soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

OV7: Revival para tres décadas de carrera

Por Marisol Pacheco

8. Nuevos productos

44. Neurociencia sónica Sordera por intención vs. atención selectiva Por Raúl de Jesús Bustos

Columnas invitadas

16. El plan de lanzamiento de un sencillo (Parte 2)

Por Ferrer León

22. La construcción del tejido social desde la música

Por Jairo Guerrero

Eventos

48. Javier Limón, masterclass en Rec Música 50. Universal Music México, una revolución musical

56. Avances sound:check Xpo 2023: ¡Motores encendidos!

Foto de portada: Selene Ortiz Tolentino

4. Detrás del micrófono Paco Herrejón. Los espejos de su caleidoscopio

34.

28. A primera vista Actualización de software Hippotizer v4.8

30. En concierto Shure hace historia en el Super Bowl

54. Un encuentro con Gabriella Galán, el valor del aprendizaje constante

EDITORIAL

DIRECTORIO

D i r e c c i ó n Jorge Urbano

E d i t o r a y c o p y w r i t e r Nizarindani Sopeña

D i s e ñ o Héctor Barrera

S t a f f E d i t o r i a l Marisol Pacheco

A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez

D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García

Los aniversarios siempre son emocionantes y las ganas de celebrar también. En la música, los artistas y las bandas que cumplen ciclos piensan en festejos en grande, magnitudes que pueden alcanzar gracias a las opciones tecnológicas actuales.

Cumplir 30 años no ocurre todos los días y en el caso de OV7, las carreras independientes de sus integrantes han enriquecido la reunión que por su aniversario los ha llevado a recorrer México y Estados Unidos, acompañados por un staff experimentado que ha aportado su conocimiento para realizar conciertos extraordinarios.

El reporte de uno de estos conciertos, realizados en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, es el que en esta ocasión ofrecemos en nuestras páginas centrales. Además, nuevos discos de talentosos músicos, así como productos y tecnologías reseñadas y las valiosas opiniones de nuestros colaboradores hacen de esta edición de inicio de primavera la mejor forma de empezar esta temporada.

Por último en esta edición, les contamos que los detalles que conformarán el evento más importante de la Industria de la Música y el Espectáculo en México se están concluyendo y a todo vapor nos dirigimos a esta reunión los próximos 23, 24 y 25 de abril. El pre registro ya está abierto en www.soundcheckexpo.com.mx. ¡Vayan a nuestras últimas páginas para saber todo lo que estamos preparando!

¡Hasta la siguiente!

E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga

C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores

I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

T e l é f o n o (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 25, No. 295. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo. Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña

twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

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Paco Herrejón , Los espejos de su caleidoscopio

Pensado como su primer álbum de larga duración, el guitarrista, compositor y educador Paco Herrejón comparte “Caleidoscopio”, un disco que relata la serie de vivencias que el músico experimentó en una etapa de fuerte transformación personal. Formado por diez canciones, todas de su composición y arreglos, el LP tuvo una producción diversifcada en su proceso de grabación, combinándose los home studios, la experiencia y conocimientos de los músicos invitados (Iván y Javier Barrera, Chuz Estrada, Giovanni Figueroa, Pepe Hernández, Daniel Perri Navarro, Jorge Brauet y Carlos Munguía), con la de ingenieros de audio que armaron la captura en espacios como Pieza Estudios y Estudios Green.

Preproducción: sin prisa pero sin pausa “Los músicos que me acompañan son amigos o colegas con los que he colaborado en el trabajo o en sus proyectos originales, como Pepe Hernández, a quien conozco desde hace 13 años y con quien toqué a veces hasta en dos ocasiones a la semana durante tres años. Con Iván Barrera llevo tocando en su proyecto dos años y en el caso de su hermano, Javo, lo conocí a través de él. Y así los demás: coincidimos en el trabajo acompañando a algún cantante y hemos hecho una bonita amistad; cuando los convoqué fueron muy colaborativos porque les gustó la música”, menciona Paco.

El concepto del disco refeja el gusto por este concepto, como una obra completa que cuenta una historia: “Para mí, discos como el “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y “The Dark Side of The Moon” son extremadamente signifcativos, porque marcaron mucho la manera en que percibo la música. Se me hace un trabajo extenso y profundo contar una historia a través de un disco de larga duración y era algo que quería hacer cuando decidí dedicarme a la música, un sueño que por fn pude plasmar en este álbum. Partí de armar una especie de guión para saber por dónde debía irme para que el disco se sintiera relacionado. Previamente hice un EP con una banda que tengo, el cual me sirvió como la culminación de haber estudiado grabación, mezcla y masterización varios años, porque siempre me ha gustado esa parte y había querido desarrollarla”.

“En ‘Caleidoscopio’ puse mucha dedicación, porque salió en un periodo previo y durante la pandemia, en la que todos vivimos experiencias bastante duras, de introspección personal muy fuerte para mí, y ya tenía las herramientas para poder desarrollar las composiciones y trazar esa historia. Fue como hacer una película con su guión; un previo con las maquetas para saber más o menos cómo quieres que suene. Sobre la marcha fui modifcando cosas, pensando qué músicos me gustarían para cada tema y así lo fui tejiendo hasta llegar al punto en el que se ve la prenda terminada y la satisfacción es muy grande”, menciona Paco.

Producción apoyada en el conocimiento y la camadería externa “Para mí lo más importante es la composición. La forma en la que trabajé fue con maquetas en el DAW, pues de esa manera tuve una previsualización de cómo llegarán a sonar las canciones en sí, porque a veces un software de notación musical no te da todos esos elementos que se necesitan, como baterías virtuales e instrumentos que acercan más a cómo va a sonar el producto fnal, e incluso ayudarnos a elegir qué música le va mejor a cada composición. Mi proceso es: tener la idea que refeja algo, componer, hacer la maqueta, pensar en los músicos podrían funcionar y como hoy muchos músicos graban en su casa y envían los archivos, fue cuestión de montar la producción general en el mío”.

“De esta forma, yo grabé en mi casa, hice la mezcla y masterización de las guitarras y lo demás se lo pedí a los músicos, que lo hicieron en sus espacios, excepto baterías, donde yo quería sentir el room. Si bien hay varias técnicas que permiten simularlo, no hay como hacerlo en un estudio con los elementos necesarios. Por ejemplo, la que hicimos en Pieza Estudios en la canción donde tocó Chuz Estrada, la grabó el ingeniero Luis Fernando Canul, quien es mi amigo y uno de mis maestros. Ese estudio se oye muy bien y Luis Fernando llevó una tarola Premier Spifre que sonó impresionante; su microfoneo fue AKG D112 (kick in) y Neumann TLM 193 (kick out); Telefunken M80 (tarola, arriba) y Shure SM57

“Me parece un trabajo extenso y profundo contar una historia a través de un disco de larga duración y era algo que quería hacer cuando decidí dedicarme a la música; un sueño que por fn pude plasmar en este álbum.

De izq. a der: Diego Velázquez (asistente de grabación), Luis Fernando Canul (ingeniero de grabación), Chuz Estrada (batería) y Paco.

(tarola, debajo); dos Beyerdynamic, un D57c y un D57 (toms de aire, arriba), Sennheiser MD421 (tom de piso); AKG 451C (hi hats); Austrian Audio OC818 (en patrón supercardiode como overheads); Austrian Audio OC818 (2 en patrón supercardiode), Beyerdynamic M160 (overheads) y Neumann TLM 103 (2 para room a 3 metros enfrente de la batería. Esto lo pasó por preamplifcadores Amek 9098 (overheads), Focusrite Octopre Dynamic (room) y Yamaha 01r Pres (el resto de los tambores)”.

“Destaco lo que hizo Javo Barrera en su home studio en Los Ángeles. De acuerdo a la rola que le mandé, él seleccionaba el sonido que consideraba de acuerdo a sus posibilidades de equipo para esa composición. Me fue mandando ejemplos y su grabación sonó sin inducciones en los micrófonos, vaya, siempre habrá un poco pero de repente te mandan baterías donde está el micrófono de la tarola pero se oye más el hat y eso se vuelve un problema. Javo mandó todo muy bien y en fase. El sonido de su batería se escucha gordito y bonito. En baterías tuvimos esas combinaciones en la captura”.

Y después de grabar...

El proceso de grabación duró dos años; Paco combinó sus tiempos creativos y de producción con la docencia y colaboraciones. Su trabajo de edición lo armó con Presonus Studio One, por la ventaja de funcionar como DAW y ligar las sesiones de mezcla con las de masterización:

“Sé usar Pro Tools y Logic, pero también Studio One de Presonus permite tomar algunos plug ins y efectos que están muy buenos, son como sintetizadores, pero sirven para modifcar directamente audio sin ser necesariamente un instrumento virtual, cosas que otros DAW no tienen. La ventaja que tiene Studio One para mí es que permite ligar todas tus sesiones de mezcla con una sesión de masterización, entonces se puede tener una sesión de master donde estén todos los tracks del disco y si se quiere modifcar algo de la guitarra, basta con dar clic en un punto, se abre la sesión ligada a ese track y se hace el cambio y lo coordino con el bouncing de la sesión de master. Es muy rápido, porque ya no es necesario bouncear el archivo por separado; ya está todo ligado”.

Las guitarras y amplifcación de “Caleidoscopio”

Desde hace 12 años, Paco Herrejón es artista Yamaha, por lo que el 85 por ciento del arsenal que usó para este disco comprende guitarras eléctricas Pacífca 612 y Revstar 2; acústica AC5R y electroacústica NTX5 Rodrigo y Gabriela Signature. Su amplifcación digital es con plug ins Neural.

“En cuanto a la mezcla, con la mitad de las canciones usé plug ins Solid State Logic: el Channel Strip V6 y el Bus Compressor, que permiten hacer una mezcla sin usar nada más en cuanto a ecualización y compresión base; suenan impresionante. Otros que uso mucho son los FabFilter, por su interfaz y las prestaciones que se pueden hacer con ellos. En este proceso dejo que mis amigos y maestros escuchen, opinen y me aconsejen, porque eso me enriquece mucho y me ayuda a tener una perspectiva mucho más amplia de todo. Lo fui mezclando conforme fui avanzando y al fnal eso tomó dos meses”.

Paco también hizo la masterización. “Creo que lo difícil es componer y llegar a la idea correcta, al concepto de la canción. Mezclar es complicado, pero si tienes la experiencia, lo haces un poco más rápido. Este es un disco 100 por ciento independiente y yo estoy manejando todo lo que tiene que ver con él. Actualmente, el músico es un todólogo, pero hay con quiénes apoyarse y satisfacer la visión que tienes pensada de tu proyecto”.

Con la misión de presentar en vivo este álbum a mediados de año y poder armar alguna gira al interior del país, Paco Herrejón deja a for de piel el entusiasmo grande que le dejó materializar este sueño personal que usted ya puede escuchar en su plataforma favorita.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

sennlatam@sennheiser.com

www.sennheiser.com

Motu

Interfaz de audio M6

La M6 es una interfaz USB-C compacta, compatible con los sistemas Mac, Windows e iOS. Admite frecuencias de muestreo de hasta 192 kHz y cuenta con cuatro entradas de micrófono/línea/Hi-Z y dos pares de salidas balanceadas de 1/4 de pulgada. Cuenta con convertidores ESS Sabre32 Ultra y brinda un rango dinámico de 120 dB. Cada uno de los canales de entrada del panel frontal tiene una entrada combinada XLR/1/4 de pulgada, control de ganancia, alimentación fantasma conmutable de 48 V y un interruptor de modo monitor.

motu.com

Rode

Micrófono de condensador USB NT-USB+

Heredero de la versión lanzada en 2014 para creadores de contenido, ahora cubre las inquietudes de músicos, podcasters, streamers y profesionales, con una cápsula de condensador con patrón polar cardioide ajustado, que funciona para voces, discursos o instrumentos. Tiene un preamplifcador Revolution y un convertidor analógico a digital de alta resolución de 24 bits/48 kHz para mejorar la calidad del sonido. También tiene un DSP interno de Aphex para un procesamiento de audio avanzado, que incluye un compresor, una puerta de ruido y efectos tradicionales Aural Exciter y Big Bottom. rode.com

Eventide Audio

Módulo para crear sonidos/efectos Misha

Descrito como un instrumento con secuenciador basado en intervalos, Misha es capaz de generar sonidos de tres formas: vía MIDI, vía conexiones Gate/CV y emitiendo formas de onda a través de su salida de audio. Cuenta con 100 escalas de serie y espacio para almacenar otras 100 creadas por el usuario. Su panel tiene botones para disparar o programar notas según el intervalo que defne cada etiqueta; tres grupos de entradas y salida trigger / gate y CV para armar una polifonía de tres voces. Viene con 4 botones asignables, entrada/salida, MIDI, salida de audio, puerto micro USB y lector de tarjetas MicroSD. eventideaudio.com

DPA

Micrófono de condensador 2028

El micrófono vocal de mano 2028 es de tipo supercardioide y entrega una fuerte atenuación desde la parte trasera, por lo que los monitores no causan problema de retroalimentación. Destaca su rendimiento a 180 grados y su captación entre los 140 y 150 grados; su rango dinámico de 117 dB percibe los picos, haciendo más fácil de colocar el micrófono en la mezcla. Se puede usar con cable o junto a un sistema inalámbrico. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx dpamicrophones.com

KV2 Audio

Subwoofer SL6.10

Es el nuevo sub de la serie SL de altavoces delgados que pueden integrarse directamente en paredes u otras super fcies. Cuenta con una profundidad de 35 centímetros y fue diseñado para integrarse con el altavoz SL412. Su respuesta de graves en confguración es notable, particularmente si se usa contra o dentro de una pared. También se le puede combinar con los subwoofers VHD1.21 y 2.21 de baja frecuencia como parte de un sistema activo de cinco vías. Kv2audio.com

DTS

Cabezal móvil tipo fresnel Alchemy 7

Esta luminaria cuenta con un mayor rendimiento de iluminación a través de su lente Fresnel de Ø250 milímetros y un chip LED de 6 colores que emula varios tipos de fuente de luz, con opción de variar su comportamiento, pasándola por fltros dicroicos, entre otras características. Alcanza 800 watts y entrega hasta 22 mil lúmenes, un haz de luz extrabrillante que se proyecta a través de un rango de zoom de 15 a 50 grados, difundido uniformemente. La Alchemy 7 tiene dos hojas que operan en planos discretos, lo que permite un efecto de corte completo cuando se le usa en combinación con su sistema de rotación.

Vari Internacional. 55 9183 2700 www.varinter.mx dts-lighting.it

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Comienza tu viaje por la ruta correcta

Batería acústica de 5 piezas

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Vasos fabricados con 7 capas de álamo

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Electro-Voice Altavoz Everse 8

Resistente a la intemperie, el Everse 8 es un altavoz con control Bluetooth y opción de alimentación por batería. Es un sistema de PA portátil que incluye mezclador digital de cuatro canales con efectos y procesamiento, brinda una cobertura de hasta 121 dB, gracias a la acción de su woofer de 8 pulgadas montado con el diseño Signal Synchronized Transducers (SST), patente de la marca y un tweeter de titanio. Posee un amplifcador de clase D y un módulo DSP desarrollado en colaboración con Dynacord y está disponible en acabado blanco o negro.

Audio y Sonido. 55 1086 8700 www.audyson.com.mx electrovoice.com

KRK

Monitores de campo cercano GoAux 4

Se trata de un binomio de monitores de estudio con Bluetooth 5.0, que en la parte trasera aloja conexiones de entrada RCA y minijack estéreo, entradas TRS balanceadas y un conector USB tipo B para recibir audio desde dispositivos externos compatibles. Su rango de frecuencias va de los 60 Hz y los 20 KHz a -3 dB de nivel de presión sonora, con potencia RMS que alcanza los 100 watts y un SPL continuo máximo hasta 98.5 dB. Se añade un micrófono de medición para usar la función Auto ARC de corrección de salas y su peso es de 4.3 kilogramos por gabinete. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 krkmusic.com dealers.rda.com.mx

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Sistema de iluminación Mirage Q6 Pak Black

Es un sistema todo en uno que incluye seis luminarias con certifcación IP65 para exteriores e interiores y alimentados con baterías y que vienen en un estuche muy durable y una solución on-board de carga. Cuenta con sistema DMX wireless y las luces tienen una entrada de potencia AC100V-50/60 Hz.

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Parche y kit de afinación UV1

Herramientas e instrucciones para modifcar, ajustar y mantener de manera integral los tambores, eso se propuso Evans al armar este kit con el parche UV1 junto a un Snareside 300, un entorchado PureSound 20 Strand Custom Pro Steel y un par de baquetas Barney Beats ProMark Rebound 5A de edición especial. Ataque, sustain, tonalidad y durabilidad con el cuidado y el uso de materiales de largo aliento. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com daddario.com

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Firmware 2.0 para caja de ritmos Circuit Rhythm Groovebox

Las nuevas funciones que trae el frmware 2.0 a esta caja de ritmos incluye Beat Match para ajustar tempo, un modo de grabación para capturar muestra de duración fja, yendo de 8 a 16, 32 o 64 pasos, además del sistema Grid FX y la opción de almacenar el estado de pistas silenciadas en escenas que facilita la organización de las mismas. Paxsa. 55 5243 5484 paxsa.com.mx novationmusic.com

Arturia

Emulación de software MiniFreak V

Se trata de un softsynth híbrico de 6 voces, idéntico al hardware MiniFreak, que combina motores digitales con fltros analógicos perfectamente modelados, además de controles de modulación, secuenciación y expresión para creación in the box. Este instrumento virtual es compatible con DAW como Live, FL Studio, Logic, entre otras, o puede usarse de forma independiente. Ofrece una paleta con 256 presets de fábrica. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx arturia.com

El plan de lanzamiento de un sencillo

(Parte 2)

En el artículo anterior revisamos la estrategia día a día del plan de lanzamiento que va del día 1 al día 7; en esta ocasión, te compartimos el resto del plan, que va del día 8 al 20. Esperamos que sea de utilidad.

Día 8: Día infuencer

·Recordemos que los infuencers son eso: cualquier persona con infuencia, así que pueden ser personas respetadas dentro de tu género musical.

·Es posible que debas pagar a algunos infuencers, pero generalmente se pueden hacer otro tipo de intercambios, dependiendo de quién se trate y la relación que haya con ellos.

·Pregúntales si les importaría publicar lo que hagan para ti el día del lanzamiento. Sé creativo: ¿podrían estar escuchando tu canción mientras conducen el automóvil, por ejemplo? Luego, pueden volver a publicar esto en su historia y es más interactivo y atractivo que un simple mensaje que diga: “escucha esto”. ·Usen esto para crear su moneda social, lo que hará que otras personas quieran oír su canción.

Día 9: Prepárense para el lanzamiento

·Este es el día para asegurarse de que todo esté en su lugar para el día del lanzamiento. Reúnan a la banda y repasen todos los objetivos y trabajos, para que cada uno sepa lo que debe hacer.

·Es un trabajo más grande de lo que creen. La idea es que el día del lanzamiento, todos en sus redes sociales piensen: “Esto está en todas partes; necesito escuchar la canción”. Si tienen muchas personas listas para ayudarlos a promocionar, esto generará mucho más impulso. Los miembros de la banda deben involucrarse en dinámicas relacionadas.

Día 10: ¡Lanzamiento!

·Hay mucho por hacer este día. En primer lugar, verifquen que la canción esté publicada.

·El video con la letra se publicará hoy. El contenido lo es todo, por lo que es muy importante alimentar esto por goteo, por eso el video lyrics es tan importante.

·Este es el día en el que se hacen preguntas uno a uno. Esto llevará horas, ¡no minutos! Así que deben dirigirse

a las personas directamente, sin enviar un mensaje genérico.

·Tienen que actualizar todos sus banners y los enlaces en las redes sociales de todos.

·Hablen con los infuencers a quienes han estado formando. Este es el día en el que necesitan publicar su contenido por ti, para que puedan volver a publicar.

·También, efectivamente, pídanlo: “Ayúdanos a promocionar nuestro sencillo”. Se trata de que todos ayuden juntos. Pero estimulen en grande; no los compensen con una copia gratuita de un sencillo que pueden obtener gratis de todos modos. Sean creativos; deben recompensar a las personas que los están ayudando. Regalen boletos VIP para su próximo concierto, por ejemplo, donde los fans puedan pasar un rato con la banda, algo que los haga emocionar, o puede ser algún objeto de merchandising.

En el articulo anterior revisamos la estrategia día a día del plan de lanzamiento de un sencillo del día 1 al día 7 y en esta ocasión, compartimos el resto del plan.

Día 11: Video ofcial

·Ayer publicaron el video con la letra y ahora, para continuar con la emoción, lanzan el video ofcial.

·Empujen el video ofcial en todos los canales y continúen con el vuelo del lanzamiento. Todo lo que hicieron con el lanzamiento ayer, pueden volver a hacerlo con el video ofcial.

·Hoy también es un día para otra sesión de fotos de contenido durante los próximos 9 días. Pueden usar estas imágenes para promocionar el sencillo.

Día 12: Video de actuación

·Este contenido macro se puede dividir en contenido micro, para Instagram y otras plataformas. El propósito es que sigan recordando a la audiencia sobre la canción, asegurándose de que esté en todas partes para lograr la máxima participación. ·El video de actuación (video performance) se publicará en YouTube originalmente y luego, como se mencionó anteriormente, se dividirá en micro-contenido. Puede ser acústico o una actuación de la banda completa en un estudio. Asegúrense de que este video sea de alta calidad, como su video musical ofcial.

Día 13: Video de fan

·El siguiente video depende de ustedes. Los videos de fans son bastante populares en este momento y es una forma de recompensar a las personas que los apoyan, al mismo tiempo que construyen su moneda social. Podría ser su audiencia sincronizando los labios con su pista, reaccionando a su canción o simplemente disfrutando de su pista.

·Al igual que con los dos últimos videos, se puede dividir en micro-contenido. Esto no lo dejen descansar.

Con el agradecimiento el último día de la estrategia del lanzamiento, se sorprenderán por la cantidad de impulso adicional que obtendrán.

Freepik

Día 14: Cover

·No son ustedes quienes hacen el cover de la canción de otro artista. Es otro artista quien lo hace con su canción. Pueden hacer un trato con otra banda, donde luego pueden hacer esto por ellos. Las colaboraciones son increíbles; son la forma más rápida de crecer.

Día 15: Desglose de la producción

·Aquí es donde pueden mostrar cómo se hizo la pista. Pueden desglosar los canales de la canción y mostrar cómo se construyeron en un video corto, lo que da un gran detrás de escena a la creación de la canción. Y a la gente también le encanta escuchar la pista vocal aislada. ·Es una forma creativa realmente genial de publicar contenido sobre su lanzamiento. Funciona bien con las historias de Instagram, pero también pueden convertirlo en un video de YouTube.

La industria de la música y el espectáculo

master1305/Freepik

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Día 16: Detrás de escena

·Esto puede ser del estudio donde hicieron el sencillo o del video musical e incluir entrevistas con la banda. Es la manera de decir: “Permítenos traerte a nuestro mundo”. Pueden dividir esto del contenido macro en contenido micro, como el resto de los videos.

Día 17: Objetivo del programador de radio

·Hoy es el día de apuntar al DJ. La reproducción de radio sigue siendo muy importante para proyectar su lanzamiento y las estaciones en las que los han escuchado.

·Consigan que su base de fans se dirija a un DJ en particular mientras están al aire para llamar su atención. Cuantas más personas puedan enviarles mensajes, tweets o etiquetarlos en un corto espacio de tiempo, más fácil será que tu pista salga al aire.

Día

18: Pop up gig

·Suban a algún lado y hagan un concierto. Esto podría ser en la calle o en la casa de un fan (¡posiblemente como parte de un concurso!), pero es para que toquen un espectáculo pequeño; podrían incluso no solo grabarlo, sino transmitir fragmentos en vivo.

Día 19: Pop up gig parte 2

·Aquí están diciendo que ayer hicieron un concierto emergente y que buscan formas de contar esa historia. Podrían hacer un video editado del día, publicar videos de las actuaciones y publicar imágenes con ustedes y con los fans del concierto.

Día 20: Gracias

·Se sorprenderán por la cantidad de impulso adicional que obtendrán este día. Cuando empiezan a enviar mensajes a la gente diciéndoles que aprecian mucho su apoyo, de una manera uno a uno, todo el mundo empezará a publicar lo encantador que han sido. Esto luego se convierte en el legado en torno al lanzamiento, que lo seguirá hasta el próximo lanzamiento. Deja que los demás hagan el trabajo por ti, una vez más.

Esperamos que esta guía les sea de utilidad y le aporte valor a su carrera musical. ¡Les deseamos sinceramente el mayor de los éxitos! Pueden contactarme para cualquier duda o comentario. ¡Hasta la próxima!

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www. antenastudio.com

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La construcción del tejido social desde la música

Una de las premisas más importantes de la música es su componente social. Como lo afrma Enrico Fubini en su libro “Música y lenguaje en la estética contemporánea”: “La música presenta mil engranajes de carácter social, se inserta profundamente en la colectividad humana, recibe múltiples estímulos ambientales y crea, a su vez, nuevas relaciones entre los hombres”.

Mucho se habla de la manera como se hace la música; mucho se abarca en la información de la parafernalia técnica y sonora en los créditos escritos en letras pequeñas al reverso de los discos; también se habla en demasía de cifras, ventas, discos de oro, sold out de conciertos y demás, pero poco se abraza el tema de la música desde su vínculo estrecho con el desarrollo de una sociedad y su fn de lograr el bienestar colectivo. En otras

palabras, poco se trata la transformación social a través de la música, la creación del tejido social gracias al arte musical”.

En este artículo, y desde la óptica de mi proyecto “Techxturas Sonoras” como constructor de tejido social, pretendo dejar sobre la mesa a los hacedores de música, inquietudes que si bien se pueden convertir en iniciativas, también pueden servir como un llamado para que den una doble mirada a nuestra posible función, no solo como creadores de música, sino como artesanos del tejido social a partir de nuestro arte.

La música, indispensable

La música es importante por su valor cultural y por ser un elemento dinámico que participa en la vida social de las personas, confgurando y construyendo memoria a lo largo de las vidas; además, tiene una capacidad de comunicación

Por Jairo Guerrero (B-Liv - Techxturas Sonoras)*

no semántica y su poder sensitivo le da la capacidad de ser una potente herramienta de comunicación; esto, aunado a su desarrollo, acompañamiento y evolución en la historia de la humanidad, le da un poder intercultural.

Es aquí donde surge una gran pregunta:

¿Es sufciente para la música simplemente aportar divertimento, baile o complicidad emocional? Mi respuesta es: no.

Es como creer que uno solo está en la vida para respirar, dormir y comer.

Muchos artistas creen que por hacer donaciones millonarias, fundar ONG´s, dar conciertos gratis o visitar orfanatos, ya están haciendo una labor social, pero la gran verdad es que están lejos de entender que el poder de la música no está en el dinero que genera, ni en alimentar el ego propio. El poder de la música está en si misma, si entendemos su milagro. Refuerza el crecimiento afectivo y emocional de la infancia. Educa en la identidad, promueve equidad, inclusión, respeto, confanza, educación y participación.

La música permite desarrollar habilidades dentro y fuera de su entorno natural, puede solucionar problemas de identidad, aporta actitudes, valores, herramientas de interacción con

otros, ayuda a la expresión oral, al aprendizaje, al lenguaje y en proyectos como “Tambores de Siloé” (barrio marginado en Cali, Colombia), ayuda a los niños y jóvenes a saber actuar ante los problemas, ya sean familiares o de su entorno, a desarrollar su autonomía y a la toma de decisiones.

Claro, también hay casos nefastos, en los que la música es destructora del tejido social, como por ejemplo cuando está en manos del reggaeton y otros géneros que no se merecen tenerla como vehículo y que no le hacen justicia a su poder divino de transformación.

Otra cosa importante es no limitarnos. El aporte de la música no solo debe acotarse a fomentar el aprendizaje musical en busca de la prevención de violencias (como lo creen muchas instancias de gobierno), sino que su existencia puede promover derechos, inclusión social y también se extrapola a todo un tema cultural.

Creo que la música en sí debe ser un vehículo capaz de generar cambios y mejoras profundas a nivel individual, y no hablo del manoseado y malentendido género música medicina, o de los sonidos new age y demás. Me refero a cualquier género. Por ejemplo, la música punk, aunque no se crea, construyó tejido social al ser el punto de encuentro de los jóvenes marginados del Reino Unido en los setenta y también de los jóvenes en

El poder de la música está en sí misma, si entendemos su milagro.

México en esa época, en la que ser joven en nuestro país, era ser ciudadano de segunda categoría.

El hip hop hizo lo mismo en Estados Unidos al emparentar a jóvenes blancos y negros que vivían hasta el hartazgo de los abusos institucionales. La música disco y el funk construyeron tejido social al combinar en una misma pista de baile a blancos y negros en unos años, derrotando al racismo en aquel país.

Cuando The Clash integró ritmos jamaicanos a su música, fue cuando la comunidad negra marginada en el Reino Unido sintió que esa música también le hablaba a ellos.

¿Y la música electrónica?

Esta es una zona gris, y es donde quiero plantar la inquietud a los hacedores de este género en México. No olviden que su gen es mexica y latinoamericano. Lo digo porque lo que veo muy a menudo es que a través de su música, muchos buscan parecerse a los europeos o a los gringos. Y ¡ojo!, no hablo de la estructura matemática sonora de los géneros, sino del concepto y del alma detrás de las canciones que se hacen. No digo que esté mal hacer sonido purista, pero también se puede apostar por involucrar por convicción y no por estética, elementos ligados a nuestras raíces, como bien podría suceder, por ejemplo con algunos hacedores de afro-house, para que sus fusiones de grooves con elementos afro regionales se hagan con un sentido que vaya más allá de la forma y de la moda, y para poder decir de manera tajante y tangible que a través de esta música se está gestando tejido social, gracias a que esas fusiones ponen en diálogo a dos culturas. Al fn y al cabo, con estas alquimias, se está invitando a un público más amplio a resignifcar y conectar ciertas sonoridades. Eso es inclusión.

En México, en otros ámbitos de la música se ha dado esta inclusión y afortunadamente se ha dado por una convicción extrema de lo nuestro; y este sentir debería suceder en toda la música. También han habido accidentes afortunados, como el

sonido Nortec, que aunque no se creó con esa mentalidad de inclusión, porque el concepto “tejido social” no existía cuando fundaron el colectivo, con el tiempo se valoró su propuesta más allá de la música, elevándola a un nivel cultural, gracias a que unieron expresiones regionales bajo el abrigo de sus sonidos electrónicos, y es ahí donde radicó su gran aceptación, no en el hecho de la fusión, sino en la inclusión. Hicieron, sin saberlo, un tejido social que arropó a tribus de seguidores de 2 géneros aparentemente disociados.

En mi caso, “Techxturas Sonoras” llegó con el afán de caminar en lo cultural para aportar al tejido social desde la música electrónica. El hecho de poner en la misma conversación la memoria literaria de México y música electrónica y de sentar en la misma mesa a generaciones adultas y jóvenes, genera conexiones más profundas.

La existencia de la música puede promover derechos e inclusión social.

Cuando la música construye tejido social, se vuelve historia y construye historia.

Bien lo dijo Mark Tramo, del Instituto para la Música y la Ciencia del Cerebro en la Universidad de Harvard, cuando afrmó: “La música es un factor de cohesión social, o como lo escribió Paul Hewson (Bono, de U2) en su reciente libro “Surrender”: “Vender una cantidad de discos solo constata tu popularidad. Si aspiras a la grandeza, te harán falta otras varas de medir, aparte de lograr que algunas de tus canciones fguren en las listas”.

Creo que una de esas varas es que los productores o hacedores de música se planteen ciertos objetivos a la hora de querer lanzar un tema, más allá de tener otra canción más en su haber. Esa grandeza puede estar en lo social y en las fusiones.

Creo que la música puede ser un vehículo para transportar y cuidar tradiciones orales sin importar el género. Creo que la música, sin importar su género, puede ser un vehículo para mantener vivas las memorias culturales o literarias.

Cuando se logra esto, realmente se da la primera puntada en la construcción del tejido social a partir de la sonoridad.

*Con más de 30 años de experiencia en el medio musical como Artista, Productor explorador sonoro, periodista, productor de programas de radio especializada, editor de revistas de música y DJ, Jairo Guerrero es considerado uno de los artistas de música electrónica más reconocidos de nuestro país. Su propuesta sonora abarca desde ritmos para la pista de baile, hasta ensambles como Techxturas Sonoras, que generan puentes entre la música electrónica y la literatura.

Es miembro de la Academia Latina de Grabación Latin Grammy además de haber sido nombrado mejor Productor y Dj de House en México por los DWMC Awards México y haber obtenido el primer lugar en el MXP4 de Ministry of Sound en Londres.

Contacto: www.soyjairoguerrero.com

Actualización de software

Hippotizer v4.8

La marca fabricante de hardware y software para la manipulación en tiempo real de audio y video Green Hippo acaba de lanzar una actualización de software para su línea de servidores de medios, que incluye una importante cantidad de características nuevas y mejoradas, diseñadas para potenciar la manipulación, reproducción y mapeo de medios en tiempo real. Se trata de Hippotizer v4.8 con Show Manager, línea de tiempo preestablecida y mejoras de integración.

Libertad creativa, ya

Una de las mejoras importantes en esta nueva actualización de Hippotizer es el recurso Show Manager, que facilita el control completo de múltiples producciones e instalaciones a la vez. Con él es posible que los usuarios guarden y carguen fácilmente varios programas en un Hippotizer Media Server (Tierra+MK2, Boreal+MK2 o Amba+MK2, entre otros de la marca), simplifcando la gestión de programas y las modifcaciones entre eventos. Así, los programas se pueden duplicar para permitir cambios rápidos sin afectar los datos del programa principal y cada uno de ellos se puede etiquetar fácilmente para referenciarlo de un vistazo.

Show Manager también hace posible su uso para diferentes eventos en vivo. Los programas duplicados directamente en Hippotizer permiten modifcaciones rápidas a su programa base y muestran un fácil etiquetado para su identifcación. Además, es posible automatizar el inicio de su programa gracias a HippoLauncher, que ahora puede iniciarse automáticamente en el programa diseñado o puede activarse para iniciar el programa a través de comandos TCP (Transmission Protocol Control).

Por otro lado, para producciones dirigidas por múltiples usuarios de un equipo, los programas se pueden bloquear para protegerlos de cualquier edición no deseada. Asimismo, se actualizó TimelinePlus, donde los looks pregrabados se pueden transferir fácilmente a la línea de tiempo preestablecida para una programación de espectáculos rápida y sencilla.

Igualmente, la herramienta SHAPE de Hippotizer presenta Dockable Windows, recurso que ayuda a la gestión del espacio de trabajo personalizable y mejora la visibilidad del proyecto en 3D. Y no solo esto, sino que también se ha actualizado la integración del software. Es notable la actualización de NDI (método comúnmente utilizado para enviar video a través de una red local) a la versión 5.5, que incluye funciones innovadoras para sus medios sobre IP (Internet Protocol), lo que permite una mayor libertad creativa, conectando cualquier dispositivo con cualquier ubicación.

Ofrecer más y mejores productos

“Estamos encantados de traer el siguiente nivel de funciones a Hippotizer, que están todas diseñadas para mejorar el fujo de trabajo y brindar más poder a nuestros usuarios fnales y diseñadores”, comenta Zep Mouris, Gerente de Producto de Green Hippo. “El equipo de Hippotizer trabaja constantemente para implementar más y más características de clase mundial en cada actualización y la versión 4.8.0 es algo de lo que estamos muy orgullosos. Sabemos que los usuarios de este software están impulsando algunos de los proyectos más emocionantes del planeta en este momento, y esperamos que esta nueva herramienta pueda alimentarlos a todos. ¡No podemos esperar a

Hippotizer 4.8.0 está disponible para descargarse desde el sitio web de Green Hippo, en https://support.green-hippo.com, donde se puede encontrar una lista completa de los recursos nuevos y actualizados. En México, los productos de Green Hippo son distribuidos por Audio Acústica y Electrónica.

Shure

hace historia en el Super Bowl

principios del mes pasado, los Kansas City Chiefs volvieron a ser el centro de atención del Super Bowl, con el quarterback del equipo, Patrick Mahomes, ganando el título de Jugador Más Valioso (MVP) de dicha competencia deportiva por segunda vez en su carrera. Para Shure, los MVP fueron los veteranos ingenieros de audio y técnicos de sonido que dirigieron las transmisiones del Super Bowl LVII y NFL Honors con el apoyo del sistema de microfonía Axient Digital Wireless Systems y de in ears PSM 1000, que proporcionaron un audio impecable a un récord de 113 millones de espectadores en todo el mundo.

Para superar todas las expectativas

Las compañías involucradas, ATK Audiotek y Professional Wireless Systems (PWS), se encargaron de todos los micrófonos inalámbricos y sistemas in ears para el entretenimiento previo al partido, el entretenimiento del medio tiempo y los árbitros, así como para la retransmisión de los NFL Honors. El equipo incluía al ingeniero de mezcla de retransmisiones Tom Holmes, al ingeniero de monitores Tom Pesa, a los ingenieros de radiofrecuencia (RF) Cameron Stuckey, Kasey Gchachu y Gary Trenda, al jefe del equipo de RF de CP Communications, Loren Sherman, así como a un amplio equipo de A2, que gestionaron con pericia el audio de los momentos más inolvidables del domingo de Super Bowl.

“Una vez más, el campeón vigente del Super Bowl en rendimiento intraauricular fue el PSM 1000”, menciona Tom Pesa. “Utilicé el sistema Shure Wireless Workbench (WWB) para controlar los niveles. Para el tiempo previo al juego, los tres artistas invitados llevaban micrófonos internos, incluido Chris Stapleton, que normalmente no los lleva. Con los dos micros de guitarra y la voz en vivo, junto con la conmovedora interpretación de Chris del himno nacional estadounidense, el PSM 1000 fue la elección correcta”.

El equipo de RF dependía de ocho receptores inalámbricos de cuatro canales AD4Q y del recientemente presentado AD600 Axient Digital Spectrum Manager. Un año más, ATK utilizó Axient Digital con Quadversity, tecnología patentada por Shure que aprovecha cuatro entradas de RF simultáneas para alimentar un único canal de RF. Quadversity puede ampliar el área de cobertura de un canal de micrófono o habilitar múltiples áreas de cobertura con entradas de antena adicionales, lo que lo hace ideal para entornos de RF difíciles como el State Farm Stadium.

“Es difícil imaginarse el Super Bowl sin utilizar Axient Digital”, afrmó Cameron Stuckey, ingeniero de RF de PWS. “La capacidad de operar en el espectro exclusivo con la gama de cápsulas, el monitoreo con WWB y la familiaridad de Axient Digital es inigualable. Aprovechamos al máximo todas las características que lo distinguen”.

Durante el partido previo, Sheryl Lee Ralph, cantante y estrella de “Abbott Elementary” de ABC, ofreció una interpretación histórica de “Lift Every Voice and Sing” con una cápsula de micrófono de condensador KSM9 de Shure en un transmisor inalámbrico ADX2 Frequency Diversity (FD) de Axient Digital.

Rihanna, en lo alto del medio tiempo

En esta parte del evento, el equipo confó en los sistemas de monitoreo personal PSM 1000 de Shure para transmitir audio a los artistas durante la participación de Rihanna. “Para el

descanso, se utilizaron ocho mezclas de transmisión y 35 paquetes de receptores, que incluían 21 para los bailarines principales en el escenario y las plataformas aéreas. La zona de cobertura fue todo el campo, así como los casi 25 metros que Rihanna voló en su punto más alto. Simplemente funcionan así de bien. Creo sinceramente que los PSM de Shure son una de las únicas marcas que pueden funcionar en el evento coordinado de frecuencias más duro que es el Super Bowl”, mencionó Tom Pesa.

Durante el medio tiempo, el equipo confó personal PSM 1000 de Shure para transmitir la participación

Sheryl Lee Ralph

Por otra parte, los árbitros utilizaron dos transmisores Axient Digital ADX1 que funcionaban juntos en el modo Diversity de frecuencia y emparejados con los micrófonos lavalier omnidireccionales subminiatura TwinPlex modelo TL47 de Shure. Aunque los micrófonos de solapa omnidireccionales se utilizan normalmente en entornos de audio controlados, como los teatros, TwinPlex está especialmente adecuado para esta aplicación en estadios.

Además, una vez más, los NFL Honors Awards confaron en Shure para el audio en vivo y la retransmisión de este año. Todos los micrófonos de mano utilizados para los NFL Honors fueron micrófonos vocales dinámicos cardioides KSM8 de Shure. El presentador y los participantes en la entrega de premios estaban equipados con una mezcla de transmisores Shure AD1 y AD2.

“Fue un placer utilizar los micrófonos inalámbricos Axient de Shure en los NFL Honors de este año, televisados en directo por la NBC”, mencionó Larry Reed, ingeniero de mezcla producción para la emisión de los NFL Honors de este año. “La confabilidad de Axient es muy importante en una emisión en vivo y me gusta especialmente la cápsula KMS8 para todas las voces. Utilicé 15 de ellas en el Coro Masculino de la NFL, así como en el micrófono para Kelly Clarkson. Me gusta lo suave que suena el KSM8 y su rechazo fuera del eje facilita su uso entre el público, frente al PA de sala”.

confó en los sistemas de monitoreo transmitir audio a los artistas durante participación de Rihanna.

La capacidad de operar en el espectro exclusivo con la gama de cápsulas, el monitoreo con WWB y la familiaridad de Axient Digital es inigualable.

De izq. a der: Gary Trenda, Cameron Stuckey y Loren Sherman

Revival para tres décadas

décadas de carrera

Por Marisol Pacheco

Fotos

a gira de celebración por 30 años de trayectoria en la música, tiene a OV7 recorriendo la República Mexicana desde agosto del año pasado, combinando su tour en la Unión Americana por ciudades como Texas, San Antonio, Houston, Phoenix, Las Vegas y California.

Con el respaldo de Seitrack y un equipo técnico que ha coincidido en su gran mayoría en proyectos como el 90’s Pop Tour y la gira OV7–Kabah, las presentaciones en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México permitieron ir a fondo para identifcar los procesos que este crew ha creado, adaptado e incluso permitirse cambiar, en benefcio del concepto de este show de celebración.

Entre el concierto y el teatro musical

La base del diseño de producción y dirección artística se fue modifcando por la pausa sanitaria, sufriendo ajustes en dimensiones y costos, hasta llegar a un show que combina teatro musical con elementos K-Pop y la música en vivo, como relata Carlos Alberto García Martínez, “Charly”, production manager de la gira: “Cris Di Carlo es el director artístico que hizo esta fusión entre el teatro y la música; él dibujó y planteó el concepto y nos tocó aterrizarlo en cuanto a equipos, presupuestos, tiempos y gente involucrada: en total somos alrededor de 18 personas, considerando vestuario, peinadores y maquillistas, y hasta 21, si sumamos a la gente de seguridad”.

Foto: Santiago Granados

Carlos Alberto García Martínez, “Charly”

“Para optimizar presupuesto, un primer objetivo es hacer todos los shows con los mismos proveedores, pues al retomar el proyecto, tuvimos que distribuir los fondos para lograr lo que queríamos. Afortunadamente, conseguimos un convenio con Equipos Apolo, que nos permite subarrendar equipo con otras empresas, lo que nos ayudó muchísimo a tener ese ajuste del rider que tuvo cómodas y contentas a cada área”.

“Por ejemplo, los shows en el Auditorio Nacional ya estaban avanzados en calendarización y diseño desde hace dos años con sus plots y riggings, todo listo para entrar, y nos cayó el encierro sanitario. La ventaja de eso fue que, en 2022 a un mes de arrancar, tuvimos todo dibujado, calculado y ploteado; llegamos a instalar a un recinto donde, además, vas a la segura con la forma en que opera. Por otro lado, la gira ha tenido fechas al interior del país y en Estados Unidos que se han ido agregando con el tiempo. La de Acapulco, en la Arena GNP, donde habrá un escenario 360, cambia respecto al diseño del show como tal”, menciona.

En el escenario, Pablo Javier Gutiérrez de la Torre, “Phil”, stage manager y quien ha sido parte del crew desde el proyecto OV7-Kabah y como técnico de radiofrecuencia (RF) en 90’s Pop Tour, detalla cómo se plasmó esta materialización del concepto creativo: “Sobre el escenario hay una pantalla de piso al frente de 10 por 3 metros y cuatro risers con pantallas de LED que se van moviendo durante todo el show, y se montó una tarima de Layher a 10 metros en la parte trasera, donde ellos bailan. Para hacer la pirotecnia y en general, un diseño de luces más teatral, montamos un puente frontal, uno medio y uno trasero, que nos permite destacar todo lo que pasa durante el show, los cambios de vestuario y posiciones, la entrada y salida de props e infables”.

“Hay una narrativa escénica que marca lo que ocurre y para eso se automatizaron varias cosas, como el contenido entre pantallas, efectos, iluminación y audio mediante escenas que están ligadas a su vez con secuencias; lo único no automatizado es el movimiento de las pantallas. Eso lo hacemos entre ocho personas, tenemos marcado el escenario con todos los cues de posiciones, por color y tiempos, algo que diría es lo más complicado del show, porque tenemos que estar muy coordinados”.

A la par de este desenvolvimiento escénico ,se atiende a los músicos, como detalla Phil: “Cada músico tiene su técnico, cuyas dos funciones son prevenir y saber resolver. Tenemos bajo, guitarras (acústicas y eléctricas), batería, teclados y secuencias, todos bajo la dirección musical de Giorgio Torelli,

a quien atiendo yo. Su set tiene computadores, secuencias, teclados (dos Yamaha: Motif XF8 y Motif XF7), un Moog para dar un poquito de variedad a los sonidos con algo más eléctrico-vintage que está muy interesante, porque ahí suena esa onda retro-moderno para las canciones. Usamos interfaces iConnectivity Play Audio 12, un par, que nos dejan llegar a 24 canales. Lo increíble de estos equipos es que son partes de un sistema que permite tener el back up con cada interfaz conectada a una computadora que corren simultáneamente y, si alguna falla, inmediatamente se cambia a la otra, sin necesidad de clip o brinco. Entonces corremos el show desde

Pablo Javier Gutiérrez de la Torre, “Phil”

Cubase 12 y ese sistema ha sido una solución que incluso nos reduce el peso al viajar, porque con el 90’s Pop Tour cargábamos dos estuches con un peso de 20 kilos cada uno, mientras que aquí vamos con dos computadoras, las interfaces con sus snakes y no pasamos de los 10 kilos”.

“Descubrimos esta solución haciendo el 90’s Pop Tour, luego de ver las iConnectivity en un video del tour de Billie Eilish; nos han dado una tranquilidad bárbara y suenan muy bien, lo que musicalmente es clave, porque las secuencias le dan mucho cuerpo al show; son un apoyo necesario para sonar bien. Se han convertido en el secreto del show”.

“Además de eso, existe una zona de RF dedicada, porque tenemos siete cantantes principales. Estamos trabajando con micrófonos Sennheiser, la Serie 6000, y sistemas in ear PSM de Shure. Debemos estar muy al pendiente, porque la banda entra y salen a escenario

todo el tiempo, cambian de vestuario y hay que cuidar el bodypack y los audífonos, y tener el spare a mano. Todos los técnicos traemos nuestra mezcla y un micro de talk back; yo traigo un inalámbrico y hay fjos que se montaron a los costados, de manera que todo el tiempo estamos en comunicación y dando los cues”.

Equipos nuevos, valor agregado

La sonorización del “OV7 30” está a cargo de la dupla formada por Luis Román “El Valedor” en sala, y Óscar Tovar en monitores. Ambos se han permitido experimentar con equipo o recursos nuevos para agregar valor al show. “Desde antes de los primeros ensayos, Charly, Óscar y yo revisamos riders y el Luis Román, "Valedor"

“Cris Di Carlo es el director artístico que hizo esta fusión entre el teatro y la música; él dibujó y planteó el concepto y nos tocó aterrizarlo”. Carlos “Charly” García.

equipo que íbamos a elegir. Este tipo de show lo llevamos haciendo hace ocho años; nos es muy familiar y sabíamos qué se necesitaba, qué descartar o qué partes debíamos mejorar. En mi caso cambié de consola y estoy con una Yamaha Rivage PM7, debido a la necesidad técnica específca de tener un plug in que este equipo ya trae. Se trata del Portico 5045 Rupert Neve Designs, cuya función es de alguna manera, ‘limpiar’ los micrófonos, de tal forma que se atenúa el micro y te pone el nivel nominal que estés ocupando. En este proyecto que es tan vocal y las tengo al tope, suenan bastante bien y limpias; estoy muy cómodo y contento por cómo funciona”, menciona El Valedor.

“Estamos con 57 canales. La batería la tengo en un grupo y ahí hago una pequeña masterización del sonido en general, después de haber ecualizado individualmente los tambores y poner una pequeña compresión; le puse un ecualizador 773 insertado. Al lado de ese grupo llevo la compresión paralela para darle mucha fuerza y rock a la mezcla. Para el bajo aplico un proceso muy sencillo con otro recurso muy padre que trae esta consola, una textura -no propiamente un plug in- que tiene en el preamplifcador y que añade graves y agudos con colorcito, sin tener una frecuencia en específco. También estoy ocupando mucho los compresores paramétricos, que ahora traen cosas más fnas y precisas que ayudan a mejorar

Audio

OV7: la celebración de 30 años en el Auditorio Nacional

Sistema L-Acoustics K1

Sala

Yamaha Rivage PM7 con plug in Portico 5045 Rupert Neve Designs

Plug in Eventide H3000

Procesador Eventide 2016

Procesador Yamaha SPX

Monitores

Consola Solid State Logic 550 Plus

Sistema de microfonía Sennheiser Digital 6000 (cápsulas MD 435)

Sistemas de monitoreo Shure PSM1000

in ears Ultimate Ears U7, U11

Iluminación

Luces Robe Pointe, LEDWash 600

Luces Elation Professional ACL Matrix, Smarty Max, Chorus Line

Software Vectorworks (diseño)

Software Depence2 (programación)

Consola MA Lighting GrandMA2

“Hay una narrativa escénica que marca lo que ocurre y para eso cosas, como el contenido entre pantallas, efectos, iluminación

Pablo Gutiérrez de la Torre, “Phil”.

frecuencias en particular, sin meter una compresión general del instrumento. Bajo, guitarras y teclados los mando directo al estéreo, lo paso por grupos. Para la secuencia hice también una premezcla, a partir del multitrack que me entregaron y que me ayuda mucho”.

“Para las voces armé también un grupo. Ahí hago una ecualización para los siete micrófonos, teniéndolos todos fat, y luego, ya en cada micrófono en particular, le doy su toque conforme a las voces de cada uno, que son muy diferentes. Cuando ya tengo la mezcla de los siete, veo cuáles son los picos y corto mucho para no clipear ni limitar el sistema. De ahí paso al estéreo, donde realmente dejo fat la ecualización para después ir a cuatro matrices, donde armo la ecualización del sistema L-Acoustics K1 –que hay en el Auditorio Nacional-, que suena espectacular. Finalmente pongo un pequeño compresor para cuidar los pequeños picos”.

“Como efectos, uso un Eventide 2016 para la reverb de la batería, que trae un preset de Joe Chiccarelli, con quien trabajé en el disco ‘Revés/Yo Soy’, de Café Tacvba. Para las guitarras tengo un room, en especial para una acústica y también lo meto un poquito a la eléctrica. En las voces ocupé el mismo de la batería, con diferentes parámetros y en cada canción voy cambiando los tempos. Ocupo también

un procesador SPX y un Eventide H3000 para que le dé apertura y presencia a las voces, más un Chorus muy ligero, porque siempre he pensado que los efectos no se deben notar, sino ser algo que se aplica de forma muy discreta para que ayuden a la mezcla”.

Por su parte, Óscar Tovar, en monitores ocupó una consola Solid State Logic 550 Plus que ha usado por el extra de herramientas y recursos que tiene, como a continuación explica: “Durante la pandemia, Germán Sevillano, de Meridian Proaudio, me prestó una para poder conocerla aún más, pues para mí es importante que cada una de las mezclas que hago en in ears sea en estéreo sí o sí; sonará obvio, pero muchos colegas no lo hacen. De ahí que pida una mesa con grandes recursos, porque en este show armo 27 mezclas en estéreo”.

“De plug ins uso unos maximizadores que pongo al fnal en cada una de las mezclas de ellos; para las voces ocupo otro que me parece es exclusivo de esta consola, que me ayuda mucho a limpiar la señal alrededor del micrófono, haciendo muy limpias las mezclas”.

“Hay recursos como el Padlink, que permite bajar completo todo el grupo de batería. La que tenemos acá tiene siete canales y yo nada más tengo 10 dedos, sólo podría bajar parejo 10, ¿y qué hago con lo demás? Pues con esa función, voy a la mezcla del músico que me lo solicita, ajusto y todo se mueve parejo, ninguna otra consola lo hace tan fácil y tan rápido”.

“En cuanto a micrófonos, siempre me ha gustado experimentar y atreverme y lo que busco en un micrófono es que me entregue lo más parecido a la voz de mi cantante. Aquí probé varios y el Sennheiser Digital 6000 es muy estable en transmisión y tiene un buen receptor. Hice pruebas con varias cápsulas hasta que di con la MD 435”.

“En in ears seguimos trabajando con Shure PSM1000 y algunos Ultimate Ears, que es una marca muy buena y de la que soy distribuidor, por lo que puedo dar servicio directo a quien lo necesite. Traía mis audífonos demo y los probaron; les llamó la atención que se pueden personalizar. Ellos deciden qué audífonos usar y yo, como su monitorista, les doy la opción de que escuchen y decidan. Lidia Ávila y Mariana Ochoa usan los UE7 y están muy contentas; Ari Borovoy trae los UE11; Kalimba usa Clear Tune Monitors; Óscar Schwebel usa Ultimate, y Erika y M’balia usan Shure”.

eso se automatizaron varias iluminación y audio mediante escenas”.

Óscar Tovar

Luminosa celebración

En el apartado de iluminación, Guillermo Consejo armó el diseño y la operación. Ha colaborado con la banda desde mediados de los años noventa y ha vivido con ellos sus cambios, despedida y regreso a los escenarios: “El diseño tiene que ver con la idea de la época en que empezó el proyecto en un plano más moderno”, explica; “es una mezcla de cosas retro con cosas modernas, así que para la elección de equipos pensamos en usar muchos efectos, iluminación en movimiento y colores. Hay mucha actividad de iluminación y hay mucha protección en el sentido de que ellos se vean, se miren y que el público los disfrute. Fue una mezcla interesante, porque pudimos jugar con ambas cosas al mismo tiempo”.

“Estamos utilizando Robe Pointe y 600 Led Wash; de Elation

Professional usamos ACL Matrix, Smarty Max y Chorus Line; usé Vectorworks para el diseño técnico, y el Depence2 para programación, para la que recibí apoyo de Pablo Gutiérrez y Sojo Ávila. Virtualmente, con ellos armamos e hicimos los ensayos generales, con resultados muy buenos. Uso la consola MA Lighting GrandMA2 y básicamente lo que tengo que hacer en cada show es retocar posiciones y ver detalles; ya está todo programado por medio de time code”.

“El video está amarrado con el código SMPTE, que es una gran herramienta, porque todo entra matemáticamente donde debe y ya sólo se trata de ponerme de acuerdo con la intensidad de luz que tengo. Manualmente también tengo cosas para cubrirlos a ellos de manera frontal para que luzcan su vestuario y el maquillaje. Eso y el humo que a veces podría afectar poquito a la visión de las pantallas que hay dentro del escenario son los cuidados que debo tener, de manera que hay feeling de show y todo lo demás va programado”.

Dos tareas con efciencia

Inició como supervisora de teleprompter y ahora es la tour manager. Marisela Ortega Escobedo posee la enorme habilidad de coordinar y fue su conocimiento del show completo del 90’s Pop Tour, desde el teleprompter y la indicación de solo llevar una persona de staff para unas fechas en Estados Unidos lo que le abrió la puerta para el puesto clave en la logística de esta celebración:

“Quedé como tour manager de 90’s Pop tour, dejé de hacer el Marisela Ortega Escobedo

“En este proyecto que es tan vocal suenan bastante bien y limpias; estoy cómo funciona”. Luis Román,

Guilermo Consejo

prompter y para la gira de OV7, Charly me propuso hacer las dos cosas. Además de a los artistas, el prompter lo usan El Valedor y Óscar Tovar, para cuidar detalles como cuando los micrófonos se abren y se mutean”, menciona.

“Ahora, como tour manager, trabajo muchísimo de la mano con Charly (production manager) para tener los horarios de cada show y a partir de ahí marcar horarios de llegada, traslados, buscar vuelos, hospedajes, horas de comida, seguridad y demás. En esto debes desarrollar mucha paciencia y ser organizado. La comunicación también es importante, pero sin duda, la paciencia es algo en lo que he trabajado y sigo”.

Dos años se pospuso este festejo y la cadena de shows que los tiene girando desde agosto de 2021. “Creo que todos teníamos muchas ganas de estar acá y estamos contentos de saber que esto es lo que sabemos hacer y nos gusta. Es un show nuevo con personas que hemos venido colaborando por cierto tiempo y pareciera que siempre traemos lo mismo en equipo, pero no. Aquí hemos tomado riesgos, desafíos y salido de nuestra comodidad para dar un plus y eso se agradece y hace más bonita nuestra labor”, concluye contento Charly.

y las tengo al tope, las voces estoy muy cómodo y contento por Román, “El Valedor”.

“Para mí es importante que cada una de las mezclas que hago en in ears sea en estéreo; sonará obvio, pero es por eso que pido una mesa con grandes recursos. En este show armo 27 mezclas en estéreo”. Óscar Tovar.

Foto: Selene Ortiz Tolentino

Sordera por inatención

atención selectiva

Como ya comentábamos muy brevemente en el artículo anterior de esta columna, entender el fenómeno de ceguera por inatención nos trae muchos benefcios en cualquier proceso de una producción sonora y hasta en la vida misma. A continuación, analizaremos cómo este fenómeno mental del ser humano funciona, cómo no caer en sus trampas y a su vez emplearlo de manera consciente a nuestro favor en la vida diaria y como profesionales del audio.

Defniciones importantes.

La cognición.

Es la capacidad del ser humano para percibir su entorno e inicia desde los sentidos (físicos) hasta la interpretación de nuestro cerebro (mente). Pongamos un ejemplo: Escuchamos la voz de nuestro ser amado. El proceso de cognición inicia con las vibraciones de esa voz en tu tímpano que por medio de un proceso mecánico de alta ingeniería convierte a pulsos eléctricos en las terminaciones nerviosas que se comunican con tu cerebro donde interpretas esa voz; ¿Quién es? ¿Qué te quiere decir? ¿Qué emociones protagonizan ese comentario?

Y demás. Es apasionante ir desmenuzando la forma en la que el cerebro realiza procesos aún de manera inconsciente, como la determinación del timbre de la persona que me habla o la velocidad con que mi mente interpreta si la otra persona está en peligro. Eso nos da para otro artículo, pero en esta ocasión podemos resumir que la cognición es el proceso físico-mental donde nuestro cerebro interpreta nuestro entorno.

Porcentajes de atención.

El investigador, ingeniero y pionero de la neurociencia aplicada al día a día, David del Rosario, explica que nuestro porcentaje de atención de todo nuestro entorno en un instante es de 0.5 por ciento. Expandamos esta idea. En un momento tenemos millones de estímulos sensoriales: visuales, auditivos, del tacto, olfato, internos de nuestro cuerpo y demás. En un instante podemos estar oliendo algún perfume, al mismo tiempo estar viendo a una persona, tocando su mano y tener una piedrita en el zapato. Todos esos estímulos están pasando en el mismo instante. ¿Podemos interpretar a detalle todos esos elementos a la vez? La respuesta es no. De manera consciente podemos solo poner nuestra atención en una fracción de ellos. La neurociencia cognitiva estima que aproximadamente podemos poner nuestra atención en solo un 0.5 por ciento de todo lo que podemos sentir. Eso explica por qué podemos enfocarnos tanto en una película o una obra y olvidarnos de nosotros mismos por momentos (esto también lo analizaremos aquí más adelante).

Sordera por inatención y atención selectiva

Ya que hemos descrito lo anterior, podemos aclarar muy bien estos dos fenómenos, que en realidad es el mismo, pero visto de diferente perspectiva.

La sordera por intención es la incapacidad de nuestra mente de percibir todo su entorno; es decir, al poner la atención en un objetivo en específco, la mente ignora los demás estímulos y es ciega o sorda a todos ellos (aún entre los diferentes sentidos).

Por otro lado, la atención selectiva es la capacidad de focalizar la atención en un punto en específco, de manera tal, que para la mente no hay nada más e ignora el resto de los estímulos.

Con ejemplos cotidianos se puede describir esto de una mejor manera:

1. Cruce de conversaciones en un área pública. Es común que una persona que está platicando con otra en un café, comience a oír la conversación de una mesa a lado y que se interese tanto que comience a escuchar y seguir el hilo conductor de la otra mesa. En automático su mente cancelará la conversación de su propia mesa. Será sordo a la plática de su acompañante, siendo este un fenómeno cognitivo que no tiene

La sordera por intención es la incapacidad de nuestra mente de percibir todo su entorno. Al poner la atención en un objetivo en específco, la mente ignora los demás estímulos y es ciega o sorda a todos ellos (aún entre los diferentes sentidos).

que ver con el estímulo físico, sino que tiene que ver todo con el manejo de la atención y la capacidad de selección.

2. En el estacionamiento: “Bájale al radio para ver mejor”. Al manejar y llegar a nuestro destino, sentimos la necesidad imperante de bajarle al radio para podernos estacionar. Resulta un poco gracioso, porque no se nos hace lógico, puesto que el sonido no impide que nos estacionemos, pero cognitivamente, sí lo hace. La demanda mental para estacionarse es alta y no se puede compartir con poner atención a la música, así que selectivamente elegimos poner atención a estacionarnos y preferimos bajar el volumen para ver mejor.

cambio, el músico asiente con la cabeza de satisfacción por la mejora de su monitoreo. ¿Cuántos pensamientos y puntos de enfoque tiene el músico? La canción que sigue, cómo ejecutar su instrumento, la gente en el público y más. En el momento de evaluar su monitor, debe concentrarse en escuchar el cambio y el ingeniero debe asegurarse de que realmente el músico siente el cambio.

Ejemplos profesionales de audio.

Aquí ponderemos unos ejemplos en algunos fujos de trabajo donde se ve con claridad el manejo de la atención.

1. Canal equivocado o ecualizador en bypass.

Un momento muy especial es cuando te esmeras en ecualizar algún instrumento de manera minuciosa y detallada y de repente te das cuenta de que estás en un canal equivocado o está en bypass. Y entonces te preguntas si estás en la carrera correcta. La verdad es que es algo muy humano que aún a ingenieros consolidados les ocurre. Lo que pasa es que nuestra mente no está enfocada en el sonido y puede ser que estés pensando en tu siguiente movimiento o concentrado en ver una pantalla, de forma que no estás concentrado en el cambio sónico que esperas. Creo que todos los que nos dedicamos a cualquiera de las ramas del audio profesional hemos experimentado este fenómeno.

2. ¿Me puedes mandar más monitor?

Otro clásico es el músico que pide un poco más de referencia en su monitor y que antes de que el ingeniero haga algún

3. Interpretación de una mezcla.

En febrero pasado pude asistir a una masterclass con Yulia Musayelyan, organizada por Berklee College of Music y Rec Música en la Ciudad de México. En dicha sesión, Yulia planteó con una perspectiva muy interesante la escucha y el análisis de piezas por capas (Listening in Layers). Básicamente puso un loop (no multitrack) y fue dirigiendo nuestra atención sobre diferentes elementos musicales rítmicos, armónicos y melódicos. Todos en la audiencia fuimos decidiendo poner nuestra atención en donde ella nos dirigía y fuimos desglosando la pieza. Para mí fue increíble, ya que yo aplico algo muy parecido cuando entreno a los alumnos a desglosar por frecuencia una canción o a encontrar los armónicos internos de una emisión sonora.

La atención selectiva es la capacidad de focalizar la atención en un punto en específco, de manera tal, que para la mente no hay nada más e ignora el resto de los estímulos.

Tips para mejorar nuestro manejo de atención Podremos encontrar decenas de ejemplos y lo importante es tomar consciencia y decisión de cómo manejar nuestra atención para ser más efcientes, desgastarnos menos y centrarnos en lo importante: el producto auditivo (canción, podcast, película, y demás). Aquí algunos tips desde esta perspectiva que para muchos son conocidos, pero que con este contexto toman un sentido especial.

·Orden y estructura: En tus sesiones dentro del DAW o en una consola de audio en vivo, tener todo perfectamente ordenado, con diferentes colores y nombres cortos. La meta es tener todo visualmente fácil; así no desgastarás tu cognición en procesos mentales visuales y los tendrás disponibles para el sonido.

·Cerrar los ojos: En las sesiones de entrenamiento auditivo que tenemos, el alumno mejora considerablemente si estudia con los ojos cerrados. Toda su atención se vuelca sobre lo audible. Algo parecido es disociar la mirada de un objeto y poner tu atención en el sonido justo como cuando recuerdas algo. La gente suele mirar hacia arriba, pero no porque ahí esté su recuerdo, sino porque su enfoque está en la mente.

·Pruebas a ciegas (A/B): Si tenemos la duda de cuánto colorea un preamplifcador o la diferencia de un micrófono a otro en una misma fuente, conviene hacer pruebas a ciegas A vs B, para poder identifcar la diferencia y decir con claridad cuál es cuál. Necesitamos no prestar atención a la pantalla, y ya sea que lo pongamos un shuf fe en un reproductor o alguien más reproduzca el audio por nosotros a manera de examen, solo así podremos enfocarnos en solo escuchar.

A manera de conclusión, podemos decir que la atención es poderosa. Se puede centrar un punto determinado e ignorar todo lo demás. Siendo conscientes de esto y en general de

cómo funciona nuestra mente, podemos entender cómo funciona nuestra escucha y así mejorar fujos de trabajo para llegar al objetivo sónico de manera exitosa.

*Es Ingeniero en Comunicaciones y Electrónica por el IPN. Cuenta con dos diplomados en Neurociencias y educación y Neurociencias para mandos medios, por el Instituto INECO-U. Ha sido docente por más de 12 años en instituciones como SAE Institute y Rec Música y es CEO y director académico en Sonic Ear Training Institute: soniceartraining.com. Contacto: raul.bustos@soniceartraining.com

Javier Limón , masterclass en Rec Música

¡Berklee College of Music viene a México! Javier Limón, ganador de premios Grammy y Latin Grammy Latino, y Yulia Musayelyan, profesora del departamento de Entrenamiento Auditivo en Berklee, presentaron una tarde de clínicas con temas de composición musical, producción y más. El evento se realizó en el Foro Lenin de Rec Música, escuela que forma parte del programa Berklee Global Partner y que está cumpliendo una década de existencia.

Javier Limón, compositor egresado del Conservatorio Real de Madrid, ha estudiado piano clásico, oboe y guitarra. Comenzó su carrera trabajando con varios artistas de famenco y después de conocer a Bebo Valdés y Jerry González, comenzó a trabajar también con músicos cubanos y de latin jazz. Ha colaborado con grandes fguras como Enrique Morente y Remedios Amaya, y en 2004 fue ganador del Latin Grammy a Mejor Productor del año, gracias a su trabajo en los discos “Lágrimas Negras”, de Diego el Cigala y Bebo Valdés; “Cositas Buenas”, de Paco De Lucía; “El Cantante”, de Andrés Calamaro; “El Pequeño Reloj”, de Enrique Morente; “Niño Josele”, de Niño Josele, y “Tributo Flamenco a Don Juan Valderrama y varios artistas”. En 2009, Javier Limón ganó el Grammy por mejor Álbum de Jazz Latino, por la grabación de “Juntos Para Siempre”, una serie de duetos padre-hijo en el piano, de Bebo y Chucho Valdés.

Javier ha combinado varias ocupaciones profesionales en el mundo de las artes y la comunicación y aunque se ha enfocado en la composición y la producción de álbumes, scores de películas y de series de televisión, su trabajo como comunicador y maestro es igualmente impresionante. Ha grabado alrededor del mundo, incluyendo países como Colombia, Francia, Argentina, Marruecos y Estados Unidos, entre otros.

Algunos de sus logros más reconocidos son: créditos en composición y producción en álbumes de artistas reconocidos como Paco De Lucía, Bebo Valdés, Diego el Cigala, Enrique Morente, Wynton Marsalis y la aclamada cantante española Concha Buika. En 200, Javier fue nominado al Latin Grammy por Canción del Año, por “Mi Guitarra”, con el egresado de Berklee, Juan Luis Guerra.

La masterclass que Javier ofreció en Rec Música fue la continuación de dos masterclasses que ya tuvieron lugar en línea y que versaron sobre Producción Musical para la Industria de la Música Latina y Composición de Canciones en Español. En entrevista, el compositor menciona: “Ya había estado alguna vez en Rec Música, conozco a Sebastián Otero -uno de los fundadores-, y me parece que están haciendo un trabajo importantísimo de conexión entre Berklee y la escena musical joven mexicana”.

“Creo que hay una oportunidad importante para ellos, siempre que elijan la calidad. La música latina vive un momento irrepetible. Nunca ha tenido tanta cuota de mercado, pero eso tiene un riesgo, porque hay mucha de esa música que no es buena, entonces hay que intentar explicarles a los chicos que es con el conocimiento y la preparación como realmente se pueden alcanzar cuotas de calidad sufciente para que esto solidifque. Por otro lado, creo que la música de raíz latinoamericana en general y mexicana en concreto aparece ahora como una herramienta muy interesante para llegar a mayores audiencias”.

Acerca de su experiencia con las anteriores masterclasses que impartió en línea, Javier menciona: “Trataron sobre cómo escribir una canción, y hablamos de métrica, de rima, de las letras, la melodía, las armonías y la manera para escribir una canción sencilla, mientras que la segunda fue acerca de cómo arreglar la canción, qué concepto y estilo darle, hacia dónde llevarla y con qué instrumentación, y en esta tercera masterclass hablaré sobre todo de la producción y de cómo he utilizado mis raíces y las he mezclado con otros ritmos como el jazz y con artistas como Caetano Veloso, Andrés Calamaro, Chavela Vargas, Carlos Vives o Juan Luis Guerra.

De los ritmos que actualmente pueblan las listas de popularidad, a Javier le interesan los que incluyen sonoridades electrónicas distintas: “Con esto se pueden hacer de la música que están haciendo compositores jóvenes, señala: “Tengo hijos que quieren ser artistas y yo les digo que vayan por la calidad. Es curioso, pero los Latin Grammy pasados fueron arrasados por Jorge Drexler, que ha hecho excelentes letras y está tocando para 10,000 o 20,000 personas, por lo que está muy bien. Por otro lado, en tiempos en los que los

sencillos están muy presentes en las plataformas digitales, el álbum es una opción, pero si el single permite saber cómo es el artista y puede experimentar y probar qué funciona, así puede sacar un disco completo y tener un repertorio, como Joan Manuel Serrat o Pablo Milanés, con muchas canciones muy buenas”.

Además de su masterclass, Javier Limón se encontró en Rec Música para colaborar en las audiciones para Berklee College, gracias al programa Berklee Global Partner. Rec Música Centro de Estudios Musicales se convirtió en el único centro de estudios superiores en México que tiene un convenio de transferencia de créditos con la institución de Boston y está cumpliendo una década de haber recibido a su primera generación. Fue fundada por Fernando Chávez, Mijal Grinberg y Sebastián Otero.

Javier Limón y Yulia Musayelyan

Universal Music México,

una revolución musical

En su misión de brindar nuevas experiencias audiovisuales, Universal Music México se coloca a la vanguardia del entretenimiento al presentar su nueva sala musical, equipada con un sistema de escucha Dolby Atmos, tecnología que está cambiando la forma en la que escuchamos, sentimos y experimentamos la música. Como parte de su ADN, la compañía musical líder en el mundo realizó el evento de presentación de este nuevo espacio, que es el primero en su tipo en Latinoamérica.

Este lugar ha sido rediseñado y equipado con la tecnología más avanzada, con el fn de brindar a los fanáticos y artistas momentos inolvidables a través de una nueva experiencia auditiva. La incorporación de Dolby Atmos en la música permite al oyente sumergirse en los detalles de cada canción. Para lograrlo, este sistema coloca sonidos alrededor de la persona, aprovechando los diferentes puntos del espacio físico, lo que genera la sensación de estar dentro de la canción.

Así, el auditorio Dolby Atmos de Universal Music México, edifcio que ha visto pasar por sus instalaciones a grandes fguras de la música, como Queen, Metallica, Olivia Newton John, George Martin, J Balvin, Karol G, Sebastián Yatra, Morat, Billie Eilish, The Killers y Santana, ha sido acondicionado por 3BH, empresa mexicana con 15 años de experiencia en el campo de la innovación tecnológica. Además, Universal trabajó de la mano con el equipo

de consultoría de Dolby, quienes se involucraron en el proceso para brindar la total seguridad de que la sala cumple con los estándares de calidad técnica de la empresa. Para celebrar la inauguración, Kurt, artista entusiasta de esta innovación sonora y nominado dos veces al Latin Grammy (en 2020 como Mejor Artista Nuevo y en 2022 en la categoría de Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional por su álbum “La Vida”), presentó su material más reciente en Dolby Atmos, que también está disponible en Apple Music, Amazon Music y Tidal.

Fotos: Cortesía Universal Music

Además de la presentación del álbum de Kurt, fue realizado un viaje en el tiempo al revisitar grandes clásicos en formato Dolby Atmos, como The Beatles y Elton John. Universal Music México, como líder en catálogo de este formato, ha puesto a disposición de los fans en su misión de brindarles esta nueva experiencia inmersiva, el amplio catálogo de Zoé (incluido su más reciente álbum “Sonidos de Karmática Resonancia”); el álbum más reciente de Mon Laferte, “1940”, el catálogo de León Larregui, tendencias actuales anglo como “Gloria” de Sam Smith y el repertorio de Rihanna, que celebran su próxima participación en el show de medio tiempo del Super Bowl 2023, además de nuevos sencillos de Alejandro Fernández, “Inexperto en olvidarte” y “XT4S1S” de Danna Paola.

En entrevista, Giovanni Asselta, Senior Sales Manager de Dolby Latin America, menciona: “Recuerdo que hace seis meses con 3BH sacamos todas las dimensiones e iniciamos el proyecto; después de eso, Alfredo gestionó lo que sucedió después. Alfredo Delgadillo, Managing Director de Universal Music México, agrega: “Cuando ofcializamos con Dolby y 3BH que que ya estábamos listos, tuvimos que pasar un proceso de casi ocho meses. Cabe mencionar que este auditorio tiene cerca de cuatro años de haberse renovado: instalamos las pantallas y trabajamos en la acústica. Se trata de inversiones muy grandes y teníamos un reto, porque nos encontramos con que, debido a la pandemia, los equipos electrónicos estaban agotados, pero logramos tenerlos el año pasado para que no perdiéramos la oportunidad. El auditorio se terminó en diciembre de 2022 y hubo un proceso de autorizaciones para llegar a este día. Digamos que del día uno hasta este día han pasado casi dos años”.

tener la amplitud necesaria; entonces fue un encuentro entre la parte interna y externa de la compañía y 3BH. Fue un proceso muy bueno porque la gente de la central entró desde un ángulo que normalmente buscaría justifcar la razón para entrar y en ese momento fue genuinamente para ayudar y robustecer el proyecto, entonces fue muy buena la sinergia entre todos”.

Alfredo Delgadillo

“La selección de los equipos se dio gracias a una combinación de las recomendaciones de Dolby y 3BH y luego entró la parte externa del grupo de Universal Music desde la central a validar la información. Ahí hubo algunos ajustes para que el sonido pudiera

Se trata de la primera sala de música Dolby Atmos en Latinoamérica. Dicha compañía valida que el espacio tenga las especifcaciones técnicas y del nivel necesario para que se instale la placa que reconoce que ha seguido todas las recomendaciones de Dolby.

Alfredo comenta: “Estamos muy orgullosos de haberlo hecho, porque nosotros nos enteramos en el camino de que somos la primera sala en su tipo en Latinoamérica y no era algo que esperábamos. Creemos que este es el paso que se necesitaba internamente para que el artista se convenciera de hacer más música en este formato y que se involucren en esto”.

Giovanni añade: Dolby Atmos puede ser el nuevo estándar de audio, porque con una única mezcla se pueden tener todos los formatos; sabemos que con el tiempo esto avanzará.

“Lo que haremos nosotros es estar del lado de la tecnología; la música tiene que evolucionar y debe hacerse con la mano de estos recursos. Es un formato que tenemos que abrazar, como en su momento lo hicimos con el resurgimiento del vinil o algunos momentos particulares del cassette. Dolby Atmos es un formato muy importante, porque no es solamente para escuchar mejor la música, sino que ofrece una experiencia distinta. Afortunadamente, Universal es una compañía que en todos sus departamentos está conectada con lo artístico y apoyan estos proyectos”, agrega Alfredo.

Por último, Giovanni Asselta menciona: El último año, Dolby lanzó 50 estudios Atmos y creemos que al fnal de este año tendremos más de 100 en Latinoamérica. Trabajamos para que cada vez más equipos, servicios y todo el ecosistema en la Industria musical utilicen nuestra tecnología”.

Kurt

Giovanni Asselta, Daniel Castillo y Carolina Anton, de 3BH

Gabriella Galán, el valor del aprendizaje constante

Pionera en el ámbito del diseño de proyectos en refuerzo sonoro, Gabriella Galán es ingeniera por la Universidad Politécnica de Madrid, donde cursó una especialidad en audio y video que le permitió unir sus dos mayores pasiones: la música y la ingeniería en audio. Su presencia es familiar en nuestra Industria, pues ha realizado el acondicionamiento de arenas, auditorios, teatros y eventos especiales por más de una década.

Abrirse camino

Contagiada por la melomanía de sus padres, Gabriella expuso sus oídos al jazz, la música clásica y lo popular desde la cuna, al tiempo que las matemáticas eran un gusto adquirido: “Me gustaban desde muy chica ciertos sonidos que no eran comunes para mi edad”, menciona; “músicos como Freddy Noriega y Los Carpenters, y por otro lado, las matemáticas y la física se me daban fácil. Cuando empecé a decidir qué quería estudiar estaba en con ficto entre la música, las matemáticas o alguna ingeniería. Mi primer acercamiento fue más pronto hacia la música, porque tuve clases de piano desde chica y entré a la Escuela Nacional de Música a hacer el curso propedéutico que me sirvió para saber si realmente quería dedicarme a eso”.

“Luego me fue llamando la atención la ingeniería y un día, mi mamá supo que había una ingeniería relacionada con la música y empecé a investigar. Se trataba de ingeniería en audio y encontré algunas universidades que la impartían en el extranjero. Antes de irme, me acerqué a hablar

con Salvador Castañeda, que era el encargado de educación para Meyer Sound México y le pedí consejo sobre irme o quedarme, a lo que me dijo que si tenía la posibilidad, estudiara afuera. En el ínter de mi indagación empecé a estudiar Ingeniería en Electrónica y Comunicaciones en México, pero como no quería sólo eso, encontré dos escuelas, una era la Universidad Austral de Chile y otra en Estados Unidos, pero luego di con la Universidad Politécnica de Madrid, que tenía una especialidad en audio y video y ahí empecé mi camino, sorteando las complicaciones que implicaba irme. Estaba contenta porque iba a poder hacer la mezcla de música e ingeniería”.

El desafío de ser en un ámbito nuevo

Tras cinco años de formación en Madrid, a su regreso a México, el enfoque de la vocación de Gabriella se encausó hacia el refuerzo sonoro y el diseño de proyectos. “Al principio, creo que a todos nos pasa que estamos fascinados con las consolas y los shows, pero conforme fui avanzando, descubrí la carrera de Refuerzo Sonoro; así tal cual se llamaba, e hice mi primer acondicionamiento de un aula y me gustó muchísimo, porque combinaba las dos áreas: la parte de proyectos junto con el diseño de audio. Me metí con más fuerza en la acústica y empecé a enfocarme en esa área, pero no veía en la práctica un campo de acción en eso. Todo era la parte en vivo y no sabía cómo iba a regresar a México e integrar esa área”.

“Al volver, lo que me urgía era empezar la práctica, y por el conocimiento que traía, entré a un área de diseño y proyectos para estudios de televisión y luego, por otro azar de la vida, tuve

una entrevista con Morris Gilbert en los Teatros Telmex con una ingeniera, Adriana Beatty, que ahora que lo veo en retrospectiva, llegué sin la experiencia, pero la verdad es que me recibieron muy bien. Ahí también conocí al ingeniero Isaías Jáuregui, que me explicó que necesitaban a alguien para operar ‘El Rey León’. Como yo no tenía experiencia en eso y él era en ese momento ingeniero de Yuri, me invitó a verlo trabajar y enseñarme”.

“De verdad me topé con gente correcta y buenos colegas, pero seguí buscando en lo mío y por alguna conexión de mi hermana con Meyer Sound, me dijo que los buscara y así di con Antonio Zacarías. Me hizo entrevistas y exámenes y así fue como entré a trabajar en la compañía en el área de Proyectos para México y Latinoamérica y donde estuve once años”, recuerda Gabriella.

Me gustaban desde muy chica ciertos sonidos que no eran comunes para mi edad; músicos como Freddy Noriega y Los Carpenters, y por otro lado, las matemáticas y la física se me daban fácil”.

Demostración

De las experiencias más destacadas de esa faceta, Gaby enlista las dos visitas del Papa Benedicto XVI, a Silao y Ecatepec; las Lunas del Auditorio Nacional, el acondicionamiento de la Arena Ciudad de México, la Arena Monterrey, discotecas, palenques, teatros y estadios en todo el país y Latinoamérica. “Lo del Papa fue enorme en cuanto a coberturas, la distribución de los delays en un área tan grande, la intercomunicación, el uso de la fbra óptica y la recepción de las señales, Fue un reto muy importante. Otro que recuerdo mucho fue el Centro Cultural Roberto Cantoral, un lugar cuya acústica natural debía sonar también con refuerzo sonoro”.

Respecto al uso de equipos y tecnologías que la ingeniera ha visto llegar, implementar y ver evolucionar en su ámbito, están el arribo del sistema Constellation de Meyer Sound, aplicado en teatros como el Telcel. “Esos desarrollos me dieron otro panorama sobre cómo abordar el diseño sonoro en los lugares y generar una experiencia; algo que hoy ha caminado hacia Dolby Atmos y toda esa parte de refuerzo sonoro multicanal; el transporte de la señal analógica a lo digital y el envío de video por cables UTP, innovaciones que me han tocado y he debido aprender en el camino”.

“Me mantengo en capacitación constante con marcas, aprendiendo tecnologías en distintas maneras, como en webinars que crecieron en la pandemia, por ejemplo. Ahora, con el giro de Campo Sonoro, que brinda servicios de instalación, estoy buscando algún diplomado en arquitectura, y también quiero saber

Durante la visita del Papa, 2012

“Seguí buscando en lo mío y así conocí Entré a trabajar a Meyer Sound en México y Latinoamérica y ahí

sala de congresos Latam

cómo explotar más los lugares con realidad virtual y lo interactivo; el uso de drones en eventos como la apertura de las Olimpiadas, como la de Beijing, que fue un parteaguas para mí, y ahora todo eso, orientado a las experiencias sonoras, como lo que está pasando en Las Vegas. También me he metido a la parte eléctrica, porque luego se cojea un poco en ese rubro al armar proyectos en la acústica”.

Los valores de Campo Sonoro

Con la experiencia y búsqueda constante en aprender y aplicar innovación, tal como lo ha relatado Gabriella, ha ideado para Campo Sonoro, junto con Erick Tapia, un concepto de servicio que busca la integración tanto del proyecto como el diseño:

“Además de eso, tenemos la venta de equipo profesional y asesoría. Tenemos aliados especialistas y estamos impulsando para darle fuerza. Siempre he sido inquieta y curiosa de buscar un poco más allá. Ahora estoy en una etapa en la que vuelvo a ser aprendiz, incluso en otras áreas, como la comercial o la parte administrativa, lo que me pide Campo Sonoro”.

Finalmente, Gabriella recomienda a quienes anhelan unirse a la comunidad del audio a que defnan qué les llama la atención: “El audio es noble y se pueden elegir diferentes áreas. Yo quería la mezcla entre ofcinas y proyectos, lo busqué y sé que soy muy buena para eso. Se trata de conocer un poco más qué se quiere, tener la curiosidad y la seguridad de buscar para dar con ese camino y acercarse a las personas que están ahí, porque hoy se ubican fácilmente en redes sociales y seguro los pueden orientar. Este es un mundo fascinante”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

conocí a Antonio Zacarías. en el área de Proyectos para ahí estuve once años”.

Soporte Auditorio Nacional

Diseño de audio distribuido en la Arena CDMX

¡Motores encendidos!

Es una cita. Los próximos 23, 24 y 25 de abril, la Industria de la Música y el Espectáculo se volverá a reunir en el World Trade Center CDMX para festejar la edición número 19 de sound:check Xpo. Más de 10 mil metros cuadrados de exhibición de las marcas y tecnologías para el audio, video, iluminación, DJ, backline, escenarios y servicios para la Industria estarán presentes en la Sala Mexica del recinto, aunados a espacios como Salas Demo, el Auditorio sound:check, la Jornada Educativa y la Galería de la Industria, como el evento nos tiene acostumbrados desde su primera edición en 2003.

Las novedades tecnológicas y los profesionales que estarán presentes para compartir sus experiencias podremos encontrarlos a lo largo y ancho de la exposición y las salas demo, donde podrán conocerse de primera mano las marcas y equipos disponibles. El conocimiento y el networking serán algo fundamental en cada rincón de sound:check Xpo.

Avances sound:check Xpo 2023

Auditorio sound:check

Tendremos el placer de recibir a importantes personalidades del medio, quienes compartirán sus experiencias y conocimiento generosamente en Masterclasses:

Domingo 23 de abril.

Alonso Arreola.

Bajísmos y palabrarísmos. Conversatorio performático sobre el bajo eléctrico, la literatura y la creatividad.

Bajista. (La Barranca, Luz de Riada, Monocordio, LabA, Arreola + Carballo, Michel Houellebecq, Alejandro Sanz, Mike Garson, Pat Mastelotto, David Fiuczynski, Jaime López, Denise Gutiérrez).

Lunes 24 de abril.

Benny Ibarra.

¡El Rockstaff! Un romance artístico con la tecnología.

Músico mexicano, cantante, productor, compositor, arreglista y actor. (La Onda Vaselina, Santa Sabina, Edith Márquez, Sasha, Benny y Erik, “El hombre de la mancha”.

Martes 25 de abril.

Fela Domínguez.

Abraza Tu Pánico Escénico.

Cantante. (Ha colaborado con Carlos Rivera, Pepe Aguilar, Pandora, Emmanuel, Daniela Romo, Mijares y Alejandro Fernández y en teatro musical en “El Rey León” y “José El Soñador”).

Avances sound:check Xpo 2023

Además, el domingo 23 de abril se presentará en este mismo espacio la conferencia del productor Ed Stasium (Talking Heads, Gladys Knight and the pips y The Ramones), que estará acompañado por John Krivit, expresidente de Audio Engineering Society (AES) a nivel mundial. Imperdible.

Soundgirls

La organización, con origen en Estados Unidos y con una importante representación en México, recibirán la visita de importantes mujeres profesionales del audio, que hablarán de distintos tópicos de nuestro gremio en sus masterclasses:

María Elisa Ayerbe. Ingeniera de sonido y productora musical colombiana, ganadora del Latin Grammy, con más de 15 años de experiencia en grabación, mezcla, post-producción de audio y producción musical con Mary J Blige, Ricky Martin, Marc Anthony, New Kids on the Block, Juanes, Laura Pausini, Paula Arenas, Aterciopelados y muchos más.

Más conferencias se realizarán en este auditorio, bajo el nombre de Tendencias Tecnológicas de audio, video, iluminación y producción, con la presencia de experimentados profesionales de la Industria. Además, otras sesiones que formarán parte de esta jornada educativa en sound:check Xpo serán realizadas en las salas Tajín, Petén, Uxmal, Monte Albán y Palenque. Organizaciones como AES México, el Centro de Creadores Musicales (CCM), Avixa y Soundgirls presentarán varias actividades atractivas para los asistentes.

Salomé Limón. Productora, diseñadora e ingeniera de sonido, presidenta fundadora de PIAudio (Asociación Iberoamericana de Productoras e Ingenieras de Audio) y miembro activo de Grammy Academy y secretaria del CPI (Círculo de Productores e Ingenieros) de los Latin Grammy. Es ganadora de 5 Latin Grammys. Ha trabajado con Seal, Wynton Marsalis y Abraham Laboriel, entre una extensa lista de artistas.

sound:check La industria de la música y el espectáculo

Ed Stasium

María Elisa Ayerbe

Salomé Limón

Natalia Perelman. Productora musical, técnica de grabación y mezcla y mastering, música y docente. Ha trabajado en los principales estudios de grabación de Argentina, grabando tango, folklore, rock y pop con artistas de la talla de Gustavo Cerati, Charly García, Andrés Calamaro, León Gieco, Abel Pintos, Hilda Lizarazu y Teresa Parodi, entre muchos otros.

presentarán las artistas Vivir Quintana, Mare Advertencia y León Neón. Así, mujeres y hombres que asistan tengan una idea precisa de la producción sonora, poniendo en alto el trabajo que Soundgirls ha realizado en nuestro país.

Galería de la Industria

Desde su particular visión y bagaje, Lourdes Botello ha capturado la esencia del ser interior que habita en cada artista. Cada obra refeja un relato visual, una historia íntima y honesta que contar…a través de esta exhibición invitamos a sumergirse en un viaje para descubrir al ser que habita más allá de la música y los escenarios y así admirar aún más la vida y obra de estos seres geniales y extraordinarios que llamamos “estrellas”. Gracias a Eclectic Art México, esta artista plástica se integra a la Galería de la Industria en sound:check Xpo 2023.

A estas actividades se suma la mesa redonda a la que Soundgirls y Latin Grammy invitan, en la que mujeres miembros de la Academia Latina de la Grabación platicarán sobre el crecimiento y desarrollo profesional, así como de la participación de las mujeres en la industria de la música y su participación dentro de los Latin Grammy. Integrarán la sesión Isabel Paz (Directora de Servicios a Miembros en Latin Grammy , Natalia Perelman, Salome Limón, Maríaa Elisa Ayerbe y Carolina Anton, presidenta de Soundgirls México, quien será la moderadora.

Por si fuera poco, diferentes conciertos serán realizados en el escenario Soundgirls en Sesiones Acústicas, en las que se

El registro está abierto. Nos vemos los próximos 23, 24 y 25 de abril en el evento de la Industria de la Música y el Espectáculo en nuestro país. ¡Los esperamos en sound:check Xpo!

Vivir Quintana

Natalia Perelman

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