Lucca Biennale Cartasia - 2021

Page 1


SOMMARIO Lucca Biennale Cartasia 2021 5 10° Edizione 5 Direttrice 6 Direttore Artistico 7 Curatore Indoor 8 Curatore Outdoor 9 Curatore Off 10 Ufficio Stampa 11 Curatrice Architettura 12 Paper Town 13 Tema 2021 / Theme 2021 15 Outdoor 17 Sleepwalker 19 The Clouds Of Illusion 23 First Of All, Movement 27 In Between 31 The Amazon 35 Crossing Borders 39 Risky Reward 43 Hybris 47 Indoor 51 Anna Onesti 57 Brigitte Amarger 61 Camilla Gurgone 65 Carmel Ilan 69 Daria Krotova 73 Elisabetta Bonuccelli 77 Elise Wehle 81 Elsa Ohana 85 Emma Hardy 89 Eszter Bornemisza 93 Gianfranco Gentile 97 Ingrid Maria Stockman 101 Paulo Jacobo Alonso León 105 Jonathan Bocca 109 Neda Shafiee Moghaddam 117 Japan 121 Anna Onesti 127 Kakow Imgawa 131 Mark Yungblut 135 Meiko Yokoyama 139

Philipp Blume 145 Yumiko Kido 149 Fashion 153 Anna Onesti 159 Anna Maria Scocozza 163 Giovanna Bittante 167 Marcella Stilo 171 Michela Alesi 175 Renata Mayumi Fukuda 179 Susy Manzo 183 Lubica Off 186 Aldo Righetti 187 Alessandro Sorbera 188 Aurora Bresci 189 Carmel Ilan 190 Christiaan Diedericks 191 Daniela Borri 193 Emanuele Tarchini 194 Erica Zutere 195 Georganne Watters 196 Giovanni Zuffi 197 Hongyun He 198 Jeannine De Raeymaecker 199 Kotoaki Asano 200 Kyoko Takey 201 Lili Labus 202 Lilian Prebish 203 Luca Giannotti 204 Marta Sabrina Zacchi 205 Massimo Missiroli 206 Michele Bruna 207 Monica Mauro 208 Nobuko Murakami 209 Pierangela Orecchia 210 Pierluigi Colombo 211 Roberta Picerno 212 Valérie Leydet 213 Performance 215 Paulo Jacobo Alonso Léon 217 Davide Francesca 219 Keos Dance Project 221 Martina Zena 223 Events 225 Network Days 227 Workshop 229 Lab 231 Ringraziamenti 233 Sponsor 235


Nata nel 2004 e arrivata oggi alla 10ª edizione, Lucca Biennale Cartasia è il più grande evento al mondo di Arte, Design e Architettura in carta.



Born in 2004 and now in its 10th edition, Lucca Biennale Cartasia is the biggest event in the world of Art, Design and Architecture in Paper. The event aims to spread the knowledge of Paper Art through various artistic expressions. Our values have committed the Biennale to the promotion of innovation, sustainability, and tradition, stimulating discussion on topics of intellectual and cultural interest for years.

La manifestazione vuole diffondere la conoscenza della Paper Art attraverso varie espressioni artistiche. I valori che da anni si impegna a promuovere sono l’innovazione, la sostenibilità e la tradizione, stimolando ogni volta la discussione su argomenti di interesse intellettuale e culturale.


This special edition, revolving around the theme “Fear & Desire” expresses the challenging historical period we are living in. Due to the pandemic, the inauguration of this 10th edition was delayed by a year. This unique and oneof-a-kind experience saw all of us change our habits and priorities at the same time and “live” worldwide. These months have been rife with fear of the future, of how we relate to one another and have centred on the dread of losing…. I will let you complete the sentence. The pandemic has highlighted our deepest desires and paved the way for good intentions for when everything would “go back to normal”. Sadly, it seems that from 2020 onwards one catastrophe has followed the next, which is why I feel our mission is even more important. As cultural promoters it is our duty to define the values that spur humans being to make certain choices. With the language of art and through a medium like paper that is within everyone’s reach, we aim to raise awareness and to help create that fertile ground for minds and souls who are able, in any way, to do something to improve themselves and the world, as well as the culture surrounding them. My heartfelt thanks goes to all those who took part in the event, offered their phenomenal commitment and who contributed to a serene, professional and stimulating atmosphere. Thank you too, for allowing your curiosity to lead you on this journey.

Questa speciale edizione, dal tema “Paura e Desiderio” dà voce al delicato periodo storico che stiamo vivendo. Questa decima edizione, ha ritardato di un anno la sua inaugurazione a causa della pandemia, un’esperienza unica nel suo genere, che ha visto tutti noi, allo stesso tempo, “in diretta mondiale” cambiare le nostre abitudini e le nostre priorità. Sono stati mesi di paura, nei confronti del futuro, nella relazione con l’altro, nella perdita di - lascio a voi completare la frase -, spingendoci a profondi desideri e buoni propositi per quando tutto sarebbe tornato come prima. Amaramente, devo dire che dal 2020 sembra iniziata una rapida corsa verso una catastrofe dopo l’altra ed è qui che sento ancora più importante il nostro compito. Come operatori culturali, sta anche a noi definire i valori che spingono l’essere umano a compiere determinate scelte.

Con il linguaggio dell’arte e di un media, alla portata di tutti, come la carta, vogliamo sensibilizzare e contribuire a creare quel terreno fertile per menti e anime che possano, in qualsiasi modo, fare qualcosa per migliorare se stessi e il mondo, nonché la cultura circostante. Un grazie per il grande e solidale impegno di tutti coloro che hanno preso parte all’evento, contribuendo ad un clima sereno, professionale e stimolante. E ringrazio voi, per aver lasciato che la curiosità vi abbia portato a sfogliare questo testo.



Per questa splendida capacità l’arte di carta può salvare il mondo. Ringrazio chi si è impegnato con coraggio e forza per far ripetere questo miracolo per la decima volta. Paper art can save the world. Although this may seem excessively optimistic, I become increasingly convinced of this at every passing edition of Lucca Biennale Cartasia (LuBiCa). Every year, the choice by the entire curatorial team of a theme, of the artists in residence and of the proposals to be exhibited in LuBiCa’s nine sections is undoubtedly a challenge. A hurdle, which reinforces my belief that art is an incredibly powerful means of nonmediated communication aimed at the heart and sinew, which is capable of arousing visceral - and thus very human - sensations. LuBiCa speaks to the entire world and not to an elite, fostering excitement about deeply contemporary themes in its viewers. The artists - our core dialectical pole - are visionaries, who often succeed in anticipating, understanding and codifying the times. LuBiCa, in turn, offers their visions to a vast and diverse audience. Thus, art accompanies us on a path of self-discovery, on a journey about who we are or could be. It offers us the chance to glance upon our own future, as in a magical, enchanted, amazing and impossible game of mirrors. It is thanks to this wonderful ability that paper art can save the world. I would like to thank those who with courage and strength made it possible for this miracle to happen for the 10th time.


L’arte di carta può salvare il mondo. Per quanto possa sembrare un’affermazione eccessivamente ottimista, sono, ad ogni edizione di Lucca Biennale Cartasia (LuBiCa), sempre più convinto di questo. La scelta di un tema e la selezione - da parte di tutto il team curatoriale - degli artisti in residenza e delle proposte da esporre nelle nove sezioni della Lubica è ogni anno una sfida che mi avvicina alla convinzione che l’arte sia un potentissimo mezzo di comunicazione non mediata, diretta allo stomaco e al cuore, capace di suscitare sensazioni viscerali, e per questo molto umane. LuBiCa parla al mondo intero, non ad una élite, stimolandolo a emozionarsi su temi profondamente contemporanei. Gli artisti - nostro polo dialettico fondamentale - sono veggenti, riescono spesso ad anticipare, comprendere e codificare i tempi e la LuBiCa, propone le loro visioni ad un pubblico vasto ed eterogeneo. In questo modo l’arte ci include in un percorso di previsione su noi stessi, ciò che siamo o potremmo essere. Rendendoci capaci di uno sguardo nuovo verso il nostro stesso futuro, in un gioco di specchi magico ed incantato, stupefacente ed impossibile.

A year later. Fear and Desire. For over a year, we have been ensnared in a web of inward-folding and dark tensions, from which only faint specks of light have shone through from time to time. Now in its 10th edition, the Biennale has crystallized around this light and has drawn from it the necessary strength to be here, once again. Time goes by, events leave a mark and, in its eternal movement, art sometimes is able to shape its meanings into new emotions. Behind the emotions, there are people. Individuals who are fragile, strong and simple like the matter they use. Artists who have shown us the intimate path of Fear and Desire through their works, who have outlined the many shapes, impulses and tensions and who with irony and sensuality have hinted at the “place” where every feeling should linger before emerging, the heart. LuBiCa X has transformed its “unknown x” into solutions. After having been abandoned for many years, the former splendid Museum of Comics has been reclaimed and returned to citizens and international visitors who for years have been attending the Biennale. It has now become the main venue for Indoor exhibitions and has witnessed the origins of new sections such as paper fashion, performance art and focus Japan. The multitalented technical and organizational staff, directed by the very experienced Emiliano Galigani and Federica Moretti, have managed to shape time, to fill the empty nooks between hours and minutes and to arrive, as always, ready on the starting line. Many thanks to all.



Un anno dopo. Paura e Desiderio, più di un anno siamo rimasti avvolti nel loro fascio di tensioni centripete, oscure, da cui solo di tanto in tanto flebili spazi di luce emergevano. La Biennale, giunta alla sua decima edizione, è riuscita a concretizzarsi attorno a questa luce, traendo da essa la forza necessaria per esserci, nuovamente. I tempi scorrono, gli eventi lasciano segni e l’arte, nel suo eterno movimento, talvolta plasma i propri significati in nuove emozioni. Dietro le emozioni vi sono le persone, che, fragili, forti e semplici, come la materia che utilizzano, ci hanno mostrato, attraverso le loro opere, il percorso intimo della Paura e del Desiderio, ne hanno tracciato le forme, gli impulsi e le tensioni, suggerendo con ironia e sensualità il “luogo” in cui ogni sentimento dovrebbe soffermarsi, prima di emergere, il cuore. LuBiCa X ha trasformato la sua “x incognita” in soluzioni, il meraviglioso Museo del Fumetto e dell’Immagine, un luogo restituito dopo numerosi anni di abbandono ai suoi cittadini e ai numerosi visitatori internazionali che da anni seguono la manifestazione, è diventato la sede principale delle mostre Indoor, dando i natali anche alle nuove sezioni quali la paper fashion, la performance art e il focus Japan. Il multiforme staff tecnico e organizzativo, diretti dalla pluriennale esperienza di Emiliano Galigani e Federica Moretti, è riuscito, infine a render duttile il tempo e ad entrare negli gli spazi vuoti fra le ore e i minuti per poter arrivare, come sempre, pronti ad un nuovo inizio. Grazie di cuore a tutti.



Looking, extracting, guessing, choosing and having faith. It is always hard to select which of the suggested projects - many beautiful, some ugly, others promising and several innovative - will be realized on a large scale. Some artists already boast notable experience, others are newcomers to the world of paper or cardboard art and Lucca Biennale Cartasia offers all the opportunity to discuss and compare techniques and materials. Over the ten LuBiCa editions, the Biennale has offered a great number of artists the opportunity to express their creativity and to experiment.

Guardare, estrarre, indovinare, scegliere, fidarsi… Tra i tanti progetti proposti, molti belli, alcuni brutti, altri promettenti, certi innovativi, è sempre difficile scegliere quali sarà possibile realizzare in grande scala. Alcuni artisti hanno già un’esperienza consolidata, altri sono esordienti del mondo dell’arte o del cartone ed in occasione di Lucca Biennale Cartasia hanno modo di confrontarsi tra loro sull’utilizzo delle tecniche e sul materiale impiegato. In dieci edizioni, la Biennale della carta ha offerto a tanti artisti la possibilità di esprimere la loro creatività e sperimentare. Il pubblico ha potuto ammirare opere uniche al mondo, realizzate in un materiale che conosciamo e utilizziamo quotidianamente senza neppure immaginare che possa nascondere questo potenziale. Ogni anno dimostriamo che le possibilità della carta e del cartone sono infinite e che la creatività degli artisti non ha limite.

Visitors have been able to admire artworks that are unique in the world and which are created using a material we all know and use every day without even imagining that paper could have such potential. Every year is a testament to the fact that cardboard and paper offer endless possibilities and that the creativity of artists his boundless.

The LuBiCa OFF circuit was created with the goal of transforming the historical center of Lucca into a breath-taking paper art gallery. Beyond the traditional exhibition venues and squares, even the shops have become involved in this spectacular event so that paper art can become a part of people’s everyday lives while at the same time offering paper art fans the opportunity of discovering the unique boutiques that represent the beating heart of our city. Our dream is that the Biennale OFF circuit become an opportunity for friends from every continent to meet, to talk and to enjoy beauty and culture through paper art. This is our first edition and we are thrilled both by the participation of international artists and by the warm welcome shop owners have offered.

CURATORE OFF LAURO DINI L’Off di Lucca Biennale Cartasia è nato per contribuire a far diventare il centro storico di Lucca una meravigliosa galleria di paper art. Dopo i palazzi espositivi e le piazze ora anche i negozi sono coinvolti in questo bellissimo evento. Coinvolgendo queste location la paper art arriva dove ogni persona vive la vita di ogni giorno. Al tempo stesso avere la possibilità di far conoscere a tutti gli appassionati, negozi particolari che rappresentano il cuore pulsante della nostra città. Il nostro sogno è quello che la biennale off sia l’occasione di ritrovarsi tra amici provenienti da ogni continente a parlare e godere di bellezza e cultura attraverso la paper art. È la prima edizione e siamo entusiasti sia per la partecipazione di artisti internazionali che per la calorosa accoglienza che hanno dato loro i proprietari dei negozi.



UFFICIO STAMPA AB STUDIO È di nuovo Lucca Biennale, finalmente! Nonostante le difficoltà, nonostante le complicazioni e i dodici mesi di incertezza, Lucca Biennale X è realtà e noi con lei, per la terza edizione consecutiva. Felici di esserci, felici di far conoscere quella che è diventata una delle mani festazioni del settore più importanti al mondo, l’unica interamente dedicata all’“arte di carta”. Tra tradizione e innovazione, di biennio in biennio il racconto di chi, come noi, ha il compito di parlare di Cartasia si arricchisce, si evolve ed esplora mondi fin qui rimasti periferici, ne scopre di nuovi grazie alla rete di collaborazioni internazionali che la manifestazione ha saputo tessere. Comunicare Lucca Biennale signifi ca costruire un puzzle: ci sono i pezzi destinati a chi con la carta lavora (da artista o anche da produttore) e quelli dedicati a coloro che la carta la vogliono (ri) scoprire, perché magari fino a ora l’hanno conosciuta soltanto sotto forma di libri, quaderni, fazzoletti, senza approfondire la storia e l’evoluzione di un medium che da secoli è indispensabile nella vita di tutti i giorni e che oggi è motivo di stupore ed emozioni.

It’s finally Lubica time again! Despite the continued challenges brought on by the pandemic, the complications and the more than twelve months of uncertainty, Lubica X is finally a reality for the third consecutive edition – and We with it. Happy to be there, to introduce what that has become one of the most important international events in the sector and the only one fully dedicated to “paper art”. Every two years, between tradition and innovation, the story of those who – like us – are entrusted to give voice to Cartasia enriches itself, evolves and explores new worlds that up to now have been peripheral to our activities, as well as discovering new ones thanks to the extensive network of international collaborations that the event has been able to develop. Communicating Lubica means creating a complex puzzle: there are pieces intended for those who work with paper – such as artists or even producers – and pieces focused on those who want to (re)discover paper. Because until now they have only known it and thought of it as books, as something to write on, as napkins, without delving into the history and evolution of a medium which, for centuries, has been absolutely indispensable in everyday life and which, today, has also become a source of strong emotions, with the power to amaze those who look upon it.

La sezione Architettura è dedicata all’approfondimento dell’uso di carta e cartone nelle costruzioni, non solo come materiale per piccoli oggetti o supporto per disegni, ma come vero e proprio materiale virtuoso, ottimo per costruire strutture temporanee e indicato per realizzare architetture più longeve ed efficienti. Proveniente da fonte rinnovabile, frutto di processi di riciclo e a sua volta riciclabile, il cartone può stimolare la ricerca di nuovi componenti architettonici, che permettono di ridurre l’impatto ambientale complessivo delle costruzioni, a vantaggio della protezione delle risorse e della gestione sostenibile dei processi costruttivi. Nell’ambito della sezione Architettura si è dato il via ad un appuntamento fisso, il Paper Architecture Day, un convegno di settore che vede riunirsi esperti di architettura e design per discutere dell’uso di “materiali alternativi” in architettura e di come questo possa riverberarsi sull’uso, le strutture e le forme dell’architettura stessa.

The Architecture section is dedicated to the in-depth study of the use of paper and cardboard in construction as a truly virtuous material, exceptional for building temporary structures, well-suited for creating longer-lasting and efficient constructions and not only as a material for small objects or as a support for drawings. Cardboard is produced from a renewable source, is the result of recycling processes and is in turn recyclable. This material can inspire the search for new architectural components, which are able to reduce the overall environmental impact of buildings and thus foster the protection of resources and ensure the sustainable management of building processes. Within the Architecture section, we have the Paper Architecture Day, a fixed appointment and sector conference where architecture and design experts meet to discuss the use of “alternative materials” in construction and the impact they may have on the use, structures and forms of architecture itself.




The architects of Paper Town are among the important guests who have contributed to the innovative design of this edition, especially Philipp Blume, who during the Network Days and in the exhibition presented a structure called “Hexagon”: light, environmentally sustainable and versatile cardboard modules with magnetic links and customizable rear walls, in a short time can be assembled as a reception area, a back wall or even display units. The perfect solution for large congresses, trade fairs and festivals.

PAPER TOWN PHILIPP BLUME Ospiti importanti che hanno contribuito al design innovativo di questa edizione, sono gli architetti dell’azienda Paper Town, nello specifico il fondatore Philipp Blume, che ha presentato in mostra e durante i Network Days una struttura definita “Esagono”, moduli di cartone leggeri, sostenibili e versatili, con connessioni magnetiche e pareti posteriori personalizzabili, che permettono in poco tempo di creare strutture dalle diverse funzionalità: reception, backwall, espositori, soluzione perfetta per grandi congressi, fiere e festival.

THEME 2021

The Lubica has always been guided by a common thread that links events and exhibitions, on which artists, performers, designers and ar chitects are called to reflect. The theme of the 10th edition is “Fear and Desire”. Fear plays an important role: it subtlely guides us and yet designs the history of humanity in a great way. With Fear, humans understand or recognize their limits. Sometimes fear compromises the experience of new emotions, at other times, however, it manifests itself in survival. Can fear be limiting but also help one’s development? Can Desire help fear when it represents a limit? Desire is necessary, as it represents the basis of inspiration. It is motivation, movement, the pursuit of pleasure. But, al beit with a positive meaning, it hides a dark side: desires - real or induced - can shape aspirations, prospects, the future of men and societies.



Da sempre, Lubica è guidata da un filo conduttore che lega eventi e mo stre, e su cui artisti, performer, designer e architetti sono chiamati a riflet tere. Il tema della 10ª edizione è “Paura e Desiderio”. La paura svolge una funzione importante: ci guida, in piccolo e disegna la storia dell’uomo, in grande. Con la paura l’uomo capisce o riconosce i propri limiti. A volte la paura compromette l’esperienza di nuove emozioni, altre diventa soprav vivenza. Può la paura essere limite, ma anche sviluppo? Può il desiderio soccorrere la paura quando essa è un limite? Il desiderio è necessario, rappresenta la base dell’ispirazione. È motivazione, movimento, ricerca di piacere. Ma, seppur con accezione positiva, nasconde un lato oscuro: i de sideri – reali o indotti - possono modellare le aspirazioni, le prospettive, il futuro degli uomini e delle società.




Uno dei simboli più distintivi della Lubica è la sezione Outdoor, cuore pulsante della manifestazione con le sculture monumentali in cartone.

Le opere sono realizzate durante una residenza in cui gli artisti selezionati vengono ospitati per un mese a Lucca, dove giornalmente si ritrovano in un laboratorio nel quale viene messo a loro disposizione il materiale, l’attrezzatura e tutto il supporto di cui hanno bisogno al fine di realizzare le loro opere. Come ogni anno, all’inizio della manifestazione le opere sono state collocate nelle principali piazze del centro storico, diventando una vera e propria attrazione.

One of the most distinctive symbols of the Lubica is the Outdoor sec tion, the beating heart of the event with its monumental cardboard sculptures. The works are created during a month of artists’ residency in Lucca, during which they find themselves daily in a laboratory with the material, equipment and all the support they need are made available to realize their works. Like in every edition, at the beginning of the event, the works are placed in the main squares of the historical centre of Lucca, becoming a real attraction.



L’idea di “Sleepwalker” nasce quando l’artista, passeggiando per le strade del suo quartiere, nota un sacco della spazzatura che qualcuno ha messo fuo ri casa, coperto da una gabbia di metallo. Sopra è posizionata e legata una pietra che ha la funzione di appesantirla e proteggerla da possibili accadi menti esterni. È in questa composizione che l’artista Amber Dohrenwend ha trovato la perfetta relazione tra paura e desiderio, e ha avuto l’ispirazio ne che l’ha portata alla creazione della sua opera. Walking down the street in her neighbourhood, she noticed a garbage bag someone had put outside the house. The bag was covered with a metal cage, on top of which a stone was placed and tied up. The stone was meant to weigh down and keep the bag out of reach from poten tially destructive external forces. In this composition, the artist Amber Dohrenwend found the perfect relationship between fear and desire, and she was inspired to create the “Sleepwalker”, a fascinating work dis played at Piazza Guidiccioni.

Amber Dohrenwend - USA È un’artista americana che abita a Tokyo. Costruisce sculture di cartone riciclato, morbido e organico, trasformando un oggetto di inanimato e piatto in qualcosa di vivo e dinamico, creando capolavori che possono esistere in un attimo, incontrare le persone, e poi essere ricondotte al materiale come da origine. She is an American artist based in Tokyo. She builds sculptures from recycled, soft and organic cardboard, unexpectedly transforming them from something flat and static to something alive and dynamic, creat ing masterpieces that can exist in an instant, meet people, and then be brought back to the material.



Ankon Mitra, the artist who gave life to “The Clouds of Illusion”, he is an indi an internationally renowned architect and artist, master of making connec tions between the disciplines of origami and architecture, which shares a unique vision of a universe that forms and dissolves by bending acts.

Architetto e artista indiano di fama internazionale, maestro del fare connes sioni fra le discipline dell’origami e dell’architettura, che condivide una visione unica di un universo che si forma e si dissolve da atti di piegatura.

Ankon Mitra - INDIA


“The Clouds of Illusion” nasce dall’idea che Il denaro rappresenti il nostro desiderio più grande, mentre invece la sua mancanza simboleggia la nostra più grande paura. L’odio che muove la civiltà umana, il desiderio che inse guiamo per tutta la vita, che abbiamo costantemente paura di perdere e che solo alla fine dei nostri giorni si rivela solamente un miraggio. Tutto ciò è rappresentato con una foresta di nuvole fatte di banconote, attraverso la quale camminiamo, inconsapevoli che il denaro ha preso il sopravvento sulla nostra immaginazione ed è diventato l’elemento più importante che alimen ta la nostra realtà.

Money, our greatest desire, and the lack of it, our greatest fear. The hatred that moves human civilization, the desire that we pursue all our life, that we are constantly afraid of losing and which at the end of our days it turns out to be a mirage. This is represented with a forest of clouds made of banknotes, through which we walk, unaware that money has taken over our imagina tion and has become the most important element that feeds our reality.




Un’osservazione attenta dei sentimenti di paura e di desiderio, un’attenzione particolare nella definizione di ciò che ci lascia pietrificati, ciò che non ci fa andare avanti e di ciò che invece ci fa muovere. È così che l’artista Claudio Acuña Jiménez ha dato vita a “First of all, movement”, l’opera che trasforma la piazza in un museo a cielo aperto. Incoraggiando riflessioni sul comporta mento sociale, l’artista vuole rappresentare come ci muoviamo nel prendere decisioni e come il fatto di prendere decisioni che risultano difficili, generi dei movimenti che definiscono il modo di vivere di una persona.

A careful observation of the feelings of fear and desire, careful about defin ing what leaves us petrified, what does not keep us going and what instead makes us move. This is how the artist Claudio Acuña Jiménez gave life to “First of all, movement”, the work that transforms Piazza San Francesco into an open-air museum. By encouraging reflections on social behaviour, the artist represents how we move in making decisions and how these decisions, when multiplied, generate movements that define ways of life.

Claudio Acuña is a designer, artist and University professor who has made the use of paper and its derivatives his own mark. Through the study and improvement of different techniques, especially origami, he highlighted the various possibilities of paper and how this material is functional and unique.

Factoria Papel - CILE / CHILE Claudio Acuña è un designer, artista e professore universitario che ha fatto dell’uso della carta e dei suoi derivati il tratto che lo contraddistingue. Tramite lo studio e il perfezionamento di diverse tecniche, tra cui soprattutto l’origami, ha messo in evidenza le varie possibilità della carta e come questo materiale sia funzionale e unico.


Papier Atelier - TURCHIA / TURKEY

Turker Akman, scultore e architetto, e Deniz Yilmaz Akman, scrittrice e fotografa, sono due artisti di origine turca. Insieme compongono il duo “Papier Atelier”, specializzato nella creazione di opere e installazioni in carta.

Turker Akman, sculptor and architect, and Deniz Yılmaz Akman, writer and photographer, are two artists of Turkish origin. Together they compose the duo “Papier Atelier”, specialized in the creation of works and installations in paper.


The sculpture “In Between” is inspired by one of the fascinating stories of “The Thousand and One Nights” in which it tells of Shahryar, the ruler of an ancient Eastern empire,who starts to be suspicious of all women after finding out that his wife has been unfaithful. Driven by anger, he decides to marry a different girl every day to have her executed the following morning so that any wife will not be able to cheat on him again. This pattern is interrupted when, on the first wedding night, one of them, Scheherazade, begins to tell a story with no ending to keep herself alive as long as possible. The two artists reify the theme “fear and desire” between the fear of being betrayed and the desire to end the story thanks to the tightrope walker who wants to convey the fear of losing balance.

IN BETWEEN PIAZZA CITTADELLA L’opera “In Between” si ispira ad una delle affascinanti storie di “Le Mille e una notte” in cui si racconta di Shahryar, il sovrano di un antico impero orien tale, che spinto dalla rabbia verso il tradimento della prima moglie decide di sposare ogni giorno una fanciulla diversa per farla giustiziare la mattina del giorno dopo in modo da impedire qualsiasi tradimento. La ciclicità viene interrotta quando, la prima notte di nozze, una di loro inizia a raccontare una storia di cui non rivelerà mai il finale. Gli artisti trovano nella contrapposizione tra la paura di essere tradito e il desiderio di sentire la fine della storia la mas sima espressione di ciò che per loro sono la paura e il desiderio. Il funambolo rappresenta Shahryar in bilico fra il desiderio di uccidere la ragazza per paura di essere tradito, e il desiderio di lasciarla in vita per sentire la fine della storia.


“TOMA” is a conception and creation lab created by Maria Dolores del Sol Ontalba e Antonio Nardozzi, the two artists experiment on design and architecture at any scale and collaborate in the analysis of techniques and complex geometries of digital fabrication, always in the architectural field. With that, they give rise to fascinating works that stimulate considerations on current social issues and encourage further common reflections.

Addentrarsi in una grande foresta e scoprire che gli alberi sono fatti con resti di scatole di cartone. Scatole che popolano le nostre case e che non vediamo l’ora di aprire, scatole di un materiale prezioso utilizzate spesso per protegge re oggetti del desiderio superflui, indotti dal consumismo e dalla pubblicità, scatole che ci fanno riflettere sul filo sottile che lega il desiderio e la paura, il consumo e l’inquinamento, l’utile e l’inutile. Questo è quello che viene rappre sentato nell’opera “The Amazon”. Going into a large forest and finding out that the trees are made with rests of cardboard boxes. Boxes that populate our homes and that we look forward to open. Boxes of a precious material often used to protect objects of super fluous desire, induced by consumerism and advertising. Boxes that make us reflect on the thin thread that binds desire and fear, consumption and pollution, profit and uselessness.




TOMA! - ITALIA & SPAGNA / ITALY & SPAIN “TOMA!” è un laboratorio di ideazione e creazione nato da Maria Dolores del Sol Ontalba e Antonio Nardozzi. I due artisti sperimentano il design e l’ar chitettura a qualsiasi scala e collaborano nell’analisi di tecniche e geometrie complesse di fabbricazione digitale sempre in campo architettonico, dando vita ad affascinanti opere che stimolano considerazioni su questioni sociali attuali e incoraggiano ulteriori riflessioni comuni.



Sebastian Blomqvist, a swedish artist strongly interested in the experimentation of architecture and anatomy through the use of cardboard.

The work “Crossing Borders” is inspired by the Greek myth of Europa. Eu ropa is a princess who captures the love of Zeus who, to get close to her without being noticed, turns into a bull. The attention that Zeus gives to Europa arouses the wrath of Hera, the elder sister and wife of Zeus. So Zeus saves Europe by leading her across the Mediterranean to deposit her on the shores of Greece, creating what is the cultural seed that has become West ern civilization. The artist creates a connection between the original myth of the history of the European continent and the phenomenon of migratory flows that involves Europe today, the desire of people from war countries to seek refuge and a hope for a better future.

L’opera “Crossing Borders” è ispirata al mito greco di Europa. La principessa rappresenta una rifugiata, che sfuggendo dalla rabbia della Dea Era viene salvata da Zeus, nelle sembianze di un toro, e condotta sulle sponde della Grecia, creando così quello che è il seme culturale della civiltà occidentale.

L’artista crea una connessione fra il mito originario della storia del continente Europeo ed il fenomeno dei flussi migratori che coinvolge l’Europa al giorno d’oggi, il desiderio di persone provenienti da paesi in guerra di cercare rifugio e una speranza per un futuro migliore.


Sebastian Blomqvist - SVEZIA / SWEDEN Sebastian Blomqvist è un artista svedese fortemente interessato alla sperimenta zione dell’architettura e dell’anatomia attraverso l’utilizzo del cartone.



Emma Hardy - USA Emma Hardy è un’artista di origini inglesi che vive stabilmente negli Stati Uniti. Specializzata nella creazione di sculture e installazioni scultoree principalmente in carta e materiali di riciclo.

RISKY REWARD LOGGIATO PRETORIO “Risky Reward” è un’opera in cartone che racconta la paura e il desiderio attraverso l’interazione fra una giovane donna e un cane. Il desiderio dell’animale di provvedere ai propri cuccioli, così come il desiderio della donna di aiutarlo, entra in contrasto con la primordiale paura di lesioni personali dando vita ad una tensione che ci fa chiedere: “cosa siamo disposti a rischiare?”

“Risky Rewards” is a cardboard work that tries to emphasize the emotions of fear and desire through the interaction between a young woman and a dog. The dog’s need to provide for her puppies and the woman’s desire to help him, combined with the primal fear of personal injury, create a tension that makes us ask: “what are we willing to risk?”

The artwork was created by artist Emma Hardy, who specializes in the creation of sculptures and sculptural installations mainly in paper and recycled materials.


Matteo Raciti & Officina Chiodo Fisso - ITALIA / ITALY Matteo Raciti e Officina Chiodo Fisso lavorano in collaborazione alla realiz zazione di “Hybris”. Matteo Raciti è un’artista e scultore di origini Siciliane, nome di rilievo del Carnevale di Viareggio. Emanuele Radicchi è invece un artigiano del ferro, del legno e della cartapesta di origini pugliesi, fondatore di Officina Chiodo Fisso, insieme all’architetto Alessio Verdolino. Matteo Raciti and Officina Chiodo Fisso worked together on the creation of “Hybris”. Matteo Raciti is an artist from Sicily who, after a degree in architecture, started his activity as a sculptor and became in the last years an important name in Viareggio’s Carnival. Emanuele Radicchi is an iron, wood paper craftsman, he has Apulian origins and is the founder of the Officina Chiodo Fisso together with the architect Alessio Verdolino.


“Hybris” is the ambitious arrogance, typical of the archaic Greek world, which leads the man to go beyond his limits, to challenge fate and the gods, to over come the most hidden fears in order not to betray his nature. The desperate and provocative flight of Icarus is the moving image of the individual need to reach a dream, a desire as unattainable as the sun, the extreme mirage that pushes each of us to go beyond judgment to honour our own existence.

HYBRIS PORTA DEI BORGHI “Hybris” è l’ambiziosa tracotanza, propria del mondo greco arcaico, che porta l’uomo ad andare oltre i propri limiti, a sfidare il fato e gli dèi, a superare le paure più recondite, per non tradire la propria natura. Il volo disperato e provocatorio di Icaro è l’immagine commovente dell’esigenza individuale di raggiungere un sogno, un desiderio inarrivabile come il sole, l’estremo miraggio che spinge ognuno di noi ad andare oltre il giudizio per onorare la nostra stessa esistenza.


L’indoor raccoglie più di cento opere d’arte realizzate con carta e cartone per un’esposizione ospitata in luoghi cardine della città di Lucca, come l’Ex Museo del Fumetto e l’Ex Cavallerizza. Gli oltre duemila metri qua drati della mostra permettono ai visitatori di scoprire il panorama con temporaneo della Paper Art, perdendosi fra bellissime sculture, quadri, videoarte, performance e opere di design.

The Indoor exhibition is one of the main sections of the Lucca Biennale Cartasia dedicated to art together with the Outdoor and OFF sections. The indoor collection gathers more than one hundred works of art made with paper and cardboard for an exhibition hosted in the key locations of Lucca, such as the Former Museum of Comics and the Ex Cavallerizza. The exhibition space, larger than two thousand square meters, allows visitors to discover the contemporary landscape of Pa per Art, getting lost among beautiful sculptures, paintings, video art, performances and design works.


La mostra Indoor di Lucca Biennale Cartasia è una delle sezioni principali dedicate all’arte insieme alla sezione Outdoor e OFF.


Anna Onesti si è formata tra Roma e Torino. Ha affrontato, in seguito, un articolato programma di studi in Giappone, India e Indonesia per appren dere gli antichi metodi di tintura e di restauro della carta e acquisire la conoscenza del significato simbolico che accompagna il volo degli aqui loni nelle culture orientali. Utilizza carta washi e carta giapponese fatta a mano unita a tecniche di colorazione dei tessuti tradizionali giapponesi con l’uso di colori naturali (l’itajimezome, lo shiborizome e il katazome).


L’Alfabeto dei semi 2018, aquiloni a losanga, gouache e inchiostro sumi su carta coreana hanji, stecche di bambù e fili di cotone, montati su struttura circolare in bambù, dittico composto da 2 mobil ciascuno. Due forme mobili pentagonali ognuna composta da 5 aquiloni a losanga, su cui sono impresse con inchiostro nerofumo forme di un alfabeto fatto di fiori sboc ciati da semi misteriosi. Gli aquiloni allestiti come grandi e colorati petali di fiori, vogliono cogliere il senso dell’origine, dello sbocciare.

Anna Onesti trained between Rome and Turin. You then undertook an articulated program of studies in Japan, India and Indonesia to learn the ancient methods of dyeing and restoring paper and acquire the knowl edge of the symbolic meaning that accompanies the flight of kites in oriental cultures. She uses washi paper and handmade Japanese paper combined with traditional Japanese fabric colouring techniques with the use of natural colours. The “alfabeto dei semi 2018”, diamond-shaped kites, gouache and sumi ink on Korean hanji paper, bamboo sticks and cotton threads, mounted on a circular bamboo structure, diptych consisting of 2 mobiles each. Two pentagonal mobile shapes each made up of 5 lozenge-shaped kites, on which shapes of an alphabet made of flowers blossomed from mysterious seeds are imprinted with carbon black ink. The kites set up as large and colorful flower petals, want to grasp the sense of origin, of blossoming.





Brigitte Amerger è un’artista parigina che crea opere tessili, murali o scul toree esplorando i temi della luce, della natura, dell’essere umano e della sua memoria. In “Homo Exodus I, II, III” rappresenta una folla di umani che si muovono uniti in avanti, simili ma diversi, spinti sia dalla paura che dalla speranza, alla ricerca di una nuova terra in cui vivere. Su una lunga strada “Da - way/ Par-chemin”, palinsesto della memoria, sono incise le tracce del loro esodo. Ogni corpo è tagliato in carte di diversa consistenza e spessore, precedentemente incise con motivi che evocano tatuaggi, cicatrici, vestiti o stampe tessili, conferendogli così una propria identità e fragilità.

Brigitte Amerger is a Parisian artist who creates textile, mural or sculp tural works by exploring the themes of light, the nature of the human being and his memory. In “Homo Exodus I, II, III” she represents a crowd of humans, similar but different, driven by both fear and hope, united in a single forward movement, towards the search for a new land to live in. On a long way “Da - way / Par-chemin‘’ fragments of memory, traces of their exodus are engraved. Each body is cut into papers of different texture and thickness, previously engraved with motifs that evoke tattoos, scars, clothes or textile prints, thus giving it its own identity and fragility.




“Easy and Effective” è un vasto progetto che include installazioni, stampe serigrafiche, zine e video. L’idea nasce dal parallelismo che l’artista lucche se Camilla Gurgone crea tra la memoria e la carta termica. Proprio come fa la mente con i ricordi superficiali, ciò che viene stampato sulla carta termica è destinato a scomparire. Perciò l’artista inizia il gesto di stampare i propri ricordi, la sua quotidianità su di essi, con immagini, testi, suoni ed eventi che la coinvolgono. Alcuni ricordi sbiadiscono, ma altri rimangono impressi. L’artista propone allora un modo con il quale è possibile elimi narli, ovvero l’uso di fonti di calore, come ad esempio elettrodomestici.

“Easy and Effective” is a vast project that includes installations, silkscreen prints, zines and videos. The idea comes from the parallelism that the Lucca artist Camilla Gurgone creates between memory and thermal paper. Just as the mind does with superficial memories, what is printed on the thermal paper is doomed to disappear. Therefore the artist begins the gesture of printing her own memories, her everyday life on it with images, texts, sounds and events that involve her. Some memories fade, but others remain etched. The artist then proposes a way by which it is possible to eliminate them, namely the use of heat sources, such as household appliances.




CARMEL ILAN ISRALE / ISRAEL Carmel Ilan è un’artista e designer di origini israeliane che si è formata tra Tel Aviv e New York. Appassionata collezionista di libri usati e abbandonati ha indirizzato la propria produzione artistica verso il recupero di questi oggetti preziosi, trasformando le pagine da leggere in composizioni visive. Smontando le rilegature di libri e giornali, separando le pagine, tagliando le e ripiegandole, le posiziona poi su pannelli in compensato, dando vita a figure pittoriche compatte e riconoscibili. Ombre di persone e animali affiorano e vagano in paesaggi colorati e sublimi nelle sue opere .

Carmel Ilan is an Israeli-born artist and designer who worked and studied between Tel Aviv and New York. Passionate collector of used and abandoned books, she has directed her artistic production towards the recovery of these precious objects, transforming the pages to be read into visual compositions. Disassembling the bindings of books and papers, separating the pages, cutting and folding them, she then positions them on plywood panels, giving life to compact and recognizable pictorial figures. Shadows of people and animals emerge and wander in colorful and sublime landscapes in her artworks.



INDOOR / 73 3. 4.


Le opere sono create in carta tramite un processo che prevede la distruzio ne del classico foglio bianco, per trasformarlo in altra materia. Sbriciolato, strappato, incollato, immerso in liquidi contenenti colla e colore e strofina to contro sostanze colorate viene poi modellato per dargli volume. Prende così la forma di organi che suscitano inquietudine e timore, ma allo stesso tempo invogliano lo spettatore ad avvicinarsi, per vederli meglio, o per toccarli, perchè rappresentano la vita. Soprattutto la forma del cuore, pro tagonista di questa serie, suscita sentimenti sublimi: è infatti emblema del rapporto tra stato emotivo e fisiologico della persona. Paura e desiderio, sentimento e fisicità sono i punti chiave di questa composizione.

“Moods” is a series of works that the Russian artist Daria Krotova created for Lucca Biennale Cartasia, It is the continuation of a project begun in 2011. The works are created in paper through a process that involves the destruction of the classic white sheet of paper, to transform it into an other material. Crumbled, torn, glued, dipped in liquids containing glue and color and rubbed against colored substances, it is then modeled and given volume. It thus takes the form of organs that arouse restlessness and fear, but at the same time entice the viewer to get closer, to see them better, or to touch them, because they also represent life. Above all, the shape of the heart, the protagonist of this series, arouses sublime feelings: it is in fact an emblem of the relationship between the emo tional and physiological state of the person. Fear and desire, feeling and physicality are the key points of this composition.

DARIA KROTOVA RUSSIA “Moods” è una serie di opere che l’artista russa Daria Krotova ha realizzato per Lucca Biennale Cartasia, continuazione di un progetto iniziato nel 2011.





The composition born from the hand of Elisabetta Bonuccelli “End the Cage Age” is a series of four elements, three of which are exhibited at the Lucca Biennale Cartasia. It represents a process of transformation in four “acts”, inspired by the checkerboard garden designed by Mirei Shigemori for the Tofuku-ji temple in Kyoto. Made with an alternation of stone slabs and moss, it has a checkerboard pattern that degrades until it disappears. The perfect fusion of Zen philosophy and abstract art is thus rendered. In the same way the paper, folded with the origami technique of tessellation, becomes the representation of this theme and of the tension towards the detachment that the garden evokes.

La composizione nata dalla mano di Elisabetta Bonuccelli “End the Cage Age” è una serie di quattro elementi, di cui tre esposti a Lucca Biennale Cartasia. Rappresenta un processo di trasformazione in quattro “atti”, ispirato al giardino a scacchiera progettato da Mirei Shigemori per il tempio Tofuku-ji di Kyoto. Realizzato con un alternarsi di lastre di pietra e muschio, presenta un motivo a scacchiera che degrada fino a scomparire.

E’ resa così la perfetta fusione tra filosofia Zen e arte astratta. Allo stesso modo la carta, piegata con la tecnica origami della tassellazione, diventa la rappresentazione di questo tema e della tensione verso il distacco che il giardino evoca.


INDOOR / 81 2.1.

The works of art by the artist Elise Wehle revolve around the cutting of intricate patterns on paper, practiced with the use of the cutter. However, it is in the length of time and in the concentration that this practice re quires that the artist’s interest is found: with each shape or line she cuts out, practicing repeated movements , her creative process is transformed into a meditative act. The fatigue that comes from creating her art, how ever, is rewarded by the greater awareness and clarity that this activity leaves her on a personal level.

La stanchezza che deriva dalla creazione della sua arte viene però ricom pensata dalla consapevolezza e chiarezza maggiori che questa attività le trasmette a livello personale.


ELISE WEHLE USA Le opere dell’artista Elise Wehle ruotano attorno al taglio di modelli deco rativi incisi su carta, realizzati con l’uso del taglierino. Il tempo impiegato e la concentrazione che necessita questa pratica suscitano l’interesse dell’artista: a ogni forma o linea che ritaglia, praticando movimenti ripeti tivi con le mani, il suo processo creativo si trasforma in un atto meditativo.


INDOOR / 85 3. 4.



Elsa Ohana is a contemporary engraving and drawing artist living and working in France. In the exhibition visitors can see “Traversée”, an instal lation of 10 works created through printing and engraving. Precarious images, fleeting, uncertain and fragile portraits of the feminine come face to face with the viewer. Castaways in their support, they stimulate fear and the desire for an obvious encounter with “the other by himself”.

From walking among these works, a relationship arises between the viewer, the subject of the work and the support. The engravings create a space and are themselves a space in which to wander. In fact, paper is used as a dual support, an open and unlimited space but at the same time a creator of paths and movements that direct the observer’s gaze. Experimenting with printing on the spot to “cross” the paper is the emo tional journey that is being built.

Elsa Ohana è un’artista di incisione e disegno contemporanei che vive e lavora in Francia. In mostra sono esposte “Traversée”, installazione di 10 opere create attraverso la stampa e l’incisione. Immagini precarie, ritratti fugaci, incerti e fragili del femminile si pongono faccia a faccia con lo spettatore. Naufraghi nel loro supporto, stimolano la paura e il desiderio dell’incontro palese con “l’altro da sé”. Dal camminare tra queste opere nasce una relazione tra lo spettatore, il soggetto dell’opera e il supporto.

Le incisioni creano uno spazio e sono esse stesse uno spazio in cui vagare. La carta è utilizzata infatti come supporto duplice, spazio aperto e illimi tato ma allo stesso tempo creatore di percorsi che indirizzano lo sguardo dell’osservatore. Sperimentare la stampa sul luogo per “attraversare” la carta è il viaggio emozionale che va costruendosi.




EMMA HARDY USA Ezra è lo pseudonimo del soggetto dell’opera di Emma Hardy “A Long Way Down”. Si trova sulla cima di un alto cilindro in carta, e da qui sporge per osservare ciò che c’è in basso. Buttarsi o non buttarsi? Rischiare di trovare cose sgradite ma conoscere l’ignoto o rimanere immobili, ad osservare da lontano, al sicuro? Queste sono le domande che si pone Ezra, ragazzo di 13 anni gender fluid amico dell’artista americana Emma Hardy. L’inizio del suo percorso di cambiamento prevede molto coraggio e una forte presa di consapevolezza nei confronti dell’ignoto e delle possibili complicanze.

Ezra is the pseudonym of the subject of Emma Hardy’s play “A Long Way Down”. It finds itself on top of a tall paper cylinder, and from here it pro trudes to observe what is below. To jump or not to jump? Risking to find unwelcome things but discovering the unknown or just remaining still, observing from afar, while being safe? These are the questions that Ezra, a 13-year-old gender fluid friend of the American artist, asks himself. The beginning of his path of change foresees a strong take of courage and awareness towards the unknown and possible complications.




The works that Eszter Bornemisza exhibits here in Lucca Biennale Cartasia were all created during the pandemic and are characterized by the fact that they reflect on what this historical period has brought out. The Hungarian artist has always had a particular eye towards the phenomena that arouse both in the environment close to her and in the world panorama. The growing anguish is turning into an urgent need to do something about the recurring problems around us, trying to prevent them from further deterioration.

Le opere che Eszter Bornemisza espone qui a Lucca Biennale Cartasia

sono tutte state create durante la pandemia e si caratterizzano per il fatto che riflettono su ciò che questo periodo storico ha fatto emergere. L’arti sta ungherese ha sempre avuto un occhio di riguardo particolare verso i fenomeni che destano preoccupazione sia nell’ambiente a lei vicino che nel panorama mondiale. La crescente angoscia si sta trasformando in un urgente bisogno di fare qualcosa riguardo i problemi ricorrenti attorno a noi, per cercare di prevenire un loro ulteriore peggioramento.



INDOOR / 97 4.5.6. 8.7.9.


GIANFRANCO GENTILE ITALIA / ITALY Gianfranco Gentile ha realizzato la collezione “Visita al Sacro Pomodoro” riflettendo sul rapporto tra la costruzione e percezione che abbiamo del mondo occidentale mettendo in mostra la condizione dei migranti all’interno di quest’ultimo. Attraverso l’immagine in stile pubblicitario del “Sacro Pomodoro”, simbolo della ricca commercializzazione di prodotti di questo genere, l’artista costruisce un collegamento con la realtà dei raccoglitori di pomodori. Il Sacro Pomodoro e i quattro ragazzi che lo osservano rappresentano infatti elementi complementari: l’aspirazione a vivere in un mondo ricco e commercializzato finisce dove iniziano le difficoltà che ciò comporta. Costanti condizioni di povertà e sfruttamento interessano specifici gruppi sociali, i più fragili e emarginati, verso i quali la fascia più abbiente e integrata della società rivolge sempre meno in teresse e aiuto.

Gianfranco Gentile created the “Visit to the Sacred Tomato” collection reflecting upon the relationship between the construction and percep tion we have of the Western world showing the condition of migrants within the latter. Through the advertising style image of the “Sacred To mato”, a symbol of the richness of the trade that involves these products, The artist builds a connection with the reality of the collectors of this food. The Sacred Tomato and the four boys who observe it represents different and complementary elements: the aspiration to live in a rich and commercialized world ends where the difficulties appear. Constant conditions of poverty and exploitation affect specific social groups, the most fragile and marginalized, towards which the wealthiest and most integrated segment of society is showing less and less interest and help.


INDOOR / 101

The German artist Ingrid Maria Stockmann presents two works for Lucca Biennale Cartasia created through the use of various materials, such as aluminum and acrylic colors, combined with recycled paper. “Outbreak” ’represents a woman, forced into the photo, bound inside a mask and ready to go. “Harlekine” instead represents a woman, con fined to a harlequin costume, eager for life but immobile, chained to her inner ghosts. The masks, the main element of her compositions, are prints on paper. The artist use them to make us think about how strong are some social rules, especially for women.

INDOOR / 103

L’artista tedesca Ingrid Maria Stockmann presenta per Lucca Biennale Cartasia due opere create tramite l’utilizzo di vari materiali, come allu minio e colori acrilici, combinati con carta riciclata. “Outbreak”’ rappre senta una donna, costretta nella foto, vincolata dentro una maschera e in procinto di partire. “Harlekine” rappresenta invece un’altra donna confinata in un costume da arlecchino, desiderosa di vita ma immobile, incatenata ai suoi fantasmi. Le maschere, elemento protagonista delle sue composizioni, sono stampate su carta e sono utilizzate dall’artista per farci riflettere sulla forza con cui alcune norme sociali si impongono, soprattutto alle donne.



INDOOR / 105 2.

Jacobo Alonso is a Mexican artist who uses a language based on the construction of figures with his body. The body is matter, concept and vehicle of significance. Burning bigh sheets of paper he impresses the shape and the movements of his body on the surface, he then cuts and models the gap on paper. A gap is a small space between two parts of the same body, and is used by the artist to represent the frag mentation of identities and a body state of continuous evolution. These apparently illegible gaps are perceived and reconstructed as short intervals of time, or Interstices.

PAULO JACOBO ALONSO LEÓN MESSICO / MEXICO Paulo Jacobo Alonso León è un artista di origini Messicane. Utilizza un linguaggio basato sulla costruzione di figure con il suo corpo in quanto materia, concetto e veicolo di significati. Bruciando grandi fogli di carta imprime poi la forma ed i movimenti del suo corpo sulle superficie e ne ritaglia e modella i gap, il vuoto. Un gap è un piccolo spazio tra due parti dello stesso corpo che viene utilizzato dall’artista per rappresen tare la frammentazione delle identità e uno stato corporeo di continua evoluzione. Questi vuoti apparentemente illeggibili vengono percepiti e ricostruiti come brevi intervalli di tempo, ovvero Interstizi.

INDOOR / 107


INDOOR / 109

Jonathan Bocca is a young artist from Lucca, an enthusiast and expert of art and design. He finds his strength point in the relationship between paper and design. For Jonathan Bocca paper is a surface perfect to represent his dreams. Through paper he gives form to his aspirations and his fears. He reflects on the role that objects have in our lives and on their omnipresence. The relationship between objects and space represents the heart of his artistic production. He aims to show how each object and each space can speak about ourselves. The pandemic increased the time that we spend at home, the room became part of us. For the artist our bedroom full of objects is the representation of our identity.

INDOOR / 111

Jonathan Bocca è un giovane artista di origini lucchesi. Appassionato e esperto di arte e design. Individua nella relazione tra la carta e il design il suo punto di forza. Per Jonathan Bocca la carta è un supporto su cui riportare i propri sogni. Attraverso la carta dà forma alle sue aspirazioni e alle sue paure. Gli oggetti inquieti che crea sono specchio della sua identità, dei suoi sogni e delle sue paure. Riflette sul ruolo che hanno gli oggetti nelle nostre vite, sulla loro onnipresenza. La relazione tra gli oggetti e lo spazio costituisce il cuore della sua produzione artistica. Vuole esprimere come ogni oggetto e ogni spazio può parlare di noi stessi. La pandemia ha fatto aumentare il tempo che passiamo tra quattro mura e la stanza è diventata parte di noi. Per l’artista la nostra camera da letto piena di oggetti rappresenta la nostra identità.



INDOOR / 113

INDOOR / 115

Minhee Kim è un’artista di origini coreane che a seguito della sperimenta zione di varie tecniche e materiali è approdata all’utilizzo della carta come materiale espressivo. Ha dato vita alla collezione “The Memory Will Never Go Away” con l’intento di cristallizzare il ricordo delle ‘Confort Woman’, donne schiave del sesso durante la seconda guerra mondiale, ed evitarne l’oblio dovuto a questioni politiche. L’opera è fatta di carta da lucido su cui sono stampate foto di queste donne che, anche se grafitate, sono ancora ben visibili. Secondo l’artista la cultura è il mezzo migliore per preservare i ricordi, dare importanza e rendere omaggio a persone che sono state dimenticate, per far conoscere le loro sofferenze e le loro storie ed evitare che si ripetano.

In pendant con questa opera c’è “Funeral Clothes”, la realizzazione del tipico abito funerario coreano che va ad commemorare ed onorare le 28 vittime sopravvissute a questa barbarie.

Minhee Kim is an artist of Korean origins who, after experimenting with different techniques and materials, landed on the use of paper as an expres sive material. She created “The Memory Will Never Go Away” collection with the aim of crystallizing the memory of ‘Confort Women’, women who were sex slaves during the Second World War, and avoiding their oblivion due to political issues. The work is made of tracing paper on which photos of these women are printed, even if graphite, are still clearly visible. According to the artist, culture is the best way to preserve memories, give importance and pay homage to people who have been forgotten, to make their sufferings and their stories known with the aim of avoiding their repetition. In pendant with this artwork is exhibited “Funeral Clothes”, the typical korean funeral clothing that commemorates and honorates the 28 surviving victims of this atrocity.



INDOOR / 117 2.

In the exhibition the artworks of the artist Neda Shafiee Moghaddam, Ira nian native and graduated in sculpture in Theran, she lives in Rome since 2002 where she graduated at the Accademia delle Belle Arti. Creator of “Flusso”, “The birth” and “Self-portrait” the center of the work is mankind the artist herself. in “Flusso” the man oscillates between the unknown and per fection, in “La Nascita” the artist represents herself as a soft, rounded and hopeful container. Through images of parts of her own body, reproduced on envelopes for recycled building materials, the artist tries to construct autobiographical stories. Each envelope has an object inside which gives it dynamism and three-dimensionality. The objects create a mysterious veil on the compositions, inviting the interlocutor to a deeper and more introspective reflection on the meaning of the work.

INDOOR / 119

NEDA SHAFIEE MOGHADDAM IRAN In mostra vengono proposte le opere dell’artista Neda Shafiee Moghaddam, di origine Iraniana e laureata in scultura a Theran vive a Roma dal 2002 dove ha conseguito una laurea all’Accademia di Belle Arti. Creatrice di “Flusso”, “La nascita” ed “Autoritratto” al centro dell’opera sta l’umanità e l’artista stessa. In “Flusso” l’uomo rappresentato oscilla tra ignoto e perfezione, in “La nascita” l’artista raffigura se stessa come un contenitore rotondo e morbido, pieno di energia e speranza. In “Autoritratto” tramite immagini di parti del proprio corpo, riprodotte su buste per materiali edili riciclate, l’artista cerca di costruire racconti autobiografici. Ogni busta ha al suo interno un oggetto che gli conferisce dinamicità e tridimensionalità. Questi oggetti creano un velo misterioso sulle composizioni, invitando l’interlocutore a una riflessione più profonda e introspettiva sul significato dell’opera.


INDOOR / 121 3.


Starting from the 2018 edition of Lucca Biennale Cartasia, a section dedi cated to a foreign country has been introduced. For this tenth edition, the host country is Japan, a fascinating place that stands out for its particular relationship with paper. It is in fact here that the first paper production pole was created, following the importation of this material from China around 600 AD. Initially it was a manufacturing and artisanal production which then, subsequently, was converted into a production industrialized. It is from the creativity of Japanese artists and craftsmen that original techniques for the creation and processing of paper were born that are still practiced today. This section includes works created with the origami technique, the “kiri-e” or through the use of “washi” type paper. These are all works that have a particular bond with Japan, especially as regards the technique, but which also evoke it from the point of view of content. The reference to Japanese painting styles, the landscapes of this magnificent country or its culture in general is explicit and evocative.


A partire dall’edizione del 2018 di Lucca Biennale Cartasia è stata introdotta una sezione dedicata a un paese estero. Per questa decima edizione il paese ospite è il Giappone, luogo affascinante che si distingue per la sua particolare relazione con la carta. E’ infatti qui che viene a crearsi il primo polo di pro duzione cartaria, a seguito dell’importazione di questo materiale dalla Cina intorno al 600 D.C. Inizialmente si trattava di una produzione manifatturiera e artigianale che poi, successivamente, si è convertita in una produzione in dustrializzata. È dalla creatività di artisti e artigiani giapponesi che sono nate infatti originali tecniche per la creazione e lavorazione della carta che ancora oggi vengono praticate. Di questa sezione fanno parte opere create con la tecnica degli origami, del “kiri-e” o tramite l’utilizzo di carta di tipo ”washi”. Sono tutte opere che hanno infatti un legame particolare con il Giappone, soprattutto per quanto riguarda la tecnica, ma che lo evocano anche dal pun to di vista contenutistico. Il richiamo a stili pittorici giapponesi, ai paesaggi di questo magnifico paese o alla sua cultura in generale è esplicito e suggestivo.



Anna Onesti impiega la Carta washi e la carta giapponese fatta a mano anche per la realizzazione di opere esposte nella sezione Focus Japan.

In esposizione “L’alfabeto dei semi 2015, noren”, stampa digitale a 11 colori su Epson japanese kozo paper. Un racconto azzurro si svolge sull’opera L’alfabeto dei semi (noren), un racconto fatto di fiori e forme fitomorfe. Un divisorio che non crea un limite ma un passaggio. Un vessillo scritto con parole arborescenti, un alfabeto fatto di fiori fioriti da semi misteriosi per far bella la parola detta e anche la parola scritta.

Anna Onesti uses Washi paper and handmade Japanese paper also to create arworks of the Focus Japan section. The Seeds Alphabet 2015, Noren, digital print in 11 colors on Epson Japanese Kozo paper. A blue tale takes place on the work The Seed Alphabet (Noren), a tale made of flowers and phytomorphic forms. A partition that does not create a limit but a passage. A banner written with arborescent words, an alphabet made of flowers bloomed from mysterious seeds to make beautiful the word spoken and also the written word.




“Impermanence”, “Wind God”, “Thunder God”, “In buddhism six sense organs” e “Flower shadow Emotionless” sono le opere che l’artista giap ponese Kakow Imgawa ha creato per Lucca Biennale Cartasia. Tramite queste opere l’artista vuole condividere il suo pensiero riguardo l’imper manenza di tutte le cose, soprattutto nel mondo moderno. Il continuo e veloce aumento dei desideri delle persone ha contribuito a creare quel sentimento di paura onnipresente nelle nostre vite. Timore legato al non poter soddisfare i propri desideri, ai cambiamenti climatici e sociali che sono conseguenza di questo smisurato progresso e in parte relativo alla paura della perdita di saperi antichi. L’artista con le sue opere vuole rappresentare il danno fatto alla società e alla cultura dal materialismo e dalla voglia continua e incontrollata di progresso.

“Impermanence”, “The gods of Wire”, “In Buddhism six” and “Flower shadow” are the works that the Japanese artist Kakow Imgawa created for Lucca Biennale Cartasia. Through these works, the artist wants to share his thoughts on the impermanence of all things, especially in the modern world. The continuous and rapid increase in people’s desires has helped to create that feeling of dread that persists in our lives. Slightly linked to the fear of not being able to satisfy one’s desires, partly linked to climatic and social changes that are a consequence of this immense progress and mainly related to the fear of the loss of ancient knowledge. The artist in short, with his works he wants to represent all the damage done to our society and culture by materialism and by the continuous and uncontrolled desire for progress.



FOCUS JAPAN / 135 3. 4. 5.

MARK YUNGBLUT CANADA Mark Yungblut ha creato le sue opere utilizzando un particolare taglio di carta giapponese, chiamato “Kiri-e”, in associazione all’utilizzo dell’acque rello. Tramite questa tecnica ha riprodotto paesaggi Giapponesi rivolgendo in particolar modo la sua attenzione all’architettura giapponese tradizio nale. Il santuario Hikawa, il castello di Motsumoto, il tempio di Eigenju e il tempio di Unganji non sono solo capolavori di architettura, ma sono anche luoghi mistici, luoghi in cui si può trovare rifugio e rassicurazione. Il desiderio di visitarli si contrappone però immancabilmente con la paura dell’ignoto e il timore per le incombenze future. Queste suggestive rap presentazioni sembrano trasportarci direttamente in Giappone, in questi luoghi in cui paura e desiderio si incontrano.

Mark Yungblut created his works using a particular Japanese paper cut, called “Kiri-e”, in association with the use of watercolor. Using this technique, he reproduced Japanese landscapes, turning his attention in particular to traditional Japanese architecture. The Hikawa shrine, Motsumoto Castle, Eigenju Temple and Unganji Temple are not only architectural masterpieces, they are also mystical places, places where one can find refuge and reassurance. the desire to visit them, however, invariably contrasts with the fear of the unknown and the fear of future tasks The desire to go there is, however, invariably contrasted with a fear, anxiety of the unknown future and dread of the future. These evocative representations seem to transport us directly to Japan, to these places where fear and desire meet.



FOCUS JAPAN / 139 2.3. 4.

Meiko Yokoyama è un’artista di origini giapponesi. Durante la sua carriera artistica ha inventato una tecnica originale cui ha dato il nome di Washi-Ar te: l’immagine viene creata tramite la sovrapposizione e il collage di carta giapponese di tipo Tengujo assieme ad un sistema di retro-illuminazione. È grazie alla luce infatti che le opere prendono effettivamente vita. Le figure diventano riconoscibili e i colori si accendono. Tramite la washi-arte

Meiko Yokoyama riproduce in maniera molto pittorica ambienti e soggetti che richiamano la paesaggistica Toscana e, in parte, anche la pittura “en plein air” impressionista.

Meiko Yokoyama, an artist of Japanese origins. During his artistic ca reer he invented an original technique to whom he gave the name of Washi-Art: the image is created through the overlapping and collage of Japanese paper, mainly of the Tengujo type together with the help of a retro-lighting. It is thanks to the light that the works actually come to life. The figures become recognizable and the colors light up. Through washiart Meiko Yokoyama reproduces in a very pictorial way environments and subjects that recall the Tuscan landscape. The it also recalls the impres sionist painting “en plein air”.




FOCUS JAPAN / 143 3. 4. 5. 6.

The tea house is a form of typical Japanese architecture that celebrates the tradition of the tea ceremony, a ceremony which expresses Japanese sentimentality and aesthetics through the act of drinking tea. The struc ture built by Lucca Biennale Cartasia in collaboration with the artist Meiko Yokoyama features heterogeneous walls made with 1500 types of tradition al Japanese papers. Some of the papers used in its making were kindly offered by the Ino Paper Museum and Moriki Paper Co., LTD (Kashikiseishi, Naigaitenguchoushi, Mori sa, Inouetesuki-kobō, Hiroshi Tamura, Nobuyasu Ozaki, Haruhiko Tamura)

La casa del tè è una forma di architettura tipica giapponese che celebra la tradizione della cerimonia del tè, cerimonia che esprime il sentimentalismo e l’estetica giapponese attraverso l’atto di bere il tè. La struttura costruita da Luc ca Biennale Cartasia in collaborazione con l’artista Meiko Yokoyama presenta delle pareti eterogenee realizzate con 1500 tipi di carte tradizionali giapponesi.

Alcune delle carte utilizzate per la sua realizzazione sono state gentilmente offerte dal Museo della Carta di Ino e Moriki Paper Co.,LTD. (Kashikiseishi, Naigaitenguchoushi, Morisa, Inouetesuki-kobō, Hiroshi Tamura, Nobuyasu Ozaki, Haruhiko Tamura)




Philipp Blume is an Austrian architect and designer who develop paper and cardboard innovative project. He exhibits the Samurai, a sculptures made with a translucent waterproof white paper, which makes the fusion of paper and lighting bodies possible.

Philipp Blume è un architetto e designer austriaco che sviluppa progetti in carta e cartone. L’opera proposta in mostra è un samurai, scultura rea lizzata con una carta bianca waterproof traslucente, permettendo quindi la fusione di carta e corpi illuminanti.



Pire e incensi che spargono il loro contenuto in forma di fumo verso il cielo, sono considerati ancora oggi simboli di unione tra il mondo terreno e il mondo spirituale. L’unione tra il sacrificio e il Dio, tra la materia e lo spirito, tra la paura e il desiderio, si ritrovano in questo gesto. Pertanto l’artista giapponese Yumiko Kido ha pensato di realizzare la sua opera d’arte di rettamente tramite il fuoco, rappresentando un crisantemo, simbolo di comunicazione e di unione. Una miscela speciale che l’artista chiama “inchiostro di fuoco” viene distribuita sulla carta seguendo un particolare disegno. La carta, materiale poroso, lo assorbe. Gli viene poi data accensio ne, così che una piccola fiammella scoppiettante prende vita, e, con folate di fumo bianco, incide sul foglio il profilo del fiore.

Pyres and incense that spread their contents in the form of smoke to wards the sky, are still considered today symbols of union between the earthly world and the spiritual world. The union between sacrifice and God, between matter and spirit, between fear and desire, are found in this gesture. Therefore, the Japanese artist Yumiko Kido decided to create his work of art directly through fire, representing a chrysanthemum, a symbol of communication and union. A special blend that the artist calls “fire ink” is distributed on the paper following a particular design. Paper, a porous material, absorbs it. It is then ignited, so that a small crackling flame comes to life, and, with gusts of white smoke, engraves the outline of the flower on the sheet.




FOCUS JAPAN / 153 4. 6.5. 7.8.


The section dedicated to Fashion shows works by artists who are specialized in the creation of clothes, jewellery and accessories using cardboard and paper. Paper, especially handmade paper can be totally transformed into a real fabric, with the right procedure can be spun and combined with other particular techniques in a complete innovative way. With this technique the amazing dresses in exhibition have been created. These dresses are fully wearable and their decorations and textures are often difficult to make with the classic fabrics used in the fashion industry. Paper jewels are also excep tional alternatives in comparison to the traditional production: Resistance and lightness distinguish them from the traditional jewels, this way making real wearable works of art became possible. And what better, more creative and original way to help reduce waste and live your artistic nature, if not through the use of recycled materials and paper. The creations in exhibition are an original representation of an art in development which represents a fascinating opportunity for the fashion and crafts sector.

FASHION La sezione dedicata al Fashion vede l’esposizione di opere di artisti che lavorano carta e cartone per creare abiti, gioielli e accessori. La carta, spe cialmente quella fatta a mano, può essere trasformata in una vera e propria stoffa, che è possibile filare. Questa lavorazione della carta è una delle principali tecniche con cui sono stati creati molti degli abiti in esposizione. Questi abiti sono completamente indossabili e le loro decorazioni e texture sono spesso difficili da realizzare con i classici tessuti utilizzati nel settore della moda. Anche i gioielli in carta costituiscono delle eccezionali alterna tive alla produzione tradizionale: resistenza e leggerezza li distinguono dai classici gioielli, e rendono possibile la creazione di vere e proprie opere d’arte indossabili. La moda in carta può costituire un’alternativa creativa per con tribuire alla riduzione degli sprechi. Molte delle opere in esposizione sono realizzate con l’utilizzo di materiali di riciclo e di recupero. Queste creazioni sono rappresentative di un’arte ancora in sviluppo, ma che rappresenta un’opportunità affascinante per il settore della moda e dell’artigianato.


Anna Onesti impiega la Carta washi e la carta giapponese fatta a mano anche per la realizzazione di opere esposte nella sezione Fashion. I 4 arazzi sono realizzati su carta (montata poi su lino) utilizzando tecniche deco rative ispirate alla tintura tradizionale dei tessuti, come l’itajimezome, lo shiborizome e il katazome. Queste tecniche, nate per la tintura dei tessuti, sono utilizzate anche per tingere la carta. Gli arazzi sono realizzati impie gando carta washi ottenuta dalla lavorazione delle fibre di kozo e colori di origine vegetale come il blu dell’indigofera tinctoria, il viola del legno del Brasile, il rosso delle radici di robbia, il giallo dell’albero di Amur, il bruno dei frutti dell’ontano, il verde delle noci di galla ed il nero dell’inchiostro di carbone. Ogni coppia di Arazzi è associata ad una stagione. Alcune delle opere di Anna Onesti sono esposte in mostre di grande impegno in Italia e all’estero e inoltre è costantemente attiva nell’ambito dei Beni Culturali con Istituzioni Internazionali dedite alla salvaguardia del patrimonio culturale.

Some of her works are exhibited in major exhibitions in Italy and abroad and she is also constantly active in the field of Cultural Heritage with Interna tional Institutions dedicated to safeguarding cultural heritage Anna Onesti uses Washi paper and handmade Japanese paper also to create arworks of the Fashion sector. The 4 Tapestries are made on paper (then mounted on linen) using decorative techniques inspired by the traditional dyeing of fabrics, such as itajimezome, shiborizome and katazome. These techniques, created for dyeing fabrics, are also used to dye paper. The tapestries are made using washi paper obtained from the processing of Kozo fibers and colors of plant origin such as the blue of the indigofera tinctoria, the purple of the wood of Brazil, the red of the roots of robbia, the yellow of the tree of Amur, the brown of the alder fruits, the green of the gall nuts, the black of the carbon ink. Each pair of Tapestries is associated with a season.



FASHION / 163 3. 4.


Le opere di Anna Maria Scocozza sono realizzate con l’uso di carta riciclata.


Le opere presentate fanno parte di una collezione più ampia “Guardaroba poetico”: un insieme di gioielli, abiti e lingerie per donna fatti con ciò che viene scartato. L’artista Anna Maria Scocozza riesce così a rendere omaggio al mondo della moda, del riciclo e della donna.

Tramite la sua filatura e tessitura viene creata una vera e propria stoffa con la quale è possibile realizzare abiti unici. L’altra tecnica impiegata dall’ar tista è lo “Suminagashi”, arte decorativa giapponese di pittura sull’acqua.

The artworks of Anna Maria Scocozza are made with the use of recycled paper. Through its spinning and weaving a real fabric is created, with that it becomes possible to create unique clothes. The other technique used by the artist is “Suminagashi”, a Japanese decorative technique of paint ing on water. The three works presented are part of a larger collection “Poetic wardrobe”: a set of jewels, dresses and lingerie for women made with discarded materials. The artist Anna Maria Scocozza thus manages to pay homage to the world of fashion, recycling and women.


FASHION / 167 14. 12.

La collezione “Don’t wash” è stata ideata e creata dall’artista Giovanna Bit tante E’ composta da tre linee: “Allegria”, “Arte” e “Luce”. Ognuna di esse è composta da collane, braccialetti, anelli e orecchini. Questi sono realizzati con vari tipi di carta ed elaborati con texture speciali, pigmenti o vetri fotoluminescenti. Le forme, naturali o geometriche, si caratterizzano per i volumi importanti che contrastano con la loro leggerezza. La ricerca di queste forme e questi volumi è ispirata all’immensità dell’universo e alla natura, elementi così grandi e spesso ignoti che l’essere umano desidera, ma che allo stesso tempo possono incutere timore o inquietudine.



The “Don’t wash” collection was conceived and created by the artist Giovanna Bittante It is made up of three lines: “Joy”, “Art” and “Light”. Each of them is made up of necklaces, bracelets, rings and earrings. They are made with various types of paper and processed with special textures, with the use of pigments or photoluminescent glass. Natural or geometric shapes are characterized by large volumes and their light ness. The search for these shapes and volumes is inspired by nature, the immensity of the universe, elements that the human being desires, but which can often arouse fear or disquiet.


FASHION / 171 4. 5.6. 7.

In response to the economic crisis of 2007-2013, the artist Marcella Stilo gives life, in the city of Milan, to “Cartalana Gioielli di Carta”, a project of craftsmanship, fashion and communication geared to wards sustainability. This is how her fantastic paper jewels are born. The “Stone” collection is inspired by the landscapes of the South and in particular the rocky coasts of Calabria, the artist’s homeland. These jewels created in “spun” paper, just like wool, play on verticality. The components that recall the stone seem almost suspended around or inside brass structures. The stone symbolizes a point of origin from which to start again and represents the strength that each of us needs to overcome the fears of existence. This composition makes these masterpieces of “amulet-jewels”.



In risposta alla crisi economica del 2007- 2013 l’artista Marcella Stilo dà vita, nella città di Milano, a “Cartalana Gioielli di Carta”, un progetto tra artigia nato, moda e comunicazione improntato verso la sostenibilità. E’ così che nascono i suoi fantastici gioielli in carta. La collezione “Stone” trae ispira zione dai paesaggi del Sud e in particolare dalle coste rocciose della Cala bria, terra di provenienza dell’artista. Questi gioielli creati in carta “filata”, appunto come lana, giocano sulla verticalità. I componenti che richiamano la pietra, sembrano quasi sospesi intorno o dentro strutture di ottone. La pietra simboleggia un punto di origine da cui ripartire e rappresenta la forza che serve a ognuno di noi per superare le paure dell’esistenza. Questa composizione rende tali capolavori dei “gioielli-amuleto”.




Michela Alesi ha fatto sua la tecnica del collage negli anni ‘90, per fezionandola progressivamente. Il suo lavoro è stato influenzato dal travestitismo teatrale e dall’iconografia di un certo “fashion system”, spesso massificante, da cui l’artista, per celebrare l’identità della persona, vuole prendere le distanze. Ci riesce facendolo a pezzi: tagliandolo, smi nuzzandolo e smembrandolo. Ogni opera prende così vita fagocitando, assorbendo e trasformando le immagini patinate delle riviste di moda at traverso sorprendenti metamorfosi che conferiscono loro nuove identità.

Michela Alesi made the collage technique her own in the 1990s, pro gressively improving it with a personal procedure. Her work has been influenced by theatrical transvestism and by the iconography of a certain ‘fashion system’ - often standardizing - from which the artist, to celebrate the identity of the person, has distanced herself. She does it by making it in pieces: by cutting it, chopping it up. Dismember it. Each work thus comes to life by engulfing, absorbing and transforming the glossy images of fashion magazines through surprising metamorphoses that give them new identities.



FASHION / 179 4.3. 5. 6.

Creare la collezione “Passing Clouds” con la pasta di carta ha permesso all’artista Renata Fukuda di comprendere e rispettare ancora di più la complessità di questo materiale dal quale è immensamente affascinata. Per fare la carta in maniera artigianale è necessario impiegare molte energie e molto tempo: il processo di essiccazione della carta e la tra sformazione naturale di questo elemento in una pelle unica e organica si unisce a una manualità minuziosa e delicata che gli dà forma e volume. Questa maestria è ciò che rende questi gioielli molto più preziosi e originali di quelli tradizionali in metallo. Anche la collezione “Sense of Self” è nata da un processo di creazione lento e delicato. L’unione di pasta di carta Abaka e di fibre di Kozo è nata da un processo applicativo molto lungo e impegnativo. Le ore passate nella lavorazione sono state però per l’artista un momento di connessione con se stessa e hanno valorizzato ancora di più questi magnifici capolavori.


Creating the “Passing Clouds” collection with paper pulp has allowed the artist to understand and respect even more the complexity of this material by which she is immensely fascinated. Making paper in an artisanal way means using a lot of energy and a lot of time: the paper drying process and the natural transformation of this element into a unique and organic skin is combined with a meticulous and delicate manual skill that gives it shape and volume. This is what makes these jewels much more precious and original than traditional metal ones. The “Sense of Self” collection was also born from a slow and delicate creation process. The combination of Abaka paper pulp and Kozo fibers was born from a continuous and delicate application process. The hours spent in the work, however, were for the artist a moment of connection with herself and enhanced these magnificent masterpieces even more.



FASHION / 183 2. 4. 3.


L’artista Susy Manzo rappresenta labirinti, luoghi immaginari e ricordi attraverso ricami e trame di carta, in cui la figura umana si fonde total mente con il mondo naturale. Figure femminili collocate in luoghi senza tempo e senza spazio raccontano realtà immaginarie e appendici irreali. Alla delicatezza di queste figure contrappone dettagliati particolari spesso forti ed espliciti. L’opera “Capodimonte - Omaggio a Napoli”, una delle sue creazioni esposte in mostra, è realizzata con l’uso di carta e carta velina lavorate con la tecnica del paper-cutting. Con questa composizione l’artista esprime il suo attaccamento nei confronti della terra natale, e la particolare attenzione che nutre verso le usanze e le tradizioni popolari della nostra cultura. Il desiderio di mantenerle in vita si unisce alla paura della loro perdita e della loro degenerazione.


The artist Susy Manzo represents labyrinths, imaginary places and memories through embroideries and paper textures, in which the human figure completely merges with the natural world. Female figures placed in timeless and spaceless places tell imaginary realities and unreal ap pendages. To the delicacy of these figures she contrasts details that are often strong and explicit. The artwork “Capodimonte - Homage to Naples”, one of her creations in exhibition, is made with the use of paper and tissue paper worked with the technique of paper-cutting. With this composition the artist expresses his attachment to his native land, and the particular attention he nurtures towards the popular customs and traditions of our culture. The desire to keep them alive is combined with the fear of their loss and degeneration.


FASHION / 187 7. 9. 6. 8.5.4.


OFF OFF vuol dire molte cose; includere in un nuovo percorso cittadino l’arte di carta oltre i luoghi abituali, invadendo con la bellezza e lo stupore negozi, locali, uffici per incontrare lo sguardo di tutti. Vuol dire condividere, attraverso l’estetica, la gioia dell’arte veicolata nella capitale mondiale della carta, Lucca. Vuol dire, anche, una rinascita e un invito ad abbraccia re la vita, grazie alla straordinaria disponibilità e partecipazio ne degli esercenti. Per questo e per molto altro, la sezione OFF rappresenta, questo anno, il simbolo di un dialogo, un terreno di sperimentazione, e uno stimolo a ripartire, con fiducia. Grazie a tutti gli artisti in mostra e agli esercenti che hanno scelto di partecipare, insieme a noi, per realizzare questa grande festa dell’arte di carta.

OFF means many things: to involve the paper art in a new city path beyond the usual places; to invade with beauty and amazement shops, restaurants, offices to meet the gaze of all. It means sharing, through aesthetics, the joy of the art conveyed in the world capital of paper, Lucca. Also, it means a rebirth and an invitation to embrace life, thanks to the extraordinary availability and participation of exhibitors. For this and for much more, the OFF section represents, this year, the symbol of a dialogue, a field of experimentation, and an incentive to start again, with confidence. Thanks to all the artists on display and to the exhibitors who have chosen to participate, together with us, to realize this great paper art festival.

OFF / 189 ALDO RIGHETTI ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by PLAZA - Bar Bistrot Via Vittorio Veneto, 21/23

190 / OFF ALESSANDRO SORBERA ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by MED STORE - Elettronica Via Vittorio Veneto, 16

OFF / 191 AURORA BRESCI ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by ORIGAMI - Ristorante Giapponese Via Francesco Carrara, 18

192 / OFF CARMEL ILAN ISRAELE / EsposizioneISRAELospitata da / Exhibition hosted by MICHELE MARCHI - Gioielleria Piazza San Michele, 2

OFF / 193 CHRISTIAAN DIEDERICKS SUD AFRICA / SOUTH AFRICA Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by IMMOBILIARE SAN PIETRO - Agenzia immobiliare Via Francesco Carrara, 22

194 / OFF CRISTINA MUSIANI ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by CHRONÒ - Negozio di sport Via Busdraghi, 43

OFF / 195 DANIELA BORRI ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by Antica Bottega di Prospero - Alimentari Via Santa Lucia, 13

196 / OFF EMANUELE TARCHINI ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by GELATARIUM - Gelateria Via Vittorio Veneto, 38

OFF / 197 ERICA ZUTERE LETTONIA / LATVIA Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by COLLODI & BUCHIGNANI - Abbigliamento Via San Girolamo, 18

198 / OFF GEORGANNE WATTERS EsposizioneUSA ospitata da / Exhibition hosted by GIGOLÒ & VOID DONNA - Abbigliamento Via Beccheria, 22

OFF / 199 GIOVANNI ZUFFI ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by B SIDE - Abbigliamento Via Vittorio Veneto, 35

200 / OFF HONGYUN HE CINA / EsposizioneCHINAospitata da / Exhibition hosted by TISTA - Abbigliamento Piazza San Michele, 10

OFF / 201 JEANNINE DE RAEYMAECKER BELGIO / BELGIUM Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by MICHEL - Parrucchiere Via Francesco Carrara, 30

202 / OFF KOTOAKI ASANO GIAPPONE / JAPAN Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by BOOKSHOP - Lucca Biennale Cartasia Piazza San Romano, 4

OFF / 203 KYOKO TAKEY GIAPPONE / JAPAN Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by CARLO MARCHI - Gioielleria Via Santa Lucia, 28

204 / OFF LILI LABUS UNGHERIA / HUNGARY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by EREDI VINCENTI - Abbigliamento Via Beccheria, 9

OFF / 205 LILIAN PREBISH ARGENTINA Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by PENSIERI BELLI - Libreria Via Vittorio Veneto, 46

206 / OFF LUCA GIANNOTTI ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by BAR CASALI - Bar Piazza San Michele, 40

OFF / 207 MARTA SABRINA ZACCHI ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by NAPAPIJRI - Abbigliamento Via Beccheria, 12

208 / OFF MASSIMO MISSIROLI ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by MONTANELLI - Abbigliamento Piazza XX Settembre, 3

OFF / 209 MICHELE BRUNA ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by BAR PESCHINO - Bar Piazza San Michele, 17

210 / OFF MONICA MAURO ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by XOXO - Abbigliamento Via Vittorio Veneto, 62

OFF / 211 NOBUKO MURAKAMI GIAPPONE / JAPAN Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by FANTAUNIVERSE - Store Via Vittorio Veneto, 54

212 / OFF PIERANGELA ORECCHIA ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by MARTINELLI LUCE - Illuminazione Via Santa Lucia, 9

OFF / 213 PIERLUIGI COLOMBO ITALIA / ITALY Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by GIGOLÒ & VOID UOMO - Abbigliamento Via Beccheria, 13

214 / OFF ROBERTA PICERNO ITALIA / EsposizioneITALYospitata da / Exhibition hosted by COSTANTINO MARSILI - Enoteca Piazza San Michele, 38

OFF / 215 VALÉRIE LEYDET FRANCIA / FRANCE Esposizione ospitata da / Exhibition hosted by L’ANGOLO DI SANTA MARIA NOVELLA - Profumeria Via Vittorio Veneto, 29


La sezione performance è tra le più giovani di Lucca Biennale Cartasia. La performance è uno dei mezzi di espressione più coinvolgenti e potenti che un artista possa utilizzare: vedere l’impiego della carta perfino in questo am bito è un qualcosa di unico nel suo genere. I cinque performer selezionati si approcciano alla carta in maniere completamente differenti: per alcuni è un rituale ed un abito, per altri un mezzo per liberarsi delle proprie paure, può essere schermo e spazio teatrale, superficie su cui lasciare un segno col proprio corpo o con oggetti del quotidiano.


The performance section is one of the youngest sectors of Lucca Biennale Cartasia. Performance is one of the most engaging and powerful means of expression that an artist can use: seeing the use of paper even in this field is something unique. The five selected performers approach paper in com pletely different ways: for some is a ritual and a dress, for others is a way to get rid of people’s fears, it can be screen and theatrical space, a surface on which you can leave a mark with your body or with everydays objects.


Paulo Jacobo Alonso León, proveniente dal Michoacan (Messico), è un esperto in Arti Plastiche e professore di Arte e Design all’università

Nazionale Autonoma del Messico. Crea opere d’arte contemporanea rappresentanti la relazione tra materia, spazio e tempo, che espone in mostre e musei di livello internazionale.

“I, the skin” is the performance that he proposes for Lucca Biennale Cartasia. Performance that relates the body and fire, two elements feared and desired: the flames, their heat, their strength, their liveliness, have always charmed and scared mankind. Thus the body also has a dual aspect: the desire for living flesh and the fear of the inert body. The transience of a soft dance with a naked body imprinted on the soot gives life to shapes, impressions and traces, images as peaceful as they are disturbing, like the body and fire.

“I, the skin” è la performance che propone per Lucca Biennale Cartasia. Si tratta di una performance che mette in relazione il corpo e il fuoco, due elementi temuti e desiderati: le fiamme, il loro calore, la loro forza e la loro vivacità, da sempre affascinano e spaventano l’uomo. Così anche il corpo ha un aspetto duale: il desiderio di carne viva e la paura del corpo inerte. La caducità di una danza morbida a corpo nudo impressa sulla fuliggine, da vita a forme, impressioni e tracce, di immagini tanto pacifiche quanto inquietanti, come il corpo e il fuoco.


Paulo Jacobo Alonso León, directly from Michoacan (Mexico), is an expert in Plastic Arts and professor of Art and Design at the National Autonomous University of Mexico. He creates works of contemporary art representing the relationship between matter, space and time, which he exhibits in international exhibitions and museums.


Questo gli permette di creare e comprendere le relazioni fra i vari spazi attra versati e fra i vari pubblici che li caratterizzano.


La formazione pluridisciplinare e la continua ricerca espressiva multi-lin guistica che contempla l’utilizzo e lo sviluppo di tutti i livelli dell’uomo, portano Davide Francesca a essere un artista a tutto tondo. Nel 2005 dà vita ai lavori performativi ispirati alla danza “Butoh”, e in particolare al pro getto “Le Passant Considérable”, ideato tra arti performative e sociologia per valorizzare e leggere il contesto urbano delle città in cui si realizza. Di questo progetto fa parte la performance “La Sposa di Carta”.

“The Paper Bride” born on the impressions of the Japanese Butoh dance, which is based on the slowness of the movements, leads the actor/dancer to cross the city and establish a relationship with the audience he casually meets. This allows him to deduce relationships between the various spaces crossed and between the various audiences that characterize them.


LA SPOSA DI CARTA “La Sposa di Carta” è nata sulle impressioni della danza Butoh giapponese, basata sulla lentezza dei movimenti e porta il performer ad attraversare la città instaurando una relazione con il pubblico che casualmente incontra.

La The multidisciplinary training and the continuous multi-linguistic expressive research that contemplates the use and development of all levels of man, lead Davide Francesca to be an all-round artist. In 2005 he gave life to the performative works inspired by the dance “Butoh” and in particular to the project “Le Passant Considérable”, played between performing arts and sociology to enhance and read the urban context of the cities in which it is realized. Part of this project is the performance



La performance di Keos Dance Project per la Lucca Biennale Cartasia è Raw Vibes. In uno spazio immaginifico dai bagliori crepuscolari, una grande scatola dalle pareti di carta traslucida, estende intorno a sé quat tro fasci di luce evanescente. Parole, embrioni di pensieri lacerano la pla centa di carta, ora sono esseri umani seminudi ed esposti alla luce, che narrano con il corpo ciò che li ha generati.

Keos Dance Project’s performance for Lucca Biennale Cartasia is Raw Vibes In an imaginative space with a crepuscular glow, a large box with translucent paper walls extends around itself four stalks of evanescent light. Words, embryos of thoughts tear the paper placenta, now they are human beings half-naked and exposed to the light, narrating with the body what generated them.

Keos Dance Project, dance training and production centre directed by Stefano Puccinelli, active in training and production for seventeen years, is recognized in Tuscany as one of the most relevant realities in the sec tor and a landmark for those who want to undertake the study of dance at all levels, whether classic, modern/contemporary or street / urban. For some years Keos Dance Project has collaborated with important studios that make music videos for the most famous Italian singers.


Keos Dance Project, centro di formazione e produzione danza diretto da Stefano Puccinelli, da diciassette anni attivo nella formazione e produzio ne, è riconosciuto in Toscana come una delle realtà più rilevanti del settore e punto di riferimento per chi vuole intraprendere ad ogni livello lo studio della danza. Da alcuni anni Keos Dance Project collabora con importanti studi che realizzano i video musicali per i più famosi cantanti italiani.



Nella sua performance cosparge di inchiostro una superficie piana, per poi posizionarvi sopra un foglio di carta. Poi, a tempo di musica elettroni ca l’artista preme con diversi oggetti e utensili artistici sul foglio, creando forme e disegni astratti. Quando il foglio di carta viene poi capovolto si manifesta il risultato di questa operazione: le impronte degli utensili, con la loro diversa forma, vanno a creare fantastiche figure e composizioni di inchiostro su carta. In her performance she sprinkles ink on a flat surface, then places a sheet of paper on it. Then, in time with electronic music that accompanies the entire performance, Martina Zena presses different objects and artistic tools on the sheet, creating abstract shapes and designs. When the sheet of paper is then turned upside down, the result of this operation is mani fested: the imprints of the tools, with their different shape, create fantastic figures and compositions of ink on paper.

Martina Zena è un’artista italiana a tutto tondo. Si distingue in particolar modo nel campo delle arti visive e delle performance. La sua ricerca di nuove strade per applicare la sua creatività è costante. È una performer multidisciplinare, sempre in evoluzione ed espone le sue opere in nume rose gallerie italiane. Martina Zena is an all-around Italian artist. She stands out especially in the field of visual arts and performance. Her search for new streets to ap ply her creativity is constant. She is therefore a multidisciplinary perform er always in evolution and exhibits her works in numerous Italian galleries.


EVENTI / 227

Uno dei punti di forza di Lucca Biennale Cartasia è stato senza dubbio quello di creare, parallelamente alle mostre, un palinsesto di eventi col laterali diversificati. Workshop con artisti esperti di paper art, laboratori per bambini o eventi all’aperto: nei due mesi della Biennale si sono tenuti appuntamenti settimanali pensati per ogni tipo di pubblico. One of the strengths of the Lucca Biennale Cartasia has undoubtedly been to create, alongside the exhibitions, a schedule of diverse collateral events. Workshops with expert paper art artists, workshops for children or outdoor events: in the two months of the Biennale, weekly events designed for every type of audience.


L’allestimento , The setting up for the has been realized by PAPERTOWN , an specialized in design made by

compagnia austriaca che si è specializzata nel design re alizzato in cartone.

dei Network Days è stato realizzato dall’azienda PAPERTOWN

Austrian company

Network Days


• Stand Up: creative hexagonal installation, light, functional and durable showed by the CEO of the firma Philipp Blume.

Nello specifico, Lucca Biennale Cartasia 2021 ha presentato 3 panels:

• Fear & Desire: tema 2021, raccontato tramite le parole degli artisti outdoor.

• Focus Japan: Unesco heritage, japanese paper is unique in its genre. The critic of japanese art Paolo Linetti , the conservator Claudia Giostrella and the artist Meiko Yokoyama reveal the secrets and the uses of this material.


Stand Up: installazioni esagonali, leggere, funzionali e resistenti raccontate dal CEO dell’azienda Philipp Blume.

• Fear & Desire: 2021 theme, told through the words of outdoor artists.

Tradizionalmente, i NeD si svolgono nel weekend di apertura di Lucca Biennale Cartasia. Sono incontri per professionisti del settore arte e cul tura, curatori, appassionati di arte, artisti, universitari e docenti, designer e architetti; un palco per raccontare e confrontarsi sulle novità della carta a 360 gradi, attraverso panels, proiezioni e momenti di networking.

• Focus Japan: Patrimonio Unesco, la carta giapponese è unica nel suo genere. Lo storico d’arte giapponese Paolo Linetti, la restau ratrice Claudia Giostrella e l’artista Meiko Yokoyama svelano tutti i segreti ed impieghi di questo materiale.

Traditionally, the NeD takes place on the opening weekend of Lucca Biennale Cartasia. These are meetings for professionists of the art and culture sector, curators, art lovers, artists,students and teachers, desi gners and architects; a stage to talk about paper and its news, through panels, projections and moments of networking.

In particular Lucca Biennale Cartasia 2021 presented:

EVENTI / 229

• Meiko Yokoyama / “Carta washi”: realizzazione di quadri utilizzando solo frammenti di carta giapponese colorata. Sovrapponendo due diverse immagini e sistemando delle strisce di luce LED all’interno della cornice, l’immagine si trasforma grazie alla trasparenza propria della carta giappo nese. Il gioco di luce, fa apparire figure che prima erano invisibili.

• Meiko Yokoyama / “Carta washi”: making paintings using only fragments of colored Japanese paper. By superimposing two different images and placing strips of LED light inside the frame, the image is transformed thanks to the transparency of Japanese paper. The play of light makes figures appear that were previously invisible.


These meetings are designed, in particular, for those who have already approached paper art and want to learn professional techniques and ap proaches. In particular Lucca Biennale Cartasia 2021 presented 3 workshops:

• Davide Francesca / “Sartoria e Performance”: i partecipanti sono stati guidati in un percorso teso a focalizzare la propria ricerca perso nale e svilupparla in una vera e propria azione performativa.

Questi incontri sono pensati, in particolare, per chi si è già avvicinato alla paper art e desidera apprendere tecniche e approcci professionali. Nello specifico, Lucca Biennale Cartasia 2021 ha presentato 3 workshop:

• Davide Francesca / “Sartoria e Performance”: The participants were guided in a path aimed at focusing the theme of their person al research and developing it in a real performative action.

Jonathan Bocca / “Oggetti inquieti”: l’esercizio di questo workshop consiste nel disegnare la prima memoria che si ha dei propri sogni al mat tino appena svegli, così da individuare l’elemento che ha caratterizzato il nostro sogno, per poi riprodurlo con la carta, mezzo usato fin da bambini.

Jonathan Bocca / “Oggetti inquieti”: the exercise of this workshop con sists in drawing the first memory that you have of dreams in the morning as soon as you wake up, to identify the element that characterized our dream, and then reproduce with paper, a means used since childhood.

The laboratories of the 2021 edition were realized thanks to the collabo ration with “RecuperArti”, an association promoting a recycling project in which industrial waste materials are brought to new life through a cultural, artistic and educational process, and Lucca Info e Guide, an association born from the union of certified and expert tour guides of the city of Lucca.

LAB Bambini e genitori si sono divertiti imparando grazie ai laboratori che offre Lucca Biennale Cartasia, un’occasione speciale per conoscere la Pa per Art e provare a metterla in pratica. Tramite l’uso creativo della carta, materiale economico, malleabile ed ecologico hanno potuto dare vita a piccoli oggetti artistici, facendoli diventare un bellissimo ricordo di Lucca Biennale Cartasia.

Children and parents had fun learning through the labs offered by Lucca Biennale Cartasia, which have been for many years, a special opportu nity to get to know Paper Art and try to put it into practice. Through the creative use of paper, an economic, malleable and ecological material, they had the chance to give life to small artistic objects, turning them into beautiful memories of Lucca Biennale Cartasia.

I laboratori dell’edizione 2021 sono nati grazie alla collaborazione con “Re cuperArti”, associazione promotrice di un progetto di riciclo in cui materiali di scarto industriale vengono portati a nuova vita attraverso un processo culturale, artistico ed educativo, e Lucca Info e Guide, associazione nata dall’unione di guide turistiche certificate ed esperte della città di Lucca.

EVENTI / 233

Liceo Artistico Passaglia (Prof. Giuliano Toma e Prof.ssa Barbara Baroncelli), Liceo Pertini (Prof.ssa Maria Antonietta Bardino)

Tutti i volontari che partecipano alla Biennale, dando supporto a tutta l’organizzazione. All the volunteers that take part in the Biennale, giving their support to the organization.

Nicolas Bertoux, Cynthia Sah, Giuseppe De Leo, Giulia Bertolucci Laura Pantaleoni, David Ragghianti, Federico Stefani, Elettra Dini, Rachele Ceccotti, Elena Giannecchini, Marta Lo Faso, Zoe Nardone, Francesco Mo, Sebastiano Magoni, Claudia Circelli, Andrea Macis, Andrea Natalini Domenico Zazzara, Alessandro Casalini, Francesco Pecini, Samuel Okeke Christian Bianchi, Daria Rollo, Denis Gavriloae, Alessandro Cusani, Alexander Branca Barbara Argentieri, Arianna Bottari Michela Andreotti Arianna Bottari, Tessa Wiechmann


Federica Moretti Emiliano Galiani Diletta Nardi, Giulia Landucci, Claudia Sturlini, Maria Alessandra Raffaelli, Michela Andreotti, Pourya Azizi, Matilde Bernardini, Azzurra Franci, Paolo De Angelis, Stefano Cortopassi, Veronica Mori, Lisa Carmagnini, Hayat Sabir, Sara Barducci, Magdalina Dolhescu. Nicolas Bertoux, Giacomo Pecchia, Lauro Dini, Elettra Dini, Giulia Bertolucci.

Tutti coloro che hanno contribuito moralmente e tecnicamen te alla riuscita di questo evento come gli esercenti della SEZIONE OFF, gli uffici del Comune di Lucca, gli amici e le famiglie.

All those who have morally and technically contributed to the success of this event such as the exhibitors of the OFF SECTION, the offices of the Municipality of Lucca, friends and families.

SPONSOR Un sentito ringraziamento va agli sponsor e collaboratori che hanno reso possibile questa edizione A heartfelt thanks goes to the sponsors and collaborators who have made this edition possible ORGANIZZATOREPATROCINI CON IL CONTRIBUTO DEL COMUNE DI LUCCA PARTNERSSPONSOR MEDIASPONSORPARTNERSHIPTECNICICOLLABORAZIONI OAPPC LUCCA



Issuu converts static files into: digital portfolios, online yearbooks, online catalogs, digital photo albums and more. Sign up and create your flipbook.