PORTAFOLIO - Historia del Arte

323

Profesora: Dreifuss Serrano, Cristina Isabel

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE Ariem Kiara Ramirez Cribillero 20204832

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de Historia y teoría de la arquitectura Ciclo 2021-2

CRITERIOS RIBA CG2 - Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3 - Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

CG7 - Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

TABLA DE CONTENIDO

EP1 Ejercicio - Poder

02

Práctica calificada - Línea del tiempo

04

Ejercicio - Otras artes

06

EP2 Ejercicio - Románico, gótico, renacimiento

08

Ejercicio - La luz en el barroco (La joven de la perla)

10

Práctica calificada 2

12

BONUS - Reto 15 días de arte

14

EF Impresionismo

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Trabajo final y portafolio

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Portafolio

Información personal

20

CV

21

Información del curso

22

Comentario acerca del curso

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Código QR

24 01

EP1 - PODER CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO En grupos de 2 o 3 integrantes escoger DOS IMÁGENES en las que se distinga una o varias figuras que representan poder (figuras jerárquicas). Puede ser pintura, escultura, fotografía, grabado, relieve, etc. Para cada imagen colocar los datos mínimos: autor, título de la obra, fecha.

Señalar cuáles son los recursos de los que se basa el creador para mostrar la figura jerárquica: luz, posición, emblemas, etc.

OBRAS ELEGIDAS Retrato de Luis XIV - Hyacinthe Rigaud ( Francia, 1701) Esta es considerada la pintura más representativa del Gran Siglo francés, periodo marcado por el absolutismo monárquico y catalogado con el estilo Barroco y Clasicismo francés. Utilizados como denominación para delimitar el reinado de Luis XIV y corte de Enrique IV, quien vio el restablecimiento de la autoridad real y el fin de las guerras de religión hasta 1715.

Adoración de los reyes - Diego Velázquez ( España, 1619) Esta obra se desarrolló durante el Siglo de Oro en España de 1492 a 1659. Velazquez

captó la atención de monarcas y estadistas por el enfoque realista de sus obras. Esta en particular presenta fuertes contrastes de de luz y sombra para remarcar el enfoque en niño y los magos.

02

ANÁLISIS DE LAS OBRAS RETRATO DE LUIS XIV En el recuadro de Luis XIV se puede apreciar al mismo como la figura jerárquica. Esta persona se encuentra en el centro y además resalta por su increíble altura y distintiva forma de vestir.

Tema: Representa la quinta esencia del poder absoluto. Entre los detalles se puede apreciar la moda de la época. Aquella postura del rey buscaba resaltar la firmeza. Según Prater (2005) la boca está cerrada, irónica y decidida, los ojos tienen un brillo duro y oscuro, la fina nariz revela intransigencia. Este soberano no es bueno ni malo, sino que se encuentra más allá de todas las categorías morales.

Técnica: óleo sobre lienzo.

Soporte y material: Lienzo de 279 cm x 190 cm.Todo el lienzo fue en base a oleo. La cara del rey fue pintada con papel montado sobre el lienzo para que sea más realista.

Estilo: barroco.

ADORACIÓN DE LOS REYES En la segunda obra de arte “Adoración de los reyes” se puede visualizar que tiene magníficos detalles gracias a la técnica empleada en este. Como figura jerárquica en la obra, se puede visualizar a Jesús, el cual está siendo cargado por su madre María y a su alrededor, se encuentran los reyes magos quienes miran adorando al niño y le ofrecen sus tres regalos: oro, incienso y mirra, y convirtiéndolo en el centro de meditación.

Tema: La obra representa la veneración de los Reyes Magos, que según la tradición cristiana determina que son tres, mismos que ofrecen tres regalos al Niño Jesús: oro como rey, incienso como Dios y mirra como hombre,tras la noticia de su nacimiento por la estrella de oriente.

Con los tres magos, la Virgen y el Niño, Velázquez pinta a san José y a un paje, con los que llena prácticamente toda la superficie del lienzo y deja solo una pequeña abertura a un paisaje crepuscular.

Técnica: En óleo. El pintor buscó deliberadamente que la obra tenga una sensación un poco agobiante, pues tenía la intención de crear con la proximidad de los personajes una impresión de intimidad la cual es posible gracias a la iluminación nocturna que está puesta sobre la escena.

Soporte y material: Lienzo 204 cm x 126,5 cm.

Estilo: Barroco

03

EP1 - PRÁCTICA CALIFICADA 1 - El arte e CG2, CG3, CG7

Cuevas de Lascaux – Francia (Prehistoria) (Funcional) En esta imagen se puede ver dos estilos de pintura pertenecientes a por lo menos dos grupos de humanos distintos. En ella se puede ver dibujado de manera muy simple a un grupo de venados; no obstante, se puede ver que en un momento distinto, posiblemente años después, aparecen las siluetas de unos bisontes. Este acto de dibujar sobre lo que otro dibujó anteriormente representa un gesto de territorialidad.

20000 a. C.

04

15000 a. C.

4000 a. C.

3100 a. C.

en la Línea de tiempo

Palacio de Knossos – Grecia-Creta (Antigüedad) (Placer) En esta imagen se puede ver dos estilos de pintura pertenecientes a por lo menos dos grupos de humanos distintos. En ella se puede ver dibujado de manera muy simple a un grupo de venados; no obstante, se puede ver que en un momento distinto, posiblemente años después, aparecen las siluetas de unos bisontes. Este acto de dibujar sobre lo que otro dibujó anteriormente representa un gesto de territorialidad.

2580 a.C.

1000 a. C.

700 a. C.

600 a. C.

Paleta Narmer - Egipto (Antigüedad) (Jerárquico) El personaje más importante tenía mayor tamaño. La paleta muestra un momento histórico importante: La unión del alto y bajo Egipto. En la primera paleta se puede ver que hay dos figuras principales. Una de ellas es el faraón que es la figura del centro y denota jerarquía por el sombrero alto que sería la corona del alto Egipto; además, se puede ver que hay una persona del mismo tamaño siendo dominada por él, lo que significa que no ha derrotado a cualquiera. Por otro lado, arriba a la derecha se puede ver la figura de un halcón que representa al dios Horus, la posición que ocupa arriba del Faraón denota la jerarquía que este tiene.

05

EP1 - OTRAS ARTES CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Escoger una obra de arte elaborada entre los siglos I y VII, que pertenezca a una cultura que no hayamos visto en clase. Describe brevemente las características de dicha cultura y cómo se manifiestan en el objeto escogido.

OBRA ELEGIDA Cultura japonesa

Período Kofun (300 d. C.-700 d.C.)

Haniwa de un gobernante (Funazuka Kofun).

06

Caballo Haniwa. París, Musée Guimet. Haniwa.

ANÁLISIS DE LA OBRA CARACTERISTICAS DE LA CULTURA Este término japonés kofun hace referencia a los sepulcros funerarios cuya fecha es a partir de este período. Este es ilustrado como una cultura que existió incluso antes del inicio del budismo. Las primeras tumbas eran simples, pues solo presentaban un ataúd enterrado en la cima del montículo o dentro de una cámara de piedra, pero más adelante también se colocaron en la tumba bienes funerarios, como armas, espejos de bronce u otros artículos personales. Las personas más poderosas contaban con miles de piezas enterradas con ellos dentro de montículos separados hechos especialmente para ese propósito. Entre las decoraciones destaca el uso de haniwa, figuras de arcillas con propósito ornamental y espiritual. Algunos de los primeros túmulos se hicieron a partir de colinas naturales, pero desde el año 400 d. C. aumentó la frecuencia de emplear un terreno plano y construir un foso. A finales de del período, los túmulos funerarios se hicieron más pequeños y se difundió su uso para personas de estatus inferior, con grupos de túmulos de 15 metros formando cementerios.

HANIWA Eran figuras elaboradas de terracota, originarias del oeste de Japón, de objetos inanimados, estos podían ser seres humanos o animales y que se colocaban en las tumbas kofun entre los siglos iv y vii. El propósito inicial de estas figuras consistía en mantener fijo la tierra de los montículos funerarios. Tiempo después evolucionaron desde su forma original de cilindros simples hasta tomar significados rituales, pues empezaron a ser elaboradas para su uso en rituales; además, se veía las formas en que se reflejaba la sociedad de aquella época. Entre los temas retratados en las figuras se pueden encontrar guerreros, sacerdotisas, madres, caballos, barcas y casas.

Fuentes - https://es.wikipedia.org/wiki/Per%C3%ADodo_Kofun - https://es.wikipedia.org/wiki/Haniwa 07

EP2 - ROMÁNICO, GÓTICO Y RENACIMIENTO CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Escoger uno de los siguientes temas: Nacimiento, Crucifixión, Anunciación, Visita de los tres reyes magos Y Última cena. Luego, escoger tres obras de arte, que represente el tema escogido, una para cada uno de los siguientes períodos; Románico (Siglos VI-XI aprox), Gótico (Siglos XII-XIV aprox), Renacimiento (Fines del siglo XIV- Siglo XVI). Finalmente, comparar las tres obras, para describir la evolución del Románico, al Gótico y al Renacimiento

OBRA ELEGIDA La última cena PERIODO ROMÁNICO Autor: Anónimo Año: 1242 - 1255 Técnica: pintura a la cal y al temple, trasladada a lienzo Estilo: Románico Tamaño:180 x 457 cm Localización: Capilla de Santa Catalina de la Catedral de La Seu d’Urgell

PERÍODO GÓTICO Autor: Dirk Bouts Año: 1464 - 1467 Técnica: óleo sobre tabla Estilo: Gótico Tamaño: 180 cm x 190 cm Localización: Iglesia de San Pedro de Lovaina

PERIODO RENACENTISTA Autor: Leonardo da Vinci Año: 1495 - 1498 Técnica: Témpera y óleo en yeso, brea y masilla Estilo: Renacentista Tamaño: 4,6 m x 8,8 m Localización: Refectorio del Convento Santa Maria delle Grazie Milan, Italia.

08

ANÁLISIS DE LAS OBRAS COMPARACIÓN Y EVOLUCIÓN El estilo románico parte abandonando un poco el realismo, pues en un inicio se pensaba que el mensaje que emitían las obras artísticas eran más relevantes que el realismo de la figura humana. Además, se buscaba enseñar y representar los pasajes bíblicos a la población que en su mayoría era iletrada. Tal y como se muestra en la primera imagen, no hay profundidad, las figuras son planas y no se combinan los colores. Tampoco se le dio gran importancia a la luz y al modelado.

La última cena reproduce bien el paso de dos estilos, pues se observa pequeñas intervenciones del gótico lineal, principalmente en el contorno de los cuerpos y el dinamismo de las figuras. Por otro lado, también está presente características propias de la tradición tardorománica tales como los tipos de faciales diversificados, las luces y las sombras en los rostros. En el estilo Gótico, en cuanto a las características pictóricas de la obra hay que señalar que en general se aprecia que todos los rostros de los personajes responden a estereotipos; además, al contrario que en la obra de arte del románico, el pintor utiliza diferentes tipos de perspectivas para lograr representar las diversas escenas, sobre todo en la principal de la tabla central. También, se puede apreciar cómo usa una perspectiva aérea para pintar la mesa, mientras que para el pavimento emplea una perspectiva a distancia; además, dispone a todos los personajes en una organización jerárquica donde la figura que más sobresale es la de Jesucristo.

En la obra de Leonardo da Vinci se usa la perspectiva lineal, la cual es una característica propia del arte renacentista. La pieza principal de su perspectiva fue Jesucristo como centro de referencia al igual que en el estilo gótico. Otro elemento propio del Renacimiento es el uso de ventanas ya que estas permiten introducir, por un lado, luz natural, y por otro lado, profundidad espacial. La iluminación de La Última Cena se da por las tres ventanas ubicadas al fondo. La ventana más amplia se encuentra detrás de Jesucristo, destacando su papel protagónico. Esta característica diferencia por mucho los otros estilos mencionados anteriormente, los cuales son de carácter más tenue.

Fuentes - Pintura mural con la Santa Cena. (n.d.). Museu Episcopal Vic. Retrieved October 27, 2021, from - https://www.museuepiscopalvic.com/es/colleccions/romanico/pintura-mural-con-la-santa-cena-mev-9031 - Pintura Románica [Internet]. www.arteespana.com. [cited 2021 Oct 27]. Available from: https:// www.arteespana.com/pinturaromanica.htm

09

EP2 - LA LUZ EN EL BARROCO (La joven de la perla) CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Luego de ver la Película “La joven de la perla”, escoger dos escenas y explicar el rol que cumple la luz en dicho espacio.

OBRA ELEGIDA Período barroco

Escenas escogidas de la película: En la primera escena en donde aparece la joven mucama apreciando el paisaje desde el estudio de Johannes Vermeer.

En la segunda escena, se encuentra Johannes mostrándole el funcionamiento de la máquina a la joven mucama.

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ANÁLISIS DE LAS ESCENAS

ESCENA 1

En esta escena de la película, la luz crea un escenario bastante agradable en el espacio, pues la luz realza los colores y genera un ambiente cálido, pero a la vez con sombras que generan un estilo un poco dramático, lo que hace que el pintor Johannes Vermeer se inspire para poder recrear este espacio con luz natural y sombras, así que le pide a la sirvienta que pose al frente de la ventana.

ESCENA 2 En la siguiente escena, se puede ver que la luz que ilumina los rostros de los personajes le da un color distinto a la piel, un color más cálido, y la cara de pintor es aun más iluminado. Por otro lado, también se puede ver que se generan sombras bastante oscuras y que le dan un estilo dramático a la escena.

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EP2 - PRÁCTICA CALIFICADA 2 CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Describe el hecho histórico o mitológico que se está representando y cuál es la idea principal que este hecho quiere representar. Luego, indentifica cuáles son los recursos (emblemas, objetos, símbolos, posturas, etc) que el pintor usa para representar su(s) idea(s) principales.

La muerte de Sócrates

Autor: Jacques-Louis David Creación: 1787 Material: óleo

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HECHO HISTÓRICO PRESENTE E IDEA PRINCIPAL

En la obra, la idea principal es esta escena de la muerte del filósofo griego Sócrates. Él sería condenado a muerte por el tribunal y tendría que esperar hasta la ejecución de la condena en una celda del monte Philopappous cercano a la Acrópolis por haber expresado ciertas ideas que iban en contra de la creencia de dioses y corrompía a la juventud de aquel entonces. Debido a eso, fiel a su conciencia y respetando la injusta decisión auspiciada por la democracia, descartó cualquier reducción de la pena y bebió de su copa con cicuta, el cual es entregado por el carcelero.

RECURSOS EMPLEADOS

Las obras de Jacques-Louis David captan gran esencia de la antigüedad greco-romana . El pintor trata de representar la complejidad y el detallismo de lo real por medio de trazos y líneas fuertes; además, se puede ver cierta profundidad que se le dió a la obra al observar ese recorrido que está por ese arco de medio punto y las personas colocadas al fondo. También, se pueden evidenciar esos detalles de realismo en la ropa de los personajes y las sombras empleadas en el escenario. Si bien esta obra habla de la aceptación de la muerte por parte del filósofo, David coloca a los personajes de manera teatral, como la figura del carcelero que le pasa la copa de cicuta a Sócrates con un gesto de no querer hacerlo, lo que hace que ni siquiera lo mire mientras lo hace, o también las acciones de desesperación y pena por parte de las personas a su alrededor, especialmente Platón, quien se encuentra sentado a la izquierda abatido. La forma en que han sido colocados los personajes le da un enfoque distintivo a la obra, pues se ve que el artista quiere tratar de plasmar la idea de un escenario en donde se vea la desesperación. Sin embargo, quien domina la escena es el mismo Sócrates, pues David colocó a este personaje de tal forma en que se puede ver cómo se alza con una actitud decidida a tomar la copa de veneno. Además, se puede ver el detalle de la luz que sale de la pintura e ilumina el escenario generando sombras que dan dramatismo a la obra.

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EP2 - BONUS: RETO 15 DÍAS DE ARTE CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Escoger 5 puntos de la lista presentada en clase. Luego, colocar una obra la cual, según tú, corresponda a tal punto.

OBRAS ELEGIDA 1) QUE NO TE GUSTE Nombre: El sacamuelas Autor: Theodor Rombouts Año: 1625 Técnica: Óleo (118 x 223 cm.)

Empezando por el señor dentista que está sacándole una muela al chico y este parece quejarse del dolor, me recuerda a cuando me fueron a poner brackets y tuvieron que hacer extracción de unos molares. Además, este dentista, parece que te mira mientras hace eso, lo que me da una sensación muy extraña. Por otro lado, toda la gente reunida alrededor viendo y hablando sobre lo que pasa, siento que es abrumador. Definitivamente no me gusta por la sensación que me da este escenario.

2) CUYA EXPLICACIÓN TE GUSTE Nombre: “La parábola del rico tonto” (Gelijkenis van de rijke dwaas) Autor: Rembrandt Van Rijn Año: 1627 Técnica: Óleo (31,9 × 42,5 cm.)

“La parábola del rico insensato (o del rico tonto) la contó Jesús a sus colegas según el Evangelio de Lucas (12:13–21). En la parábola, un rico había cosechado muchos bienes. Pero en vez de disfrutarlos, él solo pensaba en guardarlos a buen recaudo, porque eran suyos y nada más que suyos.”

Rembrandt, además de ilustrar la parábola, para demostrar que en temas de iluminación era muy talentoso, decidió representar al necio rodeado de sus riquezas entre la penumbra. Solo con la luz de esa vela podemos verlo contando moneditas, lo que por un momento parece una situación feliz, pero en realidad está solo y viejo. Por cierto, se dice que el modelo de Rembrandt para el viejo fue su padre. Me gusta la explicación que tiene esta obra, aunque no sea religiosa creo que deja un mensaje muy importante, el cual es que no debemos ser avariciosos.

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3) QUE TE DÉ PAZ Nombre: El arte de la pintura Autor: Johannes Vermeer Año: 1666 Técnica: Óleo (120 × 100 cm.)

La escena de la obra me gusta mucho, pues se ve que la chica está tranquila, Johannes pintando sin que lo molesten, los colores no son tan duros o fuertes y la luz que hay en el escenario me transmite calidez. Es muy pacifico el momento.

4) QUE TE ALEGRE Nombre: El mar de hielo Autor: Caspar David Friedrich Año: 1824 Técnica: Óleo (96.7 × 126.9 cm.)

Al ver esta obra me alegra, porque la gama de colores que se usan son mis favoritos; además, la forma en que se ha dibujado el cielo no es como la más profesional, pero me agradaba la luz del sol que se puede notar entre esas nubes.

4) QUE TE ALEGRE Nombre: “La sagrada familia del pajarito” Autor: Bartolomé Esteban Murillo Año: 1650 Técnica: Óleo (144 x 188 cm.)

Esta pintura me recuerda a mi infancia, pues al verlo puedo notar la calidez de la obra, lo que me hace recordar a cuando íbamos de pequeños a visitar a mi abuela junto con mi hermano y mis padres, y yo solía jugar con un perrito que ella tenía en aquel entonces.

Fuentes https://historia-arte.com/obras/el-sacamuelas https://historia-arte.com/obras/la-parabola-del-rico-tonto https://historia-arte.com/obras/el-arte-de-la-pintura https://historia-arte.com/obras/el-mar-de-hielo https://historia-arte.com/obras/sagrada-familia-pajarito

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EF - IMPRESIONISMO CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Señalar al menos tres diferencias con respecto a los estilos precedentes (especialmente barroco y neoclásico) con respecto al tema, la técnica, los colores o cualquier otro aspecto que sea pertinente.

OBRA ELEGIDA La Grenouillére

Autor: Pierre-Auguste Renoir Año: 1869 Técnica: Óleo (66 x 81 cm.)

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ANÁLISIS DE LA OBRA COMPARACIÓN ENTRE LOS ESTILOS

Barroco En esta obra de Pierre podemos ver que se compone técnicamente a partir de manchas bastas de colores vivos, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí, de esa forma se van creando las figuras que podemos ver y lo podemos notar mejor si lo miramos desde cierta distancia; además, en la obra se aprecia cómo aparecen luces y sombras a partir de este estilo de pincelada. En comparación con el estilo barroco que busca más el realismo en la representación pictórica, cuenta con efectos de profundidad, la perspectiva y volumen se consiguen mediante los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas definidas. En la presente obra, se puede ver que la figura de las personas es algo plana, no hay detalles de realismo en los rostros ni atuendos y movimiento en ellos, también se puede notar el estilo de las manchas bastas con las que fueron hechos y no hay mucha mezcla de colores; a diferencia del barroco, como se mencionó anteriormente, las personas son pintadas con más detalles, como el empleo de las sombras en los rostros y en la ropa. En cuanto al paisaje de la obra, se puede ver manchas que forman algunas sombras si se ve a cierta distancia, es un ambiente más iluminado, al contrario del barroco que es un estilo más dramático por el uso de sombras que se emplean en las escenas y con colores algo más neutros.

Neoclásico El Impresionismo fue un movimiento artístico que buscó marcar la luz en espacios naturales y situaciones cotidianas a través de pinceladas rápidas y distintas formas. Tal es así, que esta obra se aprecia mejor de lejos, pues las manchas en la pintura van tomando diferentes formas. Sin embargo, el estilo Neoclásico busca representar la armonía y proporcionalidad de las figuras, además, se considera un arte que refleja las virtudes morales del hombre, que celebra la racionalidad y rechaza los sentimientos y emociones. Por otro lado, este estilo representa generalmente escenas de la nobleza con paisajes más detallados, a diferencia del impresionismo que muestra la verdadera cotidianidad de las personas utilizando técnicas mucho más versátiles que enseñan otros elementos como el viento, la velocidad, la luz del sol entre árboles y el reflejo de esta sobre el agua y otras superficies.

Fuentes https://www.pariscityvision.com/es/giverny/el-impresionismo https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_del_Barroco https://historia-arte.com/obras/la-grenouillere

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EF - TRABAJO FINAL CG2, CG3, CG7

ENUNCIADO Responder las siguientes preguntas utilizando la lectura de E. H. Gombrich (1999) “Arte Experimental” y los contenidos vistos durante el curso.

PREGUNTAS • ¿Por qué los pintores de fines del silgo XIX y principios del siglo XX deciden recurrir a obras de arte africanas como fuente de inspiración?

El arte europeo de los pintores de aquella época (siglo XX) había perdido expresividad intensa, claridad estructural y espontánea simplicidad en cuanto a su realización técnica.

Debido a eso, tuvieron que recurrir a las obras de arte africanas, pues estas contaban con todo lo que justamente le faltaba al arte europeo.

• ¿ Cuál es la relación entre el cubismo (más precisamente la obra de Picasso) y el arte egipcio? Complementa tu respuesta con un ejemplo de cuadro de Picasso (que no esté en la lectura) y un ejemplo de obra de arte del antiguo Egipto.

Según la lectura de Gombrich, el estilo que tiene el arte del cubismo es muy similar al arte egipcio, esto es debido a que la técnica usada para elaborar estas obras es parecida en cuanto a la forma de representar los objetos o a las personas, ya que como se puede ver en las dos pinturas, los personajes que aparecen están dibujados de perfil; además, en las dos obras se puede ver que no hay uso de perspectiva, es decir, que son planas; los colores usados son sólidos, no se mezclan entre ellos; sin embargo, a pesar de que las dos obras son planas, se puede entender lo que se representa, en estos dos casos, a mujeres.

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• Escoge un cuadro de Kandinsky, un cuadro de Klee y un cuadro de Mondrian. Explica cuáles son las diferencias en la manera en la que los tres pintores se aproximan a la abstracción o a la un-figuración.

KANDINSKY

KLEE

La obra de Kandisnky está compuesta por líneas, curvas y figuras algo geométricas, entre otras series de elementos. En la presente imagen, se puede ver que la obra parecer tener relación con la arquitectura, alguna construcción, pero visto en planta; sin embargo, este lo representa mediante líneas y formas que se alejan de la realidad, como también parece haber figuras superpuestas unas sobre otras, lo que da a entender que parecen ser capas y eso hace que la pintura no se vea tan plana a pesar de ser abstracta.

En cuanto a la obra de Paul Klee, este juega con las formas para ver hasta dónde puede llegar y completar la idea, pues como dice en la lectura, para artistas como Klee, la forma va primero y después viene el tema. A diferencia de Kandinsky que hace uso de líneas y figuras, Klee parece aproximarse a la abstracción solo mediante la relación entre formas angulares y colores sólidos, de tal manera que pueda encontrar un equilibrio en la composición.

Por último, Piet Mondrian, a lo largo del tiempo empezó a tener influencia de Picasso, por lo que sus obras empezaron a ser más abstractas y de estilo cubismo, de esa forma llegó a evolucionar hasta la abstracción geométrica pura. Podemos ver que, en la presente obra, este pintor hace uso de líneas rectas, verticales y horizontales; además, los colores de lo cuales hace uso son sólidos y elementales. Este estilo es totalmente distinto al de los dos primeros artistas mencionados, pues las obras que hacía Mondrian son de abstracción geométrica pura, no hace uso de otros elementos, como Kandinsky y ese efecto de las capas junto con las líneas curvas que tiene su pintura o Klee que hace uso de formas angulares y de distintos colores, en cambio, la obra de Mondrian es más plano y geométrico.

MONDRIAN

• ¿A qué se refiere E. H. Gombrich con la siguiente cita? “Está tan fuera de razón ponerse en favor del arte moderno como en contra de él.”

Se refiere a que la situación en la que se produce el arte moderno es tanto obra nuestra como de los artistas. Además, los espectadores, se han aferrado a la idea de que el artista debe producir arte del mismo modo que un zapatero zapatos, como si solo tuviera que pintar lo que realmente ve. Y según la lectura, da a entender que el artista debe producir la clase de pintura o escultura que ha visto que antes fue señalada como Arte.

Fuentes https://historia-arte.com/obras/mujer-ante-espejo-de-picasso https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-antigua/20170706/47313998004/la-obsesion-por-la-belleza-en-el-antiguo-egipto.html https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm https://revistadiners.com.co/cultura/57254_las-mejores-cinco-obras-de-paul-klee/ https://totenart.com/noticias/el-neoplasticismo-y-piet-mondrian/ Páginas: 18 - 40

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CONTACTO * Email 20204832@aloe.ulima.edu.pe

* Teléfono 989555915

* Fecha de nacimiento 10.11.02

* Dirección Los Olivos, Calle Luis Montero

* DNI

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https://www.instagram.com/ da_inuwu/

ARIEM KIARA RAMIREZ CRIBILLERO

SOBRE MÍ...

Desde la secundaria pensé en estudiar algo que tenga que ver con el diseño y también que incluyan números, por eso elegí la carrera de Arquitectura, porque me gustan las matemáticas, la física, me encanta diseñar y también me llaman la atención las estructuras arquitectónicas. Por otro lado, mi hobby es dibujar, ya sea en digital con ayuda del iPad o a mano, con plumones y colores, pero sobre todo con acuarelas; además, me gusta escuchar música cuando realizo cualquier trabajo.

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PROGRAMAS *

EDUCACIÓN *

Autocad 2021

*

Revit 2021

*

InDesing 2020

*

Photoshop 2020

*

SketchUp

James Prescott Joule

*

James Prescott Joule

Secundaria

*

Universidad de Lima

Actualidad

R E C O N O C I M I E N TO S

IDIOMAS *

Inglés

*

Japonés

*

Catalán

Primaria

*

Proyecto Final de Arquitectura I 2020-2 Seleccionada para exposición.

*

Proyecto Final de Arquitectura II 2021-1 Seleccionada para exposición.

*

Tercio superior ciclo 2021 - 1

A S I G N AT U R A S E N CURSO 2021-2

INTERESES *

Dibujar

*

Proyecto de Arquitectura III

*

Fotografía

*

Historia del arte

*

Pintar con acuarelas

*

Física

*

Deporte

*

Construcción I

*

Dibujo III

*

Estadística

ACTIVIDADES ACADÉMICAS 2021-2 *

Charla “1600 años de Venecia” / vía Zoom / Septiembre

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INFORMACIÓN DEL CURSO CURSO HISTORIA DEL ARTE SECCIÓN 323 PROFESORA DREIFUSS SERRANO, CRISTINA ISABEL SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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COMENTARIO ACERCA DEL CURSO

INFORMACIÓN DEL CURSO

Los temas que vimos a lo largo del ciclo me gustaron mucho, pues a menudo veía algunas obras y artistas conocidos, ya sea por internet o porque me los mencionaron; sin embargo no los conocía del todo bien, no conocía la historia de las obras que veía. Gracias a este curso he podido conocer más de estos artistas y sobre todo aprendí más acerca de otros artistas y obras; además, un poco acerca de la cultura de aquellos tiempos antiguos en los que se usaba el arte de forma funcional, de forma jerárquica o simplemente para el placer. Siento que el curso ha sido más fácil de entender gracias a la metodología de enseñanza de la docente, pues la forma de explicar, hace que uno quiera saber más acerca de lo que sucede en cada tema que enseña. Me encantó el curso y he disfrutado aprender acerca el arte y la historia que tiene.

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