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NÚMERO #15

Mayo marca el inicio de la época del año más esperada: los festivales, las fiestas y los maratones de música bajo el Sol ya están aquí. Para celebrarlo, este mes tenemos el placer de recibir a Stefano Noferini en nuestra portada. Noferini no necesita presentación: con más de 30 años de trayectoria a sus espaldas, el artista italiano es un referente absoluto del tech house y el techno a nivel global. Hablamos con él en profundidad sobre su evolución sonora, su papel en la industria, el presente y futuro del DJing, y el significado que hay detrás de su ya emblemático hashtag #Auténtico. Una conversación inspiradora con una leyenda viva que sigue mirando al futuro con la misma pasión que el primer día. En clave nacional, este mes os introducimos Mar Electronic Festival junto con una interesante charla con Fran Hernández, co-propietario, promotor y máximo representante artístico de la marca. Por otra parte, hablamos con el DJ y productor extremeño Raúl Pacheco, cuyo sonido se mueve entre el techno robusto y un tech house de bordes ásperos, para conocerle más en profundidad. Para finalizar nuestra ronda nacional, ponemos el foco en Laia, explorando sus inicios, su sonido, su enfoque en cabina y su futuro cercano.

En clave internacional, hablamos con Quest y Adiel para desgranar los secretos de una de las alianzas más magnéticas y frescas de la escena: cómo se inspiran, qué buscan detrás de cada disco y por qué, juntos, logran encender la cabina de una forma que no se puede ensayar ni forzar. Seguidamente, hablamos con el dúo P.O.U sobre su reciente lanzamiento Breathe para desengranar los secretos del álbum, su gira por España y cómo acabaron colaborando con Miss Monique en uno de los temazos del año. Para completar, profundizamos en MiZi MuZik, el nuevo sello berlinés liderado por Mira y Mila Stern que nace como plataforma para una electrónica que apela al cuerpo y al alma. Cambiamos de tercio para introduciros la temporada 2025 de Ushuaïa Ibiza, Hï Ibiza y [UNVRS] que, entre maratones diurnos al aire libre, noches de pura adrenalina y la llegada de un nuevo protagonista en la escena global, este verano prometen llevar la isla aún más lejos.

Como ya os adelanté en editoriales anteriores, seguimos trabajando para ofreceros nuevas secciones. Este mes tenemos el placer de introduciros “Clásicos de la Electrónica”, donde os traeremos nombres que se mantienen como referentes por su autenticidad, su visión y su capacidad de transformación. Este mes tenemos el placer de hablar con Random Factor, alias del productor británico Carl Finlow, una figura fundamental en el desarrollo del electro moderno y el sonido de culto del mítico sello 2020 Vision. Y como siempre, en esta edición encontraréis lo último en tech y las mejores críticas musicales. Continuamos trabajando para ofreceros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones. Patricia Pareja Directora

En cuanto a crónicas, el pasado mes de abril tuvimos el placer de viajar hasta Sierra Nevada para disfrutar en primera persona de la edición 2025 de Sun & Snow. En esta edición os contamos cómo la vivimos en primera persona día a día.

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M A Y O

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c o n t e n i d o s

005 Bits Beats

060 Tech: Aurafect

006 Raúl Pacheco

064 Tendencias: 22 Recordings

014 Laia

068 Reviews Álbumes por Bruno Garca

020 Clásicos de la electrónica: Carl Finlow

072 Reviews Breaks por Eduardo Carbonell

026 P.O.U 032 Ssero 030 Stefano Noferini

074 Reviews Drum & Bass por Daniel Paniagua 076 Reviews Electro por Federico Cortina

038 Mar Electronic Festival 046 The Night League 2025 050 Reinas

078 Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano 080 Reviews House por Francisco Pérez

052 Cómo produzco: Abdon 054 MiZi MuZiK

082 Reviews UK Garage por Borja Comino

056 Adiel & Quest 058 Crónica: Sund and Snow 03

bits beats Moog prepara el lanzamiento de Messenger, su nuevo sintetizador Con una campaña de teasers cargada de misterio, Moog ha comenzado a generar expectación en torno a Messenger, su próximo sintetizador, del que aún se conocen pocos detalles oficiales. Las primeras imágenes sugieren un diseño compacto de dos octavas y media, lo que, sumado a la reciente retirada del Sub25, apunta claramente a un nuevo modelo monofónico. A juzgar por lo filtrado, Messenger contará con dos osciladores con múltiples formas de onda y transformaciones, un suboscilador con control —no solo de nivel, sino también de forma—, modulación a velocidad audio (con opciones como sync, FM de filtro y FM cruzada entre osciladores), dos envolventes con posibilidad de bucle, LFO dual y un secuenciador/arpegiador de hasta 64 pasos. Más información: https://www.moogmusic.com/

Sunwaves se despide de Rumanía tras SW35 El mítico festival minimal Sunwaves dejará de celebrarse en Rumanía después de su edición número 35 (1–5 de mayo). A partir de 2026 se trasladará a otro país, según anunció el equipo en Instagram citando “circunstancias fuera de nuestro control”. El último baile en la playa contará con nombres como Villalobos, Sonja Moonear, Troxler, tINI, Priku y más. Simboliza el fin de una era para el festival que marcó el pulso del Rominimal desde 2007.

Más información; https://sunwaves-fest.ro/

La electrónica sigue siendo un club cerrado, según DJs emergentes Una encuesta de la Pete Tong DJ Academy presentada en IMS Ibiza 2025 revela que el 62% de 15.000 DJs y productores cree que la industria es inaccesible, y el 61% siente que importan más los números en redes que la música. El 52% ha sufrido ansiedad o burnout, y un 31% pensó en abandonar. Aun así, un 35% mantiene una visión positiva: con resiliencia, se puede. ¿Se puede triunfar sin jugar al algoritmo? La pregunta sigue abierta. Más información: https://www.petetong-djacademy.com

‘We Become One’: un viaje por el poder unificador de la música AlphaTheta presenta We Become One, un documental de 60 minutos protagonizado por la DJ y educadora Kikelomo Oludemi. A través de tres continentes, explora cómo la música conecta a las personas a nivel emocional, social y neurológico. Con entrevistas a artistas y expertos como Daniel Levitin o Julia C. Basso, la cinta revela cómo el ritmo sincroniza nuestros cerebros y activa la conexión social. También muestra experiencias como la Alpha Wave Experience de Dan Ghenacia y proyectos comunitarios en Ghana que usan la música como resistencia cultural. Míralo aquí: www.youtube.com/watch?v=EEwb-PiUMs4

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AUTO R BO RJA C O M I N O

raúl pacheco Hay DJs que se empeñan en sonar amables, y otros que prefieren mantener una línea más seca, más dura. Raúl Pacheco está cómodamente instalado en el segundo grupo. Desde hace tiempo, su sonido se mueve entre el techno robusto y un tech house de bordes ásperos, siempre buscando mantener la tensión en pista sin caer en los lugares comunes. No necesita grandes gestos para dejar claro por dónde van los tiros: le basta con un groove firme, construcciones pacientes y un sentido claro del espacio. Su manera de trabajar también se sale un poco del molde. Mientras muchos optan por la inmediatez de los tres CDJs, Pacheco mezcla un setup híbrido con Traktor, Ableton Live y una Model 1, lo que le permite ensamblar capas, lanzar elementos propios y retocar estructuras en directo. No es tanto una cuestión de espectáculo como de control: tener las herramientas para ajustar cada set en función del sitio y del momento, sin depender solo de lo que traen las canciones. Con el tiempo, ha ido puliendo un criterio cada vez más suyo, más centrado en construir algo con sentido que en subirse al tren de la moda. Moverse entre géneros tiene sus quebraderos, sí, pero forzar un camino que no va contigo — eso sí que no entra en el plan.

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i tuvieras que explicar tu sonido sin mencionar ningún género, ¿qué palabras usarías? Pachecada: estilo que camina entre el tech house y el techno :) ¿Qué tiene para ti una buena sesión? ¿Qué diferencia a un DJ que simplemente pincha de uno que realmente propone? Una buena sesión debe ser como una película: debe contarte algo a lo largo del set, hacerte sentir, navegar y perder la noción del tiempo. También debe tener personalidad y carácter; que al terminar, te deje un tinte especial en tu forma de entender la música. ¿Hasta qué punto te interesa cuidar lo visual, lo estético o lo narrativo en un set? ¿Es algo que trabajas o prefieres dejar que surja solo? Hoy en día la gente va a un club o festival a vivir una experiencia donde no todo entra por el oído. Una buena imagen, estilo y personalidad para vestir (aunque sea sencillo pero en su punto), visuales cuidados o una puesta en escena acorde a tu personalidad, todo suma para transmitir los 360º de un artista. Muchas veces se asume que los DJs van cambiando de estilo con el tiempo, pero tú más bien pareces ir afinando una idea. ¿Cómo ha evolucionado tu criterio? Bueno… esta es una gran pregunta. Estar entre dos aguas, entre el tech house y el techno, te hace vivir momentos de dilemas incómodos porque nada va en línea recta, al menos en mi cabeza. Hay épocas en las que me siento más cómodo en un lado, otras en el opuesto, y otras (las más complicadas) cuando no me siento bien por tener esa bipolaridad tan acentuada. Muchas veces me pregunto si hago bien estando en el medio, pero luego me autorespondo: “es lo que sientes, no puedes hacer otra cosa”, y eso me hace seguir por este camino.

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¿Qué pasa en tu cabeza cuando estás pinchando y ves que la pista no está entrando como esperabas? ¿Lo vives desde lo técnico, desde lo emocional…? He sacado muchas conclusiones de esta experiencia. Casi siempre me puede lo emocional en un primer momento, y eso te hace buscar soluciones o respuestas más rápido. Nadie es perfecto, y nunca aciertas desde el minuto uno, especialmente cuando es un lugar nuevo o donde no conoces al público. Lo emocional acaba llevándote a la parte técnica. A veces logras levantar a la gente, pero hay otras veces que, simplemente, la energía del ambiente no depende del DJ. He vivido noches donde ningún DJ logró conectar con un público que, quizá, no estaba receptivo, aun en clubes de renombre. ¿Cuál es el error más productivo que has cometido pinchando? (Risas) Esta me ha hecho pensar, es una pregunta muy original. Hace no mucho me olvidé el cableado para conectarme a la Model1 en un viaje a Mallorca, y no me quedó otra que tocar con la V10. ¡Dios, qué agobio cuando me di cuenta! Pues oye... ni tan mal. Desde entonces, cuando tengo que pillar avión, toco con la V10 y así el viaje es menos incómodo con las maletas.

En un mundo ultra conectado, ¿cómo haces para mantenerte al margen de las modas sin quedarte atrás? Ser original y creativo es vital hoy en día. Dejarte llevar por tu instinto de supervivencia creo que es clave para tener personalidad. A veces te equivocas, otras tomas el camino más largo, pero eso te da tu toque personal. Estar rodeado de gente que aporta y genera ideas también facilita el camino. A pesar de todo, creo que todas las modas nos impregnan en mayor o menor medida, y está bien dejarse influir “un poco” sin perder tu esencia. ¿Sueles preparar tus sesiones o prefieres dejar más espacio para la improvisación? Mi forma de mezclar requiere preparación sí o sí. Unas veces preparo más, otras algo menos. Cuando estás cogiendo partes y trozos de tracks para crear tu propio tema, haciendo remixes en tiempo real, la preparación de ciertas partes es fundamental. Pero la improvisación también es clave para acertar con matices del momento y darle intensidad o fluidez al set. Ambas son fundamentales. ¿Qué espacio ocupa el club como lugar de libertad en tu forma de entender la música? ¿Crees que esa idea sigue viva? Creo que sigue viva, pero no siempre. A veces el club depende de quién actúa esa noche, la fiesta que es, la marca que produce el evento o tu propia experiencia pasada. Debería ser un espacio de libertad total, pero seguir un guión tampoco tiene nada de malo.

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Si tuvieras que elegir un momento reciente en el que hayas sentido que todo cuadraba —tú, el sonido, la pista, el lugar—, ¿cuál sería? Sin ir más lejos, el pasado 12 de abril en Industrial Copera. Fueron seis horas de sesión en un All Night Long, y las dos últimas horas sentí que todos los que estábamos allí nos movíamos por la misma energía. Cuando ocurre, es indescriptible. Esas dos últimas horas fueron una auténtica conexión con el público. No tenías que acertar con ellos, ellos ya estaban listos para disfrutar de lo que tú quisieras proponer, y para mí eso, en ese contexto, es lo más. ¿Qué importancia le das al contexto donde pinchas? ¿Te condiciona el club, el horario, el público? Claro que me condiciona. Siempre intento acertar, no solo dar lo mejor de mí, sino también entender en qué posición estoy. Tocar en un club para 500 personas o en un festival para 5000 cambia mucho. Tocar a la 1 o a las 7 también es muy diferente. Seguro que hay artistas que tocan igual en cualquier situación, cosa que respeto y admiro, pero para mí cada contexto requiere un enfoque distinto. ¿Te apetece hablar del drama de hace un par de semanas con tu material en el tren?

Tienes un setup muy particular para tus performances, ¿puedes explicar cómo funciona y por qué lo haces así? ¿Cómo ha ido evolucionando hasta llegar a eso? Actualmente hago un DJ live híbrido con Traktor y Live, utilizando la Model1 para mezclar ambos entornos. Uso cuatro tracks: unos para generar groove, otros intensidad, breaks, y otros para utilizar partes principales de un track, pero siempre dándoles un toque personal para que suene diferente al original. Ableton lo uso como caja de ritmos, para lanzar y secuenciar muestras como acapellas, sintes y procesar efectos.

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Desde que empecé, siempre busqué esa parte creativa, hacer algo más que mezclar dos canciones. Al principio fueron tres Technics, luego tres CDJs + FX, hasta pasarme al ordenador y descubrir las posibilidades de usar un secuenciador mientras mezclaba. Poco a poco fui personalizando el proceso hasta tener un entorno propio que me hace sentir cómodo. Es pesado viajar con dos maletas, pero hasta ahora compensa.

Upsss… Aunque ya está superado, es cierto que me tocó fibras sensibles. Siempre me ha gustado frikear con cámaras, tener buen equipo y ser autosuficiente sin depender de filmmakers cada finde. Ese fin de semana estrenábamos una cámara nueva, que mejor no contar lo que costó… Claro, tener que comprar dos cámaras con su respectivo objetivo (la que me robaron y la actual), ¡pica! Y que te la quiten casi delante de tu cara sin darte cuenta... ¡pica aún más! Eran profesionales: entraron en el AVE de vuelta de Andorra, abrieron mi mochila, sacaron las cámaras y dejaron la mochila intacta. No me di cuenta hasta que llegué a mi coche. Triste que exista gente así, pero ya es agua pasada y ahora voy más atento. Si mañana tuvieras que dejar de pinchar, ¿qué es lo que más echarías de menos? Difícil decir una sola cosa, pero creo que sería esa conexión con el público de la que hablábamos antes. Hay algo que no se puede comprar con dinero ni explicar con palabras: esa sensación de conectar con gente que puede conocerte o no, pero que a través de tu expresión musical logras hacerles sentir algo. Esa conexión, esa energía —llámalo como quieras—, es pura magia, y sería lo que más echaría de menos.

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Laia AUTO R J UA N M A M O L I N A

A Side / B Side: La dualidad de la pista y la noche

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En una escena donde la constancia es tan crucial como el talento, Laia emerge con un enfoque tan meticuloso como visceral. A medio camino entre el rigor técnico y la sensibilidad de pista, su recorrido no responde a atajos ni narrativas prefabricadas. Forjada en clubs, cabinas y madrugadas de aprendizaje autodidacta, su trayectoria combina intuición y disciplina en dosis iguales. Desde su base en Madrid, esta DJ y productora traza un camino propio que bebe del techno más crudo, del house con sabor a archivo y de una conexión profunda con el hip-hop. Con una selección precisa y una mezcla cargada de intención, Laia no solo busca mover cuerpos, sino también contar una historia. Y esta apenas comienza.

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Sus inicios El primer contacto de Laia con la electrónica fue desde la pista de baile. Clubs de Barcelona, escapadas por Europa y la influencia de amigos y artistas cercanos despertaron en ella una curiosidad natural por entender cómo se construía aquello que tanto disfrutaba bailar. Sin pretensiones, pero con constancia, comenzó a practicar en casa con dos Technics, y lo que en un principio fue un simple interés acabó convirtiéndose en un espacio de trabajo, pasión y descubrimiento. Desde que empezó a pinchar, su vida ha estado marcada por un A side / B side. Por un lado, la enfermería, a la que se ha dedicado durante casi diez años, con largas noches en cuidados intensivos; por el otro, la música y la pista de baile. Dos mundos distintos que, aunque parezcan opuestos, comparten la necesidad de concentración, energía y adaptabilidad. La noche ha sido siempre su terreno, en cualquiera de sus formas.

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Desde entonces, su vida ha estado marcada por un equilibrio complejo entre dos universos que, aunque aparentemente opuestos, comparten intensidad, concentración y entrega. Apostar por la música supuso una serie de cambios radicales: mudarse de ciudad, alejarse de su entorno cercano y sostener un proyecto personal con disciplina, a la vez que desarrollaba una carrera profesional en paralelo. Esa capacidad de resistencia encuentra sus raíces en su pasado como nadadora de competición, donde aprendió a convivir con la exigencia, la técnica y la repetición. Una mentalidad que, de forma natural, ha trasladado a su relación con la música.

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Implicación musical, sonido y géneros El aprendizaje ha sido constante. Su camino no ha seguido una línea recta, pero esa falta de fórmulas es precisamente lo que le ha permitido encontrar una voz propia. Partiendo del hip-hop como primera influencia, el techno fue el primer lenguaje con el que se identificó profundamente. A partir de ahí se abrió a otros géneros —electro, house, ghetto house, minimal— desarrollando una identidad versátil y libre de etiquetas. En esa apertura encontró su sonido: crudo, rítmico, hipnótico y siempre en evolución.

Sus referencias son tan diversas como significativas. Desde nombres como Ben Sims, Surgeon, Moodymann u Óscar Mulero hasta sellos como Ostgut Ton, Dance Mania o LIES Records, cada uno ha influido en su manera de entender la música por su fuerza, su elegancia o su visión del futuro. El hip-hop, por su parte, dejó una huella imborrable: Gang Starr, The Pharcyde, Notorious B.I.G., Onyx… incluso ha llegado a cerrar sets de electrónica con algunos de esos temas, como un guiño a los orígenes que encendieron la chispa. Ese equilibrio entre intensidad y sensibilidad también define su día a día. En una vida de horarios irregulares y exigencias constantes, Biggie —su perro y compañero inseparable— se ha convertido en un ancla emocional y una fuente de estabilidad. Su presencia le recuerda la importancia de desconectar, observar y estar presente, algo esencial para sostener una carrera que combina energía, emoción y mucha dedicación.

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Selección, mezcla y enfoque en cabina El proceso de selección musical de Laia está marcado por la experiencia directa: viajes, noches en clubs, intercambios con otros artistas. La búsqueda se reparte entre tiendas de discos, plataformas digitales y recomendaciones de quienes la rodean. En cabina, su enfoque es técnico pero también narrativo: mezcla larga, control del groove y un manejo preciso de los momentos de tensión y respiro. Cada set es distinto, adaptado al slot, al lugar y al público. Le interesa especialmente el desarrollo progresivo en warmups, pero también acepta con entusiasmo el reto de cerrar noches.

Más allá de la pista Más allá del sonido, sus influencias vienen del cine y de los viajes. La atraen las narrativas no lineales, las historias contadas desde el desorden y los paisajes que dejan huella, especialmente los del sudeste asiático. Ahí encuentra inspiración, silencio y perspectiva.

Mirando hacia adelante De cara al futuro, Laia se proyecta recorriendo cabinas dentro y fuera de Europa, expandiendo su sonido y conectando con públicos diversos. Su foco actual está puesto también en la producción musical, un proceso que asume como una forma de consolidar su identidad artística. Más allá de hacer tracks, busca construir un lenguaje sonoro que hable desde lo que es y hacia dónde quiere ir.

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AUTO R F E D E R I C O C O RT I N A

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En los márgenes más expresivos de la música electrónica, hay nombres que se mantienen como referentes por su autenticidad, su visión y su capacidad de transformación. Uno de ellos es Random Factor, alias del productor británico Carl Finlow, una figura fundamental en el desarrollo del electro moderno y el sonido de culto del mítico sello 2020 Vision. Activo desde finales de los noventa, Random Factor marcó una etapa dorada para el electro-house y el deep tech con discos que equilibraban elegancia melódica y una estructura rítmica compleja, sin perder nunca una sensibilidad pop latente. Temas como ‘Broken Mirror’, ‘What I Need’ o ‘Unlock the Secrets’ definieron una estética emocional y futurista que, aún hoy, influye a productores de todo el mundo. Pero en su punto más alto, Finlow decidió dejar atrás este alias para centrarse en su exploración más cruda del electro, bajo nombres como Silicon Scally o simplemente como Carl Finlow. Fueron quince años de silencio bajo el nombre de Random Factor… hasta ahora. Después de atravesar una experiencia cercana a la muerte en 2022, Finlow regresó con una fuerza creativa arrolladora. En apenas un mes, compuso más de treinta temas cargados de emociones acumuladas durante su hospitalización. De ese renacer surgió The Fervent EP, y más tarde una conexión renovada con 2020 Vision, hoy más abierto al electro que nunca. Así, casi como un acto inevitable, Random Factor volvió a la vida, y con él, un nuevo capítulo de una historia que parecía cerrada. En esta entrevista, Carl Finlow repasa los motivos detrás del regreso del proyecto, su evolución artística, su vínculo con la tecnología y su mirada sobre el estado actual del electro. Una conversación sincera con un artista que siempre fue contracorriente, y que ahora regresa más inspirado que nunca.

Carl Finlow

El renacer de Random Factor: Carl Finlow trae de nuevo su alias después de 15 años 020

clásicos de la electrónica

“Nunca he perseguido modas. Sigo haciendo lo mío, esté de moda o no.”

Recientemente has vuelto a presentarte como Random Factor después de 15 años. ¿Qué te llevó a revivir ese alias ahora? Hace 15 años decidí terminar con Random Factor porque me estaba metiendo de lleno en lo que consideraba electro puro. En ese momento, 2020 Vision seguía lanzando música house, y como ya no me interesaba tanto, sentí que era el momento adecuado para dejarlo. En 2022 enfermé gravemente y estuve hospitalizado durante cuatro meses. Ahora estoy bien, pero eso me dejó sin escribir música durante unos seis meses. De repente, un día, la música explotó dentro de mí y escribí unos 30 temas en un mes. Había muchas emociones reprimidas por la experiencia en el hospital, así que mi mente liberó mucha energía.

El primer disco de ese período fue The Fervent EP en Elypsia Records. Mandé la mayoría de los otros temas a Ralph de 2020 Vision, sabiendo que ahora también publican electro. Le encantaron, y me propuso probar añadiéndole voces. Todo sucedió muy rápido y los dos coincidimos en que podría ser un nuevo proyecto como Random Factor. Así que, literalmente, Random Factor resurgió de las cenizas. Ahora que Random Factor está de vuelta —y esperemos que para quedarse—, ¿qué sigue bajo ese nombre? Estoy haciendo shows en directo otra vez como Random Factor, y he montado un set especial de 90 minutos con 30 años de música del proyecto, desde Broken Mirror hasta material nuevo del álbum Silencer de 2024. Ha sido increíble tocar en

estos conciertos, y muchos fans se acercan incluso cantando las canciones. También he pasado por otro periodo de mucha inspiración y ya he mandado unos 20 temas nuevos a Ralph, así que estamos planeando un nuevo álbum :) Para quienes conocemos tu música, es fácil identificar tus diferentes alias, pero ¿cómo los diferencias cuando estás en el estudio? Generalmente no tengo un plan cuando me siento a hacer música. Empiezo desde cero y trabajo en varias ideas al mismo tiempo. Hago un boceto musical, lo trabajo una hora, y luego paso a otro. A veces termino con 30 o 40 proyectos en una carpeta.

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Cuando siento que tengo suficiente material, empiezo a decidir qué se salva y qué va a la papelera. En ese momento defino si es Silicon Scally, Carl Finlow o ahora quizás Random Factor. Trato de quedarme con unas 16 piezas para desarrollarlas a fondo y convertirlas en canciones listas para estructurar. Con el nuevo material de Random Factor fue distinto, porque esta vez sí fue una decisión consciente hacer un nuevo álbum. Has trabajado tanto en solitario como en colaboración. ¿Qué te aporta cada formato creativamente hablando? Las colaboraciones fueron hace bastante, cuando vivía en el Reino Unido. Ahora estoy solo en el sur de Francia, así que no es fácil colaborar. En esa época, en el estudio The Farm, trabajaba con varios DJs y amigos. Yo era el músico, el productor y quien manejaba todo el equipo y el software, así que era un proceso interesante: traducir sus ideas a las máquinas. Trabajar solo es más fácil porque ya conozco todo el proceso y no tengo que pensar en la tecnología. Eso me permite concentrarme al 100% en la música. En entrevistas anteriores dijiste que hacer música sin un objetivo específico es muy gratificante, incluso si no se publica. ¿Crees que esa mentalidad ha cambiado con la presión de las redes y los lanzamientos constantes? Me cuesta opinar sobre otros productores porque no sigo a nadie, para ser honesto. Casi nunca escucho música actual porque estoy muy ocupado creando la mía. Escucho cosas nuevas cuando pincho en clubes, pero fuera de eso, no sé quién hace qué.

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Estoy en redes sociales para anunciar lanzamientos, pero nunca me ha interesado ser muy visible ni perseguir “likes”. Nunca he corrido detrás de esa zanahoria, y creo que eso me ha permitido seguir siendo algo así como una anomalía interesante. 20:20 Vision se ha vuelto clave en la escena electro-house. ¿Cuál es tu relación actual con el sello? Como mencioné, estamos trabajando juntos otra vez. Aunque Random Factor se había pausado, ellos siguieron lanzando material como Silicon Scally. Ahora que se cumplen 30 años del sello, estamos muy activos revisando el catálogo, reeditando algunos lanzamientos clásicos y haciendo eventos tipo Full Circle con Ralph Lawson, Random Factor y amigos tocando juntos. Está siendo una etapa muy intensa y muy bonita. Imagino que el nombre 20:20 Vision reflejaba cómo veíais el futuro de la electrónica en aquel momento pero, ¿cuál es su verdadero origen? Salió por casualidad. Estábamos en el estudio The Farm grabando un track en una DAT e hicimos una toma larga con nuestras máquinas analógicas. Al parar la cinta, el contador marcaba 20:20. Nos pareció una señal, ya que estábamos buscando un nombre para el sello. Así nació la idea de 2020 Vision. Pasaste 15 años produciendo solo con ordenador. ¿Cómo ha evolucionado tu flujo de trabajo? ¿Cuáles son las ventajas y desventajas? En The Farm teníamos muchísimo equipo analógico, era un paraíso. Pero cuando me mudé a París, vendimos casi todo (¡mala decisión!). Hasta 2013 trabajé con una sola Mac.

En 2015 nos mudamos al sur de Francia, compramos una casa grande y pude montar un estudio. Volví a comprar equipos analógicos y digitales, y armé un sistema híbrido. Pensé que sería como una varita mágica para mi música, pero no fue así. Fue divertido, sí, pero el software ha avanzado tanto que siempre termino volviendo a él. Hoy escribo casi todo en mi MacBook Air. ¿Cómo es tu estudio actualmente? ¿Qué herramientas son esenciales para ti hoy en día? Aunque tengo algunas máquinas, el software sigue siendo clave. Uso Bitwig Studio, la colección V de Arturia, los sintes de Cherry Audio y Omnisphere de Spectrasonics. El plugin Infiltrator 2 de Devious Machines es increíble. Si tuviera que quedarme con solo uno en una isla desierta, sería ese. También conservo un Behringer Model D (clon del Minimoog) y un Arturia MicroFreak, uno analógico y otro digital. Me gusta probar distintas grooveboxes. He probado Octatrak, MPC, TR8s... y ahora estoy por recibir un Roland SP-404 MK2. ¡Quizá ese sea el definitivo!

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Hablando de Bitwig Studio, ¿qué te hizo cambiar a ese DAW después de tantos años usando otros programas?

¿Cómo ves la evolución del electro en los últimos 20 años? ¿Qué opinas de su reciente regreso en festivales y sellos?

Empecé a escribir música con ordenador en 1986, usando un Sinclair Spectrum 48k conectado a un Roland Juno 106. Pasé por Amiga, luego Cubase en Mac, y estuve usando Ableton Live durante 17 años.

El electro es curioso, va y viene. El house y el techno siempre están ahí, pero el electro tiene ciclos.

Pero cuando volví a trabajar con equipos analógicos, empecé a tener problemas con el jitter de MIDI en Live, y eso me frustraba mucho. Leí que Bitwig Studio tenía mejor estabilidad MIDI, así que probé el demo… y fue una revelación. Me pareció más preciso y con muchas funciones creativas. Lo desarrolló parte del equipo original de Ableton, así que tiene similitudes, pero también cambios radicales. Para mí fue como pasar de conducir un Audi a un Porsche GT3. Bitwig tiene unos “moduladores” que puedes asignar a cualquier parámetro, como un LFO que controle el Dry/ Wet de un plugin viejo y lo transforme en algo completamente nuevo. Y puedes encadenar moduladores entre sí para resultados aún más locos. También incluye The Grid, un entorno modular tipo Reaktor donde puedes construir tus propios sintetizadores y efectos. Lo uso para mis directos también, porque es muy estable: si un plugin falla, Bitwig sigue funcionando y puedes reiniciarlo sin que se detenga todo. Lo recomiendo muchísimo.

Como nunca he seguido modas, no me afecta mucho. Yo sigo haciendo lo mío, esté de moda o no. Me encanta ver que hay más electro en festivales. En España siempre ha tenido muy buena acogida: he tocado en fiestas increíbles en Madrid, Barcelona, Bilbao, Asturias… ¡he recibido mucho cariño del público español! ¿Qué te motiva a seguir haciendo música hoy en día? La música es la parte más profunda de mi alma. Es mi forma de expresar emociones. Es un arte muy peculiar y siento una gran curiosidad por explorarlo, especialmente en cuanto al diseño sonoro y cómo todo se puede crear con ordenadores. Esa complejidad me fascina. Busco la perfección en ese proceso, y como nunca se termina, siempre me inspira. Mientras la gente siga disfrutando lo que hago, seguiré haciéndolo. ¡No tengo planes de retirarme!

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Hay discos que nacen para sonar fuerte en primavera. Breathe, el debut de este dúo de productores, es uno de ellos. No por casualidad llega el 25 de abril, justo cuando el Sol calienta las terrazas, los afters duran más de lo razonable y las playlists se llenan de ganas de pista. Entre melodías que abrazan, bajos con cuerpo y una cinematografía sonora que parece pensada para un desierto emocional (literal y figurado), Breathe propone una escucha que va mucho más allá del banger fácil. Hablamos con ellos antes del gran estreno para destripar los secretos del álbum, el arte, su gira por España y cómo acabaron colaborando con Miss Monique en uno de los temazos del año.

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¡Felicidades por el lanzamiento de Breathe! ¿Cómo se siente saber que vuestro primer álbum llega justo en primavera, esa época en la que todos esperamos con ansias las ganas de Sol, buen tiempo y eventos que nos permitan “respirar” al aire libre? ¡Gracias, Mixmag Spain! La verdad es que el momento no podría ser mejor. La primavera tiene esa energía especial donde todos dejamos atrás el invierno y nos preparamos para un nuevo capítulo: más Sol, más noches largas, más música. Que Breathe salga ahora es como meterlo directamente en el corazón de ese mood. Todo el mundo empieza a pensar en Ibiza, en la temporada que viene… así que nos encanta que el álbum comience a sonar justo en este momento. Nos llena de orgullo que pueda ser parte de ese viaje. Antes de que el mundo lo escuche el día 25, nos pasaron un enlace exclusivo. ¿Qué joyas ocultas o sorpresas habéis escondido para los afortunados que ya lo escucharon? Queríamos que este álbum fuera más que una colección de temazos. Desde el principio, la idea fue crear algo con más profundidad, más color y que mostrara distintas facetas de lo que amamos musicalmente. Así que, quienes lo escucharon antes del lanzamiento, habrán notado momentos más melódicos y relajados que contrastan con la energía habitual de nuestros singles. También jugamos con distintas texturas: hay temas que coquetean con el breakbeat, dándole un toque crudo y rítmico, y otros con influencias de afro-house que aportan calidez y un groove inesperado. Además, tuvimos el lujo de colaborar con artistas increíbles como Zahra Palmer, Jamie Whiltshire y Emelie Rachel en algunas versiones especiales. Sus voces le dieron una dimensión totalmente nueva al proyecto. Es un viaje de principio a fin, pensado para sorprender y revelar capas con cada escucha.

¿De dónde vino la chispa creativa de Breathe? ¿Un viaje, una peli, un estado mental,…? Curiosamente, Breathe no iba a ser un álbum al principio. Todo comenzó con una sola pista, como continuación de Taste the Water para Anjunabeats. En ese momento, nos estábamos moviendo hacia un sonido más melódico y tranquilo casi sin darnos cuenta. Hicimos un track más ligero, emocional,… y cuando lo terminamos, sentimos que era el comienzo de algo más grande. No era solo otro lanzamiento, era el inicio de una historia. Decidimos no enviarlo, y en cambio, dejar que esa chispa creciera hasta convertirse en un cuerpo de trabajo completo. Breathe trata de capturar esa sensación: el espacio entre los beats, la calma después del caos, la necesidad de algo más humano en el sonido. El arte visual de Breathe y las fotos de prensa parecen casi cinematográficas. ¿Cómo trabajasteis esa narrativa visual junto con la música? ¡Gracias! Justo eso queríamos lograr. Desde temprano, involucramos a un creador de contenido para que nos ayudara a desarrollar una estética visual coherente con la música. Una de las primeras ideas fue usar imágenes de desiertos: vastos, infinitos y algo desorientadores. En cuanto lo vimos, supimos que era perfecto. El desierto se volvió una metáfora ideal para el sonido de Breathe: la sensación de aislamiento, de búsqueda, de momentos en los que casi estás jadeando por claridad o conexión.

Vuestra gira de 2025 pasa por varias ciudades de España —Valencia, Madrid, Barcelona... ¿Qué tiene España que siempre os hace volver? Tenemos un amor real por España, se siente como un segundo hogar. El ambiente siempre es increíble, los clubes tienen una energía especial, y el público… ¡lo entiende todo! Además, Ibiza forma una parte muy importante de nuestra historia. Tuvimos una residencia en Destino Pacha, noches memorables en Eden, y este 2025 tenemos cuatro fechas con Drama Club en mayo, con apoyo de nuestro sello Of Us Records. Es uno de esos lugares donde todo encaja: la música, la gente y la atmósfera. Siempre es especial volver. Ser residentes de viernes en el mítico Ministry of Sound con FUTURE es el sueño de muchos. ¿Cómo se dio esa residencia? Todo comenzó en 2023. Tuvimos una fecha en Ministry, tocamos en The Box y dimos todo. La vibra del público fue una locura, y todo fluyó. Nuestro sonido no era precisamente el que estaba “de moda” en Londres en ese momento, pero esa noche conectó. Nos volvieron a llamar, y más adelante otra vez, hasta que llegó la propuesta formal de residencia. Fue un sí rotundo. Y aquí estamos, en 2025, tocando cada seis u ocho semanas. Es surrealista, Ministry Of Sound es un icono y ser parte de su espíritu de viernes por la noche todavía nos pone la piel de gallina.

Queríamos crear un universo visual donde no solo importara la belleza del paisaje, sino también la tensión subyacente. Como una calma con pánico silencioso. Lo llevamos al arte del disco y las fotos de prensa, construyendo una atmósfera cinematográfica y ligeramente surrealista que hace que todo el concepto cobre vida.

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‘Million Miles Away’ es vuestra primera colaboración oficial con Miss Monique, lanzada el 28 de febrero en su sello. ¿Cómo pasó de ser un tema de P.O.U a una colaboración? Comenzó como un track de P.O.U con la vocalista británica Susie Ledge. Estuvimos puliéndolo bastante y, como ya habíamos trabajado con el sello de Miss Monique, decidimos mandárselo. Le encantó al instante, pero quería hacer algunos cambios. Después de un tiempo de cambios y vueltas, nos dijo: “¡quiero colaborar en esto!”. Y, por supuesto, dijimos que sí. Le enviamos los stems, ella trabajó en su versión y nos pasamos semanas intercambiando ideas hasta dar con el edit final. El resultado está en 26 playlists editoriales de Spotify, incluyendo el #2 en Mint, y un montón de portadas con su cara al frente. Fue hermoso ver cómo todo encajó.

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¿Cómo fue trabajar con Miss Monique y Susie Ledge? ¿Algún momento Eureka! entre birras y sintes? Fue un proceso largo pero muy natural. Nos juntamos varias veces con Susie para moldear el track, pero el momento clave fue una llamada con Olesia (Miss Monique). Se metió de lleno, cambió muchos elementos y le dio esa energía eufórica que buscábamos. Fue magia. Hubo muchos mini Eureka! entre ideas, ajustes y sí, unas cervezas para mantener el flow creativo. Todo se dio muy orgánicamente, y eso se nota en el resultado. ‘Million Miles Away’ ya está haciendo ruido. ¿Qué reacción de los fans os sorprendió más? La respuesta ha sido una locura. Más gente que nunca se nos acerca después de los sets para hablar del tema. Sienten que conecta, y eso para nosotros es enorme. Muchos nos han dicho que es su favorito. Parece que realmente hemos alcanzado un nuevo nivel con esta canción. Ha sido un empujón de energía increíble.

Después del álbum y la gira, ¿qué nuevos retos tenéis para 2026? ¿Un set con orquesta? ¿Un EP ambient subacuático? ¡Ya estamos cocinando cosas! Viene una colaboración gigante (no podemos decir más por ahora), y también nos entusiasma mucho hacer un EP ambient, algo diferente pero inmersivo. Nos encanta explorar nuevos caminos, así que estamos abiertos a romper esquemas. ¿Una orquesta? ¿Un set en el fondo del mar? ¡Todo es posible! Para terminar: si tuvierais que resumir vuestra fórmula del éxito en un solo beat para DJs que sueñan con Ministry Of Sound, ¿cómo sonaría? Un solo beat: sé tú mismo. Confía en tu intuición y en tu música. No sigas modas, créalas. Cuando estés detrás de los platos, pon lo que sientas, no lo que creas que la gente quiere. La autenticidad y la pasión abren camino. Esa ha sido nuestra fórmula, y parece que funciona.

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“La música me mantiene activo, vivo y feliz”

Este mes de mayo tenemos el placer de recibir a Stefano Noferini en nuestra portada. Noferini no necesita presentación: con más de 30 años de trayectoria a sus espaldas, el artista italiano es un referente absoluto del tech house y el techno a nivel global. DJ, productor, A&R, y fundador de los sellos Deeperfect y DPE, su música ha sonado en los clubes más icónicos del mundo —de Space Ibiza a Ministry of Sound— y ha publicado en sellos como Elrow, Toolroom, CR2 o Spinnin’. A lo largo de los años, ha construido un legado sólido tanto en cabina como desde el estudio, con cientos de lanzamientos y un oído privilegiado para descubrir talento. Además, es el creador del radio show Club Edition, emitido en más de 150 emisoras a nivel internacional. Incansable y fiel a su visión artística, Noferini sigue marcando el pulso de la escena electrónica con autenticidad, coherencia y una conexión genuina con la pista de baile. Con motivo de esta portada, hablamos con él en profundidad sobre su evolución sonora, su papel en la industria, el presente y futuro del DJing, y el significado que hay detrás de su ya emblemático hashtag #Auténtico. Una conversación inspiradora con una leyenda viva que sigue mirando al futuro con la misma pasión que el primer día.

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Bienvenido Stefano, es genial tenerte en nuestra portada de Mixmag Spain este mes de mayo. Cuéntanos, ¿cómo estás? ¿Cómo ha ido para ti esta primera —casi— mitad del año? ¡Hola! Muchas gracias, me siento emocionado y agradecido por esta oportunidad. La primera mitad del año ha sido bastante intensa, llena de nuevos proyectos y un tour intenso. Con más de tres décadas de trayectoria, te has consolidado como una figura clave del tech house y el techno. ¿Cuál dirías que ha sido la clave para mantenerte vigente durante tanto tiempo? La clave ha sido la pasión y la adaptación. Siempre he estado dispuesto a evolucionar con el tiempo y a experimentar con nuevos sonidos, pero siempre sin perder mi esencia. Haber tenido la capacidad de no adaptarme a compromisos que esta industria te pide de vez en cuando ha sido primordial, ya que ser tú mismo es la clave. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido desde tus inicios hasta hoy, y qué elementos sientes que siguen siendo parte esencial de tu identidad artística?

Deeperfect se ha convertido en uno de los sellos más vendidos de Beatport y un referente en la escena underground. ¿Cuál fue tu motivación para crearlo y cómo ha evolucionado su visión a lo largo de los años? La motivación para crear Deeperfect fue unir a talentos emergentes y ofrecer un espacio para la música que amo. A lo largo de los años, he querido que la visión del sello evolucione incorporando nuevas líneas musicales. La esencia de Deeperfect sigue siendo siempre la misma, no importa quién seas ni cuántos followers tengas; para nosotros solo interesa la calidad de la música, nada más. En 2020, además, lanzaste un nuevo sello bajo el nombre DPE. ¿Qué te llevó a dar ese paso y en qué se diferencia del enfoque que sigues con Deeperfect? DPE surgió de mi deseo de explorar otros géneros y ofrecer un enfoque más personal en mis lanzamientos. Su diferencia radica en la exploración de sonidos más experimentales y menos convencionales. Es como darle fuerza a tracks que son más para el club, es decir, un producto con menor expectativa de venta pero con la misma calidad.

Mi sonido ha evolucionado hacia un estilo más profundo, percusivo y melódico, pero siempre con elementos del house tribal techno y el tech house —que son parte de mi identidad—, al igual que los ritmos contundentes y las líneas de bajo envolventes.

“DPE surgió de mi deseo de explorar otros géneros y ofrecer un enfoque más personal en mis lanzamientos”

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Además de publicar en sellos como Elrow, Toolroom o Spinnin’, sigues apostando por lanzar tu música en tus propios labels. ¿Qué ventajas encuentras en la autoedición y cómo eliges dónde publicar cada proyecto? La autoedición me permite tener un control total sobre mi música y mi visión artística. Elijo el sello según el estilo del track y el público que quiero alcanzar, pero el 90% de las veces prefiero publicar en mi sello. ¿Qué te ofrece esa autonomía creativa y cómo influye en el proceso de producción? La autonomía creativa me permite experimentar sin restricciones, lo que influye positivamente en mi proceso de producción, dándome la libertad de innovar. Tienes varios lanzamientos en el horizonte, incluyendo un EP con Deeperfect y otro muy especial que verá la luz a través de una major. ¿Qué nos puedes adelantar sobre el sonido que estás explorando en estas nuevas producciones? Mis nuevos lanzamientos tendrán un sonido más maduro y exploratorio. Estoy trabajando en nuevas texturas y melodías que espero que resuenen con mi audiencia. La colaboración va a ser con una leyenda de la escena house… ¡una colaboración contundente sobre la que os podré dar más información muy pronto! Has firmado más de 200 temas en tus sellos. ¿Qué tiene que tener un track para que capte tu atención? ¿Qué valoras más: la calidad de producción, la frescura del sonido o su impacto en pista? Un track debe tener un impacto emocional y una producción de calidad. Valoro la frescura del sonido, pero sobre todo que pueda conectar con la gente siendo único y original.

Además de DJ, productor y dueño de tus propios sellos, también eres el creador del radio show Club Edition, que lleva más de 200 episodios emitidos en más de 150 emisoras. ¿Qué importancia tiene este proyecto para ti y cómo decides qué artistas invitas? Club Edition es muy importante para mí, ya que me permite compartir la música que me apasiona y dar visibilidad a nuevos artistas. Selecciono la música de Club Edition con mucha atención y pongo cosas que, probablemente, nunca serán publicadas. Club Edition tiene una portada con casi un millón de oyentes anuales y cifras importantes en las distintas plataformas donde se puede escuchar. Hablando ahora de eventos, este verano estarás con Deeperfect en residencias en Ibiza y Rimini. Es una noticia increíble, enhorabuena. ¿Qué puedes adelantarnos sobre estos eventos y qué experiencia esperas ofrecer al público? Estoy muy entusiasmado con la residencia de Ibiza. Espero ofrecer una experiencia inmersiva y auténtica, con un enfoque en la energía del público y la conexión musical. La de Rimini va a ser una única fecha, el 3 de Agosto, en un lugar simbólico de la movida italiana. Tenemos muchas expectativas de nuestro evento allí. Eres un artista muy prolífico tanto en el estudio como en los escenarios. ¿Cómo logras mantener ese ritmo creativo sin descuidar la parte personal y emocional de la vida? En otras palabras, ¿cómo logras mantener un equilibrio entre ambas partes?

nizada. Siempre guardo algo de tiempo para otros hobbies que tengo como, por ejemplo, jugar al tennis. La figura del DJ ha cambiado mucho en los últimos años. ¿Cómo estás viviendo tú esta transformación y qué habilidades crees que necesita un artista para destacar hoy en día? La transformación ha sido fascinante. Creo que un artista hoy en día debe ser versátil, tener habilidades de marketing y saber conectar con su público a través de diferentes plataformas. Y al mismo tiempo, mantener su esencia artística; en mi caso, conservar la personalidad de un artista con una trayectoria larguísima. Esto es lo que estoy notando que quiere mi público: conocerme a mí y conocer mi historia. Nos hemos fijado que en redes sociales publicas a menudo con el hashtag #Auténtico. ¿Qué representa para ti esta palabra y por qué la consideras un pilar en tu comunicación con el público? Para mí, #Auténtico representa ser fiel a uno mismo y a la música que crea. Es un pilar que considero esencial para conectar sinceramente con la audiencia. “Auténtico” significa que no hay otra copia igual, que es algo único, y precisamente en este momento en el que casi todo se está globalizando, me parece un buen mensaje.

Mantener un equilibrio es fundamental. Dedico tiempo a mi vida personal y me aseguro de que la música siga siendo una fuente de alegría, no una presión. El tiempo es importante y tenemos que gestionarlo de manera orga-

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“...Crear un proyecto musical sostenible requiere tiempo y dedicación...” Con tu experiencia, ¿qué consejos darías a un productor emergente que quiere lanzar música en un sello relevante o vivir de la música electrónica? A los productores emergentes les diría que sean perseverantes, que trabajen en su sonido con pasión y que busquen construir una red sólida en la industria. Lo más importante de todo no es producir muchos temas cada semana, sino centrarse en pocas producciones con más profundidad y más ideas. Hoy en día, casi todas las producciones que llegan suenan igual, y eso no genera mucho interés para un A&R de un sello discográfico. ¿Cuánto tiempo y dedicación crees que requiere crear un proyecto musical sólido y sostenible a largo plazo?

Con 60 años sigues siendo una figura activa y respetada. ¿Cómo ves tu futuro en la industria electrónica y qué te sigue emocionando al subirte a una cabina? Mi futuro lo veo lleno de más música y colaboraciones emocionantes. Lo que me sigue emocionando es la conexión con la gente y la energía que se genera en cada set en vivo. Esto para mí es una razón de vida, y no veo un momento para dejarla; me mantiene activo, vivo y feliz Muchas gracias por tu tiempo, Stefano. Todo el equipo de Mixmag Spain te deseamos lo mejor en tu prolífica carrera musical.

Crear un proyecto musical sostenible requiere tiempo y dedicación, y creo que al menos varias semana de trabajo constante para establecerse y crecer. Tampoco hay un tiempo exacto; depende mucho del tipo de proyecto y de cuántas personas puedan colaborar en él. Hoy en día, producir en equipo es muy importante.

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AUTO R PAT RI C I A PA RE JA

Mar Electronic celebra su primer aniversario en formato festival

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Un año después de su nacimiento como marca, Mar Electronic celebra su primer aniversario con un salto decisivo: su estreno en formato festival. Este paso adelante es fruto de una idea muy clara y de un proyecto que ha ganado solidez y personalidad con el tiempo. El próximo sábado 21 de junio, el Auditorio Marina Norte de Valencia se convertirá en el epicentro de una nueva cita imprescindible para los amantes de la electrónica. Mar Electronic Festival aterriza con fuerza en el calendario de festivales estivales con más de 20 artistas, dos escenarios y una promesa clara: ofrecer una experiencia sonora inolvidable junto al Mediterráneo. Bajo el sol, con 10.000 metros cuadrados frente al mar y más de 7.000 asistentes previstos, este nuevo encuentro musical no solo apuesta por el baile, sino también por el nacimiento de un ritual electrónico donde conviven el talento internacional, el emergente y la escena local más vibrante. Una producción cuidada al detalle y un sistema de sonido de alto nivel completan la fórmula.

Junto a él estarán Miguelle & Tons, dúo colombiano detrás del sello y fiestas Two and a Half Cats y habituales en cabinas como la del Club Space; el venezolano Tony Guerra, con una carrera en ascenso que cruza fronteras; Esther Bronchal, una de las figuras con más proyección del circuito nacional; y Fran Hernández, embajador del sonido valenciano con una conexión especial con su público.

Escenario Nostra Pérgola: cuerpo y ritmo En el segundo escenario, Nostra Pérgola, la cosa va de fluir sin parar con una tropa de artistas que irán directos al cuerpo. Por él pasarán artistas como Favorito, Kathy K, Magneto’s, Aparici, Carlos Esteve, Danigo, Danny Marin, Eli Sanmer, Marcantonio, Neira, Sergio M y Vitamine. Una selección pensada para mantener el pulso firme desde el primer minuto hasta el último rayo de sol.

Main Stage: energía de principio a fin El escenario principal, el Main Stage, contará con uno de los grandes nombres del techno europeo: Marco Faraone. El italiano, conocido por su enfoque profundo y su habilidad para construir sesiones con groove sin artificios, liderará una programación potente y variada.

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Valencia, capital del groove Con esta primera edición, Mar Electronic Festival se presenta como algo más que una fiesta: una declaración de intenciones. La ciudad de Valencia, con su enclave privilegiado junto al mar y su creciente escena electrónica, suma así un nuevo capítulo en su historia musical.

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fran hernández “De Valencia para Valencia” En Mixmag Spain hemos tenido el placer de hablar con Fran Hernández, co-propietario, promotor y máximo representante artístico de Mar Electronic, para conocer cómo ha sido el recorrido hasta llegar aquí, qué filosofía impulsa el proyecto y cómo imagina el futuro de este nuevo ritual frente al mar entre muchas otras cosas.

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El próximo mes de junio celebráis un año del nacimiento de Mar Electronic Festival. ¿Cómo ha impactado en Valencia el nacimiento de esta marca, “de Valencia para Valencia”, como vosotros mismos explicáis en vuestra newsletter? Desde el principio tuvimos claro que Mar Electronic no quería ser una marca más: queríamos construir un espacio de referencia para la electrónica en Valencia, con alma local pero con una proyección que mirara también hacia fuera. El impacto ha sido muy positivo. Hemos creado una comunidad que se identifica con nuestros valores, y eso se nota en la energía de cada evento. Valencia necesitaba una propuesta así, que cuidara tanto la calidad artística como la experiencia del público. Ahora que la marca ya tiene un año de recorrido, ¿cómo has visto la evolución desde sus inicios hasta hoy? La evolución ha sido muy orgánica, pero firme. Empezamos con una visión clara, pero con mucha incertidumbre. Hoy, tras varios eventos, alianzas y el crecimiento del equipo, sentimos que Mar Electronic se ha consolidado como un proyecto con identidad. El público ya reconoce el sello Mar y eso nos da fuerza para seguir creciendo.

Desde tu perspectiva como copropietario y promotor de Mar Electronic, ¿qué desafíos has encontrado en el desarrollo y organización de los eventos? ¿Cómo se vive esto desde dentro?

Hablando ahora desde tu perspectiva como artista —más allá de la de promotor de la marca—, ¿cómo has vivido en primera persona ser el máximo representante de la marca a nivel artístico?

Cada evento es un reto: desde la producción técnica hasta la comunicación pasando por los permisos, los imprevistos… todo forma parte del juego. Pero lo más difícil, quizás, es mantener la coherencia con la esencia del proyecto a medida que crecemos. Desde dentro se vive con intensidad: muchas horas, mucha presión, pero también muchísima satisfacción al ver cómo la gente conecta con lo que hacemos.

Es una doble responsabilidad. Por un lado, está el orgullo de representar algo en lo que crees. Por otro, está la exigencia de estar a la altura en cada show. No se trata solo de actuar, sino de marcar una línea artística coherente que inspire y dé ejemplo. Es un rol que me motiva mucho y que me conecta con el proyecto de una forma muy íntima.

El último evento el pasado 12 de abril fue en Veles e Vents, sin embargo, el próximo 21 de junio tendrá lugar en el Auditorio Marina Norte. ¿En qué os basáis para escoger los venues perfectos para cada evento? ¿Cómo es organizar la logística de cada fecha? Escogemos los espacios en función de varios factores: el concepto del evento, el aforo, la accesibilidad, la identidad visual,… Cada venue tiene su propia energía y buscamos que encaje con la narrativa del momento. La logística es un puzzle complejo: desde la producción técnica hasta la seguridad, cada pieza debe estar perfectamente engranada. Y en cada nuevo venue, las condiciones cambian.

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¿Con cuánta antelación decidís y bookeais a los artistas que funcionarán mejor en cada fecha? Depende del formato, pero solemos trabajar con una antelación de entre tres y seis meses. Nos gusta cuidar mucho el line up: que tenga sentido, que haya narrativa y que combine propuestas consolidadas con artistas emergentes. A veces surgen oportunidades inesperadas, pero en general lo planificamos con bastante tiempo.

El lema es “Fluye”, es el late motiv de Mar Electronic y lo decidiste tú. Cuéntanos qué significa para ti esta palabra y cómo te gustaría que la interpretara el público que asiste a vuestros eventos. “Fluye” es una invitación a dejarse llevar: soltar el control, confiar en la música, en el entorno y en uno mismo. Para mí es también una declaración de intenciones: queremos que Mar sea un espacio donde todo fluya de forma natural, sin artificios ni poses. Que el público se sienta libre y parte de algo colectivo.

Centrándonos en vuestra próxima fecha en junio, hace ya ocho años que no se hace un festival urbano de música electrónica en Turia de esta envergadura ni con este aforo. ¿Cómo lo está recibiendo el público valenciano? ¿Cuáles han sido los primeros feedbacks que os han llegado? La respuesta está siendo espectacular. Notamos una ilusión real por recuperar esa tradición de gran formato en un entorno tan simbólico como el cauce del Turia. El feedback que recibimos es de agradecimiento y entusiasmo. Valencia está preparada para volver a tener eventos de esta talla, y eso se siente. ¿Qué tenéis preparado para el futuro próximo de Mar Electronic? Estamos trabajando en seguir ampliando horizontes. Queremos afianzar el formato festival, explorar nuevos espacios y abrir colaboraciones con artistas y marcas tanto nacionales como internacionales. Pero siempre desde la coherencia, sin perder la esencia que nos ha traído hasta aquí. Muchas gracias por tu tiempo, Fran. Todo el equipo de Mixmag Spain os deseamos lo mejor en este gran proyecto y en tu próspera carrera musical.

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Ibiza sube el listón (otra vez): así arranca la temporada 2025 de Ushuaïa Ibiza, Hï Ibiza y [UNVRS]

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Entre maratones diurnos al aire libre, noches de pura adrenalina y la llegada de un nuevo protagonista en la escena global, Ushuaïa Ibiza, Hï Ibiza y [UNVRS] abren la temporada 2025. Con más de 1,5 millones de visitantes el año pasado, este verano prometen llevar la isla aún más lejos.

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Hï Ibiza

Por cuarto año consecutivo, Hï Ibiza revalida su título como Club Nº1 del mundo según DJ Mag. Su temporada 2025 arranca con una mezcla de cabezas de cartel, nuevas incorporaciones y una fuerte presencia femenina en ambas salas. Los lunes, house contundente con MEDUZA & James Hype en Theatre, y la potencia de Hannah Laing en Club. El martes, The Martinez Brothers y Paco Osuna. Los miércoles, Dom Dolla debuta en Theatre, y Patrick Topping en Club. El jueves, HUGEL da caña en Theatre, y Miss Monique en Club. Los viernes, el proyecto METAMORFOSI de Joseph Capriati y la energía de Indira Paganotto. El sábado, Black Coffee con su afro-house místico y Damian Lazarus en una propuesta sonora única. Y los domingos, Glitterbox toma el control de ambas salas con su house inclusivo. Este año, el foco se amplía para dar espacio a nuevas figuras. Miss Monique, Hannah Laing e Indira Paganotto lideran la ola femenina, mientras que MËSTIZA aportará su fusión flamenco-electrónica durante siete viernes, y Blackworks ocupará Club Room con su hard techno. Korolova también debuta con su energía demoledora.

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Ushuaïa Ibiza El Nº1 al aire libre de Ibiza, y el Nº1 de Europa, arranca la temporada con F* ME I’M FAMOUS!** de David Guetta cada lunes. Calvin Harris duplica con martes y viernes. El miércoles, Dimitri Vegas & Like Mike llegan con el espíritu de Tomorrowland, y el jueves, Martin Garrix celebra su década con ‘X’. El sábado, ANTS regresa con su capítulo METALWORKS, y los domingos, Armin van Buuren (con residencia exclusiva de 9 fechas) y Kygo traerán su vibe tropical durante siete noches. Ushuaïa Ibiza y Hï Ibiza juntas superan los 1,5 millones de asistentes por temporada, con más de 250 eventos y 800 artistas.

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[ UNVRS ] The Opening El viernes 30 de mayo, [UNVRS] debuta en Ibiza, inaugurando un nuevo concepto de clubbing. La fiesta inaugural, [UNVRS] – The Opening, contará con un line-up de lujo: Adam Ten, Ahmed Spins, Carista, Carl Cox, Jamie Jones, Joseph Capriati, Michael Bibi, Mita Gami, Salomé Le Chat y The Martinez Brothers. Este inicio marca el arranque de una temporada con residencias semanales de Eric Prydz Presents HOLOSPHERE 2.0, Jamie Jones Paradise, FISHER, David Guetta Presents Galactic Circus, elrow, Carl Cox y más. Con una propuesta inmersiva, line-ups potentes y una ambición global, [UNVRS] arranca con fuerza y sin rodeos.

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reinas Dentro del ámbito clubbing europeo más underground, pocos dúos femeninos pueden ser más icónicos que la dupla que forman Steffi y Virginia. Dos figuras que en los últimos 18 años tienen un respeto intacto gracias a la creación de himnos atemporales como ‘Reasons’ o ‘Yours’. También como sospechosas habituales de reventar el Panorama Bar en Berlín, donde la holandesa Steffi fue residente durante la pasada década. Ambas DJs y productoras, con la inconfundible voz de Virginia como gancho. Ellas, que ya saben lo que es editar un trabajo de larga duración como fue Work A Change en 2019, vuelven a trabajar codo con codo para un nuevo LP repleto de house del que anima a cualquiera llamado Patterns of Vibration, que ha visto la luz en el prestigioso sello Dekmantel el pasado 25 de abril. Este álbum vuelve a poner de manifiesto la consolidación de una alianza creativa que deja huella. Patterns of Vibration se concibe como una celebración de momentos alegres a través de un house poderoso y embriagador con vocales dulces y bajos profundos. Del que golpea bien en el pecho y se recibe en la pista de baile como agua de mayo.

Ya presentaron un primer single, ‘Stab Stealer’ que ofrecía un enfoque introspectivo a la par que rítmico que caracteriza al álbum. Ahora recibimos un total de ocho producciones plagadas de la elegancia y energía que caracteriza a esta dupla tan reconocible y distintiva. Con el espíritu de noches intensas impregnando cada tema, este LP marca un nuevo y brillante capítulo en la historia del dúo. Canaliza una mezcla especial de emociones vibrantes que se entrelazan cuando la música, el baile, los amigos y los amantes se encuentran. Sí, es un disco con un punto hedonista nada disimulado con una urgencia que va directo al núcleo del club. Hay pasión que impacta y que resuena para crear momentos mágicos. Desde el melancólico tribalismo de ‘Nightflight’ a la energía de ‘7 In The Morning’ como dos producciones destacadas, el junte de Steffi y Virginia rebosa vitalidad. Los alegres ganchos vocales de Virginia son protagonistas en cada tema y se enriquecen con la precisión analógica de Steffi. Bombos contundentes y directos acompañan potentes cajas y punteos de sintetizador alineados con el leitmotiv del LP. Impresionantes lí-

neas de bajo perfectamente ubicadas y armadas para suavizar los graves y dejando un amplio espacio para la candente voz de Virginia que conquista al oyente. Patterns of Vibration se creó en un período de tres meses de trabajo intensivo en el que la pareja se sumergió en el ritual diario de plasmar ideas en su estudio Candy Mountain, en la campiña portuguesa. Un lugar fundado por ambas artistas. Al mismo tiempo, las celebraciones del 50 cumpleaños de Steffi alimentaron un fuego creativo, reconectando con viejos amigos y aprovechando un profundo amor por esos momentos de libertad y unidad, con música house como banda sonora. Steffi y Virginia no solo reafirman su química como creadoras de himnos, sino que también ofrecen una obra que resonará tanto en clubes como en escuchas más personales. Ellas consolidan su posición como referentes en la escena electrónica contemporánea como lo que son: unas reinas del house que han lanzado uno de los discos más jugosos y juguetones del año.

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cómo produzco

Generalmente, empiezo los tracks en un drum rack para elegir la batería que quiero usar y la percusión que la complementa. Otras veces, también me gusta empezar el track con la percusión si quiero enfocarlo a algo más percusivo y que coja más relevancia. En otras ocasiones, si quiero hacer un Edit o un track con una vocal específica, uso algo de batería y hago el bass que me funcione con la vocal elegida. Volviendo a la ventana Live, una vez tengo la batería y percusión, realizo el bass que me dé ese groove tan importante para mí que siempre busco. A partir de ahí le añado algo de texturas, me gusta mucho usar sonidos de ambientes y glitches que suelo hacer con algún arpegiador. También añado algunos synth más o menos melódicos, dependiendo del tipo de track que busco acabar. Me gusta añadir vocales en los tracks siempre, creo que es algo que se identifica mucho con mi perfil como artista y se alinea con lo que me gusta transmitir al público.

La producción forma parte de mi rutina diaria. Me gusta mantener los mismos horarios habitualmente, uno por la mañana temprano sobre las 8 am antes de ir a entrenar para desconectar un poco, y otro segundo momento del día a partir de las 3 pm hasta final del día. También me gusta tener mi tiempo para cocinar, cenar bien e irme a dormir pronto; mantener estos horarios me permiten estar descansado durante la semana. El proceso creativo está muy influenciado por el estado anímico, emocional o sentimental en el que estoy en cada momento; se nota mucho en los tracks, que pueden variar desde algo más enfocado a la pista de baile como mi track más reciente ‘Don Stephen’ a través de elrow music, a algo más melódico y sentimental como puede ser el lanzamiento de ‘La Soledad’, donde la vocal y el synth toman protagonismo absoluto y te conducen a la historia que quiero contar. Me gusta expresar cómo me siento a través de la música y en esos casos no me fijo en si un track debe ir enfocado a la pista, o debe tener X velocidad, o dirigido a un sello discográfico en concreto,… es algo que dejo fluir. Otras veces, si tengo alguna idea fija, sí voy a directo al estudio para darle forma, ya sea una idea a través de una vocal que me guste —como mi reciente lanzamiento ‘Yeezy’ en Nervous—, una

percusión o un estilo más concreto. También me gustaría destacar unos de los lanzamientos más bonitos en los que he trabajado junto a Sebastián Rivero y la vocalista Supersonikka. ‘High In The Sky’, a través de Diggin’ Records, es una producción donde la vocal está escrita y grabada, y las guitarras y las percusiones hacen que sea uno de mis tracks favoritos hasta el momento, capaz de funcionar en pista, perfecto para escuchar en casa, de viaje en el coche o en cualquier lugar en mis audífonos. Tampoco quería dejar de mencionar la colaboración con mi gran amigo Sera de Villalta titulado ‘Odioso’ por el label de Malóne Whynotus, el cual ha tenido un gran impacto en la pista de baile y con el que hemos disfrutado mucho tocándolo en nuestros shows o escuchándolo sonar en diferentes países por grandes artistas. Empiezo todos mis tracks en la ventana Live de Ableton, me gusta tener un loop completo de la idea que quiero realizar y lo que quiero transmitir. Me gusta hacer este proceso de Live, me resulta creativo y me permite transmitir lo que estoy sintiendo de manera directa e instantánea. Una vez tengo todo lo necesario para montar y desarrollar el track, lo grabo para pasarlo a la zona de montaje, donde le doy forma hasta completar su estructura.

Una vez termino el track, normalmente lo culmino al día siguiente o a los dos días para tener los oídos algo más frescos y afinar ciertos detalles, además de dedicarle finalmente un tiempo de la mezcla para conseguir un buen sonido. Uso mucho plugins como Shaperbox, FabFilter, Blackbox o Magicstereo. Me encuentro en un momento de bastante trabajo musical, estoy preparando un álbum que verá la luz pronto y que me tiene muy motivado. No solo serán tracks para club, también habrá algo más ambiental, melódico y ritmos rotos, siempre me han gustado mucho. Es algo que siempre me ha inspirado como productor, quiero que la gente escuche producciones diferentes, intentar plasmar en ellas esas emociones por las que paso yo en el estudio y que entiendan mejor mi música y mi vida al mismo tiempo. La creación de mi estudio durante estos años ha sido una parte fundamental de mi vida, es el lugar donde paso el mayor tiempo de horas y donde me encuentro feliz y agradecido en este largo proceso de trabajo, constancia y paciencia para lograr mis próximos objetivos.

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AUTO R J UA N M A M O L I N A

Un nuevo sello berlinés sin concesiones liderado por Mira y Mila Stern

MiZi MuZiK 054

temb

Berlín suma una nueva voz al panorama discográfico con el nacimiento de MiZi MuZiK, un sello independiente fundado por las artistas Mira y Mila Stern, cuya propuesta se articula en torno a una premisa clara: amplificar música electrónica sin filtros comerciales. Lejos del cálculo y las tendencias, MiZi MuZiK apuesta por el instinto y la curaduría hecha desde el deseo de compartir música con sentido. Ambas fundadoras comparten una trayectoria sorprendentemente paralela. Iniciaron sus carreras como DJs en Halle, se trasladaron a Berlín y han transitado con soltura por distintos frentes de la escena electrónica: desde la radio y los eventos hasta la gestión de sellos. En ese recorrido, han consolidado un lenguaje propio. Mira se ha hecho reconocida por un sonido hipnótico y matizado con toques orgánicos que ha llevado por escenarios de todo el mundo. Por su parte, Mila Stern ha definido su estilo a través de sets que combinan intensidad emocional y paisajes sonoros en los márgenes. El proyecto MiZi MuZiK surge como evolución natural de una colaboración artística y personal que comenzó en 2013 en el universo del club Kater, y que ha crecido a través de múltiples B2B, una estrecha amistad y un trabajo conjunto en el sello Kiosk ID. Ahora, ese diálogo compartido cristaliza en un nuevo espacio editorial que apuesta por dar visibilidad a la música que ambas aman, sin importar la notoriedad o el tamaño de quien la produce.

La primera referencia del sello, titulada MiZi TaPeS 001, ya está disponible en plataformas digitales. Se trata de una compilación que funciona como carta de presentación y declaración de intenciones: cuatro temas colaborativos entre Britta Arnold, MANTi, Niki Sadeki, Mira y Mila Stern, donde el protagonismo recae en las conexiones femeninas dentro de la escena electrónica. Para 2025, el sello tiene previstas nuevas referencias con artistas como James Harcourt, Peve, Mira & Landikhan, Mila Stern y Schlepp Geist, lo que perfila un catálogo diverso y cuidadosamente curado. Con MiZi MuZiK, Berlín refuerza su ecosistema sonoro con un proyecto que se desmarca de las rutas predecibles del mercado. Un sello que reivindica la pista de baile como territorio de expresión artística y emocional, desde la independencia, el compromiso y el amor por la música.

*ESCANEA EL QR PARA ESCUCHAR MiZi TaPeS 001

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AUTO R F E D E RI C O C O RT I N A

adiel & quest

Hayencuentros que parecen escritos en los márgenes de un vinilo: inesperados, inevitables y con esa chispa que solo ocurre cuando dos trayectorias singulares se cruzan en el lugar y momento precisos. Así se podría definir la conexión entre Adiel y Quest. Ella, arquitecta de atmósferas hipnóticas y fundadora del sello Danza Tribale, se ha ganado a pulso un espacio en la élite global del techno, llevando al límite las pistas de baile más icónicas del mundo. Él, maestro del groove mutante y creador del sello La Nota del Diablo, es un DJ de culto que, tras pulirse en el circuito más exigente y selecto, ha convertido el vinilo en una declaración de principios. Pero más allá de sus carreras en paralelo, Adiel y Quest comparten algo aún más valioso: una química poco común, tejida a base de respeto mutuo, amistad y un apetito voraz por descubrir nuevos territorios musicales. Sus caminos se cruzaron en el mítico Goa Club de Roma y, desde entonces, en cada encuentro han creado su propio idioma detrás de los platos, donde lo imprevisible y lo sofisticado se dan la mano. En esta entrevista desgranamos los secretos de una de las alianzas más magnéticas y frescas de la escena: cómo se inspiran, qué buscan detrás de cada disco y por qué, juntos, logran encender la cabina de una forma que no se puede ensayar ni forzar. Preparaos para sumergiros en el backstage de una conexión donde el techno es solo el punto de partida.

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adiel & quest

Bienvenidos a Mixmag Spain, Marco y Adiel. ¿Cómo os conocisteis y qué fue lo primero que os unió? Nos conocimos en el Goa Club de Roma —donde Alessia era residente— gracias a amigos en común y, por supuesto, a Constanza. ¿Cómo surgió la oportunidad de pinchar juntos por primera vez? El club Elysia en Basilea fue el primer club que nos contrató a ambos. Fue totalmente inesperado y, siendo sinceros, todo un regalo. ¿Qué representa el vinilo para vosotros a nivel emocional y artístico? El vinilo es la forma más pura de la música que podemos imaginar; para ambos es la mejor manera de expresar nuestro amor a través del sonido. ¿Cuál es ese disco que nunca falta cuando pincháis juntos? Kotai – Sucker DJ. Sabemos que siempre lo tenemos en el bolsillo, y me encanta ser quien lo lance primero. Adiel, ¿cómo es para ti acompañar a Marco durante esta emocionante etapa de su ascenso artístico? Marco es como un hermano para mí y no podría estar más orgullosa de él. Su talento y dedicación a la música son realmente inspiradores; creo que esto es solo el comienzo de una larga carrera. Soy una de sus más fervientes fans. Marco, ¿qué has aprendido de Adiel desde que empezasteis a compartir la cabina? Muchas cosas, y siento que sigo aprendiendo cada día. Sobre todo me inspira su precisión y preparación a la hora de pinchar vinilos. Es admirable ver cómo llega con todo previsto antes y durante el set.

¿Cómo os inspiráis mutuamente y cómo influye eso en vuestros sets? Nos inspiramos arriesgando el uno por el otro. Es como un salto al vacío, pero con auriculares puestos. ¿Qué buscáis crear con un b2b que no podríais crear en un set en solitario? Es la combinación perfecta de nuestros dos sonidos; algo que solo tiene sentido cuando estamos juntos. ¿Cómo sentís que estáis adaptando vuestros estilos entre ellos? ¿Percibís que vuestros sonidos evolucionan gracias a esta fusión? Es alucinante, ya que tras las tornamesas hablamos nuestro propio idioma secreto. Ella va por su lado, yo por el mío… pero luego, sin planearlo, coincidimos en un punto medio y entramos en “modo sintonía”. El resultado es un sonido muy característico y al mismo tiempo perfectamente equilibrado. ¿Cómo vivisteis el b2b en Time Warp? ¿Diríais que marcó un punto de inflexión en vuestra trayectoria? El b2b en Time Warp fue un antes y un después: fue el inicio de todo y, al mismo tiempo, un salto gigante. Lo más especial fue que el equipo de Time Warp confió en nosotros y nos dio el cierre del escenario 4 (el mismo que suele ocupar Laurent Garnier). Fue un honor y una responsabilidad enorme al mismo tiempo… y nada volvió a ser igual desde entonces. ¿Sentís que aportáis algo nuevo a la escena con este proyecto conjunto? Nuestra única misión es pinchar buena música para el público. Punto. ¿Qué podemos esperar de vosotros para el resto del año? ¡Mucho más de nosotros juntos! Tenemos varios grandes festivales de verano en el radar, como Kappa Futur Festival y Junction 2. Además, un show muy especial en Barcelona el 16 de mayo en Input: ese no hay que perdérselo. Muchas gracias por vuestro tiempo. ¡Nos vemos el 16 de mayo para escuchar qué hay detrás de este gran duo!

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opinión

Sun and Snow Festival 2025 AUTO R RE DAC C I Ó N

Underground a 3.000 metros de altura En lo alto de Sierra Nevada, donde el oxígeno escasea pero la música abunda, Sun and Snow Festival volvió a demostrar por qué es uno de los encuentros electrónicos más especiales del calendario europeo. 3.000 personas se reunieron durante tres días para desafiar la altura, las inclemencias del tiempo y a sí mismas, entregándose a una experiencia sensorial entre música, nieve y niebla. La edición agotó sus abonos generales días antes, y el sábado, con la energía en su punto más alto, las entradas de día se agotaron en puerta. Todo hacía presagiar una edición intensa, y no defraudó. El viernes arrancó con fuerza, aunque también con un vendaval: rachas de viento de más de 120 km/h y lluvia torrencial obligaron a cerrar el escenario de la Plaza. A pesar de ello, DJ Masda se convirtió en el plato fuerte de la noche, desplegando un set en el que no paraban de caer bombas de todos los géneros que puedas imaginarte (y otros que ni sabias que existían), aunque el siempre efectivo Fumiya Tanaka no se quedó atrás y dejó una sonrisa marcada a más de uno de los asistentes. El cierre de CCL, sin embargo, se llevó aplausos sinceros: una selección elegante que sirvió de bálsamo entre truenos.

El sábado, con la estación nevada y viva, se vivió una montaña rusa de emociones. Las autoridades impusieron por sorpresa un límite de 70 dB por la coincidencia con una carrera de montaña, y el escenario de la Plaza volvió a cerrar unas horas. Pero nadie perdió el ánimo. Abscala sorprendió con una sesión a vinilo demoledora que le puso en boca de todos. Entre los internacionales, hubo derroche de nivel: Ogazón & Ryan Elliott hicieron subir la temperatura; Javier Carbarllo y DJ Koolt sacudieron la pista con bombazos techno y electro para dejar a Craig Richards & Nicolas Lutz hipnotizar a todos con su oscuridad envolvente, con Craig aportando luz y carisma; Ben UFO mantuvo la pista en trance y, por otra parte. el live de Punky & The Brain, con guitarras y sintetizadores, fue uno de esos momentos inesperados que cargan de energía al público justo cuando más lo necesita. El domingo fue poesía pura. Francesco del Garda & Raresh firmaron un cierre que ya es leyenda: el Sol, la niebla, las emociones a flor de piel y un set que detuvo el tiempo durante dos horas. A esas alturas del fin de semana, todos sabían que estaban viviendo algo único. Y para quien aún tenía energía, la noche trajo un after inesperado con Gabbs que subió los BPM y puso el broche con potencia.

Organizar un evento a más de 2.000 metros de altura no es sencillo. Durante el montaje, cayeron más de dos metros de nieve. El equipo respondió como siempre: pala en mano, manga remangada y la convicción de que todo tenía que estar listo a tiempo. Las bajas temperaturas congelaron grifos y complicaron la logística, pero nunca el espíritu del festival. Este año mejoraron la distribución de escenarios, con distancias más cortas y un túnel que conectaba áreas evitando la exposición al frío. Se estrenó el nuevo Velo Stage y se duplicó la flota de autobuses internos. Aún así, el flujo de gente continuó concentrándose en las horas nocturnas, ya que en España parece que cuesta arrancar temprano, pero las joyas matutinas lo merecen. En materia de sostenibilidad, el festival volvió a poner el listón alto: equipo dedicado a reducir el impacto ambiental, ceniceros portátiles, vasos reutilizables y reciclaje activo en todos los espacios. También se estrechó el vínculo con la escena local andaluza, destacando colaboraciones con colectivos como Sound Gallery e internacionales como Trommel, Slapfunk o VBX. Más allá de la música, lo que hace a Sun and Snow verdaderamente especial es esa atmósfera de hermandad que nace del aislamiento, del clima extremo, de estar bailando en medio de la montaña bajo la nieve, el Sol o la niebla. Es un sentimiento colectivo que no se puede replicar. Sólo vivir. La organización ya trabaja en la edición de 2026, con foco en mejorar la logística, la señalización y, sobre todo, mantener intacta esa esencia mágica que transforma Sierra Nevada en un santuario del clubbing invernal.

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AURAFECT

AUTO R BO RJA C O M I N O

donde el sonido se talla a mano

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En un taller compartido de Barcelona, entre sierras, cables y maderas cortadas al milímetro, AURAFECT diseña y construye altavoces con una obsesión absoluta por cómo suenan... y por cómo se ven. No hay producción en cadena ni fórmulas repetidas. Aquí todo es artesanal, capa a capa, pieza a pieza. Cada modelo nace con la intención de ser algo más que un simple altavoz: un objeto sonoro que transforma el espacio donde se instala. Detrás de AURAFECT hay una historia que empezó desmontando altavoces en un garaje. Literal. Su fundador, empujado por una mezcla de curiosidad y pulsión autodidacta, empezó a modificar componentes viejos sin tener muy claro qué hacía, pero con la certeza de que quería entender cómo el sonido se comporta en el espacio. Hoy ese impulso se ha convertido en una marca que fabrica con método propio y una visión clara: hacer piezas únicas con alma de escultura y cuerpo de alta fidelidad.

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Trabajan desde TMDC, un espacio creativo compartido donde conviven perfiles de todo tipo. Ese cruce de disciplinas se nota en todo lo que hacen: en el diseño, en los acabados y en la actitud con la que abordan cada proyecto.

Aquí no hay prisa. Cada altavoz se construye a mano, con un sistema de capas que mejora la rigidez del mueble y favorece su comportamiento acústico. A nivel sonoro, son precisos, envolventes y cálidos. A nivel visual, tienen más en común con una pieza de galería que con un monitor de estudio al uso.

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Oktav Series: tres modelos, tres formas de entender la escucha

Oktav S El más pequeño de la familia, pensado para espacios domésticos o setups compactos. Pese a su tamaño, tiene pegada y claridad, con una respuesta sorprendentemente nítida en medios y agudos. Su silueta recuerda a un instrumento de cuerda, y hay un prototipo Bluetooth en camino para quienes priorizan la conexión sin cables sin sacrificar calidad. Oktav M El modelo insignia. Una caja pasiva de dos vías, afinada al milímetro para ofrecer un sonido cálido, detallado y nada fatigante. Usa un woofer de cono de papiro para reforzar el carácter orgánico de los graves, y un tweeter de cúpula de seda que aporta suavidad en la parte alta del espectro. Es versátil, equilibrado y diseñado para durar décadas sin pasar de moda. También se está probando una versión activa como monitor de estudio. Oktav L El peso pesado. Más grande, más potente y con más cuerpo. Es la evolución natural del Oktav M, pero pensado para espacios más amplios, instalaciones de home cinema o estudios que necesitan graves profundos sin sacrificar definición. Integra un sistema de salida lateral que elimina ruidos de puerto y ayuda a mantener el perfil limpio. Tiene una presencia física brutal, pero no se impone: se integra con elegancia y añade una dimensión extra a la experiencia sonora.

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tech

Horn-Y: la bestia modular

Para quienes necesitan volumen, pegada y carácter sin concesiones. El Horn-Y es su sistema más ambicioso: 3 vías, todo horn-loaded, con un subgrave de 15”, un driver de medios de 8” y un tweeter de compresión. Suena enorme, pero también preciso. Está pensado para grandes espacios, clubs, instalaciones o escuchas de alta presión. El primero se instaló en Integrity Records (Barcelona), el siguiente va a Sperart, en Alemania.

AURAFECT apuesta por lo singular. Por altavoces que suenan con intención y que no se ocultan detrás de logos o palabras vacías. Lo suyo es más instinto que marketing, más proceso que catálogo. Y quizá por eso, suena tan bien.

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AUTO R F E D E R I C O C O RTI N A

El universo íntimo de 22 Recordings y su proyecto Integrity Algunas etiquetas se quedan cortas. Es el caso de 22 Recordings, que va mucho más allá de ser únicamente un sello discográfico. En realidad, este proyecto con base en Barcelona es un tejido vivo de vínculos, emociones, selecciones cuidadosas y una visión tan personal como expansiva. Nacido entre vinilos, demos familiares y un enamoramiento que fue más allá de lo romántico, 22 Recordings se convirtió con el tiempo en un núcleo sonoro que hoy también late físicamente a través de Integrity, una tienda de discos que es mucho más que eso: un punto de encuentro, un laboratorio de comunidad y una extensión natural de su universo. Hablamos con Marine y Cruz, las almas detrás del proyecto, para conocer más sobre su historia, sus desafíos, su visión del underground y ese fuego que les mueve ahora más que nunca. ¿Cómo y cuándo nació 22 Recordings? ¿Qué os motivó a iniciar el sello? Marine: 22 Recordings nació en el primer mes de nuestra relación. Tan pronto nos conocimos, compartimos unos demos que me había enviado mi tío, David Ouvry, un gran artista que formó parte de Junesex a finales de los 90 y principios de los 2000, además de lanzar proyectos solistas como Gonzo. Escuchándolos juntos, descubrimos un montón de tracks inéditos que nos entusiasmaron muchísimo y nos dieron ganas de editarlos en vinilo. Por distintas razones, ese primer disco nunca llegó a ver la luz... pero fue el impulso que nos llevó a darle forma a 22. Desde entonces, no paramos. Todavía tenemos la ilusión de que algún día ese álbum —nuestra primera motivación— finalmente pueda salir.

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¿Quiénes están detrás del proyecto y cómo se conocieron? Marine: Detrás de 22 Recordings estamos Cruz y yo, Marine. Además de ser los fundadores del sello, somos pareja y familia, junto a nuestra hija Alma. Conocí a Cruz una noche en la que él estaba pinchando en Perros Mediterráneos, un bar y disquería de Barcelona. Nuestra pareja y 22 empezaron casi al mismo tiempo, por eso para nosotros el sello está profundamente entrelazado con nuestra vida personal. Pero 22 Recordings es mucho más que nosotros dos: es toda la gente que nos acompaña, nos inspira y forma parte de este proyecto. Hace un tiempo sumamos a nuestro gran amigo Stefano Andriezzi, que hoy trabaja con nosotros como A&R y en nuestro side-project Integrity, y ojalá la familia siga creciendo.

tendencias

¿Cuál fue la visión inicial y cómo ha ido evolucionando desde entonces?

¿Tenéis algún criterio emocional o conceptual detrás de cada referencia?

Marine: La visión inicial que teníamos era muy simple: queríamos crear un sello de vinilo. Con el paso del tiempo, todo lo demás fue llegando de manera natural. Cada etapa y cada cambio que ha vivido el sello se convirtieron en un aprendizaje constante para nosotros. En este camino, tuvimos la suerte de conocer a artistas y amigos que no solo nos apoyaron, sino que también han influido en la evolución del proyecto y nos han ayudado a darle forma.

Marine: Depende un poco de cada serie o de los artistas con los que trabajemos, pero siempre le damos un enorme valor tanto al lado personal como a la calidad musical. Cuando seleccionamos un EP individual, tratamos de que la selección refleje la identidad del artista de la manera más auténtica posible. Y cuando armamos un Various Artists, nos gusta que haya conexiones reales entre quienes participan, buscando siempre crear un tejido personal, casi familiar. 22 es un proyecto profundamente íntimo para nosotros: cada referencia que publicamos representa una pequeña parte de nuestras vidas.

¿Cómo describiríais la identidad sonora de 22 Recordings? ¿Qué géneros y sensaciones lo definen? Marine: La identidad sonora de 22 Recordings se fue construyendo de manera muy orgánica, a medida que fueron llegando las primeros demos. Siempre recordamos las primeras maquetas de A.M.Q.N, que sin duda nos dieron una nueva perspectiva sobre el sonido que queríamos para el sello. Fue el primer gran impulso, pero sabíamos que no sería el último. Desde el principio tuvimos muy claro que queríamos enfocarnos en el New Beat, en una atmósfera spooky, y sobre todo en la body music. Hoy nos resulta difícil encasillar a 22 dentro de un par de géneros, especialmente porque sentimos la necesidad constante de explorar nuevos terrenos sonoros que nos generan emociones muy personales y profundas. Cruz: A nivel personal he tenido influencias enormes que han marcado giros importantes en el catálogo de 22 —y estoy seguro de que seguirá siendo así. Trato de llevar de la mano mi carrera como DJ y mi trabajo como curador del sello. En estos últimos años he tenido la suerte de poder dedicarle mucho tiempo a la música, cosa que me ha permitido explorar en rincones profundos, casi ocultos, de la música moderna, pero sobre todo de la escena de finales de los 80, que terminó dejando una huella muy fuerte en el camino que 22 sigue hoy. ¿Cómo seleccionan los discos que lanzan? ¿Qué tiene que tener un track para formar parte del sello? Marine: Nuestra forma de seleccionar música es bastante dinámica y va cambiando según el momento. Entre Marine y yo llevamos adelante otros proyectos y responsabilidades, por lo que las circunstancias en las que escuchamos las demos varían mucho. Pero hay algo que siempre se mantiene: la música tiene que acompañarnos en esos momentos de vida; si el feeling está, lo sabemos enseguida. A veces nuestro A&R, Stefano, nos acerca propuestas siguiendo una fórmula más pensada, otras veces armamos los discos entre todos, y otras surgen a partir de encuentros personales que se transforman en conexiones muy profundas —que, de hecho, son el pilar fundamental de 22. Siento que hemos tenido muchísima suerte de cruzarnos con artistas increíblemente talentosos y, sobre todo, grandes personas. También hemos cometido errores, pero fueron aprendizajes que nos hicieron crecer mucho como sello. Para nosotros es fundamental que los tracks transmitan algo real: que la emoción que generen se pueda sentir tanto en la intimidad de una casa como en la energía de un club.

¿Qué artistas forman parte del sello y qué les une? Para nosotros, todos los artistas que alguna vez editaron —y los que editarán— en 22 son parte del sello. El vínculo que nos une con ellos y entre ellos es, ante todo, musical. Sin embargo, también existe un círculo íntimo de personas que quizás no figuran en el catálogo, pero que son fundamentales para el sostenimiento diario del label: Jimmy Siao, C4M y Stefano Andriezzi, nuestros residentes Sampieru y María —quienes nos acompañan, apoyan y enseñan desde el primer día—, y Ornella, que se sumó un poco más adelante en el camino. Charlotte, Quest, Juaan y Curses también forman parte de nuestra familia, su apoyo ha sido clave para nosotros, nos regalaron muchísimos momentos de felicidad y nos dio fuerza para afianzarnos en este proyecto. Gracias a ellos —y a todas las conexiones que fuimos construyendo—, hoy 22 está donde está.

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¿Cómo surgió la idea de abrir Integrity? ¿Fue un sueño desde el inicio o algo que creció con el tiempo? Integrity nació como una necesidad natural dentro del crecimiento de 22. A lo largo de los primeros años nos dimos cuenta de que prensar discos ya no nos era suficiente: queríamos compartir más música, más historias, más encuentros. Fue un deseo que fue tomando forma poco a poco, impulsado por el apoyo que recibimos y por las ganas de abrir un espacio físico donde la gente pudiera acercarse, conocernos más de cerca y ser parte de esta familia musical. Hoy Integrity es esa extensión: un lugar donde la música y la comunidad siguen creciendo juntas. ¿Qué significa para vosotros tener un espacio físico en una escena como la de Barcelona? Tener un espacio físico como Integrity es un objetivo cumplido que nos planteamos desde el inicio. Siempre supimos que las conexiones que queríamos construir necesitaban un lugar real donde pudieran desarrollarse y expandirse de manera orgánica. Además de ser una disquería, Integrity es un punto de encuentro en una ciudad donde muchos artistas de nuestra escena eligen vivir. Nos da la posibilidad de ofrecer un lugar donde conversar fuera de la cabina y de las after parties, donde realmente podemos compartir ideas, conocernos mejor y construir relaciones más reales. También es un espacio abierto para trabajar juntos, para que artistas y proyectos encuentren un lugar donde nacer, crecer y colaborar. Esa energía colectiva, real y cotidiana, es fundamental para el desarrollo sano de todo lo que 22 representa.

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Además, sentimos que la tienda se ha convertido en un punto de encuentro importante dentro de la escena local, y eso nos llena de orgullo. Agradecemos profundamente el apoyo que recibimos de quienes nos visitan, ya sea para comprar discos, compartir ideas o simplemente pasar un buen rato. Ese apoyo nos impulsa a seguir adelante y nos recuerda que estamos en el camino correcto. ¿Cómo es el proceso de curaduría de discos en la tienda? ¿Qué buscáis ofrecerle al cliente más allá de la música? El proceso de curaduría de discos en la tienda es algo que tomamos muy en serio y al que dedicamos mucho tiempo. El diggin’ es una parte fundamental de todo esto. Curar discos para la tienda es un proceso que se parece bastante al que seguimos en el sello. Para los lanzamientos nuevos siempre tratamos de incluir discos de amigxs, de sellos que admiramos o distribuidoras que nos gustan y mantener un proceso de selección muy cuidadoso. En cuanto a los discos de segunda mano, preferimos tener un stock reducido pero con la mayor calidad posible. Queremos ofrecer a nuestros clientes algo realmente especial, algo que no puedan encontrar en cualquier lado. Más allá de la música, lo que siempre intentamos transmitir es lo personal de nuestro proyecto. Queremos que cada persona que entre se sienta como en casa. Este ambiente cercano y auténtico facilita que la gente se conecte no solo con la música, sino también con las personas que están a su alrededor. Para nosotros, eso es tan importante como el disco en sí mismo.

¿Qué desafíos encontrasteis al abrir la tienda? ¿Hubo momentos en que pensasteis en abandonar la idea?

¿Qué tipo de comunidad se está formando alrededor del espacio?

Hasta ahora todo ha sido muy emocionante, y no hemos tenido tiempo para plantearnos abandonar la idea. Es cierto que abrir y gestionar un espacio como este requiere muchísimo tiempo y esfuerzo, pero cada paso que damos nos reafirma en lo que estamos haciendo. Lo que más nos motiva es ver cómo la gente que se acerca disfruta del espacio y de la música, y eso, sin duda, nos enriquece aún más cada día. Es un trabajo constante, pero la pasión por lo que hacemos y la conexión con la comunidad que hemos creado hace que cada desafío valga la pena.

Estamos en nuestros primeros pasos, pero lo que ya estamos viendo es muy emocionante. La comunidad que se está formando alrededor del espacio está compuesta mayoritariamente por amigxs, DJs, productores y coleccionistas de discos, pero lo más bonito es que está en constante crecimiento. Cada día estamos siendo testigos de cómo se generan excelentes conexiones entre todos, y eso está dando pie a nuevos proyectos que nos hacen enormemente felices.

tendencias

Lo que más nos llena es ver cómo, poco a poco, estamos creando un lugar donde las personas se sienten cómodas para compartir sus ideas, colaborar y seguir creando música. Esa es la verdadera esencia de la comunidad: un espacio donde la creatividad fluye y las conexiones van más allá de lo musical. ¿Cuál es vuestra visión del underground? ¿Qué representa para vosotros? Para nosotros, el underground representa la autenticidad y la libertad creativa. Es un espacio donde no existen barreras ni normas preestablecidas, y donde la música se siente de manera genuina tanto en el club como fuera de él. Es el lugar donde podemos experimentar sin limitaciones, y donde cada artista puede encontrar su propia voz. En este sentido, el “underground” para 22 es todo un estilo de vida y un reflejo de lo que buscamos transmitir con nuestra música y nuestro sello. ¿Cómo ha sido el camino hasta aquí? ¿Algún momento especialmente duro o significativo que os haya cambiado? Ha sido un viaje loquísimo, lleno de aprendizajes constantes. De hecho, hoy en día nos atreveríamos a animar a cualquiera a empezar su propio proyecto, porque nosotros mismos no sabíamos cómo llevar un sello cuando comenzamos. Nos sentimos muy orgullosos de lo que hemos logrado y listos para compartir lo que hemos aprendido. Ha sido una verdadera escuela para nosotros, llena de momentos que nos han marcado profundamente.

Hemos conocido a personas increíbles, hemos tenido decepciones, hemos reído, nos hemos frustrado, discutido... y hemos llorado de emoción al escuchar a A.M.Q.N. en vivo, a Pascal tocando Rain in the South —su remix de Art-Fact —en directo, y el primer Lachina. Esos momentos han sido tan intensos que nos han partido el corazón de la mejor manera. No sabría señalar un momento particularmente duro, pero sin duda hubo un periodo muy significativo: los últimos meses de 2023. En ese momento, recibimos un empujón que nos hizo darnos cuenta de que el proyecto era mucho más que un hobby de pareja: fue una revelación que nos mostró el verdadero potencial de lo que estábamos creando, y ese cambio de perspectiva fue un gran impulso para seguir adelante. ¿Qué os emociona más de lo que está por venir? Todo. Estamos súper emocionados con lo que viene este año. Si tuviera que destacar algo que hemos estado incubando hace un tiempo, es que este año tenemos un disco muy especial: el REC009, un álbum de remixes de la banda Art-Fact. Este proyecto nos ilusiona muchísimo, porque nos ha demostrado que la música no tiene barreras en términos de edad ni de género. Es un disco hecho con muchísimo amor por nuestro equipo más cercano, compuesto por personas increíbles y artistas maravillosos. Por ahora, esto es lo que podemos confirmar del catálogo. Lo siguiente lo iréis descubriendo poco a poco. ¡Seguimos trabajando con mucho entusiasmo! Si tuvierais que escribir una frase que defina el alma de 22 Recordings e Integrity, ¿cuál sería? Se la robaríamos a Raul (A.M.Q.N): ¡AHORA MÁS QUE NUNCA!

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

SURGEON - SHELL~WAVE TRESOR Anthony Child, con su alías más significativo Surgeon, regresa a ese templo berlinés -también mundial- que es Tresor con un álbum que responde a una pregunta trascendental: ¿qué es para él el Techno después de tres décadas de experiencia? La respuesta no se hace esperar desde el arranque ‘Serpent Void’. Es algo serio. Su implicación con el género no es en absoluto banal. Es consciente del tiempo que lleva conectado a él, por lo que su sentencia suena profunda, excursionista y cruda. Sin monerías ni mugre. Eficiente y en constante tensión. Cortes como ‘Soul Fire’ o ‘Forgotten Gods’ marchan severos mientras que otros como ‘Dying’ -justo a la mitad- nos regalan un respiro necesario. Una especie de mantra que nos recuerda su proyecto junto a Daniel Bean, The Transcendence Orchestra. Un remolino único que describe una pasión.

UNER - CONTICINIUM VEIL THEORY RECORDS Los maestros, no importa ni cuándo ni dónde, son incapaces de desvanecerse. Tienen la tendencia de volver y enseñarnos aquello que tan bien saben hacer. El renacer de Uner marca el regreso de un músico (y DJ) que evoluciona y se remodela a sí mismo. En su segundo álbum de estudio con este aka artístico -aparcamos a un lado esta vez su también ejemplar NIN3S- el ilerdense se debate entre la exaltación de todos sus elementos (ritmos, texturas, atmósferas) así como nos exhibe un apabullante control de la integración de géneros. Desde Techno a Broken Beats, pasando por IDM y Neo-Trance. Sus canciones son estados de ánimo, desarrollos, donde rivalizan lo hermoso y lo hiriente. Te desmoronas, te levantas. Te arrastran, te resistes. Así, una y otra vez hasta que todo vuelva a quedar en silencio. Descansa.

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PLOY - IT’S LATER THAN YOU THINK DEKMANTEL RECORDS Ha sido todo un desafío conectar con este disco. Si bien sus raíces son puramente houseras, Ploy aterriza en un señor sello como Dekmantel -cogió carrerilla antes publicando 12” en Hessle Audio o Timedance- con un ejercicio de House y Tech-House descontrolado y completamente desinhibido. ‘It’s Later Than You Think’ suma ocho temas a cual más desequilibrado e impactante. Suena de nuevo mientras escribo estas palabras ‘Terrazza’, donde la percusión genera una trama intensa, singular por segundos, aún así no tan desconcertante como pueden serlo ‘Stringz’, ‘Sauna’ o ‘When in Room’. Acoplados a la rítmica, se multiplican elementos que resultan disonantes. Mientras me empapo del lanzamiento al completo, más cuenta me doy que cortes de este tipo -sueltosigual sirven para conjurar y meter calambre a una pista de baile demasiado conformista.

ALE SAN - THE STEPS ALE SAN El productor con base de operaciones en Barcelona, Ale San, propone un espléndido álbum donde demuestra con creces su habilidad a la hora de enfrentar atmósferas con la pluralidad del beat. Un taller de variaciones donde de sopetón podremos toparnos con electro a diferentes alturas y melodías de sintetizador (‘Red Velvet’), a la vez que electrónica de salón relax (‘Chaleur’ feat. Jana) o incluso footwork subscrito a un lamento narcótico Techno (‘Dunk’). En este salto continuo de ideas, muchas de ellas originadas por su obsesión y control de una máquina como la Maschine MK3, tampoco faltan puyazos de líneas ácidas, bien retozando con breaks rotos (‘Tourist Trap’) o marciales escoltando un potente bombo (‘Adhdream’). Aquí todo se resuelve con sorpresas. Y en medio de todo esto, ‘I Promise I Won’t But I Probably Will’, ¡tela!

ÁLBUM DESTACADO

E-DANCER - E-DANCER ONE HOUSE Por bemoles debía quedar destacado, por no decir enmarcado en este número. El mítico Kevin Saunderson -en colaboración con Dantiez- han creado su primer álbum juntos. Padre e hijo metidos de lleno en el ajo para rendir todos los honores a una obra maestra como ‘Heavenly’ (Planet E, 1998). Desde los primeros compases de ‘Melodica’ -pista que inicia este viaje- ratificamos de inmediato la enorme carga que se nos viene encima. Una donde palpita el Techno más underground parido en las entrañas de un Detroit aún en forma. Prospero, conmovedor y vibrante en cuanto al groove. Evolución y revolución. ‘e-Dancer’ combina el legado de Kevin de los 90 con la energía fresca y dinámica de su sucesor y de este modo evolucionar, servir en bandeja el icónico sonido a una nueva generación de afines al espíritu del Techno. Hay futuro cuando hay conexión.

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ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

PETER MATSON - HOTEL PM BASTARD JAZZ Descubrí este lanzamiento a través de ‘White Noise’ en la BBC 6. Canción a medio camino entre el sonido disco vespertino -de esos que me pongo un sábado para desayunar contento- que despertó un interés mayúsculo. Ha culminado con el LP en mis manos. Peter Matson se aliaba entonces con Kendra Morris, pero es que luego lo borda aún más con la ayuda de Toribio (‘S.Y.G.’) y Phenomenal Handclap Band (‘Never Know’). Lejos de zumbar, el productor nos invita a bailar, a viajar, con electrónica moderna teñida de soul, funk y como ya avisaba, disco. Componiendo es astuto y detallista. Impresionista y listo arremolinando melodías. En temas como ‘Lew Beach’ se nota que, aunque tire de tecnología, se abona al recurso humano. La magia de ser un músico virtuoso, en este caso, de la guitarra y los sintes.

YUKIMI - FOR YOU NINJA TUNE Quede claro. Yukimi es justo quien te imaginabas, la co-fundadora del conocido grupo Little Dragon. La intérprete sueca debuta en solitario, eso es, este largo que ha sido creado expresamente ‘For You’. Chorreces a un lado, el álbum, por la manera en la que se mantiene el pulso entre trip hop, neo soul o pop minimalista, es una pura delicia. La artista explora temas como el amor, la pérdida, la maternidad y la resiliencia a lo largo de trece canciones que nos mordisquean el corazón. Un trabajo repleto de himnos contemplativos como ‘Break Me Down’ o ‘Elinam’. Es desde este mismo momento uno de los discos que sonarán en la banda sonora de mi próximo verano. Una y otra vez, especialmente cuando toque un plus de relax, bien por los calores o el mal sabor del último Telediario.

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BRAIN DAMAGE X EMIKO OTA X MAD PROFESSOR OIDE OIDE JARRING EFFECTS Lo podríamos considerar como el disco raruno y extravagante del mes. Un combo que no deja a nadie indiferente. En primer lugar el músico francés Brain Damage (Martin Nathan), uno de los esenciales en territorio europeo interactuando con experimentación, post y dub. Junto a él las sombras y pesadillas de la activista Emiko Ota, a modo de spoken word. Y por si la marmita no era lo suficientemente honda y llena de un brebaje potente y alucinógeno, el gran maestro Mad Professor (Lee Scratch Perry, Horace Andy, Massive Attack) quien como no aporta esa esencia jamaicana capaz de reinterpretar las raíces con hipnotismo y toques de modernidad. Como avanzaba, el tormento, así como espíritus y el sobrenatural de origen japonés, son fuente de inspiración en un LP delirante, no apto para todo el mundo.

CYCLOID DYAXIS - ART OF A NEW BEAT VOL.1 - FENIXFIRE RECORDS A modo de premonición, quizás, me encontré hace un par de días, el primero de un buen taco de vinilos y en un mercadillo, aquel ‘The Sound of C…’ de Confetti’s. Para muchos la mecha de un nuevo género nacido en Bélgica, y que se relacionó con la EBM y el Acid House: el New Beat. Igual no es del todo cierto, pero sí fue el primero que gozó de un éxito enorme. Corrían los años 80 y el estilo no tardó en disolverse como un azucarillo. Pero guardemos los pañuelos, pues su esencia sigue vigente gracias a sellos como FenixFire. Lo hace mostrando su mejor cara gracias a un productor como Steve Thirry aka Cycloid Dyaxis, un amigo de los sintetizadores, los bajos marcados y los BPM que no se disparan mucho. La lentitud del baile hermanada con el core renace.

REVIEW CLÁSICO

THE CHEMICAL BROTHERS - DIG YOUR OWN HOLE - VIRGIN RECORDS Es cada vez más habitual ver publicaciones rememorando un puñado de años de la salida de un discarral. De grandes discos que marcaron época. Así sucede con este soberbio ‘Dig Your Own Hole’, y con permiso de otro bicharraco como el ‘Exit Planet Dust’ que acaba de hacer 30 años (Rave‘n’roll para las masas, que lo bautizará el buen compañero Marcos Gendre). Ambos son una pasada, pero permitidme que hoy le cuelgue el medallón al de ‘la niña de perfil en la portada’ por su astucia, explosividad y por enseñarnos a todos lo bien que pueden llegar a fusionarse ritmos gordos, con ráfagas eléctricas de rock, funk, psicodelia, hip hop y por supuesto electrónica. Voy a pedir que me incineren junto a este vinilo y temas como ‘Block Rockin’ Beats’, ‘Setting Sun’ o ‘Elektrobank’.

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BREAKS

Autor: Eduardo Carbonell breaks@mixmag.es

OREBEAT & HANKOOK HAWKERS DISTORSION RECORDS Los jefes del sello nacional Distorsion Records, los gaditanos Orebeat y Hankook, se unen en este nuevo single rompepistas llamado ‘Hawkers’. Un trabajo con ritmos poderosos y bajos atronadores y chirriantes. Un must have para esta temporada si lo que quieres es levantar la pista. Recomendables otras pistas de esta dupla como ‘Merlin’, repitiendo juntos, ‘Aries’, ‘Night Stalker’ y ‘Somewhere In This World’ de Hankook en solitario, ‘Get Heavy’, de este junto a NVTHEC, o ‘Cupid’ de Hankook y Specimen A. En cuanto a Orebeat, su single en solitario ‘2 Many Moves’ y colaboraciones como ‘Synthetic Rustling’ junto a Citybox, ‘Give Me Some’ junto a Sellrude, ‘In Your Mind’ junto a Urbano y ‘Rave Xperience’ junto a The Mind Hackers. Uno de los sellos más potentes de ritmos rotos al que haremos otro repaso en breve. Por el momento, solo con el material de este dúo ya da para una remesa impecable.

SEKRET CHADOW MARINE PARADE 13MONKEYS RECORDS Después del mega recopilatorio que los amigos de los 13 monos nos traían para cerrar el año 2024, con 44 de sus mejores lanzamientos repartidos en 3 partes, el jefe de la casa vuelve con este ‘Marine Parade’, un claro guiño en el título al mítico sello inglés dirigido por Adam Freeland. Y es que 13Monkeys Records tiene algo en común con aquel sello, la musicalidad por delante de la cantidad. En este nuevo single, Sekret Chadow nos presenta una excelente producción que mezcla el nu skool breaks, sus ya reconocibles ritmos y arreglos funky y algunos toques tribales y afro que dotan de elegancia aún más el trabajo. Si te quedas con ganas de más, no te pierdas el remix que los gaditanos Mutantbreakz han realizado a su track ‘Bailaremos En La Sombra’, o el remix que Sekret Chadow y Shade K han realizan al clásico ‘Used & Abused’ de Elite Force.

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LUNATIC CALM SHOCKWAVE (LUNATICS ACID MIX) LC MUSIC El productor inglés Simon Shackleton, alias Elite Force, está más activo que nunca. Como adelantábamos en números anteriores, después de una serie de singles el artista publicaba su esperado nuevo álbum ‘The Shadowmaker’. 13 pistas que no te puedes perder, cargadas de música electrónica con mucho carácter retro, trip hop, emotividad y sonidos cinematográficos, pudiendo encajar cualquiera de ellas en un buen film. Lejos de frenar o bajar el acelerador, Shackleton nos presenta su nuevo proyecto titulado ‘More Lunatic Than Calm Vol.1’, donde está rescatando trabajos inéditos de su mítica formación Lunatic Calm, junto a Howie Saunders. Sintetizadores ásperos, ritmos potentes y energía explosiva que definieron los movimientos acid, breaks y big beat de finales de los 90 y principios de los 2000. De momento podemos disfrutar de dos lanzamientos, el inédito ‘Area 51’ y ‘Shockwave (Lunatics Acid Mix)’, una versión alternativa del track aparecido en su segundo álbum ‘Breaking Point’.

JAVY GROOVE PSYCHODONNA JAVY GROOVE MUSIC El cordobés Javy Groove se inició en el mundo del DJing pinchando jungle, breakbeat y trance. A partir de 2001 comenzó su andadura por varias provincias andaluzas, compartiendo escenario con DJs de renombre nacional e internacional dentro de la escena breakbeat. En 2004 ya se interesó por la producción, centrándose en varios estilos como breakbeat, 2-step, jungle, techhouse, y electro house, colaborando también con instrumentales y scratchs dentro de la escena rap cordobesa. Algunos de sus tracks breakbeat han sido publicados por sellos como 83, Elektroshok Records, Emoxion Records, Hardcore Energy, LW Recordings, East Van Digital, Music Dark Records, Reactive Records, Beat By Brain y Breakz R Boss, además de Fun Kinds Records, Red Drum Music y Voko Recordings dentro del tech-house. Recientemente, iniciaba su propio proyecto donde ya lleva publicados 4 lanzamientos de UKG muy bailables, como son ‘Beginning’, ‘Be Played’, ‘Gorilla Glue’ y ‘Psychodonna’.

REVIEW CLÁSICO

MIKE & CHARLIE JUST FUNKIN RECORDS JUST FUNKIN RECORDS En el año 1998 nos llegaba desde Estados Unidos este álbum, en formato DJ Set, que incluía una selección con los mejores trabajos publicados por la casa Just Funkin Records desde 1995. Estos trabajos estaban producidos en su mayoría por los artistas Mike Nice y Charlie Londoño, más conocidos como Mike & Charlie, y por Buzzthrill, que era una formación de estos junto a Tony Faline. Los coleccionistas de breakbeat más ávidos ya teníamos algunos de ellos en vinilo, pero este CD nos facilitó mucho las cosas a la hora de encontrar el resto en una época en la que era muy difícil conocer los nombres de los artistas y los títulos de los discos, ya que los DJs solían tapar las galletas. Un imprescindible de la época, que nos descubrió grandes joyas del breakbeat americano. Sirva este clásico del mes, también, como un merecido homenaje al recientemente fallecido Charlie.

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DRUMANDBASS

Autor: Daniel Paniagua drumandbass@mixmag.es

GDS & LUCA SYN FEAT. LASAI BAD 2 DI BONE DUB SHOTTA Los productores GDS y Luca Syn regresan al sello Dub Shotta con su anticipado banger ‘Bad 2 Di Bone’ junto con el cantante Lasai. Un gran acierto para el duo que, tras ‘Turn It Up’, se supera con un tema que recuerda a los de antes, un desarrollo largo, una parada con toques de 4x4 y un regreso al drum & bass con una melodía y unas vocales geniales. Sin duda el mejor trabajo de estos dos hasta el momento.

KURSIVA MISGUIDED SOUTH YARD Hablar de Kursiva es hablar de uno de los mejores productores de drum & bass de España y lo vuelve a demostrar con ‘Misguided’, el segundo adelanto de su próximo álbum Ataraxia, donde vemos un productor más underground, menos enfocado en la pista y más centrado en explorar nuevos sonidos. Con ‘Misguided’ consigue realizar una buena aproximación al liquid sin perder agresividad.

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7TH SENSE L:N TRUE COLOR RECS 7th Sense, el productor afincado en la ciudad condal, regresa tras un largo periodo de inactividad con lo que promete ser un gran álbum titulado Dreams Of Steel & Oil, el cual nos va a ir desarrollando a través de tres capítulos. En este primero destaca ‘L:N’ una pista de deep con muchísima clase, un bajo potente y unos arreglos vocales a modo de efecto que te mantiene todo el tiempo metido dentro de la escucha.

MV & PARIX FAT. MC SEBOTAGE MUTATION MURMURATION RECORDS Uno de nuestros máximos exponentes del neurofunk nacional es MV, que se une junto a Parix en dos singles para el sello Murmuration Records. Destacamos ‘Mutation’, un track con muchísima energía en ambos drops en el que se nota el mimo en la producción y las vocales de MC Sebotage. Si eres un amante del género, debes añadir este tema a tu playlist.

REVIEW CLÁSICO

NOISIA BLOCK CONTROL MOVING SHADOW En los últimos años de mayor actividad del mítico sello que tantos himnos ha dejado, conocido como Moving Shadow, aparecía el trío holandés Noisia para exprimir aún más la producción del género que se popularizaba como neurofunk. ‘Block Control’, 20 años después de su lanzamiento, sigue sonando increíble con sus baterías rápidas y un bajo lleno de modulación FM que te vuelve loco. ¡Larga vida a este bangerazo!

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ELECTRO

Autor: Federico Cortina electro@mixmag.es

VINZ TRANSRADIO INTERDANCE RECORDS Una nueva figura del underground porteño emerge desde el tercer disco del sello INTERDANCE. Se trata de VINZ, joven productor que viene aprovechando muy bien su tiempo en el estudio. “Transradio” es uno de los tracks de este split EP que comparte con el uruguayo Juan Dairescshion. El track es buenísimo: una combinación cruda y directa entre electro y trance, con leads y arpegiadores hipnóticos que recorren todo el tema generando euforia. Una melodía suave se asoma entre los intrincados sonidos eléctricos de los synths, creando un balance perfecto entre tensión y sensibilidad. Un EP que no te puedes perder, y de paso, échale un vistazo a todo el catálogo de Interdance, que guarda joyas atemporales. Disponible en Outside In.

RIO KAWAMOTO INTERNET O.G.S COWBOY FAMILY RECORDS Ahora nos vamos al otro lado del mundo: Japón, donde entre ramen, katanas y música top, aparece Rio Kawamoto con su EP Internet O.G.s. En el track B3 encontramos un bombazo electro clásico. Lo primero que quiero destacar es la melodía: de esas que parecen llegar de la inspiración divina, se clava en la sinapsis y no te la la puedes sacar más de la cabeza. A mí, personalmente, me dan ganas de escucharla en loop todo el día. El beat es break y con groove, marca el paso de principio a fin y se complementa con gruesas líneas de bajo ácidas. Un track listo para derretir un afterparty —y que no veo la hora de pinchar. Disco distribuido desde Berlín por One Eye Witness. Ya estamos esperando su próxima referencia.

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ENRICO VIVALDI WARNING NORD RECORDS Recién salido del horno y vendido como pan caliente, este EP del sello NORD curado por Shkedul trae un arsenal. En el A2, el italiano Enrico Vivaldi presenta ‘Warming’, un track de techno/electro sofisticado pensado para romper e hipnotizar pistas calientes. Los arpegiadores se abren y cierran como puertas automáticas de nave espacial, y una vocal futurista y psicodélica te controla la mente. Si estás pinchando, este es de esos temas que pone al público a tus pies. El resto del EP no se queda atrás: Shkedul y Juaan suman fuerza, y Alex Neri corona el disco con un remix de peso. Oro puro para los que buscan sonidos underground, crudos y de calidad.

ELECTRODYNAMIQUE A CLASSIC ROCK TUNE MAAI RECORDS Me costó mucho elegir un solo track de este gran EP de Electrodynamique editado en el sello MAAI de Lis Sarroca. Pero en la cara B aparece ‘A Classic Rock Tune’, y ahí no hay vuelta atrás. Una pieza que te transporta directo a los 80s: bajo arpegiado que atraviesa el track como un cuchillo recién afilado, y una melodía que te recuerda una época entera. Hay algo en la mezcla que no se puede explicar con palabras, solo escucharlo, porque genera un efecto envolvente capaz de hacer temblar un club entero. Te recomiendo que vayas ya mismo a Subwax a comprarlo. Es uno de esos discos que, una vez agotado, sube como cohete en Discogs. Después no digas que no te avisé.

REVIEW CLÁSICO

MISS KITTIN & THE HACKER FRANK SINATRA INTERNATIONAL DEEJAY GIGOLO RECORDS, 2000 En los márgenes del milenio, cuando el techno aún se debatía entre la pista y el laboratorio, Miss Kittin & The Hacker soltaron una bomba que sonaba tanto en los clubs más grandes como en los antros más oscuros de Londres. Frank Sinatra es un statement, una provocación y, en muchos sentidos, el himno no oficial del electroclash. Sobre un beat mecánico y frío, con un bajo seco que serpentea como una cobra, Miss Kittin recita con voz monocorde: “You know, Frank Sinatra… He’s dead…”. Ahí arranca la mitología. ¿Electro? ¿Techno? ¿Synthpunk? Poco importa. El track transpira sexualidad robótica, art pop con desapego emocional, y una actitud que muchos intentaron imitar pero pocos pudieron replicar. “Frank Sinatra” es glamour post-apocalíptico. Un clásico instantáneo cuya vigencia prueba que algunas cosas —como los vinilos, los sets bien pinchados y la actitud real— no pasan de moda.

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HARD TECHNO

Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es

GLENNY PASSIONATE NORDIC TRAX El productor irlandés Glenny debuta en Nordic Trax con un EP de seis cortes que navega entre el techno más elegante y sutil, con un remix de Jon Delirious que potencia la pista de baile. Guitarrista de formación y con base en Berlín, Glenny imprime su identidad en temas como ‘Let’s Go’ o ‘Serene’, mostrando una paleta sonora versátil y cuidada. Cada track aporta su propio matiz, construyendo un viaje sonoro coherente y envolvente. Pero es en Passionate donde el EP alcanza su clímax emocional: una joya que toma elementos del UK garage clásico y los reinventa con una enérgica vocal arrolladora. El resultado es un track vibrante, moderno y lleno de alma, ideal para prender fuego a la noche. Con esta primera entrega, Glenny no solo se presenta, sino que también promete quedarse.

NAU LEONE INNER VOICE BE YOUR OWN El productor, compositor y DJ madrileño Nau Leone presenta All We Have Is Now, un álbum de 12 cortes que navega entre paisajes sonoros introspectivos, beats contundentes y melodías llenas de alma. Compuesto entre Madrid, Londres y Vancouver tras una experiencia vital transformadora, el LP es un viaje emocional que abraza la vulnerabilidad, la sanación y la belleza del presente. Colaboraciones con Epokhé y Kirsty King enriquecen un relato musical que evoluciona desde la oscuridad hacia la luz. Entre los momentos más íntimos brilla ‘Inner Voice’, una pieza delicada y sincera donde la electrónica se convierte en refugio y espejo del alma. Es un susurro interno convertido en música: serena, honesta y profundamente humana. Con este álbum, Nau Leone no solo comparte su historia, sino que nos invita a detenernos y sentir que, en efecto, todo lo que tenemos es ahora

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LEOPOLD BÄR, PAUL RENDER DYNAMIX DZB RECORDS Paul Render y Leopold Bär dan un paso decidido hacia la pista de baile, explorando una versión elegante y envolvente del techno napolitano. El EP Catania destaca por su construcción progresiva, donde cada tema se desarrolla con precisión quirúrgica a través de acordes clásicos, sintetizadores cálidos y una percusión hipnótica que nunca satura. Es una obra pensada para DJs que buscan transiciones sutiles pero cargadas de intención, perfecta para generar tensión y liberar energía con medida. Entre todos los cortes, Dynamix brilla con fuerza propia: su groove insistente y atmósfera vibrante lo convierten en el punto álgido del EP. Es un track que arrastra con decisión, sin estridencias, jugando con capas rítmicas que evolucionan de forma orgánica hasta alcanzar una cadencia casi hipnótica, y que cierra una entrega refinada que consolida su visión del techno: cerebral, funcional y cargado de alma.

ROLBAC NOISY THOUGHTS ARTEFAKT El artista libanés Rolbac inaugura la nueva serie Artefakt del sello Senso con su poderoso EP Noisy Thoughts, una obra que reafirma su lugar como figura clave en la escena electrónica de Medio Oriente y más allá. Con una firma sonora única, el productor logra fusionar su formación musical con una propuesta profunda y atmosférica, ideal para la esencia de esta nueva serie. El tema principal despliega un viaje envolvente, repleto de construcciones hipnóticas y un groove constante que invita a perderse en el sonido. Waltervelt aporta un remix vibrante y psicodélico, acentuando el carácter hipnótico del original. Por su parte, He Never Married cierra el EP con una narrativa sonora densa, percusiones detalladas y una explosión final que eleva el conjunto. Con ‘Noisy Thoughts’, Rolbac no solo marca un inicio brillante para Artefakt, sino que también demuestra su capacidad de expandir los límites de la música electrónica con elegancia e intensidad.

REVIEW CLÁSICO

2SMILE, SEKAEL ANYTHING BUT LOST ONDAWEY MUSIC Anything But Lost’ es el primer sencillo fruto de la colaboración entre 2smile, Sekael y Jade PraiZe, lanzado por el sello Ondawey Music. Esta potente unión da vida a una canción que mezcla la energía vibrante de 2smile con la elegancia melancólica de Sekael, todo envuelto en la voz hipnótica y emocional de Jade PraiZe. El tema aborda la resiliencia y el renacer, con una estructura sonora que oscila entre momentos introspectivos y estallidos melódicos. La producción crea una atmósfera envolvente que atrapa desde el primer compás. ‘Anything But Lost’ no solo es una propuesta musical, sino una experiencia emocional que celebra la fuerza interior y la transformación personal. Un debut prometedor que deja claro el poder de esta fusión artística. Sin duda, una carta de presentación impecable que anticipa grandes cosas por venir.

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HOUSE

Autor: Francisco Pérez house@mixmag.es

DAVID GTRONIC, REBOOT ONLY A DREAM (SUNRISE MIX) PERSONALITY DISORDER David Gtronic y Reboot vuelven a marcar su huella en Personality Disorder Music con ‘Only A Dream’, un lanzamiento de tres temas que viene acompañado de nostalgia y una producción de calidad, como es habitual cuando se juntan estos dos grandes artistas. ‘Sunrise Mix’, a diferencia de la pista original, cambia el ritmo dejando atrás las texturas más oscuras y abriendo el paso a una atmósfera cargada en sentimiento y a su vez un tanto melódica. Pads que te transportan a lo más profundo, texturas envolventes y acordes emotivos son de las cualidades que resaltan en esta mezcla. He tenido la oportunidad de verlos trabajar en el estudio y es un honor poder profundizar en estos grandes artistas. De cara al futuro, David y Reboot están lejos de terminar: tienen varios lanzamientos programados para este 2025, colaborando con sellos discográficos de prestigio, y tienen otro trabajo colaborativo en desarrollo. David y Reboot continúan marcando su paso en la escena, no solo en sonido, sino también en la forma en que cuentan historias a través de la música.

GIORGIO MAULINI & NACHO BOLOGNANI STEP OUTSIDE MAU Mau es un sello creado por el mismo Giorgio Maulini, originario de Venezuela y fundador de Underground Town en Crans-Montana y Sophie Festival en Málaga. Este nuevo álbum nos presenta sonidos desde ambient hasta deep house con groove, pasando por electro y breaks. Tengo que destacar que es un honor para mí poder analizar un tema donde se juntan dos de mis mejores amigos en la industria electrónica: Giorgio y Nacho, productores que admiro por su desempeño en la escena, marcando sus visiones auténticas sobre lo que sienten a la hora de crear nueva música. ‘Step Outside’ nos regala lo mejor de ambos mundos. En esta pista escuchamos un sonido minimal repleto de color, como lo es la portada del álbum. Armonías eternales y un piano que parece hablarte al alma mientras la pista se desarrolla son otras de las joyas que nos regala esta colaboración. Este álbum también cuenta con la participación de Lost.Act e Ildec, además de tres temas originales de Giorgio.

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D STONE NO ACTIVITIES SEMI DELICIOUS D Stone es un productor de Países Bajos que ha estado marcando su visión del house en la escena electrónica de Ámsterdam. Combina su arte con instrumentos en vivo y armonías elegantes, perfectos para fusionar sus producciones y crear su singular visión del house. Semi Delicious arranca el 2025 con un EP muy especial que cuenta con cuatro pistas perfectas para poner a bailar a todo el mundo. Ambiente festivo, elegante y de calidad serían tres de las cualidades representativas de ‘No Activities’. Las vocales y el sampling de los acordes me recuerdan a los temas old school house en su máxima expresión. Tras numerosos lanzamientos en sellos como 803 Crystal Grooves y Cecille, D Stone nos regala este tremendo álbum que personifica sus producciones de house profundo y percusivo. No veo la hora de poder escuchar a este artista en vivo y poder vivir en persona su experiencia sonora.

LUUK VAN DIJK APEROL SPIRITZ SHALL NOT FADE Luuk van Dijk es un DJ y productor afincado en Ámsterdam que comenzó a producir música electrónica en 2011. Criado por un cantante de ópera y un profesor de música, era inevitable que se convirtiera en productor. Tengo que mencionar que, de los artistas que hay en la escena actual, es de mis favoritos —más allá de por sus producciones— por su humor y su manera tan creativa de anunciar sus fechas o promover su contenido. Luuk es conocido por su sonido groovy y sus líneas de bajo prominentes, tal como nos muestra en su tema ‘Aperol Spiritz’. Esta tema, firmado en el sello de prestigio Shall Not Fade, tiene en su esencia un sonido característico old school donde predominan los acordes cortos, vocales repetitivas llenas de swing y una línea de bajo que marca con elegancia el groove de esta composición. Sus temas han sido elegidos por grandes sellos discográficos como Hot Creations, Solid Grooves, Viva Music y Circus Recordings. Luuk, si lees esto, ¡quiero desearte el mejor de los éxitos para este 2025!

REVIEW CLÁSICO

MARCO CAROLA UNTITLED (11TH QUESTION - A1) QUESTION Marco Carola, embajador global del techno y originario de Nápoles, nos presenta este clásico donde resalta la simpleza de aquella época. Marco fue clave en el desarrollo de la escena electrónica a principios de los 90 y llevó la floreciente escena techno napolitana al resto del mundo con su sonido minimal y progresivo, marcando tendencias claras del techno, tech house y tribal. Este tema nos transporta a sus inicios, donde todo era más experimental y poco convencional. ‘Untitled A1’ lo publicó en formato vinilo a principios del 2000 a través de Question —donde resaltaba el techno napolitano y sus raíces, pero sobre todo la simpleza del arte, donde no era necesario promocionar en absoluto al artista. En aquella época, el enfoque estaba más en la música y el misterio por conocer de dónde provenía lo que escuchabas. Question contó con la participación de productores cercanos a Marco Carola y las influencias que predominaron en estos lanzamientos fueron el sonido tribal, el minimal, el tech house y, claramente, el techno. De principio a fin, este tema genera una sensación de euforia y te entran unas ganas irremediables de bailar. Podríamos, fácilmente, culpar al bajo retro por apoderarse de la composición.

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mixmag Spain

UK GARAGE

Autor: Borja Comino drumandbass@mixmag.es

SAM BINGA & SISTER ZO — A BREAK FROM THE PSYCHIC TORMENT EP S-R No todos los días se escucha un EP que traduzca tan bien el contraste entre el juego y la precisión. En ‘A Break From The Psychic Torment’, Zo y Sam Binga convierten la exploración sonora en un arte serio, sin perder la chispa. Aunque suene como material para club oscuro, todo empezó entre árboles y hojas en el bosque neoyorquino, grabando palos, botellas y rocas para convertirlos en percusión. Así, ‘Ooh Sorbet’ se construye en torno a un vocal troceado al estilo Todd Edwards, mientras que ‘Prego’ lleva el campo hasta la pista con un break hecho desde un parque en Pekín. ‘Panda Beef’ y ‘Let’s Giggle’ llegan tras pasar tiempo congeladas en el disco duro, pero aquí renacen con humor y músculo: voces de Sirius Soundz sobre ritmos con sabor a dembow en la primera; y guiños a Dance Mania en la segunda, con bleeps traviesos sobre un bajo juguetón. Todo el conjunto transmite una idea clara: tomarse la diversión en serio también es una forma de resistencia. Ah, y sí: la perra Sadie, mascota de Binga, es la auténtica productora ejecutiva del asunto, coinciden ambos artistas.

THE CURE – ‘ALONE (FOUR TET REMIX)’ FICTION RECORDS En 2024, Songs Of A Lost World marcó el regreso de The Cure por todo lo alto: su primer álbum en 16 años, una acogida apoteósica y un Robert Smith en plena forma. Pero lejos de conformarse, el grupo ha decidido estirar el universo del disco con un ambicioso proyecto de remezclas titulado Mixes Of A Lost World, en el que 24 artistas reimaginan sus ocho canciones. Uno de los highlights más inmediatos: esta revisión de ‘Alone’ a cargo de Four Tet, publicada en vinilo exclusivo para el Record Store Day y con fines benéficos. La reinterpretación de Kieran Hebden abraza la cara más introspectiva del tema original, llevándolo hacia un trance contenido que roza lo espiritual. Voces filtradas, atmósferas en suspensión y un pulso rítmico leve pero hipnótico reconfiguran la melancolía de Smith en clave de contemplación. Es un remix que no busca agitar la pista, sino acompañar el descenso emocional del original con una nueva profundidad textural. Que Four Tet sea uno de los primeros nombres revelados de un tracklist en el que también figuran Mogwai, Trentemøller, Mura Masa u Orbital dice mucho del enfoque del proyecto: más que un pack de remixes funcionales, Mixes Of A Lost World se perfila como una obra en sí misma. Y si este primer adelanto es representativo, la cosa promete. Que además todos los royalties se donen a War Child y Médicos Sin Fronteras lo convierte en algo aún más valioso.

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BREAKA – AEOUI BREAKA RECORDINGS Breaka no repite fórmula, la redibuja. Su segundo álbum ‘Aeoui’ refuerza su posición como uno de los productores más versátiles del circuito bass británico: híbrido, impredecible y profundamente rítmico. Desde su debut We Move en 2022, Charlie Baker ha seguido un camino propio, autopublicando casi todo su catálogo y afinando un estilo que rehúye etiquetas pero que siempre apunta a la pista. El disco arranca con fuerza: ‘Aeoui’ y ‘Are We There’ presentan un sonido más afilado, nacido de un arranque de inspiración en pleno jet lag. Desde ahí, Breaka tira del hilo con piezas que conectan con su imaginario de siempre — footwork, techno, dancehall— pero también con nuevas exploraciones como el jazz psicodélico de ‘Roundhouse’ o la mezcla de amapiano, percusión brasileña y ritmos afrocubanos de ‘Cascara’. Todo bajo un enfoque libre y juguetón que prioriza el impacto físico sin perder riqueza de detalle. Hay un sentido de continuidad entre lo orgánico y lo sintético que da coherencia al disco, reforzado además por el arte de portada de Jordan Core. Aeoui no es una reinvención radical, pero sí una expansión firme y personal del sonido Breaka: vibrante, mutante y siempre con un pie en el club.

BATU — QUESTION MARK LETHAL PRESS Después de siete u ocho años centrado en sus propios sellos, Batu reaparece en una etiqueta ajena con ‘Question Mark’, un EP donde reafirma su visión del club contemporáneo con ADN británico. Con cuatro cortes quirúrgicos y envolventes, el productor de Bristol se apoya en sintes de última generación y su reconocible pulso percusivo para seguir desfigurando los códigos del soundsystem. Entre la densidad psicodélica de ‘Question Mark’, la rudeza filtrada de ‘Seize’, los bajos ondulantes de ‘Clump’ o la serenidad expansiva de ‘Meridian’, Batu muestra una vez más por qué sigue siendo uno de los arquitectos más inquietos del sonido del Reino Unido. Lo que aquí se impone no es el golpe fácil ni el himno de festival, sino una forma de tensión contenida, de precisión obsesiva y diseño sonoro que se siente físico sin ser predecible. Question Mark no busca complacer: propone, empuja y resitúa el lugar del cuerpo en la pista, con ese aura de enigma que ha definido toda su carrera.

REVIEW CLÁSICO

MONSTA BOY - SORRY (I DIDN’T KNOW) LOCKED ON RECORDS Todo un clásico del UKG que hizo historia en la escena garage de finales de los 90. Con la potente voz de Denzie y la pegajosa melodía, el tema fue lanzado inicialmente en 1999 en formato white label y después vio su lanzamiento oficial al año siguiente bajo Locked On Records y XL Recordings. Alcanzó el puesto número 25 en el UK Singles Chart y llegó al número uno en el UK Dance Singles Chart en octubre de 2000. Su importancia fue tal que Capital Xtra lo incluyó en su lista de “The Best Old-School Garage Anthems of All Time.” A lo largo de los años, el tema ha seguido influyendo en nuevas generaciones. En 2019, el DJ y productor Joel Corry lo versionó como “Sorry”, con las vocales no acreditadas de Hayley May. Este remake rompió récords al convertirse en el track más Shazameado en un solo día, con 41,000 Shazams en 24 horas. Además, gracias a su aparición en Love Island, escaló posiciones en el UK Singles Chart hasta llegar al top 10. Un claro testamento de cómo el UK garage sigue resonando a través del tiempo, adaptado a los sonidos más modernos.

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Stefano Noferini - Mixmag Spain #15