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Martin Margiela

Nació en Bélgica en 1957.

Es un diseñador de moda belga. Graduado por la Real Academia de Bellas Artes de Amberes y asociado al grupo denominado ‘los Seis de Amberes’. Basa su trabajo en el movimiento del deconstructivismo, el reciclaje y la transformación.

Martin Margiela es uno de los modistas más misteriosos de la industria de la moda. Jamás se deja fotografiar y no da ninguna entrevista directamente. Responde solamente a las cuestiones puestas indirectamente. Jamás se expresa en primera persona sino en nombre del colectivo que representa su empresa. El logotipo de su marca, muy discreto, está en consonancia con la personalidad del creador.

Considerado como uno de los creadores más atípicos y más vanguardistas de su generación, Martin Margiela funda en 1988 con Jenny Meirens su propia marca, la Casa Martin Margiela. Son reconocidos por las redactoras de moda tales como Melka Treanton de la revista Elle. En 1989, galardonado por la ANDAM. Su moda entra a los museos en 1991: el palacio Galliera de París presenta entonces su universo con los de sus priogénitos Jean Paul Gaultier, Jean-Charles de Castelbajac, así como la española Sybilla. En 1997, un museo de Róterdam, el mismísimo museo Boijmanns Van Beuningen, le ofrece la oportunidad de realizar una exposición. Presenta allí una retrospectiva de sus ropas más característicos, después de haberlas sometido a un baño de bacterias diversas, y exponiéndolas por fuera en los jardines del museo. De esta manera, su aspecto era diferente cada día. En 2008, es en la vuelta del museo de Amberes de celebrar Martin Margiela, a través de una retrospectiva más clásica, los veinte años de creación de la Casa Martin Margiela. En 1998, realiza un desfile bajo la tutela de la marca Hermès.

«Difícilmente vale la pena vivir una experiencia que no cambia nada»

La colección Otoño / Invierno 1995 de Maison Martin Margiela

Se considera icónica principalmente por los colores en los que Martin (quizás el principal fanático del blanco en la industria de la moda) la tiñó: azul brillante, morado oscuro y fucsia. La abundancia de terciopelo también fue sorprendente: las modelos estaban vestidas con trajes de noche y las colas de algunas de ellas eran tan largas que cubrían casi toda la pasarela. Sobre los vestidos, se usaron finas correas de cuero, a las que se unieron largas borlas de cabello cortado con pelucas. Martin amaba el cabello desde la infancia; de niño, iba a la peluquería donde trabajaba su padre y observaba fascinado cómo cortaba el cabello a sus clientes. Otra característica notable de este espectáculo son las máscaras en los rostros de los modelos. Había dos razones para usarlos. Primero, en los albores de su carrera, Martin aún no podía pagar altos honorarios a los participantes del programa, y con caras ocultas eran más baratos. La segunda razón es más romántica: el diseñador centró la atención de la audiencia en la ropa y no en quienes la muestran. Y luego, casi siempre recurrió a este truco e hizo que las máscaras fueran parte del ADN de Maison Martin Margiela, pintándolas y decorándolas con enormes piedras brillantes.

Maison Martin Margiela Primavera / Verano 1993

Técnicamente, Martin realizó dos colecciones para la temporada primaveraverano de 1993: una completamente blanca y una completamente negra. El día de la presentación, realizó dos espectáculos en diferentes partes de Montmartre al mismo tiempo. Algunos de los invitados recibieron invitaciones blancas, mientras que otros recibieron invitaciones negras. Si vienes con blanco al programa «negro», no te dejarán entrar. «Bueno, por supuesto, solo si no eres Rei Kawakubo», escribió American Vogue. En la galería de la revista, por cierto, no se conservó la parte negra del espectáculo, pero la parte clara fue verdaderamente romántica. Modelos con pestañas blancas postizas salieron a la pasarela con vestidos de gasa livianos, chalecos de traje entreabiertos, blusas transparentes y con verdaderas plantas verdes adheridas a su ropa.

Jean Paul Gaultier

Nació en Francia en 1952.

Es un diseñador de moda francés. Posee su propia marca de ropa, cuyo accionista mayoritario es la compañía española de moda y perfumes Puig. También fue director creativo de Hermés.

Este diseñador, eternamente joven y eternamente rubio oxigenado, nació y se crió en el barrio de Arcueil, en las afueras de París. Entró a trabajar en Pierre Cardin con tan sólo 18 años y, desde entonces, su trayectoria ha sido imparable. Tras una estancia en Filipinas, de vuelta a París, en 1976, Gaultier presentó su primera colección, una especie de atentado contra el consabido buen gusto francés. “La verdad es que mi primer desfile no era muy bueno, pero me sirvió para dar el salto”, asegura él. No habría que esperar mucho para verle triunfar. Su quinto desfile ya fue un auténtico éxito. Sus creaciones, entre kitsch y marginales -una mezcla infinita de referencias-, le valieron el calificativo de enfant terrible. En 1997 abrió su casa de Alta Costura y con ella llegarían la legitimidad y el reconocimiento. Un reconocimiento que provocó que pocos años después fuera elegido para el cargo de director creativo en Hermès. Provocador e iconoclasta, debutó en el diseño de moda masculina con una colección en la que se saltaba a la torera las convenciones de género introduciendo faldas y corsés en el armario masculino. Con un taller en la Rue Saint Marton de la Ciudad de la Luz en el que emplea a más de 100 personas, algunos de sus diseños resultan indisociables de la cultura española, sobre todo sus trabajos con Almodóvar. “Almodóvar es la vida, el entusiasmo, el drama, la tragedia. Recuerdo el fitting de Kika como uno de los más duros de mi vida. Es un genio y en Francia se le admira muchísimo”.

Tras 50 años al frente de su firma epónima, el diseñador anunciaba que su desfile en la Alta Costura de enero del 2020 sería el último. “Gaultier Paris continuará con un nuevo proyecto del que soy instigador y que pronto daremos a conocer, publicaba en su perfil de Instagram.Tras 50 años al frente de su firma epónima, el diseñador anuncia que su desfile en la Alta Costura de París, coincidiendo con el aniversario de la marca, será el último.

«El impacto de la forma en que mezclo patrones y telas puede ser desconcertante, pero lo que estoy tratando de hacer es provocar nuevas ideas sobre cómo las piezas se pueden unir de diferentes maneras. Creo que esta es una forma más moderna de usar ropa que en sí misma es bastante clásica»

Cuando Jean Paul Gaultier anunció hace solo unos días que su desfile de alta costura de primavera de 2020 sería su adiós a una carrera que ha abarcado 50 años de moda en sus propios términos, Francia entró en duelo nacional. Lo que nadie sabía era que el diseñador organizaría un gran espectáculo final para recordar.

Pero qué espectáculo tan magníficamente inventivo, eufórico y conmovedor fue, una celebración de todos los valores que este diseñador único ha incorporado en su trabajo a través de cinco décadas de imaginación, humor, humanidad y alegría.

Gaultier mostró una impresionante apariencia de más de 200, pero ¿quién estaba contando? («Para ser honesto, ¡fue 10 veces más burdel que mis primeros shows que hice!», Bromeó Gaultier entre bastidores. «Sabía que tenía demasiado y que después limpiaré. Pero no limpié, en el ¡Al final lo puse todo! «)

Y realmente fue un espectáculo, presentado en el famoso Théâtre du Châtelet de París. Inaugurado en 1862 por la emperatriz Eugenia, este fue el escenario donde Nijinsky estrenó más tarde el escandaloso L’Après-midi d’un faune y donde se inauguró el desfile de ballet de Diaghilev con un innovador telón de fondo pintado por Picasso, el escaparate perfecto para este gran iconoclasta de la moda. teniendo hoy, sobre temas como la diversidad, la fluidez de género, el reciclaje y la sostenibilidad, están integradas en el ADN de Gaultier. Desde su primer desfile en 1976, ha mostrado modelos pangeneracionales de todos los tamaños, géneros y etnias en su pasarela, porque reflejaban a las personas de la vida real en las calles que inspiraron su estilo.

Como explicó Gaultier entre bastidores de esas primeras colecciones anárquicas, «estaba reciclando cosas, porque al principio no tenía dinero. Así que estaba tomando cosas como jeans y camuflaje y haciendo cosas divertidas con ellos, ¡y ahora lo hice con mi alta costura!»

Ha puesto faldas a los hombres y ha convertido el corsé de un símbolo de la mujer oprimida en el de la mujer (o el hombre) que tiene el control absoluto. Él vistió a Madonna con un sostén cónico para su gira Blonde Ambition Tour de 1990; aunque debutó con el look de moda en su pasarela de otoño de 1984, primero había experimentado con él en su osito de peluche de la infancia (usaba papel de periódico en ese momento), como se revela en la secuencia de apertura lúdica de su cabaret 2018, Fashion Freak Show, en París. el legendario Folies Bergère, un éxito popular aquí y quizás un indicio de una futura carrera.

Como prometió Gaultier, tomó las ideas que primero exploró con un presupuesto reducido y las amplificó con todas las maravillas técnicas por las que sus notables talleres de alta costura son famosos, y este es un diseñador impregnado de alta costura, habiendo trabajado junto a Pierre Cardin en el tierna edad de 18 años.

La colección se abrió con una secuencia de la parodia del fotógrafo William Klein en 1966 sobre el mundo de la moda, Qui êtes-vous, Polly Maggoo? con una sesión de fotos de moda protagonizada por Peggy Moffitt y otras luminarias modelo de la época organizada como un funeral. Luego se formó en el escenario un cuadro de dolientes de la vida real (arreglado por la afamada coreógrafa Blanca Li), entre ellos muchos de los modelos icónicos que han llevado su espíritu a las pasarelas de Gaultier a lo largo de los años, vestidos con piezas recicladas del archivo del diseñador. Entre la multitud vestida de negro, se podían ver los iconos de la pasarela de Gaultier a lo largo de las décadas, incluidos Anna Pawlowski (que modeló en los primeros desfiles del diseñador), Farida Khelfa (con impecables pantalones negros de traje smoking), Claudia Huidobro (como Frida Kahlo), Christine Bergström, Laurence Treil, Chrystèle Saint Louis Augustin, Estelle Lefébure, Yasmin Le Bon, Erin O’Connor y la trepidante Tanel Bedrossiantz (que más tarde se robaría el escenario con una chaqueta de motociclista de cuero negro con una manga transformada en una orgullosa pluma gallo joven).

Chitose Abe

Chitose Abe es una diseñadora de moda, creadora de la firma nipona Sacai.

En 2020, Jean Paul Gaultier anunció que invitaría cada temporada a un diseñador a reinterpretar los códigos de su firma. La primera artista invitada sería Abe. “Admiro desde hace mucho tiempo la singular visión de Jean Paul por la feminidad subversiva y su originalidad, conceptos en los que trabajó desde un inicio. Es un verdadero honor tener la oportunidad de salvaguardar la maison como primera diseñadora de este proyecto”, afirmaba la japonesa.

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Iris van Herpen

Nació en Holanda en 1984.

Es una diseñadora de moda holandesa conocida por fusionar la tecnología con la artesanía tradicional de alta costura.

Ampliamente reconocida como una de las diseñadoras de moda más innovadoras, Iris van Herpen descubrió la moda por primera vez en el ático de su abuela, donde desenterró un minimuseo de prendas y disfraces que le abrió los ojos a otra década. Formada en ballet clásico y a lo largo de su carrera, la diseñadora ha estado fascinada por la fluidez y el entrelazado arte del movimiento. La danza voluble en la que el cuerpo y la mente se cruzan ha impulsado perpetuamente la filosofía de diseño sensorial de Van Herpen y ha allanado el camino para formas de moda más conscientes.

Contemplar el movimiento como una fuerza metamórfica permite que estas prendas etéreas se extiendan desde el cuerpo humano, esculpiendo sus formas en siluetas multidimensionales. El movimiento agrega otra capa al oficio de la marca. La visión de Van Herpen está guiada por la anatomía humana y la forma en que se mueve la mujer, lo que hace que estas prendas de aspecto de otro mundo sean adoradas por la clientela de todo el mundo. El trabajo de Van Herpen está profundamente arraigado en la naturaleza. Su belleza, misterio y caos son aspectos en los que se inspira el diseñador. Los elementos de agua, aire y tierra y su traducción en formas licuantes, diáfanas o texturizadas esculpen los diseños celestes. Por ejemplo, las infinitas propiedades que aluden al movimiento, como las fuerzas libres y la fluidez detrás del agua o sus formaciones cristalinas, son facetas que fluyen en los diseños. Aventurarse en territorios inexplorados a menudo significa desafiar los parámetros de las disciplinas, expandir el interés de Van Herpen en territorios menos explorados dentro de la naturaleza, como la amplia red de madera, ondas sonoras, patrones cimáticos, sinapsis, magnetismo, simbiosis, voltaje o movimiento cinético. A través de la biomimetismo, la maison visualiza y materializa las fuerzas invisibles que dan forma a nuestro mundo, perpetuando una profunda sensación de presencia orgánica.

«Esos años de danza me enseñaron mucho sobre mi cuerpo, la transformación del movimiento, la ‘evolución’ de la forma y cómo manipular tanto la forma como el movimiento. Mi interés por la moda tenía sus raíces en la danza, en la que ahora soy capaz de transformar este conocimiento cinestésico en nuevas formas y materialidad»

La sensación de libertad que Iris van Herpen explora en su inolvidable colección Earthrise es completamente diferente a la del ondear banderas que celebran los estadounidenses en el Día de la Independencia. Para esta ex bailarina, la libertad siempre está asociada de alguna manera al movimiento. Van Herpen ha colaborado con Domitille Kiger, la campeona del mundo de paracaidistas francesa, que ahora es, según cree el diseñador, la primera atleta de este tipo en usar alta costura durante una actuación aérea. Sin embargo, ser el primero no es la parte más notable de este proyecto. Como es típico de esta diseñadora holandesa, todo, incluido su enfoque, los materiales que elige y el significado de su trabajo, tiene varias capas y hay mucho que desempacar.

«Al principio es mi fin», escribió el poeta TS Eliot, y en una colección centrada en los círculos, parece apropiado comenzar con el aspecto final de Kiger, que es una hazaña de ingeniería que combina ingeniosamente el trabajo manual y el tejido tecnológico con el rendimiento y la función. .

Van Herpen siempre se pregunta qué puede ser la alta costura, incluso al sugerir que la impresión 3D puede ser tan única como una prenda cosida a mano. Ha formado una alianza con la ciencia y trabaja habitualmente con personas ajenas a la industria de la moda para aportar nuevas perspectivas. Ella eligió a Kiger, dijo, porque «creo que es solo una figura muy simbólica para encarnar las cualidades femeninas que estaba buscando. Es realmente la libertad de la aventura y la fuerza de poder superar tus miedos, y de estar tan ansioso por crear que puedes llegar lejos para superar tus propios límites «.

La creación del vestido de Kiger fue una forma para que la diseñadora llevara su técnica y visión a nuevas dimensiones, e involucró muchas pruebas y errores, muchos de los cuales se llevaron a cabo en túneles de viento utilizados para paracaidismo en interiores. El desafío que se propuso Van Herpen fue «fusionar la delicadeza de la artesanía con la durabilidad extrema que se necesita dentro de este salto, de modo que realmente se coloquen dos opuestos en el medio». Ella continuó: «Fue realmente un desafío porque debo admitir que cuando comencé tenía muchos conceptos erróneos sobre lo que funcionaría y lo que no». El resultado final, un vestido en una mezcla de azules, es delicado y duradero, y sin disculpas femenino. Esto fue importante para van Herpen, quien señala que Kiger trabaja en un campo dominado por los hombres.

La colección no ignora lo terrenal; hay 18 looks para los que solo sueñan con volar. Van Hepen continuó su colaboración con Parley for the Oceans esta temporada, lo que significa que muchos de los materiales que utilizó están hechos de plástico reciclado. El diseñador también trabajó con varios artistas, incluidos James Merry para las joyas faciales y Rogan Brown, que crea esculturas en capas cortadas a mano que se basan en la forma de la ilustración de las ciencias naturales. El taller incorporó elementos de su meticulosa técnica en sus propios procesos con un efecto particularmente fuerte en los vestidos blancos de encaje. Van Herpen también desarrolló un vestido cinético inspirado en esferas con Casey Curran. “Esta vez, en lugar de enfatizar la turbulencia de nuestros planetas, en realidad está más relacionado con el efecto mariposa, que cada movimiento que haces tiene un efecto en otra cosa ... cada esfera está interconectada, así que cuando una mueve todas las demás se mueven en oleadas «.

La interconexión de todas las cosas es la preocupación constante de Van Herpen. Esta temporada se retiró para tomar una vista con visión de futuro desde arriba, con la ayuda de una foto tomada desde el Apolo 8, que muestra la tierra como una frágil «canica azul» suspendida en un vasto universo. “La perspectiva de que los seres humanos somos la parte más dominante e importante de este planeta es, por supuesto,

anticuada a estas alturas”, observó. “Todavía hay personas que piensan de esa manera, pero definitivamente estamos en un momento en el que su perspectiva está cambiando. La ciencia nos lo dice, pero creo que el arte también está mejorando esa nueva perspectiva. Y especialmente la generación joven lo siente cada vez más «.

El cambio del diseñador de lo micro a lo macro se produce en un momento en el que la mayor parte del mundo también está saliendo lentamente del capullo del hogar y de regreso a un mundo más amplio que, lamentablemente, se siente dividido en lugar de unido. Su enfoque en la interdependencia y el panorama general son necesarios ahora. Es hora de recalibrar.

Mirando la tierra desde el espacio exterior ”, dijo van Herpen,“ ves un lugar sin fronteras sin jerarquías, y realmente puedes ver que es un organismo vivo, y ese es en realidad un concepto muy antiguo, que se llama anima mundi. Cada vez más, incluso a través de la ciencia, comenzamos a comprender que el pensamiento religioso es realmente real, todo depende de todo ”.