La Gualdra 538

SUPLEMENTO CULTURAL

No. 538 /// 15 DE agosto DE 2022 /// AÑO 11

DIR. JÁNEA ESTRADA LAZARÍN

Guillermo Velázquez (y Los Leones de la Sierra de Xichú). Foto de Vincent Velázquez.

“Si ya debíamos mucho a Guillermo Velázquez —juglar de fiesta y quebranto, embajador del huapango arribeño—, porque siempre es un placer ver encarnada en él la tradición, porque su esencia ya es un acto de amor, de cuidado y autocuidado, de posicionamiento político, porque su voz es preciosa y precisa, es decir, es literatura, con este libro-disco (No hay destino sin camino. Ecos del páramo. Memoria de muy allá para olvidos de hoy en día) le vamos a deber aún más”. Conrado J. Arranz Mínguez

[Escuchar los cantos del pasado para interpretar los ecos del ahora, por Conrado J. Arranz Mínguez, en páginas centrales]

La Gualdra No. 538

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LA GUALDRA NO. 538 /// 15 de agosto DE 2022 /// AÑO 11

Editorial El 15 de agosto de 1964, a las 13:30 horas, dejó de existir el artista Gerardo Murillo -mejor conocido como el Dr. Atl-; la noticia se difundió en medios nacionales el 16 de agosto, el periódico El Universal publicó la noticia en la portada de su diario junto con otras notas que hablaban de la labor de López Mateos y una en particular, de haberla leído el artista recién fallecido, seguro le habría hecho sonreír sarcásticamente: “México inició trascendental etapa de su vida democrática”,i porque además del talento creativo que poseía el nacido en Guadalajara en 1875, tenía una gran capacidad para el análisis político; de hecho, a inicios del siglo XX, durante su estancia en Europa, hay indicios de que participó en actividades con el Partido Socialista Italiano (fue en Italia precisamente en donde inició sus estudios de vulcanología). Gerardo Murillo era un lector incansable; además de arte y el origen y la evolución de los volcanes, estudió derecho y filosofía y se interesó particularmente por los movimientos políticos internacionales, de ahí que se relacionara con artistas e intelectuales vinculados, por ejemplo, con el anarquismo y el socialismo.

Una de las facetas poco conocidas del Dr. Atl, es la relacionada con su labor como editor; al respecto, la doctora Natalia de la Rosa, ha escrito un texto para BiblioGráphica -revista editada por la UNAM- que es una delicia, sobre todo para aquellos que nos dedicamos al estudio de la historia social del arte y sus artistas. En su artículo, Natalia afirma que Gerardo Murillo, cuando vivía en París (entre 1912-1913), “organizó el periódico L’Action d’Art con un grupo de intelectuales anarquistas”, y que a su regreso a México “en 1915, en papel de estratega y dirigente de la causa carrancista, el artista y revolucionario coordinó dos publicaciones periódicas, La Vanguardia. El Diario de la Revolución, fundada en Orizaba, y Acción, publicada en Guadalajara, seguidas por Acción Mundial, en 1916 y 1917, periódico activo desde la Ciudad de México”ii Ya hemos dicho que el apelativo del Dr. Atl le fue asignado en uno de sus viajes a París, por Leopoldo Antonio Lugones, uno de los poetas argentinos representati-

vos del modernismo hispanoamericano. “Atl” por su referencia al agua, “Dr.” por haber estudiado en Roma filosofía (en su primer viaje a Europa financiado por el gobierno porfirista); su legado va más allá de la obra pictórica producida y mucho nos queda por seguir investigando en torno a todo lo que realizó en su larga y fructífera vida, como lo concerniente a sus libros publicados, “[…] el poemario Sinfonías del Popocatépetl, el Catálogo de la colección Alberto J. Pani, los dos tomos de las Artes populares en México y el libro Iglesias de México, publicadas entre 1920 y 1922. El conjunto fue complementado con ¡Arriba!, ¡Arriba!, descrito por Antonio Luna Arroyo como una suerte de autobiografía”,iii solo por mencionar algunos.

Reflexionar en torno a lo que este artista hizo durante décadas también nos lleva necesariamente a hacerlo con respecto a lo que en la actualidad se encuentran haciendo los creadores de estas nuevas generaciones; el Dr. Atl además de pintor fue editor, vulcanólogo, escribía sobre política (y no solo eso, se involucraba directamente) y hacía poesía; nunca dejó de investigar, de estudiar, de aprender, y todo eso se evidenciaba en lo que hacía; porque cuando un pintor se informa, lee, escucha música y va al teatro se nota, y cuando no, también.

Cuando alguien quiere ser artista y se decide a serlo, debe entonces asumir que la formación debe ser integral y no solo enfocada a conseguir el dominio de la técnica; el conocimiento de otras disciplinas y el estudio sistemático deben ser la constante para cultivar un lenguaje creativo auténtico. Realizar una licenciatura, por ejemplo, no convertirá en artista (como por arte de magia) a quien estudie arte, pero sí le ayudará a empezar a abrir los múltiples caminos de su vida profesional. Hoy recordamos al Dr. Atl, en el aniversario número 58 de su fallecimiento, como ejemplo de lucha, constancia y estudio para las nuevas generaciones.

Que disfrute su lectura.

Contenido El misterio esencial de Borges Por Mauricio Flores

Escuchar los cantos del pasado para interpretar los ecos del ahora Por Conrado J. Arranz Mínguez

Princesa Por Pilar Alba Ciudades desiertas, de José Agustin Por Miguel Ángel de Ávila González

Castoriadis o el escándalo de la imaginación humana Por Sigifredo Esquivel Marín Arte en vuelo: un festival de gráfica en el aire Por Maliyel Beverido Crimes of the future, de David Cronenberg Por Adolfo Nuñez J. Bella ciao, ciao, ciao: MONDINA Por Rebeca Mejía

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Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com

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Universal, Ciudad de México, 16 de agosto de 1964, portada. Hemeroteca de El Universal.

De la Rosa, Natalia, “El Dr. Atl y la revista América: un programa estético y editorial antiimperialista”, BiblioGráphica, Volumen 4, Número 2, Segundo semestre 2021, UNAM, p. 89. En: https://bibliographica.iib.unam.mx/index.php/RB/ article/view/104 iii Ibidem, p. 90.

Directorio

Carmen Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx

Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com Roberto Castruita Diseño Editorial

La Gualdra es una coproducción de Ediciones Culturales y La Jornada Zacatecas. Publicación semanal, distribuída e impresa por Información para la Democracia S.A. de C.V. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación, por cualquier medio sin permiso de los editores.

Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com

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El misterio esencial de Borges 6 Por Mauricio Flores*

Expresar lo que siento Sobre la obra propia y su persona diría no ser un pensador sino un hombre de letras. “He logrado adquirir, al cabo de muchos años, cierta destreza en el manejo del castellano, no demasiada, pero soy más o menos capaz de expresar lo que siento, de una forma más o menos armoniosa. Y luego la gente lee mis cuentos y encuentra en ellos cosas que yo jamás había pensado, y eso confirma que soy, después de todo, un escritor…”.

(Cuentan Hadis y Barnstone que cuando Borges [1899-1986] acudía, acompañado de su madre, Leonor Acevedo, a recibir los innumerables reconocimientos otorgados en diferentes sitios, se volvía a ella para “susurrarle perplejo”: ¡Caramba, madre, me toman en serio! Y recuperan también los editores aquel pasaje de cuando el autor de Historia universal de la infamia firmaba ejemplares en una librería del centro de Buenos Aires. “Un lector se le acercó con un ejemplar de Ficciones y le espetó: '¡Maestro! ¡Usted es inmortal!'. A lo que Borges respondió: Bueno, joven, ¡vamos!... ¡No hay por qué ser tan pesimista!").

Borges: el misterio esencial, un compendio de la memoria borgiana, antesala de excelencia para su memoriosa obra.

Op.Cit.

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orges, el incansable lector, el erudito.

El conversador que embelesa y conmueve, quien en un par de horas, la audiencia expectante y cautiva, es capaz de recorrer la historia universal de la literatura y volver con modestia a la propia.

Borges ante los universitarios.

Borges, siempre Borges, ahora recuperada su voz de la oportuna traducción al castellano de Borges at 80: Convertations, libro (inconseguible) del que se tenía data hace cuatro décadas, a cargo de uno de los estudiosos más acuciosos de la obra del autor de El Aleph, Martín Hadis, en Borges: el misterio esencial. Conversaciones en universidades de los Estados Unidos.

Se dejará conducir el lector con esta novedad editorial, no hay duda ni habrá arrepentimiento… Adónde.

A los espacios universitarios de Estados Unidos que, entre los años 76 y 80, Borges habitara con una decena de charlas “entre amigos”, sabedor el autor de Ficciones del perfil bien informado de las audiencias: investigadores, maestros, estudiantes.

Tales los apartados de este libro, que se complementa con fotografías y edición de otro conocedor borgiano, Willis Barnstone, donde se recuperan con acatamiento editorial cada uno de los diálogos establecidos entre los participantes. “Percibo la amistad”, diría Borges (Universidad de Chicago), “percibo una sensación muy real de bienvenida. Me siento querido por la gente, siento todo eso”.

Sería en esos ambientes, igual Cambridge, Massachusetts, Boston, Harvard, Nueva York, Indiana…, que Borges desplegaría con plena libertad cada uno de sus intereses: los límites entre la realidad y la imaginación, los sueños, el otro y el doble, el heroísmo de sus antepasados militares, la cábala, el inglés antiguo, la memoria y el tiempo.

Ya ciego años atrás, Borges entabla diálogo en Massachusetts con otro estudioso de su obra, Jaime Alazraki, autor de Borges y la cábala. Ahí revelará detalles y esencias de uno de sus más conocidos cuentos, “Funes el memorioso”, concebido como “una metáfora del insomnio”.

“Recuerdo que yo había pasado varias noches sin poder dormir, y entonces hice lo posible por olvidarme de mí mismo, por olvidar de la habitación en la que estaba, por olvidar del jardín que estaba afuera, por olvidar los muebles, por olvidar los muchos defectos de mi propio cuerpo y no pude conseguirlo”.

“Entonces pensé”, siguió Borges, “en un hombre que termina agobiado porque su memoria es perfecta, y escribí esa pesadilla que ha agradado a tanta gente […]. Memorious en inglés es una palabra rebuscada mientras que en castellano memorioso suena como una palabra común”.

“Así que el título en este caso quedaría mejor traducido al inglés. En castellano, memorioso suena casi como algo que diría un gaucho. Pero bueno, el cuento en sí es, a pesar de que sea yo quien lo haya escrito, un buen cuento”. (“Funes el memorioso” fue publicado por el autor el 7 de junio de 1942 en La Nación e incorporado a Ficciones, dos años después, aunque el autor dijo que sus mejores cuentos estaban en El informe Brodie y El libro de arena, publicados posteriormente).

Tiempo después, en Indiana, Borges le dirá al propio Barnstone que si de señalar una “única obra” que represente la cima de toda la literatura “elegiría” Divina Comedia, “y eso que no soy católico, no creo en la idea de castigos y premios divinos. Pero el poema en sí es perfecto”.

La voz de Borges • No creo en las guerras. Creo que todo eso es un error. Los países son una equivocación, una superstición. Creo que el mundo debería ser uno solo, como lo pensaron los estoicos. Debemos ser cosmopolitas, ciudadanos del mundo.

• He pensado en el suicidio muchas veces, pero siempre lo he pospuesto. Me he dicho a mí mismo, para qué preocuparme, ya que tengo esa arma tan efectiva, el suicidio, y al mismo tiempo nunca la he utilizado, al menos creo no haberla usado jamás.

• Para mí la muerte es una gran esperanza. La esperanza de la aniquilación, de ser olvidado. A veces me siento desdichado. No puedo evitarlo. Y entonces me digo: ¿Pero qué motivos tengo para sentirme desdichado, si la muerte puede llegar en cualquier momento?

• Creo que la única manera encontrar las palabras correctas es dejar de buscarlas. Yo creo que debemos vivir en el presente y luego, quizá esas palabras nos sean dadas, o quizá no. Debemos avanzar mediante el ensayo y el error. Debemos cometer nuestros propios errores, y luego, acaso, corregirlos. Y esa tarea puede llevarnos, bueno, toda la vida.

Borges: el misterio esencial. Conversaciones en universidades de los Estados Unidos, Edición y fotografías de Willis Barnstone. Traducción y notas de Martín Hadis, Lumen, México, 2022, 318 pp. * @mauflos

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Escuchar los cantos del pasado para interpretar los ecos del ahora

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Guillermo Velázquez. Foto de Vincent Velázquez.

6Por Conrado J. Arranz

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o hay destino sin camino es una obra del presente —ese que se va agotando antes de poder siquiera nombrarlo—, del futuro y, sobre todo, del pasado. Su presente es en realidad 2017, cuando el Seminario de Tradiciones Populares de El Colegio de México, dirigido por la investigadora Yvette Jiménez de Báez, le encargó a Guillermo Velázquez, sumido por aquel entonces en una crisis creativa ahondada por el contexto de violencia y corrupción que se vivía en México —según lo cuenta en la introducción—, un trabajo en el que dialogase con la gran voz universal, y a la vez local, de nuestro país, Juan Rulfo, quien por aquel año hubiera cumplido los cien de nacido. Por diferentes vericuetos de índole burocrática en los que no merece la pena entretener-

se, y a pesar de prácticamente estar terminada la obra aquel año, esta pudo ver finalmente luz a finales de 2020, ya en plena pandemia global, y gracias al compromiso y excelente cuidado editorial de Ediciones Del Lirio. Si ya debíamos mucho a Guillermo Velázquez —juglar de fiesta y quebranto, embajador del huapango arribeño—, porque siempre es un placer ver encarnada en él la tradición, porque su esencia ya es un acto de amor, de cuidado y autocuidado, de posicionamiento político, porque su voz es preciosa y precisa, es decir, es literatura, con este libro-disco le vamos a deber aún más.

Atender esta obra como recomienda el autor y el editor al inicio, es decir, “leer y escuchar simultáneamente el texto versificado y el audio, de preferencia con audífonos y sin interrupción”, es acercarnos un

poco más a aquellas formas diferentes de contar relatos sin seguir una cronología. Desde el punto de vista temático y estructural, el tiempo también se diluye o difumina. Dos ejemplos. El primero, es que la obra se estructura en XII partes —número de los ciclos, de las horas de día y noche, de los meses del año, de la división perfecta del cielo—, la última de las cuales, “Tetracanto”, fue creada mucho tiempo antes, en concreto entre 1974 y 1975, cuando don Guillermo llegó a la Ciudad de México en busca de su destino tras abandonar el seminario, e influido por las lecturas de León-Portilla y de Garibay escribió esta canción en una antigua casa de la calle Guatemala, sin saber por entonces que bajo ella —y bajo él mismo que escribía un canto de guerra florida, de vida y decisión— se encontraba el Templo Mayor, el huey teocalli, el centro cere-

monial de la gran Tenochtitlan. “Algo vibró”, nos dice don Guillermo, y con ese tono escuchamos la primera de las doce —también 12— seguidillas que la componen: “Son cuatro oscuridades / las que me pueblan / y cuatro claridades / las que me esperan”. El segundo, es que por aquellos años de escritura, todavía distantes del actual presente, aún no se sabía nada de la pandemia y, sin embargo, escuchamos ya su eco en una de las décimas: “[…] / Padecemos de orfandad / en un tiempo en que a raudales / las 'realidades virtuales'/ confluyen a entretenernos, / y hemos dejado de hacernos / las preguntas esenciales”.

No hay destino sin camino ofrece infinitas lecturas analíticas, dependiendo de los intereses de cada uno de los lectores. Se puede considerar desde la perspectiva de la tradición del poema extenso o de largo aliento

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que no apta para cardiacos, porque una escucha así nos produce misterio, incertidumbre, tristeza, rabia, pero también fe, ánimo festivo, amor, catarsis.

El libro de don Guillermo nos propone un recorrido, que bien podría ser el camino del héroe que dibujó Campbell para explicar la estructura del mito único, un mito único que, en este caso, en realidad, sería una gran epopeya mexicana que parte de lo que somos ante lo terrenal y ante lo espiritual, es decir, tal y como lo concibieron los antiguos nahuas y mexicas, ante el Topan, “lo que está por encima de nosotros” y el Mictlán, “la región de los muertos”, para conducirnos a nuestro presente: encontrar la libertad para vivir (esta sería la última fase que describe Campbell) en una tierra en la que la injusticia, los millones de desaparecidos y la necedad de nuestros gobernantes a veces nublan nuestros sentidos, nuestros caminos, nuestros diálogos, nuestro ánimo. Gran epopeya mexicana porque, aunque la voz de don Guillermo es una voz poderosa, presente, en la distribución de papeles dentro

moria de muy allá”, que no podría entenderse solo mediante la escritura. León-Portilla, en El destino de la palabra, parte de la relevancia del tonalli, la “duración de luz y calor”, el destino; afirmaba así que todo lo que existía tenía de forma esencial un tonalli. Pues bien, el destino de don Guillermo Velázquez es cantar y contar, igual que aquellos otros pobladores que para encontrar su destino daban forma a los relatos por medio de los cuicatl, “canto, himno, poema”, y los tlahtolli, “palabras, discurso, relación”, en definición de León-Portilla.

Motivado por esta obra en su conjunto, por el proceso creador de don Guillermo, por las búsquedas de lo esencial a través de múltiples recursos, me gustaría ver la lírica de los cuicatl y la narración de los tlahtolli esencializadas en la décima, estructura métrica que, junto a la copla, prefieren los músicos populares de América, para contar y cantar.

Las décimas de don Guillermo, además, no son siempre convencionales. En ellas, a veces, como encabalgamientos corifeos, tienen cabida las voces de diferentes personajes, vivos o muertos, del más allá o del hoy; otras, se parten —normalmente por el “puente”, nudo temático de la estrofa— para que surga una voz infantil. El diálogo con Juan —no Preciado, sino Rulfo—, se produce de forma poética, no hay otra lectura estética posible. Juan, y sus personajes, también podrían hablar en décimas, como lo hacen los personajes de Guillermo, que están tomados de la realidad, porque el pasado es realidad presente, porque necesitamos la “memoria de muy allá, para [los] olvidos de hoy en día”. Así, escuchamos la voz de doña Chana la partera, doña Dimas la curandera, el arriero, un niño, un coro de mujeres, y también la de doña Esperanza, la mujer/madre de “yo mismo”, su hijo e hija, que están encarnados por la propia familia de don Guillermo, doña Chabe, Vincent, Victoria.

Como podemos ver, No hay destino sin camino tiene todo para que perdure en el tiempo, para que sea tiempo incluso, y eso que solo puedo trasladar aquí un humilde escrito, con el cual es imposible de atrapar por completo la esencia. Creo que su perdurabilidad, su potencial para convertirse en un canto, universal y nacional al mismo tiempo, están motivados por dos factores esenciales: la redondez significativa de la obra y la relación de esta con la naturaleza, a través de los símbolos; y el hecho de que las palabras merodeen de una forma constante otros aspectos que son imposibles de asir.

Feliz escucha y lectura.

*Guillermo Velázquez, No hay destino sin camino. Ecos del páramo. Memoria de muy allá para olvidos de hoy en día, México, Ediciones Del Lirio, 2020.

Música

en Latinoamérica; o a partir de los intertextos y el diálogo con la obra de Juan Rulfo, con la que Guillermo Velázquez y la edición son profundamente cuidadosos; se puede analizar a partir de la oralidad, de la preeminencia del sonido que produce la palabra, de los ecos, de las figuras retóricas fonéticas que emplea; por supuesto, también a partir de la tradición de una estructura tan maravillosa como la de la décima —estrofa cultivada por Lope de Vega, Calderón, Góngora, Sor Juana, Juan Ruiz de Alarcón, Guadalupe Amor y numerosos poetas populares actuales— y su trascendencia como lengua común en Latinoamérica.

El hecho de poder leer el volumen de forma simultánea a la escucha de la voz de los personajes que intervienen en él, sobre un fondo musical creado por el Grupo Tribu a partir de instrumentación mesoamericana, y solo interrumpido por interludios o entremeses —porque es teatro también o sobre todo y ojalá la veamos algún día representada— de sones huastecos o arribeños, o de música urbana, nos involucra en una experiencia sensorial profunda, yo diría

de esta obra, él no es solo Guillermo, ni siquiera es “YO” en la distribución de los personajes, sino que es “YO MISMO”, es decir, que podría ser “cualquiera”, es decir, cualquiera de nosotros —tú— que la estamos leyendo, o escuchando y, por tanto, que podríamos también estarla diciendo o recitando o cantando o simplemente vivificando.

A pesar del largo recorrido que No hay destino sin camino supone por múltiples emociones, a veces dolorosas, a veces festivas, hay una suerte de catarsis, con fiesta y ritual incluido, que deja resonando una emoción: la esperanza. “Esperanza” es una palabra extraña, incluso algo contradictoria, porque en principio transmite algo pasivo, al suponer la espera. “Esperanza” viene del latín sperare, pero claro, el que espera es porque cree que algo o alguien va a llegar, es una espera activa. Además, Esperanza es el propio nombre de la madre de don Guillermo, que encarna una voz, la suya propia —magnífica además, poderosa—, que en realidad podría ser la de todas nuestras madres, también las de las madres que esperan a sus hijos e hijas desaparecidas. Y parece que esta gran epopeya, que parte de la duda —“Allá o acá, ¿dónde estoy? / —escarba la duda en mí—, / ¿estoy vivo?, ¿ya morí?, / ¿entro?, ¿salgo?, ¿vengo?, ¿voy?, / ¿sí soy quien pienso que soy? / ¿existo afuera o adentro?, / […]"—, busca también una respuesta a qué hacer mientras esperamos en este llano incendiado, en este llano en llamas que es nuestro México.

Pues bien, esa tensión entre la pasividad y la actividad es la que va dibujando el camino del héroe que plantea Guillermo, un héroe que nace, como él mismo reconoce en la introducción, en una época de crisis personal, un héroe que ansía del sentido de la palabra para la vida, de un sentido no individual, sino comunitario, es decir, del sentido que compartimos todas y todos, del único posible para prosperar. Creo que esa esperanza es motor esencial del libro, como también reconoce Maximiano Trapero, investigador especialista en literatura tradicional, conocedor de la historia y trascendencia de la décima para el mundo hispánico, autor del prólogo.

Canto y narración, antigüedad y modernidad, perdurabilidad y notiempo, la última reflexión de esta reseña es a la luz de los antiguos hacedores de la palabra en estas tierras y también en torno a la décima. Don Guillermo ofrece con esta obra la oralidad del relato, liberando a la palabra de su estructura gráfica, multiplicando su significación gracias al sonido, la textura, el tono, las pausas, la música. La instrumentación mesoamericana que permanece como fondo musical durante la mayor parte de la grabación es una invocación del pasado, de la “me-

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Princesa

6 Por Pilar Alba

Río de Palabras

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e quedó profundamente dormida como las princesas en los cuentos; soñando con castillos y príncipes azules, con reinos lejanos y personas bondadosas. Así, dormida, abandonó su cuerpo, no sentía sus miembros: las piernas y los brazos caían al lado de su tronco. Sus sueños la protegieron de lo terrible de su realidad, la alejaron de las atrocidades que le cometieron. Los dragones que aparecían en su sueño en la realidad eran los que la convencieron de ir a la fiesta, los que la llevaron con engaños a esa casa, los que le dieron la bebida que la alejó de este mundo por completo. Aprovechando su inconciencia la arrastraron, le quitaron la ropa, laceraron su cuerpo, corrompieron su carne. Embrutecidos reían con las palabras que de pronto emitía de manera inconexa: flores, estrellas, nubes. Transformaban su rostro y crecían en su furia cuando ella hablaba de duendes, demonios, fantasmas.

Se aprovecharon de ella hasta lo que

pensaron era su último aliento. La dejaron descubierta, no tuvieron la decencia de cubrirle el cuerpo. Poco a poco ella fue despertando, cuando la encontraron no había aún recuperado

el conocimiento por completo. Despertó en el hospital con dolores por todo su cuerpo, nadie se atrevió a decirle algo cuando preguntó por lo que le había pasado. Nadie, tampoco, quiso

acercarse a darle un abrazo de consuelo. Solo ella a su corta edad y desde el despertar de su sueño lo supo profundamente: no, ya no era una princesa.

No, ya nunca más volvería a serlo.

Ciudades desiertas, de José Agustín

Libros

6 Por Miguel Ángel de Ávila González

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sta novela muestra la crisis y alienación de un joven matrimonio conformado por Eligio y Susana, aparentemente una pareja ideal; ella es escritora. Eligio conoce poco sobre las actividades de su esposa, por indiferencia y porque está ocupado tratando de rescatar su propia carrera de la mala racha por la que atraviesa.

Con el deseo de comenzar todo de nuevo en un lugar desconocido, muy lejos de su vida actual, Susana decide aceptar la invitación de Gustavo Sainz a participar en un programa de escritores que otorga una beca en la universidad de Arcadia en los Estados Unidos por cuatro meses y un buen día parte hacia allá sin decir una sola palabra a Eligio.

Eligio, al enterarse dónde se encuentra su mujer, decide ir a buscarla.

Susana se ha instalado en el programa y ha entablado relación con varios de los participantes, principalmente con un escritor polaco de pocas palabras por quien ella se siente especialmente atraída. Susana se sorprende cuando ve a Eligio, este le pide explicaciones y ella se niega a dárselas. Discuten larga y violentamente: “La sacudió hasta despertarla, lo cual le llevó un buen rato. Levántate, Susana, dijo Eligio, tenemos que hablar. Primero tráeme un café, pi-

dió Susana. Que te lo traiga tu abuela. Contéstame: ¿por qué te fuiste así de México?, ¿por qué no me dijiste nada? Oye, Eligio, orita no me estés molestando, déjame dormir, dijo Susana. Nuevamente reclinó la cabeza y cerró los ojos. Ni siquiera en tu trabajo dejaste dicho nada. Ni a tu mamá le avisaste, a nadie, qué poca madre; contéstame, con un carajo. Susana reabrió los ojos, controlándose, y se incorporó en la cama, sin ver a Eligio. Se puso en pie después y un poco como zombi avanzó unos pasos […] ¿Entonces nada más sigues cualquier impulso pendejo que se te viene a la cabeza?

Dime la verdad, Susana, esto lo pensaste muy bien. ¿Ya no me quieres?

Dímelo derecho, y ya estuvo. No, no te quiero, dijo Susana, enfática”.

Poco después, ella huye con el polaco hacia Chicago. Eligio nuevamente va a buscarla y encuentra a los dos en un albergue, golpea al polaco y obliga a Susana a punta de pistola a acompañarlo en el automóvil. Una fuerte nevada los obliga a detenerse en el camino: “Susana guardó silencio unos instantes. Su rostro pareció apagarse, toda su energía hizo implosión, como hoyo negro, y miró a Eligio, dubitativa.

Bueno, dijo, la verdad es que Slawomir sí me atrajo, y sí, sí, añadió con voz baja, sí me acosté con él, si eso

te pone feliz, finalizó agresivamente.

Cómo que me hace feliz, nada de esto me hace ninguna gracia, respondió Eligio; se hallaba muy pálido y había encendido otro cigarro. Pero por qué lo hiciste, dímelo, ¿no pensabas en mí para nada?”.

Susana vuelve a escapar. Eligio, acompañado de una joven norteamericana, retorna a la búsqueda de su esposa, pero en esta ocasión no la encuentra y resignado a no volver a verla nunca más, regresa a México, donde tiempo después aparece Susana, embarazada, y le dice del amor que tiene por él y que es lo que le ha hecho regresar: “Mi amor, dijo de pronto Susana, y Eligio se quedó muy quieto. ¿Sí?, preguntó. Ya sé qué quieres que te conteste. ¿Qué? ¿Me lo preguntas otra vez? ¿Por qué regresaste conmigo?

Porque te quiero, Eligio, te quiero. ¿De veras?, preguntó Eligio acariciando

suavemente las nalgas enrojecidas.

Te quiero, respondió ella, incorporándose para quedar cara a cara con él.

Yo también te quiero, Susana, añadió Eligio, radiante, te quiero con toda mi alma”.

Un amor desesperado y frenético mueve nuestro personaje y le obliga a ceder en su orgullo y a someter sus impulsos machistas ante la mujer que quiere, es así que acepta incondicionalmente su retorno.

La novela muestra las características de la Generación de la Onda, la cual se diferenció por este estilo libertario que dejaba a un lado el pudor, la mojigatería y el conservadurismo. De manera similar, mostraba la realidad de quienes querían expresar al mundo, una forma desenfadada de vivir.

José Agustín, Ciudades desiertas, Best Seller Edivisión, 4ª Impresión, México 1985.

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Castoriadis o el escándalo de la imaginación humana 6 Por Sigifredo Esquivel Marín

Cornelius Castoriadis (1922-1997). Imagen tomada de colloqui.org.

2002-2011), por mencionar solamente algunos títulos de obras paradigmáticas, dan cuenta de una poderosa articulación original y consistente a lo largo de toda una vida no exenta de polémicas y controversias. Heredero del griego de Éfeso, Castoriadis hizo del pensamiento crítico una guerra sin cuartel contra el sistema de dominación en su conjunto. De una cultura vasta y formación integral en filosofía, economía, lógica, matemáticas y psicoanálisis tuvo interés genuino por todos los campos del saber y del quehacer humano; admiraba y amaba el arte y la literatura, empero veía en sus creaciones más nobles también el juego de la sobredeterminación socio-política que

configura un texto como hiper-texto contextual abierto al juego de múltiples significaciones. Marxista, anarquista, activista radical tuvo una militancia política siempre en la izquierda (auto)crítica, de ahí que tomase distancia de todos los partidos y dogmas oficiales, fue uno de los primeros en denunciar el totalitarismo del régimen soviético y también fue uno de los primeros en anticipar la debacle civilizatoria ocasionada por la crisis ambiental. Pionero en varios ámbitos y frentes. E incluso el eslogan “la imaginación al poder” del 68 recoge en gran medida su ideario político e intelectual. A diferencia de muchos intelectuales que opinan sobre la ac-

tualidad del mundo de manera frívola, pesimista o decadente, sus opiniones siempre certeras y polémicas daban en el blanco de la controversia del momento, pero lo hacían más allá del presentismo chato de la doxa reinante, quizá por eso fue un autor tan incomprendido como marginado por sus contemporáneos. Y es que abrió fuego contra todo y contra todos desde la atalaya crítica como despliegue de auto creación humana. Mi admiración por el autor me ha llevado a realizar, a inicios del 2022, un homenaje para celebrar el centenario de su nacimiento junto con investigadores(as) de América Latina y Grecia, el ostracismo que sufre su obra aún sigue, por desgracia, vigente, y Castoriadis sigue siendo un pensador marginal, pese a que su obra es una de las más poderosas y sólidas empresas por repensar la condición humana en su conjunto desde la esfera de la imaginación radical como autonomía fundacional. Asumimos –aquí el plural es clave– que es urgente y pertinente hacerle frente a la estupidez mediática que se disemina como nueva barbarie planetaria. El riesgo y audacia del pensamiento castoriadiano tiene parangón con otro grande de las letras universales como lo fuera William Blake, uno teoriza lo que otro canta. Entre el decir filosófico y el poético se teje una poderosa urdimbre que bien vale la pena seguir (des)hilvanando. ¿Acaso no ha sido la imaginación el telar de la creación humana en el espejo del tiempo?

Filosofía

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ay autores que a uno lo acompañan toda la vida, y antes de leerlos ya de alguna u otra forma uno ha compartido o, al menos avizorado, sus ideas e intuiciones capitales. Son autores fundamentales porque vertebran el pensamiento y sirven de guía de ruta crítica en la vida. Tal es el caso de Cornelius Castoriadis, cuya vasta obra me ha acompañado desde que era adolescente. Uno de mis primeros artículos publicados a los 18 años fue en torno a la imaginación crítica en diálogo con Octavio Paz y Cornelius Castoriadis.

Mi primer libro se titula Pensar desde el cuerpo (Conaculta, 2006), donde opera un descentramiento del sujeto moderno a partir del cuerpo, la imaginación y la inmanencia. Luego mi segundo libro lleva como título Imágenes de la imaginación (Tierra Adentro, 2008). Por supuesto uno de los autores de cabecera de tales obras ha sido el pensador griego avecindado en París a partir de 1946.

Más allá de las diferencias que no son pocas ni menores, comparto la pasión política de Castoriadis por hacer de la praxis una forma teórica y práctica de la autonomía como epicentro de la creación humana. Autonomía, imaginación y libertad son tres aristas para entender y atender la condición humana en su apertura sin fin. Y constituyen el núcleo del pensamiento castoriadiano: La institución imaginaria de la sociedad (Seuil, 1975), Las encrucijadas del laberinto (Seuil, 1978-1999), La creación humana (Seuil,

Arte en vuelo: un festival de gráfica en el aire

6 Por Maliyel Beverido

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mieron linoleograbados sobre papel de china y con ellos se elaboraron 150 papalotes que se repartieron gratuitamente. Cerca de 500 personas acudieron a la cita y los papalotes, vale decirlo, volaron enseguida. Por su belleza y originalidad algunos se los llevaron tal cual, pero la mayoría los elevó aunque sufrieran caídas y desgarros.

Me cuenta Alejandro Suárez, coordinador del taller, que en aquel 2019 contaron con el apoyo de la Casa de Cultura, del Instituto Veracruzano de la Cultura y del Ayuntamiento. En 2020 y 2021, por la pandemia, no se pudieron realizar otras emisiones, y con el cambio de la administración municipal temían no poderle dar continuidad al proyecto. Sin embargo, tuvieron la fortuna de encontrar nuevamente interés y voluntad en la Regiduría 4ª del Municipio para retomarlo, pues se trata a la vez de una entrañable tradición y de un nuevo acercamiento al arte.

Este año también se hicieron 150

piezas, en cuya producción participaron más de 20 personas, entre los grabadores, impresores y el artesano papalotero Sergio Castillo (que insiste en que apunte que vive en la calle Octavio Paz), uno de los pocos que quedan la región. Las impresiones se realizaron en el Taller de Grabado Experimental, el Taller de Grabado de Miguel Hernández de Casa de Cultura Coatepec y en la Ceiba Gráfica.

Mientras las familias llegaban y se distribuían los papalotes, la agrupación de son jarocho La Cañada estuvo animando el ambiente. A pesar de un cielo medianamente gris, los más hábiles rápidamente alcanzaron las alturas. Algunos además llevaron cometas de tela o le compraron a don Sergio otras piezas.

Era lindo ver a tanta gente bromear, reír y colaborar sin bips ni bites, soltando al aire una frágil obra de arte que se confundía con el vuelo de las aves.

Quizá esta ocasión podría echarle la culpa al viento, que soplaba solo por

Arte

ntaño esta era la época ideal: por un lado las vacaciones y por otro los vientos previos a las lluvias de verano convergían para que la chamacada invadiera cualquier loma, campo o hasta azotea para empinar papalotes.

Papel de china, varillas de carrizo, hilo y algún listón o retazo de tela y el cielo se llenaba de colores. Yo los hacía, con otros niños de mi barrio, o se compraban en casi cualquier tendajón. Pero eso fue hace mucho, mucho tiempo.

Este domingo de julio no hubo partidos en el Campo Deportivo Adolfo López Mateos de Coatepec, Veracruz, el municipio ha dado su consentimiento para que se lleve a cabo la segunda emisión de Arte en Vuelo, una iniciativa del Taller de Grabado Experimental que suma esfuerzos diversos para rescatar una tradición y, literalmente, poner en alto la gráfica regional.

Hace tres años el Taller de Grabado Experimental de Coatepec convocó a la primera edición de este festival. Impri-

Papalote del Festival Arte en Vuelo.

arriba de unos 5 o 7 metros a los que yo nunca llegué. Lo cierto es que a pesar de que corrí de un lado a otro mi papalote tan solo se sostuvo por medio minuto encima de mi cabeza. Pero esos 30 segundos fui feliz.

8

LA GUALDRA NO. 538 // 15 de agosto DE 2022

Cine

Crimes of the future, de David Cronenberg

6 Por Adolfo Nuñez J.

E

l nuevo filme del extravagante cineasta David Cronenberg se siente como la suma de todos los elementos que vuelven tan singular a su obra. Crimes of the future (2022) es una película que reúne y resignifica las temáticas que han obsesionado al maestro del body horror, con el control de los cuerpos, nuevos y viejos, como dilema central.

La cinta toma lugar en un futuro distópico donde la especie humana, como resultado de un medio ambiente cada vez más industrializado, ha comenzado a mutar y a generar nuevos órganos internos.

Saul Tenser (Viggo Mortensen) es un artista conceptual que genera nuevos y extraños órganos, los cuales remueve ante un público a manera de performance quirúrgica, con ayuda de su compañera Caprice (Léa Seydoux).

A dichas exhibiciones asiste una extraña joven llamada Timlin (Kristen Stewart), quien trabaja en un departamento del gobierno dedicado a analizar y registrar esos nuevos órganos, y que está obsesionada con el trabajo de Tenser. A su vez, el peculiar protagonista es contactado por un grupo de personas lideradas por Lang (Scott Speedman), quienes han desarrollado un nuevo sistema digestivo y que buscan obtener notoriedad con la ayuda del artista.

Cronenberg crea una narrativa repleta de alegorías donde aborda a la cirugía

como el nuevo sexo, la ecología en contra posición con la polución humana. Además, reflexiona sobre una cultura que transforma el dolor en espectáculo y en una sociedad que se adapta a los cambios del medio

donde se desarrolla, entre muchos otros temas.

El director subvierte las reglas del género de horror y fantasía en su formato más tradicional, y apuesta por un tono más

enigmático con claras conexiones al cine neo-noir, a medio camino entre el género de ciencia ficción, un misterio de detectives y un relato sobre conspiraciones.

La cinta se logra percibir como una reflexión metafílmica de la propia obra de Cronenberg, ligada de manera inevitable a sus películas más emblemáticas como Crash (1996), The fly (1986), Naked lunch (1992) y Videodrome (1983), por mencionar algunas.

Uno de los temas principales en el cine del realizador canadiense ha sido las modificaciones al cuerpo en función de los tiempos y hábitos que hay dentro de una sociedad. En ese sentido, el filme bien se puede interpretar como una representación hiperbolizada del mundo actual, en una época donde las personas buscan nuevos medios para decidir sobre sus propios cuerpos y donde las instituciones con creencias anticuadas desean controlarlos a como dé lugar.

Crimes of the future es una de las películas más autoconscientes, reflexivas y urgentes del director. Se trata de una obra inteligente, estimulante y llena de significados que serán develados en más de una revisión. Una vez más, el legendario David Cronenberg vuelve a examinar los mismos órganos de siempre, pero que en esta ocasión dejan ver un universo nuevo en su interior.

Bella ciao, ciao, ciao: MONDINA Teatro

6 Por Rebeca Mejía

H

ace poco tuve ocasión de hacer un leve maratón de musicales que incluyeron clásicos como Cantando bajo la lluvia (1952) y Nace una estrella (1954) que tienen como protagonistas a actores como Gene Kelly y Judy Garland.

Viéndolos actuar, cantar, bailar y en general apropiarse de escenarios y la pantalla de esa manera tan íconica me hizo pensar en los artistas actuales y en cómo es cada vez es más común que se apoyen de efectos especiales o de la tecnología para realizar sus performances.

Me pregunté si no hemos comenzado a extrañar en general ver de manera más cercana a personas que tengan talento en más de un área y que, digamos, sean un artista escénico mucho más completo. Aunque tenemos mútiples opciones al alcance de la mano en nuestros hogares gracias a las plataformas, lo cierto es que de mi parte eché de menos espacilamente el teatro, lugar en donde a dos años de la vida en pandemia no había vuelto.

Fue una grata sorpresa que mi primera visita al teatro después de tanto

La obra Mondina, de Gala Guerrero, se presentará el 31 de agosto en el Teatro Ramón López Velarde, a las 8 PM.

tiempo, persuadida por una gran amiga, tocara ocasión para ver MONDINA el pasado 27 de marzo, un monólogo que trata sobre la vida de una arrocera en Italia, escrito y protgonizado por Gala Guerrero.

El talento de la artista es indiscutible. No solamente el monólogo está bien escrito al ser capaz de transportar al espectador a Italia en la década de los veinte del siglo pasado en la vida de Greta una niña de catorce años que

sueña con ser escritora, pero que debido a su posición familiar, se ve obligada a asistir a una granja de cultivo de arroz en donde conocerá el lado crudo de la vida que la obligará, muy a su pesar, a convertirse en una mujer.

Los instrumentos que utilizó la actriz para mostrarnos la habitación de Greta, el vagón de un tren y su destino final en la granja fueron muy bien pensados y utilizados, evidenciando además el gran trabajo en equipo

entre la producción y la dirección del monólogo.

Hasta ahora los comentarios se han centrado en la pertinencia del monólogo de preguntarse qué es ser mujer en un contexto pasado, pero que se liga al contexto actual en donde la pregunta ha tomado más de un significado.

En cualquier caso, fue muy estimulante ver cómo una joven actriz se adueñaba del escenario de una manera tan histriónica. Segura de sí misma y sabiendo salir adelante con la historia y su personaje inspirados en la canción Bella ciao. Verla actuar, hacer acrobacias e incluso cantar me recordó a aquellas estrellas que admiré en los musicales: artistas con más de un talento. Sin duda Gala Guerrero dejará ver mucho más de sí misma conforme continúe con la práctica de sus habilidades en el escenario.

Su protagonista dejó entrever que quizá fuera posible volver a ver el monólogo en el teatro y así será el próximo 31 de agosto, en el Teatro Ramón López Velarde, a las 20:00 Hrs., para que esté muy pendiente y se deje cautivar por la presentación de Gala Guerrero.