situados en toda la cúpula.

23

_________________________________

EP2

INDICE CONTENIDO - Románico y Gótico (CG2,CG3,CG7) - Renacimiento (CG2,CG3,CG7) - Luz en el barroco (CG2,CG3,CG7) - Preimpresionismo (CG2,CG3,CG7) - Neoclásico (CG2,CG3, CG7)

____________________________________

____________________________

│ GC3│CG7 ROMÁNTICO Y GÓTICO CG2

1. Escoger dos imágenes que representen el mismo hecho, una románica y la otra gótica (por ejemplo, dos imágenes de la anunciación, o crucificciones, o nacimientos, etc)

Frontal de Avià Estilo: Románico Autor: Anónimo Técnica: Pintura al temple sobre tabla Año: Siglo XIII

La pintura Románica, en este caso, pretende enseñar a los creyentes los dogmas de la religión cristiana. Ante ello, se prioriza lo narrativo y el simbolismo sobre el realismo, no perseguían plasmar de forma exacta la naturaleza. De esa manera, los artistas eran limitados por el poder de la iglesia. Por ello, es como la representación se simplifica dando a transmitir el mensaje de un acontecimiento religioso sin tanto detalle, pues adjunta una doctrina de una manera sencilla. Al observar con detenimiento las características propias de los personajes, destacamos que ninguno de ellos muestra una expresión el rostro ,no muestran ningún tipo de emoción ni sentimiento, la razón de esto tenía un objetivo muy claro pues se creía que el arte no era más que un vehículo para expresar ideas mas no para apreciar una estética. Una característica adicional que sometía a los artistas al realizar su trabajo era el hecho de no ser reconocidos como indiscutibles autores, pues sus obras se presentaban como una ofrenda divina por lo que no se permitía vanagloriarse con su trabajo al firmar estos.

26

EJERCICIO 7

La Adoración de los Reyes Magos Autor: Gentile da Fabriano Año: 1423 Estilo: Gótico Técnica: Pintura al temple sobre madera

La pintura Gótica, a diferencia de la románica, muestra el realismo en su totalidad junto con el detalle de los elementos, convirtiéndose en un arte descriptivo. Sin embargo, aún mantiene el carácter narrativo en la representación de estas escenas religiosas. De tal manera que denota la libertad del artista al realizar las expresiones de los personajes, mostrando complejidad en la pintura. Por ejemplo, la decoración de los atuendos, la luz y el contraste. Brindando mayor cantidad de información en toda la pintura. Así es cómo el arte comienza a recuperar su importancia, abandonando el arte dominado por los significados.

27

CG2

│ GC3│CG7

EJERCICIO 7

Evolución del Románico al Gótico: Al analizar la evolución del arte Románico hacia el Gótico, mediante ambas obras que retratan la escena religiosa del nacimiento del niño Jesús. Se puede interpretar que los artistas expresan en ambas pinturas su función narrativa, al momento de retratar una imagen basada en los mismos personajes, distribuidos de manera similar, dándole mayor jerarquía al niño Jesús, en vista de que todos los elementos se dirigen hacia él.

El arte Románico y Gótico ha sido el resultado de una evolución constante y paulatina, se pueden encontrar diferencias entre las dos pero no están separadas completamente. Por un lado tenemos al Románico, que se desarrollaba de manera lenta y muy limitada por la presión de la iglesia, por falta de materiales y conocimientos técnicos, eventualmente, después de 1000 años (aproximadamente) surge el Gótico, donde todos los conocimientos, las ideas y técnicas fueron evolucionando y mejorando tras la práctica y por el hecho de que la creatividad de los artistas ya no era rechazada ni reducida.

Entre las diferencias más resaltantes de ambas etapas, encontramos que en la pintura Románica, la representación de las figuras humanas y animales no era realista, se encontraban muchas deformaciones y malas proporciones tanto en el cuerpo y sus extremidades como en la cabeza (como se puede apreciar en la pintura seleccionada), además, las expresiones y las posiciones en las que se encontraban los personajes de la pintura no eran muy orgánicas. En cuanto a la técnica, se usaban pocos colores por la escasez del material, no tiene trabajo de sombras ni control de profundidad, pero se logra entender vagamente que están en planos separados. No presenta mucha complejidad ya que solo consta de tres personajes humanos, y dos personajes animales (incompletos).

28

EJERCICIO 7

En cuanto a la pintura Gótica, la representación humana, en la pintura seleccionada, esta mucho mejor lograda, las proporciones de las extremidades y detalles de la cara son mucho más realistas, en los animales de igual forma, tiene una cabeza más realista e incluso se nota su musculatura corporal, todo con una buena proporción. Las expresiones faciales y posiciones del cuerpo en todos los personajes son más orgánicas y naturales hasta se intentó representar movimiento en los animales (los caballos parecen estar caminando). La técnica es más trabajosa, cuentan con gran cantidad de materiales y herramientas, lo que permite mejores acabados y hay un trabajo de sombras, profundidad y perspectiva (en la edificación de la izquierda). Es una pintura más compleja por la cantidad de personajes, animales y edificaciones, y el diseño de cada uno (detalles como vestimenta, caras, colores).

Si bien cada una de las fuentes artísticas presentan características muy opuestas visualmente y estéticamente, cabe resaltar que ambas surgen con un mismo propósito tanto en el arte romántico como en el gótico. Estás toman la religión como fuente principal de inspiración y enaltecen la fe cristiana representando en diferentes formas artísticas.

29

│ GC3│CG7 RENACIMIENTO CG2

1. 1. Escoger dos imagenes que representen el mismo hecho, una romanica y la otra gotica (por ejemplo, dos imagenes de la anunciacion, o crucificciones, o nacimientos, etc)

Natividad

Estilo: Renancentista Autor: Lorenzo Lotto Técnica: Pintura al temple sobre tabla Año: 1523

Esta obra de arte es un claro ejemplo de una obra renacentista ,este estilo se destaco por la simetría y proporción del cuerpo humano. Los artistas perciben el arte como conocimiento estos autores estudiaban arduamente la geometría ,anatomía acompañada de otras ciencias. A diferencia del arte gótico o románico se buscaba que el arte como tal no se considerara como una arte plástico si no como un conocimiento. El arte renacentista también incorporo y desarrollo distintos elementos en sus obras como conocimientos botánicos y filosóficos ,siempre buscando la perfección. El estudio de la naturaleza del trabajo como consecuencia el perfeccionamiento del naturalismo, es decir, el principio de imitación de las formas naturales en búsqueda de la verosimilitud. Ante los nuevos cambios, que implican un refinamiento intelectual de los contenidos, el publico se va reduciendo hacia un publico "especialista" y se ensancha, aun cuando el artista se sigue dirigiendo a todos. El arte se vuelve un objeto de distinción social y ya no solo un vehículo para la promoción de contenidos institucionales como la religión.

30

EJERCICIO 8

La Adoración de los Reyes Magos Autor: Gentile da Fabriano Año: 1423 Estilo: Gótico Técnica: Pintura al temple sobre madera

La pintura Gótica, a diferencia de la románica, muestra el realismo en su totalidad junto con el detalle de los elementos, convirtiéndose en un arte descriptivo. Sin embargo, aún mantiene el carácter narrativo en la representación de estas escenas religiosas. De tal manera que denota la libertad del artista al realizar las expresiones de los personajes, mostrando complejidad en la pintura. Por ejemplo, la decoración de los atuendos, la luz y el contraste. Brindando mayor cantidad de información en toda la pintura. Así es cómo el arte comienza a recuperar su importancia, abandonando el arte dominado por los significados.

31

CG2

│ GC3│CG7

Evolución del Románico al Gótico: Al analizar la evolución del arte Románico hacia el Gótico, mediante ambas obras que retratan la escena religiosa del nacimiento del niño Jesús. Se puede interpretar que los artistas expresan en ambas pinturas su función narrativa, al momento de retratar una imagen basada en los mismos personajes, distribuidos de manera similar, dándole mayor jerarquía al niño Jesús, en vista de que todos los elementos se dirigen hacia él.

El arte Románico y Gótico ha sido el resultado de una evolución constante y paulatina, se pueden encontrar diferencias entre las dos pero no están separadas completamente. Por un lado tenemos al Románico, que se desarrollaba de manera lenta y muy limitada por la presión de la iglesia, por falta de materiales y conocimientos técnicos, eventualmente, después de 1000 años (aproximadamente) surge el Gótico, donde todos los conocimientos, las ideas y técnicas fueron evolucionando y mejorando tras la práctica y por el hecho de que la creatividad de los artistas ya no era rechazada ni reducida.

Entre las diferencias más resaltantes de ambas etapas, encontramos que en la pintura Románica, la representación de las figuras humanas y animales no era realista, se encontraban muchas deformaciones y malas proporciones tanto en el cuerpo y sus extremidades como en la cabeza (como se puede apreciar en la pintura seleccionada), además, las expresiones y las posiciones en las que se encontraban los personajes de la pintura no eran muy orgánicas. En cuanto a la técnica, se usaban pocos colores por la escasez del material, no tiene trabajo de sombras ni control de profundidad, pero se logra entender vagamente que están en planos separados. No presenta mucha complejidad ya que solo consta de tres personajes humanos, y dos personajes animales (incompletos).

32

EJERCICIO 8

En cuanto a la pintura Gótica, la representación humana, en la pintura seleccionada, esta mucho mejor lograda, las proporciones de las extremidades y detalles de la cara son mucho más realistas, en los animales de igual forma, tiene una cabeza más realista e incluso se nota su musculatura corporal, todo con una buena proporción.

Las expresiones faciales y posiciones del cuerpo en todos los personajes son más orgánicas y naturales hasta se intentó representar movimiento en los animales (los caballos parecen estar caminando). La técnica es más trabajosa, cuentan con gran cantidad de materiales y herramientas, lo que permite mejores acabados y hay un trabajo de sombras, profundidad y perspectiva (en la edificación de la izquierda). Es una pintura más compleja por la cantidad de personajes, animales y edificaciones, y el diseño de cada uno (detalles como vestimenta, caras, colores).

Si bien cada una de las fuentes artísticas presentan características muy opuestas visualmente y estéticamente, cabe resaltar que ambas surgen con un mismo propósito tanto en el arte romántico como en el gótico. Estás toman la religión como fuente principal de inspiración y enaltecen la fe cristiana representando en diferentes formas artísticas.

33

CG2

│ GC3│CG7

LUZ EN BARROCO:

Esta primera escena nos presenta a Griet despertándose en lo que era su habitación dentro del filme, se puede apreciar como la luz está dirigida solo a la mujer, iluminando únicamente su cara y un poco de sus prendas. Esta escena genera dramatismo, ya que, hay un contraste entre una zona muy expuesta a la luz y una más oscura, también permite al espectador concentrarse en una cosa (Griet y su expresión).

Claramente se puede identificar a que querían darle jerarquía en la escena. A lo largo de la película también se juega con la luz para expresar los estados de ánimo de la mujer, en este caso usaron una luz directa en tonos fríos para expresar su incomodidad (ya que acababa de ser despertada) además era su primera noche en la casa

34

EJERCICIO 9

En la segunda escena vemos como la luz ingresa a la habitación a través de la ventana, siendo debilitada por el grosor del vidrio, generando una iluminación suave en el espacio. De igual manera, vemos que rebota en la mujer y en los objetos, permitiendo que se aprecien todos los componentes de la escena, creando también una pequeña sombra, y penumbra hacia el lado no iluminado directamente (la pared con las ventanas). En este caso la iluminación, no proporciona jerarquía a algún elemento, pero podría deducirse por la posición de los objetos en diferentes planos. En esta escena de la película, también se juega con la luz para expresar los estados de ánimo de la mujer, en este caso usaron una luz directa suave en tonos cálidos para expresar su comodidad (al ver hacia el exterior por la ventana).

35

CG2

│ GC3│CG7

PREIMPRESIONISMO: EJERCICIO :Escoger una obra de arte impresionista y señalar lo siguiente: a) 5 diferencias con respecto al barroco, al neoclásico y/o al romanticismo.

Considerar técnica, temas representados, paleta de colores, función, etc. b) ¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

Artista: Camille Pissarro Período: Impresionismo Fecha de creación: 1887 36

EJERCICIO 10

A)

1. La creación de piezas de arte en la época del barroco tenía como finalidad de persuadir y/o convencer al espectador a través de la experiencia estética, este arte, por lo general, es muy explícito, además juega con emociones cargadas y densas (ej: sufrimiento), en cambio, el arte creado durante el neoclásico, era un arte cargado de mensaje y tenía la finalidad de evocar ideales históricos, con él se buscaba despertar y educar a la población.

2. Los mensajes que se querían transmitir con las piezas de arte toman un rol muy importante y cambiaron por su época, en el barroco, se intentaba involucrar al espectador en las obras, suelen haber espacios “vacíos” en muchas de las pinturas, dando a entender que puede ser un espacio para nosotros o incluso en algunas pinturas no vemos el rostro de los personajes, al no verlo podríamos interpretarlo como si fuéramos uno mismo. Y en el neoclásico, no se busca que te sientas parte del cuadro, en cambio, se busca que te identifiques con los personajes, además, las pinturas traían doble significado, el primero, siendo la narración de la pintura (lo que vemos), y el segundo, el mensaje latente tras la narración, (las pinturas en esta época retrataban mitos o eventos históricos), entre más sepamos sobre esas historias seremos más capaces de llegar el tema central del cuadro.

3. En cuanto al estilo, las pinturas en el barroco presentan un contraste distintivo entre lo claro y oscuro, incluso en el mismo elemento, también se caracterizó por lograr el realismo de una forma óptima, al representar las cosas de manera real y no “perfectas”, como se había hecho previamente. Por su parte, el neoclásico imitó muchos de los estilos, formas, temas y recursos de la antigua Roma y Grecia, como la paleta de colores, el tamaño de las pinceladas al momento de crear texturas, entre otras cosas (en un intento de traerlos a la memoria y conciencia).

37

CG2

│ GC3│CG7

4. La inspiración de culturas antiguas como Roma y Grecia, le daba más importancia a la lógica y la razón en cada una de sus pinturas, haciendo mayor hincapié a la objetividad y esto se ve influenciado en el neoclasicismo, Ej. Bonaparte atravesando los Alpes - Jacques David, la precisión del dibujo y preciosismo en los detalles de la pintura. Esto cambia en el caso del romanticismo pues veían sus pinturas según la naturaleza, la experiencia que los personajes habían vivido, y las emociones que expresaban.

5. Estilísticamente, el barroco es más complejo, centrado en la estimulación de los sentidos y estados emocionales, que guían al arte a un significado más intenso y enternecedor en dramaticidad, un estilo extravagante, mejor definido como arte extraño e irregular que en ocasiones son formas deformadas, cuyo fin es tratar de convencer un carácter religioso. Para el neoclasicismo, esto cambia radicalmente pues quería reaccionar en contra al romanticismo, cambiando las ideologías estéticas del barroco y del siglo XVIII, pese a eso, mantuvo la armonía rítmica y melódica de la modernidad.

38

EJERCICIO 10

B)

¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

Como ya antes explicado en clase el impresionismo es una fuente artística que se aleja de la pintura académica de la época se caracteriza por mostrar escenas de la vida cotidiana con trazos difusos, en cual invita al espectador a ser parte de la obra .

Al observar detenidamente la pintura podemos tener una vista de unas personas de la época a primera vista de clase obrera ,está reproducen un escena común en donde estos se encuentran comprando insumos en un mercado como en un día común lo curioso es que la vista en donde se sitúa la pintura juega un rol importante en cuanto a la relación que se tiene como espectadores hacía el cuadro pues nos da la impresión de ser nosotros parte de esta multitud haciendo la ilusión de encontrarnos en esta mismísima plaza compartiendo el espacio y actividad con el resto de personas

39

│ GC3│CG7 ARTE NEOCLASICO

CG2

EJERCICIO : 1. Describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando.

2. Explicar cómo ese mito o evento histórico se ve reflejado en el cuadro. ¿Qué escena escoge? ¿Qué elementos/emblemas/detalles se utilizan? ¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico?

Obra escogida:

La muerte de Sócrates Artista: Jacques-Louis David Tamaño: 1,3 m x 1,96 m Fecha de creación: 1787 Ubicación: Museo Metropolitano de Arte Período: Neoclasicismo https://www.google.com/search?q=la+muerte+de+socrates+cuadro&rlz=1C1UUXU_esPE949PE949&oq=la +muerte+de+socrates+cuadro+&aqs=chrome..69i57j0i22i30.5983j0j7&sourceid=chrome&ie=UTF-8

40

EJERCICIO 11

1. Describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando. (6 puntos) La obra La muerte de Sócrates, usando el Fedón de Platón como referencia, Jacques Louis David captura el momento en que Sócrates, quien había sido condenado a muerte por los tribunales atenienses por “impiedad” y “corromper a los jóvenes”, recibe la cicuta que debe beber.

Si bien es cierto, Sócrates tenía un estilo único que consistía en interrogar a las personas, para luego ver las incongruencias de sus afirmaciones, lo que se cataloga como ironía socrática. Nunca presumió de ser un sabio, siempre decía que era un ignorante, por lo que cuando el Oráculo de Delfos lo declaró el hombre más sabio del mundo y le dieron la noticia, reaccionó diciendo que estaba equivocado, por ello cuando la multitud fue donde el Oráculo a decirles que por primera vez se había equivocado, porque Sócrates decía que era un ignorante y que sólo sabía que no sabía nada. Para esto, Sócrates no buscaba la aprobación de nadie, por eso decía «Por favor, dejadme en paz, igual que yo los dejo en paz a vosotros. Respetad mi libertad. Yo no me entrometido en vuestra vida, no os entrometáis en la mía» https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-la-muerte-de-socrates/ Sin embargo, Sócrates sería condenado a muerte esperando hasta la ejecución de la condena en una celda del monte Philopappous cercano a la Acrópolis. Antes de que sucediera, le propusieron dos alternativas, la primera fue abandonar Atenas como un exiliado pero él se negó, puesto a que creía que era elegir la conveniencia y la vida, y si elegía lo primero iba ser un cobarde. La segunda opción fue quedarse en Atenas pero que dejase de enseñar, lo cual Sócrates creyó aún peor, porque le estarían prohibiendo decir la verdad a las personas. Los jueces no podían ayudarlo más, todos habían decidido envenenarlo, pese a eso, el día de su muerte Sócrates tenía prisa por tomar el veneno y dijo «Tengo prisa porque he vivido todo al límite, con totalidad; la conozco. En cambio no conozco la muerte, es una gran aventura, por lo que tengo ganas de conocer la muerte»https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-la-muerte-de-socrates/.

Como se mencionó previamente, acusaron a Sócrates a los tribunales diciendo que corrompía a la juventud pero eso nunca sucedió, lo hicieron porque era auténtico, defensor de sus ideas y un individuo que trazó su propia senda, recorrió su propio laberinto y no siguió el camino por el que transitaba todo el mundo. Una vez más, fiel a su conciencia y respetando la injusta decisión auspiciada por la democracia, descartó cualquier reducción de la pena y bebió de su copa con cicuta.

41

CG2

│ GC3│CG7

2. Explicar cómo ese mito o evento histórico se ve reflejado en el cuadro. ¿Qué escena escoge? ¿Qué elementos/emblemas/detalles se utilizan? (8 puntos) La escena escogida para la elaboración del cuadro es cuando el médico le está dando la copa de cicuta a Sócrates. En esta obra, podemos identificar múltiples personajes, por ejemplo, en el extremo derecho vemos como los discípulos de Sócrates están lamentando su muerte, se retrata los distintos momentos de afrontación de un duelo, unos presentan expresiones de tristeza absoluta, otros presentan distintos niveles de desesperación y negación, mirándolo asombrados, y finalmente se ve a un personaje en específico, Critón, más tranquilo, que está en el proceso de aceptación de la muerte de Sócrates.

Luego tenemos a Sócrates, la figura principal del cuadro, él se encuentra sereno, dado que ya aceptó el hecho que va a morir, se ve que trata de calmar a sus discípulos. En este caso, nos concentramos en la posición y dirección de su brazo, y el gesto de su mano izquierda, se puede ver como esta señala hacia el cielo, en petición a sus discípulos para que vean hacia lo alto y se preocupen por cosas más importantes o superando este hecho de su pérdida.

Después tenemos a los jueces y el médico, se puede ver en sus expresiones que están lamentándose de lo que están haciendo, que sienten responsabilidad y que son plenamente conscientes de lo que está a punto de pasar, y a pesar de eso, la posición en la cual fueron retratados fue dándole la espalda a Sócrates y no mirándolo directamente (en representación de su culpabilidad y nulo apoyo).

Finalmente, a lo lejos, en lo que parece ser otra habitación, se encuentra Jantipa, esposa de Sócrates, quién no presencia la muerte de su esposo pero se despide a lo lejos.

42

EJERCICIO 11

Emblemas e iluminación

Esta obra nos muestra múltiples emblemas, primero, en la parte inferior izquierda del cuadro tenemos un pergamino (símbolo de las leyes), a los pies del juez en el piso, representando el fracaso de la justicia. Luego tenemos unas cadenas a las cuales Sócrates estaba sujeto, si bien, pueden ser las cadenas que se usaban para mantenerlo preso, se retratan en el cuadro abiertas, lo que significa que “Sócrates ya es libre, no se encuentra en este mundo, y que, según la tradición antigua de Platón, ya no está encadenado como todos los demás humanos”. (https://www.youtube.com/watch?v=7byRIzBYUho). Después, encontramos sobre la cama de Sócrates una lira, que a diferencia de él, se encuentra encadenada, “la lira es sinónimo del arte, y con la muerte de Sócrates, esta es detenida y por lo tanto, el arte también”. Debajo de Sócrates se encuentra unladrillo, en dondesupieestá apoyado,“él no está pisando el piso, el ladrillo representa la idea de que Sócrates ya no está en este mundo, si no por encima de éste, con su actitud y pensamiento”. (https://www.youtube.com/watch? v=7byRIzBYUho).

Finalmente la iluminación, esta ingresa de forma directa a la habitación y se puede apreciar que el ingreso se encuentra en una parte alta, “la luz es el símbolo de la inteligencia, y es representada por encima de todos los personajes, quiere decir que la inteligencia se encuentra superior a todos ellos”. (https://www.youtube.com/watch?v=7byRIzBYUho).También se distingue el contraste queexisteentre las partes más oscuras, endondeseencuentranalospersonajesquenomiranaSócratesylaspartes más iluminadas, donde se encuentran susdiscípulosySócrates,aquiénlecaedirectamentelaluzylo ilumina por completo, en simbolización de su conocimientoy sabiduría.

43

CG2

│ GC3│CG7

3. ¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico? (6 puntos) Como ya antes mencionado la obra muestra explícitamente un hecho histórico en donde el filosofo griego Socrtates es envenenado al beber cicuta, el crimen cometido, haber expresado abiertamente sus ideas propias y alentar a los jóvenes a tener las suyas a tomar decisiones por su propia voluntad y razonamiento “https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-la-muerte-desocrates/ ”A medida que se acerca a la copa de forma voluntaria, Sócrates continúa predicando a sus jóvenes seguidores, lo que demuestra su respeto por la decisión, tomada democráticamente, y su dedicación a la filosofía. De acuerdo con Platón, después de agradecer humildemente al dios griego de la salud por una muerte pacífica, Sócrates “se llevó la copa a los labios y la vació muy alegre y silenciosamente”. “https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-la-muerte-de-socrates/” Pero qué relación tiene este evento trascendental en la historia de la filosofía con el neoclásico?,por que razón y objetivo el artista francés Jacques-Louis David quiso plasmar este hecho y exponerlo ante sus estudiantes?. La razón del porque va mucho más allá de mostrar una obra con una hermosa estética y trazos perfectos. El mensaje que el artista quiso hacer llegar a los espectadores era muy claro luchar por tus ideales, tener voz propia y hacerse escuchar, pues un pueblo culto es la peor amenaza ante un gobierno corrupto “Sócrates nunca buscó aprobación, por eso decía «Por favor, dejadme en paz, igual que yo los dejo en paz a vosotros. Respetad mi libertad. Yo no me entrometido en vuestra vida, no os entrometáis en la mía». » Sea lo que sea lo que diga, tengo derecho a decirlo y vosotros también.”

44

EJERCICIO 11

Pero qué relación tiene este evento trascendental en la historia de la filosofía con el neoclásico?,por que razón y objetivo el artista francés Jacques-Louis David quiso plasmar este hecho y exponerlo ante sus estudiantes?. La razón del porque va mucho más allá de mostrar una obra con una hermosa estética y trazos perfectos. El mensaje que el artista quiso hacer llegar a los espectadores era muy claro luchar por tus ideales, tener voz propia y hacerse escuchar, pues un pueblo culto es la peor amenaza ante un gobierno corrupto “Sócrates nunca buscó aprobación, por eso decía «Por favor, dejadme en paz, igual que yo los dejo en paz a vosotros.

Respetad mi libertad. Yo no me entrometido en vuestra vida, no os entrometáis en la mía». » Sea lo que sea lo que diga, tengo derecho a decirlo y vosotros también.” https://costaverdedr.com/por-que-asesinaron-a-socrates/ Esta pintura nos muestra un profundo mensaje en el cual es preferible tener una muerte en donde uno fallezca defendiendo sus opiniones teniendo la conciencia tranquila,en donde uno sea consciente en su lecho de muerte que nunca desistió de sus principios,pues es preferible una muerte digna que una vida en donde uno sea pisoteado y silenciado.

BIBLIOGRAFÍA https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-la-muerte-de-socrates/ https://www.google.com/search? q=la+muerte+de+socrates+cuadro&rlz=1C1UUXU_esPE949PE949& oq=la+muerte+de+socrates+cuadro+&aqs=chrome..69i57j0i22i30.5983j0j7&sourceid =chrome&ie=UT F-8 https://costaverdedr.com/por-que-asesinaron-a-socrates/ https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/portfoliodc/archivos/77265_86266_14646.pdf https://www.larazon.es/internacional/la-muerte-de-socrates-mas-alla-de-la-cicutaBA10989484/ https://www.youtube.com/watch?v=7byRIzBYUho

45

_________________________________

EF

INDICE CONTENIDO - Trabajo final (CG2,CG3,CG7) - Portafolio (CG2,CG3,CG7)

____________________________________

____________________________

│ GC3│CG7 FINAL DE ARTE

CG2

1.A) Suspendiendo por un momento criterios éticos y prácticos, si pudieras robarte una obra de arte, ¿Cuál sería y por qué?

La obra de arte que sin duda robaría es el cuadro de “La Guernica” de Pablo Picasso, independientemente del acto que representaría estatus o estabilidad económica, ni mucho menos por el hecho de tener “un Picasso”.

Partiendo de que el período de las Vanguardias, en especial, el cubismo, es mi favorito de la historia del arte, por todo lo que representa, la idea de hacer arte escapando de las normativas de la época y la búsqueda de la perfección o darle una función pragmática. Me encanta como es que múltiples artistas juegan con los límites de lo que se debe, puede y tiene que hacer con el arte en sí, y que tratan de dar a entender que los objetos cambian a través del tiempo, no son iguales por cada segundo que pase y que todos tenemos distintas percepciones del mismo.

Ellos mismos le buscan razones, y le dan explicación a cada acción que hacen, aunque no la aparenta.

Concentrándonos de nuevo en Picasso, obviando el factor de que es un increíble artista, él experimentó mucho a medida que pintaba, empleando muchas técnicas y perteneciendo a varias vanguardias, teniendo como resultado “La Guernica”, que es un fruto de mucho trabajo, desarrollo, evolución y experimentación.

El cuadro en sí, representa el bombardeo de la Guernica en la guerra civil del año 1937 (mismo año que fue pintando el cuadro). Picasso trabaja el cuerpo humano, el cuerpo de animales y los objetos de una forma disruptiva, las descompone y las vuelve a componer con el uso de figuras geométricas, hasta el extremo de deformarlas y que algunos no puedan entender lo que son o lo que representa. Él juega con el no color, como se puede apreciar, solo emplea una escala de grises, pero logra darle mucho dramatismo al cuadro, en cuanto a las zonas de sombras e iluminación. Mientras muchos cuadros invitan a la idea es escuchar múltiples sonidos, este cuadro produce una sensación de silencio, pero movimiento al mismo tiempo.

48

EJERCICIO FINAL Es una obra muy rica en cuanto a composición, Picasso nos alimenta con su propia obra, pero rescata y trae a la actualidad obras de otros tiempos (haciéndole referencia a las múltiples representaciones de la Masacre de los Inocentes). Él también combina diversas cosas en el cuadro, como los colores y texturas, dándole más énfasis a ciertos elementos, dándole una narrativa, a medida que se avanza en el cuadro se puede observar cada componente de la obra y los detalles del mismo, lo que nos permite un mejor entendimiento y apreciación.

Finalmente, en una vista general del cuadro, presenta un marco aparentemente caótico, pero en realidad no lo es, la organización de ideas del cuadro tiene un motivo de ser y significado, aunque cada persona pueda darle su propia explicación desde su propia perspectiva y por eso me fascina.

2.A) Relata brevemente la historia de un color utilizando tres obras de arte de tres períodos diferentes. Color seleccionado: Amarillo

Tapisseria de Bayeux (1073) Período: Alta Edad Media

La Tapisseria de Bayeux es una tira de tela de 70m que relata la vida del rey Guillermo de Inglaterra a través del bordado. Es considerado un documento histórico ya que muestra con detalles los eventos que sucedieron en ese entonces, las armas que empleaban y las prendas que vestían. La función del color en este caso es netamente pragmática, ya que el artista que bordó esto se preocupaba por obtener lana o algodón para teñirlo, tenía que procurar que fuera un color común, el uso del mismo permite identificar los objetos y un mejor entendimiento de estos.

49

CG2

│ GC3│CG7

Judit decapitando a Holofernes (1614) Autor: Artemisia Gentileschi Período: Barroco La escena de Judit decapitando a Holofernes es un relato bíblico, que cuenta que Holofernes era un general que amenazaba con atacar al grupo del cual Judit era perteneciente, ante eso, ella decide enamorarlo para después decapitarlo. La composición de esta obra es vertical y se identifican dos diagonales. El color en esta pintura ha sido empleado como herramienta para controlar la narrativa, hay colores que llegan más rápido que otros a los ojos del espectador (debido a las ondas), y se emplea como estrategia para establecer un orden. Lo primero que vemos es a Judit (ya que tiene vestimenta amarilla y es lo primero que capta nuestra visión), después vemos el manto de Holofernes que es rojo y finalmente vemos a la criada de Judit con su vestimenta azul.

50

EJERCICIO FINAL

El Café Nocturno Autor: Vincent Van Gogh Este cuadro retrata un café/bar durante la madrugada. Se pueden apreciar varias personas en el cuadro pero se encuentran solas produce la sensación de soledad del cuadro en sí. El color amarillo en este caso, se ha empleado para producir incomodidad debido a la saturación existente en el cuadro, agrengandole el contraste que produce con los otros colores (rojo y verde). Es un truco del autor a propósito para generar esa sensación que complementa bien a lo que esta retratando.

51

REFLEXIÓN FINAL

52

El arte es algo que siempre me ha fascinado, he hecho arte (o quiero creer que lo que hice) desde que era una niña, participando en concursos escolares, internacionales, en congregaciones, entre otros. "Hacía arte", más no sabía de técnicas, ni de su historia o lo que realmente era.

El curso de Historia del Arte me ha permitido conocer todo lo que había detrás, por todo lo que hemos tenido que pasar para llegar a este punto y más.

En comparación de las bases que tenía al inicio del ciclo y el final del mismo, noté que hay una mejora de gran tamaño, he profundizado temas que vi en mi etapa escolar vagamente, ahora se más sobre el arte, representación de elementos, lo he visto desde otra perspectiva y siento que ahora la comprendo más y soy más consciente de su importancia. Me alegra saber que lo aprendido son solo las bases para las versiones más adelantadas del curso, que, sin lugar a dudas, tengo que seguir aportando.

Además de lo aprendido, agradezco la forma, el conocimiento brindado por la docente y la metodología de la enseñanza, no hizo que se sintiera tedioso en ningún momento, a pesar de que la cantidad información es muy amplia. Llegué a disfrutar cada una de las clases. Gracias a esto, he logrado tener un mejor desarrollo en la carrera y una visión mucho más amplia de diseño, construcción, entre otros.

53

CURRÍCULUM VITAE

54

SOBRE MÍ Mi nombre es Alessandra Baluarte Adaniya, tengo 18 años y actualmente estoy estudiando la carrera de Arquitectura en la Universidad de Lima. Soy una persona disciplinada, creativa, afable y siempre dispuesta a ayudar. Espero convertirme en una profesional exitosa y transcender a través de mis creaciones.

IDIOMAS Español Inglés Portugués

CONTACTO 986-674-009 kaori.baluarte@gmail.com

RECONOCIMIENTOS

EDUCACIÓN

°Certificado TOEFL (Test Of English as a Foreign Language)

2009-2014

°Cambridge First Certificate in English

2015-2019

°Programa CFAW Liberty University (2018)

2020-ACT.

PRIMARIA SECUNDARIA PRE-GRADO

°Juego Bolsa de Valores Universidad de Lima (2019)

COLEGIO AMÉRICA COLEGIO AMÉRICA UNIVERSIDAD DE LIMA

°Concurso ADCA ARTE (1°-5° de Secundaria)

PROGRAMAS Power Point Excel Minitab Autocad Revit

INTERESES Pintar Dibujar Leer Yoga

55