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Contenido
303, noviembre 2023
32. Sensei Media, una experiencia 360 de creación 8. Nuevos productos
Columnas invitadas 16. ¿Audífonos en lugar de monitores? Por Alan García 22. El “Momento Eureka” Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda
En concierto 4. Detrás del micrófono
Moreno, Esparza y Villafuerte: solamente rock
28. Desde el estudio
Alzada Records: el estallido urbano
40. Iraida Noriega y sus mundos Por Marisol Pacheco
Por Juan Carlos Flores
46. Pacific Live Experience, la ruta inmersiva sigue
Reporte especial 44. Un evento siempre esperado: PLASA 2023
Notas del medio 50. Bárbara Cosío, compartir historias importa 52. Gian Marco y el asombro de colaborar
Eventos 54. La unión para llegar lejos
20. A primera vista
62. Un encuentro con
Interfaz Scarlett Focusrite, cuarta generación
María Elisa, Natalia, Salomé: estrellas del audio
Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda
Por Nizarindani Sopeña Romero
56. Javo Barrera, un lanzamiento en audio inmersivo 58. Dolby Atmos, el punto de inflexión en la Industria 60. Malinche, El Musical, el camino de Nacho Cano
La industria de la música y el espectáculo
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E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano
Editora y copywriter Nizarindani Sopeña
Diseño Héctor Barrera
Staff Editorial Marisol Pacheco
Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera
Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez
Digital Marketing Chief
C
Edith García
on este número, llegamos al penúltimo mes de 2023, un año que pareció correr veloz y en el que hemos visto cómo la Industria de la Música y el Espectáculo continúa en la recuperación del estado en el que se encontraba antes de 2020. No ha sido una recuperación sencilla; se han tenido que hacer ajustes en la manera en la que hacíamos las cosas y
trabajar más para lograrlo, pero los resultados se van obteniendo y eso es lo importante. Con seguridad, el mes entrante muchos profesionales de nuestro gremio estarán muy
Editora Audiovisual Marisol Pacheco
Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores
Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx
Teléfono (55) 5240 1202
ocupados con distintos eventos de fin de año; ojalá que todos sean proyectos exitosos y que el año venidero se vislumbre con gran esperanza. Desde aquí, seguiremos ofreciendo información que pueda ayudarles en su camino. Para este mes, los temas que les tenemos preparados abordan tópicos que son realmente interesantes y ofrecen diversas perspectivas de la creatividad y la tecnología para la Industria: las facilidades de un entorno de producción musical 360, la aplicación de audio inmersivo en conciertos en vivo, reseñas de equipos de reciente aparición y entrevistas con destacados personajes del medio son algunos de los artículos publicados en esta edición, esperando que llamen su atención y haga crecer aún más esta gran comunidad. Nos estamos preparando para que el último mes de 2023 nos llene a todos de alegría
Revista mensual. Año 26, No. 303. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.
y metas por cumplir. Hay muchas cosas por hacer y el ánimo debe ser una constante para lograrlas. Orgulloso miembro
¡Que tengan una feliz lectura! Nizarindani Sopeña Romero X (antes Twitter): @soundandvision7 Instagram: Nixsopena
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Javier Villafuerte, Miguel Esparza y Víctor Moreno
Moreno, Esparza y Villafuerte: solamente rock
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l lanzamiento del disco “Los viejos sacerdotes”, representó la unión del talento de tres referentes del rock mexicano: Javier Villafuerte (guitarras), Víctor Moreno (batería) y Miguel Esparza (bajo y voz). Los diez temas fueron una colaboración y producción entre el trío; el álbum se grabó en Estudios Titanio en la capital mexicana, con mezcla y masterización de Raúl Ochoa en Guadalajara. Es el baterista, Víctor Moreno, quien comparte los procesos que lo hicieron realidad.
Primero lo primero La preproducción de “Los viejos sacerdotes” ocurrió en 2022 a partir de ensayos entre los tres músicos, que coincidían en tener un registro actual con su sonido y sentir como legado tras el explosivo momento juvenil que les tocó vivir en la era post-Avándaro y sobrevivir a la pandemia; así lo recuerda Víctor: “Ninguno de los tres teníamos algo reciente grabado; hay cosas con otros de los proyectos donde estuvimos, como Dug Dugs y Medusa, pero no algo propio. Teníamos ideas y canciones más o menos
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Detrás del micrófono
armadas y nos pusimos a trabajar con eso para montar el material rápido y tener con qué presentarnos. También aprovechamos el respaldo tecnológico que hay ahora y que no teníamos en los años setenta”. “En octubre de 2022 ya teníamos diez piezas; la composición fue entre los tres, con canciones donde hay música y letra mía, y otras de Miguel. Surgió la oportunidad de un financiamiento y buscando, fue que dimos con Estudios Titanio, donde Miguel ya había grabado, y tuvimos la suerte de que el ingeniero, Jerry de Aquino, en ese momento estaba también grabando cosas de Cristal y Acero y otros proyectos del estilo, lo que rápidamente nos permitió comunicarnos y colaborar con él. Se armó la base, bajo, guitarra y batería, y para la voz, Miguel incursionó como cantante, además de bajista, y nos gustó, comenta Víctor”. El sonido del disco es, para Víctor, “un rock pesado, duro, en la línea de agrupaciones como Black Sabbath y un poco de Led Zeppelin que incluso pueden sonar como Verdad Desnuda, la banda que tenían Miguel y Javier, incluso a Ciruela, donde también sonaron, y un poco de Medusa”. Para la grabación, Javier usó una guitarra Gibson SG pasada por un Marshall Vintage Modern, pedales Boss -en su mayoría-, chorus, distor y metal sound, más compresores y otros efectos. El bajo de Miguel fue un Fender Precision activo con
“El sonido del disco es un rock pesado, duro, en la línea de agrupaciones como Black Sabbath y un poco de Led Zeppelin”.
Con Jerry De Aquino en Estudios Titanio La industria de la música y el espectáculo
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preamplificador Acoustic 360. Para la batería, Víctor sonó una Ludwig de doble bombo, con tres toms de aire y dos toms de piso, una tarola Mapex Black Panther, platillos Zildjian y hardware Tama con pedales DW5000.
Los pormenores técnicos de Los Viejos Sacerdotes Grabación: estudio Titanio
Ayudas valiosas
Ingeniero: Jerry de Aquino
Fue durante una visita a Guadalajara, en el marco de la Feria Internacional de la Música y un homenaje a bandas de rock setenteras, que Víctor coincidió con Raúl Ochoa, le mostró la grabación y se tomó la decisión de que él realizara la mezcla y masterización:
Shure SM57 (tarola), PG56 (toms), Beta 52 (ambos bombos)
Micrófonos AKG C 1000S (overheads) Behringer C-2 (contratiempos) Sennheiser e-906 (room y amplificador de guitarra) AKG P-420 (voz y coros) Controlador Pro Tools C 24 Monitores Yamaha NS-10M y Auratone Compresor Avalon Vt 737 Mono de bulbo Mezcla: Estudio Órbita Musical (Guadalajara) Software Pro Tools Compresores Manley y Universal Audio Monitores Yamaha Micrófonos Neumann y AKG 414
Víctor y Javier con Raúl Ochoa en Estudio Órbita Musical
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Ingeniero de mezcla y masterización: Raúl Ochoa.
La preproducción ocurrió en 2022, a partir de ensayos entre los tres músicos, que coincidían en tener un registro actual con su sonido y sentir como legado tras el momento que les tocó vivir en la era post-Avándaro.
“Raúl escuchó el material, me dijo que tenía un estudio y que se ofrecía a armarnos la mezcla ahí; vistió el sonido y, de mutuo acuerdo con Javier, hicimos más cosas, como los doblajes e integrar teclados, y fue ahí que todos coincidimos en que había que reforzar la voz y fue cuando contactamos a Aby De Gyves, quien primordialmente canta blues. Ella grabó los coros en Estudios Titanio, que luego ya se montaron en la postproducción, y con eso llegamos a la mezcla”.
Aby De Gyves “Para la mezcla siempre estuve presente, como en otros discos”, comenta Víctor, “porque es importante participar y dar una opinión de lo que queremos escuchar. A Raúl le llevamos una premezcla y a partir de ahí hicimos el trabajo en un periodo aproximado de diez días para avanzar rápido y armar las correcciones pertinentes, como la suma de unas guitarras, teclados y percusión, que vistieron mejor las rolas”.
Con la mezcla y masterización terminada en mayo de este 2023, se realizó el arte gráfico, en la portada y booklet, de Abelardo Culebro, quien además de ser guitarrista es dibujante. “Su estilo nos gustó mucho, porque está en el estilo de las portadas de Yes y Jethro Tull, y le dio el carácter que queríamos”, concluye Víctor.
En miras de lo que será un libro con sus vivencias en el rocanrol, Víctor permanece atento a la posibilidad de detonar conciertos para sonar los temas de “Los Viejos Sacerdotes”. Atentos a ello. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
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Nuevos Productos ESTUDIO
Neve Transformador de audio MBT Durante más de seis décadas, los transformadores de audio han sido la base de la filosofía de diseño de circuitos de audio de Rupert Neve, y los transformadores personalizados de Rupert Neve Designs son una parte integral de prácticamente todos los productos de la marca. Equipado con estos transformadores, el MBT proporciona una serie de funciones diseñadas para endulzar, mejorar, impulsar, ampliar y transformar por completo el material fuente y está diseñado para su uso en mezclas completas, grupos, temas o pistas mono o estéreo individuales. rupertneve.com Audio Gate International. 55 5336 5522 audiogate.mx
Neumann Monitores de estudio KH 120 II La primera versión de estos monitores fue lanzada en 2010 y ahora, la nueva edición sigue la misma filosofía que su predecesor: ofrecer un altavoz con alta linealidad, baja distorsión, poca coloración y adaptabilidad a cualquier entorno acústico. El KH 120 II tiene un novedoso diseño de woofer que reduce la distorsión audible y permite niveles SPL mucho más altos. Además de una respuesta de frecuencia excepcionalmente plana de 44 Hz a 21 kHz (±3 dB), también ofrece una respuesta de fase linealizada, que se traduce en medios claros con una transparencia asombrosa, así como una precisión extrema en el dominio del tiempo, es decir, un impulso preciso. Neumann. 55 5638 1020 www.neumann.com
Universal Audio Pedales de guitarra UAFX Construidos sobre potentes motores de procesador y la probada experiencia en modelado analógico de la marca, los pedales de guitarra UAFX brindan una autenticidad sonora mucho más allá de otros dispositivos del tipo. Desde emuladores de amplificadores galardonados hasta reverberaciones, retardos, moduladores y compresores clásicos, con ellos es posible experimentar tonos antiguos legítimos como nunca antes se habías escuchado. Vari. 55 9183 2700 www.varinter.mx www.uaudio.com
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Nuevos Productos EScenario
QSC Altavoces L Class Como resultado excepcional de una profunda comprensión de las necesidades del cliente y los requisitos de las aplicaciones, la serie L Class ofrece una brillante combinación de innovación de vanguardia, ingeniería refinada y facilidad de uso incomparable, además de un rendimiento y una experiencia de audio excepcionales a través de amplificación de alto rendimiento, DSP de última generación, componentes premium, amplia inteligencia del sistema y una interfaz elegante e intuitiva. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.qsc.com
Powersoft Amplificadores Serie T Los amplificadores Serie T de Powersoft son la elección definitiva para giras musicales. Con entradas Dante de Audinate integradas, permiten una distribución de audio sin complicaciones. Su diseño compacto y potente, con rangos de 750 a 3,000 watts, ofrece una amplificación rentable para cualquier altavoz. Gracias al DSP incorporado y el control remoto a través de ArmoniaPlus de Powersoft, estos amplificadores garantizan un sonido excepcional en cada concierto. Así es posible descubrir la libertad de amplificar cualquier bocina con la Serie T: versatilidad y rendimiento en una solución compacta e innovadora. NTX Distribution. 55 2629 5959 www.ntxdistribution.com www.powersoft.com
L-Acoustics Altavoces Serie L La marca anunció esta nueva serie con su tecnología patentada Progressive UltraDense Line Source (PULS). Llevando la tecnología de fuente lineal a su punto máximo, la Serie L marca el comienzo de la máxima potencia, control y consistencia en el diseño de arreglo lineal. Debutó en los BRIT Awards, en la gira con Helene Fischer y en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley y ya se encuentra disponible desde el inicio de este otoño. Vari. 55 9183 2700 www.varinter.mx www.l-acoustics.com
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Nuevos Productos Backline
Apogee Interfaz de guitarra Jam X Basado en la interfaz Jam original de 2010, Jam X proporciona la forma más fácil de conectar la guitarra a una computadora o dispositivo iOS para obtener un sonido con calidad de estudio y además agrega una nueva característica: un compresor analógico integrado, que permite a los guitarristas conectarse y comenzar a crear inmediatamente con sonido de estudio y compresión de modelado de tono. Audio Gate Internacional. 55 5336 5522 www.audiogate.mx apogeedigital.com
Godin Guitarra G-Tour Para los instrumentistas que buscan un sonido de cuerdas de nailon, pero que se sienten más cómodos con la sensación de una guitarra eléctrica, Godin G-Tour puede revolucionar su experiencia al tocar la guitarra. Es compacta, distinta y cómoda, de cuerpo hueco que cuenta con una electrónica EPM Q-Discrete con perillas de volumen y tono que alientan a los instrumentistas a conectarse y subir el volumen. El G-Tour cuenta con un cuerpo de arce de hoja plateada, una tapa de cedro macizo y un exclusivo refuerzo en abanico para garantizar una excelente proyección del sonido y un rico tono con cuerdas de nailon. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx godinguitars.com
Mesa Boogie Plug-in Mark IIC+ Suite Esta suite es una modificación de fábrica mítica y codiciada del amplificador IIC+, que refinó sus capacidades tonales con un nuevo diseño de circuito de preamplificador que proporciona ganancia adicional junto a una respuesta de graves más ajustada. La marca ha replicado cada matiz de ambos amplificadores con una precisión sin precedentes para devolverle la vida a una parte de la historia. www.mesaboogie.com
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Nuevos Productos DJ
DAS Audio Sistema de audio portátil Altea Duo La marca incorpora dos sistemas nuevos: Altea-DUO 10 y 20, a la familia de sistemas portátiles. Son sistemas con acabados de alta calidad en formato columna compuesta por un subgrave más tres piezas desmontables, con gran facilidad de transporte y la instalación, además de contar con accesorios disponibles. Son sistemas de 3 vías, auto amplificados y con procesado FIR, con la que se consigue una inteligibilidad destacable. En cuanto al nivel de SPL, la Altea-DUO-10A consigue 124dB, mientras que la Altea-DUO-20A alcanza127dB pico. Hermes Music. 55 5002 2200 hermes-music.com.mx www.dasaudio.com
Ortofon Fonocaptor VNL premontada Los DJ expertos exigen herramientas especializadas que puedan ayudarles a llevar su creatividad al límite, poniendo a prueba constantemente los límites en el ámbito de la interpretación. Entendiendo esto y reflejando la amplia experiencia de Ortofon en diseño industrial y conocimiento tecnológico, presentan el cartucho Ortofon VNL, un modelo diseñado exclusivamente para las incesantes demandas de los tornamesistas modernos. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.ortofon.com
Obsidian Gateway EP2 Netron EP2 es una puerta de enlace compacta de Ethernet a DMX con dos puertos compatibles con RDM diseñada para montaje en pared, montaje en truss e instalaciones independientes. Se puede configurar a través de su control remoto web interno y se alimenta a través de Ethernet o mediante la conexión USB-C. Elation Professional. 72 8282 7070 www.elationlighting.com obsidiancontrol.com
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Entre lo técnico y lo sensible
Por Alan García*
¿Audífonos en lugar de monitores?
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urante muchos años, a la hora de trabajar con audio, los audífonos eran para mí solamente una herramienta para revisar algún detalle en específico de lo que estuviera trabajando o meramente para disfrutar de otra referencia. Sin embargo, nunca me sentí confiado de trabajar de lleno con ellos. Sentía que los audífonos que me gustaban eran muy divertidos de escuchar, pero que no representaban tan fielmente el audio.
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Entre lo técnico y lo sensible
Lo primero, la calidad sonora Muy al principio de mi carrera intenté algunas mezclas usando audífonos y no logré alcanzar un sonido que se tradujera bien a otros sistemas, así que simplemente descarté esta posibilidad y me enfoqué a trabajar con monitores de estudio, pues ahí sí entendía qué era lo que sonaba. Eventualmente, por la carga de trabajo y buscando ser más práctico, volví a encontrarme con la idea de tener una estación en casa donde pudiera hacer cambios sencillos de mezcla sin necesidad de regresar al estudio, pero con la premisa de que la calidad del trabajo no fuera menor. Poco a poco fui probando diferentes opciones de audífonos: abiertos, cerrados, in-ears, earpods y demás hasta que llegué a conocer los S3 de OLLO Audio; los compré y después de usarlos platiqué con el CEO de la compañía, que me ofreció representar a la marca. Como me encantó cómo sonaban, acepté.
Con las nuevas tecnologías de audio inmersivo, trabajar con audífonos ha adquirido mucha importancia y se está avanzando hasta llegar al punto de poder hacer la mayor parte de estas mezclas en audífonos.
Por mera curiosidad trabajé un par de mezclas completamente en audífonos. No funcionó. Los audífonos sonaban increíblemente, pero mis mezclas no. En ellas, con estos dispositivos, los planos estaban muy exagerados, la imagen estéreo muy abierta, los efectos no resaltaban, la potencia de la batería era inexistente y yo estaba completamente perdido y frustrado. Trabajar con audífonos integra dos factores, a mi parecer, que hacen una diferencia abismal con la experiencia de trabajar con monitores: 1. El oído derecho no escucha el
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Entre lo técnico y lo sensible
sonido que proviene de la bocina izquierda y viceversa, y 2. El sonido del cuarto en el que trabajamos es inexistente. Estas dos cosas nos crean ventajas y desventajas, pero para mí, el mayor reto fue encontrar cómo hacer que lo que escuchaba en mis audífonos se tradujera a otros sistemas. ¿Cómo podía lograr tomar decisiones de balances, paneos, ecualización, compresión, reverberaciones y confiar en que lo que estaba entregando tendría la misma calidad que cuando tomaba esas decisiones en mi estudio con mis monitores Boulder de Unity Audio?
Regresar al inicio Decidí irme a lo básico y mezclar todo lo que pudiera de forma rápida y simple, enfocándome siempre en el balance de los instrumentos. Utilicé una técnica que le he enseñado a mis alumnos durante años, en la cual les pido que pongan una cama de ruido rosa en un track auxiliar e ir subiendo el volumen de los diferentes instrumentos hasta que apenas se escuchen sobre el ruido rosa. Después de algunos intentos logré adaptarme y lo demás cayó en su lugar. Con la práctica, ahora me siento muy confiado de lo que puedo lograr trabajando así, y la gran ventaja es que puedo trabajar en el estudio, en casa o de vacaciones en cualquier parte del mundo. Es más, en este momento de mi carrera prefiero masterizar utilizando audífonos, escucho la música con ellos como si tuviera una lupa y puedo tomar decisiones muy específicas sin miedo a equivocarme. Actualmente existen muchas marcas de audífonos profesionales y de software que nos ayudan a emular estudios profesionales. En mi curiosidad por el tema, me encanta probar todas las variedades y colores de estos. A continuación comparto mi set up actual para trabajar con audífonos y con el que estoy confiado al cien por ciento de que lo que trabaje ahí sonará como espero en cualquier otro lugar: ·Interfaz Black Lion Audio Revolution 2x2 ·Play2Me system de OLLO Audio con audífonos S5X y calibración USC ·Immerse Virtual Studio - Lurssen Mastering, de Embody Con las nuevas tecnologías de audio inmersivo, el tema de trabajar con audífonos ha adquirido mucha importancia y se está avanzando hasta llegar al punto de que podemos hacer la mayor parte de una mezcla en Dolby Atmos (si no es que toda)
El mayor reto fue encontrar cómo hacer que lo que escuchaba en mis audífonos se tradujera a otros sistemas. sound:check
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Entre lo técnico y lo sensible
completamente en audífonos, pues hay muchas menos variables que en un recinto real, además de que el rendering binaural es una parte primordial del formato. Poco a poco, diferentes compañías están logrando emular de manera más precisa la experiencia de escuchar en un estudio con monitores profesionales y con una acústica bien trabajada.
¿Significa esto que es mejor trabajar con audífonos? No necesariamente, pero realmente tiene varios beneficios, como el hecho de que no necesitamos hacer la misma inversión que si quisiéramos acondicionar acústicamente un espacio y comprar monitores de estudio profesionales, sobre todo si es que estamos empezando nuestra carrera, o que podemos trabajar en diferentes espacios sin ningún cambio en nuestra referencia. Una gran parte de la música que se consume actualmente se escucha en audífonos, así que es natural que podamos trabajar directamente en este formato; sin embargo, no por eso tenemos que dejar de lado la opción de tener un espacio donde podamos escuchar y confiar en lo que estamos haciendo. Los invito a que me sigan en sunorecords.com/blog, donde trato más temas referentes a la producción musical y donde comparto cosas que he aprendido a lo largo de mi carrera. Si algo de lo que escribo les fue de ayuda, pueden enviar un correo a alan@ sunorecords.com
*Ingeniero de Mezcla y Masterización en Suno Records y Customer Success Manager en SoundBetter.
Me encantará saber de ustedes.
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Por Raúl Ferrer deLeón* Jesús Bustos Castañeda*
Interfaz Scarlett cuarta generación
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n estos casi 13 años que llevo como docente en universidades, es muy común que los chicos se acerquen a mí para preguntarme qué equipo les conviene a corto y mediano plazo para sus proyectos escolares y en su futura vida profesional, y es un verdadero placer para mí hacer una revisión acerca de este equipo, puesto que lo he seguido muy de cerca y lo he visto en acción en el salón de clases, en mi home studio y en eventos en vivo. He podido experimentar las tres generaciones de interfaces Scarlett y me emociona mucho escribir acerca de la nueva generación que ya está con nosotros. El orden de esta revisión será en función de las cosas que más me sorprendieron de esta nueva cuarta generación: Scarlett 2i2 4th Gen, el modo Air, Auto Gen y Clip Safe. Me considero amante de los dispositivos y elementos que generan una coloración, es decir, añadir armónicos a la señal que están manipulando. Me dio mucha curiosidad esta nueva característica y me di a la tarea de hacer una prueba muy sencilla para darme una idea del cambio tímbrico que nos entrega la Interfaz en este modo.
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La prueba consiste en inyectar un tono puro al preamplificador y revisar a través de un analizador de espectro, qué tan limpio y con qué nivel llega esta senoidal. Posterior a eso, activar este atributo de la interfaz y analizar los armónicos que añade. Estos fueron los resultados: En la imagen 1 vemos al armónico solo y limpio; la frecuencia que utilicé fue de 520 Hz, que es una nota Do5. Cabe mencionar que ajusté los niveles cuidando mucho de no saturar la señal y obtener una medida concreta y notoria.
A primera vista Auto Gain En la imagen 2 podemos ver los armónicos que se añaden por activar el botón de “Air” un par de veces. Y en la imagen tres filtré la fundamental para poder ver sólo los armónicos que añade el sistema.
En el caso de querer usar la interfaz para una llamada por alguna plataforma on line, la grabación de una locución o para la grabación de un podcast, el auto gain me parece una buena herramienta, ya que sólo se activa el botón, hablas al nivel en el que se hará el performance y se ajusta la ganancia lo necesario para que el nivel de la señal sea óptimo. Es importante mencionar que para que funcione el performance del ajuste, éste debe ser igual al performance que hará durante la grabación (o transmisión), y que funciona mucho mejor para aplicaciones con poco movimiento dinámico de la señal.
Clip Safe
Es emocionante darme cuenta de que el nivel de los armónicos es importante y la tonalidad, pensando que la fundamental es un Do5, el segundo armónico es un Do6 (una octava arriba) y el tercero es un Sol6 (en esa misma octava). He tenido la oportunidad de medir algunos preamplificador de bulbos y este comportamiento lo he visto en muchos de ellos. Pensar que esto es con un solo tono puro, si entra una señal compleja con un montón de armónicos, cada armónico tendrá sus acompañantes por coloración y eso generará un cambio tímbrico importante en la señal que artísticamente será benéfico para algún tipo de instrumento o género y tal vez para otros no.
Dynamic Gain Halos Los halos de estas interfaces me parecen característicos y emblemáticos en generaciones pasadas, pero en esta generación se me hacen especialmente funcionales. En lo particular me agrada ver la cantidad de señal en forma de medidor que marca de izquierda a derecha para saber si estoy cerca del clipping point o estoy muy bajo. La forma en que esto se muestra me parece estético y funcional, y que hayan añadido un halo para el monitoreo me parece un gran detalle.
Linking Preamps En la práctica de cualquier ingeniero, éste se verá en la necesidad de grabar un par de canales al mismo nivel; ya sea en un par de overheads o en el uso de microfonía estereofónica, vamos a buscar exactamente la misma ganancia para los dos micrófonos que estemos utilizando. Así, me sorprendió gratamente que esta Interfaz nos da la posibilidad de linkear ambos preamplificadores. En mi flujo de trabajo habitual se trataba de ajustar estos dos micrófonos y sus ganancias casi milimétricamente y después ir a Pro Tools para ajustar de forma fina el clip gain, pero que esa opción la pueda activar tan fácil y que una sola perilla pueda manejar por igual las dos ganancias lo hace una herramienta muy deseable para la grabación de un ambiente estéreo y necesidades de esta índole.
Me parece una gran herramienta, por dos razones: la primera es que puedes estar atento a tu performance, ya sea musical o tal vez estás en una llamada en Zoom y de pronto quieres incrementar ese nivel y mentalmente puedes decidir olvidarte de la ganancia y la saturación y continuar enfocado en lo que estás haciendo. Y la segunda es que no es compresión, no altera la forma de onda, sólo ajusta el nivel para no saturar, y la velocidad a la que lo hace (96,000 veces por segundo) es mucho más rápido de la que yo lo haría.
Scarlett Solo Studio 4th Gen No puedo dejar de pensar en el primer proyecto que hacen los chicos de SAE Institute en su primer trimestre: la grabación y edición de un podcast. Y parte de este proyecto es que resuelvan con el equipo que tengan a la mano y lo más profesional posible. Pienso que Solo Studio es una solución integral que funciona muy bien para ésta y otras necesidades, ya que el micrófono de condensador, los audífonos y en general todo el equipo son herramientas de calidad para llevar este tipo de proyectos. En general, los beneficios que presenta la Scarlett Solo de esta nueva generación me parecen muy buenos con respecto a lo que ya analizamos y en particular, el hecho de contar con una perilla para el volumen de los audífonos independiente a la perilla de monitoreo de altavoces me parece un gran acierto, ya que muchas veces es necesario atenuar los speakers y seguir escuchando los audífonos. A mis ojos, como siempre, Focusrite nos entrega un equipo funcional, estético y de vanguardia para nuestros quehaceres en el audio profesional.
*Ingeniero en Comunicaciones y Electrónica por el IPN. Cuenta con dos diplomados en Neurociencias y educación y Neurociencias para mandos medios, por el Instituto INECO-U. Ha sido docente por más de 12 años en instituciones como SAE Institute y Rec Música y es CEO y director académico en Sonic Ear Training Institute: soniceartraining.com. Contacto: raul.bustos@soniceartraining.com
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Neurociencia sónica
Por Raúl de Jesús Bustos Castañeda*
El “Momento Eureka” E
n esta columna nos hemos enfocado a analizar las herramientas que nos brinda la neurociencia moderna y cómo buscamos aplicarlas cotidianamente los profesionales de la Industria del Audio. Le hemos encontrado un valor incalculable al saber cómo funcionan nuestras mentes y cómo interactúan en su entorno, y sobre todo cómo tomamos decisiones en nuestro quehacer profesional.
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Neurociencia sónica
A lo largo de esta columna hemos hablado de varios temas en particular y hemos hecho un viaje por algunos de los sesgos cognitivos más comunes del ser humano, analizando cómo podemos usarlos a nuestro favor y no ser víctimas de nosotros mismos. Vamos a dejar descansar por un tiempo la serie de sesgos cognitivos para abordar otros temas de neurociencia profundamente relevantes para realizar nuestros proyectos, ya que, si entendemos nuestra mente y sus procesos, seremos más eficientes profesionalmente hablando.
La creatividad y el “Momento Eureka” Considero verdaderamente apasionante que en mi profesión se funden el arte y la ciencia, donde el pensamiento funcional y convergente interactúan entrelazándose con el pensamiento artístico y creativo. En general podríamos decir que algunas profesiones abarcan estas dos formas de pensamiento y que si entrevistáramos a profesionales de esas industrias encontraríamos paralelismos muy interesantes y enriquecedores. En este artículo buscaremos entender el “Momento Eureka”, pero antes debemos acercarnos un poco a la creatividad y con base en ello podremos entender claramente este concepto. La creatividad, en términos generales, se define como la capacidad del ser humano para inventar y/o crear nuevas ideas, asociaciones o conceptos y ello nos conduce habitualmente a nuevas soluciones a los problemas. Hablar de la capacidad de crear del ser humano, aplicada a la Industria del Audio, nos da para nuestro siguiente artículo, y un camino para llegar a ese próximo análisis es tocar base en el “Momento Eureka”, que es ese instante donde pareciera que de la nada llega la idea o solución a ese dilema que hemos tenido en mente. Es una especie de epifanía que pareciera que cae del cielo; dicho de una manera coloquial mexicana, es cuando te cae el veinte acerca de un tema en específico. Es el momento donde en la mente hay una claridad para encontrar una solución específica de manera espontánea acerca de un tema en concreto.
“Momento Eureka”: Ese instante donde pareciera que de la nada llega la idea o solución a ese dilema que hemos tenido en mente. La industria de la música y el espectáculo
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Neurociencia sónica
3. Equivocación En la antigua Grecia y posteriormente en el Renacimiento, se creía que la creatividad y estas ideas eran para algunos cuantos privilegiados a través de musas o inspiración. Hoy, la neurociencia y la medicina nos han dejado saber que todos tenemos el potencial creativo.
El proceso para llegar al “Momento Eureka” Según el Dr. Facundo Manes, en diferentes medios donde realiza divulgación científica, establece que se han identificado ciertos procesos previos que favorecen y nos llevan a este instante:
1. Preparación Es el proceso que podría requerir meses o años dónde una persona estudia, práctica, experimenta, etc. una especialidad y mantiene un desarrollo mental de oficio o profesional a lo largo de un tiempo donde sus habilidades y percepción evolucionan.
2. Incubación Es el proceso en el que tenemos una profunda concentración acerca de un dilema; le hemos dedicado tiempo, esfuerzo y análisis a tratar de resolver un problema con cierta obsesión de manera sana. Este proceso puede requerir horas, semanas o incluso más tiempo.
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Muy lejos de pensar que el error es malo y que se debe evitar, ahora sabemos que cumple un papel fundamental en estos procesos; nos hace comprender cuál es el camino incorrecto y nos entrega información trascendental para irnos acercando a la solución buscada. Nadie ha creado algo importante sin haberse equivocado muchas veces y si se tiene miedo al error se alarga el camino para encontrar la solución.
Considero verdaderamente apasionante que en mi profesión se funden el arte y la ciencia, donde el pensamiento funcional y convergente interactúan entrelazándose con el pensamiento artístico y creativo.
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4. Poner el cerebro en off
Conclusiones
Este último paso es de lo más interesante y fascinante. Nos referimos a apagar el cerebro al momento en que dormimos, realizamos alguna actividad de recreación, convivimos con la familia, tenemos conversaciones, nos sentamos a ver televisión y demás; es decir, realizamos cualquier actividad desenfocada del dilema y nos disponemos a relajarnos mentalmente. En ese momento, nuestra mente de un terreno casi inconsciente llega a ser ese enlace de ideas que nos da la solución y denominamos “Momento Eureka”. Es importante recalcar que el contexto físico, emocional y mental donde se da todo esto es crucial.
A mi forma de ver, la neurociencia le pone nombre y apellido a fenómenos de nuestra mente que ya hemos experimentado; estoy seguro de que los lectores de esta revista han tenido “Momentos Eureka” del tipo creativo sobre la mezcla, de cómo negociar alguna relación laboral, del orden de las canciones de un álbum y demás, pero lo relevante es tener plena conciencia de estas herramientas para llegar a ideas valiosas con mucha más eficiencia.
Ejemplo del “Momento Eureka”: “Yesterday” / Paul McCartney Sir Paul McCartney cuenta en diversos medios y entrevistas cómo fue el proceso de escribir la canción “Yesterday”. Menciona a manera de anécdota que pasó la noche en casa de uno de sus amigos y en sueños le llegó la melodía que todos conocemos; comenta que al despertar se sentó al piano, puso una grabadora y capturó la canción inmediatamente para no olvidarla, y que de manera muy curiosa sentía tan familiar la melodía que tuvo miedo de haberla escuchado antes y estar cayendo en un plagio. Comenta que durante semanas visitó a gente importante en la Industria, la cual corroboró que no existía tal melodía.
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*Es Ingeniero en Comunicaciones y Electrónica por el IPN. Cuenta con dos diplomados en Neurociencias y educación y Neurociencias para mandos medios, por el Instituto INECO-U. Ha sido docente por más de 12 años en instituciones como SAE Institute y Rec Música y es CEO y director académico en Sonic Ear Training Institute: soniceartraining.com. Contacto: raul.bustos@soniceartraining.com
Por Juan Carlos Flores
Alzada Records:
el estallido urbano
E
l crecimiento y ramificación de los ritmos urbanos en los mercados internacionales es imparable. Los diferentes subgéneros dominan el mercado en una empinada curva ascendente. El sello tapatío Alzada Records se ha posicionado fuertemente, armando un abanico que abarca hip hop, R&B, trap, metal y reggaeton. Su base de operaciones, un edificio de seis pisos, está completamente ocupada por activos núcleos creativos de producción, marketing, diseño, fotografía y video, y constituyen un ente económico autosuficiente. Su elenco incluye a exponentes como Neto Peña, Lefty SM (QEPD), Yoss Bones y Toser One, entre otros. Recientemente lograron 10 billones de streams en sus diferentes plataformas y distribuidoras, con los correspondientes reconocimientos y premios.
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Desde el estudio
Una oportunidad en ascenso Daniel Alberto Takenaga, director creativo del proyecto, y cofundador de Alzada, nos abre el tour por la empresa y nos narra la génesis de ésta: “Todo comenzó en 2014, como una prestadora de servicios de audio y video, en la que yo desarrollaba este último rubro y mi socio Alan el del audio. Juntos decidimos unir esfuerzos para formular este proyecto que es Alzada, como disquera”. Alan Rodrigo Ledesma, el otro cincuenta por ciento del emprendimiento y líder de la célula de audio, comenta: “Inicié en el rock como muchos de los empresarios de la música, con una banda de grunge, en la que yo tocaba el bajo. Un día nos metimos a un home studio con un amigo a grabar un EP y ahí fue donde me gustó el audio profesional. Así, practicando tuve mis primeras experiencias con tracking, mezcla y máster y ahorré para comprar mi primer equipo. En vez de ir a la escuela de audio, fui con mis dudas a preguntárselas a varios ingenieros. De ahí tuve un estudio en el que grababa bandas de rock, y en donde grabé y conocí a amigos y socios que actualmente laboran en Alzada. Daniel y yo decidimos integrar el video y dejamos un poco en pausa lo del audio, ya que notamos que Youtube había explotado en México y que los videos tenían mucho impacto en las redes sociales. Nos dimos cuenta de que ese era el camino y nos enfocamos a hacer video para varios artistas, en los que había varios raperos. En un momento, pensé que podríamos ofrecer un servicio integral de calidad y ofrecerles nuestro estudio de grabación. Creo que ahí fue donde nació la disquera como tal”. Daniel retoma la palabra y proporciona algo de numeralia: “Al transcurso de los años y en la experiencia que fuimos adquiriendo Alan y yo, le dimos un giro completamente distinto a la línea que llevábamos. Fue así como poco a poco empezamos a desarrollar todo lo que actualmente es la empresa, desde los artistas hasta la marca, el edificio y muchas cosas más. Reinvertimos constantemente en equipos de video y de audio de primera calidad y en mantener un equipo de más de 60 personas. Contamos con siete estudios de grabación y una productora completa de video, que funcionan internamente para nuestro talento. Hay también una zona de ensayo profesional de primer nivel. Como una empresa de Jalisco, pretendemos llevar esto como un estandarte y demostrar que en Guadalajara hay un espacio donde se hacen cosas grandes. Al final, esto es un ecosistema donde todos nos ayudamos y los logros y beneficios están conectados siempre directamente a los proyectos”.
Alan Ledesma
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Alan Ledesma retorna a la conversación para describir el set up de audio que inició el proyecto: “Personalmente inicié con una Fast Track de 2 canales y con el Adobe Audition. También el Fruity Loops en el estudio para hacer instrumentales en la computadora. De monitores, tenía unos M-Audio AV 40, además de un micrófono de condensador Behringer, B-1. Ese fue el primer setup con el que inició Alzada. El primer artista con el que tuvimos acercamiento como sello fue Neto Peña, que era amigo de un baterista de una banda de mis amigos, y entró a la empresa como ingeniero de audio, ayudándome a atender el estudio de grabación, y al mismo tiempo grabando sus propias canciones. Entonces fue nuestro primer artista/ingeniero”.
Daniel Takenaga sound:check
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Los equipos de Alzada 7 estudios distribuidos Mastering Monitores Adam Audios S2V + Adam Sub12 Apogee Symphony I/O Bettermaker Mastering Ecualizer, Mastering Mastering Limiter Warm Audio Bus-Comp SSL Fusion Estudio Tracking 1 Monitores Yamaha HS7 Apogee Duet 3 Warm Audio WA73-EQ Neve 1073 OPX Neumann U87 Ai Estudio Tracking 2 Yamaha HS7 Millennia STT-1 Focusrite ISA One Apogee Duet 2 AKG C414 Estudio Tracking 3 Yamaha HS7 Warm Audio WA73-EQ Focusrite ISA One Universal Apollo x6 Neumann TLM 103 Estudio Producción 1 Yamaha HS7 Universal 710 Focusrite Red 1 500 API 512c -Audient Evo 4 Shure SM 7B Antelope Edge Solo Estudio Producción 2 Adam A7X Focusrite ISA One, Scarlett 2i2 Roland TD 07KV Shure SM 7B Estudio Producción 3 Yamaha HS8 Focusrite Scarlett 2i2 Shure SM 7B
Compressor,
El área de shows en vivo es una célula vital en Alzada, ya que los espectáculos son un rubro creciente, con conciertos y los principales festivales a lo largo de la república. Daniel Takenaga nos comparte sus planes a corto plazo: “Seguimos tratando de crear una nueva tendencia en cuestión de lo visual. Siempre hemos estado muy comprometidos en que cada año evolucione nuestro proceso creativo y nuestros resultados gráficos y audiovisuales”. Alan Ledesma finaliza con una recomendación a los aspirantes al audio profesional: “Recomiendo a todas las personas que quieran iniciar en el mundo del audio que no necesitan ser millonarios para iniciar. Creo que el conocimiento, destreza y habilidades van a dar para tener el equipo que sueñas en un futuro, demostrándolo con tu trabajo”.
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Sensei
una experiencia
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undado por la sociedad de Joe Demikeli, Enrique García y Dan del entretenimiento pide en la actualidad: un espacio con estu gestionar y promover proyectos de entretenimiento audiovisua
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Media,
Fotos: Cortesía Sensei Media
360 de creación
niel Dayz, Sensei Media es el modelo de negocio 360 que la industria udio de grabación, sets y estancia donde se pueden crear, producir, ales y de marketing digital.
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Sensei Media
Para llevar al siguiente nivel esta visión de negocio, los fundadores acondicionaron varios pisos de un edificio en la Ciudad de México, cuyo resultado es Sensei Media Studios, un lugar listo en atributos acústicos, eléctricos, de ingeniería y cableado para el envío y manejo de señales de audio y video por red, proyecto que dirigió Valentín Rivero.
La esencia Este espacio es el resultado de unir sus respectivos emprendimientos: la agencia de servicios de promoción y publicidad Divisa de Daniel; el estudio de grabación Honky Tonk, de José, y la productora Switch Comunicaciones de Enrique. Sensei Media es así, la respuesta de una comunidad creativa para desarrollar la parte del negocio que la industria demanda, sin perder el leit motiv artístico, como expone Daniel: “Somos músicos que aprendimos cómo hacer el negocio, todo lo que hacemos en la parte artística -tanto musical como de video, contenido y entretenimiento- lo hacemos nosotros, desde lo creativo hasta la ejecución”.
Enrique García, Joe Demikeli y Daniel Dayz
Crear el “efecto wow” La petición de los socios era tener las condiciones óptimas para la grabación audiovisual y de transmisión por internet en los diferentes espacios de Sensei Media, y lograr un feeling para
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Los equipos de Sensei Media Consola SSL AWS 900+SE 24 channels Daw Pro Tools Ultimate 24 I/O APOGEE Symphony BURL Mothership, BAD4M, BDA4 Monitores ATC SC45A PRO Yamaha NS-10 Bryston amp Preamplificadores 1 Manley VOXBOX, Manley Stereo Tube Pre 6 API 512c 2 Neve 1084, 2 Neve 1081 2 Universal Audio 610 1 Summit Audio TPA200b Stereo 1 Great River pre 1 AEA stereo ribbon pre Compresores 1 Chandler Zener Limiter Stereo, Chandler Limited LTD-2 1 Teletronix LA-2A 1 UREI 1176 silverface, 1178 1 Universal Audio 1176 blackface 2 DISTRESSORS 2 LA3A 1 RETRO STA level 1 Retro Comp Mono 500 1 Shadow Hills Mono 500 1 Smart c2 stereo mix compressors Ecualizadores 2 API 560, 2 API 55 1 PULTEC EQP-1 Plug-ins Sony Oxford EQ-filter, Oxford Dynamics Waves Complete, Q-clone UAD Altiverb 6 Crane Song Phoenix Native instruments Komplete 2 Antares Auto-tune Melodyne Micrófonos 1 Ela M 251 E Telefunken Par M260 Telefunken 1CM7 Wunder Audio, 1 CM7 FET Wunder Audio, 1CM67 Wunder Audio 1 U87 Neumann, 1 KMS105 5 Senheiser MD421 MKII 4 Sennheiser e835, 1 e835s, 1 MD736, 1 MD735 2 AKG C 451, 1 D112 3 Shure SM57, 1 Beta 52, 1 Beta 57, 1 SM7B 1 Audix D6 2 Royer 121, 1 121-l 1 AEA R84A, 1 R88 stereo 2 Coles 4830 1 RE20 Electrovoice 1 Josephson E22S
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cada uno -control room, live room, Nashville Room y el Sensei Bar-. Así detalla el proceso y sus desafíos Valentín: “Se trabajó mucho en los renders y hubo bastante intercambio creativo de parte de Joe, Enrique y Daniel. La altura siempre fue algo que nos preocupó, pero también teníamos dimensiones generosas; el cuarto de control quedó de buen tamaño y el reto era aislar el ruido exterior, porque el estudio se encuentra en una colonia muy transitada. Entre todos logramos decidir cuáles compromisos se quedaban y cuáles se atacaban”.
“Somos músicos que aprendimos c hacemos en la parte artística -tanto entretenimiento- lo hacemos nosotros, Daniel súper pesado, más un compuesto que amortigua dentro de la tablaroca, equivalente a 6 u 8 hojas de tablaroca juntas. Pudimos hacer muros un poco más gruesos para evitar el paso del ruido de un lado a otro”. Instrumentos Eléctricos Gretsch Nashville Jr ,Black Penguin Fender Stratocaster Custom Shop 62’ Relic, Stratocaster Custom Journeyman, Telecaster Thinline, Telecaster Thinline 72’ Vintage, Stratocaster 79´, Telecaster plus Gibson R9 Ultra Aged by Tom Murphy, Les Paul Gold Top 56’ Historic Reissue, Les Paul Custom SG ES335 Rickenbacker 12 String 312 Duesenber Joe Walsh Nash Guitars Custom Telecaster
Valentín Rivero “Lo primero fue hacer la carcasa acústica de insonorización, armar el cuarto dentro del cuarto. Hay difusión y absorción con paneles mixtos que reflejan, pero también absorben ciertas frecuencias; están hechos gran parte de ellos con lana mineral. Los muros están construidos con un tablero de yeso
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Acústicos Martin 000-28 EC Eric Clapton signature Lowden o-38 Gibson SJ-200 Custom Shop Dobro Steel Resonator Goodtime Banjo Chandler Lapsteel Ukelele & Vedette
cómo hacer el negocio, todo lo que musical como de video, contenido y , desde lo creativo hasta la ejecución”. l Dayz. “Se tuvo que hacer una instalación eléctrica nueva, mandar tierra física, hacer ductos para cables e internet, pusimos varias placas en diferentes partes del cuarto para ocultar los cables y en una esquina está un difusor paramétrico más otros difusores cuadráticos -de los clásicos- que están probados, funcionan muy bien y estéticamente son muy bonitos. Hubo un tema especial con la cantidad de radiofrecuencias que hay en el edificio y en la zona, por lo que usamos unos imanes y pusimos ferritas en los cables de microfonía para obstruir la entrada de las radiofrecuencias”.
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“En realidad, Joe, Enrique y Daniel facilitaron todo, porque así como pedían cosas, estaban dispuestos a invertir. Claro que fue un reto, pero dentro de éste hubo un gran apoyo de parte de ellos para hacerlo realidad en tan poco tiempo -cinco meses-, tener un espacio donde se ve y escucha adecuadamente; donde la ingeniería y la estética no se sacrifican”. En paralelo, se buscó tener ese efecto wow, con todo el tratamiento de uso de LEDs, mobiliario y ornamentos que visten cada espacio del estudio y convertirlo en puntos “instagrameables”, como describe Enrique: “Se aprovecha al máximo el espacio, todo está funcional y luce adecuado para hacer incluso sesiones de foto y video. Hay un feeling para cada lugar; por ejemplo, queríamos algo tipo Nashville
“En realidad, Joe, Enrique y Daniel facilitaron todo, porque así como pedían cosas, estaban dispuestos a invertir. Claro que fue un reto, pero dentro de éste hubo un gran apoyo de parte de ellos”. Valentín Rivero.
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“De lo que tenía en Honky Tonk traje compresores, ecualizadores y preamplificadores vintage, cosas que ya había en la colección de mi papá y lo que he agregado”. Joe Demikeli. y añadimos luces LED para darle ese efecto que buscan las nuevas generaciones. En el live room está todo lo de video, que nos permite hacer transmisiones en vivo o grabadas, sin sacrificar en nada la acústica, porque cada material elegido se suma a eso también. Este es un espacio que te invita a estar”.
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Desde luego, para la parte de grabación de audio, el legado de Honky Tonk prevalece, como relata Joe Demikeli: “De lo que tenía en Honky Tonk traje compresores, ecualizadores y preamplificadores vintage, cosas que ya había en la colección de mi papá y lo que he agregado. Para esta nueva faceta adquirimos monitores ATC SC45A PRO, que funcionan muy bien con la acústica del cuarto, ¡y se hacen notar! También pude traer todas las guitarras que allá tenía en estuches y stands y ahora lucen en la pared del Live Room, que es un plus para la gente que nos visita”. Lo que sigue para Sensei Media Entertainment con sus estudios es crecer las actividades que le dan propósito, generando sus propios proyectos, al mismo tiempo que incentivan la creatividad y desarrollo de otros, como concluye Dany:
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Live streaming Dirección artística Producción de shows en vivo Acoustic & Live Sessions Videoclips Algunos casos de éxito Pinky Promise Envinadas Emmanuel Unplugged Conexión Ana Torroja Matisse Las Tres Grandes, Primera Fila
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“Sabemos que estamos en una época donde no se requiere necesariamente todo lo que tenemos en el estudio para hacer un disco, pero nos encanta la emoción e idea romántica de la experiencia en el estudio; sabemos que hay quienes no la han vivido y cuando llegan aquí se sorprenden por eso. Ahora podemos darles esa vivencia en un lugar donde se estimulan creativamente y le gusta estar; nos encantaría ser una incubadora también de talento nuevo y acompañar su camino”. Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco.
“Se aprovecha al máximo el espacio, todo está funcional y luce adecuado para hacer incluso sesiones de foto y video”. Enrique García.
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En concierto Por Marisol Pacheco
Iraida Noriega y sus mundos
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n festejo por la vida y su complicidad con la música está detrás del concierto con el que la cantante, productora y compositora Iraida Noriega celebró sus 35 años de carrera desde el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México. Con la producción de +Música, el espectáculo ratificó la importancia de persistir en montar producciones profesionales en el ámbito musical independiente.
Diversos estilos La historia de “Mundos” combinó las inquietudes visuales que Iraida Noriega exploró durante el encierro por la
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pandemia, con el anhelo de montar un repertorio sobre el escenario que hiciera un recorrido musical por los estilos que ha interpretado. Un primer referente de ello fue la invitación para estar en el FORO de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL) en 2022. “A la par de la participación en dicho evento, salió la convocatoria de Artes Escénicas por parte del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, aplicamos y ahí postulamos el proyecto. Eventualmente fue seleccionado, y de diciembre de 2022 -el primer momento en el que se presentó “Mundos”, ya con una instrumentación mucho más cercana a la que sucedió
En concierto
en el Teatro de la Ciudad-, ahí arrancamos propiamente a darle forma, sumando la parte audiovisual y poniendo elementos de la naturaleza, en particular la luna, como base del concepto. Iraida armó los visuales junto con Arturo López Pío y fue armando un guión, determinó el repertorio y fuimos trasladando esto a nivel escénico”, detalla Libertad Estrada, productora ejecutiva y de difusión del espectáculo. Las primeras posiciones definidas en lo técnico, fueron audio con Manuel Mora en sala y José Machuca en monitores; luego se sumó el escenario con Hildebrando López como stage manager e iluminación con Rocío Carrillo, con lo cual se enriqueció el apartado visual del espectáculo que corrió Carolina Morales como VJ. Manuel Mora comenta: “He trabajado con Iraida hace como 25 años. Soy su fan absoluto y de los músicos que la acompañan. Con ella hay, como siempre digo, una cuestión mágica en la que no necesitas hablar nada, porque cada quien hace su chamba. Hemos hecho grabaciones de discos como el de la Groovy Band y el LIJ Trío, al igual que sonorizado este show y otros. La calidad musical e interpretativa de su parte es increíble”.
“El Teatro de la Ciudad está bastante limitado en presupuesto y posibilidades y quien entró a solucionar los desafíos que se fueron notando en las juntas de producción fue Pepe y su hermano, para conseguir las dos consolas que requeríamos para cubrir los 44 canales que tuvimos y poder hacer el audio en vivo y grabar en multitrack”, expone Manuel, a lo que José complementa: “Debíamos cubrir también lo que ya no puede poner el lugar; no sólo las consolas, sino genéricos como pedestales y microfonía -además de personal técnico de apoyo-. Fuimos resolviendo ese tema para lograr sacar el trabajo por la cantidad de canales -más de 40-, y la consola del teatro sólo recibía 32. Se armó una alianza con la empresa Sna Backline, de mi hermano Roberto Machuca, para cubrir todo eso, y tuvimos en sala una Allen & Heath dLive C Ti-L500 y en monitores una SQ-7. Para la grabación se armó la vinculación de ambas consolas vía Dante y se tuvo un backup”.
José y Roberto Machuca
Roberto Machuca y Manuel Mora
“Nos pusimos a desmenuzar el input que teníamos; Manuel lo empezó a reducir y al final hasta estuvimos sobrados. Lo artístico fue un deleite: teníamos una banda sonora que suena sola, con Montserrat Revah en percusiones, que toca preciso y precioso; Miguel Costello, que es una máquina; Juan Cristóbal
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Input list “Mundos”, Iraida Noriega
En concierto
Pérez Grobet, que da una seguridad en el bajo y sabes que nunca se va a hundir; el piano de Roberto Blanco, perfecto; Nico Maroto, que es un duendecillo mágico que adorna todo con su guitarra, más los chicos en los coros e Iraida… todo fue disfrutar”.
Creatividad visual y lumínica El control del escenario ha permitido mantener el orden y adaptación de “Mundos” desde que se montó en el Teatro de la Ciudad, como valora Hildebrando López: “Mi labor es hacerlos sentir cómodos, respetando el trabajo de mis maestros Pepe y Manuel, que les llegue todo como debe ser en el menor tiempo y la mayor precisión para que puedan hacer su chamba sin estarse preocupando. Fue importante tener a los chicos de apoyo y a Omar -quien es baterista-, a quien yo busqué apenas supe toda la percusión que habría y que nos resolvió aún más la tarea. Yo pude dedicarme a colocar el piano, las posiciones y las tarimas y cuidar las medidas para que el escenario estuviera lo más equilibrado para que la maestra se viera todo el tiempo y que nadie se perdiera en la pantalla. Hice anotaciones y armé guiones y stage plots para hacer lo justo”.
Hildebrando López
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Canal 01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 29 30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44
Instrumento Bombo Tarola Arriba Timbal Hi Hat Tom 14” Tom 12” Surdo Over Head Izq. Over Head Der. Cajón Hi Hat Over Head Over Head Tabla /abajo Tabla /arriba Cajón Flamenco Moon Drum Toy´s Izq Toy´s Der. Over Head Stell Tong Tarima Izq. Tarima Der. Bajo Izq. C.B.R. Piano Piano Guitarra Ukelele Voz Lucia Voz Cristina Voz Leika Izq. Leika Der Voz J Cris Voz Monserrat Voz Nico Shure Voz Valentina Voz Andrés Voz Iraida Coro Izq. Coro Centro Coro Der. Rap
Microfono Shure Beta 52 Shure Beta 56A Shure Beta 56A Rode NT5 Shure Beta 98 Shure Beta 98 Shure Beta 98 Rode NT5 Rode NT5 Shure Beta 91 Shure SM 81 Shure SM 81 Shure SM 81 DPA 4099 DPA 4099 Shure Beta 57 Shure Beta 57 Shure SM 81 Shure SM 81 Shure SM 81 D.I. Shure Beta91 Shure Beta91 D.I. D.I. DPA DPA Shure Beta57 D.I. Shure Beta 58 Shure Beta 58 Shure Beta 58 & D.I. D.I. Shure Beta 58 Shure Beta 58 Beta 58 Shure Beta 58 Shure Beta 58 Shure Beta 58 AKG C414 AKG C414 AKG C414 Shure Beta 58 Inalámbrico
En concierto
“Encontrarme con todos estos artistas y maestros me dejó claro que esto era un espectáculo de nivel internacional y ese justo fue el reto para mí”. El diseño de iluminación hizo regresar a Rocío Carrillo a la iluminación para conciertos; el antecedente, donde incluso coincidió con Iraida, fue el concierto de 30 aniversario de Betsy Pecanins (QEPD), que también fue en el Teatro de la Ciudad: “Desde esa vez quedé fascinada también con la voz de Iraida, pero luego de ese concierto me dediqué a mis obras de teatro. La invitación para “Mundos” vino de parte de Iraida y Montserrat. Apenas conocí el concepto y vi los videos, me encantó todo el proyecto, porque fue como sentirme en casa, ya que también había trabajado alguna vez con Manuel Mora en un concierto para Rafael Mendoza, y con Pepe Machuca viajamos juntos con Cecilia Toussaint a China y, en fin, nos apreciamos mucho”.
Rocío Carrillo “Iraida me dio mucha libertad y pude hacer mi diseño acompañando el guión que ella armó y que era muy preciso en colores y momentos; también me ayudó mucho poder estar en el ensayo general y tomar notas de todo. En el teatro trabajé con lo que tienen disponible, que son equipos ETC y Altman, y unos lekos que pude adaptar para utilizarlos con RGB y un sistema de cambio de color que me permitió tener pares, laterales más los lekos y así cambiar atmósferas. Hice algo que no suelo aplicar, pues es arriesgado, que es iluminar el fondo
negro, captar el color de las lámparas LED y hacer un fondo al estilo cabaret, que también nos ayudó a dar profundidad para la proyección. Disfruté mucho la experiencia por la gente que estuvo y la música tan inspiradora que se compartió”. El concierto que convocó a los amantes del jazz en la capital fue un espectáculo que en términos técnicos y de personal humano involucrado en la producción, demostró que es posible tener este nivel de exigencia en las producciones independientes, no sólo verlas en contexto de festivales nacionales e internacionales. “El jazz y otros estilos en la música popular desde el ámbito independiente, deben apostar más por ofrecer espectáculos de otra calidad y nivel, más cuidados en términos de lo que se escucha, lo que se ve, la administración y la publicidad, porque de esa manera ayudaremos también a que el público invierta más en las entradas. Nos gusta ser parte de esa misión y poder compartir que es posible hacerlo”.
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Un evento siempre esperado:
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PLASA 2023 n sintonía con el regreso del verano británico, PLASA Show hizo un regreso triunfal al Grand Hall Olympia de Londres, ocupando con orgullo un tercio más de espacio con un sorprendente aumento del 28 por ciento en visitantes.
Lee House, director de operaciones de Ambersphere Solutions, dice: “Me invadió una sensación de nostalgia y emoción: ¡PLASA Show ha regresado triunfalmente! La sala estaba repleta de una diversa gama de expositores y, lo más importante, visitantes deseosos de entablar conversaciones significativas sobre sus necesidades tecnológicas para el presente y el futuro. Fueron tres días repletos e inolvidables que nos dejaron anticipando con impaciencia lo que nos deparará el próximo año”. Comparable con los años anteriores a la crisis sanitaria, la demografía era fuerte. Más de un tercio eran tomadores de decisiones finales y uno de cada cinco eran propietarios o
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directores de empresas. Otros puestos laborales clave incluían técnicos y programadores (uno de cada diez), seguidos de cerca por ingenieros de sonido, diseñadores de iluminación, directores técnicos y consultores. La mitad de los asistentes trabajan en giras de conciertos, teatro y eventos en vivo, y otro 20 por ciento proviene de los sectores audiovisual y corporativo. En particular, este año se produjo un crecimiento del 9 por ciento en visitantes internacionales, con la asistencia de 17 países más en comparación con 2022.
Nuevos productos, un deleite Los patrocinadores principales de PLASA Show no sólo cautivaron a los visitantes con demostraciones en vivo, completadas con artistas de circo, sino que también utilizaron la poderosa plataforma del espectáculo para lanzar tres productos: Robe lanzón los dispositivos FORTE Fresnel PC, iFORTE LTX y FOOTSIE; estos dos últimos obtuvieron un Premio PLASA a la Innovación.
Por su parte, Ayrton presentó más soluciones de iluminación, Argo 6, mientras que Claypaky reveló su Midi-B FX al mundo. PLASA 2023 también vio varios debuts en el Reino Unido, como las luminarias Proteus Radius, Odeon y Hybrid MAX de Elation y la T3 de Avolites. Los visitantes también tuvieron la oportunidad de probar la nueva consola NXL y el software ONYX, cortesía de Obsidian Control Systems. En lo que respecta al audio, DiGiCo presentó su consola de mezclas Quantum852 y mostró nuevas soluciones de mezcla inmersivas de KLANG. Por otra parte, L-Acoustics presentó su Serie L.
Sesiones repletas PLASA 2023 incluyó varias sesiones completamente llenas y se discutieron muchos temas destacados de la Industria, como Unusual Rigging, sobre la economía circular en la producción, sostenibilidad, Mujeres en la música en vivo y con el presentador de podcasts Mark Stevenson sobre el futuro de este tema.
Los Premios PLASA a la Innovación Este año, los premios contaron con 40 candidaturas, muchas de las cuales se pudieron ver de cerca en la Galería de Innovación. Ocho nominados obtuvieron el reconocimiento y Brompton Technology ganó el oro por su muy esperado Tessera G1, aclamado como un punto de inflexión para las producciones virtuales, la televisión y el cine. Los demás fueron: Astera, Fresnel Pluto Coda Audio, altavoces Space Elation, control de iluminación Netron EN6 IP Function One, altavoces VX M-BEAM Martin, luminaria MAC Aura XiP Robe Lighting, luminaria iForte LTX Robe Lighting, luminaria, Footsie
En cuanto a productos, marcas como Audinate organizaron sesiones de capacitación certificadas de Dante AV Nivel 1, 2 y 3, y ChamSys realizó sesiones prácticas consecutivas, lo que permitió a los asistentes familiarizarse con su software y consolas MagicQ y QuickQ. Y tras ganar el Premio a la Innovación PLASA el año pasado, Minuit Une presentó su deslumbrante luminaria IVL Photon. En el audio, los visitantes tuvieron muchas opciones para elegir con demostraciones que duraron todo el día, con firmas como KV2 Audio (VHD 2.0 y ESR 106),RCF (NXW44A/SUB9004A y la última versión de su software RdNet) y JBL (el debut en el Reino Unido de sus VTX A6 y SRX 900).
La comunidad y los eventos de networking El corazón del espectáculo fue la fiesta posterior #WeMakeEvents, en la que expositores y visitantes se reunieron para conectarse,
con una banda sonora de fiesta cortesía de Martin Audio y The Bug Club. Por otra parte, Women in Lighting organizó un evento de networking en asociación con Ambersphere y Ayrton para socializar e intercambiar historias, y Women in Live Music se asoció con Solotech y Production Futures para una sesión de networking centrada en la diversidad. Con todos los elogios, PLASA Show 2023 reflejó la trayectoria ascendente del sector en vivo y regresará al Olympia London en septiembre de 2024.
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Pacific Live Experience, la ruta inmersiva sigue
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comentan Eduardo (director musical, guitarras, teclados) y Pablo (teclados, fx, secuencias y diseño sonoro): “Como productores de este proyecto, independientemente de lo musical, queremos que la gente se siga fascinando al salir y diga que ya nunca más quiere volver a escuchar algo en estéreo en un concierto; nuestro objetivo es que salgan a exigir ese nivel de shows y los artistas se acerquen a nosotros para saber cómo hacerlo”.
En el relato de lo ocurrido en esta ocasión por parte del staff y ambos directores, se aprecia la evolución del proyecto, como
“Se unió Zanoni Blanco para la parte de iluminación e íbamos convocando gente experta en otras áreas, justo porque queremos llevar esto a otro nivel y que se sepa lo que viene para la Industria y lo que ya se puede hacer”, comenta Eduardo.
al como compartieron en la edición de enero 2023 de sound:check Magazine, el show “Pacific: The Live Experience” de TAYK y Jper, la dupla formada por Eduardo García (TAYK) y Pablo Escamilla (Jper), ha ido abriéndose camino para ofrecer su concierto de música electrónica con audio inmersivo.
Así, nuevamente se organizó un showcase para presentarlo en el Auditorio TEC del Instituto Tecnológico de Monterrey Campus Estado de México, que permitió reunir a los que ya son aliados del proyecto, público y aliados.
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Pablo complementa: “Nos tocó abrir brecha para los siguientes alumnos que ahora ya mezclan sus canciones en vivo con Dolby Atmos. Hemos logrado alianzas importantes, como con la gente de esta marca, de la que tenemos su respaldo directo, y eso nos da mucha credibilidad. En showcases como éste estamos invitando personas de ese perfil, como la gente de Vari, Paxsa, Representaciones de Audio, Universal Music, Warner Music, Ocesa Seitrack, Grupo Expansión, MercedesBenz Fashion Week y Zona Maco, para enamorarlos y que se sumen a nuestra cruzada”.
Pablo Escamilla El set instrumental sobre el escenario incluyó sus teclados Arturia, controladores MIDI, un sinte análogo para hacer efectos (Pablo); guitarras Fender Stratocaster y Telecaster, y procesador digital Boss en reemplazo de un amplificador de bulbos (Eduardo); todo se corre vía Ableton Live. “Seguimos combinando lo digital con lo análogo para lograr un contraste que nos permite enriquecer la música en un sentido armónico y jugar con todo lo demás en cuanto a espacialidad sonora”, destaca Eduardo. En la lista de protagonistas técnicos que hicieron posible el siguiente paso de Pacific Live Experience estuvieron:
Axel Yañez. Stage Manager “Incorporarme en la posición de stage manager ha sumado para tener el control que se requiere sobre el escenario y el apoyo a los técnicos para tener control de todo el equipo
Eduardo García
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que necesitamos. También hice tareas de production manager y logística, el catering, los accesos para el público y la seguridad. La clave ha sido cuidar y evitar que ciertas cosas se salgan de control y aprender a tener buena comunicación y trabajar bajo presión”.
Joe Mendoza. Monitores “Me encanta generar sensaciones a través del sonido y el hecho de que Dolby Atmos y otras plataformas estén impulsando hacer esto en los conciertos me parece una maravilla pues ante tanta saturación sensorial que vivimos, esto es un refresh a la construcción del sonido dentro de la cabeza y eso me parece muy benéfico para la Industria”. “Usé una consola Allen & Heath de la Serie Q que me gusta por la precisión de sus filtros y su velocidad de respuesta. Todo el cableado y envió de señal fue vía Dante, todos los canales por ahí y luego hacia dos sistemas: uno que recibe la señal y la modifica en temas de frecuencia y amplitud, y otro que es el que hace renders y convierte los objetos en trayectorias”.
El staff, atento a las necesidades del show
Uziel García Millán. A2 Monitores “Estuvimos desde el primer concierto como staff, pero al ser estudiantes de audio nos permitieron apoyar directo en sala y monitores. El principal desafío fue mantener bien ruteada la consola y estar atentos a cualquier movimiento en el escenario”. “Incorporarse de esta forma al mundo del audio espacial y tener el acceso a esas consolas con ese nivel de ingenieros operándolas, te permite aprender más rápido y eso es invaluable”.
“Estamos usando in ears y lo único que tuvimos que hacer fue que toda la transducción estuviera aislada y así igualamos la latencia del render que tenemos”.
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The Live Experience Rider técnico Avid Pro Tools HDX Core, Sync HD, Pro Tools | MTRX 128 Channel IP Audio Dante Card, Pro Tools | MTRX 64 channel IP Audio Dante Module Focusrite RedNet PCIeR Apple Mac Pro 2021 Amplificador y procesador Nexo DTD-I Nexo ID24 Amplificador Crown DCI 8/300, DCI 4/300 JBL Control 45C/T Consola Allen&Heath SQ6 Expander Allen&Heath DX168 Focusrite Interfaz de audio 18i8 Software Flux Spat Revolution Ultimate Audinate Dante Virtual Soundcard Qlab Imimot Vezer Ableton Live 11 Suite Sistemas de monitoreo in ears inalámbricos Shure PSM900/SE-215 Microfonía SHURE SM58 Sennheiser XSW 1-835 Iluminación Showco Color Bar 120, Par Led Color Traveller, Saeta 500 Robe Lighting Spote Smoke Factory Máquina de humo Tour Hazer II Consola MA Lighting grandMA3 Compact XT
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para hacerlo; aprendiendo de nuestros errores y modificando. Técnicamente, Dolby es más conocido para proyectos visuales o de post producción pero en audio en vivo, inmersivo, apenas va acomodándose”.
Zanoni Blanco. Iluminación “Veo este proyecto como un embrión que está en desarrollo y lo estamos acompañando para que se consolide. La forma en que abordamos el concepto del show está inspirada en la banda Schiller, que es música electrónica y músicos en vivo, pero al momento en que es inmersivo cambia: por eso las luces entre el público, para tratar de crear atmósferas y que te sientas dentro, además de darles seguridad en el escenario y cuidarlos para que su desempeño sea el que quieren”.
Arturo Amador. Sala y sistemas “Poder controlar diferentes altavoces y dar una sensación de espacialidad, ha sido el gran reto de este proyecto. Usamos el programa Spat Revolution de Flux, que te deja hacer movimientos y automatizaciones en tiempo real, añadir reverberaciones, hacer paneos y controlar las trayectorias de los objetos para tener la sensación de espacialidad y movimiento de algunos sonidos y añadí automatización con timecode para el recorrido de los objetos y en cuestiones más sonoras”. “Hace un año era más experimentación con los sonidos y depurar el proceso. Ahora conocemos un poco más de los protocolos para controlar trayectorias vía remota desde otra computadora y manipular los dos softwares a la vez, y con la ayuda de Joe en la mezcla, lograr una sensación sonora más uniforme y mejorada”.
Azahel Uscanga. A2 Sala “Mi tarea fue ver que todo en Spat Revolution funcionara y corregir, lo más rápido posible. Para nosotros está siendo una vivencia profesional única porque no es algo que se haga seguido y, por lo mismo, nos está dejando escribir el método
“Usamos spots de Robe; barras Saeta, 6 barras de 120 y 8 Pares de Hilux, más mi consola MA Lighting grandMA3 Compact XT corriendo en modo 3. Creo que los conciertos inmersivos harán que el diseño de iluminación pase de considerar sólo el escenario a tener toda la arena o recintos; aprender a darle más sentido a lo que escucha y mira el público usando más los pixeles y ese tipo de recursos. Por ahí irá el camino”. Entrevistas: Nizarindani Sopena / Redacción: Marisol Pacheco La industria de la música y el espectáculo
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Por Ferrer León*
Bárbara Cosío, compartir historias importa
Inspirada en su historia de vida, al ser hija de una de las managers más importantes de nuestro país, Sonia del Campo, Bárbara Cosío plasmó en el libro “Los encantadores de estrellas. El management de Artistas en México, homenaje a los pioneros”, los ejes rectores de esta fascinante labor que hace posible la carrera y consolidación de trayectorias artísticas en el entretenimiento. “Quería dejar plasmado lo que mi mamá me había enseñado como profesional y también lo que implica, desde lo personal, ser parte de un entorno familiar donde uno de los integrantes se dedica a la producción de espectáculos. Tenía muchas notas en cuadernos y mi celular, y la decisión final vino tras dar una plática en el Colegio Simón Bolívar, donde pude percatarme del desconocimiento general que hay sobre lo que hace e implica ser manager o la gente de producción, ya que casi siempre se enfocan en el artista. Tuve claro que debía hacerlos a ellos los protagonistas de esta historia, contar todos los procesos y cómo los viven”. Para la también manager, compartir esto con las nuevas generaciones es brindar un panorama de lo que es la promoción artística, que abarca desde el proceso administrativo hasta la vinculación personal con el talento, y cómo se ha modificado también esa estructura, a partir de la digitalización en los medios y procesos. “Es importante saber las bases y qué mejor que contarlas a través del testimonio de quienes lo han hecho, sus vivencias y experiencia. Narro por qué están los que permanecen y construyo este homenaje a los pioneros, como lo fue mi madre”. La selección de los entrevistados tiene el acierto de la diversidad, por los ámbitos artísticos, la música o la
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actuación, donde se desenvolvieron los interpelados, y también por ofrecer una mirada en distintos estilos, como en el caso de la música: “Quise que fueran de distinto género musical para distinguir los caminos que han andado los que incursionaron con lo grupero, el pop o el rock; si era un proyecto en banda o solistas, que se mueven en forma muy diferente. Por esto están ahí personajes como Óscar Flores, Luis De Llano, Francisco Camarena, Blanca Estela Limón y Darío de León”. Las distinciones de lo que hacen figuras como el booker, el broker y el management; los principios y valores de esta tarea donde se conoce la vida privada de los artistas, el manejo de sus finanzas, la construcción de la imagen, la reputación y el cuidado de ésta a través de los medios y las relaciones públicas, son algunos de los temas que la cuidadosa narración de los testimonios nos permite identificar en el libro de Bárbara: “Los que vienen deben saber estas cosas y cómo han cambiado, pues todo esto afecta la tarea crucial de establecer una relación laboral con el artista y las redes que acompañan el desarrollo de su carrera. De cómo hoy, incluso, el proceso puede ser al revés y sean los influencers, estos creadores digitales viralizados por el internet, los que requieran el servicio cuando ya no puedan controlar de forma adecuada una agenda”. El libro se puede adquirir en Amazon y, así mismo, de forma presencial en las diferentes presentaciones y talleres donde la autora comparte estos saberes, pilares de la Industria de la Música y el Espectáculo.
Bárbara Cosío, Sonia Del Campo y Liliana Del Conde La industria de la música y el espectáculo
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Gian Marco y el asombro de colaborar
Enrolado en lo que serán los conciertos para presentar sus nuevas canciones, el cantautor peruano Gian Marco comparte los procesos creativos y técnicos que han dado forma a temas donde comparte arte junto a Mike Bahía, Rubén Blades, Catalina García, Leonel García y Silvio Rodríguez, entre otros. La aventura muestra una faceta distinta, en la que depositó su confianza para que el músico colombiano Julio Reyes (quien ha colaborado con Pablo Alborán, Alejandro Sánz, Marc Anthony), dirigiera la producción. Por primera vez en 17 grabaciones discográficas, Gian Marco buscó a Julio para encerrarse a componer, pre producir y producir nuevas canciones. Así lo cuenta: “Lo busqué porque hace un trabajo muy interesante, viene del mundo clásico y desde ahí ha hecho cosas increíbles; empezamos a componer en octubre de 2021 en su estudio Art House, en Miami. Felizmente tuvo el interés y tiempo, cosa que valoro mucho por los proyectos que hace. Fue la primera vez que co-escribí canciones, generalmente escribía todo el repertorio y luego ya contactaba al productor. Ahora no: hemos escrito juntos este álbum y él armó la producción también”.
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Julio Reyes y Gian Marco
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Para componer, los instrumentos básicos del peruano son el charango, la guitarra y el piano, y en su home studio tiene micrófonos Manley y Mojave A300 (para su voz) y Schoeps para las guitarras, más AKG CLC 414, Shure SM7B y SM57; compresor Tube-Tech; preamplificador BAE Audio; consola Avid Artist MIX, software/DAW Pro Tools, Logic y Ableton; monitores KRK V8 con un sub de 12 pulgadas; interfaz Universal Audio Apollo X6; plug-ins recurrentes Atmosphere y Stylus, así como sonidos y galerías de Native Instruments, entre otros. De la experiencia de componer con otros, agradeció la coincidencia en que “hay que encontrar el hilo de la canción; no siempre propone ésta, sino que también va de la mano con lo que el artista quiere decir; por eso hay que cuidar los espejismos, como alguna vez me dijo Alejandro Sanz: ‘no te quedes con lo primero que venga, nunca; hay que seguir buscando hasta sentirse sumamente cómodo’, para no caer en esta dinámica de producir [canciones] como si fuera una fábrica de chorizos”. Bajo ese principio es que se fue pensando en las colaboraciones, pues “fueron las canciones las que pidieron un poco con quién podía acompañarlas”. Eso y las redes que logran consolidarse en esta industria: “Lo de Silvio Rodríguez pasó luego de que en una sesión de listening, con los directivos de Altafonte y Julio, soltaran el comentario de proponerle hacer el featuring… ¡imagínate! Silvio, a quien considero un mentor. Algo similar pasó con Rubén Blades: sé que Diego Torres le conocía y le pedí su contacto; en un intercambio de correos aceptó y me hizo valorar la importancia de esta gente con la que tienes afinidad en la música”. Julio Reyes tomó la responsabilidad en todo: la búsqueda y selección de músicos, y también se encargó de la mezcla: “Soy de los que piensa: ‘zapatero a tus zapatos’ y si bien opino del trabajo que realizan, tengo claro que si deposité mi confianza en esa persona es porque hará su trabajo; para eso están los ingenieros de mezcla y masterización y lo mío es escuchar para llegar a lo esperado. Si estás contratando a alguien para que lo haga, tendrás que supervisar, pero confíar en esa persona. Yo le doy al productor la libertad que necesita”. Con la publicación ya en plataformas de los sencillos “Contigo hasta el final”, junto a Mike Bahía, y “Aún me sigo encontrando” con Rubén Blades, lo que sigue es terminar de dar visto bueno a las masterizaciones de los demás sencillos y alistar a la banda con la que brindará algunos conciertos el año próximo: “Para mí es vital hacer conciertos. No hay nada más bonito que ver un show en vivo y a sus ejecutantes brindándolo. ¡Estoy feliz de volver al ruedo!”.
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La unión para llegar lejos Empresas mexicanas convergen para ser pioneras en producción virtual y soluciones de inteligencia artificial (AI) audiovisuales: Ledec, iDigital Creative Studio y Borderless Content Academy unieron sus esfuerzos para proveer de los equipos necesarios para lograr metas creativas e interesantes. En un evento realizado en las oficinas de Ledec en la Ciudad de México, se dio una pequeña demostración de lo que las pantallas de esta marca y los equipos de iDigital, así como su expertise en estos temas, son capaces de ofrecer a los profesionales. El trabajo de Ledec tendrá que ver en este proyecto con el diseño y la fabricación de hardware propietario con pantallas LED competitivas a nivel mundial y de alta calidad, para fusionarse con hardware de última generación, software y tecnología de inteligencia artificial para ofrecer producciones virtuales de primer nivel, mientras que iDigital Creative Studio se encargará de producir y desarrollar software y técnicas avanzadas de virtualización e IA. Por su parte, Borderless Content Academy es una empresa mexicana de entrenamiento
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especializado internacional con el objetivo de capacitar y crear especialistas en técnicas avanzadas cinematográficas para exportación. Juntas potencializarán las enormes oportunidades que la producción virtual ofrece.
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Las ventajas de la producción virtual con IA pueden aplicarse en diferentes entornos, como la producción de películas, televisión, publicidad, videojuegos y más, lo que se traduce en costos más accesibles y muchas más opciones creativas. Además de foro, XR Lab Studio también hará las veces de espacio para capacitación de estudiantes universitarios de la Ciudad de México y Baja California, en forma de prácticas en diversos proyectos, ofreciendo la posibilidad de trabajar con tecnología de avanzada. La evolución tecnológica no se detiene y la producción virtual audiovisual con ayuda de la IA es un hecho en nuestro país, gracias a la unión de empresas mexicanas interesadas en ser pioneras en estos temas.
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Un lanzamiento en audio inmersivo Javo Barrera, reconocido productor, compositor, baterista y director musical de artistas como Natalia Jiménez, La Quinta Estación, Cristian Castro, Carlos Baute, Emmanuel y Alejandra Guzmán, entre otros, da un gran paso en su carrera con el lanzamiento de su disco “Against The Nullah”, mismo que fue presentado de una forma muy distinta. Cabe mencionar que, además de la presentación del álbum, este evento marca también la inauguración oficial de la casa productora The Fenixx Eye & Behind The Wave, donde Javo se une a un emocionante proyecto, gracias a Eduardo Sierra, patrocinador principal y mente creativa detrás de esta iniciativa. La cita fue en Polanco, Ciudad de México, en una casa en la que la música de Javo y compañeros músicos fueron escuchados en audio inmersivo Dolby Atmos, realizada para la ocasión por Goro Goro, estudio dirigido por Carolina Anton y Daniel Castillo. Javo comenta: “Yo toco muchos géneros, pero me gusta mucho el jazz porque me da libertad, tanto como compositor como ejecutante, que en este caso, es con mi instrumento principal, la batería. “Against The
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Nullah” es un disco al que no le di la proyección y la atención que se merecía, porque trae todo un tema de producción con músicos de todas partes del mundo. Son composiciones propias y es un disco que que ya está en plataformas digitales desde hace un tiempo, pero ahora es el mejor momento para presentarlo. Afortunadamente se juntaron muchas marcas de la Industria y justamente el diseño de audio del concierto lo hizo Carolina en sonido inmersivo”. Entre los músicos que participaron en este álbum se encuentran Fausto Cuevas en el cajón, Milton Salcedo en los pianos; Jorge Pacheco, Julio Quevedo, Iván Barrera (su hermano), en el bajo, así como Greg Buchet, Gabriel Peso, Anthony Rowfaud, Fernando Acosta en el clarinete, Arturo Solar (trompeta), Héctor Gallegos y Daniel Velasco (guitarras), y Donald Hein (saxofón). La mezcla fue hecha por John Gibbe y la masterización la hizo Arturo Gutiérrez. En esta ocasión, el concierto se grabó en multitrack.
“La configuración incluyó 10 bocinas y un subwoofer”, menciona Caro, “un día antes de la presentación se hizo el montaje y ese día se hizo la calibración del sistema. Después se hicieron pruebas y el soundcheck con los músicos se realizó para definir la espacialidad. Fuimos dos los ingenieros que mezclamos; yo estuve encargada de la consola en cuanto a niveles y toda la dinámica y Daniel estuvo a cargo de la espacialización. Estuvimos muy entusiasmados por haberlo hecho, los músicos que tocaron con Javo son de muy alto nivel y el show de él es hermoso. Cuando tuve la oportunidad de escucharlo en vivo fue cuando me convencí completamente de hacerlo en México sonido inmersivo. Un género como el jazz hay pocas veces de escucharlo de esta forma”. El sonido inmersivo está llegando poco a poco a popularizarse en nuestro país; esperamos escuchar más conciertos en este formato y que tanto músicos como profesionales del audio se involucren cada vez más. Javo Barrera ya está en este camino.
Carolina Anton comenta de su experiencia para la presentación de “Against The Nullah”: “Me encontré con Javo en un restaurante con sonido inmersivo y así surgió la idea de hacer este evento en este formato. Después conocimos The Fenixx Eye & Behind The Wave, que tiene un arte y una peculiaridad increíble en cuanto a espacialidad y concepto. Se trata de un espacio pequeño y para el audio inmersivo tuvimos la idea de que los músicos fueran parte de la audiencia y de que visual y sensorialmente, ellos estuvieran compartiendo espacio íntimo con el público. Estuvimos buscando equipamiento y Pepe Martínez se sumó con su equipo, mientras que la consola fue una Allen & Heath dLive, que se controla todo con el software Immersive Sound System Panning (ISSP) para el formato inmersivo, todo por comunicación Dante. Fui a Representaciones de Audio con los especialistas de Allen & Heath para hacer pruebas con el software, que todo se viera en la red Dante e hice mi escena para adelantar lo más posible”.
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Dolby Atmos, el punto de inflexión en la Industria La Sala Silvestre Revueltas de los Estudios Churubusco en la Ciudad de México fue el espacio para recibir alrededor de 200 interesados en el audio inmersivo, en un evento organizado por Audio Engineering Society México (AES). Durante un par de días, se impartieron conferencias que fueron desde la historia del audio inmersivo hasta educación en Dolby Atmos, pasando por audio inmersivo en vivo, diseño sonoro inmersivo para cine y Atmos Theatrical vs. Home Entertainment, entre otras, con la presencia de profesionales de la Industria, como Jorge Azama, Carolina Anton, Giovanni Asselta (Dolby Laboratories), Carlos Honc, Miguel Domínguez (Genelec), Luis García, Felipe Capilla, Andrés Franco, Enrique Greiner, Nacho Sotelo, Carlos Cuevas y Salvador Tercero. Carlos Fonseca, presidente de AES México, explica en entrevista los alcances del evento y sus principales objetivos: “El evento llamado AES Genelec Latam Immersive Audio está diseñado para Latinoamérica; ya hubo fechas previas en países como Perú, Ecuador y Bolivia y nosotros
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somos la cuarta fecha. El tour irá a también a Buenos Aires y orgullosamente puedo decir que hemos batido los récords de asistencia. Registramos alrededor de 200 participantes, con ingenieros icónicos de nuestra industria que compartieron su gran conocimiento”. “Me parece que el audio inmersivo es un punto de inflexión en la Industria, porque hemos tenido otros formatos con una fuerte penetración en el mercado a nivel mundial, como el 5.1 principalmente, pero también el 7.1. Con ellos necesitábamos tener un dispositivo y un lugar acondicionado exprofeso para que se pudiera reproducir la señal de ese multicanal de manera correcta. La enorme diferencia que encontramos en este formato es que es adaptativo a diferentes medios de distribución, entonces igualmente lo podemos escuchar en una sala de cine, un concierto en vivo, audífonos, o a través de dispositivos como un celular, una tablet y otras aplicaciones de audio”.
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Carlos Fonseca
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“En este contexto”, continúa Carlos, “Atmos es el primer formato de Dolby que nace en aplicaciones audiovisuales, pero rompe esta barrera y se traslada a videojuegos y música en vivo, así que es un formato que penetró en todas las ramificaciones, y es cuestión de tiempo para que vaya a más. Es un tema que para los ingenieros actuales y los futuros, será algo de todos los días. Sin embargo, vale la pena hacer la siguiente acotación: bajo el contexto de la mezcla de audio inmersivo, donde el punto de vista es a partir de objetos, debemos tener muy claras las bases de mezcla monoaural y estéreo, porque son cosas que van de la mano. No se puede llegar directo a Dolby Atmos si no se tienen estos conceptos claros, como espacialidad, divergencia, o el tema de la fase, que en este formato es crucial, y obviamente, tiene sus reglas, y estas las tenemos para las diferentes aplicaciones, como cine, televisión, series, documentales, videojuegos y demás”.
que más audio en este formato está generando a nivel regional, y estamos generando una enorme cantidad de mezclas de música de catálogo de disqueras o plataformas digitales. Es un formato que es un punto de inflexión en la manera en la que entendemos el sonido; es un tema de reeducación y de adaptación que la Industria está demandando y es por eso que vale muchísimo la pena acercarse e investigarlo, que es la respuesta por la que este evento tuvo tanto éxito”.
“Podemos decir que Dolby Atmos puede quedar como un formato inmersivo estándar, aunque el mercado es muy agresivo y seguramente, su competencia está trabajando en algo que supere las expectativas, pero en este momento lo veo complicado, porque la penetración en el mercado de Dolby Atmos es muy importante. Escuchando a Giovanni Asselta hace algunas horas en su ponencia, nos decía que son más de 2 billones de dispositivos que cuentan con un microprocesador Atmos que puede reproducir y gestionar este contenido, y creo que el siguiente paso es generar estándares, que se pueden dar en relativamente poco tiempo, con estudios y experiencia generada. México ha participado activamente en este proceso, porque dentro del mercado latinoamericano, nuestro país es el
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Malinche, El Musical, el camino de Nacho Cano En definitiva, el audio inmersivo Dolby Atmos está actualmente ganando terreno en muchos ámbitos de la Industria de la Música y el Espectáculo. Hace más un de año, “Malinche, El Musical”, de Nacho Cano, se presentó en Madrid, España, con música grabada en este formato, y ahora presentó “Malinche Symphonic” en tierras mexicanas. Con la presencia de Nacho Cano, profesionales del audio y miembros de los medios de comunicación, el que fuera parte del trío Mecano habla en entrevista acerca de la importancia que tiene para él la tecnología tanto en el estudio como en vivo: “Siempre la tuvo. Cuando empezó Mecano, nos apoyamos mucho en las máquinas, porque fue cuando hubo la explosión de las cajas de ritmos y los primeros sintetizadores. Yo tuve equipos Farfisa y Moog, Prophet y Fairlight y fue una locura poder tener a mi disposición todas esas máquinas, y es cierto que los discos de entonces siguen sonando muy bien, porque la tecnología analógica tiene algo que va un poco más allá de la digital;, por lo que yo diría que hasta cierto punto, hemos progresado en cuanto a la amplitud del sonido, como con Dolby Atmos, pero hay parte de lo que ocurrió en aquella época que hace que sigamos escuchando esos discos”.
“Yo me autonombro como nerdo; ahora que estamos haciendo Malinche, yo duermo muchas veces en el teatro porque me paso retocando el sonido mucho tiempo y prácticamente se puede empalmar con la función del otro día. Para mí, esta obra está en evolución constante. Ya llevamos una temporada y entramos en otra con mucho éxito y sabemos que siempre hay que mejorar cosas. El sonido de la obra es infinito y no paramos de mejorarlo nunca”. ¿Te imaginaste alguna vez haciendo este tipo de espectáculos? “En mi carrera fui evolucionando mucho con las voces y las armonías, y hubo un momento en el que me di cuenta de que mi evolución en la música para seguir creciendo fue
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hacer interpretaciones con mucha gente haciendo muchas armonías. Por eso fue que me interesé por los musicales y luego, cuando me fui reinventando, supe acerca de mi capacidad para descubrir el talento de la gente; por ejemplo, en ‘Hoy no me puedo levantar’ de México, del casting salieron Fernanda Castillo, Alan Estrada, Luis Gerardo Méndez y Elisa Barrera; es decir. La reinvención es importante, porque si no, morimos, y a mí, el musical me ha dado esta oportunidad en varias dimensiones: humana, musical, de interacción con los distintos artistas, coreógrafos, maquilladores, en escenografía y tecnología”.
Nacho continúa: “La gente que hace cosas importantes es inspiradora siempre. Lo que he hecho yo ha sido observar, analizar y disfrutar, así como utilizar mi talento para seguir. Ya tuve mis años de giras y de ser una estrella del pop y ahora estoy en otra cosa, y me encanta tener proyectos que pueden estar en diferentes países”. En el audio, sabemos que de la tecnología monoaural y estéreo, después vino el sonido multicanal, Dolby Digital, 5.1 y 7.1. Ahora tenemos Dolby Atmos y hay quienes sostienen que esto fue un salto como del mono al estéreo. ¿Qué significa para Nacho Cano el audio inmersivo?: “Creo que sí es un gran salto es correcto, porque el fenómeno acústico es de
muchas dimensiones, entonces, poder escuchar la música en este formato es una gran alegría, porque cuando sales a la vida, escuchas en una dimensión 360, y es igualmente alegre poder escuchar cualquier cosa de esta manera”. “Para mí, el oído es el sentido más trascendental, porque la música, que tiene mucho que ver con la creación, es un puente a la trascendencia. El poder que tiene la música como camino entre las dimensiones que no vemos y en la que estamos, es espectacular”. En la producción de “Malinche, El Musical”, Nacho Cano ha tomado una oportunidad para la que se ha preparado mucho tiempo y en la que ha puesto el sonido en un primer plano. Sigamos la pista.
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Un encuentro con Por Nizarindani Sopeña Romero
María Elisa, Natalia, Salomé: estrellas del audio
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¿Qué importancia tiene para ustedes un evento como éste en la Ciudad de México? María Elisa: “Yo vengo de Colombia y allá no hay un evento que reúna lo más importante de la parte técnica y producción de audio en un mismo lugar, lo cual me parece crucial, porque el mercado latinoamericano de la industria del entretenimiento, música y producción es enorme y hay todo un campo técnico asociado a esto. Es importante conocer las últimas tecnologías, hacer networking, conocer a la gente que está detrás de esto, y las marcas que vienen de otros países deben enterarse de que esto es un mercado muy proactivo, en el que vale la pena invertir y creer. Por otro lado, la presencia de SoundGirls es muy importante en Latinoamérica, para saber que las mujeres estamos trabajando y logrando cosas importantes y que hay muchas chicas dispuestas a hacer cosas muy interesantes”.
Fotos: Rafael Mejía
alomé Limón (España), productora, compositora, ingeniera y diseñadora de sonido, ganadora de Latin Grammys; Natalia Perelman (Argentina), técnica de grabación, mezcla y masterización, productora, gestora cultural y fundadora de la Red Multisonora, y María Elisa Ayerbe (Colombia), ingeniera de sonido, productora, propietaria de un sello discográfico y docente también acreedora de Latin Gammys, son tres profesionales del audio cuyo talento ha trascendido fronteras y las ha hecho reunirse en eventos como SoundGirls México, en el marco de sound:check Xpo. La siguiente es la conversación que ahora publicamos como eco del evento más importante de la Industria de la Música y el Espectáculo en nuestro país.
Salomé Limón, Natalia Perelman y María Elisa Ayerbe sound:check
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Si bien cada día hay más mujeres en el audio profesional, la visibilización todavía hace falta para asegurar que la equidad de género es un hecho. Así ha sido la experiencia de estas profesionales en esta área:
Natalia: “Yo tuve experiencias primero como ser humano; no me di cuenta de la cuestión de género sino hasta bastantes años después. Yo lo vivía como algo muy natural, porque era una vocación y nada iba a detenerme, pero en cuanto empecé a tomar conciencia porque quería crecer, ahí fue donde empecé a ver las dificultades para avanzar, hasta que muchos años después comencé a relacionarme y a encontrar otras mujeres que hacen lo mismo que yo. Ahí está la clave de la visibilización, porque esto nos permite asociarnos y crear colectivos”.
Salomé: “Otra cosa que ayudado mucho a conectarnos han sido las redes sociales. Cuando yo empecé pasaba lo mismo: empecé con mi hermano, Javier Limón, en el estudio, y para mí era un trabajo más; no me cuestioné si podía hacerlo o no y cuando fui a Bruselas a grabar al armonicista ‘Toots’ Thielemans me encontré con una mujer como ingeniera y ahí me di cuenta de que había más, pero no había redes sociales y me olvidé del tema, hasta que me aparecieron y empecé a conocer a más mujeres y ahí es donde yo creé la asociación en España que llamada PIAudio, para ponernos en contacto y apoyarnos”. ¿Cómo encontraron su vocación? Natalia: En mi caso, fue completamente casual. Yo vengo de la música, como intérprete y compositora, y en algún momento
se me hizo difícil el camino; no había muchas mujeres sobre los escenarios y más si éramos autogestivas. En un punto se me presentó la oportunidad de trabajar en un estudio de grabación y una persona me dijo que tenía muy buen oído, que sabía mucho de música y que le parecía que yo podía seguir por el camino de la producción. Así empecé, como asistente segundo en el estudio de grabación más importante de Argentina en ese momento. Me di cuenta de que eso era lo que quería hacer, por lo menos en ese momento, fue como un flechazo”.
María Elisa: “En mi caso fue muy diferente; desde niña yo estudiaba guitarra y música y sabía que quería estudiar algo relacionado con eso, pero al mismo tiempo no me apasionaba ser intérprete y no me veía en el escenario. No sabía qué camino tomar y por otro lado, me apasionaba mucho el Derecho y las Relaciones Internacionales; finalmente, mi mamá, que durante mucho tiempo fue productora de televisión, me hizo ver que yo era muy buena con la tecnología y que siempre se me había facilitado hacer ciertas cosas. Ella me dijo que había un punto donde convergía la producción y la ingeniería de sonido y así me di cuenta de que eso quería estudiar. Sin pensarlo dos veces, me inscribí en la Universidad de Chile y empecé a estudiar Ingeniería de sonido”.
Salomé: “Mi hermano tenía mucha carga de trabajo y necesitaba ayuda, y empezamos a trabajar con él mi otro hermano y yo, pero él no decidió seguir. Para mí, al principio era un trabajo más, sin saber que era una vocación, y poco a poco me fui enamorando de la profesión. Empecé como
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asistente, tirando cables y llevando cafés, y después pude empezar a sentarme en la consola. Fue una evolución natural y luego empecé a mezclar y a producir. Una vez que salí del estudio, el gusanillo de la composición también me llamó y y poco a poco me he ido abriendo camino. En el cine me metí porque David Trueba me llamó para hacer el sonido en directo de alguna de sus películas y quería alguien que estuviera más vinculado a a la música que al cine, así que me propuso hacer diseño sonoro. Cada día aprendo un poco más y justo en estos momentos hemos hablado más de la preparación que necesitamos sobre audio inmersivo e inteligencia artificial
Natalia: “Sí, pero aún son pocas, y de las que logran hacerlo, son menos las que terminan y mucho menos son las que logran insertarse en el medio”.
Natalia: “Muchos años después de trabajar, comencé una carrera universitaria de Artes Electrónicas, que tocaba ligeramente algunos temas que iban más allá de la ingeniería, porque todo lo práctico yo ya lo había adquirido y no necesitaba saber tanto sobre esas cosas. Lo que necesitaba era saber más sobre lo teórico y lo artístico relacionado al sonido y eso me dio una gran apertura en mi manera de pensar. Hasta la fecha sigo haciendo cursos y poco antes de la pandemia volví al conservatorio, porque sentí que debía ejercitar de nuevo la lectura de pentagrama para grabar mejor a las orquestas que me tocaban”.
“Otra cosa que también nos afecta a mujeres y hombres es que nuestro campo es muy pequeño y hay muy poca oferta laboral, y no hay conciencia en el tema de la diversidad, la inclusión y la equidad, entonces, las chicas que son minoría en estos temas, compiten en unas condiciones que son distintas a las de sus colegas masculinos. Ahí es cuando la equidad debe hacerse presente para abrir cupos específicos y delegar a personas que se encargan de mantener esto de una manera equitativa”.
Es un hecho que hay muchas chicas en nuestros países quieren estudiar audio…
María Elisa: “Y no solamente pasa en nuestros países; yo vivo en Estados Unidos y con las clases que he dado en institutos de audio allá, también me he dado cuenta de la deserción que hay por muchos factores. Uno es por la manera en la que los docentes y las instituciones educativas hacen el enfoque en la educación, en un campo que principalmente es masculino, y luego, como dice Natalia, cuando salen, entran a un campo laboral extremadamente machista”.
Natalia: “También faltan profesoras y eso es muy importante, porque si las chicas no se ven reflejadas en estas figuras, es difícil creer que es posible para ellas”.
Salomé Limón y Carolina Anton, presidenta de SoundGirls México, durante sound:check Xpo 2023 sound:check
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¿Qué cosas prácticas podemos hacer las mujeres para cambiar la industria? Salomé: “En España, en la industria del cine, hay unas cuotas en las que, cuantas más mujeres jefas de equipo hay, se reciben más apoyos económicos -aunque también sucede que puede haber trampa y los hombres ponen a las mujeres para después ellos hacer el trabajo, como puede ser la esposa del sonidista, por ejemplo, sin que ella realmente haga el trabajo-, pero creo que este tema es vital y nos ayuda por lo menos a entrar. Otra cosa que creo que hace falta son tutoriales de mujeres, tanto en inglés como en español en estos temas, para que las chicas sepan que es posible”. “Además de visibilizarnos, los hombres pueden ayudar contratándonos cuando tienen la posibilidad. Es complicado, porque a veces no se te ocurre y muchas veces, lo que viene a la cabeza es contratar a un hombre, porque ha sido con quien has trabajado toda la vida; entonces hay que dar ese paso extra de buscar a una mujer para demostrar nuestro talento”.
¿Qué ocurrió en el panel de la Academia Latina de la Grabación (LARAS) en este ciclo de conferencias? María Elisa: “Fue muy bueno, hablamos de nuestras experiencias, pero también el punto era mostrar a la audiencia cómo eso en esencia es un reflejo de lo que probablemente les esté pasando a los asistentes también, y cómo nosotras, en medio de nuestra carrera con las limitaciones que tuvimos, encontramos el camino para asociarnos y empezar nuestro trayecto y participar en los proyectos, competir y ser miembros activos y poder participar en comités y demás charlas con LARAS. Muchos chicos y chicas preguntaban y contaban sus experiencias de vida, sus limitaciones y nos pedían un poco de consejo y guía para poder enfocar”. “El objetivo era mostrar que en esencia, nosotras no nos conocíamos, pero al vernos también en un comité de LARAS encontramos la manera de encontrar una comunidad y de encontrarnos en ella. Afortunadamente estaba Isabel Paz, de la sección de membresías y todas las preguntas técnicas que había más puntuales, ella las resolvió”.
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