PENSAR EN CANCIONES Y POESÍA: SOBRE LA IMAGINACIÓN Y LA NATURALEZA HUMANA
LA vIdA SIN MÚSICA SERíA UN ERROR EL RITMO
QUE NOS UNE
¿TE PUEDE CURAR UNA CANCIÓN? LA CIENCIA DETRÁS DE LA MÚSICA
ROMÁN REVUELTAS: LA MÚSICA COMO DESTINO Y REFUGIO EN TIEMPOS DE LA INMEDIATEZ
COMPÁZ: TRANSFORMANDO VIDAS A TRAVÉS DE LA MÚSICA
El Gobierno de Jesús María celebra el Mes del Niño jugando y recordando que todos los niños y niñas tienen derecho a crecer felices, a jugar y a aprender en un ambiente de respeto y cariño.
¡Hoy nos divertimos mientras hacemos valer nuestros derechos!
Derecho a la INCLUSIÓN de Niñas, Niños y Adolescentes CON DISCAPACIDAD
Derecho a la PARTICIPACIÓN
Derecho a la LIBERTAD DE EXPRESIÓN y de ACCESO A LA INFORMACIÓN
Derecho a NO SER DISCRIMINADO
Derecho de Acceso a una VIDA LIBRE DE VIOLENCIA y a la INTEGRIDAD PERSONAL
Derecho a VIVIR EN FAMILIA
Derecho a la VIDA, la SUPERVIVENCIA y al DESARROLLO
Derecho a una ALIMENTACIÓN SUFICIENTE, NUTRITIVA Y DE CALIDAD Derecho a la SALUD MENTAL
Derecho a la PROTECCIÓN DE LA SALUD y a la SEGURIDAD SOCIAL
Del Derecho a la INTIMIDAD
Derecho al DESCANSO, al JUEGO y al ESPARCIMIENTO
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MAGNÍFICA, Número 5, primera quincena de marzo de 2025. Revista quincenal de Circulación Controlada y Pagada. Editada, publicada y distribuida por 3A VIA EDICION PRODUCCION IMPRESION, SA de CV. Ignacio Zaragoza 411. Zona Centro. Aguascalientes, Aguascalientes. C.P. 20000. Editor Responsable: GABRIEL RAMÍREZ PASILLAS. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: En Trámite. Certificado de Licitud de Título y Contenido: En Trámite. Registro en el Padrón Nacional de Medios Impresos de la Secretaría de Gobernación: Pendiente. Impresa por, C Gráfico RGA. Filemón Alonso Muñoz 210, Ciudad Industrial, Aguascalientes, Aguascalientes, C.P. 20290.
Francisco Miguel Aguirre Arias
> La sinfonía de la existencia
La música, ese eco del alma, esa vibración que resuena en lo más profundo de nuestro ser. La música no es solo un conjunto de notas y ritmos, es la esencia misma de la vida, un lenguaje que trasciende las palabras y conecta con nuestras emociones más primigenias.
En un mundo donde el ruido constante nos aturde, la música se erige como un refugio, un santuario donde podemos encontrar paz y serenidad. Sus melodías suaves nos mecen, nos arrullan, nos transportan a un estado de calma donde el alma se libera de sus ataduras. Sus ritmos enérgicos nos impulsan, nos motivan, nos llenan de vitalidad y nos invitan a celebrar la vida en toda su plenitud.
La música es el espejo de la sociedad, un reflejo de sus alegrías, sus tristezas, sus esperanzas y sus miedos. En México, la música es un crisol de culturas, un mosaico de sonidos que narran la historia de un pueblo apasionado y resiliente. Desde el mariachi, con sus letras que hablan de amor y desamor, hasta los corridos, que cuentan las hazañas de héroes y villanos, la música mexicana es un testimonio de la identidad y el sentir de su gente.
Pero la música no solo nos conecta con nuestras emociones y con nuestra cultura, también tiene el poder de sanar. Sus vibraciones armónicas pueden calmar la ansiedad, aliviar el estrés y elevar el ánimo. La música es un bálsamo para el alma, una medicina que cura las heridas del corazón y nos ayuda a encontrar el equilibrio interior.
La filosofía estoica nos enseña a aceptar lo que no podemos controlar y a centrarnos en lo que sí podemos. La música nos ayuda a poner en práctica esta enseñanza, nos permite encontrar la serenidad en medio del caos y a valorar el presente en toda su magnitud.
En un mundo donde la tecnología avanza a pasos agigantados, la música se reinventa y se fusiona con otras formas de arte, creando experiencias sensoriales únicas. Los nuevos artistas locales se pueden convertir en globales en un santiamén. La música clásica, con su belleza atemporal y su complejidad técnica, sigue siendo un faro de inspiración y admiración. Las orquestas sinfónicas, con su capacidad para interpretar obras maestras de la música, son un patrimonio cultural invaluable que debemos proteger y promover.
La música es la sinfonía de la existencia, un canto que celebra la vida en todas sus manifestaciones. No la dejemos silenciar, permitamos que su melodía nos acompañe en nuestro camino, que nos inspire, nos consuele y nos recuerde que la belleza y la armonía siempre están presentes, incluso en los momentos más oscuros.
BARRA &
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·Centro: Museo Nacional de la Muerte ·Hotel IBIS: Salida a Zacatecas Km 6.6
·Plaza Meridiam Park: Salida a México (Frente a Planta 1 NISSAN)
PROARTE y la transformación musical en Aguascalientes
Un género musical glorificado, mitificado y eterno: del corrido al narcocorrido
Orquesta Sinfónica y Coro Infantil de Jesús María, impulso al rescate social
COMPÁZ: Transformando vidas a través de la música
Román Revueltas: la música como destino y refugio en tiempos de la inmediatez
Aunque es seguro que habrá más penas y olvido: dos miradas sobre Buenos Aires
El poder femenino de Flor de Jade: música, conexión y hermandad
Pensar en canciones y poesía: sobre la imaginación y la naturaleza humana
Nostalgia en la música: el regreso de los vinilos, el Y2K pop y la obsesión por revivir el pasado
Amapola Bogan y su saxofón: música, vida y pasión 10
¿Te puede curar una canción? La ciencia detrás de cómo la música mejora tu estado de ánimo y productividad
Wendy Carlos: La visionaria que revolucionó la música electrónica y el cine
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“La Sobredosis”: El ritmo que hace vibrar al Necaxa
Bandas y artistas mexicanos que llevaron la música al FIFA
Corina: La película mexicana de la que todos están hablando
PROARTE Y LA TRANSFORMACIÓN MUSICAL EN AGUASCALIENTES
La música es un lenguaje universal que no solo entretiene, sino que también educa, sensibiliza y transforma. En Aguascalientes, el programa PROARTE del Instituto Cultural de Aguascalientes (ICA) está cumpliendo con esta misión al acercar la educación artística a los planteles escolares del Instituto de Educación del Estado. Bajo la coordinación de Félix de la Rosa, el programa busca brindar a niñas y niños una primera aproximación a diversas disciplinas artísticas, entre ellas la música, el teatro, la literatura, las artes visuales, la danza y las artesanías.
> Una puerta a nuevas posibilidades
El objetivo principal de PROARTE en el ámbito musical es sensibilizar a la comunidad escolar y generar espacios de expresión artística dentro de las mismas instituciones educativas. Se trabaja de la mano con directores, maestras y maestros para identificar talentos y promover ensambles musicales en los planteles. La metodología incluye clases generales por grupo, en las que se exploran tanto la música popular como la tradicional mexicana, permitiendo que los estudiantes descubran su potencial y exploren nuevas formas de expresión.
> Resultados tangibles y un futuro prometedor
A pesar de que aún no se ha consolidado una orquesta formal, PROARTE ha logrado formar coros y ensambles de percusión utilizando materiales accesibles, provenientes tanto de la escuela como de casa. Con un esquema de intervención trimestral y alrededor de 12 sesiones por ciclo, los avances han sido notables. La participación del Instituto de Educación ha sido clave para la continuidad del proyecto y el fortalecimiento de la educación artística en la región. Uno de los aspectos más enriquecedores del programa ha sido la inclusión de personas con discapacidad. Los Centros de Atención Múltiple han integrado a sus alumnos en las muestras artísticas, permitiendo que la música sea un vehículo de expresión y desarrollo para todos.
> Una nueva forma de enseñar música
Uno de los retos más grandes en la enseñanza de la música es lograr que los niños y niñas se identifiquen con ella y la integren a su vida cotidiana. PROARTE adopta un enfoque dinámico en el que se trabajan arreglos de canciones populares, aquellas que los estudiantes escuchan en la radio, ca-
ricaturas o películas. De esta forma, el aprendizaje se vuelve accesible y motivador.
Además, el programa no se limita a lo clásico, sino que incorpora influencias de la música popular, tradicional y hasta ritmos africanos y latinoamericanos. Félix de la Rosa, coordinador de PROARTE y percusionista de formación, ha explorado a lo largo de 20 años diversos estilos musicales y metodologías de enseñanza, permitiendo que el programa integre una diversidad de herramientas pedagógicas.
> El impacto de la música en la comunidad
La experiencia de PROARTE también ha demostrado el impacto social positivo de la música. En proyectos anteriores, el equipo ha trabajado directamente en colonias con problemáticas sociales, utilizando la música como una herramienta de prevención y convivencia pacífica. Estas intervenciones han permitido que niñas, niños y jóvenes encuentren en la música un espacio seguro para expresarse y desarrollarse.
> Desafíos y oportunidades
Félix de la Rosa comparte su perspectiva sobre los desafíos que enfrenta el programa: “A pesar de los logros alcanzados, uno de los más importantes es la necesidad de mayor apoyo institucional para fortalecer el acompañamiento de los docentes. PROARTE cuenta con ocho maestros de música, quienes se distribuyen en la mayor cantidad posible de planteles. Sin embargo, la falta de reconocimiento para estos profesionales sigue siendo un tema pendiente. La pasión y entrega de los docentes han sido el motor del programa, pero fortalecer su posición dentro de las instituciones permitiría ampliar su impacto y dar mayor continuidad a los proyectos iniciados”.
> El legado musical de PROARTE
PROARTE es un ejemplo de cómo la educación artística puede transformar comunidades y abrir nuevas oportunidades para la niñez y la juventud. Con una metodología innovadora y un compromiso inquebrantable por parte de su equipo, el programa sigue evolucionando y expandiendo sus horizontes. La música no solo es un arte, sino también una herramienta de cambio y crecimiento personal. Con proyectos como este, Aguascalientes sigue apostando por una educación más integral e inclusiva.
Karla Lisseth Avalos García / @somoslja
foto | Cristian de Lira
UN GÉNERO
MUSICAL GLORIFICADO, MITIFICADO Y ETERNO: DEL CORRIDO AL NARCOCORRIDO
Karen Romo Ramírez / @somoslja
El corrido tiene sus orígenes en la poesía narrativa, la balada y la lírica, así como en la trasmisión oral y escrita, además posee un tinte regional y local que construye una apología de lo común y lo cercano en contraposición de “lo otro”, es decir, lo lejano, lo distante. El corrido -como lo conocemos- data del siglo XIX y se define como un género épico-lírico-narrativo. Utiliza la modalidad de un relato para narrar una historia metafórica que no depende de los hechos per se, sino de la actitud y valores de quien lo proclama, que nos abre las puertas de sus ojos y un espacio entre sus pies; una proclamación tan íntima como histórica, ya que el relato narrado no depende directamente de la melodía, sino de la memoria, tanto para recordar al interpretar, como para componer la identidad sociocultural. Si bien los corridos son anteriores a la Revolución mexicana, fue hasta el siglo XX que consiguieron una gran fuerza, propagación e influencia, al actuar como un incentivo que construye el orgullo sobre la lucha y la identidad por lo que se pelea, pues, como mencioné antes, el corrido define lo cercano, en tanto que muestra de manera explícita quién es el contrincante. Un claro ejemplo de lo anterior es “El barzón”, una pieza de la que no se conoce su autor, pero cuyos orígenes se ubican en el siglo XX:
“Todo mi maiz se llevaron para esa maldita troja ¡qué patrón tan sinvergüenza! nomás me dejó mirando. […]
Cuando llegué a mi casita, me dijo mi prenda amada: ‘¿ón’ta el maíz que te tocó?’
Yo le respondí muy triste: ‘pos el patrón se lo llevó por la deuda de la hacienda, pero me dijo el patrón que contara con mi tierra pa’ seguirla sembrando’
Y ‘ora pos voy a trabajar pa’ seguirles abonando.”
“El barzón”, Ignacio López Tarso (1975)
Utiliza la modalidad de un relato para narrar una historia metafórica que no depende de los hechos per se, sino de la actitud y valores de quien lo proclama “ “
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Daniel
Augusto
En esta pieza, se retrata un carácter reprimido; sin embargo, a través de adjetivos como “sin vergüenza” se describe al patrón, pero también se revela el hartazgo y la identidad de los oprimidos, al enfatizar la disputa, la diferencia, pero también ensalzar el nacionalismo. Además, rompe la lejanía al poner en palabras su impotencia y tristeza, dejando en claro que está acorralado, obligado a trabajar una tierra que no es suya y en condiciones precarias, debido a las deudas inventadas por el sinvergüenza de su patrón. En conclusión, podemos afirmar que el génesis de los corridos cobró fuerza al romper el silencio, y que la lucha no habría sido posible sin su bálsamo, que avivaba el deseo de cambio y la rebelión contra quienes se aprovechaban de ellos.
¿Cuál es la situación de los corridos en el presente? En la década de los 70 surgieron los narcocorridos y a partir de los 80 adquirieron una fuerza exponencial. Han pasado cuatro décadas desde que la tradición del corrido adoptó como eje principal las condiciones de violencia que se viven en el país.
Surgen de la cuna de un México atravesado por guerras internas y externas contra el narcotráfico, de ahí que narren las hazañas de los narcotraficantes y glorifiquen su estilo de vida, poder y dominio en el crimen organizado. En la medida en que los cárteles de la droga tomaron fuerza, creció el nivel explícito de la narración de las acciones que se asocian o tienen lugar en el crimen organizado, hasta que se convirtió en un fenómeno cultural con apologías a la violencia.
“Y esos que se portan mal aquí no hay chanza de hablar, los echo pa’ la fosa; traigo puro exmilitar y comando un gentillal por mi zona y sin tanto fantochear dependo de los Guzmán afirmativa la copia”
“Gavilán II”, Peso Pluma & Luis R. Conriquez (2023).
Los corridos han sido un vehículo de expresión para narrar las luchas sociales y las realidades de diferentes épocas de nuestro país. Si bien nacieron como un grito de resistencia y justicia, actualmente han evolucionado para reflejar una nueva estructura de poder en la que el narcotráfico ocupa el espacio que el Estado ha dejado vacío.
Un género musical es parte de la identidad de un país y el reflejo de una realidad en la que, en este caso, el narco ocupa el arquetipo de Dios bajo sus características: glorificado, mitificado y eterno (porque no se sabe dónde empieza ni dónde termina), e incluso con un carácter omnisciente (está en todas partes, puede saber todo sobre ti, pero tú no sabes nada de él) y con la facultad de proporcionar protección y recursos en comunidades desatendidas. Este fenómeno refleja la incapacidad del gobierno para garantizar seguridad y bienestar a su población. Un ejemplo de lo anterior tiene lugar en Guerrero, con grupos como “La Familia Michoacana” o “Los Caballeros Templarios”, que han financiado la construcción de escuelas en la región de Tierra Caliente, Guerrero.
Así como los corridos revolucionarios fueron eco de la lucha contra un sistema opresor, los narcocorridos pueden interpretarse como un testimonio de la precariedad en la que viven muchas regiones del país, donde el crimen organizado se convierte en una alternativa ante la ausencia del Estado. La pregunta que queda abierta es si esta forma de protesta, ahora envuelta en la cultura del narcotráfico, puede algún día transformarse en una nueva voz de resistencia que exija un cambio real.
Dávila, C. J. B. (2011). Música y narcotráfico en México. Una aproximación a los narcocorridos desde la noción de mediador. Athenea digital, 97-110. Lira-Hernández, A. (2013). El corrido mexicano: un fenómeno histórico-social y literario. Contribuciones desde Coatepec, (24), 29-43. Infobae. (2020, julio 30). “Narco construcciones: hospitales, escuelas, clubes y toda una infraestructura al servicio del crimen”. Recuperado de: https:// www.infobae.com/america/mexico/2020/07/31/narco-construcciones-hospitales-escuelas-clubes-y-toda-una-infraestructura-al-servicio-del-crimen/
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AMAPOLA BOGAN Y SU SAXOFÓN MÚSICA, VIDA Y PASIÓN
Gabriel Ramírez Pasillas / @somoslja
Cristian de Lira
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Entre el bullicio de la ciudad y el ir y venir de los transeúntes, Mayte, también conocida como Amapola Bogan, encontró el escenario ideal como saxofonista y música ejecutante. Desde hace más de cinco años, ha llevado su arte a las calles, con el propósito de que las personas descubran en cada nota una forma de conexión con quienes la escuchan.
Su amor por el saxofón nació desde la infancia, aunque el camino no fue sencillo: “Desde que era muy pequeña me llamaba la atención, y un día una hermosa alma me regaló uno”, recuerda; sin embargo, reconoce que aprender a tocarlo fue un desafío, “Pasé años intentando que sonara bien y muchas veces pensé en abandonarlo. Pero cuando decidí disfrutarlo sin importar cómo sonaba, todo cambió”, comparte.
A pesar de los momentos difíciles, encontró en la música una motivación para seguir adelante. Decidió tocar en la calle por necesidad económica, pero pronto descubrió que su arte tenía un impacto mayor: “Me di cuenta de que hacer arte en la calle es algo súper diferente. Ya no es el dinero lo que me mueve, sino las personas que vienen y me dicen que les alegré el día, que mi música les ayudó a relajarse. Eso es lo que realmente vale”, expresa.
Además de ser saxofonista, Amapola Bogan es madre, y su hijo es su más grande admirador: “Es mi fan número uno, el que siempre me aplaude y hasta me administra”, dice entre risas. Para ella, la música es un legado que todos deberían experimentar: “Es una inversión hacia el espíritu propio. Si tienes hijos, enséñales música: debería ser casi una religión”, afirma.
Como muchos músicos, ha enfrentado el cuestionamiento sobre si debería dedicarse a otra cosa: “Siempre nos preguntan ‘¿Y qué más haces?’, pero yo tuve la fortuna de unir mis pasiones y vivir de la música y el arte. Amo mi trabajo, amo tocar en la calle, en eventos, en mi casa. La música es parte de mi vida”, afirma con orgullo.
Con una infinidad de sueños por cumplir, Amapola Bogan aún lleva su saxofón a las calles, con la sola intención de recordar que la verdadera magia de la música no está solo en los escenarios, sino en la capacidad de transformar el día de alguien, aunque sea por unos segundos.
ORQUESTA SINFÓNICA Y CORO INFANTIL DE JESÚS MARÍA, IMPULSO AL RESCATE SOCIAL
La Orquesta Sinfónica y Coro infantil de Jesús María nació más que como un proyecto musical, como un proyecto social, ya que ha ayudado al rescate del tejido social en este municipio.
Antonio Muñoz, quien asumió como director de la instancia de Cultura al inicio de esta administración, señaló que actualmente la Orquesta Sinfónica y Coro Infantil de Jesús María está compuesta por niñas y niños de diversas edades, quienes han encontrado en la música un escape y la oportunidad de desarrollarse en otras áreas importantes de sus vidas.
Explicó que, a corto plazo, buscan consolidar lo que ya se tiene; mientras que el objetivo a mediano plazo es que la segunda Casa de Música, que está ubicada en la comunidad de Margaritas, pueda contar con el suficiente número de personas.
Añadió que el objetivo a largo plazo es formar una segunda orquesta, que pueda atender toda la zona norte del municipio, señalando que en la Casa de Música de Margaritas se tienen ya algunas clases para la conformación de una orquesta, pues actualmente se cuenta con un ensamble.
Dijo que también están en apertura nuevas clases que van más allá de la Orquesta Sinfónica, para ofrecer programas culturales a la población en general.
El director de Cultura manifestó que la Orquesta Sinfónica y Coro Infantil es un proyecto muy consolidado, en donde tienen clases para iniciales, intermedios y avanzados; “además de la Orquesta, la Casa de Música cuenta con una Camerata, que es una agrupación más pequeña de chicos que estudian por las tardes y acuden por las mañanas”
Detalló que en la Casa de Música de Jesús María hay en total 324 alumnos, en Margaritas 217 y se tienen dos extensiones en la delegación de Paseos de Aguascalientes y de Maravillas, donde además de clases de música, se ofrecen otras artes.
En la Orquesta Sinfónica y Coro Infantil, a las niñas y niños se les enseña a tocar clarinete, piano, percusiones, contrabajo, trompeta, viola, violín, violoncello y todo lo que conlleva la formación de la orquesta.
Explicó que la edad para recibir a las y los chicos que puedan ingresar a la Casa de Música y formar parte de la Orquesta Sinfónica es para quienes ya puedan sostener un instrumento y hasta los 20 años, por eso se denomina orquesta infantil.
Indicó que la Orquesta Sinfónica se ha presentado en importantes eventos, como en el Teatro Aguascalientes, en el Teatro Morelos, además de que han tenido la oportunidad de acudir a otros estados, como en la inauguración de AIFA “y han estado también en las diversas festividades del municipio”.
La Casa de Música le da apertura a cualquier persona que quiera formar parte de la orquesta, pues son clases totalmente gratuitas.
“Se tienen casos de chicos que han ingresado en la Casa de Música y que han encontrado en este proyecto una distracción y una manera de dejar el ocio de lado, hasta quienes han encontrado una forma de vida”, dijo.
Agregó que otro de los proyectos que se tienen en puerta es generar un registro permanente de casos de éxito, porque, al final del día, la orquesta nace con esta intención.
Explicó que están en comunicación constante con el DIF estatal y con el Sistema Nacional de Protección Integral de Niñas, Niños y Adolescentes (SIPINNA), pues son instituciones alineadas a este proyecto, ya que se han encontrado casos de chicos y chicas que encuentran en la música un refugio, por lo que se canalizan a estas instancias.
“Sin duda es un escape muy importante para ellos, donde la problemática más común es la desintegración familiar”, agregó.
Indicó que incluso con el SIPINNA se está haciendo un registro de todos los talleres con los que cuenta el municipio, así como actividades con menores de edad, a fin de hacer esa detección oportuna de niñas, niños y adolescentes que estén en algún riesgo para canalizarlos.
Es de recordar que esta iniciativa nació por parte del exalcalde Antonio Arámbula y ha tenido tanto éxito que buscan replicarlo en la comunidad de Margaritas. Sin embargo, recalcó que esta es una tarea muy complicada, pues se requieren instalaciones especiales, además de mucho recurso: “No es fácil formar una orquesta con este carácter y de este tamaño”
Señaló que el recurso se busca también por medio de asociaciones civiles, además de que el propio municipio destina un tipo de apoyo, sobre todo, para la nómina de los maestros, pues los menores no pagan por estar ahí, además de que se tiene que invertir en los traslados cuando hay presentaciones especiales.
Ely Rodríguez / @somoslja
COMPÁZ: TRANSFORMANDO VIDAS A TRAVÉS DE LA MÚSICA
Karla Lisseth Avalos García / @somoslja
La música es un arte que va más allá de los sonidos y las partituras. Es una herramienta de cambio social y desarrollo humano. En Aguascalientes, el proyecto Orquestas Infantiles y Juveniles COMPÁZ está marcando una diferencia significativa en la vida de cientos de niños y jóvenes, brindándoles una alternativa de crecimiento a través de la educación musical.
> El Origen de COMPÁZ
Este proyecto nació en agosto de 2017, con el propósito de acercar la música a sectores de la ciudad que enfrentan problemáticas sociales. Localizado en la zona sureste de Aguascalientes, COMPÁZ busca ofrecer a niños y jóvenes una actividad que les permita mantenerse alejados de entornos de riesgo y desarrollar habilidades musicales y personales.
En 2020, debido a la pandemia de covid-19, COMPÁZ dejó de operar de manera presencial y, a partir de 2021, se desintegró completamente. Fue junio de 2023, cuando la dirección del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC) asignó una nueva administración, encabezada por Miguel Ángel Penagos Macal.
El programa proporciona instrumentos, clases y formación gratuita, eliminando barreras económicas y permitiendo el acceso a una educación musical de calidad. Los alumnos tienen la posibilidad de integrarse a distintos ensambles y orquestas dentro del proyecto, lo que les permite no solo aprender un instrumento, sino también fortalecer su sentido de disciplina, responsabilidad y colaboración.
> El Crecimiento del Proyecto
Desde su inicio, COMPÁZ ha contado con la participación de profesores comprometidos, algunos de los cuales han estado desde la fundación del programa. Actualmente, muchos de los alumnos que comenzaron en 2017 siendo niños hoy son jóvenes con un alto nivel musical, algunos incluso estudiando en la Universidad de las Artes.
Con dos sedes activas, en Loma del Sur No. 405, en Lomas del Mirador y en Eugenio Garza Sada No. 16 de la Colonia Pocitos, actualmente COMPÁZ atiende a alrededor de 225 alumnos en diversas disciplinas musicales.
Con el respaldo del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC), el programa sigue creciendo y consolidándose como un referente de educación musical en México.
>Los directores y las Agrupaciones de COMPÁZ
El éxito de COMPÁZ no sería posible sin la dedicación de sus directores y maestros, quienes con su experiencia y compromiso han formado a generaciones de músicos jóvenes. Cada agrupación cuenta con un líder que guía y motiva a los estudiantes en su camino musical:
• Orquesta de Cámara, dirigida por Jazmín Guillermina Velasco (contrabajista) y Yair Leonel Hernández Téllez (violonchelista), quienes trabajan con los estudiantes de cuerda para formar ensambles que resaltan la sensibilidad y la cohesión musical. La Orquesta de Cámara no solo desarrolla la técnica instrumental, sino que también refuerza el sentido de comunidad y trabajo en equipo. “Uno de los mayores retos es manejar la individualidad de los niños para poder lograr comunidad, a final de cuentas los ensambles nos están ayudando a crear comunidades de trabajo, fuerzas de trabajo”, mencionó el director Hernández.
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Cristian de Lira
Jazmín Velasco. Yair
Leonel Hernández
• Big Band Jazz, bajo la dirección de Francisco Sánchez Orozco, quien además de dirigir esta agrupación, es maestro de flauta y saxofón. La Big Band se especializa en el género swing y ritmos latinos, ofreciendo un espacio donde los niños pueden explorar la riqueza del jazz con arreglos desafiantes y llenos de energía. “Nos ponemos el reto de tocar repertorio difícil, es un género difícil, pero los niños lo logran. Ellos trabajan y más cuando les gusta, así es como vamos venciendo los retos que nos ponemos”, agregó el director Sánchez.
• Coro Infantil y Juvenil, dirigido por Aldo Eliseo Arellano Terrones, maestro y director musical con amplia experiencia en la enseñanza del canto. En este espacio, los estudiantes desarrollan su técnica vocal y aprenden a interpretar repertorios diversos, fomentando el sentido de pertenencia y disciplina artística. “Es el primer contacto que pueden tener los niños con la música porque la voz es el primer instrumento al que podemos acceder. Escuchar sus avances es maravilloso”, mencionó el director Arellano
• Banda Sinfónica, liderada por Isaac Bautista García, maestro clarinetista y director comprometido con la enseñanza musical. En esta agrupación, los estudiantes de viento madera, viento metal y percusión tienen la oportunidad de interpretar un repertorio diverso que abarca desde marchas y oberturas hasta piezas de música popular y bandas sonoras de películas. “La constancia de los niños es muy importante, es muy satisfactorio ver como a los niños les gusta lo que tocamos”.
• Orquesta Sinfónica, bajo la dirección de Juan Rubén Estopiñán Fernández, maestro, arreglista y director artístico del proyecto COMPÁZ. Con su visión y liderazgo, la orquesta ha crecido en calidad y alcance, brindando a los estudiantes la oportunidad de experimentar la emoción de tocar en un gran ensamble, interpretar obras sinfónicas y formar parte de presentaciones de alto nivel artístico. “Nuestra mentalidad es participativa, aquí no hay protagonismo de ningún maestro ni director, los protagonistas son los niños”.
> El Impacto Social de COMPÁZ
Más allá de la formación musical, COMPÁZ ha demostrado ser una herramienta poderosa de transformación social. Los padres de familia han notado cambios positivos en sus hijos, desde mejoras en la disciplina y responsabilidad hasta una mayor motivación y sentido de pertenencia. La práctica musical ha ayudado a muchos niños a desarrollar hábitos saludables y a alejarse de entornos problemáticos.
“La música es el arte de sublimar el espíritu humano, entendiendo como sublimar el elevar el espíritu a través del estudio de una actividad lúdica o una bella arte como la música, los niños cambian completamente su forma de pensar.
Aquí llegan papás que nos dicen: ‘Mi hijo era muy inquieto antes de entrar aquí, no ayudaba en casa, pero ahora es más disciplinado, más organizado’. Es un ejemplo del impacto que puede tener la música en la mente y el comportamiento. Estudiar Bellas Artes desde temprana edad tiene el poder de transformar y elevar la percepción del mundo en los niños”, reflexionó el director Rubén.
Los beneficios no solo se reflejan en el ámbito personal, sino también en la vida académica y social de los alumnos. COMPÁZ fomenta valores como la perseverancia, el trabajo en equipo y la empatía, proporcionando a los estudiantes herramientas para su futuro, ya sea dentro de la música o en cualquier otra disciplina.
> Próximos Eventos y Oportunidades
El próximo 30 de marzo, COMPÁZ llevará a cabo un concierto masivo en el Teatro Aguascalientes, donde todas sus agrupaciones se presentarán en un espectáculo que incluirá música y teatro. Este evento será una oportunidad para que la comunidad conozca de cerca el impacto del programa y disfrute del talento de sus jóvenes músicos.
COMPÁZ sigue recibiendo inscripciones y dando la bienvenida a nuevos alumnos. Los niños y jóvenes de 7 a 17 años pueden unirse al proyecto sin ningún costo, recibiendo clases de calidad, acceso a instrumentos y una comunidad que los apoyará en su desarrollo artístico.
COMPÁZ es un ejemplo de cómo la música puede cambiar vidas. Con un enfoque social, educativo y cultural, el proyecto sigue creciendo y dejando huella en Aguascalientes. La pasión y entrega de sus docentes y estudiantes garantizan que la música siga siendo un puente hacia un futuro mejor para muchos jóvenes. Si algo ha demostrado COMPÁZ, es que la música no solo se escucha, sino que también se vive y transforma.
LA MÚSICA COMO DESTINO Y REFUGIO EN TIEMPOS DE LA INMEDIATEZ
Gabriel Ramírez Pasillas / @somoslja
urante años, Román Revueltas Retes ha forjado una sólida trayectoria en el ámbito musical, primero como violinista y luego como director de orquesta. Actualmente, está al frente de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes (OSA), una institución con la que ha mantenido una estrecha relación y cuyo crecimiento ha presenciado de primera mano. En estas líneas, Revueltas comparte su recorrido, los desafíos de la dirección orquestal y su perspectiva sobre la enseñanza musical en México.
Desde temprana edad, la música formó parte de su entorno familiar. Aunque su padre, José Revueltas, fue un reconocido escritor, sentía una profunda admiración por su hermano mayor, el compositor Silvestre Revueltas: “En casa se escuchaba música y mi padre me hablaba de compositores. Evocaba la figura de su hermano porque quedó huérfano a temprana edad. Creo que para él fue una figura paterna”, comparte. Aquella influencia lo llevó a interesarse por el violín desde niño: “A los ocho años, les exigí a mis padres que me compraran uno”, recuerda.
La disciplina y la constancia fueron clave en su formación: “Todos los instrumentos requieren una dedicación enorme. Hay un componente en la ejecución que se asemeja a la práctica deportiva”, explica. Su esfuerzo lo llevó a estudiar música en el extranjero y, con el tiempo, a integrarse a una orquesta sinfónica como violinista. Sin embargo, años más tarde, el deseo de dirigir comenzó a tomar forma: “Después de mucho tiempo tocando en orquestas, observando a los directores, me apeteció prepararme para ello”, señala.
Sobre la labor de un director, Revueltas destaca que no se trata solo de mover la batuta, sino de comprender a profundidad la obra: “Lo más importante es cómo suena la música. Últimamente, algunos directores han convertido esto en un espectáculo visual, con gestos exagerados, pero lo fundamental sigue siendo el sonido”, afirma. También desmitifica la idea de que el director debe tener la partitura completa en su mente de manera simultánea: “Uno no ve todas las notas al mismo tiempo. La percepción funciona como cuando miras algo: te enfocas en ciertos detalles, en lo que está ocurriendo en ese momento”
Desde su llegada a Aguascalientes, ha sido testigo de la evolución de la escena musical en el estado: “Cuando llegué, ni siquiera existía la carrera de música. Ahora hay jóvenes que ya son egresados y pueden aspirar a formar parte de la sinfónica”, pero aclara que el proceso de selección es riguroso y se lleva a cabo mediante audiciones a ciegas, lo que garantiza que ingresen los mejores talentos, sin importar su origen. “Curiosamente, en las últimas audiciones han entrado muchos jóvenes de aquí, de Aguascalientes”, comenta.
Para Revueltas, la música es una disciplina que debe abordarse con seriedad desde edades tempranas: “Instrumentos como el violín, el piano o el violonchelo requieren iniciarse desde la infancia”; no obstante, reconoce que la
competencia en el mundo de la música es cada vez más fuerte y que México enfrenta un gran reto en el ámbito educativo.
“El mundo se está volviendo un escenario de gran competitividad. En países como China, Corea o Finlandia, la educación es la base del desarrollo. Aquí, en cambio, no se fomenta la competencia de la misma manera, y eso es preocupante”, afirma.
En un mundo dominado por la inmediatez y el consumo rápido de contenidos, la música sinfónica se mantiene como un espacio de introspección, sensibilidad y conexión con el arte en su forma más pura. Para Román Revueltas, quien ha dedicado su vida a la música, asistir a una orquesta en vivo es mucho más que un espectáculo: es una invitación a la pausa, a la contemplación y al viaje interior.
“Ir a un concierto es una experiencia que va a contracorriente de lo que ocurre en el mundo actual. Hay tanta aceleración, tanto frenetismo, tanta dispersión… La gente busca gratificación inmediata. En cambio, en una sinfónica, lo único que hay son los instrumentos tocando en un escenario. No hay efectos especiales, ni historia, ni escenografía. Solo música”, explica.
Con una trayectoria internacional de casi 15 años fuera de México, Revueltas ha encontrado en Aguascalientes un oasis cultural: “Me parece un estado organizado, moderno, con un nivel de civilización elevado. Vas por la calle y todo está limpio, hay orden, hay urbanidad en la gente”, dice con admiración, pero lo que más le sorprende es un aspecto difícil de describir: “No podría definir exactamente qué hace que la calidad de vida aquí sea tan alta, pero se siente, se disfruta”. Para el músico, el hecho de que Aguascalientes cuente con una orquesta sinfónica no es casualidad, sino una muestra de su vocación cultural y del compromiso de sus gobernantes con las políticas públicas enfocadas en el arte: “No todos los estados tienen una orquesta sinfónica. La cultura nos vuelve ciudadanos más sensibles, más conscientes. La educación y la cultura son la base de un país, porque un país no es solo su territorio, sino sus habitantes: ¿qué tan inteligentes son?, ¿qué tan instruidos?, ¿qué tan honestos?, ¿qué tan comprometidos son como ciudadanos?”. A pesar de los avances tecnológicos que han permitido un acceso sin precedentes a la música, Román Revueltas advierte que estas dinámicas también modificaron la manera en que la apreciamos. Recuerda con nostalgia su infancia, cuando esperaba con ansias que en la radio volvieran a tocar una pieza que lo había impresionado: “Hoy, con solo teclear, encuentras cualquier obra al instante, pero eso también le ha quitado el misterio a la música”, reflexiona.
ROMÁN REVUELTAS
Más allá de la rapidez con la que se consume la música, Revueltas también señala otro problema creciente: el exceso de ruido en la vida cotidiana: “Nos hemos acostumbrado a vivir rodeados de ruido. Vas a un restaurante y la gente ya no habla, cada quien está en su celular. O peor aún, hay música a un volumen tan alto que es imposible conversar. Nos estamos aislando del mundo real”, comenta.
Esta sobreexposición auditiva, dice, no solo afecta la comunicación, sino que tiene consecuencias médicas: “El daño al oído es neurológico e irreversible. Ya es una plaga bíblica, una de las tantas que nos afectan hoy en día”, afirma.
A quienes aún no han asistido a un concierto sinfónico, Román Revueltas les dice que hay que atreverse a dar el primer paso: “Es normal que al inicio resulte ajeno. De niño, mis padres me llevaban a conciertos y yo me aburría, pero poco a poco, ese primer contacto se vuelve una incursión en un universo distinto: el de la belleza, la sensibilidad y el arte” Y finaliza con una recomendación para las familias: “Si tienen hijos con inquietud musical, no los detengan. Al contrario, motívenlos. Y más allá de eso, dense la oportunidad de escuchar un concierto en vivo. Es un regalo para el alma, una pausa en medio del caos”.
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Cristian de Lira
AUNQUE ES SEGURO QUE HABRÁ MÁS PENAS Y OLVIDO: DOS MIRADAS SOBRE BUENOS AIRES
> Tango, milonga y los caminos de Buenos Aires
La historia del tango-canción se encuentra bajo el abrigo de sus grandes poetas y compositores. Para muestra, valga la inspiración musical de Carlos Gardel (18871935) y la poética de Alfredo Le Pera (1900-1935), que dieron lugar a dos de los tangos más populares e icónicos que ha escuchado el mundo: “Volver” y “El día que me quieras”, ambos de 1935, además de otras piezas igualmente populares, como “Mi Buenos Aires querido” (1934) o “Por una cabeza” (1935), que muchas personas recuerdan en la versión instrumental para la película Scent of woman. Los tangos compuestos por esta brillante dupla recorrieron prácticamente todo el espectro de la sensibilidad humana: apuestas, amor, desamor, cariño al barrio y al país, la Argentina. Y fue este mismo país el que vio nacer al poeta Juan Gelman (1930), aunque, con los años, elegiría a México como su hogar e incluso para pasar sus últimos años de vida. El tango ha desempeñado un papel fundamental para diferentes escritores argentinos. En 1965, por ejemplo, Astor Piazzolla y Jorge Luis Borges realizaron una producción discográfica titulada El tango, que integró tangos y milongas escritos a partir de poemas que posteriormente darían lugar al libro Para las seis cuerdas, del que Borges anotó lo siguiente: En el modesto caso de mis milongas, el lector debe suplir la música. Ausente por la imagen de un hombre que canturrea, en el umbral de su zaguán o en un almacén, acompañándose con la guitarra. La mano se demora en las cuerdas y las palabras cuentan menos que los acordes. He querido eludir la sensiblería del inconsolable “tango-canción” y el manejo sistemático del lunfardo, que infunde un aire artificioso a las sencillas coplas. Que yo sepa, ninguna otra aclaración requieren estos versos.1
De igual forma, Julio Cortázar, ya establecido en París, escribió letras de tango con música de Edgar Cantón y que interpretaría Juan Cedrón. Este trabajo se presentó en múltiples ocasiones en la que fue la primera tanguería de Francia y de Europa: el Trottoirs de Buenos Aires (“Caminos de Buenos Aires”). De hecho, fue el propio Julio Cortázar quien apadrinó este recinto cultural, un 11 de noviembre de 1981
y que, en palabras de uno de sus fundadores, Tomás Barna, sería determinante para el arraigo y difusión del tango, no solo en Europa, sino en todo el mundo, pues el Trottoirs de Buenos Aires fungiría como base para recintos semejantes, así como para el importante espectáculo Tango argentino, que entre 1983 y 1992 llegó a Francia, Alemania, Italia, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Japón, entre otros países. Los tangos de Julio Cortázar se recopilaron en una grabación titulada, precisamente, Trottoirs de Buenos Aires. Para muestra, valga un fragmento de “Veredas de Buenos Aires”:
De pibes la llamamos la vereda y a ella le gustó que la quisiéramos. […] A mí me tocó un día irme muy lejos pero no me olvidé de las veredas.
Aquí o allá las siento en los tamangos como la fiel caricia de mi tierra, ¡cuánto andaré por ahí hasta que pueda volver a verlas!
Por otro lado, Juan Gelman produjo en 1988, junto a César Stroscio -quien acompañó a Juan Cedrón en algunas presentaciones en el Trottoirs-, el disco Ruiseñores de nuevo, una compilación de poemas y música de bandoneón.
> La esperanza de volver al barrio
“Mi Buenos Aires querido” es una de los grandes tangos de la pluma de Gardel y Le Pera, una pieza que además formó parte de la banda sonora de la película Cuesta abajo (1935). Este tango es un elogio, una remembranza y una nostalgia del Buenos Aires de la primera mitad del siglo pasado: la ciudad es el sosiego de quien está lejos o ha sido expulsado de ella, de ahí que la posibilidad de volverla ver sea sinónimo de paz y alivio. En seguida, el farolito ve nacer al cantor, bajo una lucecita que también fue cómplice de sus promesas de amor, para luego insistir en la fortuna que significa volver a la patria y lo que ella significa: Buenos Aires es el espíritu del tango, de ahí que lo primero que escuche en el regreso añorado sea la queja de un bandoneón, instrumento del tango por antonomasia.
Aldo García Ávila / @somoslja
Julio Cortázar
Carlos Gardel
Juan Gelman
Finalmente, el cantor pasa a contemplar la ciudad, en un instante que recuerda el reencuentro de la madre con el hijo, pues para este momento Buenos Aires adquiere vida, como se nos revela en el constante tuteo entre el intérprete y la propia ciudad, que se convierte en protección y alivio que toda madre ofrece a los hijos, en especial cuando se hallan lejos. Hacia el final de este tango-canción, ya no aparece el farolito ni la remembranza de las primeras confesiones de amor, sino la ventanita de la calle de arrabal y la revelación de esas muchachas lindas que coquetean con quien vuelve a los brazos de la patria, representada en la ciudad de Buenos Aires:
Mi Buenos Aires querido cuando yo te vuelva a ver, no habrá más pena ni olvido.
El farolito de la calle en que nací fue el centinela de mis promesas de amor, bajo su quieta lucecita yo la vi a mi pebeta, luminosa como un sol. Hoy que la suerte quiere que te vuelva a ver, ciudad porteña de mi único querer, y oigo la queja de un bandoneón, dentro del pecho pide rienda el corazón.
> Es seguro que habrá más penas y olvido
Al igual que Carlos Gardel y Alfredo Le Pera, el poeta Juan Gelman tiene a su Buenos Aires querido; sin embargo, la contemplación de su ciudad, de su país, no es tan esperanzadora. Tampoco es un tango canción, sino un poema. “Mi Buenos Aires querido” apareció en el libro Gotán (1962), cuyo título es precisamente el vocablo de la jerga argentina utilizado para referirse al tango: tan-go, go-tán Gelman tuvo que exiliarse durante la última dictadura militar argentina, que inició en marzo de 1976. Este hecho marcaría la existencia del poeta, pues en agosto de ese mismo año, un comando militar irrumpió en su domicilio para raptar a su hijo Marcelo Ariel y a su nuera Claudia Irureta Goyena, quien se encontraba embarazada. Juan Gelman dedicaría toda su vida a su búsqueda: en 1989, confirmaría la muerte de su hijo Marcelo Ariel, a quien identificó gracias a exámenes de ADN, luego de que encontraran sus restos en un tambo con cemento. Tanto Marcelo Ariel como Claudia fueron llevados al Centro Clandestino de Detención de Automotores Orletti, en Buenos Aires. Claudia daría a luz en la clandestinidad y su hija sería abandonada en la puerta de una casa de la zona de Punta Carretas, en el domicilio del Comisario de Policía Ángel Tauriño. 2 Juan Gelman no desistiría en la búsqueda, pero sería hasta 1999 cuando se reencontraría con su nieta Macarena, luego de una fuerte presión internacional, apoyada por grandes e importantes intelectuales. De Claudia aún no hay noticias, permanece en condición de desaparecida.
> Versos que lloré por la ciudad donde nací
El Buenos Aires querido de Juan Gelman es muy diferente del que, en su momento, contemplaron Carlos Gardel y Alfredo Le Pera. Mientras que el tango-canción muestra la ciudad en una conversación con la madre, en el poema de Gelman no hay diálogo alguno, se anula por completo la charla con la ciudad, pero resaltan las pasiones del poeta:
mareos, enfermedad y la víspera de la muerte. La evocación de las muchachitas en flor se convierte en un lamento por Buenos Aires, que parafrasea la letra del tango-canción de Gardel y Lepera, “Mi Buenos Aires querido, cuando yo te vuelva a ver, no habrá más penas ni olvido”, pero con un sentido menos esperanzador: “Mi Buenos Aires querido” (Juan Gelman)
Sentado al borde de una silla desfondada, mareado, enfermo, casi vivo, escribo versos previamente llorados por la ciudad donde nací
Hay que atraparlos, también aquí nacieron hijos dulces míos que entre tanto castigo te endulzan bellamente. Hay que aprender a resistir.
Ni a irse ni a quedarse, a resistir, aunque es seguro que habrá más penas y olvido.
Posteriormente, en Comentarios (1979), Gelman retomaría este diálogo con el tango, pero ahora en forma amorosa. Entre los versos del poema, parecen latir piezas como “Caminito”, “Mi Buenos Aires querido” o “Mi noche triste”:
Comentario XVIII (Gardel - Le Pera) (Juan Gelman)
sucede que/de día/de noche/soy el castigado por tu ausencia/vos linda como un sol/ y tenés piececitos como dulce esperanza que andan por mi saliva como
tus ojos/soñándome/olvidándome sangrándome de adiós/o como
el arroyito de tu pelo que llevo escondido como un fuego que ilumina a este mundo tan chico para mi humilde amor/oigo la vida en vos/soleada/florida/caminito que ardés como clavel
del cielo/callejón donde amuro la pena y subís/ nido suavísimo o valor/o chamuyo/misterio que me reúne el corazón.
Así es como la música popular influye en la literatura y nos revela dos perspectivas de una misma ciudad: el Buenos Aires de 1934, bajo los ojos de Gardel y Le Pera, a tan solo un año antes de morir en el trágico accidente aéreo en Medellín, Colombia, y el Buenos Aires de 1962, bajo la pluma de Gelman, en la víspera de lo que sería uno de los episodios más trágicos de la historia argentina y de Latinoamérica. Parafraseando a Juan Gelman: así chirrían los goznes de las canciones populares en el espíritu de la poesía.
1. Jorge Luis Borges. 2007. Obras completas II: 1952-1972. Buenos Aires: Emecé. p. 379.
2. Sitios de Memoria Uruguay. (s.f.). “García Irureta Goyena Cassinelli, María Claudia”. Recuperado el 3 de marzo de 2025 de <https://sitiosdememoria.uy/garcia-irureta-goyena-cassinelli-maria-claudia>.
EL PODER FEMENINO DE FLOR DE JADE: MÚSICA, CONEXIÓN Y HERMANDAD
Gabriel Ramírez Pasillas / @somoslja
Durante ocho años, Flor de Jade ha construido una sólida trayectoria en la escena musical independiente de México. Integrada exclusivamente por mujeres, la banda ha enfrentado desafíos en la industria, pero ha encontrado en la autogestión una vía para hacer lo que más aman: crear y compartir su música.
Lyna, baterista y vocalista del grupo, recuerda cómo su pasión por la batería nació de la necesidad de liberar el estrés del día a día: “Ahí saco todas mis frustraciones con los trancazos”, comenta entre risas. Aunque reconoce que cargar y desmontar la batería es un reto, nunca ha pensado en cambiar de instrumento: “Después me di cuenta de la friega que es, pero ya era tarde”, bromea.
El proyecto musical comenzó con una alineación mixta, pero con el tiempo, la banda tomó su forma actual: “Todo se fue dando. Nos dimos cuenta de que había más empatía, más cariño y sobre todo una conexión diferente”, explica Lyna. Aunque reconoce que trabajar entre mujeres puede ser intenso, asegura que el entendimiento entre ellas ha sido clave para su consolidación.
Uno de los mayores retos de la banda ha sido adaptarse a los cambios en la industria musical, especialmente con la digitalización: “Nos tocó vivir la transición de la manera en que se manejaba antes la música a la forma en que se mueve ahora,
con las redes y plataformas digitales. Tuvimos que reeducarnos para encontrar nuestro camino”, señala. En un país donde ser artista independiente no es sencillo, Flor de Jade ha aprendido a autogestionar su carrera y a aprovechar las herramientas digitales para difundir su trabajo.
Entre los recuerdos más especiales de su trayectoria, Lyna destaca su gira en Colombia, donde la banda experimentó un momento único en la Laguna de la Cocha, en Pasto, Nariño: “Fue una conexión increíble con la gente, con la música y entre nosotras. Es un lugar al que queremos regresar una y otra vez”, comparte.
Actualmente, Flor de Jade está promocionando su nuevo EP, que incluye el sencillo “Boca de Miel”. Con conciertos, procesos creativos y una fuerte presencia en plataformas digitales, la banda sigue avanzando con paso firme en la escena musical.
Para Lyna, las mujeres pueden y deben perseguir sus sueños sin miedo: “No importa cuántas veces te digan que no. A mí me dijeron que no cantaba ni tocaba, y ahora soy maestra y tengo dos carreras. Si te gusta, lo puedes hacer”, afirma. Flor de Jade continúa con su carrera y demuestra que, con pasión y determinación, la música puede ser un espacio de conexión, resistencia y evolución.
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Cristian de Lira
PENSAR EN CANCIONES Y POESÍA: SOBRE LA IMAGINACIÓN Y LA NATURALEZA HUMANA
Hace algún tiempo, mi amigo, el poeta Moisés Ortega, me contó una curiosa anécdota que le ocurrió en el aeropuerto de Villahermosa, Tabasco, poco antes de abordar, a propósito de un policía federal que le preguntó a qué se dedicaba, es decir, su filiación profesional. Moisés respondió -casi en una rememoración a Oliverio, de El lado oscuro del corazón- que su oficio era el de poeta. Ante estas palabras poco convencionales, el policía insistió en que respondiera seriamente a su pregunta, bajo el argumento de que se encontraba hablando con una autoridad federal, “Es en serio, oficial, me dedico a escribir poemas”. Frente a las inexorables palabras de Moisés, el policía nuevamente inquirió, pero esta vez un poco intrigado: “¡Mah! ¿Y de qué vive?”, que dio lugar a una respuesta no menos poética: “De amor, oficial, vivo de amor”, para que el uniformado, finalmente, otorgara su aquiescencia: “Pásele, pues... ¡es por demás con estos mariguanos!”.
Es curioso, aunque frecuente, que una de las actividades más esenciales del ser humano se asocie a la dependencia de narcóticos y estupefacientes. Me refiero a la poesía, de manera particular, y la literatura, de manera general. A pesar de que neurocientíficos como Cristóbal Pagán han demostrado que los seres humanos, sin percibirlo, somos capaces de disponer de los sistemas simbólicos más complejos de nuestras culturas, a tal grado de que es posible sostener que no hay lengua sin uso poético. Incluso, Pagán va más allá al afirmar que lo poético es lo natural.
Una afirmación planteada en estos términos parece, a todas luces, descabellada; sin embargo, esta idea aparentemente absurda adquiere este carácter, porque convivimos a diario con el espíritu poético de nuestra lengua. Nadie pensaría que una expresión como “cuello de botella” fue acuñada en términos poéticos, pues jamás encontraremos, literalmente, un cuello de botella que impida el paso de nuestro automóvil, pero sí encontraremos una gran cantidad de automóviles que, en conjunto, semejará un cuello de botella que con toda seguridad retrasará la llegada a nuestro destino.
Por otro lado, si alguien escuchara la frase “donde se hace polvito el sol”, pensaría que estas palabras forman parte de un difícil e intrincado poema, pero nada más alejado de la
realidad, pues este verso pertenece a “La casita”, una canción popular mexicana que, por carecer de autor conocido, ha pasado a formar parte de ese colectivo difuso, pero brillantísimo que es el dominio popular:
¿Qué de donde, amigo, vengo? De una casita que tengo más abajo del trigal, de una casita chiquita para una mujer bonita que me quera acompañar.
Tiene en el frente unas parras, donde cantan las cigarras y se hace polvito el sol...
Más interesante resulta el hecho de que a través de las narraciones imaginarias es posible legitimar nuestra propia naturaleza cultural. Al respecto, recordaba una leyenda china, que supuestamente dio origen a la palabra “contradicción”, representada en los vocablos lanza, ‘máo’ (矛) y escudo, ‘dùn’ (盾). Se cuenta que un vendedor de armas promocionaba sus lanzas y presumía su inigualable filo, a tal grado de que no existía escudo que no pudieran romper. Al cabo de un rato, los curiosos se detenían a observar las lanzas. Poco después, el mismo vendedor promocionaba sus escudos, presumiendo, esta vez, su increíble resistencia, que no podía ser abatida por ninguna lanza. Uno de aquellos curiosos le preguntó al vendedor qué ocurriría si una de sus lanzas atacaba uno de sus escudos. El vendedor no pudo responder. Esta paradoja daría lugar a la palabra “contradicción”, es decir, máodùn (矛盾), en chino. En palabras del neurocientífico Mark Turner, las narraciones imaginarias constituyen uno de los instrumentos de pensamiento más fundamentales, en virtud de que muchas capacidades racionales dependen de ellas, ya que es uno de los medios que nos permiten mirar al futuro, predecir, planear y explicar hechos. En este sentido, las canciones, las narraciones imaginarias y la literatura en general forman parte de la cognición humana. Así, antes de acusar de mariguano a un poeta, cantautor o literato, pensemos si no estamos dudando de nuestra propia capacidad creativa. En cierta forma, esta sola acusación es ya una manifestación de nuestra capacidad literaria y de ficción.
Aldo García Ávila / @somoslja
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NOSTALGIA EN LA MÚSICA:
EL REGRESO DE LOS VINILOS, EL Y2K POP Y LA OBSESIÓN
POR REVIVIR EL PASADO
Se dice que en la moda todo vuelve, todo es un ciclo. Un día nos burlamos de los pantalones de tiro bajo y, al siguiente, los estamos viendo en cada outfit de TikTok. La música no es la excepción. En plena era del streaming, donde lo digital lo es todo, el pasado se niega a quedarse atrás.
Los vinilos están de vuelta, el pop de los 2000 resurge con fuerza y la obsesión por lo retro sigue marcando tendencia. Pero, ¿por qué la música de otras décadas sigue teniendo tanto impacto en un mundo hiperconectado y saturado de contenido nuevo?
> Los vinilos frente a la industria del streaming
En una era dominada por el streaming y lo digital, donde la inmediatez y la accesibilidad parecen serlo todo, los vinilos han resurgido con una fuerza inesperada. Tan solo en 2023, las ventas de estos discos en Estados Unidos alcanzaron los 43 millones de unidades, superando a los CD por segunda vez desde 1987.
No se trata solo de nostalgia, sino de la necesidad de algo tangible en un mundo digital. Tener un álbum en vinilo es poseer algo, poseer música, una experiencia sensorial que va desde el sonido hasta el diseño de la portada y el acto mismo de colocar la aguja sobre el disco.
Además, la exclusividad de las ediciones limitadas, los colores llamativos y la promesa de un sonido más auténtico han convertido este formato en un objeto de culto para coleccionistas y jóvenes que nunca vivieron la era dorada del LP, pero que ahora lo consideran una pieza esencial de su identidad musical.
> El resurgimiento del pop de los 2000
Pero el vinilo no es el único vestigio del pasado que ha regresado con fuerza. En la industria musical, el Y2K pop ha vuelto a ser tendencia, con artistas actuales reviviendo los sonidos y la estética de los 2000.
El hiperpop, los sintetizadores brillantes, los beats pegajosos y la moda inspirada en Britney Spears, Avril Lavigne, Gwen Stefani, Cristina Aguilera, Shakira, Madonna y los primeros años de Lady Gaga dominan la escena. No es casualidad que figuras como Charli XCX, Doja Cat, Kali Uchis, New Jeans, XG, ALMAS, Benee y hasta Olivia Rodrigo estén incorporando elementos de esa época en su música y videoclips. Hay algo en la estética de los 2000 que encaja perfectamente con el anhelo de un tiempo que, en retrospectiva, parece más simple y despreocupado.
> ¿Por qué nos obsesiona tanto revivir el pasado?
Detrás de todo esto, la nostalgia juega un papel clave. La psicóloga Krystine Batcho, investigadora de la nostalgia desde los 90 y creadora del Inventario de la Nostalgia (que evalúa la propensión a la nostalgia), sostiene que este sentimiento es una herramienta para lidiar con la incertidumbre del presente.
En tiempos de crisis económica, crisis climática y cambios constantes, la música se convierte en un refugio emocional. Para la Generación Z, y para quienes no vivieron directamente los 80, los 90 o los 2000, adoptar elementos de esas épocas es una forma de encontrar estabilidad y conexión en un mundo que cambia demasiado rápido.
Regresar al pasado es un acto humano en sí. Un estudio de Spotify reveló que esta generación siente una especial predilección por la música de los 80 y 90, no porque la hayan vivido, sino porque les ofrece un respiro de la ansiedad contemporánea.
El consumo de música nostálgica no es sólo una cuestión de gusto, sino una forma de identidad. Mientras la tecnología avanza y la música se vuelve cada vez más efímera, lo retro parece ofrecer algo que el presente no puede: una sensación de permanencia y pertenencia.
Ya sea a través de un vinilo, un video musical con estética VHS o un sonido inspirado en el pop de hace dos décadas, la música sigue demostrando que el pasado nunca se va del todo, sino que encuentra nuevas formas de reinventarse en cada generación.
Sara Ayala / @estoesnucleo
¿TE PUEDE CURAR UNA CANCIÓN
¿CLA CIENCIA DETRÁS DE CÓMO LA MÚSICA MEJORA
TU ESTADO DE ÁNIMO Y PRODUCTIVIDAD
Sara Ayala / @estoesnucleo
uál es tu canción favorita? ¿Con qué frecuencia la escuchas? Probablemente, cada vez que suena, despierta algo en ti: un recuerdo, una emoción, una sensación de bienestar o incluso un impulso de ponerse en movimiento.
La música tiene ese poder casi mágico de influir en nuestro estado de ánimo, hacernos más productivos o incluso aliviar el estrés. Pero, ¿alguna vez te has preguntado por qué sucede esto? Más allá de gustos personales, hay una explicación científica detrás de cómo ciertos géneros musicales pueden mejorar nuestra concentración, motivarnos o incluso ayudarnos a sanar emocionalmente.
> ¿Qué pasa en tu cerebro cuando escuchas tu canción favorita?
La música más que entretenernos, es un detonante de emociones. Un estudio realizado por la Universidad de Groningen encontró que el tipo de música que escuchamos afecta nuestra percepción del mundo.
¿Alguna vez has notado que, cuando escuchas algo triste, de repente todo parece más melancólico? O, al revés, que con un beat pegajoso hasta caminar por la calle te hace sentir en un videoclip. Eso se debe a que la música influye en la producción de neurotransmisores como la dopamina y la serotonina, los mismos que regulan el estado de ánimo y están asociados con el placer y la recompensa.
De acuerdo con la neurociencia de la música, esta liberación de neurotransmisores suele ocurrir justo en el estribillo de una canción o cuando ocurre un cambio emocionante en la melodía. Por eso, muchas veces nos emocionamos escuchando música hasta el punto en que sentimos escalofríos o se nos eriza la piel.
Además, nuestro cerebro tiene la increíble habilidad de ajustarse al ritmo de la música, un proceso llamado entrainment, que influye en nuestra frecuencia cardíaca, respiración e incluso en la actividad cerebral. De ahí que una canción con un tempo acelerado puede llenarnos de energía, mientras que una melodía más pausada y tranquila nos ayuda a relajarnos y reducir el estrés. En otras palabras, cada género musical tiene un efecto distinto:
• Música clásica: Reduce el estrés y mejora la concentración. Escuchar a Mozart o Debussy puede ayudarte a mantener la calma y aumentar la creatividad.
• Pop y ritmos alegres: Son como un chute de energía instantáneo. Canciones con tempo rápido y melodías optimistas pueden mejorar el humor y reducir la ansiedad.
• Rock y metal: Aunque muchos creen que generan agresividad, los estudios demuestran que ayudan a liberar emociones reprimidas y pueden funcionar como catarsis.
• Lo-fi y música ambiental: Perfectas para estudiar o trabajar. Su ritmo constante y ausencia de letra ayudan a mantener el enfoque sin distraerte.
> Ayuda a aumentar la productividad y mejorar el estudio
Si alguna vez has sentido que ciertas canciones te hacen trabajar o estudiar mejor, no te equivocas. Según un estudio realizado por la Universidad de Stanford, la música puede mejorar la concentración y la eficiencia en tareas repetitivas. Aunque no todo es tan simple como poner música a todo volumen, sino que tienes que elegir la playlist correcta. Por ejemplo, para enfocarte en la lectura o escribir algo, se recomienda elegir música instrumental o lo-fi para evitar que las letras interfieran con el procesamiento del lenguaje. Para tareas mecánicas o de creatividad, los ritmos movidos pueden ser un gran impulso.
Por otra parte, si quieres mantener la concentración en una actividad larga lo mejor es evitar la música demasiado compleja o con cambios bruscos
Además, se ha demostrado que la música puede ayudar en la memoria, el aprendizaje, y hasta fomenta la creatividad. Un experimento de la Universidad de Edimburgo encontró que las personas que estudiaban con música de fondo tenían mejor retención de información que aquellas en completo silencio. Así que sí, la música puede hacerte más productivo… si la eliges bien
> ¿Y la salud mental?
Aquí es donde la música se convierte en una auténtica medicina. La musicoterapia es una disciplina que utiliza la música para tratar problemas de ansiedad, depresión e incluso enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. Cuando escuchamos una melodía que nos transporta a un recuerdo feliz o nostálgico, se activan áreas del cerebro como el hipocampo, encargado de la memoria, y la amígdala, que procesa las emociones. Esta conexión tan intensa explica por qué la música puede afectar profundamente nuestro estado de ánimo.
Un estudio publicado en la revista Scientific Reports encontró que nuestras canciones favoritas activan la llamada “red por defecto” del cerebro, una zona vinculada a la introspección, la imaginación y los recuerdos personales. Esto sugiere que la música no sólo nos acompaña, sino que también nos ayuda a conectar con nuestras emociones y experiencias de una manera única y profunda.
En un mundo donde el estrés y la incertidumbre son constantes, la música se convierte en un refugio. No es casualidad que cuando estamos tristes busquemos baladas nostálgicas o que necesitemos algo más animado cuando queremos motivarnos.
Una canción no te va a curar una enfermedad, pero sí puede hacerte sentir mejor, ayudarte a concentrarte y ser un gran aliado en tu día a día. Al final, la música es más que sonidos: es emoción, memoria y hasta terapia. ¿Cuál será la próxima canción que cambie tu día?
WENDY CARLOS: LA VISIONARIA QUE REVOLUCIONÓ LA MÚSICA
ELECTRÓNICA Y EL CINE
Erick Diego Aguilar / @terceraviamx
Hablar de Wendy Carlos es adentrarse en una historia de genialidad, innovación y desafíos. Su nombre está ligado de manera inseparable a la evolución de la música electrónica y a la reivindicación de la autenticidad personal en una industria que, hasta entonces, no estaba lista para figuras como ella. Carlos no solo logró redefinir la percepción de los sintetizadores, convirtiéndolos en instrumentos musicales de pleno derecho, sino que también estableció un legado sonoro que sigue resonando en la actualidad.
> Un talento precoz con inclinación por la ciencia y la música
Desde temprana edad, Wendy Carlos demostró una combinación inusual de talentos. Criada en un hogar de recursos modestos en Rhode Island, su curiosidad intelectual la llevó a construir un sistema de alta fidelidad a los 14 años y a ganar una beca diseñando una computadora casera. Pero su corazón siempre latió por la música: comenzó a tocar el piano a los seis años y pronto se sumergió en el estudio autodidacta de la armonía y el contrapunto.
Carlos llevó su pasión al siguiente nivel al estudiar física y música en la Universidad de Brown, y posteriormente en la Universidad de Columbia, donde tuvo acceso a las tecnologías de vanguardia en el Columbia-Princeton Electronic Music Center. Fue allí donde trabajó con el sintetizador RCA Mark II, un instrumento que le permitió explorar nuevas fronteras sonoras bajo la dirección de pioneros como Vladimir Ussachevsky y Otto Luening.
> Carlos y Moog: El encuentro que cambió la música para siempre
El destino quiso que en 1964, en un congreso de ingeniería en Nueva York, Carlos conociera a Robert Moog, el creador del sintetizador Moog. Aquella reunión marcó el inicio de una colaboración revolucionaria. Carlos, con su profundo entendimiento de la música y la electrónica, propuso mejoras clave al sintetizador, incluyendo un control deslizante para el portamento y un teclado sensible al tacto. Gracias a estas innovaciones, el sintetizador pasó de ser una curiosidad experimental a convertirse en un instrumento con posibilidades musicales reales.
Esta alianza alcanzó su punto culminante en 1968 con el lanzamiento de Switched-On Bach, un álbum en el que Carlos reimaginó las composiciones de Johann Sebastian Bach usando exclusivamente un sintetizador Moog. El disco no solo fue un éxito comercial arrollador, sino que también redefinió la música electrónica al demostrar que los sintetizadores podían ser expresivos, emotivos y tan válidos como cualquier otro instrumento clásico. Switched-On Bach ganó tres premios Grammy y vendió más de un millón de copias, convirtiéndose en un referente para artistas de todos los géneros.
> La revolución de la música y el cine
El éxito de Switched-On Bach catapultó a Wendy Carlos a una nueva dimensión, llevándola a colaborar con el icónico director Stanley Kubrick. Su trabajo en la banda sonora de A Clockwork Orange (1971) demostró su capacidad para combinar la frialdad de los sintetizadores con la intensidad de la música clásica, logrando un efecto perturbador y vanguardista. Posteriormente, su contribución a The Shining (1980) y Tron (1982) consolidó su reputación como una compositora visionaria capaz de crear atmósferas sonoras inolvidables.
> La vida detrás de una mente genial
A pesar de su éxito, Carlos nunca buscó la fama. Su vida personal estuvo marcada por la lucha por la privacidad y la afirmación de su identidad de género. En un tiempo donde la transexualidad era un tema tabú, su transición fue un proceso complejo y en ocasiones doloroso. En 1979, en una entrevista con Playboy, habló abiertamente sobre su identidad, lo que la convirtió en una de las primeras figuras trans en la industria musical en compartir su historia públicamente. Sin embargo, la atención mediática sobre su vida personal no siempre fue bien recibida. Carlos se volvió reacia a las entrevistas y, con el tiempo, optó por un retiro progresivo de la esfera pública. En 2009 tomó una decisión radical al retirar su música de plataformas digitales, prefiriendo formatos analógicos y limitando el acceso a su legado.
> Un legado inmortal
Wendy Carlos cambió la historia de la música electrónica y demostró que la tecnología y la creatividad pueden coexistir de manera armoniosa. Su influencia puede sentirse en géneros tan diversos como el synth-pop, la música de videojuegos y la producción cinematográfica. Artistas como Kraftwerk, Vangelis y hasta los Beatles bebieron de la innovación que ella trajo a la música.
Más allá de su contribución a la electrónica, su historia es un testimonio de valentía y determinación. Como pionera trans en una industria dominada por hombres, su valentía allanó el camino para futuras generaciones de músicos y artistas LGBTQ+. Aunque su figura se haya mantenido en las sombras en las últimas décadas, su legado sigue iluminando el panorama musical como una de las mentes más brillantes del siglo XX.
7 ARTISTAS QUE ESTÁN PONIENDO A AGUASCALIENTES
EN EL MAPA MUSICAL EN 2025 ¡TIENES QUE ESCUCHARLOS!
Erick Diego Aguilar / @terceraviamx
La escena musical de Aguascalientes está viviendo un momento de efervescencia creativa. Desde el metal extremo hasta la fusión de funk y rap, los artistas locales están dejando su huella con propuestas frescas y potentes. A continuación, te presentamos a siete artistas que están definiendo el sonido de la región en este 2025.
> Iván del Viento: el trovador de la era de Acuario
Iván del Viento ha construido una trayectoria que lo posiciona como una de las figuras más emblemáticas de la escena cultural hidrocálida. Su estilo musical, que fusiona el folk con matices experimentales y letras introspectivas, lo ha llevado a escenarios clave como la Feria de San Marcos y la Feria del Libro de Aguascalientes. Además de su presencia en eventos masivos, su capacidad de conectar con el público en formatos más íntimos, como sus presentaciones en Coyoacán Cafebrería, ha consolidado su reputación como un artista cercano y auténtico. Su constante interacción con sus seguidores en redes sociales refuerza su presencia como un referente artístico en la región.
> Here Comes The Kraken: la bestia del deathcore
Desde su fundación en 2007, Here Comes The Kraken ha sido un pilar en la escena del metal extremo en México. Su capacidad para fusionar death metal con elementos de metalcore les ha otorgado una identidad única dentro del género. Con una discografía que incluye álbumes como Hate, Greed & Death y H.C.T.K., han logrado una evolución musical que sigue atrayendo a nuevas generaciones. Han realizado giras por Europa y América Latina, tocando en festivales icónicos como el Vive Latino y Rock al Parque en Colombia. Su brutalidad sonora y su puesta en escena feroz los han convertido en un referente global dentro del deathcore.
> ALXV: el sonido fresco de la nueva generación
Con una propuesta innovadora que combina ritmos contemporáneos con letras introspectivas, ALXV se ha ganado un lugar dentro de la escena emergente de Aguascalientes. Su participación en eventos como el Festival de Gráfica Urbana y la Feria Nacional de San Marcos ha sido clave para ampliar su audiencia. Ha desarrollado un estilo que fusiona el indie pop con el R&B y la música urbana, lo que le ha permitido conectar con el público joven. Además, su interés por la experimentación sonora y su capacidad para reinventarse lo han convertido en una de las promesas más sólidas del panorama musical local.
> Libélula: el rock alternativo con esencia propia
Libélula ha evolucionado de ser una banda de covers a convertirse en una de las propuestas más sólidas del rock alternativo en Aguascalientes. Con influencias de bandas como Radiohead y Porter, han sabido construir un sonido auténtico que combina elementos del rock progresivo, el punk y la balada rock. Su victoria en el concurso Hidrockálidos les permitió grabar su primer disco con Phil Vinall, productor de Placebo y Zoé, abriéndoles las puertas a una audiencia más amplia. Además, su participación en festivales de Monterrey, San Luis Potosí y Guadalajara ha ampliado su presencia en la escena nacional, consolidando su reputación como una banda en ascenso.
> Ícaro Martínez: la nueva promesa del indie A sus 22 años, Ícaro Martínez está redefiniendo la escena indie de Aguascalientes con un estilo fresco y auténtico. Su álbum De Soul a Soul es una muestra de su versatilidad musical, combinando géneros como el pop, el soul y el folk con letras cargadas de emoción y honestidad. Temas como “No Que No” y “Partysito” han sido bien recibidos por la comunidad artística local y han sido destacados por locutores como Fernando Vega. Su presencia en plataformas digitales y su interacción cercana con el público en redes sociales lo han posicionado como un talento emergente con un gran potencial para expandir su carrera más allá del ámbito local.
> What tha Funk: la fiesta hecha música
Si hay una banda que sabe poner a bailar al público, esa es What tha Funk. Con una fusión explosiva de funk, jazz y rock, su propuesta musical invita a la diversión y la celebración. Desde su formación en 2016, han construido una identidad sonora vibrante que se traduce en espectáculos enérgicos y llenos de groove. Su gira “Caravana Funk 2025” los ha llevado a distintas ciudades, consolidándolos como una de las bandas más dinámicas del momento. Su sencillo “Hombre Verde”, producido por JOI Records, es una muestra de su estilo fresco y su capacidad para conectar con el público a través del ritmo y la buena vibra.
> UnoCeroNueve: el G-Funk y rap de Aguascalientes
UnoCeroNueve ha traído una bocanada de aire fresco a la escena musical hidrocálida con su innovadora mezcla de G-Funk y rap. Con un sonido que evoca los mejores años del hip-hop de la costa oeste, han sabido adaptar este estilo a la identidad mexicana, logrando una propuesta única. Su videoclip “Beber y escribir” ha sido un éxito, y su participación en festivales como el de Gráfica Urbana ha consolidado su posición como una de las bandas emergentes más destacadas del momento. Con letras que abordan temas urbanos y una producción musical de alta calidad, UnoCeroNueve se perfila como un referente clave del rap alternativo en México.
Estos siete artistas son solo una muestra del dinamismo que está viviendo la escena musical de Aguascalientes en 2025. Con propuestas diversas, una energía inagotable y un compromiso genuino con la música, continúan enriqueciendo el panorama cultural y posicionando a la ciudad como un referente del talento emergente en México. Su crecimiento y proyección nos demuestran que el futuro de la música hidrocálida está más vibrante que nunca.
“LA SOBREDOSIS”: EL RITMO QUE HACE VIBRAR AL NECAXA
Luis Enrique Aguirre Arias / @eltacticoclub
En el fútbol mexicano, la música trasciende el simple acompañamiento; es el pulso que respira en las gradas. Para el Necaxa, ese pulso es “La Sobredosis”, un coro apasionado que transforma cada partido en una experiencia visceral, donde los instrumentos y los cánticos se unen en una sinfonía de amor eterno. No hay silencio cuando ellos están presentes, solo el rugido de una afición que ha hecho de la música su manera de resistir, celebrar y soñar con los Rayos.
En las gradas del Victoria, “La Sobredosis” arma su propia sinfonía con un arsenal de instrumentos: bombo, trompeta, trombón, tarola y repique. El bombo marca el pulso, las trompetas y trombones dan el toque épico, mientras la tarola y el repique añaden el ritmo frenético que hace temblar el estadio. Es una combinación que no solo anima, sacude el ambiente.
“Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete… Señores soy albirrojo, hincha por siempre, vengo a alentar a Rayos de Aguascalientes.
Albirrojo es un sentimiento, que se lleva en el corazón, daría toda mi vida por ser campeón.
Dale, albirró, dale, albirró, dale, albirró”.
¿Se puede subir el volumen al máximo? Justo cuando las cosas se ponen difíciles. “La Sobredosis” sabe que el verdadero aliento nace en la adversidad; pero existe un momento que no se olvida, que es sagrado: el minuto 23. Desde hace años, esta tradición rinde homenaje al año de fundación del club (1923) con el cántico de “Matador”: Es un ritual que une generaciones y pone la piel chinita a cualquiera que lo escuche. La música aquí no es solo apoyo, es historia viva.
La banda sonora de “La Sobredosis” tiene varios éxitos. Entre las canciones más emblemáticas están “Rayos, mi buen amigo”, “Traigan vino; juegan los Rayos”, “Vamos, Rayos” y “Muchachos”. Cada una lleva el sello del Necaxa.
¿Cómo se aseguran de que los nuevos hinchas sigan el ritmo? Con el ejemplo, el aguante que muestran en el estadio es la lección principal, pero también reparten papeles con las letras de los cánticos para que todos se sumen. “Escucha, aprende y canta”, es la consigna. Así, la música pasa de los veteranos a los novatos. Cierra los ojos: es el sonido de una afición que ha vivido todo con su equipo y aun así, sigue tocando.
Pregúntale a “La Sobredosis” qué los hace distintos de otras hinchadas en México y te hablarán de cicatrices: dos descensos, la venta de sus ídolos y años de lucha. No cualquiera se queda cuando el barco se hunde. Este amor incondicional los define, y aunque son conocidos como “la minoría ilustrada”, su presencia se siente en cualquier estadio.
“Sin barras, no hay fútbol”, afirman, y tienen razón. “La Sobredosis” no es solo una barra; es una banda que toca el corazón del Necaxa con cada bombo y cada verso. Su música es resistencia, tradición y pasión, un sonido que no se apaga ni en los peores momentos. Así que la próxima vez que escuches “Matador” o veas brillar las trompetas en el minuto 23 dentro del Estadio Victoria, sabrás que estás frente a algo especial: la sinfonía de los Rayos, cortesía de “La Sobredosis”.
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Cristian de Lira
BANDAS Y ARTISTAS MEXICANOS QUE LLEVARON LA MÚSICA AL FIFA
Donovan Torner / @eltacticoclub
Alo largo de los años, la serie de videojuegos FIFA de EA Sports ha sido conocida por su diversa y ecléctica banda sonora, que abarca géneros y artistas de todo el mundo. México ha tenido una presencia notable en estas bandas sonoras, con varios artistas que han dejado su huella en el juego.
Una de las primeras bandas mexicanas en aparecer fue Café Tacvba, con su canción “EO (El Sonidero)” en FIFA 2004. Esta canción icónica ayudó a establecer el tono para la inclusión de música latina y mexicana en futuros juegos de la misma serie.
Otra banda mexicana que se hizo presente es Kinky. Su canción “Coqueta” apareció en FIFA 06, y desde entonces, la banda ha seguido siendo una presencia en la escena musical internacional.
La propuesta del Instituto Mexicano del Sonido (IMS) de Camilo Lara ha participado en varios videojuegos. Su música electrónica y experimental dejó entrever en FIFA 18 su canción “Explotar”.
En EA Sports FC 24, Peso Pluma y Grupo Frontera se han hecho presentes con su éxito “Tulum”. Esta canción marca un hito importante, ya que es la primera vez que artistas mexicanos aparecen en el juego desde que cambió su nombre de FIFA a EA Sports FC
La inclusión de música mexicana en los videojuegos de FIFA ha ayudado a difundir la música y la cultura mexicanas a una audiencia global. También ha proporcionado una plataforma para que los artistas de nuestro país lleguen a nuevos fans y muestren su talento.
Otros grupos o bandas mexicanas que también han aparecido son Plastilina Mosh (2009), Ceci Bastida (2017) y Natanael Cano (2025).
CORINA: LA PELÍCULA MEXICANA DE LA QUE TODOS ESTÁN HABLANDO
Alejandro Cerdán / @estoesnucleo
Contadas son las veces en las que no se encasilla al cine mexicano en lo documental o en la comedia que termina siendo más sosa que divertida. En ese sentido, Corina viene como una bocanada de aire fresco, que nos deja en claro que el cine nacional tiene mucho más que ofrecer.
Este largometraje debut de la directora tapatía Urzula Barba Hopfner no sólo desafía las etiquetas, sino que lo hace con un encanto irresistible que nos invita a mirar más de cerca las barreras impuestas por nosotrxs mismxs
A primera vista, Corina podría parecer una comedia ligera más, pero está lejos de ser una película con Omar Chaparro o de alguno de los Derbez. Es un relato cargado de sensibilidad, humor y valentía, que deja una huella profunda en quienes se atreven a sumergirse en su universo.
> ¿De qué trata Corina?
La trama nos lleva al mundo pequeño, casi encapsulado, de Corina (Naian González), una correctora de estilo que sufre de una forma peculiar de agorafobia (miedo a salir de casa). No está completamente encerrada, pero desde hace años su vida se reduce a unas cuantas cuadras: casa, oficina, y un pequeño restaurante.
Todo bajo rutas fijas, sin desvíos ni contacto con desconocidos. Hasta que, como suele pasar en las buenas historias, un error monumental la pone contra las cuerdas. Al estropear el desenlace de la saga más exitosa de la editorial para la que trabaja, Corina enfrenta una única opción: salir de su zona de confort, literal y metafóricamente, para reparar el desastre.
El viaje que nunca planeó la llevará a encontrar a la misteriosa autora de los libros. Acompañada por Carlos (Cristo Fernández), un extraño con su propio encanto, Corina deberá desafiar sus miedos, romper sus propias reglas y, en el proceso, descubrir una fuerza interior que ni siquiera sabía que tenía.
> ¿Por qué tienes que verla?
Lo que hace especial a Corina es que no trata de una heroína perfecta o que tiene un pasado lleno de traumas que la obligaron a recluirse del mundo. Es una mujer común enfrentándose a lo extraordinario: superar sus propios límites impuestos por ella misma. Y lo hace con una dosis de valentía tan pequeña que podría pasar desapercibida, pero tan real que se siente gigante.
Con un estilo que recuerda a Amélie y La vida secreta de Walter Mitty, esta película nos lleva a través de una narrativa visual llena de nostalgia, colores cálidos y momentos que arrancan sonrisas genuinas.
Está ambientada y grabada en Guadalajara, y en ciertas zonas rurales de Jalisco, otro punto que la distingue y apoya la descentralización del cine mexa, que muchas veces no va más allá de la Ciudad de México.
La película tuvo un recorrido triunfal por los principales festivales de cine en México en 2024. Desde el premio a Mejor Largometraje Jalisciense en el Festival de Guadalajara, hasta el reconocimiento de la prensa en Guanajuato y su inclusión en las selecciones oficiales de Morelia y Los Cabos, Corina se ha ganado el cariño de la audiencia y la crítica por igual. Además, porque todxs, en algún momento, nos hemos sentido como Corina: atrapados, limitados, con miedo de dar un paso fuera de lo conocido. Y esta película no sólo te muestra que es posible salir de ahí, sino que también lo hace con una calidez y ternura que te dejarán con ganas de abrazar tus propios miedos y dar ese salto que llevas tiempo postergando. Corina no es una película épica, llena de acción, ni pretenciosa. Es un recordatorio simple pero poderoso de que, a veces, la valentía y el coraje que encontramos en nosotros, puede cambiarlo todo. Tiene lo necesario para convertirse en tu próxima película de confort, y que completamente vale la pena ver, es imposible que no termines de verla con una sonrisa en el rostro.
> ¿Dónde ver Corina, la película mexicana?
La película se estrenó en cines de todo México el 9 de enero pasado y en próximas fechas estará disponible en streaming a través de MUBI. Después de verla, es imposible no sentirse tocado por el viaje de Corina. Su historia es un recordatorio de que todxs enfrentamos miedos y límites, pero también de que somos capaces de superarlos. Con una dirección increíble y actuaciones conmovedoras, Corina se posiciona como una película que entretiene, pero sobre todo invita a reflexionar sobre nuestras propias jaulas imaginarias. Así que corre al cine, ríe, llora un poco, y sal con el corazón lleno.
Tráiler de la película: https://youtu.be/qdrV0iIDags
