Describe su recorrido en la música electrónica y techno como: un “viaje inolvidable”
Aeróbica
y la escena electrónica en Chile: La fiesta latina a la que siempre quisiste ir
Por Gabueliella
De los diez años que llevo conociendo la escena electrónica en Santiago de Chile -yo, una pueblerina que llegó a los dieciocho años a estudiar periodismo- no había encontrado un lugar que me gustara tanto como las fiesta de Aeróbica.
Son Pepo Fernández y Nico Castro, que se unieron el año 2019, prepandemia, quienes lograron aunar todo lo que les gustaba: bailar y sudar. Desde esta premisa, lograron un espacio en Chile, representando nuestras raíces latinas al mundo. Hace poco volvieron de su “Eurobica Tour” en las que pincharon música en clubes como Amsterdam Open Air Festival, Coven de Berghain Berlin, Smiile en Ibiza… Y esos son algunos de los once lugares que visitaron.
Nico recuerda que “fue un año bien movido para Chile”, quien en ese entonces tocaba en el Club Noa Noa, lugar ubicado en un subterráneo al frente del Parque Forestal -o más bien conocida como la Zona Cero en tiempos de revuelta- y que desapareció en pandemia. “Habíamos tocado un par de veces con Pepo y se nos ocurrió proponer una noche mensual en la que tocábamos nosotros juntos, de principio a fin”.
Pepo describe Aeróbica y su fiesta como algo que “realmente necesitábamos, un espacio amigable con la gente”. De hecho, cuentan hasta con áreas de descanso, espacios de cuidado con promotores que prestan ayuda y una lista free transgénero. “Existe un sentimiento general de respeto, que
la gente se sienta parte del espacio y que pueda ocuparlo libremente y que no se sienta ajena”.
Te cuento más de Aeróbica, en las voces de Nico y Pepo:
Arte y sudor
Nico - “La idea era englobar esas noches en un concepto. Entonces nació la idea de este nombre, un poco por lo que nos significaba el efecto que genera la música que nos gusta tocar, que era básicamente sudar y ejercitar. Llegamos a este imaginario que también tenía mucho que ver con los videos de aeróbica en VHS de los años ochenta”.
Pepo - “Todo responde a una propuesta mucho más luminosa. Es una contrapropuesta de muchas fiestas del techno que pueden ser súper oscuras y que tienen una energía súper intensa y nosotros queríamos crear un ambiente donde pudiéramos invitar a nuestros mejores amigos pero también a nuestros papás. Queríamos que fuera como una fiesta inclusiva en todo sentido y bajo esa filosofía, empezamos a desarrollar los
protocolos de seguridad, baños libres de género, incluso donde ponemos los parlantes. Hay una propuesta para que la gente como que se incluya dentro de la ecuación”.
Una de las características que noto en las fiestas de Aeróbica, y la puesta en escena de estos DJs chilenos, son los outfits de quienes van a bailar. El factor moda y arte se roba la noche, entregando una pista de baile rica en colores y texturas. También movimientos, a cargo de House of Keller, un casa de Vogue nacional que les acompaña en cada fiesta.
Nico - Sentíamos que debíamos ofrecer otra alternativa, que saliera de lo oscuro y de la típica ropa negra. Nosotros éramos al revés: color y risas, pero siendo muy serios en cómo armamos el trabajo mismo de poner música. Eso empezó a hacer que la bola de nieve creciera.
Pepo - Hoy la escena en Chile se está posicionando en el mercado global y eso antes no pasaba. De hecho, diría que antes brillaba desde el underground -que era
súper precaria y de fiestas chica y de repente, después de la pandemia todo explotó en un buen sentido, por lo menos en Latinoamérica y el público se cuadruplicó.
Según los artistas, en la actualidad hay un recambio de gente, con mucha energía y muchas ganas de involucrarse con la noche. De hecho, en palabras de Pepo, antes no había un público que pudiera sostener a artistas internacionales, por ejemplo, y ahora es una posibilidad poder traer cartas que sean más experimentales o que sean súper famosas. Hoy día están haciendo eventos de miles de personas, se está invirtiendo en la fiesta, en términos de capital, para traer a distintos artistas o hacer colaboraciones con otros países, con una mejor propuesta sonora y una ambientación más elevada, y todas esas cosas, al final hacen que los artistas de afuera quieran venir a Chile.
Latino en Europa
Nico - Nuestra carrera internacional empezó mucho antes de este viaje. Y la empezamos a trabajar muy
conscientes de América Latina. Desde el inicio nos hemos convencido que lo que pasa en América Latina es una especie de diamante en bruto, muy desarrollada, muy bacán y con artistas increíbles. Obviamente lo que pasa allá es el centro del mundo en cuanto a música electrónica, porque están los mejores clubes, los mejores festivales y todo, pero cuando toca que empezamos a darnos cuenta que el los artistas locales tocaban al mismo nivel que los artistas internacionales que venían fue como “hay que desarrollar más lo que está pasando acá”.
Pepo - Obviamente fue increíble y realmente impresionante poder llegar a tantas partes del mundo con la gira, superó las expectativas que teníamos. Para mí las expectativas siempre son altas jajaja. Fue muy interesante ver cómo está súper de moda en Europa la música latina. Mostrarnos nosotros, como latinos estando allá, fue parte de la imagen que queríamos dejar en un momento en el que la música latina está en boca de todos.
Una de las reflexiones que hacen es que hay mucha gente que ve a Europa como un fin y que incluso se va a vivir para allá, antes de hacer cualquier cosa acá, en Latinoamérica. Ellos creen fervientemente que es mucho más importante ser profetas en la tierra, desarrollar algo desde Sudamérica y desde acá, salir a Europa.
Producción de música con humor
Pepo - Yo creo que lo que siempre prima, en parte, es el humor y la energía que sí o sí te hace bailar. Siempre estamos buscando samples que vengan desde lugares poco convencionales: Videos de ejercicios, entrevistas de gente famosa, como alguna diva y voces en castellano, y eso, lo vamos mezclando con esta intención de lo que queremos tocar en la pista de baile.
Nico - Sí, y creo que tenemos tan claro el concepto de Aeróbica, tanto para lo que elegimos tocar como para la música que hacemos, que logra ser muy representativa de eso y nos fluye muy natural el trabajo en el estudio. Nosotros tenemos muy
claro qué es Aeróbica, entonces queremos que la música diga eso, de dónde venimos, cuáles son nuestras referencias, no solamente musicales sino que culturales, como cosas con las que crecimos en la tele.
Nico Castro y Pepo Fernández han logrado crear una comunidad alrededor de un concepto que invita a las personas a gozar de noches inolvidables, ideadas de principio a fin. Este 6 de julio vuelven con Aerobica Pride, para mover la noche nacional al son de géneros como el disco house y el italo house, motivados por una sola premisa: “Hagamos la fiesta a la que queremos ir”.
Alex Young describe su evolución musical desde los años 90 como un reflejo de su forma de ver el mundo y sentir la vida, enfocándose en lo que lo hace sentir humano y vivo, más allá de las tendencias. Como pionero del minimal en América Latina, encontró la forma de adaptar este género para diversas culturas, influenciado por la riqueza cultural y musical de Colombia. Su mayor desafío ha sido mantenerse al margen de los estándares de la industria para preservar su relevancia.
Selecciona a sus colaboradores basándose en su calidad humana y artística, trabajando con pocas personas debido a su exigencia.
Apasionado por los vinilos, celebra el resurgimiento de este formato por la conexión física que permite con la música. Con su sello Techno Inc., busca ser una plataforma para nuevos productores y estilos, sin clasificaciones restrictivas. Equilibra la producción y las presentaciones en vivo, considerando ambas esenciales para su vida.
Encuentra gratificante que su música sea medicina, motivación e inspiración. Su identidad colombiana influye profundamente en su música y presentaciones, viéndose como un ciudadano del mundo. Aconseja a los jóvenes artistas que estudien la evolución de la música electrónica para entender su pasado y futuro.
¿Cómo describirías tu evolución musical desde tus inicios en los años 90 hasta ahora?
- Siento que la evolución musical tiene más que ver con el pasar de los años y tu forma de ver el mundo, de sentir y de pensar. No me enfoco en lo externo, en las tendencias…
Me enfoco en lo que me hace sentir humano, vivo.
Como pionero del minimal en América Latina, ¿cómo ha sido tu experiencia al introducir este género en diferentes ciudades y culturas?
- Fue el logro de descubrir la manera de brindar un platillo de comida ya elaborado, pero con un toque particular para que fuese del gusto de todos. La riqueza cultural y musical de Colombia tuvo mucho que ver en mi proceso de estructuración de mi forma de producir música… por ende entiendo el gusto latino fácilmente, y también el de muchas personas alrededor del planeta.
¿Cuál consideras que ha sido el mayor desafío en tu carrera como productor de música electrónica hasta la fecha?
- El mantenerme al margen de los estándares de la industria… No me gusta que se me imponga qué es lo que se tiene que hacer para seguir siendo relevante en la escena.
Has colaborado con muchos artistas reconocidos. ¿Cómo seleccionas a quienes consideras trabajar y qué buscas en una colaboración?
- Primero es el trato humano, saber qué clase de persona es… entender de dónde viene, de dónde genera su arte y qué desea como propósito con el mismo. Trabajo con muy pocas personas, soy muy exigente como persona.
Sabemos que eres un apasionado de los vinilos. ¿Qué opinas sobre el resurgimiento de este formato en la escena actual?
- Solo puedo decir que es hermoso poder tocar con tus manos la música.
Tu sello Techno Inc. es conocido por su diversidad de estilos dentro del techno. ¿Cuál es tu visión para el sello a largo plazo?
- La visión siempre ha sido ser una ventana para nuevos productores y estilos… El techno es un universo que no debería ser clasificado o sectario.
¿Cómo manejas el equilibrio entre tu carrera como productor y tus presentaciones en vivo como DJ? ¿Hay una faceta que prefieras sobre la otra?
- Son dos cosas bien diferentes… producir es más introspectivo y ermitaño, ser DJ es estar más en control de muchos aspectos universales que vas manejando de mejor manera con el tiempo. Ambas hacen parte esencial de mi vida.
¿Cuál es la parte más gratificante de crear música electrónica para ti?
- Ser medicina, ser motivación, ser inspiración, ser guía… ser niños de nuevo.
Con una carrera tan internacional, ¿cómo afecta tu identidad cultural colombiana tu música y tus presentaciones?
- Soy ciudadano del mundo, amante del humano honesto y particular. El baile es la mejor respuesta a mi mensaje musical… Soy Colombia, soy México y soy del mundo.
¿Qué consejo le darías a los jóvenes artistas que están empezando en la escena electrónica hoy en día?
- Que analicen toda la evolución de la música electrónica a través del tiempo, hay que entender de dónde vino todo, para tener claro a dónde vamos.
Fatima Hajji, Andrea Oliva y Vintage Culture se suman a Time Warp
Madrid
Karretero B2B Kesia, Luxi Villar, Zarco o Roll Dann B2B Anabel Arroyo también se incorporan a Time Warp como sets de opening para ambas jornadas en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID
La primera edición del festival en Madrid apuesta por la escena nacional para los sets de Openning
Time Warp continúa completando el line up para su primer edición en Madrid, en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID. El sonido industrial de Fatima Hajji será protagonista el viernes 4 de octubre en la primera entrega del festival. Si hay un nombre fundamental en el circuito techno nacional es el de esta artista que, tras veinte años de trayectoria, continúa en el trono del hard techno tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Hajji será una de las headliners del escenario dedicado al techno más raw en Time Warp Madrid. Andrea Oliva ha vivido un crecimiento constante en su trayectoria desde sus inicios en 2004, año en que pasaría por primera vez por Ibiza, vinculado a plataformas
como Cadenza. El circuito ibicenco ha sido fundamental en el desarrollo de este artista que estos últimos años ha pasado por los escenarios más relevantes de la escena global además de editar peleases en sellos como Hot Creations, Desolat o Moon Harbour por destacar algunos. Un nombre que añade su sonido underground al line up de Time Warp Madrid el viernes 4 de octubre.
El brasileño Lukas Rafael Ruiz es Vintage Culture. Un proyecto con el que ha experimentado un ascenso meteórico desde sus inicios en 2011.
El número 10 del ranking de Dj Mag importará su sonido house a Time Warp en la jornada del 5 de octubre en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID.
Time Warp Madrid apuesta también por el circuito nacional, con la suma de los sets de openning de cada jornada del festival el viernes 4 y sábado 5 de octubre en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID. La primera jornada del viernes 4 de octubre, los dos escenarios de Time Warp contarán con el set B2B de Karretero y Kesia, junto a Zarco. En la segunda noche de Time Warp el sábado 5 de octubre, Luxi Villar y Roll Dan B2B Anabel Arroyo serán protagonistas en la apertura del festival en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID.
Time Warp Madrid ya ha confirmado nombres como Richie Hawtin, Sven Väth, Artbat, Adriatique, Héctor Oaks, Klangkuenstler, Trym, Sara Landry o Daria Kolosova, a los que se añaden este avance con Vintage Culture, Andrea Oliva, Karretero B2B Kesia, Luxi Villar, Zarco o Roll Dann B2B Anabel Arroyo, para su primera edición en Madrid.
El line up de Time Warp Madrid aún reserva varias sorpresas hasta su clausura el próximo mes de julio, con la propuesta completa para su primera edición en Madrid. El sonido techno invadirá el Recinto Ferial de IFEMA MADRID en dos fechas consecutivas, viernes 4 y sábado 5 de octubre de 2024.
Una primera edición en España, en el año que la marca cumple su treinta aniversario como emblema del techno. Time Warp trasladará al Recinto Ferial de IFEMA MADRID su universo sonoro y audiovisual. Una producción de alto nivel que desplegará su primera edición en la capital en octubre 2024. Un line up de vértigo, junto a las últimas innovaciones sostenibles y tecnológicas en dos pabellones independientes del Recinto Ferial de IFEMA Madrid el viernes 4 y sábado 5 de octubre.
El Departamento de Justicia de EE.UU.
Demanda a Live Nation-Ticketmaster:
Qué
Significa para la Industria de la Música
- El 23 de mayo, el Departamento de Justicia (DOJ) de EE.UU., junto con 30 fiscales generales estatales y de distrito, presentó una demanda civil antimonopolio contra Live Nation Entertainment Inc. y su subsidiaria Ticketmaster LLC. La demanda, presentada en el Tribunal de Distrito de EE.UU. para el Distrito Sur de Nueva York, acusa a Live NationTicketmaster de monopolizar la industria de conciertos en vivo en violación de la Sección 2 de la Ley Sherman.
La demanda detalla varias prácticas anticompetitivas alegadas, incluyendo el aprovechamiento de relaciones con posibles competidores, la represalia contra lugares que trabajan con rivales, el uso de contratos de exclusión, la restricción del acceso de los artistas a los lugares y la adquisición de competidores más pequeños. Estas tácticas, según el Departamento de
Justicia, han resultado en precios de boletos más altos, menos innovación y daños significativos a los fans, artistas, promotores más pequeños y lugares.
La demanda tiene como objetivo desmantelar el monopolio de Live Nation-Ticketmaster, que el Departamento de Justicia argumenta es perjudicial para la industria de la música en vivo. Live Nation Entertainment, con sede en Beverly Hills, California, es la compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo, controlando más de 265 lugares de conciertos en América del Norte y generando más de $22 mil millones en ingresos anuales a nivel global. Este caso representa un esfuerzo significativo por parte del Departamento de Justicia para restaurar la competencia en el sector de la música en vivo en beneficio de los consumidores y artistas.
- NOTICIAS - POR BILLY ALDEA-MARTINEZ, AMSTERDAM, NEDERLANDS -
Billy Aldea-Martinez de la revista Sync Beat entrevistó al experto de la industria David Arditi para discutir los posibles impactos de esta demanda en la industria de la música en vivo.
Impactos a Corto Plazo
- Arditi señala que las tácticas descritas por el Departamento de Justicia son estrategias monopolísticas clásicas destinadas a eliminar la competencia y dominar los mercados. El impacto inmediato de la demanda podría incluir un mayor escrutinio sobre las prácticas de Live Nation y un posible cambio en cómo los lugares y artistas interactúan con la compañía.
Actualmente, la dominación de Live Nation obliga a muchos artistas y lugares a cumplir con sus demandas, reduciendo la competencia y limitando las opciones del mercado.
Impactos a Largo Plazo
- Arditi sugiere que los efectos a largo plazo del monopolio de Live Nation han sido evidentes desde que el Departamento de Justicia aprobó la fusión Live Nation-Ticketmaster
en 2010. Sin cambios significativos, la naturaleza monopolística de la industria probablemente persistirá. Sin embargo, la demanda puede resultar en algunos cambios, pero es poco probable que el monopolio profundamente arraigado sea completamente desmantelado.
¿Beneficioso o Detrimental?
- Arditi cree que, aunque el escrutinio podría presionar a Live Nation a moderar algunas prácticas, estas acciones a menudo sirven como tácticas para evitar la disolución del monopolio. Las controversias recientes, como la debacle de la venta de boletos para Taylor Swift, destacan los problemas pero también oscurecen los problemas más profundos. La cuestión fundamental no es solo las tarifas de Ticketmaster, sino la dinámica más amplia del mercado que restringe la competencia.
Prácticas Monopolísticas Comunes
- Las tácticas alegadas contra Live Nation son comunes entre las compañías monopolísticas. Arditi señala comportamientos similares en otras partes de la industria de la música, como los grandes sellos discográficos que utilizan contratos para evitar que los artistas firmen con competidores. Estas prácticas son generalizadas y destacan el comportamiento anticompetitivo en toda la industria.
Pasos Hacia una Industria Más Equitativa
- Arditi enfatiza la necesidad de cambios significativos para lograr una industria de la música en vivo más equitativa y competitiva. Los pasos clave incluyen promover lugares de propiedad pública o sin fines de lucro y alentar a los lugares a manejar su propia venta de boletos. También es necesario un mayor control regulatorio para prevenir prácticas anticompetitivas.
Observaciones
de Otros Actores
Principales de la Industria
Otros actores importantes en la industria de la música, como Spotify y YouTube, probablemente estén observando este caso de cerca. Mientras que los resultados pueden influir en sus estrategias, la historia de la industria sugiere que las grandes corporaciones continuarán participando en prácticas anticompetitivas debido a las recompensas significativas involucradas. Arditi señala que las corporaciones más grandes a menudo invierten fuertemente en cabildeo para evitar la responsabilidad y mantener sus posiciones en el mercado.
Conclusión
- La demanda del Departamento de Justicia contra Live Nation saca a la luz prácticas anticompetitivas significativas que han plagado la industria de la música en vivo. Aunque los impactos a corto plazo pueden incluir un mayor escrutinio y posibles cambios en las prácticas, lograr cambios a largo plazo requiere reformas sustanciales en toda la industria.
- ENTREVISTAS - POR BILLY ALDEA-MARTINEZ,
El caso representa un esfuerzo crítico para restaurar la competencia y crear un entorno más equitativo para artistas, fans y actores más pequeños de la industria.
Sobre David Arditi
- David Arditi es profesor de sociología en la Universidad de Texas en Arlington, donde se desempeña como director del Centro de Teoría. Fue baterista durante una década antes de comenzar a investigar la industria de la música. Su investigación se encuentra en la intersección de la música, la cultura y la tecnología.
Su libro más reciente es Digital Feudalism: Creators, Credit, Consumption, and Capitalism.
Otros libros de David incluye Streaming Culture: Subscription Platforms and the Unending Consumption, Getting Signed: Record Contracts, Musicians and Power in Society, e iTake-Over: The Recording Industry in the Streaming Era. También es editor de Fast Capitalism.
Cristian Varela describe su viaje en la música electrónica y techno como un “viaje inolvidable” lleno de lecciones de vida y aprendizaje, destacando la humildad, el respeto y la pasión como claves del éxito. Fundó su sello discográfico, Black Codes Experiments, para explorar sonidos más experimentales y se ha convertido en un referente en la vanguardia de la música electrónica. Sus espectáculos 6-Six Vinyl ofrecen una experiencia única, combinando seis pistas de vinilo en sesiones intensamente improvisadas. Su programa de radio en Bloop London Radio ha aumentado su audiencia global.
Las diferentes culturas que ha conocido han influido profundamente en su estilo, y valora la capacidad de dejar una huella memorable en cada lugar. A lo largo de su carrera, ha enfrentado numerosos desafíos, superándolos con pasión y profesionalidad.
Observa que la música electrónica vuelve a los sonidos y BPM de los 90s, con un renovado interés por el vinilo. Equilibra su tiempo entre la producción y las actuaciones en vivo mediante una estricta organización. Aconseja a los nuevos artistas que crean en sí mismos y nunca se rindan. Actualmente, trabaja en emocionantes colaboraciones con varios destacados artistas.
Gracias Cristian por ser tan humilde y tan buen profesional y sacar tiempo para responder a estas preguntas. Para mí es un honor tenerte por tercera vez en mi proyecto, mil gracias.
CV - Es un placer igualmente.
¿Cómo describirías tu viaje en la música electrónica y techno hasta ahora, desde tus inicios hasta convertirte en una figura fundamental en la escena española e internacional?
CV - Serían necesarias muchas páginas para poder describir algo tan intenso y fascinante, pero creo que el resumen perfecto sería denominarlo de este modo:
“como un viaje inolvidable, pero totalmente imposible de describir con palabras”. Una gran lección de vida y aprendizaje interno y profesional en el que descubres que la humildad, el respeto y la pasión por lo que hacemos es la clave absoluta de todo.
Tu sello discográfico, Black Codes Experiments, ha ganado una gran reputación en el mundo de la
música electrónica. ¿Qué te inspiró a fundarlo y cuál es tu visión para el sello en el futuro?
CV - Tras publicar varios trabajos en sellos de la talla de Sony Music, Plus8/ Additive, o Primate Recordings, me encontré con la necesidad vital de sacar cosas más experimentales y es por ello por lo que fundé Black Codes Experiments. Nada más y nada menos. En un principio el objetivo fue por una pura expresión desenfadada dentro de la electrónica en una plataforma creada especialmente para planchado de vinilos y con un cierto toque de coleccionismo. ¿Y qué ocurrió? Pues que más tarde se convirtió en un sello de vanguardia, todo esto a principios de los 2000.
Eres conocido por tus espectáculos
6-Six Vinyl, que son una experiencia única en el mundo de la música electrónica. ¿Qué te llevó a adoptar este enfoque y cómo crees que ha influido en tu conexión con el público?
CV - La idea fue la de crear una especie de Live totalmente innovador en el que las máquinas
pudiesen ser sustituidas por platos de pinchar en vinilo. Luego trabajar en construir en directo una especie de Mega Track de 2h de duración, utilizando 6 pistas como distintos elementos y cada uno de ellos fusionado de manera totalmente improvisada hasta conseguir la creación de algo extraordinario. En un principio me era imposible sincronizar 6 platos durante más de 15 minutos. La práctica y la técnica, además de un sistema muy elaborado de mezclas me permitieron llegar a 60 minutos de sesión. En la actualidad mis sesiones ya alcanzan los 90 minutos, pero la concentración es tan extrema que acabo siempre bastante agotado. El resultado final sin duda merece muchísimo la pena.
Además de tu trabajo como productor y DJ, también tienes un programa de radio semanal en Bloop London Radio. ¿Cómo te ha ayudado esta plataforma a conectar con tu audiencia y a difundir tu música a nivel mundial?
CV - Todo empezó promocionando mis eventos del sello Black Codes
Experiments en clubs míticos londinenses como Egg, E1, Corsica Studios y The Steelyard. Los propietarios de Bloop me propusieron tener un Show semanal y fué todo un éxito. Finalmente, por una cuestión de agenda, giras y compromisos, lo hemos condensado en un programa mensual y es una maravilla la audiencia que hemos ganado en cuestión de 5 años.
Has viajado por todo el mundo debido a tu carrera musical. ¿Cómo crees que las diferentes culturas y escenas musicales han influido en tu estilo y en tu enfoque hacia la música electrónica?
CV - Creo que somos nosotros los que tenemos que influir en la escena de cada lugar y sobre todo dejar recuerdos inolvidables a todos nuestros seguidores en todas las culturas del planeta. La influencia de cada país en mi caso me ha marcado mucho a nivel personal, emocional y las vivencias acumuladas a lo largo de estos 33 años me han hecho valorar de una manera mucho más
especial mi trabajo. No obstante, es la esencia de cada uno la que tiene que quedar impregnada con su música por los lugares por dónde pasamos.
¿Qué desafíos has enfrentado como artista a lo largo de tu carrera y cómo has logrado superarlos?
CV - Seguramente sería más rápido enumerar a los que no me he enfrentado. Aun así, creo que, con pasión, constancia, compromiso, seriedad y sobre todo profesionalidad, se puede superar prácticamente cualquier desafío.
La música electrónica ha evolucionado considerablemente desde tus comienzos. ¿Cómo percibes el estado actual de la escena electrónica y hacia dónde crees que se dirige en el futuro?
CV - Como ya vaticiné hace unos cuantos años, volvemos a los sonidos de los 90s y por consiguiente también a los BPM de aquellos tiempos por lo que yo personalmente estoy encantado, sobre todo porque el Vinilo cada vez está teniendo más auge. Esto
significa que estamos comenzando un nuevo ciclo musical que se repite cada 7 años aproximadamente en el que, sin lugar a duda, los más jóvenes pasarán del HardTechno al Techno, y seguramente algunos seguidamente lo harán a otros estilos más calmados. Por experiencia la Historia siempre se repite con el aliciente de que hay más fusiones y riqueza musical. La mala noticia es que cada vez hay menos originalidad.
Eres reconocido tanto como productor como DJ. ¿Cómo equilibras tu tiempo entre crear música en el estudio y actuar en vivo frente al público?
CV - Si te digo la verdad, con la mano en el corazón, todavía no me lo explico ... .jajajajaja! Supongo que apostando y tirando mucho de organización; cavando y sacando horas de donde no las hay.
¿Qué consejos le darías a las nuevas generaciones de artistas que están tratando de hacerse un nombre en la escena electrónica actual?
CV - Lo primero es que crean en sí mismos, que no se dejen llevar por modas y lo más importante, repito, muy importante…¡Nunca tirar la toalla!
Finalmente, ¿hay algún proyecto o colaboración en el que estés trabajando actualmente del que te gustaría hablar o que estés especialmente emocionado de compartir con tus fans?
CV - Hay varios proyectazos en marcha, pero sin ninguna duda, todas las colaboraciones que estoy compartiendo con grandes profesionales y amigos como Dj Pepo, Marco Bailey, Miss Sheila, Pet Duo, Ramiro Lopez, etc. Y muy atentos porque en breve, daremos la noticia de algo ¡muy, pero que muy potente!
¡¡Gracias a Tod@s!!
Inache, King a.k.a SamplekingVoices (Tibetania Records)
Después de unirse a la familia de MSol Deep con “I Feel” y debutar junto a Agassi con “Ararat” en su sello hermano, Tibetania Records, estos dos artistas prosiguen su aventura juntos en el sello con “Voices”, un track que se sitúa entre el Melodic / Organic que sigue la estela de su “I Feel” y que denota una fantástica evolución y madurez musical que
incluye una gran intensidad musical repleto de melodías y muestras de voces que lo hacen bastante adecuado para la pista de baile.
Estamos seguros de que este no será la última colaboración entre ambos artistas porque estamos seguros de que nos tienen preparadas nuevas y jugosas sorpresas en un futuro próximo.
Inache, Marklen, King a.k.a
Sampleking - Tiwlight Over The Sea (Northcode Records)
El dúo formado por el icónico Inache y King a.k.a Sampleking, vuelve a la carga con este nuevo lanzamiento al que se une en esta ocasión la artista Marklen, Dj residente junto con Inache, en uno de los mejores clubs de Sochi, Coco´s Bar, y que posee también bastantes lanzamientos en su haber.
“Twilight Over The Sea” es una composición Melo/Organic que, cuya escucha nos transporta a una playa tranquila llena de fina arena
blanca mientras observamos el atardecer de una manera sosegada en la que nuestro cuerpo y mente se evaden del día a día que nos rodea.
Este track saldrá en el sello español “Northcode Records” dirigido por el artista español Jakepool con base en Vitoria (País Vasco), en el norte de España. Un sello que está incorporando interesantes temas y experimentando con nuevos artistas con los que enriquecer y hacer crecer su catálogo.
Max Ches, King a.k.a SamplekingLet It Drop (Black Turtle Deep)
Otro lanzamiento más del tándem formado por el artista ruso, Max Ches y el español, King a.k.a Sampleking, que saldrá durante este mes de julio 2024.
Por supuesto, se trata de la primera aparición de estos artistas internacionales dentro del sello español “Black Turtle Deep”, un sello muy interesante que recoge composiciones y lanzamientos de artistas de diferentes géneros como el techno entre otros muchos.
Este track rebosa energía por todos los lados gracias a sus potentes ritmos que cabalgan entre dentro del Indie Dance y el Progressive.
Es, sin duda un lanzamiento a tener muy en cuenta durante este mes, aunque os vamos avanzando que la aventura creativa de King a.k.a Sampleking no acaba aquí, ya que está preparando otro bombazo en otro gran sello digital de música electrónica mundial. ¡Os recomendamos que estéis muy atentos!
66HZ: LA ESENCIA QUE MOTIVA Y PRENDE LA PISTA CHILENA
Desde Chile, un país latinoamericano reconocido como “el fin del mundo”, se expande una escena electrónica que ha madurado en el tiempo y, a la vez, mutando con nuevas generaciones dispuestas a hacer bailar a la gente. Como también crear nueva y más música.
Uno de los representantes de la escena en Chile es Camilo, aka 66Hz, de 27 años cuyos tracks -como 3034VER- ya han sonado en DJ sets de artistas como Charlotte the Witte en Tomorrowland. Fue a los doce años cuando se dio cuenta del mundo de posibilidades dentro la producción musical y el pinchar música en grandes fiestas.
En esta entrevista pasaremos por un breve repaso de sus primeros años de carrera:
¿Cómo comienzas a crear?
- Al momento de hacer mi música intento buscar una fórmula que le agrade a las personas. Primero trato de responder ¿Qué se necesita para que algo pueda llamarse música?
Para eso se necesita de tres factores principales. El primero sería un ritmo, que enganche. Cuando le pregunto a mis alumnos ¿Qué tiene una canción, para que quieras volver a escucharla? El segundo vendría siendo una melodía. Esa melodía puede estar en un coro, puede estar en la voz porque también es un instrumento musical. Y la tercera sería una armonía, que vendría siendo lo que acompaña la melodía principal. Para mí eso es la fórmula, uno tiene que ir definiendo qué es lo que va a querer comunicar a las personas mediante la música.
Hoy en día igual es complicado definir un solo género, yo intento capturar una esencia que motive y prenda la pista. Que sea una energía en la cual la gente le den ganas de bailar. Eso es lo que yo tengo al momento de hacer música porque después de eso, queda
definir musicalmente, porque, por ejemplo, puedes pescar un bajo de psytrance y poner un kick techno. Intento meter todo en una juguera y sacar un jugo genial.
Camilo también transmite sus conocimientos, que aprendió estudiando ingeniería en sonido más estudiando de manera autodidacta las diversas herramientas con las que crea. Es un ferviente creyente en la tecnología, que ha permitido el avance y el alcance a instrumentos que, en su momento, eran de difícil acceso por el costo.
¿Cuál ha sido la tarima que más te ha marcado hasta el momento?
- Tuve la oportunidad de tocar en Santiago Parede 2023, organizado por el Movimiento de Integración y Liberación Homosexual (Movilh) en un sector de la Alameda -la calle principal que cruza toda la capital de Chile- y como era un lugar público, habían alrededor de 15.000 personas. Estar ahí fue sentir esa masa de gente, viviendo una energía tremenda.
¿Cómo definirías la escena electrónica actual?
- Yo creo que hoy en día la escena nacional está en una constante evolución considerando que, en Chile, los grandes festivales empezaron a llegar el 2000, hoy tenemos una escena que ya tiene como un poder que puede reunir miles de personas. Yo creo que igual es un avance, pero es un constante desarrollo. Por otra parte, la tecnología ha ayudado a que haya más personas que puedan crear música.
Entre los artistas que han tocado su música, se encuentran Charlotte de Witte en el Mainstage de Tomorrowland, CLTX en Glitch Festival, Parfait en Posession, Pawlosko en Mattermind; entre otros, demostrando que su música ha cruzado fronteras internacionales. Ha entregado cabina a DJs como a Nakadia, a Kozlov , y a Gabriel Padrevita.
¿Qué te depara el futuro?
- Estoy intentando hacer todo lo posible para poder sacar lo máximo de música pero más, quiero poder comunicarme con esta música. Hacer feliz a la gente, no busco nada más allá de eso. Y si eso me lleva a poder vivir de esto y vivir en otros países, yo sería más feliz.
Su música la transmite a través de su redes sociales y plataformas de descargas como Beatport y Bandcamp. Su HardTechno -sobre 150 Bpm- se mezcla e inspira en canciones de los años 90’s, invitando a un viaje sonoro del ayer y hoy.
Programación Web
Confección y publicación de paginas web. HTML5 CSS3 BOOTSTRAP
¿Cuál fue el primer álbum de hip hop que escuchaste y cómo influyó en tu decisión de mezclar elementos de este género en tu música electrónica?
- Cuando era muy joven, escuchaba algunos álbumes de rap underground, y los primeros que recibí como regalo fueron “The Marshall Mathers LP” de Eminem y “2001” de Dr. Dre. Desde ahí comenzó mi pasión por la música, y la música de la costa oeste se convirtió en mi favorita. Aún puedes escuchar sus influencias en mi música hoy en día. El hip hop es fascinante por el arte del sampling y la manera en que se reutilizan esos samples; es realmente increíble.
Tus producciones tienen un sonido profundo y elegante.
¿Cómo defines la elegancia en la música y cómo la incorporas en tus pistas?
- La música, para mí, debe traer energía a las personas, pero a veces la música electrónica puede escucharse en diferentes contextos. Así que, en muchas de mis producciones, uso pads, sintetizadores suaves, elementos ambientales y micro elementos para crear un ambiente relajado y elegante.
Si tuvieras que describir tu estilo musical a alguien que nunca ha escuchado música electrónica, ¿qué palabras usarías y por qué?
- Siempre produzco pistas con mucho ritmo y percusiones bajas para añadir ritmo y equilibrio. En cualquier pista, hay un poco de voces para hacer las pistas más interesantes, y siempre añado pequeñas melodías para completar las producciones.
Has colaborado con artistas de diferentes países. ¿Cómo te inspiran estas colaboraciones internacionales y cómo enriquecen tu sonido?
- A lo largo de los años, he colaborado con muchos artistas de todo el mundo. He remezclado más de 50 pistas, y mi música ha sido remezclada por otros DJ y productores talentosos. Creo que mi música inspira a otros productores a remezclarla porque siempre incluyo elementos experimentales y sonidos de los que pueden sacar inspiración.
Trabajas arduamente en el estudio todos los días. ¿Puedes describir un día típico en el estudio de Andrei C?
- Todos los días, de lunes a viernes, me quedo en mi estudio por la noche, a veces por una hora, a veces por más de ocho horas. Durante el fin de semana, me concentro en selecciones de música, podcasts y mezclas.
No sigo ninguna regla en mis producciones, pero muchas veces comienzo una idea con una vocal, una melodía o simplemente un ritmo pegajoso.
La escena underground tiene sus propias dinámicas y cultura. ¿Qué es lo que más te atrae de este ambiente y cómo influye en tu música y presentaciones?
- Me gustaba mucho el movimiento underground por su libertad y simplicidad. En el underground, siempre era como una familia que hacía cosas no porque fueran cool, sino por la pasión y el amor a la música. Con trabajo duro, también llegué a las escenas mainstream, donde las multitudes son más grandes y donde tienes diferentes tipos de clubbers con diferentes gustos musicales. Por la vibra, me gusta el underground, pero una gran multitud que grita tu nombre también es muy, muy genial.
Tus EP recientes han recibido muy buenas críticas. ¿Cuál ha sido el mayor desafío al crear estos EP y qué aprendiste de esa experiencia?
- Mis últimas pistas son el resultado de un gran trabajo, y sí, recibí mucho apoyo de mis colegas y de los clubbers por mis EP y mis ediciones gratuitas. Suelo hacer algunas ediciones gratuitas para mis fans y enviárselas como un regalo por su apoyo. En los últimos dos años, empecé a trabajar de manera diferente y me concentré más en la calidad que en la cantidad. Creo que he producido más de 300 pistas.
Si pudieras colaborar con cualquier artista, vivo o muerto, ¿quién sería y qué tipo de proyecto musical te gustaría crear juntos?
- Esa es una buena pregunta. Te diré la verdad, tuve dos sueños diferentes. En el primero, estaba con Eminem en el estudio, y en el segundo, estaba tocando back-to-back con Richie Hawtin. Así que mi respuesta es Eminem y Richie Hawtin.
Incorporas elementos del hip hop old school en tu tech house. ¿Puedes compartir un ejemplo específico de una técnica o elemento que tomaste del hip hop y cómo lo adaptaste a tu estilo?
- Estudié mucho los grooves y ritmos del hip hop. Hice samples de música funky, disco y clásica, como los grandes productores de hip hop. Si escuchas mis pistas, notarás eso.
Tu música aparece en sellos importantes. ¿Qué buscas en un sello discográfico al decidir dónde lanzar tu música y qué crees que estos sellos aportan a tu carrera?
- He lanzado música en sellos pequeños y grandes. Cuando envío mis demos, presto mucha atención a cómo trabaja el sello, el estilo que tiene y la manera en que promocionan la nueva música. Hoy en día, la promoción es muy importante, y creo que es un 40% promoción y un 60% calidad de la pista. Una buena pista en 2024, si no se promociona bien, nunca llegará al número adecuado de clubbers.
Tilted Records Anuncia el Lanzamiento de un Nuevo
EP con Hector J Rodriguez
Tilted Records, un destacado sello de house de la costa oeste de EE.UU fundado por Jon Lee y Brent Laurence en Seattle, Washington, ha lanzado un nuevo EP de cuatro pistas. Con más de 100 lanzamientos que incluyen artistas como Wesley Holmes, DJ Ali, Miguel Migs, Marques Wyatt, Julius Papp, Jay J y Jon Lee.
Recientemente firmado por Tilted Records, Hector J Rodriguez es un DJ, productor, ingeniero y fundador de Underscore Recordings, radicado en Seattle. Conocido por su dedicación a mostrar la naturaleza multidimensional de la música house, Rodriguez crea música y momentos de pista de baile memorables.
Nacido en la ciudad de Nueva York, estuvo fuertemente influenciado por una variedad de géneros musicales, incluyendo salsa, merengue, bachata, hip hop, freestyle, disco y house.
El EP presenta dos pistas principales, “La Selva” y “Madre”, cada una acompañada de remixes de talentosos artistas de todo el mundo:
1. La Selva (Mezcla Original): Una pieza de house con influencias latinas, perfecta para animar a la multitud.
2. La Selva (Remix por Monotropa): Un remix de deep house por Monotropa de Boulder, Colorado, que transiciona perfectamente a un ambiente de relajación.
3. Madre (Mezcla Original): Una pista con fuertes influencias de Afro house y sonidos latinos sutiles, ofreciendo una experiencia auditiva vibrante.
4. Madre (Remix por SamSilva, Nick Bennett y WILHVLM): Remixes por SamSilva de Chile, Nick Bennett de Sevilla, España, y WILHVLM de Ámsterdam, Países Bajos, que aportan una sensación de tech house de ritmo acelerado manteniendo las vibras latinas originales.
Cada pista de este EP mezcla elementos de house latino, tech house y deep house, creando una experiencia de escucha diversa y envolvente. Los remixes introducen paisajes sonoros afro, mejorando las composiciones originales con ritmos frescos y dinámicos.
No te pierdas este emocionante nuevo lanzamiento de Tilted Records, disponible desde el 31 de mayo de 2024, que muestra la naturaleza multidimensional de la música house y la vibrante creatividad de Hector J Rodriguez y los talentosos artistas de remixes.
Andrew, ¿cómo influyó tu ciudad natal, Mérida, en tu interés por la música electrónica y tu evolución como artista?
- Mi ciudad natal, Mérida, ha tenido una gran influencia en mi interés por la música electrónica y en mi evolución como artista. Mérida es conocida por su rica cultura y diversidad musical, lo que me expuso a una amplia gama de géneros y estilos desde una edad temprana. El ambiente vibrante y creativo de la ciudad me inspiró a explorar la música electrónica y a experimentar con diferentes sonidos.
Además, Mérida tiene una comunidad underground muy activa, lo que me permitió sumergirme en la escena electrónica local y conectar con otros artistas y entusiastas del género. Fue en este entorno donde comencé a desarrollar mi pasión por el ElectroHouse y las percusiones, elementos
que más tarde se convirtieron en pilares de mi estilo musical.
En resumen, Mérida no solo me proporcionó el contexto cultural y musical necesario para descubrir mi pasión, sino que también me brindó las oportunidades y conexiones esenciales para crecer y evolucionar como artista en la escena electrónica.
¿Qué aspectos del Electro-House y las percusiones de 2015 te atrajeron a la escena electrónica y cómo integraste estos elementos en tus primeros sets?
- Los aspectos del Electro-House y las percusiones de 2015 que me atrajeron a la escena electrónica fueron principalmente su energía y capacidad para conectar con el público a un nivel profundo.
El Electro-House de esa época se caracterizaba por sus ritmos enérgicos, potentes drops y melodías pegajosas, elementos que resonaron conmigo desde el
principio. Además, las percusiones añadían una capa adicional de dinamismo y complejidad, creando una experiencia auditiva y física envolvente.
En mis primeros sets, integré estos elementos combinando tracks de Electro-House con percusiones rítmicas y vibrantes. Me aseguré de seleccionar canciones con una base rítmica sólida y añadí elementos percusivos adicionales para mantener la energía alta y el público comprometido. Esta fusión permitió crear un ambiente electrizante y mantener una conexión constante con los oyentes, algo que considero fundamental en mis presentaciones.
También experimenté con mezclas en vivo, incorporando loops de percusión y efectos para dar un toque único a cada set. Este enfoque no sólo me ayudó a desarrollar un estilo propio y bien definido, sino que también me permitió destacar en la escena electrónica y ganarme el respeto del público y otros artistas.
En 2019, comenzaste a aprender producción musical. ¿Cuál fue el mayor desafío que enfrentaste al crear tus propios sonidos y cómo lo superaste?
- En 2019, cuando comencé a aprender producción musical, el mayor desafío que enfrenté fue lograr una calidad de sonido profesional y encontrar un estilo propio que me diferenciara en la escena electrónica. Al principio, la curva de aprendizaje de los programas y herramientas de producción fue bastante empinada. Comprender cómo utilizar los sintetizadores, efectos y técnicas de mezcla para crear sonidos únicos y cohesionados fue una tarea compleja.
Para superar este desafío, adopté varias estrategias:
Me sumergí en tutoriales, cursos en línea y libros sobre producción musical. Aprendí sobre teoría musical, diseño de sonido, mezcla y masterización. Este conocimiento teórico fue fundamental para entender cómo construir mis producciones desde cero.
Pasé innumerables horas experimentando con diferentes sonidos, efectos y técnicas. No tenía miedo de cometer errores, ya que cada error me enseñó algo nuevo y me ayudó a perfeccionar mi estilo.
Busqué retroalimentación de otros productores y DJs, tanto localmente como en comunidades en línea. Colaborar con otros artistas también me permitió aprender nuevas técnicas y enfoques, enriqueciendo mi propio proceso creativo.
Incorporé tanto equipos analógicos como digitales en mi proceso de producción. Los sintetizadores analógicos, en particular, me permitieron crear sonidos cálidos y únicos que dieron carácter a mis producciones.
Me enfoqué en fusionar sonidos analógicos con influencias de Tech-House, House y Deep-House para desarrollar un estilo propio y bien definido. Esto me permitió diferenciarme en la escena y conectar con el público a un nivel más profundo.
Superar estos desafíos no solo mejoró mis habilidades técnicas, sino que también me permitió expresar mi creatividad de manera más auténtica y efectiva. La producción musical se convirtió en una extensión natural de mi pasión por la música electrónica, y sigo evolucionando y aprendiendo con cada nuevo proyecto. Actualmente tengo algunos tracks firmados por algunos sellos en España de renombre mundial como lo es F*cking Sound Inside y Tomaquetoma Records.
Tu música se caracteriza por la fusión de sonidos analógicos. ¿Qué equipos o instrumentos analógicos son tus favoritos y por qué?
Mi música se caracteriza por la fusión de sonidos analógicos, y tengo varios equipos e instrumentos favoritos que uso regularmente para lograr ese sonido distintivo:
Korg MS-20, Roland TR-808, Moog Sub 37, Elektron Analog Rytm y Juno-106.
Estos instrumentos y equipos analógicos me permiten explorar una amplia gama de sonidos y texturas, añadiendo un carácter único y auténtico a mi música. La calidez y la imperfección de los equipos analógicos aportan una dimensión extra que es difícil de replicar con medios digitales, y eso es algo que valoro mucho en mi proceso creativo.
Has compartido escenario con grandes DJs internacionales. ¿Cuál ha sido tu experiencia más memorable compartiendo escena con ellos y qué aprendiste de esa experiencia?
- Compartir escenario con grandes DJs internacionales ha sido una experiencia increíblemente enriquecedora y memorable. Una de las experiencias más destacadas fue cuando tuve la oportunidad de tocar junto a Jean Pierre en un festival en Punta Cana.
Experiencia Más Memorable:
- Durante este festival, la energía del público fue electrizante y la atmósfera estaba llena de emoción
y expectativa. Jean Pierre , conocido por su habilidad para leer al público y mantener la pista de baile en ebullición, me enseñó mucho sobre la importancia de la conexión con la audiencia. Ver cómo manejaba las transiciones entre tracks y mantenía una energía constante y elevada fue inspirador.
Esta experiencia no solo fortaleció mi confianza como DJ, sino que también me dio herramientas y conocimientos que sigo aplicando en mis presentaciones. Fue un recordatorio de que siempre hay algo nuevo que aprender y que cada actuación es una oportunidad para crecer y mejorar.
Tu habilidad para interactuar con el público es muy destacada. ¿Tienes algún ritual o técnica especial para conectar con la audiencia durante tus presentaciones?
- Sí, la interacción con el público es una parte esencial de mis presentaciones, y he desarrollado algunos rituales y técnicas que me ayudan a conectar con la audiencia de manera efectiva:
Llegar Temprano, pre-Show WarmUp, contacto Visual, observación y adaptación, gestos y movimientos, microfonía ocasional, selección de tracks, momentos de pausa y clímax. Estos rituales y técnicas no solo me ayudan a conectar con el público, sino que también me permiten crear una experiencia musical dinámica y memorable. La conexión con la audiencia es una calle de doble sentido: cuanto más conecto con ellos, más energía y entusiasmo recibo de vuelta, creando un ciclo positivo que eleva toda la experiencia.
Actualmente, vives en Punta Cana y has consolidado tu nombre en la escena electrónica de República Dominicana. ¿Cómo influye el ambiente de Punta Cana en tu música y tus presentaciones?
- El ambiente de Punta Cana influye significativamente en mi música y mis presentaciones. Esta región, conocida por sus hermosas playas y vibrante vida nocturna, me brinda una inspiración constante y un público diverso y enérgico. La atmósfera festiva y el contacto con
personas de diferentes culturas me motivan a fusionar nuevos sonidos y a mantener una conexión auténtica con la audiencia. Además, la constante afluencia de turistas me permite experimentar con diferentes estilos y adaptarme a las preferencias musicales de una audiencia global, enriqueciendo aún más mis sets y manteniendo mi versatilidad como DJ.
La psicología del público es una parte clave de tu éxito. ¿Puedes compartir algún momento en que tu comprensión del público cambió el curso de una presentación?
- Claro, la psicología del público es esencial para el éxito de cualquier DJ. Recuerdo una noche en particular durante una fiesta en Punta Cana. El ambiente estaba un poco apagado y sentí que el público no estaba respondiendo como esperaba. Decidí hacer un cambio radical en mi set, incorporando más percusiones y ritmos de Tech-House que sabía que podían reactivar la energía del lugar. Poco a poco, la pista de baile comenzó a llenarse y la energía del
público cambió por completo. Esa experiencia reafirmó la importancia de leer constantemente al público y estar dispuesto a adaptar el set para mantener la conexión y la energía en alto. La capacidad de entender y reaccionar a las necesidades del público en tiempo real puede transformar una presentación y llevarla a otro nivel.
A pesar de tu corta carrera, has alcanzado el top 10 de los mejores DJs en República Dominicana. ¿Qué crees que te distingue de otros DJs y cómo has logrado este reconocimiento en tan poco tiempo?
- Creo que lo que me distingue de otros DJs es mi capacidad para fusionar sonidos analógicos con estilos modernos como el TechHouse, House y Deep-House, creando un estilo único y bien definido. Además, mi interacción con el público y mi habilidad para adaptar mis sets en tiempo real me permiten llevar cada presentación a otro nivel.
En tan solo ocho años de carrera, he trabajado arduamente para
perfeccionar mi técnica y expandir mi conocimiento en la producción musical. Compartir escenario con grandes DJs internacionales como Rafa Barrios, Jean Perrier, Harvy Valencia, Lexlay, Dj Fronter, Tony Guerra, Javi Colina, Alberto Dimeo, Marcos Gonzales y Mario Romero, también me ha permitido aprender y crecer profesionalmente.
Mi enfoque en la calidad y la originalidad de mis sets, junto con mi compromiso de brindar una experiencia excepcional al público, ha sido clave para alcanzar este reconocimiento en tan poco tiempo.
Además, residir en un lugar tan dinámico como Punta Cana me ha dado la oportunidad de tocar en una gran variedad de eventos, lo que ha contribuido a mi versatilidad y a mi crecimiento en la escena electrónica de República Dominicana.
Tu versatilidad te permite tocar en eventos de diferentes estilos y tamaños. ¿Cómo adaptas tu setlist y estilo a cada evento específico y qué tipo de evento prefieres personalmente?
- Mi versatilidad es una de mis mayores fortalezas como DJ, y me permite adaptarme a cualquier tipo de evento, independientemente de su tamaño o estilo. Para adaptar mi setlist y estilo a cada evento específico, primero investigo el tipo de público que asistirá y la atmósfera que el organizador desea crear. Luego, selecciono cuidadosamente las pistas que mejor se ajusten a esas expectativas, asegurándome de tener una buena mezcla de Tech-House, House y Deep-House, pero también dejando espacio para la improvisación en función de la respuesta del público en tiempo real.
Personalmente, disfruto mucho de los eventos al aire libre y las fiestas en la playa, especialmente en lugares como Punta Cana, donde la energía del entorno y el ambiente festivo añaden una dimensión especial a mis sets. Sin embargo, también me encanta tocar en clubes nocturnos íntimos, donde la conexión con el público es más cercana y puedo experimentar con mezclas más profundas y complejas. En resumen, cada tipo de evento tiene su encanto, y disfruto la oportunidad de adaptar mi estilo y llevar mi música a diferentes audiencias.
Asociación para la Música Electrónica:
Uniendo una Industria en la Era Digital
Billy Aldea-Martinez de Sync Beat
Magazine se reunió con Finlay Johnson, Director de Operaciones de AFEM, para entender la misión de la organización y cómo está ayudando a aportar más profesionalismo a la industria.
En el panorama en constante evolución de la industria musical, la Asociación para la Música Electrónica (AFEM) destaca como un faro de colaboración y progreso. Ahora en su undécimo año, esta asociación comercial independiente y sin fines de lucro se ha convertido en una fuerza fundamental en la configuración del futuro de la música electrónica.
Con más de 270 organizaciones miembro en 27 países, AFEM representa una sección transversal diversa de la industria, desde potencias veteranas hasta talentos emergentes. La misión de la
asociación es clara: conectar y representar los intereses comunes de aquellos cuyo negocio es la música electrónica, mientras preserva la cultura y asegura un futuro vibrante para el ecosistema.
AFEM fue cofundada por Kurosh Nasseri, un destacado abogado de entretenimiento especializado en EDM, y Ben Turner, un versátil empresario de la industria musical y manager de artistas, combinando su amplia experiencia legal, de gestión y de la industria para crear un organismo comercial global que representa los intereses del ecosistema de la música electrónica.
Finlay Johnson, quien ha sido el Director de Operaciones (COO) desde 2022, aporta una gran experiencia en la industria a su papel de liderazgo. Nativo de Edimburgo con experiencia en gestión de la industria musical y una década
como agente musical en WME, Johnson fue testigo de primera mano de la necesidad de apoyo colectivo de la industria durante la pandemia.
“Vi el papel que AFEM desempeñó al unir diferentes sectores para una respuesta colaborativa y apoyo entre pares”, explica Johnson. “Aprecié que existiera una organización para el bien común, apoyando a todos los niveles de la industria en el intercambio de información y recursos”.
El alcance de AFEM se ha expandido significativamente desde su creación. Mientras que inicialmente se enfocó en problemas como declaraciones de regalías inexactas y piratería, la asociación ahora aborda desafíos contemporáneos como la diversidad e inclusión, la sostenibilidad y el impacto de la inteligencia artificial en la industria.
La membresía en AFEM ofrece numerosos beneficios, incluyendo acceso a eventos privados, descuentos para importantes conferencias de la industria y la
oportunidad de influir directamente en las prioridades de la asociación. Johnson enfatiza que el valor de la membresía se extiende más allá de las contribuciones financieras: “Ya sea que no pagues nada, estés en el nivel uno o en el dieciséis, todos pueden contribuir a nuestro ecosistema. La membresía se trata de cuánta energía y tiempo aportas, no del tamaño de tu organización”.
AFEM mantiene una fuerte presencia en 20 a 25 conferencias de la industria anualmente, incluyendo eventos prestigiosos como la International Music Summit, Berlin Dance Music Event, Brighton Music Conference y el Amsterdam Dance Event. Estas reuniones proporcionan valiosas oportunidades de networking y una plataforma para que los miembros compartan ideas.
Mirando hacia el futuro, AFEM se está enfocando en varias iniciativas clave. La campaña “Respeta a los Creadores” tiene como objetivo crear conciencia sobre la atribución adecuada en publicaciones virales, mientras que la campaña en curso “Get Played, Get Paid” fomenta la
presentación precisa de informes sobre la música reproducida en los lugares. La asociación también está formulando su posición sobre el papel de la IA en la industria.
A medida que la música electrónica continúa evolucionando en la era digital, AFEM sigue comprometida con el fomento de una comunidad global e inclusiva. “Damos la bienvenida a los aportes de la mayoría global”, afirma Johnson, “ya que voces más diversas conducen a un enfoque más completo”.
Para aquellos interesados en unirse o aprender más sobre el trabajo de AFEM, la asociación mantiene una presencia activa en LinkedIn e Instagram, produce podcasts informativos y da la bienvenida a consultas directas por correo electrónico.
En una industria conocida por su rápido ritmo e innovación tecnológica, la Asociación para la Música Electrónica se erige como una fuerza unificadora, asegurando que el ritmo continúe para los profesionales de la música electrónica en todo el mundo.
Se anima a los lectores de la revista Sync Beat a visitar su sitio web para obtener información y considerar convertirse en miembros como una forma de ayudar a que la industria evolucione.
De Coleccionista de Discos a Productor Musical
Un Viaje a Través del Paisaje de la Música Electrónica
En una reveladora entrevista, Christopher T se reunió con Billy Aldea-Martinez de Sync Beat y compartió ideas sobre su carrera en la industria musical, reflexionando sobre sus inicios, hitos, desafíos y aspiraciones. Aquí, profundizamos en su viaje, la evolución de su trabajo y su visión para el futuro.
Primeros Comienzos
- Christopher T, nativo del Área de la Bahía de San Francisco, comenzó su viaje musical en tercer grado coleccionando discos, incluyendo Parliament Funkadelic y Chuck Berry. Su pasión por la música se expandió cuando fue introducido a Grateful Dead y Jefferson Starship a través de un amigo de su padre. Para séptimo u octavo grado, Christopher ya estaba experimentando con mezclas, usando un mezclador de Radio Shack, dos tocadiscos de correa y un tocadiscos robado de su hermana.
Desarrollo Profesional
- La carrera profesional de Christopher como DJ despegó a mediados de los 80. Recuerda haber tocado en fiestas clandestinas en San Francisco y más tarde, en eventos legítimos. Para 1991, Christopher se había establecido firmemente como DJ. Sin embargo, fue su interés en la producción lo que marcó un punto de inflexión significativo. Comenzando con software como Reason y Cubase a principios de los 2000, perfeccionó sus habilidades de producción, aunque inicialmente encontró que ser DJ era un camino más fácil.
Transición a la Producción
- La transición de Christopher de DJ a productor fue impulsada por la comprensión de que para elevar su carrera, necesitaba crear música original. A pesar de la resistencia inicial, abrazó la producción, reconociendo que no todos los DJs
son buenos productores y viceversa. Su trabajo temprano de producción incluyó actuaciones en Tailandia y Japón, y presentaciones notables en lugares icónicos de San Francisco como 1015 Folsom y Ruby Skye.
Estableciendo Lovely Drops
- En busca de libertad artística, Christopher fundó su propio sello discográfico, Lovely Drops. Inspirado por raperos del Área de la Bahía que autoeditaban su música, utilizó la era digital para distribuir su trabajo de manera más eficiente. Su sello no solo facilitó sus propios lanzamientos, sino que también se convirtió en una plataforma para otros artistas.
Estilo Musical e Influencias
- El estilo musical de Christopher T es ecléctico, abarcando tech house, jacking house y soulful house. Sus producciones a menudo difuminan las líneas de los géneros, resultando en pistas que abarcan house, chill-out, tech house y electrónica. Su versatilidad es evidente en su enfoque para crear música, que comienza con
una idea que evoluciona a través de la colaboración con vocalistas y músicos.
Colaboraciones y Lanzamientos
Notables
- Una de las colaboraciones memorables de Christopher fue con Mister V en la pista “Perfect Plan”. Esta colaboración comenzó por casualidad a través de una interacción en Twitter y culminó en una pista bien recibida. Su capacidad para producir música que encabeza las listas se refleja en varios reconocimientos, incluyendo un primer puesto en EE. UU. para música electrónica de baile con “Time and Space” y otro número uno en Bermudas con “Funkin’ For Jamaica”.
Desafíos y Resiliencia
- La pandemia de COVID-19 planteó desafíos significativos para Christopher, ya que las actuaciones en vivo se detuvieron, afectando sus ingresos. Volvió a trabajar a tiempo completo en software mientras continuaba produciendo música.
A pesar de las dificultades, logró lanzar pistas como “Time and Space” y “Scenic Route” durante la pandemia.
Aspiraciones Futuras
- Mirando hacia adelante, Christopher aspira a volver a la música a tiempo completo, centrándose en actuaciones en vivo, festivales y colaboraciones. Visualiza a Lovely Drops creciendo como un sello que ayuda a los artistas a figurar en plataformas como Beatport y Traxsource.
El viaje de Christopher T a través de la industria musical es un testimonio de pasión, resistencia y adaptabilidad. Desde coleccionar discos como niño hasta convertirse en un reconocido DJ y productor, su historia es una de evolución continua y dedicación a su oficio. Mientras mira hacia el futuro, Christopher sigue comprometido a hacer música que resuene con el público y contribuya al vibrante tapiz de la industria musical.
Los fans y artistas aspirantes pueden seguir el trabajo y las actualizaciones de Christopher T a través de sus canales oficiales de redes sociales y su sello discográfico, Lovely Drops. Su viaje sirve como inspiración, destacando que con perseverancia y creatividad, uno puede navegar el paisaje siempre cambiante de la industria musical.
El Lanzamiento de “The Perfect Plan”
- El último lanzamiento de Christopher T, “The Perfect Plan”, transforma el lanzamiento de Tech House de 2018 en una pista de Soulful House. La línea de bajo y el riff de guitarra añaden un groove oscilante que obliga al movimiento, realizado por baterías hipnóticas y sintetizadores. “The Perfect Plan” resalta la conexión instintiva entre la música y el baile, guiando sin esfuerzo los movimientos y las emociones. Será lanzado el 8 de agosto de 2024 en Beatport.com y todas las plataformas digitales.
