soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

Morat: ayer y hoy en el Palacio de los Deportes

8. Nuevos productos

Columnas invitadas

16. La evolución sonora en la música regional mexicana

Por Ferrer León

26. Tres minutos no son suficientes

Por Jairo Guerrero

44. Serie del libro “Lo Humano del Audio”

Por Darío Peñaloza

20. Congreso Evangelista 2023: pasión y creatividad

Por Marisol Pacheco

52. Entre lo técnico y lo sensible. ¡Automatiza el master fader!

Por Alan García

Notas del medio

62. Ramiro Pastrana: producción en los nuevos tiempos

64. “Azar” cautiva el ámbito internacional

66. Fabiola Roudha arma “Un

Eventos

en Espiral”

68. Estudios Churubusco: Una nueva era en servicios musicales

Por Marisol Pacheco

70. Yamaha DM7: la vanguardia y más allá

Por Nizarindani Sopeña Romero

72. Christie distingue a Croma Digital

4. Detrás del micrófono Francisco Lelo de Larrea, celebrando el ahora

música y el espectáculo

viaje

30.

40. Neurociencia sónica Sesgos Cognitivos | Efecto Halo Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda

48. En concierto CHAUVET Professional en los 40 años de Hombres G

72. Un encuentro con Miguel Laure y Servicios MIL, la herencia de Mike Laure

Por Juan Carlos Flores

EDITORIAL

DIRECTORIO

D i r e c c i ó n Jorge Urbano

E d i t o r a y c o p y w r i t e r

Nizarindani Sopeña

D i s e ñ o Héctor Barrera

S t a f f E d i t o r i a l Marisol Pacheco

A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho

Daniel Villavicencio

Fabiola Nájera

V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez

En un mundo en el que la información corre a una velocidad vertiginosa, las propuestas musicales se esparcen en cuanto aparecen, y si gozan de la preferencia del público, el éxito global es muy seguro, pudiendo realizar giras en todos los continentes, en las que los equipos humanos pueden provenir de variados países. El talento no conoce fronteras.

Además de la creatividad y la tecnología que nuestro reportaje central incluye, lo anterior es clave en la conquista de públicos en México, Latinoamérica y España, como lo prueba la banda que ocupa nuestras páginas centrales. Un staff altamente especializado, que ha entendido a la perfección las exigencias de la producción, se ha reunido en un dream team de diferentes nacionalidades, que está de tour con llenos totales y que en recintos como el Palacio de los Deportes han llevado a Morat a las alturas musicales.

Estos crews guerreros, como ya sabemos, se pueden encontrar en todo tipo de espectáculos o eventos especiales, y en esta edición podremos conocer también los equipos humanos que día a día los realizan, en foros como la Arena Ciudad de México. Además, a nuestra lista de talentosísimos colaboradores que habitualmente nos comparten sus experiencias y conocimientos, se suman dos autores más que estarán ofreciendo diversos temas que pueden ser de mucho provecho para nuestros lectores. ¡No olviden leerlos!

Tecnología, noticias, temas técnicos y otros no tanto, pero igualmente útiles para los profesionales del gremio podrán encontrar en esta sustanciosa edición, que demuestra que la Industria de la Música y el Espectáculo en México y el mundo está plenamente activa y que el camino hacia adelante se ve claro.

Sigan con nosotros, porque lo que sigue se va a poner muy bueno. ¡Hasta la próxima!

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García

E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga

C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores

I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

T e l é f o n o (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 25, No. 300. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

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Francisco Lelo de Larrea celebrando el ahora

Guitarrista, compositor, docente, músico de sesión y de acompañamiento. Francisco Lelo de Larrea tiene su lugar como uno de los guitarristas de referencia en el jazz mexicano y es el lanzamiento de su segundo disco en formato de quinteto, “Ataraxia” (Fonarte, 2022), junto a figuras de la síncopa mundial como Antonio Sánchez (batería), David Binney (sax alto), Elliot Mason (trombón) y Scott Colley (contrabajo), lo que nos permite abordarlo para conocer los principios de producción -ejecutiva, musical y técnica- que lo hicieron posible.

Aquí y ahora

Con arreglos y composiciones de su autoría que aluden al post-bop y el jazz contemporáneo, Francisco relata que el proceso de composición tuvo como hilo conductor el concepto de “Ataraxia”, ese estado de tranquilidad pura planteado por la filosofía estoica, que él trasladó a lo que considera es la verdadera felicidad a la que se puede aspirar: vivir aquí y ahora, y de ahí, llevó el concepto a ese momento de inspiración único que da poder improvisar con otros músicos.

“Como yo lo veo, una de las grandes formas para alcanzar la ataraxia es vivir el aquí y el ahora, sin que el pasado o futuro te angustien o acosen. El estado pleno al que podemos llegar como seres humanos es ese, que si bien no representa toda tu vida, sí marca donde se encuentra concentrado en ese instante. Musicalmente es cuando experimentamos la improvisación espontánea sobre el escenario; la interacción con los músicos y el nivel de comunicación que existe en ese momento y hora en que podemos crear arte”.

“[Llevado a los temas y selección de músicos del disco], hay algunas composiciones que tenía de hace diez años -como “Now you drink it or spillt!”,- cuando vivía en Nueva York e hice una maestría en jazz en el Aaron Copland School of Music, en Queens College. Vivía en Queens, el mismo barrio que Antonio Sánchez, y aunque ya nos conocíamos de años atrás en México cuando coincidimos en la Escuela Superior de Música, fue allá

que nos hicimos más cercanos y siempre le decía que cuando grabara mi segundo disco lo buscaría junto a otros de mis héroes músicos en el formato de quinteto que me gusta: saxo alto, trombón, contrabajo, batería y guitarra”.

“Mientras buscaba el apoyo económico, pude conocer por la convivencia con Antonio a músicos como Scott Coley, gran contrabajista que ha tocado con Jim Hall -uno de los músicos que admiro y de los más grandes de la historia-, que ha tocado con Antonio por 20 años y que han sido sección en grabaciones y giras de diferentes proyectos. Teniendo a esos dos pilares en la sección rítmica contacté a Eliot Mason, un trombonista que vengo siguiendo desde hace mucho tiempo, que tocaba con Tim Miller -un guitarrista que admiro mucho y me voló la cabeza-. Mi música ya estaba ideada y proyectada con un trombonista, porque me gusta mucho el timbre y color que se genera entre éste y la guitarra cuando tocan al unísono, octavados u armonizados; genera unos colores padrísimos que me encantan”.

“Era mediados de 2022 y ya tenía los recursos. Antonio y Scott estaban disponibles y la verdad es que tener a Antonio abrió el umbral para que todo se diera de manera más fácil: estando él, Scott y Elliot, le hablé a David Binney, ex Lost Tribe -donde tocaba Adam Rogers y David Gilmore (no el de Pink Floyd)-, banda de la que tenía todos los discos y me fascinaba el nivel de las producciones por su sonido, la mezcla y el máster de

“El proceso de composición tuvo como hilo conductor el concepto de “Ataraxia”, ese estado de tranquilidad pura planteado por la filosofía estoica”.

sus discos… He seguido a Binney con todos sus proyectos y también su trabajo como productor. Lo conocí en Nueva York cuando tocaba con Antonio, y cuando le dije quiénes ya estaban todo fue de ‘¡hagámoslo, venga!”.

Parte clave para el financiamiento de esta producción fue lograr la beca de Apoyos a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, la cual pone el 70 por ciento del costo total, de tal forma que en la figura de producción ejecutiva, para cubrir el 30 por ciento restante, estuvo a cargo del melómano y abogado regio, Alfredo Gómez Pérez, quien ha sido cercano seguidor de la propuesta musical de Francisco.

“Alfredo es un melómano y empresario y es socio de un club de jazz en Monterrey -el Saxy Jazz Club. Yo también soy de Monterrey y tuve la suerte de conocerlo y de que, además, le gustara mi aproximación a la música y de que incluso se identificara con ella. Era obligado tener ese inversionista para aplicar a la beca y, cuando le hablé del proyecto, lo que significaba para mí y lo que podía significar para la escena del jazz en México, no dudó y le entró”.

En las entrañas de la producción Francisco fungió como productor musical del álbum y para la selección del estudio de grabación, contactó a Óscar Zambrano, ingeniero mexicano que se ha especializado en masterización y que radica desde hace años en Nueva York: “Óscar estudió ingeniería en audio y producción en Berklee College, es super talentoso y tiene trabajo allá. Ha masterizado todos los discos de Magos Herrera y álbumes no sólo de jazz, sino también de pop, rock, y R&B. Ha ganado varios Grammys y tiene su empresa Zampol Records. Nos conocimos en Guadalajara, en uno de los encuentros de Tónica y desde entonces estamos en contacto. Le ofrecí participar pero no podía y fue quien me recomendó a Fernando Lodeiro -ingeniero de audio de Esperanza Spalding, quien le ha hecho sus grabaciones y mezclas, tiene tres Grammys y también ha colaborado con Paul McCartney-; estaba a punto de mudarse, pero pudimos lograr que los tiempos cuadraran y él sugirió hacer la grabación en Atomic Sound Records, en Brooklyn”.

La grabación consistió en un lockout de diez horas, donde imperó el profesionalismo de los músicos y la apertura para aportar, abiertamente, a las composiciones de Francisco: “Les

mandé la música un mes o dos antes. Reservamos el estudio por 10 horas…son músicos increíbles, leen lo que les pongas y lo hacen a la primera; interpretan increíble, proponen, dan su arte en cada sección, nota y compás. Fue una experiencia maravillosa. Escuchas el arte y la esencia de cada uno de los músicos. Yo estaba muy feliz, sin presiones, porque son amigos y la vibra se sentía, no sólo por la amistad, sino también por el nivel profesional”.

“Las composiciones y arreglos son míos; la idea, el orden de los solos y cómo se estructura cada una fueron hechas para que cada quien las hiciera suyas y se sintieran libres para hacer algo. Yo usé mis guitarras Gibson 335 de 1978 y mi De la Garza Custom (fabricada por el laudero regio, Roberto de la Garza,

“Fue un gran aprendizaje para mí convivir con estos tremendos músicos y compartir mis composiciones, que la valoraban al nivel en que la ejecutaron”.

para los overdubs). Hubo energía, sinergía y química para que ellos lo sintieran así y se involucraran -que es algo que estoy seguro que hacen en todas las producciones-. Es gente que no sólo siente la música a gran profundidad, sino que la viven por los retos que implica y que ellos mismos generan. Fue un gran aprendizaje para mí convivir con ellos y compartir mi música, que la valoraban al nivel en lo hicieron”.

Por su parte, el proceso de mezcla fue un ejercicio desafiante de confianza en la labor de Óscar: “Se lo dejé totalmente a él, porque los músicos solemos caer en el perfeccionismo absurdo y te puedes clavar en que escuchas todos los errores y nada te gusta. Cuando me mostró la sesión me gustó, pero luego me estaba yendo a eso que digo. Traté de mesurarme y superar esa batalla, confié plenamente en Óscar y al escuchar el CD fue maravilloso, quedó perfecto”.

La cereza del álbum fue el gusto de tener como arte de portada una obra original del artista plástico Jazzamoart: “Le mandé la primera canción y se puso en acción a pintar con lo que la música le decía. Ya no pude ver la obra en vivo porque apenas la publicó, se la compraron. Pero es una alegría que haya podido ser parte con un cuadro de él para la portada porque es alguien a quien también he seguido por muchos años”, menciona contento Francisco.

“Ataraxia” se puede adquirir físicamente directamente con el guitarrista y en puntos de distribución como las Librerías Educal de todo el país. Desde luego, por la distribución de Fonarte Latino lo encontrarán también en todas las plataformas digitales y ya se trabaja un convenio con Ropeadope para su llegada a Europa.

Ustedes no pierdan la oportunidad de escuchar el sonido de esta placa, cuya carta de presentación estamos seguros levantará la conversación entre la comunidad de melómanos, audiófilos y músicos.

Entrevista: Nizarindani Sopeña/Redacción: Marisol Pacheco

La industria de la música y el espectáculo

Universal Audio

Colección de plug ins de compresor/limitador Capitol Mastering Compressor

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DPA

Micrófonos de lápiz cardioides 2012 y 2015

Audient

Preamplificador para interfaz de audio EVO SP8

Ideal para interfaces con conectividad ADAT, este preamplificador AD/ DA de alto rendimiento y 32 bits, tiene 8 previos XLR/TRS, 8 salidas analógicas TRS balanceadas más opciones de configuración inteligentes. Inovaudio. 55 5547 3273 www.inovaudio.mx audient.com

Pensados para atender con versatilidad distintos proyectos para sonorizar instrumentos en en giras, los micrófonos 2012 y 2015 brindan un manejo superior de SPL y respuesta transitoria cuando se requiere hacer microfonía próxima a la fuente de sonido. Incluyen funda y los kits estéreo van en su estuche con cremallera, un soporte para micrófono y anti-vientos.

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Chauvet Professional

Luminaria Ovation CYC 3 FC

Ideal para aplicaciones de operación silenciosa, este ciclorama wash y luminaria a piso entrega singular realismo y saturación de color, gracias a su sistema avanzado de mezcla de colores RGBAL (180 RGBAL LED) provisto en las luminarias de la serie Full Color Ovation. Su rango de temperatura de color va de 2800 a 6500 K, y su CRI a 3200 K es de 90. Chauvet México. 728 690 2010 chauvetprofessional.com

Green Hippo

Software para edición multimedia Hippotizer V4.8

Esta versión del popular “Hippo” incluye Show Manager y Preset Timelines, además de añadir funciones como codificación de medios ampliada, acoplamiento de interfaz de usuario SHAPE y la compatibilidad con NDI 5.5. para más libertad creativa y soporte sobre nuevos códecs de video y compatibilidad con los ya existentes. Preset Timeline simplifica la interfaz de usuario para programar líneas de tiempo preestablecidas que se pueden convertir en una sola estándar. www.green-hippo.com

Martin Audio

Sistema de altavoces FlexPoint Portable Series

Con un diseño acústico de vanguardia, la serie FlexPoint incursiona en la gama de altavoces compactos e independientes, equipados con configuración pasiva de dos vías en sus cinco modelos: FP4, FP6, FP8, FP12 y FP15. Se pueden implementar como refuerzo de sonido en vivo, sonido de teatro y AV corporativo hasta sistemas de sonido distribuido y entornos inmersivos que se pueden optimizar a través del Martin Audio iKON con DSP integrado. Se ajustan con facilidad al entorno donde se les utilice mediante el software de predicción 3D, Display 3. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx martin-audio.com

Nuevos Productos Backline

Boss

Amplificador de guitarra Katana-Artist MkII

Se trata de un gabinete con 100 watts de potencia con amplificador de potencia de clase AB analógico que mejora la tonalidad y respuesta; permite cinco modos de amplificación con sus respectivas variaciones, además de secciones Booster, Mod, FX, Delay y Reverb con tres variaciones en cada una. tienda.rolandmx.com boss.info/mx

Ashdown

Amplificador de bajo Studio Stool

Con la particularidad de estar adecuado para sentarse cómodamente sobre su superficie, este gabinete de 150 watts de potencia posee un parlante de 10” y es una opción perfecta para estudios y escenarios pequeños. Tiene la construcción clásica de los amps de Ashdown con una asa lateral para facilitar su transporte, así como pies en ambos lados de la caja para su acomodo en posicionamiento horizontal y vertical. Cuenta con un compartimento de almacenamiento para guardar pedales de efectos, cables, afinadores y más. Gonher Music Center. 87 1242 0508

gonhermusiccenter.com ashdownmusic.com

D’Addario

Sistema de accesorios para soporte de micrófono Mic Stand Accesory System

Conformado por un soporte de micrófono personalizable, un portavasos, un recipiente para plumillas, una bandeja de equipo y un set de ganchos especialmente diseñados para ajustar todo lo anterior, este sistema es la solución para quienes se presentan en solitario o requieren comodidad y sus cosas a la mano en los ensayos. Resistente y portátil.

Gonher Instrumentos Musicales. 55 9152 4600

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Eliminator Lighting-ADJ

Robótica LED Vortex

Luminaria LED de luz blanca con 80 W que combina su matriz de color (hasta diez opciones) con efectos de GOBO que incluyen blanco abierto, reductor de haz y patrón multicolor suficientes para encender superficies en foros pequeños y medianos. Tiene una perilla de enfoque manual en la parte posterior para garantizar gobos nítidos a distancias de proyección variables.

ADJ Products Group. 728 282 7077 adj.com

Pioneer DJ

Mezcladora DJM-900NXS2

Equipada con convertidores A/D y D/A de 32 bits de alta calidad de ESS Technology en la sección de canales y salidas, innovación en su usabilidad al dar mayor espacio entre las perillas y añadir recursos LED de indicación para checar niveles, más sus faders de canal de mayor calidad y más deslizantes a los que se une el MAGVEL FADER de tercera generación para un scratching rápido y estable. Incorpora nuevos recursos en su galería de efectos Beat FX y entrada con alimentación phantom para micrófono.

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dB Technologies

Altavoces VIOX Series

Esta familia de altavoces, con los modelos VIO-X310 y VIO-X315, está equipada con un amplificador de potencia DigiPro G4 de 4 canales y 1400 W RMS Class-D con corrección del factor de potencia. Se alimenta individualmente con filtros FIR dedicados para las bandas de frecuencia baja, media y alta; posee 4 canales -especialmente para la serie VIO X3- y permite una conexión en red completa a través de Aurora Net, gracias a los puertos RDNet. Una ranura de tarjeta modular está lista para futuras actualizaciones de E/S y control remoto.

Ampere Manufacturas Electrónicas. 55 2282 1600 ampere.org.mx

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La evolución sonora en la música regional mexicana

La música regional mexicana ha sido un pilar fundamental de la identidad cultural de México. A lo largo de los años, ha experimentado una fascinante evolución en su sonido, fusionando tradiciones con influencias contemporáneas para crear un panorama musical interesante y diverso. En este artículo, exploraremos cómo el sonido en la música regional mexicana ha evolucionado a través de los años, adaptándose a los diferentes gustos, así como a los cambios y capturando el espíritu de una nación de origen musical.

Adaptación continua

Es bien sabido que México es un país lleno de tradición y folclor y la música regional mexicana encuentra sus raíces en estas tradiciones de distintas regiones del país. Géneros como el mariachi, la música norteña, el son jarocho y la banda sinaloense han sido fundamentales en la expresión musical de nuestro país y estos estilos han evolucionado a lo largo del tiempo, manteniendo su esencia tradicional, pero adaptándose a las nuevas influencias.

Revisemos un poco las fusiones que han ido adaptando y dando una nueva dirección a la evolución de la música regional mexicana; con el paso de los años, este género ha experimentado mezclas interesantes con otros más contemporáneos. El surgimiento del rock en México, por ejemplo, influyó en la música norteña y el corrido, creando un sonido más enérgico y rebelde. Bandas como Los Tigres del Norte y El Gran Silencio han sido pioneras en esta fusión, combinando guitarras eléctricas y ritmos contagiosos con letras que narran historias de la vida cotidiana. Otro ejemplo claro es la evolución del norteño, el cual tuvo un cambio dramático, pasando de sonidos de los exponentes más importantes de épocas pasadas como Lorenzo de Monteclaro, Ramón Ayala, Cornelio Reyna o Los Cadetes de Linares a sonidos más modernos como las agrupaciones Intocable o Palomo, que introdujeron un sonido mucho más potente, con la sonoridad de la batería más presente y una expresión más agresiva y dinámica. Esto no significa que alguno sea mejor que otro, sino que se trata de entender cómo el género se va adaptando a las nuevas corrientes y su sonido se va acoplando a los estándares, así como el público acostumbra a cambiar su manera de consumir la música.

En las últimas décadas, el género conocido como regional mexicano ha ganado popularidad tanto en México como en el extranjero. Tal categoría abarca una gran variedad de estilos, como el corrido tumbado, la banda sinaloense, el norteño, el sierreño, el mariachi e incluso la mezcla de todos ellos, entre otros más. El sonido característico de estas agrupaciones se ha vuelto más moderno, utilizando instrumentación electrónica en ciertos casos, programación de ritmos y arreglos contemporáneos para atraer a nuevas audiencias.

El sonido característico de estas agrupaciones se ha vuelto más moderno, utilizando instrumentación electrónica en ciertos casos, programación de ritmos y arreglos contemporáneos.

Una de las tendencias más recientes en la música regional mexicana es la fusión con géneros populares como el pop y el hip-hop. Artistas como Julión Álvarez, Banda MS y Calibre 50 han experimentado con colaboraciones con artistas pop y han incorporado elementos del hip-hop en sus producciones, lo que ha brindado un sonido fresco y juvenil, combinando lo mejor de ambos mundos y expandiendo aún más la audiencia de la música regional mexicana. Además hay una experimentación continua por parte de los exponentes más recientes, con instrumentos poco comunes en el género, como el piano en la banda sinaloense o el trombón en los corridos tumbados, donde se crean variantes de estilos propios que el género rápidamente adopta para redefinir continuamente los géneros del regional mexicano. Artistas nuevos como Peso Pluma incorpora sólidamente la participación del trombón en su estilo; Beto Vega fusiona la música texana con los elementos del corrido tumbado con armónica y su peculiar voz, o Grupo Frontera y Bad Bunny hacen una fusión de estilos que ha sido muy bien recibidos por el público. Quiero reconocer que una gran parte del progreso y la evolución del regional mexicano se debe a que los músicos de este género suelen tener menos prejuicios que algunos de otros géneros; es decir, si quieren experimentar con una orquesta o un DJ, lo prueban, a diferencia de otros que suelen desvalorizar al regional mexicano y no intentarán jamás probar algún tipo de cercanía, fusión o colaboración que les pudiera aportar algún giro o una nueva perspectiva musical, así como dar una nueva dirección a su crecimiento musical.

Conexión con nuevas generaciones

La evolución del sonido en la música regional mexicana ha trascendido las fronteras de México. Artistas como Alejandro Fernández, Vicente Fernández o la más reciente aparición de Peso Pluma en “The Tonight Show” con Jimmy Fallon han llevado el género a audiencias internacionales, ganando reconocimiento y éxito en países no sólo de habla hispana, sino más allá. Además, la popularidad de festivales como Coachella y South by Southwest ha brindado una plataforma global para que artistas regionales mexicanos muestren su talento y diversidad musical.

Hasta junio de 2023, el número 1 y el número 2 en las listas de Spotify Charts era Peso Pluma y sus corridos tumbados, lo cual pone de manifiesto el momento y la popularidad por la cual atraviesa el género regional mexicano. Es muy prematuro saber si será fugaz o no, sin embargo, se ha causado un revuelo tal que muchos otros jóvenes artistas emergentes están siguiendo el camino de la experimentación y la evolución de esta música, personas muy talentosas que cada vez se atreven a explorar más con determinación y consiguen poco a poco abrirse campo en el medio de la música regional mexicana.

Las colaboraciones entre diversos artistas, sean del mismo género o no, han dado lugar a inimaginables posibilidades de resultados musicales bastante interesantes que incluso han sido adoptadas por muchos de los artistas más consagrados del medio, siendo

La música regional mexicana ha logrado mantener su esencia mientras se conecta con nuevas generaciones.

el regional mexicano la música que más rápidamente ha evolucionando gracias a su distintiva esencia y elementos característicos que la componen, así como su peculiar sonido y la manera de ejecutarse a través de las tradiciones del país.

La música regional mexicana continúa reinventándose y adaptándose a los tiempos actuales, conservando al mismo tiempo sus raíces culturales. A través de la fusión con otros géneros musicales, la incorporación de elementos electrónicos, las distintas colaboraciones y la experimentación sonora, este género ha logrado mantenerse vigente y atraer a nuevas generaciones de seguidores.

En resumen, se podría decir que la evolución del sonido en la música regional mexicana es un testimonio de la capacidad de adaptación y creatividad de los artistas mexicanos. Desde sus raíces tradicionales hasta las fusiones con géneros contemporáneos, la música regional mexicana ha logrado mantener su esencia mientras se conecta con nuevas generaciones. El futuro de este género promete seguir explorando nuevos horizontes y dejando huella en la escena musical internacional.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

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pasión y creatividad Congreso Evangelista

creatividad Evangelista 2023:

Con una asistencia de 15 mil personas, se llevó a cabo el Congreso Evangelista 2023 en la Arena Ciudad de México, cuya producción ejecutiva y técnica estuvo coordinada por integrantes de la Iglesia Centro de Avivamiento Naucalpan (CAN) que dirigen los pastores Efraín y Martha González.

Un semillero singular

En concordancia con el dinamismo y experiencia espiritual que las congregaciones de fe desarrollan actualmente en sus templos, el Centro de Avivamiento Naucalpan (CAN) en el Estado de México, tiene la particularidad de tener su propio equipo audiovisual y staff de producción, formado por niños y jóvenes de la feligresía que reciben capacitación y entrenamiento profesional para ser los responsables de diseñar, programar y operar los proyectos de comunión para su iglesia, destacando su dominio y entusiasmo.

Esto fue lo que atrajo el interés de uno de los ministerios encargados de realizar el Congreso Evangelista, Mario Torres, quien se acercó al pastor Efraín González para solicitar el apoyo de su gente: “Soy parte de la congregación de CAN, al igual que uno de los chicos que está en el ministerio que hizo el Congreso y, luego de un tiempo y pláticas con los pastores, me invitaron a participar, porque dentro de nuestra iglesia soy el encargado o líder de producción y eso me llevó a ser el production manager de lo que pasó en la Arena CDMX”.

“Lo que hicimos fue convocar a los chicos que están en la producción en CAN y sumar a amigos especialistas en cada área (audio, iluminación y video), primero, para tener los equipos indicados y, segundo, para que los operaran. Así fue que participaron Jesús Reyes, Marcos y Daniel Pacheco (sala y monitores, respectivamente), a LEC Live Entertainment Crew, de Soho Ávila y Pablo Gutiérrez, Andrés Avoid y Carlos Aznares (iluminación), y Equipos Apolo, Jaime González, Adriana e Iván, todos gente muy profesional y amigos personales con los que suelo estar en otros proyectos”.

100 metros de pantalla de LED, consolas de audio Avid Venue S6L y de iluminación MA, luminarias Robe y Vari-Lite, marcas profesionales de ese nivel que a chicos se les da el entendimiento de que les estamos dando la confianza, pero también la responsabilidad para hacerlo. Hemos tenido eventos de muchos países en la Iglesia y ahora llegar a vivir algo tan grande con 15 mil personas y casi nueve horas de duración no fue sencillo, pero ellos lograron tragarse sus miedos y sacarlo adelante”, detalla conmovido Mario.

“Adicional a ello estuvo la gente a la que les quiero agradecer y reconocer un montón: el equipo de producción de CAN, chicos muy jóvenes -entre los 11 y veintitantos años-, que nos han llevado a un buen nivel en producción respecto a las cosas que vemos hoy en las iglesias que cuidan cómo se escucha y se ven sus proyectos. Es sorprendente ver lo que se hace en ese rubro en otros países y que ahora nuestra gente también arme algo tan valioso como ocurre en CAN”.

“La visión del pastor Efraín en nuestra congregación siempre ha sido “darle fuerza a un chico que tiene un corazón para servir a Dios”, por eso los hemos capacitado y al pastor no le ha dolido invertir ni en los chicos ni en los equipos. Tuvimos cámaras 4k, 6k, 8k, 12k, switcheras Black Magic, más de

“Para mí fue un reto porque era la primera vez que estaba en la Arena CDMX, desconocía muchas cosas del lugar, pero terminó siendo una gran experiencia”. Jesús Reyes.

Carlos Aznares, Mario Torres y Jesús Reyes

Pastor Efraín González

El crew juvenil de CAN está formado por 50 chicos y, la forma en que participaron fue armando bloques y turnos para así cubrir las nueve horas de duración del evento, como detalla Mario: “Hicimos equipos de producción con sus respectivos encargados; la comunicación fue clave y a pesar de que el evento tuvo sus momentos estresantes (por su duración o cuando tuvimos el coro gospel con 100 voces), se logró dirigirlos adecuadamente y darle su importancia a todos los participantes en el escenario y a los compañeros en la producción”.

Liderazgos en comunión

Conforme a las pláticas entre Pablo y Carlos de LEC, el concepto de iluminación que rigió el evento fue mantener sobriedad y emotividad en balance, apoyados en la participación de Andrés con la operación, tarea que asumió desde las consolas MA Command Wing y Fader Wing, atendiendo estos principios: “Lo que no queríamos que pasara era tener un evento abarrotado de equipos sin decir mucho y, como esto era de otra índole,

no propiamente un show o concierto, sino una cuestión más personal y espiritual, lo que se hizo fue enfocar el concepto desde un diseño sencillo, pero bien armado y vistoso, que nos dejara englobar todo”.

“Hemos tenido eventos de muchos países en la Iglesia y ahora llegar a vivir algo tan grande con 15 mil personas y casi nueve horas de duración no fue sencillo, pero ellos lograron tragarse sus miedos y sacarlo adelante”. Mario Torres.

“Así llegamos a esta mezcla entre luces robóticas, washes y spots, más algunos híbridos. Teníamos las Chorus Line, que son una magia y se están usando mucho por todos los pixelcitos que traen y lo que uno puede hacer con eso, básicamente como back para no saturar el frente, el proscenio, y también para tener una interacción linda entre las pantallas y los tres tótems que había a cada costado de éstas. Luego teníamos los washes y los spot en una cantidad sobria, no excesiva, para tener buena luz de ambiente si se quería y, a su vez, generar las figuras que siempre dan los spots en los momentos que hiciera falta, para añadir más movimiento sin dejar destacar el contenido de video, por ejemplo”.

“La Arena CDMX es un foro muy grande y por eso también pusimos washes a los costados y en el piso, las VL5 que son unas maquinitas muy bonitas por las opciones que tiene para jugar tanto como a full intensidad como algo muy sutil. Opté por ellas para los casos en los que faltara luz que ayudara a dar visibilidad a los predicadores y a la banda. Usamos la Command Wing y Fader Wing de MA porque son muy prácticas cuando ya traes tus ajustes. Charly me dejó todo casi terminado y sólo hicimos ajustes respecto al guión narrativo para generar escenas. Creo que logramos esa mezcla particular de sobriedad y lucimiento lindo, sin caer en excesos”.

Finalmente, la relación con el video fue destacada por el factor humano y la calidez. “Todo caminó de forma súper fluida. Era la primera vez que veía a los chicos y fueron muy amables, estuvimos en constante retroalimentación para no pasarme en el brillo y quemar el contenido que se veía por el CCTV en las pantallas; fuimos ajustando en vivo y así lograra que ningún

color se viera saturado. Los tenía al lado y nos fuimos previniendo de cada escena y colores”, concluye Andrés.

Esa disposición cercana y amable también imperó en la posición de audio. Desde su posición haciendo la mezcla para sala, Jesús Reyes relata así la que fue su primera vez haciendo audio en la Arena Ciudad de México:

“Primeramente agradezco a Equipos Apolo su profesionalismo, se lucieron y quedó todo como queríamos, hicieron un gran diseño de sistemas y dejaron a punto el main que fue con Meyer Sound, el modelo Lyon. Usamos una Yamaha CL5, que es de nivel estándar en todos los eventos y muy práctica. Para mí fue un reto porque era la primera vez que estaba en la Arena CDMX, desconocía muchas cosas del lugar, pero terminó siendo una gran experiencia que agradezco a Dios por seguir abriendo las puertas para poder trabajar”.

Listas de equipo Congreso Evangelista

Audio PA

(44) Altavoces Meyer Sound Lyon M (22 x lado)

(36) Altavoces Meyer Sound Lyon M (18 x lado, outfill)

(20) Altavoces Meyer Sound Lyon W (5 x lado, delay)

(06) Altavoces Meyer Sound MSL4 (3 x lado, rear fill)

(10) Altavoces Meyer Sound UPA1P (front fill)

(18) Altavoces Meyer Sound 1100 LFC (9 x lado)

(01) Consola Yamaha CL5

(02) Rack Yamaha E/S RIO322

(01) Micrófono Shure SM58

(01) Monitor KRK

Monitores

(01) Consola Yamaha CL5

(04) Altavoces Meyer Sound MSL4 (side fill)

(04) Altavoces Meyer Sound UPA1P

(02) Altavoces Meyer Sound 1100 LFC (side fill)

(06) Altavoces Meyer Sound MJF212/MJF210

(16) Sistemas In Ears Shure PSM1000 UHF con SE535

(01) Micrófono Shure SM58

(01) Monitor KRK

Microfonía

(01) Shure Beta 58, (01) Beta 91, (01) Beta 52, (01) Beta 57, (01) SM81, (01) SM57

(08) sistemas Shure UR2/SM58

(01) Sennheiser

Iluminación

(18) Vari Lite VL5 LED Wash

(37) Elation Professional Smarty Max

(13) Elation Professional DTW Blinder 700 IP

(25) Elation Professional ACL 360 Matrix

(16) Robe Pointe

(18) Elation Professional Chorus Line 16

(10) Elation Professional Proton 3K Color

(01) Consola MA Command Wing

(01) Consola MA Fader Wing

Video

(01) Pantallas LED 6 MM - Indoor (0.50x0.50 m / 12x6m)

(02) Pantallas LED 3.5 MM - Indoor (0.50x0.50 m / 5x3 m IMAG)

(02) Procesadores LED Magnimage Junior

(01) Laptop / servidor de medios HP-OMEN 2.5Ghz

(01) Matrix Black Magic (12in x 12out) SDI - SDI

(01) Convertidor/escalador Black Magic Teranex FHD, UHD

(02) Cables multitrack Cat6-Cat6 / 04 canales

(01) Set cable de video Tipo A

Rigging

Audio

(06) Truss Tomcat MK2-10FT

(12) Motores CM Lodestar (2 ton. para sistema principal)

(08) Motores CM Lodestar (1 ton. para sistema principal)

(08) Motores CM Lodestar (1 ton. para delay)

(01) Set Rigging tipo A

(04) Top-Grid Meyer Sound Lyon

Iluminación y video

(02) Truss Mecano

(03) Truss Tomcat MK2

(28) Motores CM Lodestar (1 ton.)

(04) Controladores de motor SKJonberg CS800

(01) Set rigging tipo A

(01) AC Distro

“Fue un evento de mucha responsabilidad, porque había que salir al 100 en todo: en cuidar la inteligibilidad de los predicadores, el sonido de las bandas y bueno, se logró trabajar muy bien conjunto con todos los de iluminación, video y sistemas. Nos fuimos a 54 canales, porque tuvimos este coro tan grande, pero la actitud tan profesional de los proveedores, la producción y el expertise de uno te llevan a resolver; no alcanzamos a tener un soundcheck como tal y nos fuimos con el linecheck, pero nos acomodamos con eso, porque teniendo una mesa como la Yamaha CL5 que conozco bien y tiene todo a la mano, básicamente usé compresores y ciertas dinámicas para las bandas de forma discreta. Le sumamos un patch RIO y con eso todo caminó de maravilla”.

“Los colegas en monitores también usaron una CL5 y, como ya hemos trabajado juntos, caminamos muy bien, incluso se involucraron en temas de stage para apoyarme. Usaron in ears PSM1000 de Shure y la realidad es que estuvimos bien compaginados. Fue una experiencia muy padre para mí, nunca me imaginé llegar a trabajar en una Arena CDMX y fue Dios quien nos fue abriendo las puertas para trabajar y, primeramente, le agradezco a él, luego a Mario y a todos mis compañeros porque lo que hicimos nos dejó con buen sabor de boca y apuntes sobre lo que se puede mejorar”.

Por la relevancia que está adquiriendo esta división en México (templos/ iglesias), lo conseguido por CAN y sus aliados en este Congreso Evangelista 2023 permite vislumbrar más proyectos de esta índole, comandados por un crew nacional que es, incluso, de exportación.

Parte del staff del Congreso Evangelista 2023

¡Grabación a distancia, mastering y amigos!

De la tecnología hacia las emociones humanas sólo hay un paso. Un pequeño paso para mí, un gran salto hacia lo trascendental. “Un pequeño paso para el hombre, un gran salto para la humanidad”, la frase que pronunció el astronauta norteamericano Neil Armstrong cuando pisó la Luna por primera vez el 20 de julio de 1969. Para muchos de nosotros, entrar al estudio de grabación es un paso que nos acerca hacia consolidar un disco, un concierto, un video clip y muchas entrevistas para conquistar nuestros sueños. El estudio es una vivencia de emocionantes expectativas, desde comenzar con el seteo de los instrumentos, checar niveles, ecualizar y estar en el estado mental y emocional óptimo para expresar lo mejor de nosotros. En algún punto del proceso, a cualquiera de nosotros, nos pueden ganar los nervios de la emoción o los de la preocupación o los de la tóxica ansiedad, como para quedarnos sin aire y no lograr respirar; es ese miedo que nos obliga a parar o a continuar -esto último,

con un alto precio ante el esfuerzo y el agotamiento-, según lo enfrentemos, tal como me pasó a mí, que grabando, me dio un ataque de pánico. No me detuve y salí adelante grabando mi solo de guitarra y las líneas melódicas en una sola toma. Pedí ayuda, lloré, me abrazaron y continué después del sano desahogo.

¡Más allá de la adversidad!

Este es el título de mi última producción musical con enfoque en filantropía y con el objetivo de dar a conocer las Enfermedades Reumáticas (ER) a través de una breve descripción incluida en el video de reciente estreno en YouTube, en el canal “Mérlindon Music & Philanthropy”, sobre su impacto en la vida cotidiana. Es un deleite musical, al mismo tiempo de leer, con citas breves, cuántas enfermedades existen y qué provocan las ER en la vida de los que la padecemos. Dichas citas nos van guiando por un camino de reflexiones y sentimientos muy enriquecedores, que nos enteran de las complicaciones de estas enfermedades tan complejas.

Mérlindon y amigos

La elegante intervención de la saxofonista Ximena Constantino colocó un toque seductor que invita a la sensibilización en esta grabación. En el bajo, la mezcla y los arreglos, Francisco “Pancho”

Ruíz Gutiérrez firma esta propuesta con su sello muy al estilo de los Beatles, con una interpretación sencillamente rica. Los invitados estelares y amigos guitarristas que me acompañaron, cada uno con su respectivo solo, destacaron su elegancia, con finas líneas melódicas que le otorgan a “Más allá de la adversidad”, un toque humano y empático dirigido a la causa sobre la divulgación de las enfermedades reumáticas, que si bien son bastante padecidas en México y el mundo, son poco conocidas y difíciles de comprender.

sesiones de grabación en formato WAV a 48 Khz (en cada segundo hay 48 mil muestras de audio que son convertidas de analógico a digital) y a 24 bits (el grado de detalle de cada una de las 48 mil muestras, lo que significa qué tan nítida queda cada una de esas muestras), para tener el mismo rango de muestreo llamado (sample rate). Cada colaboración se “consolidó” a un “down beat”; es decir, todos debíamos comenzar la ejecución un compás antes. Posterior a esta indicación, se colocó todo en Pro Tools dentro de la Sesion Master Multitrack, que es la zona donde están los instrumentos por separado. No se procesó casi nada con relación a los instrumentos y apenas se retocaron un poco las frecuencias graves y agudas. Un poco de reverb fue suficiente para homologar las guitarras y que se oyera integrado.

Guitarristas por la causa

Es un movimiento integrado por Dann Senderovich, Eric Vera, Pefy Castillo, Luis David Arreola “Zurdo” y Arturo Mawcinitt, quienes, junto conmigo, colaboramos para la divulgación de las ER a través del arte y así resolver, el fenómeno de la desinformación de estos padecimientos.

Todo se puede grabar a distancia y mezclar

Realizado por las virtuosas capacidades de Pancho Ruiz en su estudio de grabación, él solicitó que cada músico enviara sus

Para el saxofón de la Maestra Ximena Constantino, ella envió tres tomas y se escogió una sección de cada una para armar un “Comp” (composite: compuesto de tomas), que es como un rompecabezas donde se arman las piezas. Los elegantes sonidos de los teclados salieron de la librería Arturia, con sus emuladores o samplers. Por otra parte, los exquisitos graves del

Francisco “Pancho” Ruíz Gutiérrez

bajo fueron obra del modelo Fender Jazz Bass 66 que se conectó a una caja directa, luego a la interfaz y de ahí al Pro Tools. La señal pasó por un plug in de compresor Alliance Shadow Hills.

La batería no se podía quedar atrás y se logró con el “Superior Drummer” que le dio un toque de realismo venido del talento de Pancho como multinstrumentista, mientras que para mis guitarras se usó un plug in de la “Suit Kuassa Multiefectos y emuladores de amplificador Marshall. En la mezcla, el nivel de importancia debía ser igual para todos, como si cada uno fuera un solista, pero integrados.

Para el rango dinámico, la mezcla puede estar bien, pero el mastering puede quedar sin él (con un sonido plano y sin carácter). Para optimizar esto se usa el compresor. Tampoco se debe comprimir demasiado la señal; hay que saber comprimir y tomar en cuenta que existen muchos tipos de compresores: unos para voz, otros para guitarra o para trompetas, donde el ataque del instrumento es muy potente. Finalmente, el audio se percibe porque son vibraciones y cada una de ellas contiene información; por ese motivo las percibimos y deben percibirse en el momento de lograr la masterización para darle mayor vida y que suene orgánico.

Proceso de mastering, por el ingeniero José

Luis Rodríguez

En la masterización de Más allá de la adversidad por José Luis, como sucede en estos procesos, se buscaron armónicos perdidos en la mezcla para dar una forma fina de sonido que a la vez se traducen en decimales de puntos de frecuencia o de nivel, para así sacar pequeños detalles sonoros y enriquecerlos, no porque la mezcla venga mal, sino porque se trata de un proceso natural. Así, se compensan algunos picos con compresores de manera ligera para que el rango dinámico tenga más carácter y se escuche con calidad en cualquier equipo de sonido y que sea competente en el mercado. Toda señal de audio tiene “picos”, por ejemplo: la voz, la guitarra y las percusiones, que son de los picos más altos y en los que precisamente, el control es más complicado. En la señal, el nivel no debe pasar de cero. Existe el mito de que con el mastering todo se corrige o se piensa que la mezcla mejora todo y esto es falso. Si la mezcla viene mal no se puede hacer nada, no hay tecnología que corrija una señal rota o distorsionada y en estos casos, la mezcla regresa al productor.

Con estas experiencias llegamos a feliz término en la grabación de este disco que espero lleve un mensaje de ánimo y conciencia al que lo escuche. Ojalá que estas líneas sean de utilidad para quienes se encuentran en medio de un proceso de producción discográfico.

CV Mérlindon Crosthwaytt

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

En la mezcla, el nivel de importancia debía ser igual para todos, como si cada uno fuera un solista, pero integrados.

Existe el mito de que con el mastering todo se corrige o se piensa que la mezcla mejora todo y esto es falso.

José Luis Rodríguez

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Morat ayer y hoy en el Palacio

Foto: Cortesía Morat

Morat : Palacio de los Deportes

La banda colombiana de rock pop, Morat, trajo a la Ciudad de México su gira “Si ayer fuera hoy World Tour”, que los tiene sonando en touring desde el 2022 y que registra más de 70 fechas en ciudades de Europa, América del Norte y Sudamérica. La ocasión en el Palacio de los Deportes permitió conocer la forma peculiar en que se ha consolidado su staff y el aporte que brindan para hacer evolucionar su espectáculo.

Un crew global

Cuando Morat fue firmado por la compañía discográfica Universal, hace aproximadamente siete años, el grupo de Bogotá se encontraba en España y fue ahí donde se les armó un primer crew de producción que les acompañara. Con el crecimiento del grupo y el devenir de las giras, se tuvo la necesidad de armar otro staff para atender los conciertos en Latinoamérica y fue así que ocurrió la singular formación de su actual equipo de producción, como relata Koco Montaner, production manager:

“Cuando vinieron a México me asignaron para armarles un crew, porque a las primeras giras sólo venían los chicos y conforme fue creciendo el show hubo la necesidad de integrar a varios de los que conformaban el staff en otros lados y armar uno solo. Actualmente, el crew abarca personas mexicanas, colombianas, españolas y chilenas y hablamos de que ahora, en esta gira, al terminar la visita a México, estuvimos en más de 70 fechas: iniciamos en junio del 2022 en España, después fuimos a Londres, Berlín, París, Roma, Lisboa y Amsterdam, estuvimos en México con los primeros dos shows en el Auditorio Nacional y luego fuimos a Sudamérica (Argentina, Chile, Perú, Bolivia), de ahí a Estados Unidos, luego Venezuela y Colombia, en el Festival Estéreo Picnic, que al ser su ciudad de origen, nos obligaba a tirar la casa por la ventana. Después del Palacio de los Deportes, fuimos a Ecuador, Canadá y luego, de vuelta a España”.

mismos requerimientos para todo. Pudimos configurar todo en su bodega en Guadalajara: ocupamos un día de montaje, un día de ensayos, un día de marcación de equipos para toda la gira y los tuvimos en los 12 conciertos”, detalla Koko.

Confiabilidad y calidad sonora portátil

Sancho Gómez Escolar fue de los llamados cuando los chicos estaban en España y desde entonces se ha encargado de la tarea como ingeniero de audio en sala, siendo su experiencia en vivo y en el estudio un extra que aporta al sonido del grupo. “He trabajado en estudios de grabación por diez años y luego me volví freelance en grabación, mezcla y haciendo audio en conciertos y giras. El sonido de Morat ha ido evolucionando y lo que me ha servido es estudiar el sonido de sus productores y aplicar la mayor cantidad de técnicas que ellos usan en el estudio y llevarlo al audio en vivo, que sea lo más similar posible para que el espectador reciba lo más que se pueda de lo que se hizo en el estudio, pero con la intensidad del en vivo y toda la instrumentación que tengamos, así como los distintos arreglos”.

Un tour de esas proporciones impone el desafío de tener una coordinación y logística impecable, que de forma destacada ha logrado tener los mismos equipos en el rider, sin importar el país que se visite: “Es uno de los retos para lograr hacer el mismo show a donde vayamos y, hablando específicamente de esta gira, se consiguió una alianza con Procolor, por lo que, en los 12 shows que tuvimos en México, ellos cubrieron los

En esta gira, el sello del sonido en vivo de la banda está marcado por la consola dLive CTi1500 de Allen & Heath, tanto en sala como monitores, y de cómo ha sido clave su incursión habla Sancho: “La 1500 es una maravilla, porque no pesa nada y tiene todo lo que necesitamos; no requiero ponerle nada más, con lo nativo es suficientemente potente para hacer nuestro trabajo: tiene snapshots, stems y efectos maravillosos. Yo agrego un sistema Dante por si llego a grabar cosas que luego pudieran servir en los ensayos, pero nada más. Para nosotros ha sido muy importante, porque cuando la empezamos a usar, nos ponían distintos equipos en cada país y el show iba evolucionando muy rápido, así que debíamos hacer más cosas. Cuando me la pusieron en España y supe que ya podía encontrarla cruzando el charco, no dudé y pedí tenerla siempre”.

Koco Montaner

Sancho Gómez Escolar

“Empezamos con la dLive S7000 y ahora tenemos la versión portátil con la 1500, menciona Sancho. “Es una maravilla, porque puedo llevarla a casa, trabajo con los audífonos o en el estudio y hago mis mezclas. Eso ahorra mucho tiempo a los chicos y así pueden dedicar su tiempo en las pruebas a todo lo artístico; ellos están mucho más cómodos y se nota. Se divierten más y nosotros también. Estamos más seguros y tranquilos, porque es una mesa que tiene exactamente los mismos recursos (que la 7000, por ejemplo) y lo único que pasa es que es más compacta. Al principio me daba miedo, pero me sorprendió usar la pequeña y no notar diferencia en el sonido. Estoy feliz por la estabilidad del sistema, que no ha fallado nunca”.

Desde la posición de monitores, Manuel Antonio Covarrubias Valdivia, mejor conocido como Manu, comparte las impresiones de Sancho Gómez respecto a cómo han ido acompañando la evolución del show, facilitando la labor con equipo propio, portátil y potente.

“En este show, la cantidad de mezclas siguen siendo los cuatro Morats, dos invitados (teclado y guitarra), técnico de secuencias, técnicos de guitarra y bajo, y sobre todo la responsabilidad de

tener micrófonos de comunicación interna, y de esto usamos 12 por todos lados, para lograr comunicarnos entre todas las áreas. De hecho, la producción tiene un escenario alterno B, atrás del house, donde también hay micrófonos, porque necesitamos estar siempre comunicados. La parte nueva que me toca es la intercomunicación de todo”.

Manu

“Entonces, tener una consola como la CTi1500 de Allen & Heath, la más pequeña con la que podemos viajar para todos lados, nos da las mismas capacidades para el sonido de los chicos (he logrado emular su flujo de trabajo como si fuera una consola grande), y a la que ahora puedo añadirle este control de tantos micrófonos en simultáneo es una maravilla. Tengo procesos muy específicos para que, en cuanto alguien habla, la mezcla se baje de nivel y todos podamos hablar bien, escuchar los mensajes claros y, en cuanto dejan de hablar, regresa la mezcla y sigue todo en orden. Se ha vuelto algo clave ahora, porque tenemos que estar hablando de cuándo se va a tirar la pirotecnia, cuándo bajan ciertos motores en el show y estamos pendientes de ellos. Hay muchas cosas que incluso son factores de seguridad”.

Para la parte musical, Manu usa los emuladores provistos en la consola para sus diez mezclas: “Antes traía una tarjeta externa de plug ins para usar Waves, pero ya no la estoy ocupando desde la actualización que se hizo en la mesa. Ahora la tarjeta la uso para grabar multitrack, lo que llamo mi caja negra, porque tengo ahí los masters de todos; es como un registro que se queda para ver lo que en el tiempo podría funcionar”.

“Todo va con Axient Digital: son 10 canales de éste y 12 canales de in ears PSM1000. En audífonos, hicimos un cambio con Sensaphonics para todos, lo que ha sido un gran cambio, porque son resistentes, con una referencia muy directa para todos, con lo que creo que hemos logrado tener un parámetro común de lo que estamos escuchando. En los dos escenarios que tenemos pongo antenas específicas para poder cubrir bien: una helicoidal de Wireless Professional en el escenario B y una antena omnidireccional de Shure en el principal. Tenemos muchas cosas inalámbricas, entre bajos y guitarras, 12 instrumentos, y todo lo pudimos compactar en Axient Digital en cuatro canales”.

“En confiabilidad, Axient es impresionante. En cualquier país opera sin problemas. Hemos ido en ese tema con Shure porque es estándar y, por otro lado, y que es importante para Morat, es poder aportar en la parte ecológica, así que todas las baterías que usamos son las recargables de la marca y así nos evitamos adquirir alcalinas. En microfonía también vamos con Shure y ponemos micrófonos específicos para cosas como overheads, toms, hi hats y ambientales con AKG, Neumann y Sennheiser. Para las voces usamos cápsulas Beta 58 y para el baterista un Beta 56”.

El factor visual

Los visuales y la iluminación en el diseño del show han marcado la línea evolutiva de Morat en vivo, como recuerda Juan Camilo Triana, quien ha dado aporte y testimonio de ello desde el inicio: “Hago el diseño del show y tengo a mi cargo la escenografía, el video, la iluminación y toda la parte visual. Felipe Portera me auxilia con la operación y dirección de cámaras durante el show y a setear los lásers que ahora manejamos con ellos. Llevo seis años con la banda y sigue siendo un trabajo donde se involucran mucho, en general por todo el show; no ha sido algo impuesto, sino un trabajo en equipo que se ha dado de forma muy natural y que nos ha permitido crecer con ellos como staff”.

“En esta gira, y por el concepto musical y de sonido que traen los chicos, la premisa ha sido: ‘lo viejo traerlo a lo nuevo’, entonces ocupo emuladores de preamps y cosas muy específicas que son íconos viejos de equipo de hardware muy particular. El procesamiento es el mismo: la puedo ampliar y expandir y es muy fiable. Llevo casi cuatro años usando Allen & Heath y nunca he tenido un problema; nos deja adaptarnos a cualquier espacio de montaje y posición que nos asignen en los foros”.

Además de monitores e intercomunicación, Manu también se encarga de las radiofrecuencias:

Juan Camilo Triana y Felipe Portera

Para los conciertos de esta gira, la base del diseño partió de figuras geométricas básicas (cubos y círculos) a través de los cuales se fue adaptando el logotipo de la banda, como detalla Juan Camilo: “Fuimos deformando ese hexágono conforme avanza el show; nos dimos cuenta de que un cubo 3D, si lo miras de cierto ángulo genera ese hexágono, y fue lo que quisimos resaltar para acompañar la parte musical y la forma en que estaba dividida por secciones, ir de las partes acústicas, íntimas hacia la fiesta en las 4 o 5 últimas canciones. Quisimos marcar esa evolución en temas de color, de composición y en video. Al principio es muy básico con líneas y texturas y ya después va cambiando para llegar a la fiesta con los colores saturados”.

Toda la idea parte de lo musical. La banda le comparte al equipo visual el acomodo con la intro, las canciones, las versiones y de ahí se arman renders de iluminación que después se envían a una agencia de video que marca una dirección para que el contenido de video esté amarrado con la iluminación. El concepto del show, por la intervención de la banda y la comunión con su staff, permanece en evolución. “Grabamos todos los shows y tratamos siempre de apartar un espacio cuando desayunamos con ellos para verlo y tener sus opiniones y cambios. Es un trabajo dinámico. Decidimos cubrirnos y por eso rentamos los ocho lásers de 30 watts que llevamos en la gira. Los trajimos de Colombia y los llevaremos hasta España”, reflexiona el iluminador.

Juan Camilo es usuario de Avolites y por ello trabajan con el servidor de video Ai de la marca, con el que hacen, desde el control de cámaras automatizado, el de luces y los lásers.

Las luminarias base son en su mayoría Robe (Megapointe, Spider y Tetra): “Vamos a la segura en la parte de color. Independientemente de si es lámpara de descarga, LED u otra tecnología, la marca es consistente y nosotros tenemos colores muy específicos que conseguimos con ella”, destaca el especialista.

Por su parte, Felipe Portera inició como asistente de Juan Camilo y ha ido cubriéndolo en las tareas de iluminación y video hasta el punto actual, donde comparten la misión visual del show. Así valora los pilares de su trabajo: “Giramos con 12 cámaras de lente fijo, más tres cámaras Blackmagic enfrente,

cubriendo a los artistas por un proceso donde se les corrige color e intensidad, lo que nos permite tener más dinamismo entre color y blanco y negro. Los shows se han vuelto ahora algo más que la gente publica en redes sociales y es ahí donde se valora mucho cómo queda impactado el público con todo lo que ocurre con las luces, lásers y el sonido, y todo va ligado a que se proyecte de buena manera”.

La de Morat es una historia de consistencia, donde la evolución de su sonido y propuesta musical ha podido plasmarse sobre el escenario con un concepto de show que se crea y evalúa desde lo estético hasta la innovación, sacando el máximo del aprendizaje y experiencia de los especialistas técnicos y de logística que rodea a la banda.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Serie : Sesgos Cognitivos

Efecto Halo

Hagamos una breve recapitulación: Neurociencia sónica es una columna dedicada a explicar fenómenos de la mente aplicados a nuestro día a día como profesionales del audio. Hemos analizado conceptos básicos de neurociencia e interpretación, cómo nuestra mente interpreta el mundo que lo rodea y cómo influye todo esto en nuestra toma de decisiones en el quehacer profesional. En este artículo

recapitularemos la importancia de entender los sesgos, la forma de aplicarlos y hablaremos de un sesgo cognitivo nuevo: el efecto Halo.

Aplicación de los sesgos cognitivos.

Pros y contras

En esta serie de sesgos cognitivos, hemos estudiado que estos, vistos desde una perspectiva positiva, son atajos,

predisposiciones de tomas de decisiones rápidas para facilitar las tareas a realizar; nos ayudan a no analizar todo y en una especie de piloto automático tomar una serie de decisiones que nos ayuden a llegar a un punto determinado. Son herramientas muy valiosas porque en cualquier práctica no podemos analizar a profundidad cada detalle de cada cuestión, porque el desgaste que generaría sería algo inviable, pero por otro lado, nos permite tener la atención, el enfoque y el análisis sobre un punto determinado, asignándole una cantidad mínima de procesamiento mental a las tareas que menos lo requieren.

Pongamos un ejemplo. El 99 por ciento de ingenieros de audio en vivo colocan al bombo en el canal uno. Esta decisión no resulta del análisis profundo de lo que conviene en el show, sino de un sesgo de arrastre donde toda la comunidad hace esto por convención. Lo positivo de esta situación es que no asignamos procesamiento mental a este tipo de decisiones y que cualquiera que se acerque a una consola va a esperar que el bombo esté en el canal uno para hacer algún cambio; ese procesamiento que asignaríamos a esa búsqueda o decisión se lo asignamos a alguna tarea que realmente lo requiera, como las decisiones de cuánto comprimir o qué frecuencia cortar.

También es importante recalcar que hay dos situaciones en particular donde los sesgos cognitivos nos pueden generar bastantes problemas: cuando el sesgo cognitivo está creado y fundamentado en algo que no es verdad o cuando se aplica a alguna actividad donde es necesario desactivar el sesgo y analizar con profundidad una cierta situación. Expandamos un poco estas ideas.

Cuando el sesgo cognitivo está basado en algo que no es verdad Como seres humanos, tendemos a crear sesgos cognitivos en nuestra vida diaria y en nuestras profesiones y es común que generemos sesgos sin analizarlos a priori y que probablemente tengan una base que no es real. No hay mucho que analizar: es flagrante que tenemos que evaluar la veracidad de nuestros sesgos en algún momento para poder estar seguros de si realmente nos están ayudando.

Efecto Halo. Es común como seres humanos cuando tomamos un juicio sobre una

persona o cosa, sesgarnos a lo positivo o negativo, dependiendo del primer rasgo que analizamos.

Cuando es necesario analizar a profundidad una situación

Hay ocasiones en las que es importante detenernos a analizar si el sesgo que tenemos a priori es funcional en ciertas situaciones y si no es así, desactivarlo para poder encontrar la mejor solución. En el ejemplo de tener el bombo en el canal número uno, puede ser que por “x” situación nos convenga tener la voz principal o algún instrumento importante a la mano en el primer canal; esto nos obligaría a quitar el piloto automático y recordarnos a nosotros mismos durante el show, que cierto instrumento está en el canal uno y no el bombo.

En conclusión, es importante valorar los sesgos y usarlos de una manera eficiente e intencionada para que nuestros flujos de trabajo lleguen al más alto nivel, sean cómodos y que todo esto se refleje en la calidad de nuestro producto final.

Sesgo cognitivo: Efecto Halo

Tratemos ahora este sesgo. Es común, como seres humanos, cuando tomamos un juicio sobre una persona o cosa, sesgarnos a lo positivo o negativo, dependiendo del primer rasgo que analizamos; es decir, si el primer rasgo nos parece positivo, tenderemos a ver positivos los demás rasgos, incluso antes de analizarlos a detalle; lo mismo aplica si el primer rasgo nos parece negativo, ya que automáticamente tendremos una predisposición a ver los demás rasgos negativos de lo que estemos analizando. En general es muy poco probable que evaluemos cada rasgo de un tema en cuestión con profundidad y objetividad; es muy fácil predisponer el juicio de los rasgos por el primer rasgo analizado.

Podemos establecer tres ejemplos para explicar este fenómeno:

Vida cotidiana | Comer tacos

En la cultura mexicana es muy común tener disponible la opción de comer tacos de todo tipo, y una de ellas son los famosos tacos de guisado, una solución rápida y económica para comer entre semana en las calles de nuestras ciudades. Supongamos que vamos de prisa, tenemos hambre, necesitamos trasladarnos por la ciudad y nos preguntamos qué vamos a comer. Si pensamos en la opción: tacos de guisado, el primer rasgo en el que podemos pensar es que son deliciosos y lo podemos tomar como un rasgo positivo. El ejemplo está aquí: cuando pensemos en otro rasgo como el económico, vamos a tender a verlo positivo; será fácil pensar que son baratos y después, en el factor tiempo, pensaremos que será rápido comer en el puesto y seguir con nuestro camino. Es muy poco probable que nos pongamos a analizar pros y contras, dándole el peso a los rasgos negativos, como la salud o los costos, ya que con la bebida que pidamos, el precio será casi igual que otro tipo de soluciones. No podremos tomar una decisión más objetiva.

Social de trabajo | Ingeniero de monitores

Si bien no podemos controlar cómo la gente nos ve en su totalidad, socialmente hablando es importante generar buenas relaciones de trabajo. Es muy inteligente buscar otorgar un servicio de calidad y eficiencia desde el inicio de la relación laboral. Pensemos en un ingeniero de monitores: ese primer gesto, la velocidad de respuesta a los requerimientos de los músicos, la efectividad de cada movimiento y demás serán el parteaguas de la relación laboral en ese evento y en

Es flagrante que tenemos que evaluar la veracidad de nuestros sesgos en algún momento para poder estar seguros de si realmente nos están ayudando.

shows venideros. Si causamos una mala impresión desde el inicio, posteriormente será muy complicado cambiar la impresión de nuestros colaboradores. También es importante destacar que la percepción es subjetiva y que desgraciadamente no podemos tener relaciones laborales exitosas con todas las personas con las que colaboramos, pero si uno cuida sus relaciones en esta Industria y cada detalle buscamos hacerlo con calidad, causará una muy buena impresión y relaciones duraderas.

Equipo de audio | Decisión de uso / compra

Digamos que vamos a comprarnos unos in ears. Cuando nos preguntemos lo que quiero comprar y estemos abiertos a posibilidades, el primer rasgo que revisaremos será crucial para continuar analizando los demás rasgos y terminar la decisión de compra. Pongamos de ejemplo que un ingeniero reconocido al que admiramos usa cierta marca de audífonos, cuando empecemos a leer acerca de ellos veremos todas las cosas positivamente y dejaremos al último los rasgos negativos. Gracias al marketing, seguramente ese rasgo negativo final será el precio, el cual buscaremos convertirlo a positivo, y me refiero a buscar un descuento de meses sin intereses o alguna posibilidad de cubrir el costo y poder adquirir esos audífonos.

En conclusión, me he apasionado de los sesgos cognitivos y manejarlos a conciencia en diferentes circunstancias para poder tener atajos efectivos y también poder anticipar

cuando los sesgos puedan generar algún problema. En el caso del efecto Halo, se trata de no ser víctima inconsciente de mi predisposición humana, pero sí poder utilizarlo intencionalmente para que ciertas situaciones en nuestro trabajo con el audio sean más sencillas y prácticas.

CV Raúl de Jesús Bustos Castañeda

*Es Ingeniero en Comunicaciones y Electrónica por el IPN. Cuenta con dos diplomados en Neurociencias y educación y Neurociencias para mandos medios, por el Instituto INECO-U. Ha sido docente por más de 12 años en instituciones como SAE Institute y Rec Música y es CEO y director académico en Sonic Ear Training Institute: soniceartraining. com. Contacto: raul.bustos@soniceartraining.com

Los sesgos, vistos desde una perspectiva positiva, son atajos, predisposiciones de tomas de decisiones rápidas para facilitar las tareas a realizar.

Serie del libro

“Lo Humano del Audio”

Actitud, una de las claves para el éxito

El ambiente de trabajo se crea principalmente a través de una buena actitud. Ésta debe ser colaborativa para ayudar al artista a plasmar su arte de la mejor manera posible. Entiéndase, con una buena disposición, generando un buen clima siempre con actitud positiva, teniendo el mejor humor y algún chiste a la mano, por si hace falta. También, conociendo los intereses de las personas con las que trabajamos y relacionándonos con ellas de manera que se sientan a gusto, confiadas y cómodas.

Ayudar a plasmar el arte

La actitud proactiva me ha llevado a ganarme el crédito de coproductor musical al menos en media docena de discos, en los que simplemente hice mi trabajo lo mejor posible y lo que me parecía era lo correcto para la música y el proyecto. Estos artistas consideraron que mi labor había ido más allá de lo acordado y que había sido importante para el disco. Para mí fue sólo una cuestión de actitud y es la que siempre tengo en mi trabajo, pero realmente es satisfactorio cuando inesperadamente ves tu nombre de esa manera en los créditos de un disco.

Otro contexto importante en el que la actitud es vital, es cuando vamos a trabajar a otro estudio o vamos al extranjero a tocar en teatros nuevos. Ahí es fundamental la actitud y no importa

si uno es el artista principal de la noche o el primero de una lista en un festival. Tal vez, al año siguiente o dos años más tarde, seas el más importante de la lista y necesites que te atiendan bien. Es como cuando vas a cocinar a la casa de otra persona: uno no quiere que le den el sartén (caldero) que se pega, sino preferirías usar el mejor. Por eso, uno siempre va “cabeza gacha”, con humildad, ya que no sabes quiénes son esas personas nuevas con las que te encuentras ni qué nivel tienen y, como corresponde en la vida, hay que tratar a todo el mundo bien.

Recuerdo la primera vez que me fui al extranjero con C4 Trío, a Salvador de Bahía en Brasil. El teatro Castro Alves era maravilloso, con la consola colocada justo en la mitad de la sala, los equipos de primera línea y el personal muy atento. Sin embargo, en el plano técnico (rider) que habían mandado previamente, las sillas de los músicos aparecían alineadas rectas, una al lado de la otra, y ya ellos las usaban en una distribución de media luna. Yo, como no tengo vergüenza y trabajé en doblaje brasileño mucho tiempo, traté de explicarles al personal del teatro que los músicos se colocaban en “semi circulazaun”, con mi mejor acento portuñol y gesticulando con las manos el semicírculo. Por supuesto, se rieron mucho porque la palabra “semi circulazaun” no existe en portugués, pero me gané su simpatía al tratar de hacerme entender de una manera sencilla, y todo fluyó muy bien.

También recuerdo una vez, en la época analógica, que estábamos grabando la voz con una actriz/cantante en el horario nocturno de Telearte y llegó el marido, muy celoso, a ver “con qué jóvenes” ella estaba pasando las noches. Se

podrán imaginar la vergüenza de la artista tras semejante acto y atropello. Luego que el marido se fue, la calmamos y ella decidió grabar los temas más tristes del disco esa noche, y logró hacer dos o tres canciones de una sola pasada, en una sola toma. ¡Quedaron increíbles! Nosotros simplemente la acompañamos en su malestar, la dejamos desahogarse y expresar con el canto sus sentimientos. De esto se trata, ayudar con buena actitud a que el artista plasme su arte de la mejor manera posible.

La actitud proactiva me ha llevado a ganarme el crédito de coproductor musical al menos en media docena de discos, en los que simplemente hice mi trabajo lo mejor posible y lo que me parecía era lo correcto para la música y el proyecto.

Darío Peñaloza en el Teatro Teresa Carreño

Trabajo en equipo

Una de las características que tiene esta profesión, aunque algunos piensen que no es así, es que se trata de un trabajo en equipo. Todos los involucrados en un proyecto somos responsables de hacer que esa música, esa película, ese arte, sea algo consumible, disfrutable. El que compone, el que graba, el que arregla, el que edita, el que mezcla, el que masteriza, el que ilumina, el que conecta, el que diseña, todos, absolutamente todos, somos importantes.

Lo culinario sirve para ilustrar esta idea. Por ejemplo, cuando nos comemos una empanada en el local de la esquina, en su elaboración estuvieron involucradas varias personas, desde la que compra los ingredientes, la que pica el ají dulce, la que amasa, la que arma, la que fríe, y todo ese proceso para que en cinco o seis bocados nos la hayamos comido. Pero cada una de esas personas es importante para que no se cuele un ají picante, la masa no se rompa al freír o el relleno, queso o carne, por decir, no sea el equivocado. La calidad del producto final no sólo depende de que a la última persona de la cadena no se le queme la empanada, es más que eso.

Así, exactamente, pasa con la música. En el estudio, el que conecta los micrófonos, el que gradúa el nivel de grabación, el que escoge la posición en la sala, el que decide qué micrófono se pone y cómo, todo eso afecta al que va a hacer la mezcla. También depende del que haya editado o afinado qué tanto se escucha el proceso y eso nos puede afectar a la hora de

mezclar. Y después viene la masterización, que la hace la persona que da el último toque para convertir el producto en algo consumible: ¿Qué tanta compresión se usa? Se trata de un sinfín de variables que dependen de muchas personas. Es cierto que en el estudio uno puede ponerse varios sombreros: el de productor, ingeniero, músico, pero en algún momento hay que entregar el material a otra persona para la comercialización.

En los conciertos, la situación es también compleja, en el sentido de que son contextos en los que existen jerarquías.

La situación es que todo el mundo está trabajando prácticamente al mismo tiempo, juntos, y por lo tanto, los egos deben quedar en la calle.

En los conciertos, la situación es también compleja, en el sentido de que son contextos en los que existen jerarquías: hay un jefe de escenario, están los encargados de los instrumentos, los que colocan los micrófonos y cables, los que manejan las conexiones inalámbricas, más los operadores de la consola de monitores y la sala. A la hora de probar sonido, es importante que no se produzca un choque porque algo aún no esté listo y se pierda tiempo en arreglarlo. De la misma forma, el ingeniero de monitores debe coordinar con el que está haciendo el sonido en la sala para buscar la manera de “ensuciar” al mínimo la tarima en el caso de usar monitores de piso, pues afectaría al sonido de sala. La situación es que todo el mundo está trabajando prácticamente al mismo tiempo, juntos, y por lo tanto, los egos deben quedar en la calle, fuera del escenario y del recinto.

Cuando hicimos el disco de C4 Trío y Rafael “Pollo” Brito, “De repente”, que gano el premio Latin Grammy de Ingeniería en 2014. Fuimos nueve los ingenieros y músicos que participamos, ya que la dinámica que se dio fue muy particular. Resulta que una vez que empezaron a grabar, apareció una fecha de entrega para un diario nacional, que lo incluiría en una edición especial de grandes cantidades. Esto implicó que, aún sin haber terminado de grabar los temas, ya me iban entregando material para que yo fuese mezclando. Dada la premura, el grupo tuvo que recurrir a varios estudios para poder terminar el trabajo a tiempo y por eso hubo tanta gente involucrada en la grabación. Debido a esto, los cuatros vinieron grabados de diferentes estudios, con distintos micrófonos y preamplificadores. Sin embargo, se logró homogeneizar todo el material de manera que no se notaran las diferencias. Lo que más me gustó de esta experiencia es que hubo tres generaciones de ingenieros involucrados. Así, mientras yo me ganaba mi primera estatuilla a los 53 años, el mayor del grupo, Eduardo Pulgar, apenas tenía 25 primaveras y todos estábamos defendiendo la música al mismo tiempo.

CV Darío Peñaloza

Ingeniero de sonido venezolano con 40 años de experiencia con estudios en Estados Unidos y Canadá. Ha dedicado su carrera principalmente a la música, tanto en estudio como en vivo, además de trabajar para el doblaje. Su trabajo como ingeniero de mezcla lo ha llevado a ser ganador de dos Latin Grammy (Ingeniería 2014, Instrumental 2018). Es docente en varias Academias de Audio en Latinoamérica y miembro activo de AES en la región.

CHAUVET Professional en los 40 años de Hombres G

Una de las bandas de rock más mítica de los años 80 es sin duda alguna Hombres G, quienes planearon una espectacular gira para celebrar con sus fans por todo lo alto que están cumpliendo 40 años en la música. ¿Qué mejor forma de conmemorar su paso por la industria musical que con más música? La gira “40 años y Seguimos Empezando” recorrerá toda España y Latinoamérica.

¡Volvamos a vivir!

El grupo formado por David Summers, Dani Mezquita, Rafa Gutiérrez y Javier Molina se está reuniendo este año con su público más fiel, en la que será probablemente la gira más especial e inolvidable de toda su trayectoria. Definitivamente la nostalgia es la causa principal de la gran cantidad de llenos totales de la agrupación en diversos foros mexicanos, como la Arena Monterrey y la Arena Ciudad de México, donde recibieron las respectivas placas que hacen mención de este éxito rotundo.

Además, Guatemala, Honduras, El Salvador, Perú, Costa Rica, Venezuela, Chile y Colombia se unieron a la celebración de este tour de aniversario. En cada país la respuesta del público es similar cuando durante dos horas la agrupación hace un recorrido por sus grandes éxitos, que inevitablemente evocan momentos únicos en la vida de cada uno de los asistentes.

El grupo formado por David Summers, Dani Mezquita, Rafa Gutiérrez y Javier Molina se está reuniendo este año con su público más fiel.

Para

Para complementar estos conciertos llenos de emotividad, complicidad y sobre todo energía, CaCo García, diseñador de iluminación de la agrupación desde hace 11 años, decidió sumar a la plataforma 30 cegadores Color STRIKE M de CHAUVET Professional. Gracias a la enorme experiencia en el medio de la iluminación profesional, CaCo García se sumó a esta gira de aniversario con su enorme talento y logró fusionar el show de luces con cada una de las canciones que han recorrido la trayectoria de la banda.

Los Color STRIKE M, con la versatilidad de ser un estrobo y que también funciona como wash con rango de inclinación de 180 grados, arrojó colores brillantes y saturados cuando las melodías así lo permitieron y el efecto de cegador remarcó los momentos de mayor energía en el escenario y con todo el público que no paró de cantar y bailar los éxitos de antaño.

Los Color STRIKE M, con la versatilidad de ser un estrobo y que también funciona como wash con rango de inclinación de 180 grados, arrojó colores brillantes y saturados cuando las melodías así lo permitieron.

la gira por todo México, los equipos suministrados por Serpro

audio y video fueron

Serpro Producciones

“Estoy muy contento con el rendimiento de los Color STRIKE M. Es un equipo con muchas prestaciones y que aporta una amplia gama de posibilidades al diseño y ejecución del show”, menciona CaCo García. “Siempre que puedo los utilizo en sus modos extendidos de 74 o 97 canales, los cuales me brindan un nivel de personalización total sobre todas sus funciones. Destacan su potencia, grados de apertura y rendimiento en colores saturados. Sencillamente espectacular”.

Para la gira por todo México, los equipos de iluminación, audio y video fueron suministrados por Serpro Producciones, que gracias a la experiencia que la compañía tiene en giras y eventos en diferentes arenas y estadios, lograron que cada presentación de Hombres G fuera espectacular e inolvidable.

Para el resto de la gira en Latinoamérica, diferentes proveedores en cada país mostraron la fuerza que CHAUVET Professional ha construido de la mano de sus distribuidores, ya que el diseño original fue muy similar en cada presentación al contar con los Color STRIKE M en los diferentes escenarios que Hombres G han pisado en esta inolvidable gira de 40 Aniversario.

¡Automatiza el master fader!

Magnificar lo que la canción nos dice

Con el ánimo de darle movimiento a tu siguiente mezcla, las siguientes son ideas de cambios sencillos que podrán generar un mayor impacto en tu trabajo.

No existe un lugar más poderoso para crear movimiento que el master fader. De igual manera, no hay lugar más delicado para hacerlo.

En una mezcla, nuestro master fader es un track muy especial, casi sagrado para muchos ingenieros. Lo que hagamos aquí afectará todos los instrumentos, toda la canción, así que debemos tener mucho cuidado. La gran ventaja es que si dominamos algunas técnicas podremos lograr un mayor impacto y una mayor conexión con el escucha.

Para mí, la automatización es esencial en una mezcla y actualmente es muy fácil trabajar con ella en cualquier DAW. Me encanta que las cosas no se queden estáticas, mover los faders y hacer riding en algunos instrumentos. Disfruto aumentar la esencia y emoción en una canción guiando la atención del escucha por cada pasaje, desde la introducción hasta el silencio final. Para lograr esto, no es necesario que muchas cosas se estén moviendo todo el tiempo; tan sólo crear repetición y sorpresas produce un juego muy interesante, como cuando se escribe un arreglo. Mi técnica favorita para alcanzar este resultado es la automatización, que no es otra cosa que “grabar” en tiempo real los cambios que hacemos para que nuestro DAW los reproduzca cada vez que damos play a la canción.

Existen diferentes modos de automatización y sus nombres o funcionamiento pueden variar ligeramente dependiendo del DAW que utilices. El modo que yo utilizo más es Touch, que graba los cambios al momento de hacerlos y respeta automatizaciones previamente guardadas cuando dejo de tocar algún parámetro.

Estos tips son ideas que poco a poco van sumando para que una mezcla se vuelva cada vez más profesional y que capture el sentimiento y la emoción que la canción busca transmitir.

Muy probablemente has notado que insertar plug ins en el master fader es un arma de doble filo. Es muy fácil sentir que todo mejora con pocos ajustes, pero también es muy fácil deteriorar una mezcla y quitarle vida cuando comprimimos o ecualizamos desde el master fader. Quiero hacer énfasis en lo siguiente: todas las técnicas y tips que menciono a continuación requieren atención y cuidado, pues la intención de automatizar es magnificar lo que la canción nos hace sentir y esto podemos lograrlo con pequeñas automatizaciones en el momento correcto y con la magnitud adecuada. Sin embargo, no olvides que estás manipulando todo al mismo tiempo, por lo que siempre existe el riesgo de que algo no funcione como esperamos.

Estoy seguro de que algunas de estas ideas pueden servirte y espero que puedas agregarlas a tu arsenal de herramientas.

Volumen

La automatización del volumen es la más sencilla, obvia y poderosa. ¿Recuerdas ir en el auto escuchando una canción que te gusta y subir el volumen cuando llega el coro? Pues es algo casi tan simple como eso. Normalmente me gusta hacer este proceso cuando ya tengo una mezcla estática que funciona en general, pero de vez en cuando lo hago después de haber jugado con la automatización de tracks individuales, dependiendo de lo que me llame la atención primero. Por lo

general, en los versos bajo 1 dB o máximo 2, mientras que en los coros recupero el volumen original o me vuelvo a acercar a éste. Me gusta hacerlo de manera manual con un controlador, pues siento que toco la canción, como si fuera un director de orquesta. A veces los movimientos de volumen suenan bien cuando se hacen de golpe y otros cuando se hacen gradualmente, como una transición durante un par de tiempos o compases. No hay nada como probar.

Entre lo técnico y lo sensible

En este caso, mi recomendación es que le des play en loop a la canción, de principio a fin, y que te aprendas las secciones. Con base en esto podrás anticipar qué es lo que te gustaría que pasara en la siguiente sección. Inténtalo varias veces y graba la automatización cuando sientas que la canción crece y se encoge, siguiendo un sentido emocional que funciona con el arreglo y la composición. Cuidado con el headroom, ya que a veces por subir el volumen y sentir que todo crece, podemos terminar metiéndonos el pie y perdiendo dinámica, que es lo contrario de lo que buscamos, o incluso podemos crear distorsiones no placenteras.

Espectro estéreo

Así como podemos lograr que distintos pasajes cambien de energía y presencia con el volumen, también podemos hacer que utilicen más o menos espacio en el espectro estéreo. Actualmente, muchos plug ins tienen la opción de modificar la imagen estéreo (stereo width) y es interesante probar qué pasa si jugamos con esta variable. Lo más convencional es que el espectro estéreo esté más cerrado (mono) en los versos, y que se abra en los coros o en el puente.

Igualmente sugiero reproducir la canción en loop mientras hacemos pruebas y recomiendo no aumentar demasiado el ancho de la imagen estéreo. Sentir que el espectro estéreo se abre puede ser increíble, pero la contraparte es que lo que está ubicado en el centro perderá presencia y por lo general, lo que tenemos en el centro es lo más memorable de una mezcla.

Ecualización

Aquí, las posibilidades son muchísimas, pero te invito a probar tres movimientos que sé que funcionan muy bien:

-EQ de sonrisa: para ayudar a que una sección reviente, sube 1 dB en 80Hz y 1 dB en 10 KHz. Muy fácil y efectivo.

-EQ para dar más aire: automatiza en línea recta un Hi-Shelf en 12 KHz. Al inicio de la canción. la ganancia del filtro tiene que ser de 0 dB, y al final puedes subir 2 dB. El cambio será sutil, pero dará la sensación de que la emoción va creciendo todo el tiempo.

-EQ LoFi: prueba poner un Low Pass en el puente antes del último coro y desactívalo justo en el momento en el que todos los instrumentos explotan.

Hay que hacer énfasis en que todas las técnicas y tips mencionadas requieren atención y cuidado, pues la intención de automatizar es magnificar lo que la canción nos hace sentir.

Entre lo técnico y lo sensible

En esencia, estos pequeños tips son ideas que poco a poco van sumando para que una mezcla se vuelva cada vez más profesional y, sobre todo, para que ésta capture el sentimiento y la emoción que la canción busca transmitir. Sin embargo, como la mayoría de las técnicas que he aprendido como ingeniero de mezcla, algunas veces funcionan, otras no tanto. Al final hay que confiar en nuestro gusto y no dejar de probar ni de experimentar hasta que tengamos confianza en nuestro criterio y en que tenemos un abanico de opciones que podemos usar en nuestra siguiente mezcla, dependiendo de los retos que la música y su producción nos pongan.

Espero que esta información te sea útil en la próxima canción que mezcles. ¡Nos vemos en la siguiente! Te invito a que me sigas en sunorecords.com/blog donde comparto ideas sobre audio, mezcla, masterización y más.

CV Alan

*Ingeniero de Mezcla y Masterización en Suno Records, CS Manager en SoundBetter.

Tres minutos no son suficientes

¿Te imaginas que en la gran época del muralismo, a Diego Rivera, Alfaro Siqueiros o Clemente Orozco, les hubieran dicho que sus obras tenían que ser tan solo de unos centímetros de grandes? Simplemente el muralismo no habría sido y nos habríamos perdido de obras monumentalmente espectaculares.

¿Recompensa al menor esfuerzo?

Menos mal que ellos y otros tantos artistas no dieron tregua a limitaciones e hicieron su obra tan grande, compleja y monumental como les dio la gana. Otros ejemplos son Jackson Pollock, El Bosco o Picasso, y en la música, Rush y su canción “2112”, que dura veinte minutos; Pink Floyd con “Echoes”, de

veintitrés minutos, “The End” de The Doors, de once minutos, y tantos otros que se pasaron por la galleta la regla de los tres minutos de duración que estipulaban las emisoras y que estipula el mainstream actualmente.

Afortunadamente, la radio evolucionó en este aspecto y ya es común escuchar los cinco minutos de “Bohemian Rapsody” de Queen, los ocho de “Another Brick in the Wall” de Pink Floyd o “Starway to Heaven” de Led Zepelin, pero paradójicamente, al mismo tiempo que algunos medios evolucionan, muchos de los oídos de nuevas generaciones involucionan y volvemos a la era de las cavernas y de la música en blanco y negro con plataformas como Spotify, donde, en términos de costo-

Por Jairo Guerrero (B-Liv - Techxturas Sonoras)*

beneficio para los artistas y sobre todo los nuevos, sus obras sonoras se han tenido que adaptar al bolsillo que mejor les pague por los tres minutitos de reproducción o menos.

Podríamos culpar directa e implacablemente a la plataforma por su modelo de negocio, en el que el artista necesita volumen de reproducción para poder ver algunos centavos, pero creo que la culpa es compartida con los oídos que alimentan el modus operandi de estas plataformas. (Prefiero hablar de nuevos oídos y no de nuevas generaciones, para que no se rompa algún cristal).

Quisiera que esto fuera una suerte de metáfora, pero desafortunadamente no lo es y muchos artistas han decidido seguirle el juego a los tres minutos, mutilando sus obras para que en vez de canciones, parezcan mutaciones sonoras adaptadas al corto intestino y a la pobreza de los nuevos oídos.

Claro, hay música que no necesita ni siquiera de un minuto para desarrollarse, como esas canciones que valen su peso en “Pluma” o las que invitan en un compás a bailar como “perros copulando” (saben a lo que me refiero). Esas podrían durar tan sólo diez segundos, pero contrario a esta pseudo música, hay otros artistas cuya música no debería editarse o concebirse de acuerdo a la conveniencia de duración de los oídos de una plataforma.

Hoy, los “nuevos oídos” quieren la inmediatez, el gozo instantáneo, la recompensa del menor esfuerzo; son los oídos del zapping, el scroll y la actualidad noticiosa y social en un meme. Esos oídos con poca tolerancia a la frustración y con problemas para generar vínculos sociales, tampoco se están vinculando de una manera mística y trascendental con la música. No hay un culto frente a ella. No la digieren, tan sólo la engullen y pasa directo de la ingestión a la egestión.

Por eso no hay tanta relevancia en la música de los últimos 15 años. Por eso las bandas van y vienen.

Por eso las canciones ahora son de tres minutos, para que en su rápido proceso digestivo sonoro, este alimento sónico alcance a medio apreciarse antes de ser desecho orgánico.

Según un estudio del portal estadounidense “Quart”’, la duración media de las canciones que se han colado en la lista Billboard descendió de tres minutos y 50 segundos a tres minutos y 30 segundos entre 2013 y 2018. Además, el año pasado, el seis por ciento de estos temas eran de dos minutos y 30 segundos o más cortos, una cifra que desde 2015 se ha multiplicado por seis.

No digo que todas las canciones deban ser de gran duración, pues Sex Pistols, por ejemplo, nos demostró en los setenta que con una canción de tres minutos se puede crear un hito (“God Save The Queen”), pero ya no estamos en esa época ni Spotify

Paradójicamente, al mismo tiempo que algunos medios evolucionan, muchos de los oídos de nuevas generaciones involucionan y volvemos a la era de las cavernas y de la música en blanco y negro

es Inglaterra. Los grupos de ese tiempo tenían una urgencia rabiosa de alzar la voz y ser escuchados rápidamente, por eso la estructura de sus temas iba de un par de compases del intro directo al mensaje, sin adornos, puentes ni tantos estribillos.

Sin criterios de minutos y segundos

El modelo de negocio del streaming es cómplice de la mutilación sonora. La ecuación es simple. Entre más te escuchen, más te pago.

Estas compañías pagan a los creadores por escucha, entre 0.004 y 0.008 dólares, concretamente. En esta fórmula, la duración de las canciones da igual, lo que quiere decir que los autores cobran lo mismo por un tema de cinco minutos que por uno de 2.5, así que si consiguen meter 25 piezas en un álbum que normalmente habría incluido solo ocho o diez, los beneficios son mayores. Suena sencillo desde el punto de vista transaccional, pero catastrófico desde el punto de vista creativo y conceptual.

“Es decir, ¿prefiero varios cuadritos de 10 por 10 centímetros de Siqueiros en la sala de mi casa o un mural de pared entera que deje sin aliento a todos los que lo vean?”.

En mi caso, como productor, prefiero una obra completa y no el resumen del libro en Wikipedia. No se puede orillar al artista a crear bajo parámetros de minutos y segundos. Las canciones duran lo que duran de la manera como fueron creadas, y por fortuna hay oídos que así abrazan y entienden la música. ¿Imposible? ¡No! Mi canción más escuchada en Spotify es un tema experimental de camino entre el techno y deep, llegando casi a 700 mil reproducciones. Si eso se logra desde una canción que no goza del reconocimiento masivo como otros tantos nombres del mainstream, estoy seguro de que en el pop pueden surgir viajes interesantes que no necesitan ser mutilados para ser escuchados una y otra vez.

No sólo ha sufrido el cuerpo de la canción. También esos largos prólogos que enamoraban, como el minuto inicial de “Money for Nothing” de Dire Straits, los dos minutos iniciales de New Order en “Blue Monday” o el minuto y medio de intro de “Where the Streets Have No Name” de U2, por nombrar algunos.

Mientras muchas canciones terminan, otras comienzan

Éste es un concepto divertido si lo vemos de manera metafórica: Me imagino a The Temptations diciéndole a cualquier canción de reggaeton: “En mi intro de “Papa Was A Rolling Stone” (de dos minutos) caben 4 y hasta 5 de tus malas canciones”.

Las grandes introducciones de canciones, en las que se desarrolla una melodía antes de que comience la voz, se están

Estoy seguro de que en el pop pueden surgir viajes interesantes que no necesitan ser mutilados para ser escuchados una y otra vez.

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convirtiendo en una especie en peligro de extinción a medida que los volubles nuevos oídos de la música se saltan las pistas si no obtienen una gratificación inmediata o en mi opinión, si como músico no eres capaz de captar la atención desde un buen prólogo.

“La música y sus géneros siempre han sido el reflejo de lo que pasa en la humanidad. ¿Significa entonces que además de todos estos nuevos géneros decadentes del tumpa tumpa o la corta duración de las canciones responde a lo corto y menguado que es el actual contexto humano?”.

Qué hermoso sería regresar al romanticismo del vinilo, que de alguna manera te obligaba de manera implícita a crear una relación con la música y había un previo devaneo? A lo que voy es a lo siguiente: imagina tratar de cortar tu tiempo de escucha con un vinilo. Si te aburres en los primeros diez segundos, debes sacarlo del tocadiscos, encontrar otro disco, ponerlo y empezar de nuevo...es un proceso bastante largo contra lo que pasa con el streaming; si estás sentado en Spotify y te aburres en diez segundos, simplemente presionas un botón y pasas a lo siguiente.

La capacidad de atención ahora ha disminuido y eso, además de la crisis social existencial de la humanidad, se debe potencialmente a la facilidad con la que puedes cortar y cambiar entre piezas musicales.

Los nuevos oídos son verdugos decapitadores del arte y qué peligro para cualquier tipo de arte, estar en manos de estos verdugos.

CV Jairo Guerrero

*Con más de 30 años de experiencia en el medio musical como Artista, Productor explorador sonoro, periodista, productor de programas de radio especializada, editor de revistas de música y DJ, Jairo Guerrero es considerado uno de los artistas de música electrónica más reconocidos de nuestro país. Su propuesta sonora abarca desde ritmos para la pista de baile, hasta ensambles como Techxturas Sonoras, que generan puentes entre la música electrónica y la literatura.

Es miembro de la Academia Latina de Grabación Latin Grammy además de haber sido nombrado mejor Productor y Dj de House en México por los DWMC Awards México y haber obtenido el primer lugar en el MXP4 de Ministry of Sound en Londres. Contacto: www. soyjairoguerrero.com

Ramiro Pastrana: producción en los nuevos tiempos

Compositor, educador y productor musical, Ramiro Pastrana es originario de Puebla y desde los años noventa ha forjado su carrera musical desde la interpretación, con bandas de covers de rock en español e inglés, una banda propia de rock pop llamada Ópera Prima que les produjo Amparo Rubín, una faceta clave haciendo música para telenovelas y, otra más, atendiendo la enseñanza en composición.

Alumno de maestros como Alberto Núñez Palacio, Tony Taño y, especialmente, Humberto Hernández Medrano (alumno de Carlos Chávez, Dimitri Shostakovich y Kabalevsky) y Eugenio Toussaint (Q.E.P.D.), Ramiro ha logrado mantener un proyecto de enseñanza sólido en composición y producción por más de una década: “Me he dedicado a dar clases los últimos diez años, tengo toda la parte clásica a fondo, de lo que aprendí con Hernández Medrano, y también doy la parte pop, de música popular contemporánea o lo que se llama el Sistema Berklee, donde ves el pop, la balada, el blues y demás. A mediados de los años noventa, justo haciendo esta música incidental

en TV Azteca y un poco en Televisa, fue que armé mi estudio personal, siempre con una Mac, el programa Studio Vision Pro y una interfaz de audio que hacía AVID. Algo muy sencillo, pero que nos estaba alistando para poder manipular todo lo MIDI y tener acceso a estas librerías de sonidos e instrumentos que tenemos ahora”.

“Actualmente, las librerías están muy sofisticadas y tienes de muchas marcas con todas las secciones de orquesta. Yo puedo juntar de pronto dos o tres librerías, porque puedes tener algunas que traen baterías acústicas increíbles y otras con loops muy específicos cuando se requieren. El punto es hacerte de una galería muy poderosa. Lo otro es tu programa, yo uso Cubase y para partituras Finale y Sibelius son herramientas poderosísimas a las que los músicos de ahora tenemos acceso para hacer el trabajo”.

“En la producción, si el presupuesto lo permite, pues ya te armas sesiones de grabación en estudios. Yo he realizado varias para cuerdas, en el estudio de Pepe Aguilar y el de Aneiro Taño, para que mi trabajo tuviera la mayor calidad posible y grabar con músicos reales; es carísimo pagar el estudio y a los músicos, tienes que tener todo el material escrito, arreglado y grabar 10 o 15 temas para 4 horas; aprovechar lo más posible y que el presupuesto lo permita. Por eso lo más cómodo si no hay presupuesto, es trabajar con las librerías, sampleos y con toda la dedicación posible”.

Con un historial que abarca más de diez producciones televisivas, hoy el gran desafío que tiene el productor y

compositor musical está en lograr abrir las puertas de los estudios de contenidos on demand y streaming, como lo sopesa Ramiro: “En este momento, de lo que se trata es de buscar contactos, conocer a gente en las nuevas plataformas, porque puede ser el caso, como el mío, que he seguido componiendo mucha música incidental, tengo un catálogo, y ahora con todo lo que están generando las plataformas y sabiendo que están interesadas en México para seguir invirtiendo, lo que toca es poner la música de uno ahí. Es un reto y en eso estamos”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

“Azar”, de

Fabián Palacios, cautiva el ámbito internacional

Con una filmografía que enlista su participación en ocho producciones propias, el cineasta mexicano Fabián Palacios está llamando la atención en los festivales internacionales con su cortometraje “Azar”, el cual formó parte de la selección oficial en el Festival de Cine Lift- Off de Berlín 2023, ganando el Premio del Público al mejor cortometraje, además del Festival de Cine Lift-Off de Tokio.

Egresado de la Escuela de Artes Visuales (SVA) de Manhattan en Producción Cinematográfica, radica en Nueva York y establece así la razón de hacer del cine su vía de expresión: “El cine es un medio maravilloso para contar historias que te permite hacer mucha investigación; es muy satisfactorio abordar temas que te interesan, escribir una historia con base en eso y retratarlo. Por otro lado, te deja compañeros increíbles con los que colaboras, porque por más que yo escriba o dirija el corto, es un trabajo en equipo y lo padre es poder compartir esa visión, que te entiendan y estemos en el mismo canal para crear una pieza con un equipo. Te da lazos muy fuertes con tus compañeros”.

Para Fabián, en su cortometraje “Azar” -donde funge como director, guionista y productor- el peso del audio da muestra

clara del balance que debe haber entre éste y la imagen en el cine: “La gente ubica el cine por lo visual, que es la imagen, pero el audio es igual de importante o hasta más, porque la combinación del audio y lo visual hace el cine. Los sonidos son igual de importantes, esos pequeños detalles, todo el diseño, cómo trabajas con ruidos, silencios o sonidos específicos, ambientes naturales, de la ciudad, la importancia de crear atmósferas que es básico para el cine”.

En “Azar” fueron justamente las atmósferas las que marcaron la pauta sonora, siendo su diseñador Luis Miguel Pérez, músico y productor mexicano, con quien Fabián trabajó a distancia: “Hablamos y le mandé el guión; platicamos de cómo iban a ser las atmósferas, el tono de la película y decidimos jugar con los silencios que, en este corto, particularmente la música es importante, de los temas principales, y yo lo viví con emociones en ciertos beats de la peli. Le pedía dónde profundizar o donde ir quitando poco a poco los sonidos de atrás y transicionar entre la banda sonora y los sonidos diegéticos. Me involucro mucho con el sonido atmosférico, cómo quiero que se escuche y se sienta la escena, y siempre estoy abierto a escuchar sus sugerencias y observaciones pues ellos son los expertos en eso”.

“La post fue difícil porque yo estaba en Nueva York y Luis en México, no podía dejar de trabajar y tuvimos que mandar versiones completas; lo enviaba y yo lo montaba con la imagen y lo escuchaba de corrido. Tuvimos que ser muy precisos con el

time code, incluso desde la grabación. Hacia las correcciones de todo y armábamos una segunda vuelta, la post de audio fue más tardada y un desafío. Incluso Luis regresó a las locaciones con su Zoom H5 a grabar todo y retratar ese Coyoacán caótico -locación principal del corto- en audio al igual que la imagen”.

“Azar” sigue su corrida por festivales independientes alrededor del mundo en espera de poderse compartir a todo el público a través de exhibiciones y plataformas. “Sigue su camino en eventos que abren espacios a las nuevas voces en el cine independiente. Me gustaría darle una vuelta para ver cómo le va en México, pues está hecho allá, por talento mexicano y aborda un tema con el que muchos se pueden identificar”, concluye el cineasta.

Entrevista: Nizarindani Sopeña /Redacción: Marisol Pacheco

Fabiola Roudha arma “Un viaje en Espiral”

El lanzamiento del tercer disco de la cantautora guatemalteca Fabiola Roudha fue un trabajo destacado de co-producción latina con la batuta de la intérprete, junto a Franc Castillejos y David Suáres, además de José Villagrán y El Suago sumándose en los arreglos, y la participación de JP Berreondo en la mezcla y masterización.

El álbum tiene como hilo conductor el soul, con variantes neo soul, R&B, pop, balada y hasta toques experimentales y psicodélicos; una evolución sonora que describe así Fabiola: “Desde pequeña, la música que me llamó la atención era el soul, el R&B y el rock progresivo que escuchaba mi papá. Los había dejado de lado por influencia del concurso televisivo en el que participé, pero luego retomé ese camino en 2015, me senté a componer y salió mi primer disco, “Más allá” en 2018; fue mi primera prueba de un material ya completo con esos géneros, que pude promocionar en varios lugares”.

“En 2020 compuse alrededor de 20 canciones, todas en género R&B, neo soul y experimental, porque también me encanta lo psicodélico como Pink Floyd y quise grabar con eso el disco que siempre me había imaginado. Busqué productores y encontré a estos dos chicos talentosísimos de Guatemala, Franc Castillejos y David Suáres, y lo trabajamos muy orgánico, con toda mi banda de músicos grabando juntos desde la primera canción hasta la última. Mi relación con ellos fue muy buena. Entre los tres nos sentamos, escuchamos las maquetas de las canciones que tenía con la guitarra y el teclado y les decía cómo quería que sonaran el bajo, la batería; luego armamos los arreglos”.

Grabado en el estudio Análogo-Digital, los músicos que participaron fueron: Maynor André (guitarra eléctrica), José Villagrán (trombón), Julio Oliva (trompeta), El Suago y David Chinchía (baterías), Jao Medina y Luis Pedro (bajo), con los teclados y la voz por Fabiola.

“El estudio donde grabamos me gusta mucho porque es muy íntimo, está en una montaña. Usamos todo su equipo vintage: pianos, batería y amplificadores de bajo de los setenta. Tenían pianos de pared con un sonido bien profundo y le quedó increíble para temas como “Tal vez debas perderme”, que sólo es piano y voz, y jugamos con muchos delays y el sonido que genera el piano cuando levantas la tecla. Grabé un Korg Kross de 61 teclas que tiene todos estos sonidos Led Zeppelin y fue más fácil modularlos un poco más y meterlos dentro de este álbum, además de un piano eléctrico que era como un Rhodes, pero actual”, detalla la cantante.

El trabajo de mezcla y masterización lo realizó JP Berreondo, quien radica en Los Ángeles, y que ha sido nominado al Grammy. Así fue la dinámica con él: “Fue increíble, porque antes de sacar el disco completo tuvimos cada single y le compartí las mezclas que me inspiraban ciertas canciones, para detallar cómo quería escuchar el bajo y mi voz. Le mandé referencias de todo y con eso trabajó. Lo mismo cuando ya se hizo el mastering, ya estaba el sonido que queríamos”.

La ruta de promoción para “Un Viaje en Espiral”, además de México, enlista Guatemala, El Salvador, Honduras, Costa Rica, Panamá y Colombia.

Entrevista: Nizarindani Sopeña /Redacción: Marisol Pacheco

La industria de la música y el espectáculo

Una nueva era en servicios musicales

En la Sala Silvestre Revueltas se realizó el concierto de presentación de la carpeta de servicios musicales que los Estudios Churubusco y la Vórtice Orquesta estarán brindando para la industria musical, audiovisual y cinematográfica.

Se trata de una alianza entre la agrupación de los músicos dirigidos por Felipe Pérez Santiago y Gerardo Aponte, que permitirá atender necesidades de composición, arreglo, grabación y musicalización con los diversos ensambles que puede armar Vórtice: solistas, dúos, tríos / cuarteto de cuerdas, ensamble de cámara, ensambles vocales, ensambles de percusiones, orquesta de cuerdas, orquesta de cámara, orquesta reducida, orquesta completa (hasta 100 músicos), ensambles de instrumentos eléctricos y no occidentales y todos los entregables.

Para Felipe Pérez Santiago (director artístico y fundador del también conocido como Vórtice Ensamble), con esta

“iniciativa abrimos un nuevo camino para esta sala, los Estudios Churubusco y Vórtice, una nueva historia”. De eso se dio testimonio con un repertorio que cubrió la presentación en vivo de la ahora orquesta residente, interpretando música de Silvestre Revueltas (el movimiento “Noche de Jaranas” de su emblemática “La Noche de los Mayas” que, justamente, se compuso en la sala que hoy lleva su nombre), Arvo Pärt, parte del score de series televisivas como “Game of Thrones” y de películas como “Psicosis”, “El Resplandor”, “El Exorcista”, “Ojos bien cerrados” y “Tiburón”; de cintas mexicanas como “Amalgama” de Carlos Cuarón y Manuel Esperón (cuyo piano con el que compuso “Amorcito corazón” permanece en la Sala Silvestre Revueltas y dio pie a escuchar dicho tema en voz de Jenny Beujean), y de compositores insignia para el cine como Ennio Morricone.

Desde su formación en 2018, Vórtice Ensamble ha cumplido su misión de atraer al escucha común y de cualquier edad

a la música de cámara a través de una programación atractiva, innovadora, impactante y multidisciplinaria que tiene en el talento y profesionalismo de sus integrantes la máxima garantía para cumplir con los estándares que la industria musical, audiovisual y cinematográfica del mundo exigen actualmente.

Con la presencia de Erwin Neumaier, Director General de los Estudios Churubusco, el cineasta y guionista Carlos Cuarón, críticos de cine, melómanos, promotores y productores musicales, la velada mostró la manera en que la orquesta se puede adaptar a las necesidades de los distintos proyectos (cubriendo hasta la formación de orquesta completa con un centenar de músicos) y los servicios en concreto que se otorgarán, desde la asesoría musical y orquestal, composición y arreglos, grabación de música, convocatoria y logística para tener a los músicos en set, así como la postproducción de audio para edición, el mastering y entregables que desde la parte técnica cubren las instalaciones.

Con esta renovada carpeta de servicios musicales, los Estudios Churubusco fortalecen su misión con la industria cinematográfica de nuestro país, añadiendo a sus dos salas de mezcla 5.1 y 7.1 con estándares THX, sala de doblaje e incidentales, estudio Dolby Atmos, dos salas de corrección de color y su sala de proyección, una entidad musical en casa comprometida con el desafío que implica destacar en la industria global del entretenimiento on demand y multiplataforma.

El espacio que permitirá estas labores, la Sala Silvestre Revueltas, es un recinto histórico para el cine nacional (de los más amplios en Latinoamérica, capaz de recibir a 100 músicos), ya equipado con un proyector 2k y pantalla, insonorizada y acondicionada acústicamente, con páneles móviles para reducir o dar más brillo a las frecuencias. Así se aprovechó el momento para hacer el estreno de la obra “El colibrí zurdo”, composición del propio Felipe Pérez Santiago, música contemporánea interpretada por la Vórtice Orquesta en formato completo.

Felipe Pérez Santiago y Erwin Neumaier

Staff de audio Estudios Churubusco

Yamaha DM7: la vanguardia y más allá

La marca japonesa está de plácemes y presentó en nuestro país el más reciente producto para la industria del audio profesional: se trata de la serie de consolas digitales DM7, que representa un importante avance en la evolución que Yamaha ha tenido en las tres décadas de haber presentado su primera consola de mezcla digital.

En un evento al que asistieron ingenieros de audio de veteranas y nuevas generaciones, así como representantes de importantes compañías del gremio, la serie DM7 fue presentada y pudieron conocerse sus distintas características, como diseño compacto, interfaz de usuario intuitiva y su suite completa de funciones para un gran rango de entornos de audio, desde broadcast, streaming y producción musical, hasta eventos híbridos en vivo y conciertos, conservando el sonido tradicional de Yamaha.

Omar Chávez, Director de Ventas y Marketing de Yamaha de México, fue quien comenzó esta presentación, acompañado por Jesús González, Especialista de Producto, y Martín Valadez,

Gerente de Ventas Business Solutions. La expectativa se percibía en el ambiente: “Fue muy grato, después de un break de casi 3 años, realizar este lanzamiento. Fue muy bueno ver de nuevo a los representantes de las compañías más importantes en México e ingenieros de audio, porque esta presentación era muy esperada”.

Omar Chávez

“El periodo de crisis sanitaria fue empleado por la marca para desarrollar la serie DM7, que venía justamente cuando empezó el confinamiento y que no pudimos lanzar por esa razón. Tiene pocas semanas de haberse presentado de manera global y ha sido muy bien recibida por los usuarios, gracias al hecho de tener más capacidades, un tamaño más compacto y un sistema modular”.

La Serie DM7 consta de las consolas DM7, DM7 Compact y el Controlador de expansión Control DM7. La primera cuenta con 24 + 4 faders, 2 pantallas multitáctiles de 12 pulgadas y 1 de 7 pulgadas, mientras que la DM7 Compact está configurada con 12 + 4 faders, 1 pantalla multitáctil de 12 pulgadas + 1 de 7 pulgadas y se puede montar en un rack con el kit de montaje opcional RK1. Ambas están equipadas con Dante.

Por su parte, el Control DM7 es un controlador de expansión con varios dispositivos de control físicos que se pueden usar para gestionar cómodamente funciones de varias aplicaciones, como User Defined Keys, Scene Memory keys, Monitor Control keys y knobs. Cabe mencionar que el paquete Broadcast/Theatre viene incluido con este controlador. Asimismo, para disponer de los sistemas DM7-EX y DM7-EX Compact, las mesas agregan el módulo CTL-DM7, dos faders adicionales, controles definidos por el usuario, un jog wheel para control DAW, memoria de escena, panner y controles de monitor.

“Otra de las ventajas de esta serie”, comenta Omar Chávez, “es que cuenta con herramientas de inteligencia artificial que ayudan al usuario a tener un mejor desempeño y a ahorrar tiempos, además de que sus aplicaciones están en varios rubros, como streaming, que se aceleró durante la pandemia y donde es posible hacer un evento en vivo sin otra mezcladora y sin otro snake para hacer la transmisión; es decir, que desde la misma superficie es posible tener 2 consolas en una”.

“La flexibilidad es otra de las ventajas de la Serie DM7; en un tamaño compacto tiene un gran flujo de trabajo, muy similar a lo que ya conocen de Yamaha, con una curva de aprendizaje muy rápida, además de que podemos tener el paquete de broadcast, el de teatro. La DM7 Compact tiene una gran portabilidad y podemos tener la extensión -con la DM7-EX -, o tener el control para el sistema de audio inmersivo a través de un joystick”.

El lanzamiento de la Serie DM7 fue el pasado 7 de junio durante InfoComm, y estará disponible en septiembre próximo. “Afortunadamente, la producción de chips se ha regularizado mucho más y eso nos ayuda a tener tiempos de entrega más rápidos”, menciona Omar.

“Por fortuna, Yamaha se fortaleció en diferentes mercados, desde las comunicaciones para videoconferencias a productos de streaming y gaming, y en el show business, una de las expectativas que tenemos es que esta consola goce de un gran éxito por las capacidades que tiene. La marca siempre ha estado presente en la industria del audio en México y nunca lanza ningún producto sin antes estar 100 por ciento segura. Con las necesidades del mercado, en este caso de los ingenieros, durante todo el periodo de desarrollo de esta consola se hicieron los prototipos, se llamaron a ingenieros de todo el mundo y los probaron; en Japón se escucharon esos comentarios y se afinaron los detalles, que en este caso tuvieron mucho que ver con la inteligencia artificial, contar con más cantidad de plug ins y hacer alianzas con otras marcas. Al final, todo esto ayudó a que el producto saliera con un alto estándar”.

Omar expresa su entusiasmo al presentar esta nueva serie y los propósitos de su aparición: “Estamos muy contentos de regresar al show business con un producto como éste, que promete mucho a un precio bastante atractivo. Ya nos hacía falta el regreso a los eventos en vivo, a la interacción con la gente. Creemos que la Serie DM7 fortalecerá mucho a esta industria”.

Para demostrar la Serie DM7 en todo su esplendor, el jazz contemporáneo de Alex Mercado Trío, con Alex Mercado en el piano, Gabriel Puentes en la batería e Israel Cupich en el contrabajo, deleitaron al público con algunas obras de su gran repertorio, lo que confirmó que el nuevo lanzamiento de Yamaha dará mucho de qué hablar próximamente.

Jesús González

Héctor Álvarez Del Castillo en sala

Christie distingue a Croma Digital

La marca de tecnologías visuales y de audio ha distinguido a Croma Digital como “Distribuidor del Año” en México. El reconocimiento fue otorgado durante InfoComm 2023, celebrada recientemente en Orlando, Florida.

Croma Digital es socio de Christie en México desde 2015, comercializando las soluciones de proyección de la marca, principalmente para proyectos de rental.

Christie ha reconocido a su distribuidor gracias a sus importantes resultados de ventas y generación de demanda obtenidos en el año fiscal 2022 de la marca y también ha valorado muy positivamente la contribución de Croma Digital en la consolidación del fabricante en el mercado local.

La distinción fue entregada por Clayton Brito, Renan Lazcano e Israel Díaz, del equipo de Christie en América Latina, a Carlos

Rendón y Luis Rendón, Director General y Director Comercial respectivamente de Croma Digital.

Renan Lazcano, Sales Manager de la división Enterprise de Christie en México, señala: “La colaboración con Croma Digital este último año nos ha ayudado enormemente a generar una gran demanda de nuestros proyectores y a afianzar nuestra posición en México. Se trata de un socio estratégico que brinda un servicio de excelencia, así que todo nuestro agradecimiento a ellos”. Por su parte, Carlos Rendón, de Croma Digital, comentó: “Estamos encantados de haber obtenido este reconocimiento de Christie, que pone de manifiesto nuestra larga colaboración y nuestro compromiso conjunto de impulsar proyectos de gran valor. La alianza con la marca nos permite garantizar a nuestros clientes soluciones de calidad y soporte de alto perfil, así que confiamos en seguir trabajando conjuntamente muchos años más”.

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Miguel Laure y Servicios MIL , la herencia de Mike Laure

La empresa de producción y de renta Servicios MIL fue fundada en Guadalajara y recién cumplirá cuarenta y cinco años de su creación. Además de ser una de las empresas de renta y de producción más prestigiadas y establecidas en la ciudad, tiene una amplia cartera de clientes nacionales fieles y una diversificación fuera de lo común. Su fundador, Miguel Laure, es uno de los herederos del gran Mike Laure, músico mexicano de los años cincuenta, quien visionariamente fusionó el rocanrol de la época con ritmos tropicales. Laure hijo, además de proveer de infraestructura pesada a numerosos eventos de la República Mexicana, creó durante la pandemia Foro 6, escenario de producción para streaming, en el cual produce su propio programa de revista llamado “Las Mentiras de Miguel”. Adicionalmente, es el cantante líder y director de la orquesta “Los Hijos de Mike Laure”, proyecto tributo a su padre.

En la música desde pequeño

Miguel Laure da inicio a la narración de su historia: “Mi nombre completo es Miguel Laure Ruiz y fundé esta empresa llamada Servicios MIL, en la cual sigo trabajando como director operativo. Nací en un barrio cercano a la Central Camionera tapatía, en la calle Río Lerma. En los años setenta, mi papá era uno de los hombres más famosos de México, aunque en ese entonces aún no se reflejaba en la economía. Yo pasé mi infancia y adolescencia muy cerca de mi madre, ya que todos mis hermanos y primos se dedicaron a la música y se fueron a la Ciudad de México. Yo decidí quedarme para continuar con mis estudios; sin embargo, siempre me interesó el trabajo de DJ. En la secundaria, empecé a formar mi primer equipo de luz y sonido, y ahí nació mi interés por ese mundo. Ganaba más en un evento de sonido los fines de semana que en una quincena de trabajo. Un día, por circunstancias del destino, perdí mi empleo y ninguna empresa me quería contratar. Un sábado recibí una llamada. Alguien me preguntó si alquilaba luces. Tenía hambre, así que accedí por una cantidad. Acordamos encontrarnos en Amatitán con la banda. Cuando llegué, el tipo se sorprendió al verme. Yo llevaba dos tripiés con una estructura de antena de 3 metros y 6 reflectores que funcionaban y diez que no prendían, pero hacían bulto (risas). Lo mágico fue que llevaba un seguidor y el cantante -que no los conocía-, enloqueció con él. Trabajé con ellos durante tres años”.

Laure prosigue: “Poco a poco me empezaron a contactar otras bandas y fui escalando en cantidad y calidad. En esa primera etapa, terminé trabajando con Pancho Barraza como solista. Ya yo coordinaba todo un equipo y tenía todo bien hecho y profesional. Le alquilaba el escenario y el audio a otras bandas. Rentaba una planta y también un camión de redilas para transportar la planta con una pluma. Recolectar todo me llevaba día y medio. Entonces, por primera vez después de trabajar con Pancho, hice un primer cambio de equipo y esto me permitió empezar a trabajar para universidades, gobiernos, cervecerías y refresqueras. Un tiempo después, una vez más subí de nivel y empecé a irme a los grandes conciertos con don Vicente Fernández y Arjona. En el momento previo de alcanzar el siguiente escalón, fue cuando llegó la pandemia”.

Foro 6

Las circunstancias sanitarias y la sequía de trabajo, orillaron a Laure a reinventar Servicios MIL y sacar provecho de las tecnologías a distancia que se detonaron: “Creé Foro 6 en 2020, en una de mis bodegas, para mantener una plantilla mínima de personal. Había sufrido una huída numerosa de buenos elementos que no regresaron por tomar otros trabajos. Opté por invertir lo generado de la venta de una camioneta y equipo, para conservar a un líder de cada especialidad. Así, empecé a producir y conducir el programa por streaming “Las Mentiras de Miguel”, a lo que empecé a llevar artistas invitados y se fue popularizando. Esto empezó a atraer patrocinadores, ya que poníamos una gran infraestructura de audio, video e iluminación. Gracias a esto hicimos muchos lazos y esto esparció el teléfono de Servicios MIL, entonces creo que funcionó muy bien”.

“Creé Foro 6 en 2020, en una de mis bodegas, para mantener una plantilla mínima de personal. Opté por invertir para conservar a un líder de cada especialidad y así empecé a producir y conducir el programa por streaming “Las Mentiras de Miguel”.

Tiempos y cambios

La evolución tecnológica durante cuarenta y cinco años tiene la siguiente visión en Miguel Laure: “Los cambios más brutales fueron de lo analógico a lo digital y lo más sensible fue el audio. Ahí se batalló mucho con la preparación de los operadores. Originalmente se cargaban un montón de racks en el que cada equipo ejecutaba una función. Y luego sucedió que la consola digital podía hacer todo, multiplicado por el infinito. Inicialmente, había un miedo tremendo en algunos operadores, ya que teníamos la consola digital y de cualquier manera, se llevaban su rack de equipos análogos por si no le hallaban (risas). Eso quedó en el pasado. Creo que ahora, todas las empresas tienen a sus operadores muy preparados, ya que los proveedores se encargan de eso. En cuestiones de estructuras para escenario, también fue muy duro, porque empezamos con soportes de acero, y pasar al soporte de aluminio fue una inversión pesada, ya que costaba 30 o 40 veces más y esto no se reflejaba en el cobro al cliente”.

Servicios MIL ha colaborado en:

Festejos de aniversario de Guadalajara

2002 Celia Cruz

2003 Willie Colón

2004 Diego Torres

Eventos

Gira 22-23 Ricardo Arjona

30 aniversario K BUENA, Plaza Liberación de Guadalajara

Diversas campañas políticas

Presentaciones de Vicente Fernández

14-15 sept 2007 en la Arena VFG

Grabación Primera Fila Arena VFG

La intención del retiro después de una fructífera trayectoria hizo presencia en la vida de Laure, y así, decidió ceder las riendas de la empresa: “Hace ocho años adquirí una casa en Ajijic y decidí retirarme a descansar y dejar a mi hija Mayra a cargo. Aguanté menos de 60 días. Me estaba volviendo loco. Necesitaba hacer cosas nuevas. Fue cuando una serie de sucesos deriva en la creación de “Los Hijos de Mike Laure”,

Presentación en Puerto Peñasco, cumbre de gobernadores de la frontera Mex-USA

Rock por la Vida 2016 estadio de rugby, con 2 escenarios

Eventos municipales en Paseo Chapultepec, con la orquesta de Glenn Miller

Eventos de fin de año con Teo González, 18 años consecutivos

“Los cambios más brutales fueron de lo analógico a lo digital y Ahí se batalló mucho con la preparación de los

proyecto que originalmente estaba planeado para formarlo con mis hermanos. Sin embargo, situaciones de salud de algunos de ellos y un deceso familiar no lo permitieron. El proyecto siguió adelante y después de algunos titubeos, me lancé a cantar, cuando originalmente yo estaría en la parte administrativa. Los resultados del grupo han sido muy buenos, aunque sigo aprendiendo a cantar. Esto me mantiene con una ilusión y un motivo para levantarme de la cama cada día”, dice con una sonrisa.

Rider simplificado de Servicios MIL

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Audio Meyer Sound MILO

Audio DAS Aero 38 y 28

Tarima Forum (1,250 metros cuadrados)

Valla de popote (2 kilómetros)

Valla de contención (300 metros)

Pantalla de LED (150 metros)

Generadores 25-45-75-120-180 y 200 kva

Extensa existencia de backline

Estructura para escenarios Layher

Miguel Laure finaliza con un par de reflexiones y una frase: “El susto que nos dio la pandemia nos puso en un hilo muy delgado y a punto de perder todo nuestro patrimonio, tanto de negocios como inversiones familiares. Si Dios nos dio la oportunidad de seguir viviendo, creo que hay que aprovechar el tiempo y generar derrama económica y riqueza. Yo digo que cuando una familia deja la pobreza, ninguno de sus descendientes tienen por qué volver a ser pobres. Si vuelve a pasar, los culpables somos nosotros. Debemos pensar que todo nuestro esfuerzo laboral y sacrificios se verán reflejados en la felicidad de nuestra familia”.

lo más sensible fue el audio. operadores”.

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