Margarita Svirchenkova - libro con canales

Biblia del diseño

Margarita Svirchenkova 1A

Comunicación de Proyecto Fundamentos del Diseño IED

Hernán Ordoñez Flora Ximenis

Demna

Martin

Alexander Mcqueen

Zaha Hadid

Antonio Citterio

Frank Lloyd Wright

Olafur Eliasson

Louis Kahn

64

Emiliana Design Noma Bar

Patricia Urquiola

Susana Blasco

80

Diseño de Producto

Diseño Grafico 58 Contenido Video 78 Moodboard 8 Síntesis Visual 56 Twitter style 98 Instagram 68 Panel Informativo

Franco Sbarro

Demna Gvasalia

Nació en Georgia en 1981.

Es un diseñador, de origen georgiano, se formó en la Royal Academy of Fine Arts de Amberes, una de las escuelas de arte más prestigiosas del mundo.

Entre sus principales rasgos como creador: la estética urbana, la combinación de alta y baja cultura, y el uso de Internet y de lo colectivo.

El anunció de su nombramiento como director creativo de Balenciaga, sustituyendo al norteamericano Alexander Wang, supuso su espaldarazo definitivo. “Gvasalia se ha impuesto rápidamente como la mejor opción para la nueva dirección artística de la maison”, declaraba la directora general de Balenciaga, Isabelle Guichot, quien además destacaba del diseñador su “dominio de la tecnología” y “los conocimientos y la cultura de la moda adquirida en sus diferentes experiencias”.

En el año 2013, junto a su hermano Guram, creó la firma Vetements, que vio la luz por

primera vez en París en el otoño de 2014. Vetements fue elegida por LVMH como finalista en el premio que otorgan a talentos emergentes y que ese año acabó recayendo sobre Marques´ Almeida. Pese a no ganar, Vêtements se convirtió en una etiqueta de referencia que introdujo la estética post-soviética en el mundo de la moda y transformó las reglas del juego, presentando conjuntamente colecciones de hombre y mujer o mezclando shows de temporada y pretemporada.

«No creo que la elegancia sea relevante. Vetements se trata de la calle, y en la calle no creo que la elegancia sea lo que la gente busca»

Los jóvenes de moda de hoy rechazan los binarios en favor de la pluralidad, y parecen desinteresados en los marcadores de estado de la vieja guardia, o tal vez una mejor manera de decirlo es que han asignado un estado a cosas desconocidas.

A medida que una nueva cohorte alcanza la mayoría de edad y se vuelve influyente, es una experiencia desestabilizadora para los mayores. Lil Nas X, Músico del año de GQ, lo expresó de esta manera en un perfil de portada reciente de Jeremy O. Harris: «Hay una nueva era de celebridades y no creo que mucha gente se sienta cómoda con eso. Pero creo que es genial. Siento que está derribando las paredes.»

Guram Gvasalia también ha marcado los turnos. Aunque él toma la idea desde su propio ángulo, la nueva colección Vetements asume estos cambios generacionales y culturales.

Diseño de Moda

Demna Gvasalia

Esta colección no se desvió mucho del código fuente de Vetements. La sastrería butch con sus fuertes líneas de hombros, los vestidos florales, los plumíferos y las parkas, todo es cosa probada. Y las camisetas y las sudaderas con eslogan son más inteligentes que nunca; El ejemplo de «El diablo no usa Prada», dijo Gvasalia, es una idea que anotó en su tabla de estado de ánimo hace algún tiempo, para una posible colaboración. Un estampado de llamas que apareció en un vestido cruzado y botas a juego, entre otras piezas más deportivas, se repitió desde la última vez que la marca estuvo en la pasarela, alrededor del otoño de 2020.

No hay fallas en este sistema, pero la verdad es que una o dos podrían no salir mal.

La energía bruta de un desfile de Vetements ha sido fundamental para el éxito de la marca desde sus inicios. ¿El problema con el 2D? No es 3D. Gvasalia parecía entusiasmada con la perspectiva de regresar a la pista después de la pandemia. “Volveremos al 100% en el momento en que podamos viajar”, prometió. A propósito de eso, un par de suéteres llevaban la palabra alemana freilandhaltung. Gvasalia dijo que tiene un doble significado: «rango libre» y «mente libre».

Síntesis Visual

Corte complejo del vestido

Conectados guantes con un vestido

Conectados zapatos a pantalones

Asimetría

Hombros anchos

Escote en V

Vestido ajustado

Tela de tercipielo azul Líneas rectas conexión de la máscarilla con la camisa

Diseño de Moda Demna Gvasalia

Thierry Mugler

Nació en Francia el 1948.

Es un diseñador francés. Es reconocido por ser el estilista y diseñador de grandes estrellas de la música y moda, entre ellas Beyonce, Lady Gaga y Rocío Jurado, por su colaboración con el Circo del Sol y con otras figuras como George Michael y los directores de cine Adrian Lyne y Robert Altman. Mugler comenzó su carrera como bailarín de clásico. Se mudó a París tras las revueltas de Mayo del 68, en pleno auge de Yves Saint Laurent, y comenzó a trabajar como diseñador. En 1973 presentó su primera colección femenina en el Café de Paris. El éxito le condujo a fundar su propia firma, Thierry Mugler, un año después.

Junto a Claude Montana y Jean Paul Gaultier, devolvió el brillo a la pasarela parisina en los años ochenta. Máximo responsable del auge de las hombreras, que simbolizaban un nuevo tipo de empoderamiento femenino, vanguardista, innovador y pop, las creaciones de Mugler, inspiradas en los cómics, la ciencia ficción o la zoología, marcaron una época caracterizada por la consolidación de la moda como espectáculo de masas, el nacimiento

de las supermodelos y el asentamiento de la prensa especializada.

Ejemplo de hombre orquesta, Mugler disparaba las campañas y controlaba la escenografía, la iluminación y el estilismo de sus desfiles, y aseguraba que la comodidad no era una de sus prioridades.

Con el fin del siglo XX, la moda se tornó austera y giró hacía el minimalismo, mermando el impacto de la estética de Mugler. En el año 2002, el modisto anunció su retirada del mundo de la moda aunque se mantuvo la línea de perfumes, propiedad de Clarins y una de las principales fuentes de ingresos de la casa, que, al contrario de lo que suele ser habitual, sigue contando con la supervisión personal del fundador. Mugler es el responsable del nombre, del concepto, del diseño del frasco y de las campañas de cada una de ellas.

«Creo que ahora es el dinero quien

le dice al artista lo que tiene que hacer, no es el artista quien le dice al dinero lo que tiene que hacer. Y las cosas se mueven muy rápido, lo cual es difícil, porque a veces necesitas más tiempo para ser creativo. Supongo que nadie tiene la boca tan ruidosa como yo. No se atreven a gritar en voz alta lo que piensan. Pero no puedes tomarte la moda demasiado en serio. Todo se trata de darle a la mujer que viste tu ropa algo de poder, algo de diversión, algo de servicio. Es genial convertirlo en arte. Pero primero, es un servicio para alguien»

La retrospectiva de Thierry Mugler en el Musée des Arts Décoratifs durante la Semana de la Moda de París se inauguró con una explosión propia del famoso modisto. Cardi B hizo acto de presencia, y los diseñadores Riccardo Tisci, Haider Ackermann y Christian Louboutin salieron a festejar al hombre cuyos poderosos espectáculos de la década de 1990 estaban llenos de supermodelos en creaciones fuera de este mundo.

En la mezcla estaba Casey Cadwallader. El joven estadounidense ha reavivado la llama Mugler desde su llegada a la etiqueta en 2018 al adaptar la estética curvilínea y corporal de la etiqueta para la generación atlética. Donde los corsés de Mugler eran rígidos —su icónico corsé de chasis de motocicleta de 1992 estaba hecho de plástico, metal y plexiglás— los de Cadwallader están construidos con elasticidad bidireccional. «Puedes atarte los zapatos, sentarte en un taxi, puedes respirar», dijo.

La innovación material y la aceptación de los extremos son esenciales para el éxito actual de Mugler. Hay un par de pantalones sin trasero en la nueva alineación, pero Cadwallader indicó que podría no haberlos diseñado si los clientes no estuvieran usando las medias transparentes y parcialmente opacas (léase: en su mayoría transparentes) que ha estado haciendo para el las últimas temporadas «sin ropa».

La noticia en Mugler esta vez es cómo está evolucionando su vibra hiper-sexy. En colecciones anteriores se inclinaba por el negro, pero aquí jugaba con capas de bloques de color de punto elástico con gran efecto, mezclando esmeralda, ultramar, burdeos y naranja brillante en un look y resaltador amarillo, azul marino y naranja en otro. Su otro experimento nació de una chuchería Mugler antigua con un spray de cadenas de serpientes doradas flexibles que encontró en un mercado de pulgas. “Me encantó cómo se movían las cadenas”, dijo. «Estaba buscando movimiento esta temporada». Consiguió versiones modernas de las cadenas y fabricó joyas para el cuerpo con ellas. Bella Hadid modela un intrincado collar con un traje en el nuevo video de la marca, aunque es probable que los fanáticos de Cadwallader lo usen solos.

Diseño de Moda Thierry Mugler

Spring/Summer 1992 Red Cowgirl

«Todas sus piezas teatrales se pueden encargar si estás dispuesto a pagar el precio», escribió la prensa sobre la colección de 1992 de Mugler inspirada en el oeste. Las modelos ensillaron y vistieron chaquetas de cuero deslumbrantes con sombreros de vaquero y corpiños a juego. No es de los que se asustan de la teatralidad, es Mugler en su mejor momento.

Spring/Summer 1992 Motorcycle Corset

Sin duda, una de las piezas más icónicas de la obra completa del diseñador es el corsé Harley Davidson que creó para su colección spring/summer 1992, que transformó a la mujer en máquina. En colaboración con el renombrado fabricante de corsés Mr Pearl, Mugler creó una de sus piezas más teatrales que puedes reconocer de la gira mundial 'I Am...' de Beyoncé en 2009. Al ver esta pieza en la exposición 'Superheroes' del Met, la cantante decidió que Tuvo que colaborar con el diseñador.

«Lo pasé muy mal viviendo en el mundo que se nos impone, soñé con crear otro mundo, a mi escala. Uno que era mío»

Martin Margiela

Nació en Bélgica en 1957.

Es un diseñador de moda belga. Graduado por la Real Academia de Bellas Artes de Amberes y asociado al grupo denominado ‘los Seis de Amberes’. Basa su trabajo en el movimiento del deconstructivismo, el reciclaje y la transformación. Martin Margiela es uno de los modistas más misteriosos de la industria de la moda. Jamás se deja fotografiar y no da ninguna entrevista directamente. Responde solamente a las cuestiones puestas indirectamente. Jamás se expresa en primera persona sino en nombre del colectivo que representa su empresa. El logotipo de su marca, muy discreto, está en consonancia con la personalidad del creador.

Considerado como uno de los creadores más atípicos y más vanguardistas de su generación, Martin Margiela funda en 1988 con Jenny Meirens su propia marca, la Casa Martin Margiela. Son reconocidos por las redactoras de moda tales como Melka Treanton de la revista Elle. En 1989, galardonado por la ANDAM. Su moda entra a los museos en 1991: el palacio Galliera de París presenta entonces su universo con los de sus priogénitos Jean Paul Gaultier, Jean-Charles de Castelbajac, así como la española Sybilla. En 1997, un museo

de Róterdam, el mismísimo museo Boijmanns Van Beuningen, le ofrece la oportunidad de realizar una exposición. Presenta allí una retrospectiva de sus ropas más característicos, después de haberlas sometido a un baño de bacterias diversas, y exponiéndolas por fuera en los jardines del museo. De esta manera, su aspecto era diferente cada día. En 2008, es en la vuelta del museo de Amberes de celebrar Martin Margiela, a través de una retrospectiva más clásica, los veinte años de creación de la Casa Martin Margiela. En 1998, realiza un desfile bajo la tutela de la marca Hermès.

«Difícilmente vale la pena vivir una experiencia que no cambia nada»

La colección Otoño / Invierno 1995 de Maison Martin Margiela

Se considera icónica principalmente por los colores en los que Martin (quizás el principal fanático del blanco en la industria de la moda) la tiñó: azul brillante, morado oscuro y fucsia. La abundancia de terciopelo también fue sorprendente: las modelos estaban vestidas con trajes de noche y las colas de algunas de ellas eran tan largas que cubrían casi toda la pasarela. Sobre los vestidos, se usaron finas correas de cuero, a las que se unieron largas borlas de cabello cortado con pelucas. Martin amaba el cabello desde la infancia; de niño, iba a la peluquería donde trabajaba su padre y observaba fascinado cómo cortaba el cabello a sus clientes.

Otra característica notable de este espectáculo son las máscaras en los rostros de los modelos. Había dos razones para usarlos. Primero, en los albores de su carrera, Martin aún no podía pagar altos honorarios a los participantes del programa, y con caras ocultas eran más baratos. La segunda razón es más romántica: el diseñador centró la atención de la audiencia en la ropa y no en quienes la muestran. Y luego, casi siempre recurrió a este truco e hizo que las máscaras fueran parte del ADN de Maison Martin Margiela, pintándolas y decorándolas con enormes piedras brillantes.

Técnicamente, Martin realizó dos colecciones para la temporada primaveraverano de 1993: una completamente blanca y una completamente negra. El día de la presentación, realizó dos espectáculos en diferentes partes de Montmartre al mismo tiempo. Algunos de los invitados recibieron invitaciones blancas, mientras que otros recibieron invitaciones negras. Si vienes con blanco al programa «negro», no te dejarán entrar. «Bueno, por supuesto, solo si no eres Rei Kawakubo», escribió American Vogue. En la galería de la revista, por cierto, no se conservó la parte negra del espectáculo, pero la parte clara fue verdaderamente romántica. Modelos con pestañas blancas postizas salieron a la pasarela con vestidos de gasa livianos, chalecos de traje entreabiertos, blusas transparentes y con verdaderas plantas verdes adheridas a su ropa.

Maison Martin Margiela Primavera / Verano 1993

Jean Paul Gaultier

Nació en Francia en 1952.

Es un diseñador de moda francés. Posee su propia marca de ropa, cuyo accionista mayoritario es la compañía española de moda y perfumes Puig. También fue director creativo de Hermés.

Este diseñador, eternamente joven y eternamente rubio oxigenado, nació y se crió en el barrio de Arcueil, en las afueras de París. Entró a trabajar en Pierre Cardin con tan sólo 18 años y, desde entonces, su trayectoria ha sido imparable.

Tras una estancia en Filipinas, de vuelta a París, en 1976, Gaultier presentó su primera colección, una especie de atentado contra el consabido buen gusto francés. “La verdad es que mi primer desfile no era muy bueno, pero me sirvió para dar el salto”, asegura él. No habría que esperar mucho para verle triunfar. Su quinto desfile ya fue un auténtico éxito. Sus creaciones, entre kitsch y marginales -una mezcla infinita de referencias-, le valieron el calificativo de enfant terrible. En 1997 abrió su casa de Alta Costura y con ella llegarían la legitimidad y el reconocimiento. Un reconocimiento que provocó que pocos años después fuera elegido para el cargo de director creativo en Hermès.

Provocador e iconoclasta, debutó en el diseño de moda masculina con una colección en la

que se saltaba a la torera las convenciones de género introduciendo faldas y corsés en el armario masculino. Con un taller en la Rue Saint Marton de la Ciudad de la Luz en el que emplea a más de 100 personas, algunos de sus diseños resultan indisociables de la cultura española, sobre todo sus trabajos con Almodóvar. “Almodóvar es la vida, el entusiasmo, el drama, la tragedia. Recuerdo el fitting de Kika como uno de los más duros de mi vida. Es un genio y en Francia se le admira muchísimo”.

Tras 50 años al frente de su firma epónima, el diseñador anunciaba que su desfile en la Alta Costura de enero del 2020 sería el último. “Gaultier Paris continuará con un nuevo proyecto del que soy instigador y que pronto daremos a conocer, publicaba en su perfil de Instagram.Tras 50 años al frente de su firma epónima, el diseñador anuncia que su desfile en la Alta Costura de París, coincidiendo con el aniversario de la marca, será el último.

«El impacto de la forma en que mezclo patrones y telas puede ser desconcertante, pero lo que estoy tratando de hacer es provocar nuevas ideas sobre cómo las piezas se pueden unir de diferentes maneras. Creo que esta es una forma más moderna de usar ropa que en sí misma es bastante clásica»

Cuando Jean Paul Gaultier anunció hace solo unos días que su desfile de alta costura de primavera de 2020 sería su adiós a una carrera que ha abarcado 50 años de moda en sus propios términos, Francia entró en duelo nacional. Lo que nadie sabía era que el diseñador organizaría un gran espectáculo final para recordar.

Pero qué espectáculo tan magníficamente inventivo, eufórico y conmovedor fue, una celebración de todos los valores que este diseñador único ha incorporado en su trabajo a través de cinco décadas de imaginación, humor, humanidad y alegría.

Gaultier mostró una impresionante apariencia de más de 200, pero ¿quién estaba contando? («Para ser honesto, ¡fue 10 veces más burdel que mis primeros shows que hice!», Bromeó Gaultier entre bastidores. «Sabía que tenía demasiado y que después limpiaré. Pero no limpié, en el ¡Al final lo puse todo! «)

Y realmente fue un espectáculo, presentado en el famoso Théâtre du Châtelet de París. Inaugurado en 1862 por la emperatriz Eugenia, este fue el escenario donde Nijinsky estrenó más tarde el escandaloso L’Après-midi d’un faune y donde se inauguró el desfile de ballet de Diaghilev con un innovador telón de fondo pintado por Picasso, el escaparate perfecto para este gran iconoclasta de la moda.

Muchas de las conversaciones que estamos

teniendo hoy, sobre temas como la diversidad, la fluidez de género, el reciclaje y la sostenibilidad, están integradas en el ADN de Gaultier. Desde su primer desfile en 1976, ha mostrado modelos pangeneracionales de todos los tamaños, géneros y etnias en su pasarela, porque reflejaban a las personas de la vida real en las calles que inspiraron su estilo.

Como explicó Gaultier entre bastidores de esas primeras colecciones anárquicas, «estaba reciclando cosas, porque al principio no tenía dinero. Así que estaba tomando cosas como jeans y camuflaje y haciendo cosas divertidas con ellos, ¡y ahora lo hice con mi alta costura!»

Ha puesto faldas a los hombres y ha convertido el corsé de un símbolo de la mujer oprimida en el de la mujer (o el hombre) que tiene el control absoluto. Él vistió a Madonna con un sostén cónico para su gira Blonde Ambition Tour de 1990; aunque debutó con el look de moda en su pasarela de otoño de 1984, primero había experimentado con él en su osito de peluche de la infancia (usaba papel de periódico en ese momento), como se revela en la secuencia de apertura lúdica de su cabaret 2018, Fashion Freak Show, en París. el legendario Folies Bergère, un éxito popular aquí y quizás un indicio de una futura carrera.

Como prometió Gaultier, tomó las ideas que primero exploró con un presupuesto reducido y las amplificó con todas las maravillas técnicas por las que sus notables

talleres de alta costura son famosos, y este es un diseñador impregnado de alta costura, habiendo trabajado junto a Pierre Cardin en el tierna edad de 18 años.

La colección se abrió con una secuencia de la parodia del fotógrafo William Klein en 1966 sobre el mundo de la moda, Qui êtes-vous, Polly Maggoo? con una sesión de fotos de moda protagonizada por Peggy Moffitt y otras luminarias modelo de la época organizada como un funeral. Luego se formó en el escenario un cuadro de dolientes de la vida real (arreglado por la afamada coreógrafa Blanca Li), entre ellos muchos de los modelos icónicos que han llevado su espíritu a las pasarelas de Gaultier a lo largo de los años, vestidos con piezas recicladas del archivo del diseñador. Entre la multitud vestida de negro, se podían ver los iconos de la pasarela de Gaultier a lo largo de las décadas, incluidos Anna Pawlowski (que modeló en los primeros desfiles del diseñador), Farida Khelfa (con impecables pantalones negros de traje smoking), Claudia Huidobro (como Frida Kahlo), Christine Bergström, Laurence Treil, Chrystèle Saint Louis Augustin, Estelle Lefébure, Yasmin Le Bon, Erin O’Connor y la trepidante Tanel Bedrossiantz (que más tarde se robaría el escenario con una chaqueta de motociclista de cuero negro con una manga transformada en una orgullosa pluma gallo joven).

Diseño de Moda

Jean Paul Gaultier

Chitose Abe

Chitose Abe es una diseñadora de moda, creadora de la firma nipona Sacai.

En 2020, Jean Paul Gaultier anunció que invitaría cada temporada a un diseñador a reinterpretar los códigos de su firma. La primera artista invitada sería Abe. “Admiro desde hace mucho tiempo la singular visión de Jean Paul por la feminidad subversiva y su originalidad, conceptos en los que trabajó desde un inicio. Es un verdadero honor tener la oportunidad de salvaguardar la maison como primera diseñadora de este proyecto”, afirmaba la japonesa.

Diseño de Moda Jean Paul Gaultier

https://twitter.com/viewabilitydsgn/

Iris van Herpen

Nació en Holanda en 1984.

Es una diseñadora de moda holandesa conocida por fusionar la tecnología con la artesanía tradicional de alta costura.

Ampliamente reconocida como una de las diseñadoras de moda más innovadoras, Iris van Herpen descubrió la moda por primera vez en el ático de su abuela, donde desenterró un minimuseo de prendas y disfraces que le abrió los ojos a otra década. Formada en ballet clásico y a lo largo de su carrera, la diseñadora ha estado fascinada por la fluidez y el entrelazado arte del movimiento. La danza voluble en la que el cuerpo y la mente se cruzan ha impulsado perpetuamente la filosofía de diseño sensorial de Van Herpen y ha allanado el camino para formas de moda más conscientes.

Contemplar el movimiento como una fuerza metamórfica permite que estas prendas etéreas se extiendan desde el cuerpo humano, esculpiendo sus formas en siluetas multidimensionales. El movimiento agrega otra capa al oficio de la marca. La visión de Van Herpen está guiada por la anatomía humana y la forma en que se mueve la mujer, lo que hace que estas prendas de aspecto de otro mundo sean adoradas por la clientela de todo el mundo.

El trabajo de Van Herpen está profundamente arraigado en la naturaleza. Su belleza, misterio y caos son aspectos en los que se inspira el diseñador. Los elementos de agua, aire y tierra y su traducción en formas licuantes, diáfanas o texturizadas esculpen los diseños celestes. Por ejemplo, las infinitas propiedades que aluden al movimiento, como las fuerzas libres y la fluidez detrás del agua o sus formaciones cristalinas, son facetas que fluyen en los diseños. Aventurarse en territorios inexplorados a menudo significa desafiar los parámetros de las disciplinas, expandir el interés de Van Herpen en territorios menos explorados dentro de la naturaleza, como la amplia red de madera, ondas sonoras, patrones cimáticos, sinapsis, magnetismo, simbiosis, voltaje o movimiento cinético. A través de la biomimetismo, la maison visualiza y materializa las fuerzas invisibles que dan forma a nuestro mundo, perpetuando una profunda sensación de presencia orgánica.

«Esos años de danza me enseñaron mucho sobre mi cuerpo, la transformación del movimiento, la ‘evolución’ de la forma y cómo manipular tanto la forma como el movimiento. Mi interés por la moda tenía sus raíces en la danza, en la que ahora soy capaz de transformar este conocimiento cinestésico en nuevas formas y materialidad»

La sensación de libertad que Iris van Herpen explora en su inolvidable colección Earthrise es completamente diferente a la del ondear banderas que celebran los estadounidenses en el Día de la Independencia. Para esta ex bailarina, la libertad siempre está asociada de alguna manera al movimiento. Van Herpen ha colaborado con Domitille Kiger, la campeona del mundo de paracaidistas francesa, que ahora es, según cree el diseñador, la primera atleta de este tipo en usar alta costura durante una actuación aérea. Sin embargo, ser el primero no es la parte más notable de este proyecto. Como es típico de esta diseñadora holandesa, todo, incluido su enfoque, los materiales que elige y el significado de su trabajo, tiene varias capas y hay mucho que desempacar.

«Al principio es mi fin», escribió el poeta TS Eliot, y en una colección centrada en los círculos, parece apropiado comenzar con el aspecto final de Kiger, que es una hazaña de ingeniería que combina ingeniosamente el trabajo manual y el tejido tecnológico con el rendimiento y la función. .

Van Herpen siempre se pregunta qué puede ser la alta costura, incluso al sugerir que la impresión 3D puede ser tan única como una prenda cosida a mano. Ha formado una alianza con la ciencia y trabaja habitualmente

con personas ajenas a la industria de la moda para aportar nuevas perspectivas. Ella eligió a Kiger, dijo, porque «creo que es solo una figura muy simbólica para encarnar las cualidades femeninas que estaba buscando. Es realmente la libertad de la aventura y la fuerza de poder superar tus miedos, y de estar tan ansioso por crear que puedes llegar lejos para superar tus propios límites «.

La creación del vestido de Kiger fue una forma para que la diseñadora llevara su técnica y visión a nuevas dimensiones, e involucró muchas pruebas y errores, muchos de los cuales se llevaron a cabo en túneles de viento utilizados para paracaidismo en interiores. El desafío que se propuso Van Herpen fue «fusionar la delicadeza de la artesanía con la durabilidad extrema que se necesita dentro de este salto, de modo que realmente se coloquen dos opuestos en el medio». Ella continuó: «Fue realmente un desafío porque debo admitir que cuando comencé tenía muchos conceptos erróneos sobre lo que funcionaría y lo que no». El resultado final, un vestido en una mezcla de azules, es delicado y duradero, y sin disculpas femenino. Esto fue importante para van Herpen, quien señala que Kiger trabaja en un campo dominado por los hombres.

La colección no ignora lo terrenal; hay 18 looks para los que solo sueñan con volar.

Van Hepen continuó su colaboración con Parley for the Oceans esta temporada, lo que significa que muchos de los materiales que utilizó están hechos de plástico reciclado. El diseñador también trabajó con varios artistas, incluidos James Merry para las joyas faciales y Rogan Brown, que crea esculturas en capas cortadas a mano que se basan en la forma de la ilustración de las ciencias naturales. El taller incorporó elementos de su meticulosa técnica en sus propios procesos con un efecto particularmente fuerte en los vestidos blancos de encaje. Van Herpen también desarrolló un vestido cinético inspirado en esferas con Casey Curran. “Esta vez, en lugar de enfatizar la turbulencia de nuestros planetas, en realidad está más relacionado con el efecto mariposa, que cada movimiento que haces tiene un efecto en otra cosa ... cada esfera está interconectada, así que cuando una mueve todas las demás se mueven en oleadas «.

La interconexión de todas las cosas es la preocupación constante de Van Herpen. Esta temporada se retiró para tomar una vista con visión de futuro desde arriba, con la ayuda de una foto tomada desde el Apolo 8, que muestra la tierra como una frágil «canica azul» suspendida en un vasto universo. “La perspectiva de que los seres humanos somos la parte más dominante e importante de este planeta es, por supuesto,

Diseño de Moda

Iris van Herpen

Alexander Mcqueen

Nació en Lewisham en 1969. Murió en 2010.

Fue un diseñador de moda inglés. Es conocido por haber trabajado como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 a 2001 y por fundar su propio sello, Alexander McQueen.

Alexander McQueen es considerado un genio de la moda. Muchos lo consideran un artista más que un diseñador. Su estilo se caracterizaba por una enorme brutalidad acompañada de un profundo lirismo. Son decenas los adjetivos que podrían calificar el estilo de McQueen, aunque originalidad, extravagancia, provocación y maestro de los fantástico son algunas de las palabras que definirían los diseños del artista. Modelos imposibles inspirados en cuentos de hadas,

colecciones fúnebres y oscuras contrapuestas a otras donde el color era el fuerte de la serie, cinturas ceñidas, hombros exagerados... McQueen siempre será recordado por el genio de la moda más transgresor y atormentado de su tiempo.

«Por supuesto que cometo errores. Soy humano. Si no cometiera errores, nunca aprendería. Solo puedes avanzar cometiendo errores.»

Untitled SS98

McQueen estaba muy interesado en la naturaleza y Untitled era su elemento. Literalmente. Las luces ultravioleta destellaron; el estallido de truenos y relámpagos sacudió el almacén vacío. Los modelos surgieron en una mezcla pura y con flecos combinada con una arrogancia adecuada. Pero el espectáculo apenas había comenzado. Le siguió la sastrería que mostraba más que un poco de carne, al igual que los hombres con tacones sujetos por corsés ultrafemeninos. Y justo cuando pensaban que todo había terminado, se oyó un trueno y una lluvia dorada cayó a cántaros. Donde antes la paleta era neutral salvo por el extraño destello de amarillo peligro, esta vez, había cambiado a blanco puro. Los diseños empapados se volvieron transparentes, sin dejar nada para que la procesión de McQueen se escondiera. Sin embargo, estas mujeres eran fuertes bajo su lluvia dorada. (Que casualmente era el nombre original de McQueen para el programa hasta que los patrocinadores lo cerraron).

Diseño de Moda Alexander Mcqueen

NO. 13 AW98

NO. 13 resultó no tener tanta mala suerte. Con los espectadores colocados en los cuatro lados del espacio del espectáculo, la pasarela se sumergió en la oscuridad. La atleta discapacitada Aimee Mullins abrió en un par de miembros inferiores de madera diseñados por McQueen. Primera estrella de oro por cuestionar la perfección y la verdadera definición de belleza. Cada prenda fusionaba el futuro con el pasado: metálicos fluidos con cuello alto, V pronunciadas con siluetas tridimensionales. Fueron los accesorios los

Diseño de Moda Alexander Mcqueen

que dieron ese toque mágico final. Quizás algunos estaban demasiado fascinados para notar dos máquinas anodinas inactivas. Sin embargo, cuando llegó el momento final con Shalom Harlow dando vueltas con un voluminoso vestido con cinturón justo en el medio, la gente prestó atención. Los artilugios, ahora reconocibles como rociadores de pintura para automóviles, cobraron vida y la empañaron con líneas negras y amarillas. No es de extrañar que el No. 13 haya sido bautizado como la mejor colección de la historia de McQueen.

Zaha Hadid

Nació en Bagdad en 1950. Murió en 2016.

Fue una arquitecta anglo-iraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo.

Gran parte de su trabajo fue de carácter conceptual, sus bosquejos buscaban la «abstracción artística», buscaban explorar y experimentar con las geometrías, con los espacios, con las emociones del usuario. El dibujo le daba la libertad para explorar conceptos que luego aplicaría al diseño arquitectónico formal.

Zaha fue educada en Bagdad, en una escuela regentada por monjas católicas francesas, y

continuó parte de su educación secundaria en Suiza y Gran Bretaña. Regresó a Oriente Medio para estudiar Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut entre 1968 y 1971. Después de obtener su título regresó a Londres para estudiar en la Architectural Association de Londres donde obtuvo su diploma en 1977. En la AA fue alumna de Rem Koolhaas y de Elia Zenghelis, de los que posteriormente sería socia en Office for Metropolitan Architecture. En 1979, estableció su propio estudio en Londres. También dio clases hasta 1987 en la Architectural Association.

«A pesar de nacer en una familia acomodada y no tener dificultad económica, se ha encontrado con ciertos obstáculos solo por su condición de mujer, árabe, extranjera y por su peculiar y novedosa mentalidad. A pesar de ello ha sabido superarlos con creces, apoyándose siempre en su capacidad de ser libre y poder hacer lo que ella quisiera.»

Alphadome

Al igual que dos brazos que se abren en un abrazo, el proyecto ofrece a la ciudad un nuevo espacio urbano organizado en torno a una plaza central. Se establece un «Valle de la Innovación», ya que dos volúmenes escalonados que contienen el programa de oficinas completan el perímetro del sitio y se conectan con dos edificios existentes al sur. Esta conexión permite un flujo continuo entre la plaza pública y el programa público en los niveles inferiores del edificio y con las zonas semipúblicas en los pisos superiores y permite el acceso a la disposición por capas de espacios verdes al aire libre, en línea con la estrategia más amplia de esta parte de la ciudad. donde predominan las zonas ecológicas con grandes espacios verdes y parques. De manera similar, el programa comercial se integra en los servicios públicos y establece un equilibrio dinámico entre el trabajo, la Interacción social, la cultura y la relajación En el entorno natural, tanto los ejes urbanos existentes norte/sur como este/oeste se mejoran aún más con la propuesta, a través de la articulación de la puerta norte y el adorno distintivo de los volumos hacia el sur.

Al Janoub Stadium

Inaugurado el 16 de mayo de 2019 con la celebración de la Final de la Copa Amir de la Liga nacional de fútbol de Qatar Stars, el Estadio Al Janoub fue el primer estadio nuevo encargado para la Copa Mundial de la FIFA Qatar 2022.Zaha Hadid Architects (ZHA), junto con Aecom, comenzaron a diseñar el estadio junto con su nuevo recinto para la ciudad en marzo de 2013. Como una de las ocho sedes de la Copa del Mundo de Qatar. El estadio Janoub albergará partidos de grupos y cuartos de final del torneo y se encuentra en Al Wakrah, una ciudad costera a 23 km al sur de Doha conectada con la capital a través de la Línea Roja del nuevo sistema de metro de Doha.

Frank Lloyd Wright

Nació en Estados Unidos en 1867. Murió en 1959.

Fue un arquitecto, diseñador de interiores, escritor, y educador estadounidense, que diseñó más de mil estructuras, de las cuales se completaron 532.

Wright proponía el diseño de estructuras que estuviesen en armonía con la humanidad y el entorno que las rodeaba, una filosofía conocida como arquitectura orgánica.

Fue el iniciador del movimiento Prairie School, desarrollando el concepto usoniano de la vivienda. En 2019, ocho obras de Wright fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio

existente hasta entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar unas zonas de otras, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando los cerramientos sólidos innecesarios. Con todo ello, Wright estableció por primera vez la diferencia entre «espacios definidos» y «espacios cerrados».

«La naturaleza es mi manifestación de Dios. Voy a la naturaleza todos los días en busca de inspiración en el trabajo del día»

Arquitectura Frank Lloyd Wright

Museo Solomon R. Guggenheim

Rebay y Wright concibieron el edificio como un «templo del espíritu», un espacio en el que se facilitara una nueva forma de admirar las piezas de arte moderno de la colección. En su carta, Rebay le escribió a Wright que «cada una de las obras maestras de la colección debería ser organizada en el espacio, y solo tú... podrás encontrar la posibilidad de hacerlo... quiero un templo del espíritu, un monumento». El crítico Paul Goldberger señaló, antes de que Wright concluyera su edificio modernista, que «solo había dos diseños comunes para museos: el Beaux

Arts y el estilo Internacional». Goldberger consideró al edificio como un catalizador para el cambio, y señaló que era «social y culturalmente aceptable para un arquitecto, un diseño para el museo altamente expresivo e intensamente personal. En ese sentido, cada uno de los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim».

El diseño en espiral asemejaba la concha de un Nautilus, con espacios continuos fluyendo libremente unos entre otros. Incluso cuando el edificio adoptaba la naturaleza, el diseño de Wright también expresaba su toma sobre la rígida geometría de la arquitectura moderna.

Wright designó un significado simbólico a las formas del edificio; añadiendo que «las formas geométricas sugieren ciertas ideas humanas, estados de ánimo y sentimientos - por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; el espiral, el proceso orgánico; el cuadrado, la integridad». Estas formas hacen eco unas con otras: las columnas ovaladas, por ejemplo, retiran la geometría estructural de la fuente. La circularidad de las figuras es el leitmotiv (motivo central) , desde la rotunda hasta el diseño incrustado en los pisos de la terraza.

The Circular Sun House

A principios de 1959, Wright diseñó una casa para Norman y Aimee Lykes en Phoenix (Arizona), justo antes de completar el icónico Guggenheim de Nueva York. Tenía 91 años en ese momento y, durante su larga carrera, fue pionero en el movimiento de la Escuela Prairie, fusionando líneas bajas y líneas rectas junto a materiales orgánicos en el entorno natural. La casa de unos 285 m2 es una de las 14 que Wright diseñó con formas redondeadas, usando paredes curvilíneas y ventanas de vidrio que parecen fundirse con el desierto que la rodea. La residencia de dos pisos cuenta con tres dormitorios y tres baños y está completamente amueblada con una decoración moderna de mediados de siglo (incluidos los muebles diseñados por Wright) y paneles de caoba filipina. La propiedad abarca más de 5.260 m2 al borde de la Reserva de las Montañas de Phoenix con espectaculares vistas panorámicas sobre Palm Canyon.

Arquitectura Frank Lloyd Wright

Louis Isadore Kahn

Nació en Kuressaare, el Imperio ruso (Ahora Estonia) en 1901. Murió en 1974.

Fue un renombrado arquitecto asentado en Filadelfia

Su trabajo también se caracteriza por seguir la línea de Le Corbusier, incorporándole una crítica tipológica de la arquitectura y una búsqueda constante de la nueva poética.

Kahn fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. A sus edificios monumentales y atemporales les incorpora una «construcción reflexiva de los espacios» —como él mismo definió su trabajo—. Sus temas principales son la materialidad y la luz, a través de la simpleza y pulcritud del hormigón visto y el ladrillo acentúa el carácter monolítico de sus edificios. Por otro lado, al interior, el manejo de la luz en todas sus obras aporta un dramatismo con el que

busca transmitir el alma y voluntad de los materiales.

A partir de los años 50, Louis Kahn explorará un nuevo tipo de espacio en el que la materia, la estructura y la luz están íntimamente relacionados y son los elementos para crear un espacio humanizado. En su proceso de proyecto sigue una secuencia en la que la materia crea el muro que va disolviéndose en columnas entre las cuales se introduce la luz para hacer del espacio interior un mundo habitable y, por ende, humano. De este modo supera la premisa de la ortodoxia moderna en la que la estructura, el cerramiento y el espacio eran categorías independientes.

«La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da forma a ese espacio. La luz artificial es sólo un breve momento estático de la luz, es la luz de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla de las estaciones.»

Jatiyo Sangshad Bhaban

(Edificio de la Asamblea Nacional) en Dhaka, Pakistán Oriental (ahora Bangladesh) fue el último proyecto de Kahn, desarrollado de 1962 a 1974. Kahn obtuvo el contrato de diseño con la ayuda de Muzharul Islam, uno de sus estudiantes en la Universidad de Yale, quien trabajó con él en el proyecto. El edificio

Arquitectura

del Parlamento de Bangladesh es la pieza central del complejo de la capital nacional diseñado por Kahn, que incluye hostales, comedores y un hospital. Según Robert McCarter, autor de Louis I. Kahn, «es uno de los mayores monumentos arquitectónicos del siglo XX, y es sin duda la obra maestra de Kahn.

El Museo de Arte Kimbell

Presenta tramos repetidos de bóvedas de cañón en forma de cicloide con rendijas de luz a lo largo del vértice, que bañan la obra de arte en exhibición con una luz difusa en constante cambio.

Louis Isadore Kahn

Antonio Citterio

Nació en Meda en 1950.

Es un arquitecto, diseñador de muebles y diseñador industrial italiano que vive y trabaja en Milán

Con tan solo 22 años abrió su propio estudio de diseño en 1972 y tres años más tarde se licenció en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Milán. Pasarían unos años hasta que decidiese unir su trayectoria profesional con la del que fue su socio, Terry Dwan, desde 1987 hasta 1996, proyectando edificios por toda Europa y Japón. Durante esos años su amplio bagaje en el sector derivó en un importante reconocimiento cultural de su obra siendo galardonado con el premio «Compasso dOro» ADI.

En 1999 funda junto a la artista Patricia Viel la que es su empresa actual: Antonio Citterio and Partners. El estudio desarrolla proyectos de gran envergadura a nivel internacional y en actuación conjunta con una amplia red de consultores multidisciplinares especializados. También ha sido profesor de proyección arquitectónica en la Academia de Arquitectura de Mendrisio (Suiza). En 2008 sería de nuevo galardonado con el título honorífico de «Royal Designer for Industry»

por la Royal Society for the encouragement of Arts, Manufactures & Commerce de Londres. En el presente Antonio Citterio colabora en el diseño de productos de mobiliario para firmas italianas y extrajeras como Arclinea, B&B Italia, Flexform, Flos, Fusital, Hermès, Kartell, Maxalto, Technogym, Tre Più y Vitra. Queremos destacar algunas de sus piezas más reconocidas que encontramos dentro de su colección para Vitra.

La actividad requiere la renovación urbana de la zona y su conversión para uso residencial. La reconfiguración total de los volúmenes de la zona ha sido posible debido al carácter autónomo de la construcción: un edificio aislado en el interior de un jardín cerrado, con paredes a lo largo de la calle y rodeada por un recinto transparente hacia la vegetación, permitiendo a los residentes percibirla como una sola zona verde continua con el Parque Solari.

Arquitectura

La principal fortaleza de la zona elegida para la creación de la Villa Technogym es su posición cerca de la autopista A14, salida Cesena. Dado que la fachada del edificio da a la autopista, las instalaciones podrán disfrutar de una gran visibilidad y se convertirá en un punto de referencia para los conductores de automóviles y, además, se facilitará la movilidad de los vehículos de la empresa. El «Technogym Village» que reúne otros edificios de oficinas, el centro de bienestar y los laboratorios del grupo R&D, miran hacia el parque. El nuevo edificio de oficinas (bloque B), que se desarrolla linealmente a lo largo de la nave industrial por 200 metros (bloque D), distribuidos en cuatro plantas que proporcionan una superficie total de unos 10.700 metros cuadrados, se construirán junto a la planta de producción, con el fin de complementar las unidades funcionales que se han incluido en el proyecto más grande de Technogym.

Arquitectura Antonio Citterio

Olafur

Eliasson

Nació en Copenhague en 1967.

Es un artista danés conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala, realizadas con materiales como la luz y el agua, y por sus juegos con elementos como la temperatura del aire para sorprender al espectador.

Olafur Eliasson nació en Copenhague en 1967, hijo de Elías Hjörleifsson e Ingibjörg Olafsdottir. Sus padres habían emigrado desde Islandia en 1966; su padre era cocinero y su madre costurera. Cuando Olafur tenía ocho años sus padres se separaron, por lo que comenzó a vivir con su madre y su padrastro, un corredor de bolsa. Elías Hjörleifsson, ahora artista, regresó a Islandia, en donde Olafur solía pasar las vacaciones.

Olafur ha participado en distintos proyectos realizados en espacios públicos, incluyendo su intervención Green River, llevada a cabo en varias ciudades entre 1998 y 2001. Con el arquitecto noruego Kjetil Thorsen diseñó el pabellón de 2007 de la Serpentine Gallery, una galería londinense que cada año encarga a un estudio de arquitectura de fama internacional la creación de un pabellón temporal como marco para otras actividades culturales. En 2008 montó The New York Waterfalls, obra encargada por el Fondo de Arte Público.

Carrera artística

Olafur recibió el título de la academia en 1995, después de haberse trasladado (en 1993) a Colonia por un año y luego a Berlín, donde estableció su estudio. En primera instancia, el estudio fue ubicado en una antigua estación de tren justo all lado de Hamburger Bahnhof;después, en 2008, se trasladó a una antigua fábrica de cerveza en Prenzlauer Berg.

En 1996, Olafur comenzó a trabajar con Einar Thorsteinn, un arquitecto experto en geometría y amigo de Buckminster Fuller. La primera pieza que crearon juntos fue llamada 8900054, una cúpula de acero inoxidable de 9.14 metros de ancho y 2.13 metros de altura, diseñada para ser vista como si estuviera creciendo desde el suelo; la ilusión está bien lograda y la pieza parece tener mucho mayor desarrollo y estructura bajo la superficie. El conocimiento de Thorsteinn de la geometría y el espacio se ha integrado en la producción artística de Olafur, apareciendo, a menudo, en sus pabellones, túneles y proyectos de cámara oscura.

Para muchos proyectos, Olafur ha trabajado en colaboración con especialistas en diversos campos, entre ellos los arquitectos Thorsteinn y Sebastian Behmann (colaboradores frecuentes), el autor Svend Åge Madsen (The Blind Pavilion), el arquitecto paisajista Gunther Vogt (The Mediated Motion), el arquitecto

teórico Cedric Price (Chaque matin je me sens différent, chaque soir je me sens le même), y el arquitecto Kjetil Thorsen (Serpentine Gallery Pavilion, 2007). Hoy, el Estudio Olafur Eliasson es un laboratorio de investigación sobre el espacio que emplea a un equipo de 30 arquitectos, ingenieros, artesanos y ayudantes que trabajan juntos para conceptualizar, probar y construir instalaciones, esculturas y proyectos a gran escala por encargo.

Como profesor de la Universidad de las Artes de Berlín, Olafur Eliasson fundó el Instituto de Experimentos Espaciales (Institut für Raumexperimente, IfREX), inaugurado en su estudio en abril de 2009.

Es una obra de arte específica del sitio instalada en el túnel que une el edificio Nancy y Rich Kinder y la Escuela de Arte Glassell en el Museo de Bellas Artes de Houston. La obra consta de veinte esculturas de luz angulares suspendidas a lo largo del túnel. Cada escultura contiene tres lámparas monofrecuencia dentro de un marco de acero bipiramidal negro. Las lámparas infunden el espacio con una longitud de onda estrecha de luz amarilla que reduce el rango espectral de los espectadores a tonos de amarillo y gris. Al limitar el espectro de color perceptible a un solo tono monocromático, la obra de arte aumenta la conciencia de los visitantes, dotándolos de una sensación de

visión hiperdetallada.

Instalaciones con luces

Olafur ha desarrollado diversos experimentos con la densidad atmosférica en espacios expositivos. Room For One Colour (1998) era un pasillo iluminado por tubos de monofrecuencia amarilla, los participantes se encontraban en una habitación llena de luz que afectaba la percepción de todos los demás colores. Otra instalación, 360 degrees Room For All Colours (2002), es una escultura redonda donde los espectadores pierden su sentido del espacio y la perspectiva, experimentando el ser subsumido por una luz intensa. La más reciente instalación de Olafur, Din blinde passager (Your blind passenger) (2010), encargada por el Museo Arken de Arte Moderno, es un túnel de 90 metros de largo. Al entrar en el túnel, el visitante se encuentra rodeado por la niebla densa. Con una visibilidad de tan solo 1.5 metros, deben utilizar otros sentidos para orientarse en relación a su entorno. Para Feelings are facts, la primera colaboración de Olafur con el arquitecto Yansong Ma, así como su primera exposición en China, en la galería Ullens Center for Contemporary Art, Olafur introdujo bancos niebla producida artificialmente y cientos de luces fluorescentes se instalaron en el techo como una red de zonas rojas, verdes y azules.

Expocisiones

Olafur presentó su primera exposición individual con Nicolaus Schafhausen en Colonia en 1993, antes de trasladarse a Berlín en 1994. En 1996, Olafur expuso por primera vez en Estados Unidos en la Galería Tanya Bonakdar. El San Francisco Museum of Modern Art (Museo de Arte Moderno de San Francisco) organizó la primera gran presentación de Olafur en Estados Unidos: Take Your Time: Olafur Eliasson, abierta del 10 de septiembre de 2007 al 24 de febrero de 2008; la exhibición fue organizada por la directora del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Madeleine Grynsztejn (entonces Elise S. Haas, curadora de pintura y escultura del SFMOMA), dicha presentación expandiría la carrera de Olafur de 1993 y hasta 2007.

La exposición incluía instalaciones específicas, entornos inmersivos a gran escala: escultura, fotografía y obras especiales vistas como una sucesión de habitaciones y pasillos. El puente de luz del museo se convirtió en una instalación llamada One-way colour tunnel. Después de su debut en San Francisco, la exposición se embarcó en una gira internacional para el Museo de Arte Moderno, el PS1 Contemporary Art Center, Nueva York (2008), el Museo de Arte de Dallas, Texas (2008-09), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (2009) y el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (2009-10).

Olafur ha tenido, también, importantes exposiciones individuales en Kunsthaus Bregenz, Musée d’Art Moderne, París, ZKM (Centro de Arte y Medios de Comunicación),

Karlsruhe (2001), Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2004); Hara Museum of Contemporary Art, Tokio (2006); el Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Ishikawa (2009); el Martin-Gropius-Bau, Berlín (2010) y la Fundación Langen, Museumsinsel Hombroich, Neuss (2015). Eliasson, también, ha aparecido en numerosas exposiciones colectivas, incluyendo la Bienal de São Paulo, de Estambul (1997), de Venecia (1999, 2001 y 2005) y el Carnegie International (1999).

En 2019, la prestigiosa galería Tate Modern de Londres dedica una exposición individual a la obra de Eliasson en la que se presentan obras nunca antes vistas en el Reino Unido. El artista también ha creado un menú para la ocasión, inspirado en platos que cocina en su estudio de Berlín.

Diseño

Contenido Video

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Emiliana Design Studio

Fundado a finales de los 90.

Es un estudio de diseño fundado por Ana Mir, diseñadora valenciana afincada en Barcelona y el diseñador industrial Emili Padrós.

La relevancia del concepto en el proceso creativo, la indagación en el contexto histórico, social y cultural, la experimentación con los materiales, la exploración de nuevas tipologías, la involucración activa del usuario, la búsqueda de un gesto poético, la atención por los detalles y un sentido del humor particular, son aspectos fundamentales que emergen en los proyectos de emiliana design studio.

Sus diseños, ideas y conceptos han recorrido exposiciones internacionales, en el MoMA de Nueva York, Milán, París, Tokio, Sidney… y algunos de ellos forman parte de las colecciones permanentes de FNAC Fond National d’Art Contemporain de Francia, Museum of Art of Indianapolis de Estados Unidos y del Museo de Artes Decorativas de Barcelona.

«Trabajamos en proyectos que nos planteen un cierto reto y los afrontamos siempre con tanta generosidad y entusiasmo como con el máximo rigor técnico, ya sea un producto industrial, una pieza única, un espacio, una exposición…»

Una colección de taburetes que explora el potencial expresivo y estructural de la madera contrachapada doblada. El taburete Naoshima combina cuatro piezas idénticas para construir el asiento, cuya prolongación conecta con las patas de madera maciza, creando un taburete sólido y estable.

Garbet es una pieza cerámica modular de líneas “amables” y curvas que presentan una revisión contemporánea de las tradicionales celosías mediterráneas, tanto para espacios exteriores como interiores. La versatilidad y facilidad de instalación de esta pieza facilita la creación de infinitas configuraciones a espacios establecidos. Una de sus principales innovaciones es la habilitación de celosías curvas autoportantes que se separan de la pared. Garbet se puede producir en diferentes colores de arcilla. Además, las técnicas de vidriado sobre la arcilla permiten una amplia gama de colores y reflejos.

Diseño de Producto

Emiliana Design Studio

Emiliana Design Studio

Fundado a finales de los 90.

Es un estudio de diseño fundado por Ana Mir, diseñadora valenciana afincada en Barcelona y el diseñador industrial Emili Padrós.

Nace a finales de los 90 de la mano de Ana Mir y Emili Padrós recién graduados en diseño en un MA en Diseño Industrial por la Central Saint Martins de Londres. Desde los inicios su estudio se caracteriza principalmente por favorecer un enfoque transversal en la disciplina del diseño, que le ha permitido desarrollar una trayectoria profesional sólida, diversa y rica en proyectos.

La relevancia del concepto en el proceso creativo, la indagación en el contexto histórico, social y cultural, la experimentación con los materiales, la exploración de nuevas tipologías, la involucración activa del usuario, la búsqueda de un gesto poético, la atención por los detalles y un sentido del humor particular, son aspectos fundamentales que emergen en los proyectos de emiliana design studio.

Emiliana design studio

Valencia, 1969

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politecnica de Valencia (1987-1992).

Becada por el IMPIVA para realizar Master de Diseño industrial Design MAID en Central Saint Martins School of Arts and Design de Londres del 1992 al 1994.

Entre el 1996-1999 colabora con el arquitecto Oscar Tusquests.

Es colaboradora en docencia profesora de proyectos en Elisava Escola Superior de Disseny y en el Instituto Europeo del Diseño IED.

Emili Padrós Ferrer

Barcelona, 1969

Diseño Industrial en la Escuela Elisava de Barcelona (1987-1991). Master de Diseño industrial Design MAID en Central Saint Martins School of Arts and Design de Londres del 1992 al 1994. Desde 1996 colabora con Elisava Escola Superior de Disseny como coordinador y profesor de proyectos en grados, postgrados y masters.

En la actualidad, colabora como docente en el Instituto Europeo del Diseño IED.

Fue miembro de la Junta del FAD entre el 2001 al 2005, donde participó en la organización del Any del Disseny Barcelona en 2003.

Ana Mir Prieto

Patricia Urquiola

Nació en España en 1961.

Es una arquitecta y diseñadora española.

Su acercamiento al diseño, expresivo, sensual, matérico ha removido la forma de entender el acto de sentarse, de trabajar, de iluminar y hasta de viajar. Su producción refleja su infinita capacidad de trabajo y su carácter intenso: oficinas, hoteles, tiendas, mobiliario, objetos de todo tipo y la dirección creativa para dos grandes como Cassina y Haworth.

Patricia Urquiola estudió arquitectura y diseño en la Universidad Politécnica de Madrid y completó sus estudios en el Politecnico di Milano donde se graduó bajo la tutela de Achille Castiglioni. Los aspectos más destacados de su carrera incluyen: Profesora asistente de Achille Castiglioni y Eugenio Bettinelli en Milán y París, responsable de la oficina de desarrollo de nuevos productos de De Padova, trabajando con Vico Magistretti, director del grupo de diseño de Lissoni Associati.

«La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da forma a ese espacio. La luz artificial es sólo un breve momento estático de la luz, es la luz de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla de las estaciones.»

Bolon

Inspirada en la tradición japonesa del bordado Sashiko, Bolon de Patricia Urquiola es una colección de suelos de alta gama con colores suaves, detalles de costuras característicos y patrones en forma de parche.

Sashiko es sinónimo de artesanía, sentido de la materialidad: el mismo concepto textil se aplicó al suelo.

La colección consta de un diseño que viene en cuatro colores; gris, beige con detalles en azul, un rosa de color arcilla y un verde tranquilo. El suelo viene en rollo, está fabricado en Suecia, contiene material reciclado y es particularmente fácil de mantener.

El característico aspecto tridimensional de los suelos BOLON añade una sensación táctil a cualquier interior.

Diseño de Producto

Patricia Urquiola

Raiz y Cascas

Raiz y Cascas, diseñados para el debut de ETEL International, la primera apertura de la empresa brasileña de muebles hacia diseñadores no brasileños, son el resultado de una investigación innovadora en materiales y alta artesanía. Las dos colecciones están hechas de madera amazónica certificada FSC de ETEL con diseños atrevidos que subrayan el uso de este material precioso, combinado con restos que alguna vez fueron desechos. Para la consola y las mesas de centro Raiz, las partes superiores son de Marwoolus, desarrollado por Marco Guazzini, un abono de desperdicios de mármol e hilos de lana que reproducen las vetas del mármol. Se piensa que la redondez suave de la mesa auxiliar Cascas y el carrito de té muestran la calidad de la madera utilizada, mientras que las bandejas superiores son desarrolladas exclusivamente por ETEL utilizando resina natural y virutas de madera sobrantes de la producción.

Martín Azúa

Nació en el País Vasco.

Es un artista y diseñador español.

Su formación de Bellas Artes confiere a su obra un carácter especulativo y experimental. Uno de sus primeros proyectos fue la “Casa Básica” una radical interpretación de un refugio nómada, que desde el año 2007 forma parte de la colección del Moma de New York. Es un apasionado observador de la naturaleza que incorpora en muchos de sus trabajos especialmente en las piezas de cerámica que diseña. Reivindica la utilización de la artesanía para salvaguardar la diversidad natural de la cultura material y tecnológica, colaborando con artesanos de diferentes oficios.

Paralelamente a su trabajo más personal ha diseñado productos y espacios para importantes empresas e instituciones.

Entre las que se pueden destacar: El diseño de las primeras medallas de agua para los Campeonatos del Mundo de Natación Barcelona 2003, El diseño de la exposición “Sed” para la Expo de Zaragoza 2008, el diseño del espacio “Especies en evolución” para Roca premio Fad de Arquitectura en el apartado espacios Efímeros 2009.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y su obra forma parte de colecciones y museos como el Moma de New York o el Museo del Diseño de Barcelona.

«Las piedras son objetos singulares que de alguna manera nos remiten a un paisaje»

Alfombra Magma Yute

La colección Magma Yute se diseñó a partir del saber hacer de una industria tradicional española, dedicada a la producción de cordones y tejidos. El cordón está fabricado especialmente para estas alfombras, el interior es de fibras de algodón, y el exterior de yute trenzado y encerado, las puntas están rematados en nobuk. La alfombra esta confeccionada con hilo de nylon invisible muy resistente.

La alfombra Magma Yute tiene dos lados útiles, al cabo de un tiempo se puede girar y disfrutar de una alfombra nueva. Se limpia con espuma seca y un cepillo como cualquier otra alfombra.

Diseño

Mancha Natural

Es una reflexión sobre la ornamentación natural. Una serie de jarrones de cerámica blanca y muy porosa se depositaron en lugares singulares en plena naturaleza y durante un año fueron colonizados por musgos y líquenes creando micropaisajes que evidencian el poder de la naturaleza para apropiarse de lo artificial.

Los jarrones de Azua expresan una reflexión radical sobre el tema de la decoración de inspiración natural acudiendo a la fuente directa de toda inspiración: la naturaleza.Los manuales de diseño decorativo tradicional instaban al artista-decorador a reproducir la naturaleza, no tanto para imitar su apariencia como para manchar. las leyes ocultas que les permitirían establecer un nuevo «sentido del orden». Pero en la obra de Azua la temática del «porte» de la decoración se injerta en otro elemento implicado en la apariencia cambiante de las cosas: la pátina del tiempo. Ha confiado una serie de vasijas de cerámica blanca de alta porosidad para que a través de su sensible superficie, registren la acción erosiva del agua y rápidamente sean colonizadas por diminutos organismos vivos como líquenes y musgos. Sin ningún interés en el estilo, Azua busca llevar a cabo experimentos similares con una decoración tan «natural» en una variedad de ambientes y en diferentes partes de la tierra. No es tanto el jarrón en sí lo que le interesa, sino la búsqueda de abrazar superficies en aceras y revestimientos arquitectónicos a mayor escala, por ejemplo, podrían diseñarse de tal manera que acepten la acción del clima, el medio ambiente y los procesos naturales.

Noma Bar

Nació en Israel en 1973.

Es un diseñador gráfico, ilustrador y artista israelí.

El trabajo de Bar ha sido descrito como «engañosamente simple», con colores planos, detalles mínimos y espacio negativo para crear imágenes que a menudo tienen un doble significado que no es evidente de inmediato. El mismo Bar describe su enfoque como evitar detalles o decoración innecesarios que podrían restar valor al mensaje de una imagen, en lugar de apuntar a la «máxima comunicación con elementos mínimos».

Nacido en Israel y afincado en Londres desde 2000, sus ilustraciones aparecen internacionalmente en periódicos, revistas, portadas de libros y campañas publicitarias. Las publicaciones que han presentado su trabajo incluyen The New Yorker, The Guardian, The New York Times, Time Out London, GQ, The Economist, Wallpaper * y Esquire. Bar trabaja en campañas para empresas como Apple, Google, Sony, Nike, IBM y Coca-Cola, así como para instituciones

públicas como V&A, BBC, NewYork –Presbyterian Hospital y BAFTA. También diseña portadas de libros, incluidas portadas para series de libros de los autores Don DeLilo y Haruki Murakami, además de lanzar tres libros de su propio trabajo: Guess Who ?: The Many Faces of Noma Bar (2008), Negative Space (2009) y Bittersweet (2017), una retrospectiva de cinco volúmenes.

Además de aparecer en forma impresa, el trabajo de Bar también se ha presentado en exposiciones, charlas y festivales y, en los últimos años, se ha diversificado para incluir impresiones, escultura en 3D, arquitectura y animación. Ha recibido un premio Gold Clio, un lápiz amarillo D&AD, premios Cannes Lions Gold y Silver, un premio Gold Epica y ganó el premio ‘Life-Enhancer of the Year’ en los Wallpaper * Design Awards.

«Cuando se trata de mi trabajo de arte, diría que soy un perfeccionista, aunque mi cuaderno de bocetos y mi proceso son un desastre.»

Noma Bar y el espacio negativo

En su último libro, llamado Espacio Negativo, dice: “El artista, al usar el espacio negativo se basa en el espacio que rodea al sujeto para darle forma y significado. Por supuesto que el término también se refiere a cualquier tema que evoca sentimientos de inquietud e incomodidad.” En 2008 publicó el libro Guess Who. The Many Faces of Noma Bar, en el que nos mostraba su originales retratos de diversas personalidades. Para ello sólo utilizó los elementos necesarios para poder identificar al personaje. También es el diseñador de los libros del escritor norteamericano Don DeLillo, un autor de escritura áspera, fría y muy sugerente, a la que le cuadra maravillosamente el estilo de Norma Bar. Y acaba de lanzar, para Vintage, una preciosa una serie de portadas para libros de Murakami diseñadas.

Diseño Grafico Noma Bar

Wallpaper* magazine

Uno de sus trabajos que ha tenido más repercusión en el último año ha sido la serie de portadas que realizó para Wallpaper*. Son conjuntos de las habitaciones, pintadas en un estudio tridimensional y con objetos de

diseño reales de cada uno de los territorios. También se ha realizado una edición limitada de carteles.

Susana Blasco

Nació en Holanda en 1984.

Es una diseñadora gráfica, ilustradora y collagista

Todo su trabajo, tanto gráfico como artístico, destila una fuerte carga simbólica, donde el concepto es el epicentro. Cada trabajo es una excusa para experimentar, mezclar, agitar y recrearse en el juego, el humor y las dobles lecturas.

Estudió dos carreras, Publicidad y Estudios Empresariales, que complementó con cursos de arte y diseño. Trabajó durante más de 10 años en distintos estudios y agencias de publicidad de Zaragoza como diseñadora gráfica y directora de arte. En 2007 constituye su propio estudio gráfico y recibe una beca de la Diputación Provincial de Zaragoza para ampliar sus estudios artísticos en el extranjero. En 2008 traslada su residencia a Londres donde permaneció hasta 2011, alternando el trabajo como freelance y los

estudios en Central Saint Martins College of Art and Design.

Actualmente reside en Bilbao. Su trabajo ha sido reseñado en medios especializados y ha formado parte de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Los Ángeles, Miami, Lisboa y por todo el territorio nacional. Desde hace 4 años imparte de manera complementaria a su trabajo talleres de collage, difundiendo la pasión por esta técnica y por los materiales antiguos rescatados.

«Para mí el arte surge como una necesidad personal de crear desde otro sitio diferente al del diseño. Por eso, en mi caso, consiste en hacerme preguntas a mí misma, en escarbar en mi cabeza y dejar salir lo que sea que hay ahí. Es la libertad de creación. Y, sobre todo, es un monólogo sin público en contraposición al diseño, que es un diálogo.»

Antihéroes

Surge de la casualidad, la experimentación y el juego. Son fotografías realizadas con teléfono móvil de distintos objetos cotidianos colocados momentáneamente sobre retratos antiguos. Sin retoque fotográfico alguno las imágenes se publican directamente en Instagram con el filtro earlybird y bajo el hashtag #antiheroes_sb. Es un proyecto que surgió en enero de 2012 y que sigue aumentando en número de antihéroes y en número de seguidores (más de 24.000). Además de su repercusión en las redes sociales y prensa especializada, ha sido expuesto en diferentes ciudades españolas, en Lisboa y en Los Ángeles. Y ha sido elegido para formar parte de los libros Instaphotographers 2014, Mixology y Contemporary Portraits, todos ellos de tirada internacional.

Diseño Grafico Susana Blasco

Toxicidad publica

Retos Collageros es un proyecto colectivo impulsado por Patricia Bolinches y Lucía Meseguer que reúne el trabajo de diferentes artistas del collage trabajando alrededor de diferentes desafíos. El tema es propuesto por turnos por cada uno de los integrantes del proyecto y se deja un tiempo para trabajar sobre él, posteriormente el día acordado se suben todas las imágenes creadas a las

redes sociales con hashtags comunes para identificar el proyecto. Retos Collageros nace como un juego de ejercicios artísticos, unos retos creativos para experimentar e ilustrar a través del collage descubriendo conexiones y zonas comunes de creación y comprobando como una misma idea puede ser interpretadas y representada de múltiples maneras todas válidas e interesantes.

Saul Bass

Nació en Los Angeles en 1920. Murió en 1996.

fue un reconocido diseñador gráfico, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.

Hay ejemplos que anticipan los primeros trabajos de Bass como los títulos finales de crédito de Ciudadano Kane subrayando el metraje con los nombres de los actores, pero se puede decir que el impactante diseño de los créditos de Bass no tuvo parangón. Un buen ejemplo son los primeros metros de West Side Story, un sólido bloque de color que varía de acuerdo a la insinuación.

Las técnicas de Bass son variadas ya a priori: animación de recortes, montaje, acción real y diseño de nombres. En segundo lugar, Bass hace un ejemplar uso del color y del movimiento en secuencias que comienzan a menudo con un marco de color sólido (como el azul de Éxodo o el verde de North by Northwest).

Saul bass también se le conoce como el diseñador de oro, ya que al crear sus diseños siempre buscaba la forma de resaltar a través de los colores, formas y motivos; el tema de la película, cortometraje, etc. sin dejar de lado las emociones que le acusaban a este.

Saul bass irrumpe en el campo de la comunicación audiovisual, introduciendo movimientos a sus imágenes fijas, simplificando formas, y utilizando estructuras geométricas sencillas pero muy expresiva. Así mismo, el estilo estético del autor está muy caracterizado por la utilización de gamas de colores planos, limitada a la combinación del negro, amarillo y rojo en distintas escalas. Así mismo en las obras de este autor, se pueden evidenciar recursos gráficos como la técnica del collage, figuras de apariencia recortada y tipografías irregulares.

«Quiero que todo lo que hacemos sea hermoso. Me importa un bledo si el cliente entiende que eso vale algo, o que el cliente piensa que vale algo, o si vale algo. Me lo merece. Es la forma en que quiero vivir mi vida. Quiero hacer cosas bonitas, aunque a nadie le importe.»

En la década de 1940, Bass se fue de Nueva York a California. Trabajó principalmente para publicidad hasta su primera gran oportunidad: un cartel para la película de 1954, Carmen Jones. Los cineastas quedaron tan impresionados con su trabajo de cartel que también lo invitaron a diseñar los créditos del título. Esta resultó ser una decisión que cambió las reglas del juego.

Bass intensificó la sofisticación de los carteles de películas con su estilo minimalista distintivo y revolucionó por completo el papel de los títulos de crédito en las películas. Tradicionalmente, los créditos eran estáticos y monótonos. Se consideraron tan poco importantes que en realidad se proyectarían sobre las cortinas cerradas que solo se abrirían para la primera escena oficial de la película.

Bass, sin embargo, se comprometió a inyectar vida a estos gráficos, haciéndolos tan parte de la experiencia cinematográfica como cualquier otra cosa. Al presentar su característico «tipo cinético», las letras de Bass se desvanecían y se movían por la pantalla y con frecuencia incorporaban imágenes distintas del texto.

Los títulos se convirtieron en un espectáculo a la vista. Los carretes de película con los créditos de Bass se entregaron en las salas de cine junto con una nota: «Proyeccionista: corra el telón antes de los títulos».

Bass pasó a crear docenas de carteles de películas icónicas y títulos de crédito. Sus proyectos finales antes de su muerte en 1996 fueron créditos para cuatro películas de Martin Scorsese: Goodfellas (1990), Cape Fear (1991), The Age of Innocence (1993) y Casino (1995).

Diseño Grafico Saul Bass

Luigi Colani

Nació en Berlín en 1928. Murió en 2019.

Fue un artista alemán de ascendencia kurda y polaca dedicado al diseño industrial. La característica principal de sus diseños son sus formas redondeadas, orgánicas que se definen por él mismo bajo el término «Biodinámica» el cual también pretende reunir reivindicaciones ergonómicas superiores a las aplicaciones tradicionales.

Sería interminable mencionar los sectores y materias en los que participó y demostrado su creatividad, pero lo debemos mencionar por sus aportaciones al sector de la automoción.

Sus diseños poco convencionales lo han hecho famoso en todo el mundo, no solo en los círculos de diseño, igualmente ante el

público general siendo premiado y alabado, pero también repudiado y criticado ya que algunos de sus diseños de vehículos son tan estrechos que hacen que la única manera de utilizarlos sea expulsando todo el aire y dejando de respirar o apuntándose alguna parte del cuerpo para poder entrar, por lo cual muchos de sus diseños permanecen siendo conceptuales.

Dentro de los instrumentos musicales diseñados, resalta el llamativo piano de cola usado por el cantante y compositor Prince creado por Colani, fabricado y vendido por la compañía Schimmel.

«La tierra es redonda, todos los cuerpos celestes también lo son; todos se mueven en órbitas circulares o elípticas. Esta misma imagen, es la de un globo circular formado por mini mundos que se orbitan unos a otros como si tratasen de microcosmos. Nos despertamos incluso en presencia de formas redondas relacionadas con el erotismo y la propagación de la especie. ¿Por qué debo unirme a la desviación de la masa que quiere hacer todo angular? Voy a seguir la filosofía de Galileo Galilei. ¡Mi mundo, también es redondo!»

Colani Horch Mega Roadster (1996)

Peculiar vehículo donde destaca su original insignia sobre el capó que representa la figura de una mujer agarrada a la parrilla frontal mientras sostiene el logotipo de Horch.

Luigi Colani

Colani 2CV (1981)

Colani está muy interesado en el ahorro de combustible. En 1981 desarrolló el Colani 2CV, que estableció el récord mundial de economía de combustible. Basado en la producción de 2CV, conserva el sistema de

tren motriz del motor y el chasis. Consume solo 1,7 litros de combustible. gasolina cada 100 kilómetros para expresar buen aire La importancia de la cinética para el ahorro de combustible.

Tom Tjaarda

Nació en Detroid en 1934. Murió en 2017.

Stevens Thompson Tjaarda van Starkenberg más conocido como Tom Tjaarda, fue un diseñador de automóviles estadounidense de origen neerlandés.

Tom Tjaarda no planeaba pasar su vida diseñando autos. Aunque creció en Detroit, donde su padre John escribía coches para Ford y Lincoln, Tom se especializó en arquitectura en la Universidad de Michigan. Pero en su último año, decidió crear un automóvil deportivo para un curso de diseño industrial.

“A mi maestro, el profesor, no le gustó la idea de que me divirtiera y diseñara un auto deportivo”, me dijo Tjaarda, de 82 años, mientras observaba más de 1,000 autos reunidos para el Concorso Italiano el mes pasado en Monterey. , California, uno de los muchos eventos que rodean el Concurso de

Elegancia anual de Pebble Beach. Tjaarda creó una camioneta deportiva, un diseño que le valió un trabajo con el principal constructor de autocares italiano Ghia. Tjaarda pasó el resto de su vida trabajando con Ghia y otras carrozzerias como Pininfarina y Giugiaro, diseñando autos y conceptos para fabricantes de automóviles desde Ford hasta Ferrari.

Al inspeccionar el campo de golf Black Horse y los greens inundados de Ferraris, Lamborghinis, Maseratis y más, Tjaarda eligió sus favoritos y discutió qué inspiró su diseño y cómo cambiaron el mundo de los automóviles.

«Sin embargo, para mí, faltaba un ingrediente importante, el carisma. Esa calidad difícil de definir que puede influir, marcar tendencias y romper moldes, cuya presencia fue probablemente la razón por la que Ford compró Ghia en primer lugar. Eso ahora se ha sacrificado con lo familiar, lo establecido y lo seguro.»

De Tomaso Pantera

Tjaarda puede ser mejor conocido por su trabajo con De Tomaso, particularmente el Pantera, el modelo más popular del fabricante de automóviles boutique. Un biplaza con un potente motor Ford colocado justo detrás de los pasajeros, la innovación de Tjaarda en este diseño giraba en torno a la autenticidad de la forma y la función.

«En ese momento había un Ferrari de motor central, pero si mirabas ese auto no podías saber dónde estaba ubicado este motor. No había ninguna pista de diseño que te permitiera saber de dónde venía la energía», dijo Tjaarda. «Así que decidí que haría algo diferente, diseñaré el auto para que pudieras saber de dónde venía la energía: en el medio del auto. Si miras al Pantera desde un lado, ese movimiento ascendente del guardabarros trasero parece las ancas de un animal que se prepara para saltar, ya sabes, le da fuerza. Entonces, el punto focal del Pantera, cuando lo ves de perfil, es el centro del automóvil, de donde proviene la energía»

Los diseños de motor central ahora son de rigor para superdeportivos exóticos, y una exhibición de la potencia y la ubicación de sus motores se ha vuelto tan enunciada que marcas como Audi y Lamborghini exhiben los motores en sus autos de motor central bajo vidrios con focos, y Bugatti no coloca ningún cubrir en absoluto en el gigante W16 en medio de su Chiron de 2,6 millones de dólares.

Diseño de Transporte

Tom Tjaarda

El Fiat 124 Spider

Tjaarda ni siquiera tenía 30 años cuando Fiat le dio rienda suelta para diseñar el 124 Spider ligero y divertido de conducir. «Fiat nunca le dio tanta importancia a ese automóvil», dice, algo que le permitió crear un roadster asequible que parecía caro.

Tjaarda había diseñado un auto de exhibición de Pininfarina llamado Corvette Rondine. «A General Motors le gustó, pero dijeron que no se parecía a un Corvette, por lo que no podían usarlo», dice. El Rondine se convirtió en la

Diseño de Transporte

base del 124, el automóvil que se convirtió en el más vendido de Fiat en Estados Unidos.

«El coche anterior tenía un diseño muy banal y normal», dice Tjaarda. «Era bonito, pero nada especial, mientras que el 124 era asequible, pero muy bonito».

Llevar el diseño exclusivo al mercado inferior sigue siendo una forma común de agregar valor a las marcas de gama media. Tjaarda cita al Alfa Romeo 4C como un automóvil asequible que dibuja un estilo exótico de

exóticos como el 8C de siete cifras.

Tom Tjaarda

Franco Sbarro

Nació en Pouilles en 1939.

Es un diseñador y desarrollador italiano de varios vehículos que se presentan cada año en el Salón del Automóvil de Ginebra.

Como diseñador Sbarro se sitúa entre la técnica y el disparate, con creaciones absolutamente únicas y tan espectaculares. En el último Salón de Ginebra, Sbarro presentó un Citroën Pluriel con motor V6 y un deportivo descapotable basado nada menos que en un Ferrari 575 M de 215.000 euros. La bellísima carrocería de Pininfarina había sido sustituida por otra de belleza altamente discutible y la factura, como por arte de magia, pasó a superar los 500.000 euros. A los 18 años Francesco Zefferino Sbarro se instaló en Neuchâtel (Suiza) y comenzó a trabajar como mecánico.

Franco Sbarro diseñador italiano de automóviles decidió crear su propia empresa cuando marchó a Suiza, en un principio se dedicó a hacer coches con su propio diseño con la utilización de motores BMW y Rover. Después empezaría hacer replica de algunos modelos, también se dedicó hacer prototipos bajo algunas conocidas marcas de automóviles e incluso carrozo algún modelo de serie transformándolo a prototipo.

En 1965 construyó su primer coche, el Coupé Filipinetti, sobre la humilde base de un Kharmann Ghia. Hasta principios

de los ochenta se dedicó sobre todo a hacer réplicas de coches míticos, un buen ejemplo de ello es el Rolls Royce Camargue Hunting Car de 1978, encargado por un jeque árabe para utilizarlo en sus jornadas de caza en el desierto. Desde entonces, ha construido coches que son el colmo de la excentricidad, muchos de ellos más propios de una película futurista. Sus diseños atrevidos no han pasado nunca inadvertidos y muchas marcas lo han contratado para realizar concepts y su escuela de diseño «Espera» es una referencia en cuanto a la formación de diseñadores y técnicos para la automoción.

Mercedes 540 K

Los alemanes fabricaban coches excelentes en cuanto a calidad y rendimiento, pero el diseño estaba muy lejos de las maravillas que hacían los italianos y franceses antes de la Segunda Guerra Mundial. Solían ser coches muy sosos y pesados, pero había excepciones como los Autobahn Kourier o los Special Roadster de Mercedes-Benz.

Sbarro tomó como ejemplo la carrocería del formidable Mercedes 540 K Special Roadster, el coche que Hitler regaló a Eva Braun para recrearlo y, al igual que hizo con el BMW 328, quiso mantener cierta originalidad utilizando un Mercedes como base.

Bajo la piel de esta preciosa carrocería se esconde la mecánica de un Mercedes 500 SE de la generación W126 con casi 250 CV. Prestaciones y mantenimiento de un coche de los ochenta con el estilo y elegancia de uno de los roadsters más admirados de los años treinta.

Rolls Royce Hunting Car

En 1980, un árabe millonario y excéntrico le encargó a Sbarro que modificase su Rolls Royce Camargue y lo convirtiese en algo único. El Camargue original es uno de los Rolls más controvertidos, con detractores y defensores radicales. El diseño original de Pininfarina fascina a muchos y repele a otros tantos, lo mismo que la creación de Sbarro.

Sin puertas, con un parabrisas mínimo y una trasera que parece una especie de lancha

motora, el Sbarro Hunting Car es uno de los descapotables de 4 plazas más locos de todos los tiempos.