Momentum by Pablo Goebel Fine Arts

PABLO GOEBEL FINE ARTS TIENE EL HONOR DE PRESENTAR LA EXPOSICIÓN INAUGURAL DE SU SEGUNDA GALERÍA EN MÉXICO D.F.

TAINE #212, POLANCO. ABRIL - AGOSTO 2015

Consulte el catálogo en línea: www.pgfinearts.net

Agam Asis Béjar Balmori Boto Celentano Chamberlain Coronel Cruz Diez Felguérez Knopp Fiorelli Goeritz Gómez Barros Hirst Höher Kujasalo Landau Le Parc Leroy Miura Pérez-Flores Ramírez Rayo Rosas Sakai Soto Tamayo Trimmer Ugalde Ullrich Vasarely Wilding

omentum, del latín movimiento. El arte óptico y el cinetismo, combinados o no, toman cuerpo en los años cincuenta, y adquieren mayor protagonismo y ajuste en los años sesenta. La corriente adquiere su imposición a partir de la exposición The Responsive Eye por parte del MoMa en 1965. Desde ése punto se reconocieron a los padres del arte Óptico y Cinético como Vasarely, Riley, Le Parc, Agam, Tinguely, Mack, Stein, Tomasello, Demarco, Piet Mondrian, Juan Serrano, y Juan Cuenca. Influenciados por el Constructivismo, el Suprematismo, De Stijl y La Bauhaus, ésta corriente nace a partir del juego geométrico y cromático. Uno de los puntos principales fue la integración del espectador con la obra. Alentados por la idea de que la pintura es construcción, que previamente utilizaron Cezanne, Picasso y Braque en su cubismo; Deshaciendo la imagen realista, manteniendo por un lado el romanticismo y por el otro, la inspiración idealista. Los artistas ópticos y cinéticos se enfocan en la pintura como un acto de exploración conceptual. El cinético busca crear ilusiones ópticas, vibraciones de la retina, y la imposibilidad de mirar simultáneamente dos superficies coloridas, violentamente contrastadas. Los recursos que utilizan para lograr el movimiento son casi infinitos, tales como el vien-

to, agua, luz, motor, electromagnetismo o simplemente la maestranza en el uso del color que crea movimiento bidimensional. Estos movimientos surgen después de la segunda guerra mundial, con el nacimiento de una nueva generación de artistas abstractos. Ellos no se preocupan por comunicar un sentimiento, sino que exigen, del espectador una actitud activa. En sus obras, el ojo debe mirar una creación que se mueve, al mismo tiempo que busca un principio y un fin. La influencia de los grandes maestros en los jóvenes, el paso del tiempo a través del movimiento, la evolución tecnológica y por ende el cambio en los materiales, se puede contemplar en esta muestra que invita a observar como todo cambia, todo menos la búsqueda de los artistas por lograr que la mente se desplace, se active, y vibre por si sola.

- Danielle Goebel

omentum, from the Latin word for movement Visual and kinetic art, whether combined or not, began to develop during the Fifties and started to be taken more seriously during the Sixties. The style made an impact at the “The Responsive Eye” exhibition held at the MoMa in 1965. At that time artists such as Vasarely, Riley, Le Parc, Agam, Tinguely, Mack, Stein, Tomasello, Demarco, Piet Mondrian, Juan Serrano and Juan Cuenca were recognized as the founders of optical and kinetic art. This art movement, influenced by Constructivism, Suprematism, De Stijl, and Bauhaus, is based on geometric shapes and color, and one of its main points is the integration of the art spectator into the work. Encouraged by the concept of painting being construction, utilized before by Cezanne, Picasso and Braque, undoing realistic imagery, it manages to maintain on the one hand romanticism and on the other idealist inspiration. Optical and kinetic artists focus on painting as an act of conceptual exploration. The kinetic artist seeks to create optical illusions that vibrate on the retina, and the impossibility of looking at two violently contrasted colored surfaces at the same time. The resources used to achieve

movement are infinite, such as the wind, water, light, movement, electromagnetism, or simply a masterly use of color in order to create two-dimensional movement. These artistic movements came into existence after the Second World War along with the birth of a new generation of abstract artists. They are not concerned with communicating a feeling, but rather, demand that the spectator be actively involved with it. When looking at their works, the eye must look on a creation that moves, while at the same time looking for a beginning and an end. The influence of the great masters on youth, the passing of time by means of movement, technological evolution and therefore a change in the materials can be contemplated in this sampling that invites one to observe how everything changes, everything, that is, except for the artist’s attempt to make the mind translocate, become active and vibrate by itself.

- Danielle Goebel

Índice Yaacov Agam Antonio Asis Santos Balmori Feliciano Béjar Martha Boto Francis Celentano Tom Chamberlain Pedro Coronel Carlos Cruz-Diez Manuel Felguérez Emanuella Fioreli Mathías Goeritz Rafael Gómez Barros Demian Hirst Corina Höher Ferro Knopp

15 16 19 20 23 24 28 30 32 38 39 40 42 43 44 46

Matti Kujasalo Myra Landau Julio LeParc Vincent Leroy Yoshoyuki Miura Darío Pérez-Flores Héctor Ramírez Omar Rayo Enrique Rosas Kazuya Sakai Jesús Rafael Soto Pablo Tamayo Augusto Trimmer Fabián Ugalde Wolfram Ullrich Victor Vasarely Ludwig Wilding

47 48 50 53 54 56 57 58 60 62 64 70 71 72 74 76 80

Sabemos que el bosquejo de una sola línea sobre una hoja de papel en blanco es suficiente para percibir la existencia del espacio. - Iris Peuga

os artistas representados en ésta exposición: MOMENTUM, exhiben en sus obras efectos ópticos formales con combinaciones calculadas monocromáticas o de color en diferentes planos. Estos puntos resultan en campos inexhaustibles de investigación. Así mismo uno observa que han trabajado con mucho esmero también en la sistematización del color y el movimiento. De acuerdo a los preceptos de algunos de ellos, imagen y método son sinónimos, como la secuencia lógica de estructura que simultáneamente se adapta a su propio lugar, con una paleta predeterminada de colores ilimitados. En esta exposición, el espectador es invitado a contemplar, a observar no nada más de frente las obras sino a darse cuenta que desde un ángulo periférico de percepción, todo cobra vida. Puedo calificar ésta exposición como histórica para México siendo una sinergia de lo que fueron “The responsive eye” en el MOMA en 1965, y “la luz en movimiento”, Paris 1968. Crear un ambiente de equidad y continuidad produce una sensación óptica de movimiento. En algunos casos, la sensación se enriquece por el esparcimiento de la misma, haciendonos experimentar cambios en el ritmo. Estos impulsos, se han producido por el ordenamiento de los elementos o por el desplazamiento del espectador o hasta por la producción de la intensidad y dirección de las reflex-

iones. Una nueva lógica de creación es lo que buscamos plasmar a través del recorrido. Un encuentro de volúmenes variantes, atmosferas cromáticas, el concepto del movimiento a través del arte nos dan obras lumino-cineticas, lumino-dinámicas y limino-ópticas que juegan con la percepción de los visitantes. Un espectáculo de luz, color y movimiento hace que el público participe física, emocional e intelectualmente. Lo que se presenta aquí es obra de más de cincuenta años que demuestra una constante investigación plástica que cubre y explora cinco fenómenos plásticos básicos: Color, luz, movimiento, tridimensionalidad e integración arquitectónica, todas ellas presentes virtualmente desde la concepción del Cinetismo. Aclaro que la principal preocupación de los artistas cinéticos y ópticos es la interacción o la relación de sus obras con el público y la manera de establecer sin intermediarios, sin traductor y sin necesidad de explicaciones un vínculo estrecho. El ojo humano es determinante. Una obra cinética posee en ella misma toda la información necesaria para ser vivida directamente sin preparación específica alguna.

- Pablo Goebel

he artists represented in this group show MOMENTUM, exhibit in their works formal optical effects with calculated color or monochrome combinations on different planes. These points result in inexhaustible fields of research, as can be seen in this exhibition. They have also worked painstakingly in the systematization of color. According to the precepts of some of these artists, image and method are synonymous, as is the logical sequence of structure that simultaneously adapts itself to its own place with a predetermined palette of unlimited colors. At this exhibition, the spectator is invited to contemplate, to look at the works not only straight on, but also from a peripheral angle to see how they come to life. This exhibition is a synergy between the “The Responsive Eye” exhibition at the MOMA in 1965 and the “Light in Movement” exhibition in Paris in 1968 and in Mexico this is a historic event. Creating an atmosphere of impartiality and continuity produces an optical sensation of movement. In some cases, this sensation is enriched by the dispersion of the same sensation and by changes in rhythms. These sensations are produced by the ordering of elements and by the displacement of the spectator, or even by the intensity and direction of his reflec-

tions. As one goes through the exhibition it is clear what Soto said: “And what we are trying to achieve is to express or capture a new logic in creation”. An encounter with varying volumes, chromatic atmospheres, the concept of movement through art provides us with works that are luminous-kinetic, luminous-dynamic and luminous-optical that play on the visitors’ perceptions. A spectacle of light, color and movement causes spectators to engage in the exhibition physically, emotionally and intellectually. What we have here is work from more than fifty years ago that is proof of constant artistic research that covers and explores five basic artistic phenomena: Color, light, movement, three-dimensionality and architectural integration, all of which have been present virtually from the time when Kineticism was conceived. I want to clarify that the main concern of kinetic and optical artists is the interaction or relationship between their work and the public and how to establish a close bond with them without intermediaries, without translation and without the need for explanation. The human eye is the determining factor. A piece of kinetic art has in it all the information necessary for it to be experienced directly without any specific preparation. - Pablo Goebel

Yaacov Agam

Cuando hablo de mi generación me refiero a todos aquellos artistas cuyo punto de partida se centra en la inestabilidad de la materia, la ambigüedad del espacio, apoyándose en la noción de la estructura pura; Que es en definitiva lo que se ha convenido en llamar <<Arte Cinético>> - Jesús Rafael Soto

(Rishon le-Zion, Israel, 1928-) Pintor y escultor israelí. Pionero del arte cinético, es un artista polifacético que ha investigado con nuevos materiales con el fin de crear obras cambiantes según el punto de vista del espectador e invitar a éste a hacer una exploración activa. Su trabajo tiene un fuerte componente espiritual y cultural ligado a la religión judía. Viajó a Zurich donde conoció a J. Itten, Giedion y M. Bill. Aconsejado por Giedion, decidió viajar a Chicago, pero una escala en París le retuvo en esta ciudad, que se convirtió en su residencia definitiva. Pronto entró a formar parte de un grupo de artistas que por entonces, en la década de 1950, se conocían como representantes de la Nouvelle Tendence. La estética que defendía este grupo era el arte perceptual, también conocido como Op Art.

Múltiplo (HC 4/25) 66x40

Antonio Asis (Argentina,1932-) Atiende a la Escuela Nacional De Bellas Artes en Buenos Aires, en el 56 se muda a París y se hace amigo con Denise Rene, Soto, Agam y Bury. Ahí comienza a trabajar con las posibilidades visuales de la luz y la vibración. Se interesó por las formas esféricas y espirales, asi mismo experimentó con la predominación de la monocromía en sus obras.

Geométrie Spatiale # 305 76 x 75

Vibrations sur Carrés Bleus n°2188 66 x 66 x 15

Santos Balmori (México, 1899—1992) Fue un pintor mexicano de origen asturiano. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, y en la Académie de la Grande Chaumière, en París. Expuso sus obras en París, Bruselas, Estocol-

Vibrations sur Carrés Bleus et Noirs no 2179 98 x 98 x 14

Espiral 83 x 102

mo, Madrid y Ciudad de México. A pesar de que su obra no fue reconocida en su país durante su época, debido al nacionalismo que fomentaba la Escuela Mexicana de Pintura, influyó en gran medida en la siguiente generación de artistas, siendo maestro de quienes serían conocidos como La Generación de la Ruptura.

Feliciano Béjar

Su meta era llevar a la sociedad la belleza de las artes. En 1981 se destruyeron algunos de sus obras que resguardaba en su casa por motivo de inundaciones. En 1991 tuvo “breakdown” y fue internado 22 días en el Instituto Mental (Posteriomente cerrado y destruido), después de este episodio siguió trabajando en su obra y escribiendo en los periódicos hasta su muerte en 2007. Béjar murió a la edad de 86 años en un hospital en Médica Sur en la Ciudad de México , sus restos descansan en el panteón municipal de Canalejas Estado de México cerca de los bosques y lagos que él creo. En 2013 se creó la Casa Museo El Porvenir Feliciano Béjar, en la casa de la familia en Jiquilpan, Michoacán.

(Michoacán, México, 1920-2007) Fue un escultor y pintor autodidacta. Béjar fue un autodidacta en varias disciplinas, tales como: dibujo, grabado, pintura y escultura. Fue innovador en varios materiales plásticos y artesanales, creador de los magiscopios. Pasó una niñez en su Jiquilpan natal como acólito y ayudando a su familia empleándose en una mercería. A la edad de ocho años sufrió de poliomielitis, por lo que se vio obligado a usar muletas por casi cinco años. En este tiempo aprendió diversas técnicas artesanales, motivado por su madre. De la poliomielitis se recuperaría a los 15 años. Durante esta etapa conoce el valor de reciclar como un acto creativo y restaurador, práctica que lo marcó en su vida artística. Durante la Guerra Cristera (1926-1929) en varias regiones de México, descubrió las dos caras opuestas del ser humano: la habilidad para crear vida a través del arte, y su infinita capacidad de destrucción, que arrastra todo lo que le rodea. De la destrucción se declaró enemigo y la enfrentó continuamente en su vida.

Formas 104 x 34 x 20 / Formas 109 x 23 x 42

Formas 27 x 10 diámetro / 18 x 12 diámetro / 22 x 14 diámetro

Martha Boto (Buenos Aires, Argentina, 1925-2004) Recibe su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova (Buenos Aires), de la cual egresa en 1950. Partiendo de un interés en torno a la transformación que el movimiento y los materiales producen sobre la luz, realiza obras móviles y colgantes en plexiglás, aluminio o acero inoxidable, provistas de superficies y elementos reflectantes o

interior de columnas de plexiglás transparente. En 1969, la Galerie Denise René organiza una importante retrospectiva de su obra.

transparentes. En 1959 se instala junto con Vardánega en París. En 1961 y 1962 participa en las exposiciones Art Abstrait Constructif International organizadas por la Galerie Denise René (París). Los discos de plexiglás de colores, que ya empleaba en sus cajas cinéticas de los años anteri- ores, se convierten, a partir de 1968, en un recurso frecuente para construir estructuras móviles, motorizadas o no, en el

Cubo 25 x 25 x 25 / Cubo 25 x 25 x 25

Deplacement optique 48 x 39 x 22

francis Celentano (Nueva York, 1928-) Recibió su Master en el New York University Institute of Fine Arts en 1957. Estudió enl a Academia de Bellas Artes en Roma en 1958 y en el 66 se mudó a Seattle donde ejerció como profesor de pintura en la Universidad de Washington, donde desarrolló un interés en la teoría del color. Celentano contribuyó a la exposición The Responsive Eye del MoMa en el 65. En 1992, presentó su trabajo retrospectivo en el

Whatcom Museum of Hisoty and Art, Bellingham, Washington. Sus piezas están incluidas en un número de colecciones de museos incluyendo el MoMa, Seattle Art Museum, Washington; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York; y el Stedelijk Museum, Amsterdam. Ha recibido comisiones de instituciones a través de Estados Unidos para crear murales e instalaciones. Celentano reside en Seattle, Washington.

Collage study for kinetic paintings 27 x 41

Elliptical Kinetic Painting in Yellow and Violet 119 d

Hago arte Óptico y Cinético porque es un medio de expresión visual claramente calibrado. Existe únicamente en sus propios términos. El tema es puramente perceptivo sin referencias externas. Cada obra de arte exige atención en cada nivel visual de interacción. – Francis Celentano

(Izquierda) Elliptical series C Black on Gold 70 x 71 / (Drerecha) Elliptical series B green on Orange 71 x 71

Tom Chamberlain (Barton on Sea, Gran Bretaña, 1923-) Ha Sus pinturas solo pueden ser entendidas y disfrutrabajado en Gran Bretaña y la ciudad tadas en vivo, y no se revelan inmediatamente. Uno de Mexico.Todas las pinturas tienen su tiene que pasar tiempo con ellas, pero la remunerpropia velocidad, tanto en el tiempo ación es muy grata. que tarda su ejecución como el tiempo que se necesita para leerlos. Tom realiza su trabajo de manera duracional, tanto en su formación como en el tiempo que tarda el especatador en presenciar su autorevelación. “Es fácil para que los artistas se impacientan con su trabajo y se preguntan si todo lo que ponen en ella habrá jamás volver a salir; se requiere un tipo de confianza.” dice Tom. La construcción de su obra a través de interminables capas de pintura, en los patrones altamente formalizadas de dibujos, en los procesos de manera regimentada que lo que producen no podría incluso afianzarse a nivel cognitivo. En cambio, las obras contienen una sensualidad escurridiza que restringe en sí y lo empuja hacia atrás contra su propia presencia.

Sin Título 52 x 57

Sin Título 68 x 78

Pedro Coronel (Zacatecas, México1923-1985) Pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto mexicano. Estudió pintura y escultura en La Esmeralda (19401945). Durante su estancia en París frecuentó los talleres del pintor Victor Brauner y del escultor Constantin Brâncuşi que influyeron en gran medida su proceso artístico. Su primera exposición individual en 1954 fue en la Galería Proteo, Ciudad de México, donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano, Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo que vivió en París en donde su arte mostró diferentes facetas, subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística. En 1984 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. El día 23 de mayo de 1985 murió a la edad de 62 años.

Sin Título 70 x 50

Carlos Cruz Diez (Caracas 1923) Comenzó a interesarse por la pintura desde niño cuando visitaba con su abuela al artista Arturo Michelena y veía el uso de color en sus obras. Después en la univesidad en Caracas fue influenciado por las obras Conposition Dynamique de Soto, Mondrian y Malevich Después de clase se juntaba con Soto, Otero y algunos maestros a discutir obras de otros artistas que les intere- saban. Terminando la universidad da un giro a sus obras y empieza a trabajar con el abstraccionismo combinando arte y arquitectura, aunque sus obras empezaron pareciéndose a Mondrian, Cruz Diez se enfocó en la resposabilidad social que tenía el color así que empezó creando proyectos para muros exteriores y arte para la calle en la que la gente pudiera interactuar y en veces manipular la misma obra. De éste modo provocó una comunicación entre personas y la obra. Su fundamental interés es por sus teorías del color como la atmósfera que crea el color y el cinetismo.

Chromointerferénce circulaire manipulable B 50 diámetro

Transchromies 32 x 32

Physichromie 1841 100 x 100

Physichromie 554 60 x 80

Physichromie 1543 60 x 180

ChromointerferĂŠnce Serie Irene B 50 x 60 x 3

Manuel Felguérez

Emanuela Fiorelli

(Zacatecas , 1928-) Realizó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda” en 1951, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1948 y en la Academia de la Grande Chaumier en París entre 1944 y 1959. Entre 1954 y 1955, en la Academia Colarossi, de París. Estas dos últimas resultan de suma importancia para su formación, ya que es ahí donde trabaja con el escultor francés de origen ruso Ossip Zadkine, un artista formado en el cubismo, habrá de convertirse en una de las mayores influencias para el trabajo posterior de Manuel Felguérez. A su regreso a México, forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales. Ha sido capaz de combinar la escultura con el mural, ocupando con ello espacios físicos que, históricamente habían estado destinados en México a formas distintas de expresión pictórica que las abordadas por él.

Roma 1970. Graduada de la Academia de Bellas Artes en 1993. Hace varios viajes al extranjero (Iraq, Turquía, Polonia y América) en donde además de exhibir su trabajo encuentra otras culturas que la ayudan a crear con nuevos materiales. La obra de la artista se manifiesta como

Sin Título 150 x 125

Box plexiglass 50 x 50 x 25

el lugar de la construcción, en tensión desde el espacio interno y externo. Al mismo tiempo es matríz de un nuevo espacio, gobernado por el ritmo de un signo dinámico impredecible. Emanuela Fiorelli trabaja con diversos tipos de materiales que juegan con la locación en cuanto a luces y sombras que crean las líneas geométricamente equilibradas de sus obras.

Mathías Goeritz (Danzing, Alemania 1915-1990 México) Estudió arte en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín-Charlottenburg y se doctoró en filosofía e historia del arte en la Universidad de Berlín. Vivió en Tetuán, Marruecos en 1941 y en Granada en 1945. En 1948 se trasladó a Santillana del Mar donde fundó la Escuela de Altamira cuyo lema fue “Todos los hombres, por fin hermanos, se convierten en artistas”. En 1949 llega a México. El diseño de las Torres de Satélite es de él como también la idea de la ruta de la amistad de 1968 hecha para las Olimpiadas en México. De 1978 a 1980 realizó el centro del Espacio Escultórico en colaboración con los artistas Helen Escobedo, Manuel Felguérez, Hersúa, Sebastián y Federico Silva, dentro de uno de los terrenos de Ciudad Universitaria, En este periodo realizó también el Laberinto de Jerusalén en Israel. Mientras que en 1988 construyó la torre de la Fundación Miguel Alemán de la Ciudad de México.

Fragmentos en el aire: leve, pero a la vez intensísima, inolvidable poesía, la que emana de este mundo flotante, ligero y silente de Ferro y muy especialmente de sus construcciones colgantes, de éstas geometrías sensibles en suspensión, en perpetuo cambio y perpetuo movimiento, y parecería que también en perpetúa expansión. - Juan Manuel Bonet. Paerforado 40 x 24.5

Rafael Gómez Barros

Damien Hirst (Bristol, Inglaterra 1965-) Desde los ochentas Hirst se ha enfocado en desarrollar instalaciones, pinturas, esculturas y dibujos para explorar la relación entre el arte , la vida y la muerte. Sus obras retan los paradigmas de los sistemas contemporáneos de creencias. El artista explora conceptos relacionados con la muerte y critica el apego humano a la ciencia al categorizarla como una nueva religión. En su segundo año de universidad Hirst concibe y cura la exposición Freeze, conformada por series de puntos de colores que se refiere a “Fijar la alegría del color”.

( Bogotá 1972-) Cursó sus estudios de Artes Plástica en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Los proyectos desarrollados por Gomez Barros revelan su particular inquietud en cierta manera a la situación política en Colombia, al tiempo que cuestiona la realidad en la tensión que hay entre lo individual y lo social, el deseo y la realidad, la identidad y el anonimato. Sus obras e intervenciones escultóricas como Casa Tomada y Somos. hace referencia a la

violencia como agente y sistema que, universalmente, coacciona en el tejido social; en Sonajeros y Urnas, obras que están fuertemente asociadas con la naturaleza de la mente, la fragilidad de la vida y la recistencia a la muerte, su interés por lo ritual y lo repetitivo, lo llevan a tener una producción en serie. De la serie “La especialidad de la casa” 82 x 84

Dots 125 x 125

Corina Höher (Venezuela 1987-) Como fenómeno científico a través de una intensa repetición de arreglos geométricos. Sus exploraciones resultan innovativas y emocionantes ya que nacen de las teorías del color del artista Carlos Cruz-Diez, y logra radicalizar la propuesta irresistible de su predecesor. Sus piezas resaltan las interacciones entre colores y formas en frecuencias precisas para crear una serie de ondas y transmitir las relación entre el color y su respectiva intensidad, el color como energía. Ella basa su investigación en el estudio de la persistencia de la visión, comenzada por Joseph Plateau en el siglo XIX y la implementó con el movimiento cinético desde entonces. Con esas teorías ella explora el movimiento del color como radiación electromagnética, como pasa en una dimensión microcósmica al preguntarse ¿De dónde viene el color? y ¿Qué es realmente el color? De este modo Höher demuestra diversas maneras en las que la radiación electromagnética ocurre a nuestro alrededor, y nos recuerda que es nuestra visión la que nos brinda este mundo colorido a la vida. Cori Höher se graduó en Miami International University of Art and Design con un grado en Bellas Artes y Diseño Gráfico. Actualmente trabaja como restauradora y creadora de Arte Constructivo en Miami

Frecuencia RIT 10 70x50

Izquierda: Frecuencia BN RIT 6 100 x 100 / Derecha: Frecuencia RIT 11 70 x 70

Ferro Knopp

Matti Kujasalo

(Colonia, Alemania 1953-). Aunque el metal es su material de elección, la obra de Ferro Knopp es todo menos “pesado”. Un soplido es suficiente para activarlos. Utiliza construcciones como casas, puentes o barcos como inspiración. Ferro explora los temas de la gravedad y el magnetismo. Bajo su dirección, las estructuras parecen lograr una relación poética con los alrededores; un frágil dibujo de líneas que bailan en el aire, una poesía. Su obra ha alcanzado tamaños comparables a un mural.

(Helsinki 1946-) Es uno de los artistas finlandeses más reconocidos, estudió en la Escuela Libre de Arte y en la Academia Finlandesa de Arte, más tarde ejerció como maestro. Kujasalo crea obras principalmente constructivistas que se acercan mucho a las características del Arte Óptico. Al principio trabajó con colores intensos y superficies suaves pero poco a poco fue dejando el color hasta llegar a crear monocromías junto con el uso de gris con tintes de azul y amarillo. Sus obras son puras y frescas, contienen elementos interminables y uno nunca se cansa de ellas. Retan a la mente a través de su complejidad visual.

Números 85 x 85 x 70

Painting 27,6 175 diámetro

Myra Landau (Bucarest, Hungría, 1926-) Nació en algun lugar del Viejo Continente. Vivió en Brasil, México y ahora en Italia. Se considera por ende sin nacionalidad pictórica. No cree en las fronteras, no le gustan las banderas, no tiene límites. Unica pátria: la amistad, el amor y la justicia para todos. Habla seis idiomas, ninguno a la perfección. Unas 60 exposiciones individuales en Museos, Universidades, Institutos de Cultura y galerìas importantes por todas las Americas y Europa. Más de 150 exposiciones colectivas también en las Americas y Europa. Paul Westheim, Franco Terranova (“Petite Galerie” - Rio de Janeiro) y Oswaldo Goeldi fueron los primeros en creer en su talento. Sus dos grandes sueños hoy en día: continuar a pintar, dibujar, reciclar todo lo que encuentra para transformalo en arte y también volverse escritora.

Un sueño, un sueño compartido, un sueño anclado en lo más profundo de cada uno, un sueño de deseos imposibles, un sueño que ataca desde el interior. Siento que la vida podría haber sido diferente. Caminar, ver, descubrir entre otros el espejo de uno mismo. Lo que no tiene precio: la ilusión. - Fragmento de L’illusion de Mai, por Julio Le Parc Arriba: Ritmo 61 155 x 55 / Abajo: Ritmo cansado 70 x 90

Julio Le Parc (Mendoza, Argentina, 1928-) Ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes que abandonó al año siguiente; en el interín pudo observar los murales que Antonio Berni, Manuel Colmeiro Guimaraes, Lino Enea Spilimbergo y varios más que realizaban para las Galerías Pacífico en pleno microcentro de la ciudad porteña Por el planteo de tales murales llegó a la intuición de la importancia del “espectador”. La obra de Le Parc fue para su momento aún vanguardista, innovadora, audaz. Él busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores.

Ondes par déplacement du spectateur 50 x 50 x 16

Continuel lumière avec formes en contorsion 125 x 125 x 20

Vincent Leroy (Avranches, Francia, 1968-) Trabaja actualmente en París, su trabajo se presenta bajo la influencia del arte pop japonés desde su naturaleza colorida y juguetona. Los movimientos simples y lentos son básicos en su obra. El artista juega con la sobriedad de los momentos y los deconstruye a partir del movimiento. Su obra parece ser un pasaje de oscuridad a la luz, como si una pintura pudiera iluminarse por sí misma. Otras veces acumula capas de color que eventualmente se cancelan entre sí hacia la blancura o se vuelve un tipo de pantalla en el cual la visión puede ser proyectda. Visualmente es la inminencia de algo que todavía no está ahí o que ya se ha ido.

Continuel lumière cylindre 168 x 122 x 35.5

Of Line 42 x 160 x 14

Yoshiyuki Miura (Fukuoka, Japón, 1958-) Su trabajo puede ser considerado como la regulación sistemática del caos omnipresente. Con sus esculturas e instalaciones, el artista japonés refleja la relación del espacio y el tiempo. Guía la fuerza y contrafuerza para juntoarlos en un estado de balance entre la tensión y la relajación. Miura cra objetos que juegan con nuetra percepción de la tridimensionalidad y nos intri- ga con su extraordinaria simplicidad, precisión y belleza.

Ellipsoid Orange 86 x 62 x 62

Ellipsoid Bleu 86 x 62 x 62

Darío Pérez-Flores (Valera, Venezuela, 1936-) Estudia en la Escuela de Bellas Artes en Valencia y en la Universidad Central de Venezuela. En 1970 se instala en París donde finaliza sus estudios bajo la dirección de Frank Popper. Sus primeras esculturas, en las que utiliza metal y plexiglás, denotan un marcado interés por el movimiento. Posteriormente realiza móviles mecánicos accionados por un motor. En éstos, las líneas de metal se mueven simultáneamente en sentido vertical y horizontal sobre un fondo, produciendo atmósferas cinéticas cambiantes según su posición combinatoria. A partir de 1976 realiza sus Procromáticas, obras en las que pone de relieve su interés por el color. En las Procromáticas, las varillas de color suspendidas sobre un fondo de colores en degradé crean sutiles situaciones cromáticas aleatorias mediante el desplazamiento del espectador.

Prochromatique No228 116 x 116 x 12

Hector Ramírez (Punta de Mata, Venezuela, 1955-) Se diploma en diferentes escuelas de dibujo, pintura y diseño antes de perfeccionarse en las técnicas de serigrafía y foto-serigrafía en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos CruzDiez, en Caracas. En 1984 se incorpora en los Talleres de Arte y Fundición de los maestros Secundino Rivera, Biaggio Campanella y Cornelius Zitmann. Actualmente trabaja en Articruz, Panamá.

Izquierda: Esfera lumínica 61 x 61 x 7 / Derecha: 7+9 esferas en espiral 61 x 51 x 7

Omar Rayo (Roldadillo, Colombia, 1928-2010) En 1947 se estableció en Cali; al no hallar empleo como ilustrador en ningún periódico local, sobrevivió trazando caricaturas y pasó fugazmente por la Escuela de Bellas Artes. En 1953 inició un periplo por Latinoamérica, durante el cual realizó algunas exposiciones y se relacionó con numerosos artistas locales. El viaje resultaría decisivo en su formación: el contacto con el arte precolombino suscitó en él el interés por las posibilidades artísticas de la geometría, que acabarían definiendo su obra. Regresó a su país en 1958, y un año después pasó un año en México D.F., en el taller de grabado La Esmeralda, donde conoció a José Luis Cuevas y Francisco Toledo. En 1960 recibió la beca Guggenheim y se trasladó a Nueva York, ciudad en la que se establecería definitivamente años más tarde (1976) y donde su obra alcanzaría pleno reconocimiento internacional. En 1981 se inauguró en su ciudad natal el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano.

La rosa rebosa obesa 145 x 142

Enrique Rosas Artista mexicano que explora las conexiones entre arte, ciencia y tecnología abarcando campos tan disímiles como la electrónica y la biología. Al centrarse en la materialización de ideas entendiéndolas no como meras abstracciones, si no como procesos que concilian lo inmaterial con lo material, su obra rescata el ideal renacentista de un mundo que no solo se percibía si no también se proyectaba desde los ojos. Interesado en el tema del reconocimiento por patrones, al cual la ciencia suele recurrir para descifrar la realidad, su investigación se desarrolla desde un punto de vista específico. Él relaciona los estudios científicos sobre la materia y el lenguaje de la programación, con otros campos esotéricos vinculados a las nociones de “memoria arquetípica” y los descubrimientos de la futurología. Estableciéndose una retroalimentación entre pensamiento y técnica, todas sus piezas se organizan a partir de binomios: El observador y lo observado, lo individual y lo colectivo, lo natural y lo construido, lo micro y lo macro.

Eclipse i 122 x 63

Arriba: Sin título 110 x 220 / Abajo: Mitosis fractal RGB iv 2D” 95 x 95

Kazuya Sakai (Buenos Aires, Argentina, 1927 - 2001) Fue un pintor de origen japonés. Sus padres, ciudadanos japoneses, deseaban una instrucción japonesa clásica para sus hijos, y a la edad de siete años se trasladó junto a su familia a Japón. Regresó a Argentina en 1951 y comenzó a trabajar de manera sistemática en la difusión de la cultura japonesa de maneras diversas. Traduce varias obras literarias. Durante once años mantiene una intensa actividad cultural y artística. Fue miembro destacado del Movimiento Informalista, que surgió a fines de 1950 y principios de 1960, y expuso en las principales galerías de Buenos Aires. En 1962 expuso individualmente por última vez en Buenos Aires. Ese mismo año se radicó en Nueva York, donde permaneció hasta 1965. Luego se trasladó a México, donde residió hasta 1977, año en que retornó a Estados Unidos. En esos años expuso asiduamente en México, Estados Unidos, España y Costa Rica.

La función de toda obra de arte es estimular la reflexión. Su interés es eminentemente conceptual, aunque para hacer evidentes los conceptos el artista tenga que recurrir a medios sensoriales. –Jesús Rafael Soto Genroku No 19 120 x 96

Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - 2005) Influenciado del cubismo y constructivismo, se inspira en las obras de Klee, Mondrian, la música y la física. Su primera exhibición en grupo fue en 1955 junto con Vasarely, Tinguely y Agam entre otros. Había un interés común en transformar el arte estático a un ritmo visual con cambios constantes. Formó parte del establo de artístas cinéticos de la famosa impulsora de ésta corriente, la galerista parisina Denise Reneé. Siendo un buen guitarrista se dedicó a unir las artes visuales la música en un nivel fundametal, logrando que el arte abstracto debía exhiba una calidad dinámica musical. Otro interés relacionando el arte con la física fue por materializar la vibración o el movimiento jugando con las intuiciones visuales. Los franceses se refirieron a su obra como Soto Magie para describir los efectos visuales que parecían trucos mágicos.

Banco Central de Venezuela 27 x 27 x 9

Tes azules y negras 50 x 50 x 12

Arriba: Óvalo Rojo 39 x 39 x 12 / Abajo: Escritura, múltiplo 30 x 70 x 9

Izquierda: Escalera Azul 50 x 35 x 13 / Derecha: Espiral Doble 39 x 39 x 15

Escritura Verde Superior 104 x 152 x 20

Pablo Tamayo

Augusto Trimmer

(Bogotá, Colombia, 1972-) Empezó en 1992 sus estudios de Bellas Artes en Florencia, Italia. Posteriormente, en 1996, se especializó en técnicas de grabado en la Scuola Internazionale di Specializzazione di Grafica d’Arte de la misma ciudad. Sus obras figuran en las colecciones permanentes del Miami Art Museum, Miami; Museo del Barrio, Nueva York; Banco de la República, Santafé de Bogotá, Colombia; Galleria degli Uffizi, Florencia y en la Fundación Cisneros, Miami. Entre sus exposiciones individuales y colectivas se destacan:“Retratos”, Fundación Santillana, de Bogotá, Colombia (1999) Otras como “Digital Realism”(2003) y “Cutting Edge Portraiture” (2007).

Elizabeth Taylor (homenaje a Yavral) Ed 7+2 101 x 101

Izquierda: Inspiración Gris (2/10) 100 x 110 x 45 / Centro: Inspiración Azul (1/10) 120 x 82 x 15 Derecha: Inspiración Roja (1/10) 113 x 94 x 46

fabián Ugalde (Querétaro, México, 1967-) Egresado de la Esmeralda (ENPEG, INBA) en 1997, Fabián Ugalde ha exhibido su obra en diversos museos y espacios universitarios tanto en México como en países de Europa, Asia y Sudamérica. Entre sus exposiciones destacan: Cinco Continentes y una Ciudad (1998), Comic Release, Negotiating Identity for a New Generation (2001), en el Pittsburgh Center for the Arts, MesoAmérica: Oscilaciones y Artificios (2002) Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM, España). El Placer de lo Parecido. Signos y Metáforas (2005, Instituto de Cultura de México, Washington, D.C. E.U.A.) La obra de Ugalde ganó el primer lugar de adquisición en la X bienal de Pintura Rufino Tamayo (2000) y la beca de la Pollock-Krasner Foundation en Nueva York (2001). Ha sido becario Fonca.

Diamond 2x2 180 x 180

4 perspectives from Lambie 145 x 220

Wolfram Ullrich (Würzburg, Alemania, 1961-) Su trabajo opera con las bases del Arte Construc- tivista pero sus estímulos van mucho más allá. Todavía mientras él se encuentra trabajando, el artista asume la posición del espectador y anticipa como si fueran las consecuencias de la recepcón estética que tendrá en la práctica. Formalmente, claro y seductiva- mente al punto, como Ullrich enfatiza : “El rigor formal y la claridad de los trabajos es necesario para permitir al espectador la oportunidad de percibir esto como un campo abierto de trabajo y recepción.”

El arte debe ser generoso y totalmente difusible... Debe ser verdaderamente contemporáneo y no póstumo. De ahora en adelante las nuevas tecnologías están aquí para difundir el arte instantáneamente a las masas. – Victor Vasarely

Chega 80 x 67 x 5

Victor Vasarely (Hungría,1908- París 1997) Estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, en dónde trabajó como grafista para agencias publicitarias. Después de experimentar con varias técnicas de paisajismo dirige su obra inspirado por Malevich, Moholy-Nagy y Walter Gropius, introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En 1955 crea Jeaune Manifeste (Manifesto Amarillo) en donde estipula que “El movimiento no reside en la composición o un objeto en específico pero en la aprehensión del acto de observar qu, por si mismo, es considerado como el creador único.” Participó en la exposición The Responsive Eye en el MoMa. Es considerado el padre del Op-Art y escribió libros como “Plasticité” que ahora son referencia para el diseño y arte.

Kettes 136 x 70

Izquierda: Sin título

38 x 33 x 6/ Izquierda: Planetary folklore participation 2 60 x 60

ZigZag 212 x 212

Mayus 100 x 101

Ludwig Wilding (Alemania, 1927–2010) Estudia historia del arte en la Universidad de Magonza y cursó en la Academia de Bellas Artes en Stuttgart. Comenzó con obras unidimensionales en blanco y negro basadas en variaciones de construcciones geométricas. Más adelante se enfocó en trabajos bidimensionales concetrándose en las líneas, lo blanco y lo negro. Por los 60’s empezó a trabajar con objetos tridimensionales interviniéndolos con líneas para crear pertrbaciones visuales o vértigo que hoy en día se asocian con el efecto estroboscópico. Fue parte de la exposición The Responsive Eye en el MoMa.

Estas obras existen menos como objetos a ser examinados, que como generadores de respuestas perceptuales ante el ojo y la mente del espectador. Usando solo líneas, bandas y patrones, áreas de color planas, blanco, gris y negro, o madera cortada finamente, vidrio, metal y plástico. Éstos artistas establecen una nueva relación entre quien observa y la obra de arte. - William C. Seitz, Curador de ‘The responsive eye’ MOMA

Arriba: SBST 2818 28 x 28 x 5.5 / Abajo: SBST 2827 28 x 28 x 5.5

Pablo Goebel inaugura su segunda galería con una muestra colectiva de más de treinta artistas de diferentes generaciones y nacionalidades reunidos en torno al arte cinético, óptico y geométrico. Tras tres años de organización, Goebel ha logrado traer a México más de ochenta piezas que reúnen a los artistas pioneros con las generaciones más recientes que siguen explorando estos caminos. El término “arte cinético” tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan. Así se desarrolla la tendencia de evocar en escultura y pintura la sensación de movimiento. El arte óptico, mejor conocido como Op Art se diferencia del cinético porque el movimiento que intenta producir en el espectador es puramente sensorial-óptico ya que las obras son totalmente estáticas. Lo que se crea es una sofisticadísima ilusión visual. Uno de los precursores de este movimiento es el célebre pintor y escultor Víctor Vasarely quien está representado en la muestra con varias pinturas. En la década de los cincuenta surgen en Sudamérica varios artistas interesados en las investigaciones plásticas cinéticas y ópticas y las principales figuras emigran a París, donde desarrollan una exitosa carrera: los argentinos Julio Le Parc, Antonio Asís, Martha Boto y Luis Tomasello, así como los venezolanos

Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto y Dario PérezFlores, son figuras determinantes de estos movimientos. La pléyade se complementa con artistas provenientes de diversos países y generaciones como Ludwig Wilding, Yaacov Agam, Francis Celentano, Omar Rayo, Matti Kujasalo, Yoshiyuki Miura, Wolfram Ullrich, Vincent Leroy, Emanuela Fiorelli, Rafael Gomezbarros, Enrique Rosas, Tom Chamberlain, Corina Höher. Como asociación libre, Pablo Goebel hace dialogar el arte cinético y óptico con algunos representantes de la abstracción geométrica en México como Manuel Felguérez, Kasuya Sakai, Myra Landau, Santos Balmori e incluye unos interesantes dibujos de Pedro Coronel totalmente atípicos. También está presente Feliciano Béjar cuyo trabajo se inserta en la tradición de la ilusión óptica. Entre los más jóvenes sobresalen Enrique Rosas, artista pluridisciplinario que explora las conexiones entre arte, ciencia y tecnología y la más joven de la muestra, Corina Höher cuya exploración formal en el arte óptico arroja formas elegantes de una gran belleza visual. Entre clásicos y contemporáneos se percibe que estas tendencias surgidas hace ya medio siglo siguen evolucionando con aires nuevos y refrescantes.

-Dra. Germaine Gómez Haro

Diseño y fotografía: Gabriela Richheimer

Traducción Gerald Blackmore

Agradecemos el incondicional apoyo y dedicamos este catálogo a: We are thankful for the unconditional support, and we dedicate this catalogue to: Joan Goebel Holmgren