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El Don de cada marca DON


staff Director/Editor: Romina Zollo romina@revistag7.com

Producción general: Carolina Inés producción@revistag7.com Director de marketing y ventas: Patricio Gandola pato@revistag7.com Dirección de Arte/Diseño: Daniel Roa dg@pulmon.com.ar Redacción: Agustina Angel agustina@revistag7.com Rocío Bravo rociobravotw@gmail.com Maxi Cuenca maxi@revistag7.com Damián Colaprette damian@pulmon.com.ar Foto de tapa: William Kano Maquillaje: PERKES GANDINI STUDIO perkesgandini.com.ar Fotografía: Florencia Cisneros Agustina Angel Eloy Mora Daniel Roa Agradecimientos: Escuela Da Vinci Shnit Maxi Cuenca Marcela Ferreiro Santos Vega Draught Bar Natalia Scocimarro Adver Pr. Fabián Sans NH Hotel Suscripciones: g7@revistag7.com Impresión: Area Cuatro Asesoría contable: Estudio Fernandez, Scarponi &Asociados (5411-4631-3983) Cnel. Ramon Falcon 2072 • REVISTA G7 Domicilio legal: Lanza 2283 - Ciudad autónoma de Buenos Aires (C.P. 1437) E-mail: g7@revistag7.com G7 es una publicación de REVISTA G7 Se prohíbe la reproducción parcial o total del contenido de esta revista sin previa autorización por escrito del editor. Los anuncios y artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión del editor. ISSN: 1666-5929 Propiedad intelectual: 1992764

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Revista G7- Número 131

sumario

08 16 22

Planeador

Sònar

Chapelco sustentable

44 52 58 DON

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Eloy Mora

FCB&Fire / Casta Diva


26 34 38 Rodrigo de la Serna

Ford Argentina

Pol Lykan

64 70 76 82

GREY Argentina

Agustín Sullivan

Pepita Sandwich

El Ojo

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::MÚSICA

GORILLAZ : THE NOW NOW

Revista G7

Luego de lanzar el oscuro Humanz en 2017 la banda de Damon Albarn reacomoda el rumbo con The Now Now. Un disco un poco mas pop que sus antecesores. Aquellos que esperan el sonido rock de sus dos primeros álbumes se sentirán muy decepcionados cuando The Now Now vea la continua influencia de la música electrónica. Este es claramente un álbum de electro-pop. Si “Humility”; abre el disco bien arriba gran parte del resto del álbum es introspectiva y experimental. Lo más sorprendente del sonido de The Now Now es que sólo hay un verso de rap y es la colaboración de Snoop Dogg en “Hollywood”. Uno esperaría que el rap ocupe otro protagonismo en el disco pero Snoop Dogg representa la dosis justa que el Gorilaz 2018 necesita. A nivel composición, este álbum podría ser uno de sus mayores esfuerzos hasta ahora. El energético “Tranz” está siempre en movimiento evocando un sonido bien 80s. También está “Idaho”, que crea una gran atmósfera que pone atención en las voces de Damon. Una de las cosas más importantes para un álbum es que se sienta cohesivo. Tiene que fluir bien y actuar como una experiencia conjunta. Y sí, éste es probablemente el trabajo más cohesivo del grupo hasta la fecha.

El rock esta atravesando un recambio desde hace ya casi unos 10 años. Es paradógico que en estos tiempos donde en las redes sociales todo nace, muta y muere en el transcurso de unas semanas, que el rock todavía este encontrando su rumbo en el nuevo milenio. La última vez que el rock dio un gran golpe fue en los 90s con la explosión del Grunge, el Brit Pop, los U2, los Guns n' Roses, Metallica, etc. Hoy día los amantes del estilo esperan esa banda que pueda revolucionar todo nuevamente. Y saben que? No va a pasar. Repito: El mundo no solo no necesita, sino que no admite héroes en el rock. No hay tiempo para desarrollarlos. Por qué entonces The Struts? Creemos en G7 que son esa banda que no podes dejar pasar. Desde hace un par de años vienen lentamente subiendo peldaños de la forma correcta. Han sabido relacionarse en el mainstream ( Soportes de Rolling Stones, Foo Fighters ) y tienen al momento solo un disco y un par de singles que sirvieron para poner a los críticos y público a sus pies. Pronto entran a grabar su próximo disco, ese que los va a hacer explotar por todos lados. Una mezcla de Queen (Luke Spiller es muy parecido a Freddie y canta en sintonía a eso) con un poco de pop, hard rock en el que todas las canciones suenan a himnos. La actitud, fuerza y presencia que tiene esta banda arriba del escenario los afianza como los underdogs más prometedores de los últimos 10 años. No dejes de escuchar “ Talks”; “Could have been me” y “Mary go round” en tu servicio de streaming preferido. No te vas a arrepentir.

SEFERS :

AT M O S F E R A S N O C T U R N A S

Planeador

THE STRUTS : BODY T A L K S

Esta historia me tiene como actor de reparto ya que Serfers es una de las bandas que coproduje y mezclé en este 2018. Con este disco siento la adrenalina que siente alguien que se suma un proyecto creyendo en él al 100%, sin condiciones, con la mezcla de olfato y fé necesaria para creer que este álbum, este artista, puede ganarse un lugar en la escena Argentina. Atmósferas Nocturnas, como el nombre lo dice, fue concebido y gestado con esa impronta. Encuentros apasionantes y obsesivos entre amantes de la música con el único objetivo de darle a cada canción una identidad propia, "surfeando" sonidos. Creo que este disco es de aquellos que se dejan escuchar de principio a fin. De los que logran para el tiempo, quedar absorto en los auriculares sin que nada de lo que pasa alrededor importe. Luego de lanzar, tocar y vivir MOLE junto con Charly Alberti (Soda Stereo), Sergio Buffi (Guitarra y Voz) armó junto a su hermano Ariel y el tecladista Alejandro Maglio estas canciones que hoy forman parte de “Atmósferas Nocturnas" disco con el que ese público que amo a Soda, The Police, The Cure, el Brit Pop, Massive attack, Radiohead, etc va a sentir identificación. Rock alternativo, estribillos, distorsión y sintes que crean atmósferas nocturnas y espaciales, cadencias tanguero-progresivas y lapsos instrumentales. Sin dudas canciones como “Hielo”, “Entre las sombras”, ”Palabras que intoxican” y mis favoritas “Signos de amor” y “Sinfonía” van a marcar el camino de esta banda que tiene la imagen, el audio, la actitud, el hambre y por sobre todo las canciones para triunfar. texto

Damian Colaprette

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::LIBROS

Revista G7

Planeador

EMPRENDER HASTA LOS 90 - TITO LOIZEAU - CONECTA El autor es un reconocido emprendedor argentino que busca en este libro, transmitir un estilo de vida que él adoptó a partir de una resiliencia que lo llevó a replantearse el modo en que estaba viviendo. El libro propone una alternativa al estereotipo de emprendedor que vive en modo oficina las 24 horas y acomoda sus placeres según su trabajo, y no viceversa. La propuesta de Tito Loizeau se basa en el orden de prioridades y de organización de agenda, y ataca la idea y fantasía colectiva de trabajar 30 años para descansar siendo jubilado. Optando por ser un emprendedor durante toda la vida, que con equilibrio se dedica a disfrutar de pequeñas cosas y no se exige por perseguir el éxito.

LITERATURA DE IZQUIERDA - DAMIÁN TABAROVSKY - EDICIONES GODOT El nombre del título pareciera hablar de una ideología política, sin embargo es tan sencillo como se lee. Es un manifiesto que analiza en qué estado se encuentra la literatura argentina contemporánea, no es una crítica y tampoco un texto de polémica. No quiere ganar ninguna discusión porque el autor no cree que tenga sentido. Literatura de izquierda está escrito por el escritor sin público. “Mientras que el mercado escriben a favor de sus convenciones, la literatura que me interesa, sospecha de toda convención incluidas las propias.No busca inaugurar un nuevo paradigma, sino poner en cuestión la idea misma de paradigma”, describe el autor.

BUENOS AIRES IN THE FLESH - CRISTOZIGH Una obra que recorre la historia de la ciudad de Buenos Aires a través del lente de Cristozigh, partiendo de la moda y la fotografía. No es un libro de historia per se, sino que, es un viaje desde diversos escenarios y ambientes culturales para apreciar la riqueza cultural de la ciudad, su eclecticismo, sus costumbres, su puerto, sus conventillos, su arquitectura, sus leyendas y su misteriosa noche. Buenos Aires in the Flesh pretende revelar el imaginario social de las personas que habitaron y habitan Buenos Aires, así mismo, develar la idiosincrasia del lugar con sus figuras más pintorescas y emblemáticas. De manera sofisticada y bajo una mirada artística, se busca recrear aquello que dio y que aún da forma a la cultura nacional.

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::BARES

Revista G7

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BUENOS AIRES VERDE ¿Qué cree la sociedad que es comer sano? Por qué todavía algunos lo asocian a carente de sabor? Estas respuestas las encontramos en Buenos Aires Verde, donde su chef y dueño Mauro Massimino, vegetariano y apasionado de la alimentación sana, desafía los clichés: comerás exquisito y nutritivo, acá no hay excusas. Reinventada, pero siempre bajo el slogan “Alimentación inteligente”, la nueva impronta del restaurant define mejor que antes su filosofía. Ingredientes para nada convencionales y muy beneficiosos para el organismo, en un resultado final que será una fiesta para el paladar. Donde: Gorriti 5657, Palermo. @buenos.aires.verde.restaurant

LUZMALA El barrio de Nuñez esconde tras un portón negro un hidden bar. En una casona del año 30’ Patrimonio Histórico, el estilo vintage se funde con toques modernos para invitarte a probar un menú de platos y cócteles a base de sabores autóctonos e inspirados en las tradiciones que nos atraviesan a los argentinos. “Che Culiao”, “Malcriado”, ”Llorona 2.0”, “Pipo CIipolatti”, o “Zombie Pampeano” son los cócteles denominados con humor y todos con ingredientes artesanales, forman parte de una carta dividida en las regiones geográficas del país. Desde ya que la coctelería de autor es la protagonista, pero también lo es su reciente pecera inaugurada en el sector VIP, única en el país y los platos que comparten una misma trama: sabores argentos. Una propuesta que marida perfectamente la exquisitez con la buena energía del ambiente. Donde: Arcos 2950, Nuñez @luzmalabar

SANTOS VEGA Más que un recomendado, es un imperdible. Las propuestas vanguardistas son nuestras preferidas y esto es Santos Vega: el primer draught bar de Argentina ¿Que es? Se trata de un sistema de canillas que permite que repitas un cóctel y con sabor idéntico al anterior, sin importar qué bartender lo prepare. Esta novedad sumado a la impronta artística del ambiente, los platos gourmet y la banda en vivo que acompaña de jueves a domingos, lo posiciona como uno de los nuevos bares destacados de Buenos Aires. Donde: Niceto Vega 5924, Palermo @santosvegadraughtbar

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::SHNIT

Revista G7

Planeador

Shnit iza la bandera por el derecho a la identidad EL FESTIVAL DE CORTOS DE CINE SE LLEVARÁ A CABO EN EL CENTRO CULTURAL SAN MARTÍN DEL 17 AL 27 DE OCTUBRE. ESTE AÑO SHNIT PISA FUERTE CON UNA TEMÁTICA SOCIAL PRINCIPAL : DERECHO A LA IDENTIDAD. Shnit integra entre sus proyecciones el trabajo realizado en más de 140 países priorizando calidad y valor artístico. En esta edición expone como temática principal la diversidad y el derecho a la identidad, contando con bloques que tratan este asunto de una manera más directa y punzante, ya que para algunos hablar de identidad puede ser “seguir hablando de lo mismo”, siendo para otros, necesario manifestarlo hasta que llegue a cada rincón del mundo.

hasta de la comunidad en la que vive o la clase sociocultural de la que forma parte. Resaltar la diversidad, enamorarse de la diferencia, enaltecer el derecho a identificarse, es en términos generales el llamado del Shnit con esta muestra.

¿Cuándo?: 17 al 27 de Octubre ¿Dónde?: El Cultural San Martin Más info new.shnit.org @shnitBsAs

Por eso se hará hincapié en los bloques Cine LGBTI, Cine Mujer, Cine Latinoamericano, el ciclo Cuento Corto Comunidad Grande y también la característica Competencia Internacional, todos atravesados por una problemática social que gana visibilización en la sociedad y en el mundo del arte. También están los bloques que representan el cine nacional: Made In Argentina y Dulce de leche. Cada bloque de cortos es producto de intercambios con diferentes entidades y organizaciones. El de Cine LGBTI se debe a la colaboración del Consulado Británico. Cine Mujer lo permite la sociedad con la realizadora Mónica Lairana, los bloques de Cine Latinoamericano son una alianza con los festivales de cine Venezolano, Colombiano y Ecuatoriano que se llevan a cabo en la metrópoli multicultural que es Buenos Aires. Mientras Cuento Corto Comunidad Grande es producto del convenio con diferentes organizaciones sociales y la Casa de la Cultura Popular de Barracas. Los organizadores del Festival argumentan que la importancia de abordar el derecho a la identidad desde la diversidad se debe a partir de que cada persona sintoniza con aspectos diferentes de su vida, que van desde su identidad sexual, pasando por su identidad biológica, de lugar de nacimiento,

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::MUTEK

Septiembre es el mes de la experimentación DEL 13 AL 16 ATERRIZA EN BUENOS AIRES LA SEGUNDA EDICIÓN DE MUTEK AR, EL FESTIVAL DE CREATIVIDAD DIGITAL Y MÚSICA ELECTRÓNICA DE MAYOR IMPACTO, CON NUEVOS TALENTOS Y ARTISTAS CONSAGRADOS BAJO UNA MISMA PREMISA: CREAR UN ESPACIO DE INICIACIÓN Y DESCUBRIMIENTO PARA LAS AUDIENCIAS A TRAVÉS DE LA EXPERIMENTACIÓN. El año pasado Mutek regresó a Buenos Aires alcanzando una convocatoria récord y siendo éste el motor de una nueva edición. El célebre festival originado en Montreal hace más de quince años y con ediciones también en México, España, Japón, Estados Unidos, Emiratos Árabes, nos prepara para una versión expandida ya que se estará desarrollando en varias sedes con actividades distribuidas en diferentes puntos de Buenos Aires durante cuatro días consecutivos. Conciertos audiovisuales, experiencias inmersivas, charlas y talleres, realidad virtual, nuevas tecnologías para la creatividad digital, espacialidad sonora y cultura club no faltarán en los distintos puntos de encuentro: El Cultural San Martin, CCK y Punta Carrasco. Hablamos con Gonzalo Solimano, director de MUTEK, para que nos cuente qué nos espera en esta nueva edición "Estamos preparando un programa expandido, con una enorme cantidad de artistas locales para descubrir, más allá de las figuras de nivel internacional que formarán parte del festival, como The Orb, Akufen, 1024 architecture o AtomTM. Pero esa expansión se ve también en el territorio, ya que este año tendremos varias sedes en simultáneo: el CCK, el Cultural San Martín y Punta Carrasco, aunque puedo confirmar que habrá una más, muy especial, que daremos a conocer durante el mes de agosto." El evento estará dividido en sus ya conocidas secciones, sumando entre ellas una nueva que será ARTLAB 3D SOUND, que propone trabajar la espacialidad sonora con la ayuda de un software alemán MNTN, y además se realizó una gran convocatoria federal de artistas en tres áreas: audiovisuales, realidad virtual y aumentada, y espacialidad sonora.

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Revista G7

Planeador


::MUTEK

Respecto de la edición 2017, Gonzalo agrega que mejoraron y ampliaron el equipo de producción : "Nos esmeramos mucho en la excelencia técnica con equipamiento de primera línea. Este tipo de disciplinas artísticas requieren de mucha atención en este punto. Es algo que ayuda a la efectividad de las performances pero también brinda una mejor experiencia para el público. Mejoramos la convocatoria de artistas locales a nivel federal y ofrecimos tres categorías donde los artistas pudieron presentar sus proyectos: realidad virtual y expandida, proyectos audiovisuales y, la tercera, que es a la vez una nueva sección del festival: ARTLAB 3D SOUND". Además sostiene que el nivel ha mejorado respecto de la edición anterior "Creo que esta edición de MUTEK.AR se acerca más al estilo de Montreal, su ciudad natal, donde la misma vivencia de la ciudad es parte del festival, con edificios públicos y sedes privadas que son intervenidas y modificadas por los contenidos de un evento complejo, muy contemporáneo, enfocado en creatividad digital de calidad. Hay mucha expectativa en el público y sabemos que este año tendremos una audiencia mayor y aún más diversa que el año pasado."

Revista G7

Planeador

Artistas confirmados 1024 Architecture FR / Akufen CA / Alexandre Burton & Julien Roy (artificiel) CA / Antonella Arismendi AR / Atom TM DE / Barda AR / Dat García AR / Derrok CL / Dr. Alex Paterson UK / Fantasías Animadas AR / Federico Molinari AR / Flatten UY / France Jobin CA / Francesco Tristano & Guti pres. Another Paradise LU/AR / Franck Vigroux & Antoine Schmitt FR / Graham Dunning UK / Janina DE / Jonas Kopp AR / Jorge Haro AR/ES / Kaleema AR / Kermesse AR / Klik & Frik AR / Line Katcho CA / M. Laura Ruggiero AR / Magnanime CA / Martín Borini AR / Myriam Bleau CA / Nicolás Forster AR / Prifma AR / Rumbo Tumba AR / Sculpture UK / Sebastián Verea AR / The Orb UK / Violett & Alessandra Tagliatti AR/IT / Wolke7 AR ymás. ¿Cuándo?: 13 a 16 de Septiembre. ¿Dónde?: El Cultural San Martin, Centro Cultural Kirchner y Punta Carrasco. Más info: mutek.org/es/buenos-aires/2018

@MutekAR

Mutek AR cuenta con el apoyo de Canada Arts Council, British Council y el Institut Français, y además articula con universidades e instituciones culturales que acompañan el proyecto.

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::DAVINCI

Revista G7

Planeador

Bit Bang Fest el festival de arte y videojuegos EL SÁBADO 25 DE AGOSTO EN LA ESCUELA DE ARTE MULTIMEDIAL DA VINCI SE REALIZARÁ UNA JORNADA GAMER CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA, DONDE HABRÁ A LO LARGO DEL DÍA CONFERENCIAS, VIDEOJUEGOS, WORKSHOPS, JUEGOS DE MESA, REALIDAD VIRTUAL, TORNEOS Y MÁS ACTIVIDADES.

Escuela Da Vinci es uno de los núcleos de videojuegos más importantes de Argentina. Impulsando las actividades del mundo gamer, con encuentros los fines de semana, donde los aficionados se concentran en torneos organizados por las marcas de videojuegos más conocidas. El compromiso de la escuela no tiene que ver sólo con el conocimiento respecto al tema sino con el objetivo de ser un espacio que aloje a los fanáticos y especialistas en la materia. Para el mes de Agosto prepararon una de las jornadas más grandes del año. Habrá Mesa de Videojuegos con desarrolladores indie y periodistas de la temática en el mismo escenario. Dentro de las conferencias están: “Los premios Alfonso X” por expertos de Geek out! También estarán presentes expositores de Dalesi con un nuevo proyecto, Senscape con toda la info de Asylum y el publisher argentino Inca Games ¡Muchas preguntas para hacerles!

También habrá un Bit Bang Lab para quienes tiene proyectos transmedia, ya sea una serie de animación, un docuweb, un comic, videojuego, todo aquello que forme parte de un mismo universo narrativo. Dentro de los Workshops “Creadores de Mundos” será una introducción al guión de videojuegos: esquemas, técnicas y estilos de narrativa. “Creando Leyendas” será una introducción a una nueva metodología de creación de personajes, basado en la evolución del personaje ligada al progreso. Esta disertación será a cargo de Lucas Simons, autor del libro “Press Start: Cómo ser guionista de videojuegos y no morir en el intento”, “Crear mi primer videojuego con Construct 2” y “Arte para videojuegos” serán otros de los espacios de intercambio. Al margen de ser una jornada de aprendizaje, la parte divertida será ir con amigos a jugar al Fortinete, el battle royale del momento y a probar las máquinas gamer de AMD y los monitores de Samsung. También viajaremos en el tiempo con los Arcade, habrá juegos de rol, de mesa y ¡Salas de escape! ¿De qué se trata? Te encierran con más con 5 personas y tienen 25 minutos para resolver puzzles entre todos y reírse con moderación. Bit Bang Fest 2018 propone ¡Ser una explosión gamer! ¿Cuándo?: 25 de Agosto ¿Dónde?: Av. Corrientes 2037/49, CABA Más info en davinci.edu.ar @EscuelaDaVinci

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SÒNAR

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::SONAR

Revista G7

Festivales

25 años haciendo contacto SÓNAR Y25 CELEBRÓ SU 25° ANIVERSARIO CON 126.000 ASISTENTES, UN NUEVO SHOW DE GORILLAZ, EL REGRESO DE LCD SOUNDSYSTEM Y EL IMPACTANTE DJ SET DE DIPLO. EN LOS AÑOS QUE LLEVA SÓNAR, LA IDEA ORIGINAL FUE EVOLUCIONANDO CON EL NACIMIENTO DEL FESTIVAL PARALELO SÓNAR +D DEDICADO A SONDEAR INICIATIVAS QUE INVOLUCREN ARTE, CREATIVIDAD Y TECNOLOGÍA. texto

Maxi Cuenca Fotos Sonar SonarPress Fotos Ángel Molina Luis Lecumberry Fotos MOW SonarPress SONAR_FESTIVAL

Pero la naturaleza expansiva de Sónar se volvió un poco más excéntrica este año con SONAR CALLING GJ273b: la primera transmisión de radio a un exoplaneta potencialmente habitable. Según astrónomos, Sónar podría recibir una respuesta extraterrestre dentro de 25 años. Justo para su 50º aniversario. La música y los mensajes enviados por los artistas, junto a toda la información sobre el proyecto ya están disponibles en sonarcalling.com. Para conocer los inicios de Sónar, su evolución y los valores que lo mantienen en el ápice de los festivales Europeos, conversamos con su protagonista más recurrente: el DJ Catalán Ángel Molina. También hablamos de música, del trabajo de DJ y de su relación con algunos productores Argentinos que están posicionando a nuestro país en el mapa del tecno global. También conocimos a la madrileña Gabriela Casero, que debuta en Sónar con su proyecto experimental MOW. Enlaces Sónar: www.sonar.es

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::SONAR

Revista G7

Festivales

Ángel Molina, la libertad de trabajar en la sombra ES IMPOSIBLE DIMENSIONAR LA VERDADERA INFLUENCIA QUE ÁNGEL MOLINA HA TENIDO EN LA PERSONALIDAD MUSICAL DE SÓNAR. SIN EMBARGO AL DJ CATALÁN NO LE GUSTA HABLAR DE SÍ MISMO, NO TIENE PRESENCIA EN REDES SOCIALES Y ELIGE LA TRANQUILIDAD QUE LE DA TRABAJAR EN LA SOMBRA. ASÍ Y TODO, CUENTA CON EL RÉCORD DE 18 PARTICIPACIONES EN LAS 25 EDICIONES DEL FESTIVAL. NADIE MEJOR PARA HABLAR SOBRE SÓNAR EN SU ANIVERSARIO.

En el 25° aniversario de Sónar, ¿Qué tiene de especial esta participación después de tantos años? Los últimos años, no es que me haya especializado, pero sí que lo más habitual es haber sido telonero, obviamente con mi manera de hacer las cosas, con mi carisma. Pero siendo telonero para una banda con muchísimo más nombre que viniera detrás mío. Desde Chris Cunningham, persona que fue muy reconocida por trabajar para Aphex Twin, hasta grandes héroes del Sinth Pop como Duran Duran, Pet Shop Boys, JeanMichel Jarre, etc. No es lo mismo, cuando tú tienes la presencia como DJ principal. Y esta es la diferencia básica de este año, comparado con los últimos diez. Esto fue un reto, a pesar de que no se aleja de lo que hago cada fin de semana, es un reto en Sónar y eso lo hace especial. Tocar hasta altas horas de la mañana y además antes de uno de los personajes que

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más respeto merece en la escena del Tecno actual como es Helena Hauff. Acerca de Sónar y sus 25 años ¿Qué cosas siguen estando y cuáles cambiaron? Entre los primeros años y ahora, extraño que tenga más peso el DJ. No juzgo si está bien o mal que haya más o menos Djs en el festival, pero a mí como DJ, me gustaría que hubiera algunos más. Esa es una de las cosas que han cambiado, por supuesto que el espíritu Sónar sigue siendo el mismo, pero los primeros años, un poco porque éramos novatos o por lo que fuera, el festival tenía un punto más inocente que hoy en día no lo tiene. Hoy todo está planificado y es ultraprofesional, hasta hay momentos donde se vuelve un poco preocupante. ¿Cómo puede ser que todo esté previsto y que todo salga como estaba previsto? Entonces esto contrasta con las primeras ediciones, en las que el festival era un poquito más “bueno, vamos a ver que pasa”.

En las primeras ediciones no tenía claro qué iba a pasar, a dónde íbamos a ir. No tenía claro cuantas ediciones iban a ser. Esto en los últimos 10 o 15 años ya no es así. Lo difícil ahora es pensar si se va a dejar de hacer Sónar algún año. Una de las cosas que la gente ha criticado, que yo no entiendo, es que se haya incorporado música menos sintética o “electrónica” al festival; cuando precisamente en otros festivales ha pasado todo lo contrario, se ha incorporado la electrónica. Esto es un signo de los tiempos. Siempre van a haber cosas que nos gusten, que nos atraigan. Cosas por descubrir y nombres masivos. Cuando la gente hace comentarios un poco nostálgicos, como “pero es que antes…”; yo siempre les contesto: ¿No será que a ti la música tampoco te importa tanto? Dejo la reflexión caer ahí.


::SONAR En los últimos años en Argentina desde la escena Tecno, han salido una serie de productores que me parece que están haciendo algo relevante a escala global. ¿Estás de acuerdo con esto? ¿Alguno te ha llamado la atención? Seguro que si digo nombres de alguno me olvidaré. Pero me siento en la obligación de nombrar a una persona, que desde hace dos o tres años la estoy viendo crecer. Veo el momento en el que está y creo que sí tiene constancia y decide que esto no es fruto del momento y sigue apostando por la música electrónica, le va a tocar evolucionar. Tengo que nombrar a Guido, que es Mental Resonance.

Revista G7

Y soy crítico porque desde aquí quiero lanzar el siguiente mensaje: está muy bien hacer música y hacerla bien, pero si encima de hacerla bien, hacemos que suene novedosa, todavía será un poquito mejor. Mental Resonance es una de las personas que veo que es creativo, de un perfil que no es estrecho, es decir, que no tiene un discurso cerrado, sino que puede hacer muchas cosas. Y hasta me ha llegado a sorprender escuchando temas y pensar “¿Puede llegar hasta esto?” Hay muchos más, Pulse One también, es alguien que me ha llamado mucho la atención en los últimos años. Cumpliste tu primer presentación en Berghain de Berlín: La discoteca que sintetiza la máxima épica para un DJ de Tecno. ¿Te preparaste especialmente para esa sesión? ¿Tuvo algún impacto particular para vos? Todas, absolutamente todas mis sesiones, no es que me las planteo uno o dos días antes, es mi manera de trabajar e intento que cada sesión sea algo especial. Lo mismo que para un Sónar, me planteé en su día: qué debo hacer, qué puedo hacer o qué se espera que haga.

Festivales

Si hay algo que destaco de Berghain es el poder de comunicación que tiene, es la primera vez que he recibido mensajes de personas desde Argentina, de Alemania, de España y otros sitios. Yo creo que no es una discoteca, no es un club, es algo que va mucho más allá, es como un “Show Room”. Un escenario donde la gente mira “a ver que pasa”. Me acabo de enterar que trabajas con un sello musical desarrollando otro perfil que tiene que ver con la selección y producción artística... En realidad son cosas que he venido haciendo desde hace muchísimo tiempo. Lo que pasa es que lo sabe la gente que me conoce. No soy de airear demasiado lo que hago, no me gusta hablar de mí. Ese es uno de los motivos por los que no tengo redes sociales. Dicho esto, el Sello se llama 30D Records. Lleva varios años y tiene distintas divisiones dedicadas: una al Electro, otra a la música un poco más pistera y hay una de Tecno que ha empezado ahora. Lo que pasa es lo dicho, me siento un poquito más cómodo y con menos presión con la libertad que te da trabajar en la sombra. Y eso es una cosa que no he cambiado y creo que no voy a cambiar. La línea musical del sello que llevas me imagino… Tecno. En lo que yo los puedo ayudar: Tecno oscuro, con influencia industrial y sobre todo, atemporal. Tecno que puedas escuchar ahora, dentro de 5 años o haber escuchado hace 10. No me interesa el material de moda, es decir, con el director del sello, no planteamos esto como una máquina de hacer dinero, si no, se haría de otra manera y se haría otra historia. Es algo que nos gusta y en lo que confiamos. Enlaces Ángel Molina: Escuchá el set de Ángel Molina en Sónar Y25: https://culturebox.francetvinfo.fr/musique/ electro/sonar-festival-2018/angel-molinaau-festival-sonar-2018-274451 30 D Records: http://www.30drecords.com

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::SONAR

Revista G7

Festivales

MOW debutar en Sónar LA ARTISTA MADRILEÑA GABRIELA CASERO, PRESENTÓ SU PROYECTO MUSICAL MOW EN SÓNAR 2018 DONDE CONVERSAMOS DE MÚSICA Y DE LA VIDA CON ELLA LUEGO DE SU DEBUT. HEMOS DESCUBIERTO UNA ARTISTA JOVEN, CON MIRADA CRISTALINA, DE APARIENCIA FRÁGIL Y CON UNA PROFUNDA SENSIBILIDAD, QUE NOS CONFIESA CÓMO ENFRENTA SUS MIEDOS CADA VEZ QUE SE SUBE A UN ESCENARIO.

Contanos qué es lo que haces y de dónde viene tu vocación por la música.

¿Hace cuánto empezaron y hacia dónde crees que van musicalmente?

Ahora mismo estoy haciendo música un poco electrónica, yo diría que es un POP, Grime-Pop, Electrónica.

Empezamos hace poco más de un año seriamente, porque al principio no teníamos muy claro qué hacer, pero como hemos decidido empezar a grabar un álbum, creo puedes ver una evolución desde la primera canción que hemos grabado. Al principio estábamos un poco buscando que hacer, probando. Hasta en un punto podríamos decir que hemos encontrado el camino. Así que, no sé a dónde va pero sé de dónde viene (risas).

Mi vocación por la música de toda la vida, en mi familia siempre se ha escuchado mucha música, algunos de los miembros de mi familia son músicos. Aprendí de música porque en casa había una guitarra rondando, creo que la trajo mi hermana. Aprendí un poco sola e hice algunas canciones, al principio era todo más acústico, pero al final cuando montamos un grupo y tuvimos los medios, quise probar por algo más electrónico y aquí estoy. ¿El grupo con el que tocaron en Sonar como se compone? MOW es la banda y somos cinco, aunque últimamente parece que MOW soy yo, pero todos participamos. Aunque la canción la componga yo y tenga la idea bastante clara, cuando la trabajamos juntos, todos aportan sus cosas, entre todos decidimos, porque tampoco entramos al estudio con las cosas super-fijadas. La verdad es que definimos todo en el estudio que es cuando estamos juntos y vamos mirando las cosas entre todos. Así que MOW es un proyecto de cinco personas. ¿Cuál es tu rol en el escenario? Yo canto y toco la guitarra. Justamente, porque las canciones las compongo con la guitarra, luego está Dani que toca percusión, los pads y la batería, también está Luis en la guitarra, aunque guitarra cada vez hay menos, ya que está la mía y la suya y luego Ale que es el bajista.

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Me das el pie para la próxima pregunta: para una música de tu generación, me gustaría saber ¿Cuáles son tus influencias? si es que las hay ¿O los sonidos que han servido de referencia para llegar a este momento de tu carrera? Hago canciones acústicas, la mayoría son como Angel Olsen, podría nombrar a Mitsky también, incluso Laura Marling. Son cosas más bien acústicas, incluso un poco Folk y Rock si quieres. Y luego cuando quiero pasarlo a electrónica, busco sonidos diversos, o sea, no me centro en un artista en concreto, sino que voy escuchando canciones y de repente oigo algo que me encanta y la sensación que me da eso quiero recrearla de “tal manera” y ahí me busco las formas. Pero sí puedo decir que escucho a Sea Oleena, que me gusta mucho. Me gusta también Giselle incluso cosas, entre comillas, más “horteras”, me refiero a algo que aunque pretende ser elegante o moderno, resulta vulgar, ordinario y de mal gusto, tipo un remix de los Beatles. Por ejemplo, lo escucho y digo “me encanta esto” entonces intento sacar el bajo u otro elemento. O sea, no tengo un grupo en concreto. La verdad es que no sé, viene de distintos lugares.


¿Qué significa para vos, estar debutando en Sónar apenas un año después de haber consolidado este proyecto? Algo increíble! Es una ilusión. Pero no me tomo muy enserio a mí misma, así que no me asusto. No lo pienso mucho la verdad. ¿Y qué te pasa a vos una vez que estás ahí? Sobre el escenario, el público delante y a punto de empezar. ¡Terror! Es lo que me pasa (risas). Me pasan por la cabeza todas las cosas que podrían salir mal. Por absurdas que sean: si voy a vomitar o ¡Imagínate si me desmayo! Pienso en ello todo el rato y luego termina el concierto y no sé cómo lo he hecho, no sé qué ha pasado. Vuelvo a mí como si hubiera estado en shock.

Cada concierto parece un duelo frente tus miedos primarios…

¿Conoces algún artista que te interese de nuestra región?

La verdad es que sí, la paso bastante mal! Y luego lo vuelvo a hacer y digo: ¡¿Por qué me hago esto?!

Sí, me gusta Natalia Lafourcade. Luego escucho mucha música en inglés.

¿Por qué te haces esto?...

¿Qué puede esperar el público cuando sale MOW al escenario?

Porque creo que me sentiría peor conmigo misma si dejase de hacerlo. Me diría “que tonta haz sido hija, por pasar un poco de vergüenza o por pasarla mal un rato”. Tengo la esperanza de que con el tiempo, se me va a ir pasando el terror y llegue un día en que esté súper contenta y ya. Estoy seguro que sí ¿Has estado en Argentina? No he estado nunca en América en general. Pero claro que me encantaría. Seguro que ya tocará.

Siempre que me hacen esta pregunta no sé qué contestar. Desde luego yo me centro mucho en la música durante el show y estoy concentrada en lo que estoy haciendo en ese momento y estoy como metida en mi misma. No estoy intentando hacer por fuera ningún tipo de show. Sin embargo los chicos que tocan conmigo, cuando tocan solos se llaman Astra; hacen muchos shows y se la pasan bailando y festejando, y luego cuando tocan conmigo, estamos todos como con mi energía del terror (risas). Pero creo que eso es porque estamos muy centrados en el sonido que queremos proyectar y queremos que salga bien. O sea que no es malo, quiero decir.


CHAPELCO SUSTENTABLE 22 •


::CHAPELCO

Revista G7

Turismo

Energía que se renueva EL CAMBIO CLIMÁTICO ES UN HECHO: LOS GLACIARES DESHIELAN, AUMENTA LA EROSIÓN DE LOS SUELOS; LOS ELEMENTOS DE LA NATURALEZA PIERDEN EL EQUILIBRIO ENTRE SÍ. ANTE ESTA GRAN PROBLEMÁTICA, CHAPELCO ES EL PRIMER Y ÚNICO CENTRO DE ESQUÍ DEL PAÍS EN SER GENERADOR DE ENERGÍAS RENOVABLES, FUNCIONANDO COMO AGENTE CONCIENTIZADOR SOBRE EL CALENTAMIENTO GLOBAL.

Divertirnos y disfrutar largas jornadas de nieve en la montaña es lo que buscamos cuando llegamos al imponente Chapelco. Pero una vez más, este cerro se ocupa de dar un mensaje a sus visitantes y concientizar que hay una gran problemática que nos urge a todos. Chapelco inició un fuerte recorrido en la sustentabilidad el año pasado, cuando POW (Protect Our Winters) la entidad internacional que trabaja para concientizar sobre las consecuencias del cambio climático en la industria de la nieve, eligió a Chapelco como único resort partner en Sudamérica, para sumarlo en sus campañas de acciones y difusión de mensajes protegiendo los inviernos del mundo, sumándolo como activo protagonista. Así es, como Chapelco está cambiando el paradigma en la producción de energía renovable desde el corazón del centro de esquí, una iniciativa completamente vanguardista ante esta problemática. Para esto, realizó dos importantes alianzas con líderes en el tema. Por un lado, junto a la empresa Sustentator, comenzó a producir energía eléctrica a partir de una instalación de paneles solares fotovoltaicos en su puesto de Pisteros y de Patrulla ubicado en Plataforma 1700 m, desde donde se programan y realizan las tareas en pistas, de patrullaje y rescate, generando la energía necesaria para alimentar la carga eléctrica de todo el equipamiento que utiliza la estación de patrulla. Sustentator viene trabajando desde el 2009 en una cruzada con el fin de modificar la matriz energética argentina, utilizando la tecnología a favor de la lucha contra el cambio climático. Ya lleva más de 200 instalaciones de energías renovables, desde pequeños usuarios hasta parques solares, evitando la emisión de 2.000 toneladas de CO2 la atmósfera.

Daniel Nofal, es el creador de Sustentator y líder de proyectos internacionales vinculados con la innovación, genética, estilos de vida, tecnología y salud. Nofal trabaja apasionadamente por mejorar la conciencia y movilizar a la sociedad hacia un modelo más sustentable y expresa: “Creo que los centros de esquí están ubicados en lugares privilegiados de la naturaleza y por esto tienen una responsabilidad enorme de ser gentiles con ella. Generar energías renovables, como lo hace Chapelco, es la tarea más concreta y directa de fusionarse con el entorno natural”.

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Agustina Ángel fotos

Cortesía prensa CERRO_CHAPELCO

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A su vez, junto a Flex Energy, una empresa de SAESA (distribuidores de energía eléctrica), Chapelco instaló paneles solares con una potencia de 5.200 watts, distribuidos en tres micro centrales (en base, boletería y plataforma 1600) que incluyen un sistema de almacenamiento y back-up. Esta solución provee energía solar a todo el sistema de datos, comunicación, información y servicios a los esquiadores aún ante fallas de la red. Chapelco incorporó con estas centrales la autogeneración de energía sustentable por más de 9.000 kWh por año, desplazando otras energías menos amigables con el medio ambiente. Como la apuesta es ir por más, Flex instalará medidores inteligentes que permitan conocer minuto a minuto el consumo de cada uno de los sectores del Cerro, para luego brindar soluciones de eficiencia energética.

Mientras Chapelco vive un invierno con gran caudal de esquiadores y abundante nieve en sus pistas, se sumaron módulos en el snowpark, los after ski con dj’s para relajar la jornada de deporte, y puntos gastronómicos donde recargar energías. Se sumaron también, más frecuencias aéreas desde Buenos Aires, Córdoba y nueva conectividad con San Pablo, Brasil. Este centro de esquí sigue trabajando por marcar la diferencia, haciendo impacto en el terreno de la sustentabilidad. Ubicándose a la vanguardia de la generación de energías renovables concretando un proyecto innovador. Chapelco entiende que la actividad y el desarrollo de su centro de esquí van siempre de la mano de estas premisas que construyen un mundo amigable con la naturaleza: "Dimos el primer paso, que es el más importante, en la dirección correcta" expresó Juan Cruz Adrogué presidente de Nieves del Chapelco S.A. La primera etapa ya es una realidad. En resumen, ser un visitante de Cerro Chapelco significa formar parte de un compromiso con la montaña, valorando y preservando lo que la naturaleza nos brinda.

JUAN CRUZ ADROGUÉ

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MARCANDO EL CAMINO Además, desde la temporada 2018 Chapelco contará con tachas lumínicas de cargas solares en la base del centro de esquí, indicando los accesos a las diferentes áreas. A través de una alianza con Conoflex Argentina, un camino de luces que también funcionan a base de paneles solares con fotocélulas de encendido automático, señalizarán la base de Chapelco. Durante los meses de invierno, por la latitud en que se encuentra San Martin de los Andes, el centro de esquí comienza a operar antes de que amanezca y los primeros esquiadores llegan a la base en noche cerrada. Las tachas lumínicas cumplen la doble función de iluminar y señalizar La Base.

Gonzalo Rigoni, Director de Conoflex Argentina expresa “Nos complacemos en participar de este proyecto con el Cerro Chapelco en la promoción de la sustentabilidad y cuidado del medioambiente, obteniendo de esta alianza la incorporación de las tachas viales con iluminación led y energía solar. Esperamos de esta forma colaborar un poco más con el cuidado de nuestro planeta”.

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::RODRÍGO DE LA SERNA

Revista G7

Música

La Casualidad más hermosa NO SE PUEDE HABLAR DE RODRIGO ACTOR, O RODRIGO MÚSICO, SI NO TE ATRAVIESA LA CALIDEZ DEL SER HUMANO QUE LOS PERSONIFICA. POCAS LÍNEAS SE PUEDEN AGREGAR SOBRE EL TALENTO CON QUE SE DESENVUELVE EN CADA UNO DE SUS ROLES, PERO SÍ SE PUEDE TRANSMITIR EL PLACER DE COMO SE CAE LA IDEALIZACIÓN POR “ESE FAMOSO QUE LA ROMPE” CUANDO CONOCES A LA PERSONA MODESTA QUE EN VERDAD ES; RODRIGO NO CONCIBE ESTE CONCEPTO “COMO DICE EL TANGO ‘LA FAMA ES PURO CUENTO’.” FUERON EL TANGO Y OTROS ESTILOS QUE CARACTERIZAN LA MÚSICA DE NUESTRA TIERRA, LOS QUE LO ENVOLVIERON DE MUY CHIQUITO, Y SI BIEN EL ACTOR FLORECIÓ DE JOVEN, LA GUITARRA FUE SIEMPRE UNA ALIADA EN SU VIDA. RODRIGO ESTÁ FINALIZANDO JUNTO A SU BANDA “EL YOTIVENCO” EL REPERTORIO “ESTILOS CRIOLLOS” Y MIENTRAS CIERRA ESTA ETAPA, CHARLÓ CON G7 PARA AFIRMAR QUE ESE ACTORAZO QUE SE GANA EL CARIÑO DEL PÚBLICO EN CADA PAPEL, ES EL TIPO DE SER HUMANO SENSIBLE Y CONSCIENTE QUE APORTA DESDE TODAS SUS FACETAS.

“Chau Cachito Chau, vas a ser el campeón” Dice Gieco en un chamamé motivador, que a Rodrigo a sus 5 años lo cautivó. No creo que el autor se hubiese imaginado de la dimensión de este mensaje, o al menos en aquel pequeño niño hizo efecto. Aquel niño al que puedo imaginar rebobinando su cassette, corroído por inquietudes y la pasión que lo llevaría años más tarde a ser, no solo uno de los actores argentinos más reconocidos, sino amado por quienes lo vemos en pantalla; aquel pibe del Bajo Belgrano nunca se subió al tren

imaginario de la fama y el estrellato, y llega al bar con una sonrisa y su amada guitarra de estuche añejo, después de un largo día de prensa. Rodrigo de la Serna lleva la fuerza en su nombre, así como en sus palabras: noble y talentoso. La actuación llegó a su vida como una casualidad, y fue la más hermosa de ellas. No mira televisión, prefiere las series, y dispara contra la Industria Hollywoodense y los estereotipos mediocres que tienen sobre los Latinos. Comenzó rasgando la guitarra con canciones de rock, se lanzó a estudiar Milonga con Gustavo Mozzi y hoy cerró una etapa con el Yotivenco, con un Teatro Ópera lleno y una gira por el interior, donde el toque final fue salir a la Avenida Corrientes “llevamos la música tradicional de la sala a la calle, como corresponde” remata con convicción. El Yotivenco nació en el 2005, y para el 2007 estaban tocando en el Torcuato Tasso “En esa sala tocaron los número uno… Y los números que veníamos por detrás. Nosotros somos aprendices y devotos, apóstoles de todos ellos.”

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Agustina Ángel

PH

Flor Cisneros make up

Laura Gigena para Perkes-Gandini Studio

Agradecimientos

Santos Vega Draught Bar - THET Studio DELASERNA_RODRIGO

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¿Cómo llegó la música a tu vida? La música estuvo en mi vida siempre, mi madre es bastante melómana, mi abuelo lo era y mi vieja heredó todos sus discos. Licenciada en Artes, ella tenía materias de música. Fui gestado en Brasil, había muchos discos de música brasileña en mi casa, pero mi barrio era muy tanguero. Bajaba a hacer las compras al almacén y estaba esta música. El Bajo Belgrano, un barrio de casas bajas, de caballos, baldíos, tenía una fisonomía muy tanguera y esa atmósfera me envolvió bastante. Tenía a mis primos que eran muy rockeros. La primera vez que me agité mucho fue con Serú Girán, a los cinco años. Después Marley, Sumo, Los Redondos y siguió. ¿Y la actuación? Con actuación empecé a los 12 años en un taller de teatro, hasta los 18, 19 años que fue lo que constituyó mi manera de actuar, ese potrero lo curtí ahí, en salitas pequeñas, clubes de barrio, actos de fin de año. Yo iba a la Escuela del Caminante y tenía que elegir opcional un taller curricular, elegí periodismo pero estaba el cupo lleno, y me mandaron a teatro. Fue la casualidad más hermosa de mi vida porque a partir de ese curso mi vida tuvo un sentido básicamente. ¿Qué música escuchás? Hoy escuché mucho Tom Zé, que es un brasileño loco alucinante. Me gusta mucho el jazz, la música brasileña, clásica, tango, el rock. Hasta ahí, hasta los ‘60 ‘80. La música más ambiental o de maquinitas moderna no me gusta para escuchar. Me siento bien si estoy en cóctel (risas) pero no es para contemplar, es para dejarse llevar, no la entiendo. ¿Qué te parecen los proyectos tipo Tango Electrónico? Hay cosas muy bien logradas, como BajoFondo que es alucinante lo que hacen. Hasta Piazzola la cosa se podía decir que evolucionó, después aparecieron cosas más de ahora, hasta ahí se respetaba el ritmo 3-3-2 que estaba en la milonga, en el tango, en la música de América, en la costa ya sea el Caribe o el Atlántico que tienen una influencia africana y hay un patrón rítmico que se repite; ahora no está. Es el “punchi punchi” que está atrás. Sí se nutren de tímbricas y poéticas que tienen que ver con el tango, y sus instrumentos, esas atmósferas son rioplatenses pero el ritmo no, le falta esa pata. Y también son estilos más comerciales... El tango también siempre fue muy comercial. De hecho cuando dejó de ser comercial dejó de sonar en las radios y se perdió continuidad o adoptó una estética un poco decadente; en los ‘70 un joven veía un tipo con peluquín, una estética un poco engolada y al otro lado un rock, y éste era más seductor.

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“Es un momento de mucho recorte en todas las áreas [...] Hay que resistir desde donde uno pueda, si sos actor o actriz y te quedaste sin laburo, tenés que ponerte a hacer teatro donde sea, esa es la manera.“

Contame qué es el Yotivenco. Ya es un colectivo cultural. Te podría decir que es un grupo de amigos que tocamos la guitarra hacer 15 años, si. Que somos un cuarteto de guitarras, también. Pero el Yotivenco ya es un colectivo, hay una orquesta que toca con nosotros en los shows grandes, como fueron en el Teatro Astral o en el Ópera el 15 de Junio. Hay una orquesta típica con arreglos de Pedro Kiszkurno, uno de los bandoneonista históricos que estuvo tocando con nosotros. El Yotivenco en sus inicios funcionaba más con candombe había percusión, milonga con batería y percu que es algo muy raro, antes hacíamos canciones más milongueras con esa pata más rítmica. Sumamos coro de murga y tambores. Es un grupo que ama profundamente la música que se desarrolló en estas tierras desde el año 1850. Esa patria cultural de la que venimos y a la que hacemos referencia y este estilos criollos es un homenaje a todo eso, a esa diversidad de géneros: milongas camperas, ciudadanas, tangos, chamarritas, rasguidos doble, zambas, gato cuyanos. Es una patria muy grande; eso es el Yotivenco, un grupo de amigos que busca conectar con lo sagrado de esas tradiciones. ¿Qué recordás de la primera presentación como músico? Fue yo solo con la guitarra en un barcito, había dos personas. Tengo un repertorio más de solista, de piezas Latinoamericanas, alguna que otra milonga. Recuerdo que estaba re nervioso. Ser músico se fue dando naturalmente. De hecho me hice amigo de los integrantes del Yotivenco a través de la música. Se fue dando naturalmente y hasta pasamos la gorra, yo ya era actor conocido y me veían ahí pasando la gorra, imagino pensarían “está sin laburo”. Pero la pasaba tan bien con ellos, aprendía tanto. Yo tenía esa cosa más académica pero me faltaba un recorrido, no tan para adentro, para mi solo, sino animarme a tocar para otros, siendo ya cuatro músicos en escena había que ser más preciso y la verdad que fue un aprendizaje maravilloso.

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¿Qué relación encontrás entre el actor y el músico? No hay una frontera muy clara entre el actor y el músico, por supuesto que el actor a la hora de subirse al escenario e interpretar un tango está. Cuando evoca esas poéticas y comunica, el actor ayuda mucho, no sólo vocalmente si atmosféricamente. Lo que pasa en el teatro es una atmósfera que se teje entre los que están arriba y los que están abajo del escenario y uno puede manipular eso también. El actor está al servicio de comunicar esas poéticas y el músico también está en el actor. En los personajes cada uno habla con melodía distintas, sus fraseos, su rítmica particular, por eso digo no está muy claro el límite entre uno y otro. A ambas vocaciones me dedico apasionadamente, con compromiso. Y cuando llegó a tu vida aquel taller de Teatro ¿Había indicios de un actor en aquel niño? Llegué al taller de casualidad y es muy loco porque fue lo que me significó ser actor después, nunca más paré de actuar. Agarré algo que me gustó y no lo solté más. En mi familia no había antecedentes de actores o actrices en mi familia. Si veía películas, las de Jerry Lewis, que era como el Jim Carrey de los ‘60 y me volvían locos, o Benny Hill, Bugs Bunny me atrapaba esa cosa cosa más histriónica de esos tres que te nombro. Y como hacía reír a mis amigos y familia, me esforzaba por hacerlos reír más. Eso fue lo que cayó de rebote en ese taller y al profesor le gustó y le dimos para adelante. ¿Con qué personajes sentís que viró tu carrera? Hubieron varios momentos importantes, haber trabajado en “Naranja y media” para mi fue muy importante, tenía 21 años, estaba haciendo escenas con Francella, Norman Brisky, Pepe Novoa; para mi fue una emoción muy grande trabajar con esos maestros. Después “Okupas” fue algo muy importante, ahí dejé de hacer personajes más humorísticos y fui protagonista por primera vez y comencé a interpretar cuestiones más dramáticas. En esa oportunidad pensé “no sólo puedo hacer comedia, además puedo ser protagonista de algo”, y también todo lo que vino con ese programa que fue artísticamente algo importante; por primera vez sentí que estaba participando en un evento artístico real, con contenido, profundo, estábamos convencidos de eso. Y cuando participas de algo así la primera vez es muy fuerte, no se olvida. “Diarios de Motocicleta” también fue muy importante, a nivel Internacional, estuvo nominada al premio BAFTA, me acuerdo en el Orange Theatre, estábamos con Gael, cuando tiraron nuestra terna fue una ovación, y yo dije “wow! le gustó a los ingleses “(risas). Ganamos el Independent Spirit Award en Los Ángeles; fue una película que se vió en todo el mundo.

“Hay personajes que llegan en un momento de tu vida que justo sirve de válvula de escape para un montón de cuestiones que te están pasando a vos.“

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¿Hay personajes en los que te sentís más cómodo? En verdad cuando me siento cómodo es cuando puedo darle rienda suelta a mi expresión, no sé con qué tiene que ver. No con una idiosincrasia particular; hacer de personas académicas me sale mejor que las no académicas, o las relacionadas a cuestiones sociales. Hay personajes que llegan en un momento de tu vida que justo sirve de válvula de escape para un montón de cuestiones que están pasando a vos, como para darle forma, son personajes que encausan una energía muy puntual. A veces es más como un éxtasis, un orgasmo o una angustia, soy muy visceral. A veces hay felicidad o energías que se convierten en otras cosas. Lombardo obviamente, que no lo mencioné antes pero ahí sí que esa válvula explotó, fue muy divertido. Me inspiré en muchas situaciones, no agarré uno solo, hay muchas influencias. Esos personajes te permiten esa amplitud de registro, podés ser muy violento y cruel, y a la vez tan leal, tan fiel, tan emocional, sensible, una criatura con muchas aristas Lombardo, de las cosas más divertidas que me pasaron en mi carrera, sin duda. Y respecto a la comodidad ¿Te asusta? Si usamos bien esa palabra, la comodidad no es algo que venga bien, no lleva a buen puerto estar cómodo, más de media hora, salí, rajá. ¿Sentis miedos como actor? Como actor no, justamente está bueno ser actor porque ahí es donde no tenes miedos, estás en los márgenes o bajo el contenido de leyes muy puntuales y claras que te marcan la actuación y ahí dentro podés hacer lo que quieras. Me da angustia a veces sentir que no estoy del todo libre, inspirado o concentrado para ejecutar lo que tengo que hacer, más que miedo, es angustia el sentirme delimitado. ¿Cómo es el proceso de armar un personaje?¿Qué es lo que podés aportar vos? Siempre uno puede aportar en general. Hay directores que son muy precisos, muy puntuales. A Zifron no le cambies una coma porque él escribió el guión y sabe perfectamente dónde están y por qué. Es como a Shakespeare que no podes cambiarle ninguna palabra, no tiene sentido. Sí podés aportar desde otro lugar; hay directores más permeables y se copan más con esto de la co-participación o co-creación y hay otros que no. Yo siempre que puedo meto lo que puedo. Porque uno considera que puede aportarle algo al personaje, a la situación y demás. Si vos ves que no estás aportando nada decís hasta acá y listo.

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¿Te importan las críticas? El actor que diga que no es mentira. Lo que sí me importa es saber tomarlas, saber leerlas, hay que tener mucha distancia y mucho filtro con eso, con las positivas más a veces, esto de que te ensalsen de más. Hay que saber escuchar. Y las negativas te pueden destruir, si te agarra en un momento de tu vida complicado. Es raro el oficio del crítico, no? Una persona que se sienta una hora y opina de algo que por ahí uno estuvo trabajando meses. Es verdad que los buenos críticos tienen una cabeza preparada, son cultos y tenés un criterio desarrollado pero, qué oficio no? Y hoy todos son críticos, en las redes sociales son francotiradores, es una cobardía el anonimato. “Vamos a charlar, vení, decimelo en la cara”. ¿Cómo fue el proceso de creación de Matías Franco? protagonista de “El Lobista”. Ahí el guión me dió toda la pauta. No tengo contactos lobistas de ese nivel, pero si puedo reconocerlos fácilmente, los podemos ver en todos lados; acá en este café, en el poder; ellos están ahí. El guión está muy bien escrito. La realidad es que fue con observación y mucho estudio del guión que me daba pistas de cómo acciona Matias. Se mete bastante a fondo con cómo operan estos tipos, y básicamente es una persona con una ambición desmedida. Fue más que nada entregarme a ese guión y ponerme esos trajes. Y con esos compañeros también; Leticia que loca hermosa! Una actriz bestial, impredecible, tenés que estar muy atento a lo que propone permanentemente.

“Hoy todos son críticos, en las redes sociales son francotiradores. Es una cobardía el anonimato.”

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¿Qué te genera la Industria Hollywoodense respecto de lo que piensan de los Latinos? Hollywood tiene negocios muy bien armados y así funcionan, y para ellos hay un concepto de Latinos. Un ejemplo claro es cuando a Drexler le dieron un Oscar y esa canción de un Latinoamericano la interpretó Antonio Banderas con Carlos Santana haciendo un solo de viola, y no es así. Para ellos Latino es todo eso, caribe y México y tienen un estereotipo de esta cultura además. Y está mal, porque la cultura Latinoamericana es muy diversa, muy profunda, tiene muchos matices, entonces te da bronca porque te estigmatizan. A mi me ofrecieron una vez laburar en Hollywood y literalmente el papel era un chico que bailaba salsa de noche y limpiaba baños de día, eso o un narcotraficante, no hay más.


¿Trabajarías para una propuesta en Hollywood? Depende el contexto. Lo que me llegó a mi era un narcotraficante mexicano que tenía tanto poder que estaba por bombardear la Casa Blanca. Y no es una joda, parece, pero no. Vos hacés eso y estás operando en las cabecitas de millones de personas. Hollywood es un aparato muy poderoso. No digo que después de esa pelicula puedan justificar una invasión a México para levantar un muro, pero sí estás colaborando con un imaginario que no corresponde. Esa vez no lo agarré, tal vez hoy te lo agarro no lo sé. Rodri respecto a la situación actual que atraviesa la Cultura.¿Cómo crees que puede un actor o una actriz resistir a los obstáculos y no ser doblegado por una realidad? Es un momento de mucho recorte, no sólo en la Cultura, sino en todas las áreas y todo lo que son pequeños y medianos emprendimientos están complicados. Hay que resistir desde donde uno pueda. Si sos actriz y quedaste sin laburo, tenés que ponerte a hacer teatro donde sea, esa es la manera de resistir. En la esquina, en la calle, alquilar una piecita, con compañeros, una salita, aunque sea clandestina por la habilitación. Pero creo que ese es el acto de resistencia que cada uno puede hacer desde su lugar. ¿Qué es lo que más te gusta de ser actor? Además de lo catártico que me contaste antes. Que es una manera de autoconocimiento. Al principio es esa cosa patológica que tenemos los actores de querer ser reconocidos, vaya a saber uno por qué. Ese placer que te da el aplauso, que te reconozcan; eso patológico que tenemos todos los actores en algún punto. Es una hermosa herramienta para autoconocerse y auscultar también los vaivenes y las cuestiones más profundas de la humanidad, los grandes textos del teatro, planteos filosóficos, metafísicos. Es una manera desde el cuerpo también, y del intelecto de entrar en esas dimensiones, preguntas que en definitiva sirven para hacérselas a uno mismo. Es una hermosa manera de crecer y desarrollarse como ser humano.

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::FORD ARGENTINA

Revista G7

Empresas

Nuevo compañero de aventuras NI LAS BAJAS TEMPERATURAS, NI LA LLUVIA, NOS DETUVIERON PARA CONOCER EL NUEVO “NIÑO MIMADO” DE FORD. EN GRAMADO, UNA PINTORESCA CIUDAD EN EL ESTADO DE RIO GRANDE DO SUL A POCO MÁS DE 100 KILÓMETROS DE PORTO ALEGRE, LA MARCA DEL ÓVALO PRESENTÓ EN SOCIEDAD LA NUEVA VERSIÓN DEL MODELO QUE, DESDE SU LANZAMIENTO EN 1996, YA LLEVA VENDIDOS MÁS DE 210 MIL UNIDADES EN ARGENTINA. Con el sol que apenas asomaba y la compañía de Aldana Plati, Supervisora de Producto de Ford Argentina, emprendimos el recorrido por la ruta RS235 hacia la ciudad de Canela. Sierras, arroyos cristalinos y bosques de pinos, fueron el marco ideal para poner a prueba todos los atributos del Nuevo Ka, en sus versiones hatch y sedán, y el Ka Freestyle, la opción “aventurera” de la familia. ¿Qué es lo más destacado de este lanzamiento desde el punto de vista del producto? Esta es la cuarta generación de Ford Ka en Argentina y el objetivo de su renovación tiene que ver con darle al cliente la posibilidad de mejorar su experiencia de manejo, de disfrutar cada viaje. Para eso, sumamos tecnología vinculada tanto con la conectividad como con la seguridad y el diseño. Las principales novedades del producto son: su nuevo motor, muy potente para este segmento y con una gran eficiencia que lo pone por delante de sus competidores. Otra novedad es la incorporación de versiones automáticas dentro de las once que tendremos disponibles. Hasta el momento el Fiesta venía con caja automática, pero no el Ka. Vemos cada vez más una tendencia por parte del consumidor a elegir las versiones automáticas ya que la performance es muy buena. En este caso, a partir de la versión SE del Ka se va a poder optar por manual o automático. En términos de conectividad, ¿qué incluye el Nuevo Ka? La nueva familia incluye, a partir del catálogo SE, una pantalla táctil de 6,5” con Sync 3, el sistema de conectividad de Ford que permite controlar tu smartphone a través de comandos de voz. Hablemos del Ka Freestyle, ¿Qué implica para la marca su lanzamiento? Es el primer compacto utilitario de Ford que se presenta en Argentina y su lanzamiento tiene que ver con un proyecto global. Lo que tiene de novedoso es su aspecto y diseño, inspirado en un SUV, con la practicidad de un vehículo de cinco puertas y la experiencia de conducción dinámica y entretenida que caracteriza a la marca. Desde el punto de vista de sus prestaciones, ¿qué ofrece? El Nuevo Ka Freestyle potencia aún más el vehículo compacto de Ford con un estilo robusto, altura elevada, un diseño exclusivo en la grilla delantera, terminaciones interiores y un gran nivel de equipamiento. Incorpora, además, suspensión elevada, rack de techo funcional, protector de umbral de la puerta y llantas de aleación con diseño exclusivo de 15 pulgadas.

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Rocío Bravo fotos

Cortesía prensa FORDARGENTINA

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¿En qué se inspiró la marca para la elección del color de lanzamiento? El Cobre Andino es un color que está vinculado a la aventura, al deporte, a lo intrépido. Tiene que ver con el espíritu aventurero que queremos trasmitir con este vehículo. Es un color que sale de lo tradicional y sólo estará disponible en la versión Freestyle. ¿Para qué tipo de usuario está pensado? Pensamos en un público con un espíritu joven, irreverente, y el tono de la comunicación irá en ese sentido. ¿Cómo planean liderar el segmento con este lanzamiento? Nuestro objetivo es brindar autos que cuenten con el equipamiento necesario en términos de potencia, seguridad, conectividad y con un diseño diferenciado, y, de esta forma, ofrecer la mejor relación precio-calidad. Lo que tiene específicamente el Ka Freestyle es un diseño más robusto, más deportivo, para los que buscan, en un modelo compacto un estilo diferencial.

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Vivir la potencia: Equipado con el motor más potente del segmento: El 1.5L Ti-VCT de 3 Cilindros que ofrece 123 CV y 151 Nm de torque (el mismo de la Nueva Ecosport) Sentirse protegido: Es el único vehículo de entrada con 6 airbags entre sus competidores. También incluye Control de Tracción (TC) y Asistencia de Arranque Partida en Pendiente (HLA), y Control Electrónico de Estabilidad (ESP). Estar conectado: Viene con SYNC 3, compatible con Apple CarPlay y Android Auto. También sistema MyKey; cámara de estacionamiento trasera y sensores de estacionamiento traseros. Más diseño: El Ka Freestyle se caracteriza por un estilo robusto, altura elevada, diseño exclusivo en la grilla delantera y terminaciones interiores, así como también un gran nivel de equipamiento. Más eficiencia: Incorpora el Control de Velocidad Crucero, lo que lo transforma en un vehículo más eficiente respecto al consumo de combustible. Más espacio: Se destaca su espacio entre los asientos traseros y delanteros y la altura del techo. Más colores: El Nuevo Ka estará disponible en 6 colores: Rojo Sport, Blanco Ártico, Gris Magnetic, Stone Grey, Negro Perlado y Plata Dublin. El Ka Frestyle agrega el Cobre Andino, pero no vendrá en Rojo. Disfrutar el viaje: El vehículo incorpora transmisión automática de 6 velocidades (6F15), que brinda control electrónico de cambios y convertidor de par integrado, sistema de cambio electrónico por aprendizaje adaptativo, menos ruido y más suavidad; y la nueva transmisión manual MX65, que ofrece una economía de consumo eficiente. Estarán disponibles en el último trimestre del año.

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::POL LYKAN

Revista G7

Gastronomía

Morir con las botas puestas LA PASIÓN POR LA GASTRONOMÍA LLEGÓ A SU VIDA COMO UN JUEGO, EN UN INTENTO DE DOMAR A UN NIÑO REBELDE QUE CON EL PASO DE LOS AÑOS SE CONVERTIRÍA EN UNO DE LOS CHEFS CON MÁS PRESENCIA DEL BARRIO DE PALERMO. AMANTE DE LA COCINA, DE UNA FAMILIA DONDE ABSORBIÓ LA CULTURA DEL BUEN COMER. ESO LO TRASLADÓ A FREUD & FAHLER, QUE CON LA CARACTERÍSTICA Y SIMPLEZA DE POL, HOY ES UNO DE LOS ÚNICOS RESTAURANTES QUE NO ESPECULA ESTRATEGIAS, MÁS QUE MIMAR A SUS CLIENTES, LOS MISMOS QUE IBAN DE NIÑOS CON SUS PADRES, Y HOY VAN CON AMIGOS. POL LYKAN, SU ESTILO ES SU MARCA.

Pol me recibe en la esquina de Cabrera y Godoy Cruz, en el restaurant, podríamos decir su segunda casa. El sol proyecta una luz tenue en el salón, perfecta para charlar sobre el éxito de su negocio y cómo era aquel “Palermo Bravo” de los ‘90. Perfil Bajo. Hablar del barrio con Pol es reconstruir una identidad; Freud & Fahler fue de los primeros restaurantes de aquella zona de casonas, casas tomadas y talleres mecánicos. Autodidacta, cree que la gastronomía argentina ha evolucionado y es oportuno trabajar para posicionarla como marca país. Fiel a su convicción, la receta secreta de Pol es no negociar con lo que hacen los demás, sino seguir mejorando su fórmula, la misma texto

Agustina Angel

que mantiene el éxito desde hace más de veinte años.

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Agustina Angel agradecimientos

Natalia Scocimarro FREUDANDFAHLER

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¿Cómo llegó la cocina a tu vida? Llegué por cuestiones familiares. Tiene que ver mucho con mi origen, mis abuelos. Mis padres laburaban mucho, yo los fines de semana me quedaba con mi abuela y éramos dos demonios que no sabíamos cómo controlarnos y de alguna forma inventábamos juegos cocinando y esos fueron los primeros pasos en una cocina. Además toda la parte familiar, tanto de padre como de madre, eran de una cultura alrededor de la mesa muy pesada, mucho valor e importancia y de alguna forma me lo transmitieron. Mis padres no son gastronómicos. ¿Y la gastronomía? ¿Estudiaste? Por cuestiones de obligación familiar hice una carrera que nunca me gustó, la terminé por no dejar un pendiente, Administración de Empresas. No me interesa, no la aplique en mi vida, no me divierte y no la paso bien haciéndolo. En ese entonces yo cocinaba para mis amigos, o en las vacaciones, siempre hice algo alrededor de eso. Mientras estudiaba me empecé a meter en gastronomía, en cocinas de amigos, para hacer tipo taller y ahí empecé. ¿Cuándo abriste el restaurant? En el año ‘96/’97 aproximadamente, fue el primer Freud, que no era mío, pero trabajé para los primeros dueños, yo era muy joven. Después de un tiempo me lo transfirieron porque los dueños estaban bastante cansados; primero no quería saber nada, pero me insistieron y lo agarré. La marca la dejé porque me gustaba que tuviera un nombre y apellido bastante pesado, y seguimos hasta el día de hoy.

¿Cómo era aquel Palermo? El barrio cambió un montón, era muy diferente a lo que es hoy. No había locales, la mayoría de la gente que tenía estudios eran gente joven, que estaban empezando, o marcas muy emergentes de ese tiempo. No había más que casas de familias, gente tomando mate en la puerta de la casa. Muchas casas tomadas, travestis; en esa época era un barrio bastante picante, no era simple. Muchos talleres mecánicos. Lo loco del barrio, que a mi me parecía fantástico, es que estabas en el medio de la Capital, perdido en un lugar que parecía quedado en el tiempo. Y antiguamente se llamaba “Palermo Bravo”, porque era un barrio de tangueros, chuchilleros y malevos. ¿Qué crees que lo llevó a esta mutación?

¿Cuál es la fórmula de Freud?

Primero creo que tiene que ver con una cuestión de ubicación, estás muy cerca de Belgrano, también de Barrio Norte y Recoleta, estás en el medio. El acceso era muy fácil, era un barrio completamente virgen, los alquileres y propiedades eran muy baratas, estaban muy desvalorizadas por lo que era el barrio en sí. Todo el que tenía ganas de emprender algo nuevo en esa época era muy accesible. Creo por eso, Freud fue de los primeros. Era otro perfil, después vinieron las marcas que van por otro lado.

Creo que tiene que ver con haber respetado el laburo, trabajar duro, respetar el producto, cuidar a quien venía, la mayoría de los que vienen se han sentido parte del lugar. Todavía pasa, a veces al mediodía ves que se saludan de mesa en mesa, y creo que no es algo natural, algo que suela pasar. Tiene una parte mágica que se dá. La gente que viene se conoce, son habitué, vecinos, hay gente que labura acá en el barrio. Creo que eso tiene que ver; hemos tenido suerte de alguna forma. ¿Y para crear platos nuevos tenes algún disparador? Más que nada lo que armo tiene que ver con lo que yo comería. Como una consecuencia de vida de uno, va pasando el tiempo, te vas definiendo más como persona en los deseos y en lo que querés. Tiene que ver con eso. Hay algunos platos históricos que no se pueden mover. Que me han dicho “Si lo sacas de la carta te mato.” Como por ejemplo la Papa Roastie y las Milanesas con Spaghuetti que es un plato de mi infancia.

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¿Qué destaca a Freud & Fahler de la competencia? Siempre tuve la política en no mirar mucho afuera y alrededor de lo que pasa. Siempre fui muy de mirar de puertas adentro y poner la cabeza en el producto y laburarlo, cuidarlo y mimar a quien viene. Más o menos saber qué es lo que come cada uno, los gustos. Competencia hoy por hoy hay un montón, porque de empezar en un lugar donde son cuatro y terminan habiendo más de mil... Competencia hay! En un promedio de 50 sillas por lugar son cincuenta mil plazas diarias; en un barrio eso no se ocupa. Por eso es importante ver donde uno tiene que apostar. Yo hago lo posible por seguir con la misma línea de laburo siempre, creo que es lo más sano. Cuando empezás a cambiar y a tirar tiros es cuando la pifias. Si me dedico a mirar lo de afuera y descuido lo de adentro, estoy en el horno. Por lo menos si moris, moris con las botas puestas. Es respetarse. Sino me puse tacos, me prostituí y salí a tratar de ver qué pasaba. No va: la esencia de uno termina siendo la ajena y eso no está bueno.

"Cuando empezás a cambiar y a tirar tiros es cuando la pifias. Si me dedico a mirar lo de afuera y descuido lo de adentro, estoy en el horno. Por lo menos si moris, moris con las botas puestas. Es respetarse".

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"A mi los excesos me parece que tienden a reventar el mercado por una cuestión de que no hay regulación de eso".

¿Qué opinas de la gastronomía de moda?

¿Cómo ves la gastronomía Argentina?

Creo que es una conducta muy argenta de “Un videoclub! Ponemos todos videoclub”. Más de lo mismo, son modelos que se van a agotar enseguida porque estamos acostumbrados a ir todos detrás de una zanahoria que no tiene sentido. Está buenísimo, hay miles de cervecerías: hay algunas que son muy buenas y algunas que no. Que le quepa a quien le quepa, cada uno busca el zapato que le gusta. A mi los excesos me parece que tienden a reventar el mercado por una cuestión de que no hay regulación de eso. Acá mismo en 150 metros a la redonda hay 7 cervecerías, es mucho, no tiene sentido. Si veo un local que me gusta y quiero poner una cervecería, lo primero que hago es ver cuantas hay alrededor. A no ser que tengas una que sea increíble y la gente vaya a buscar ese producto.

Veo que en este último tiempo fue cambiando un montón, y va evolucionando, hay mucha gente trabajando en este sector. Me parece que lo más importante es que el público que consume gastronomía es más exigente que el público de unos cuantos años atrás. Estaría bueno sacarle esa imagen elitista que se le pone a la gastronomía porque en realidad todos comemos, tiene que ser algo más natural. Es parte de una cultura de un país y punto. Saquemosle la mística, no somos magos, no somos estrellas de rock, somos cocineros, cocinamos para la gente y parte de la evolución tiene que ver con que pasa esto: cuatro lugares, mil lugares. Es eso, hay muchos chicos nuevos trabajando, gente con ganas de hacer cosas nuevas.

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Y la cuestión del exceso de cervecerías, por ejemplo, ¿No salpica esta cuestión? Creo que va por otro lado. Lo que es cervecerías creo que tiene que ver más con una cuestión económica. Eso te marca el nivel de gasto que puede tener una persona que va a consumir algo. Si ves un promedio de lo que gasta alguien en cervecería o hamburguesería te das cuenta el promedio que puede gastar comiendo.


¿Crees que podemos posicionarnos como marca país? Creo que si. Es mucho trabajo, pero me parece que debería hacerse y trabajar para conseguirlo, va a sumar un montón. Cómo lo hizo Perú o como está construyendo Chile. El modelo de Perú es admirable, hubo mucha intención en conseguirlo y lo hicieron. Y hoy por hoy el modelo está estallado. Si mirás cómo empezó la primer Mistura (Feria Gastronómica Internacional en Lima) a lo que es ahora es un delirio. La primera era modesta, pequeña, mucho laburo a pulmón y hoy por hoy es una feria impresionante. Vienen productores de todos lados a exponer.

¿Cómo son los argentinos a la hora de comer? Tengo dos posturas, un demonio bueno y uno malo. Hablemos del bueno. Como te dije antes, el público es más exigente, sabe más, ha viajado más, ha vivido otras cosas, tiene acceso a mucha más información de la que se tenía antes: en los ‘90 veían la rúcula como un bicho raro. Un bocconcini de muzzarella era exótico y hoy está en el supermercado. Todo eso ha logrado que la gente haya evolucionado y crecido. Eso te marca a vos siendo parte de esto, te obliga a levantar la vara y está bueno. Yo siempre trato de ir subiendo mi vara en forma personal, pero está bueno que el que se sienta en tu mesa lo exija.

¿Cómo se trabaja para eso? De alguna forma para poder lograrlo hay que tener un plan muy concreto y construir a lo largo del tiempo. No se hace en dos meses; es una construcción. Todo lo que tiene que ver con una construcción cultural lleva mucho tiempo, no son modelos simples de implementar ni fáciles de llevar, tiene que haber continuidad, intención, ganas de que perdure ese proyecto durante el tiempo. A mi me parece genial, porque productos tenemos, un montón. ¿Qué gastronomía te atrapa? Me gustan mucho las que tienen un valor cultural muy fuerte, muy pesado. Eso lo veo mucho en la asiática, en la India, Europa también lo tiene… Todo aquello tiene como una vida, eso que se mantiene y que lleva años transcurridos a mi me llama la atención.

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::DON

Revista G7

Publicidad

El DON de cada marca ¿QUÉ DEFINE A UN ARTESANO ADEMÁS DE LA TÉCNICA DE TRABAJO? EL ESPÍRITU SUPERADOR, EL TRABAJO MINUCIOSO, Y EL AMOR POR LO QUE HACEN. ESE ES EL ADN DE DON, LA AGENCIA FUNDADA POR PAPÓN RICCIARELLI EN 2008, MOMENTO QUE COINCIDE CON EL SURGIMIENTO DE FACEBOOK EN ARGENTINA Y EL COMIENZO DE UNA NUEVA ERA DE FORMATOS, QUE ÉL MISMO DESCRIBE COMO EL MOTOR DE LO QUE UN DÍA FUE UN DESAFÍO Y QUE EN LA ACTUALIDAD MANTIENE UN VÍNCULO DE AÑOS CON MARCAS COMO FIBERTEL, CABLEVISIÓN, PERSONAL, EASY, ICBC Y DISNEY, Y HABIENDO SUMADO HEINKEN Y SUS MARCAS, PROSEGUR, UNICENTER, Y CONTINUANDO LA COMUNICACIÓN CON EL GOBIERNO DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES, ENTRE OTRAS. texto

Romina Zollio fotos

William Kano

“Don es un espacio de formación constante, donde todos los días aprendemos y descubrimos cosas nuevas. Siempre trabajando a la par con los equipos que lideran marcas, sin importar de qué formatos, modelos o tecnologías estemos hablando. El esfuerzo y el compromiso de todos los que trabajamos en Don hacen que la agencia siga creciendo y consiguiendo año a año mejores resultados. Además de la aprobación y satisfacción de nuestros clientes, una muestra de esto es que hemos sido premiados en los Jerry Goldenberg como “Mejor Agencia de Publicidad Independiente por 5 años consecutivos”, nos cuenta Papón Ricciarelli.

Retoque

Agustina Spiaggi para Study Store make up

Rocío para Perkes -Gandini Studio agradecimientos

Adver Pr. DON_AGENCIA

¿Cómo nace Don? Desde ese nacimiento hasta hoy ¿Cuáles fueron las cosas que no cambiaron y cuáles fueron los grandes cambios de la agencia? Papón: Don nació 10 años atrás, en un momento muy especial. Cuando descubrí que había transitando ya un camino de desarrollo y capacitación personal que me dieron un lugar y una filosofía propia dentro del mundo de las ideas creativas. Ahí me di cuenta que quería vivir nuevos desafíos y compartirlos con un equipo de trabajo propio y junto a las marcas. Fue el año que nació Facebook en Argentina, cuando cambiaron todas las lógicas de relacionamiento. Sentí que era una oportunidad para ser parte de este nuevo paradigma. En ese contexto, me sentí muy motivado. Me inspiraba poder resolver cada proyecto de la mejor manera posible, realmente eso era mi guía. La agencia desde el comienzo tuvo como propósito trabajar en equipo,

para hacer brillar el don, justamente, de cada una de nuestras marcas. En principio la meta fue formar un equipo confiable que fuera capaz de lograr cada objetivo propuesto y flexibles, para poder adaptarnos a los cambios con mayor facilidad. Fueron tres acciones principales las que en sintonía entre sí, nos ayudaron a ser consistentes y coherentes en cada etapa del trabajo: pensar, sentir y hacer. Y esa es la esencia de DON, que se mantiene intacta desde el inicio y seguirá siéndolo por mucho tiempo más.

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"todos los días aprendemos un método nuevo de trabajo junto con el cliente. La agencia es un espacio de formación constante donde las ganas de aprender surgen sobre todo de arriba hacia abajo. " Papón.

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¿Qué se busca dentro de la agencia para sumar equipo? ¿cuáles son las semejanzas de cada integrante? ¿cómo se forma a la gente dentro DON? Papón: Somos una agencia muy particular, es un lugar de encuentro donde hay gente que sabe mucho, pero que a la vez no pierde la capacidad de aprender. Entre todos, todos los días, aprendemos un método nuevo de trabajo junto con el cliente. Es un espacio de formación constante donde las ganas de aprender surgen sobre todo de arriba hacia abajo. Ahí nace la mística, porque cada uno es muy importante para el todo: eso se siente y lo hacemos sentir. Don te empodera, cuando salís estás preparado para todo. Y lo que más feliz me hace es que todo el equipo es buena gente, y eso es parte de nuestra cultura, de nuestro ADN. ¿Cuál es el aporte de la nueva generación y cuál es su déficit? ¿Y cómo se adaptan a ellos? Papón: Hay algo que tienen las nuevas generaciones que me encanta. Me parecen ideales para darle vida a la intuición. Tienen una conexión con la realidad más liviana y eso está buenísimo. Quieren ser felices sin joder al otro. Me parece que hay que aprovechar esa lógica porque nos puede transformar en una sociedad más justa y sana. Las generaciones anteriores, en cambio, intentamos mostrarles que el valor de la responsabilidad y la constancia no compromete su objetivo de felicidad. Desde el lado de la creatividad y el talento, ¿Cómo está hoy parada la agencia? ¿Cuáles son los nuevos modelos que piden las marcas? ¿Qué desafíos les trae? ¿Hacia dónde vamos? Gonzalo Ricca: Don es una agencia conformada por talentos que saben desenvolverse en este contexto. Trabajamos en equipo, creativos y directores de diferentes áreas, retro-alimentándonos, compartiendo experiencias. Desde un storyteller tradicional pasando por un especialista en social talking hasta un esteta con un bocho digital; todos absorbiendo algo del que está al lado. Don construye marcas que dialogan en todos los medios y formatos, y creemos que hoy la dinámica de trabajo debe ser de esta manera, porque los medios se han expandido y los espacios de conversación con los consumidores son múltiples. Gabriel Huici: El trabajo que hacemos se ve y por eso la agencia atrae al talento creativo y es algo que siempre me da mucha alegría. En los últimos años hemos consolidado el trabajo en equipo y ampliado las áreas de la agencia. Nuestro norte siempre será tener respuestas ágiles, frescas y novedosas trabajando codo a codo con el cliente. No importa qué formatos, qué modelos o qué nueva tecnología aparezca, siempre van a ser herramientas para traducir lo que creemos que la marca necesita y que sea la mejor manera de llegar a los consumidores. ¿Cómo manejan la inmediatez de los mensajes y las campañas? ¿Qué pasa con el comercial tradicional de TV? ¿Cuáles son los nuevos medios que se consumen? Gonzalo Ricca: No todos los mensajes son inmediatos, hay mensajes que salen después de meses de planeamiento estratégico, de estudios de social listening, de horas y horas de reflexión. Es verdad que la conversación en redes hoy es mucho más dinámica que cuando sólo se trataba de un spot de tv, radio, o materiales impresos.

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Hoy se establece un diálogo con el consumidor. Pero todo responde a una estrategia de comunicación y al diseño de mensajes claros, es algo así como un mantra marcario. Gabriel Huici: Nosotros contamos con herramientas de social listening y manejamos varias cuentas donde el always on es fundamental para la marca. Necesitamos esa conexión constante con el entorno. Al ser una agencia holística, generamos estrategias de comunicación que convivan en todos los medios y formatos sin abandonar los medios clásicos como TV o gráfica, que hoy comparten el protagonismo junto con los medios digitales. ¿Qué necesita la industria para volver a la época de oro de los ‘90? Gonzalo Ricca: Tanto en los 90’s como hoy, siempre se trata de lo mismo: de tener una buena idea y llevarla adelante. No tenemos que volver a los 90’s. Creo que hoy hay muchas más herramientas para hacer un trabajo apasionante y los desafíos son mucho más divertidos. Puede ser que la industria todavía se esté acomodando a nuevas tecnologías y nuevos lenguajes, que vez que se asimilen esos cambios van a aparecer nuevos paradigmas de comunicación tan sorprendentes y maravillosos como los que estábamos acostumbrados en otras épocas. Creo que esta adaptación es de la industria en general. Desde el cliente hasta el productor de la agencia y es algo que está pasando: lo nuevo ya no es tan nuevo. Gabriel Huici: Yo no siento que los ‘90 hayan sido la época dorada, para mi cada momento de la publicidad Argentina se ha destacado. ¿Cómo ven la creatividad mundial? Gabriel Huici: Creo que hoy en día se ha democratizado mucho más el nivel de las ideas. Es común descubrir grandes ideas de los mercados emergentes como también de los más grandes, de los que ya estamos acostumbrados. Me parece que el compromiso social y la innovación, tienen un lugar importante en la agenda de la creatividad global. Gonzalo Ricca: Para mí la creatividad mundial está bien. Lo que no parece estar tan bien es la industria publicitaria mundial. Las grandes redes pasan por tremendas crisis y transformaciones tratando de conservar sus negocios, en un escenario donde los grandes clientes se achican y contraen sus presupuestos. En este contexto, la aparición de agencias independientes más eficientes parecen ser del agrado de los marketers y de los CFOs porque son más competitivas. Esa transformación está pidiendo cambios y eso es algo que se da en los medios y en los nuevos formatos también. Yo veo que hay mucho talento argentino, lo que parece estar faltando son presupuestos en épocas de recesión publicitaria.

¿A sus clientes les importan los premios? ¿Una agencia se puede medir por los premios ganados? Gonzalo Ricca: La realidad es que nuestros clientes tienen una satisfacción muy grande cada vez que ganan un premio, pero nosotros no trabajamos para que eso pase. Trabajamos en conjunto para hacer marcas más fuertes y saludables. El premio es el reconocimiento no la meta. Gabriel Huici: Si bien nuestros clientes no están detrás de los premios, el reconocimiento siempre ayuda y motiva al trabajo en equipo. Nosotros trabajamos para que el brillo de los premios y el negocio de los clientes puedan convivir. ¿Qué lugar ocupa lo digital en la agencia? ¿Qué herramientas digitales incorporan? ¿Cómo las utilizan? ¿Cuál es el valor de la información? Regina Campanini: Lo digital ocupa un lugar central en la agencia. Desde lo estratégico hasta lo ejecucional. La realidad es que es el medio que nos permite generar mayor horizontalidad con los consumidores y a la vez, ir midiendo diariamente la efectividad de las campañas. Trabajamos con Sysomos, nuestra herramienta de social listening, que es fundamental porque nos permite escuchar de qué habla la gente, cuáles son los intereses, e incluso los pain points de la categoría o marca que estemos trabajando. Igual es importante destacar que la herramienta no actúa por sí misma, sin personas que analicen, que piensen hipótesis y desafíen realmente los resultados que arroja, no hay una mirada estratégica. Por eso nuestro departamento estratégico tiene una orientación muy análitica con respecto a los datos que la herramienta nos ofrece. La información es clave, pero las que hacen la parte fundamental son las personas que la leen y la transforman en observaciones, estrategias y después ejecuciones. El formato digital es un medio muy rico, es una puerta que nos conecta directamente con las personas que consumen nuestras marcas. Nuestro trabajo es estar atentos para aprovechar todas las oportunidades que nos brinda el medio. También estamos muy atrás del famoso "algoritmo" que se trata de entender cómo funciona, qué es lo que mejor performa y cómo se va modificando. Eso hace que seamos mucho más efectivos en nuestro trabajo. Hoy por hoy no pasa sólo por tener un buen contenido; es necesario ser estratégicos en cómo lo ejecutamos, dónde, cuándo. Por eso nuestro mindset está puesto en trabajar estrategias omnichannel. 49 •


"Las nuevas generaciones quieren ser felices sin joder al otro. Me parece que hay que aprovechar esa lรณgica porque nos puede transformar en una sociedad mรกs justa y sana." Papรณn

50 โ€ข


¿Qué resultados obtuvieron? Regina Campanini: Tanto para Regalá Vida, la campaña de Unicenter, como en la de Fibertel Verano, la escucha de redes y el análisis posterior fue fundamental. Entender el contexto tanto de Navidad como lo que estaba pasando en diciembre con la amenaza de bomba nuclear de Corea del Sur, sirvieron como puntapié para pensar campañas que tocan fibras actuales. El timing es todo porque ser relevantes es cada vez más difícil. Y eso es lo que la escucha nos habilita: a estar en el momento adecuado con el mensaje correcto. También utilizamos la escucha en muchas otras situaciones del día, para ver cómo responde la gente a las campañas o a temas que estemos abordando desde las marcas. Prever crisis, aprovechar oportunidades. En el día a día tenemos muy buenos resultados.

¿Cuáles son los desafíos que les trae mantener a un cliente por mucho tiempo? Sabemos que hoy la rotación de clientes en agencias es muy grande, y ustedes trabajan con clientes desde hace muchos años ¿Cómo se genera ese vínculo? Santiago Sarni: El desafío de mantener los clientes es trabajar codo a codo con ellos y estar incómodos en la comodidad. ¿Qué significa esto? Que nos gusta construir una relación sólida con una estrategia de marca a largo plazo, pero entendiendo la actualidad como un proceso en continuo cambio. Siempre nos estamos reinventando para tratar de que el último año sea el mejor tanto en cumplir objetivos como en la consolidación de la relación con nuestros clientes. Hoy sin dudas sentimos que cualquier cliente de la agencia está contento con el trabajo realizado y obviamente eso nos llena de orgullo.

¿Cómo se sostiene el claim “Artesanos de Marcas”? ¿Qué buscan hoy los clientes de la agencia? ¿Cuál es el diferencial que le brindan?

¿Qué pasa hoy con el negocio de la publicidad? ¿Cuál es el condimento que le falta?

Santiago Sarni: Nos gusta pensar que somos Artesanos de Marca porque trabajamos diariamente junto a nuestros clientes, nos involucramos en su negocio, lo sentimos propio y buscamos la mejor manera de comunicarlo. No hay fórmulas mágicas; es trabajo y dedicación. Es lo que buscan los clientes cuando eligen a Don: una agencia cercana, que entiende sus necesidades, el negocio y por sobre todo que se involucre. Este equipo de trabajo cliente-agencia es el que hace que las cosas sucedan y que nuestros clientes nos sigan eligiendo. El gran diferencial de Don es la consistencia y el trabajo a largo plazo. Tenemos clientes que son fundadores de muchos años. La buena creatividad surge del trabajo en equipo, del servicio, del profesionalismo, del trabajo diario y constante. Creo es la suma de estas cosas las que hacen la diferencia.

Santiago Sarni: El negocio cambia constantemente y el desafío es estar al ritmo de ese cambio constante. Las herramientas tecnológicas nos permiten modificar la dinámica del pensamiento creativo y que hoy todo se puede escuchar. Pero hay que estar atento para poder encontrar el tema de conversación acorde a cada marca, poder apropiarlo y así amplificarlo. Esta nueva forma de pensar aún tiene mil oportunidades y día a día hay que encontrarlas. Con respecto a qué condimento falta, siento que siempre surgen nuevos y que lo importante es estar abierto a descubrirlos y probarlos. Algunos tienen magia y otros pasan sin ser relevantes.

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::ELOY MORA

Revista G7

Fotografía

Fotografiar desde el alma ELOY SE DEFINE COMO UN ARTISTA QUE UTILIZA LA FOTOGRAFÍA PARA EXPRESARSE, PERO PARA NOSOTROS ES UN FOTÓGRAFO AUTODIDACTA CON UNA SENSIBILIDAD ESPECIAL POR LA LUZ. COSTARRICENSE, LA PROFESIÓN LLEGÓ A SU VIDA LUEGO DE HABERSE DEDICADO VEINTE AÑOS A LA ACTUACIÓN, QUE NO ES AJENA A LO QUE CAPTA “LA FOTOGRAFÍA DEBE SER UN TRANSMISOR DE EMOCIONES”. DE MODO ORGÁNICO, ELOY COMENZÓ A CAPTAR LO QUE OBSERVABA DE LA CIUDAD, Y ESPONTÁNEAMENTE SE ABRIERON PUERTAS AL REDEDOR DEL MUNDO A TRAVÉS DE SUS WORKSHOPS. EN SEPTIEMBRE LLEGA A ARGENTINA PARA DAR SUS TALLERES EN BUENOS AIRES, BARILOCHE, SAN JUAN Y RÍO CUARTO PARA TRANSMITIR ESTA PASIÓN Y LLEVARSE, COMO DESCRIBE ÉL, UN PEDACITO DE CADA LUGAR.

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Agustina Angel

La publicidad es su principal fuente laboral, trabajando en equipo, con su esposa como productora de estas grandes puestas y un asistente, contando historias en imágenes compuestas de acción, luz y emociones. La técnica no es su estilo, pero si ser intuitivo para expresar con fidelidad lo que siente.

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Eloy Mora AGRADECIMIENTO Fabián Sans LAFOTODEELOY

¿Cómo llegaste a la fotografía? Fue una metamorfosis, ya no me considero tan actor, a lo cual me dediqué mis últimos 22 años. La fotografía me atrapó el alma, el corazón. Tuve un teatro en el que hace 5 años comencé hacer fotos al edificio, que tenía una arquitectura muy bonita, con una cámara que me habían prestado. Recuerdo que me trataban de explicar cómo funcionaba la cámara pero no entendía, y apenas logré entenderla salí corriendo a comprarme una. Ahí fue cuando se volvió una extensión de mi cuerpo. Estaba conmigo todo el tiempo hasta que sin darme cuenta armaba fotos que contenían toda mi experiencia teatral. Comencé con amigos actores, los ponía frente a la cámara y simplemente contábamos historias.

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La fotografía debe ser un transmisor de emociones. Si una fotografía no te emociona, no es nada más que un documento.

¿Cómo seguiste desarrollando esta faceta? Desde el inicio que mis fotos tenían un estilo teatral; la escenografía, la luz. Hago televisión desde muy chico, entonces sin haber sido fotógrafo siempre fui curioso por la luz y sus formas. Fue muy natural el poder colocar las luces en los espacios, un proceso orgánico, como todos mis procesos hasta el día de hoy. Incluso cuando comencé a salir de mi país con los talleres, nunca me lo había propuesto, no tenía nada preparado para un workshop. Lo interesante de todo esto es que la fotografía fue tomando cada vez más espacio en mi corazón y mi vida. Y ese proceso fue inverso con el teatro: me fui enamorando de la fotografía y desenamorando del teatro como fenómeno, porque en sí, teatro sigue habiendo en mis fotografías. Los procesos siguen siendo muy similares pero ahora trabajo para fotos de un día, no para un espectáculo. Leí una frase que citaste que dice “Quienes fotografían lo que aman hacen la diferencia” ¿Qué significa para vos? Es justamente eso. Hacer la diferencia cuando sale del corazón. Creo que los artistas no nos podemos distraer con lo que están haciendo otros artistas. Podemos admirarlos, pero si dedicamos energía en ver si nos están copiando, o que están haciendo para hacer lo mismo, pierdo energía y foco. Hay que ver hacia el corazón y hacia el trabajo propio, y eso es lo que más se ve.

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¿A qué vertiente de la fotografía te dedicas? Mi trabajo tiene dos vertientes. Por un lado hago fotografía publicitaria. Por el origen de nuestras fotos es el único estilo en el que nos podemos acomodar, por la infraestructura que requiere la publicidad. En mi caso, por mi locura fotográfica y vertiginosa fui adquiriendo mucho equipo por eso nos pasamos a un estudio grande. Me fui comprando muchos chumches (lo que los argentinos llaman “chiches”) y de manera orgánica derivó en que de pronto soy el fotógrafo que tiene uno de los estudios más grandes y con más herramientas. El valor de la fotografía de publicidad no depende del click, sino de un montón de factores de producción: hacia dónde va esa imagen y que tengan un valor particular, sobretodo. Es decir, vivo de la publicidad, pero la vertiente que nos llena el alma, son las fotos que llamo "fotografía de puesta inicial", que parten de mi background teatral, donde trabajo con mi esposa que es la productora. Mi propuesta tiene una complejidad con la luz, porque se necesita no de modelos sino de actores, tiene valores de producción que la hace un poco distinta.


¿Cómo es el mercado costarricense?

¿Cómo son los tratamientos de tus fotografías?

Como en todos los paises de Latinoamerica, o del mundo, la fotografía se democratizó, llegó a todos. Ha sufrido una metamorfosis. Kodak hizo que hubiera una primera democratización hacia la cámara compacta. Y finalmente con la era digital todo el mundo tiene acceso a una en su teléfono; estas son las posibilidades para que un mercado se sature. Con lo cual creo que es un mercado que está saturado en el mundo. Para algunos fotógrafos esto ha ido significando una caminata. Yo tengo una percepción particular y es que creo que la fotografía alcanza para todos y que hay clientes para todo tipo de fotografía. Por eso creo que hay un mercado para todos, siempre y cuando encontremos una manera particular de hacer fotos distintas, y tal vez suene cliché pero hay que encontrar una manera de hacer fotos desde adentro, desde el corazón. Si agarramos una cámara y hacemos click que es lo que todo el mundo hace, esa fotografía no tiene el toque particular. Se vuelve extraordinaria cuando podemos contar un poco de lo que somos, cuando podemos ver a través de la fotografía al fotógrafo.

Respecto a eso me pasa algo curioso en los workshop, que es lo que más me gusta de este fenómeno, y es ver las caras cuando se dan cuenta de que no uso Photoshop. Mucha gente supone que mis fotos están llenas de post-producción. Lo que más me llena el corazón es verles la caras a quienes vienen al taller cuando participan de armar scout, construyendo el ambiente lumínico y luego ven la foto terminada sin haberla retocado. No por el ego de decir “esto es luz y no photoshop”, sino porque adoro la luz y lo que más me gusta de todo esto es que ellos entiendan que el poder de la fotografía está en la luz y no en un programa de edición. No quiero decir que no use Photoshop, pero lo tomo como una herramienta más de la fotografía. Conozco a artistas digitales maravillosos pero dentro de mi fotografía la edición es solo una herramienta, el último de los pasos. Me parece mucho más importante lo que está pasando delante del lente, la luz y los actores, que los valores que tenga la cámara o entenderla. Incluso no me considero fotógrafo, soy un artista que usa la fotografía como un medio de expresión. Hay muchísima nomenclatura fotográfica que no conozco ni tampoco sé de técnica profunda. Yo la luz la siento, hago la foto y veo como va quedando. Nada técnico, sino visceral, radican en mi panza y mi cerebro. ¿Cómo fue tu formación en la fotografía? Consumí muchísima información autodidacta, muchas horas viendo tutoriales, lo poco que sé de Photoshop lo se por tutorial. No es que no me haya formado, si me formé en la intimidad de mi computadora y yo. También hice workshops con fotógrafos que me gustan, pero he realizado un proceso más autodidacta. El alimento que ha hecho que sea más personal mi fotografía es el error. He practicado mucho, me he equivocado muchas veces, creo que la mayor fuente de conocimiento que puede tener un artista es el error. He tropezado mucho y de cada una de los errores he sacado un partido. Finalmente esto se ha convertido en una especie de estilo; iluminar, dirigir a los actores. Hasta cómo dirigir a los actores ha sido a punta de errores y de ir entendiendo de a poco

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¿Qué te atrae de una fotografía? La emoción para mi es lo más importante. La fotografía debe ser un transmisor de emociones. Es mi percepción, pero creo que si una fotografía no te emociona no es nada más que un documento. Yo tengo una serie en la que hablamos de la agresión a los niños que la pensé para que generara una pulsión. Creo que por mi origen actoral lo que me mueve de la fotografía es que cambie el estado de ánimo. ¿Qué buscas comunicar? Esto mismo, mis fotografías son ficciones y siempre son emociones. A veces las imágenes proponen un momento, un chiste, o hasta son demandantes, pero el arte es muy subjetivo. Yo no quiero imponer lo que pienso de una fotografía. Simplemente hago una propuesta y el espectador es el dueño de la verdad, es quien construye el concepto, el que la entiende. Por eso muy pocas veces les pongo nombre. Algunas de mis imágenes tienen nombres pero es porque ella misma me lo grita.

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"Se vuelve extraordinaria cuando podemos contar un poco de lo que somos, cuando podemos ver a través de la fotografía al fotógrafo".

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LUCIANO RUIZ LULO CALIÓ


::PRODUCTORAS

Revista G7

Publicidad

Yo quiero hacer y no me dejan HACE DIEZ AÑOS ATRÁS, LAS LOCACIONES DE BUENOS AIRES ERAN LAS MÁS DESEADAS POR TODOS, LAS MARCAS INTERNACIONALES SE INSTALABAN EN EL CENTRO PORTEÑO PARA REALIZAR SUS COMERCIALES, LAS PRODUCTORAS ARGENTINAS ERAN LAS MÁS CODICIADAS. LA ÉPOCA DORADA SE DESMORONÓ EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. LOS DÉFICITS ECONÓMICOS, LOS CONFLICTOS SINDICALES Y SUS BUROCRACIAS, HAN DADO VUELTA ESTA SITUACIÓN, SIENDO LAS PRODUCTORAS Y AGENCIAS ARGENTINAS LAS QUE DECIDEN FILMAR EN EL EXTERIOR POR LOS OBSTÁCULOS Y ALTOS COSTOS QUE SE TRASLADAN A LOS PRESUPUESTOS, Y ASÍ, A LA POSIBILIDAD DE PERDER UN CLIENTE.

Es bueno escuchar la voz de un DGC como Lulo Calió, con tantos años de experiencia en el mercado publicitario, actual DGC de FCB&Fire, y también ver qué les pasa a los directores jóvenes, que vienen con otra cabeza, con otro empuje, como Luciano Ruiz, actual Director de Casta Diva BA. Ellos nos cuentan cómo se dificulta la producción y ejecución de las ideas y proyectos, que son boicoteados por un sistema burocrático que omite los cambios estructurales del mercado.

¿Qué está pasando en el mercado del cine publicitario? ¿Cuáles son las limitaciones? Lulo: Mi sensación es "yo quiero hacer y no me dejan". No importa quién, ni cómo, ni dónde, pero sucede que hay una idea, que no sale porque hay un montón de obstáculos innecesarios. Siento que la industria de producción hoy en día, está desactualizada a lo que requieren las marcas. Para mi hay que crear un nuevo modelo donde nadie pierda, porque ahora estamos perdiendo todos. Las cosas hoy suceden más que nada por el empuje que tienen las personas que trabajan en una agencia, le buscas la vuelta y lo haces, pero a costo de irte a filmar fuera del país. A veces es tan fuerte la traba que termina no sucediendo el proyecto. Tremendo

Luciano: Mi carrera empezó en un mundo mucho más informal, en donde se omitían pasos burocráticos y en donde yo sólo me dedicaba a hacer. Tiempo después, ya inmerso por completo en la publicidad, me fui topando con proyectos 100% formales que, lógicamente, tenían otras necesidades en términos productivos y muy distintas a las que ya conocía hasta el momento. Me encontré también con que no todos los presupuestos inmensos, o por lo menos mi percepción de inmensos, tienen una traducción directa costo-calidad en pantalla. Viví lo que era filmar sin el “agregar porque sí” que señala Lulo, y sé que hay otras formas de hacer las cosas sin que eso atente contra la calidad de las piezas. Yo creía que a gran presupuesto, despliegues grandilocuentes, pero no siempre es así.

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Romina Zollio fotos

Agustina Angel AGRADECIMIENTO FCB&Fire y Casta Diva BA FCBANDFIRE CASTADIVABA

Lulo: Además de eso, cuando más grande es el presupuesto más se consume en la burocracia.

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¿Qué pasa con la calidad del producto cuando optas por achicar presupuesto? Lulo: Para mi hay un error en pensar que achicar es bajar la calidad. La idea se produce con $10 o $50, esa es la diferencia. Se produce bien de la misma manera, el tema es que hoy como está armada la estructura productiva, sobre todo la publicitaria, el mínimo que podes pagar por esa idea es $50, entonces el cliente desiste hacer la idea. Es el huevo y la gallina, el mecanismo está enviciado. Y en el medio están, la productora, la agencia y el cliente perdiendo. Al fin y al cabo, lo que pierde es el mercado. ¿Cómo cambiarías esto? Lulo: Yo creo que tiene que haber una gran discusión, un gran debate sobre cómo tenemos que producir en Argentina, hay que hacerlo diferente. Es una cuestión de cultura. En el exterior el sistema está hecho para que las cosas sucedan y acá para que no. La burocracia del país impide que las cosas sucedan Lulo: Hoy más que nunca. Sobre todo, porque antes hacíamos un contenido y era lo único que salía de una campaña. Hoy necesito cien contenidos. Y no es el cliente el que está equivocado porque quiere cien contenidos, la audiencia lo quiere. Entonces ¿Cómo logro darle cien elementos a una audiencia que lo pide, con una industria productiva que me traba todo el tiempo? Es una discusión entre productoras, agencias e instituciones. Luciano: Lo peor es cuando los números se van licuando, filtrando y perdiéndose en todas las vueltas burocráticas. Porque eso incide directamente en la propuesta que uno trabaja, terminas sacando cosas para solventar otras que nadie va a ver. Y ahí es cuando te preguntas, ¿Cómo? Si con presupuestos más chicos, en otra arista de lo que es la producción, hasta tirábamos fuegos artificiales. Yo no puedo evitar vivirlo de ese modo, y no sólo por edad, experimenté una realidad de producción y publicidad en la que lo que teníamos iba al contenido.

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Es cierto que es un micro-mundo utópico que es casi como el de un estudiante de cine, quiero que el corto tenga esto y de un modo u otro lo vamos a hacer. ¿Pero acaso eso está mal? Lulo: No digo que vayamos al borde, dos pibes con una cámara, pero yo puedo hacer lo mismo que vos con la décima parte de la plata y se puede. Eso quiere decir que eso no vale lo que valía antes. Lucho viene de una nueva generación, antes me acuerdo que al director nuevo le alimentábamos nosotros el reel cuando no tenía. Hoy, ya vienen filmados, lo hicieron solos y está buenísimo. Hoy no tenes dos generaciones, tenes dos estilos de directores. Que se construyen diferente porque es un cambio generacional total. Luciano: Más allá de los estilos tiene que ver con la empatía y el entendimiento, pedir "generemos algo que se sienta como que lo hizo un usuario cualquiera" y a eso meterle toda una estructura formal por detrás, no tiene sentido, es contradictorio. Ahí la búsqueda pierde verosimilitud. Hay una demanda de contenidos que necesitan estar emparentados no sólo con lo que la gente consume sino con lo que la gente genera. Lulo: Uno entiende el otro lado, que es que si nosotros liberamos ese proceso hay muchas productoras, agencias y clientes que llevarían la producción hasta lo más precario del mundo y casi explotación. Pero tiene que haber un control, porque este que está ahora no sirve. Está matando a nuestra industria. Tiene que haber un control que si vos querés producir de esta manera, tenes que hacerlo de tal con tales reglas para cuidar el trabajo de la gente. No puede ser que una ley que se hizo en 1820 hoy siga funcionando como si nada.


Estas cosas no pasaban hace años atrás. Antes la producción era una de las actividades que más privilegios tenía ¿Desde cuando sienten que todo esto empezó a entorpecer el laburo de ustedes? Lulo: Para mi es una cuestión de no cambió, el cambio vino desde la gente. La gente empezó a generar contenido propio, que a su vez lo consume, entonces tiene un lenguaje diferente que se produce de una manera diferente. No lo llevemos al extremo, pero hay algo en el consumo del contenido que cambió.

Luciano: La idea no es cambiar un dogma por otro, la idea es entender el abanico de posibilidades que existen y atender las distintas variables y tratamientos particulares para cada caso. Qué requiere esta producción, qué necesita y qué no. No es ir en contra de los grandes comerciales o grandes estructuras, nada que ver, eso va a seguir existiendo y está buenísimo. Pero cuando toca filmar otra cosa en la que no hace falta "tanto", uno necesita tener mayor soltura y facilidades. Sólo así los recursos pueden acompañarte para que esa historia a narrar siga siendo lo principal aunque productivamente se lo encare desde otro lado.

Lulo: Ninguna cosa reemplaza a la otra, surgió algo nuevo que no puede tener la misma estructura que tenía lo viejo para producirse. Antes la aspiración era salir en el cine. Hoy esto no es importante. Belu Lucius tiene 3 millones de seguidores en Instagram, haciendo videos desde su celular sin técnico, ni luz, ni nada y funciona también. Significa que no solamente funcionan las grandes producciones bien filmadas por Spike Jones. Tenemos que tener la burocracia A y la B, y de alguna manera poder estructurar eso para que las marcas se animen

una búsqueda estética, un acabado pulcro cinematográfico, en donde podés tener hasta despliegues de post sin necesidad de caer en las grandes estructuras demandantes de las que hablamos. Pero para que eso florezca también hace falta que haya un pequeño cambio cultural. Está bueno que uno como director pueda hacer entender a agencia y cliente los alcances de cada tipo de estructura. Mostrar buenos resultados con esquemas similares que no sean esos a los que están acostumbrados.

a hacer más, porque al fin y al cabo es lo que nos va a dar volumen de laburo para todos y mejor, con más ánimo. Hoy no te da ganas de hacer en Argentina, porque tenés al productor que, cuidándote para que no haya ningún problema, te dice: "Por esto nos pueden parar la filmación. Si hacés esto, te van a poner una multa. Acá, si no ponés tal cosa, vas a pagar doble" ¡Quiero filmar con un iPhone!.

Darles garantías pero también hacerles entender que el trabajo entre nosotros, productora, agencia y cliente, tiene que ser un poco distinto. Es un laburo de confianza, de relaciones interpersonales.

Luciano: Igual más allá de la burocracia A y B, también están los puntos intermedios. No es producción cinematográfica vs youtuber. Hay espacios en los cuales vos podés tener

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"La industria de producción hoy en día está desactualizada a lo que requieren las marcas. Para mi hay que crear un nuevo modelo donde nadie pierda, porque ahora estamos perdiendo todos." LULO

"La idea no es cambiar un dogma por otro, la idea es entender el abanico de posibilidades que existen y atender las distintas variables y tratamientos particulares para cada caso. Qué requiere esta producción, qué necesita y qué no" Luciano

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¿Cómo se conocieron ustedes? Lulo: Yo había visto el corto que hizo Luciano sobre su novia, con una mirada muy cinematográfica y fresca, filmado por él, sin nadie más. Me pareció brillante ese enfoque diferente y le dije a mi productor que lo buscara y ahí lo encontramos en Casta Diva. Fue así que hicimos varios proyectos para marcas de la agencia. Volvemos a lo mismo, Lucho no necesitó una gran estructura para producir lo que filmó y quedó genial. Tiene que haber un punto medio.

¿Cómo fueron esas experiencias? Luciano: Los comerciales de Zonaprop son comerciales de acting puro. Seis personajes muy elaborados y con un trasfondo evidente. Lulo tenía muy claro en su cabeza cuál era el perfil de cada uno, y a base de diálogo fue que nos pudimos entender todos. Pero ese diálogo atravesó todas las etapas y en set se dio algo bellísimo a mi entender. Con Lulo, con agencia mejor dicho, armamos un todo en el cual juntos atacábamos en la primera línea. El diálogo a veces era triangular entre el actor, Lulo, Jony (Perel) y yo. Y es eso, eso también es economizar, tirando todos para el mismo lado. Y haciendo partícipes a los demás es que uno va ganando también terreno de juego, de improvisación. Hay que sacarle la mala prensa a la palabra "improvisado", las garantías se dan a priori, en set también hay que jugar. Lulo: El triángulo al que se refiere Lucho, éramos personas tratando de que algo suceda. Todos queríamos que pase algo en ese acting, en ese video que estábamos filmando y lo único que nos preocupaba era eso, después si estábamos amuchados en un rinconcito de un garage no importaba, porque lo que queríamos era que lo que suceda del otro lado de la cámara realmente sea bueno. Creo que esa cultura es la que hay que alimentar un poco más en esta época, porque hay un montón de generaciones como la nuestra que quiere que pasen cosas y un sistema que no nos

está permitiendo que eso suceda. A mí eso es lo que más me angustia, es una de las espinas que está matando a la publicidad. Cuando vas a un cliente que quiere hacer un GIF y le sale un millón de pesos, siempre te dice no se puede, me voy con un pibito que me lo hace por cien mil. Y después "la culpa es de la agencia" porque es el que pasa presupuesto. Yo siempre lo que hablo con los clientes es que si hay alguien que quiere hacer que esto pase, soy yo, porque la idea la pensamos, la escribimos y nos quedamos hasta las 4 de la mañana laburando. Todo lo demás que está alrededor es burocracia, es industria, trabas, va por otro lado. Luciano: Todos empujando para el mismo lado, sin comprar el cuento de que por un lado está la agencia, que el cliente no entiende, todos tenemos que tener un diálogo de igual a igual. Lindo es que yo pueda plantear problemáticas, soluciones, que proponga, escuche, si no es todo un delirio megalómano de "yo sé que esto es lo mejor y tiene que quedar así". No, te estás perdiendo un montón de cosas. Lulo: No existe más eso, hoy el ego está puesto en otro lugar, y yo celebro muchísimo eso. El rockstar murió, bien muerto está, hoy somos todos obreros de la comunicación.

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GREY ARGENTINA

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::GREY ARGENTINA

Revista G7

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Mosqueteros de la creatividad SE RÍEN, SE HACEN CHISTES, JUEGAN CON SU IRONÍA, DESCHAVAN AL DE AL LADO; UNA CHARLA CON QUIENES ENCABEZAN GREY ARGENTINA ES UN ASADO DE DOMINGO. LAS ANÉCDOTAS NO FALTAN, SABEMOS QUE HAY UN CHAT ENTRE ELLOS LLAMADO “CHARLAS DE AYER” QUE FUNCIONA COMO UNA BITÁCORA DONDE MÁXIMO, QUIEN ACABA DE DEJAR SU PUESTO DE CEO EN ARGENTINA PARA SERLO EN ESPAÑA, CUENTA QUE ES COLECCIONISTA DE MOMENTOS Y LOS COMPARTE EN ESTE GRUPO, ALGO QUE SUENA UN POCO NOSTÁLGICO, SABIENDO QUE COMO BUEN EQUIPO DE TRABAJO VIVIRÁ UNA MUTACIÓN, UNA METAMORFOSIS FELIZ PORQUE REPRESENTA UN GRAN CRECIMIENTO PROFESIONAL Y EL LAZO DE AMISTAD SABEN QUE SEGUIRÁ INTACTO.

Este trío, o el Triunvirato como llaman ellos, conformado por Máximo Lorenzo, actual CEO de Grey España; Pablo Sánchez Rubio CEO de Grey Argentina y Diego Medvedocky, Presidente de la agencia; viene trabajando muy fuerte desde hace tres años en una incansable in crescendo de revenues y nuevos clientes que los buscan porque esta historia de mosqueteros tiene bajo la manga una fórmula que ha sido exitosa desde que comenzó. Es la misma que Máximo planea llevar a España y que Diego y Pablo quieren sostener en Argentina. El Triunvirato, entre risas y bromas recuerdan su trayectoria, corta pero con gran impacto y cuentan por qué Grey es una red de oportunidades.

¿Cómo se conocieron? ¿Hace cuánto? ¿Dónde estaban?

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Romina Zollio fotos

Daniel Roa

Diego: Yo conocí a Pablo, quien está hace 16 años en la compañía, cuando entré a Grey hace cinco años. Cuando básicamente me negoció el sueldo y yo perdí. (risas) Pablo: Me acuerdo que lo primero que le dije fue “¿Queres entrar a Grey para ir a Cannes o para cambiar las cosas?” (risas) Diego: La primera vez que vi a Pablo me había llamado para venir a Grey, yo quise ir con otro creativo que tenía de dupla en ese momento, pero no se pudo. Y luego, al año y medio me volvió a llamar, y ahí dije que sí. Y en muy poco tiempo nos hicimos amigos.

GREY_ARGENTINA

Pasaron a ser más que compañeros de laburo… Pablo: Sí, charlábamos de la vida, hacíamos asados los fines de semana. Es mi amigo nuevo de la vida, además de mis amigos de toda la infancia, el es mi nuevo amigo. Diego: ¿Máximo no lo es? Pablo: Después lo charlamos, por lo pronto se va a Europa, nos abandonó, los amigos no te abandonan.(risas)

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¿Cómo llegó Máximo a Grey? Pablo: Alan, que ahora es el jefe de Máximo y antes fue el nuestro, nos pidió que buscáramos un CEO. Con Diego estuvimos cuatros, cinco meses entrevistando a un montón de gente de la industria, fue re desgastante. Diego: De hecho, nos juntamos con muchos de los que hoy manejan las grandes agencias de la industria y de pronto apareció Máximo, y fue como una bocanada de aire fresco. Pablo: El brief era muy claro: necesitábamos un tipo que traiga nuevos negocios. Teníamos un buen producto creativo y la agencia estaba ordenada, pero necesitábamos ganar new business. Y en Máximo encontramos un tipo de negocios que no venía de la industria publicitaria, venía de ser cliente desde hacía 20 años. Máximo: Yo arranqué en publicidad y después me fui a hacer una experiencia en los clientes pensando que era por poco tiempo y me quedé 20 años. Trabajé en Mc Donalds, Gillette, Danone... Pablo: Sentimos que fue una bocanada de aire fresco justamente porque él no venía de la industria publicitaria. Era un tipo que entendía el negocio, tenía muchos contactos y

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¿Qué cosas en común tienen? sabíamos que cuando hablase con los clientes, iba a hablar desde otro lugar. A un Gerente de Marketing le iba a hablar de igual a igual. Fue por eso que lo contratamos y después nos hicimos amigos. Ahí formamos el Triunvirato: Máximo CEO, yo COO y Diego DGC y nos fue muy bien. Todo lo que habíamos sembrado con Diego a nivel reputación se empezó a cosechar con Máximo porque tenía los clientes y en tres años duplicamos la agencia a nivel revenue, margen, clientes, gente, todo y en cinco años triplicamos la agencia y como consecuencia de todo eso Diego se va a la Región. Diego: me nombraron CCO de Latinoamérica basado en Buenos Aires y viajando. Máximo: Tenemos un chat que por alguna razón se llama “charla de ayer” y les mando a los chicos registros que tengo de reuniones, viajes, momentos en pitches y muchas fotos que fui guardando desde que entré hasta hoy. Me pasó que cuando las veía pensaba “la cantidad de cosas que hicimos los tres juntos!”. Nos hicimos amigos y es difícil eso.

Máximo: Nada. Pablo: venimos de tres mundos muy distintos. Diego: Máximo es un “tipo bien”; Pablo es un loco de los números y yo… un tipo normal. (risas) Pablo: Lo que tenemos los tres es que somos del conurbano. Uno de zona norte, yo del Oeste y Diego es del sur. El título puede ser “el conurbano que maneja Grey”. Máximo: Lo mismo aplica en los deportes, en política, en el fútbol. Pero creo que lo que tenemos en común es que los tres sabemos entendernos, para mí fueron tres años espectaculares, siempre se los voy a agradecer. Ellos hicieron una apuesta fuerte, ya que yo me había ido de la publicidad mucho tiempo atrás, trabajaba para un proveedor de McDonald’s. Entonces pensé “qué huevos que tienen ellos!” porque me convocaron lde la nada.


¿Cómo fue tu vuelta a agencia? Máximo: Espectacular, lo re disfruté porque tenía ganas de volver en un rol de este tipo, como CEO o General Manager, sino, no volvía a la publicidad. Me acuerdo que una vez tuve una entrevista con un Headhunter para una posición de CEO en un network. En esa charla me dijeron que estaba fuera del mercado y me pregunté “Por qué” Y en Grey tuvieron una clara visión de lo que querían, eso me hizo muy bien a mí y a la agencia; la de buscar un estilo de managment diferente, una figurita nueva que viniera con otro background. Por eso siempre se los voy a agradecer. Ustedes aportaron mucho a la agencia y también la agencia colaboró un montón en el crecimiento de cada una de sus carreras, habiendo enfrentado un montón de desafíos en este tiempo… Pablo: Yo estoy hace 16 años en Grey. Desde 2009 que estoy basado en Buenos Aires. En 2012 la red no estaba en su mejor momento y sin embargo apostó a traer un talento como Diego. Diego: De hecho, todo el mundo me decía que era una demencia, pero yo sentía que no tenía nada para perder. Pablo: Y al final del día, el resultado es que en cinco años, desde que Diego entró, ganamos 22 clientes y triplicamos revenues. ¿Cómo se hace para ganar clientes?

"Los clientes nos eligen por las ideas y la capacidad de que esas ideas se conviertan en una creatividad que transforman los negocios de ellos.". Máximo Lorenzo

Pablo: Primero, hay que tener una persona de New Business como Máximo, eso es fundamental. Segundo, hay que tener un buen producto creativo, buenas ideas. Teniendo contactos, buen producto creativo y talento; en la agencia tenemos talentos del carajo como Hernán, Liso y Ale, que son los Directores Generales Creativos, son realmente increíbles. También tenemos una de los mejores planners de Argentina, Sol Martin. Jorge Villar,es otra pieza clave del equipo. Y la realidad, algo que me enorgullece, es que los clientes que laburan con nosotros quieren seguir haciéndolo. Siempre nos ponemos la vara muy alta, tenemos mucho pensamiento estratégico y mucha idea creativa. Máximo: Los clientes nos acompañan a largo plazo. Yo siempre muestro un chart que a medida que pasa el tiempo trabajando juntos nos asignan más cosas. Nos pasa con Molinos, que es un cliente que entró en el 2015 y hoy manejamos cinco marcas de ellos. Pablo: Nos pasa con casi todos los clientes

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a pesar de que es raro y no se ve mucho. Generalmente es al revés, ganás un cliente y a los 6 meses, el cliente se queja porque los que estaban en la mesa cuando empezarona trabajar juntos ya no están más. La realidad es que nosotros cuidamos mucho a nuestros clientes y al producto creativo. Algo que aprendí de Máximo es a cuidar la relación con los clientes. Con Diego armamos un gran equipo junto al cliente y estamos seguros que lo vamos a mantener y potenciar. Ahora quedó la vara muy alta, hay que mantenerlo y seguir... Diego: Hace dos semanas que estamos con esto y ya están pasando cosas muy buenas. Pablo: La realidad es que la única manera de subsistir a esta economía loca es ganando clientes. ¿Qué está pasando con la inversión de las marcas? Máximo vos en Europa ¿Cómo lo ves? Máximo: Allá los problemas son los mismos. Me parece que es un momento en la publicidad donde realmente para crecer es muy importante la habilidad de la agencia para atraer nuevos negocios y esto es un desafío que les quedará a los chicos. Es lo que se está viendo en general. Nosotros tenemos suerte y si vemos los últimos tres años, nos han asignado nuevas marcas, pero los presupuestos están tendiendo a retraerse. Si hablas con otros CEOs pasa lo mismo. Las exigencias aumentan y la única manera de crecer es trayendo clientes nuevos. En ese sentido para mí lo bueno que le queda a Grey es el círculo virtuoso. Es una fórmula que inventamos acá y se trata primero de saber qué posicionamiento de agencia tenés, cuán atractivo es tu trabajo, como decía Diego, que sea buen laburo a nivel creativo y cuando esto pasa atrae buena gente, porque esa gente sabe a dónde esta yendo a trabajar. La buena gente atrae buen trabajo y ese trabajo te da una reputación que llama la atención del mercado. Entonces todo vuelve a empezar y siempre tenés que reafirmar tu posicionamiento en el mercado. Que te conozcan por lo que sos y por lo que hacés y eso requiere evolucionar. No me gusta la palabra reinventarse, es una palabra que se puso de moda, y para mí lo que hay que hacer siempre es ver tu posición en el mercado: lo que estás ofreciendo en función de los clientes que tenés y las marcas que entraron. Está bueno porque en el momento en que te quedás dormido, fuiste.

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"La realidad es que la única manera de subsistir a esta economía loca, es ganando clientes". Pablo Sánchez Rubio

Michael Houston que es el Presidente Global tiene una frase que a mí me encanta “When you finished changing you're finished”. Me encanta esa frase porque siempre algo tiene que pasar. Venimos de tres años en los que trabajamos sobre cuatro variables que son importantes para nosotros: new business, revenue, premios y resultado final. En estos últimos cuatro años siempre vimos nuevos clientes. Revenue increíblemente venimos duplicando y creciendo doble dígito siempre. Premios, Diego con el equipo ha tenido muy buenos resultados. ¿El cliente mira los premios? Diego: Los premios son el resultado del trabajo y es lo que el cliente mira porque el trabajo es lo que le trae resultado a su negocio. Yo creo que así funciona Grey; no piensa en festivales, piensa en solucionar los problemas de negocios de sus clientes y eso como consecuencia, deriva en un montón de casos que por suerte nos traen además

reconocimiento en los festivales. Para mí es obvio que tiene que ver con el trabajo y los clientes nos eligen por el trabajo que hacemos. Máximo: Es ese círculo virtuoso del que yo hablo. Te pone en un lugar, y en ese lugar estás o no, sos atractivo o no. Yo tenía un producto para vender que era muy bueno, si no lo hubiese tenido, por más contactos o estrategias que les ofrezciera no iban a venir. Vienen porque tenes un producto y contás una historia. Pablo: Muchas veces, a pesar de la calidad del trabajo no se tiene la suerte de ganar un premio. Cuando hacemos un trabajo pensamos en que tenga mucha calidad, después si gana un premio o no es una consecuencia. Diego: Lo que más nos importa es que ese trabajo nos venga por WhastApp de una tía lejana, esa es la prueba de que lo que hicimos está bien. Pablo: O que nos suene el teléfono diciendo “vi su trabajo, vi lo que hicieron quiero laburar con ustedes”. Pero es como todo en la vida, hay que ir a buscarlo. Después de muchos años de reputación puede ser que vengan solos, pero si


no hay que buscarlos.. Teníamos un problema y le buscábamos cinco soluciones. Eso es lo que hacemos con los clientes, entender el problema que tienen y llevarles una solución. Y a vos Máximo, ¿qué desafío te toca enfrentar en España? Pablo: Quiere ser rey de España. Máximo: Voy con mucha ilusión. Es el desafío más importante de mi carrera. Ya trabajé afuera, en EEUU y en San Pablo, pero nunca antes con una responsabilidad como ésta. Es una oficina con gran facturación, es un reto muy importante para mí, 180 personas, nunca manejé tanta gente. Estoy contento, pude armar equipo con Rafa Santamarina. Básicamente voy con la idea de replicar la fórmula de acá. Los clientes nos eligen por las ideas y la capacidad de que esas ideas se conviertan en una creatividad que transforman los negocios de ellos, no nos eligen por otra cosa. Obviamente voy con mucho respeto, los argentinos tenemos la reputación de creídos, por eso voy con mucha humildad y ganas de trabajar, ver qué podemos hacer con Rafa y eso está bueno, ir con un co-equiper es súper importante.

Sí, pero en este nuevo puesto vas a tener que estar mirando otros temas también... Diego: Si, pero hay un equipo de gente, Hernán, Liso y Ale que van a pasar a ser Directores Generales Creativos de la agencia, algo más que merecido y son de los mejores creativos con los que laburé en mi vida, y además son con los que construimos Grey desde el principio hace cinco años, confío en ellos. De todos modos, me voy a seguir metiendo porque es lo que disfruto hacer y entiendo que eso es el eje de nuestro negocio. Es algo que siempre habamos con Pablo, en una fábrica de sillas lo que importa son las sillas, o sea que con esa claridad de filosofía y de laburo. Pablo: En mi caso fue pasando por todas las etapas. Cuando entró Max hicimos el Triunvirato a mí me nombraron COO, que es ser agente de operaciones, estar metido en el día a día de la agencia, Máximo me dijo “Si vas a tomar esta posición, mudate al lado mío”. Y eso me nutrió en el manejo de clientes

y de relaciones. Tuve la suerte en mi vida de nutrirme y acompañar a gente que me enseñó un montón. Fue muy orgánico mi crecimiento. Cuando Eduardo me llamó y me dijo si me interesaba ser CEO de la agencia yo le dije que no sabía, pero al decirme que era con Diego supe que no podría hacerlo con otra persona y la verdad estoy feliz. Y también por Máximo que ahora tiene el desafío más grande de su carrera. Creo que nos vino bien a los tres, cambiar, moverse, me parece que está bueno. Máximo: En Grey pasa algo que no ves mucho. Pablo hace 16 años que está en la agencia, CFO, CFO Regional y ahora es CEO. No es fácil ese camino y que la compañía te dé ese lugar, esa posibilidad. Diego, que entró hace cinco años, entró como DGC y hoy en la región es referente para la cúpula creativa de la red. Ahora la compañía le está dando la posibilidad de ser Presidente de la compañia y a mí me dan la posibilidad de ir a Europa donde nunca trabajé. Para mi Grey es una red de oportunidades.

¿Con Grey Argentina pueden seguir trabajando en conjunto o se pierden algunos proyectos? Diego: Grey es una red colaborativa. Hoy, desde Argentina trabajamos para acá, pero también para la región, Nueva York y para España. Máximo: Tenemos un sueño, sobre todo Rafa y yo, de poder nutrirnos de ideas de acá y entre los tres hablamos de ver cómo podemos hacer de pasar de Latinoamérica a Iberoamérica. Diego: Eso es otra primicia. Máximo: Quiero llegar primero y ver con qué me encuentro, esta idea es algo a largo plazo. Me siento muy contento, con ganas de empezar. Están entrando en una nueva etapa... Diego: Si, a mí al principio me sorprendió bastante el ofrecimiento desde la red de agarrar la presidencia de una compañía, es algo que nunca hice; yo sé escribir. Es nuevo para mí, pero cuando me dijeron que Pablo iba a ser mi dupla me pareció alucinante. Está bueno el mensaje de la compañía de poner a la creatividad en el centro y arriba de la organización, de alguna forma transmite la filosofía de lo que hacemos. Es imposible que me corra de la creatividad porque es lo que disfruto hacer de esta profesión y es lo que mueve al negocio.

"Grey no piensa en festivales, piensa en solucionar los problemas de los negocios de sus clientes". Diego Medvedocky

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::AGUSTIN SULLIVAN

Revista G7

Espectáculos

Las cosas no llegan, se consiguen AGUSTÍN REPITE TODO EL TIEMPO QUE EL OBJETIVO ES UNO SOLO: VIVIR DE LO QUE LO APASIONA. RELAJADO, UN SER HUMANO SENSIBLE Y GENEROSO, PERO QUE NO SE QUEDA ATRÁS. NADA LO DETIENE, COMO DESCRIBE ÉL “CAPRICORNIANO PERSEVERANTE”. AGUSTÍN NO ES EL ACTOR QUE HIZO DE SANDRO JOVEN, ES EL CHICO CARISMÁTICO QUE MOSTRÓ QUE AL TALENTO HAY QUE ACOMPAÑARLO DE CONVICCIÓN Y ACCIÓN PARA QUE TE LLEVE HACIA DONDE QUERÉS LLEGAR. DIVERTIRSE, JUGAR A SER OTRA PERSONA. ¿QUIÉN ES AGUSTÍN SULLIVAN?

Pareciera que no se acaban las anécdotas divertidas. Entre respuesta y respuesta, recuerdos llegan a la mente de Agustín y nos reímos de su actitud deshinibida para lograr lo que se propone “Una vez hice un casting para ‘El hombre de tu vida’ donde no quedé, pero ahí pegué buena onda con Gabriela Fantl, y le pedí que si por favor cuando tomara casting, la podía ayudar. Yo quería ver qué tenía el actor que quedaba. Y fui todos los días que se tomaba casting para observar esto”. Algo pícaro y con convicciones muy firmes, se encuentra grabando su primer película, lo cual describe como “un flash”. No tiene cable, prefiere ver ficción, estudió astrología y es el típico nerd que stalkea a quienes admira para descubrir cómo crecer en su propia formación. Galán, sí, pero ante todo, un pibe sencillo que ama vivir de transformarse en otra persona.

texto

Agustina Ángel

PH

Flor Cisneros make up

Paola Gandini para Perkes-Gandini Studio

Agradecimientos

NH Hotel AGUSTIN_SULLIVAN

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¿Quién era Agustín Sullivan antes de ser Sandro?

¿En qué cambió tu vida?

El mismo.

Lo que yo aprendí, es que uno es para los demás. Y que las cosas no llegan, se consiguen. Se consiguen cuando uno no solo como profesional, sino como ser humano, como alma, está listo para recibir eso y hacer algo con eso. Toda mi vida quise ser actor, desde que tengo conciencia que quise actuar en cine y TV, me apasiona eso. Entonces hice millones de casting, y al principio no quedaba o llegaba solo hasta la etapa final. Hacía papeles pequeños, pero nunca quedaba como parte de elenco estable. Entonces me frustraba me ponía mal, triste, pensé irme afuera del país. Nunca quise resignarme a no poder trabajar en lo que me apasiona, pero si a irme del país a seguir intentándolo. Ahora recién entiendo que no estaba preparado pero como persona, actoralmente siempre estudié, y podes ser bueno o malo. Pero como persona, seguramente yo no tenía que vivir eso, tenía que vivir otras cosas. Después meditando, y en un camino personal, rezando, entendí que yo tenía que crecer en distintos puntos como persona, para poder después hacer algo con lo que yo quiero. Creo que ahí hay un cambio en mi, entender eso. Andá a saber que tengo que aprender de lo que estoy viviendo ahora, todo es un paso para otra cosa.

¿Cómo es Agustin Sullivan? Soy perseverante. Cuando quiero algo no paro hasta tenerlo. Capricornio (luna y ascendente en libra. Los símbolos son energías que juntas nos ayudan a cumplir el objetivo que tiene cada uno en la vida. Soy hiper perseverante, inquieto, muy soñador, pero trato de concretar mi sueños. Eso me caracteriza. Una vez escribí una serie, y me propuse “esto lo voy a hacer.” Llamé a amigas para que actúen, otro que dirija, otro luces, locación y lo hice. Hasta lo subimos a You Tube (se llama "Nunca Solos"). O me quiero ir de viaje, veo como ahorrar y termino yéndome. Me gusta mucho viajar. De hecho, después de grabar Sandro, como tengo ciudadania viajé a Londres con el objetivo de buscar representante, y fui tocando puertas, mostrando en los medios donde había salido: Soy un actor de Argentina. Soy también muy amiguero y familiero.

"Soy muy perseverante. Cuando quiero algo no paro hasta tenerlo."

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¿Cómo fue ese momento que te dijeron vas a ser quería escuchar la palabra "quedaste". Y después Sandro? Y ¿Cómo comenzó a desarrollarse este no escuché más nada de lo que me dijo hasta que desafío? me tranquilicé, pero salté por toda mi casa, no lo podía creer. Llamé a mi vieja, fue un flash. Me llamó por teléfono Veronica Souto que es la En enero del 2017 fue el último casting y Directora de casting a los dos días que hice mi empezaron a armar todo.Fue especial, porque último casting, me hacía el relajado "Hola Vero estuve cuando se fue armando el elenco entero y como estas?" pero caminaba por las paredes me iba enterando quienes eran los otros actores. casi. Me hablaba del proyecto, pero no me decía En febrero empezamos a ensayar, con clases. “quedaste”, y yo no escuchaba nada. Hasta que Aprendí a tocar la guitarra, armónica, piano. Fui a me dijo "-vos vas a ser el actor que interprete a la fonoaudióloga para armar la voz. Sandro joven" "-ah quedé?" fue mi respuesta. Yo

¿Y cómo viviste este salto repentino en tu carrera? ¿Te imaginabas un éxito tan masivo? Jamás.Cuando quedé elegido, lo hablaba con mi maestra de teatro Nora Moseinco, el objetivo era disfrutar estar ahí, haciendo, grabando. El momento del hacer. Poder conectarme con Caetano, que me dirija, que es un artista increíble. Me ocupaba de conectar con él, con mis compañeros delante y detrás de cámara. Fue un gran trabajo en equipo con toda gente grosa. A mi me divierte actuar, con lo cual viví un sueño por seis meses. No me importaba tener días libres, grabando era feliz todos los días. Le agradecía a Dios y los disfruté hasta el último. Después cuando salió la serie al aire, obviamente todos queríamos que le fuera bien, pero mi objetivo personal estaba cumplido. Y que sea un éxito es una locura; es impresionante. En las redes sociales la gente te demuestra mucho amor, fuiste muy bien recibido por el público. ¿Cómo lo tomás? Yo estoy re agradecido, porque siempre digo el arte es subjetivo, te puede gustar o no. No hay nada que esté bien o mal, es personal. Entonces que a alguien le gusté el trabajo que hicimos en el equipo, y encima me lo quiera expresar es un mimo enorme, tiene mucho valor sentimental.

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¿Cómo manejas ser famoso? ¿Temes al cliché de “que te consuma la fama”? Bien, lo bueno es que la gente al principio me decían Sandro o Sandrito, y ahora me dicen Agustín. Y me comentan que les gusta como compuse al personaje no solo con el parecido físico, sino por la historia que mostré. De todas maneras "qué es la fama?".Todos tenemos que entender, que la humanidad, nuestra sociedad, está ascendiendo, estamos avanzando hacia un lugar espiritual donde estamos entendiendo que todos somos iguales, no hay diferencias ni de sexo, ni de status, somos todos personas. Yo creo que alguien que la fama se lo come, es porque se creyó que es más que alguien, eso es una ilusión de su cabeza. Y si por ahí alguien viene te atiende y decide ponerte coronita, uno lo recibe como un mimo, se agradece, disfrutas esa acción y ya está, no sos más que fulano. Todos tenemos que entender que todos somos para los demás, no para uno solamente. Somos un equipo mundial, una sociedad que entre todos nos tenemos que ayudar y ascender como personas. Sos muy espiritual, por esto que decis... Yo creo que todos somos seres espirituales. En la mesa de Mirtha un médico dijo "el ser humano es un ser emocional que razona" no somos seres racionales. Y tiene razón. Siempre soy muy creyente. También por haber hecho tanto casting y no haber quedado, frustrarme y ponerme mal, fui meditando, tratando de comprender que me pasaba. La verdad es que he hecho de todo para quedar.

"'¿Qué es la fama?' Tenemos que entender que la humanidad, nuestra sociedad, está ascendiendo. Avanzamos hacia un lugar espiritual donde estamos entendiendo que todos somos iguales, no hay diferencias ni de sexo, ni de status, somos todos personas."

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Con esto de que de que te llamaban “Sandrito”. ¿Cómo te despegas de un personaje por el que te llaman en la calle? Ya me están diciendo Agustín, pero obvio me ven como el actor "que hizo a". Yo creo todo actor es conocido por lo más fuerte o marketinero que hizo. Entonces yo ya sé que la gente va a preguntarse “-¿Quién es Agustín Sullivan? - Y...el de Sandro". Ojalá que algún día digan "el de Sandro y el que estuvo en esto y esto y esto". Por eso los personajes cuanto más distintos sean, más me divierten por que a mi me gusta ser actor. ¿Qué es lo que más te gusta de ser actor? Vivir situaciones que yo en mi vida cotidiana no viviría. Ser una persona que no soy yo, porque yo soy yo las 24 hs. Cuanto más distinto a mi me divierte más: que sea rengo, le falte un ojo, cicatriz. Me divierte jugar a eso, comerme ese flash. Por eso me gustó en Sandro hacer desde los 16 hasta los 32 porque como actor hice de más chico y de más grande. Vivís situaciones que por todavía no viviste o que en el pasado yo no lo viví. En Sandro se recreó hasta la tecnología de la época. ¿Tenés algún papel en particular que te gustaría interpretar? Cuanto más distinto a mi mejor. No tengo un papel en específico, a mi me gusta actuar. Si vi una obra de teatro en Nueva York que se llama "El curioso incidente de un perro a medianoche", un libro Inglés que hicieron la adaptación en teatro y lo vi y pensé "cómo me gustaría hacer ese personaje en teatro", porque la historia empieza siendo una boludez y termina siendo re heavy, me encantó la obra. Me encantaría hacer la versión argentina en teatro.

¿Estudios?

Aspiraciones, sueños...

Sigo con Nora Moseinco mi maestra, y estamos todo el tiempo en contacto, mientras grababa con Sandro estabamos re en contacto.También estudio Tap. Me gusta la música Celta, Gaélica, que tiene que ver con mis ascendencias Irlandesas, asique voy con una profesora a clases. La cultura Irlandesa la tengo muy a flor de piel, me vibra el cuerpo, la sangre, bailarla. También hay cosas que quiero estudiar este año, como Italiano, aprender a tocar la gaita y el violín. Tengo un par de cosas en mi lista… También me falta un final de Historia para terminar mi carrera de Dirección Escénica en la UBA, que voy a ver si con mucha garra, la rindo en diciembre.

Vivir de lo que me apasiona. Proyectos... Ahora estoy grabando junto a Justina Bustos una película en el sur. Se llama “La muerte no existe”. Es la película del libro “Agosto” de Romina Paula, dirigida por Fernando Salem. Después empiezo los ensayos de la obra de teatro “Madre Coraje” de Bertold Brecht, en el complejo teatral San Martín, sala Regio. Dirigida por José María Muscari y protagonizado por Claudia Lapaco. Y más adelante un proyecto de Telefe que se llama Grisel, junto a Natalia Oreiro, que transcurre en los años 20.

Te definís como nerd¿ Tiene que ver con que sos muy perseverante? Si, de hecho cuando me llamaron para el call-back de Sandro, yo estaba en Disney, me mandaron lo que me tenía que estudiar y estando de viaje en grupo, el único lugar que encontraba para estudiar las escenas era el baño! Miraba videos ahí, o en el avión. De hecho estando en España, que me encantaría en algún momento de mi vida trabajar allá, en Madrid me dije: “voy a aprender a hablar Español”. Y empecé a imitar a la gente como pronunciaban o los tiempos verbales; fui aprendiendo y saqué el acento. Entonces jugaba a ver si la gente se daba cuenta o no, que no era de ahí. Me decían que tenía un acento "pijo" que es como cheto, pero no identificaba que era Latino. Fue muy divertido porque para mis adentros pensaba "soy Argentino!". Me divierte jugar haciendo esas cosas; hay que divertirse, la vida está para eso. ¿Referentes? Mi abuelo el Irlandés. Que fue como mi padre, lo era prácticamente. Falleció hace poco y era un genio. Era escribano, laburaba, pero tenía una manera de pensar y ver el mundo que a mi me copa. Era muy abierto, él me escuchaba, pensaba conmigo. Despues laboral, Leonardo Dicaprio y Sean Penn, que se transforman en cada personaje, me gustaría llegar a eso, transformarme todo en cada personaje. Rodrigo de la Serna y Sbaraglia también son así de transformarse y me parecen dos monstruos.

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::PEPITA SANDWICH

Revista G7

Ilustración

La simpleza de las líneas JOSEFINA GUARRACINO ES ILUSTRADORA Y PROYECTA SU VIDA, SUS GUSTOS Y DISGUSTOS EN EL PAPEL. SU NOMBRE ARTÍSTICO SUENA DIVERTIDO Y GENERA INTRIGA A PESAR DE QUE NO TIENE MUCHA CIENCIA; PEPI LE DECÍA SU FAMILIA DE CHIQUITA Y ES AMANTE DEL SANDWICH. ES DISEÑADORA DE INDUMENTARIA PERO SU PASIÓN SE REDUCE SIMPLEMENTE A DIBUJAR. SE HIZO CONOCIDA HACE AÑOS CON SUS HISTORIETAS DE TRAZOS SIMPLES Y HUMORÍSTICAS, PERO ELLA CUENTA QUE ANTES DABA UN MENSAJE QUE NO SERÍA EL MISMO QUE DA HOY. CREACIONES SIMPLES Y COLORIDAS, TANTO COMO SE TOMA LA VIDA, CON HUMOR.

Pepita dibujó siempre, pero pensaba que necesitaba de un técnica perfecta para dedicarse a ello. Eligió estudiar en la UBA, seguido de eso ganó una beca y estando en Milán descubrió realmente a qué se quería dedicar. Fue gracias a las redes sociales que sintió el coraje para proponerse el dibujo como un ingreso económico. Hoy en día está haciendo un Máster en Comics en The Center Of Cartoon Studies en Vermount, Estados Unidos pero trabaja de manera freelance para revistas de Argentina, mientras prepara dos próximos libros.

¿Cómo llegó el dibujo a tu vida? Desde que recuerdo siempre dibujé. Mi abuela siempre me llevó a museos desde muy chica, me pasaba a buscar por el colegio e íbamos a algún museo, como un paseo, no como obligación. Siempre estuve muy cerca del ambiente del arte, mi mamá es Historiadora del Arte, se dedicó a vender obras, entonces en mi casa había muchos libros de arte, de un modo muy naturalizado. A los 6 años le pedí a mi mamá si podía ir a un taller de pintura y fui hasta los 10. Luego hice cerámica y como a los 15 dejé de ir a taller, pero seguí siempre dibujando. Me gustaba copiar cosas en revistas de moda, pero cuando tuve que decidir qué estudiar, me parecía raro vivir de dibujar, no lo veía posible, no sentía que era tan buena como para vivir de esto. Me anoté en Diseño de Indumentaria en la UBA, donde lo que más me gustó durante la carrera fue dibujar, y la parte de plasmar la moda en dibujo.

Cuando estabas dibujando ¿No te hacía ruido el placer que te producía?¿No intuías algo? En realidad siempre me gustó mucho dibujar, pero no me sentía buena y talentosa. Hasta que a los 25, trabajando en moda tuve una crisis muy grande, no me gustaba lo que estaba haciendo, y por suerte fue en el momento que surgió Instagram y Facebook, en el 2012 mas o menos, y ahí comencé a compartir mis dibujos desde un lado muy inocente, sin pensar que iba a llegar a algún lado. Los comparti y vi que del otro lado había un interés, que a la gente le gustaba lo que yo hacía y ahí fue cuando tuve coraje como para pensar la opción de vivir de eso. Después empecé a formarme en ilustración y me di cuenta que cada uno tiene su estilo y no tenes porque dibujar perfecto ni hacer algo hiperrealista para poder vivir de esto. Al contrario, a mi me gustan más los artistas que no hace una perspectiva perfecta o algo muy real, me gusta que sea más personal “mal dibujado”.

texto

Agustina Ángel fotos

Ilustraciones de la autora PEPITASANDWICH

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Contame más sobre ese momento que tomaste la posta con la ilustración. Terminé mi carrera en el 2009, y me gané una beca para estudiar fotografía en Milán, y más que nada lo que quería era ir a vivir afuera un tiempo como experiencia. Me fui sola a los 23 y ahí en la Universidad donde se estudiaba Fotografía había una carrera de Ilustración y me copaba mucho más lo que hacía la gente de esa carrera que la de foto. Fui a algunas clases de ilustración, y además me la pasaba dibujando en las clases de fotografía. Y después volví a Argentina y seguí dibujando en un diario que tenía y dibujaba todo el día. Ahí fue cuando mis amigos me sugirieron que los comparta en algún lado y lo subí a instagram, y entre mi crisis y ver que a la gente le gustaba lo que yo hacía, pude decidir que era esto en verdad lo que quería hacer.

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¿Qué sentís respecto a etiqueta de influencer? A mi mucho no me dicen influencer. Siempre digo que si no hubieran existido las redes sociales yo no estaría trabajando de esto, porque antes tenías que ir con una carpeta de dibujos a una editorial y ahora es al revés, mostras lo que haces y te llegan propuestas. En ese sentido a mi las redes sociales me sirven mucho, son una vidriera para mi. Me ayuda llegar a muchos puntos del mundo, pero también es un arma de doble filo estar todo el día metido en las redes sociales viendo que hacen los demás o qué te comentan a vos. Es un poco peligroso perder mucho el tiempo en las redes y es algo que intento controlarme. En cuanto a influencer, solo creo que está bien generar contenido si es lo que a uno le gusta hacer.

Muchas de tus historietas tienen un mensaje ¿Qué importancia le das a esto? Ya que puede ser constructivo o no. Mi historietas y mi medio, que es el dibujo, es básicamente comunicar, todo el tiempo estoy comunicando algo, y eso lo tengo muy claro en los mensajes que quiero dar. Me considero feminista y estoy muy metida en las causas feministas, entonces más que nunca cada vez que escribo un chiste, lo releo y no quiero caer en estereotipos ni estar desentendida de cosas que me importan. Por ahí antes cuando empecé en el 2012, decía cosas que hoy no diría con respecto a mujeres, hoy estoy mucho más alerta. Sé que comunico todo el tiempo, y por eso temas como la Ley del aborto, me interesa mucho dar mi opinión. Comunicarlo porque es algo importante que está sucediendo, y sé que hay muchas mujeres, que me diguen que ven lo que hago y por eso me gusta desde mi lugar aunque sea poder aportar cosas a la causa.


Si no hubieran existido las redes sociales yo no estaría trabajando de esto, son una vidriera [...] Pero también creo que es un arma de doble filo estar todo el día metido viendo que hacen los demás o qué te comentan a vos."

Respecto a ilustración en general, es un estilo contemporáneo que sea más simple el dibujo y no esté el foco en la técnica¿No? Las mías en particular siempre fueron más simples, porque es algo rápido, un chiste, una observación sobre la vida cotidiana, con lo cual es un trazo más simple que la pintura hiperrealista. Creo que hoy en día nadie no sabe dibujar, cada uno dibuja como dibuja Me parece que es una herramienta más para entender lo que pasa alrededor; entiendo al mundo a través de mi mano. Lo que me preocupa lo paso por el tamiz de mi mano. Creo que hoy la mirada no está tan puesta en perfeccionar la técnica, sino que sea algo especial o único. Si bien está bueno, que más allá de cómo sea tu estilo, sea algo profesional, me parece que tiene otro encanto no hacer algo perfecto. No se si en algún momento pasó algo para que esto no importara tanto. Me parece que ahora la historieta o ilustración es un poco más libre que la clásica. Quizás pasó en los últimos años, que se permitieron más cosas, como un dibujo tachado, y hasta decisiones más descontracturadas todavía.

¿Qué te atrae de una ilustración? Los colores. Para mi el color es muy importante. Hay trabajos que son blanco y negro pero siempre me atrajo mucho el color, las combinaciones. Desde que soy chica tengo un libro de Matisse que me regalaron que con el aprendí lo que es el color. Me gustan las ilustraciones que son muy personales, esas que las ves e identificás de quién es. En el dibujo en sí me gusta que no sea perfecto, que tenga algo medio infantil, perspectivas mal hechas o líneas que no sean perfectamente rectas. ¿Qué significado tiene el humor para vos? Es una manera de no volverse loco. Tomarse las cosas con humor, positivamente. Especialmente ahora con las redes sociales, uno se puede terminar de volver un poco loco, por eso creo que una cuota de humor salva. Siempre me tomé la vida con mucho humor.

¿Qué hay detrás de tus ilustraciones? En general hay un poco de cultura popular, cosas que me pasan durante el día, también hay algo de las que me preocupan, preguntas que me hago. Hay mucho de mi infancia y de nostalgia. Me interesa mucho mucho el cosmos, lo desconocido, la década y las películas de los ‘90. Básicamente es mi propia vida dibujada.

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Contame de qué se trata tu libro “Diario de supervivencia”. Es un libro que tiene casi dos años ya, y se llama así porque tiene que ver con el día a día, y sobrevivir al “yo mismo”, a la cotidianeidad, y a los problemas pequeños que uno piensa que se termina el mundo y en realidad no pasa nada; se hace de noche, te despertás al otro día y es lo mismo. Sobrevivir, sobre todo a internet, a tener una rutina, la pareja, la familia, los amigos. ¿Qué te inspira? Me inspiran las mujeres, el feminismo, mi infancia, la nostalgia, los museos, las películas, me gusta mucho el cine, trato de ir todas las semanas. La música también. Si estoy trabada me pongo a leer algo, salgo de la computadora y me voy a caminar. Cuando estaba en Buenos Aires trataba de ir todas las semanas a un museo, por más de que esté cinco minutos siento que te alimenta el cerebro. Un dibujante decía que todos los viernes se tomaba el día para alimentar sus ideas, hacía una cita con su propio artista. Eso me gusta, todas las semanas empaparme de otros artistas y ver obras para estar inspirada todo el tiempo. Más que nada porque es un trabajo muy solitario, entonces estás inmerso ahí y no salis, te quedas trabajando solo y eso hace que no tengas tanta influencia. ¿En qué estás trabajando hoy en día?¿Le dedicas muchas horas? Trabajo para Revista Ohlala, en una columna de humor. También hago ilustraciones para Infobae y estoy trabajando en dos libros al mismo tiempo. Uno sobre “tres cosas que no sabías” sobre datos curiosos de cualquier tema, random. Y después otro de mujeres. Le dedico todo el día, sobretodo ahora que estoy con muchos proyectos y trabajos que requieren de muchas horas de estar en la silla. Siempre me gustó mucho trabajar los domingos y de noche, porque el mundo va un poco más lento, pero estoy intentando cambiarlo por mi propia salud. Son muchas horas de estar sentada y dibujar. En general es muy solitario.

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"Creo que hoy la mirada no está tan puesta en perfeccionar la técnica, sino en que sea algo especial o único"

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::EL OJO

Revista G7

Festival

Distinguir la creatividad DEL 31 DE OCTUBRE AL 2 DE NOVIEMBRE EN EL AUDITORIO PRINCIPAL DE LA RURAL SE LLEVARÁ A CABO UNA NUEVA EDICIÓN DE EL OJO DE IBEROAMÉRICA, FESTIVAL QUE LLEVA MÁS DE DOS DÉCADAS RECONOCIENDO E INSPIRANDO A LAS MEJORES IDEAS, LOS PROFESIONALES Y EMPRESAS QUE BUSCAN SEGUIR POSICIONANDO A LA REGIÓN COMO CENTRO DE PRODUCCIÓN CREATIVA EN EL MUNDO. Como cada edición, el festival contará con disertantes internacionales que formarán parte del ciclo de conferencias, uno de los hitos del evento. Ya fueron anunciados siete destacados referentes y líderes de la región y del mundo. 10 de septiembre será la fecha límite para que toda la industria publicitaria, del marketing, producción y entretenimiento inscriba sus mejores ideas y producciones en el Premio Internacional El Ojo de Iberoamérica, que tiene como objetivo reconocer y distinguir la trayectoria, el desempeño y las mejores ideas y piezas de comunicación de las empresas y profesionales latinos que hayan contribuido con un trabajo sólido, constante e innovador al desarrollo de la creatividad de su país y de la región. En esta edición el festival se reinventa, fusionando y sumando nuevos premios, así como también actualizando las categorías de juzgamiento en la mayoría de los reconocimientos, bajo la premisa más importante que es adaptarse a las transformaciones que sufre la industria creativa. En este sentido, nace, por ejemplo, El Ojo Producción Audio & Sonido, para darle una mayor relevancia al aporte que brinda este

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sector en la comunicación. El Ojo Interactivo y Mobile se fusionan sumándole a ambas el mundo de las redes sociales, surgiendo así El Ojo Digital & Social. El Ojo Promo & Activación se transforma en El Ojo Experiencia de Marca & Activación, para darle mayor relevancia al user experience, y cambiando sus categorías.

Algunos de los Conferencistas confirmados son: Álex de la Iglesia, Director de Cine y Director de Pokeepsie Films. Uno de los directores más reconocidos del mundo. Javier Campopiano, flamante Socio y CCO de FCB México, ganador del Grand Prix de Film en Cannes 2018. Fernando Machado, Global Chief Marketing Officer de Burger King, líder mundial de marketing, quien ha ganado importantes reconocimientos a lo largo de la historia de El Ojo de Iberoamérica. Wendy Clark, Presidenta y CEO de DDB Worldwide, es otra de las mentes brillantes que hará historia en el evento. ELOJOFESTIVAL


JAVIER CAMPOPIANO

JOHN MESCALL

FERNANDO MACHADO

LAURA VISCO

WENDY CLARK

LUIS FERNANDO DUGAND

John Mescall, el australiano Director Ejecutivo Global y Presidente del Consejo Mundial Creativo de McCann WorldGroup, reconocido como unos de los publicitarios más importantes del mundo.

El Ojo de Iberoamérica volverá a inspirar nuevamente a la industria, en su XXI edición, para continuar apoyando a la creatividad regional, en un encuentro imperdible de tres días. Que ningún creativo se pierda la oportunidad de vivir desde adentro el presente y futuro de la creatividad, con descuentos en compras anticipadas de entradas hasta el 31 de agosto.

Laura Visco, Directora Creativa de 72andSunny Amsterdam, una de las jóvenes profesionales creativas más reconocidas de la industria creativa global.

Dato: Para finales de agosto se lanzarán los briefs para el Concurso de Nuevos Talentos y Nuevos Realizadores. Para saber más sobre los premios y categorías, o bien adquirir entradas, visite www.elojodeiberoamerica.com

Luis Fernando Dugand, un profesional que inició su carrera como analista financiero en la Bolsa de Valores de Bogotá y que hoy lidera la comunidad de Planners de Y&R en la región.

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Revista G7 Edición #131  

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