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“El Dragón” el legado de Quetzalcóatl
“El Dragón” es una producción musical creada en colaboración entre la artista rusa Alessa Khin, el productor español King a.k.a Sampleking y el también ruso Dikiye Sound. Esta obra sonora ofrece una experiencia inmersiva que transporta al oyente al universo del poder ancestral y el misticismo cultural.
Con una base rítmica potente y elementos étnicos cuidadosamente integrados, la canción evoca la atmósfera de antiguas civilizaciones como los aztecas, los mayas y los enigmáticos paisajes de Machu Picchu. Cada compás parece invocar el espíritu del legendario dragón Quetzalcóatl, llenando el espacio con una energía profunda y enigmática.
“El Dragón” se presenta como un puente entre mundos, entrelazando el pasado ancestral con una visión sonora del futuro. Despierta imágenes de rituales sagrados y templos majestuosos, apelando a lo más profundo del alma.
Déjate envolver por la magia de sus sonidos y explora la fuerza primigenia que habita en los ritmos de la tierra con “El Dragón”.
En 2011 inició su carrera musical creando beats de Hip-Hop inspirados en la rica herencia rítmica del jazz soul de las décadas de 1960 y 1970. Su talento no tardó en destacar: su primer remix captó la atención del legendario Todd Terry, lo que supuso su primer lanzamiento oficial en el prestigioso sello InHouse Records.
La dedicación de Adala a su arte ha fortalecido su presencia en la escena House, consiguiendo colaboraciones y el apoyo de figuras destacadas como Claptone, Illyus & Barrientos y Tom Novy.
Con el tiempo, Adala encontró su verdadera identidad musical en el Afro House, fusionando de manera orgánica su formación como percusionista con los sonidos característicos del género. Su pasión y su inconfundible estilo atrajeron rápidamente el respaldo de figuras destacadas como Hugel y Aaron Sevilla, permitiéndole firmar con sellos de alto prestigio.
Con grandes escenarios y emocionantes proyectos a la vista, la trayectoria de Adala está lejos de detenerse. El ritmo continúa, y lo mejor aún está por llegar.
¿Cómo influyeron el jazz y el soul de los años 60 y 70 en tu enfoque de la producción musical actual?
Puede sonar curioso, pero desde que era adolescente, me interesó mucho el jazz. Mientras la mayoría de mis amigos escuchaban música más dura como el metal o el hip-hop gangster, yo tenía una verdadera pasión por el jazz. Escuchaba esos géneros también, claro, pero el jazz siempre tuvo un lugar especial para mí.
Ahora, en mi propia música, siempre intento incluir un toque de jazz, aunque sea un pequeño elemento como un hi-hat o una línea de bajo, porque creo que le da una vibra única y alma a la canción.
¿Qué significó para ti que Todd Terry seleccionara tu remix para su sello y cómo cambió tu carrera desde entonces?
Sinceramente, no me lo podía creer. Fue tan inesperado que ni siquiera revisaba mis correos con frecuencia.
Vi el correo de Todd Terry como 10 o 15 días después de que lo envió, pidiéndome que le mandara mi tema.
La lista ya casi estaba cerrada, quizás incluso era el último día del plazo. Nunca lo imaginé, sobre todo porque ese track era solo el segundo que había terminado por completo. Significó mucho para mí y me dio un impulso de confianza enorme.
Probablemente él no lo sabe, pero fue un empujón clave que me hizo darme cuenta de que realmente podía dejar huella en esta industria.
¿Qué te llevó a explorar el Afro House y cómo incorporas tu experiencia como percusionista en este género?
Cuando empecé, el Afro House, o al menos el término, realmente no existía. Por aquel entonces (estamos hablando de 2010–2011), tocaba percusión en sets de Tropical House o Tech House junto a un DJ amigo.
Tocar percusión me daba esa sensación de estar haciendo un remix en vivo en el momento. Cuando el Afro House empezó a ganar presencia, pensé: “Bingo, esto es lo mío.”
Has recibido el apoyo de artistas como Claptone, Hugel y Aaron Sevilla. ¿Cómo han influido esas conexiones en tu crecimiento como artista?
Por supuesto, estoy muy feliz y agradecido, no solo con ellos, sino también conmigo mismo, por haber logrado captar la atención de nombres tan grandes como los que mencionas.
Estar en ese círculo te da confianza y te recuerda que debes mantenerte profesional. Demuestra que si sigues esforzándote y eres constante, eventualmente alcanzarás tus objetivos.
¿Qué podemos esperar de Adala en los próximos meses? ¿Hay nuevos proyectos, lanzamientos o presentaciones que puedas compartir con nosotros?
Siempre hay algo en marcha. Ahora mismo, tengo dos lanzamientos programados para los próximos meses, ambos con sellos muy sólidos y respetados. El verano está a la vuelta de la esquina, y sí, tengo varias presentaciones planeadas. También estoy trabajando para terminar algunas canciones más este año y conseguir que las firmen pronto.
“Worlds Apart” de Julian Runge: una obra magistral del Melodic House & Techno
El más reciente lanzamiento de Julian Runge, “Worlds Apart”, representa una destacada incorporación al panorama del Melodic House & Techno. Esta producción exhibe su característico equilibrio entre melodías exuberantes, ritmos vibrantes y texturas atmosféricas, ofreciendo una experiencia sonora profundamente inmersiva.
“Worlds Apart” fusiona de manera armoniosa elementos melódicos emotivos con ritmos energéticos, evocando sensaciones de introspección y conexión en un paisaje sonoro dinámico.
Ideal tanto para la pista de baile como para momentos de escucha reflexiva, este lanzamiento pone en evidencia el talento de Julian Runge para crear música poderosa y evocadora que conecta la profundidad emocional con la intensidad rítmica.
OSCAR GROOVE
DJ y productor nacido en Tibi (Alicante) en 2004. Ha destacado rápidamente en la escena electrónica española gracias a su pasión y dedicación. Influenciado desde joven por una familia vinculada a la industria musical, comenzó a pinchar en 2022, desarrollando un estilo groove inspirado en eventos como elrow y artistas referentes como Paco Osuna, Marco Carola y Chelina Manuhutu.
Su conexión con el público y su enfoque centrado en la pista de baile le permitieron actuar en prestigiosas salas y eventos nacionales, incluyendo Gurú Dance Club, Metro Dance Club (25 aniversario de Revival), Industrial Copera, Lola’s Club Ibiza, y otros. Actualmente es DJ residente de Next Club, consolidando su presencia en la escena del levante español y expandiendo su carrera con actuaciones en Ibiza, como en Edén.
En producción, Óscar Groove debutó con un lanzamiento en un V/A del sello Micro Music Label y continúa trabajando en nuevas referencias para importantes sellos del circuito electrónico.
Con una combinación de técnica, carisma y pasión, Óscar Groove se posiciona como una de las grandes promesas del Tech House y Techno en España, respaldado por reconocidos DJs, promotoras clave y un público fiel.
Tu entorno familiar ha jugado un papel clave en tus inicios. ¿Cómo influyó exactamente ese apoyo en tu desarrollo como artista?
Absolutamente. Mi familia ha sido mi primer gran pilar, mis seguidores más fieles y una fuente constante de motivación.
Desde mis comienzos, su apoyo fue incondicional: me animaban a subirme a mis primeras cabinas, me acompañaban a cada bolo y, lo más importante, creían en mí incluso cuando yo mismo dudaba.
Esa confianza emocional fue fundamental para atreverme a explorar mi creatividad sin miedo al fracaso. Me permitió entender que el arte no era solo un sueño, sino una opción de vida real y válida.
Su crítica sincera y la celebración de cada pequeño logro han sido esenciales para forjar mi disciplina y alimentar mi pasión. Sin ese respaldo, probablemente no habría tenido el valor de dedicarme por completo a este camino.
Hoy siguen estando presentes, apoyándome a diario para que pueda seguir creando en el estudio.
Has citado a elrow, Paco Osuna o Chelina Manuhutu como influencias. ¿Qué elementos de su estilo crees que has integrado en tus propias sesiones?
De elrow me inspira profundamente su enfoque en el espectáculo, la energía desbordante y la teatralidad de sus fiestas. Eso me lleva a elegir tracks con grooves muy marcados, percusiones latinas y drops potentes. Me gusta integrar acapellas divertidas y edits con toques carnavalescos para mantener esa vibra lúdica y festiva que tanto los caracteriza.
En cuanto a Paco Osuna, su técnica impecable, el minimalismo bien ejecutado y su habilidad con los loops han marcado mi forma de construir sesiones con transiciones limpias y beats hipnóticos. Me encanta manipular loops y efectos en directo, una técnica que él domina con maestría.
Chelina Manuhutu me ha enseñado a encontrar el equilibrio entre lo electrónico y lo orgánico. Su forma de combinar Tech House con elementos tribales, vocales étnicas y atmósferas cálidas me ha motivado a buscar esa fusión en mi sonido, creando sets que conecten tanto con la pista como con el alma del público.
Has pasado por salas icónicas en muy poco tiempo. ¿Qué actuación consideras que ha sido el punto de inflexión en tu carrera hasta ahora y por qué?
Tocar en Metro durante la fiesta de Revival y dos años seguidos en El Jardín de Industrial Copera, en eventos como Fran DC Nation y Clarisse Nights, han sido momentos clave
en mi carrera. El prestigio de ambos clubs y el nivel de artistas con los que compartí cartel lo convierten en un hito personal.
Sin embargo, uno de los sets que más me ha marcado fue el B2B con mi compañero Ionut Guzu en el evento “Leyendas by Peke”. La conexión que se generó con el público esa noche fue mágica. Sentí que todo el trabajo invertido en desarrollar mi sonido, mi identidad artística y mi presencia en cabina tomó forma real y llegó al público de manera poderosa.
A partir de ahí, surgieron nuevas oportunidades, colaboraciones y una mayor proyección. Fue el momento en que entendí que estaba en el camino correcto.
¿Cómo es tu proceso creativo en el estudio cuando produces? ¿Qué sonidos o emociones buscas transmitir con tus tracks?
Mi proceso creativo nace del deseo de ofrecer un escape sonoro, una vía para transformar la energía cotidiana en algo liberador. Cada track que compongo busca disolver el estrés y conectar con un estado de movimiento libre, donde las preocupaciones se suspenden y lo único que importa es el presente.
Trabajo mucho con atmósferas envolventes, percusiones tribales y vocales antiguas que manipulo para que suenen como ecos de otro tiempo. Los loops rítmicos son el corazón de mis producciones, pensados para hipnotizar y generar una energía constante. Busco una fusión entre lo ancestral y lo contemporáneo, entre lo orgánico y lo digital.
La emoción central es la liberación: quiero que quien escuche mis temas sienta esa catarsis, esa desconexión del mundo exterior y esa reconexión con el cuerpo y el ritmo.
En esencia, mi música es un puente entre lo terrenal y lo espiritual.
Este verano actúas en Edén Ibiza. ¿Qué significa para ti este paso y cómo te estás preparando para dejar huella en una sala tan importante?
Actuar este verano en Edén Ibiza representa un paso crucial en mi carrera. Ibiza es la meca mundial de la música electrónica, y Edén es uno de sus templos más emblemáticos.
Estar ahí significa que todo el trabajo que he venido haciendo está comenzando a resonar más allá de mi entorno habitual, y eso me llena de ilusión.
Me estoy preparando con un objetivo muy claro: ofrecer un set que no solo haga bailar, sino que deje una marca emocional. Estoy seleccionando música que refleje mi esencia, con grooves contundentes, matices emocionales y una narrativa bien estructurada.
Quiero que la sesión sea un viaje, que la gente recuerde por la conexión que se genere y por la energía que transmitamos en ese momento. Esta oportunidad es única, y estoy decidido a aprovecharla al máximo.
Wavejackers: innovación y energía en su nuevo lanzamiento
“Dancing In The
Future”
Wavejackers, el talentoso DJ y productor turco, continúa sorprendiendo con su más reciente lanzamiento, “Dancing In The Future”, dentro del género Indie Dance. Este tema combina magistralmente sintetizadores dinámicos, ritmos enérgicos y una melodía cautivadora que transporta a los oyentes a una pista de baile futurista.
Con una energía contagiosa y un diseño sonoro innovador, “Dancing In The Future” refleja la habilidad de Wavejackers para fusionar la estética Indie con la música electrónica de baile, creando una experiencia auditiva vibrante e inmersiva.
Perfecto tanto para sesiones relajadas como para sets enérgicos, este lanzamiento evidencia el talento emergente de Wavejackers y su compromiso por expandir los límites del Indie Dance contemporáneo.
Hablamos con Wilson Neves y Bernardo Bernardes, los promotores detrás del proyecto de hard techno más ambicioso de Portugal y uno de los festivales de referencia de este género en Europa: Sound Waves.
Un Festival que comenzó hace 20 años en São Pedro de Moel y ha ido rotando por varios lugares costeros hasta llegar, en 2017 a Esmoriz, su sede actual.
Con cada cambio ha habido una mejora a nivel de producción que le ha valido estar nominado a uno de los mejores festivales por Iberian Festival Awards. Además, el crecimiento la ha llevado a contar con ediciones de Invites y una Winter edition en Lisboa que es sinónimo de sold out
Tanto la marca como su Summer edition, su evento más destacado del año, actualmente apuestan principalmente por el hard techno trayendo los artistas más en forma del panorama.
En anteriores ediciones hemos tenido nombres como Klangkuenstler, Nico Moreno, Basswell, Shlomo, Deborah de Luca o Sara Landry y en este traen a leyendas como Rebekah además del Golden Boy Oguz o Cloudy entre otros grandes nombres.
Primero nos gustaría saber ¿cómo estáis y cuáles son las sensaciones antes de la esperada edición de verano de Sound Waves?
En las semanas previas a Sound Waves Fest siempre estamos expectantes y ansiosos, es nuestro evento más grande del año y el que más horas de sueño nos quita.
Siguiendo con esta fecha tan especial, nos preguntamos ¿qué novedades tiene este festival en relación con otros?
Esta edición celebramos los 20 años del festival, y por eso será una edición con más sorpresas.
Tendremos un escenario secundario y la producción será la mayor de toda la historia.
Hablando del Vicious Stage, nos gustaría saber los criterios para elegir a estos artistas y si la iniciativa continuará en el futuro.
Los artistas fueron elegidos según el potencial que vemos en ellos. En su mayoría son jóvenes y con una carrera por delante. Estamos centrados en la edición de 2025 y por eso aún no hemos pensado cómo será la de 2026.
Para cerrar las preguntas sobre esta edición, queremos saber: ¿qué artistas os hace más ilusión tener por un lado, y cuáles son las claves para que estrellas como Oguz o Fatima Hajji regresen?
No hay ningún artista que esperemos con más ansias, los ponemos a todos en pie de igualdad porque todos fueron escogidos estratégicamente y todos van a aportar lo que creemos que el festival necesita.
Tanto Oguz como Fátima ya tienen historia con Sound Waves; aunque Oguz solo ha tocado en nuestra Winter Edition, son dos artistas a los que reconocemos mucho valor y que encajan con los ideales que tenemos para el evento.
Retrocedamos en el tiempo para recordar las primeras ediciones: ¿Cómo nació Sound Waves? ¿Qué nos puedes contar de los primeros eventos?
La creación de Sound Waves surge de la falta de eventos de música electrónica en Portugal en aquel momento. La música electrónica era un movimiento underground y de nicho, donde pocos tenían acceso o conocimiento.
De ahí nace el festival. Empezó como un festival en la playa con varios géneros de música electrónica y fuimos filtrando año tras año.
Sabemos que es complicado elegir, pero tras 18 ediciones: ¿Cuál ha sido vuestro momento favorito del festival?
Hemos tenido varias actuaciones icónicas a lo largo de estos 20 años con cientos de artistas.
Es difícil elegir, pero quizá el regreso del mítico Danny Tenaglia a Portugal, y más recientemente Sara Landry y I Hate Models.
Hablemos ahora del público. Sin duda, en Sound Waves destaca la presencia del público español. ¿Qué mensaje tenéis para todos esos ravers que viajan hacia Portugal?
Esperamos que los ravers que vienen a Sound Waves se lleven de esta experiencia momentos inolvidables.
Es un festival con 21 horas non-stop, lleno de los mayores nombres del hard techno y con una producción audiovisual cada vez más grande.
Esperamos que nuestros ravers salgan tan satisfechos como nosotros, cuando sentimos que hemos hecho un buen trabajo.
Antes de acabar, como esto también lo leen colegas de profesión: ¿Qué cualidades que tiene que tener un CEO de un festival de este nivel? ¿En qué os fijáis para completar
Un CEO de un festival como Sound Waves necesita mucha organización, cabeza fría en momentos
de presión y capacidad para gestionar equipos con un gran número de colaboradores. Es una profesión en la que es fundamental mantener la estabilidad emocional.
Hablemos del futuro y permitámonos soñar: ¿Cuál es el objetivo más ambicioso que tiene Sound Waves para próximas ediciones?
Como dijimos antes, estamos centrados en hacer que la edición de 2025 sea la mejor de todas. Después de analizar los resultados finales de esta edición, reflexionaremos sobre
cómo podemos mejorar y seguir creciendo.
Para terminar, ya que el festival está a punto de celebrarse el 5 de julio: ¿Nos darías algún consejo para aguantar más de 20 horas sin perder energía?
Es muy importante tener una buena preparación física, comer durante las 21 horas, hidratarse bien por supuesto, Aunque cuando los artistas son buenos y te gustan, se sacan energías de donde no hay.
Zeynep Arikan presenta
“O Le Kun Mi”: ritmos afro que conectan el corazón y la pista de baile
La DJ y productora turca Zeynep Arikan presenta su último lanzamiento dentro del género Afro House, titulado “O Le Kun Mi”. Este cautivador tema fusiona de manera magistral ritmos afro conmovedores con vibrantes beats electrónicos, creando un ritmo irresistible que invita al movimiento y a la celebración.
“O Le Kun Mi” destaca por su rica percusión, sus capas melódicas y sus profundas líneas de bajo, que evocan una atmósfera cálida e hipnótica. La producción impecable de Zeynep Arikan captura la esencia del Afro House, ofreciendo un tema rítmicamente cautivador y emocionalmente estimulante.
Perfecto tanto para la pista de baile como para momentos de relajación, “O Le Kun Mi” demuestra el talento de Zeynep Arikan para fusionar sonidos tradicionales con música electrónica contemporánea, convirtiéndolo en un lanzamiento imprescindible dentro del género.
La reina del techno portugués, Miss Sheila, volverá a tocar en uno de los festivales de música techno más importantes de Europa, Sound Waves. Este año, la DJ y Productora de origen sudafricano estará en b2b con la conceituada artista brasileña de hard techno: Joanna Coelho.
Miss Sheila celebró recientemente los 25 años de su carrera, ya lleva más de 40 temas publicados hasta la fecha, y está lista para hacer vibrar a sus fans con nueva música, energía y carisma que confirman su título de reina.
La artista es también la fundadora de un sello musical, llamado Digital Waves, donde publica no sólo sus propios temas, como el reciente “25YOM”, sino también temas de talentos portugueses e internacionales.
Hablamos con Miss Sheila sobre su evolución musical a lo largo de sus 25 años de carrera, consejos útiles para las futuras generaciones de mujeres DJ y expectativas para el Festival Sound Waves.
¿Cómo describirías tu estilo musical?
Mi estilo musical es una fusión de sonidos dentro del techno y la electrónica, siempre con una base muy sólida y energética. Me gusta crear viajes intensos, con groove, pero también con espacio para momentos más hipnóticos y emocionales.
¿Cómo ha evolucionado como artista a lo largo de los años?
Siento que mi evolución ha sido natural, fruto de mucho trabajo, dedicación y, sobre todo, pasión. Empecé explorando diferentes sonidos hasta encontrar mi identidad, y hoy me siento mucho más consciente de lo que quiero transmitir con mi música. También me he vuelto más exigente conmigo misma, tanto en la selección musical como en la preparación técnica y creativa de cada actuación.
¿Qué importancia tiene la energía y la conexión con el público durante sus actuaciones?
Para mí es absolutamente fundamental. Una actuación no consiste sólo en tocar música, sino en crear una conexión real con los que escuchan y bailan. Observar, sentir y responder a las vibraciones del público marca la diferencia. Cuando existe este intercambio de energía, todo fluye con naturalidad. Es entonces cuando surge la magia.
¿Qué mensaje daría a las jóvenes DJ que empiezan?
Les diría que crean en sí mismas, que no cedan a las presiones externas ni a los estereotipos. El camino no siempre es fácil, pero con trabajo duro, dedicación y autenticidad, todo es posible. Rodéate de gente positiva que te respete como artista, estudia, practica y nunca dejes de aprender. El talento no tiene género.
¿Qué podemos esperar de Miss Sheila en un futuro próximo?
Podéis esperar mucha música nueva, nuevas colaboraciones y, por supuesto, varias actuaciones en festivales y clubes, tanto dentro como fuera de Portugal.
Estoy centrada en profundizar en mi trabajo de producción y en llevar mi identidad musical a escenarios cada vez más exigentes.
¿Música reciente y próximos lanzamientos?
Recientemente he publicado dos canciones que han tenido una acogida increíble, tanto por parte del público como de colegas de la industria, lo que siempre es muy gratificante. Una es una colaboración con el productor australiano Jody6, titulada “Let Your Love Unload”, publicada por Codex.
El otro es un tema original muy especial para mí, que conmemora mi 25 aniversario y se titula “25YOM”, publicado por mi propio sello, Digital Waves.
Tengo planeados dos lanzamientos más para un futuro próximo, incluyendo una colaboración con un productor internacional y un EP que representa muy fielmente quién soy artísticamente en este momento. Pronto compartiré más detalles.
¿Cómo surgió la idea de hacer un B2B con Joana Coelho en Sound Waves?
Fue una propuesta del propio festival. La idea nos surgió de forma natural y nos entusiasmó enseguida.
Pensamos que sería una buena oportunidad para demostrar que el talento femenino está bien representado en Sound Waves, y que dos artistas pueden compartir escenario con respeto, armonía y fuerza.
¿Se conocían ya artísticamente o era la primera vez que trabajaban juntos?
Sí, ya nos conocíamos, y siempre hemos sentido mucho respeto y admiración por el trabajo dela otra. Ya habíamos hecho una actuación corta en B2B, de unos 20 minutos, de forma más relajada, pero Sound Waves marcará nuestra primera colaboración más larga y estructurada en directo.
¿Cómo se preparará para este B2B? ¿Hubo una alineación previa o dejaron que fluyera?
Hemos tenido algunas conversaciones, vamos a alinear algunas ideas y referencias, pero hemos dejado espacio para que la actuación sea espontánea. Queríamos que hubiera esa fluidez y sorpresa, tanto para nosotros como para el público.
¿Qué mensaje le gustaría dejar a su público?
Estoy profundamente agradecida por todo el apoyo que he recibido a lo largo de los años, ya sea en las pistas de baile, en la calle o en las redes sociales.
Es este cariño lo que me motiva a seguir adelante y a dar siempre lo mejor de mí.
PESTDOKTER
DOSIS DE SCHRANZ
Y MISTERIO EN EL FESTIVAL SOUND WAVES
Pestdokter, uno de los mayores proyectos de la escena schranz. Es un artista envuelto por un aura enigmática que hace retumbar los cimientos allá donde va con su schranz.
Hablamos con él sobre sus proyectos, su relación con Portugal y su flamante participación en el Festival Sound Waves a 5 de Julio en Esmoriz.
Primero que nada, ¿cómo te encuentras tanto en lo personal como en lo artístico? Y en ese sentido, ¿cómo definirías este último año?
¡Hola! Estoy muy contento de hacer esta entrevista con vosotros.
Personalmente me encuentro muy bien, muy centrado y con ganas de seguir creando.
En lo artístico, este último año ha sido increíble, he cumplido alguno de mis sueños, como poder formar parte del Festival Sound Waves, hacer mi debut en la discoteca Fabrik en Madrid y debutar también en Italia en Gate Milano.
He aprendido muchísimo de todos los artistas y promotoras con las que he trabajado y eso me ha ayudado a seguir creciendo y poco a poco con esfuerzo, las cosas van saliendo.
Diría que ha sido un año de consolidación y aprendizaje.
Ahora queremos saber más de ti, ¿por qué la máscara, que representa? Y ¿qué esconde?
Desde el principio tuve claro que lo que quería hacer era una performance, y
cuando empecé a crear el proyecto artístico y a buscar un nombre estábamos en plena pandemia del Covid. Eso me hizo pensar en pandemias pasadas y siendo la Peste Negra la que más nos marcó en la historia me inspiré en los doctores de la peste.
La máscara y el traje es un guiño a la figura del médico de la peste, un personaje que, a pesar de la oscuridad, buscaba la curación. En mi caso, es la curación a través del sonido, la liberación que se encuentra en la intensidad del schranz y en mi forma de mezclarlo. Y la máscara es una extensión de mi identidad artística. No es un disfraz, es una puesta en escena y esconde a una persona normal que está luchando por cumplir sus sueños.
Eres un artista muy ligado a Portugal, ¿Qué es lo que más destacas de los eventos de este país y cómo fue tu experiencia en Sound Waves Invites en Porto este año?
Si, yo al ser Gallego y vivir muy cerca de Portugal tengo la suerte de poder actuar a menudo allí. Portugal tiene una escena y una cultura musical que es de envidiar.
La gente es increíblemente apasionada y abierta a la música dura. Tengo una conexión muy grande con el público, lo que me llena de alegría y no os imagináis cuánto lo agradezco. Los promotores de eventos también me han ayudado muchísimo a crecer y cada vez tengo más amigos en la escena portuguesa.
Mi experiencia en Sound Waves
Invites fue un sueño, simplemente espectacular. Hard Club estaba a reventar, fue una noche que difícilmente olvidaré.
Y yo, al ser vecino de Portugal, todos los años veía la migración de gente de mi zona al festival Sound Waves y solo pensar que yo estaré en el line up de la próxima edición se me ponen los pelos de punta.
Siguiendo con Sound Waves, este año formas parte del line up del Vicious Stage, ¿Que podemos esperar de tu set?
Quiero que la gente salga del Vicious Stage sintiendo que ha sido parte de algo realmente especial.
¡Pues será una dosis intensa de schranz puro y sin concesiones! Mi set en el Vicious Stage será una evolución del schranz más vieja escuela al hard industrial más seso, tirando algo de bochka hacia el cierre. Sonidos metálicos y ritmos intensos con kicks contundentes.
Hablando de este stage está formado por futuras promesas, ¿quienes crees que en años siguientes darán el salto al stage principal? Y en relación a este Main Stage ¿con qué artista te gustaría pinchar o producir?
Hay muchísimo talento emergente en el schranz y el industrial. Es difícil nombrar solo a algunos, pero creo que artistas como RÆKKE y BURNS tienen un potencial enorme para dar el salto al Main Stage.
En cuanto a con quién me gustaría pinchar o producir en el Mainstage... pues me encantaría compartir cabina y producciones con SNTS ya que su visión y su forma de entender la música son algo que admiro profundamente.
También me fascinaría colaborar en el estudio con Fatima Hajji, una artista que siempre he admirado y su habilidad para mantenerse en la escena tanto tiempo a tan alto nivel es algo que me inspira muchísimo a seguir trabajando.
Acabamos preguntando por el futuro, de aquí a 5 años ¿donde se ve Pestdokter? ¿Qué nos puedes adelantar del futuro?
Mi objetivo es seguir evolucionando y creciendo, trabajando y esforzándome en este proyecto de vida, con la mente centrada siempre en la esencia que me define.
En 5 años espero poder estar actuando de forma constante por Europa, sería otro de mis grandes sueños. Además de poder producir para discográficas de renombre.
Estoy trabajando en varios proyectos nuevos que verán la luz pronto, incluyendo algunas colaboraciones muy interesantes y un álbum.
Y en un futuro próximo intentaré darle una evolución a la estética de mi personaje para hacerla más interesante y atractiva a nivel visual.
Muchas gracias por haber contado conmigo para la realización de esta entrevista. Nos vemos en el Vicious Stage.
“Nostalgy”
de Danny Waters: un
viaje sonoro a la memoria y la emoción en el
Deep House
El más reciente lanzamiento de Danny Waters en el género Deep House, titulado “Nostalgy”, se presenta como una exploración cautivadora de la memoria y la emoción a través del sonido.
Como sugiere su nombre, el tema profundiza en sentimientos de añoranza, reflexión y la agridulce belleza de mirar hacia el pasado. En el universo del Deep House, “Nostalgy” incorpora elementos característicos como líneas de bajo profundas y resonantes, patrones rítmicos intrincados y melodías conmovedoras, a menudo etéreas.
Danny Waters crea un paisaje sonoro hipnótico y emocionalmente evocador que transporta al oyente a un estado de contemplación. La temática se desarrolla gradualmente, con capas sonoras que simbolizan recuerdos que se desvanecen y perspectivas cambiantes. La atmósfera es de introspección y melancolía suave, equilibrada con el ritmo inherente y el impulso progresivo del Deep House.
Los oyentes pueden esperar una pieza que no busca la energía explosiva, sino que invita a una experiencia auditiva profunda, ideal para momentos de reflexión tranquila, viajes nocturnos o ambientes donde la música acompaña la contemplación personal.
“Nostalgy” es un lanzamiento que promete ser un viaje interior, guiado por la experta mano de Danny Waters en el mundo del Deep House.
Óscar es un productor y DJ de música Techno que comenzó su carrera en 2012 de forma autodidacta. Gracias a su dedicación y pasión, ha lanzado música en los sellos más importantes de la escena como Drumcode Ltd, Terminal M, y Planet Rhythm. Ha logrado varios éxitos en Beatport, incluyendo dos TOP 1.
Su música ha sido apoyada por grandes figuras del Techno como Carl Cox, Amelie Lens, Richie Hawtin y Adam Beyer, y ha sonado en festivales como Tomorrowland, Ultra Miami y Creamfields. Además, ha sido remezclado por artistas destacados como Tiger Stripes, Matt Sassari y Andres Campo.
Como DJ, ha actuado en eventos importantes por toda Europa, incluyendo Off Sonar en Barcelona y ADE en Ámsterdam, y ha compartido cabina con artistas de renombre internacional. Su más reciente colaboración con Tiger Stripes continúa destacando en los rankings de Beatport.
¿Cuál fue el momento en el que decidiste que la música electrónica no solo era una pasión, sino tu propósito de vida?
Después de estar 15 años pinchando en mi casa me di cuenta cuando aprendí a producir que se me daba muy bien y empecé a crecer mucho y también me di cuenta que se me daba muy bien enseñar asi que enfoqué todos mis esfuerzos en que la música fuera mi modo de vida.
Si pudieras revivir un solo set de tu carrera, no por su éxito, sino por lo que te transformó como artista, ¿cuál sería y por qué?
Sería muy dificil quedarme con uno solo ya que he tenido la suerte de pinchar
en muchos paises y de todos me llevo una gran experiencia, lugares que quizá sino hubiera sido por un bolo no hubiera viajado nunca como Bulgaria, Túnez o Republica Checa.
Has colaborado con artistas como Tiger Stripes y Cristian Varela. ¿Qué has aprendido de estas colaboraciones que ha redefinido tu enfoque musical?
Lo que más me sorprendió es que aceptaran jajaja, no en serio, me di cuenta que estaba al nivel para poder trabajar con artistas de esta talla y claro tuve que definir un poco el enfoque ya que eran estilos muy distintos.
En tu proceso creativo, ¿hay algún ritual o hábito inusual que consideres esencial para tu inspiración?
La verdad que no hago nada extraño, paso muchas horas en el estudio formando a los alumnos y cualquier momento es bueno para producir.
¿Cómo equilibras la presión de las expectativas del público con tu necesidad de experimentar y evolucionar artísticamente?
Al principio me fijaba mucho en hacer algo que encajara con “X” sello pero, con el tiempo y la experiencia seguí mi instinto y todo fue mucho mejor.
Si tuvieras que describir tu sonido a alguien que nunca ha escuchado techno, ¿qué palabras usarías y por qué?
Raw y con mucho groove
¿Qué papel juega la ciudad de Barcelona en tu música?
¿Cómo influye su energía en tus producciones?
Realmente es la ciudad en la que nací y tenemos la suerte que pasan muchisimos artistas cada fin de semana y para el tema producción como he dicho sigo mi instinto no me fijo en el resto.
Has sido remezclado por artistas de renombre. ¿Hay algún remix que te haya sorprendido por llevar tu música a un lugar inesperado?
He remezclado yo más que me hayan remezclado a mi pero si tengo que destacar algunos me gustan mucho los remix de MarAxe un artista sueco que es muy bueno en todo lo que hace
¿Qué consejo le darías a tu “yo” de 2012, cuando comenzabas tu carrera como productor?
No te compares con nadie cada uno tiene su camino y si lo haces bien y eres perseverante tu música llegará a quien tiene que llegar
Mirando hacia el futuro, ¿hay algún proyecto o colaboración soñada que aún no hayas realizado y que te gustaría concretar?
Hay dos super colaboraciones futuras que no aún no puedo revelar pero que son con dos super artistas de la escena techno.
