Periódico MATICES DW4 by tallereditorial

Lunes 4 de Julio de 2022

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ESPADA Y EL LAMENTO

AJMÁTOVA A

nna Andréyevna Ajmátova (18891966) es una poeta rusa que personifica uno de los momentos más álgidos de una sociedad en convulsiones. Fue testigo de los terrores de “los dos Herodes” que marcaron con sus nombres el siglo XX: Stalin y Hitler. El dictador soviético que era un voraz lector y profundo conocedor de su cultura artística, al definirla para denostarla dio en el blanco: una “semimonja, semiputa o mejor dicho una monja prostituta cuyos pecados se mezclan con las plegarias”. Evidentemente es un insulto, pero en algo ilumina, pues el crítico apunta a su naturaleza religiosa, sobrenatural incluso como es la de los santos…y cuyas plegarias (que no pueden existir sino como flor de la raíz: la culpa o el pecado) escucha el pue-

blo, pendiente y azorado con su voz, que se funde con la conciencia de cada lector de Leningrado…así su voz se expande por los frentes de batalla, yendo en el pecho de los soldados, que destruirán las balas. La espada por delante: poesía de guerra…y de lamento, poesía herida también, sofocada en el caldero donde la Guerra Patriótica se cuece con el terror rojo. Hay más poemas sobre ella que poemas por ella escritos, señala Joseph Roth, pues su vida es tan ejemplar como la fuerza que irradian los íconos ante los que se hincan las mujeres, los hombres, los niños, siendo su plegaria seguida como se escucha la voz del líder en el ataque y la de una madre en el lecho de muerte. Millones de soldados marchaban a la batalla con sus palabras en sus labios. Es la boca por la que gritan cien millones.

CULTURA| 10

Retrato de Anna Ajmátova, de Nathan Altman (1915).

LENINGRADO ENTRE LOS DOS HERODES

LA SEMIÓTICA EN EL DISEÑO

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EDUCACIÓN PARA EL SIGLO XXI ENFOQUE FENOMÉNICO GESTÁLTICO COGNITIVO CONSTRUCTIVISTA

n el taller “Educar para el siglo XXI: didáctica Gestalt para la educación media y superior” que tuvo lugar del 21 al 25 de enero en la Universidad Gestalt de Diseño (UGD) se tocaron temas tan importantes como la motivación desde un enfoque didáctico, la importancia de desarrollar las capacidades de los alumnos y darles los instrumentos para investigar o ver a futuro, tener en cuenta el enfoque científico y tecnológico para saber hacer, plantear la sustentabilidad en todas sus dimensiones y como docentes, ser un investigador constante en cuestiones educativas. El encargado de llevar la batuta del taller fue el doctor Joel Olivares, quien junto con otros ponentes, hicieron un cuestionamiento sobre hacia dónde va la educación y sobre el país que podemos construir a partir de la misma. Fue dirigido a toda su plantilla docente, sin importar su especialidad, nivel o campo de enseñanza, y con una visión prospectiva. Se planteó que los valores y la sustentabilidad son los principios de la escuela del siglo XXI, vinculada estructuralmente con los modelos alternativos metodológicos del diseño que se conectan a su vez con la EDUCACIÓN | 04 experimentación creativa. Instalaciones de la escuela bachilleres Gestalt sede “El Hayas”.

Por: Jorge Luis Martínez Fernández

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CONCIERTO DIDACTICO EN EL TLAQNÁ

omo parte de la formación integral a nuestros estudiantes y atendiendo las diferentes áreas de incidencia del diseño, los alumnos de primer semestre de las diferentes licenciaturas en la UGD asistieron a uno de los conciertos didácticos universitarios del ensamble de la Orquesta Sinfónica de Xalapa (OSX). Vigilando los controles sanitarios oficiales que les permitieran una experiencia rica y vívida, los estudiantes asistieron en compañía de los docentes Ana Isabel Triana, Gerardo Miguel Rodríguez y Julia Polanco. En la percepción de los jóvenes, es una oportunidad única para regresar a las actividades culturales presenciales y además conocer espacios como la sala de conciertos Tlaqná. | 06

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EDUCACIÓN PARA EL SIGLO XXI Escuela de bachilleres Gestalt sede el Haya

Enfoque fenoménico gestáltico cognitivo constructivista

El encargado de llevar la batuta del taller fue el doctor Joel Olivares, quien, junto con otros ponentes, hicieron un cuestionamiento sobre hacia dónde va la educación y sobre el país que podemos construir a partir de la misma. Fue dirigido a toda su plantilla docente, sin importar su especialidad, nivel o campo de enseñanza, y con una visión prospectiva. Se planteó que los valores y la sustentabilidad son los principios de la escuela del siglo XXI, vinculada estructuralmente con los modelos alternativos metodológicos del diseño que se conectan a su vez con la experimentación creativa.te científico, donde se explique la manera en que se desarrolló el tema. | 04

LA SEMIÓTICA EN EL DISEÑO

E CEREMONIA DE EGRESO DISEÑO GRÁFICO (2016-2020 Y 2017-2021)

Reunidos en el Auditorio de la Universidad Gestalt de Diseño y vigilando el correcto uso de los protocolos de sanidad y a través de la modalidad híbrida, se dieron cita los estudiantes acompañados de su familiares para celebrar la conclusión de su paso académico por los estudios universitarios. | 05

ste documento es parte una memoria de trabajo que recopila material, algunos ejercicios e ideas que se toman a partir de la clase de Semiótica impartida por el Dr. Arq. Joel Olivares en la Universidad Gestalt de Diseño, como parte del Programa de Desarrollo Académico y de Actualización Docente (PDAAD); el escrito contiene un acercamiento a la Semiótica a través de tres autores: Charles Sanders Peirce, Ferdinand de Saussure y Umberto Eco, relacionando cada postura con el diseño de objetos. Para continuar con el proceso de exploración de la luz por medio de ejercicios prácticos, con el fin de desarrollar una luminaria aplicando una metodología creativa, sin olvidar el contenido de Semiótica mencionado anteriormente y así finalizar con la propuesta de una luminaria para escritorio, que toma el doblez como con| 03 cepto de exploración formal.

EL FUTURO DEL LIBRO (YO TENGO OTROS DATOS)

omo hemos visto, el libro no ha sido nunca clara y radicalmente definido y delimitado, ni por su forma ni por su función, y una de sus virtudes es estar, como un ente vivo, en constante evolución; se adapta y cambia. | 05 Diseño de cubiertas para la serie “Caja chica” a cargo de Bredna Lago

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LA SEMIÓTICA EN EL DISEÑO

Semiótica y diseño industrial

Charles Sander Peirce, Ferdinand de Saussure y Umberto Eco

Charles Sanders Peirce

Pierce denominaba al signo como una relación tríadica que se compone por: -El representamen. -El objeto -El interpretante

Ferdinand de Saussure

l relacionar la semiótica con diseño industrial en un principio puede parecer un tanto ajeno, sin embrago el pensar que todo objeto comunica a través de su uso cotidiano, de su función y producción; hace que estos dos términos sean más cercanos, ya que es en este proceso de comunicación dónde la Semiótica toma un rol en el desarrollo de objetos. “El Diseño Industrial es una disciplina creadora de objetos los cuales, además de cumplir con una función práctica, son un medio de comunicación y por tanto influyen en el comportamiento de los seres humanos, a través de la percepción que cada individuo tiene sobre un determinado producto y el uso que hace de él (…) la Semiótica, se ocupa de los hechos de comunicación, considerándola como un intercambio simbólico, realizado mediante la utilización de signos por parte de sujetos humanos integrantes de una sociedad”. Como parte de un proceso de entendimiento al papel que tiene la Semiótica en el proceso de diseño de objetos, se explora la visones y aportaciones en principio de Charles Sanders Peirce; científico, lógico y filósofo considerado como “padre” de la semiótica contemporánea entendida como “teoría filosófica de la significación y de la representación (…) para Pierce todo lo que existe es signo, en cuanto que tiene la capacidad de ser representado, de mediar y llevar ante la mente una idea”. Peirce denominaba al signo como una relación tríadica que se compone por: “-El representamen, o signo en sí, es decir, una manifestación material y perceptible que representa a otro objeto. -El objeto, que es aquello representado, esto es, aquello de lo que el signo da cuenta. -El interpretante, o sentido que el signo produce y que se traduce en otro signo o representamen”. El entender el signo como Peirce lo plantea, nos lleva a reflexionar en el caso muy particular de diseño industrial en cómo se ve reflejada esta triada aplicada en el desarrollo de objetos. A continuación, se muestra una interpretación de esta triada tomando como objeto de uso cotidiano, una taza. Para la autora de este documento, el gráfico anterior muestra un punto de suma importancia para el diseñador industrial: Se diseñan objetos en base al interpretante, ya que éste es una representación mental de la relación entre el objeto y el representamen, cómo el usuario concibe una taza funcional. Por otro lado, para el lingüista suizo Ferdinand de Saussure el signo es: “una “díada”, es decir, un compuesto de dos elementos íntimamente conexos entre sí: la representación sensorial de algo el significante y su concepto el significado, ambas cosas asociadas en nuestra mente: un signo lingüístico... une un concepto con la imagen acústica (...), es por tanto una entidad psíquica de dos caras”. De manera gráfica se muestra el siguiente ejemplo, utilizando nuevamente la taza como propuesta de objeto de uso común. La postura de este autor es dual y muy interesante, ya que el significado va en relación a un significante, es aquí; donde puede partir el diseñador industrial para explorar los umbrales de forma de un objeto a partir de su significado. En el caso de la taza, en qué punto la forma empieza a ser taza y en que otro deja de serlo, esta dualidad permite jugar con el significado que se le da a un objeto, para explorar y dar propuestas innovadoras. Para finalizar el escritor y filósofo Umberto Eco en su obra La Estructura ausente, propone dos hipótesis, que relaciona procesos culturales a procesos de comunicación: “la primera hipótesis presupone que, en cambio, el emisor puede comunicar la función de un objeto incluso sin denominarlo verbalmente, sino tan sólo mostrándolo (…) La segunda hipótesis estables que todo los fenómenos de cultura pueden convertirse en objetos de comunicación (…) cualquier aspecto de cultura se convierte en una unidad semántica”. Para entender de manera más clara estas dos hipótesis se aplican a un objeto, la taza conforme la hipótesis A, es en el momento en el que se le da el uso de taza; mientras que profundizando en la hipótesis B, la taza puede ser considerada a partir de diversos niveles o puntos de vista como lo menciona el autor: La segunda hipótesis tiene un papel de suma importancia para entender por qué la semiótica es indispensable en el proceso de diseño; estos niveles nos proponen que una taza (a manera de ejemplo) es más que su uso y sus características formales. El objeto se vuelve en un fenómeno de comunicación. En conclusión, cada uno de estos autores aporta puntos que demuestran cómo el estudio de los signos, el proceso de comunicación y percepción de los objetos, impacta directamente desde su proceso de diseño. Ya que van más allá de sus características formales, uso y producción.

Humberto Eco

Aplicación Lámpara de escritorio: Trampas de luz Partiendo de la información anterior y el descubrimiento de la importancia y el rol que la semiótica tiene en el proceso de diseño. Se desarrolló una luminaria de escritorio a manera de prototipo. Comenzando por entender el fenómeno de la luz por medio de modelos a escala: Trampas de luz, que nos permiten experimentar con la reflexión e intensidad de luz a partir de un marco de 15x 15 cm, a continuación, se muestran algunos resultados.

Historiografía A partir de esta exploración se hizo un elección en base a la tipología del objeto, en este caso se seleccionó la lámpara de escritorio; se realizó un historiografía para entender el objeto a través de diversas décadas, proponer un prototipo tomando el concepto de doblez como exploración formal y de significado.

Lámpara de escritorio El doblez como exploración formal Al inicio del proceso de este objeto se propone el doblez como un concepto explorativo en relación con la forma y construcción del prototipo, ya que se considera el

doblez comuna herramienta que permite el juego con la luz, su intensidad y dirección de

Lámpara S1 Modelo experimental reflexión, sin embargo, también se consideraron algunos conceptos como: Como parte de la exploración formal utilizando el doblez para producir efectos lumínicos, se plantea el siguien-

Lámpara S1 Prototipo final: Conclusión te modelo experimental, preliminar al prototipo final. Durante esta experiencia de aprendizaje, se explora un aspecto del proceso de Diseño que si se piensa a profundidad es de extrema importancia: Cada objeto comunica. El dar por sentado este solo pensamiento sin ningún tipo de exploración o profundidad, da como resultado objetos vacíos, carecen de carácter, identidad y por ende son objetos que se olvidan. A manera de opinión personal, el explorar la Semiótica como parte del proceso de Diseño Industrial ha sido una experiencia significativa y sigue cambiando todo objeto que veo; me ha hecho pensar y tener una visión fresca, casi nueva de los que significa el diseño de objetos.

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PARA EL SIGLO XXI

Enfoque fenoménico gestáltico cognitivo constructivista

e planteó que los valores y la sustentabilidad son los principios de la escuela del siglo XXI, vinculada estructuralmente con los modelos alternativos metodológicos del diseño que se conectan a su vez con la experimentación creativa.

Aplicaciones reales La pregunta que se planteó fue cómo se puede vincular este proyecto educativo con las materias impartidas. Se propuso que a través de la obtención de información y organización taxonómica, así como un proceso de experimentación creativo vinculando el tema a aplicaciones reales y, por último, fomentar el aspecto de la comunicación. Esto es, la elaboración de documentos de corte científico, donde se explique la manera en que se desarrolló el tema. Se expuso que propiciar la creatividad como herramienta de aprendizaje en el aula es indispensable, como parte de una disciplina para encontrar la expresión propia en un modelo constructivista, pues es el propio alumno el que construye el conocimiento. Por lo tanto, es importante despertar la creatividad de los estudiantes en el aula, para que ellos se expresen y construyan su conocimiento por medio de sus propias habilidades.

Ocho niveles del proceso de conocer En sí, el cerebro funciona a través del orden: hace preguntas, genera posibilidades, razona factibilidades y comprueba. Concibe un método inductivo-deductivo al que bien se puede insertar el método abductivo planteado por Charles Sanders Peirce (1839-1914), filósofo americano creador de la teoría de la semiótica. Para trabajar con ellos, se propuso que el proceso cognitivo se puede desarrollar según ocho niveles: -Percepción -Memoria -Creatividad -Problema-solución, -Proceso constructivo, -Comunicación, -Inteligencia -Atención. Además, se planteó que el cerebro hace una construcción de lo percibido y si lo concientizamos así, lo podemos manipular. Es decir, todos percibimos de la misma manera, a partir de la recepción de los estímulos a través de los sentidos. La percepción se puede desarrollar si se entiende su proceso y justamente la teoría Gestalt estudia cómo percibimos y cómo estructuramos lo percibido, principalmente a través de la geometría y la escritura. La geometría está presente en todo. Las formas se encuentran en la naturaleza, esto es, en las edificaciones, en las formas de las hojas de los árboles, las frutas, los animales y el comprenderla nos ayuda a conocer y a entender. Así como la geometría, la escritura permite discurrir, comprender y comunicar los hallazgos. La propia escritura es en sí un proceso cognitivo como tal. Nada más y nada menos, ordena el pensamiento. También se señaló la importancia de vincular los conocimientos. Se necesita formar personas con actitud científica que perciban los fenómenos, sus causas y consecuencias. Cuando se ve el conocimiento por separado, sin correlación, no es fenomenológico y, por lo tanto, se olvida. Se propuso que cualquier conocimiento puede experimentarse a través de la

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construcción de modelos iconográficos, así como llegar a deducciones con base en la experimentación. De esta manera se puede sintetizar el aprendizaje y llevarlo de lo inconsciente a lo consciente, utilizando nuestros sentidos. Entonces, es propicia así una experiencia significativa.

Contenido, memoria, evaluación Se enfatizó que es necesario manejar un lenguaje claro e interesante para el receptor, con contenido innovador para atraer su atención. Todo el tiempo recibimos miles de estímulos, requerimos poner atención para asimilarlos y cuando la atención aparece, tiene ya una estructura que discierne el contenido. En este sentido, la forma ayuda a recordar los contenidos, genera una memoria, que es en sí un sistema de evaluación. Con información estructurada, se puede encontrar la solución desde el mismo planteamiento del problema y se pueden visualizar distintas alternativas de solución. Se señaló que, sin embargo, el exceso de información va generando vicios en el individuo, quien se cuestiona cómo comunicarse o relacionarse con los demás y con lo que le rodea. Solo si algo le interesa, nace en él la motivación para conocerlo, para prestarle atención. Es sólo ahí que puede darse la transdisciplinariedad, pues el individuo está dispuesto a moverse a un espacio diferente al que se encuentra para encontrarse con alguien más que también se mueve para encontrarse con él. Entonces, se trata de que el individuo preste atención a lo que le rodea, pero, sobre todo, a sí mismo. Cada quien percibe y se expresa de acuerdo a lo que ha recibido en su vida y por eso es importante reconocerse. Sin embargo, puede haber condicionamientos que evitan poder hacerlo y, por ende, que nos impiden ser creativos, innovadores, es decir, ser uno mismo. Se habló sobre cómo nos limitamos a nosotros mismos a diario, cómo nos ponemos trabas y dejamos que el miedo nos detiene para alcanzar nuestro potencial. Pero ¿Cómo es que llegamos a esto? A través de tres demonios que interiorizamos y muchas veces externamos en nuestras clases, estos demonios son: no soy suficiente (nada ni nadie me es suficiente), no valgo (me descalifico), no merezco, (me conformo, me minimizo). Se realizó un ejercicio de personificación para ambientar y realmente ver cómo personalmente nos pueden afectar estos demonios. Lo importante es reconocerlos, no para reprimirlos, si no para verlos, ponerles atención, controlarlos y trascenderlos. Ser gentil con uno mismo ayuda a descubrirse y a cambiar. Al liberarse de esos condicionamientos, uno puede valorarse y valorar al otro, integrarse y construir. Sólo cuando se es libre de ellos, se pueden dar las condiciones adecuadas para propiciar la creatividad, a partir de la valoración, el respeto, la motivación y el interés. Cada quien tiene una historia que avala sus capacidades, y aunque cada historia es diferente, los sentimientos son universales. Por ello, es esencial ver al alumno como un individuo que quiere superarse y que sus experiencias educativas sólo le serán significativas si le generan un sentimiento.

Lo práctico y lo cotidiano Aprender es descubrir y producir uno mismo. Se señaló que es indispensable preparar los contenidos del curso, principalmente para que el profesor saque conclusiones propias. Con ello, la dinámica del grupo cambia y se promueve la flexibilidad del pensa-

miento, el interés y la motivación. Hacer de los ejercicios prácticos algo cotidiano, también lo propiciará, pues se trata de generar un proceso de imaginación-abstracción necesario para entender lo esencial y poder llegar a lo genérico. Sin embargo, no se puede imaginar lo que no se conoce, y es ahí donde reside la importancia de trabajar con modelos y no pedir nada más allá de los contenidos dados en clase. Que los contenidos sean el pretexto de la clase, no el fin. Al utilizar modelos, se puede trabajar en el campo metafórico. Los modelos análogos permiten jugar con sus partes, derivándose una taxonomía donde su similaridad va relacionada a su funcionalidad. va a lo metafórico. Un elemento icónico del conocimiento permite ser transformado, ver diversas opciones y desarrollar el diseño por su significación, no por su función. Se recalcó que cada actividad hay que entenderla como un concepto fenoménico. Y si se generan cuestionamientos sobre algo que te interesa investigas. Es así que en el último tercio del siglo XX se da un despertar que cuestiona el concepto de desarrollo, crecimiento y civilización que se había aceptado hasta ese momento. La sustentabilidad se plantea entonces como un fenómeno social, pues tiene un origen antrópico. Nace de las acciones del propio individuo en un contexto social. Por lo tanto, se ve necesario armonizar lo social con lo ambiental. Sin embargo, definitivamente el reto que se plantea en la actualidad es inmenso. Se debe estar consciente de la complicada realidad actual, la velocidad con la que avanza la ciencia y la tecnología, la escasez de alimentos de buena calidad, la contaminación, la inseguridad, la corrupción. El entorno en que vivimos es determinante en las decisiones inmediatas que tomamos en cada aspecto de nuestra existencia. En este siglo la escuela debe ser incluyente, la diversidad de inteligencias que tenemos en el aula debe ser tratada de forma individual y motivar el aprendizaje mediante un proceso creativo, utilizando el diseño como medio de expresión para que el alumno desarrolle exponencialmente sus habilidades, canalizando la vocación. Como docentes parece necesario utilizar herramientas y técnicas que vinculen ese proceso mediante una metodología bien definida, marcando metas específicas. Y como institución, se debe tener el com-

promiso de capacitarnos constantemente, de sentirnos motivados y trasmitir esa motivación a los alumnos, mostrar empatía e interés, ayudarlos a estar enfocados para hacer sus sueños, una realidad. Provocar en ellos un nivel de exigencia personal que los conduzca a la excelencia. Se dijo que la misión de la ciencia es comprobar los fenómenos para entender las leyes, pues al comprenderlos se pueden manipular sus efectos. Lo importante es hacer consciente el conocimiento, pues si se sabe lo que hace falta, se puede trabajar en ello. Se trata entonces de una actitud, de un enfoque para hacer ciencia, la cual sólo existe si puede ser comunicada. Para poder redactar y comunicar, es necesario organizar los pensamientos, pues la imaginación se da por chispazos. La redacción sirve entonces para verbalizar ideas y experiencias, generar memoria, reafirmar conocimientos, abstraer para construir significados, analizar, estructurar, reflexionar y generar un punto de vista. Se trata de tomar elementos subjetivos para comunicarlos de manera objetiva, de forma conceptual. Al generar memoria se producen relaciones mentales, pues al estructurar un objeto, se generan diagramas de flujo que lo relacionan con algo o con alguien. Surgen así los mapas mentales, que vinculan el conocimiento y obligan a innovar.

Redacción Creativa Para hacer algo significativo, hay que hacer historia. Pare hacer historia, hay que escribir. La redacción creativa da pie a la visión de futuro, a una visión ideal del mismo, a un planteamiento utópico. Cuando tenemos un objetivo trascendente, se ve a futuro y surge la utopía como diseño. La universidad en esencia es utópica, experimental y aplicada a través de la investigación. Toma al futuro como el origen, que puede manifestarse de diferentes formas, las cuales pueden ser significadas a través de la gráfica. La gráfica se presenta entonces como otro lenguaje apropiado para comunicar. Las leyes Gestalt son parámetros de percepción que dan un enfoque fenomenológico a la ciencia. Se ve como un sistema donde cada punto es parte de un todo. A partir de patrones aprendidos nace la intuición, que a través de la percepción ordena tu realidad, la racionaliza. Sin embargo, es justamente el razonamiento

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“

Para hacer algo significativo, hay que hacer historia. Para hacer historia, hay que escribir”

lo que bloquea la percepción y eso se ha demostrado por medio de experimentos gestálticos. Es sólo a través de la experimentación que se puede ir demostrando si el razonamiento obtenido puede o no tener la razón. Y es justamente a partir de la experimentación que las ideas surgen, pues al aterrizar el conocimiento por medio de modelos, se puede entender mejor el fenómeno y generar la forma a partir de una síntesis fenomenológica. Por ello se hace indispensable enseñar a través de proyectos, donde el alumno es el centro y el profesor es una guía, una herramienta más del sistema educativo. Ir hacia lo fático, que el alumno escriba, experimente, proyecte y elabore objetos. Cabe señalar que para que se genere la creatividad en los estudiantes, es necesario crear espacios y actividades que permitan desarrollarla. Por tanto, se le deben brindar una serie de experiencias que le permitan elaborar productos creativos; he aquí la labor docente como generador de estrategias de enseñanza y aprendi-

zaje, puesto que en la riqueza de imágenes se encuentra la experiencia humana. Parte indispensable de la creatividad es que los mecanismos cognitivos y emocionales estén fomentando un pensamiento y una actitud creadora; es por ello, que la retroalimentación al trabajo debe ser en positivo, asertivo y siempre con el objetivo de motivar no de desvalorizar lo creado. Al desarrollar modelos iconográficos, se genera un modelo constructivista donde se logra un aprendizaje significativo del fenómeno. Con este planteamiento, se llega a representar el análisis y la síntesis de un fenómeno a través de un diagrama que impacta visualmente, lográndose una expresión lógica del fenómeno que puede aplicarse en contextos diferentes. Con un modelo iconográfico se llega a descomponer en partes el fenómeno, a entender su operatividad, a interpretarlo, experimentarlo y sintetizarlo. Se hace necesario utilizar códigos visuales y esquemas basados en una lógica geométrica y estructural, para identificar los elementos que lo conforman, la función de cada uno de ellos y cómo se relacionan en un todo. Se enfatizó que todo conocimiento puede variar, pues nada es categórico en fenomenología. Existen patrones que, si funcionan, se aceptan. Si no funcionan, se cuestionan y se ve necesario romper con la zona de confort para lo-

Para que se genere la creatividad en los estudiantes, es necesario crear espacios y actividades que permitan desarrollarla.

grar la innovación y trascender. Se mencionó que es necesario conocer y mostrar lo que hacen otros y proponer proyectos interesantes, novedosos y colaborativos para los alumnos. Que puedan ver claramente la vinculación entre las diferentes materias. Propiciar actividades que les permitan participar, resolver por ellos mismos, aplicar e investigar para corregir. Que expongan, comenten, evalúen y critiquen para construir su autoestima. Observar al alumno como un individuo que está buscando su lugar en la sociedad y ser una guía para que identifiquen lo que más les gusta hacer. Concienciarlos sobre su corresponsabilidad en los problemas existentes en la sociedad. Hacerles saber que todos cometemos errores, que se deben aceptar y resolver, catalogándolos para tomar medidas para poder evitarlos.

Creatividad y felicidad Y finalmente, que la creatividad es el medio por el cual se logra el proceso educativo, y que la base para el desarrollo de dicha creatividad es el uso del dibujo a mano alzada y de los modelos iconográficos. De esta manera se permite que en las clases se obtengan resultados asombrosos donde lo importante es que el estudiante genere propuestas con las que aprenda a su propio ritmo. En un ambiente que les permita descubrir lo que los hace felices.

El cómo El encuentro se dio en forma de ponencias y dinámicas enfocadas en el modelo gestáltico de aprendizaje. Teniendo el dibujo como herramienta, se pudo explorar la creatividad, experimentando un proceso de construcción y deconstrucción de la forma. Independientemente de la familiaridad de los presentes con ese proceso, los resultados fueron sorprendentes. El dibujo se muestra entonces como un proceso de pensamiento que ayuda a aterrizar ideas. A través de la geometría, el trazo, el sombreado, los procesos y técnicas que pueden enseñarse al alumno, éste puede desarrollar su creatividad. La importancia de haberse planteado como taller residió, principalmente, en que la teoría se llevó a la práctica, a través de ejercicios de creatividad, terapias gestálticas y redacción de escritos. Otro aspecto del curso es que provocó la salida de la zona de confort de los participantes por medio de las actividades que se desarrollaron en el mismo, haciendo del mismo una experiencia trascendente. Dichas actividades dieron como resultado una experiencia creativa, que dotan al docente de herramientas para innovar en el aula y colaborar en la construcción de una didáctica gestáltica para el siglo XXI. El doctor. Joel Olivares, Rector de la UGD, fue formado en la Scuola Politécnica di Design in Milano, donde conoció la aplicación de la teoría Gestalt para la enseñanza del diseño. A partir de los conceptos gestálticos inició su propia escuela que ahora consta de preparatoria, universidad y posgrados. En ese contexto, los profesores asistentes al taller trabajaron en conjunto los planteamientos teóricos que han fundamentado a su escuela.

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CEREMONIA DE EGRESO DISEÑO GRÁFICO (2016-2020 Y 2017-2021)

odo fin de curso es motivo de celebración y gozo. Por este motivo, el viernes 10 de diciembre de este año se llevó a cabo la ceremonia de egreso de los estudiantes de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la UGD, generaciones 2016-2020 y 2017-2021. Reunidos en el Auditorio de la Universidad Gestalt de Diseño y vigilando el correcto uso de los protocolos de sanidad y a través de la modalidad híbrida, se dieron cita los estudiantes acompañados de su familiares para celebrar la conclusión de su paso académico por los estudios universitarios. El presídium estuvo integrado por el Dr. Arq. Joel Olivares Ruiz, Rector de nuestra institución; Arq. Carlos A. Cabañas Ramírez, Director Académico; ELAG. Julia S. Polanco Chuzeville, Coordinadora Académica de la Licenciatura en Diseño Gráfico y el MDI. Adrián Lara Castillo, docente invitado. Para agradecer a los estudiantes y padres de familia la confianza depositada en la institución para la formación de los estudiantes, la mtra. Julia Polanco dio conmo-

LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO - GENERACIÓN 2016-2020

vedoras palabras para todos. Acto seguido tomaron la palabra los representantes de cada generación: Fabricio E. Torres Peralta (gen. 2016-2020) y Cristina Odette García Eguía (gen. 2017-2021). De igual manera se hizo entrega de los reconocimientos a los estudiantes de mejores promedios siendo reconocidos el primer lugar a Fabricio Torres (9.79), segundo a Víctor Loyo (9.77) y tercero a Astrid Puig (9.70) de la generación 20162020 y, de la generación 2017-2020 para Cristina Odette García (9.63), Alix Cruz (9.56) y Julissa Martínez (9.4) en sendas reconocimientos académicos. Agradecemos el esfuerzo y compromiso de los estudiantes en estos tiempos complejos, demostrando que las limitaciones se pueden superar. Deseamos

¡Felicidades a nuestros egresados y mucho éxito en su futuro profesional!

Jimena Chávez Castellanos Cristina Odette García Eguía Jorge Jesús Gómez Mariaca Regina González Mariaca Sarai González Cuevas Emily Mártir Trejo Alix Minón Cruz Silvia Margarita Padilla Ruiz Richard Ramírez Rodríguez Julissa Andrea Vudoyra Martínez LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO - GENERACIÓN 2017-2021 Hannia Eréndira Azamar Zacarías Carlos Eduardo Barrón González Natalia Sarasuadi Cortez González Lizbeth Garrido Rodríguez Víctor Loyo Tello Olimpia Natalia Parra Ahumada Andrea Ramón Méndez Sophia Corinne Nadia Dessire Ramos Perera Astrid Amira Sánchez Puig Fabricio Emanuel Torres Peralta

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EL FUTURO DEL LIBRO

(YO TENGO OTROS DATOS) Colaboración de texto: Maliyel Beverido Maestría en Diseño Editorial - mayo de 2019

¿El futuro del libro es muerte o su mutación?

El libro impreso, tras unos quinientos años de reinado, parece amenazado por la era digital. Sin embargo, desde incluso antes de la invención de la radio, del cine y luego de la televisión, que fueron algunos de sus rivales, había quienes vaticinaban su muerte. En la actualidad basta echar un vistazo tanto a revistas de literatura como de economía para ver distintas reflexiones acerca de su devenir, puesto que, con la llegada de Internet y los dispositivos electrónicos, nuestra forma de leer ha cambiado y con ello la industria editorial. ¿Qué es más importante? ¿Leer o el libro?”, se pregunta la periodista Natalia Pastoren un artículo publicado en el contexto de la Fira de Barcelona 2018. La respuesta parece ser “que la gente lea” o, dicho de otro modo, que acceda al conocimiento y recreación que ofrecen los libros, aun cuando estos cambien de forma. A través de charlas con editores hace hincapié en los nuevos soportes para la difusión de historias, fundamentalmente de ficción, y apunta que la clave del cambio reside en las formas de consumo de los bienes culturales, sin que esto signifique una pérdida o retroceso en el interés en sus contenidos. Pablo Rodríguez Canfranc, al analizar la situación del sector libro en España en 2016, habla de una caída en la economía de las editoriales, pero dice también que “donde muchos ven amenazas hay quien también vislumbra oportunidades”, y agrega que “el paradigma digital no tiene por qué sustituir al analógico, sino que pueden coexistir y complementarse”. De hecho, para Antonio Rodríguez de las Heras, la red es el libro-mundo soñado desde el principio de la escritura:

Un libro-mundo debe contener todas las manifestaciones sensibles del mundo: imágenes, sonidos, movimientos, volúmenes... De ahí los libros iluminados, los libros esplendorosos por sus imágenes, como los de Athanasius Kircher en el siglo XVII (“Lo que puede representarse en imágenes ha de considerarse resuelto”), los cantorales, los folioscopios, los libros desplegables y los libros móviles que ya utilizó Ramon Llull (s. XIII y XIV); y todos estos esfuerzos de siglos por hacer realidad ese sueño se consuma en la escritura multimedia. Y un libro, aunque sea infinito, tiene que responder como una buena memoria: ágil para las búsquedas y las relaciones y las combinaciones; pues bien, la estructura hipertextual que organiza la Red consigue lo que ha ensayado el artefacto de la rueda de libros de Agostino Ramelli (XVI) o el taller de escritura potencial del grupo Oulipo, por señalar algunas muestras de este empeño con los medios hasta ahora disponibles. México no escapa a la reflexión. La Cámara Nacional de la Industria Editorial (Caniem) realizó en marzo pasado el 1er Foro sobre políticas públicas de la red del libro, donde participaron funcionarios públicos y legisladores, con el fin de detectar los problemas críticos y las soluciones factibles. La Memoria de este Foro, un documento de 103 páginas evidencia la preocupación y compromiso de los actores de este ecosistema particular que comprende la escritura, el libro y la industria editorial, ante temas tan diversos como la democratización de la cultura, la producción textual y los entornos digitales. De julio a septiembre se llevará a cabo la edición 2019 del seminario La Fábrica de producción editorial. Proyectos en formación, organizada por el Laboratorio de Sistemas Interactivos y Publicaciones Digitales, como parte del Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios de la Secretaría de Cultura. La convocatoria señala:

La Fábrica de producción editorial se concibe como un espacio dedicado a la producción, edición, experimentación y diseño de proyectos editoriales analógicos y digitales que brinda apoyo conceptual, gráfico, teórico y no monetario. Está dividida en estaciones de trabajo guiadas por especialistas con el objetivo de problematizar, asesorar y contribuir al desarrollo de proyectos editoriales en formación.

Desde esta óptica, el ciberespacio y la pantalla no son enemigos del papel. Es más: habiendo liberado al libro impreso de su función de contenedor sagrado de la memoria y el conocimiento, le han abierto la posibilidad de inclinarse hacia un goce lúdico, y por ello proliferan los talleres de oficios (como encuadernación, impresión en tipo móvil, litografía y grabado, papel, etc.) y gana partidarios el libro de artista o libro-objeto. Es decir que los organismos públicos y privados, oficiales o independientes, los comerciantes y los escritores, los economistas y los críticos piensan constantemente el libro, lo desarrollan y promueven cada uno desde su perspectiva y cada vez con mayor frecuencia desde ángulos multidisciplinarios. El diseño editorial será uno de los factores que acompañen la transformación del libro, su viraje a nuevos soportes o el repunte de su manufactura tradicional. A los que presagian su desaparición, el libro les reserva aún muchas sorpresas.

Visita de campo de la Especialidad y Maestría en Diseño Editorial a la Editora de Gobierno

“El Reino de los objetos” de Luis Equihua, libro con tarjetas y elementos de realidad virtual”

CONCIERTO DIDACTICO EN EL TLAQNA

a asistencia a exposiciones y eventos culturales tienen el objetivo de ampliar las experiencias de los estudiantes y enriquecer su bagaje cultural. Esto se refleja en propuestas de diseño más creativas e interesantes. Compartimos parte de las percepciones de dos de los estudiantes:

Los alumnos de la universidad Gestalt estuvieron presentes en el concierto.

(...) El narrador que más me gustó nos explicó lo que era una chaconne, y nos leyó el poema “El rey de los elfos”, el cuál describe la lucha de un padre por la vida de su hijo, asediado por un ser sobrenatural, que representa la muerte. Esa parte me fascinó, ya que también nos enseñó que partes de la pieza eran el niño, el padre, el narrador y el rey de los elfos, todo fue muy entendible.” Espero poder asistir a uno de estos conciertos, es muy cautivadora la experiencia, además que la estructura de la sala Tlaqná, es increíble desde un punto de vista del diseño; está muy bien hecha y muy ordenada, todo está en donde debe de estar. ¡Increíble esta experiencia!

Amairani García Olmos

El concierto estuvo muy muy padre, me gustó mucho ya que tenía mucho que no iba a uno. (...) escuchamos dos piezas para octeto de cuerdas, una de ellas Johann S. Bach con un arreglo de Max Billie. La pieza se llama “Chacona” y en el concierto nos explicaron que es un baile que no tiene límite en cuanto a su duración, pero obvio, ahí solo escuchamos un fragmento. Se dice que esta pieza Bach la escribió después de que su esposa falleció y a pesar de que es un baile, me pareció algo triste. (...) La segunda pieza que escuchamos de este octeto de cuerdas, fue una pieza que se escribió a partir de un relato que se llama “El rey de los elfos” y la pieza lleva el mismo nombre. Me pareció muy curiosa porque al inicio, nos leyeron el relato y después, al escucharla se pueden identificar los diálogos a través de los graves, medios y agudos que se logran con las violas, me pareció genial y me mantuvo muy, muy atenta. Por último, escuchamos una pieza de Shostakovich que al escucharla es como si se te revolviera el estómago, pero no de una forma fea; sentí como mariposas, era una subida y bajada de emociones muy padre. Hay partes de la pieza muy leves, partes en las que entre los instrumentos se comunican a través de los sonidos como si uno hablara y el otro lo contestara y después entran los violines dándote un golpe de adrenalina que hasta se te eriza la piel.

Mariela Fernanda Cantú López

Lunes 4 de julio de 2022

EDUCACIÓN

Por: Maria Fernanda Badillo Arellano

CULTURA

www.matices.com

Lunes 4 de julio de 2022

ESPADA Y EL LAMENTO

AJMÁTOVA

nna Andréyevna Ajmátova (1889-1966) es una poeta rusa que personifica uno de los momentos más álgidos de una sociedad en convulsiones. Fue testigo de los terrores de “los dos Herodes” que marcaron con sus nombres el siglo XX: Stalin y Hitler. El dictador soviético que era un voraz lector y profundo conocedor de su cultura artística, al definirla para denostarla dio en el blanco: una “semimonja, semiputa o mejor dicho una monja prostituta cuyos pecados se mezclan con las plegarias”. Evidentemente es un insulto, pero en algo ilumina, pues el crítico apunta a su naturaleza religiosa, sobrenatural incluso como es la de los santos…y cuyas plegarias (que no pueden existir sino como flor de la raíz: la culpa o el pecado) escucha el pueblo, pendiente y azorado con su voz, que se funde con la conciencia de cada lector de Leningrado…así su voz se expande por los frentes de batalla, yendo en el pecho de los soldados, que destruirán las balas. La espada por delante: poesía de guerra…y de lamento, poesía herida también, sofocada en el caldero donde la Guerra Patriótica se cuece con el terror rojo. | 10

Anna Ajmátova, poeta rusa.

LENINGRADO ENTRE LOS DOS HERODES

ARTILLERÍA SINFÓNICA Y CANIBALISMO

Leningrado.

La obra de Moynahan manifiesta una mirada muy honda, se trata de un erudito que va juntando datos e imágenes de esas historias para tejer, como Dimitri Smítrievich Shostakóvich, una sinfonía palabral en seguimiento a la creación de este artista trabajando en el límite: Shostakóvich acababa de terminar el primer movimiento cuando sonaron las sirenas. Bajó con Nina y sus hijos al refugio antiaéreo. En cuanto los dejo instalados, regresó al apartamento para tocar el scherzo. En estas condiciones el artista escribió la Séptima Sinfonía: Cuatro gruesos tomos de música. 252 páginas de partitura del director (el guión), 2 500 páginas de partichelas para orquesta. La obra duraba una hora y veinte minutos. Requería una orquesta de 105 músicos. El autor hace una lectura musical de la guerra, pues esta es una fuerza que surge de la naturaleza más íntima de los hombres desangrándose, muriendo de hambre e incluso comiéndose los unos a los otros. En efecto: este el contrapunto que logra Brian Moynahan: a tiempo que hay una irradiación musical emanando de las explosiones, los disparos, los gritos…fija escenas como esta: Una vecina aporreó la puerta de Ksenia Matus, una oboísta, y le suplicó que la dejara entrar. Su marido estaba intentando matarla para comérsela. Se trata de un ensayo sobre la experiencia militar soviética en las más pesadillescas condiciones, pues a tiempo que Leningrado, la ciudad fundada por Pedro el Grande, sufre el embate de los ejércitos nazis, al interior del Ejército Rojo sucede una de las purgas | 12 más sangrientas en los mandos.

LEV GUMILEV

EL LOBO ESTEPARIO DEL EURASIANISMO

Lev Gumilev lo arrestaron por primera vez, por un corto periodo, en 1933, cuando apenas tenía veintiún años, y luego dos años más tarde. La segunda vez lo retuvieron durante un par de meses y, una vez liberado, lo expulsaron de la universidad. En 1938 lo arrestaron nuevamente. Pasó los siguientes cinco años en gulag. Casi inmediatamente después de que lo liberaran, lo llamaron a filas. Tras la Segunda Guerra Mundial recibió al fin autorización para proseguir sus estudios y a la edad de treinta y seis pudo defender su tesis doctoral. Pero lo arrestaron nuevamente y lo condenaron a diez años. Cumplió siete de ellos –lo liberaron después de que Jrushchov condenara la política de persecuciones de Stalin- y finalmente obtuvo su primer puesto como investigador a los cuarenta y cuatro años. Afirmaba, se encontraba en los campos de detención. La idea fundamental de Gumilev era el concepto de etnogénesis, proceso a través del cual, según su teoría, diferentes grupos étnicos llegaban a existir y a adquirir características distintivas que se transmitían de generación en generación. | 11

ALEJANDRA PIZARNIK

EL MITO VUELVE

¿Puede una escritora cambiar de piel medio siglo después de su muerte? Alejandra Pizarnik sí. Tras la publicación de Árbol de Diana, su cuarto libro, prologado por Octavio Paz, Pizarnik (Avellaneda, 1936- Buenos Aires, 1972) se convirtió en un nombre inevitable de la poesía del siglo XX. La leyenda de esta poeta de culto, alentada por una muerte trágica a los 36 años una noche en la que los barbitúricos fueron demasiados, no ha parado de crecer con la sucesiva aparición desde 2000 de su poesía, prosa y diarios, al cuidado de la poeta Ana Becciu, albacea de la escritora. Pero los inéditos que se conservan en la Universidad de Princeton subrayan la sensación de que su identikit (retrato robot) creativo todavía reserva sorpresas. | 14

Alejandra Pizarnik, poeta argentina.

CULTURA

Lunes 4 de julio de 2022

ARQUETIPO CIMEMATOGRÁFICO E l gorila es un mono antropoide, dotado de ancho tórax y cubierto totalmente de pelos, con brazos muy fuertes y largos, piernas cortas y cara proyectada hacia adelante. El gorila habita las regiones occidentales de África Ecuatorial. Este animal velludo ha ejercido mucha influencia sobre la fantasía popular por su aspecto semi humano. La mujer, por su parte, es la hembra de la especie humana (homo sapiens), el más evolucionado de los monos antropoides de marca erecta, senos y caderas más desarrolladas que el hombre, de poco vello en el cuerpo, pero abundante en el cráneo, los sobacos y el pubis, además se reproduce cada nueve meses. La mujer habita en casi todas partes del mundo y fue protagonista absoluta de un filme mucho antes que el gorila, aunque estudiosos de la historia del cine mundial, como George Sadoul, han afirmado que fue el gorila el que apareció primero en el cine en la cinta Congorila, rodada en 1932 en Nairobi por Martin Johnson. Poder imaginar relaciones sexuales fantásticas entre gorilas y mujeres han sido tareas constantes de la imaginación popular y de las mitologías de todos los tiempos. Se afirma que el emperador romano Nerón, gozó hasta el delirio con el espectáculo de doncellas violadas por simios de gran tamaño, y sobre este tema, con muchas variantes, la fantasía popular ha tejido numerosas leyendas. El punto de vista de la sexología sobre el tema, distinguió tres categorías distintas de relaciones eróticas entre animales y humanos: bestialidad, zooerastia y zoofilia erótica, las que se han juzgado como formas peculiares de fetichismo. Ante esta situación, uno se siente tentado de añadir algunas palabras en relación del componente sádico de la imaginación erótica, sobre todo cuando, en lugar de esbeltos cisnes o de gráciles ciervos, son gorilas los que andan de por medio. En el cine, también ha trascendido uno de los mitos más sólidos y universales creados por el siglo XX. Nacido como un filme de género en los días más negros de la depresión, la estatura poética y mitológica de King Kong ha crecido con los años hasta rebasar su propia imagen.

Escena de la película Congorila, 1932

En una de las secuencias de la película de King Kong, éste escala un rascacielos y por una ventana observa a una mujer en su cama. La coge con su manaza, la examina, la toca y enseguida se huele el dedo. En efecto, King Kong es la tragedia de un ser que se pierde por su excesivo amor. Esta pasión arrastra al gorila hacia un mundo hostil, abandonando su hábitat natural. El amor desenfrenado de King Kong es especialmente puro e idealista si se tiene en cuenta que la unión sexual entre un gorila-King Kong-y su amada, en este caso, Ann Darrow (Fay Wray), es físicamente imposible por la diferencia de tamaños de sus órganos sexuales. El mito de King Kong, sin embargo, vive aún, no obstante las críticas pueriles de muchos investigadores del cine, como el caso de George Sadoul, que no cita al gorila en su libro Historia del Cine Mundial, lo cual revela un extraño desprecio por el cine mismo y tiene sin embargo, la habilidad de poner en el mismo saco filmes terroríficos o fantásticos como Frankenstein, Drácula o El hombre invisible. George Sadoul aconseja en sus textos que la creación de monstruos del cine emergen del vacío, como ha sido el caso del gorila King Kong. Aunque después habrá que destruirlos. Pero la historia no ha querido destruirlos y ellos siguen vivos, creciendo con los años hasta rebasar la estatura del propio protagonista, convertido en personaje universal, familiar al público de los cinco continentes por todas estas razones, el maltratado gorila enamorado sigue vigente después del ya lejano estreno de la película sucedido en el año de 1933. King Kong es, y se trata de un caso único en la historia del cine, de un sueño filmado enteramente. Se dice que en cierta ocasión unos jóvenes cinéfilos franceses visitaron al poeta Paul Eluard para proponerle la presidencia de un cine club. El poeta sin vacilar aceptó, “de acuerdo amigos, pero ¿Pasarán King Kong..?

Nacido como un filme de género en los días más negros de la depresión.

CULTURA

Lunes 4 de julio de 2022

AJMÁTOVA

ESPADA Y EL LAMENTO

rado con su voz, que se funde con la conciencia de cada lector de Leningrado…así su voz se expande por los frentes de batalla, yendo en el pecho de los soldados, que destruirán las balas. La espada por delante: poesía de guerra…y de lamento, poesía herida también, sofocada en el caldero donde la Guerra Patriótica se cuece con el terror rojo. Hay más poemas sobre ella que poemas por ella escritos, señala Joseph Roth, pues su vida es tan ejemplar como la fuerza que irradian los íconos ante los que se hincan las mujeres, los hombres, los niños, siendo su plegaria seguida como se escucha la voz del líder en el ataque y la de una madre en el lecho de muerte. Millones de soldados marchaban a la batalla con sus palabras en sus labios. Es la boca por la que gritan cien millones.

GUERRA Y LIBERACIÓN La Segunda Guerra Mundial fue una liberación para los ciudadanos soviéticos, sobre todo para los que padecieron el terror stalinista, como Ajmátova. “Pensar que los mejores años de nuestras vidas fueron durante la guerra, cundo mataban a tanta gente, pasábamos hambre y mi hijo estaba condenado a trabajos forzados”. Pasternak, en su novela El doctor Zhivago, escribe: “Cuando estalló la guerra, el peligro y la amenaza de muerte que representaba fueron una bendición en comparación con el poder inhumano de la mentira, una liberación, porque rompían el hechizo de la letra muerta. Fue un periodo de vitalidad y en ese senti-

do una restauración ilimitada y feliz del sentido compartido de comunidad”. Para darnos una idea de lo que sucedía a los artistas y pensadores rusos y en específico al gremio de los escritores, en la época de Ajmátova, existe este dato: “De los setecientos escritores que asistieron al Primer Congreso de Escritores de 1934, sólo cincuenta sobrevivieron para acudir al segundo, realizado veinte años después”. Cuando el ejército nazi cruza la frontera…el aparato de Estado policiaco militar soviético, tiene que volcarse a la defensa patria…Ajmátova describe así el periódo de preguerra:

Eso sucedió cuando sólo sonreía El muerto, contento de su paz Y como un apéndice inútil, Leningrado Pendía de sus cárceles. Cuando locos de dolor, Caminaban en tropel los condenados, Y los silbidos de las locomotoras Cantaban cortas canciones de despedida. Las estrellas de la muerte se erguían sobre nosotros Y la inocente Rusia se retorcía Bajo una botas manchadas de sangre Y bajo las ruedas de los negros furgones. Durante los años de guerra, los artistas de Rusia disfrutaron de nuevas libertades y responsabilidades. Isaiah Berlin narra: “La poesía de Blok, Brysov, Sologub, Esenin, Tsvietáieva, Mayakovsky se leía ampliamente; la aprendían de memoria y la citaban los soldados, los oficiales y hasta los comisarios políticos. Ajmátova y Pasternak, quienes durante mucho tiempo

Anna Ajmátova, poeta rusa.

habían vivido una suerte de exilio interior, recibían asombrosas cantidades de cartas desde el frente, que citaban poemas suyos publicados e inéditos que en su mayor parte habían circulado en copias manuscritas; eran peticiones de autógrafos, de confirmación de la autenticidad de los textos, o preguntas sobre la actitud del autor sobre tal o cual problema.

CULTURA 11

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Sabemos que el presente está en la balanza Y que se cumplirá. La hora del valor marcan nuestros relojes Y el valor no nos abandonará. No es terrible morir bajo las balas, Ni amargo desangrarse, Pero te conservaremos, lengua rusa, Grande palabra rusa. ¡Libre y limpia te llevaremos Para entregarte a nuestros muertos, Para siempre librándote del cautiverio!

LA MAJESTUOSA DIGNIDAD La obra y la vida de esta mujer pintada por Modigliani, entre los artistas más conocidos de la gran estela que la pintaron o la esculpieron, es un hito en la historia de la humanidad y de la modernidad en específico, porque está vinculada a los linajes de los seres sacrificiales que a lo largo de la historia imponen ese sello crístico, donde se funde historia y mito, acción y leyenda. El escritor anglo judío Isaiah Berlin, que ya había publicado su famosa biografía de Marx cuando la visitó en la Casa de la Fuente, como era conocida su residencia en Leningrado, así la describe: “Casi no había muebles. Supongo que se habían llevado todo lo que tenía durante el sitio (de Leningrado); lo habrían robado o vendido. Había una mesa pequeña, tres o cuatro sillas, un armario de madera, un sofá y, sobre la estufa apagada, un dibujo de Modigliani. Una majestuosa dama de cabellos grises, con un chal blanco sobre los hombros, se levantó lentamente para darnos la bienvenida. Anna Andreievna Ajmátova era una persona de una dignidad imponente, de gestos pausados, una cabeza noble, de facciones hermosas aunque algo severas y una expresión de inmensa tristeza”.

Tenemos otra estampa de ella, esta vez de uno de los pocos intelectuales que sobrevivieron a la era de Stalin, Ehrenburg: “Estaba sentada en una pequeña sala son su retrato dibujado por Modigliani en la pared y, triste y majestuosa como siempre, leía a Horacio. Las desgracias cayeron sobre ella como avalanchas; era necesario tener una fortaleza poco común para mantener tal dignidad, compostura y orgullo”. En los primeros meses de la guerra Ajmátova se incribió en la Defensa Civil de Leningrado. “La recuerdo cerca de las viejas verjas de hierro en la Casa sobre el Fontanka –escribió la poeta Olga Berggolts-. Con el rostro severo y enfadado, una máscara de gas sujeta al hombro, cumplía su turno vigilando el fuego como cualquier soldado”. Cuando los ejércitos alemanes rodearon Leningrado se le pidió a Ajmátova que levantara la moral de la ciudad hablando por la radio. Durante años las autoridades soviéticas habían prohibido sus obras, sin embargo el mismo nombre de Ajmátova representaba hasta tal punto el espíritu de la ciudad que hasta Zhdanov, el terrible jefe de la NKVD, estaba dispuesto a ceder en ese momento de necesidad. Ajmátova estaba enferma, por lo que acordaron que se grabaría su discurso en la Casa de la Fuente. Fueron unas palabras orgullosas y valientes. La poeta se refirió a todo el legado de la ciudad: no solo a Lenin sino también a Pedro el Grande, Pushkin, Dosteyevsky y Blok. Concluyó con un conmovedor homenaje a las mujeres de la vieja capital: “Nuestros descendientes honrarán a cada madre que vivió durante la guerra, pero su imagen se detendrá en la imagen de la mujer de Leningrado en el techo de su casa durante un bombardeo aéreo, con un bichero y unas tenazas para el fuego, protegiendo la ciudad del incendio; en la muchacha voluntaria de Leningrado que ayuda los heridos entre las ruinas todavía humeantes de un edificio. No, una mujer que ha engendrado mujeres como éstas no puede ser conquistada.”

DOS ALMAS AFINES Ajmátova, poeta y Shostakovich, músico, son sin duda los espíritus emblemáticos de esa época en que en Leningrado encarnó el extremo al que ha llegado la humanidad en una situación de violencia. Leer a Ajmátova escuchando a Shostacovich nos ofrece la experiencia total de lo que miles de seres vivieron en esas décadas del 30-40.

Ajmátova casi nunca se perdía un estreno de Shostakovich. Después de la primera ejecución de su Sinfonía núm. 11 (el año de 1905), la comparó con sus canciones de revolución y esperanza, “blancas aves volando contra un cielo terrible y negro”. En una dedicatoria que le hizo escribió” a Dimitrievich Shostakovich, en cuya época yo vivi en la tierra”. Los dos finalmente se conocieron en 1961. Recordaría Ajmátova: “Nos quedamos en silencio durante veinte minutos. Fue maravilloso”.

Anna Ajmátova, poeta rusa.

LEV GUMILEV

EL LOBO ESTEPARIO DEL EURASIANISMO

Lev Nikolayevich Gumilev (19121992) era hijo de Anna Ajmátova, una de las más grandes poetisas rusas de todos los tiempos y de Nikolái Gumilev, poeta y oficial del ejército zarista al que habían ejecutado los bolcheviques.

A un grupo étnico, o ethnos, como Gumilev lo llamaba, lo moldeaban dos fuerzas fundamentales: las condiciones geográficas en que vivía y la radiación proveniente del espacio exterior. En sus obras sobre etnogénesis, Gumilev explicaba en detalle sus ideas sobre la radiación y las resultantes mutaciones genéticas, mientras que en sus obras sobre historia seguía la línea del determinismo geográfico y se inspiraba en las ideas de los eurasianistas, una escuela de pensamiento –nacida alrededor y al parecer como reacción a la revolución bolchevique- que sostenía que la singular trayectoria rusa estaba determinada por el dilema de pertenecer a los dos continentes. Después de su liberación y de que se rehabilitara su nombre, las instituciones siguieron tolerando a duras penas a Gumilev y pasando por alto sus ideas. Sin embargo, logró disfrutar de un año o dos de popularidad e incluso de celebridad antes de su muerte, en 1992: grabó una serie de conferencias que vieron por televisión millones de personas y, más tarde, las tiradas de sus libros, escritos originalmente para una audiencia académica, batieron todos los records imaginables. Era el perfecto héroe intelectual postsoviético, una víctima del régimen cuya mente parecía haber triunfado sobre todas las adversidades. El trabajo más conocido de su famosa madre era un desgarrador poemario titulado Requiem que circulaba clandestinamente en la Unión Soviética y que contaba la historia del cautiverio de su hijo.

La búsqueda intelectual de Gumilev se puede considerar como la esencia –o como la caricatura- del destino de las ciencias sociales en la Unión Soviética: décadas de trabajo en un medio hostil, aislado de las ideas de otros, luchando en la oscuridad para inventar la pólvora. Al trabajar en soledad, Gumilev había tenido que desarrollar su propia teoría del universo, que incluía la radiación proveniente del espacio exterior. El carácter totalizador de su teoría y su aura científica tenían que resultar atractivas para la mentalidad postsoviética que acababa de perder una explicación integradora del mundo. El ethnos entró en el lenguaje cotidiano ruso, al igual que otros conceptos acuñados por Gumilev, tales como passionarnost´, una medida del grado en que un ethnos era inicialmente receptivo a la radiación y finalmente dotado de los poderes específicos de ese ethnos. Otras escuelas de pensamiento que combinaban ideal totalizadoras y lenguaje científico también estaban ganando terreno en Rusia. La cienciología, por ejemplo, era muy popular entre los pequeños comerciantes y los funcionarios de las ciudades más pequeñas. Pero las ideas de Gumilev tenían dos atributos que las hacían perfectas para el momento histórico. Su insistencia en la naturaleza esencial de los grupos étnicos ayudaba a explicar la agonía del imperio. Su determinismo geográfico encajaba bien con la idea del destino excepcional de Rusia, que tan importante era para los rusos.

Lev Gumilev, poeta ruso.

Te llevaron al alba Y fui tras de ti como en un entierro En el ático oscuro lloraban los niños, Y ante la imagen sagrada se derretía la vela. En tus labios estaba el frío del icono Y un sudor mortal en tus cejas… ¡No lo olvidaré! Como las viudas de los Streltsy Aullaré bajo las torres del Kremlin.

CULTURA

Lunes 4 de julio de 2022

LENINGRADO ENTRE LOS DOS HERODES ARTILLERÍA SINFÓNICA Y CANIBALISMO

l periodista e historiador inglés Brian Moynahan, murió a los 77 años el pasado mes de abril de 2018, luego de ver publicada su última obra, una historia de une en una sola narrativa dos temas que a primera vista no tienen nada en común: la música y la guerra. Este contrapunto hace del libro una obra enigmática e intrigante…pues se trata de una crónica puntual del ataque despiadado por los ejércitos de Hitler durante 900 días a una de las ciudades más refinadas y cultas de Europa y Rusia, Leningrado, la antigua San Petersburgo, luego Petrogrado y finalmente otra vez San Petersburgo; un asedio considerado como una de las mayores catástrofes demográficas de la historia de la humanidad. En ningún otro lugar –ni en Dresde o en Hamburgo, arrasadas por las bombas incendiarias, ni en Hiroshima o Nagasaki, destruidas por las bombas atómicas, ni en la devastada Stalingrado o en la torturada Varsovia, se experimentó la muerte en la misma escala. Ni siquiera hoy, setenta años después, pueden crecer los árboles, y en la superficie llena de cráteres tan solo se ven matas de yerba y fosas comunes. La obra de Moynahan manifiesta una mirada muy honda, se trata de un erudito que va juntando datos e imágenes de esas historias para tejer, como Dimitri Smítrievich Shostakóvich, una sinfonía palabral en seguimiento a la creación de este artista trabajando en el límite: Shostakóvich acababa de terminar el primer movimiento cuando sonaron las sirenas. Bajó con Nina y sus hijos al refugio antiaéreo. En cuanto los dejo instalados, regresó al apartamento para tocar el scherzo. En estas condiciones el artista escribió la Séptima Sinfonía: Cuatro gruesos tomos de música. 252 páginas de partitura del director (el guión), 2 500 páginas de partichelas para orquesta. La obra duraba una hora y veinte minutos. Requería una orquesta de 105 músicos. El autor hace una lectura musical de la guerra, pues esta es una fuerza que surge de la naturaleza más íntima de los hombres desangrándose, muriendo de hambre e incluso comiéndose los unos a los otros. En efecto: este el contrapunto que logra Brian Moynahan: a tiempo que hay una irradiación musical emanando de las explosiones, los disparos, los gritos…fija escenas como esta: Una vecina aporreó la puerta de Ksenia Matus, una oboísta, y le suplicó que la dejara entrar. Su marido estaba intentando matarla para comérsela. Se trata de un ensayo sobre la experiencia militar soviética en las más pesadillescas condiciones, pues a tiempo que Leningrado, la ciudad fundada por Pedro el Grande, sufre el embate de los ejércitos nazis, al interior del Ejército Rojo sucede una de las purgas más sangrientas en los mandos. Cuando la ciudad estaba siendo aterrorizada, asediada, bombardeada y cañoneada por Hitler desde fuera, también estaba siendo atemorizada por Stalin desde dentro. La matanza en el Ejército Rojo llegó al grado del paroxismo. Todos los militares que en mayo, cuando se produjo el arresto de Tujachevski, estaban al mando de alguna región militar, fueron fusilados o desaparecieron en el plazo de un año. A eso hay que sumarle 57 de los 85 comandantes de cuerpos del Ejército. Desapareció más e la mitad de los 406 comandantes de brigada. Los Estados Mayores de las regiones, y de los ejércitos, de los cuerpos y de las divisiones fueron objeto de una “limpieza”. El comandante de la Arti-

lleria Roja, que tradicionalmente era el arma más prestigiosa de Rusia, fue fusilado. Tan solo sobrevivieron cinco de los ochenta miembros de los más altos escalafones militares. La naturaleza de las purgas soviéticas es un tema –y lo seguirá siendo por mucho tiempoinagotable. Causa una interrogación y es como la oscuridad, muchas veces impenetrable, pues en efecto, se trata de un canibalismo marcial que pronto se expresaría como canibalismo a secas: Así se describe una de las cárceles sovieticas.

igual de complejo, a su manera, que la partitura de Shostakóvich. En una Rusia medio muerta de hambre, medio invadida, medio desangrada, aquel abundante despliegue de talento musical resultaba sorprendente y desafiante. Era una sinfonía tan gigantesca como la ciudad a la que retrataba. Era el sonido de Leningrado, la actitud desafiante y la valentía de la ciudad sitiada convertidos en música. El gran interprete David Óistraj dijo: Aquella música resonaba como una afirmación profética de victoria sobre el fascismo, una manifestación política de los sentimientos patrióticos del pueblo, y de su fe en el triunfo final del humanismo y de la luz.

En la litera de arriba se acostaban todos los que no eran caníbales, y debajo de ellos había entre 15 y 20 caníbales. Por la noche se levantaban sigilosamente, bajaban a un preso de la litera de arriba y se lo comían vivo. Pedíamos a los carceleros que tomaran medidas contra los caníbales. Ellos nos decían: “Cuanto más presos se coman, menos trabajo tendremos nosotros.” La música era como una gran serpiente herida que arrastraba su lento cuerpo, la sinfonía va desenroscándose a lo largo de ochenta minutos. Sus motivos son exultaciones, agonías. En su último movimiento sus metales triunfales profetizan lo que Shostakovich describe como “la victoria de la luz sobre la oscuridad, de la humanidad sobre la barbarie”. La mozzosoprano Nadezhda Velter describe al joven músico: En aquel momento yo no tenía ni idea de lo que significaba aquello en su fuero interno, cuando estaba creando la Séptima, con el estruendo de los aviones y el silbido de las bombas. Pero pude ver cómo cambiaba su expresión –en sus ojos, en las arrugas del puente de su nariz, en su ceño fruncido- pude sentir una enorme tensión interna. Así fue como creo la Séptima. El autor encuentra un filón temático en la densa historiografía de la guerra: Se otorgó a la música un estatus militar. Debía considerarse parte del esfuerzo bélico. Esta obra nos abre a una percepción inédita, el escuchar los estruendos y los fragores de las batallas como sonidos medidos por un metrónomo: Radio Leningrado empezó a transmitir el sonido de un metrónomo en los huecos entre programas, para mostrar que el corazón de la ciudad seguía latiendo. Lo controlaba el mando antiaéreo de la ciudad, desde su cuartel general de la plaza Lomonosov. El ritmo se aceleraba cuando una incursión aérea era inminente o se estaba produciendo. Moynahan teje un lenguaje musical, como si cada palabra sonara como la nota de un piano de cola: Los aviones y carros de combate bailaban en elaboradas combinaciones: la matanza se convertiría en una espantosa y sangrienta réplica del sufrimiento de Leningrado, tan insistente y continuo como el tambor que se escucha en la sinfonía de la ciudad. Mientras se transmitía la sinfonía de Chiakovski, un segundo batallón de infantería de marina cruzaba hasta la Nevski Piatachok. Llegaban simplemente para substituir a los muertos, a los moribundos y a los heridos. Ese era el sonido del cataclismo que Shostakóvich estaba intentando capturar. La música calmaba los nervios de Leningrado y alimentaba su alma. Por la radio se ofrecía música en forma ininterrumpida, que también se oía a través de los altavoces de las calles. Durante tofo el día, los altavoces brindaban a los leningrandeces sus canciones y arias favoritas, con el ruido de fondo de los cañonazos y la artillería: Los cañones rusos iniciaron un feroz fuego de contrabatería. Se basaba en un diagrama de fuego de artillería

La dulzura de la música y la elegancia de la danza aliviaban los estragos de la guerra que se vivía al otro lado de los muros del auditorio.

Leningrado.

CULTURA 13

Lunes 4 de julio de 2022

La primera interpretación de la Séptima Sinfonia de Shostácovich fue el de una orquesta integrada por soldados de la música, seres hambrientos, que se desmayaban en los ensayos, que habían muchos de ellos enterrado a sus esposas, a sus hijos, a sus padres y que sin embargo creaban con sus instrumentos y que aspiraban con sus instrumentos la dulzura de la música y la elegancia de la danza aliviaban los estragos de la guerra que se vivía al otro lado de los muros del auditorio. Shostacóvich escribe: Los que estaban congregado en el auditorio habían arriesgado sus vidas para estar allí, y demostrar que es imposible matar la belleza del arte. En la transmisión radiada esta es una escena de las trincheras:

DE LA ALTA CULTURA AL CANIBALISMO La poeta Ajmátova había dicho: Cuando pienso que La ciudad de Pedro el Grande, de Lenin, la ciudad de Pushkin, Dostoyevski y Block, ciudad de una gran cultura y de una gran industria, se ve amenazada por el orpobio y la destrucción…me quedo petrificada.

Para entonces los soldados de mi unidad estaban escuchando la música con los ojos cerrados. Daba la impresión de que por encima de nosotros el cielo espejeado se hubiera convertido en una tormenta repleta de música. Del lado alemán también la presencia de la música como parte del esfuerzo militar era clara: pues los alemanes iban a invadir Rusia al son de los Preludios de Liszt. Sin embargo los niños morían sin sonido y sin nombre.

Y es en verdad asombroso cómo una sociedad que participaba de las expresiones más altas y finas de la sensibilidad humana ilustradas por la literatura, la música, la arquitectura, y el arte en general, haya descendido estadios históricos de la más aberrante naturaleza según se cita en estos registros: Una mujer encogida le dijo que cuando su marido agonizante perdió el conocimiento, ella le cortó un trozo de pierna para hacer un caldo. Leningrado en tiempos normales había estado consumiendo 3,000 toneladas de alimentos al día…con el asedio nazi los suministros se redujeron a 33 toneladas por día….la mayoría de los gatos y perros habían acabado asados o en la olla del caldo. La gente cazaba ratas, las desollaba y se las comía…El canimabislo era inevitable en una ciudad tan grande. Algunos leningrandeses incluso sentían una intensa alegría ante el instinto de supervivencia de los antropófagos. El canibalismo puede impedir que una persona se muera de hambre. Si quere sobrevivir, el caníbal sobrevivirá. Los fuertes ganan, los débiles mueren. Esas son las reglas. De esta manera se refiere la historia de un hombre que ayudó a bajar el cuerpo de su abuela hasta el patio la noche que falleció.

Pedíamos a los carceleros que tomaran medidas contra los caníbales. Ellos nos decían: “Cuanto más presos se coman, menos trabajo tendremos nosotros.”

Cuando regresó al amanecer para llevarlo a enterrar, el cadáver ya había sido devorado por los caníbales. O esta otra: Llegó una vecina gritando. “¡Ha matado al bebé!” Salimon le pidió que se asegurara de lo que decía. No podía creerlo. La vecina volvió y dijo que la mujer había matado a su bebé y que lo había admitido. “¿Niño o niña?, preguntó Saliamon. “Niña”, le contestó la vecina. “La madre me ha dicho: “Yo la he parido, así que la he troceado y me la he comido”. En el frente los soldados rusos estaban combatiendo y sobreviviendo con una raciones de 50 gramos de pan seco al día en el mejor de los casos. A. Baizuk, un fusilero, recordaba: “Comíamos todo lo que se pudiera comer… hojas y piñas de abeto. Cocíamos viejos huesos de caballo y los roíamos. Por no hablar de la corteza de los árboles –todos los árboles que estaban a nuestro alrededor estaban pelados- . Nos comíamos todo, los insectos, los gusanos y las ranas que encontrábamos”. Cuando la nieve empezó a derretirse al terminar el invierno –recordaba el clarinetista Viktor Kozlov-. ¿Qué traía consigo? Cadáveres en descomposición y desmembrados que habían quedado ocultos bajo el hielo. Piernas amputadas a las que les habían rebanado trozos de carne. Trozos de cuerpos en cubos. Cuerpos de mujer con los pechos amputados, porque la gente se los había llevado para comérselos. Llevaban sepultados todo el invierno, pero allí estaban, a la vista de toda la ciudad, para que supiera cómo había sobrevivido.

LENINGRADO ANTE DOS ENEMIGOS La fascinación de los historiadores por la historia rusa, reciente y antigua, se está expresando en obras como la de Maynahan, Sebag o Beevor…quizá sea porque ha sido infrecuente que un pueblo en guerra contra otras naciones haya sufrido al mismo tiempo un ataque de sus propias fuerzas armadas y de sus sistemas de seguridad interior. Durante la guerra teníamos dos enemigos – señala un testimonio- los fascistas alemanes fuera del país, y los rusos dentro. Se trata de una frontera que apenas podemos imaginar: A un lado, millones de esclavos soviéticos rezan por su liberación a manos de los ejércitos de Hitler, y por otro lado, millones de víctimas de los campos de concentración alemanes aguardan ser liberados por el Ejército Rojo como última esperanza. La escenógrafa que dirigía el Teatro de Marionetas de Leningrado expresó: Era la guerra de los dos Herodes, Hitler y Stalin.

La música verdadera nunca puede estar vinclulada literalmente a un tema.

Las matanzas en los mandos del Ejército Rojo habían acabado con cualquier sentido de la iniciativa. Los militares que corrían mayor peligro eran los hombres que cabría calificar de indispensables, con experiencia directa en el combate, obtenida contra los fascistas y sus aliados alemanes en España, y contra los japoneses en el Extremo Oriente. Ese feroz ataque con los oficiales superiores con experiencia en combate no tenía otro móvil que el deseo de Stalin de liberarse de los hombres cuya independencia de espíritu y sentido de fraternidad en el combate no podía soportar.

Las condiciones en que peleaba el Ejército Rojo produjo un estado descrito así por el Estado Mayor alemán: En cantidad, un instrumento militar gigantesco. La organización, el equeipo y los medios de liderazgo: deficientes. Los sitemas de comunicaciones: malos; el sistema de transporte: malo, sin personalidades. Las cualidades de combate de las tropas en un combate intenso: dudosas. La masa rusa no sería rival para un ejército con equipos modernos y un liderazgo superior. Años después al término de la guerra, el compositor Shostácovich, podía expresar el sentido profundo de su obra una vez que Stalin no podría alcanzarlo, ya que había muerto: La música verdadera nunca puede estar vinclulada literalmente a un tema. El nacionalsocialismo no es la única forma de fascismo. Esta música habla de todas las formas de terror, de esclavitu, de sometimiento del espíritu. A las claras el argumento de la Séptima Sinfonía, y por otra parte también de la Quinta, no era tan solo el fascismo, sino también nuestro sistema, o cualquier forma de régimen totalitario. Los horrores que vivió esta ciudad, que actualmente ha vuelto a su nombre original, San Petersburgo, pareciera que quieren ser olvidados, como sucedió a los berlineses cuando iniciaron la etapa de reconstrucción. No de otra manera se explica que se haya cerrado el imponente Museo del Asedio de Leningrado. Los fragmentos que han sobrevivido –enormes lienzos, reconstrucciones de batallas, esculturas- ilustran el esplendor de lo que se destruyó.

CULTURA

Lunes 4 de julio de 2022

ALEJANDRA PIZARNIK EL MITO VUELVE RAQUEL GARZÓN

Cuarto solo Si te atreves a sorprender la verdad de esta vieja pared; y sus fisuras, desgarraduras, formando rostros, esfinges, manos, clepsidras, seguramente vendrá una presencia para tu sed, probablemente partirá esta ausencia que te bebe.

¿Puede una escritora cambiar de piel medio siglo después de su muerte? Alejandra Pizarnik, sí. Tras la publicación de Árbol de Diana, su cuarto libro, prologado por Octavio Paz, Pizarnik (Avellaneda, 1936- Buenos Aires, 1972) se convirtió en un nombre inevitable de la poesía del siglo XX. La leyenda de esta poeta de culto, alentada por una muerte trágica a los 36 años una noche en la que los barbitúricos fueron demasiados, no ha parado de crecer con la sucesiva aparición desde 2000 de su poesía, prosa y diarios, al cuidado de la poeta Ana Becciu, albacea de la escritora. Pero los inéditos que se conservan en la Universidad de Princeton subrayan la sensación de que su identikit (retrato robot) creativo todavía reserva sorpresas.

Algunas serán desaveladas por Alejandra Pizarnik. Biografía de un mito, de Cristina Piña y Patricia Venti, que Lumen anuncia para enero de 2022, antesala de las conmemoraciones por los 50 años de su muerte (se publicará antes, este julio, en Argentina). Entretanto, la vigencia de la poeta en España explica Alejandra Pizarnik y sus múltiples voces (Huso), un libro homenaje editado por Mayda Bustamante, que celebra este 29 de abril los 85 años del nacimiento de la autora de El infierno musical con las miradas de 85 escritoras de 15 países diferentes, que dan cuenta de su onda expansiva sobre distintas generaciones. Hay testimonios infrecuentes (el de su hermana Myriam, entre ellos) y aportes críticos valiosos para entender cómo fue cambiando y enriqueciéndose a lo largo de estas décadas la imagen de quien César Aira, flamante Premio Formentor, llamó alguna vez “el último objeto de lujo de la literatura argentina”.

Cenizas La noche se astilló de estrellas mirándome alucinada el aire arroja odio embellecido su rostro con música. Pronto nos iremos Arcano sueño antepasado de mi sonrisa el mundo está demacrado y hay candado pero no llaves y hay pavor pero no lágrimas. ¿Qué haré conmigo? Porque a Ti te debo lo que soy Pero no tengo mañana Porque a Ti te… La noche sufre.

ELIGE TU PROPIA ALEJANDRA “Cuando murió el 25 de septiembre de 1972, Alejandra era considerada, esencialmente, una poeta deslumbrante”, cuenta desde Buenos Aires Cristina Piña, su biógrafa, y una de las autoras que participa en Alejandra Pizarnik y sus múltiples voces. “Hoy sabemos que fue mucho más: una diarista fascinante, una crítica literaria sagaz y, también, la autora de textos narrativos profundamente transgresores que empezaron a conocerse a partir de 1982”. Pizarnik cifró su estilo en la brevedad, la distorsión lógica (aprendida en las Voces de Antonio Porchia) y en una potencia visual a la vez contenida y brutal que todavía impacta: “He dado el salto de mí al alba. / He dejado mi cuerpo junto a la luz / y he cantado la tristeza de lo que nace”, escribe en el primer poema de Árbol de Diana (1962). “Tú eliges el lugar de la herida / en donde hablamos / nuestro silencio./ Tú haces de mi vida / esta ceremonia demasiado pura”, dice en otro de Los trabajos y las noches (1965), pasión incandescente en cinco versos.

Alejandra Pizarnik, poeta argentina.

La pregunta no es ya quién fue Pizarnik como cuando el misterio alrededor de su figura era estruendoso (el combo fragilidad emocional, bisexualidad, suicidio imponía silencios que solo el paso del tiempo permitió procesar), sino qué Pizarnik prefiere el lector. ¿La transgresora que coquetea con la obscenidad en La bucanera de Pernambuco o la poeta sublime de “palabras como piedras preciosas” aprendidas en la tradición francesa? ¿La seductora de vitalidad proverbial y conversación deslumbrante, que se codeó en París con Cortázar y en Buenos Aires con el grupo surrealista y el de la revista Sur o la adolescente eterna que tras besar al escritor Ricardo Zelarayán, autor de La gran salina, alegaba que había sido “un beso por prescripción médica” para exorcizar deseos lésbicos? ¿La “pequeña náufraga” azotada por su inadecuación para funcionar en el mundo o la libretista deliberada del “personaje alejandrino” y de su propio mito que pintó Aira en la colección Vidas Literarias de Omega? ¿La artista genial y autoexigente que blandía con precisión samurái un idioma ajeno a su hogar (sus padres eran inmigrantes rusos de origen judío) y que trabajaba hasta 14 horas interviniendo y comentando sus lecturas como documenta el Fondo Pizarnik (772 libros y papeles de trabajo que se encuentran hoy en la Biblioteca Nacional de Argentina) o la que dudaba de “la importancia de ‘ganarse la vida’ una misma”? Un diamante tiene muchas caras.

Despedida Mata su luz un fuego abandonado. Sube su canto un pájaro enamorado. Tantas criaturas ávidas en mi silencio y esta pequeña lluvia que me acompaña.

CULTURA 15

Lunes 4 de julio de 2022

Hija del viento Han venido. Invaden la sangre. Huelen a plumas, a carencias, a llanto. Pero tú alimentas al miedo y a la soledad como a dos animales pequeños perdidos en el desierto. Han venido a incendiar la edad del sueño. Un adiós es tu vida. Pero tú te abrazas como la serpiente loca de movimiento que sólo se halla a sí misma porque no hay nadie. Tú lloras debajo del llanto, tú abres el cofre de tus deseos y eres más rica que la noche. Pero hace tanta soledad que las palabras se suicidan.

PIZARNIK PARA REÍR Los textos en prosa de Pizarnik comenzaron a estudiarse a partir de Textos de sombra y últimos poemas (1982). Esa antología preparada con material inédito por las poetas Olga Orozco y Ana Becciu, amigas de ella, fue clave. Incluía a la prosista y la dramaturga de Los poseídos entre lilas y La bucanera de Pernambuco o Hilda la Polígrafa. Ese libro descubrió páginas desopilantes, con un registro que va del absurdo a los juegos glosolálicos con el lenguaje y también un regreso a la temática sexual —que Pizarnik había abordado en La condesa sangrienta—, pero mezclada ahora con el humor, lo popular y la grosería. Estos tonos provocaron rechazo en referentes poéticos de la generación anterior, pero le franquearon la admiración de autores más jóvenes.

“Con la correspondencia, que empezó a publicar Ivonne Bordelois en 1998, aparece otra novedad: un registro afectivo desconocido, que matiza la oscuridad y la angustia de los Diarios”, sostiene Piña. “Las cartas desmontan la idea de una Pizarnik que solo se preocupaba por ella misma. Es cariñosa y generosa con los amigos como se ve en las que dirige a Antonio Beneyto”, subraya la investigadora. El rol de Beneyto, artista surrealista fallecido en octubre de 2020 de covid, es capital para entender el derrotero de Pizarnik en España, que se aborda en un interesante ensayo de Fanny Rubio, incluido en el libro coral de Huso. Magnética, Pizarnik puede ser peligrosa, reconoce Piña: “Cuando uno está desarrollando su escritura, ella impregna mucho. Pero no se la puede imitar, como no se puede imitar a Rimbaud ni a Lautrémont: fueron malditos en el sentido de que unieron vida y literatura. Ella también. Para Pizarnik vida y poesía son la misma cosa.”

Exilio Esta manía de saberme ángel, sin edad, sin muerte en qué vivirme, sin piedad por mi nombre ni por mis huesos que lloran vagando. ¿Y quién no tiene un amor? ¿Y quién no goza entre amapolas? ¿Y quién no posee un fuego, una muerte, un miedo, algo horrible, aunque fuere con plumas, aunque fuere con sonrisas? Siniestro delirio amar a una sombra. La sombra no muere. Y mi amor sólo abraza a lo que fluye como lava del infierno: una logia callada, fantasmas en dulce erección, sacerdotes de espuma, y sobre todo ángeles, ángeles bellos como cuchillos que se elevan en la noche y devastan la esperanza. Alejandra Pizarnik, poeta argentina.

EDUCACIÓN

Lunes 4 de julio de 2022