Andrea Oliva y Arodes

Abril ya está aquí y en Mixmag Spain ponemos rumbo a Ibiza con motivo de la celebración de International Music Summit (IMS). Para la ocasión, nos complace estar presentes en el evento, celebrado nuevamente en Hyde & Mondrian, con esta edición tan especial. Con el fin de que podáis consultarlo tantas veces como necesitéis, en nuestro artículo ‘IMS 2025’ —incluido en estas páginas— hemos añadido un código que os conducirá a la programación por días y horas del evento, ¡para que no os perdáis nada estos días en el congreso!

Para celebrar esta edición de abril, tenemos el placer de recibir en portada a Andrea Oliva y Arodes. Aunque cada uno ha trazado su propio camino, sus visiones convergen en proyectos como All I Need y Unreleased Records, plataformas que no solo buscan lanzar música de calidad, sino también generar una comunidad en torno a la cultura electrónica. En esta entrevista, hablamos con ellos sobre cómo han unido fuerzas a raíz de su gran conexión y amistad, su evolución artística y los desafíos de construir algo más allá de la música.

En clave nacional, este mes hablamos con SSERO. Exploramos la evolución de su imagen de marca, su renovada estética y su meticulosa estrategia de comunicación en redes sociales, elementos que han consolidado su presencia en la industria.

Por otra parte, hablamos con el equipo detrás de Monkey Records, un sello que busca construir una comunidad donde artistas y oyentes conecten a un nivel más profundo, alejándose del consumo rápido y superficial que domina gran parte de la industria.

En clave internacional hablamos con ACA, un artista que ha sabido evolucionar con el tiempo sin perder su esencia; comenzó en el mundo del hip-hop y el R&B como cantante antes de dar el salto definitivo a la música electrónica, encontrando su sitio en la escena underground de Ibiza. Por otra parte hablamos con Ernesto Romeo, quien ha desdibujado los límites entre la música y la exploración artística, creando experiencias inmersivas que combinan improvisación, tecnología y una profunda conexión con el entorno.

Nos enorgullece dedicarle un merecido espacio en nuestras páginas a Technics con motivo de su 60 aniversario. Un extenso artículo que hemos tenido el honor de completar con una entrevista a Stefanie, representante de Technics de Europa.

Cambiamos de tercio para introduciros Euphoric Media, la agencia de marketing digital especializada en la industria musical; porque si algo ha cambiado el juego en la última década, ha sido la manera en la que los eventos, los clubs y los artistas se comunican con su público.

Por otra parte, os hablamos de “The Electronic Music Book”, un libro que retrata la música electrónica sin jerarquías y que se publicará en ADE este año con más de 400 entrevistas.

Para finalizar, y con el objetivo de que no os perdáis las mejores experiencias musicales del año, hemos preparado una guía exclusiva de festivales para 2025, destacando las citas más esperadas del verano. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales. Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes. ¡Que empiece la temporada!

Patricia Pareja Directora

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Reviews Álbumes por Bruno Garca

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Ernesto

The

Reviews Electro por Federico Cortina

Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano

Reviews House por Francisco Pérez

Reviews UK Garage por Borja Comino

I n order of appearance

bits beats

Ableton lanza Live 12.2 con nuevas herramientas para potenciar la creatividad

Ableton ha lanzado Live 12.2, una actualización gratuita para usuarios de Live 12 que introduce nuevas herramientas y mejoras para potenciar la creatividad. Entre las novedades destacan el renovado Auto Filter, el dispositivo Expressive Chords para crear progresiones de acordes de forma intuitiva, y Roar, que ofrece nuevas opciones de modulación y delay. También se incluye la función Bounce to New Track para facilitar la edición, mejoras en el navegador de contenido y la incorporación de Meld, un oscilador de acordes que genera armonías complejas. La actualización optimiza el flujo de trabajo y expande las capacidades de Push, llevando la creatividad a nuevos niveles. + info: ableton.com/es/live

Aphex Twin lanza una playlist exclusiva para Supreme

Aphex Twin ha creado una nueva playlist exclusiva para Supreme como parte de su reciente colaboración con la marca de streetwear. Titulada [Mostly Mellow], la lista incluye casi 200 canciones de artistas como Joe Meek, Simple Minds, Brian Eno, The Beach Boys y Burial, además de ocho temas inéditos del BBC Radiophonic Workshop. Esta colaboración sigue al lanzamiento de la colección de ropa inspirada en sus icónicos visuales, como los de Windowlicker y Come to Daddy, y su última sorpresa musical, Music From The Merch Desk (2016-2023). La playlist está disponible en Spotify y YouTube.

Escúchala aquí: spotify.com/playlist/

El sello 2612 lanza un compilado benéfico tras el temporal en Bahía Blanca

Tras el trágico temporal que golpeó Bahía Blanca el pasado 7 de marzo, dejando 16 fallecidos y más de 1.300 evacuados, el sello 2612 lanza un compilado solidario con 44 artistas de la escena electrónica argentina. Nombres como Juaan, Mateo Dufour, Montei, Ludmila Di Pasquale y Rindeau, entre muchos otros, donaron su música para recaudar fondos destinados a las víctimas. Disponible en Bandcamp, todo lo recaudado será donado a organizaciones que brindan asistencia a los afectados.

Apoya aquí: bandcamp.com/album/compilado-bah-a-blanca

Fatboy Slim celebra 40 años de carrera con un libro ilustrado

El legendario DJ y productor Fatboy Slim lanza It Ain’t Over ‘til The Fatboy Sings, un libro ilustrado que recorre sus 40 años en la música a través de fotos, flyers y anécdotas inéditas. Con casi 1.000 imágenes, la publicación abarca desde sus primeros días con The Housemartins hasta su consolidación como pionero del big beat. Disponible en preventa desde el pasado 12 de marzo, el libro promete ser una joya para los fans y coleccionistas.

+ info: fatboyslimbook.com

ACA

“El camino no es lineal, los cambios te llevan a descubrir tu verdadero sonido”

ACA es uno de esos artistas que ha sabido evolucionar con el tiempo sin perder su esencia. Comenzó en el mundo del Hip-Hop y el RnB como cantante antes de dar el salto definitivo a la música electrónica, encontrando su sitio en la escena underground de Ibiza. Con lanzamientos en sellos como Moxy Muzik, Deeperfect y Nervous Records, y su propio sello, Tozla, ACA ha conseguido hacerse un nombre gracias a su estilo único, donde fusiona influencias británicas con sus raíces en el house y el tech-house. En esta entrevista, nos habla de su trayectoria, los desafíos del sector y su visión sobre el futuro de la música electrónica.

ACA tiene algo que a los amantes de la música nos gusta ver. Y eso es: evolución artística. Los gustos y preferencias musicales marcan las distintas fases que van sucediendo desde la adolescencia hasta la vida adulta, y la trayectoria musical de ACA ha ido plasmando eso mismo. Él comenzó en el mundo del hiphop y el R&B antes de dar el salto definitivo a la música electrónica, encontrando su sitio en la escena underground de Ibiza. Sin embargo, más allá del house y el tech-house, su sonido ha ido absorbiendo influencias del Reino Unido, como el UK garage y el breakbeat, géneros que han tenido un gran impacto en la evolución de la música electrónica. Sus lanzamientos no son pocos y por ello ha trabajado junto a sellos como Moxy Muzik, Deeperfect y Nervous Records, además del suyo propio, Tozla, que le permite explorar una mayor variedad de sonidos y experimentar con combinaciones de géneros que quizás no encajarían en otros sellos

Comenzaste como cantante en la escena Hip-Hop y RnB antes de pasarte a la música electrónica. Si pudieras viajar en el tiempo, ¿qué le dirías a tu yo de 16 años sobre el camino que tenía por delante?

¡Esa es buena! En realidad, le diría que dejara de hacer caso a mi padre cuando me decía que intentara ser tenista profesional y que tampoco intentara ser gestor de proyectos. Que se centrara más en su talento musical. ¡Es broma! En verdad todo ha sido una parte importante de mi proceso de aprendizaje y crecimiento personal. Le diría que aceptara cada estilo y género sin miedo, porque cada experiencia da forma a tu arte. El camino no es lineal: los cambios que vayan surgiendo le llevarán a descubrir su verdadero sonido y pasión, así que lo mejor es atreverse a probar cosas nuevas.

Pasar de la escena de clubes en Alemania al mundo underground de Ibiza es un gran cambio. ¿Hubo algún momento clave en el que dijiste: “Esto es, he encontrado mi sonido”?

Mudarse a Ibiza siempre fue un gran sueño para mí, solo era cuestión de tiempo. La primera vez que fui fue en 2006, cuando tenía 17 años. Recuerdo perfectamente aquel verano, fui a Space a We Love Sundays y a “Cocoon” en Amnesia. Escuché por primera vez ese sonido de minimal techno de Richie Hawtin, Loco Dice y Ricardo Villalobos, y me cambió la vida. Desde ese momento me enganché completamente a la música, la industria y todo lo que rodeaba ese mundo. Fue ahí cuando mi gusto musical cambió y el minimal, el tech-house y el house se convirtieron en mis géneros favoritos.

Desde entonces, volví a la isla cada verano, hasta que durante la pandemia decidí mudarme definitivamente y lanzar mi carrera en Ibiza una vez pasado el COVID. Vivir en la isla tiene algo mágico y conecté rápidamente con Ibiza Talents, lo que me llevó a mi primer lanzamiento y a empezar a pinchar para la marca en Lío y Eden.

Últimamente has ido incorporando más influencias del sonido británico. ¿Qué elementos del sonido UK te atraen más y cómo los equilibras con tus raíces y preferencias?

Siempre he sido un gran fan de la energía cruda y los ritmos creativos del UK garage y el breakbeat. Recuerdo noches en Sankeys con Steve Lawler y Darius Syrossian, y también el sonido de artistas como Sidney Charles, East End Dubs y Chris Stussy en sus inicios. Simplemente, nunca tuve el valor de cambiar completamente a ese género, pero cuando empezó a ganar popularidad, fue el momento perfecto para hacer esa transición.

Por supuesto, sigo amando la música con buenas percusiones, pero en este momento siento que la música de estilo británico me representa más. La música es cuestión de sensaciones. Me encanta producir y trabajar en lo que realmente siento, y quiero pinchar en fiestas donde me guste la música. Por eso, me esfuerzo en crear el sonido que realmente disfruto, lo que también aumenta las posibilidades de tocar en las fiestas que me gustan.

Has publicado en sellos como Moxy Muzik, Deeperfect y Nervous Records, pero también diriges tu propio sello, Tozla. ¿En qué se diferencia la curaduría de música para Tozla de la producción de tus propias canciones?

Llevar Tozla me permite explorar una mayor variedad de sonidos y experimentar con combinaciones de géneros que quizás no encajarían en otros sellos. Mis producciones personales reflejan mi visión artística inmediata, mientras que Tozla trata de construir una comunidad.

Amo la música en todas sus formas y estilos, y Tozla me da la libertad de expresarme en diferentes direcciones, algo que considero clave para mi proceso creativo y mi libertad musical.

Darius Syrossian defiende que Moxy Muzik busca devolverle profundidad a la música de baile. ¿Cómo te aseguras de que tus temas se diferencien en una industria saturada de tech-house genérico?

Como cantante, me encanta jugar con mi propia voz en mis temas. Intento aportar un toque personal a la música. Me enfoco en el storytelling y en crear paisajes sonoros únicos. En lugar de seguir tendencias, me esfuerzo en experimentar con elementos que provoquen emociones y ofrezcan una perspectiva fresca, asegurando que mis temas conecten con el público de una manera más profunda.

Has tocado en algunos de los clubes más importantes de Ibiza, como Amnesia, Space y Eden. ¿Algún lugar menos conocido en la isla que aún conserva esa energía underground auténtica?

Es una pregunta difícil, porque la isla ha cambiado mucho. DC-10 sigue siendo uno de los mejores sitios underground, la energía y la gente son increíbles, aunque se ha vuelto demasiado masificado por el hype.

Otro sitio que merece la pena mencionar es AVYCA (el antiguo Sankeys), donde tuvimos nuestra residencia el año pasado con Secret Sessions. Han hecho renovaciones serias y han instalado un nuevo sistema de sonido para este año. Estoy deseando ver lo que nos espera esta temporada. El club tiene muchísimo potencial y las noches allí fueron mágicas. Es, sin duda, uno de los lugares más underground que hay ahora mismo en la isla, me recuerda a la escena de Ibiza entre 2005 y 2010.

Mucha gente sueña con “triunfar” en la música electrónica, pero el éxito no es un camino recto. ¿Cuál ha sido el mayor desafío de tu carrera del que nadie habla?

Lo primero es la presión de ser siempre innovador y relevante, puede ser abrumador. No se habla mucho del impacto emocional y del miedo a estancarse, pero aceptar la vulnerabilidad ha sido clave para mi crecimiento.

Otro aspecto igual de importante es el networking y la parte de marketing/redes sociales. Como DJs, somos entertainers y necesitamos encontrar nuestra manera de conectar tanto en la cabina como en el mundo digital. Es un negocio, y muchas veces la gente en la pista no ve todo lo que hay detrás.

Si pudieras hacer una afterparty secreta en cualquier parte del mundo, sin límites, ¿dónde sería y quién estaría en el cartel?

En una playa increíble de Bali o Japón (me encanta Japón). Me encantaría recrear esas afters legendarias de Cocoon en el antiguo Ushuaïa o en el Club Bahamas de Playa d’en Bossa.

En el cartel tendrían que estar Seth Troxler, Luciano, Gene on Earth, Darius Syrossian, tINI y un set de minimal de Richie Hawtin. ¡Eso sería un sueño!

Secret Sessions tendrá una residencia de 12 semanas en Avyca. Si tuvieras que describir la noche perfecta en tres palabras, ¿cuáles serían?

Cósmico, Underground, Bass.

Con próximos shows en Barcelona, Malta y el Reino Unido, ¿adaptas tus sets a cada ciudad o dejas que el público dicte el ambiente?

Me adapto y leo al público, pero siempre llevo mi sonido esencial a cada ciudad. Antes de tocar, investigo la cultura musical de cada lugar y lo que le gusta a la gente allí. Luego, incorporo esos elementos en mis sets para crear una experiencia en la que todos disfruten y sigan bailando conmigo.

Tocaré varias veces en Pacha Barcelona y City Hall Barcelona, y en Malta estaré en varios clubes porque estamos organizando un gran festival del 1 al 4 de mayo.

euphoric media

marketing digital con instinto electrónico

El boca a boca, los flyers y los aftermovies llevan años marcando el ritmo de la promoción musical. Pero si algo ha cambiado el juego en la última década, ha sido la manera en la que los eventos, los clubs y los artistas se comunican con su público. La saturación de contenido, la caída del alcance orgánico y la necesidad de impactar a la audiencia correcta han convertido el marketing digital en un arma de doble filo: si lo entiendes, juegas con ventaja; si no, simplemente desapareces del radar.

Ahí es donde entra Euphoric

Media, la agencia de marketing digital especializada en la industria musical. Un proyecto impulsado por Alba Gelabert y su equipo de especialistas dentro del sector, que en poco tiempo ha conseguido posicionarse como un referente, ajustando las reglas del marketing digital a la lógica de la música electrónica. No se trata de llenar el feed de contenido sin más, sino de saber cómo, cuándo y a quién lanzarlo para que, además de likes, genere ventas, comunidad y presencia real en la escena.

“La especialización en Paid Ads surgió enseguida porque vimos una necesidad real entre promotores, marcas y clubs. Muchos invertían en publicidad digital sin una estrategia clara ni un enfoque real en conversión o construcción de comunidad. ¿De qué te sirve crear buen contenido y tener una buena comunicación si nadie lo ve?”, plantea Alba.

Muchos promotores aún creen que poner dinero en Meta Ads es suficiente para vender entradas. Pero sin una estrategia real, lo que haces es tirar el presupuesto a la basura. Desde su creación, Euphoric ha trabajado con clubs, festivales y artistas, afinando campañas que entienden la idiosincrasia de cada público. Lo suyo no es vender humo con números inflados, sino maximizar cada inversión con datos en tiempo real y decisiones rápidas.

“Uno de los mayores desafíos ha sido ‘educar’ a los promotores y organizadores sobre la importancia de una estrategia digital bien estructurada. Muchas veces hay resistencia a esta organización y con ello sobre el potencial de una buena promoción.” Más allá de las cifras y el impacto medible, Euphoric Media ha conseguido elevar el circuito musical, ayudando a marcas y artistas proporcionando una visión estructurada y efectiva.

“Me gusta pensar que hemos contribuido a la profesionalización de la escena. Trabajamos con mucho esfuerzo y pasión, y no hacemos distinciones en nuestro nivel de compromiso, ya sea una marca, un artista o un festival, sin importar su tamaño. Ponemos la misma dedicación y entrega en cada proyecto, y creo que eso siempre genera un impacto positivo en la escena”, explica Alba.

Lo que diferencia a Euphoric de cualquier agencia de marketing tradicional es su conexión con la escena desde dentro. Saben que, por ejemplo, el público que sigue a un DJ emergente no responde igual que el de una leyenda del circuito. Adaptarse a cada caso, y hacerlo con precisión quirúrgica, es lo que ha convertido su trabajo en un punto de referencia.

“Conocemos de primera mano las necesidades del promotor y del club, entendemos sus desafíos y sabemos cómo transformar sus problemas en soluciones.” Esa conexión con la industria no es casualidad: Euphoric no es solo una agencia de marketing, sino un equipo que entiende el sector desde dentro, con una visión que va más allá de los números. Alba cree que “faltaría una agencia que realmente entienda el ecosistema musical y su audiencia, no solo desde el marketing, sino desde la pasión por la música y el conocimiento del sector”.

Y en ese equilibrio entre estrategia y pasión, Euphoric ha encontrado su razón de ser. Otro de sus puntos fuertes es el análisis de datos en tiempo real. Mientras que muchas agencias lanzan campañas y esperan resultados, en Euphoric el proceso es dinámico. Si algo no funciona, se ajusta. El objetivo no es solo llenar salas, sino optimizar cada euro invertido para que el impacto sea tangible.

El equipo mira continuamente hacia el futuro con mucha ambición. “Nos interesa explorar escenarios y seguir llevando nuestra visión a más proyectos alrededor del mundo”, explica Alba. La agencia no solo busca crecer en número, sino evolucionar profesionalmente y fortalecer el equipo que ya la compone. “Creo que la base de cualquier empresa, grande o pequeña, es contar con un equipo que comparta tu energía, tu visión y tus ganas de hacer cosas grandes’’, añade. Por eso, tiene mucho sentido que el siguiente paso natural sea expandirse más allá de sus fronteras actuales y llevar su enfoque estratégico a un ámbito internacional. Pero Euphoric Media no se queda solo en eventos. Cada vez más artistas confían en la agencia para profesionalizar su presencia digital. En un momento donde la identidad online de un DJ o productor puede ser igual o más importante que su música, la estrategia en redes deja de ser un complemento y pasa a formar parte de la narrativa de cada artista.

El juego ha cambiado y quien no lo vea está condenado a perderlo. Hoy, la publicidad digital no es un extra en la estrategia de un evento o un artista, es el eje sobre el que se construyen muchas carreras y proyectos. Para Euphoric, esta evolución es una oportunidad. En un sector donde la lucha por la atención es constante, la clave no está en quién genera más contenido, sino en quién logra dirigirlo de manera efectiva. Y en eso, Alba y su equipo han demostrado que saben moverse como pocos.

Si montar un sello hoy en día ya es un desafío, hacerlo con una identidad clara y sin caer en la trampa del hype es casi una declaración de principios. En una escena donde la inmediatez manda y el algoritmo dicta las reglas del juego, Monkey Records aparece como un soplo de aire fresco: un refugio para la música con narrativa propia, donde cada lanzamiento cuenta una historia y el groove es el hilo conductor.

Detrás de este proyecto está Mau BB, DJ y productor nacido en Barcelona y residente en Ibiza, cuya obsesión por la música con personalidad le llevó a crear un espacio donde la creatividad no tuviera ataduras. Tras un recorrido por clubs de referencia como Nui Ibiza, Goya y Les Enfants, y después de formar parte del equipo de Restless Music, Mau BB sintió la necesidad de construir algo propio. Así nació Monkey Records, un sello donde la música respira y se desarrolla a su propio ritmo, sin la presión de las tendencias efímeras.

El primer lanzamiento del sello deja clara su declaración de intenciones: un EP que fusiona la energía cruda del hip-hop de los 90 con el minimal/deep house, acompañado de remixes de Angel Mellado, DJ Sandwich y FRAXA. Con el apoyo de nombres como Hostox, Crihan y Mihai Pol, Monkey Records se presenta con fuerza, apostando por la calidad y la atemporalidad por encima del calendario de estrenos masivos.

Pero más allá de los nombres y los tracks, lo que hace especial a Monkey Records es su visión: construir una comunidad donde artistas y oyentes conecten a un nivel más profundo, alejándose del consumo rápido y superficial que domina gran parte de la industria. Porque la música que realmente deja huella no es la que persigue el momento viral, sino la que se toma su tiempo para contar una historia. Y Monkey Records acaba de empezar a escribir la suya.

monkey records

Monkey Records nace como una plataforma con una narrativa musical clara. En un momento donde la industria parece obsesionada con la inmediatez, ¿cómo se construye un sello que prioriza la identidad por encima del hype?

Desde el principio, la idea de Monkey Records ha sido apostar por la música con una identidad fuerte, donde cada lanzamiento cuente una historia y tenga un propósito más allá de la inmediatez del mercado. En una escena que muchas veces se mueve a ritmo de tendencias, creemos que lo más importante es construir un sonido con identidad y atemporal, donde cada track tenga su espacio y su narrativa propia.

Para lograrlo, seleccionamos cuidadosamente la música que lanzamos, sin prisas ni presiones externas. No buscamos llenar un calendario de releases sin sentido o que no vayan

alineados con el sello ni tampoco buscamos hacer un gran negocio con ello, sino crear una colección de música auténtica y con profundidad, para que esta derive a crear una comunidad de artistas y oyentes que comparten los valores del sello, que prioricen la calidad y el desarrollo de su sonido en lugar de perseguir la viralidad o lo inmediato. Al final, creemos que la música que perdura es la que tiene una historia y que está producida con la intención de despertar todo tipo de sensaciones al oyente, si lo comparamos con la narrativa escrita, buscamos música con introducción, nudo y desenlace. Monkey Records nace con esa intención: ser un espacio donde la música respire, evolucione y tenga un impacto más allá del momento.

El storytelling es un pilar clave en el sello. ¿Cómo consigues que cada lanzamiento cuente una historia? ¿Hay algún hilo conductor que una las referencias de Monkey Records?

El storytelling es esencial en Monkey Records porque creemos que la música debe transmitir más que solo un ritmo pegadizo. Cada lanzamiento tiene que contar algo, evocar sensaciones y conectar con el oyente de una manera más profunda. Nos gusta que se mezclen diferentes sonidos dentro del house, minimal house, microhouse y deep house, ya que esto ayuda a que la música tenga más personalidad. Creemos que la combinación de influencias aporta matices únicos a cada producción, permitiendo que cada track tenga su propia identidad sin dejar de encajar dentro del universo sonoro del sello.

Para conseguirlo, nos fijamos en la intención detrás de cada track, en lo que transmite su sonido y en cómo encaja dentro de la visión del sello. No buscamos simplemente buenos temas, sino piezas que tengan una historia detrás, ya sea a través de su estructura, su groove o los elementos que lo componen.

Otro aspecto clave es la relación que establecemos con los artistas. Creemos en la conexión humana y en la importancia de que los productores comprendan la esencia del sello. Esto ocurre tanto a través de la comunicación directa con nosotros como por la manera en que transmitimos nuestra identidad en redes sociales. Queremos que quienes formen parte de Monkey Records entiendan la dirección que buscamos y aporten su visión sin sentirse presionados a hacer el “banger de las 4 am”.

El hilo conductor de Monkey Records es la combinación de una identidad musical sólida, la fusión de sonidos dentro del house y sus variantes, y la conexión genuina con los artistas. Queremos que cada referencia tenga un carácter distintivo pero que, al mismo tiempo, todas compartan una línea de sonido elegante, profundo y con groove.

El primer release de Monkey Records fusiona hip-hop de los 90 con deep/ minimal, ¿Cómo surgió esta mezcla y qué respuesta ha tenido hasta ahora?

Siempre he tenido una conexión fuerte con el hip-hop de los 90, tanto por su energía como por la manera en que los productores de la época jugaban con los samples, el groove y la textura del sonido. Desde pequeño he escuchado a Biggie, 2Pac, NWA, Vanilla Ice y Eminem, y su manera de trabajar los ritmos y las instrumentales siempre me ha inspirado. Además, creo que el hip-hop tiene un gran componente de storytelling, algo que también es clave en Monkey Records. La manera en que las canciones construyen una narrativa y transmiten una historia es algo con lo que me identifico y trato de reflejarlo en el sello.

Cuando empecé a producir me di cuenta de que había muchos elementos de ese mundo que encajaban de forma natural con el deep y minimal house: los bajos marcados, los ritmos con swing, las vocales con carácter y la calidez de los samplers analógicos. La idea de fusionar estos dos estilos surgió de forma orgánica, simplemente explorando sonidos que me inspiran y buscando una manera de integrarlos sin que se sintiera forzado. No se trata de hacer un híbrido genérico, sino de encontrar ese punto en el que ambos géneros conviven con fluidez y aportan algo nuevo al resultado final.

Hasta ahora, la respuesta ha sido increíble. DJs y productores de distintas escenas han conectado con el EP, lo que demuestra que este tipo de mezcla puede funcionar tanto en la pista como en una escucha más detallada. Además, contar con tres remixes de artistas amigos de la escena en Barcelona ha ayudado a expandir la visión del release y a darle distintos enfoques dentro de la misma identidad del sello. Cada remix tiene su propia personalidad: DJ Sandwich aporta un enfoque más deep, FRAXA lo lleva hacia un sonido minimal, mientras que Ángel introduce matices más microhouse, haciendo que el EP abarque diferentes públicos dentro del espectro del house y refuerce la versatilidad del sello.

Hoy en día, muchos sellos independientes dependen de Bandcamp y plataformas de nicho. ¿Cómo ves el futuro de la venta de música underground en un mundo dominado por el streaming?

El streaming ha cambiado completamente la forma en que consumimos música, pero en el mundo underground sigue habiendo una comunidad fuerte que valora el formato digital y físico como una forma de apoyar directamente a los artistas y sellos. Plataformas como Bandcamp han demostrado que existe un público dispuesto a pagar por música cuando sienten una conexión con el proyecto.

Creo que el futuro de la venta de música underground pasará por un equilibrio entre las plataformas de nicho y el streaming masivo. Bandcamp y otras tiendas digitales seguirán siendo esenciales para la sostenibilidad de los sellos independientes, porque permiten generar ingresos directos y mantener el control sobre los lanzamientos. Al mismo tiempo, no se puede ignorar el alcance que tienen plataformas como Spotify, Apple Music y YouTube, que ayudan a que la música llegue a una audiencia más amplia.

En Monkey Records nos interesa estar presentes en todos los espacios posibles para que la música pueda llegar al mayor número de personas. La música underground ya no es algo exclusivamente de nicho; cada vez hay un abanico más amplio de oyentes explorando este sonido, en parte por tendencias y el acceso masivo a la música electrónica. Esto nos obliga a encontrar un equilibrio entre mantener la esencia y adaptarnos al crecimiento del género, asegurándonos de que, aunque gane visibilidad, no pierda su identidad ni sus valores.

Además, es importante entender que lanzar música de manera independiente tiene un coste significativo. Un release digital conlleva gastos de producción, mastering y promoción, lo que hace que sea difícil cubrir la inversión solo con ventas en plataformas de nicho. Si hablamos de vinilo, los costes aumentan todavía más, desde la fabricación hasta la distribución, lo que hace que muchos sellos pequeños tengan que asumir riesgos económicos para poder editar en este formato.

Nuestro objetivo principal no es vivir de esto, sino cubrir el máximo de costes posible para seguir difundiendo la música y nuestra pasión. Monkey Records nace de un impulso puramente artístico, y el reto está en encontrar la manera de hacer sostenible el proyecto sin perder la esencia ni la libertad creativa.

Ibiza es tu base de operaciones, pero el sonido del sello tiene una esencia muy distinta a lo que suele reventar las pistas en la isla. ¿Crees que hay espacio para la filosofía de Monkey Records dentro del circuito ibicenco?

Ibiza siempre ha sido un punto de referencia para la música electrónica, pero a veces se tiene una visión reducida de lo que representa la isla musicalmente. Aunque es cierto que el sonido predominante está orientado a un público masivo y a la pista de baile, Ibiza también ha sido cuna de propuestas más experimentales y espacios donde la música underground ha encontrado su sitio.

Monkey Records no pretende encajar dentro de la fórmula clásica ibicenca, sino ofrecer una alternativa. El sonido del sello tiene una identidad más sutil y detallada, pensado tanto para la pista como para una escucha más introspectiva. Quizás no sea lo que define el sonido comercial de Ibiza, pero sí puede conectar con esa parte de la isla que sigue valorando la música con narrativa, groove y profundidad.

Aun así, sigue siendo difícil encontrar espacio para este tipo de música en Ibiza. Cada vez hay más propuestas, especialmente fuera de temporada, cuando la isla recupera su esencia underground y, con los grandes clubs cerrados, se abre una puerta para fiestas con identidades más definidas. Proyectos como Laundry Room, Rhythm Point o Unknown han demostrado que hay una comunidad sólida y con gente muy buena detrás, con artistas que tienen un gran reconocimiento dentro de la industria y que están creciendo a un ritmo muy bueno a nivel internacional.

Al final, como en cualquier escena, todo depende de lo que consuma el público. Si la mayoría de los asistentes buscan un sonido más comercial, los clubes seguirán apostando por ello. Nosotros seguimos luchando por espacios donde el underground tenga cabida y nos encantaría que Ibiza tuviera un club que proyectara esa visión, como ocurre en otras ciudades europeas, donde la música underground no solo es un nicho, sino parte esencial de la cultura del clubbing.

El equilibrio entre pasión y negocio es clave para cualquier sello independiente. Teniendo en cuenta que también trabajas como asesor fiscal, ¿qué le dirías a los artistas que sueñan con vivir exclusivamente de la música?

El equilibrio entre pasión y negocio es complicado, sobre todo en la música underground, donde las oportunidades económicas no siempre van de la mano del talento o del esfuerzo. Vivir exclusivamente de la música es posible, pero requiere mucho más que solo hacer buenos tracks o pinchar en clubes. Es un camino que implica diversificación, paciencia y, sobre todo, entender el negocio detrás de la industria.

Desde mi experiencia como asesor fiscal y artista, creo en los proyectos con una visión clara al menos a medio plazo, permitiendo desarrollar poco a poco el largo plazo. Si piensas siempre en el corto plazo, acabarás buscando solo la inmediatez, y eso no siempre es lo ideal. Tener una estrategia que contemple el crecimiento gradual ayuda a evitar decisiones precipitadas y da espacio para que la música evolucione de forma orgánica.

Dicho esto, yo mismo estoy descubriendo esta parte del negocio y sigo aprendiendo en el proceso. Estoy viendo cómo promocionar la música de la mejor manera posible, qué plataformas me ayudan a impulsar correctamente el sello, cómo medir el impacto de las acciones que tomo y, sobre todo, equivocándome y aprendiendo de ello. Tampoco creo que haya una fórmula perfecta, cada artista encuentra su propio camino, y quizá dentro de un tiempo me dé cuenta de que el que yo he tomado no era el mejor, pero al menos habré aprendido de ello.

Además, es clave tener paciencia y estabilidad. Muchos artistas han conseguido vivir de la música combinándola con otros proyectos al principio, sin que eso signifique perder autenticidad. A veces, querer forzar que la música sea tu única fuente de ingresos demasiado pronto puede generar frustración o hacer que tomes decisiones que vayan en contra de tu visión artística.

Por otro lado, creo que hoy en día hay muchísimos artistas con talento a quienes no se les dan las oportunidades que merecen simplemente por no explotar sus redes, no tener suficientes seguidores o no estar presentes en ciertas plataformas, y esto me parece triste para la industria.

La calidad de un artista no debería medirse por su repercusión digital, sino por la calidad de su música y lo que transmite en la cabina.

Las redes sociales juegan un papel importante, especialmente en un mundo donde todo está digitalizado. No podemos huir de la transformación digital, pero sí encontrar un equilibrio. Es una herramienta poderosa para dar visibilidad y conectar con la audiencia, pero no debería ser el único criterio que determine la valía de un artista. Al final, lo que realmente queda es la música y la energía que se genera en la pista.

Si tuvieras que elegir un artista, vivo o muerto, que representara la esencia de Monkey Records, ¿quién sería y por qué?

Si tuviera que elegir un artista que representara la esencia de Monkey Records, probablemente muchos esperarían que nombrara a algún pionero del house o del minimal… pero no. Voy a decir Eminem.

Sí, sé que no tiene nada que ver con el sonido del sello, pero si hablamos de mentalidad, actitud y autenticidad, el Eminem de los 2000 representa justo lo que busco: expresión sin filtros, una identidad propia y cero miedo a lo que piensen los demás. Desde su llegada rompió esquemas y desafió todas las normas del género, demostrando que la música no entiende de etiquetas ni de apariencias. Si algo te apasiona, lo persigues hasta el final, sin importar lo que diga la gente. Además, Eminem es un artista que ha explorado múltiples estilos en su música, colaborando con gente tan distinta como Marilyn Manson o Elton John, lo que refuerza la idea de que no hay barreras en la música, solo conexión. Crecí escuchándolo y todavía hoy sigue sonando en mi día a día. Esa capacidad de adaptarse sin perder su esencia es algo que también quiero en Monkey Records: no seguir modas pasajeras, sino construir un sonido con identidad propia.

Y al final, si algo me llevo de su historia es que la música no entiende de prejuicios ni de reglas, solo de pasión y de hacer lo que realmente sientes. Monkey Records no pretende encajar en un molde predefinido, sino dar espacio a quienes quieren hacer música con alma, sin importar lo que digan las tendencias.

ernesto romeo

Desde sus primeros encuentros con la música electrónica en los años 80 hasta la creación de un laboratorio sonoro único, Ernesto Romeo ha trazado un camino fascinante dentro de la síntesis y la experimentación musical. Su curiosidad incansable lo llevó a descubrir y rescatar sintetizadores que otros consideraban obsoletos, construyendo así una colección que, además de ser es un testimonio de la historia de la electrónica, es también una plataforma para la innovación sonora. Como fundador de Klauss, ha desdibujado los límites entre la música y la exploración artística, creando experiencias inmersivas que combinan improvisación, tecnología y una profunda conexión con el entorno. Además de su labor creativa, su pasión por compartir conocimientos lo ha convertido en un referente en la docencia, formando nuevas generaciones de artistas y técnicos con un enfoque que trasciende lo técnico para abrazar lo humano y lo intuitivo.

Bienvenido Ernesto. Me gustaría empezar esta charla pidiéndote que nos llevaras al momento en que descubriste la música electrónica. ¿Qué fue lo que te atrapó de ese mundo sonoro?

Diría que tuve dos primeros encuentros con los sintetizadores e instrumentos y dispositivos electroacústicos. El primero, y el que definió mi vida encaminándome hacia la música, fue con la música electrónica en sí. A mis 15 años, en 1983, me prestaron unos cassettes de Vangelis y Jean-Michel Jarre, y al escuchar esos álbumes enteros, repletos de paisajes sonoros profundos y secuencias hipnóticas, me sentí absolutamente identificado. Fue un punto de inflexión que me abrió las puertas a un universo sonoro fascinante: ambient, electroacústica, rock progresivo y sinfónico, música “planeadora”, minimalismo, fusión… Desde ese momento, supe que quería explorar ese mundo más a fondo.

¿Cuándo y cómo fue tu primer contacto con un sintetizador? ¿Recuerdas qué equipo era y qué sensación te provocó explorarlo por primera vez?

Mi primer encuentro con un sintetizador fue a finales de 1987, cuando empecé a buscar cuál sería el primero que tendría. Antes de eso, tuve mi primer piano acústico después de un par de años estudiando piano clásico y practicando en salas de ensayo con instrumentos alquilados.

Tras investigar mucho en el mercado de sintetizadores usados y escuchar a quienes decían que los modelos analógicos con perillas que me atraían ya eran obsoletos, en enero de 1988 conseguimos, como regalo de nuestra madre, nuestro primer sintetizador: un Siel DK80. Era un híbrido de tecnología digital polifónica básica con un filtro analógico parafónico, similar al Korg Poly 800. Sin embargo, el acceso a la programación era tedioso, con un sistema numérico poco intuitivo, y no fue la experiencia sonora que esperaba. Esa decepción me llevó a explorar guiado más por la intuición que por lo que estaba de moda. Así conseguí un sintetizador analógico monofónico con perillas para experimentar en tiempo real: el Kawai/Teisco 100f. Poco después sumamos un Roland JX8P, y empecé a experimentar con otros equipos prestados, como el Yamaha DX7 y el Ensoniq EPS.

Con el tiempo, armaste un laboratorio sonoro impresionante. ¿Cómo fue evolucionando tu colección de sintetizadores y qué enfoque tienes a la hora de elegir tus instrumentos?

Desde aquellos primeros sintetizadores, me enfoqué en la exploración y profundización, más allá de géneros, modas o estándares. Durante los siguientes años, fui consiguiendo equipos que en ese momento la gente descartaba: Prophet 5, ProOne, ARP Odyssey… Para cuando debutamos con Klauss en 1991, ya habíamos sumado Oberheim OB-Xa y DX Stretch, Roland Juno y Jupiter, Korg MS20, secuenciadores digitales y analógicos, y más. Con el tiempo, incorporamos Mellotron, MiniMoog, ARP2600, Roland TR808, entre otros.

Actualmente, en nuestro estudio/ laboratorio, La Siesta Del Fauno, contamos con un acervo que tiene también una perspectiva histórica. Disponemos de sistemas modulares Moog, Buchla, Roland System 100m, E-Mu; sintetizadores clásicos como el Yamaha CS80 y DX1, Korg PS3300, Roland Jupiter 8 y muchos más, además de sintetizadores digitales y analógicos modernos, sistemas Eurorack y módulos fabricados en Argentina, Latinoamérica y España. Cada instrumento ha sido elegidos por su capacidad de expandir las posibilidades creativas y ofrecer nuevas formas de expresión musical.

Klauss es una experiencia sonora única, con una estructura más cercana a un laboratorio de exploración que a una banda convencional. ¿Cómo nació el proyecto y qué te motiva a seguir expandiéndolo después de tantos años?

Justamente, el proyecto Klauss surge a mediados de 1988 como una plataforma creativa para la experimentación con diferentes recursos, lenguajes, estéticas y herramientas de la música electrónica y las artes electroacústicas y performáticas. En muchas de nuestras presentaciones incorporamos recursos visuales (desde proyecciones de diapositivas y videos, ambientaciones lumínicas y escenográficas, hasta VJs de arte digital), así como expresiones vinculadas a la danza, la poesía, el cine, el teatro, etc. Klauss es un organismo en constante expansión.

Tenéis un enfoque muy orgánico e improvisado en vuestras presentaciones. ¿Cómo es la dinámica en vivo y cómo lográis que todo fluya en una especie de “trance” colectivo?

Para el proyecto Klauss, la composición en tiempo real, la improvisación, el diálogo intuitivo y la interconexión entre los instrumentos, los artistas y el público siempre fueron clave para potenciar la fluidez musical y el vínculo más allá de la formalidad del lenguaje musical (que también exploramos). Ese estado de “trance” es parte de entender el arte sonoro como una experiencia colectiva... Es un poco como creemos que, durante milenios, la humanidad ha desarrollado muchas de sus prácticas artísticas: un ritual comunitario. La intuición es crucial para nosotros.

Además de tu faceta como músico, eres un docente con una gran trayectoria. ¿Cómo ves tu rol como educador en la síntesis y la música electrónica?

Desde que empecé con la música electrónica y los sintetizadores, compartir (instrumentos, conocimientos, experiencias, recursos, discos, información, libros, etc.) me pareció algo importantísimo. A comienzos de los ‘90 comencé a dar clases particulares. En 1994 me sumé al plantel docente de la recientemente creada carrera de Producción Musical de la escuela secundaria ORT. Luego, en el 2000, creamos la carrera terciaria de Artes Electroacústicas en el Instituto de Tecnología de ORT, y en 2003 empecé a tener mis cátedras en la carrera de Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTreF). También di clases, conferencias y talleres en muchas academias Argentinas y en el exterior (España, EE.UU., México, Alemania, Ecuador, Finlandia, Colombia, Chile…). Amo todo lo que se gesta a partir del intercambio generoso y retroalimentado de conocimientos. La docencia es una fuente permanente de aprendizaje para mí.

La síntesis puede ser algo muy técnico, pero logras transmitirlo de una forma muy humana. ¿Cómo construyes ese puente entre la teoría y la emoción?

No concibo nada desde otro lugar que no sea emocional y amoroso. Creo que es muy importante no desligar lo racional de lo intuitivo, no creer que el conocimiento es solo asequible desde la razón y el lenguaje. Trato de entender la síntesis como un gran sistema modular orgánico donde lo abstracto, lo experiencial y lo material se nutren en lo transdisciplinario.

Más allá de lo técnico, hay algo muy especial en la relación que generas con tus alumnos. ¿Tienes alguna historia o experiencia que te haya marcado en tu rol de docente?

La relación con quienes han estudiado conmigo (y con quienes he estudiado), tanto en forma particular como en instituciones, me ha llenado de experiencias increíbles en todos los niveles imaginables. Con muchas personas hemos iniciado vínculos artísticos, técnicos, personales, etc. Viajes comunitarios, conciertos compartidos, amistades, intercambios, relaciones amorosas… Las vivencias que abre el camino del conocimiento son maravillosas. A muchas personas cruciales en mi vida de los últimos 35 años las conocí a partir de la docencia.

¿Qué te emociona más al ver crecer a nuevas generaciones de artistas?

La capacidad de resignificación, la conciencia sobre la búsqueda de un mayor equilibrio con el ecosistema y la construcción de relaciones sin tantos pesos jerárquicos ni prejuicios.

En todos estos años, ¿qué influencias te marcaron más? No solo en lo musical, sino también en otras áreas que hayan impactado tu manera de ver el sonido y la creación.

Desde que soy pequeño, la pintura, el cine y la literatura, así como los viajes y las experiencias en la naturaleza, han sido una influencia primordial, además de ese momento iniciático en el que descubrí la música electrónica en mi adolescencia… El nombre del proyecto Klauss, por ejemplo, está tomado de la película Nosferatu de Werner Herzog. Con el paso de los años, fui sintiendo el quehacer musical cada vez más cercano a la relación orgánica que tienen los elementos no artificiales de la naturaleza en cualquier paisaje sonoro… Muchas veces busco que la música fluya como un paisaje de relaciones, como las que pueden existir entre el agua de un río, el viento, los pájaros, los árboles…

Si tuvieras que recomendarle a alguien que está empezando algunos discos o artistas esenciales para entender la síntesis, ¿cuáles serían?

Es muy difícil elegir tan pocos, pero considero Ricochet de Tangerine Dream (1975) una oda absoluta al uso de secuenciadores manipulados en tiempo real, combinados con texturas de sintetizadores monofónicos, teclados electrónicos y sonidos concretos en un contrapunto dinámico fascinante… También los Selected Ambient Works de Aphex Twin me parecen exploraciones profundas y alucinantes. Fue muy lindo para mí descubrirlo a comienzos de los 90s, porque yo también venía transitando un camino de hibridez muy similar y me sentí en sintonía con el trabajo de Richard James, así como con Orbital, Future Sound of London (recomiendo particularmente el álbum Lifeforms), Vapourspace, Spectrum, The Orb, etc.

¿A qué sintetizador de tu colección le tienes más aprecio emocional y por qué?

Creo que al sistema Moog modular (el nuestro está compuesto por varios gabinetes con módulos que van desde 1967 hasta 1980), ya que fue el primer sintetizador producido de manera metódica y es un instrumento crucial en la historia de la música. Su sonido, su color y su rango dinámico y de frecuencias son simplemente increíbles.

Álbumes legendarios como Switched-On Bach de Wendy Carlos, Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. de The Monkees, Abbey Road de The Beatles, Phaedra de Tangerine Dream, I Feel Love de Giorgio Moroder, Snowflakes Are Dancing de Isao Tomita y Plantasia de Mort Garson, entre muchos otros, están imbuidos de la magia del Moog modular.

‘La Siesta del Fauno’ es un espacio mítico en la escena. ¿Cómo lo describirías para alguien que nunca estuvo ahí?

Queremos ofrecer a cualquier persona un auténtico paraíso creativo electroacústico.

Fundamos La Siesta del Fauno en 2010 junto a Pablo Gil, quien había trabajado en asistencia técnica con Klauss en los años 90. Conocí a Pablo en la ORT, donde estudié producción musical. Dada su capacidad, lo convoqué para trabajar en Klauss. Más tarde, se trasladó a Chile para estudiar ingeniería de sonido y, al regresar en 2010, nos reencontramos para concebir un espacio que funcionara tanto como un estudio de grabación “clásico y moderno” como un laboratorio de música electrónica y artes electroacústicas, abierto al público para producir, estudiar, grabar, mezclar, masterizar, experimentar, samplear y explorar.

En 2012, mi hermano Lucas regresó a Argentina tras vivir 13 años en España y se incorporó a La Siesta del Fauno y a Klauss. Luego, en 2013, Pablo también se sumó a Klauss como músico.

El estudio/laboratorio cuenta con tres salas equipadas con una amplia variedad de sintetizadores y sistemas modulares, tanto vintage como contemporáneos, además de teclados electrónicos, eléctricos y electroacústicos, drum machines, procesadores, un piano de cola, guitarras y más. Todo está diseñado para hacer posible cualquier tipo de creación en el mundo de la música electroacústica.

Vemos que la síntesis está viviendo un gran momento, con nuevas generaciones de artistas y un acceso más democrático a la tecnología. ¿Cómo ves el futuro de la música electrónica desde el punto de vista de la síntesis y el diseño sonoro?

Creo que la música electrónica y los sintetizadores, tanto de hardware como de software, son las herramientas creativas que mejor representan a las generaciones gestadas y criadas en sociedades electrificadas y entornos urbanos. Son una extensión “natural” del paisaje cotidiano de la vida moderna, rodeada de electrodomésticos, máquinas, sonido amplificado, sistemas audiovisuales y medios digitales.

Cuanto más se profundice la relación emocional con las posibilidades del arte sonoro electroacústico como una forma de reconectar con la naturaleza primigenia—de la que la sociedad contemporánea parece cada vez más distanciada—más liberador será el proceso. Confío en que las nuevas generaciones seguirán explorando ese camino.

Con una trayectoria tan extensa, seguro que tienes alguna anécdota increíble. ¿Algún encuentro especial con una figura legendaria de la historia de los sintetizadores?

El encuentro más significativo en ese sentido lo tuve en 2019, cuando viajé a Asheville, EE.UU., para asistir a las jornadas inaugurales del Moogseum, organizado por la Bob Moog Foundation. En ese evento, se exhibió por primera vez al público el prototipo original del sintetizador modular Moog (1964), desarrollado a partir del intercambio entre Robert Moog y el compositor Herbert Deutsch durante 1963 y 1964.

Deutsch, con sus requerimientos para la creación de un dispositivo que optimizara la composición de música electroacústica, fue clave en el desarrollo de los primeros sintetizadores asequibles para el público general. Este hecho histórico resultó crucial para la expansión y popularización de la música electrónica.

A lo largo de tu carrera, has tenido relación con muchos artistas internacionales. ¿Cómo ves esa conexión entre la escena argentina y la global? ¿Sientes que hay una identidad propia en el approach de los artistas latinoamericanos a la síntesis y la música electrónica?

En prácticamente todos mis vínculos con una amplia variedad de artistas internacionales—John Medeski, Carl Craig, Satoshi Tomiie, Julieta Venegas, Michael Bibi, Hannes Bieger, Stephan Bodzin, Alex Anwandter, Francesco Tristano, Marc Romboy, Cecilia Toussaint, DJ Hell, Robert Babicz, Nic Muir, Guy Manzur, Amanda Chang, Henry Saiz, Gordon Raphael, Agents Of Time, Guy J., entre otros— he podido experimentar de primera mano la profunda conexión entre las escenas locales de música electrónica, pop y arte experimental con otros creadores de todo el mundo.

Más allá de esas conexiones, puedo afirmar que Argentina es un lugar creativo inagotable, con una infinidad de artistas comprometidos y originales, tanto en el universo del underground como en el mainstream.

Algo que me encanta preguntar al final de las entrevistas: si pudieras hablar con el Ernesto Romeo de hace 40 años, que empezaba a construir su camino, ¿qué consejo le darías?

Que los sueños son los verdaderos constructores del futuro. Que nunca deje de soñar. Y que siempre confíe en la fuerza de lo comunitario y en la sabiduría inagotable de la naturaleza, nuestro mayor espejo.

SSERO

“Darle una identidad a lo que creo y transmitirlo de manera auténtica es esencial”

SSERO no es solo un nombre en la escena electrónica, sino una marca con una identidad visual y sonora cuidadosamente construida. En esta entrevista, exploramos la evolución de su imagen de marca, su renovada estética y su meticulosa estrategia de comunicación en redes sociales, elementos que han consolidado su presencia en la industria.

Por si fuera poco, 2024 marcó un antes y un después en su carrera artística con su PANAM TOUR, una gira que le llevó a ciudades como Nueva York, México, Colombia y República Dominicana, haciendo que la marca SSERO consiguiera un nuevo nivel de expansión internacional.

Hablamos también de sus últimos lanzamientos, como ‘Milito Pa’, Pakate EP y su explosivo B2B con Jean Pierre, así como su nuevo Whippin EP, que siguen reforzando su sonido distintivo. Además, nos adentramos en su esperado debut en Birmingham y en OFF Week con MVSON, hitos clave en su ascendente carrera. Con nuevos proyectos y lanzamientos en el horizonte, el futuro de SSERO promete seguir dando mucho de qué hablar.

Cristian, es un placer tenerte en nuestra edición de Abril de Mixmag Spain. Con el paso de los años has logrado crear una identidad única, muy marcada y con gran personalidad. ¿Cómo has trabajado para crear tu identidad artística y qué aspectos clave forman parte de ella?

¡Hola Patricia! Muchas gracias a ti y a Mixmag Spain por tenerme en esta edición. Es un placer estar aquí.

Mi identidad artística es el resultado de una mezcla de estímulos que han sido clave tanto a nivel musical como en la construcción de SSERO. Con el tiempo, entendí que todo puede ser una fuente de inspiración y que una identidad artística no se trata solo de hacer buena música o tocar bien, sino de construir un universo completo donde cada detalle comunica. Para mí, los aspectos fundamentales han sido el diseño, la fotografía, la moda y un estilo visual muy marcado. Siempre me han atraído las estéticas retro, el minimalismo, el orden y la simetría. Pero, sobre todo, creo que lo que realmente ha definido mi identidad es la diversidad de influencias que me inspiran. No solo vienen de otros géneros musicales, sino también de la ropa, el diseño y referencias que, en principio, no tendrían una conexión directa con la música electrónica. Esa mezcla me ha permitido construir un lenguaje propio y diferenciarme dentro de la escena.

Constantemente trabajas en tu imagen de marca, incluyendo imágenes que reflejan tu pasión por lo analógico y recientemente has añadido una nueva paleta de colores. ¿Qué historia quieres contar con esta estética y cómo se refleja en tu música y comunicación?

La exploración de imagen de marca es algo constante para mí. Darle una identidad a lo que creo y transmitirlo de manera auténtica, es esencial. Como productor y DJ, siempre busco estímulos y referencias en géneros completamente distintos, y me interesa entender la historia de la música y cómo los sonidos logran conectar con las personas.

Mi comunicación siempre ha tenido un enfoque analógico. Desde el diseño, me gusta reflejar mi admiración por la estética de los años 2000 (Y2K), el pixel art, lo vintage y el VHS, elementos que han influenciado mi imagen de marca. Siempre trato de buscar un balance entre lo clásico y lo digital. Todo esto se traduce en mi música y en la forma en que la comparto, creando un universo donde lo digital y lo analógico conviven, dándole un carácter único a mi proyecto.

A día de hoy has colaborado con otras marcas y has trabajado en colaboraciones con grandes artistas. ¿Cómo han influido estas colaboraciones en tu crecimiento y qué podemos esperar en el futuro en este sentido?

Cada colaboración ha sido una oportunidad de aprendizaje y crecimiento. Trabajar con otras marcas y artistas me ha permitido explorar nuevas ideas, expandir mi visión y conectar con públicos diferentes. Me gusta rodearme de creativos que aporten algo único y que compartan una visión artística alineada con la mía.

De cara al futuro, estoy proyectando colaboraciones con marcas de ropa, accesorios e incluso lifestyle que encajen con mi ADN de marca. Me interesa crear sinergias donde la música, el diseño y la estética se fusionen de manera auténtica. Creo que este tipo de colaboraciones pueden dar lugar a proyectos muy especiales, donde el universo de SSERO se extienda más allá de la música.

Tu colaboración con Rendher en ‘Milito Pa’ ha sido un éxito, release que además acompañasteis con un evento POP-UP en Barcelona. ¿Cómo surgió la idea de esta colaboración? ¿Cómo fue el proceso de preparación del POP-UP?

La colaboración con Rendher en ‘Milito Pa’ surgió de manera muy natural. A principios del año pasado estuvimos en Medellín, ciudad que sentimos como nuestra segunda casa. Él estaba trabajando en su álbum y yo en plena exploración de mi sonido, incorporando nuevas influencias. En ese proceso de compartir ideas y referencias, dimos con un sonido que representaba la energía que queríamos transmitir. Desde el inicio, sentimos que este track tenía una identidad fuerte y que merecía algo más que un simple release.

Para el pop-up en Barcelona, quisimos llevar esa conexión más allá y transformar el lanzamiento en una experiencia cercana e íntima. Siempre hemos dado mucha importancia a la relación entre marca, música y experiencia, y este evento fue la manera perfecta de materializarlo. Crear un espacio donde la gente pudiera vivir ‘Milito Pa’ de primera mano, compartir con nosotros y sumergirse en el concepto del track fue clave para hacer de este lanzamiento algo especial.

Pakate EP y tu B2B con Jean Pierre en Pacha Barcelona marcaron un momento clave en tu carrera. ¿Cuáles fueron las influencias detrás de este lanzamiento y qué significado tiene para ti? ¿Cómo fue compartir cabina con él en un club tan reconocido?

Para mí, Jean Pierre siempre fue un referente, alguien a quien admiraba y a quien quería hacerle llegar mi música. Poder firmar mi primera canción, ‘Nitty Gritties’, con su sello Pakate fue un hito, y luego culminar con el lanzamiento de mi EP SATEO fue algo muy significativo. Me siento muy identificado con su sonido y con la filosofía de su sello.

El hecho de culminar estos lanzamientos con una sesión B2B con él en el showcase de Pakate en Pacha Barcelona fue un momento muy especial para mí. Compartir cabina con alguien a quien respeto tanto y en un club tan emblemático fue un sueño hecho realidad. Además, el video del set ya está disponible en YouTube, y fue increíble poder revivir esa noche.

Tu reciente lanzamiento Simple Joys EP en Whippin Records ha sido un hito en tu carrera. ¿Qué nos dirías de tu relación con el sonido MVSON y qué ha significado para ti lanzar a través de su sello?

Mi relación con el sonido de MVSON y con Mason Collective ha sido algo muy especial. Desde que conocí su historia, me sentí profundamente identificado. Al igual que yo, ellos empezaron desde cero, creando su propio sonido, su imagen de marca y construyendo todo alrededor de su pasión por la música. El hecho de que hayan logrado crear algo tan único, con una serie de eventos, merchandising y una estética que va más allá de la música, es algo que admiro muchísimo.

Lanzar a través de Whippin Records y ser parte de ese movimiento ha sido un gran hito en mi carrera. Para mí, lo que han logrado con el sello y su visión de la música es algo con lo que me identifico al 100%. Es un honor ser parte de su historia y lanzar mi Simple Joys EP a través de ellos, sabiendo que compartimos esa misma filosofía de trabajo, crecimiento y autenticidad.

Tienes un remix para Momento Lab y un EP en elrow en camino. ¿Qué nos puedes adelantar sobre estos proyectos y qué diferencia a estos lanzamientos de tus trabajos anteriores?

Estoy muy contento de anunciar que mi remix para Andre Butano de su canción ‘About Us’ se lanzará este mes de abril. Cuando Andre me contactó personalmente para hacer el remix, no dudé ni un momento. Mi relación con él es excelente, y admiro mucho lo que ha hecho, especialmente lo que ha construido en Santiago de Chile con Club La Feria, un lugar que tiene una gran influencia en la escena local.

En cuanto a elrow, surgió de mi buena relación con De La Swing. Le comenté que tenía un sonido renovado y que me gustaría volver a lanzar en elrow Music. A él le gustó la idea y encajó perfectamente con la línea de elrow Limited. Este EP está previsto para finales de mayo y estoy muy emocionado de compartirlo, ya que marca una nueva etapa de mi sonido.

Tener un sello propio es un paso importante en la carrera de un artista. ¿Qué nos puedes contar sobre esto? ¿Podemos esperar novedades próximamente?

Tener un sello propio es un paso importante y natural en la evolución de mi carrera. Para mí, una marca debe ser 360°, abarcando desde la música y producción hasta la comunicación, el diseño, las estrategias, el merchandising, las experiencias y las alianzas. La creación de mi sello es una de las grandes acciones dentro del proceso de construcción de mi marca.

Quiero que mi sello sea mucho más que un simple espacio para lanzar música. Debe reflejar mi imagen de marca a todos los niveles y convertirse en una plataforma para mis próximos proyectos. Esto incluirá no solo música, sino también eventos en directo, merchandising, colaboraciones y alianzas con otras marcas. Estoy trabajando en todo esto para que el sello sea una extensión auténtica de mi visión artística y un medio para conectar más profundamente con mi público.

Hablando ahora de shows, tu gira PANAM el pasado 2024 te llevó a lugares como Nueva York, México, Colombia y República Dominicana. ¿Cómo ha sido la experiencia en cada país y qué te llevas de este tour internacional?

La gira PANAM de 2024 fue una experiencia increíble, y tuve la suerte de hacerlo junto a mis panas Rendher, Raúl y Alex. De ahí surgió el nombre del tour, de la unión entre Pana y Latinoamérica, como un guiño a esa conexión tan cercana con la gente de la región. Además, PANAM es una aerolínea mítica, lo que le da aún más simbolismo a todo el concepto.

Cada país fue único. En Nueva York tuvimos la oportunidad de grabar el videoclip de ‘Milito Pa’’, lo que hizo que esa ciudad tuviera un valor especial para mí. En México, la cultura y las vibras de la ciudad me inspiraron muchísimo, siempre hay algo que aprender de su energía. Medellín me dio una conexión profunda, y poder tocar allí siempre es algo especial. Finalmente, Punta Cana fue una gran sorpresa, ya que viajaba por primera vez, y sus playas y clima me dejaron totalmente impresionado. Todo esto hizo que la gira fuera una experiencia única y muy inspiradora.

Próximamente tienes debuts importantes como en OFF-WEEK con MVSON y tu primer show en Birmingham, UK. ¿Cómo te preparas para estos eventos clave y qué expectativas tienes?

Para mí, debutar con MVSON en su marca y en un evento en Pacha Barcelona es un hito increíble. Formar parte de una semana tan mítica como el Sonar OFFweek en mi ciudad, Barcelona, es algo que me llena de orgullo. Es una oportunidad muy especial y no puedo esperar para compartir este momento con todos los que siguen mi música.

En cuanto a mi debut en Reino Unido, especialmente en Birmingham, me motiva muchísimo. Es un mercado con mucha historia en la música electrónica, y me estoy preparando con especial cariño para no defraudar. Estoy trabajando mucho en la comunicación y afinando mi set para que todo salga perfecto. Tengo grandes expectativas y quiero hacer de estos shows algo memorable.

La salud mental tiene una gran importancia en la vida de cualquier artista: pasáis muchos ratos a solas en aeropuertos y habitaciones de hotel, constantemente cogéis vuelos de cortas y largas distancias, no descansáis las horas necesarias entre show y show, ¿Cómo consigues mantenerte estable mentalmente?

Para mí, lo que realmente me mantiene estable mentalmente es pensar que siempre ha sido mi sueño dedicarme a mi pasión, que es la música. El hecho de trabajar viajando y tocando en ciudades míticas me hace muy feliz, y aunque la vida de artista puede ser intensa, saber que estoy haciendo lo que amo me da fuerza.

Además, mentalmente me preparo manteniéndome en contacto con mi familia y amigos más cercanos. Ellos son mi apoyo constante y me ayudan a mantener los pies en el suelo, incluso cuando estoy lejos de casa. El equilibrio entre lo profesional y lo personal es clave para poder seguir adelante en este camino.

¿Qué podemos esperar de SSERO este 2025? ¡Cuéntanos!

Este 2025 será un año clave para SSERO. Estoy enfocado en la construcción de mi marca de una manera mucho más estratégica, con un enfoque claro en la creación de nuevas canciones y nuevas alianzas. También exploraré la creación de mi sello en los próximos meses, lo que será un paso muy importante para llevar mi música y mi visión a otro nivel.

Estoy muy emocionado por lo que se viene, tanto en términos de fechas como de experiencias. Mi objetivo es seguir evolucionando como artista, llevando mi música y mi marca a nuevas alturas. Espero que el 2025 sea un año con un mayor volumen de fechas y eventos, lo que me permitirá conectar aún más con el público y seguir avanzando en mi carrera. Tengo muchas expectativas de que este será un año en el que podamos alcanzar grandes logros juntos con Concept One Agency.

¡Gracias por la entrevista y por el apoyo continuo! Estoy deseando compartir todo lo que está por venir.

Muchas gracias por tu tiempo. Ha sido un placer conocerte mejor en esta interesante charla.

Todo el equipo de Mixmag Spain te deseamos lo mejor en tu prolífica carrera musical.

ADAM BEYER

B2B MACEO PLEX

ADIEL

B2B QUEST

ADRIÁN MILLS

B2B BIIA

AIROD

B2B ANXHELA ALIGNMENT ANOTR ANYMA ANYMA

B2B SOLOMUN ARTBAT

AURORA HALAL

AZYR

BAD BOOMBOX

BARBARA LAGO

B2B DANIELLA DA SILVA

BASSWELL

B2B ONLYNUMBERS

BEN UFO

B2B FRANCESCO DEL GARDA

BINH

BORIS BREJCHA

CARIBOU LIVE

CARL COX LIVE

CHARLOTTE DE WITTE

CHRIS AVANTGARDE

CHRIS LIEBING

CHRISTOPHER COE LIVE

CLOUDY

B2B NOVAH

COLIN BENDERS

DENNIS CRUZ

B2B THE MARTINEZ BROTHERS

DEXPHASE

B2B SKRYPTION

DIPLO

DIXON

DJ HELL

DJ STINGRAY 313

B2B HELENA HAUFF DOM DOLLA

DONATO DOZZY

DRUMS AND CHANTS

DVS1 & TRAXX

EAST END DUBS

ENRICO SANGIULIANO

DREW

B2B OCTO OCTA

KOANDA

B2B ELLI ACULA FLEUR SHORE

POINTS LIVE

GENE ON EARTH

B2B DYED SOUNDOROM

INNER LAKES

En la música electrónica, hay artistas que no solo dejan huella con sus sets y producciones, sino que también entienden la importancia de construir algo más grande que ellos mismos. Andrea Oliva y Arodes son un claro ejemplo.

Andrea Oliva, un referente en la escena internacional, ha sido pieza clave en la evolución de festivales como ANTS en Ushuaïa Ibiza y ha llevado su sonido a los clubes y eventos más prestigiosos del mundo. Arodes, por su parte, ha irrumpido con fuerza en la industria con un estilo melódico y envolvente, consolidándose como uno de los artistas emergentes más destacados de los últimos años.

Aunque cada uno ha trazado su propio camino, sus visiones convergen en proyectos como All I Need y Unreleased Records, plataformas que no solo buscan lanzar música de calidad, sino también generar una comunidad en torno a la cultura electrónica. En esta entrevista, hablamos con ellos sobre cómo han unido fuerzas a raíz de su gran conexión y amistad, su evolución artística y los desafíos de construir algo más allá de la música.

Es un auténtico placer teneros en portada en esta edición tan especial de Mixmag Spain por su presencia en el congreso International Music Summit en Ibiza. Contadme, ¿Cómo estáis? ¿Cómo ha empezado el año para vosotros?

ARODES: Este año ha empezado de forma… bastante intensa, por decirlo de alguna manera. Estamos muy motivados porque tenemos muchos planes y mucho trabajo por delante, ya que estamos empezando a preparar proyectos tanto de forma individual como de forma colectiva. Andrea con su carrera, yo con la mía, pero de cara a la marca y a los eventos que están por venir, se puede decir que estamos un poco abrumados de tanta faena, porque se nos viene una época de mucho curro pero, a la vez, estamos muy emocionados por ver qué nos depara este año. Es emocionante porque, a la vez que estamos trabajando, también estamos creando una comunidad, un equipo y una familia que va de la mano de nuestros proyectos.

Aquí podemos hablar desde diferentes ángulos y perspectivas, ya que podemos hablar de nuestra carrera a titulo personal y también podemos hablar de cuando somos un equipo y trabajamos juntos. Y luego, por supuesto, también podemos hablar sobre la marca. Es cierto que está todo conectado al final, pero son cosas diferentes.

Gestionáis los eventos de Unreleased Records y All I Need de forma conjunta. ¿Cómo surgió esta sinergia, esta conexión, para dar lugar a una colaboración con ambos proyectos?

ANDREA: Siento que sucedió todo de forma bastante natural.

ARODES: Sí, yo también siento que fue así.

ANDREA: Diría que todo empezó cuando me presentaron a Arodes, él justo acababa de sacar su proyecto

“Reborn” y a todo el mundo le encantó. Poco después coincidimos de nuevo en un show en Mykonos.

ARODES: Sí, exacto. De esto hará ya unos tres o cuatro años.

ANDREA: Sí, exacto. Y ahí fue cuando realmente nos conocimos por primera vez, porque además tuve la oportunidad de conocer a parte de su equipo. El primer impacto en la industria, especialmente cuando se trata de artistas, es siempre bastante desafiante, porque no duermes, vas para arriba y para abajo todo el día, corriendo al aeropuerto, corriendo al hotel, haces el show y en cuanto terminas, sin asimilarlo aún, ya tienes que correr de nuevo al aeropuerto a coger el siguiente vuelo para poder estar a tiempo en el próximo show que tienes agendado. Teniendo este ritmo de vida, cuando se trata de conocer a personas… muchas veces no consigues conocerlas realmente, porque solo consigues intercambiar un par de palabras y eso es todo. En cambio, en Mykonos, aunque tuvimos muy poco tiempo, conectamos de forma instantánea, sobre todo a nivel personal. Y a nivel musical, todo surgió hasta un punto en que hemos construido una gran relación a lo largo de los últimos años y, si hay algo que dé satisfacción en esta industria, es crear un equipo, una marca, una familia… Un conjunto del todo que estás dispuesto a apoyar y defender hasta el final.

Un día nos paramos a pensar y nos preguntamos ¿y por qué no canalizamos las cosas? Y empezamos a tocar juntos de forma cada vez más seguida y constante, y simplemente… funcionó. Funcionó de maravilla. Luego una cosa trajo a la otra y ahora realmente hacemos todo directamente juntos.

ARODES: Diría que la relación también se estrechó en Ibiza, hará cosa de un par de veranos atrás, cuando empezamos a construir el proyecto que conocéis hoy en día como la residencia “All I Need” de Playa Soleil.

“Estamos muy motivados porque tenemos muchos planes y mucho trabajo por delante”

Sí, ¡justo tengo pensado hablar de eso más adelante! Vamos a hablar ahora sobre All I Need y para empezar me encantaría que me explicarais el lema que tenéis en vuestra biografía de Instagram, que dice algo así como “TODAY CHANGES TOMORROW”.

ANDREA: Es algo muy sencillo. Cuando vas a una discoteca o a alguna fiesta, es un momento en el que te olvidas de todas tus preocupaciones y problemas. Todo lo que te preocupa del trabajo o de tu vida personal, de repente pasa a un segundo plano y te introduces en un ambiente donde todo el mundo va a lo mismo: a disfrutar de buena música, a vivir la vida, a volverse loco con sus amigos, a estar con gente que te hace sentir bien… pero las discotecas y los festivales también tienen como objetivo conectar a las personas. Una canción puede cambiar tu vida. Un DJ te puede hacer enamorarte de un tipo de música. Una relación surgida con alguien que acabas de conocer en una fiesta puede, literalmente, marcar tu vida. Así que el HOY es la fiesta, y a través de ese universo que se crea en la fiesta nuestra intención es propagar buena música y recuerdos que duren toda una vida.

Playa Soleil Ibiza será el epicentro de vuestra residencia desde finales de abril hasta octubre. ¿Cómo tenéis planeado estructurar la temporada? ¿Habrá invitados especiales o propuestas temáticas a lo largo de estos meses?

ARODES: Será algo muy similar a lo que ya hicimos el año pasado porque nos gustó bastante como sucedió todo. Creo que hicimos 10 semanas de shows y este año serán 22 domingos, lo cual es todo un reto.

Wow, eso es más del doble.

ARODES: Para estructurar la temporada, nosotros lideramos el cartel cada semana y normalmente cerramos el evento dos o tres horas antes, pero antes de eso, normalmente solemos invitar a pinchar a gente de la familia, o a artistas que tocan más tarde, a productores que forman parte de la marca. Abrimos las puertas a otros amigos, a otros artistas que nos gustan y que respetamos y con los que tenemos alguna conexión especial. Todo tiene que cobrar sentido dentro de una lógica común. La música va por delante de cualquier otra cosa, pero también es importante tener en cuenta todo lo que le rodea; invitar a gente —es algo que nos encanta hacer— por tal de compartir esa música y esa experiencia que creamos cada domingo con artistas de alrededor del mundo.

Y eso es lo que hemos hecho años atrás y lo que nos gustaría volver a hacer este 2025. Y como cerramos la noche, pues normalmente también nos encanta invitar a artistas al escenario para tocar algún tema codo con codo con ellos, es todo bastante orgánico… Intentamos que no se pierda la vibra y que todo el mundo se sienta importante y escuchado, y creo que, al final, esa es la belleza de nuestro proyecto de cada domingo.

ANDREA: Sí, además, creo que los últimos dos o tres años el paisaje musical ha cambiado de forma positiva, ya que de repente hay mucha gente joven produciendo música realmente increíble. Es curioso, porque Ibiza sigue siendo el sitio donde absolutamente todos quieren tocar. Así que cuanto más talentos podamos traer a esta plataforma, más felices estamos. Además, Playa Soleil casa a la perfección con nuestra vibra y con lo que queremos transmitir al público. Hemos hecho también el evento All I Need en Tulum y localizaciones tipo beach clubs encajan muy bien con el proyecto, con nuestra filosofía y con nuestra forma de trabajar. Pero creo que es mucho más fácil para nosotros tocar en un lugar como es Playa Soleil.

Hablando de la cantidad de shows, te has quedado un poco en shock de que hagamos 22 semanas este año en comparación de las 10 que hicimos el año pasado. He de decirte que el primer año hicimos unas 5 o 6, por lo que está habiendo una clara evolución bastante orgánica. Y aunque llevemos tocando en la isla más de 20 años, no me permitiría nunca comportarme con aires de superficialidad o aspirar a entrar en un gran club de forma inmediata, ¿sabes?. Ni arriesgarlo todo. Porque al final, todo esto que hacemos está construido a base de amor y pasión. Por lo que está bien empezar en un club donde sabemos que podemos llenar con gente que conocemos y con personas que vayan al club por la música y a disfrutar del show.

El público ibicenco es diverso y exigente. ¿Cómo habéis diseñado la propuesta musical y el ambiente de All I Need en Playa Soleil para ofrecer algo único? ¿Sentís que el público cambia a lo largo de la temporada?

ANDREA: Tienes toda la razón, todos los clubs son diferentes y es cierto que de Mayo a Junio hay, quizás, un poco más de libertad para hacer un poco lo que quieras musicalmente, pero luego llega el turismo en masa los meses de Julio y Agosto. Y no estoy hablando de Playa Soleil, porque ese sitio tiene nuestro sonido muy interiorizado, pero en general, cuan-

to más turismo hay, más desafiante es. En especial, en el mes de Agosto hay tantas y tantas fiestas cada día que es todo muy competitivo. La gente puede escoger entre tanta variedad y escogen a dedo cuál va a ser la fiesta a la que van a asistir. Y en ese momento no tienes tanto margen para experimentar, especialmente cuando tocas en sitios como, por ejemplo, Ushuaïa Ibiza, delante de miles de personas. Playa Soleil, en cambio, es un ambiente totalmente diferente y, para nosotros, único.

ARODES: Tal y como Andrea comenta, no es lo mismo pinchar en Ushuaïa Ibiza donde tocas para ocho o nueve mil personas, que en Playa Soleil, que es un lugar mucho más intimo. Pero de lo que estoy muy contento es del tipo de público que atraemos, ya que siento que es muy pasional y que tiene mucha cultura musical, ¿sabes?. Eso nos hace sentir bastante libres a la hora de tocar, ya que no entra dentro de nuestra mentalidad tocar para complacer al público o para cumplir unas expectativas, porque toquemos lo que toquemos y hagamos los experimentos que hagamos, el público lo va a recibir con muy buena vibra. Nos sentimos muy afortunados de tener un público tan guay, porque además ellos también saben que van a recibir una dosis de música un tanto diferente al resto y, al final, ese es nuestro objetivo y nuestro cometido: ser un poco experimentales con lo que hacemos, arriesgar un poco para no seguir ningún patrón y disfrutar y hacer que el resto disfrute

¿Cuál ha sido el evento más memorable de All I Need hasta ahora y por qué? ¿Alguna anécdota especial?

ANDREA: Los shows que hacemos en Playa Soleil son siempre increíbles. El que hicimos en Tulum a principios de año fue alucinante… pero quizás te diría que el show que para mí destaca por encima del resto fue el de THE LOFT, ya que tocamos con Unreleased y All I Need y fue una auténtica locura, el público se volvió loco, veíamos como todos saltaban, sonreían y chillaban sin parar.

ARODES: Sí, opino lo mismo, THE LOFT fue una auténtica pasada. Aunque recordando los shows que hicimos el año pasado en Ibiza, para mí todos fueron todos realmente increíbles, una auténtica locura. Es casi imposible seleccionar una semana en concreto: la vibra y la energía es algo de lo que estamos realmente orgullosos de haber conseguido crear. Además, también considero que haber hecho esos shows en Ibiza y conseguir ese ambiente es algo que definitivamente nos tuvo que ayudar para conseguir transmitir toda esa

“...Es alucinante la reacción de la gente y cómo el sello ha conseguido crecer tanto en los últimos 12 meses...”

vibra en nuestro show en THE LOFT. Quizás podríamos decir que el show que hicimos en THE LOFT fue la conclusión final de todo lo que construimos en verano en Ibiza.

ANDREA: Y de eso es de lo que trata todo. De construir una marca, una fiesta, una filosofía. Haces una fiesta en Ibiza y te vas de tour alrededor del mundo y es casi como si cogieses Ibiza y la trasladaras a otro lugar del mundo y se siente la misma energía, el mismo público. Creo que ese es el objetivo.

Pues sí, 100%. Tengo mucha curiosidad ahora por ir, me habéis creado una necesidad de ir este verano a vuestro show.

ANDREA: De verdad, es increíble, es muy divertido. Es parte de la belleza de hacer eventos en lugares pequeños e íntimos, que todo el mundo se involucra y trabajas por y para el público. Y a veces, al acabar, me gusta coger al personal —que normalmente están serios y cansados— y subirlos a la pista de baile y hacerles bailar un rato. Es genial ver como todo el mundo está pasando un buen rato. Incluso la gente que trabaja fuera, en la puerta, se nota que está deseando entrar y disfrutar. Si conseguimos mantener y trasladar esa misma vibra cuando toquemos en clubs más grandes en un futuro… entonces seré la persona más feliz del mundo.

Espero que sí lo logréis algún día. Sería una autentica pasada. Hablemos ahora sobre Unreleased. Corregidme si me equivoco, pero el sello existe desde hace ya tres años, ¿cierto?

ARODES: Sí, exacto, aproximadamente tres años. El sello como tal nació en la Miami Music Week. Así que ahora va a cumplir cuatro años desde que lo creamos, sí.

Hablemos pues sobre el sello. ¿Cómo describirías la identidad del sello? Y, ¿qué buscáis en un productor para formar parte de Unreleased Records?

ARODES: Pues justo lo que comentábamos antes, creo que va sobre todo de la energía y de las sensaciones, pero la música va por delante de todo. Con Unreleased todo ocurrió de forma muy natural y orgánica, nada forzado. Empezamos con la marca, hicimos algunos eventos, y luego empezamos con el sello discográfico cuando, normalmente, ya sabes, es al revés. Es como si el sello discográfico representara el sentimiento que transmitimos y que queremos experimentar, el que queremos dar a nuestro público y a nuestra gente. Es por eso que es un sonido con el que intentamos ser los pioneros, no seguir ninguna tendencia, tener nuestra propia identidad… y es algo de lo que estamos muy orgullosos, porque estamos empezando a escuchar cosas tipo: “Ey, este sonido es muy como Unreleased” o “Esto suena muy como Arodes y Andrea”. La gente está empezando a reconocer nuestro estilo y es algo de lo que nos sentimos muy orgullosos, porque sentimos que estamos haciendo las cosas bien y sin forzarlas. Simplemente producimos y tocamos música que nos gusta con el sonido que nos identifica. Y sí, es cierto que nuestra música contiene mucha influencia que hemos obtenido a lo largo de los años, pero es de música que conocemos, que escuchamos, que nos gusta. Pero todo se traduce en una especie de sentimiento, en una experiencia. Queremos que la gente baile, se divierta, que creen una experiencia con nuestra música de banda sonora. Nos gusta llegar a los corazones de la gente, no solo para provocar que se muevan como un robot, sino que sientan esa vibra que les recorre el cuerpo y hacerles sentir algo, ¿sabes? Nuestra música es bastante melódica, pero a la vez necesitamos combinarlo con un toque groovy, porque necesitamos no solo la experiencia melódica sino que la gente también tenga ganas

de bailarla. Así es como definiríamos más o menos el sonido de nuestra música.

Para que un productor forme parte del sello, diría que la regla número uno es la música. No se trata del nombre, o de cómo de grande sea el productor, o de cuántos oyentes mensuales tenga o cuántos seguidores tenga en Instagram: aquí se trata de que la música sea buena o no. En segundo puesto iría la persona, si nos gusta su forma de ser, etc. Después de esto, miraríamos la trayectoria y su perfil, pero primero: la música y la persona. Lo que quiero decir con esto es que nos gusta hacer las cosas con mimo y con tacto, y no nos importa ir más lentos o más rápidos, porque queremos proteger nuestra identidad y la del sello, y esto solo se consigue poniendo la música siempre como prioridad.

ANDREA: Es alucinante la reacción de la gente y cómo el sello ha conseguido crecer tanto en los últimos 12 meses. Hay mucho trabajo detrás, porque ha habido mucha producción, pero es muy divertido ver todo este proceso; recibimos varias demos y vamos viendo toda la evolución, escuchamos comentarios tipo “esto suena muy Adri”, “esta se parece mucho a mi última canción”,… Por lo que ves perfectamente que la gente te coge como referencia y es un gran cumplido para nosotros. El sello está aún en proceso de evolución, pero hay un largo camino por recorrer todavía. Pero si hablamos de estrategias, diríamos que nuestra mayor estrategia es poner amor en la música que creamos, eso es todo, esa es nuestra meta. Y es alucinante el impacto que ha tenido el sello con todos esos jóvenes y talentosos productores.

ARODES: No voy a decir nombres, pero es increíble también la de mensajes que estamos recibiendo de grandes productores que respetamos muchísimo, que tienen un gran nivel y que están ya más que posicionados en el mercado musical que nos dicen que quieren formar parte de nuestro sello. Y la única razón por

la que todo esto está pasando es porque realmente les gusta la música que estamos sacando, nada más. Y en un mundo con tanta competitividad, esta es nuestra meta como artistas. Y a veces es cierto que puede ser muy tentador tomar otras rutas y priorizar los números o las ventas por encima de la calidad y del sonido, pero creemos que nuestro objetivo ahora mismo es otro, sobre todo el de no tomar esa ruta y centrarnos en la música.

¿Cuál ha sido el lanzamiento más especial hasta ahora?

ANDREA: ‘Use Somebody’, sin duda. Para mí ha sido como un himno.

ARODES: Lo es, aunque para mí ‘Kidz’ es la numero uno. ‘Use Somebody’ es un tema increíble, es un himno como bien ha dicho Andrea, y es alucinante lo que le provoca al público escuchar esa canción… pero creo que ‘Kidz’ representa a la perfección mi sonido, el sonido de Unreleased, y representa mucho mejor mi identidad que no otra canción. Así que para mí, ‘Kidz’ sería el embajador de la marca y del sello. Porque además es una canción que rompe cualquier tipo de barreras, es una canción que no sabrías realmente cómo clasificar, es un poco techno-melódica, pero también tiene toques de afro house… está un poco en medio y creo que es un tema muy atractivo para cualquier artista general. Y creo que como marca nos representa, porque considero que nosotros también estamos en medio de los diferentes géneros que existen, pero no nos identifica ninguno al 100%. No somos una marca afro house, pero tampoco techo-melódica ni progressive ni house. Quizás, algún día, creamos algún género.

Sé que en los últimos 12 meses, habéis publicado mucha música e incluso tenéis remixes para Rüfüs Du Sol en camino. Al trabajar en un remix, especialmente para un grupo icónico como Rüfüs Du Sol, ¿cómo encontráis el equilibrio entre vuestra propia identidad sonora y el respeto a la versión original?

ANDREA: Surge de forma muy natural. Creo que cuando el artista original te elige para hacer un remix de algo suyo es porque quiere que le des tu propio toque. Y creo que esto siempre es muy emocionante para un artista que tiene una canción original y escucha el remix creado por otra persona, porque la percepción que tienes de esta canción inicial es muy diferente a la que tienes de tu propia canción. Con Rüfüs Du Sol, es todo muy fácil porque las melodías son increíbles, las voces son geniales y la inspiración de llega rapidísimo. Adrián hizo un remix increíble. Y sí, es como

si el universo se alineara, y de repente ambos estamos creando un remix muy importante. Esta colaboración lo ha sido todo para nosotros, porque llevamos escuchando a Rüfüs du Sol desde el primer día, por lo que hacer un remix de uno de los temas de su álbum ha sido algo muy especial, sí.

ARODES: Estamos muy agradecidos de haber tenido esta oportunidad. Para ser honesto, Rüfüs Du Sol es uno de mis grupos favoritos, me encanta su música, ellos son súper cercanos, ya sabes, me encantan como personas, como amigos y como músicos. Les tengo mucho respeto y les admiro porque han conseguido posicionarse en el mundo de la música electrónica combinando diferentes objetivos. Además, ellos se sienten muy cómodos adentrándose en un estilo mucho más underground y se defienden a la perfección. Y como tienen todo eso, ese es el motivo de su éxito mundial en un mundo tan comercial. Me encantan todos sus temas y sus álbumes, por lo que hacer un remix para ellos ha sido algo muy satisfactorio a la vez que desafiante. Nosotros hacemos muchos remixes y siempre quieres dar lo mejor de ti, sobre todo cuando hay una relación de amistad de por medio con el artista. Y respondiendo un poco a lo que preguntabas, ese es el verdadero reto porque, tal y como ha dicho Andrea, Rüfüs du Sol son muy fáciles de tratar, por sus melodías, sus harmonías, las voces… no es necesario que te salgas mucho de tu estilo para conseguir un buen remix… pero a la vez, tienes que aportar tu toque, ese es el verdadero reto: no salirte mucho de lo establecido por el artista principal, pero aportando tu toque. Hay que hacer algo guay, algo único pero, a la vez, algo que guste a todas las partes involucradas. Creo que hicimos un buen trabajo y ahora solo queda ver la acogida del público cuando salga a la luz.

¡Qué ganas de escucharlo! ¿Cuándo sale a la luz? ¿O aún no hay fecha?

ANDREA: Creo que será de cara a finales de Abril, o incluso quizás para Mayo.

En términos musicales, ¿estáis trabajando en alguna nueva colaboración?

ARODES: Muchas, se vienen muchas.

ANDREA: Sí sí, bastantes.

ARODES: El 70/80% de la música que nosotros tocamos en nuestros shows suele ser música que no ha salido a la luz, pero también tocamos temas que nunca habíamos tocado o

que estamos aún testeando con ellos. Es en el momento de tocar un tema para el público cuando te das cuenta si realmente funciona, si gusta o no, si le hace falta algo o si está ya listo para sacarlo. En el estudio te puedes imaginar la reacción del público, pero hasta que no la tocas en directo no sabes si algo realmente funciona o no y a veces, te sorprendes. Tenemos muchos proyectos entre manos sobre los que estamos trabajando este año y muchos nuevos lanzamientos que verán la luz próximamente.

Además de lanzar música, con Unreleased también organizáis eventos exclusivos y presentaciones en festivales. De hecho, recientemente empezasteis a colaborar con Zamna en Miami con un evento el 27 de marzo, entre otras grandes marcas en grandes ciudades. ¿Qué me podéis contar sobre este evento y sobre los próximos que tendrán lugar en sitios como Mendoza, Tulum, Mykonos, Dubái…? ¿Cómo elegís los destinos y qué hace que cada uno sea especial?

ARODES: Para nosotros estos proyectos son un sueño hecho realidad. Todo está ocurriendo muy rápido y a veces ni si quiera somos conscientes de todo lo que nos está llegando y lo que estamos consiguiendo. A veces tenemos que pararnos y decir: un momento, wow, cuánto hemos crecido estos últimos meses. Lo bueno es que todo está ocurriendo de forma bastante orgánica y natural. Creo que cuando trabajas duro para conseguir algo, cuando das todo de ti y eres un apasionado en tus proyectos, creo que el mundo lo ve y lo acaba notando en tu trabajo. Y en este caso, tener la oportunidad de colaborar con una marca tan grande, increíble y respetada como es Zamna, es un verdadero honor. Y no solo con Zamna, sino que estamos haciendo varias colaboraciones con diferentes marcas como TikTok, en este caso en Miami, y otras marcas que querían asociarse con nosotros. Está siendo todo increíble y estamos muy agradecidos con lo que estamos viviendo.

ANDREA: ¡Y esto es solo el comienzo!

ARODES: Exacto, esto solo acaba de comenzar. Esto también nos impulsa a trabajar incluso más duro y a no relajarnos. Porque el momento en el que sientes que ya has conseguido grandes cosas, es el momento en el que empiezas a ir hacia abajo… así que para nosotros, se trata de todas estas cosas positivas que nos están ocurriendo, que se convierten en nuestra gasolina y energía para trabajar más y más duro.

ANDREA: Esta es la conclusión del trabajo duro que hay detrás de cada proyecto, este año hemos cerrado residencias en Ibiza, en Mykonos… hemos hecho un gran tour y hemos tocado en el Main Stage de Street Parade con cientos de miles de personas, y tenemos ahora eventos en Miami con Zamna. Creo que es esa sinergia con diferentes marcas, esa energía entre Adrián y yo, esa conexión con otras marcas,… Además de en Miami, vamos a hacer también colaboraciones en el mes de julio en España con Zamna. Creo que cuando trabajas duro y vas dando pequeños pasos para conseguir grandes cosas, te encaminas hacia grandes retos y surgen nuevas oportunidades. Por ejemplo, este año con Zamna tuvimos Zamna On The Beach. Fuimos la primera marca en decirles de hacerlo, porque era el primer año que hacían el show de playa en Tulum. Y apoyamos la idea desde el primer día sin ni si quiera pestañear. Es un partner increíble, nos ha puesto en el mapa, nos ha aportado ese extra de calidad que necesitábamos y han estado ahí desde el primer día. Y es un reconocimiento increíble que vengan y te pregunten: ‘Oye ¿qué planes tenéis para la Miami Music Week? Vamos a hacer un evento juntos.’ Adrián tenía un buen contacto con TikTok así que fue simplemente unir los puntos y montamos una fiesta genial.

Hay algo muy importante a tener en cuenta y es que, tanto Adrian como yo, tenemos una carrera de forma individual de la que no nos podemos quejar. Y todo lo que hagamos a parte, lo hacemos por valores y por el bien común. Así que cuando alguien nos contacta para colaborar o para ayudar con algún proyecto, automáticamente damos todo nuestro apoyo y nunca priorizamos el dinero o la visibilidad. Muchas veces te puedes cerrar puertas cuando intentas sacar el máximo provecho a cualquier situación, por eso nosotros preferimos simplemente lanzarnos a la oportunidad que nos proponen, porque lo hacemos por valores. Y creo que eso es lo que sienten nuestros socios, nuestros colaboradores y nuestros artistas del sello, esa es la vibra que deseamos transmitir y esperamos continuar así mucho tiempo.

andrea oliva y arodes

P: Es muy bonito que esos sean vuestros motivos, y ojalá algún día tengamos en el panorama musical muchos más artistas con una mentalidad como la vuestra. Me gustaría que me hablarais un poco más sobre vuestra conexión y el feeling que hay entre vosotros en cabina. Esta temporada, estaréis compartiendo cabina en Ushuaïa Ibiza, con Black Coffee en Hï Ibiza, en el Zürich Street Parade y en muchos otros festivales. Me gustaría que me contarais un poco sobre la dinámica y conexión que tenéis cuando pincháis juntos.

ANDREA: Al fin y al cabo, somos dos amigos que trabajamos juntos y disfrutamos de la música juntos: eso está por encima

de todo lo demás. Y en el momento en el que pinchamos juntos, somos capaces de crear una dinámica desde la primera canción. No se basa en, vale, tú tocas un tema y yo toco otro. No. Se trata de, por ejemplo, yo empiezo tocando y tema y Adrián me suelta “no, no, por qué mejor no tocas el tema que hemos escuchado en casa”, “venga, vale”. Y funciona. Y esa es la dinámica que conseguimos que vaya creciendo y creciendo, hasta que construimos el set completo y se convierte en una especie de partido de futbol. A veces, Adrián me dice: “¿Qué? ¿Que estás tocando ese tema y no me lo habías enseñado?” y entonces él me hace lo mismo. Otras veces, Adrián me

mira y me suelta “¿Pero por qué? ¿Por qué no me has dado este tema?” (Risas). Al final es una relación de colegas, nuestra relación se basa en eso, en divertirnos.

ARODES: Sí, nos divertimos muchísimo trabajando juntos. Esa es la auténtica belleza de trabajar mano a mano. Algunas personas no lo entienden, pero es que aquí no hay cabida para la competición, porque se trata de un trabajo en equipo, donde ambos ganamos o ambos perdemos. Pero a la vez, es ese momento divertido de sorprender a tu compañero y fluir juntos. Trabajamos muchas horas juntos y tenemos el mismo gusto, sino no podríamos hacerlo, sería muy difícil. A ver, no digo que sea algo imposible trabajar una o dos veces con alguien con quien no tienes el mismo gusto, pero ha de ser muy complicado hacerlo porque, al final, no sois un pack y no remáis en la misma dirección y estás fuera de tu zona de confort constantemente. Pero en nuestro caso trabajar juntos es siempre un momento de diversión, de conexión, de sorpresas, pero también de adaptar el set al público y a cada situación específica. No todos los territorios son iguales, cada momento es diferente y eso es lo bonito de todo esto, es como resolver una ecuación en tu mente en cada show que haces y, a su vez, defender tu marca y tu sello a cambio de obtener un buen recibimiento por parte del público: esa es la verdadera recompensa.

Y tal y como ha dicho Andrea, tocar juntos es un momento muy divertido. Nos lo pasamos bien y, al igual que para un pintor su obra de arte es el cuadro que pinta, para unos DJ’s como nosotros nuestra obra de arte es el set que conseguimos crear juntos y entregar al público. Es un proceso muy emocionante para ambos y cuyo proceso disfrutamos mucho. Esperamos poder seguir trabajando juntos durante mucho tiempo, porque la acogida del público está siendo genial y es lo que nos motiva a seguir.

ANDREA: Hablando sobre seguir juntos, este año tenemos muchos mano a mano juntos y nos encanta. Vamos a estar en Ibiza, en Barcelona, en Miami, en Dubai, en Zurich, y todo juntos. Y creo que es algo muy natural porque nos lo pasamos genial. Y, quizás, en uno o dos años, haremos estos mano a mano mucho más exclusivos y haremos solo unos pocos o, quién sabe, quizás consideramos hacer un tour entero. Pero hasta el momento podemos decir que lo hacemos porque nos encanta y no hay ningún tipo de estrategia detrás.

ARODES: Además, tanto Andrea como yo, al cabo del año hacemos muchísimos shows. ¿Cuántos podemos hacer, 120? ¿150? Son muchísimos. Por lo que es algo incluso refrescante tocar juntos, porque cuando vienes de hacer un tour tú solo, por supuesto es una experiencia diferente, no me atrevo a decir si mejor o peor, pero diferente. Pero llega el domingo, toca pinchar en Playa Soleil, y como es un show juntos sabemos que la diversión está asegurada.

Una de las últimas preguntas que quiero haceros tiene que ver sobre la salud mental. Sois personas con mucho trabajo, muchos shows al cabo del año como acabáis de comentar,… ¿Cómo hacéis para conseguir un equilibrio entre vuestra vida artística y vuestra vida personal? ¿Cómo hacéis para comer sano cuando estáis de tour, para entrenar y para mantener una buena salud mental?

ANDREA: Aún tengo mucho por aprender. Lo bueno de todo esto es que yo he estado más tiempo fuera que Adrián y he pasado por diferentes etapas.

Todo es como una montaña rusa imagino, ¿no?

ANDREA: Exacto, en mi caso puedo decir que he pasado por diferentes fases a lo largo de mi carrera, pero en el caso de Adrián él es quien tiene normalmente la voz cantante, el que motiva, el que me empuja hacia adelante… y creo que tener un compañero como él es algo muy sano. Y mira que peleamos, nos queremos, peleamos otra vez… es todo normal en una relación como la nuestra. Pero si he de enviar un mensaje a los jóvenes que van a empezar a tocar y a hacer tours, les diría que lo más importante de este tema es rodearte de la gente correcta en cada situación, tener a gente que tenga un impacto positivo en ti. Esta es una carrera

andrea

“...la salud mental tiene un papel súper importante en la vida, independientemente a lo que te dediques...”

donde hay muchísima presión constantemente. Y sí, al principio todo son risas y diversión, pero cuando ya llevas un tiempo es cuando empiezas a pasar por diferentes etapas y escenarios. Pasas de tocar para diez mil personas que enloquecen contigo a estar en la habitación de tu hotel, solo tú, tus pensamientos y los problemas de tu vida personal, como tiene todo el mundo. Por lo que lo más importante de todo esto es tener gente a tu alrededor que te guíe siempre por el camino correcto, gente que te inspire a hacer lo correcto.

Una de las cosas que yo he aprendido a lo largo del camino, es que no soy el único en la profesión. No he inventado nada. Soy privilegiado de estar donde estoy y de dedicarme a lo que me dedico. Mucha gente se lo toma muy a pecho y muy en serio y se quedan atrapados en ese mundo… y no todo trata sobre chicas, beber, fiestas, éxito y dinero. Lo mejor es ir viviendo las cosas tal y como te vienen y tener siempre presente que hay alguien que lo hace mejor que tú. Porque si piensas constantemente que hay alguien que lo hace mejor que tú, que está creciendo más, entonces es cuando realmente aprecias lo que tienes y lo que te viene. La industria te lanza muchas cosas gratis a la cara, pero es en ese momento cuando te tienes que rodear de gente que mire por ti y te diga lo que está bien y lo que está mal. Lo peor de la industria es la bebida y las drogas. La peor parte se la lleva la gente que se dedique a esto y esté soltero, porque entonces significa que tiene mucho tiempo libre y fácilmente puede caer en muchas trampas de las que es muy difícil salir…

ARODES: Para mí este tema es de los más importantes que podemos tratar, uno de los más cruciales de la carrera porque siento que, tal y como has mencionado, la salud mental tiene un papel súper importante en la vida, independientemente a lo que te dediques, y todo dependerá de cómo lo gestiones y de lo fuerte y centrado que estés para gestionar todo lo que te viene, porque eso determinará la duración del éxito de tu carrera.

Esta es una profesión con muchas subidas y bajadas, es una locura. Un día tienes un show increíble delante de miles de personas y quizás, al día siguiente, tienes un show que no va tan bien como el anterior y es cuando empiezas a dudar sobre ti y tus capacidades. Y de repente, a los días, sacas un hit que bate todos los récords de la industria. Pero de repente, los tres días siguientes no va tan bien… es una vida con muchas subidas y bajadas, es una mezcla de sensaciones extrañas y es muy complicado mantenerse estable. Para estas cosas hay una frase que me encanta que dice “Don’t believe the hype”. Y no porque ahora tengamos una colaboración con Zamna, o porque seamos el headliners en un festival, eso significa que nos tengamos que creer lo más del panorama, y tampoco cuando tengamos un mal día nos tengamos que creer que somos lo peor. Hay que ser humilde cuando las cosas estén funcionando pero, a su vez, hay que mantenerse fuerte cuando las cosas no vayan tan bien. Si eres capaz de entenderlo y mantener esa mentalidad, ya lo tienes. Esta es una carrera de fondo. Hay que cuidar mucho la mente y cómo te tratas a ti mismo, porque el precio que pagas por el éxito en esta profesión es muy alto: muchas horas en aeropuertos, jet lags, semanas fuera de casa,… y lo primero que sacrificas, es tu salud. Hace tiempo que no recuerdo lo que es dormir 8h por la noche, es como un sueño que no nos pasa. Quizás dormimos 5 horas, al día siguiente dormimos 3 horas, luego pasamos un día entero sin dormir porque tenemos que coger un vuelo después de pinchar, después sufrimos el jet lag…

ANDREA: La ejecución de ese cúmulo de cosas es lo que te acaba dando esa crisis a nivel personal. Pero lo más importante es saber cómo funciona la industria. Tener presente en todo momento que la industria no es tu amiga. Que mientras tengas éxito, genial, las discotecas te van a llamar, te van a contratar, vas a vender muchas entradas y vas a hacer muchos amigos, pero cuando no…

nada de esto va a pasar y vas a creer que estás en guerra con el mundo. Es muy importante conocerse a uno mismo. Porque no, el mundo no está en guerra contigo, ni todo el mundo te odia ni todo el mundo quiere fastidiarte. Eso es lo que el mercado te hace sentir, pero no es cierto, son consecuencias del mercado. Lo único que puedes hacer es mantenerte profesional, volver a casa, trabajar en el estudio, centrarte en tus futuros proyectos, mantenerte positivo, rodearte de la gente correcta y no desviarte. En mi caso, Adrián me empuja constantemente hacia adelante, me llama, me motiva, siempre está feliz y eso me lo transmite.

Tienes que entender cómo funciona la industria y sus dinámicas para no caer en sus trampas y tocar fondo. El verdadero éxito de esta profesión es mantenerte mentalmente sano y estable, superar esos periodos en los que tu música no recibe toda esa atención que esperas y, al final, te acabas acostumbrando. He visto este tipo de situaciones muchísimas veces en 20 años que llevo de carrera. Y voy a coger la próxima ola que está por venir, que va a ser bastante alta (sino la más alta que he cogido hasta ahora en los últimos diez años), pero para mantenerme sano y estable y ser todavía alguien relevante en la industria, la cual es súper competitiva, voy a intentar mantenerme positivo, porque se vienen muchos proyectos increíbles. Pero si no me hubiese mantenido con esta mentalidad hasta ahora, quizás hace años que hubiese empezado a odiar todo lo que tengo. Hubiese empezado a odiar el mundo porque no estoy en la posición donde estaba hace tres años. En el mundo de la moda pasa exactamente lo mismo. Todo se convierte en una especie de ciclo. Hay que ser capaz de mantener un cierto nivel, y cuando sea tu momento, llegará. Es muy importante saberlo en tu cabeza, porque de otro modo, te quemarás y odiarás a todo el mundo y joderás todas las relaciones que has creado durante años. Yo he pasado por esto muchas veces y he conseguido mantenerme donde estoy.

Me han encantado y valoro muchísimo vuestras respuestas. Creo que el mensaje que habéis transmitido es muy importante y la salud mental afecta de forma diferente dependiendo de la persona y de cómo lo sepa controlar.

ARODES: Sí, es muy complicado controlar tu cerebro, tu estado de ánimo y tus emociones.

Sobre todo cuando no duermes, cuando no tienes tiempo…

ARODES: Sí, exacto, en esos momentos es aún más complicado todo. Ese es el objetivo final, si realmente quieres mantenerte estable mentalmente, tienes que ser fuerte y no intoxicarte ni con lo bueno que te pasa ni con lo malo. Creer en uno mismo es lo más importante, creer en lo que haces, las redes sociales tienen un papel muy fuerte y las cosas suceden muy rápido para todos. Es una industria muy superficial. Pero creo que lo más importante es mantenerse fiel a uno mismo, porque es una carrera de fondo que conlleva mucho años, por lo que lo que hagas tienes que hacerlo de corazón y mantenerte fiel a ti mismo.

ANDREA: Es importante saber lo que hay detrás del telón. Es muy importante ser consciente de que esto no es el paraíso, hay que saber en todo momento hacia dónde te diriges, dónde estás en todo momento, trabajar duro y entender que esto no es como una carrera, esto no es el centro de tu vida, porque hay muchas cosas involucradas que son más importantes, como tus amigos, tu familia…

ARODES: Se trata de ser como una especie de actor. Es importante diferenciar entre tu vida artística y tu vida personal. En mi caso, por ejemplo, “Arodes” es mi nombre profesional, una cosa es ser Arodes y otra cosa es ser Adrián. No somos la misma persona. Pero a veces es difícil diferenciar. Andrea quizás lo tiene un poco más fácil en ese sentido, por ejemplo, porque tiene un hijo. Él se va a casa, con su hijo, su familia y su vida personal, y quizás es en ese momento es cuando toca de pies a tierra. Ese momento es muy sano..

A veces yo digo: vale, no soy Arodes, ahora soy Adri. Pero es muy fácil caer en esa trampa y perder la percepción de ti mismo y basarte solo en lo que dicen u opinan lo demás. Porque sí, a veces te escriben y te dicen que les gusta mucho lo que haces. Pero otro día te dicen totalmente lo contrario y te hacen sentir que no eres nadie. Y eso no es sano.

Don’t believe the hype, tú lo has dicho.

ARODES: Sí, sí, exacto, Don’t believe the hype. Eso lo he visto en actores, que se han vuelto locos porque han interpretado tanto un papel, que se han convertido en el personaje y no saben cómo volver a su verdadero yo. Y creo que es muy importante recordar quién eres en cada momento, aunque sea complicado.

Complicado pero no imposible.

ARODES: Exacto, complicado pero nunca imposible.

Muchísimas gracias por vuestro tiempo, ha sido una charla muy interesante y estamos muy feliz de teneros este mes de Abril en portada. Todo el equipo de Mixmag Spain os deseamos lo mejor en vuestra prolífica carrera musical.

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TEMB: Un libro que retrata la música electrónica sin jerarquías.

Se publicará en el ADE de este año con más de 400 entrevistas

the electronic music book

En menos de dos años y a través de tres ciudades clave de la escena electrónica mundial (Ciudad de México, París e Ibiza), The Electronic Music Book (TEMB) ha tomado forma como un ambicioso proyecto que busca convertirse en una referencia fundamental dentro de la música electrónica. Bajo la dirección de Barbara Turan, que cuenta con una trayectoria en la fotografía profesional y actualmente se dedica a la producción y gestión cultural, este libro de colección combina la sofisticación del arte y la moda con la esencia de la música electrónica. TEMB documenta la historia de más de 400 artistas en un formato enciclopédico que desafía las jerarquías tradicionales de la industria, otorgando el mismo espacio tanto a artistas emergentes como consagrados.

Cada artista en TEMB tiene dos páginas dedicadas a su trayectoria, presentadas con una estética impecable. La composición incluye una fotografía en blanco y negro capturada por los talentosos Alberto Alcocer, Diogo Barroso y Natalia Cruz, acompañada de una entrevista biográfica escrita por Pauline de Saint-Sauveur, escritora especializada en música y moda. La selección de entrevistados es muy diversa, de modo que se abarca tanto proyectos más underground como DJs y músicos muy reconocidos en la industria. Entre ellos, Chloé Caillet, Bora Uzer, Patrick Mason, Joseph Capriati, el dúo francés Chambord y Bedouin, otro dúo icónico, así como Francesca Lombardo.

El libro se publicará en una edición limitada, distribuida en plataformas poco convencionales, como galerías de arte y tiendas virtuales especializadas con una estrategia de difusión bien estructurada, dirigida por la publicista y periodista mexicana Rocío Flores. El lanzamiento tendrá lugar durante el prestigioso Amsterdam Dance Event, que se llevará a cabo del 22 al 26 de octubre de 2025. El empresario Pepe Fischer, socio y amigo del proyecto, ha jugado un papel crucial en su desarrollo, garantizando su crecimiento y proyección global. Bárbara Turan concibió este proyecto como una forma de llenar un vacío en la representación visual y documental de la música electrónica. Inspirada en el formato de los libros de moda, TEMB no solo inmortaliza a los artistas a través de imágenes y palabras, sino que también presenta su discografía completa, un recurso que hasta ahora ha sido difícil de encontrar en una publicación física de este calibre. “La idea de crear un libro así estuvo en mi cabeza por un tiempo, pero antes quería poner en orden mi vida personal, superar una ruptura amorosa y alcanzar un mejor punto de partida para poder poner en marcha este proyecto. Después, me di a la tarea de buscar un escritor. Aquí me gustaría agradecer a Tim de Chambord, quien me presentó a la increíble Pauline: una vez que la encontré, el proyecto comenzó a avanzar”, explica Turan.

Rocío Flores, PR del libro y Artists Liaison está muy contenta con el resultado y comenta: “Me enorgullece formar parte de este proyecto único que narra la historia de más de 400 artistas. […] Es un libro de calidad y diseño excepcional que merece ser visto por todos”. Pauline de SaintSauveur, encargada de escribir las entrevistas y biografías, destaca la riqueza y diversidad del contenido: “Uno pensaría que, con más de 400 artistas, las entrevistas acabarían sonando igual, o que las respuestas serían las mismas. Pero nunca es así, y esa es la belleza del proyecto: aunque las preguntas parezcan similares, las respuestas siempre son diferentes y ayudan a reflexionar sobre la música y la trayectoria vital de cada artista de una forma muy enriquecedora”. Turan también resalta la importancia de la presencia femenina dentro de TEMB: “Ser dos mujeres con Pauline, y ahora tres con Rocío en el equipo, mientras gestionamos un proyecto compuesto casi exclusivamente por hombres, me llena de energía. Tener a una mujer a mi lado desde el principio me ayudó bastante a proporcionar un constante flujo de energía al proyecto y lograr un equilibrio en todas sus fases”.

La ambición de TEMB no se detiene aquí, y las palabras de Bárbara Turan lo deja claro: ”Espero que este primer libro se convierta en más, y con suerte en un proyecto integral y en una comunidad que reúna a todas las personalidades del mundo de la música electrónica”.

40 años de jungle y drum’n’bass: del underground a la fortaleza de Ibiza IMS IBIZA 2025

Legado, innovación y el intercambio generacional en la música electrónica

Cuatro décadas han pasado desde que los breaks acelerados y la energía imparable del jungle y el drum’n’bass empezaron a sacudir la escena británica. Lo que nació como una respuesta radical a los sonidos de club convencionales se convirtió en una de las culturas más resistentes de la música electrónica. En 2025, el IMS rinde homenaje a este legado con una serie de eventos y conferencias que exploran su impacto en la escena a nivel global.

IMS Ibiza 2025 se centra en las conexiones entre diferentes generaciones dentro de la comunidad de la música electrónica. Desde pioneros que sentaron las bases del género hasta los innovadores que hoy empujan sus límites, esta edición será un punto de encuentro entre la sabiduría y la experiencia de los veteranos y la visión de los nuevos talentos.

Akasha Ibiza es el epicentro de esta celebración del legado y la innovación del jungle y el drum’n’bass con un cartel que incluye a Sherelle, Krust, Bailey, Charlie Tee, Mark System y MC Chickaboo.

IMS Dalt Vila: una clausura histórica con el futuro de la música electrónica

Si hay un evento que representa el espíritu del IMS, es la clausura en Dalt Vila. Este año, el legendario recinto amurallado de Ibiza reúne a una selección de artistas que encarnan el intercambio generacional en la música electrónica, desde figuras consolidadas hasta innovadores que están redefiniendo el sonido de la pista de baile.

El cartel incluye a Paco Osuna, con su característico sonido contundente, y a Pete Tong, una de las voces más influyentes y reconocibles a través de la radio de miles y miles de personas desde hace cuatro décadas. Están también TSHA, Major League DJz, Hugel y Girls Don’t Sync demostrarán por qué están marcando el camino para una nueva era de DJs y colectivos.

Dalt Vila es el escenario donde las diferentes generaciones de la música electrónica convergen, fusionando tradición e innovación en un mismo espacio, por eso IMS es el reflejo de una comunidad que se reinventa con cada generación.

Después de darle varias vueltas a cómo empezar este artículo para celebrar los 60 años de Technics, lo primero que hice fue ponerme una sesión only vinyl de DJ Masda en la tienda de vinilos Technique (Tokio), para entrar en calor.

Hablar de Technics, para mí y para todos los que han tenido el placer de hacer girar sus discos en cualquiera de sus modelos, es hablar de perfección, simpleza y durabilidad. Puedes estar pinchando con unos Technics fabricados en Japón en los 80 y, si están bien calibrados, disfrutarás tanto como si tuvieras los de última generación. Dicho esto, Technics ha pasado por infinidad de controles de calidad, hasta el punto de convertirse en los platos preferidos de todos los tiempos, los elegidos por DJs y melómanos de todas las eras. No importa el género musical: si tenías un Technics, tenías oro en las manos.

Para remontarnos a sus inicios, Technics nació hace exactamente 60 años, en 1965, fundada en Osaka, Japón, por la empresa Matsushita Electric Industrial Co., Ltd. Su fundador, Konosuke Matsushita, creó la compañía en 1918 y la convirtió en una de las corporaciones más grandes de Japón, que más tarde pasaría a llamarse Panasonic Corporation.

Su primer lanzamiento fue el altavoz de gama alta Technics 1, que marcó el nacimiento de la marca. Desde el principio, impresionó a los críticos de audio con un sonido potente, muy superior a su tamaño compacto. Se convirtió automáticamente en un éxito en el mercado y sentó las bases para todo lo que vendría después.

En los años siguientes, Technics presentó sus primeros preamplificadores estéreo. En 1966 lanzaron el A10, que mejoraba el sonido reduciendo la distorsión y aumentando la claridad gracias a un sistema de amplificación más avanzado. Ese mismo año también presentaron el 20A, su primer amplificador de alta potencia, algo innovador para la época.

Unos años más tarde, en 1969, llegó el 50A, un amplificador integrado con transistores que se convertiría en modelo estándar para muchas otras marcas.

Con el cambio de década, llegaron los fabulosos años 70 y con ellos el SP-10, el primer tocadiscos de transmisión directa del mundo, que marcó el inicio de una nueva era en el audio.

Su tecnología era avanzadísima para la época: en lugar de usar correas, el motor hacía girar el plato directamente, evitando fallos en la velocidad y mejorando el sonido. Al colocar un vinilo y bajar la aguja sobre sus surcos, las vibraciones grabadas se convertían en sonido. Gracias a su precisión y durabilidad, se convirtió en el favorito de radios y estudios de grabación.

Aunque durante la década del 70 se siguieron lanzando altavoces y amplificadores, lo que llevó a Technics a lo más alto del estrellato llegó en 1979. Las discotecas pedían algo más y, entonces, apareció el SL-1200MK2, una revolución para los DJs.

A diferencia del modelo original, este incluía un control de pitch deslizante (slider) que permitía ajustar la velocidad del vinilo con precisión. Esto hizo posible el beatmatching, es decir, sincronizar dos tracks para mezclarlos sin que se desfasaran. Además, mejoraron el motor de tracción directa, haciendo que el plato alcanzara la velocidad correcta más rápido y sin variaciones.

Gracias a estas mejoras, el SL1200MK2 se convirtió en el tocadiscos estándar en la música electrónica y el hip-hop, y en el favorito de DJs en todo el mundo.

Lo más impresionante de todo esto es que detrás de esta revolución hubo una mente brillante que pocos conocen: Shuichi Obata. Ingeniero de Technics, fue el responsable de desarrollar el sistema de tracción directa que hizo del SP-10 un pionero y que, más tarde, perfeccionó en el SL-1200MK2. Sin su visión y precisión obsesiva, los DJs no habrían tenido en sus manos un plato tan robusto, confiable y preciso. Su diseño fue tan revolucionario que, más de cinco décadas después, sigue siendo el estándar absoluto en cabinas de todo el mundo. Es curioso cómo su nombre pasó desapercibido, pero su legado vive en cada mezcla, en cada ajuste de pitch y en cada club donde un Technics sigue girando.

Después del lanzamiento del SL1200MK2 en 1979, Technics había establecido el estándar absoluto para los DJs. A lo largo de los años 80 y 90, este modelo y sus sucesores se convirtieron en el corazón de la cultura clubbing, del hip-hop, del house de Chicago y del techno de Detroit. No importaba si estabas en un club underground de Berlín, en un block party del Bronx o recorriendo clubs en la Ruta del Bacalao: si había vinilos girando, seguro era en unos Technics.

La fiabilidad de los SL-1200 fue lo que los hizo indispensables. Aguantaban el abuso de DJs que los transportaban de fiesta en fiesta, resistían las vibraciones de los sistemas de sonido más salvajes y mantenían una precisión inigualable en el pitch, permitiendo a los artistas llevar la mezcla a otro nivel. Literalmente pasaron de ser “herramientas” a instrumentos musicales por derecho propio.

A medida que la escena evolucionaba, Technics fue afinando su fórmula con diferentes modelos. En 1982, el SL-1200MK3 mejoró el aislamiento para reducir vibraciones y ruidos, crucial para los clubes con sistemas más potentes. Luego, en 1989, el SL-1200MK3D eliminó el clic en el pitch a 0%, permitiendo transiciones más fluidas. Para el mercado europeo, Technics introdujo el SL-1210MK2, con el acabado negro mate y voltaje adaptado.

En los 90, con el boom del turntablism y la música electrónica, siguieron las mejoras: el SL1200MK5 (1997) perfeccionó la iluminación y el torque del motor, mientras que el SL-1200MK6 (2008) llevó la estabilidad de rotación a otro nivel. Cada versión respondía a una necesidad específica, asegurando que los Technics siguieran dominando la escena sin importar la época.

Sin embargo, en 2010 llegó un golpe inesperado: Panasonic anunció el fin de la producción de los SL-1200. La noticia cayó como un vaso de agua fría en la comunidad DJ. Las unidades existentes comenzaron a subir de precio en el mercado de segunda mano y muchos asumieron que la era de Technics había llegado a su fin. Pero la pasión por el vinilo nunca desapareció y, con su resurgimiento, la presión de los DJs y coleccionistas hizo que la marca escuchara. En 2016, Technics volvió a la carga con el SL-1200G, una versión modernizada con mejoras en el motor y los materiales, manteniendo la esencia de lo que hizo grande a la serie 1200. Fue un regreso triunfal.

En 2019, Technics lanzó el SL1200MK7, una versión más accesible pero fiel a su legado, con mejoras en el motor de tracción directa, un chasis reforzado para reducir vibraciones y un nuevo sistema de iluminación LED. Este modelo fue una declaración de que la marca seguía comprometida con los DJs y la cultura del vinilo.

En los últimos años, la marca ha expandido su catálogo con productos de alta fidelidad como los auriculares inalámbricos EAH-A800, que combinan calidad de sonido premium con tecnología de cancelación de ruido avanzada. También han desarrollado sistemas de audio como la serie OTTAVA o los nuevos CX-CS 700, que ofrece un increíble sonido Hi-Fi en formatos más compactos y modernos.

Hoy, Technics sigue siendo sinónimo de calidad. En una época donde lo digital domina, el vinilo sigue vivo y girando, y los SL-1200 continúan siendo los platos de referencia. Su legado es incuestionable: marcó generaciones enteras de DJs y melómanos y, a 60 años de su nacimiento, sigue siendo el estándar. Porque cuando algo se hace bien desde el principio, se convierte en inmortal.

Y qué mejor ocasión para hablar con Stefanie Baron, representante de Technics en Europa, para charlar con ella sobre su relación con la marca y sobre cómo Technics sigue apoyando a quienes mantienen vivo el legado de Shuichi Obata.

STEFANIE BARON

“Una vez que experimentas un Technics, entiendes por qué está en una liga propia”

Hola Steffanie, me alegra mucho poder hablar contigo, y más aún sobre una de las cosas que más placer me da en la vida: los Technics 1200, algo que se ha convertido en un objeto de apreciación en los hogares de los melómanos, y hasta quienes no saben cómo funcionan quedan fascinados por su diseño y presencia.

¿Qué significa Technics para ti?

Technics es más que una marca, es un legado. Representa precisión, durabilidad y una conexión inquebrantable con la cultura musical. Desde oyentes en casa hasta DJs profesionales, Technics ha moldeado la forma en que las personas experimentan la música por generaciones.

Para mí, personalmente, es un privilegio ser parte de este viaje y contribuir a seguir escribiendo la historia de la serie SL-1200.

¿Recuerdas tu primer encuentro con un SL-1200? ¿Cómo fue ese momento?

Tenía 18 años y estaba en una fiesta en una antigua fábrica en Alemania. Vi a alguien seleccionando un vinilo, colocándolo con cuidado en el plato y bajando el brazo con precisión. En el momento en que la aguja tocó el surco, la sala cobró vida: el sonido cálido, el crujido, la energía,… No se trataba solo de reproducir música, era un ritual, una conexión. Esa noche entendí que el vinilo no es solo escuchar, sino sentir la música.

Y en el centro de todo estaban esos dos SL-1200 creando la atmósfera sin esfuerzo.

¿Cuál es tu rol dentro de la compañía?

Lidero las ventas y el marketing del negocio DJ de Technics en Europa. Mi trabajo es asegurar que no solo ofrezcamos los mejores tocadiscos del mercado, sino que también nos involucremos activamente con la comunidad DJ y del vinilo. Eso significa trabajar estrechamente con artistas, organizadores de eventos y minoristas, además de garantizar que Technics siga siendo una pieza clave en el ecosistema musical.

Muchos usuarios no se dan cuenta de que la calibración del tocadiscos debe ser precisa al milímetro. ¿Qué tan importante es una configuración perfecta junto con las agujas?

Es absolutamente crucial. Un tocadiscos bien calibrado garantiza la mejor calidad de sonido, minimiza el desgaste del vinilo y optimiza el rendimiento, especialmente para DJs. El balance del brazo, el ajuste del anti-skate y la alineación del cartucho juegan un papel fundamental. Si algo está ligeramente desajustado, puedes perder claridad, dañar los discos o experimentar saltos en la reproducción. La serie SL-1200 fue diseñada para ofrecer precisión tanto a DJs como a audiófilos, pero, como cualquier equipo de alto rendimiento, la configuración es clave.

¿Cómo sigue Technics apoyando la cultura del vinilo y manteniéndola viva?

Mantenemos viva la cultura del vinilo refinando nuestros tornamesas, colaborando con artistas e inspirando a nuevas generaciones. Apoyamos eventos y DJs de vinilo en todo el mundo, destacando el valor del sonido analógico en una era digital. En eventos como Sónar Week y ADE, nos involucramos directamente a través de workshops, sets exclusivos en vinilo y experiencias únicas. Technics es más que tornamesas, es una cultura.

En un mundo donde el streaming domina la industria, ¿qué lugar ocupa el vinilo en el ecosistema musical actual?

El vinilo ofrece algo que el streaming nunca podrá dar: tangibilidad, calidez y una conexión más profunda con la música. No se trata de conveniencia, sino de experiencia. El resurgimiento del vinilo demuestra que las personas siguen buscando una relación física y auténtica con su música. Para los DJs, sigue siendo una herramienta esencial, y para los coleccionistas, es una forma de apreciar el arte de un álbum. Además, el vinilo añade valor a la producción musical: prensar un disco le da a la obra de un artista una presencia duradera y significativa más allá de lo efímero del streaming digital.

Si tuvieras que elegir un solo modelo de Technics, ¿cuál sería y por qué?

¡Es difícil para mí elegir porque soy una gran fan! Me encantan mis auriculares AZ100 true wireless para el día a día, ya que los tengo conectados tanto a mis teléfonos como a mi PC. Pero para mi corazón de DJ, sin duda sería el SL-1210MK7. Mantiene el diseño legendario del 1200, pero con mejoras modernas como el motor de tracción directa sin núcleo para un rendimiento más suave, ajustes de par y freno, y doble ajuste de pitch (+-16%) para mayor flexibilidad creativa. Ya sea para Digital Vinyl Systems, Phase DJ o vinilo real, el MK7 lo controla todo.

Es el equilibrio perfecto entre la sensación clásica, el diseño ligero y las características contemporáneas, lo que lo hace ideal tanto para DJs como para amantes del vinilo. Para aquellos que buscan algo aún más avanzado, el SL1200GR2 / SL-1210GR2 eleva el nivel con un control digital del motor mejorado para una rotación ultraprecisa. Está diseñado para audiófilos que exigen la más alta calidad de sonido, sin perder las cualidades atemporales que hacen icónicos a los tornamesas de Technics.

Para quienes quieren iniciarse en el vinilo, ¿qué consejo les darías? Y, por supuesto, ¿por qué deberían elegir Technics?

¡Empieza por lo que te emocione! Ya sea coleccionar discos, hacer DJing o simplemente disfrutar de álbumes en casa, el vinilo trata sobre la conexión personal. Invierte en un buen equipo: un buen tornamesa y una buena aguja marcarán la diferencia. Y, por supuesto, Technics es el estándar de oro. Nuestros tornamesas están hechos para durar, diseñados con precisión y confiados por DJs y coleccionistas en todo el mundo. Una vez que experimentas un Technics, entiendes por qué está en una liga propia.

GUIA DE FESTIVALES 2025

¡Con la temporada de festivales a la vuelta de la esquina, os hemos preparado una guía especial para ayudaros a planificar esta temporada 2025! En esta edición de Mixmag Spain, os traemos una selección de los festivales más destacados, tanto a nivel nacional como internacional, que marcarán el año. Desde los clásicos imprescindibles hasta nuevas propuestas llenas de energía, en esta guía encontraréis todo lo que necesitáis saber para no perderos los eventos más importantes y vivir experiencias únicas.

FURY FESTIVAL

4 DE ABRIL

Madrid será el epicentro del hard techno con la llegada del Fury Festival al Recinto Ferial IFEMA. Este evento promete una experiencia inmersiva con sonidos crudos e industriales.

IFEMA, MADRID

SUN & SNOW WEEKEND

4 AL 6 DE ABRIL

Una de las citas ineludibles que combina música electrónica, nieve y un line up que les sitúa en el mapa de los festivales más valorados a nivel internacional.

SIERRA NEVADA

TIME WARP

5 DE ABRIL

Time Warp, uno de los festivales de música electrónica más emblemáticos del mundo, se celebrará el próximo 5 de abril en Mannheim, Alemania. Durante tres décadas, Time Warp se ha destacado a nivel mundial por sus inquebrantables niveles de producción.

MANNHEIM (ALEMANIA)

WAKE UP! FESTIVAL SEMANA SANTA

17 DE ABRIL

WAKE UP! sigue creciendo en la comunidad y regresa a la ciudad de Vigo este abril. Este festival eleva aún más el listón, reafirmando la esencia y el buen hacer de la marca con nombres como Deborah De Luca, Nina Kraviz, 999999999, entre otros.

VIGO

TERMINAL V

19 Y 20 DE ABRIL

Los fanáticos del techno de todo el mundo se congregarán en la capital escocesa para dos días inolvidables en el festival, que tendrá lugar en un recinto cubierto y al aire libre, con 6 escenarios.

EDINBURGO

ELROW TOWN

1 DE MAYO

El festival más grande de elrow aterriza en IFEMA Madrid el jueves 1 de mayo, con una jornada de música y espectáculo que se extenderá desde las 12:00 a las 00:00 h.

IFEMA MADRID

L.E.V. FESTIVAL

1 AL 4 DE MAYO

L.E.V. Festival (Laboratorio de Electrónica Visual) celebrará su 19ª edición del 1 al 4 de mayo de 2025, y llevará a Gijón a una programación única de cuatro días.

GIJÓN

EDC

16 AL 18 DE MAYO

La edición 2025 de EDC Las Vegas llega con una nueva temática: Kinetic Metropolis. En esta ocasión, el festival se transformará en una ciudad futurista llena de sonido, energía y más.

LAS VEGAS

MAUDES FESTIVAL

24 Y 31 DE MAYO

Maudes vuelve a Madrid este año con dos jornadas en el Parque Enrique Tierno Galván.

MADRID

PRIMAVERA SOUND

4 AL 8 DE JUNIO

Primavera Sound es un festival de música celebrado anualmente en Barcelona, conocido por su cartel diverso que abarca indie, rock, electrónica y más. Es uno de los eventos musicales más importantes de Europa, atrayendo a artistas de renombre y a miles de asistentes de todo el mundo.

BARCELONA

UNUM FESTIVAL

5 AL 10 DE JUNIO

Unum Festival se caracteriza por cinco elementos simples de la vida: la música, la arena, los pinos, el mar y las montañas. La playa dorada de Rana e Hedhur es el lugar donde el festival acogerá a más de 90 artistas internacionales y locales a lo largo de 5 días y 5 noches.

ALBANIA

KALA FESTIVAL

4 AL 11 DE JUNIO

Kala es un festival de música boutique que se celebra en Dhërmi, un impresionante destino de playa en la Riviera Albanesa. La experiencia del festival ha sido cuidadosamente diseñada para ofrecer una combinación soñada entre un festival de música y unas vacaciones en la playa.

ALBANIA

OFFSÓNAR

10 AL 15 DE JUNIO

OFFSónar, el emblemático evento con un cartel formado por los principales artistas de electrónica del mundo. Un año más, cogerá el control del icónico Poble Espanyol para ofrecer una experiencia excepcional con algunas de las mejores vistas de Barcelona.

BARCELONA

SÓNAR BARCELONA

12 AL 14 DE JUNIO

Sónar Barcelona se proclama cada año como uno de los puntos de encuentro para los amantes de la electrónica. 117 shows en directo, DJ sets y performances multidisciplinares en diversos escenarios repartidos entre Sónar de Día y Sónar de Noche.

BARCELONA

OFFBCN

13 Y 14 DE JUNIO

OFFBCN es un festival nacido en 2014 que celebra la cultura del baile y de la música electrónica en un evento con una producción tecnológica espectacular, divertido y transformador que eleva el concepto de fiesta a nuevos estándares y une a la comunidad clubber global.

BARCELONA

OFFWEEK

14 Y 15 DE JUNIO

Barcelona se convertirá durante dos días en el epicentro de la música electrónica. OFFWEEK reúne a los sellos y colectivos más influyentes del techno y house underground a nivel internacional.

BARCELONA

WAKING LIFE FESTIVAL

18 AL 23 DE JUNIO

Waking Life es un festival de mediados de verano que celebra la imaginación humana y los matices más peculiares de la vida. Un encuentro psicodélico de una semana en un jardín vivo, dedicado a las contraculturas emergentes, la experimentación artística y la expresión personal vibrante.

CRATO, PORTUGAL

MAR ELECTRONIC FESTIVAL

21 JUNIO

El festival revelación de 2024 en el puerto de Valencia regresa este año con 5 nuevas ediciones. El 21 de junio tendrá lugar Mar Electronic Festival con capacidad de hasta 7.000 asistentes, un evento único donde podremos disfrutar de artistas como Marco Faraone, Miguelle & Tons, Tony Guerra, Esther Bronchal y Fran Hernández, entre otros.

VALENCIA

HIDEOUT FESTIVAL

22 AL 26 DE JUNIO

Hideout Festival reúne a los mejores artistas de la música electrónica durante cinco días y noches en Zrce Beach, Croacia, en la isla de Pag. Imagina fiestas en la piscina bajo el sol, impresionantes boat parties y raves espectaculares en cinco escenarios frente al mar.

CROACIA

WAKE UP! FESTIVAL

4 Y 5 DE JULIO

Un año más regresa Wake Up! Festival, uno de los eventos más aclamados por los amantes de la electrónica. El festival celebrará su tercera edición en el Parque de Bens, A Coruña. La ubicación en el norte ofrece un plus en la experiencia del festival, rodeado de naturaleza y un clima perfecto para este evento.

A CORUÑA

KAPPA FUTURFESTIVAL

4 AL 6 DE JULIO

El Kappa FuturFestival, reconocido como uno de los eventos más destacados de la escena electrónica y las artes digitales en Europa, celebrará su 12.ª edición en el emblemático Parco Dora de Turín, Italia. Tras batir récords en ediciones anteriores, reuniendo a asistentes de casi 200 nacionalidades, el festival se prepara para ofrecer una experiencia inolvidable este verano.

TURÍN, ITALIA

MAD COOL

10 AL 13 DE JULIO

Mad Cool celebra este año su octava edición en la que podremos disfrutar música rock, pop, electrónica e indie. Este año contará con un escenario dedicado exclusivamente al techno, en colaboración con Brunch Electronik.

MADRID

BBK LIVE

10 AL 12 DE JULIO

Bilbao BBK Live vuelve en 2025 con su 18º edición con nombres conocidos y nuevos para seguir llevando la mejor música a Bilbao.

BILBAO

EXIT FESTIVAL

10 AL 13 DE JULIO

Exit es un festival de música de verano que se celebra en la Fortaleza de Petrovaradin en Novi Sad, Serbia. Fundado en el año 2000, ha ganado en dos ocasiones el premio a Mejor Festival Grande en los European Festivals Awards, en 2013 y 2017. Además, en 2007 fue reconocido como “Mejor Festival Europeo” en los UK Festival Awards.

SERBIA

AWAKENINGS SUMMER FESTIVAL

11 AL 13 DE JULIO

El icónico Awakenings Festival reunirá a 100.000 asistentes en uno de los mayores eventos de techno del mundo. Con siete escenarios, incluyendo el clásico main stage y un íntimo palco en el bosque, contará con artistas como Charlotte de Witte, Carl Cox, Chris Stussy, Ben Klock y The Martinez Brothers.

PAÍSES BAJOS

ULTRA EUROPA

11 AL 13 DE JULIO

Este año Ultra Europa celebra su 11ª edición, un festival que hará vibrar a sus asistentes desde el atardecer hasta el amanecer durante tres noches espectaculares con un cartel repleto de los mejores artistas de música electrónica y sus vibrantes beats.

SPLIT, CROACIA

DOMO

12 DE JULIO

La marca granadina DOMO ha conseguido posicionarse como referencia dentro de la escena. Tras su éxito absoluto en las pasadas ediciones en febrero, vuelve en julio con su domo de verano con un cartel que todavía está por descubrir.

COMPLEJO EMBRUJO, GRANADA

TOMORROWLAND

Tomorrowland es el mayor festival de música electrónica del mundo celebrado en Boom, Bélgica, que combina actuaciones de grandes DJs con una experiencia visual y temática inmersiva.

BÉLGICA

PAROOKAVILLE

Parookaville es mucho más que un festival de música electrónica; es un universo paralelo lleno de creatividad, música y energía desbordante. Celebrado anualmente en el aeropuerto de Weeze, Alemania, esta ciudad ficticia emerge cada verano para ofrecer a miles de asistentes una experiencia inmersiva única

AIRPORT WEEZE, ALEMANIA 18 AL 20 DE

FIB

17 AL 19 DE JULIO

El Festival Internacional de Benicàssim, también llamado FIB, se caracteriza por su eclecticismo y su orientación hacia las tendencias más innovadoras frente a otros festivales españoles más orientados a estilos musicales específicos o asentados

BENICÀSSIM

A SUMMER STORY

20 Y 21 DE JULIO

A Summer Story regresa en 2025 para demostrar una vez más que es uno de los festivales más top de la escena internacional. Una experiencia inolvidable en una espectacular localización con la presencia de algunos de los mejores DJs nacionales e internacionales del momento.

ARGANDA DEL REY, MADRID

MONEGROS DESERT FESTIVAL

26 DE JULIO

Durante 22 horas de música ininterrumpida, más de 50.000 almas se unen en este megafestival para vivir una experiencia sensorial que va más allá de lo convencional en festivales. Al ritmo de los DJs más destacados de la escena electrónica y techno, los asistentes podrán disfrutar de una atmósfera única, donde la música se fusiona con la inmensidad del desierto, creando una energía incomparable.

DESIERTO MONEGROS

DEKMANTEL

30 DE JULIO AL 3 DE AGOSTO

Dekmantel Festival es un festival de música electrónica al aire libre y de múltiples géneros, organizado por Dekmantel. La música que se escucha en el festival es una mezcla de house, techno y disco.

AMSTERDAMSE BOS EN AMSTELVEEN

NEOPOP FESTIVAL

7 AL 9 AGOSTO

Bajo el lema Interplanetary Dance Music, el Festival NEOPOP regresa a Viana do Castelo. En su 18ª edición, contarán nuevamente con dos escenarios de música, reuniendo a artistas consagrados y emergentes para una experiencia única e inmersiva de música y arte visual.

VIANA DO CASTELO, PORTUGAL

DREAMBEACH FESTIVAL

7 AL 10 AGOSTO

El cartel de artistas de la 11ª edición presentará muchas sorpresas de talla internacional, apostando tanto por grandes nombres del circuito electrónico que han pasado por Dreambeach a lo largo de esta década, así como nuevos referentes o artistas urbanos, y también dará un espacio de relevancia a la escena nacional y local.

PLAYA DE EL TOYO, ALMERIA

BRUNCH ELECTRONIK FESTIVAL

7 AL 10 AGOSTO

Cuatro días de la mejor música en algunos de los venues más icónicos de Barcelona. Música electrónica, DJs, bandas y shows en directo, mercado de comercio local y foodtrucks con opciones veganas y vegetarianas.

BARCELONA

MEDUSA FESTIVAL

7 AL 11 AGOSTO

El festival líder para los amantes de la música electrónica regresa a Cullera, Valencia. Han preparado tres días en los que algunos de los mejores DJs del mundo, como Armin Van Buuren, Paco Osuna, Klangkuenstler, Sefa, PAWSA, Afrojack y muchos más, subirán al escenario para ofrecer una experiencia épica.

CULLERA, VALENCIA

AQUASELLA

14 AL 17 AGOSTO

Vuelve un año más uno de los festivales más históricos de música electrónica de España, Aquasella, con una edición que promete ser única. Arriondas-Cangas de Onís (Asturias) vuelve a ser la sede de este gran festival.

ASTURIAS

CREAMFIELDS

21 AL 24 AGOSTO

Más de 80.000 fanáticos de la música harán su peregrinaje anual a Daresbury, en Cheshire, para disfrutar de este gran festival de cuatro días de camping y ver a algunos de los nombres más grandes de la música electrónica.

DARESBURY, UK

DEKMANTEL SELECTOR

21 AL 25 AGOSTO

Tomorrowland es el mayor festival de música electrónica del mundo celebrado en Boom, Bélgica, que combina actuaciones de grandes DJs con una experiencia visual y temática inmersiva.

TISNO, CROACIA

BURNING MAN

24 AGOSTO AL 1 SEPTIEMBRE

Cada año, decenas de miles de personas se reúnen en el desierto de Black Rock para dar vida a una metrópolis efímera de arte, comunidad y autoexpresión. Aún sin cartel anunciado, el Burning Man promete grandes sorpresas.

BLACK ROCK DESERT, EEUU

DRAAIMOLEN FESTIVAL

5 Y 6 DE SEPTIEMBRE

Draaimolen Festival es un festival 100% independiente y sin fines de lucro con sede en Tilburg, Países Bajos. La simbiosis perfecta entre música, arte y naturaleza donde disfrutar una experiencia inmersiva que celebra la creatividad por encima del comercialismo.

PAÍSES BAJOS

TIME WARP SPAIN

10 Y 11 DE OCTUBRE

Time Warp regresará a Madrid para su segunda edición, tras su debut en octubre de 2024. Este evento ofrecerá una experiencia única que combina música electrónica y sensaciones inmersivas, respaldada por una de las marcas más icónicas de la escena internacional.

IFEMA, MADRID

DE 17:00H A 00:00H

FLEUR SHORE

GABRIELE TOMA PIN · ELI SANMER

DE 00:00H A 07:00H

ALEX O · APARICI

comeback

La vida da muchas vueltas. Cuando parece que cierras una puerta, se abre una ventana que puede dar pie a que, lo que permanecía sellado, vuelva a tener esplendor. Es lo primero que uno puede pensar de un artista como Manu García. Un DJ, productor y pianista que comenzó su carrera como Groove García y que como UNER conquistó las pistas de medio mundo hace más de una década; los mejores y más populares festivales y clubs, como Tomorrowland o Ushuaïa Ibiza, saben lo que es bailar a su ritmo. Por si fuera poco, publicó música en sellos como Cadenza, Cocoon, Visionquest, Diynamic o Poker Flat, entre otros. Y en 2019 tomó la decisión de desaparecer el mapa.

Un borrón y vida nueva de un artista que fue capaz de regresar y seguir contando con el respeto de colegas de profesión. Una decisión valiente y loable para comenzar de cero con un proyecto algo más especial como es NIN3S, en el que ha estado envuelto en el último lustro. Un tiempo en el que ha

presentado hasta tres discos, llevando su discurso de música electrónica sin ataduras de estilos a teatros y espacios diferentes del ámbito puramente clubbing.

Sin embargo, una vez que el público ha caído en la cuenta de que NIN3S es UNER, ha nacido cierta nostalgia por volver a bailarle en la pista. Y algo se le debe haber removido al artista para tomar la decisión de reactivar su alter ego más bailongo. Pero, ¿cómo volver si uno ya no es el mismo? Evolucionando.

Y eso es lo que transmite con CONTICINIUM, su segundo trabajo en largo como UNER que ve la luz este mes de abril. Un álbum profundamente personal que encapsula su viaje de transformación, reflexión y renacimiento artístico bajo el aka que puso los focos mediáticos sobre él. Ahora desde la independencia artística más absoluta. Con la ilusión de un chaval, pero la experiencia de un veterano. El álbum es más que una colección de temas, ya que plantea una narrativa intrincada que entrelaza momentos de intensidad, belleza y energía. Y de

nuevo, desatado a nivel de estilos. Es otro UNER donde abraza el techno, el breakbeat, la bass music, el IDM y hasta un neo-trance poderoso. Cada producción de las 11 que componen el LP refleja la naturaleza cíclica del crecimiento: derrumbarse, reconstruirse y emerger más fuerte. Hay una fuerte emotividad que se transmite en sus beats y melodías. Una larva electrónica que anidaba en él y de la que ha nacido una exultante mariposa. Temas como ‘Chrysalis’ y ‘Renaste’ enmarcan este viaje, simbolizando el principio y el final de una metamorfosis vital y artística. Ya sea la energía visceral de ‘Internal Demolition’, la introspección colectiva de ‘Time Masses’ o la alegría frenética de ‘Siddhi’, cada pieza contribuye a una experiencia auditiva cohesiva en fondo, pero diversa en forma. Sí, ahora se puede decir que UNER ha vuelto y que convivirá con NIN3S.

Lo dicho, la vida es un continuo comeback.

HEADLINER R4

LA NUEVA MEZCLADORA ROTARY DE 4 CANALES

El Headliner R4 es un mixer rotatorio analógico de 4 canales diseñado para llevar la experiencia del DJ al siguiente nivel. Siguiendo la tradición de calidez, precisión y accesibilidad, el R4 incorpora componentes de alta calidad, incluyendo potenciómetros ALPS genuinos, garantizando una experiencia de mezcla excepcional.

CARACTERÍSTICAS

PRINCIPALES

El R4 cuenta con cuatro entradas de línea, tres entradas phono y una entrada de micrófono distribuidas en cuatro canales estéreo. Cada canal ofrece un control de ganancia con indicador LED de picos, ecualizador de 3 bandas tipo isolator, selector de preescucha en auriculares, un generoso knob de volumen de canal y un interruptor de activación de filtro, permitiendo un control total sobre la mezcla.

En el corazón del R4 se encuentra el canal Master, equipado con un filtro analógico, monitoreo de auriculares y una completa sección de control de salida. Los DJs pueden alternar fácilmente entre los modos de filtro High Pass y Low Pass, ajustando la frecuencia y la resonancia para esculpir su sonido característico.

CONECTIVIDAD Y DISEÑO PROFESIONAL

El R4 ofrece salidas Master y Booth independientes, ambas con control de volumen y conectores balanceados XLR y no balanceados RCA, asegurando compatibilidad con una amplia gama de sistemas de sonido. Además, cuenta con un medidor LED de doble canal para un monitoreo preciso del nivel de salida, una salida de grabación dedicada con conexiones RCA no balanceadas y una entrada de micrófono adicional con control de nivel en el panel frontal.

Diseñado para DJs que buscan calidez y precisión en su sonido, el Headliner R4 es una opción ideal tanto para sesiones de house y techno como para mezclas de funk, soul y disco. Su versatilidad y calidad de sonido lo convierten en un aliado imprescindible para quienes buscan una experiencia de mezcla superior.

PROS

• Precio accesible en comparación con otros mixers rotary.

• Construcción sólida y robusta.

• Potenciómetros ALPS de alta calidad.

• Salidas balanceadas XLR y no balanceadas RCA para mayor flexibilidad.

• Sección de filtro dedicada con controles de frecuencia y resonancia.

• Ecualización tipo isolator de 3 bandas para mayor precisión en la mezcla.

CONTRAS

• El filtro genera un pequeño click en el sonido al activarse.

• Los knobs de volumen pueden sentirse demasiado blandos en comparación con otros mixers rotary.

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

LAWRENCE HART - COME IN OUT OF THE RAINDOMINO RECORDS

Es, por fin, el estreno a lo grande -y en solitario- de Lawrence Hart. Un productor que no ha escatimado en juntiñas de las buenas. Es posible que te suenen algunos lanzamientos suyos a pachas con grandes nombres como George Fitzgerald o Alan Fitzpatrick. ‘Come In Out The Rain’ es un LP donde decididamente se nos expone el trabajo de un multiinstrumentista que resuelve bastante bien en cuanto a ritmos bailongos (UK step, Garage, House) y atmósferas que yacen entre lo luminoso y positivista. Lo nostálgico y cinemático. Todo en el mismo tarro. Por eso, a poco que te enchufes el disco, notarás grandes contrastes entre cortes como ‘The Wave Cry’ o ‘Just Belong’. ‘Still But Still Moving’ o ‘Love U Bring’. Por lo general, síntesis y buenos beats, que colisionan con frases vocales un tanto pituferas.

SOMNE - NEW ENERGYAURA DINAMICA

Artistas como Overmono, y me consta que su buen amigo Joy Orbison, mucho tienen que ver con el sonido final escogido por este productor, el milanés Federico Maccherone aka Somne. ‘New Energy’ trata por igual los breaks entrecortados de temple underground (Electro, Step, Garage) con el valor añadido de los subgraves y las melodías que coquetean con la euforia y luego se desdibujan. ‘Run’ y ‘Request’ te van a contar eso mismo, pero con música. Pero también se da coba, hay espacio y mimos para el Techno un tanto atmosférico (‘Midnight City’). Cuando Somne el autor se queda a medio camino de todo, encima saca brillo a las melodías de sinte, es cuando más (me) convence. ‘Bone’ al podio. En cambio, jugando al pop urbanita (‘Coble’), lo que sucede es una especie de gatillazo.

LIL’T - BACK 2 THE FUTUREPILLOWTALK MUSIC

Una sonora sacudida de prejuicios. Por si no quedó claro, en este álbum no busques un atisbo de recelo. Se despachan libres, durante las diez piezas que lo componen, una entretenida fusión de la electrónica indómita. Desde indie dance, pasando por Future House, Synth-disco, 2 Step e incluso Dub (curioso punto de partida ese ‘Mama Knows Best’). Un desafío de géneros donde el autor, Michael Tello (parte del dúo Pillow Talk), sale airoso. Sin estar ante de uno de los discarrales de la temporada, sí que degustamos varios tempos sonoros encapsulados con poco tropiezo. Destacaría cortes como ‘Eyes Wide Shut’ con Tone of Arc, ‘Free Yo Body’ con Jowil De La Vega o ‘C 2 Believe’ junto a Wolf + Lamb. Y es que sí, las colaboraciones también aportan su colorido a un ya de por sí heterogéneo trabajo.

ALEXANDER FLOOD - ARTIFACTUAL RHYTHM - ATJAZZ RECORD COMPANY

Ha sido enchufarme a este disco y darme cuenta al instante de lo que se avecina. Calorcito, playa, noches sin fin de baile con la brisa del mar en el cogote… Y es que ‘Artifactual Rhythm’ exuda calidez y buen rollo. Luego es de esos LP que se quedan para seguir sonando año tras año. Verano tras verano. Gran culpa de esto debería ser la manera de manejar el House (cantado) con formas de Funk y Jazz. Temas que si bien pueden estar inspirados en mucha chicha lanzada y escuchada a finales de los 90 y los primeros 00, acaban sonando atemporales. Una fusión donde no falta el factor humano, tampoco los aspectos más contemporáneos. Las pistas donde más disfruté de la labor del artesano músico fueron: ‘Cinnamon & Clover’, ‘Vibraçāo’ y ‘Artifact’.

ÁLBUM DESTACADO

DEBORAH DE LUCA -HARD POP VOL. 2SOLAMENTE RECORDS

La reputación de la diva del Techno italiana continuará creciendo tras la salida de este tochazo de álbum. Segundo volúmen del aclamado ‘Hard Pop’, que suma hasta veinticinco cortes, con poco margen para el respiro. La fusión que la ha catapultado continúa omnipresente. A su tempo endemoniado y pistero se le siguen pegando como ventosas melodías ‘maquineras’, mayormente duras y eléctricas, y voces que, de algún modo, contrastan por su tono más sensual o de lamento. Mención aparte para Valeria Mancini, quien colabora en hasta cuatro temas. Ella si vacila acorde con la chicha que la acompaña por debajo. Más bien encima, pues el cañoneo de beats es tan retorcido como duro e incesante. Ah, se cumple un año justo del tumor que le extirparon. Nos alegramos que siga todo bien, ¡a tope con la napolitana!

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca

KASSIAN - CHANNELS!K7 RECORDS

Si es que, antes lo digo, antes pasa. No se va a quedar fuera del repaso de este mes Kassian con ‘Channels’ en un señor sello como !K7. Este proyecto, también crecido en cuanto sensaciones y calidez, es un invento armado a base de microajustes y a partes iguales por Joe Danvers-McCabe y Warren Cummings. Crecen mejorando. Hay un género que les une: el House. Pero ahí no se quedan reposando. El modo de recrearlo es con la naturalidad de un florista -melodías y patrones entrelazados con finura- que también de acercarlo al Techno de aires subterráneos pero con terminaciones nerviosas emocionales, o al UK Step cercano y espontáneo, logran que el dúo sobresalga. Aparcando la retórica a un lado. Este LP es canela en rama. Un soplo nada estático de aire fresco con canciones muy bien hechas. Eso es.

AMINE LAJE - DATSHAROTARY PHONO LAB

Cuando se tiene una cabeza que es una pura metralleta de crear, pasan estas cosas. Amine Laje, es el nuevo seudónimo del productor francés Romain Poncet, conocido a su vez como Traumer. En su música acostumbra a mezclar Techno, House y minimalismo. Poquito de todo eso esta vez. ‘Datsha’ se erige sobre todo con secciones de Downtempo y Neo Jazz. ‘Little Bird Wants To Fly’ es, por ejemplo, una estupenda manera de identificar todo eso. Encima, una pieza muy pegadiza. Un disco donde tampoco falta el arte del sampleo. Atmósferas y cuerdas sacadas de contexto, reinventadas en ‘60th’. O que se arriman al Hip Hop abstracto (‘Love 4 Em’). Por momentos me ha recordado a cosillas de Nightmares on Wax, así como a los icónicos Mushroom Jazz de Mark Farina. Y esto, no es malo.

DEGIHEUGI

& MISCELLANEOUSEVERYTHING’S FINE - ENDLESS SMILE / X-RAY PRODUCTION

Tanto va el cántaro a la fuente… Que al final se acaba enamorando de la fuente ¿eso no era así, verdad? A ver, donde yo quiero llegar es que, Degiheugi, un beatmaker que muestrea y recrea texturas sesenteras, jazzeras, orientales y latinas como pocos, para dar origen a refinados instrumentales, no se ha podido resistir y ha vuelto a sus orígenes. Cuando era DJ de un grupo de rap. Se alía con el MC norteamericano Miscellaneous para su nuevo disco de estudio. Un lanzamiento repleto de intensidades -Boom bap, Breaks, Hip Hop- donde se coordinan muy bien el verbo nervioso (‘Cenosillicaphobia’, ‘Pick A Side’) con la calidez y sonidos más expansivos (‘River Nile’, ‘Sunshine Distributor’). No faltan tampoco un puñado de skits y otros invitados como Youthstar, Cheeko o Mr. Jo Medeiros.

TASHA LARAE - RIGHT NOWQUANTIZE RECORDINGS

La voz de Tasha LaRae ha servido ya de inspiración para varias generaciones de Atlanta. Llegó incluso a ser la vocalista principal femenina del grupo Arrested Development. Ahí fue donde di con ella por primera vez. Ahora, en solitario, se dedica en cuerpo, voz y alma al House de tintes Funk y Disco. Lo sé, un género que suele renovarse poco, pero que sigue gozando del beneplácito de mucha gente. Entre ellos, muchos DJ. ‘Right Now’ es su segundo álbum volando sola. En esta ocasión se asocia con DJ Spen, y como ya sabes se expresa a través del Soulful House, el R&B, el baile y su torrente vocal. Canciones que reflejan diversos puntos de vista sobre el amor, la manifestación de sueños y un mensaje muy claro: ¡vivir la vida al máximo!

REVIEW CLÁSICO

UNDERWORLD -

Una de las cosas que más me fascinan de álbumes como este, es que no saben envejecer. Los escuchas una y otra vez, incluso cuando han pasado la tira de años desde su estreno en 1994, y además de sonar la mar de bien, la técnica y el sonido, resultan del todo atemporales. En ‘Dubnobasswithmyheadman’ hay obsesión por el Techno, por la música electrónica, pero desde un prisma muy cercano y natural. De respeto y comunidad. Es, como llegué a leer, una hermosa oportunidad de sentir la cultura de club fuera del club, sin perder pizca de la escena y su poder emocional. En este largo se asentaron las bases de cómo inquietar con lo sombrío, las repeticiones, a la vez que cautivar con sus capas y texturas vocales. Grandísimos temas como ‘Cowgirl’ o ‘Spoonman’ están aquí.

BREAKS

Autor: Eduardo Carbonell

breaks@mixmag.es

OPTOMETRY - LEMURIAPALETTE RECORDINGS

Optometry es un dúo de Los Ángeles formado por John Tejada y March Adstrum, que combina la electrónica y el indie rock. Adstrum aporta su etérea voz y las letras inspiradas en su diario, mientras que Tejada incorpora sintetizadores, cajas de ritmos y efectos. Desde el primer tema, titulado ‘Inside a Wire’, el dúo ya nos deja claras sus influencias con esos breaks que acompañan a la producción. Las canciones reflejan un viaje emocional: ‘Bon Voyage’ aborda la despedida, ‘Another Shield’ es un homenaje familiar y ‘99’ critica la nostalgia en favor del cambio, a ritmo de breakbeat. Musicalmente, el álbum fusiona texturas melancólicas con una energía vibrante, mezclando guitarras, baterías y manipulación digital. La química del dúo brilla por su experimentación, creando un paisaje que captura vulnerabilidad y transformación en cada canción.

LA GORE -

NO QUIERO TU AMORAUTOPRODUCCIÓN

Hablando de fusiones, si hay una fusión con la que me explotó la cabeza el pasado año esa es la de La Gore, nombre artístico de Lidia Navarro, artista de Utrera con raíces flamencas y formación en sonido. Desde niña estuvo ligada al cante y el baile, destacando en concursos y festivales. Ha explorado el rock y la electrónica, lanzando un álbum de pop oscuro y actuando en festivales góticos. Galardonada por su adaptación de ‘Bodas de Sangre’, hoy fusiona flamenco y electrónica. A finales de año sorprendía con ‘Ya no quiero tu amor’, una fusión de folclore andaluz y nada menos que big beat punkarra, con una producción muy bien conseguida. A este le ha seguido otro lanzamiento más reciente, titulado ‘Deseo pa’ ti’, donde vuelve a utilizar el breakbeat como método de descontextualización del folclore.

FRAMEWERK - NEW YEAR NEW REWERKSBANDCAM

‘New Year New Rewerks’, así anunciaba el dúo inglés Framewerk, compuesto por Darren James y Alec Milliner, su entrada de año. Como viene siendo ya costumbre, esta dupla nos surte desde su cuenta de Bandcamp de sus más recientes remixes con lanzamientos efímeros. Después de sus tres recopilatorios ‘Breaks Edits’, nos llegaba este ‘New Year New Rewerks’ con 11 nuevos trabajos donde nos traen viejos clásicos como el ‘Raincry’ de God Within. A este le han seguido dos recopilatorios más, donde alejándose un poco de su tradicional progressive breaks atmosférico, pero sin dejar atrás la musicalidad, remezclan clásicos del breakbeat hardcore y la época rave. Recomendamos estar atentos a sus redes sociales, ya que este tipo de lanzamientos duran muy poco en Bandcamp y luego no vuelven a estar disponibles para descargar, siendo posible escucharlos de nuevo solo si vas a verlos en directo.

FIRESTAR SOUNDSYSTEM - DISRESPECTBANANA CLUB

El nuevo trabajo del canadiense Andrew Abrey, más conocido como Firestar Soundsystem, nos lo trae el sello nacional Banana Club, propiedad del gaditano Fran Marchante, alias FM-3. En este nuevo lanzamiento, el canadiense nos ofrece un single de breaks melódico donde fusiona las técnicas de producción del stutter house con los ritmos rotos. Un track perfecto para disfrutar en grandes carpas y festivales. Muy recomendable también otro de sus lanzamientos más recientes como es el pistero ‘Can This Be’ de los sevillanos Bowser y Pavane o trabajos anteriores de Bowser como ‘Cherokee’ en solitario o ‘Push Up’, ‘Feelings’ y ‘What You See’ junto a FM-3. En cuanto a FM-3, tenemos otros grandes singles como ‘Funky Beats’ junto al malagueño Jose Rodríguez, donde este hace su magia con los scratches, o el ácido y psicodélico ‘Panorama’ junto al gaditano Örak.

REVIEW CLÁSICO

THE CHEMICAL BROTHERS - EXIT PLANET DUST - ASTRALWERKS / VIRGIN

Para el disco clásico del mes nos trasladamos a enero de 1998, cuando Propellerheads, banda británica fundada por Alex Gifford y Will White, lanzaba su álbum ‘Decksandrumsandrockandroll’. Su nombre significaba, en la jerga californiana, “empollones informáticos” y nada tenía que ver con la empresa de software del mismo nombre. El dúo originario de Bath se dio a conocer en 1997 gracias a la utilización de su single ‘Dive’ por parte de Adidas en una de sus campañas publicitarias. Poco después, lanzaban este larga duración que incluía producciones tan conocidas como ‘History Repeating’, ‘Take California’, ‘On her Majesty’s Secret Service’ o ‘Spybreak’, que fueron también ampliamente utilizadas en publicidad de marcas como Apple y en cine con films como ‘El mundo nunca es suficiente’, de la saga James Bond, o ‘Matrix’ de las hermanas Wachowski. Todo un must have del big beat.

DRUM AND BASS

Autor: Daniel Paniagua

drumandbass@mixmag.es

SUB:LIMINAL - TAKE IT BACKVANDAL RECORDS

El rumano Sub:liminal es uno de mis fijos cuando tengo que tomar referencias de liquid que evoca emociones, y esta vez me ha sorprendido por un giro más oscuro en su nuevo trabajo. Aunque su cara A con ‘Dreambot’ es algo más a lo que nos tiene acostumbrados, es en ‘Take It Back’ donde saca un lado más deep y agresivo, con unas baterías que pegan fuerte y unos synthes muy trabajados y gordos.

DUB HEAD - FLICKERTRANSPARENT AUDIO

Dub Head siempre es de esos artistas a los que estoy muy atento con cada lanzamiento, porque cada vez que hace algo distinto a lo que nos tiene acostumbrados, sorprende y para bien. Con ‘Flicker’ cierra su nuevo EP titulado Waves donde el subgrave es asesino, con mucha clase y mucha agresividad al mismo tiempo. Prepara el pecho si lo escuchas con un gran sound system, porque va a ser de los temas que te vuelen la cabeza.

GWILLZ - EXCLUSIVE STYLEGRAND THEFT AUDIO RECORDS

El galés ‘Gwillz’ nos sorprende con un EP por el sello Grand Theft Audio Records con mucho Jungle pero sin perder el toque moderno. Mi tema favorito es ‘Exclusive Style’, donde el uso de simples clásicos se combina con un subgrave con muchísimo LFO y gran presencia, así como un gran mimo al tratamiento de las baterías para que suenen bien al frente y el resultado completo del tema quede con mucha energía.

VISAGES & MONTY - I DON’T WANT TO GO TO HEAVEN - 1985 MUSIC

¡Por fin ha llegado la hora de reseñar este gran álbum! Amor Fati es el enorme LP de Visages, que regresan con mucho estilo y cada vez con más sonido propio. Desde los temas de Dubstep a los de Drum & Bass, todo suena a ellos, pero es la colaboración con Monty en ‘I Don’t Want To Go To Heaven’ donde me enamoré por completo del álbum, liquid, deep y atmósferas increíbles durante todo el tema, ¡pretendiente a tema del año!

REVIEW CLÁSICO

BENNY PAGE FEAT. SPYDA - BATTLEFIELDDIGITAL SOUNDBOY RECORDINGS

Benny Page entró directo a los éxitos del dubwise con su mítico lanzamiento ‘Turn Down The Lights’ en 2006 por este mismo sello capitaneado por Shy FX. Pero fue un año después cuando la colaboración con el MC ‘Spyda’ le catapultó como uno de los pesos pesados del género con ‘Battlefield’, donde además juguetea con sonidos más cercanos al drum & bass pistero. Si no lo has escuchado todavía, corre a buscarlo porque no te decepcionará.

ELECTRO

Autor: Federico Cortina

electro@mixmag.es

PERIFÉRICO - SIXTH EVENTUNDERSOUND RECORDINGS

Uno de mis sellos favoritos vuelve a la carga con su referencia 34, y Periférico no decepciona. ‘Sixth Event’ mantiene ese groove orgánico y pulsante que lo caracteriza, con strings y voces que logran un equilibrio perfecto entre lo oscuro y lo celestial en una misma frase. Lo más interesante de esta pista es el desarrollo del acid line, que evoluciona con naturalidad hasta desembocar en un beat cuidadosamente mezclado. En el fondo, es un track suave y sentimental, ideal para un warm-up bien construido y capaz de satisfacer a los más exigentes. El resto del EP es un viaje en sí mismo, con un lado B que sorprende con dos cortes de Drum & Bass que completan la selección de forma impecable.

JUAAN - LADRÓNKALAHARI OYSTER CULT

Nuestro siempre efectivo amigo Juaan lo hizo de nuevo, esta vez para Kalahari Oyster Cult, uno de los sellos más relevantes dentro del cruce entre electro y techno actual. Apego es el nombre del EP que marca un punto de madurez en el sonido del artista argentino. ‘Ladrón’ es la prueba de ello: una mezcla perfecta de house, techno y electro con un groove clásico y repetitivo que atrapa la pista sin esfuerzo. Su bassline de una sola nota demuestra que, con pocos elementos bien posicionados, se puede construir una bomba hipnótica que marca la diferencia en la pista.

ALVAR - PREMIÀ DE MARJUNCTION FOREST (NIGHT001)

Tremendo lanzamiento del colectivo con base en Seúl, Junction Forest, marcando una nueva etapa con Night001. El B2 en particular se mueve entre trance, techno y electro, con una energía oscura e hipnótica que atraviesa todo el EP. Este track destaca por sus vocales en español, un bassline grueso y pulsante, atmósferas sombrías y pads que envuelven, todo sostenido por una batería finísima mezclada con efectos y reverbs que la alinean perfectamente con el resto de la pista.

Un detalle importante: bajo la distribución de Small Black Dots, el disco se agotó en cuestión de días. Y con razón.

RICKIE - MAN WITH NO FAITHMOVING IN SILENCE

El segundo lanzamiento del sello del groove master Velasco nos trae a Rickie en plena forma. El B2 capturó automáticamente mi atención por la suavidad con la que arranca desde el primer beat, pero sin perder esa vibe profunda y oscura. En cuestión de segundos, el track empieza a desplegarse, tejiendo una atmósfera que se mueve entre el electro y el house. Como siempre digo, me encanta cuando un track logra fusionar distintas influencias sin perder personalidad.

Definitivamente este tema, distribuido por Tanzform Berlin, estará presente en mis sets en esos momentos más envolventes de la noche

REVIEW CLÁSICO

STICK FIGURES - USELESSFUTURE CLASSIC (FCL1205)

Destaco este álbum, primero, porque es una verdadera joya dentro de mi colección, un hallazgo inesperado en una caja de discos 2hand en el garage de un DJ de la vieja escuela en Argentina. Lo compré inicialmente por el remix de Random Factor, pero con el tiempo fui descubriendo que tenía una bomba en mis manos.

‘Useless’ es puro electro house en su máxima expresión, oscuro, retorcido y diseñado para sistemas de sonido grandes: bajos rodantes, leads analógicos densos y una batería gruesa que mantiene la tensión en la pista. Se lanzó en 2006 por el sello Future Classic, un label australiano que comenzó como una plataforma para nuevos talentos y terminó convirtiéndose en uno de los sellos más influyentes en la música electrónica.

El enigmático Stick Figures sigue siendo un proyecto con poca información disponible, lo que le añade un aire de culto a este lanzamiento. Su groove imponente captura la atención al instante, con sintetizadores estridentes y percusiones características de la escena electro house de los 2000. Curiosamente, este álbum ha desaparecido de YouTube y Spotify, lo que hace que sea prácticamente imposible escuchar online. Es una pieza de colección: muchos lo han escuchado en algún set, pero pocos saben realmente dónde encontrarlo

HARD TECHNO

Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es

FERNANDO LAGRECA, AXELL LÓPEZAPALACHE - WRD RECORDS

Apalache Deals’ es una explosión de techno contemporáneo donde Fernando Lagreca y Axell López fusionan su talento en un diálogo sonoro vibrante. Destaca ‘Apalache’, un torbellino de hardgroove creado por López, que mantiene la pista en ebullición con su energía arrolladora y percusión hipnótica. Su potencia se complementa con la relectura de Lagreca, quien aporta su enfoque caleidoscópico, explorando los límites del género. Bajo el sello WRD Records de WTDM Music Group y con la masterización de Paul Render, este EP reafirma la identidad del techno actual. Disponible en todas las plataformas digitales desde el 14 de marzo.

Un lanzamiento imprescindible para los amantes del groove implacable y la experimentación sonora.

SAM SPARACIO & GIFTED FIRE - EDEN (REMIX)MONKEY LEAGUE

El remix de ‘Eden’ marca la poderosa colaboración debut entre el italiano Sam Sparacio y el singapurense Gifted Fire, mostrando una producción que fusiona a la perfección sus estilos distintivos. Con un enfoque melódico progresivo, el tema destaca por sus profundos y envolventes bajos, atmósferas exuberantes y un ritmo progresivo constante que guía al oyente hacia un clímax explosivo.

Las melodías cuidadosamente elaboradas y los pads envolventes generan una tensión cautivadora que se resuelve en un drop demoledor, ideal para prender fuego a cualquier pista de baile. Los cambios dinámicos y los beats contundentes mantienen la energía en su punto más alto, haciendo del remix una pieza imprescindible para hacer saltar los plomos de la pista de baile. Este lanzamiento, bajo el sello alemán Monkey League, refuerza la relevancia de LOUT y coloca a Sparacio y Gifted Fire como nombres a seguir en la escena global

LUCA DRACCAR - RECKLESS FLOWERLUSH POINT

Dentro del cautivador nuevo EP de Luca Draccar, Reckless Flower se alza como un tema que captura la esencia de su propuesta artística: un delicado equilibrio entre lo oscuro y lo luminoso. La pista se construye sobre una base de ritmos exóticos, con líneas de bajo profundas que avanzan como un latido constante, mientras capas de sintetizadores envolventes tejen un paisaje sonoro que es tanto emocional como hipnótico.

El enfoque minimalista de Draccar brilla en Reckless Flower, donde cada elemento está cuidadosamente diseñado para mantener al oyente en un estado de inmersión total. Las secuencias melódicas, intensas y cargadas de tensión, evocan una sensación de búsqueda y descubrimiento. Es un tema que invita a explorar los límites entre lo bailable y lo introspectivo, logrando una conexión tanto física como emocional.

Con su habilidad para transformar la oscuridad en un espacio lleno de posibilidades, Reckless Flower no solo es una pista para la pista de baile, sino un reflejo sonoro de la visión audaz y única de Luca Draccar.

KATERINO - LA FIESTAGAIN RECORDS

Tras años dando forma a la escena electrónica underground como Min&Mal, Alessio Caterino se reinventa como Katerino, iniciando una emocionante nueva era con su sencillo debut ‘La Fiesta’. Este lanzamiento no es solo un tema, sino un manifiesto de su evolución artística. El título, que se traduce como ‘La Fiesta’, encapsula la esencia de la capacidad de la música electrónica para unir a las personas a través del ritmo, el movimiento y el sonido.

Ya disponible a través de Gain Records, ‘La Fiesta’ fusiona a la perfección los ritmos minimalistas de su pasado con técnicas de producción innovadoras y vanguardistas. La base del tema es una línea de bajo potente que capta la atención al instante, mientras que capas de percusiones orgánicas y sutiles elementos melódicos crean un efecto hipnótico, haciéndolo igualmente adecuado para ambientes íntimos de club y grandes escenarios de festivales

REVIEW CLÁSICO

DRIVETRAIN & ANTWON FAULKNER - DETROIT

ASSEMBLY LINE - SOIREE RECORDS

Soiree Records International se prepara para lanzar Detroit Assembly Line, un potente lanzamiento de los incondicionales del techno de Detroit, Drivetrain y Antwon Faulkner. Con fecha de lanzamiento prevista para el 10 de marzo de 2025, tanto en vinilo como en formato digital (Número de catálogo: SRT187), este EP marca la primera entrega de la serie Detroit Assembly Line, un homenaje a la ciencia del ritmo underground y la innovación tecnológica de la ciudad.

Este álbum de cuatro temas es un testimonio del auténtico legado de la música electrónica de Detroit, con Drivetrain presentando People! y Notech, mientras que Antwon Faulkner contribuye con The Dub y Cyber War. El tema principal late con una intensidad innegable, reafirmando la posición de Detroit como epicentro del techno puro y sin filtros. Cuidadosamente elaborado para mostrar el sonido característico de la ciudad, este EP es un manifiesto calculado y muy esperado del auténtico noise de Detroit.

HOUSE

Autor: Francisco Pérez

house@mixmag.es

JULIUS STRIEDER - PRESENTO (ORIGINAL MIX)8BIT

Julius Strieder, DJ y productor de origen alemán, quien también tiene estudios en música clásica, nos presenta este tema firmado en el sello de Nick Curly, 8BIT. Este track, desde el principio nos presenta un sonido íntimo, galáctico, hipnótico y con una base rítmica elegante. ‘Presento’ juega mucho con la esencia del género dub a lo largo de sus seis minutos. Las vocales francesas lo hacen aun más especial y sobre todo le dan un toque sensual. Cuando digo que es hipnótico es porque los sonidos que tiene este tema te atrapan metafóricamente hablando y los efectos que descubrimos a lo largo de la historia sonora son perfectos para noches en club con buen sonido. Otra de las cosas que admiro de esta composición es el juego que emplea con las percusiones de principio a fin. ¡No veo la hora de poder pincharlo en mis próximas fechas!

MARSOLO - SYNTHESIS (ORIGINAL MIX)YOU&ME

Marijn van Vliet, mejor conocido como Marsolo, es un DJ y productor de house, nacido y criado en los Países Bajos. Ha firmado en sellos como Eastenderz, Koltrax, PIV y muchos más. Hace unos meses atrás tuve la oportunidad de conocerlo en un evento de Sight en Pacha Barcelona y no solo es tremendo productor, sino que también es un excelente selector musical. En este tema, Marsolo nos presenta ‘Synthesis’, track firmado en el sello de Josh Baker. En esta historia descubrimos un lado más electro en mis reseñas para Mixmag Spain. La linea de bajo ácida, los golpes secos en la base rítmica —probablemente de la Roland 808—, la simpleza en toda la estructura utilizando el recurso de la vocal y los cambios que van acompañando este tema lo hacen de este track uno de mis favoritos para encender la pista de baile.

mixmag Spain

MAT.JOE - LOVE STREAM (NICK CURLY EXTENDED REMIX) - MOTHER RECORDINGS

En el corazón de Berlín, al pie del Kreuzberg, se fundó Mother Recordings, un sello discográfico lleno de calidez, hogar de artistas cuyos corazones laten por el verdadero sonido house y disco. Y como es costumbre en mis reseñas, tenemos a Nick Curly, quien nos presenta su remix para el artista Mat.Joe. ‘Love Stream’ empieza con estilo usando las congas como base fundamental de toda la estructura rítmica. Todo esto lo acompaña una línea de bajo groovera y funk. Las vocales que aparecen en la bajada son muy conocidas en el mundo comercial, pero están muy bien empleadas, por lo que resulta agradable escucharlas en ese preciso momento donde todo empieza a subir hasta que llegamos al pico del tema. Es sin duda alguna un track festivo para levantar los ánimos en cualquier pista de baile. Este tema lo puse en uno de mis últimos eventos y la reacción del público fue memorable.

DANIEL STEINBERG - SACRIFICE (EXTENDED MIX) - ARMS & LEGS

Daniel Steinberg, nacido en la ciudad de Berlin y es distinguido por su sonido House y Techno, nos presenta su tema ‘Sacrifice’ firmado en su propio sello Arms & Legs Records. Las tendencias de los clubes van y vienen, pero Daniel ha sido una fuerza creativa constante en la música electrónica durante más de una década deleitándonos con sus raleases en Ara & Legs. En este tema podemos apreciar un sonido festivo enfocado en el genero disco. Este track tiene un groove potente para calentar la pista de baile de cualquier sala o festival. Es un tema con un bajo contagioso, unas congas latinas repletas de swing y unas vocales old school perfectas para fusionar el género disco con el tech house antiguo.

REVIEW CLÁSICO

TOMSON FT. DIAMONDANCER - TAP THE CORE (DELANO SMITH REMIX)DEVELOPMENT MUSIC

A lo largo de estos últimos años, Delano Smith se ha convertido en unos de mis productores favoritos por la calidad en cada una de las producciones que escucho de su cartelera. De la camada original de DJs de Detroit, es uno de los pocos que todavía se dedica a este oficio y mantiene la calidad sobre la cantidad. Si nos fijamos en el house y el techno sin su influencia, hoy en día el panorama musical sería muy distinto. Este remix es una locura a la hora de analizarlo. Es, sin lugar a dudas, de esas joyas que perduran a lo largo del tiempo para los fieles amantes del house clásico. Nos transporta a un mundo paralelo donde el genero Dub toma control total de la composición y la armonía. Las vocales se convierten en un manifiesto para entrar en un trance y bailar toda la noche como si no existiera un mañana. Este tema es de esos que recomiendo escuchar con los ojos cerrados y dejar que la imaginación haga el resto.

UK GARAGE

Autor: Borja Comino

drumandbass@mixmag.es

PANGAEA, LEONCE - DUSTED/STUCKFABRIC ORIGINALS

Cuando Pangaea y Leonce se cruzan en el estudio, no esperes algo común. De hecho, el resultado de su colaboración se siente como una conversación profunda entre dos mundos que, aunque diferentes, comparten una base común: el groove. Estos dos productores se mueven entre UKG y la música club underground estadounidense, y en ‘Dusted’ y ‘Stuck’, consiguen crear un puente sonoro que conecta lo mejor de ambos. El primer tema presenta una atmósfera densa, que no pesada, como una niebla que envuelve sin ahogar. Lejos de la energía frenética de este track, ‘Stuck’ sugiere que la calma es el hilo por el que tirar. El tema se toma su tiempo para construir, a lo largo de una base más reposada y unos bajos que no buscan llamar la atención, sino más bien hacerse sentir. La inspiración de los 90s está clara, pero el toque que ambos productores le dan al tema lo hace tan fresco como si fuera algo completamente nuevo.

JOSI DEVIL - MAKE IT BETTER/RESTLESS SLEEP - HESSLE AUDIO

Josi Devil, que llevaba más meses de la cuenta sin sacar material nuevo, trae un par de regalitos con este EP. ‘Make It Better’ abre con una intro de breakbeat que te engancha en cuestión de segundos, pero es cuando entran los vocal chops disco que el track realmente se desata. Lo curioso de este tema es cómo mantiene un equilibrio entre la tensión y la euforia: por un lado, la línea de bajo texturizada le da una base sólida, pero la atmósfera vacía y las capas distorsionadas siguen jugando con esa sensación de incomodidad. En ‘Restless Sleep’, la cosa se pone aún más intensa. La jugada aquí es cómo se siente tan inestable y envolvente, sin perder esa chispa club que hace que quieras seguir escuchando, aunque no sepas exactamente por qué. Es una montaña rusa de sonidos descompuestos, pero con una energía que siempre sigue ahí, firme.

VVAA - SPECIAL SERIES VOL. 4GLBDOM

Esta compilación está absolutamente repleta de breaks y una mezcla vibrante de UKG. Es la cuarta entrega de esta serie y cuenta con cortes excepcionales de artistas como DJ Crisps, Tuff Trax, Dubplate Pressure, Ease Up George, Daffy y Peaky Beats, entre otros. Con algo para cada amante del garage, el álbum combina vibras old skool, excursiones breakbeat y auténticos bangers UKG modernos. ‘All I Need’ de Daffy es quizás el highlight del lanzamiento, con una fusión entre el 2-step más soulful y la crudeza del garage de club se materializa en un tema que rebosa carácter. Pero no es solo Daffy el que brilla aquí. ‘FineTune’ de DJ Crisps abre el disco con un groove que se mueve con una fluidez impresionante, mientras que Tuff Trax en ‘B Mine’ ofrece un bassline sedoso, pero golpeador, que le da una vibra absolutamente club. Dubplate Pressure también tiene un par de joyas, como ‘Massive Dem’ y ‘Hold On’, que sirven como los pilares de un LP que mantiene el ritmo sin ceder en intensidad.

THREEROLLING - QUANTUMLY CUTTING CORNERS

‘Quantumly’ se basa en la idea de trasladar las sensaciones vibracionales propias de la física cuántica al terreno sonoro. El concepto subyacente es que todo es energía y que estamos impulsados por frecuencias vibracionales, tanto positivas como negativas. La producción refleja esta idea a través de una mezcla precisa de elementos sonoros que buscan transmitir frecuencias evolutivas y positivas. Los pads flotantes y el subgrave crean una atmósfera que no solo llena el espacio, sino que también invita a una conexión más profunda con la energía que rodea al oyente. La percusión está cuidada para mantener el flujo y, en combinación con los stabs de sintetizador, establece un balance entre la tensión y la fluidez. ‘Quantumly’ no es solo un track para la pista de baile, sino un vehículo para percibir esas frecuencias que facilitan el proceso de evolución, tanto física como mentalmente.

REVIEW CLÁSICO

GROOVE CHRONICLES - STONECOLDDPR RECORDINGS

‘Stonecold’ es un manifiesto del UK Garage en su estado más puro. Con una producción minimalista pero impactante, Groove Chronicles (el dúo de Noodles y El-B) crearon un clásico instantáneo que encapsula la esencia del sonido 2-step. El groove es impecable: un beat recortado con precisión quirúrgica, un bajo profundo que vibra en el pecho y unos acordes soul filtrados que aportan un toque melancólico. Todo está en su sitio, nada sobra. El vocal sampleado añade una sensación etérea, casi nostálgica, que hace que el tema se sienta tan fresco hoy como en 1998. Lo que hace especial a este track es su simplicidad efectiva. No es un track agresivo ni sobrecargado, sino una lección de groove y atmósfera. Es de esos que, cuando suenan en un set, consiguen ese instante en el que todo el club se sincroniza en el mismo vibe. Un clásico indiscutible.

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