Despedimos febrero y nos adentramos de pleno en marzo con paso firme y deseando que lleguen ya los días de sol y las fiestas y festivales al aire libre. Para celebrarlo, tenemos el gran honor de recibir en portada a una fuerza imparable en la escena techno: Fatima Hajji.
Con más de dos décadas detrás de los platos, la DJ y productora salmantina se ha consolidado como una de las figuras más queridas y respetadas del techno a nivel global. Hablamos con Fatima sobre todos estos proyectos, su reciente tour por Norteamérica, su ANL en Fabrik, su serie de eventos Invites y mucho más. Una conversación que refleja el espíritu incansable de una artista que, lejos de acomodarse, sigue empujando los límites de su creatividad y su sonido.
En clave internacional, hablamos con el venezolano Freddy Bello, el DJ y productor con más de una década de trayectoria en la escena underground que ha construido un camino auténtico, siempre guiado por las ganas de subir escalones incesantemente. Seguimos con una interesante charla con Oshana, quien durante más de una década ha sido una figura clave en el sonido underground, destacándose por su enfoque analógico en la producción y un estilo que fluye entre house, techno y electro, con matices ácidos y texturas hipnóticas.
Finalizamos nuestra ronda internacional con Anna Wall, hablamos con ella sobre su recorrido, el impacto de la escena londinense en su sonido y esa magia intangible que la ha convertido en una de las artistas más auténticas de su generación.
Cambiamos de tercio para introduciros una interesante charla con parte del equipo de Yoyaku. Más que un simple sello discográfico, este colectivo con sede en París ha logrado construir un ecosistema que abarca distribución, booking, una tienda de vinilos y una identidad visual inconfundible. A lo largo de los años, han sabido mantener un delicado equilibrio entre el arte y el negocio, impulsando talentos emergentes sin comprometer su visión artística. Exploramos el presente y futuro de un sello que, a través del vinilo y la innovación, sigue redefiniendo los límites de la música electrónica independiente.
¿Qué más se cuece este mes? El 15 de marzo, Madrid Arena va a acoger uno de los eventos más interesantes de los últimos meses. Se trata de Euphoria, y sus características se pueden resumir de una forma muy concisa: una fiesta en la que no habrá géneros musicales cerrados ni fórmulas predecibles. Es una inmersión total en el sonido de artistas que han sabido romper moldes y evolucionar constantemente. Os hablamos en detalle sobre todo lo que tienen preparado en estas páginas.
Este mes de marzo introducimos también un artículo de opinión. En esta ocasión, nos centramos en la política de no fotos que se ha implantado últimamente en fiestas e incluso festivales de todo el mundo.
Y como siempre, en esta edición encontraréis lo último en tech y las mejores críticas musicales. Continuamos trabajando para ofreceros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones.
Patricia Pareja
Directora.
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Bits Beats
Oshana
Anna
Euphoria
Freddy Bello
Yoyaku
Fatima Hajji
Opinión: Imágenes
Cómo Produzco
Vendex
Tech Teufel Airy Open TWS
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Breaks por Eduardo Carbonell
Reviews Drum & Bass por Daniel Paniagua
Reviews Electro por Federico Cortina
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews House por Francisco Pérez
Reviews UK Garage por Borja Comino
bits beats
“DESIRE: The Carl Craig Story” – El legado del techno en la gran pantalla Carl Craig es el protagonista de “DESIRE: The Carl Craig Story”, un documental que explora su impacto en la música electrónica global. Con imágenes exclusivas y testimonios de Moodymann, Laurent Garnier y Gilles Peterson, la película ofrece una visión íntima de su trayectoria.
Dirigido por Jean-Cosme Delaloye y distribuido por Sovereign Films, debutará en el Festival de Cine de Glasgow antes de su estreno en cines del Reino Unido e Irlanda el 8 de mayo. Un retrato esencial de una figura clave del techno. Más información: https://youtu.be/x_w0MSMJX7g
Yoyaku apuesta por el vinilo y se despide del digital
En 2025, Yoyaku dará un giro radical: abandonará el formato digital para enfocarse exclusivamente en el vinilo. Su tienda online AZE cerrará y su catálogo desaparecerá de las plataformas de streaming, reforzando la música como una experiencia física y colectiva.
La decisión llega tras un año de crecimiento récord, con un aumento del 30 % en ventas de vinilo y una expansión de su tienda en París. “El streaming va en una dirección opuesta a la nuestra”, afirman desde Yoyaku. “Queremos recuperar la conexión real con la música, más allá de los algoritmos.”
Un mensaje claro en tiempos de consumo fugaz: el vinilo sigue siendo un refugio para la escucha intencional.
Más información: https://es.ra.co/news/82140
Berlín inaugura el Synthesizer Museum, un paraíso para amantes del sonido El Synthesizer Museum Berlin ha abierto sus puertas en Kreuzberg, ofreciendo una exhibición única dedicada a los instrumentos que transformaron la música electrónica. Con más de 50 sintetizadores vintage, desde los años 70 hasta los 2000, el museo permite a los visitantes interactuar con estos clásicos y crear sus propios sonidos.
Fundado por el compositor Michael Soltau, el espacio rinde homenaje a la profunda influencia de Berlín en la música electrónica, desde Tangerine Dream hasta la escena techno. La inauguración contó con actuaciones de Thorsten Quaeschning y Kurt Dahlke.
Más información: https://www.synthesizermuseum.info/directions
Behringer RD-78: El regreso de un clásico
Behringer revive la mítica Roland CR-78 con la RD-78, una caja de ritmos que mantiene el sonido analógico original pero con mejoras modernas. Incluye 15 sonidos clásicos, 34 patrones rítmicos y un secuenciador de 16 pasos con capacidad para encadenar hasta 250 patrones. Su interfaz intuitiva, controles individuales y conectividad MIDI, USB y analógica la convierten en una opción versátil para productores de todas las épocas.
Más información: https://www.behringer.com/product.html?modelCode=0704-AAR
OSHANA
“Los promotores también deben tomar riesgos, alejándose de los mismos lineups de siempre y dando oportunidad al talento emergente.”
Durante más de una década, Oshana ha sido una figura clave en el sonido underground, destacándose por su enfoque analógico en la producción y un estilo que fluye entre house, techno y electro, con matices ácidos y texturas hipnóticas. Su música, lanzada en sellos como Yoyaku, Partisan, BodyParts, así como en sus recientes trabajos en Altered Circuits y Cutting Shapes, ha sido una constante en la pista de baile, equilibrando la energía rave con la sutileza del deep groove.
Más allá de su trabajo como productora, Oshana es una DJ con una sensibilidad especial para construir sets inmersivos, donde la narrativa y la selección de tracks juegan un papel fundamental. En esta entrevista, hablamos con ella sobre su proceso creativo, la evolución de la escena underground y los desafíos de la era digital.
Hola Molly, bienvenida a Mixmag Spain! Es un placer tenerte en nuestras páginas. Has tenido varios lanzamientos recientes y sigues muy activa en el estudio. ¿Cómo encaja el proceso creativo en tu rutina?
¿Cómo manejas los momentos de baja inspiración y cómo aprovechas al máximo los momentos en los que las ideas fluyen?
¡Gracias! El placer es mío. Intento estar en el estudio con regularidad, principalmente por las noches y en fines de semana libres, siempre que tengo tiempo.
Cuando la inspiración es baja, trato de no forzarla. Alejarme del estudio, resetear mis oídos, buscar nueva música o revisar proyectos antiguos a menudo me aporta una nueva perspectiva. Por otro lado, cuando la creatividad fluye, me encierro y aprovecho al máximo el tiempo de estudio para capturar tantas ideas como sea posible.
¿Cómo es tu proceso típico para hacer un track? ¿Empiezas con una idea concreta o dejas que el flujo de trabajo te guíe?
Me gusta que todo fluya de manera orgánica: mis sesiones suelen comenzar con improvisaciones, explorando sonidos y grooves hasta que algo me atrapa. A partir de ahí, paso a la fase de estructura para darle dirección al track y desarrollar un diseño de sonido coherente.
Rara vez entro al estudio con un plan rígido. Prefiero dejar que el flujo de trabajo me guíe, ya que esto mantiene las cosas flexibles y permite que surjan ideas inesperadas. Se siente menos forzado, y me encanta cuando los tracks adquieren vida propia.
Hoy en día, las herramientas digitales han hecho que la producción musical sea más accesible que nunca. ¿Qué papel juegan el hardware y el software en tu estudio? ¿Tienes alguna filosofía específica a la hora de combinarlos?
El hardware y el software desempeñan roles igualmente importantes en mi estudio; trabajan juntos para mantener mi flujo de trabajo ágil. Utilizo software para esbozar ideas rápidamente y luego las paso a mis máquinas y secuenciadores externos para abrir nuevas direcciones creativas; es un proceso completamente simbiótico.
¿Mi filosofía? No tener reglas estrictas. Cuantas menos limitaciones, más posibilidades. Me encanta el hardware por su calidez y carácter, pero mientras pueda capturar esa esencia con software y mantener la integridad del diseño sonoro, no dudo en combinarlos.
La inteligencia artificial está empezando a integrarse en la producción musical. ¿Cómo crees que los productores pueden beneficiarse de estas herramientas sin perder su esencia artística?
La IA abre posibilidades emocionantes, especialmente en teoría musical, progresión de tracks y optimización del flujo de trabajo. Es una herramienta poderosa en el aspecto técnico de la producción, pero el alma de la música, la esencia artística, es algo que la IA aún no ha logrado replicar.
Siempre que los productores usen la IA de manera responsable, como un recurso y no como un reemplazo de la creatividad, no hay sacrificio que hacer.
Compararse con otros artistas es algo con lo que todos lidiamos en algún momento. ¿Crees que las redes sociales han amplificado este sentimiento en la industria? ¿Cómo impacta esto en la escena underground?
Definitivamente, las redes sociales pueden amplificar la comparación, especialmente en un sector tan competitivo de la industria. Pueden generar presión para seguir tendencias, a veces a costa de la originalidad en la escena underground.
Dicho esto, si se usan con conciencia, pueden ser una herramienta poderosa para inspirarse, conectarse y celebrar tanto el propio trabajo como el de los demás. Todo se trata de encontrar un equilibrio: mantener el enfoque con una mentalidad positiva y usar las redes sociales como un recurso, no como una vara de medir.
La palabra ‘underground’ ha evolucionado hasta el punto de casi convertirse en un género en sí mismo, cuando originalmente representaba una filosofía y una forma de vida. ¿Cuál es tu perspectiva sobre lo que significa hoy en día?
El significado de “underground” ha cambiado con el tiempo. Lo que antes representaba una contracultura frente a la música dance comercial, ahora parece más relacionado
con la rareza, ya sea en forma de tracks oscuros, discos de edición limitada o eventos íntimos. Las líneas están más difusas que nunca, y se ha convertido menos en una filosofía amplia y más en un concepto de exclusividad.
Tu sonido suele describirse como una fusión de house, techno, electro, acid y otros géneros, sin encajar completamente en una categoría.
¿Hacia qué dirección sientes que está evolucionando tu música últimamente?
Intento evitar encasillar mi música porque no quiero limitarme. Últimamente, sin embargo, he estado cogiendo mucha inspiración del techno y el electro, y definitivamente se pueden escuchar esas influencias en mis últimas producciones.
En una era dominada por las redes sociales y el marketing digital, ¿qué desafíos ves en la evolución de la escena musical actual?
El principal desafío hoy es preservar la cultura y autenticidad de la escena mientras crece rápidamente a través del streaming y las redes sociales. Antes, los artistas se desarrollaban a través de la comunidad, el mentorazgo y años de experiencia en la carretera, pero ahora los nuevos talentos pueden surgir rápidamente con una barrera de entrada más baja. El reto está en encontrar el equilibrio adecuado: expandirse sin perder las raíces que hicieron que la escena fuera lo que es.
Cuando hablamos de la escena underground, a menudo pensamos en productores que pasan años en el estudio sin recibir el reconocimiento que merecen, DJs mal pagados y un circuito en el que solo unos pocos pueden vivir exclusivamente de la música. ¿Qué cambios crees que son necesarios para lograr una mayor equidad dentro de la escena?
Lograr mayor equidad en la escena no será fácil, pero empieza con una mentalidad de comunidad. En lugar de ocultar nombres y acumular discos, los DJs deben dar crédito a los artistas y apoyar su música de manera justa. Los promotores también deben tomar riesgos, alejándose de los mismos lineups de siempre y dando oportunidad al talento emergente. Los clubbers juegan un papel clave apoyando eventos que apuestan por lo nuevo y respaldando a nuevos curadores. La escena debería prosperar por fe, no por miedo.
Si te pido que imagines un club para 200-300 personas, con un sistema de sonido impecable y la vibra perfecta, ¿qué club te viene a la mente primero?
Ohm Berlin.
¿Qué elementos crees que hacen que un club sea perfecto para una noche inolvidable?
Para que una noche sea realmente inolvidable, hay varios factores esenciales. Primero, el público: una audiencia abierta y dispuesta a dejarse llevar marca la diferencia. Luego, un dancefloor espacioso y un sistema de sonido potente pero bien equilibrado.
La selección musical es clave: un lineup diverso y emocionante, junto con un promotor que sepa cómo construir la atmósfera adecuada. También ayuda una barra bien surtida con cócteles creativos y, por supuesto, un equipo atento a cada detalle para que la experiencia sea impecable.
¿Notas la diferencia entre un público más “conocedor”, donde hay muchos DJs y coleccionistas de música, y un público más tipo “raver” que simplemente sale a disfrutar sin centrarse demasiado en la selección de temas? ¿Cómo adaptas tu enfoque según quién esté frente a ti?
Absolutamente. Hay una gran diferencia entre tocar para un público conocedor y para un público raver más relajado. Para el primero, me sumerjo en selecciones más profundas y especializadas, disfrutando la libertad de explorar. Con el público raver, todo se trata de la energía y la vibra, manteniendo un sonido que los mantenga enganchados sin alejarme demasiado de lo familiar. Ambas experiencias son únicas, y ajusto mi enfoque para sintonizar con la energía del público.
A pesar de los cambios en la escena europea, los festivales boutique siguen prosperando. ¿Cuáles son tus favoritos y qué los hace especiales para ti?
Este año, algunos realmente me impresionaron. Primero, Airhouse Festival en Corea del Sur: una ubicación increíble y una atención al detalle impecable. Luego, Moko, que tiene una vibra familiar y un ambiente íntimo. Y, por supuesto, Dimensions, con su ubicación espectacular, carteles diversos y el plus de estar rodeado de amigos. Aún hay muchos que tengo ganas de explorar—Houghton, Butik y Dekmantel definitivamente están en mi lista.
¿Cómo adaptas tu enfoque al tocar en un evento underground más íntimo frente a un festival a gran escala?
En eventos íntimos, me gusta llevar un enfoque más dinámico, construyendo un viaje con altibajos y momentos especiales. En los festivales grandes, el enfoque cambia: los sets son más cortos, así que busco mantener una energía constante, entregando una experiencia memorable que resalte mis puntos fuertes y conecte con un público más amplio.
¿Qué artistas y sellos discográficos han llamado tu atención últimamente?
Últimamente, me han atraído artistas y sellos de mi círculo cercano, como Mood Waves / Tanzform, Partisan, Pillz, Unit-Y, Altered Circuits, Psionic y Moving in Silence. Me emociona especialmente el talento emergente que hemos fichado en Psionic, el sello que dirijo junto a Anthea—Juanma Alegre, Marcos Coya y Yu son solo algunos de los artistas en ascenso que tengo muchas ganas de ver despegar.
¿Hay algún próximo lanzamiento o colaboración que te emocione
¡Sí! Primero, mi EP ‘Play Me’ saldrá en Cutting Shapes, seguido de mi EP ‘Origins’ en Altered Circuits. Ha pasado un tiempo desde mi último lanzamiento, así que estoy realmente emocionada por compartir estos nuevos temas con el mundo. Más allá de eso, habrá que ver qué sale de mis próximas sesiones de estudio.
Para cerrar, nos gustaría escuchar tu reflexión: ¿qué le dirías a la Molly de hace 10 años, cuando recién comenzaba su camino en la música?
Esto es un maratón, no un sprint. Tómalo con calma y disfruta cada paso del camino.
“No voy a mentir, a veces es difícil encontrar el equilibrio. Se necesita mucha disciplina y constancia para mantener el tiempo de estudio mientras se gira.”
anna wall
Anna Wall no es solo una DJ, es una narradora de emociones, una curadora de atmósferas y una de las figuras más queridas del underground londinense. Con más de una década detrás de los platos, su presencia en la escena es tan sólida como versátil: residente de fabric, mente maestra detrás de los sellos
The Bricks y Dream Theory, periodista musical y curadora de su propio programa en Rinse FM. Pero más allá de los títulos, lo que realmente define a Anna es su capacidad de generar conexiones genuinas, tanto con el público como con la industria. Hablamos con ella sobre su recorrido, el impacto de la escena londinense en su sonido y esa magia intangible que la ha convertido en una de las artistas más auténticas de su generación. Desde la euforia de la pista hasta la profundidad del estudio, Anna Wall nos abre las puertas a su universo.
Hola, Anna, es un placer tenerte con nosotros. ¿Puedes contarnos de dónde eres y cómo comenzó tu camino en la música electrónica?
Es un honor hablar con vosotros, muchísimas gracias por la oportunidad. Nací y crecí en Hackney, en el este de Londres. Es una ciudad increíblemente diversa y con una escena musical enorme, llena de clubes, raves en almacenes y subgéneros por descubrir. Desde pequeña me obsesioné con grabar canciones de la radio y hacer mis propios mixtapes. Recuerdo que descubrí la música dance escuchando emisoras piratas hasta altas horas de la noche en mi walkman. Eso me marcó profundamente. De niña sufría de insomnio, así que me pasaba las madrugadas escuchando UK garage, jungle, techno y house por primera vez. Fue un antes y un después, nunca miré atrás.
¿Cómo fue tu infancia en Hackney?
Viéndolo en retrospectiva, diría que fue bastante intensa y libre: raves ilegales en casas okupas, pintadas en las calles, usando identificaciones falsas para entrar a los clubes. A los dieciséis años fui a mi primera rave en condiciones: Raindance, en los arcos de SE1, al sur de Londres. Es una fiesta que nació a finales de los 80 y por la que pasaron artistas como The Prodigy y Altern-8 en directo, junto con DJs de la vieja escuela como Slipmatt, Ellis Dee y Doc Scott. Era un lugar donde se mezclaban personas de todas las edades y procedencias, bailando juntas. La energía era increíble. Muchas veces terminábamos en el afterparty del arco de al lado hasta el domingo. Al salir del club nos daban packs de flyers y, en el bus 73 de vuelta a casa, nos sentábamos en la parte trasera a planear la siguiente fiesta del fin de semana. Poco después descubrí clubes como fabric, The End, Turnmills, The Cross y los afters en Public Life y T-Bar. Me enganché completamente a descubrir música nueva y vivir experiencias diferentes, y tuve la suerte de tenerlo todo a mi alcance.
Como productora, en el último año has lanzado varios vinilos y diriges tu propio sello, The Bricks. ¿Qué puedes contarnos sobre estos proyectos y cómo han evolucionado?
¡El próximo año The Bricks cumple diez años! El tiempo vuela. Cuando era más joven trabajé en sellos independientes y siempre soñé con crear mi propio label. Todo surgió de forma natural, firmando discos de amigos o artistas que descubrí diggeando o en conexiones reales. Para los primeros lanzamientos, visitaba a los artistas en sus ciudades y los entrevistaba para conocer su historia y entender la idea detrás de su música. Para el arte de los discos, sacaba fotos analógicas en 35mm que capturaban un momento especial para ellos o una imagen de su entorno. En los últimos dos lanzamientos cambié un poco la dirección y empecé a trabajar con mi increíble amiga Hannah Joseph, que ha creado unas ilustraciones hermosas inspiradas en los sonidos y temáticas de cada release. Mi primer intento con la producción musical fue en 2013, cuando conseguí Ableton. No tenía idea de lo que estaba haciendo, pero me encantaba experimentar. Todavía siento que me queda muchísimo por aprender y que apenas estoy empezando mi camino. Me encanta colaborar con amigos porque cambia la energía y la perspectiva, pero trabajar sola también es un momento para probar ideas nuevas y aprender. Puede ser un proceso muy terapéutico. En 2021 lancé otro sello, Dream Theory, centrado en música ambient y experi-
mental, porque me gusta crear cosas más allá de la pista de baile.
Personalmente, me encanta tu estilo, tiene muchísima personalidad. ¿Cuáles son tus herramientas favoritas para producir? ¿Qué equipo o software usas con más frecuencia en el estudio?
¡Muchas gracias! En 2022 compartí estudio con mi amigo Adam Curtain y durante un año alquilé su espacio tres días a la semana. Fue una experiencia increíble, aprendí muchísimo sobre sus sintetizadores y cajas de ritmos. En ese tiempo también invertimos en un Orbit 9090 y mi amigo Mat Playford me prestó amablemente su Oberheim 12. Cuando colaboro con mi amigo Thoma Bulwer, trabajamos en su estudio en Star Lane, y para nuestro próximo proyecto hemos estado usando la TR-808, el Waldorf y el Juno-106. Una vez que te acostumbras a trabajar con hardware, es difícil volver atrás. Hoy en día, cuando hago ideas en mi laptop, me encanta pasarlas luego por la mesa de mezclas y por hardware como el Eventide H3000.
¿Qué productores han llamado tu atención en el último año?
Desde que descubrí ‘Divine Time’ de Enrica Falqui en Undersound, su música me ha inspirado muchísimo. Su último lanzamiento como ERIS junto a Dea ha sido clave en mis sets, al igual que su EP en el sello de Andrew, Marginal Returns. Sus producciones tienen una energía increíble, con me-
lodías cautivadoras y un toque emotivo que resuena en la pista. También me encanta lo que está haciendo Acid Charlie; sus tracks con inspiración ochentera, como ‘Everything Counts’ en Coqueto Records, son una pasada. Hay un tema suyo que me dio que dura casi catorce minutos, y en mis giras me ha encantado tocarlo entero solo para ver cómo la gente se deja atrapar hasta el final.
Tienes una residencia en fabric, uno de los clubes más icónicos de Londres y del mundo. ¿Cómo surgió esta oportunidad y qué ha significado para tu carrera?
Convertirme en residente de fabric fue un sueño hecho realidad. Se lo debo todo a Judy Griffith, una figura clave del club desde sus inicios y una de las mujeres más dedicadas e inspiradoras de la industria. Me vio tocar en Boiler Room y me dio mi primera oportunidad: abrir para Craig Richards y Seth Troxler en la Room 1. Después de eso, me ofrecieron la residencia y, por supuesto, estaba en las nubes. El año pasado celebramos los 25 años de fabric con colaboraciones en clubes y festivales por todo el mundo, y poder compartir ese viaje fuera de nuestra casa fue muy especial. Se siente como una gran familia y estoy muy agradecida de formar parte de ella.
Además, presentas tu propio programa en la radio RINSE FM. ¿Cómo es llevar un proyecto como este? ¿Cómo eliges a los invitados y el contenido?
RINSE es una emisora que escuchaba cuando aún era radio pirata, así que la respeto muchísimo. Me encanta seleccionar música para el programa; suelo mezclar discos antiguos con temas nuevos y promos que me envían sellos y amigos. Para los guest mixes, invito a artistas que admiro de todo el mundo. Llevo siete años con la residencia y es muy bonito ir construyendo un archivo sonoro. A veces miro atrás, hago programas temáticos o exploro sonidos que no suelo tocar en los clubes.
Viajas mucho por América. ¿Qué te ha llamado la atención de las diferentes escenas musicales en estos países?
He tenido experiencias increíbles tocando en México, Colombia, Lima y Ecuador. Viajar a lugares tan hermosos y aprender sobre sus culturas siempre me inspira. Es fascinante ver cómo otras ciudades fomentan sus comunidades musicales y descubrir artistas locales. He conocido a personas increíbles en estos viajes que hoy son amigos cercanos, y siento que hay una gran conexión entre las escenas de América Latina y Europa, especialmente entre promotores independientes, artistas y sellos.
¿Cuáles son tus lugares favoritos en el mundo para ir a buscar vinilos y por qué?
Siempre que viajo para tocar, intento hacer tiempo para visitar las tiendas de discos locales; inevitablemente, siempre encuentras algo interesante para tu colección y nunca olvidas dónde y cuándo lo compraste, lo que lo hace aún más especial. Cuando voy a Bruselas, me encanta visitar Crevette Records; tienen un gusto excelente y una selección increíble de discos nuevos, además de joyas difíciles de encontrar en su sección de segunda mano, con una gran variedad de géneros y subgéneros. Todo el equipo que trabaja allí son DJs increíbles y hacen las mejores recomendaciones, y sus sesiones en la tienda tienen una energía increíble. También me encanta comprar discos en Barcelona; ahora hay tantas tiendas que es difícil elegir. Siempre encuentro grandes selecciones en Discos Paradiso, Libertine Records, Mad Record Shop, y estoy deseando visitar la recién inaugurada Integrity la próxima vez que esté en la ciudad.
Además de ser DJ, también trabajas en la tienda de discos de Lirica en Londres y como periodista en una de las revistas de música electrónica más influyentes. ¿Cuáles son tus principales roles en cada uno y cómo equilibras todo?
Trabajar en Lirica Archives es genial porque disfruto explorando cientos de discos cada día. Me encanta vender discos, aprender sobre los gustos de la gente y encontrar discos
para ellos de manera natural. También está la parte de distribución, con un nuevo lote de lanzamientos cada mes que enviamos a todo el mundo. Están a punto de abrir una nueva tienda en Hackney y pronto habrá otra en Barcelona, así que es emocionante ver cómo crece y se expande.
Llevo quince años escribiendo como freelance para la revista y, durante un tiempo, también fui parte de su equipo editorial. A lo largo de los años, he tenido experiencias memorables entrevistando artistas, escribiendo portadas, investigando temas interesantes y viajando en tours de prensa. También me mantiene alerta, ya que siempre estoy buscando nuevos artistas o ideas para proponer. Equilibrar todo es algo que aún estoy aprendiendo, pero lo bonito es que, de muchas maneras, todo se complementa.
Por último, en cuanto a producción musical, ¿cómo equilibras el tiempo entre giras y estudio? ¿Encuentras inspiración en la carretera o prefieres la calma del estudio?
No voy a mentir, a veces es difícil encontrar el equilibrio. Se necesita mucha disciplina y constancia para mantener el tiempo de estudio mientras se gira. Pero viajar también es una gran fuente de inspiración: visitar disquerías, conocer gente nueva, descubrir DJs que no había escuchado antes. A veces grabo sonidos del entorno con mi Tascam y los uso como samples en mis tracks—aunque sea algo sutil, para mí es una forma hermosa de capturar un recuerdo en la música.
Euphoria en Madrid: Maceo Plex y una noche de música sin etiquetas
El 15 de marzo, Madrid Arena va a acoger uno de los eventos más interesantes de los últimos meses. Se trata de Euphoria, y sus características se pueden resumir de una forma muy concisa: una fiesta en la que no habrá géneros musicales cerrados ni fórmulas predecibles. Es una inmersión total en el sonido de artistas que han sabido romper moldes y evolucionar constantemente. Detrás de todo esto está JOMO, el members club que está haciendo un gran favor al ocio en Madrid. En solo dos años, han mostrado una forma diferente de vivir la cultura, apostando por eventos donde la música, el arte y la creatividad son los verdaderos protagonistas. Euphoria es el reflejo de esta filosofía: un evento para quienes buscan algo más que una simple sesión de DJ, un espacio donde la música es el hilo conductor, pero la experiencia va mucho más allá.
El hilo conductor se define por la figura de Maceo Plex, un productor y DJ que lleva más de 30 años moviéndose entre el house, el techno, el electro y cualquier sonido que despierte su curiosidad creativa. Plex ha construido una carrera donde la experimentación es la clave de su personalidad artística. Su historia empieza en Miami, donde creció con influencias de breakbeat y electro, pero su sonido se ha ido moldeando con el tiempo, absorbiendo lo mejor de cada escena en la que ha estado. Desde su faceta más techno como Maetrik, hasta su exploración IDM y electro bajo el alias Mariel Ito, su música nunca ha sido estática. Su último álbum ’’93’, es un reflejo de ese espíritu, con colaboraciones tan imprecedibles como la de Perry Farrell, líder de Jane’s Addiction.
La noche contará con un cartel de artistas que representan distintas caras de la electrónica actual. Raxon, quien lleva más de 20 años en la escena, es uno de los nombres más sólidos del techno melódico y el house hipnótico. Su segundo álbum ‘USWATT’ lanzado en octubre de 2024, es prueba de su capacidad para reinventarse, alejándose de los simples bangers de club y explorando sonidos influenciados por el cyberpunk, las bandas sonoras de videojuegos y el sci-fi. Residentes de Barcelona, él y Maceo Plex han compartido estudio, sellos como Ellum y escenarios como Pyramid Ibiza, donde han protagonizado b2b legendarios con artistas como KiNK. Su música, detallista y envolvente, es el resultado de una mente inquieta que encuentra inspiración en cualquier cosa, desde los sintetizadores de los 80 hasta la atmósfera de un videojuego.
Una fiesta donde lo único fijo es la calidad musical
La noche también contará con la presencia de Cristina Tosio, DJ, productora y una de las figuras emergentes más interesantes de la escena española. Aunque muchos la conocen por su trayectoria en el mundo de la moda, su verdadera pasión siempre ha sido la música. Su estilo se mueve entre el house y el techno melódico, con una sensibilidad especial para crear sets que fluyen de manera orgánica, sin prisas y con un groove constante. Su conexión con la música es personal, casi familiar: su padre era baterista en una banda y desde pequeña tuvo claro que quería dedicarse a explorar sonidos y ritmos.
Por otro lado, María Ordoñez aporta una dimensión completamente distinta al cartel. Multiinstrumentista con formación en piano, guitarra, violín y percusión, su manera de entender la música electrónica va más allá de los decks. Su sonido es un equilibrio entre la elegancia y la crudeza, con sets que pueden ir desde el indie dance hasta un house profundo y oscuro, dependiendo del momento y el espacio.
La experiencia no se limita solo a lo musical. La producción del evento está en manos de Onion Lab, responsables de Termikus, una instalación audiovisual que transforma espacios industriales en entornos inmersivos a través de luz, sonido y movimiento sincronizado.
“Construir una identidad musical no es fácil, pero es lo más valioso”
freddy bello
Con más de una década de trayectoria en la escena underground, el DJ y productor venezolano Freddy Bello ha construido un camino auténtico, siempre guiado por las ganas de subir escalones incesantemente. Su chispa musical se encendió en Caracas, su ciudad natal, pero siendo aún un adolescente se trasladó a Madrid, donde su carrera comenzó a acelerarse. Desde 2015, España ha sido su hogar y la plataforma desde la que ha expandido su sonido a nivel internacional.
Su estilo, una fusión entre techno y minimal, le ha llevado a presentarse en ciudades como Miami, Nueva York, Barcelona y Róterdam, además de países como República Dominicana y Aruba. En su ascendente trayectoria, ha compartido cabina con referentes de la industria como Marco Carola, Luciano, Andrea Oliva, Mathias Tanzmann, Davide Squillace, Gaiser, Technasia, Marco Faraone… La lista es realmente larga. Freddy ha hecho lo suyo en una ingente cantidad de eventos y clubes de las grandes ligas. Entre ellos Family Club (Toledo), Hotel 82 (Valencia), Fabrik (Madrid), Funground (Madrid) y 4every1 (Madrid). Además, su faceta como productor lo ha llevado a trabajar con sellos como Cuff, Overtones Records y Give Soul, siempre en la búsqueda de una identidad sonora única que lo distingue de los demás.
Llevas más de una década construyendo tu identidad en la escena underground. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido desde tus inicios en Caracas hasta lo que ofreces hoy en día en cabinas de todo el mundo?
Hola a todo el equipo, muchas gracias por la invitación a participar en esta entrevista. Yo lo definiría como una evolución. Lo que tocaba en Caracas era muy diferente a lo que hoy en día es mi sonido. Considero que, con el paso del tiempo, ha ido mejorando. Creo que también influyó mucho el hecho de mudarme a España, ya que es un país con una gran cultura musical, de clubbing y de eventos. Además, tener la oportunidad de viajar a otros países, asistir a fiestas y festivales me ha ayudado a nutrirme mucho musicalmente. Todo esto te permite curar tu propuesta y aprender a dirigirte al público con algo que sea tanto agradable para ellos como auténtico para mí. Al final, construir una identidad musical no es fácil, ya que es un proceso que se desarrolla con el tiempo. La verdad es que me siento muy feliz y agradecido por el cambio positivo que ha tenido mi música a lo largo de estos años.
Acabas de lanzar ‘My Bless’ en Give Soul Records y hace unos meses sacaste ‘The Law’ junto a Andy Martinez en Flamingo Road. ¿Cómo abordas el proceso de producción cuando trabajas en solitario versus cuando colaboras con otros artistas?
El proceso de producción cambia bastante cuando trabajo en solitario versus cuando colaboro con otros artistas. Cuando estoy trabajando solo, tengo toda la libertad de seguir mi propio flujo creativo, pero también puede ser un proceso impredecible. Algunas veces un track surge rápidamente y en otras ocasiones puede llevar meses terminarlo. Es todo un reto porque, además, mi estado emocional y mi enfoque en ese momento juegan un papel muy importante en la creatividad. Por otro lado, cuando trabajo con otros artistas, como en el caso de “The Law” con Andy Martinez, el pro-
ceso suele ser mucho más dinámico. El trabajo en equipo permite que las ideas fluyan más rápido, y la energía de compartir el estudio con otra persona es algo que le da un toque especial a la creación. No solo se trata de hacer la música, sino de disfrutar el proceso juntos, experimentar nuevas ideas y aprender unos de otros. Sin duda, ambas formas de trabajar tienen su magia, pero las colaboraciones me dan una nueva perspectiva que enriquece mi música.
El ‘Art Basel 2024 Gift Pack’ lo regalaste en SoundCloud, un movimiento que no todos los productores hacen. ¿Qué te motivó a compartir esos temas de forma gratuita?
Mi motivación para compartir los temas de forma gratuita en SoundCloud durante el Art Basel 2024 fue ofrecer un regalo especial tanto a los DJs como al público, especialmente porque coincidió con mi cumpleaños. Además, debido a los derechos de autor, no sería posible lanzarlos a través de un sello discográfico. Quería crear algo único que pudiera ser disfrutado por todos de manera accesible, y la respuesta fue increíblemente positiva. A día de hoy, sigo viendo cómo la gente interactúa con esos tracks, lo que me hace sentir muy satisfecho con la decisión tomada.
Has pasado por escenarios de ciudades como Miami, Chicago, Nueva York, Dallas y muchas más en EE.UU. ¿Cómo ha sido tu experiencia allí y qué diferencias notas entre el público estadounidense y el europeo o latinoamericano?
Mi experiencia en ciudades como Miami, Chicago, Nueva York y Dallas ha sido sumamente enriquecedora. Estados Unidos es un mercado interesante y diferente en comparación con Europa, ya que cada ciudad tiene su propio encanto y fuente de inspiración. Por ejemplo, considero que Nueva York tiene una cultura muy marcada, al igual que Chicago, lo que le da una identidad única. Es fascinante observar la diversificación tanto del público como de la
cultura en cada lugar, ya que cada ciudad tiene su propio sonido. Me encanta esa variedad, y he recibido una excelente receptividad durante mis presentaciones, lo que hace que la experiencia sea aún más gratificante. El público latinoamericano y europeo también tiene su magia; cada uno de estos públicos tiene su propio encanto y particularidades que hacen que cada actuación sea única y especial.
Tu debut en ADE 2024 ha sido un momento muy guay en tu carrera, imagino. ¿Cómo viviste la experiencia de formar parte del evento más importante de la música electrónica en el mundo?
Para mí, haber formado parte del ADE 2024 ha sido un sueño hecho realidad. Es uno de los eventos más importantes de la música electrónica a nivel mundial, y tener la oportunidad de participar no solo en el evento principal, sino también en el Adam Tower junto al sello turco Papa Black Récords y Monkey Project, fue una experiencia increíble. Además, pude compartir evento con Carlita, una DJ que admiro mucho, y coincidir con ella en el mismo horario fue un momento brutal. No solo fue especial tocar, sino también la cantidad de relaciones, contactos y experiencias que pude vivir durante esos días. Para mí, fue un momento inolvidable, y este año espero poder volver y participar en muchos más eventos de este tipo.
En enero volviste a Pacha Barcelona con SIGHT en el showcase de Pakate. ¿Qué significado tiene para ti pinchar en clubs con tanta historia como Pacha?
La primera vez que fui a Barcelona, decreté que quería tocar en Pacha, tanto por su trayectoria como por lo icónico que es en la ciudad. Para mí, siempre ha sido un honor volver allí, ya que me siento como en casa. El equipo de trabajo, la sala y el público siempre han sido excepcionales. Pinchar en clubs con tanta historia como Pacha tiene un significado muy especial, ya que representa un hito importante en mi carrera y una conexión profunda con la música y la cultura de la ciudad. En diciembre estuviste en Rotterdam y recientemente en Fitz Madrid.
¿Cómo gestionas la energía y el enfoque cuando pasas de un club más íntimo a eventos con miles de personas, como tu show en Chinatown con 4700 asistentes?
En diciembre, estuve en Rotterdam y la experiencia fue increíble. Give Soul organizó un festival en una locación que antiguamente era una fábrica, y tuve la oportunidad de tocar en el After Party oficial en el piso 10 de la misma. La vibra del club es muy diferente a la de un evento masivo, pero cada experiencia tiene su particularidad. Por ejemplo, Fitz es un club gigante con un aforo de más de 1000 personas, mientras que en Chinatown, en Pereira, tuve el honor de tocar en una de las fiestas más importantes de la ciudad, con 4700 asistentes. Este tipo de eventos tiene una dinámica más enfocada en la energía constante y la necesidad de mantener a la multitud activa, lo que requiere un enfoque diferente. La energía debe ser más alta y el tipo de música tiene que ser más activa para mover a las masas. Sin embargo, siempre están los nervios, y si un día no los siento, es señal de que es hora de retirarme de esta profesión. Vienes de una escena underground que se ha expandido a nivel internacional. ¿Sientes que el tech house han cambiado en los últimos años en términos de sonido o industria? Sí, considero que ha habido un cambio y un crecimiento en la escena. Hay muchos aspectos que han variado, pero siento que aún existe un sonido que, a pesar del paso de los años, sigue siendo vigente. Hoy en día, aunque hay muchas fusiones que podrían ser juzgadas dentro de la escena, todavía hay artistas que siguen manteniendo y produciendo el sonido que preserva la esencia del género.
Has trabajado con sellos como Cuff, Overtones Records y ahora Give Soul. ¿Qué buscas en un sello cuando decides lanzar nueva música?
Cuando decido lanzar nueva música, busco que mi música pueda darse a conocer y llegar al público objetivo, ya que cada sello tiene su propia comunidad, plataforma y medios para difundirla. También creo que hay sellos con los que te identificas o que te sirven de inspiración al momento de producir un track, ya que te mo-
tivan a trabajar con ciertos estándares y metas. La verdad es que estoy muy feliz de trabajar con sellos como Cuff, Overtones Records y ahora Give Soul, debido al reconocimiento y la trayectoria que tienen.
¿Qué es lo más loco o inesperado que te ha pasado en una cabina durante un set?
Estaba comenzando el set en una fiesta en Caracas, Venezuela y apenas hice la primera mezcla al frente de la cabina le pidieron matrimonio a una chica que era muy fan de mi trabajo y eso fue algo que no esperaba.
De todos los sitios en los que has vivido, ¿cuál es el que mejor te ha tratado?
Caracas, Venezuela mi ciudad natal pero también puedo decir que Madrid y Ciudad de Mexico están en ese top.
¿Qué se viene de nuevo este año?
En 2025, podrán esperar mucha música en solitario, así como colaboraciones con grandes amigos y sellos de renombre. En abril, estaré de gira por Estados Unidos y en mayo por Latinoamérica. En junio, participaré en el Off Sonar en Barcelona, y durante el verano, estaré en Ibiza, Marbella y varias ciudades más que aún están por confirmar. Además, trabajo con mi nueva agencia, Concept One, y con AMPM de Estados Unidos. También estoy desarrollando mi propia marca de ropa y participando en varios proyectos en colaboración con grandes marcas de la industria. Sin duda, será un año lleno de lanzamientos, giras y nuevos proyectos tanto dentro como fuera de la pista.
YOYAKU
“Navegar entre lo artístico y lo comercial puede ser complejo. Nuestro principio rector siempre ha sido apoyar los sonidos en los que creemos”
Desde su nacimiento, Yoyaku se ha consolidado como un pilar fundamental en la escena de la música electrónica underground. Más que un simple sello discográfico, este colectivo con sede en París ha logrado construir un ecosistema que abarca distribución, booking, una tienda de vinilos y una identidad visual inconfundible. A lo largo de los años, han sabido mantener un delicado equilibrio entre el arte y el negocio, impulsando talentos emergentes sin comprometer su visión artística.
En esta entrevista hablamos con Benjamín del equipo de Yoyaku sobre sus inicios, el significado detrás de su nombre, la evolución de su agencia de booking Interwave, el impacto de su éxito digital y los desafíos de gestionar una plataforma que opera en múltiples frentes. Además, nos adelantan detalles sobre su tour mundial por el décimo aniversario, que pasará por más de 30 ciudades incluyendo Barcelona, Nueva York, Tokio y Buenos Aires.
Exploramos el presente y futuro de un sello que, a través del vinilo y la innovación, sigue redefiniendo los límites de la música electrónica independiente.
Empecemos por el principio: llegar hasta donde estáis hoy debe haber sido un viaje largo y desafiante. ¿Podríais contarnos cómo nació Yoyaku y cuál es el significado detrás de su nombre?
Yoyaku surgió de la convergencia de varias ideas. Nuestra visión era apoyar a los artistas y, al mismo tiempo, encontramos un pequeño espacio en un estacionamiento donde, para vender nuestros discos, era necesario concertar citas. El término “Yoyaku” en japonés tiene un doble significado: “reserva” y “cita”, reflejando ambos conceptos.
Como tienda de discos, distribuidora y sello, cubrís múltiples aspectos de la industria musical. ¿Cómo organizáis todo internamente para mantener la calidad y la coherencia en todas las áreas?
Como tienda de discos, distribuidora y sello, Yoyaku opera con una estructura totalmente integrada, reuniendo todo bajo un mismo techo para garantizar calidad y coherencia en todas las áreas. En los últimos dos años hemos centralizado todas nuestras actividades en un solo lugar y hemos unificado nuestros equipos, lo que nos permite una mayor sinergia entre nuestras diferentes divisiones sin perder especialización.
Contamos con un equipo apasionado y dedicado, con personas especializadas en cada área: desde la curaduría de discos para la tienda hasta la gestión de la distribución, la producción y la supervisión de nuestros sellos. Esta estructura nos permite ser ágiles y eficientes, asegurando que cada lanzamiento, pedido y decisión artística se maneje con experiencia y una visión compartida.
Además de la distribución y los lanzamientos, estáis celebrando el 10º aniversario de Yoyaku con una gira especial. ¿Cuál es el concepto detrás de estos eventos y qué buscáis transmitir a través de ellos?
Para nuestro décimo aniversario, queríamos celebrar el camino de Yoyaku de una manera que refleje nuestra comunidad y nuestra dedicación a la cultura del vinilo. Más que una serie de fiestas, lo vemos como una oportunidad para apoyar el ecosistema que nos ha dado forma. A medida que viajamos por diferentes ciudades, planeamos lanzamientos especiales vinculados a los lugares que visitaremos, haciendo que cada parada sea única. Si bien la mayoría de los eventos tendrán lugar
en clubes y festivales, también pasaremos por algunas tiendas de discos seleccionadas, reforzando nuestra conexión con la comunidad del vinilo. Nos ha sorprendido enormemente la respuesta internacional: lo que comenzó como una celebración se ha convertido en una gira realmente global. Organizaremos eventos en más de 30 países incluyendo París, Londres, Nueva York, Tokio, Barcelona, Ámsterdam, Miami, Los Ángeles, Ibiza, Montreal, Sídney, Río de Janeiro, Buenos Aires, Milán, Hong Kong, Ciudad de México, Zúrich, Estambul, Atenas, Lisboa, Dubái, Beirut y muchos más.
Esta gira no solo trata de mirar hacia atrás, sino de seguir impulsando la música electrónica underground, reuniendo a nuestros artistas y compartiendo la música que define a Yoyaku con audiencias de todo el mundo.
También contáis con una agencia de booking llamada Interwave vinculada a Yoyaku. ¿Qué artistas forman parte de su roster y cómo seleccionáis los talentos que representáis?
Nuestra agencia de booking comenzó como Yoyaku Agency, estrechamente vinculada a nuestro sello y distribución. A medida que crecimos, nos dimos cuenta de que necesitaba una identidad propia sin perder el fuerte vínculo creativo con Yoyaku. El punto de inflexión llegó cuando Tracy se unió al equipo, aportando su visión y experiencia. Esto llevó a la evolución de la agencia en Interwave, un nombre que simboliza tanto las “olas” de la era Covid como el movimiento constante de las tendencias musicales.
Nuestra selección de artistas es instintiva y personal. Tracy viaja por el mundo asistiendo a festivales y eventos, conectándose constantemente con la escena, y cuando tiene un “coup de cœur” por un artista, apuesta al máximo. De la misma manera, yo (Benjamin) confío en mi instinto: cuando la música de un artista me emociona, queremos apoyarlo y darle una oportunidad.
Uno de sus DJ sets en la tienda ha alcanzado casi dos millones de visitas online, un número enorme para una tienda orientada al underground. ¿Cómo afecta este éxito digital a la identidad de Yoyaku y qué significa para las nuevas audiencias que ahora están descubriendo el vinilo a través de vuestras sesiones?
Ha sido increíble ver esa respuesta a lo que comenzó como sesiones íntimas y centradas en el vinilo en nues-
tra tienda. Por un lado, tener casi dos millones de visitas online parece surrealista para un espacio orientado al underground, pero también demuestra cuánta gente busca experiencias musicales auténticas, incluso en un contexto digital.
Vemos este alcance online como una forma de invitar a más personas al mundo del vinilo. Alguien puede descubrirnos a través de un set en YouTube y luego decidir visitar la tienda o comprar un disco físico por primera vez. Curiosamente, también estamos atrayendo una nueva audiencia: algunos no provienen de la escena electrónica, pero se sienten atraídos por la cultura del vinilo en general. Esto demuestra cómo el lado táctil y comunitario de la música puede resonar en distintos géneros, y lo vemos como una oportunidad para conectar diferentes mundos musicales mientras mantenemos el vinilo en el centro de la experiencia.
Hemos escuchado que durante la semana de Sónar organizaréis un evento en Output. ¿Qué podéis adelantarnos sobre esta fiesta? ¿Habrá sorpresas o invitados especiales?
El evento contará con dos escenarios: uno organizado por Ar:piar y otro por Yoyaku.
En los primeros años de Yoyaku, teníamos la tradición de lanzar un disco especial y en edición limitada la noche del evento con temas de los artistas del line up. Este disco solo estaba disponible en la fiesta, convirtiéndolo en una pieza coleccionable única. Ahora estamos trabajando en recuperar este concepto para la semana de Sónar, creando un lanzamiento exclusivo vinculado a la noche. Será un evento donde la música, la cultura del vinilo y nuestra visión artística converjan. ¡Pronto daremos más detalles!
Equilibrar los aspectos artísticos y comerciales de la música puede ser un desafío. ¿Cómo lográis mantener ese balance en Yoyaku?
Yoyaku ha crecido hasta convertirse en un ecosistema multifacético con varias empresas y un equipo apasionado. Aunque navegar entre lo artístico y lo comercial puede ser complejo, nuestro principio rector siempre ha sido apoyar los sonidos en los que creemos.
Tenemos la suerte de trabajar en proyectos que nos resuenan profundamente: discos y artistas que encajan con nuestra visión estética y ética creativa. Al mismo tiempo, entendemos que algunos proyectos tienen
mayor salida comercial que otros. En lugar de dejar que el éxito comercial dicte nuestra dirección, lo usamos para sostener y respaldar lanzamientos más experimentales o de nicho que pueden no tener un atractivo inmediato en el mercado, pero que consideramos esenciales para innovar.
Una de las ventajas de manejar una estructura independiente como Yoyaku, es que podemos mantener este equilibrio en nuestros propios términos. Tenemos la libertad de lanzar música sin la presión de las ventas, lo que nos permite apoyar a los artistas por su visión artística, incluso si están fuera de lo convencional.
Yoyaku siempre ha sido reconocido por su identidad visual única y su compromiso con la artesanía. ¿Cómo ha evolucionado esto a lo largo de los años y qué nuevas direcciones creativas estáis explorando en la expansión de su tienda?
Durante años, el diseño artesanal y la estética táctil han sido una parte esencial de la identidad de Yoyaku. Hemos experimentado con serigrafía, empaques inspirados en el origami, diseños grabados con láser y técnicas de impresión innovadoras, utilizando materiales fosforescentes, texturas en capas y relieves detallados para crear ediciones únicas y coleccionables. Cada lanzamiento ha sido una oportunidad para explorar nuevas fronteras creativas, fusionando la música con el arte tangible.
A medida que evolucionamos, quisimos ampliar nuestro enfoque creativo más allá de las técnicas de impresión tradi-
cionales. Aunque seguimos colaborando con ilustradores y artistas gráficos, ahora estamos incorporando visuales en 3D y elementos interactivos en nuestros diseños. Un ejemplo destacado es nuestra edición especial del EP de Laurent Garnier, en la que integramos un chip NFC en la funda del vinilo, permitiendo a los usuarios escanearlo y desbloquear una animación de realidad aumentada que da vida al arte.
Nos fascinan las tecnologías emergentes y los nuevos formatos artísticos. En este espacio, hemos acogido a artistas visuales en residencia, incluido un especialista en visuales generativos en tiempo real y, próximamente, un artista 3D explorando el diseño interactivo. Ponemos mucha energía y pasión en la investigación y el desarrollo, buscando continuamente formas de fusionar el arte físico y digital sin perder la profundidad y la artesanía que siempre han definido a Yoyaku.
El sótano de nuestra tienda ahora es completamente modular, equipado con un sistema de sonido de alta gama, instalaciones de video y mobiliario móvil, lo que nos permite transformarlo en un espacio inmersivo para eventos, sesiones de escucha y exhibiciones creativas. En cuanto a los discos, hemos asegurado asociaciones con varios proveedores de vinilos de segunda mano, lo que nos ha permitido ampliar nuestra oferta más allá de los lanzamientos nuevos. Este espacio ahora permite a los visitantes profundizar tanto en discos nuevos como en vinilos vintage, creando una experiencia más rica y diversa para los amantes de la música que exploran nuestra tienda.
¿Cómo veis que este cambio resuene con una nueva generación de amantes de la música que están descubriendo el vinilo por primera vez?
Creemos que al reenfocarnos en los lanzamientos físicos, podemos fortalecer nuestros lazos con tiendas independientes y crear una experiencia más significativa para los oyentes. En lugar de depender de algoritmos y playlists, queremos fomentar el descubrimiento genuino: el placer de hojear discos, hablar de música cara a cara y tomarse el tiempo para sumergirse en el sonido. Este enfoque permite que una nueva generación de amantes de la música construya una conexión más profunda con los artistas y la cultura en sí.
En última instancia, nuestra decisión de ser “vinyl only” se trata de preservar un arte, apoyar la red global de tiendas de discos apasionadas y proporcionar una experiencia más tangible y duradera para todos los que cruzan nuestras puertas, o que nos descubren en línea y se sienten intrigados por lo que hacemos. Nos emociona ver crecer nuestra audiencia de esta manera y esperamos seguir explorando nuevas formas de crear, compartir y celebrar la música, siempre fieles a la cultura del vinilo que dio origen a Yoyaku.
UNA FUERZA IMPARABLE EN LA ESCENA TECHNO
fatima hajji
FOTOGRAFÍA @JUANMA_ALV
Pocas artistas en la escena electrónica pueden presumir de una trayectoria tan sólida y en constante evolución como Fatima Hajji. Con más de dos décadas detrás de los platos, la DJ y productora salmantina se ha consolidado como una de las figuras más queridas y respetadas del techno a nivel global. Su energía incombustible, su conexión única con el público y su inconfundible estilo, donde el hard techno se fusiona con percusiones tribales y melodías hipnóticas, la han llevado a recorrer los mejores festivales y clubes del planeta.
2025 no pudo empezar de mejor manera para ella: tras cerrar y empezar el año con una intensa gira por Estados Unidos, ha vuelto con más fuerza que nunca para presentar una nueva y ambiciosa etapa en su carrera. En enero, la artista estrenó en Fabrik
Madrid un innovador concepto de visuales e iluminación diseñado para potenciar la experiencia inmersiva de sus sets, un espectáculo que marca un antes y un después en su propuesta artística. Pero esto no es todo. También nos trae una noticia que ya ha emocionado a sus seguidores: el lanzamiento de su propio sello discográfico, Strobö, una plataforma con la que buscará dar voz a nuevos talentos y seguir explorando los sonidos más contundentes y viscerales del techno.
En esta entrevista exclusiva para Mixmag Spain hablamos con Fatima sobre todos estos proyectos, su reciente tour por Norteamérica, su ANL en Fabrik, su serie de eventos Invites y mucho más. Una conversación que refleja el espíritu incansable de una artista que, lejos de acomodarse, sigue empujando los límites de su creatividad y su sonido.
¡Bienvenida, Fatima! Es un auténtico placer empezar marzo contigo en nuestra portada. Acabaste y empezaste el año con un tour por USA. ¿Cómo sienta despedir un año increíble por todo lo alto?
El placer es mío. Muchas gracias por invitarme a formar parte de vuestra revista. Ha sido un año muy intenso y bonito, con muchos momentos increíbles y en el que he podido disfrutar grandes sensaciones y muy buenas vibras que me ha aportado la gente allá donde he ido. El pasado año tuve cinco tours en USA y siempre es emocionante… Fue muy especial e intenso cerrar el año allí, porque fueron seis gigs en siete días. Eso sí, saqué tiempo para comerme las uvas (risas).
Siempre ha sido un sueño poder tocar por todo el mundo, y ver cómo ahora despega el Techno y el Hard en tantas partes del mundo y poder ser parte de eso es un gran privilegio.
Antes de finalizar 2024 hiciste un post en RRSS con una lista de algunos de tus mejores “momentazos”, entre los que compartiste varios recuerdos como tu All Night Long en Fabrik, Awakenings, Blackworks x Elrow, DURO Barcelona o Dreambeach, entre otros. Ahora me gustaría ponértelo un poquito más difícil: si tuvieras que decirnos tu mayor highlight de 2024, ¿cuál nos dirías?
Bfff, ¡es muy, muy complicado quedarse solo con uno! Es repasar el calendario y se me ponen los pelos de punta, todos los que dices y muchos otros están grabados a fuego para siempre en mi memoria. Si tengo que mojarme, creo que diría el ANL, es el único evento de estas características que hago al año precisamente para que sea muy especial. Tener a miles de personas de tantos puntos geográficos diferentes que sabes que han venido para verte a ti, me hace sentir muy emocionada y agradecida. Además, este año he podido estar en todos los detalles de la pro-
ducción, trabajando con mi equipo para que todo fuese exactamente como queríamos y poder brindar así a la gente una experiencia inolvidable. Realmente ha sido algo increíble, precioso y muy, muy emotivo. Estaré eternamente agradecida a todos los que han formado parte de esto.
Después de haber conquistado algunos de los festivales más grandes del mundo y haber dejado tu huella en clubes icónicos a nivel global, ¿qué diferencias encuentras entre tocar en un gran festival y en un club más íntimo? ¿Cómo varía tu enfoque a la hora de conectar con el público en cada uno de estos escenarios?
Para mí es el mismo enfoque tanto en clubes como en festivales, buscas la conexión, pero la sensación es diferente. Está claro que normalmente en los clubes la cercanía es mayor y eso puede hacer que sea más sencillo conectar con el público, en los festivales está el componente de la multitud y, cuando esa multitud ruge, es una sensación indescriptible también. No podría elegir un formato, ambos me encantan. Lo único que suelo pedir es tener gente cerca, si el escenario está habilitado para ello prefiero tener gente cerca bailando y disfrutando, porque así fluye la energía más rápido.
Tu nuevo concepto de visuales e iluminación vio la luz por primera vez en enero de este año en Fabrik Madrid. ¿Cómo surgió el concepto y cuánto tiempo llevabas preparándolo hasta llevarlo a cabo a principios de año?
Han sido varios meses preparando todo, los visuales, la iluminación, y el label. Todo gira en torno al mismo concepto y en Fabrik quisimos conjugar todo esto con una producción especial para que la puesta en escena reflejase exactamente lo que pretendo conseguir en cada evento. Todo surge de mi necesidad de conectar con la gente al máximo, quiero ver las caras, las expresiones y las reacciones. La música es la base y
“Tener a miles de personas de tantos puntos geográficos diferentes que sabes que han venido para verte a ti me hace sentir muy emocionada y agradecida”
FOTOGRAFÍA @ITSNOTRAUL
lo que nos conecta, pero una buena iluminación ayuda a crear una atmósfera aún más especial, no solo potencia la energía sino que además genera un ambiente de felicidad y de conexión entre todos los asistentes, que para mi es primordial. De ahí nace el concepto del sello, pido siempre mucho estrobo y que durante las transiciones no tengamos momentos largos de oscuridad.
Por otro lado, los visuales van cargados de simbolismo: referencias a la madre tierra, los químicos de nuestro cerebro, las hormonas naturales y la conexión con el universo junto con efectos estroboscopios que ayudan a crear ese clima de energía, movimiento y claridad.
Una vez tuvimos esto perfilado y testeado en eventos, a lo largo de todo el año pasado empezamos a crear la producción para Fabrik. Para eso necesitaba tener iluminación en toda la pista, ya que la main es muy grande y para conseguir este efecto necesitábamos ampliar leds por el techo, hasta el fondo —además de las columnas, que ya lo hicimos en la edición del año pasado. La verdad es que era algo muy ambicioso y, por las características del club, no se había hecho antes así que hubo un gran trabajo para conseguirlo.
Otra clave para que la energía fluyera en un retorno constante era tener a la gente rodeando el centro de la acción (la cabina): gente en el escenario, en los lados y de frente, que todo el que esté bailando pueda ver no solo al DJ sino también al resto de gente sintiendo lo mismo que ellos. Esa energía se retroalimenta y el resultado es que la experiencia sea más enriquecedora.
Conseguir que Fabrik nos dejara meter gente arriba por primera vez ha sido algo mágico, yo creo que el ambiente que se respiraba era brutal y fue un claro ejemplo de cómo fluye la energía. Eso sí, hay algo que se me fue de las manos: decir que todos los que tenían un tatuaje mío podían subir… La cantidad de gente que se hizo un tatuaje para esa noche junto con los que ya lo tenían, (increíble) fue una locura. Yo no tengo palabras de agradecimiento suficientes.
¿Qué recuerdas de aquella noche en este club que tanto te ha marcado a lo largo de los años?
Las caras de felicidad de la gente, los ANL en un club como Fabrik consiguen atraer gente de muchos puntos geográficos diferentes y todos unidos por un mismo sentimiento; realmente es un ambiente único, hay sintonía. Mucha gente incluso sabe
que puede venir sola porque allí van a conocer a más gente y no van a estar solos en ningún momento.
Este es el tercer año consecutivo que te presentas en Fabrik Madrid en formato All Night Long. ¿Qué te motivó a preparar tus All Night Long y cómo te preparas para mantener la energía durante toda la noche? ¿Te dejas llevar por la vibra en cada momento?
La verdad es que no soy de hacer sets extendidos, ya que mis sets son muy enérgicos, no paro un segundo, me gusta darlo todo mientras estoy en cabina, me apasiona lo que hago y no podría ser de otra manera, así que 1h30 o 2 para mí normalmente es lo ideal. Pero también he de decir que me encanta este formato para hacerlo de forma más exclusiva, ya que supone una gran dedicación: la preparación el set, 7 horas de cardio (que se me pasan volando) y al día siguiente responder a la avalancha de mensajes mientras lloro,… pero cada segundo vale la pena porque las sensaciones son indescriptibles.
Antes de un set siempre me voy a dormir, algo que nunca consigo antes del ANL ;) Mi cabeza da muchas vueltas… y luego mi receta mágica es Red Bull mezclado con agua con gas al 50%, creo que voy a patentar esta bebida (risas). Y la mayor fuente de energía es el calor de la gente que llena la pista desde el minuto cero. Fue muy especial poder decirle al público lo que sentía y poder hablar con ellos mediante la intro… con esa sensación ya estaba flotando.
A raíz de este formato surgió el concepto Fatima Hajji invites, y el primero que realizaste fuera del club madrileño tuvo lugar el pasado mes de septiembre en Origen, Mallorca, un llenazo impecable con más de 8.000 personas. ¿Qué nos puedes contar de este mega evento? ¿En qué te basaste para escoger quién formaría parte del cartel?
En realidad fue el primer Invites, en el ANL sí que invito a otros artistas, pero mi formato de set es totalmente diferente. Mallorca es un lugar muy especial para mí, llevo muchos años tocando en la isla y siempre he recibido un enorme cariño de la gente allí, los promotores de Origen (con Manu Sánchez a la cabeza) forman un equipo con el que tenemos relación desde hace mucho tiempo, ya que han apostado por mí desde mis inicios y tengo una vinculación muy fuerte con ellos. Además han creado una comunidad muy sólida y se nota el cariño que le ponen a todo lo que hacen, por eso decidimos que el primer Invites fuera en la isla con ellos, y lo cierto es que fue todo un acierto.
Pusimos en escena visuales como VJ vino Tiago, de Nima, que es la misma empresa con la que diseñamos los visuales, el VJ de los invites y también estuvo en el ANL. En cuanto al line up, lo configuramos con DJs que admiro y con los que, al mismo tiempo, es divertido trabajar, intentando siempre que haya una progresión musical desde el Hard Groove más bailongo hasta el Hard Techno más demoledor para que de esta forma el público pueda tener una noche musicalmente variada y, además, se les pueda ir llevando poco a poco al límite. Se trata de darlo todo de principio a fin.
Recientemente en redes sociales comentaste que habrán varios eventos invites este año. ¿Podrías darnos alguna primicia de dónde podremos disfrutarlo próximamente?
La próxima parada será en Madrid, en A Summer Story con un line up que se desvelará pronto y que va a ser brutal. De los demás solo puedo decir algunas de las ciudades, que son: Los Ángeles, Ibiza, Londres, Bogotá, Barcelona, ¡y alguna más que pronto iremos desvelando!
¿Qué artistas te gustaría que formaran parte y a qué fiestas y festivales del mundo sueñas con llevar el concepto?
Todos aquellos con los que tengo buena conexión y a quienes admiro por su trabajo y porque lo hacen real, que a día de hoy es un plus… Y, por supuesto, que tengan ganas de pasar un buen rato en familia.
Este 21 de febrero, tras haber mostrado desde hace un mes su logo y efectos inspirados en la idea en redes sociales, nace Strobö. ¿Qué significa Strobö, cuál es el concepto y qué te motivó a crearlo?
Estrobo es el diminutivo castellano de estroboscópico, un efecto de luz donde la emisión de destellos intermitentes de alta densidad a una secuencia determinada al ritmo del beat, ayuda a amplificar la energía y a crear un ambiente vibrante y una experiencia sensorial más impactante e inmersiva. El logo en forma de asterisco que uso en los visuales es un símbolo de advertencia de luz estroboscópica.
Tu primera colaboración del sello es junto a Hector Oaks, ¿qué nos puedes contar de este “supertrack”, tal como le llamas tú misma?
Es un track muy alegre que tiene un Hard Groove brutal, rollo oldschool y mezclado con un Hard Techno de bombo muy contundente y aderezado con una vocal colombiana muy salsera, ¡me encanta!
Y, ¿qué podemos esperar próximamente en el sello? ¿Estás trabajando en nuevas colaboraciones?
Tanto colaboraciones de las que todavía no quiero hablar —hasta que no estén los tracks terminados—, como tracks de productores que me encantan y que suelen aparecer en mis sets. Tenemos en las próximas con mezcla y master (y, a partir de ese punto —que es cuando estoy totalmente satisfecha— hablo de ello) a GNRO y a ED E.T. con sendos tracks muy potentes pero completamente diferentes; GNRO rollo oldschool del HT de hace 15 años, que me flipa, y ED E.T. con un sonido del nuevo Hard Techno con bombo demoledor que te golpea en la cara. Ambos con una vocal muy pegadiza.
En cuanto nuevas fechas a lo largo de este año, tu calendario está muy, muy apretado hasta finales de verano. ¿Qué evento de este 2025 esperas con más ganas?
Uff, ¡hay mucha chicha hasta final de año!… Pero diría que cualquiera de los invites, ya que tendrán toda nuestra producción y estamos trabajando muy duro para que cada vez sea mejor.
“...Estoy en shock, cada semana me llega al menos un nuevo tatuaje...”
¿Nos tienes preparados nuevos B2B este año?
Sí, hay algunos ya planificados. En varios de mis invites hay algo preparado muy especial, pero de momento es top secret, ¡y no me tiréis de la lengua!
Hajjita es tu avatar diseñado por la artista y diseñadora Carmen (@chica.atomika), y hoy en día ya has recibido varias sorpresas de gente que se ha tatuado tu propio avatar en la piel. ¡Cuéntanos! ¿Cómo te hace sentir que tus seguidores quieran tatuarse a Hajjita?
Estoy en shock, cada semana me llega al menos un nuevo tatuaje y ya en el ANL fue una locura, decenas de personas se tatuaron para la noche además de muchos otros que se habían tatuado logos antiguos e incluso mi cara.
Lo cierto es que con Carmen hemos hecho un gran trabajo rediseñando la Hajjita, le hemos metido unas cuantas horas para tener este resultado con el que estoy súper contenta.
¿Qué más podemos esperar de Fatima Hajji este 2025? ¿Nuevos proyectos, tours,…? ¡Cuéntanos!
Ahora mismo estoy enfrascada en la producción para acabar varios tracks que tengo a punto, tengo dos tracks ya terminados y otros dos en el horno, así que este año habrá bastante material nuevo. Seguimos trabajando en mejorar cada día la producción de los invites y en crear nuevos visuales de forma constante, pues este año que viene tenemos unos cuantos confirmados alrededor
de todo el mundo, y parece que vendrán más. Me esperan largas horas de vuelos y aeropuertos, pero con una sonrisa siempre, ya que hago exactamente lo que amo y lo que me llena.
El otro día recibí una comunicación de una compañía aérea en la que me decían que llevaba 21 vueltas al mundo solo con ellos… así que feliz de seguir añadiendo vueltas y de compartir mi locura con todos vosotros.
Gracias por tu tiempo, Fatima.
Todo el equipo de Mixmag Spain te deseamos lo mejor en tu prolífica carrera musical
imágenes
A quien más y a quien menos le corroe una sensación de distopía absoluta cuando ve miles de teléfonos al aire grabando lo ya grabado en grandes eventos de música electrónica donde las visuales, propias de una superproducción de cine, son más protagonistas que la propia música. No en pocas ocasiones el ser humano actúa por acto reflejo con un puntito de borreguismo; pero no seremos nosotros desde estas líneas quienes critiquen a todo aquel que quiera vivir o, mejor dicho, capturar el momento como considere. Un servidor ha sido el primero en encapsular un recuerdo estando de fiesta porque, como dice la canción: “debí tirar más fotos de cuando te tuve”.
Muchos espacios en el ámbito más puramente clubbing adoptan una política restrictiva a la hora de hacer fotos y vídeos con nuestros móviles. Berlín es el claro ejemplo de lugares donde lo primero que se hace tras pagar tu entrada es tapar los objetivos con una pegatina. Esto es algo que poco a poco va calando en diferentes propuestas en España como Laster, que ha hecho de esto un signo de identidad. No tener promoción a
base de imágenes de tu propio público también es una promoción muy potente. Y, además, creas una atmósfera de misterio que incita a conocer lo que ocurre donde solo estando allí puedes descubrir qué es lo que trasciende.
No poder sacar fotos ofrece diferentes ventajas. No hay necesidad de documentar la noche y además no se rompe la vibra de la pista de baile. Hay un componente de privacidad y seguridad donde el hedonismo desenfrenado puede desencadenarse. También cierta libertad para expresarse libremente con el dresscode (o precisamente falta de dress) que uno considere. Estas políticas son más normales en clubs con unos aforos donde más o menos puede controlarse que nadie se salte las normas. Si estás ahí es porque sabes el lugar en el que te encuentras.
Lo sorprendente y tremendamente plausible es que estas prácticas también lleguen a festivales. Algo así ocurrió en la primera edición de Mayka Festival con una colaboración con Cocoon donde pincharon nombres como Adam Beyer, Joris Voorn, Avalon Emerson, Josh Wink, Palms Trax y
Nahoomie. El lugar fue IFEMA, lo que significa que controlar el ansia de selfies, fotos y vídeos es complicado en un espacio tan grande. Y es cierto que hubo gente que sucumbió a la tentación —más en el backstage que en la pista— pero que por norma general el público respetó el concepto y es algo de agradecer. Porque al final lo importante siempre es la música y gozar con ella. ¡Y vaya si lo hicimos! Pero eso ya es otra historia que se queda en la pista.
vendex
En la penumbra de mi estudio, rodeado de ecos y susurros danzantes y olvidados, me sumerjo en el profundo abismo de la creación musical. Tanto el día como la noche son mis aliados. El Sol y la luna son mis musas. Me hacen sentir que las energías del más allá fluyen a través de mí, guiando mis manos hacia el teclado, donde las notas esperan ser invocadas.
Escucho sus lamentos y sus deseos, y en ese instante, la melodía comienza a tomar forma. Cada acorde es un hechizo, cada compás, un conjuro que despierta emociones ocultas en lo más profundo de la existencia.
A medida que la oscuridad se apodera del espacio, los sonidos se entrelazan como hilos de un tapiz etéreo. La percusión resuena como el latido de un corazón muerto, mientras que las armonías flotan como espectros en la bruma. En este proceso, no hay lugar para la luz; solo la intensidad de la creación, donde cada nota es un eco de lo que fue y lo que podría ser.
La producción se convierte en un ritual sagrado. Con cada capa que añado, siento cómo las fuerzas de la naturaleza se alinean a mi favor. Los sintetizadores emiten gritos distorsionados, y los efectos reverberan como ecos de un pasado olvidado. Aquí, en este reino del KHAOS, la música se convierte en un portal, un medio para comunicarme con lo desconocido.
Finalmente, cuando la obra está completa, la presento al mundo. Pero no es solo música; es un llamado a las almas perdidas. Y así es como un nigromante hace una producción.
En resumen y en un lenguaje que todos puedan entender, es un proceso que depende de mi inspiración, motivación o sentimientos en el momento de producir el tema, pero siempre busco sacar aquello que haga conectar mi alma con otras almas, ya sea el tema más duro o el más emocional.
Teufel se reinventa en el mundo del audio con los innovadores auriculares open-ear Airy Open TWS. Con tecnología puntera, comodidad sin precedentes y un diseño que marca tendencia, estos auriculares ofrecen una experiencia única al fusionar el placer de la música con la percepción del entorno. Ideales para actividades al aire libre, desplazamientos urbanos o para trabajar sin desconectar de lo que te rodea, los Airy Open TWS son la apuesta perfecta para quienes buscan innovar en su forma de escuchar.
Teufel Airy Open TWS sonido, libertad y diseño Innovador
El diseño de los Airy Open TWS es, sin duda, uno de sus puntos fuertes. Con un concepto open-ear, el driver se posiciona justo frente al oído, lo que favorece una reproducción natural y amplia del sonido sin la invasión que suele provocar un auricular in-ear tradicional. Gracias a su mecanismo de ajuste, que permite seleccionar entre seis posiciones verticales y rotar cada bud, estos auriculares se adaptan a diferentes formas de oído, asegurando un encaje personalizado y seguro. Los suaves ganchos de silicona se asientan discretamente detrás de la oreja, ofreciendo estabilidad incluso para usuarios que llevan gafas o que realizan actividades físicas intensas. Por otra parte, el estuche de carga, aunque algo más voluminoso en comparación con el de los in-ear convencionales, mantiene un perfil delgado y una sensación de calidad premium, complementado por un puerto USB-C que permite una carga rápida y eficiente.
En lo que respecta a la calidad sonora, los Airy Open TWS no decepcionan. Durante las pruebas se pudo apreciar un sonido cálido y espacioso, donde los medios y agudos se presentan claros y bien definidos. Aunque, debido a la naturaleza open-ear, los graves resultan algo menos contundentes, se integran de forma armoniosa en el conjunto, proporcionando un equilibrio que se ajusta bien a una gran variedad de géneros musicales. Es interesante destacar que, a diferencia de otros modelos en el mercado, estos auriculares no cuentan con soporte para una aplicación dedicada, lo que significa que no es posible acceder a un ecualizador personalizado. Si bien esto puede resultar un inconveniente para aquellos usuarios que prefieren ajustar el perfil sonoro a su gusto, en la práctica la configuración de fábrica ofrece una experiencia satisfactoria para la mayoría de los oyentes.
La conectividad también es un punto a favor de los Airy Open TWS. Equipados con Bluetooth 5.3 y compatibles con Google Fast Pair, garantizan una conexión rápida y estable con smartphones, tablets y ordenadores, facilitando el uso cotidiano sin complicaciones. No obstante, la ausencia de soporte multipunto puede ser algo
a considerar si sueles alternar entre varios dispositivos de forma simultánea. Además, la intuitiva superficie táctil integrada cerca del logotipo Teufel permite controlar funciones como la reproducción de música, el ajuste del volumen, la activación del asistente de voz y la gestión de llamadas, lo que añade un nivel de comodidad a la experiencia de uso. Cabe mencionar que, en situaciones de ajuste del auricular, estos gestos pueden activarse de manera involuntaria, algo que podría requerir un pequeño período de adaptación.
La experiencia práctica con los Airy Open TWS se completa con una batería que, según las especificaciones técnicas, ofrece unas 6 horas de reproducción continua, extendiéndose hasta un total de 20 horas con el estuche de carga. Durante las pruebas, se comprobó una autonomía similar, lo que resulta suficiente para cubrir un día completo de uso moderado. La función de carga rápida es otro de sus puntos destacables, ya que con apenas 10 minutos de carga se obtiene cerca de 1,5 horas adicionales de reproducción, ideal para esos momentos en los que se necesita energía de forma inmediata.
En resumen, los Teufel Airy Open TWS se posicionan como una opción atractiva para quienes buscan una combinación de innovación, confort y una experiencia sonora envolvente sin renunciar a la seguridad y conciencia del entorno.
Su diseño open-ear, junto con la posibilidad de personalizar el encaje mediante ajustes múltiples, lo convierte en un dispositivo versátil que se adapta a diversas necesidades, desde el uso deportivo hasta el entorno laboral. Aunque la ausencia de una app con ecualizador personalizado puede ser un punto en contra para algunos, el rendimiento general y la calidad de sonido compensan ampliamente este aspecto.
Pros:
• Diseño flexible y adaptable
• Sonido amplio y natural
• Controles táctiles intuitivos
• Buena autonomía con carga rápida
• Ideal para mantener conciencia del entorno (seguridad y confort)
contras:
• Bajo integrado algo discreto en el espectro de graves
• Ausencia de soporte para app y personalización de sonido
En definitiva, si buscas un auricular que combine libertad, seguridad y una experiencia sonora inmersiva, los Teufel Airy Open TWS pueden ser la elección perfecta para cerrar el año con innovación y estilo.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com
EATS
EVERYTHING - WE LOST OURSELVES AND FOUND A FAMILY - THREE SIX ZERO
RECORDINGS
Un batiburrillo en toda regla. Uno que excreta esencia británica por todos sus poros. Celebra de lleno la música dance creada allí desde hace décadas. Culturas como la del clubbing más masivo o underground. Los orígenes del house impregnado de rave (‘The Sanctuary’), conexiones decididas con el drum’n’bass y el step (‘The Change’), los breaks hardcoritos (‘Absolutely Mental’, de los más divertidos), el tech house (‘Move’), el house primigenio (‘Ghosts’) y gradualmente, pero con mucha decisión, el UK Garage: ‘Side By Side’ o ‘We Lost Ourselves And Found A Family’. El resultado final está plagado de altibajos, aunque la misión de conectar orígenes y tiempos pasados con el presente, es irrebatible. Yo siempre digo que Bristol, donde él reside, es la ciudad. La favorita al menos para enviciarme con su carisma y legado musical.
OM UNIT - ACID DUB STUDIES III(AUTOEDITADO)
Fue en febrero de 2021 cuando Jim Coles -otro genio que nos llega desde Bristol- comenzó a lanzar bajo su seudónimo Om Unit esta serie de discos (creo que solo disponibles desde su Bandcamp) titulados ‘Acid Dub Studies’. En ellos, una fusión plena y muy seria donde el autor se expresa con bendito acierto a base de texturas volubles de electrónica dub junto a omnipresentes líneas de bajo salidas de esa joya inagotable que es la Roland TR-303. Con esto nos vamos a escopetear la testa, cosa mala, con una fórmula constante de sonidos ácidos y ritmos confusos nutridos de mucho efecto (reverbs y delays). Algo que siempre me fascina de este tipo de propuestas son las capas y multitud de profundidades que plantean. Es el caso. Magnético de principio a fin.
BREAKA - AEOUIBREAKA
Pimienta y sal. Bajos y ritmos rotos. Al londinense Charlie Breaka le gusta tirar del carro con soniquetes oscuros y underground. Bases híbridas que unas veces vislumbran cansancio (‘Dream Sequence 19’), otras dignifican lo exótico (‘Cascara’, donde curiosamente se advierte una especie de jungla bajo el alcantarillado y rinde homenaje al ritmo afrocubano del mismo nombre) e incluso no dudan en atreverse con techno del que da grima (‘Heartbreaka’). En este su segundo álbum, su autor que apunta ser todo un personaje, innova dentro de una escena siempre nerviosa, y fiel a su instinto y raíces, la música va más allá de la de club purista. En el tramo final del disco incluso se mejora todo lo anterior. ‘Yolo Bass Rewind’ y ‘Truth Be Untold’ me han rememorado grandes momentos de LTJ Bukem o Cedar.
BOYLAN - TUNNELSHARD VIEW
Hora de darnos otro buen paseo por el subsuelo de Londres y ponernos finos a través de bajos harto gordos y ritmos tan poderosos como un guantazo de Megalo Box. Tras lanzar en sellos como FWD>>, Artikal o Mean Streets, Boyland decide crear y publicar en el suyo propio. Una libertad creativa que se ha traducido en breakbeats apocalípticos y oscuros que ponen a prueba tu propia integridad física. ‘Septic Peg’ por ejemplo. Una amenaza instrumental constante que me recuerda a lo mejorcito del nu skool que escuderías como TCR o Botchit tan bien defendieron. Es radical, y hay clímax. Reacciones que también encontramos en ‘How Dare You’, ‘Podracer’ o ‘Box’. Cortes terroríficamente buenos. Participan en el disco genios del grime y el UK step como Youngsta, Slimzee o Trends.
ÁLBUM DESTACADO
TOKIMONSTA - ETERNAL REVERIEYOUNG ART RECORDS
Mutaciones, efervescencias y abrazos constantes en el nuevo largo de TOKiMONSTA con algunos instantes realmente brillantes. Entre esos momentos, un título se alza con el premio gordo: ‘Say Tell Me’. Se trata de una especie de tobogán electrónico surtido de arpegios, melodías y voces distantes donde todo encaja a la perfección. Qué decir de ‘On Sum’ donde se alía con Anderson. Paak y Rae Khalil para montar una fiesta de neo soul y electro tirado. La artista angelina es capaz luego de reivindicar los sonidos disco y house en embestidas como ‘Enjoy Your Life’ o ‘Reverie’. Sale airosa también cuando coquetea con el pop bailable. ‘All In’ con AMAKA o ‘Lucky U’ con Gavin Turek son buenos ejemplos. Frescura sin ser cargante. Ah, menudo temón de rap encontramos también por aquí: ‘Sci Fi’ junto a Mez.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
DEEPLOMAT & DUBLATOV - AMBIDEXTROSDREAM DOME RECORDS
‘AmbiDextros’, el nuevo álbum de la dupla valenciana Deeplomat & Dublatov, es el resultado de coordinar con total acierto sintetizadores de entidad analógica con grooves y ritmos 4/4 tan futuristas como extravagantes y hábiles. Menudo regateo se marcan estos dos genios de producir mientras se juega y disfruta en el estudio. Temarracos como ‘Coastal Express’, ‘Veles y Vents’, ‘Ambidextro’, ‘Acid Sunshine’ o ‘Masca’, que son pura polirritmia, están cargados de buenas vibraciones y recovecos melódicos que son apuestas seguras para un merecido baile. En esta obra se entrelazan -de una manera muy particulardesde house vibrante a electro-funk, IDM, pasando por beats entrecortados y rollos noventeros. Se percibe que el dúo trabaja y divierte a la hora de dar con una onda fiel a un espíritu nervioso e independiente. Reacción y movimiento.
LAGARTIJEANDO - 7 CAMINOSWONDERWHEEL RECORDS
Si te gustan propuestas como las de Nicola Cruz o Dengue Dengue Dengue! no lo dudes ni un instante. Pega la oreja al sonido del argentino -aunque mexicano de adopción- Mati Zundel aka Lagartijeando. En el nuevo disco se palpa ese hermoso juicio que resulta de fundir paisajes, atmósferas… la tradición de la América Latina, con la seducción, contemporaneidad y misterio de la música electrónica. A un tempo intermedio. Seducen una barbaridad el resultado de todos estos contrastes y fusiones, sobre todo cuando la producción es tan mágica como fina. Es el caso. Con esto, y si nos dejamos llevar como se merece, nos trasladaremos a ceremonias sanadoras y la selva más auténtica, sin olvidar esa médula plástica y actual. Temas como ‘Santa María’, ‘4 Elementos’ o ‘Guinea Congo’ tendrán gran culpa.
GAIKO - GAIKONOUS’KLAER AUDIO
Un descubrimiento que viene acompañado de una gratísima sorpresa. Ignoro completamente el bagaje intelectual y musical de este muchacho -si, es joven a rabiar- pero desde luego debe amasar finura y buen gusto con total seguridad. GAIKO deslumbra con un álbum homónimo donde se entrecruzan la modernidad (texturas, arreglos, desarrollos) con lo mejorcito del downtempo, la IDM, la electrónica jazzística o arpegiada y los ritmos entrecortados (incluyendo drum’n’bass). Melancólico y cinemático. Tiene apetito por los géneros y las formas. Los mecanismos están muy bien apuntalados, no deja nada al azar.
La escucha completa del disco es un completo don. En este campo abierto, un dinámico aunque siempre placentero tira y afloja, encontramos golosinas como ‘Crush’, ‘Misses Euphoria’, ‘Martyr’ o por supuesto ‘Millennium’ con la que se abre el álbum.
VVAA - PORTAL 001MAHOOL
Oriente Medio ha encontrado un filón con MAHOOL. O MAHOOL ha encontrado un filón en Medio Oriente. Como prefieras. La cuestión es que este subsello de MDLBEAST Records se planta en la escena con el mismo número de pie que el de un gigante. Un primer “portal” que nos abre de par en par las puertas de una escena aún desconocida por muchos. En este recopilatorio encontraremos artistas de países como Egipto o Arabia Saudi. Musicalmente, el compromiso principal es con la oscuridad y el músculo electrónico. Sin ignorar las buenas capas e incluso los ángulos melódicos. Blindado y poderoso me ha parecido el techno rapeado de Deus Deserto con ‘Like That’, mientras que muy volátil y hermosamente pacificado ‘Falling Deep’ de Sokkary. A medio camino de estas esferas, ‘Break Away’ de Auf & Fade Republic. Espíritu y fuerza.
REVIEW CLÁSICO
GOLDIE - TIMELESSFFRR
Está considerado como uno de los pilares de la electrónica de finales del siglo pasado. Y yo firmo en ese documento. En 1995 se publicó este cofre sonoro creado por Goldie (y otros aliados como Dillinja o Dego) plagado de beats acelerados pero con el alma de la suela de un gigante. Un disco -en mis manos lo que tengo exactamente es el 2xLP- que terminó de encumbrar un género como el jungle, mejor dicho, el drum’n’bass. Una propuesta mental y futurista. Tan etérea y fugaz como ambiciosa y cohesiva. Un angelical giro de tuerca a las composiciones paridas a 170-175 BPM capaz de sacarnos los colores con obras de arte como ‘Kemistry’, ‘Saint Angel’ o ‘You & Me’. En otros formatos se sumaron ‘Angel’ o ‘Inner City Life’ ¡enorme Diane Charlemagne!
BREAKS
Autor: Eduardo Carbonell
breaks@mixmag.es
ANAMĒ - HOPES & FEARSANJUNABEATS
Anamē es el actual proyecto de Marcus Schössow y Thomas Sagstad. Después de que Marcus dejara su carrera en solitario, fundó su grupo Gardenstate con Matthew Felner en 2019 y lo dirigieron hasta principios de 2022. Desde entonces, se reunió con Thomas para crear esta nueva formación, creando el precioso track ‘Gratitude’ junto a Above & Beyond y el poeta, escritor y músico Martin Longstaff. Después de un comienzo tan potente, no tardaría en llegar su primer larga duración titulado ‘Beautiful World’, lanzado el 1 de septiembre de 2023 por Anjunabeats, donde el dúo hacía su magia de música electrónica emocional y progresiva, entre el que se encontraban los tracks de progressive breaks ‘Bermondsey Bender’, ‘Gravity’ y ‘Fiji’. Nos trasladamos a la actualidad, donde repiten con el sello Anjunabeats para presentar su segundo álbum ‘Hopes & Fears’ con joyas como ‘Hero’ o ‘Tennessee Bloom’.
PERFECT KOMBO - THINK U THE SHITROUGH DIVISION
El hermano pequeño de Elektroshok Records, Rough Division, inició su andadura en 2015 para dar salida a lanzamientos de diversos géneros, dejándonos algunas joyas de glitch hop funkorro como ‘Fonk Marley’ de Zerostailaz, el remix de FarfetchD al track ‘Tiesels’ de Royal Blood, ‘Gadget Toon’ de Royal Blood, ‘Pretty Lights’ y ‘Moonlithgt’ de Royal Blood junto a la voz de Rkayna o el potente remix de Royal Blood al track ‘Funkline & Sinker’ de Galactic Hobos, entrando en hiatus en 2020. El pasado año 2024 retomaban este subsello para dedicarlo a las producciones breaks más cañeras de esta casa, con el pistero ‘Welcome To The Rave’ de Destroyer y Perfect Kombo. Desde entonces, no han parado de lanzar rompepistas como ‘Ai’ de Bios Destruction, ‘Tickle Me’ de BasStyler, ‘Open Your Mind’ de Belforg, ‘Know This’ de Pluvio y Tesseracts o este ‘Think U The Shit’ de Perfect Kombo.
GNEV - MIDNIGHT RENDERSAUDIOGORE
El productor sevillano Gnev no es un desconocido para la escena underground. Dueño y fundador de Audiogore, ha contribuido a desarrollar una comunidad de amantes específicos del breakbeat más oscuro desde hace casi 20 años, trabajando en la introducción de sonidos más profundos y serios en el nu skool breaks y codirigiendo y gestionando festivales underground muy conocidos como Bass Pressure por casi todo el sur de España. En esta ocasión el jefe de la casa Audiogore nos deleita con dos excelentes piezas de nu skool experimental tituladas ‘Midnight Renders’ y ‘Wires’. No te pierdas otros trabajos anteriores del sello como los singles ‘B49G’, ‘Mol’, ‘Engine’ y ‘Dywk’ de Gnev, el sutil ‘Look At Me’ del finlandés Enteit o los potentes ‘The-seer’ y ‘Warlock’ del trío Neo Trilogy, compuesto por el inglés Remen, el húngaro Kelle y el andaluz Unreal.
VVAA - URBAN CONNECTIONS: XXIURBAN CONNECTIONS
El sello nacional Urban Connections, dirigido por el jiennense Sergio Checa, más conocido como Amper Clap, vuelve con otro suculento recopilatorio con nombres como el propio AMP3R y artistas de diferentes partes del Globo como ELEKTROTECHNIK, Intergalactic Noize Commander, Unité November, Kanon, Fractura, The Adapt, X-Truder, Bombyx Blow, Ian Lee, Enigmatic Astronaut, Timed Erase, DJ Fitz y Habitable. Un conjunto de 13 producciones de electro para todos los gustos. Si te quedas con ganas de más, revisa el anterior recopilatorio titulado ‘Bass Andalus: The Compilation’, surgido de una conversación entre Amper y Dark Vektor en el programa de radio donde este último suele colaborar, ‘Charlando con Juanita’. En dicha entrevista nació la idea de crear un nuevo proyecto como recopilatorio de electro con artistas de Andalucía, con la intención de expandir la escena y reivindicar Andalucía como parte de la escena electro mundial.
REVIEW CLÁSICO
LUNATIC CALM - METROPOLUNIVERSAL
Lunatic Calm fue un grupo de música electrónica inglés formado en 1996. Toda una leyenda de los ritmos rotos en general y del big beat en particular. El dúo integrado por Simon Shackleton y Howard Saunders, lanzó dos grandes álbumes, así como varios singles y una amplia gama de remixes. Los dos se conocían desde muy jóvenes y, antes de formar Lunatic Calm, también tocaron en las bandas Headless Chickens y Flicker Noise junto a Thom Yorke, líder de Radiohead. Su álbum debut ‘Metropol’ oscilaba entre el trip hop psicodélico y poco convencional hasta el big beat más pesado y revolucionado. El track ‘Leave You Far Behind’, el más recordado, apareció en numerosas bandas sonoras de películas como Matrix, Los Ángeles de Charlie y Mortal Kombat Annihilation. Además, varias pistas de Lunatic Calm se usaron en videojuegos.
DRUM AND BASS
Autor: Daniel Paniagua
drumandbass@mixmag.es
MOONCAT FEAT. MARIA CARBONELLDANCING FLY - LOW SYNDICATE AUDIO
El productor nacional Mooncat sorprende este mes de marzo con su nuevo release ‘Dancing Fly’ junto a la preciosa voz de Maria Carbonell. Es mi tema favorito del artista, que sigue experimentando con el sonido deep. Será lanzado por el sello a orillas del Turia ‘Low Syndicate Audio’ en el ‘Split Lab Vol. 3’, que le da un buen empujón en cuanto a calidad de temas del sello.
TEEJ FEAT. FREDDY B - BRAINLESSOCC RECORDINGS
Teej es de esos productores que siempre debes tener en el punto de mira si eres fan del drum & bass underground. En esta colaboración con Freddy B se ha creado todo un banguerazo entre el MC y el productor con ‘Brainless’. Un grave potente junto con una vocales con mucho rollo que hacen de este tema un ‘must have’ en tu colección.
RESSLEK - GAMESNYX RECORDINGS
Resslek es un productor que sigo de cerca desde sus primeros lanzamientos y su llegada al casi recién nacido sello ‘Nyx Recordings’ le da un gran empujón. En su nuevo EP titulado Panzer el tema que destaca es ‘Games’, que ha recibido un gran remix de PARA. Deep drum & bass con muchísimo gusto y una producción limpia y potente que seguro que sonará en más de una pista de baile durante este 2025.
DJ ESCAPE - OH MYSUB-LIMINAL RECORDINGS
El mitiquísimo DJ Escape lanza ‘Oh My’ para Sub-Liminal Recordings, que sigue en una etapa de cambio del Jump Up hacía una combinación más underground, y para muestra un botón. Con este lanzamiento, DJ Escape combina la vocal femenina con la línea de bajos al frente del tema que rompe potente con las baterías más alternativas de lo que nos tiene acostumbrados. Un tema más pistero, recordando a los comienzos del género.
REVIEW CLÁSICO
HIGH CONTRAST - IF WE EVERHOSPITAL RECORDINGS
Sin High Contrast, el Drum & Bass no sería lo mismo. Incontables himnos que siguen siendo relevantes a día de hoy y este mes celebramos de nuevo ‘If We Ever’, que después del remix por parte de Unglued en 2018 y su reciente VIP, este año ponen este clasicazo en la palestra de nuevo. Jungle con fuerte inspiración del Hardcore Break con el piano al frente y esa vocal mítica emocional. ¡Los pelos de punta!
ELECTRO
Autor: Federico Cortina electro@mixmag.es
OCTOBO - THYMEROCTOTRAX
Después de un tiempo sin lanzar música, Octobo regresa con un doble LP y la presentación de su sello OCTOTRAX. Este disco, concebido como un viaje de principio a fin, reúne 10 tracks diseñados para la pista de baile.
‘Thymer’ en particular tiene una vibra que atrapa desde el segundo uno. Su sonido es 100% contemporáneo, fusionando con fluidez elementos de electro, house y techno, envueltos en atmósferas y melodías ácidas que rozan el trance. Pero eso no es todo: el track está marcado por una progresión hipnótica que desemboca en una combinación de vocales y una melodía central que, justo a mitad del tema, terminará por embrujar a la pista.
Un regreso potente para este productor, del que ya espero con ansias su próximo release.
TC80 - HIPNOSIS GLOBALCOQUETO RECORDS
CQTR005 marca el quinto lanzamiento de Coqueto Records, el sello comandado desde Barcelona por Rufo y Sebastian, que sigue entregando hit tras hit.
El A2 de Tc80—un artista que me ha inspirado en incontables ocasiones— no es la excepción. Hipnosis Global encapsula la esencia más pura del electro-techno, con arpegios de sintetizador que construyen un groove impresionante a medida que se despliegan sobre una base sólida y un bassline grueso, lo suficientemente potente como para hacer vibrar las ventanas del vecino.
Una pista hipnótica y contundente, cargada de cambios repentinos que mantienen la tensión sin perder el hilo conductor. Groove, seriedad y pura energía para dejar la pista en trance.
TOM CARRUTHERS - ZETA WAVECRAIGIE KNOWES
Otro lanzamiento impecable del misterioso y joven productor estadounidense Tom Carruthers, quien sigue demostrando su maestría en la producción con un sonido que respira pura esencia old school. Descubrir su catálogo es como abrir un portal a los 90: ritmos crudos, producción precisa y una estética analógica que lo ha llevado a editar en algunos de los sellos más prestigiosos del electro de todas las eras.
En este caso, bajo el ala de Craigie Knowes, Carruthers entrega un EP que parece sacado directamente de un vinilo de los 90. Zeta Wave destaca con una construcción impecable entre cajas de ritmo, sintes, efectos y samplers, evocando la época dorada del acid, breaks y bleeps. Desde el primer beat hasta el último, el track juega con altibajos y giros inesperados, manteniendo a la pista en constante tensión entre el desconcierto y la euforia.
DJ Hell toma Crazy Things at Night y lo lleva directo al lado más oscuro y sofisticado de la noche. Su remix mantiene la esencia hipnótica del original, pero le añade esa firma elegante y siniestra que lo hace destacar en cualquier pista bien selecta.
Con un bajo contundente y un groove que avanza como una serpiente en la penumbra, el track se siente minimalista pero profundo, cada elemento está colocado con precisión quirúrgica: sintetizadores ácidos, vocales espectrales y una atmósfera cargada de tensión.
Es de esos temas que no buscan explotar en euforia (Aunque lo hace), sino envolverte en un trance inevitable, perfecto para esos momentos donde la pista está entregada y quieres romper todas las frecuencias.
Hell lo hace de nuevo, y este remix es prueba de que la elegancia y la oscuridad pueden bailar juntas sin perder el groove.
REVIEW CLÁSICO
JEWELLERY - VOICES (1993)LIRICA ARCHIVES
Lírica Archives continúa su serie de represses con su segunda referencia, rescatando una joya que hoy es altamente codiciada en Discogs. Se trata de Voices, una producción de Jewellery, el dúo formado por David Inglesfield y Murdoch Matheson, originalmente lanzada en 1993. Curiosamente, en su lanzamiento el disco pasó desapercibido, y muchas de sus 500 copias terminaron desechadas. Sin embargo, el tiempo le dio su merecido reconocimiento, convirtiéndolo en una obra atemporal dentro de la música electrónica.
Este relanzamiento también rinde homenaje a Murdoch Matheson, quien falleció el año pasado. Voices es prueba de cómo una creación ignorada en su época puede transformarse en una pieza imprescindible con el paso del tiempo. Disponible ahora en Lírica Archives.
CRAZY THINGS AT NIGHT (DJ HELL REMIX)
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
V/A - ROTCIV - ALTERED STATEMELODIZE
Celebrando cinco años de exploración sonora, el último compilado de Melodize es una obra maestra de sofisticación y mezcla de géneros. Rotciv abre el compilado de Melodize con ‘Altered State’, una potente mezcla de EBM (Electronic Body Music) y texturas ácidas que establece un tono intrigante y audaz. El track se construye sobre un ritmo oscuro y mecánico, acompañado de líneas de sintetizador hipnóticas que se entrelazan con un bajo contundente. La producción es cruda pero sofisticada, evocando una atmósfera industrial que te transporta directamente a un club underground.
El uso de elementos ácidos añade una sensación de tensión y desenfreno, manteniendo al oyente en un estado de anticipación constante. Con cada transición, ‘Altered State’ refuerza su carácter vanguardista, siendo una pieza ideal tanto para la pista de baile como para la introspección. Rotciv demuestra su capacidad para crear un sonido contemporáneo que rinde homenaje a la era dorada del EBM, convirtiendo este tema en uno de los puntos más destacados del compilado.
2SMILE - MTHFCK AIN’T STOPPING MEONDAWEY MUSIC
Los productores 2smile regresan con fuerza con ‘MTHFCK Ain’t Stopping Me’, lanzado bajo el sello Ondawey Music. Este intenso track, cargado de energía y determinación, destaca por una progresión de acordes progresiva que intensifica la atmósfera emocional, creando un espacio lleno de tensión y urgencia. El tema se caracteriza por un ritmo imparable y vocales crudas y repetitivas que refuerzan el mensaje de desafío y perseverancia. La producción impecable equilibra con maestría la melodía y el ritmo, logrando un sonido que impacta tanto en la pista de baile como en una escucha más introspectiva.
La combinación de su fuerza emocional y su audaz estructura sonora convierte ‘MTHFCK Ain’t Stopping Me’ en un lanzamiento memorable e impactante. Es un himno para quienes enfrentan la adversidad con determinación, una verdadera declaración de intenciones que te hará querer moverte y superar cualquier obstáculo
ANTONATOR - EPSILONANTO RECORDINGS
Epsilon’, el próximo lanzamiento de Antonator, bajo el singular sello Anto Recordings, es un tema que captura la esencia de la innovación en el hard y techno de factura más melódica. Desde los primeros compases, destaca por sus agresivos leads de sintetizador y una línea de bajo que se desplaza con fluidez, formando una base contundente y vibrante. Los efectos de estilo scifi, distribuidos estratégicamente, transportan al oyente a un paisaje sonoro futurista que resulta hipnótico. Sin embargo, lo que realmente hace especial a ‘Epsilon’ es su melodía central, adictiva y cuidadosamente elaborada, que logra conectar emocionalmente con los oyentes.
Este track no solo promete satisfacer a los amantes del techno melódico, sino que también se proyecta como un himno imprescindible en los sets de DJ. Con su producción impecable y su atmósfera envolvente, Antonator demuestra una vez más por qué es un nombre respetado en la escena electrónica
GAZZI
- TUS OJOSANO
ANO
El tema titular del EP Tus Ojos de GAZZI es una obra maestra que combina delicadeza y profundidad emocional con ritmos vibrantes. La base rítmica, marcada por un beat house con toques de garage, aporta un dinamismo irresistible, mientras que las campanas, que caen como lluvia celestial, crean una atmósfera etérea y cautivadora. La guinda del track son las vocales en español de NIDIA, impregnadas de reverb, que actúan como el eje emocional de la pieza, expandiéndola hacia un sonido profundo y envolvente.
La producción destaca por su habilidad para equilibrar elementos melódicos y rítmicos de manera magistral, logrando un tema que es tanto introspectivo como ideal para la pista de baile. Tus Ojos no solo resalta la capacidad de GAZZI para crear paisajes sonoros únicos, sino que también lo posiciona como uno de los artistas más prometedores dentro de la escena electrónica contemporánea. Un track imprescindible para los amantes del hard y house más melódico y el bass con alma, que va a ser una constante este año
REVIEW CLÁSICO
TPSY - DREADWOUT
El tema principal del EP Dread de TPSY se convirtió en un clásico de culto hará casi una década. Su sonido nos recuerda ese hard con tintes melódicos. Una inmersión a un mundo sonoro oscuro y enigmático. Desde los primeros segundos, las profundas líneas de bajo marcan una atmósfera densa y cargada de misterio, mientras los ritmos pulsantes empujan al oyente hacia un estado de tensión constante. La producción cuidadosamente diseñada resalta el equilibrio entre lo melódico y lo crudo, manteniendo una sensación de intriga a lo largo de la pista.
‘Dread’ logra transmitir una narrativa emocional que captura la sensación de enfrentarse a lo desconocido, siendo un claro ejemplo del talento de TPSY para crear paisajes sonoros envolventes. Este track es ideal tanto para quienes buscan piezas introspectivas como para DJs que deseen añadir un toque de dramatismo a sus sesiones. Una carta mágica, que añadirá tensión y energía a la pista. Estamos ante un debut sólido que posiciona a TPSY como un artista a seguir en la escena electrónica.
HOUSE
Autor: Francisco Pérez
house@mixmag.es
SY - INSIDE (BALDO REWORK)SLUMP RECORDINGS
Baldo, DJ y productor de Barcelona, nos presenta su rework ‘Inside’ para el sello Slump Recordings. Un track lleno de sonidos electro que mantiene con elegancia a lo largo de toda la composición. Empezamos el viaje sonoro escuchando cómo se va desarrollando el groove con las notas del bajo retro y la progresión de la base rítmica, que se apoya de unos shakers elegantes y toques break beat en los cambios. Las vocales que dicen “inside” llegan a convertirse en un poema para esta composición en la que, a medida que se va desarrollando, escuchamos más elementos como el organ bass combinado con un toque acid, los violines eternales o la increíble tensión que genera el break. Me parece un tema excelente para estos momentos de euforia en la pista. Este track lo puedes encontrar en Subwax.
FUNKY TRIP - B1 88 (BARAC REMIX) VINYL ONLYBOHRIUM RECORDS
Barac, productor de origen rumano, ha tenido mucha popularidad dentro de la escena underground por sus prestigiosas mezclas en cabinas como Input en Barcelona, Phonox Club en Londres, Air Tokio en Japón o el mismo Sunwaves Festival en Rumanía. En este tema, Barac hace una remezcla a Funky Trip en la que nos envuelven los sonidos galácticos y progresivos, que a su vez, van bien acompañados de un sonido minimal propio del productor. El bajo es de los elementos que resuena con protagonismo por la armonía en sus toques y la sencillez que marca el groove de 88. Tuve la oportunidad de ponerlo en una fiesta SIGHT en Lisboa, y en formato B2B con mi hermano Andre Buljat colonizamos Harbour Music Shelter. La energía que transmite este tema en la pista es inigualable y, definitivamente, ¡el bajo de este tema me encanta!.
DEMUIR - FIRST STROKEORIGINS RECORDS
Demuir, productor de origen canadiense con lanzamientos exitosos en sellos como Hot Creations o Desolat, nos presenta su tema ‘First Stroke’ firmado en el sello Origins. Este productor lleva años en la escena demostrando que la calidad prevalece sobre la cantidad, y siempre se distingue por este sonido old school lleno de color y esa sensación funky que transmite. En este tema el bajo con el ritmo funk, las vocales de la chica con su toque íntimo y el pad hipnótico toman control de los 6 minutos, creando una sensación de euforia y groove para los amantes del funk y lo-fi. Este tema tiene la esencia daft punk marcada por la manera como utiliza el filtro a lo largo de la estructura, que me transporta a esa época de los sonidos filtrados del old school house y la base rítmica sencilla pero con mucho swing. Es perfecto para esos días soleados de playa o terraza por la tarde.
BRETT JOHNSON,
MIKEY V - RUNAWAY (ORIGINAL MIX) - AUDIOPHILE DEEP
Con tan solo escuchar los primeros 30 segundos, ya sabes que este tema te va a deleitar sonidos llenos de cambios inesperados y sorpresas. Escuchamos ‘Runaway’, un tema donde el bajo y la vocal colonizan la estructura de estos 10 minutos. El juego con los filtros y las frecuencias altas hacen que salgas de lo matutino dentro del loop y se vuelve aún más interesante. A los tres minutos, descubrimos por qué el nombre ‘Runaway’, entran unas vocales hermosas donde Mikey V interpreta su himno mientras canta las líricas. Este tema juega mucho con los sonidos alterándolos con saturación y color, y las vocales, sin lugar a dudas, son de las joyas de esta composición. Es perfecto para esos momentos de intimidad en un club donde puedes experimentar un poco con la audiencia y arrastrarlos a este groove melancólico.
REVIEW CLÁSICO
ANDY CATO - 7AM DROPAPOLLO RECORDS
Si buscas un buen tema para cerrar un set, te recomiendo esta bonita composición. Andy Cato nos presenta ‘7am Drop’ firmado en el sello Apollo Records, un track lleno de sentimientos, emoción y amor. La composición es tan pura que describirla se me hace imposible. La base rítmica y los toques del bajo durante toda la estructura son los protagonistas de este viaje sonoro. Mientras el tema se va desarrollando descubrimos sonidos como el violin o los arpegios llenos de tensión y melancolía. Me trae buenos recuerdos cuando a las 6:40 am de un jueves de enero lo puse en Zebra Club con mis amigos de Kosmossounclub en Argentina en formato B2B con mi amigo Max Brachais.
UK GARAGE
Autor: Borja Comino ukgarage@mixmag.es
MAIN PHASE - ‘GOTTA MAINTAIN’INSTINC
Main Phase está en racha. ‘Gotta Maintain’ es la enésima prueba de su precisión quirúrgica para hacer bangers sin fisuras. Aquí todo está donde debe estar: percusión hiperafilada, un bajo cálido pero con pegada y ese groove que no deja escapatoria. Desde el primer segundo, los hats revolotean como si no pesaran, marcando un ritmo que se siente tan suelto como sólido.
Pero lo mejor es la evolución del EP. No se limita a soltar el bombo y ya; cada capa entra en el momento justo, con un subgrave que golpea sin ser invasivo y unos vocal chops que parecen flotar sobre la base. No busca ser algo revolucionario, pero sí uno de esos que sueltas en mitad de la sesión y hacen que la pista respire y siga vibrando, ya sea con ‘Gotta Maintain’ o con ‘Soul Mirror’. Pure finesse.
MANCE - ‘NIGHTTIME GANGSTA’ATW RECORDS
Con tan solo 22 años, Mance ya está marcando territorio en la escena electrónica global, y ‘Nighttime Gangsta’ lo deja claro. Este track tiene esa energía bruta que hace que cualquier pista de baile se encienda, pero con un toque oscuro que lo hace distinto. Lo interesante de ‘Nighttime Gangsta’ es cómo juega con la tensión, creando momentos donde la pista parece desbordarse, pero nunca lo hace.
El bajo pesado y la percusión no solo dan el ritmo, sino que cuentan una historia en la que queda patente la habilidad de Mance para fusionar UKG y hard house. Tanto el tema principal como ‘Going Under’ tienen la calidad de los grandes, pero con la chispa de un productor joven con algo nuevo que aportar. ‘
OMALETTIE, DJ-PIPES. - ‘AT IT AGAIN (BARELY 93 REMIX)’ - WILDFIRE RECORDINGS
DJ-Pipes, Omalettie han unido fuerzas para este tema con tintes de bassline, pero con una progresión de stabs de piano house que combina la agresividad del club con la sutileza del 2-step gracias a la vuelta de tuerca que ha hecho Barely 93 al track original. Desde los primeros compases, el track establece un tono de buen rollov con un subgrave penetrante y percusiones que crean un groove hipnótico.
El hook vocal, tratado con efectos granulados y delays precisos, se entrelaza con la base rítmica para generar tensión antes de cada drop, haciendo que el tema funcione como un arma infalible en la pista de baile. Lo que hace que este tema destaque es el contraste: la producción es precisa y pulida, pero la sensación general es cruda y visceral. A medida que avanza, aparecen destellos de melodías etéreas que suavizan los bordes sin quitarle contundencia. Cuando piensas que ya has pillado el rollo, el break te descoloca y el drop regresa con más fuerza. Pura tensión liberada en cada golpe.
BUSHBABY - ‘ROLL TO THE RHYTHM’TIME IS NOW
Es cierto que este tema no busca reinventar nada, pero sí recordarte por qué este sonido nunca pasa de moda. Desde el primer compás, un sample vocal filtrado te sitúa en la atmósfera antes de que la batería entre con ese swing tan característico. Los bombos golpean con contundencia, pero lo que realmente engancha es cómo los snares y hats te empujan hacia adelante sin darte tregua.
El bajo, profundo y elástico, es el pegamento que mantiene todo unido. Bushbaby juega con la dinámica: sube, baja, te deja respirar y luego vuelve a apretar con más fuerza. No hay elementos superfluos, cada sonido está ahí por algo. Este es uno de esos tracks que funcionan igual de bien en un club oscuro como en un coche de camino a casa a las 5 de la mañana
REVIEW CLÁSICO
ARTFUL DODGER - ‘MOVIN’ TOO FAST’LOCKED ON
‘Movin’ Too Fast’ es uno de esos tracks que trasciende el tiempo. Artful Dodger, junto con la inconfundible voz de Romina Johnson, nos regaló un hit que, aunque no alcanzó el éxito inmediato en su primer lanzamiento, acabó marcando el rumbo del UK Garage. El tema tiene ese groove único, ligero pero firme, que te atrapa sin darte cuenta. Desde la primera nota, todo está perfectamente colocado: la percusión bouncy, el bajo profundo que se siente más que se escucha, y una producción que sabe cuándo brillar y cuándo quedarse en el background.
La magia está en su simplicidad. No se trata de un tema sobrecargado ni de una búsqueda de efectismos, sino de una receta perfecta que, con el tiempo, convirtió a ‘Movin’ Too Fast’ en un clásico atemporal. Después de la re-edición en 2000, el track conquistó al público de forma masiva, llegando al puesto número 2 en el UK Singles Chart, gracias en parte al éxito de ‘Re-Rewind’. Pero más allá de las listas, el tema logró algo mucho más grande: representar la evolución del garage, ese momento en que lo underground se convirtió en un fenómeno global, pero sin perder su identidad. El track sigue sonando fresco, casi como si nunca hubiera dejado de estar en el aire. Es la esencia del UK Garage en su mejor forma, un sonido que sigue inspirado en el underground pero con ese toque accesible que lo hizo imposible de ignorar.
