GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 17 Portada por / Cover by: BROISSIN

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Portada por: Broissin A z u m a M a k o t o | E l Ú l t i m o G r i t O | B i t á c o r a d e d i s e ñ o : AMD y D W M | T a l e n t o E m e r ge n t e L o c a l

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Arquine Convoca./ Concurso No.16 Umbral de las Américas Inscripciones

de octubre 2013 a febrero 2014

Más de 15,000 USD en premios Consulta las bases en arquine.com

32º32’32.35”N

Tijuana es la ciudad más poblada de Baja California con una población de 1,5 millones de personas y una extensión territorial de 880 km2; es considerada como la ciudad más occidental de Latinoamérica. Cada año cruzan por la garita de Tijuana/San Ysidro más de 18 millones de automóviles –el doble de los que circulan en Sao Paulo y cuatro veces los del D.F.– a esto se le suma el cruce de más de 9 millones de peatones.

Arquine convoca a un concurso de ideas para la intervención arquitectónica de este punto emblemático del continente, con el diseño de un centro de apoyo y atención al e/in migrante, entendido como hito y puente que contribuya al rescate de la zona y se convierta en atractor y referente de la frontera más transitada del mundo.

ejemplos a seguir ! exploraciones en estética y sustentabilidad La exposición internacional, que presenta 45 posturas artísticas, cuenta con la participación de seis artistas de México:

Francis Alÿs Aziza Alaoui Emiliano Godoy Gustavo Lipkau Pedro Reyes Ariel Rojo

Capilla del Arte UDL AP 2 Norte 6, Centro Histórico, Puebla 17 de octubre 2013 – 19 de enero 2014 HOR ARIO de martes a domingo de 11 a 19 h ENTR ADA LIBRE Informes: capilladelarte@udlap.mx | Tel. 01(222)242.2808

Un proyecto de la Fundación Cultural Federal Alemana en cooperación con Universidad de las Américas Puebla, Volkswagen de México, Heinrich Böll Stiftung, Goethe-Institut Mexiko, Gesellschaft für Internationale Zusammenarbeit y Arquetopia con el apoyo de Lanxess, DHL, Lufthansa, BASF y el Patronato de la Industria Alemana para la Cultura, A.C.

Directora General

Colaboradores

Editora en Jefe

Alejandro Cabrera

Greta Arcila

José Luis González Cabrero

greta.arcila@glocal.mx

Rafael Noriega

Editora Adjunta

FOTOGRAFÍA

Mabel Téllez

Juvencio Bermúdez

mabel@glocal.mx

Sófocles Hernández

Coordinación Editorial

Consejo editorial

Itayedzin Aragón

Presidencia

itayedzin@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Daniel Herranz

Consejeros honorarios

daniel@glocal.mx

Ariel Rojo Carmen Cordera

Asistente de Dirección

Juan Carlos Baumgartner

Verónica Del Pozo

Juan Manuel Lemus

veronica@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

Diseño

Fernando Camacho

Cítrico Gráfico

Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés

Responsables de sección

Carlos Pascal Gerard Pascal

Trazos

Héctor Esrawe

Alfonso Maldonado

Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar

Diseño

Jorge Gamboa de Buen

Rodrigo Fernández Contabilidad Traducción

Víctor Villareal

José Ramón Blasco Figueroa

Arturo Xochipa

Gerente de Publicidad

Contacto

Valeria Lugo

www.glocal.mx

Valeria.lugo@glocal.mx

info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Octubre – Noviembre 2013. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102.

Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: COMERCIALIZADORA GBN, S.A . De C.V., Calzada de Tlalpan No. 572, Desp. C-302, Col. Moderna, Delegación Benito Juárez, C.P. 03510, México, D.F., Tel/Fax: 01 (55) 56188551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

e d i to r i a l Sin duda, octubre es el mes más importante y prolífico del año; durante este periodo podemos ver todo lo que sucedió en el ámbito del diseño, la arquitectura y el interiorismo. Por ello, nos fue difícil plantear qué presentaríamos en nuestras páginas; no era sencillo englobar, en 144 páginas, tanta actividad.

Así, llegamos a la conclusión de exponer una breve reseña de lo sucedido y de lo que acontecerá, de la manera más global posible: exponiendo un poco de cada proyecto y sus protagonistas. De tal forma, presentamos propuestas de Expo CIHAC, Design Week México y el Abierto Mexicano de Diseño.

Con el proyecto que comienza este mes de actividades, Expo CIHAC, decidimos trabajar con Gerardo Broissin, un arquitecto que ha roto los esquemas de cómo exponer en las ferias en México, a partir de arquitecturas efímeras que abrieron brecha a exhibiciones de más calidad y contenido arquitectónico.

Además, Design Week México festeja su quinto aniversario creciendo en contenido y escala; tomarán calles y algunos parques de Polanco, donde veremos propuestas de diseñadores emergentes en diferentes formatos.

Al mismo tiempo, la arquitecta Tatiana Bilbao hará una intervención en el Museo Rufino Tamayo; desde luego, no podemos perdernos la cereza del pastel: Design House, que este año festeja a la mujer creativa. En nuestras páginas mostramos algo de la afamada casa.

Y presentamos a dos de los ponentes internacionales que tendrán proyectos en la primera edición del Abierto Mexicano de Diseño, la diseñadora Gala Fernández charló con uno de los grupos más creativos y polémicos de España, debido a su propuesta que oscila entre el arte y el diseño de autor: El Último Grito.

También se presentará el diseñador floral más respetado en Oriente y Occidente: Azuma Makoto, quien logra mimetizar alma y naturaleza en piezas de diseño irrepetible.

Y esto es sólo un poco de lo que viviremos estos días, aunque no hay que perder de vista lo más importante: Sumar como ciudadanos para crecer en ideas y proyectos; ser un gremio creativo que aporte culturalmente y, que esa unión genere una economía más sólida y fructífera.

Greta Arcila

Assembling

CONTENIDO 7

Editorial

48

Talento emergente La Tlapalería

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Contenido

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Trazos

20

Casa Glocal Espacios con personalidad

30

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VUHL. El nuevo deportivo mexicano.

México

TEXTILES TAF9L. Combinación de gráficos, arquitectura, materiales y colores.

Bélgica

40

SHOWROOM Casa del Agua. De vuelta al origen.

México

42

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Pedro Arturo Ruíz

54

Taller LU'UM

56

columna Valorización del diseño artesanal. Luis Mercado.

México

60

Homenaje Diego Matthai. Versatilidad creatividad.

México

64

Enfoque Broissin: Con visión internacional.

México.

72

DESIGN London Design Festival

View Lady Di. El significado personal de la moda.

EUA

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53

Tecnología Bticino. La experiencia de la luz. .

Italia

36

Creativo 3

Diseño + Empresa Carrer. Comunicar el valor de la marca.

México

32

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104

Bitácora de diseño

83

Azuma Makoto. Haute Culture. Japón

88

El Último Grito. Carácter explorativo.

España

92

Design House 2013

99

residencial

100

Pirineos. Cadaval & Solà-Morales.

México-España

Silla Lama. Palomba Serafini Associati para Zanotta. Italia

104

Casa Cumbres. Taller Héctor Barroso.

México

Diseño

108

Casa L. Serrano-Monjaraz Arquitectos.

México

112

Casa AV. Gantous Arquitectos. México

NÚMEROS

Fernando Laposse. Objeto Glocal + Masisa. México

117

restaurantes

118

Malamén. Ricardo Casas. México

120

Dulcinea. La Metropolitana. México

122

Asadero Uno. Cherem Arquitectos.

México

124

La Favorita. ARCO Arquitectura Contemporánea. México

126

Todd English's Olives. Mob. México

128

Penny Lane. Niz + Chauvet Arquitectos. México

130

Rocambolesc. Sandra Tarruella Interioristas. España

132

The Roxy. Design LSM. Inglaterra

134

texturas Sergei Grinko. El nuevo clásico.

Rusia

136

traducciones

143

CROQUIS Behind Luca Nichetto-Nendo.

Italia-Japón

144

objeto glocal Colección N=N. Italia-Japón

gráfico y cine

arquitectura y diseño de interiores

textil y moda

industrial, mobiliario y objeto

multidisciplinario

trazos

tower infinity

Escanea para material extra

GDS Architects | Seúl, Corea del Sur, 2013

El despacho de arquitectos GDS diseñó un proyecto que busca externar un discurso social, a través de la estructura de un edificio. A cargo del arquitecto Charles Wee, lnfinity Tower se define como la “anti-torre”, ya que el objetivo principal no es competir por ningún título, sino todo lo contrario: se pretende que el edificio desaparezca.

Para esto, el despacho GDS Architects propone la utilización de cámaras montadas en seis puntos estratégicos para capturar el contexto del edificio. Miles de pantallas de LED transmitirán en tiempo real las fotos tomadas por las cámaras, no sin antes pasar por un programa que codificará las imágenes para combinarlas. De esta forma se creará un panorama transparente que borrará el cuerpo vítreo de la torre cuando las condiciones de luz lo permitan.

El edificio, de 450 metros de alto, tendrá un sistema estructural dividido en 28 módulos en forma de triángulos que se unen a lo largo de la construcción.

El proyecto ya obtuvo aprobación para empezar a construirse cerca del Aeropuerto Internacional de Incheon, a las afueras de Seúl, Corea del Sur. www.gdsarchitects.com

12

Telecommunication tower

Escanea para material extra

RTA Office | Estambul, Turquía, 2013

A lo largo de su historia, Estambul se ha caracterizado por tener una respetuosa relación con su geografía; es por eso que, a la hora de proponer la construcción de la torre de Telecomunicaciones, el despacho de arquitectos RTA Office propuso un diseño conceptualmente basado en la ubicación estratégica de la ciudad, cerca de la montaña Çamlica. Se trata del puente que conecta Europa y Asia, donde se genera una fusión de culturas.

La forma orgánica del edificio evoca los atributos naturales y ambientales del lugar. La silueta de la estructura está dada a partir de la unión de líneas sinuosas que convergen en un punto. A medida en que varía la forma del conjunto, también cambia la organización de cada piso, lo que permite diferentes funciones dentro de la torre.

El edificio está relacionado de manera intrínseca con el viento; funcionará gracias a la energía eólica que se producirá en la punta de la torre. Además, su aspecto se asemejará a un elemento formado por el aire. www.rta-office.com

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trazos

DYV-NET INItIATIVE

Escanea para material extra

JAPA Architects | Hong Kong, China, 2013

Dyv-net Initiative es un replanteamiento estratégico de Hong Kong, China, desarrollado por el despacho español JAPA Architects. El espacio limitado para la agricultura ha sido un problema constante en el país asiático, lo que ha generado una escasez crónica en alimentos. Mientras la eficiencia de la producción ha crecido con el tiempo, los esfuerzos para ampliarse hacia el oeste y el norte han tenido un éxito limitado, ya que esas tierras son generalmente más frías y secas que las tierras de cultivo tradicionales hacia el este.

En cambio, con una superficie de unas 14,800 hectáreas, Hong Kong presenta condiciones positivas para establecer una infraestructura que alimente a la población que se encuentra cerca de los centros urbanos.

Basada en los tradicionales arrozales y sus terrazas, la propuesta de JAPA Architects enfatiza el uso de placas de piso cambiantes y sistemas estructurales ligeros, que se construyen con metal reciclado. El edificio de 187.50 metros de altura atraerá a lugareños y visitantes, a su vez, busca convertirse en un nuevo espacio para la educación y la investigación agrícola. www.atjapa.com

14

gow nippon moon

Escanea para material extra

UNStudio | Japón, 2012

El estudio alemán de arquitectura UNStudio desarrolló el proyecto Gow Nippon Moon, una rueda de observación situada en Japón. Esta estructura logrará competir con las dos más importantes del mundo: The London Eye y The Singapore Flyer.

El proyecto combinará el diseño tradicional de las ruedas de la fortuna con una red virtual, donde los visitantes podrán crear sus propios paisajes. La estructura contará con 32 cabinas en forma de cápsulas que albergarán diferentes temas; los espectadores tendrán que descargar una aplicación en sus smartphones y tabletas, con las vistas y los sonidos que quieran observar y escuchar.

El objetivo de Gow Nippon Moon, más allá de ser una atracción, es estimular la imaginación desde el interior, aprovechando todas las herramientas que ofrece la tecnología. Para maximizar la experiencia del usuario, el estudio colabora con Experientia, compañía de diseño italiana especializada en desarrollar estrategias de interacción del usuario con la infraestructura arquitectónica y digital. En cuanto a ingeniería, se trabaja con Aruo y con Mitsubishi Heavy Industries. www.unstudio.com

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trazos

cloudbridge Escanea para material extra

Tedeschi + Degni | Italia, 2013

Arturo Tedeschi y Maurizio Degni diseñaron Cloudbridge, un proyecto que fusiona técnicas computacionales con un enfoque imaginario, que considera a la arquitectura como parte del paisaje natural. Inspirados en la arquitectura de vanguardia, Arturo y Maurizio, se apoyaron en el diseño del Serpentine Gallery Pavilion, realizado este año por el arquitecto japonés Sou Fujimoto, como en el trabajo visionario de Superstudio, grupo arquitectónico italiano fundado en 1966.

El planteamiento del proyecto parte de la idea de conectar dos puntos, situados en lados opuestos, con una ruta trazada, esto con el fin de proporcionar una experiencia emocionante. Los diseñadores crearon Cloudbridge a partir de valores algorítimicos, mismos que trazan una rejilla en forma de nube que funciona como puente suspendido entre dos montañas y se diluye con el cielo para formar parte del paisaje. www.arturotedeschi.com

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casa glocal

El cuarto de baño es un espacio que, obligatoriamente, está relacionado con superficies pulcras; si pensamos en ésta característica nos remite fácilmente a lo elegante. Imaginemos cómo un espacio podría responder a este atributo, podemos expresarlo a través de colores sólidos, superficies lisas y geometrías puras.

Se puede añadir algo de acento, con accesorios metálicos, ya que éstos se relacionan con el lujo. Los detalles redondean la identidad de cualquier espacio, y el cuarto de baño no es una excepción.

1. Colección Mozzano, de Victoria+Albert 2. Colección Genesis Argento, por Creative Lab para Cerámica Globo 3. Reloj Formula, por Barbero para Progetti 4. Accesorios OX, por Bruna Rapisarda para Regia 5. Inodoro Neox de Porcelanosa

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casa glocal

La temática que implementamos a nuestros hogares es una expresión de nosotros mismos, ya sea de manera positiva o negativa. Esto se percibe al ingresar a las habitaciones.

El cuarto de baño es absolutamente personal; después de un día largo, resulta necesario adentrarnos en un sitio reconfortante y decorado con detalles sutiles para darnos calma.

Las tonalidades pastel y los accesorios con curvaturas suaves son una gran opción dentro de un espacio dedicado a la relajación.

1. Instalación Four Seasons, por Fabio Calvi y Paolo Brambilla para Milldue 2. Rack Tombolo de Victoria + Albert 3. Grifería Staffordshire de Victoria + Albert 4. Repisas Assemblage Tricot, por Selab para Seletti 5. Repisa Birdie, por Hiroshi Kawano para Ex.t 6. Lámpara Bouché, por Selab + Alessandro Zambelli

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casa glocal

Preparar alimentos puede ser una actividad relajante, incluso divertida cuando hay niños en casa. Algunas ocasiones es complicado incluirlos en dicha actividad debido a los elementos frágiles y peligrosos que se encuentran en la cocina. Sin embargo, existen objetos con alto colorido o con formas simpáticas que refuerzan la intención de convertir la cocina en un lugar lúdico, con guiños atrevidos de color o texturas inusuales. Los materiales suaves y flexibles sirven como herramienta anti-accidentes.

1. Cocina Akurum de Ikea 2. Vajilla I-Wares por Selab para Seletti 3. Silla Miura, por Konstantin Gric para Plank 4. Contenedor Vitamin, por Ole Jensen para Muuto 5. Portanotas Pantone, por John Green 6. Reloj Kandinsky, por Barbero Design para Progetti 7. Contenedor Fantastico Domestico, por Valentina Carretta para Seletti

DI V ERTIDO

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casa glocal

La cocina es el corazón de la casa, ahí se preparan los alimentos de toda la familia. En este caso, las características de los utensilios que utilizamos facilitan la degustación, como las transparencias en vasos y copas que nos permiten observar el contenido. Las superficies lisas ayudan a mantener el espacio limpio.

Mantener el orden es una de las tareas más importantes en la cocina, el acero inoxidable es un material ideal para dicho propósito. La cerámica con acabado esmaltado es un elemento básico para el servicio de mesa y otorga un toque sofisticado.

s u t i l

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1. Colección Stair Case de Danny Kuo para Opinion Ciatti 2. Mesa Summo de Alessandro Pascolini para Emmemobili 3. Superficies Matrix de Silvio De Ponte para Cleaf 4. Servicio Era, por Hangyu Kim 5. Servicio Caddy de Gordon Guillaumier para RODA 6. Charola Appo, por Carlo Trevisani

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Volví a sorprenderlos.

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Pasa lo que quiero.

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diseño + empresa

carrer comunicar el valor de la marca Texto Mabel Téllez

Retrato Juvencio Bermúdez

Imágenes cortesía Carrer

Generar experiencias, comunicar con creatividad y proyectar los valores de la marca, es el objetivo de Carrer, agencia especializada en la construcción de branding.

Crear el concepto detrás de una marca constituye uno de los ejes centrales de las estrategias de comunicación, cuya finalidad es difundir la imagen de la empresa gracias a diferentes soportes visibles, como tarjetas de presentación, carteles y sitios web. Sin embargo, el trabajo de Carrer no sólo tiene que ver con el diseño de logotipos, sino también con la construcción de la identidad visual; el diseño de ésta ocupa ante todo una función: proyectar los valores y características propias del producto.

Carrer es una empresa de Grupo Vink —conformada por otras tres empresas: Expresa, Lan Translation y Tok RP—, formada hace 9 años por Fernando Camacho y Diego Arroyo. Respecto al nombre, Fernando nos comenta: “Carrer significa calle en Catalán, idioma oficial de Barcelona, en donde estudié Realización y Producción de Cine, Video y TV; caminando por sus calles surgió la idea: una vía donde fluyen y se conectan personas, mensajes, destinos, ideas y comunicación”. En 2001 regresó a México y comenzó a materializar la idea de esta "boutique que enfatiza el valor de la comunicación y el diseño”.

De acuerdo con Fernando, “la premisa de Carrer se centra en el diseño para las personas y las marcas, y comunicar a través de la creatividad para complementar la estrategia”. Por ello, para concebir un diseño integral, la firma se integra de un equipo multidisciplinario. Asimismo, debido a la variedad de proyectos y los respectivos procesos creativos por los que han atravesado, cuentan con una amplia experiencia en distintas áreas; 30

esto les ha permitido adaptarse a las diversas necesidades de los clientes.

Entre los trabajos más destacados de Carrer, se encuentra Levi´s, que desde ocho años ha desarrollado y diseñado diferentes herramientas para la identidad visual de la marca. Uno de sus proyectos con mayor trascendencia fue la imagen corporativa del despacho de contadores GLP Asesores, el cual fue seleccionado para aparecer en el Primer Directorio de Diseño en México, un proyecto de CENTRO de Diseño, Cine y Televisión, Pro México y MoMA NY. La agencia ha logrado exportar diseño mexicano, por ejemplo, con el proyecto "Chilango Racing Team", en Abu Dabi, que consistió en asesorar al primer equipo de jóvenes mexicanos en el F1 in Schools, y realizar una estrategia integral y sus diferentes aplicaciones en uniformes, stands, herramientas de comunicación y el mismo automóvil.

Por otra parte, está el diseño de una tarjeta de crédito para ENNIA —aseguradora en el Caribe— y para otros proyectos en Canadá, en especial una marca de productos de consumo y limpieza como America Fresh. Recientemente abrieron una oficina de representación en Toronto y son miembros de Toronto Hispanic Chamber of Commerce.

La directriz de Carrer es formar parte de una generación de diseñadores que no sólo están produciendo piezas finales, sino ideando diversas estrategias, planteamientos, sistemas, innovación técnica, materiales, narrativas, forma visual y estructura, entre otros. www.carrer.mx www.vink.com.mx

*Todas las marcas registradas pertenecen a sus respectivos propietarios.

“La misión de Carrer es contribuir a que la empresa logre sus objetivos comerciales a través del diseño”.

–Fernando Camacho 31

diseño + empresa

VUHL el nuevo deportivo mexicano Por Redacción

Tecnología, vanguardia y alta calidad es la apuesta de VUHL, una empresa joven que presentó en Inglaterra el 05, su primer automóvil creado bajo las directrices de la innovación automotriz.

VUHL es una empresa creada por Iker y Guillermo Echeverría, un par de diseñadores industriales que decidieron fundar su propia compañía automotriz. Desde su nacimiento, la política de VUHL siempre fue tener un equipo compacto de diseñadores e ingenieros que trabajaran con alianzas estratégicas dentro y fuera de México. Bajo esa premisa dio inicio su primer proyecto: el automóvil 05.

Pensado con una genética de auto de competencia, el coche 05 es el resultado de una colaboración internacional: cerca de la mitad de sus proveedores son mexicanos, sin embargo durante el desarrollo se contó con el apoyo de gente y empresas de Canadá, EU, Inglaterra, Italia y Francia.

El diseño del automóvil estuvo a cargo de ETXE, una empresa dedicada a la asesoría de diseño e ingeniería y desarrollo de productos.

El concepto de diseño detrás de VUHL 05 está inspirado en los autos de competencia Can Am spyder de los años 70´s, como por ejemplo, el Porsche 917 o el Mclaren M8F. Estos autos poseían una carrocería completa, sin puertas, parabrisas y techo. A partir de estas características, se tomaron algunos rasgos como los laterales planos, tomas de aire, cortes ortogonales de las piezas y sencillez de construcción. Las piezas con las que está en contacto el usuario son

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hechas en aluminio maquinado en CNC y posteriormente anodizadas en color negro como el caso de: la llave, tapa de gasolina, tablero, freno de mano, palanca de cambios y espejos retrovisores.

Las combinaciones de colores existentes son: blanco glossy con negro mate o plata mate con negro glossy. Ambos pueden ser configurados con piezas en fibra de carbono.

Por otra parte, el chasis es un monocasco de aluminio anodizado y templado en el cual no se utilizaron soldaduras, únicamente adhesivos estructurales y remaches. El interior del coche mantiene un diseño minimalista en la consola central. Todos los controles del auto están centralizados y no hay necesidad de distraer la atención hacia ninguna otra parte de la cabina. El volante está hecho de gamuza para maximizar el agarre contra las manos o guantes del piloto, mientras que el tablero consiste en una pantalla LCD azul con gráficos en color negro para maximizar el contraste y no perder legibilidad bajo el sol. Los asientos son de fibra de carbono reforzada con kevlar.

El 05 se fabricó en Canadá, posteriormente fue llevado a Estados Unidos e Inglaterra para pruebas de ajuste, y el acabado final se realizó en México. Algunas marcas que colaboraron en la creación del automóvil fueron Multimatic, Magna Cosma, Michelin, Ford y Esiste. El VUHL 05 fue pensado para conducirse en pista, puede ser emplacado y manejado en ciudad. www.vuhl05.com

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tecnología

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BTICINO LA EXPERIENCIA DE LA LUZ

Mientras estuvimos en Varese, Italia, platicamos con Manuela Scisci del área Marketing y Comunicación Corporativa de Bticino, quien nos habló, entre otras cosas, sobre la nueva línea de productos y la visión de una empresa que se adapta a las necesidades del cliente final.

Texto Redacción Fotografías cortesía Bticino

Bticino es una empresa fundada por Arnaldo, Luigi y Ermanno Bassani en 1936. Se trata de una firma enfocada en la creación de equipos electrónicos enfocados en el mercado residencial y comercial. Uno de los principales objetivos de la compañía es ofrecer soluciones funcionales y prácticas para la distribución de energía, comunicación, así como para el control de la luz, el sonido, el clima y la seguridad.

A lo largo de su historia, Bticino ha trabajado desde su centro de investigación y desarrollo en Italia, de la mano con los despachos de arquitectos e interioristas con mayor proyección a nivel mundial.

Esto se debe a que, al ser una empresa que se desenvuelve en la cuna del diseño, Bticino tiene la obligación de generar tendencia en su ramo.

Es decir, que además de innovar con tecnología y diseño, cada uno de los productos que se manufacturan tratan de entender los nuevos modos de vida y sus exigencias.

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La experiencia del cliente y las sensaciones que éste puede alcanzar a través de sus productos, se ha convertido en una de las grandes prioridades de la marca. Durante nuestra conversación, Manuela Scisci nos habló sobre la luz, pues se trata de uno de los elementos naturales —y artificiales— con capacidad para provocar una gran cantidad de sensaciones y estimulaciones en los seres humanos. Por ello, es de vital importancia contribuir a esta experiencia con cada producto que ofrecen.

Livinglight es la nueva propuesta de Bticino; se trata de una nueva serie que ofrece innovación basada en el know-how, en su tradicional calidad y en la capacidad de conocer las nuevas necesidades que plantea la vida cotidiana. De este modo puede brindar soluciones cada vez más completas para el sector residencial y terciario.

Esta es, sin duda, una de las marcas que, más allá del home living, se preocupa — y se ocupa— por generar una evolución estética, tecnológica y de las funciones que refuerzan su compromiso con el futuro. www.bticino.com.mx

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Además de innovar con tecnología y diseño cada una de los productos que se manufacturan, Bticino trata de entender los nuevos modos de vida y sus exigencias.

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1. Placa de madera con cámara de seguridad 2. Silk Club.

3. Oro Satinado 4. Classy Tight 5. Deep Verde 5 35

view

Lady

DI o el significado personal de la moda Texto Anne R Fotografía Cortesía de Chopard

Diana, del director Oliver Hirschbiegel, narrará la historia de la princesa durante sus últimos años de vida, antes del trágico accidente en París.

La actriz australiana Naomi Watts personifica a una mujer con lenguaje propio, que rompió normas y creó un estilo único.

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No puedo imaginar un personaje más difícil de caracterizar que la princesa Diana de Gales. No sólo por sus gestos, miradas o calidez, sino por la elegancia innata que irradiaba en todos los aspectos de su vida. Sus fotografías en la prensa siempre suscitaban comentarios que aludían a un impecable y coordinado outfit, un imitado corte de pelo y la actitud natural que impuso en la casa real. Tenía un estilo propio que conjugaba, a través de blazers y faldas, la tradicional sobriedad británica con la idea de mujer moderna y trabajadora. Llevaba jeans y gorras de béisbol, se anudaba el jersey sobre los hombros, se descalzaba en el parque del colegio de sus hijos y se hizo fotos oficiales con botas de agua Hunter durante su luna de miel. Las princesas contemporáneas no usarían hoy el atuendo sport si ella no hubiese preparado el terreno.

Rompió los códigos de etiqueta de la realeza británica. Vistió en actos oficiales el color negro hasta entonces reservado para funerales; para ella las joyas eran pura diversión: las usaba como banda hippie sobre la frente o cayendo sensualmente por la espalda. Ningún miembro de una familia real había tenido una relación tan cercana con un diseñador de moda como la que tenía Diana con Gianni Versace. No sólo llevaba habitualmente su ropa, sino que su amistad era provocadoramente estrecha para el círculo aristocrático.

Julian Day asumió las influencias que ejerce la moda para transmitir a la indumentaria la fuerza visual necesaria que potenciase el mensaje de la película. Estudió los conjuntos más icónicos para replicarlos, como el Versace azul asimétrico que Diana lució el año 1996 en Sydney, sus trajes de baño, numerosos vestidos de Catherine Walker o el traje de dos piezas hecho especialmente para ella por Andrew Ramroop para su entrevista por televisión. Pero no sólo encontraremos réplicas, también podremos ver trajes originales como los firmados por Jacques Azagury.

Y para intentar captar la luz que la magnética princesa emitía con esos tristes ojos azules, la joyería Chopard y su directora artística Caroline Scheufele realizaron varias piezas exclusivas que incluyen pendientes de zafiro ovalados con diamantes a juego con su famoso anillo de compromiso –ahora en propiedad de la reciente mamá Catalina, duquesa de Cambridge– y un collar de triple hebra formada por 92 diamantes.

Naomi Watts y su vestimenta juegan un papel relevante en cada fotograma del film. La presencia de la actriz destaca sobre el fondo, cual composición visual, transmitiendo gran cantidad de información. El vestuario de cine tiene que ser capaz de crear una lectura alternativa a la escena; debe emitir un mensaje más allá de su diseño y estética. Y es que cada outfit cuenta su propia historia.

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textiles

taf9 l

combinación de gráficos, arquitectura, materiales y colores Texto Hugo Echeverría Imágenes Cortesía TAF9L Una de las zonas más concurridas dentro del marco del Salone Internazionale del Mobile es Ventura Lambrate, un espacio que se ha posicionado como un punto de referencia del diseño. Tan sólo este año albergó alrededor de 135 diseñadores jóvenes quienes presentaron sus propuestas en torno a conceptos diversos.

En esta ocasión, nos encontramos con el estudio especializado en diseño textil TAF9L, conformado por Katie Jaques y Sanne van den Hoogen, originarias de los Países Bajos.

Sus diseños utilizan técnicas tradicionales, pero a través de nuevas formas. Por un lado, Katie busca en su trabajo sorprendentes combinaciones de gráficos, color y texturas, mientras que Sanne explora nuevas mezclas de material y formas. Esto da como resultado un estilo fuerte, colorido y variado. Han aprendido técnicas antiguas y modernas diseñadas para clientes específicos y para sus propias colecciones.

Durante Ventura Lambrate presentaron Knip, una serie de alfombras de punto triangular; éstas fueron diseñadas a partir de luces de neón y las tendencias actuales. Tienen la función de hacer que la gente se sienta más cómoda en las oficinas, permitiendo la apertura de diferentes zonas sin utilizar paredes.

Por otro lado encontramos Metamorfosis, una colección de tejido calado y de punto, cuyos colores y patrones se basan en la joyería africana. También está Dik, que consta de seis grandes piezas elásticas; éstas se pueden combinar de diversas maneras. Gracias a la suave tela y el relleno de pequeñas bolas de poliestireno que resulta cómodo para sentarse y descansar.

La premisa de TAF9L es experimentar con una amplia variedad de materiales, para que cada pieza adquiera su propio carácter. Esta es la base para el diseño final, con su finalidad, función y sensación. www.taf9l.nl

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showroom

CASA DEL AGUA D E V U E L T A A L ORIG E N

Año 2012 | Concepto THiNC / Ignacio Cadena - Héctor Esrawe | Arquitectura de Interiores THiNC ® - Héctor Esrawe Arquitectura Héctor Coss y Alejandro Tazzer | Paisajismo Alejandro Tazzer | Diseño gráfico THiNC - Cadena + Asociados Branding - Rocío Serna | Diseño de botella Nouvel St udio / THiNC

Texto Redacción Fotografía Jaime Navarro y Rocío Serna

El concepto de diseño de Casa del Agua, desarrollado por THiNC /Ignacio Cadena y Héctor Esrawe, se basó en la preocupación por aprovechar y reutilizar el agua pluvial.

Ante la importancia del agua y la preocupación por su aprovechamiento, surgió Casa del Agua, proyecto ecológico dedicado a la elaboración, purificación y comercialización de agua de lluvia.

Casa del Agua está alojada en un edificio de dos pisos –situado en la calle de Puebla, colonia Roma–, donde predomina la madera en el piso, techo y acabados, así como un pulcro recubrimiento blanco sobre los ladrillos del mostrador, los muros y la escalera. Un estrecho pasillo posee una pérgola bajo la cual el visitante puede sentarse cómodamente. El diseño, que se asemeja a una vieja botica de principios del siglo XX, fue realizado por THiNC (Héctor Esrawe e Ignacio Cadena), mientras que el diseño de la botella de vidrio es colaboración con Nouvel Studio.

Cuenta con una terraza verde donde comienza el procedimiento de purificación y armonización. En éste se capta el agua de lluvia y mediante un proceso de triple filtración, evaporación y condensación, la hace 100% pura y libre de carbono. Posteriormente el agua se remineraliza, oxigena e ioniza, con lo que aumentan sus capacidades hidratantes y antioxidantes.

A mediados de año, Casa del agua fue merecedor al Iconic Award 2013 en la categoría “Retail”. Los Iconic Awards son organizados por el German Design Council encargado de promover el valor del diseño en la cultura. www.esrawe.com www.casadelagua.com.mx

Puebla 242, Roma Norte Cuauhtémoc, 06700 México, D.F. T. (55) 6277 7009

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nĂşmeros

BibliografĂ­a Oficina de Prensa Zanotta 2013 Oficina de Prensa PS+A Palomba Serafini Associati 2013 www.zanotta.it www.palombaserafini.com www.thenetcommunication.com

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objeto glocal deco

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objeto glocal deco

materiales experimentales y diseño Texto Paula Torres Fotografía cortesía de Fernando Laposse

Fernando Laposse

Con el propósito de impulsar el talento de jóvenes diseñadores y de divulgar su trabajo entre el gremio, Glocal Design Magazine, en alianza con Masisa, invitó a Fernando Laposse para colaborar en esta nueva edición de Objeto Glocal Deco.

Laposse es un diseñador mexicano que actualmente trabaja para Studio Toogood, en Londres. Dentro de su experiencia profesional realizó un internship con la marca de mobiliario Pirwi, en 2009. Durante la décima edición de Hábitat Expo, fue reconocido con el premio “Jóvenes Promesas México”, por el mueble para descanso “La Meme”, una silla conceptual que invitaba al usuario a introducirse en el objeto, mediante una frazada integrada al asiento.

Su trabajo independiente se caracteriza por la constante experimentación al manejar materiales poco explotados en diseño de objetos, fusionando sus conocimientos como diseñador industrial con habilidades artesanales. Destaca la colección Lufa Series, que consiste en objetos cotidianos hechos a partir de Loofah, una fibra vegetal que se extrae del fruto tropical del mismo nombre, que usualmente se utiliza como esponja. Esta fibra se complementa con otros materiales, como: madera de Maple, terracota, cemento y aluminio, mismos que integran una serie completa de biombo, lámpara de pie, mesa de centro, banco, macetas y set para chocolate caliente.

A partir de un taller con el Arquitecto Paul Haig, en Domaine de Boisbuchet, Francia, adquirió técnicas de vidrio soplado y enfriamiento, que aprovechó para desarrollar Sugar Glass, un vaso hecho de azúcar. Inicialmente se desarrolló con soplo, y ahora se elabora con un método similar al rotomoldeo.

El vaso permite al usuario disfrutar del objeto con algo de prisa, ya que el azúcar se disuelve progresivamente, al mismo tiempo que endulza la bebida, haciendo la experiencia lúdica. www.fernandolaposse.com

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objeto glocal deco

MESA DE TRABAJO Contexto: Hay objetos que se asocian al trato rudo que deviene del uso diario, uno de ellos es la mesa.

Por ello, el diseño se inclinó hacia una mesa de trabajo aludiendo a los muebles funcionales que se encuentran con frecuencia en talleres, donde dos caballetes y una tabla son suficientes.

Material: Tableros de MDF melamínico de 15 mm, ambas caras en acabado Laricina para las superficies, y MDF acabado natural de 30 mm para patas y soportes transversales. Uniones a base de pijas de latón que suspenden la bandeja y los cajones.

Necesidad: Un mueble que equilibre su función y sus cualidades estéticas. Las superficies deben ser de alta durabilidad, libre de poros, duras y resistentes al desgaste.

Inspiración: Los detalles y acabados toman inspiración de la arquitectura brutalista: los tableros se dejaron sin cantear para mostrar la composición del material; la geometría en general es simple, angulada y repetitiva, los ensambles son aparentes, derivando en una composición honesta.

Propuesta: Todas las piezas fueron cortadas en router CNC; la mesa puede empacarse de manera compacta tipo flat pack y ser ensamblada por el usuario en casa sin la necesidad de utilizar herramienta, gracias al sistema de pija y mariposa para las uniones mecánicas, que además al ser de latón le proporcionan acentos dorados.

Masisa Lab @Masisa_mx

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La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior.

Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños.

El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y routeado.

Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio. www.masisa.com

+52 (55) 91 38 23 00

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talento Blanco refrescante, Omar GodĂ­nez + Juan Modesto PeĂąa

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TALE N TOS EMERGENTES Por Valentina Mora

La ebullición del diseño en México ha provocado que la aparición de nuevos actores en la esquina contemporánea se multipliquen. En esta edición presentamos a los talentos emergentes que se concentran en los procesos creativos y de producción para crear objetos vanguardistas.

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talento

Rosa cobrizo, por María José Rizo + Pascual Estudiante

La Tlapalería

Imágenes cortesía de La Tlapalería

La palabra tlapalería proviene del vocablo náhuatl tlapali, que significa color; su origen prehispánico proviene del uso de pigmentos para la pintura y el dibujo. Desde entonces, México ya se expresaba culturalmente ­­­­­­— entre otros elementos— a través del color, siendo un elemento que unifica y enriquece nuestra identidad.

La Tlapalería es un colectivo que une el talento de diseñadores y artesanos de Jalisco, en los colores de México y obtuvieron una colección de alto valor estético; los productos están hechos a partir de diferentes técnicas artesanales, con la intención de preservar el valor del trabajo hecho a mano. Se trata de un trabajo colaborativo, donde el equipo respeta las habilidades de cada integrante.

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Las técnicas artesanales que se aplicaron a cada objeto son diferentes y, por tanto, convierten a la colección en un abanico de significados únicos, que generan experiencias singulares de uso y producción. La línea creativa, lejos de ser tradicional, es una reinterpretación contemporánea de formas y materiales, expresada en objetos utilitarios como joyería, servicios de mesa, utensilios de cocina, iluminación e incluso juguetes artísticos con un guiño de sensualidad.

Los artesanos dominan diversas áreas como la ebanistería, vidrio soplado, marroquinería, alfarería y arte wixárika, entre otras, mientras que los diseñadores provenientes del Tecnológico de Monterrey, campus Guadalajara, trabajaron para generar

productos que compitieran en la industria internacional. El trabajo realizado en conjunto fue exhibido en la undécima edición del London Design Festival, una feria que sirve de plataforma al talento emergente del diseño. www.latlapaleria.com

Verde vitrol, Carla Escoto + Macario Covarrubias / Rafael González

Negro en filo, por Mariana Solís/Sachie Sakai/Alejandro Morales + Carlos Aguirre

Amarillo tesoro, por Sachie Sakai + Gerardo Cruz Arellano

Azul sagrado, por Miriam Sánchez + Anselmo y Rafel González/Maurilio Rentería

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talento

Colección de macetas, por Creativo 3

Creativo 3 Fotografías Cortesía Creativo 3

Creativo 3 es un colectivo de diseño creado en 2009 por Melisa Leñero y Natalia Leal. El trabajo de este estudio de diseño se enfoca al interiorismo y al mobiliario; su fortaleza radica en que su ejercicio es un trabajo colaborativo entre sus clientes y ellas. Escuchar y entender a sus consumidores es una prioridad, de este modo las diseñadoras pueden entender a profundidad sus necesidades y así crear un producto o espacio que las satisfaga. Además, al momento de utilizar algún material específico, acuden con expertos con el objetivo de fabricar piezas con la mejor calidad posible. Para Melisa y Natalia, es más productivo tener varios puntos de vista y referencias, que hacer diseño en solitario.

Creativo 3 ha logrado colocarse poco a poco en la escena del diseño de mobiliario, prueba de ello es su participación en Hábitat Expo 2013. www.creativotres.com

Octava, por Colectivo 3

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Parra/Vid

PEDRO ARTURO RUÍZ Fotografías Eduardo Hernández, cortesía de Pedro Antonio Ruiz

Con tan poco tiempo en la escena actual del diseño mexicano, el trabajo de Pedro Arturo Ruíz destaca por sus diversas formas de expresión.

Originario de Irapuato, Guanajuato, Pedro Arturo estudió Diseño Industrial en la Facultad de Arquitectura de la UANL, en Monterrey, Nuevo León. Posteriormente realizó sus prácticas profesionales en el estudio de Jorge Diego Etienne.

Durante un intercambio en Bilbao, España, este joven diseñador participó en un concurso para estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, con el proyecto Parra/Vid, una pared modular para crear un ambiente cálido en la bodega del bar Bodega Urbana. Asimismo expuso la pieza Óceo en la 5 Bienal de Diseño en Santiago de Chile, que consiste en un asiento inspirado en la naturaleza del ser humano, su estética permite al usuario ver a través de él sin perder su peso visual en el medio ambiente. La premisa de Pedro Arturo es desapegarse de la tendencia actual de diseñar artesanía mexicana y mostrar una cara distinta del mexicano. Óceo

www.behance.net/PedroArturo 53

talento

Lámpara por Magda López de la Mora

Lámpara por Magda López de la Mora

TALLER LU'UM Fotografías Cortesía Taller LU'UM Taller LU’UM es un proyecto creativo que nace con la finalidad de crear productos de diseño interior de alta calidad ideados por diseñadores contemporáneos y realizados por artesanos tradicionales con técnicas antiguas. Asimismo, busca enriquecer la escena de diseño promoviendo usos y costumbres ancestrales. Los diseñadores que trabajaron en la colección 00 –conformada por fundas, tapetes, espejos y lámparas, entre otros– fueron Girasol Botello, Adán Cárabes, Alma Gálvez, Magda López de la Mora y Flavien Juan Nuñez.

Taller LU’UM se caracteriza por tener una línea innovadora con acabados de calidad, diseño actual y propositivo, utilizando tecnologías amigables con el medio ambiente, y cuyas ventas benefician a pequeñas comunidades que trabajan bajo un esquema de comercio justo y desarrollo sustentable. www.tallerluum.com.mx

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23 - 27 | OCTUBRE | 2013 CENTRO HISTÓRICO Abierto Mexicano de Diseño es un Festival internacional en la Ciudad de México dedicado a celebrar todos los aspectos del diseño y a acercarlo a la sociedad.

Una multiplicidad de eventos bajo el tema Los Oficios tomarán el Centro Histórico como epicentro.

Exhibiciones culturales y comerciales, instalaciones, talleres, presentaciones, proyecciones, conferencias, acciones, fiestas, visitas, recorridos peatonales y ciclistas, y eventos al aire libre.

Diseño gráfico, diseño industrial, diseño de moda, arquitectura, diseño floral y paisajismo, diseño interactivo y diseño empresarial.

www.abiertodediseno.mx

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columna

valorización del diseño artesanal

M7, por La Metropolitana. Fotografía Javier Sirvent

Texto Luis Mercado Fotografía Cortesía de las marcas participantes

En México estamos muy lejos de que los diseñadores trabajemos de la forma en que lo hacen nuestros colegas en otras partes del mundo; me refiero a colaborar directamente con una compañía para proponer, desarrollar y mejorar sus productos, que se puedan fabricar cumpliendo las nuevas reglas ambientales, ofrezcan una ventaja competitiva y agreguen valor a la marca.

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“Al no tener acceso a procesos industriales, las propuestas de diseño se ven limitadas a los recursos disponibles para su producción, y esto significa que los diseñadores tienen que considerar una serie de necesidades específicas”.

– Luis Mercado Rojo Silvino López Tovar, de Zafra Design & Art

Contenedor Stone Jars, por Norm

Héctor Esrawe, para Taller Advento de Zafra Design & Art

En general, las empresas en México no tienen la visión de utilizar el diseño como una parte integral de su estrategia de negocios.

Es extremadamente raro encontrar dentro de una compañía un departamento de diseño o que contraten un despacho externo.

Las compañías prefieren seguir fabricando lo mismo que han hecho durante años o copiar productos ya existentes. Han llegado al grado de implementar un término para disimular que lo que están haciendo es copiar/fusilar/piratear y dicen que hacen “ingeniería-inversa” o que “tropicalizan” un diseño o producto.

Muchos diseñadores, frustrados por la falta de interés por parte de las empresas, han tomado la iniciativa de producir ellos mismos sus diseños y comercializarlos. Abundan los ejemplos en los que el mismo diseñador –solo o dentro de un colectivo– diseña, fabrica y comercializa sus diseños.

Al no tener acceso a procesos industriales, las propuestas de diseño se ven limitadas a los recursos disponibles para su producción, y esto significa que los diseñadores tienen que considerar una serie de necesidades específicas, por ejemplo: fabricar con un proceso artesanal o semi-industrial donde se encuentre un equilibrio entre el costo de producción y un precio de venta competitivo.

Difícilmente se pueden beneficiar de la economía de escala y aprovechar la reducción de costos de la producción en grandes

volúmenes, esto aunado a que son los mismos diseñadores los que financian sus proyectos, necesitan mantener al mínimo los costos de desarrollo y se ven obligados a proponer un diseño que no requiera de una gran inversión en infraestructura para su fabricación.

Este es el camino que muchos diseñadores-empresarios en México han decidido tomar, y tiene el potencial de convertirse –sino es que ya lo está haciendo– en una nueva forma de entender la relación entre diseño, producción y consumo.

En los países industrializados, cada vez es más común ver que la gente sospeche de las mega-corporaciones y sus modelos de negocios; al mismo tiempo que empieza a valorar más los productos “hechos a mano” (por decirlo de alguna forma) de una empresa social y ambientalmente responsable.

Al comprar un producto, los consumidores toman en cuenta diversos factores: el impacto ambiental del producto, la generación de empleos dignos, bien remunerados, y cada vez más, el involucramiento de las empresas en proyectos que se comprometan con el mejoramiento de la sociedad en general.

El punto en común en casi todas las iniciativas de los diseñadoresproductores en nuestro país es el de utilizar de forma innovadora los procesos tradicionales de producción. En la unión entre los diferentes oficios y la propuesta de los diseñadores, encontramos un campo fértil de 57

columna

Germán Velasco, para Zafra Design & Art

ideas y productos.

Como gremio, se nos presenta una gran oportunidad: utilizar la gran riqueza de artesanos y la mano de obra que tiene nuestro país para desarrollar productos que compitan a nivel internacional con una propuesta única de producción. Y, aunque hay varios casos exitosos, todavía existe un gran vacío de comunicación y colaboración entre ambas partes.

Dos retos a los que se enfrentan los diseñadores, son la reticencia de los artesanos a experimentar con nuevas propuestas y la falta de profesionalización para asegurar una producción constante y de calidad.

En muchos casos, los artesanos no reciben el reconocimiento correspondiente a su participación en el desarrollo de un producto, por lo que perciben una falta de valorización de su labor y aportación; como consecuencia, su entusiasmo disminuye hasta convertirse en apatía e indiferencia.

Es momento que, como diseñadores, promovamos una cultura de colaboración, reconociendo a los productores/artesanos como parte integral del proyecto y vean en nosotros a un socio comercial a largo plazo.

Actualmente no existe un programa generalizado de vinculación en el campo profesional, ni tampoco entre escuelas de diseño, y escuelas técnicas y de oficios. Si se promoviera la interacción de ambas partes, todos los involucrados se verían beneficiados al entender qué es lo que cada uno puede aportar y de esta forma ayudarse mutuamente.

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Silla Vicente Guerrero 1, por Óscar Hagerman

Es momento que los diseñadores aprovechemos las ventajas de un país rico en tradición artesanal, donde todavía es posible producir piezas con una propuesta única, que destaquen a nivel internacional por el uso de materiales y producción, un área donde los países industrializados no pueden competir. luis.mercadorojo@thetreehouse.mx www.luismercadorojo.com

Luis Mercado es Diseñador Industrial; ha vivido y trabajado en México, Finlandia y Estados Unidos. Formó parte del Centro de Investigación en Diseño Puerto 82 y es co-fundador de la marca 70m2. Su trabajo se enfoca en el impacto de fabricación así como en el diseño sustentable en las esferas sociales y ambientales.

Ha trabajado en Pirwi, Pepsico, Coca-Cola, Holland Chemical International y el Museo de la ciudad de México, entre otros. Forma parte de Arrolladora Mexicana, un colectivo integrado por importantes diseñadores y una galería para promover el buen diseño y el arte mexicano. En esta iniciativa participan: Arta, Le Porc Shop, dut tu, Medellín 74 y Emiliano Godoy.

GESTURE

INSPIRADA EN EL MOVIMIENTO DEL CUERPO HUMANO

La primera silla diseñada para la tecnología que hoy utilizamos.

Av. Lázaro Cárdenas 2225, piso 4 Valle Oriente I San Pedro Garza García, Nuevo León I CP. 66290 I (81) 8248-2500

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homenaje

DIEGO MATTHAI VERSATILIDAD CREATIVA

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El arquitecto Diego Matthai, considerado uno de los más connotados interioristas en el país, nos abrió las puertas de sus nuevas oficinas para platicarnos sobre su bagaje familiar, su amistad con Mathias Goeritz y Pedro Friedeberg, y de cómo surgió su inclinación hacia el arte y el diseño.

Texto Mabel Téllez Retrato Juvencio Bermúdez Fotografía Cortesía de Diego Matthai Arquitectos

¿Cuáles son sus raíces? ¿Los antecedentes que lo respaldan?

Háblenos, por ejemplo, del trabajo filosófico de su padre, Horst Matthai.

Respecto a su trabajo filosófico, todavía encuentro cosas que no entiendo. Él era un investigador, tuvo una vida curiosa. Era un comerciante alemán y antes de la Segunda Guerra Mundial, le ofrecieron trabajo en México. Llegó con mi mamá unos meses antes de la guerra, a trabajar en una compañía americana de petróleo. Posteriormente se quedó sin trabajo y empezó a hacer productos químicos para la industria textil. En seguida estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y dio clases en algunas preparatorias. Comenzó a investigar sus propias teorías y al final de su vida vivió en Tijuana, donde lo invitaron a muchos simposios en varias partes del mundo. Fue muy importante dentro de la filosofía. ¿Cómo surgió el acercamiento que tuvo hacia el diseño y el arte?

Siempre me gustó dibujar, hacer figuras en plastilina y maquetas sin siquiera saber lo que eran; construir cosas en dimensiones sin saber que así lo hacían los arquitectos. Estoy rescatando proyectos que hice desde los 6 y 10 años, cosas que yo inventaba; no hubo alguien que me dijera cómo hacerlo. Mi mamá no tuvo nada que ver con esto, aunque trabajó con Franz Mayer, y en el Instituto Goethe, en la parte cultural de Alemania. Ella frecuentaba a varios arquitectos en aquella época, como Luis Barragán; a él lo conocí desde que tengo uso de razón; a Max Cetto y a Enrique de la Mora, entre otros. Se reunían en un restaurante del centro. Yo no ubicaba quiénes eran, pero los conocía.

En 1964, llegué a ser el diseñador de un edificio que está en la Plaza de la Cibeles, de 22 niveles, el Condominio Miravalle, ahí aprendí mucho.

En ese entonces tuve inquietud por el arte. Me puse a ensayar, a dibujar a lápiz, crayón, acuarela, óleo y acrílico. Me di cuenta que no tenía la paciencia para hacer cosas manuales, sino que realmente era la práctica de diseñar como arquitecto, con los croquis y luego transfórmalos a una realidad. Eso me sirvió para materializar objetos sencillos como pirámides cromadas, un basurero y un cilindro. Empecé pictóricamente a hacer collage con recortes, papel plateado y acero cromado. Me gustaba éste último por su reflejo, ya que tenía una connotación surrealista. Al mismo tiempo empecé a ser amigo de varios artistas, ese medio me abrió las puertas.

Simultáneamente empezaron a llegar proyectos privados de casa habitación. Me tocó hacer una donde el cliente era terriblemente exigente, muy específico en detalles. Hasta que llegó un momento donde estallé y decidí tomarme un descanso, dedicarme al arte y al diseño. Por un tiempo exploté esa parte, que en 1973 culminó en una exposición en el Palacio de Bellas Artes. Recuerdo perfectamente que hubo esculturas con neón y cosas que en México no se hacían.

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homenaje Departamento Sierra Gorda, Fotografía Alberto Moreno

Fundación Mary Street Jenkins, Fotografía: Nicola Lorusso

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“Me gusta anteceder mucho las cosas, hacer un poco de misterio y que esto se refleje en la arquitectura, el arte y el diseño interior.

Para mí todo es una sola cosa”.

– Diego Matthai

¿Cómo es su relación con Pedro Friedeberg, y en su momento, cómo fue con Mathias Goeritz?

Los tres éramos muy amigos, pero los conocí por separado. Hasta la fecha me sigo llevando muy bien con Pedro, es de los mejores amigos que tengo en la vida. Es una persona con la que tengo una gran empatía, entre broma y realidad, porque a veces no puedes hablar en serio con él.

A Mathias lo conocí en la Universidad Iberoamericana; yo fui parte de la última generación que salió de las instalaciones de San Ángel, en la ex-Hacienda de los Condes de Goicoechea. En el último año, Mathias daba clases de diseño cerámico, hablaban mucho de él. En algún momento estuve en su clase para escucharlo, aunque ya sabía quién era.

Un día, en el estacionamiento de la escuela, noté que mi coche tenía un rayón, y vi una camioneta azul al lado. Volví a la universidad y le pregunté a la secretaria por el coche. De repente una voz atrás de mí dijo: “Creo que es mi coche”. Así conocí a Mathias.

Era un señor espléndido. Posteriormente estuvimos en muchos lugares en común, por ejemplo, en la Galería Mer-Cup. Ahí exponíamos Pedro, Mathias y Sebastián, éramos un grupo. Cuando Mathias se fue a Israel, me pidió que colaborara en sus clases; estuve como mes y medio. A su regreso, vio todas las cosas que había hecho y me invitó a trabajar con él. ¿Cómo concibe esta relación entre diseño y arte?

En mi caso, todo lo que hago en arte es diseñado. En mi cabeza propongo formas y finalmente son cosas geométricas con algunas cosas redondas. Todo nace a partir del diseño. Ahora tengo dibujantes que me ayudan; maestros en madera, acrílico y acero. Cuando trabajo con neón, hago todo una serie de esculturas. Es entonces que me doy cuenta de que la base ahí está, escoger los colores, los materiales. Al final, eso es diseño.

En cuanto al de diseño de interiores, ¿cuál es el procedimiento de su proceso creativo?

Es muy variable, a veces piden un interior como una casa sobre un terreno existente o un proyecto con un programa arquitectónico: de comercio, oficinas, departamentos, o de construcciones existentes.

En la mayoría de los casos he sido el arquitecto y el diseñador de interiores. Pocas veces me ha tocado que un arquitecto hace el proyecto y me solicitan terminar el interior. Eso ya es decoración, pero yo diseño interiores y eso significa meterte en el proyecto, proporcionar los espacios y las medidas, acomodar las cosas y, en algunos casos, he diseñado mobiliario y objetos.

Creo que he logrado definir mucho mi postura del diseño versus decoración; parto del mismo punto de la arquitectura: tienes un programa y empiezas por desarrollar los espacios. Existe quien cree que debe ser funcional, quien contrapone forma versus función, pero debes tener la sabiduría lógica de que las cosas tengan un propósito. Un ejemplo claro es Daniel Libeskind, quien hace su propia arquitectura; por dentro las cosas funcionan, como el Museo Judío de Berlín: de repente sales a un espacio externo y el recorrido te vuelve a incorporar. Su trabajo es realmente maravilloso.

Me gusta entrar a un espacio neutro. Usar, por ejemplo, agua como elemento arquitectónico, porque da tranquilidad, te recibe. Siempre trato de jugar con eso. Me gusta anteceder mucho las cosas; si caminas por un pasillo, es importante que tengas un remate visual. Hay que darle un poco de misterio, no hacer las cosas tan secas. Y, sin duda, eso se puede ver reflejado en la arquitectura, el arte o el diseño interior, para mí todo es una sola cosa. No le tengo miedo a nada. Cada proyecto que me piden es un reto, no hago ninguna diferencia si es chiquito o grande. www.matthai.net

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enfoque

GERARDO BROISSIN

CON UNA VISIÓN INTERNACIONAL

Gracias a su trabajo, Gerardo Broissin se ha convertido en uno de los arquitectos mexicanos con mayor proyección internacional. Su despacho, Broissin Architects, visualiza la arquitectura como una de las herramientas más útiles para mejorar la calidad de vida del ser humano. En esta edición, platicamos con él acerca de su ejercicio arquitectónico y de cómo éste ha contribuido, con propuestas innovadoras, al desarrollo de la disciplina en nuestro país.

Por Redacción Fotografía Cortesía de Broissin Architects ¿Cómo era Gerardo Broissin en la escuela?

Me dedicaba a trabajar. Disfruté mucho esa etapa donde empiezas a descubrir la arquitectura y te llenas de ilusiones; crees que lo sabes todo, aunque al final descubres que aprendiste muy poco y te entra una especie de frustración cuando te enfrentas a la vida profesional.

Te sientes desprovisto de conocimientos suficientes; de cierta forma, la vida profesional en México para el arquitecto sigue siendo una extensión de su escuela, aún más que en otras profesiones. Nunca hay que dejar de aprender. ¿Cuál fue tu primer reto como profesional? Y, ¿cuáles son los desafíos a los que te enfrentas actualmente?

El primer reto fue formar una oficina, porque estás carente de muchos conocimientos necesarios, sin embargo, me formé en una universidad que siempre nos inculcó la idea de ser empresarios, y desde luego, eso ayudó en buena medida a superar ese objetivo.

Hoy el reto es con la profesión misma, encaminarla de nuevo a que sea un agente de cambio, en cuanto a economía, forma de vida, calentamiento global, cultura, etc. Tantas cosas que se pueden lograr desde nuestra trinchera y las dejamos olvidadas muchas veces por modas que no dejan gran valor a la sociedad, mas que la diversión temporal, como el espectáculo circense.

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Háblanos de cómo fue el proceso para fundar y establecer tu propio despacho.

Cuando salí de la carrera, sabía que debía fundar mi despacho, eso me ilusionaba y busqué como hacerlo: un escritorio en la oficina de mi familia me permitió tener un lugar para empezar, junto con la computadora que usé para mi tesis y nada más. Pronto llegó nuestra primera oportunidad donde sacrifiqué toda la ganancia a cambio de aprender; salió bien ese proyecto y así fueron llegando los demás, convencido de que el trabajo bien hecho, es un imán para seguir con nuevos retos.

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¿Cuál es la visión arquitectónica que caracteriza tus proyectos? ¿Consideras que posees un lenguaje propio?

Es muy temprano para entender nuestro lenguaje como equipo, cumplimos apenas 13 años de carrera y espero que todavía nos falte un largo camino que recorrer. Por ahora no distingo algún lenguaje como tal, lo nuestro es algo más enfocado a cada cliente, presupuesto, viabilidad constructiva y tiempos.

Aún no estamos preparados para someter nuestro proyecto a una idea aislada que podría forjar –en algún momento– un lenguaje

determinado. Entiendo a la arquitectura como una herramienta que los seres humanos pueden usar para beneficiar a muchos más.

Tu postura es que no hay metodologías ni procesos que seguir para el diseño, sino que se trata de un análisis de cada proyecto. A lo largo del desarrollo de cada propuesta, ¿qué etapa define su directriz? Y, ¿qué momento disfrutas más?

Muchas veces es algo intuitivo; conozco al cliente, el sitio, las necesidades, presupuesto, contexto, y muchas veces uno de estos

“Creo que la arquitectura —por vanguardista que sea— no debe de despegarse de un estricto sentido de utilidad y alejarse lo más posible de la apariencia material por novedosa que parezca”. ­­– Gerardo Broissin

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elementos tiene más peso que otro, esto va marcando el camino para que se concrete el proyecto. Todos quedamos satisfechos, nunca busco la imposición de una idea sobre otra por elección personal. Disfruto el proceso completo, desde la primera llamada, hasta que ves sonreír al cliente en el lugar terminado.

Me gusta regresar al proyecto y verlo en funcionamiento, ya sin las presiones de obra o de la inauguración; estar ahí como un usuario más, es enriquecedor.

La arquitectura entra por los ojos, pero también por los oídos con la acústica, y el resto de los sentidos con la atmósfera, ambiente y texturas, como es el caso del Centro Cultural Roberto Cantoral. ¿Qué experiencia sensorial querías ofrecer al usuario, desde el lobby hasta el interior?

Sin lugar a dudas, la casa de la música para los compositores de México no fue una tarea sencilla, se convirtió en un desafío hacia nuestra capacidad de adaptación y gestión, sin embargo, fue grandioso convivir con clientes con los mismos sentimientos y sensibilidad hacia la plástica, los colores, el espacio y su atmósfera. Nos permitió pensar en espacios que van más allá de su función, trajeron una carga adicional y un poco de alma.

La Sala de Conciertos tiene connotaciones emocionales, como la iluminación del exterior, que cada 28 segundos cambia de color en homenaje a dos hermosas canciones del Maestro Cantoral: La Barca y el Reloj; éstas fueron compuestas a sus 28 años. El color rojo representa la pasión y el corazón que el compositor mexicano imprime en sus canciones, como No sé tú, del Maestro Manzanero, que es un verdadero poema al recuerdo y al amor.

En cuanto a proyectos residenciales, ¿cómo concibes la relación entre exterior e interior, hablando de la arquitectura para los sentidos?

Un espacio se puede transformar radicalmente en su interior por su contexto exterior. Ahí se resume esa insoluble relación. ¿De qué manera los materiales que utilizas impactan el ambiente? Y, ¿cómo definen tu obra; existe alguno que te haya sorprendido a lo largo de tu ejercicio arquitectónico?

Desde hace varios meses hemos estado explorando en Sonora con los muros de tierra compactada; se ha convertido en mi material consentido por las cualidades que aporta: color, textura y profundidad; ese proyecto, el Itaai, también ha ganado un espacio importante en la vida del despacho, esperemos verlo terminado pronto. Ha sido un esfuerzo titánico de todas las partes involucradas, ya que el terreno no es de fácil acceso y eso todo lo complica.

En 2007 fuiste reconocido como uno de los 10 arquitectos de vanguardia mundial, por Architectural Record de Nueva York. ¿Cómo concibes la vanguardia en México y en el extranjero?

Si pensamos en vanguardia sólo como el desborde de los límites de lo aprobado o conocido hacia lo visualmente y mentalmente incomprensible o novedoso, hay un riesgo implícito para la arquitectura en ese enunciado, puedes hacer algo vanguardista pero que carezca de valor en el sentido utilitario para la sociedad.

Creo que la arquitectura –por vanguardista que sea– no debe de despegarse de un estricto sentido de utilidad, ni alejarse lo más posible de la apariencia material por novedosa que parezca.

“Disfruto el proceso completo, desde la primera llamada, hasta que ves sonreír al cliente en el lugar terminado. Me gusta regresar al proyecto y verlo en funcionamiento, ya sin las presiones de obra o de la inauguración; estar ahí como un usuario más, es enriquecedor”.

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¿Qué características tienen las obras que te han marcado como arquitecto?

Han sido obras de la arquitectura clásica, el Panteón de Agripa y el Partenón, ambas me sorprendieron por su cuidada proporción y manejo de escalas. Es lo que Vitrubio debió describir como "bello".

Actualmente, existe una incipiente apreciación de la arquitectura como trabajo colaborativo, el claro ejemplo es Glassbox.

Como su fundador, ¿cuál es la proyección que esperas en futuras ediciones? ¿Qué quieres dejar a la sociedad con este proyecto?

Formar enlaces útiles entre alumnos y profesionistas, y de éstos con el gobierno; la finalidad es buscar proyectos que beneficien a sectores específicos de la sociedad en diversos ámbitos. Creo que carecemos de un organismo

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gremial que sea honestamente incluyente y activo. Glassbox no es ese organismo ni lo quiere ser, pero sí pretende ser detonador de actividades que considero vitales.

Con las herramientas digitales, la apreciación de la arquitectura se ha reducido más a la contemplación que al ejercicio vivencial. ¿Cuál es tu postura respecto a esto?

Decía Renzo Piano a Cassigioli que la tecnología de hoy te hace creer que puedes hacer más cosas de las que puedes pensar.

Por ello, no es de sorprender que en las clases lleguen muchachos a mostrarme renders con uno o dos soles que viene desde el norte; de pronto la tecnología los envuelve y atrapa su raciocinio como en un botecito que necesitamos abrir.

Como catedrático, ¿cuáles son tus recomendaciones a futuros arquitectos?

Que se preparen, necesitan aprender, trabajar y tener experiencia en todos los sentidos posibles; es importante que busquen pasión en lo que hacen, no hay mejor vitamina diaria que la pasión por lo que hacemos. ¿Cuál es el mejor vehículo de expresión para tus ideas?

En primer lugar, la idea nace en mi mente y le doy varias vueltas antes de exponerla; pueden pasar días o minutos con ésta cocinándose.

Posteriormente, puedo realizar un 3D directo, o bien, un croquis esquemático o detallado. Disfruto más cuando paso por el papel y la pluma, pero no extraño cuando hago croquis digital. www.broissin.net

Gerardo Broissin es uno de los mayores exponentes de la nueva generación de arquitectos mexicanos. Cada una de sus obras sigue un proceso creativo diferente, que ve relacionado con el contexto del proyecto, sin embargo, el cliente juega un papel de suma importancia, ya que, según la filosofía del arquitecto, la arquitectura es para vivirse, no para verse. Fundador de Broissin Architects, Gerardo ha colaborado con Fernando Romero y con el arquitecto español Federico Soriano. Su trabajo ha sido reconocido por la prensa especializada gracias a su propuesta basada en la utilización de diferentes materiales. Su acercamiento con el espectro teórico y académico lo lleva a impartir clases en la Universidad Anáhuac desde 2007 hasta la fecha.

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London Collection de Meike Harde

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DESIGN IS EVERYWHERE,

L ON D ON

DESIGN FESTIVAL Texto Daniel Herranz Fotografias Cortesía de las marcas participantes

La onceava edición del London Design Festival fue una oportunidad para reflexionar sobre las posibilidades que ofrece actualmente el diseño. En la presentación del festival, el alcalde de Londres, Boris Johnson, mencionó que es una magnífica ocasión para convocar a los diseñadores de todo el mundo, y así reforzar la imagen de Londres como una de las ciudades que ha incubado y apostado por la creatividad y la innovación. Se trata de una de las plataformas más importantes del diseño, un sector que genera alrededor de 15 mil millones de libras al año.

Sin embargo, la reflexión en torno al diseño contemporáneo no sólo se trata de los beneficios económicos que pueda aportar la disciplina a un país específico. También tiene que ver el esfuerzo por detonar la creatividad en todo el mundo; los jóvenes diseñadores se están convirtiendo en pequeños empresarios para crear productos más accesibles a un público que busca consumir diseño.

Sobre este marco, el London Design Festival ofreció más de 300 eventos en varios puntos de la ciudad inglesa, de los cuales Glocal Design Magazine eligió los proyectos que fueron los más representativos. www.londondesignfestival.com

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WIND PORTAL DE NAJLA EL ZEIN EN EL V&A MUSEUM Diseñada por la libanesa Najla El Zein, Wind Portal es una instalación compuesta por 5000 rehiletes. Cada uno de ellos fue hecho y ensamblado a mano en un portal de 8 metros de altura. Varios tubos de plástico componen un sistema que filtra una ligera corriente de aire para que la pieza tenga movimiento. Según la diseñadora, la instalación representa un espacio de transición desde el interior hasta una zona exterior. Éste define una exageración de un momento sensorial específico, en el que cada uno de nosotros experimentamos en nuestra vida cotidiana.

The Wind Portal se complementa con un juego computarizado de luces y viento que lo hace cambiar de aspecto según la intensidad y ángulo, despertando diferentes estímulos. www.vam.ac.uk www.najlaelzein.com

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1. Lionheart, por Ash Allen.

2. Knot Light, de Vitamin.

3. Showroom de Established & Sons 75

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4. Base bowls, por Bravo!

5. Mesudusa, Chinita y Bellota, por Made in Mimbre para The Andes House

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6. Element Vessel, de Vitamin 7. Reservoir Rug, por Dean Brown, colaboraci贸n de Fabrica y Tai Ping Carpets 8. Viaduct Exhibition en Clerkenwell Showroom 77

28.280

OMER ARBEL Y BOCCI EN EL V&A MUSEUM 28.280 es un candelabro gigante compuesto por 280 luces que cuelgan desde el primer piso hasta el atrio principal del V&A Museum. La instalación fue diseñada por Omer Arbel en colaboración con la firma de iluminación Bocci, quién fabricó a mano cada una de las esferas de cristal que fueron utilizadas. Sujetadas por hilos de cobre de aproximadamente 30 metros de largo, las luces dan la bienvenida a los visitantes del museo. El objetivo de la instalación era explorar la altura abierta del monumental edificio y, a partir de ahí, crear una experiencia fenomenológica para el espectador. Por otro lado, se trata de la investigación que la empresa canadiense está realizando para innovar las técnicas de soplado. www.bocci.ca www.omerarbel.com

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9. Cloak Pendant Lamp, de Vitamin

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THE CONDUCTOR FAYE TOOGOOD EN EL SHOWROOM DE ESTABLISHED & SONS

Compuesta por 160 luces flourescentes, switches insertados en cubos de resina y un montón de cables, la instalación de la diseñadora Faye Toogood, en el showroom de Established & Sons, es una pieza interactiva que puede recrear una sinfonía rítmica de luces a través de un circuito gigante de acero zincado. Varios paneles iridiscentes hechos de acero y zinc fueron colocados en la pared para inundar el espacio de color, que es el principal elemento de la colección de mobiliario que presentó el arquitecto japonés Jo Nagasaka en el marco del London Design Festival. El ecualizador puede ser manejado por los visitantes, cambiando el curso de la música y los patrones de luz. www.establishedandsons.com www.fayetoogood.com

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BITÁCORA En los últimos años, octubre se ha caracterizado por ser un mes importante para el diseño en México. Este año, se suma una nueva plataforma: El Abierto Mexicano de Diseño, que, aunado al Design Week México, contribuirá al fortalecimiento cultural de nuestro país.

El AMD surgió con la intención de democratizar el diseño y acercarlo a la sociedad. En su primera edición, abordará el tema de los oficios locales, sus técnicas y procesos tradicionales. Dentro de los múltiples eventos que se llevarán a cabo, se encuentra el taller de diseño floral que impartirá el japonés Azuma Makoto. Presentamos su propuesta estética basada en la experimentación.

Además, platicamos con el dúo creativo de El Último Grito, formado por Rosario Hurtado y Roberto Feo, quienes nos hablan de la influencia de los objetos en nuestro modo de vida, trabajo y comunicación.

Por otra parte, Design Week México, en su quinta edición, invitó a un grupo de diseñadoras, interioristas y arquitectas, a transformar los distintos espacios de una casa en una elegante exhibición de estilo, arte y vanguardia.

Te mostramos el resultado.

ABIERTO MEXICANO DE DISEÑO: AZUMA MAKOTO – EL ÚLTIMO GRITO DESIGN WEEK: DESIGN HOUSE 82

AZUMA MAKOTO HAUTE CULTURE Texto Ramiro Guerrero y Alberto Arango Fotografías de Shunsuke Shiinoki, cortesía de Tounoki Co

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Escanea para material extra

Azuma Makoto ha sobresalido en el mundo gracias a su constante experimentación con plantas y flores. Su trabajo tiene como objetivo aumentar el valor existencial de las plantas, a través de la creación de obras artísticas. En esta edición nos habla de su ejercicio creativo y su participación en la primera edición del Abierto Mexicano de Diseño.

Partiendo de que tu primer acercamiento al arte fue a través de la música; ¿qué podrías platicarnos de eso?

Antes de incorporarme al ámbito en el que actualmente desarrollo mi trabajo, seguía una carrera musical. Aún hoy escucho detenidamente el sonido invisible de las flores y plantas cuando trabajo en mis piezas. Creo que, en mi caso, el oído es el órgano más estable de mis cinco sentidos. Necesito dejar hablar a las plantas para luego escuchar sus voces. Al combinar diferentes tipos de plantas, intento

escuchar cada voz. Debe de ser algo que va más allá del nivel de la lingüística, pero no es algo sobrenatural. Los sonidos se disipan y una melodía se crea a través de sus resonancias cuando se superponen. Si hablamos de capturar la belleza del momento, creo que la música y las flores tienen algo en común.

Después de mudarte a Tokio, ¿por qué vinculaste tu camino con las flores?

Me fui a Tokio con la aspiración de ser músico.

Pero necesitaba un trabajo para vivir, por lo que encontré uno de medio tiempo con un mayorista de productos de floricultura.

Después de haber visto el mundo de las flores y su vida tan corta, me obsesioné con sus expresiones y atracciones encontradas en cada momento. Fue la manera como me incorporé al campo donde me encuentro ahora. ¿Qué es lo que más te gusta de trabajar con las flores?

Las plantas han llevado mi pasión al arte floral. Hay un número ilimitado de especies

de flores y plantas en el planeta, y cada una tiene características diferentes. Una planta es bella per se, desde la germinación, su florecimiento, hasta la descomposición. Este proceso es distinto para cada flor. Mi misión consiste en transformar su belleza potencial en un estado aún más fascinante —como una obra de arte. Mientras encuentre nuevas plantas y siga trabajando con ellas, creo que mi pasión perdurará para siempre. ¿Existe una emoción recurrente que surja en ti mientras trabajas?

Siempre me gusta encontrar y expresar los aspectos ocultos de las plantas. Incluso aquellos que no hubiera imaginado; el objetivo es despertar la imaginación de la gente y perseguir nuevas posibilidades. Considero que mi trabajo consiste en sembrar plantas en el corazón de la gente y así ayudar a mejorar el valor de su existencia.

En la introducción de tu segundo libro, mencionas el espíritu del punk. ¿Cómo se 85

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refleja en su trabajo este movimiento?

Como lo pueden leer en Flowers and I, el espíritu del punk no sólo consiste en mostrar el dedo medio, en mi trabajo, por ejemplo, tiene que ver con mirar la vida de las plantas y seguir creando nuevos valores y posibilidades.

Como artista, ¿qué es lo que te inspira?

Mi inspiración siempre viene de las flores y plantas. Cuando trabajo en una obra, siempre pienso cómo capturar una expresión distinta de una planta, qué tipo de flores tendría que combinar y cómo puedo transformar eso para realzar su encanto. ¿En qué consiste tu proceso creativo?

Una vez que la idea nace, ¿qué haces para convertirla en realidad?

Depende. Hay momentos en los que me inspira mirar y tocar las flores y plantas con mis manos.

O, a veces, primero pienso en un concepto y luego empiezo a trabajar.

Has trabajado consistentemente con el Bonsái. ¿Cuál es tu enfoque respecto de este material vivo en comparación con las flores que se marchitan y mueren?

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Entre todas las plantas, un pino es un árbol especialmente vital y posee formas complejas.

Uso pinos con frecuencia porque siento que la fuerza de la vida del árbol se concentra en el mundo micro-cósmico del Bonsái. En comparación con éste, la vida de las flores es mucho más corta y efímera, pero justo esa belleza pasajera es preciosa.

Algunas de mis obras se enfocan en el proceso de descomposición. Aunque algunas no exponen directamente este concepto, cada una de mis piezas contiene este elemento.

Al trabajar con criaturas vivas, mis obras no tendrían sentido si no incluyeran elementos de vida y muerte. ¿Quiénes son sus maestros?

Establecí mi estilo solo, no tengo un maestro particular ni sigo un estilo tradicional.

Hay una foto interesante de ti haciendo una reverencia a un platycerium. ¿Así es como se comunica con las plantas?

Trabajo con flores y plantas que son bellas y al mismo tiempo, vulnerables en su entorno natural, por eso siempre me preparo para intervenir en lo sagrado, en la vida de un ser

vivo. Cuando trabajo con flores, por ejemplo, utilizo ambas manos para poner más cuidado en lo que estoy haciendo. Siempre junto mis manos en gesto de oración antes de trabajar, y es porque mantengo un profundo sentido de respeto por ellas. ¿Cómo te imaginas a México?

Tengo la impresión de que en México aún existen las antiguas tradiciones y los pueblos originarios, es por eso que la ciudad está llena de energía. Hay un conjunto de culturas y un gran número de monumentos arqueológicos que siguen atrayendo al público. Me interesan estos elementos. Creo que los países de Sudamérica están llenos de gente muy entusiasta, su inmenso resplandor, simpatía y caras alegres me vienen en mente cuando pienso en México. www.azumamakoto.com Azuma Makoto Workshop Abierto Mexicano de Diseño 24 y 25 de Octubre, 2013

Azuma Makoto, nacido en Fukuoka, Japón, dedica su talento al diseño floral de alta calidad desde el año 2002 en su boutique Jardins des Fleurs, ubicada en MinamiAoyama, Tokio.

Comenzó su carrera como artista en 2005, dirigió la Galería AMPG en Kiyosumi-Shirakawa, Tokio, entre 2007 y 2009, donde exhibió obra personal. En 2009 fundó el taller experimental Azuma Makoto Kaju Kenkyusho – abreviado AMKK, que significa Instituto de Investigación Botánica Azuma Makoto- desde entonces se dedica a expandir su conocimiento en arte y el potencial que poseen las plantas para dicho propósito.

Las actividades de Azuma se centran en elevar el valor de las flores y plantas, sin perder el respeto por la naturaleza y convertir sus elementos en obras de alto valor estético.

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El Último Grito es un grupo creativo con base en Londres, integrado por Roberto Feo y Rosario Hurtado, fundado en 1997. En el marco del Abierto Mexicano de Diseño realizará una intervención en la calle de Moneda, Centro Histórico, el 24 y 25 de octubre, donde los participantes utilizarán materiales reciclados para explorar la naturaleza social, política y filosófica de las relaciones con los objetos.

E L ÚLTIMO G RITO CAR Á CTER E X P L OSIVO 88

“El desafío para nosotros es crear objetos que se disocien de maneras aprendidas de representación que dictan ciertos modos de vida, de trabajo y de comunicación”.

Texto Gala Fernández Fotografía cortesía El Último Grito El Último Grito trabaja dentro del límite entre el arte y el diseño. Para el mundo del arte son diseñadores y para el mundo del diseño son artistas. A ellos, francamente, les resulta difícil llegar a entender esta diferenciación. Su trabajo, como su vida, se nutre de un amplio abanico de influencias, como la filosofía, la sociología, el cine, la pintura, la escultura, los muebles, los productos, la ciencia, el lenguaje, la literatura, los comics y la comida; éstas reconfiguran el desarrollo de su trabajo manifestándose a un mismo tiempo, sin discriminaciones.

Probablemente son parte de esa generación a la que Alessandro Baricco llama “los bárbaros”. Entienden la cultura y sus objetos desde una multiplicidad de perspectivas, generando interpretaciones del mundo que les rodea a través de un collage informativo –donde todos sus elementos se manejan sin establecer una jerarquía cultural.

De acuerdo con El Último Grito, “estas nuevas formas de generar conocimiento no concuerdan con las divisiones disciplinarias que nos han sido impuestas desde la Academia y el Mercado. Por tanto, existe un claro desajuste entre lo que nos ofrece el ‘mercado’ a modo de productos parciales y lo que reclamamos la nueva generación de consumidores”. Esta generación es a lo que ellos denominan: PostDisciplinar.

En consecuencia, El Último Grito se declara un estudio de diseño Post-Disciplinar, porque no reconocen la existencia de disciplinas, sino que conciben un todo interrelacionado.

Según ellos, el diseño no es una disciplina sino el proceso mediante el cual las personas materializan sus pensamientos a través de signos, símbolos, objetos, comida, imágenes, edificios, lenguajes, etc.

En este aspecto, el studio declara: “Para entendernos, a partir de ahora, a estas materializaciones vamos a llamarlas objetos.

Los humanos necesitamos convertir nuestras ideas y observaciones sobre el mundo en estos

objetos para ser capaces de decodificarlo, de entenderlo y de relacionarnos con él y con el resto de los humanos. Al conjunto de estos objetos lo llamamos cultura o conocimiento, que por tanto, también es un objeto”.

El conocimiento se adquiere y se analiza a través de procesos de diseño. Por ejemplo, en el contexto de un laboratorio se prueban diferentes teorías, que son objetos elaborados mediante lenguajes gráficos, tanto gramáticos como matemáticos o químicos. Para que este análisis pueda tener lugar resulta necesario diseñar el objeto-experimento que nos va a permitir materializar la teoría.

En última instancia, el propósito del diseño es decodificar el mundo que nos rodea con el fin de transformarlo en un ámbito más “amable” y/o “manejable” para el hombre. Para ello hemos desarrollado herramientas que nos permiten interpretar el mundo que nos rodea creando arquitecturas sociales, materiales y espirituales que nos ayudan a convertir ideas más complejas, en ‘objetos’.

Pongamos como ejemplo la palabra 89

El Último Grito fue fundado en 1997 por Roberto Feo (Londres, 1964) y Rosario Hurtado (Madrid, 1966). Rosario es tutora en Goldsmiths, University of London y Roberto en el Royal College of Art. Su quehacer creativo incluye una amplia variedad de obras, que van desde instalaciones artísticas hasta proyectos de diseño, para clientes como Magis, British Airways, Marks & Spencer, Science Museum, Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Mathmos, Nola, Lavazza o Abet Laminati. Algunos de sus trabajos se encuentran en las colecciones permanentes de museos como el MoMA de New York, Victoria & Albert Museum en Londres y Stedlijk Museum en Ámsterdam.

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montaña. Ésta representa el objeto montaña; si preguntáramos a cualquier persona que la dibujara –suponiendo que hayan visto una alguna vez– todos dibujarían más o menos lo mismo: una línea inclinada que sube hasta un cierto punto y, de manera simétrica, baja a otro.

Así que la palabra montaña tiene una correspondencia gráfica con un objeto que representa en nuestras mentes la montaña. A esto, simplificando, lo llamamos Tipología.

Chuck Palahniuk, a través del personaje de la madre en Asfixia (2001), nos da un buen ejemplo de la mediatización del conocimiento y la creación de tipológicas: “Esa grande y gloriosa montaña. Por un momento, creo que realmente la he visto”. (…)

Por un momento, la Mami vio la montaña sin pensar en pistas de ski ni avalanchas, ni parques naturales, placas tectónicas y geología, ni microclimas, lluvia o puntos ying-yang. Vio la montaña sin el marco del lenguaje. Sin la presión de las asociaciones. La vio sin mirar a través de la lente de todo lo que sabía que era verdad sobre las montañas. Lo que vio, en un flash, ni siquiera era una ‘montaña’. No era un resorte natural.

No tenía nombre. ‘Esa es la meta’, dijo. ‘Encontrar la cura contra el conocimiento’. ‘Contra la educación. Contra el vivir dentro de nuestras cabezas’”.

En este sentido, El Último Grito explica: “La necesidad del mundo occidental por compartimentar el conocimiento no nos permite contemplar la ‘montaña’ simultáneamente desde todos estos puntos de vista, e incluso mas allá, sin ningún enfoque aprendido como consigue hacer la madre de la novela de Palahniuk.

El desafío entonces, para nosotros, es crear ‘objetos’ que se disocien de maneras aprendidas de representación que dictan ciertos modos de vida, de trabajo y de comunicación. Como consecuencia nuestro trabajo tiene siempre un carácter explorativo, creando ‘objetos sondeo’ que mandamos al mundo a través de proyectos especulativos, comerciales y educativos, que contribuyen a formar y expandir una nueva visión del diseño como proceso central en la creación de cultura.

La mayor parte de la industria todavía es ajena al cambio que se está produciendo en el mundo, y su incapacidad achaca la crisis para reajustarse a esta nueva generación, cuyos valores ya no representan.

A nuestro entender, el primer paso para la industria, especialmente para la industria no tecnológica, sería entender cuáles son las inquietudes de los ciudadanos en la sociedad actual y proponer direcciones donde la industria vuelva a encontrar su sitio y redefinir su papel en el siglo XXI. Esta debería ser la labor central del diseño dentro de la industria, y de este modo conectar con la ‘super-sofisticada’ generación, que ya no acepta visiones totalitarias de esto que llamamos cultura”. www.eugstudio.com

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Diseño de María Laura Salinas

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D E S IG N H OU S E DI V ERSIDAD DE PROPUESTAS Fotografía Sófocles Hernández

Design Week México cumple cinco años y lo celebra diversificando su formando un evento de calidad que contribuye al fortalecimiento cultural de nuestro país.

Escanea para conocer la agenda de actividades

Creatividad y exploración son las premisas de Design Week México, una plataforma de comunicación que promueve la cultura del diseño entre expertos creativos así como aficionados al diseño y público en general. En los últimos años se ha consolidado como uno de los acontecimientos más destacados debido a los múltiples eventos, como la visita a showrooms, conferencias, exposiciones y cine, y este año diversifica su propuesta llenando algunas calles de Polanco con proyectos de talento emergente.

En su quinta edición, DWM, en conjunto con el Brazilian Furniture Organization, presentará lo mejor del diseño brasileño, a través de la exposición Meet in Brazil y la Ruta del Diseño. El objetivo es mostrar el trabajo de la escuela de diseño brasileño, sus exponentes, industria y propuestas.

Asimismo, este año DWM celebra a la mujer, reconociendo la riqueza de su práctica profesional así como su impacto y creciente visibilidad en el mundo del diseño. Su búsqueda y contribución han dado paso a nuevas visiones y formas de expresión de gran relevancia. Y en donde más se celebrará a las mujeres profesionistas será en Design House, en donde se presenta el trabajo de 22 diseñadoras de interiores y arquitectas transformando los distintos espacios de una casa convirtiéndose en un escaparate de conceptos de interiorismo sumamente interesante.

En plática con Andrea Cesarman, socia del DWM y en quien recae la responsabilidad de dirigir la casa, nos comenta: “Esta casa tuvo una dinámica súper bonita, se siente la pasión aterrizada, el ojo puesto en el detalle, se terminó la casa en tiempo; te puedo decir que la casa goza un momento de excelencia. Al ser mujeres todas las participantes se vivió una dinámica competitiva pero muy cumplida y a la vez muy generosa”.

A la pregunta del porqué las mujeres nos comenta: “Es un homenaje

a las mujeres como gremio, no como género; somos parte económica importante y ser reconocidas es muy importante para avanzar en muchos aspectos. También, la casa es en cierto modo, un homenaje a Dennis Scott Brown a quien consideramos fue injusto no le otorgaran el Premio Pritzker”.

Una parte relevante es la selección de este año ya que vemos mucho talento no tan afamado como otros despachos que siempre colaboran en Design House, a esto Cesarman responde: “Lo interesante es que pudimos integrar a todo un equipo muy versátil en el interiorismo, mezclar a las grandes firmas reconocidas, con jóvenes que comienzan a forjar su trayectoria, lo cual da frescura a la casa; logramos un abanico de estilos”.

A la pregunta obligada de qué le deja esta casa, la socia de C Cúbica nos dice: “Esta casa me emociona muchísimo, pero lo más importante de cada año es la amistad con el gremio; ver trabajar a gente tan talentosa es sumamente rico en experiencia. Puedo cerrar diciendo que la casa se presta a los sueños, de una manera muy femenina, muy linda”, así, una vez más, DWM se compromete con la cultura del interiorismo de nuestro país.

Design Week México 2013 Del 18 al 28 de octubre Horario: 10 a 19 h Dirección: Rubén Darío 157 esq. Hegel. Colonia Polanco www.designweekmexico.com

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Diseño de Uribe Krayer

Diseño de María Laura Salinas

“Esta casa me emociona muchísimo, pero lo más importante de cada año es la amistad con el gremio; ver trabajar a gente tan talentosa es sumamente rico en experiencia. Puedo cerrar diciendo que la casa se presta a los sueños, de una manera muy femenina, muy linda”.

—Andrea Cesarman

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Espacio de la diseñadora Sally Serur

Diseño de Elizabeth Gómez Coello

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Espacio de Lorena Vieyra

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Dise単o de Elsa Ojeda de Ryozoma

Espacio de Beata Nowicka

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RESIDENCIAL CASA EN LOS PIRINEOS – CADAVAL & SOLÀ-MORALES | CASA L – SERRANO-MONJARAZ ARQUITECTOS CASA CUMBRES – TALLER HÉCTOR BARROSO | CASA AV – GANTOUS ARQUITECTOS 99

CASA EN LOS PIRINEOS AL BORDE DE LA MODERNIDAD CADAVAL & SOLÁ -MORALES Fotografía Cortesía de Cadaval & Solá-Morales

En Canejan, España, se ubica una casa diseñada por los arquitectos Eduardo Cadaval y Clara Solà-Morales, un proyecto que reutiliza una vieja construcción para dotarlo de mayor funcionalidad y criterios sostenibles.

Sobre una ruina de piedra seca, situada en Valle de Arán, España, el despacho de interiorismo Cadaval & Solà-Morales construyó la Casa en los Pirineos, un proyecto que respetó los valores arquitectónicos del antiguo granero y las características inherentes a esta construcción: solidez, mínimas aperturas, oscuridad y masa.

Se trata de una residencia de 360 m2, totalmente sustentable, que consta de una serie de planos interiores soportados por cajas que actúan como estructura y división de los espacios; además, generan una continuidad a lo largo de la casa que puede interrumpirse eventualmente en un punto de inflexión para convertirla en dos viviendas independientes.

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Preservando la estructura original y haciendo una intervención mínima pero contrastada, la propuesta genera espacios nuevos adaptados a los nuevos usos: la iluminación del espacio interior se logró gracias a la intervención del techo de la estructura.

La iluminación fue una característica privilegiada, ya que se quería aprovechar el contexto del edificio. Es por eso que, sobre un punto de debilidad estructural del muro de piedra seca, se abrió un gran ventanal que da vista al valle que rodea la casa. Además, las ventanas ofrecen una visualización directa a las montañas circundantes.

Las estancias responden a las condiciones de la arquitectura tradicional, aunque están distribuidas y configuradas con tendencias minimalistas, y responden a las nuevas realidades de uso. La idea era crear espacios interiores destinados a proporcionar la máxima calidad de vida a sus habitantes. www.ca-so.com

Preservando la estructura original y haciendo una intervenci贸n m铆nima pero contrastada, la propuesta genera espacios nuevos adaptados a los nuevos usos.

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La idea era crear espacios interiores destinados a proporcionar la mรกxima calidad de vida a sus habitantes.

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CASA CUMBRES INTERIORES DILUÍDOS TALLER HÉCTOR BARROSO

Fotografía Cortesía Taller Héctor Barroso

En la zona poniente de la Ciudad de México se encuentra Santa Fe, una de las áreas de mayor crecimiento en los últimos años; dentro de un fraccionamiento se ubica Casa Cumbres.

El proyecto de 635 m2 se desarrolla alrededor de un patio interior, volviendo el inmueble intimista y discreto. Los límites correspondientes a interior y exterior se diluyen para otorgarle mayor fluidez al espacio.

Del patio se desprenden las distintas áreas del programa arquitectónico, así como una extensión de la sala-comedor, ya que puede quedar completamente abierta por sus dos frentes e incrementar su iluminación y ventilación natural, para hacer énfasis en exteriores. El patio interior fue el principal elemento de la composición arquitectónica.

Los volúmenes que resultan del proyecto adquieren personalidad a través de diferentes texturas; en la fachada principal se utilizó madera de pino y piedras naturales, que por sus características de color contrastan en los dos niveles de la casa. Finalmente en la azotea se aprecia un juego 104

de líneas y ligereza, de tal manera que la única cubierta es una losa flotada, hecha con vigas de acero, que sirve para resguardar el área de juegos y aprovechar todas las zonas restantes. Nuevamente el interior permanece conectado con el exterior a través de cristales corredizos de piso a techo.

El Taller Héctor Barroso, fundado en 2010, se dedica al desarrollo de proyectos arquitectónicos de diversas escalas, mismos que responden a una profunda investigación para llegar a soluciones específicas para cada uno. El equipo multidisciplinario está integrado por ingenieros, paisajistas y diseñadores, quienes buscan impactar de manera positiva en la calidad de vida de las personas.

Para el proyecto Casa Cumbres, dirigido por el arquitecto Héctor Barroso, se contó con la colaboración de Alejandro Cortina, Rafael Montiel y Flavio Velazco.

www.ca-so.com

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Los lĂ­mites correspondientes a interior y exterior se diluyen para otorgarle mayor fluidez al espacio.

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CASA L CONTRASTE ENTRE LUCES Y SOMBRAS SERRA NO-MONJARaZ ARQUITECTOS

Fotografía Jaime Navarro, cortesía de Serrano-Monjaraz Arquitectos

Desarrollado por el despacho Serrano-Monjaraz Arquitectos, el proyecto Casa L está situado en Valle de Bravo, al pie de la Peña, por lo que el eje marcó la integración al entorno y el aprovechamiento de las vistas hacia el lago.

Casa L, de 943 m2, cuenta con tres niveles que aprovechan al máximo la accidentada topografía del terreno y su ubicación dentro de una pequeña península de la presa de Valle de Bravo; esta característica hace que la casa se encuentre en un microclima templado.

Asimismo, para aprovechar las condicionantes del terreno, el despacho realizó grandes ventanales que se combinaron con muros de concreto y piedra. El resultado es un espacio que mantiene una temperatura fresca durante el día y el calor durante la noche.

La textura de los materiales, como el concreto colado en bruto, el granito y la madera de recuperación de las áreas públicas y las circulaciones, son transiciones monocromáticas que enfatizan el paso 108

de la luz por los muros de concreto incorporando al interior contrastes entre luces y sombras; esto permite disfrutar de las vistas al lago.

El acceso a la vivienda es uno de los elementos más singulares: un largo pasillo de doble altura comunica con el piso superior sin más elementos decorativos que los altos muros y las lámparas colgantes, cuyo interior revestido de azul rompe con los tonos de grises de esta zona. Si bien los accesos son monocromáticos, las estancias son eclécticas en cuanto a colores, texturas y diseño interior. www.serranomonjaraz.com

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Gracias a los grandes ventanales que se combinaron con muros de concreto y piedra, se gener贸 un espacio que mantiene una temperatura fresca durante el d铆a y el calor durante la noche.

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CASA AV VOLÚMENES CRUZADOS GANTOUS ARQUITECTOS

Fotografía Michael Calderwood, cortesía de Gantous Arquitectos

Ubicada en la Ciudad de México, la Casa AV es una experiencia arquitectónica progresiva, ya que su fachada discreta revela los cálidos interiores de la construcción.

Casa AV fue diseñada especialmente para aprovechar la topografía del lugar, ya que se encuentra en una elevación extrema sobre la ciudad.

La residencia de 1400 m2 queda enlazada con sus jardines a través de un puente peatonal, que también conecta al vestíbulo de entrada. El conjunto se desarrolla como una serie de volúmenes que se intersectan, sus dimensiones variables expresan la escala como un elemento importante; los cuatro niveles se perciben como un todo, desde la calle hasta el jardín.

La construcción tiene acabados en concreto aparente de tonos cálidos y piedra arenisca, los pisos son de mármol matizado. Diferentes terrazas están dispuestas en distintos puntos de la casa, mismos que ofrecen espacios abiertos, mientras que los ventanales de seis metros de altura brindan vistas panorámicas de la ciudad. El área privada de las habitaciones queda contenida por los jardines.

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El despacho Gantous Arquitectos, dirigido por Claudio y Christian Gantous, se consideran arquitectos de detalle, puesto que se involucran en todo el proceso arquitectónico desde la concepción del proyecto hasta la construcción. De su labor arquitectónica destaca la Casa/Estudio de Javier Marín, la rehabilitación de la sala de conciertos principal del Palacio de Bellas Artes, la Embajada del Reino de los Países Bajos en México, además del Retablo Mayor y Presbiterio de la Catedral de Zacatecas.

El equipo de Gantous Arquitectos está integrado por Miguel Vives, David Mayen y José Luis Gutierrez, la construcción quedó en manos de Quintanilla Arquitectos y el diseño de paisaje fue realizado por Aplenosol. www.gantousarquitectos.com

La residencia de 1400 m2 queda enlazada con sus jardines a travĂŠs de un puente peatonal.

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Los ventanales de seis metros de altura brindan vistas panorรกmicas de la ciudad.

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RESTAURANTES

MALAMÉN | DULCINEA | ASADERO UNO | LA FAVORITA OLIVES | PENNY LANE | ROCAMBOLESC | THE ROXY 117

MALAMÉN COLLAGE DE DETALLES RICARDO CASAS DESIGN

Fotografía Jaime Navarro

El diseño interior del restaurante Malamén corrió a cargo de Ricardo Casas, quien proyectó un ambiente ecléctico con objetos de época, bajo una iluminación que evoca tradición e historia.

Ubicado en Emilio Castelar 121, Polanco, Malamén es el primer restaurante de cocina collage, término que se rescató del libro de recetas de María Lamartine Mendoza, una mujer impetuosa que, se dice, aportó más de una idea para la revista Interview de Andy Warhol en 1970, y de quien se rumora, fue una de las primeras musas de Karl Lagerfeld.

Este personaje jugaba con recetas de diferentes lugares del mundo, de ahí surgieron diversos platillos, y desde luego, el concepto de diseño, desarrollado por Ricardo Casas, quien recuperó fragmentos de la historia de la mujer que le da nombre al lugar, gracias a los recuerdos que conservan sus descendientes.

La imagen gráfica y las ilustraciones fueron realizadas por Marco Colín, de Avión Gráfico –despacho de diseño integral que involucra diseño gráfico y branding. Debido a que nadie sabe cómo era realmente Malamén, porque evitaba las cámaras fotográficas desde edad muy 118

temprana, los más de 150 dibujos creados por Colín, mismo que adornan el lugar, son simplemente aproximaciones a la definición de una leyenda.

El ambiente rescata episodios de la vida de Malamén: sus aventuras, viajes y recuerdos, mismos que se muestran en las fotografías, libros y vajillas antiguas colgadas en una pared.

Dentro del interior se aprecia una combinación de objetos de su época, bajo una iluminación que evoca los viajes que hizo por el mundo.

El piso cerámico con negros, blancos y grises se integra con las sillas y las lámparas de vidrio –en forma de botellas recuperadas– que cuelgan de los rosetones del techo. Por otro lado, la instalación de bandejas doradas, situadas al fondo del restaurante, contrasta con los tonos neutros de las paredes, mientras que varias incisiones en la pared de ladrillos dejan pasar una luz cálida para crear una atmósfera que remite a la época de la vie bohème. www.ricardo-casas-qvnd.squarespace.com Emilio Castelar 121 K Polanco

El ambiente rescata episodios de la vida de MalamĂŠn: sus aventuras, viajes y recuerdos, mismos que se muestran en las fotografĂ­as, libros y vajillas antiguas colgadas en una pared.

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DULCINEA COCINA URBANA diseño: la metropólitana

Fotografía Luis Guerrero, cortesía de La Metropolitana

En Polanco, una de las zonas más exclusivas de la Ciudad de México, se encuentra Dulcinea, donde se expresa la pasión por cocinar sabores mexicanos, con productos locales, frescos y de alta calidad.

Dulcinea es un restaurante en búsqueda constante por la belleza gastronómica, en sabores y texturas, donde La Metropolitana fue invitada para rediseñar su imagen, así como realizar los interiores y el mobiliario. La colaboración fue entre Mauricio Guerrero, Renata Prieto y Adriel Macedo, parte del equipo multidisciplinario de La Metropolitana, estudio que se enfoca en la generación, gestión, análisis y materialización de diseño y arquitectura Para el restaurante se inspiraron en un fragmento de Don Quijote, que alude a la belleza de Dulcinea, equiparándola con corales, perlas, alabastro, mármol, marfil y cielo, elementos que visualmente fueron aplicados en los interiores del establecimiento.

Dulcinea Polanco es un espacio pequeño, adecuado para pocos comensales, que son recibidos con la silla homónima, hecha 120

especialmente para este restaurante; en sus interiores destaca el uso de madera avejentada e intervenida con el logo del restaurante.

Al rediseñar su imagen en el año 2012, las premisas del proyecto fueron exaltar el origen de los productos que se usan en la cocina y aplicar el mismo cuidado a la selección de materiales que están presentes en el comedor. Se seleccionó una variedad de maderas sólidas, piedras y aceros crudos, además se complementó con un trabajo de iluminación basada en la incandescencia.

El uso de la cerámica como elemento decorativo es innegable, lo que provoca un ambiente relajado, pero con guiños más formales, como la barra, que nos invita a beber un coctel sobre la plancha de granito. www.lametropolitana.com Oscar Wilde 29, Polanco

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ASADERO UNO DISEÑO SIMPLE Y ELEGANTE CHEREM ARQUITECTOS

Fotografía Jaime Navarro

El diseño interior del restaurante Asadero Uno, a cargo de Cherem Arquitectos, surgió a partir del concepto de una vieja granja y el arte de cocinar una buena carne asada.

Localizado en la terraza jardín del Centro Comercial Paseo Interlomas, Asadero Uno es un restaurante argentino que forma parte de un complejo de restaurantes, cafés y bares abiertos a una plaza central.

El proyecto, a cargo de Cherem Arquitectos, en colaboración con el Arq. Daniel Braverman, giró en torno a una cocina central abierta, la cual cuenta con una parrilla donde el chef cocina la mayoría de sus platillos especiales.

A partir del concepto de un techo a dos aguas, típico de una granja, surgió la idea de invertir la forma y crear un plafón en forma de “V”, el cual cruza con la cocina central de concreto. Al fondo, detrás de la cocina central, un gran muro remata el espacio soportando una gran celosía de herrería que sostiene la cava de vinos y licores.

La iluminación juega un papel importante a través del espacio: detalles de luz artificial fueron incorporados en los muebles, muros y plafón. Los 122

baños, servicios y cocina general se encuentran localizados al fondo del local, logrando separar el área para comensales del área de servicios. Para conservar el diseño simple y elegante, se utilizaron los mismos acabados en los baños que en el restaurante.

Al interpretar el concepto de una granja contemporánea, se utilizaron principalmente tres materiales: madera rústica para el piso, franjas horizontales de mármol para los muros y metal. El mismo juego de materiales se utilizo en el plafón de la “V”, provocando una sensación de continuidad, mientras que en los muros horizontales se colocaron lámparas circulares de acero con focos expuestos. El mobiliario fue diseñado por Paul Roco y complementa el diseño general del espacio. www.cheremarquitectos.com Vialidad de la Barranca 6 Jesús del Monte / Centro Comercial Paseo Interlomas

Mesas Cineteca Nacional. FotografĂ­a: Jaime Navarro.

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LA FAVORITA EL GIRO A LA TRADICIÓN ARCO ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA Fotografía Jaime Navarro

Los arquitectos Bernardo y José Lew Kirsch, realizaron La Favorita, un proyecto equilibrado que aprovecha el espacio de apenas 70 m2.

México se caracteriza por su amor a las tradiciones populares, y eso incluye sus hábitos gastronómicos, por ejemplo las loncherías, que tienen una larga historia y son sinónimo de antojo. Con esta tradición en mente, ARCO Arquitectura Contemporánea desarrolló el proyecto interior de La Favorita, una propuesta para la cocina de antojitos ubicada en Av. Insurgentes.

El área de preparación de alimentos permanece a la vista de los comensales, ya que es el elemento central del espacio y, además, sirve como un excelente entretenimiento para los asistentes que rodean la barra. También hay espacio de mesas, mismas que se pueden colocar de distintas maneras dependiendo de las necesidades que se presenten.

La paleta de color y acabados seleccionados responden a las necesidades de operación del espacio y del diseño de la imagen del lugar, que junto con el diseño gráfico de Ernesto Moncada, crean un 124

ambiente contemporáneo que rinde homenaje a la lonchería mexicana tradicional. El espacio, aunque de dimensiones mínimas, sorprende por la combinación de diseño gráfico e industrial. La selección de material va desde madera, mosaico de pasta hasta concreto aparente.

El proyecto fue hecho en colaboración con los arquitectos: Oscar Sarabia, Jonathan Herrejón, Guillermo Martínez, Federico Teista, Nahela Hinojosa y Emanuel Galvez. www.ar-co.com.mx Insurgentes Sur 933 Nápoles

El espacio, aunque de dimensiones mínimas, sorprende por la combinación de diseño gráfico e industrial.

Mesas Cineteca Nacional. Fotografía: Jaime Navarro.

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TODD ENGLISH'S OLIVES MÉXICO ADAPTACIÓN DE LO TRADICIONAL MOB

Fotografía Catalá

Todd English, chef originario de Texas, llega a México con Olives, un restaurante que ofrece comida mediterránea moderna, y cuyo diseño interior corrió a cargo de MOB. Olives México, ubicado dentro del Centro Comercial Park Plaza en Santa Fé, es el hermano chico de los restaurantes del mismo nombre que se encuentran en Las Vegas y Nueva York; y del primero de la familia, que se inauguró hace veintitrés años en Boston, en el famoso barrio de Charlestown.

Para el concepto de diseño, desarrollado por MOB, se buscó generar un espacio moderno, elegante, y a su vez cómodo. Primero se comisionó el diseño de la Terraza y posteriormente el diseño del Salón Principal, el cual ya poseía algunos acabados.

El objetivo fue dar a conocer una gran oferta culinaria que transmite la diversidad de la cocina rústica mediterránea interpretada por el galardonado chef Todd English dentro de un ambiente relajado.

Los materiales más recurrentes son las maderas; se combinaron algunas de primera calidad, como el Tzalam, con otras recicladas que 126

contrastan con granito y mármol. En el interior, la celosía de madera hace juego con los respaldos de los booths y las cubiertas de las mesas donde se hicieron incrustaciones de maderas de distintos tonos.

Por otra parte, la tapicería y sus gamas de color son frescos para no perder de vista el ambiente mediterráneo propuesto. El piso es una loseta de cemento pintada a mano, mientras que las esferas de cristal de distintos tonos que iluminan el espacio a diferentes alturas responden al concepto. La grapa de madera insertada dentro del cubo de cristal genera un ambiente acogedor. www.mob.com.mx Javier Barros Sierra 540 Santa Fé / Park Plaza

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PENNY LANE ACENTO INGLÉS NIZ + CHAUVET ARQUITECTOS

Fotografía Cortesía Niz + Chauvet Arquitectos

Inspirado en el estilo de vida londinense, Penny Lane conjuga dos elementos de disfrute: comida y diversión, ya que se trata de un restaurante que cuenta con un espacio con ocho líneas de boliche.

Ubicado en el interior de un complejo comercial, Penny Lane tiene dos accesos, uno desde su terraza abierta y el segundo desde el área interior de la plaza. El conjunto está dividido en dos espacios: terraza y salón principal, mismos que están conectados por una gran barra cuadrada que da servicio a todo el lugar.

El salón principal tiene doce mesas para comensales y dos barras altas de granito. El área está decorada con varias celosías hechas con pinos de boliche de madera natural, de apariencia vintage. La separación entre el salón y las líneas de boliche es una mampara hecha de rectángulos de metal que permite ver fragmentos de cada espacio, otorgando transparencia y privacidad al mismo tiempo. El piso y parte del plafón están recubiertos con madera de ingeniería, con acabado en color nogal.

Al fondo del salón se encuentra el área de servicios, decorada con la 128

misma duela. La iluminación es de plafón con toques cálidos para resaltar los cajillos y algunos elementos de mobiliario.

El espacio de la terraza es más fresco: el piso está formado por una cuadrícula tipo ajedrez de mármol blanco thassos y granito negro. La zona contiene doce mesas en una tarima de madera de Ipé, ideal para uso en exteriores debido a su dureza y estabilidad. La terraza está rodeada por jardineras metálicas.

Por otro lado, en el área de boliche se encuentran siete salas de apoyo a las líneas de juego. Los muros están decorados con fotografías de gran formato. El piso y el plafón se hicieron con el mismo tipo de madera que se usó en el salón principal, asimismo se diseñó un sistema dentado para minimizar el sonido de la bola y los pinos de boliche. Las columnas del edificio se recubrieron con textiles blancos que sirven como pantallas, ya que poseen iluminación LED que cambia de color, lo que acentúa la atmósfera lúdica del lugar. www.niz-chauvet.com.mx Paseo de Tamarindos 90 Bosque de las Lomas / Paseo Arcos Bosques

El conjunto estรก dividido en dos espacios: terraza y salรณn principal, mismos que estรกn conectados por una barra cuadrada que da servicio a todo el lugar.

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ROCAMBOLESC ICE CREAM UNA HELADERÍA PERDIDA EN EL TIEMPO sandra tarruella interioristas

Fotografía Meritxell Arjalaguer

Girona es un barrio en España, cerca de la frontera con Francia, que esconde un lugar atemporal: Rocambolesc, una peculiar heladería que se traslada a otra época para ofrecer más que sólo deliciosos helados.

Ubicada en el barrio de Girona, España, Rocambolesc es una heladería perdida en el tiempo. Se trata del más reciente proyecto de los hermanos Roca, reconocidos chefs que decidieron establecer un local dedicado a los helados.

A cargo del estudio Sandra Tarruella Interioristas, Rocambolesc posee una atmósfera vintage, ya que retoma varios elementos icónicos de las antiguas heladerías y los mezcla con la estética fantástica de Charlie and the Chocolate Factory. El resultado es un espacio lleno de color y detalles que generan un ambiente acogedor y luminoso.

Apostar por algo diferente fue el acierto de Olga Pajares, responsable del proyecto, en colaboración con Ricard Trenchs y Elsa Noms. La elección de los materiales se basó en la experiencia lúdica que se quería ofrecer a los clientes. La madera, empleada en el suelo y 130

las estanterías, así como el azul pastel en la pared frontal, contribuyen a mundo de fantasía.

La pared detrás del mostrador es una máquina gigante para fabricar helados, ésta no sólo da la sensación de llevar ahí toda la vida, sino que, además, funciona. Este expendio de helados emite luces y sonidos a la hora de preparar los pedidos.

La decoración del lugar se complementa con un espejo que funciona para escribir los sabores de los helados justo como lo hacían las antiguas heladerías, tuberías que recorren el espacio convirtiéndose en dispensadores de bolsas, cucharillas o servilletas y un banco/bicicleta, diseñado por Andreu Carulla. www.sandratarruella.com Santa Clara 50 Girona, España

La elecci贸n de los materiales se bas贸 en la experiencia l煤dica que se quer铆a ofrecer a los clientes.

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THE ROXY ELEGANCIA SUBTERRÁNEA DESIGN LSM

Fotografía Cortesía de Design LSM

Recientemente reconocido con el Best London Bar 2013, de los Premios a lo Mejor del Diseño de Bares y Restaurantes 2013, The Roxy se corona como un lugar trendy para la vida nocturna.

El estudio Design LSM, fundado en 1988, fue el encargado de transformar el famoso club nocturno de Londres, en tan sólo diez días. El sitio funciona como bar, en un sótano situado junto a Oxford Street. El equipo Design LSM trabajó en colaboración con los diseñadores de marca, DT Practice, para crear un interior íntimo y sorprendente.

Con una reputación establecida por su pista de baile y sus largas noches de fiesta, el diseño de interiores se enfocó en el mobiliario y la iluminación; los sillones tipo booth tapizado con piel negra quedan enmarcados por luminarias incandescentes, mismas que se repiten para iluminar la barra de servicio con posiciones a diferentes alturas. El soporte de la barra está decorado con aplicaciones de losa cerámica en colores blanco y negro, colocadas en líneas zig-zag, un patrón que se repite en el lobby que da bienvenida al lugar.

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El trabajo de identidad gráfica sirve como decoración gracias a los carteles dispuestos en el muro de tabique desnudo. Del mobiliario destacan los bancos altos, fabricados en metal configurados para apilarse y abrir espacio para la pista de baile.

Design LSM, es un estudio conformado por más de 25 diseñadores, sus oficinas se encuentran en Hove, muy cerca de Brighton, Inglaterra. Entre su trabajo podemos encontrar diseño de interiores, arquitectura y servicio de branding para hoteles, restaurantes, bares, tiendas y propiedades residenciales. La mayor parte de sus proyectos se encuentran en Europa, Estados Unidos, India y China. www.designlsm.com Rathbone Place 3 Londres, Inglaterra

Mesas Cineteca Nacional. FotografĂ­a: Jaime Navarro.

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texturas

SERGEI GRINKO EL N UE V O C LÁSI C O Actualmente los creativos van más allá de un simple discurso; muchos se arriesgan a mezclar raíces y estilos culturales para crear piezas ricas en contexto y propuesta. Es el caso de Sergei Grinko, un diseñador que se ha colocado en la escena internacional de la moda gracias a sus colecciones inspiradas en varias culturas.

Texto Micaela Ibarra Fotografías Cortesía Sergei Grinko El trabajo de Sergei Grinko bien puede entenderse como un accidente geográfico. Nació en Rusia, pero actualmente vive en Italia. Estudió en Dubái antes de mudarse a Londres; sin embargo, su ejercicio de confección está más influenciado por la cultura de Japón que por la de Moscú. Su inclinación por la moda se debe al afán por encerrar en una prenda la inspiración que encuentra en todos los lugares que visita: desde el nostálgico ambiente londinense, pasando por las ciudades comerciales como París, hasta las costumbres de los países del Medio Oriente.

La certificación Made in Italy de su marca, Maison Sergei Grinko, lo ha catapultado como uno de los talentos más fuertes de la nueva ola de diseñadores emergentes radicados en Milán.

Su trabajo está intrincado a las formas orgánicas y a los detalles anatómicos. Sin embargo, la propuesta de Sergei evoluciona según las necesidades de cada diseño. Seguir los patrones románticos ha sido una constante en sus colecciones. Para la temporada Otoño/Invierno 2013-14, presentó una colección que sorprendió a muchos.

Basado en una temática naturalista, Sergei confeccionó piezas de distintas longitudes en colores que remiten inmediatamente al otoño. Lana, fur y piel fueron utilizados para crear vestidos y abrigos estructurados.

La impecable ejecución, la combinación de materiales, la superposición de los accesorios sobre las prendas y el cuidado etéreo en textiles que capturaron la feminidad en todas las prendas de la colección. Los accesorios fueron una característica importante: sombreros y collares, evidenciaron el acercamiento que el diseñador tiene con la naturaleza. www.sergeigrinko.com

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La certificaciĂłn Made in Italy de su marca, Maison Sergei Grinko, lo ha catapultado como uno de los talentos mĂĄs fuertes de la nueva ola de diseĂąadores emergentes.

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Carrer Communicating a brand value

By Mabel Téllez Portrait: Juvencio Bermúdez Images: Courtesy Carrer

P. 30

Generating experiences, communicating with creativity and projecting the brand values, are the goals of Carrer, agency specialized in branding construction.

Creating the concept behind a brand stands at the center of the communication strategies whose aim is to spread the company´s image thanks to different visible supports such as business cards, posters and web sites. However Carrer work has not only to do with logo designing but also with visual identity building; before all this designing has a function: projecting the own values and features of the product.

Carrer is a company of Vink Group which was created 9 years ago by Fernando Camacho y Diego Arroyo.

Regarding the company name, Fernando comments us_ “Carrer means “street” in Catalonian, official language of Barcelona, where I studied movie, video and TV making; while I was walking down the streets I got an idea: a way where people, messages, destinations, ideas and communication flow and connect”. In 2001 he came back to Mexico and the idea of this shop which emphasizes the communication and design value took shape”.

According to Fernando, “Carrer´s idea is focused on designing for people and brands and communicating through creativity to complement the strategy”. Therefore to conceive a comprehensive design, the firm is composed of a multidisciplinary team. Likewise due to the variety of projects and respective creative processes it went through, the team has a large experience in different areas; this enabled it to adapt to the different brand needs.

Among the most outstanding employees is Levis who has been developing the main image and the brand visual identity for eight years. One of his most important projects was the corporative image of the accounting firm GLP Asesores, which has been selected to be part of the Design Directory of Mexico.

From the one hand, the agency managed to export Mexican design, for example, with the Project “Chilango Racing Team” in Abu Dabi which consisted in advising the first team of young Mexicans in the F1 in Schools and carrying out a comprehensive strategy and its different applications in uniforms, stands, communication stools and the same car.

From the other hand, there is the design of a credit card for the Caribbean in partnership with the agency PitchMD for Enia Bank and for other projects in Canada, especially a brand of consumer and cleaning products such as America Fresh. They recently opened a representative office in Toronto and we are members of The Hispanic Chamber of Commerce.

The director of Carrer is part of a generation of designers who not only produce final pieces but also devise various strategies, rethinking, systems, technical innovation, materials, stories, visual form and structure, among others. www.carrer.mx www.vink.com.mx

VUHL 05 The new Mexican sports car

By Editorial Images Courtesy Of Vuhl

P. 32

Technology, vanguard and high quality are VUHL´s bet, a relatively young company, which presented the 05 in England, its first car created under the guidelines of car innovation.

VUHL is a company created by Iker and Guillermo

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Echeverría, a couple of industrial designers who decided to found their own car company. Since its creation, VUHL´s policy was always to have a compact team of designers and engineers who work with strategic alliances inside and outside of Mexico. On this premise, their first project began: the 05 car.

Conceived with a competition car genetic, the 05 car is the result of an international collaboration: nearly half of its suppliers are Mexican, but during its development, the project benefitted from the support of people and companies from Canada, the United States, England, Italy and France.

ETXE was in charge of the car design, a company dedicated to design consultancy and engineering and development of products. One of the most important guidelines was to keep a low weight in all its components.

This is why the selection of the materials was vital for the car identity: the raw material was sought to be technology commonly used in the aerospace industry.

The chassis is an anodized and tempered aluminium monohull in which no solder was used, only structural adhesives and rivets were used. In the body a RTM (Resin Transfer Moulding) technology was used to build carbon fiber panels and epoxy resin. The floor was made with a “honeycomb” panel of aluminum used in all the planes. It is a highly light and resistant material.

Inspired from car and plane’s cockpits, the central console has a minimalist design in the interior of the car. All car controls are centralized and there is no need to divert one´s attention towards any other part of the cockpit. The steering wheel is made of suede to maximize the grip against the pilot´s hands or gloves while the board has a blue LCD screen with black-color graphics to maximize the contrast and not to lose legibility under the floor. The seats are made of carbon fiber reinforced with kevlar.

The 05 car was made in Canada and was then transported to the United States and England to undergo fitting tests, and the final touch was carried out in Mexico.

Some brands, which collaborated in creating the vehicle were Multimatic, Magna Cosma, Michelin, Ford and Esiste. The VUHL 05 was conceived to drive on racetrack but can also be used in city. www.vuhl05.com

TAF9L Combination of graphics, architecture, materials and colors P. 38 Text: Editorial Team Images Courtesy Of Taf9l Katie Jaques and Sanne van den Hoogen who come from the Netherlands founded TAF9L, a studio specialized in textile design which explores new combinations of materials and forms.

One of the most crowded zones in the Salone Internazionale del Mobile is Ventura Lambrate, a place which emerged as a point of reference of design. This year alone, it hosted 135 young designers who presented their proposals regarding various concepts.

This time, we are in the studio specialized in textile design TAF9L which is composed by Katie Jaques and Sanne van den Hoogen who are from the Netherlands.

Their designs use traditional techniques but through new forms. In her work, Katie looks for surprising combinations of graphics, color and textures while Sanne explores new material and forms mixes. This creates a strong, colorful and varied style. They have learned old and modern techniques designed for specific clients and for their own collections.

During Ventura Lambrate, they presented Knip, a series of triangular point carpets whose design emerged from neon lights and the current trends. Their function is to

make people feel more comfortable in the offices, enabling the opening of different zones without using walls.

On the other hand, we found Metamorfosis1, a collection of openwork fabric and point whose colors and patterns are based on the African jewelry. There is also Dik which is composed of six large elastic pieces which can be combined in various ways. Thanks to the soft fabric and the filling of small polystyrene balls, sitting and resting on it is comfortable.

The idea of TAF9L is to experiment a large variety of materials so that each piece gets its own character. This is the basis upon which the final design rests, with its purpose, function and sensation. www.taf9l.nl

Casa del Agua Back to the origin P. 40

By Editorial Photography: Jaime Navarro And Rocío Serna The design concept of Casa del Agua, developed by THiNC/ Ignacio Cadena and Héctor Esrawe has been based on the concern to store and reuse rainwater.

Given the importance of water and the concern to store it, Casa del Agua was created; it is an ecological project dedicated to elaborate, purify and commercialize rainwater.

Casa del Agua is housed in a two-storey building– located in Puebla Street, colonia Roma of Mexico City-, where the wood prevails in the floor, ceiling and finishes and there is a white tidy cover on the bricks of the counter, the walls and the stairs. A narrow hallway has a pergola under which the visitor can sit comfortably. The design, which looks like an old drugstore of the beginnings of the 20th century, was made by THiNC (Héctor Esrawe and Ignacio Cadena), while the design of the glass bottle is the result of a collaboration with Nouvel Studio.

It has a green terrace where the purification and harmonization process starts. In this process, water is collected and a triple filter, evaporation and condensation system makes it 100% pure and carbon free. Water is then remineralized, oxygenated and ionized, and its hydrating and antioxidant capacities are increased.

By the middle of the year, Casa del Agua won the Iconic Award 2012 in the “Retail” category. The Iconic Awards are organized by the German Design Council in charge of promoting the design value in the culture. www.esrawe.com www.casadelagua.com.mx

Emerging talents p. 48

By Editorial Boiling of design in Mexico has caused the multiply with the appearance of new actors on the contemporary scene. This issue presents emerging talents that focus on the creative and production processes to create avant-garde objects.

La Tlapalería, colors of Mexico Images: Courtesy Of La Tlapalería The word “tlapalería” comes from the Nahuatl language and means “color”. Its pre-Hispanic origin comes from the use of pigments for painting and drawing. Since that time, Mexico was culturally expressed-among other elementsthrough color, being an element which unifies and enriches our identity.

La Tlapalería is a group which unites the talent of designers and craftsmen of Jalisco; they took their inspiration from Mexico´s colors and obtained a collection of great aesthetic value; the products are made from different handicraft techniques with the

intention of preserving the value of the hand-made work.

It is a collaborative work where the team respects each member´s abilities.

The handicraft techniques which were applied to every object are different and they therefore convert the collection into a range of unique meanings which generate singular use and production experiences. The creative line, far from being traditional, is a contemporary reinterpretation of forms and materials expressed in useful objects such as jewelry, tableware, kitchenware, illumination and even artistic toys with a sensuality touch.

Craftsmen master various areas such as woodworking, mouth-blown glass, leather tooling, pottery and Wixarika2 art, among others, and the designers of the Monterrey Institute of Technology, Guadalajara Campus, worked to generate products which may compete in the international industry. The joint work made was exhibited in the eleventh edition of the London Design Festival, a fair which provides a platform for the emerging design talent. www.latlapaleria.com Creativo 3 Photos: courtesy of Creativo 3 Creativo 3 is a design group created in 2009 by Melisa Leñero and Natalia Leal. The work of this design study is focused on interior design and furniture; its strength relies on its performance which is a collaborative work between its customers and them. Understanding and listening to their consumers are a priority, thus designers can deeply understand their needs and create a product or a space which satisfy them. Besides when using some specific material, they resort to experts with the aim of making pieces with the best quality possible. For Melisa and Natalia, having various points of view and references is more productive than designing by oneself. Creativo 3 managed to emerge gradually in the design and furniture scene; proof of it can be seen in its participation in Hábitat Expo 2013. www.creativotres.com Pedro Arturo Ruíz Very little time has passed since Pedro Arturo Ruíz is part of the current Mexican design scene and his work stands out due to its various forms of expression. Pedro Arturo Ruíz comes from Irapuato, Guanajuato and studied Industrial Design in the Architecture Department of the Autonomous University of Nuevo León, in Monterrey, Nuevo León. He completed a professional internship in Jorge Diego Etienne´s studio.

During a student Exchange in Bilbao, Spain, this young designer participated in a competition for students in the Fine arts Department of the Basque Country University with the project Parra/Vid, a modular wall made to create a warm atmosphere in the winery of the bar Bodega Urbana. In the 5th Design Biennial in Santiago de Chile, he exhibited the piece Óceo which is a seat inspired from the nature of human being; its aesthetics enable the user to see through it without losing its visual impact on environment. Pedro Arturo´s goal is to stand out from the current design trend to and to show a different face than the Mexican one. www.behance.net/PedroArturo Taller LU’UM Taller LU’UM is a creative project which began with the aim of creating high-quality interior design products conceived by contemporary designers and made by tradition craftsmen with ancestral techniques. Likewise it seeks to enrich the design scene by promoting ancestral uses and customs. The designers who worked in the collection 00-composed of carpets, cases, carpets, mirrors and lamps, among others- were Girasol Botello, Adán Cárabes, Alma Gálvez, Madga López de la Mora and Flavien Juan Nuñez.

Taller LU’UM is characterized by having an innovative line

with good-quality finishes, current and propositive design, using eco-friendly technologies and whose sales benefit the small communities which work under a fair trade and sustainable development scheme. www.tallerluum.com.mx

Giving value to craft design P. 56

By Luis Mercado Images Courtesy Of La Metropolitana, Oscar Hagerman, Zafra Design In Mexico, we are far from seeing our designers working like our colleagues work in other parts of the world; I am referring to collaborating directly with a company to propose, develop and improve its products that can be made by complying with the new environmental rules to offer a competitive advantage and add value to the brand.

In general, companies in Mexico do not have the vision for using the design as an integral part of their business strategy. It is extremely uncommon to see in a company a designing department or an external service contracted.

Companies prefer keeping making up the same things they have done for years or simply copying existing products. They even came to the point of implementing a term to conceal that what they are doing is copying/ plagiarizing and they say they are doing “reverseengineering” or “tropicalizing” a design or product.

Many designers, frustrated by the companies´ lack of interest, have taken the initiative in producing their designs by theirselves and in commercializing them. There are numerous examples showing the same designer – alone or in a group – designing, making and commercializing their designs.

Because they do not have access to the industrial processes, the designing proposals are limited to the available resources for their production. This means that designers have to consider a series of specific needs, for example: manufacturing with a handicraft or semi-industrial process where equilibrium between the production cost and a competitive selling price may be found.

They can hardly benefit from the scale economy and the costs reduction in large volumes. This is coupled with the fact that it is the same designers who finance their project; they need to keep their development costs to a minimum and they are obligated to propose a design which do not require a large infrastructure investment for their manufacture.

This is the way many designers-business owners have decided to take, and it has the potential to become a new way of understanding the relation between design, production and consumption - if this is not what it is now happening.

In the industrialized countries, it is increasingly common for the people to distrust of mega corporations and their business models; at the same time they start to value more the “hand-made” products (one could say) of a socially and environmentally responsible companies.

When buying a product, consumers take various factors into account: the environmental impact of a product, the generation of decent and well-paid jobs, and, increasingly, the participation of the companies in projects committed to improve society in general.

The common point in almost all the designersproducers´ initiatives in our country is the use of the traditional production processes in an innovative way. We find a fertile ground of ideas and products in the union between the different professions and the designers´ proposal.

As a trade association, we are facing a great opportunity: to use the great richness of artisans and the labor force our country has to develop products which can compete at an international level with a unique production

proposal. And, although there are various successful cases, there is still a great void of communication and collaboration between both parts.

Two challenges the designers are facing are the artisans´ reluctance to experiment new proposals and the lack of professionalization to ensure a constant and goodquality production.

In many cases, the artisans do not receive the knowledge corresponding to their participation in the development of a product, therefore they perceive a lack of value adding to their work and contribution; as a consequence their enthusiasm diminishes and becomes apathy and indifference.

As designers, it is time for us to promote a collaboration culture, recognizing producers/artisans as an integral part of the project and it is time for them to see us as a commercial partner on the long run.

Currently there is no generalized association program neither in the professional field, nor in design and technical and trade schools. If interaction between both parties was promoted, all those involved would benefit by understanding what everyone can bring and they could therefore help each other.

It is time for us, designers, to benefit from the advantages of a country rich in craft tradition where producing pieces with a unique proposal is still possible, and to stand out at international level for the use of materials and production, an area where the industrialized countries cannot compete. luis.mercadorojo@thetreehouse.mx www.luismercadorojo.com

Diego Matthai Creative versatility P. 60

By Mabel Téllez Portrait: Juvencio Bermúdez. Images: Courtesy Of Diego Matthai Arquitectos Architect Diego Matthai who is considered one of the most famous interiorist designer opened us the doors of his new office to talk to us about his family experience, his friendship with Mathias Goeritz and Pedro Friedeberg and how came his passion for art and design.

What are your roots, your backgrounds? For example, let´s talk about the philosophical work of your father, Horst Matthai.

Regarding his philosophical work, I still find things I do not understand. He was a researcher and had an odd life. He was a German merchant and before World War the Second, he was offered a work in Mexico. Some months before war, he arrived with my mom to work in an American oil company. Then he lost his job and began to make chemical products for the textile industry.

He immediately studied philosophy in the National Autonomous University of Mexico and taught classes in various high schools. He began to investigate his own theories and at the end of his life he lived in Tijuana where he was invited to many symposia in various parts of the world. He was a very important person in the philosophical field.

How did your approach to design and art come?

I always liked to draw and to make play-doh figures and miniatures without even knowing what they were, to build things in dimensions without knowing it was the way architects did. I am recovering projects I made from 6 and 10 years old, things I invented; no one was telling me how to do it. My mom had nothing to do with this although she worked with Franz Mayer and in the Goethe Institute in the cultural part of Germany. She often met various architects in that time such as Luis Barragán; I met him

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since I had reached the age of reason; I also met Max Cetto and Enrique de la Mora, among others. They used to meet in a downtown restaurant. I did not recognize them but I knew them.

In 1964 I became a designer of a 22-storey building located in Plaza de la Cibeles, the Miravalle Condominium, where I learned a lot. In that time I got interested in art. I began to practice, to draw with the pencil, crayon, watercolor, oil and acrylic. I realized I was not patient enough to do manual things but the point was to practice designing as an architect with sketches and then to make them real. I used this to materialize simple objects such as chrome pyramids, a trash bin and chrome steel. I began to pictorially make collage with cutouts, silver paper and chrome steel. I liked this latter for it’s reflect as it had a surrealist connotation. At the same time I became friend of various artists, this circle opened doors for me.

At the same time private projects of houses came. I had to make one where the customer was terribly exigent and very specific in the details until the moment when I exploded and decided to have a rest and devote myself to art and design. For a while, I exploited this part, which culminated in an exhibition in the Palace of Fine Arts in 1973. I perfectly remember that there were sculptures with neon lights and things that were not done in Mexico.

measurements, adjusting things and in some cases, I have designed furniture and objects.

I think I managed to define much of my position of the design versus decoration; I start from the same point as architecture: you have a program and you begin to develop the spaces. Some believe it has to be functional, some set the form against the function but you must have the logical wisdom so that things have a purpose. A clear example is Daniel Libeskind who does his own architecture; inside things work such as the Jewish Museum of Berlin: suddenly you reach an external space and the walk re-integrates you. His work is really wonderful.

I like to enter a neutral space, to use, for example, water as an architectural element, because it gives you peace of mind, it receives you. I always try to play with that. I like to analyze things previously; if you walk through a corridor, it is important for you to see a visual overkill. Some mystery has to be given, and things have not to be done so simply. And undoubtedly this can be seen reflected in architecture, art or interior design, for me everything is just one thing. I do not fear anything. Every project I am ordered is a challenge; there is no difference whether it is small or large. www.matthai.net

How is your relationship with Pedro Friedeberg and at that time with Mathias Goeritz?

Gerardo Broissin With an international vision P. 64 By: Itayedzin Aragón And Mabel Téllez Images Courtesy Of Broissin Architects

We were friends but I met them separately. Up to date I keep getting along with Pedro, he is one of the best friends I have in my life. He is a person with whom I have a great empathy, between joke and reality, because sometimes you cannot talk to him seriously.

I met Mathis in the Iberoamerican Univesity; I was part of the last generation, which came from the San Ángel installations, in the former Hacienda of the Counts of Goicoechea. During the last year Mathias taught ceramic design classes; people talked a lot about him. At some point I was in a class to listen to him although I already knew who he was.

One day in the school parking I noticed a scratch on my car and I saw a blue van aside. I went back to university and I asked the secretary´s office for the car. Suddenly a voice behind me said: “I think it´s my car.” This is how I met Mathias. He was a splendid man. Then we were in many places together, for example in the Mer-Cup Gallery.

There, Pedro, Mathias, Sebastián and I exhibited; we were a group. When Mathias went to Israel, he requested me to collaborate in his classes; I was part of it during one month and a half. When he came back, he saw all the classes I had taught and he invited me to work with him.

How do you conceive this relation between design and art?

In my case, all what I do in art is designed. In my mind I propose shapes and finally they are geometric things with some round things. It all begins from design. Now I have drawers who help me; masters in wood, acrylic and steel.

When I work with neon, I do a whole series of sculptures.

Then I realized that the basis is there: choosing the colors and materials. At the end, this is design.

As regards the design of interiors, what is the procedure of your creative process?

It is highly variable; sometimes people order an interior like a house on an existing land or a project with an architectural program: of commerce, offices, apartments or existing constructions. In most cases I have been the architect and the interior designer. I seldom have a case when an architect makes the project and when people request me to finish the interior. In that case, this is decoration but I design interiors and it means getting involved in the project, providing the spaces and

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Thanks to his work, Gerardo Broissin has become one of the Mexican architects with the biggest international influence. His office, BROISSIN architects, sees architecture as one of the more useful tools to improve the quality of life of human being. In this edition we talk with him regarding his architectural performance and how he has contributed to develop the discipline in our country with innovative proposals.

How was Gerardo Broissin at school?

I dedicated myself to working. I enjoyed a lot this stage when you begin to discover architecture and you are filled with illusions; you believe you know everything although, but, at the end, you discover that you learned very little and you feel a sort of frustration when you face professional life.

You feel you are lacking sufficient knowledge; to some extent professional life in Mexico for the architect is still an extension of school, much more than in other professions. What is certain is that one must never stop learning.

What was your first professional challenge? And what are the challenges you are now facing?

The first one was to be part of an office because you are lacking a lot of necessary knowledge; however I was educated in a university, which always instilled us the idea of being a business owner, and this largely helped to go beyond this objective.

Today the challenge is with the profession itself: to make it a factor of change as regards economy, the way of life, global warming, culture, etc… These are so many things we can achieve from our trench and we forget them many times due to fashions, which do not leave value to society; these things give more value than temporary entertainment such as the circus show does.

Tell us about how was the process of founding and establishing your own office.

When I finished my studies, I knew I had to found my office, it was my dream and I sought how to do it: a desk in my family office enabled me to have a place to start, with the computer I only used for my thesis. Soon came

our first opportunity where I sacrificed all my money in exchange for learning; this project went well and this is how other projects came; I was convinced that the work well done is a magnet to face up to new challenges.

Which architectural vision characterizes your projects? Do you consider you have your own language?

It is very early to understand our language; as a team we have been working for only 13 years and I hope there is still a long way to go. For now I don´t distinguish a language as such if you consider it in these terms; our work is something more focused to every customer, budget, constructive viability and times. We are not still prepared to submit our project to an isolated idea, which could forge a determined language-at some point. I understand architecture as a tool that human beings can use to benefit many more people.

Your position is that there is no methodology or process to follow for design; instead of that you think architecture is about having an analysis of each project. Throughout each project development, which step does define your guideline? And which moment do you enjoy most?

Very often it is something intuitive; I know the customer, the site, the needs, the budget, the context and many times one of these elements has more influence than another one has; this paves the way to the creation of a project. We get all satisfied; I never seek impose an idea on another one by personal choice. I enjoy the whole process from the first call until you see the customer smiling in the place where the project ends. I like to come back to the project and see it working without the pressures of the construction or of the inauguration; being there as another user is enriching.

Architecture is perceived through eyes but also through hears with the acoustics and the rest of the senses with the atmosphere, the environment and the textures as in the case of the Cultural Center Roberto Cantoral. Which sensorial experience did you want to offer to the user, from the lobby to the interior?

Undoubtedly the house of music for the composers of Mexico was not a simple task; it became a challenge towards our ability of adaptation and management.

However being with the customers and having the same feelings and sensibility for plastic, colors, space and its atmosphere was awesome. It enabled us to think of spaces, which go beyond their function; they brought an additional charge and some soul.

The concert hall has emotional connotations such as the illumination of the exterior which changes color every 28 seconds in tribute to two beautiful songs of Maestro Cantoral: La Barca y el Reloj; he composed them when he was 28. The red color represents passion and the heart the Mexican composer impresses in his songs, such as No sé tú

by Maestro Manzanero, which is a real poem of memory and love.

Regarding residential projects, how do you conceive the relation between exterior and interior, speaking of architecture for senses?

A space can change radically in its interior due to its exterior context. This is where this insoluble relation is summarized.

How do the materials you use impact on atmosphere? And how is your artwork defined?

Did one of them impress you throughout your architectural performance?

We have been exploring Sonora state with its compacted

earth wall for various months; the compacted earth wall became my favorite material due to its qualities: color, texture and depth; this project, the Itaai, also gained an important place in the life of the office; we hope to finish it early. It has been a titanic effort made by all the parties involved as the ground is not easily accessible and this complicates everything.

In 2007 you were recognized as one of the 10 global avant-garde architects by Architectural Record of New York. How do you conceive the avant-garde in Mexico and abroad?

If we think of the avant-garde only as a movement which goes beyond the borders of what is approved or known towards the visually or mentally incomprehensible or novel, there is a risk for architecture in this statement as you can do an avant-garde thing but without value in the utilitarian meaning for society.

I think that architecture–no matter how avant-garde it may be-doesn´t have to get separated from a strict usefulness sense nor to move away from the material appearance as much as possible although it looks novel.

Which characteristics of the architectural pieces of work left a mark on you?

Works of the classical architecture, the Agrippa´s Pantheon and the Parthenon are some of them; both surprised me by their cared proportion and the management of scales. It is what Vitrubio might have described as “beautiful”.

Currently there is an incipient appraisal of architecture as a collaborative work; the clear example is Glassbox. As its founder, what is the projection you hope to have in future editions? What do you want to leave to society with this project?

To form useful connections between pupils and professionals and between professionals and the government; the aim is to look for projects which benefit specific sectors of society in various fields. I think that we are lacking an honestly inclusive and active chartered body. Glassbox is neither this organism nor it wants to be it but it pretends to spark off activities I consider vital.

With the digital tools, the appraisal of architecture has been more considered as contemplation than as life-based performance. What is your opinion in this regard?

According to Renzo Piano a Cassigioli, today´s technology makes you think you can do more things than you think. Therefore it is not surprising that in classes some pupils show me renders with one or two suns, which come from the North; suddenly technology surrounds them and catches their reason just as in a pot we need to open.

As a lecturer, what are your recommendations for future architects?

I recommend them to prepare themselves; they need to learn, work and have experience in every possible way; it is important for them to look for passion in what they do, there is no better daily vitamin than passion for what we do.

What is the best vehicle of expression for your ideas?

First the idea arises in my mind and I give it a lot of thought before exposing it; it may take days or minutes while the idea is growing. Then I can make the 3D or a schematic or detailed drawing. I enjoy more when I use the paper or the pen but it does not bother me when I make a digital sketch. www.broissin.net

Design is Everywhere London Design Festival P. 72

By Daniel Herranz Images Brands Courtesy The eleventh edition of the London Design Festival was an opportunity to think about the possibilities design can still offer. During the festival presentation, the mayor of London, Boris Johnson, mentioned that it is a wonderful opportunity to summon the designers of all over the world and to strengthen the image of London as one of the cities which have developed and bet on creativity and innovation. This is one of the most important platforms for design, a sector which generates about 15 billion pounds a year for our economy.

However the reflection about contemporary design does not only deal with the economic benefits the discipline can bring to a specific country. It also has to do with the effort to foster creativity around the world; the young designers are becoming small business owners to create more accessible products to a public who seeks to consume design.

Under this framework the London Design Festival offered more than 300 events in various parts of the English city from which the most representative projects were selected

by Glocal Design Magazine. www.londondesignfestival.com

Wind Portal of Najla El Zein in the V&A Museum Designed by the Lebanese artist Najla El Zein, Wind Portal is a structure composed of 5000 pinwheels. Each of them was hand-made and hand-assembled in an 8 meter-high portal. Various plastic tubes form a system which filters a light air flow so that the piece starts moving. According to the designer, the structure represents a transition space from inside to an exterior zone. This defines an exaggeration of a specific sensorial moment every one of us experiments in our daily life.

Wind Portal is complemented by a computerized game of lights and wind which makes its intensity change in function of the intensity and the angle, sparking off different stimuli. www.najlaelzein.com

28.280 by Omer Arbel and Bocci in the V&A Museum 28.20 is a giant candelabra composed of 280 lights which are hung from the first floor to the main atrium of the V&A Museum. The structure was designed by Omer Arbel in collaboration with the illumination firm Bocco which crafted by hand each of the crystal spheres used.

Held by copper threads of approximately 30 meters long, the lights welcome the visitors of the museum.

The structure objective was to explore the open height of the monumental building and then to create a phenomenological experience for the spectator. Besides the structure is linked to the research the Canadian company is leading to innovate the blowing techniques. www.omerarbel.com The Conductor by Faye Toogood in the Showroom of Estabilished & Sons Faye Toodood´s structure is made from fluorescent lights and switches inserted in resin cubes and plenty of cables.

Located in the showroom of Estabilished & Sons, it is an interactive piece which can recreate a rhythmic symphony through a giant zinc-plated steel circuit. Various iridescent steel and zinc screens were placed in the wall to flood the space with color; it is the main element of the furniture collection the Japanese architect Jo Nagasaka presented as part of the London Design Festival. The equalizer can be used by the visitors and changes the course of music and the light patterns. www.fayetoogood.com

Makoto Azuma Workshop Houte Culture P. 83

By Alberto Arango And Ramiro Guerrero Photography Shunsuke Shiinoki Cortesia De Tounoki Co., Ltd. Makoto Azuma has excelled in the world thanks to his constant experimentation with plants and flowers. His work aims to increase the existential value of plants, through the creation of artistic works.

In this issue, he talks about his creative exercise and participation in the first edition of the Abierto Mexicano de Diseño.

I understand that your first approach to art was through music; could you tell us about this?

Before I enter the current field, I was pursuing music career. Even today, I listen carefully unseen “sound” of flower and plants when I work on my pieces. I feel that in my case, the sense of hearing is the most stable organ among the five senses. In order to create pieces of work, I need to let plants speak and listen to their voices.When I combine different kinds of plants, I try to listen each voice.

It might be something beyond the level of linguistics, but it is not something supernatural.

Also, sounds fade away and melody is created by their resonances as they overlap each other. We see such momentary beauty in flowers, too, which bloom then wither. In terms of capturing such beauty of the moment, I believe music and flowers may have something in common.

After moving to Tokyo, how is it that you linked your path to flower´s?

I came to Tokyo, aspiring to become a musician. But I needed a job to live on, so I found a part-time job that happened to be a floral wholesaler. Having seen the world of flower where they blossom then wither, I became obsessed with their expressions and allures found in each moment. This is how I was drawn into the current field.

What is it that you like the most about working with flowers?

It is a plant that drives my passion to flower art. There are unlimited species of flowers and plants on the planet, and each ofthem have different features. A plant has its own beauty and preciousness at every moment from sprouting, blooming and even to decaying, and that is different from one by one. My mission is to transform their potential beauty into even more fascinating state (art piece) with my hands. As long as I encounter new plants and continue working with them, I believe my passion will last forever.

Is there a common or recurrent emotion in you as you work?

I would always like to find and express unfound aspects of plants, which even they would have ever imagined, in order to invoke people’s imaginations and to pursue new possibilities. I believe my mission is to implant plants in people’s hearts, to enhance the value of plants’ existence.

In the introduction to your second book, you write about the spirit of punk, how does that spirit reflect in your work?

As you read in “Flower and I”, the spirit of punk for me is not about sticking my middle finger. It is about facing the lives of plants squarely and continuing to create new values and possibilities because I cut off their lives with my own hands.

What inspires you as an artist?

My inspirations always come from flowers and plants.

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When I create pieces, I always think about how I can capture a new expression that a plant owns, with what kind of plants and flowers I should combine, and how I can transform it in order to enhance its charms.

Is there a song that could exemplify your working technique?

Nothing in particular.

What is the process of your creations? After the idea is born, what do you do to turn them into reality?

It depends. There are times when I get inspired by looking and touching flowers and plants with my hands.

Or, sometimes I think about a concept first and then start working.

What do you imagine Mexico is like?

I have an impression that Mexico coexists with ancient civilizations and its people, and that the city is filled with energy. Not only it is the cradle land of ancient civilizations, but also the cultures and a number of archaeological monuments continue to attract people. I am very curious and interested in these elements. Also, I feel that the countries in South America are filled with energy and vigor of people to live; their abysmal brightness, friendliness, and lively faces come to my mind when I think of Mexico. Therefore, I am very honored and grateful to be able to present my work in Mexico.

You have worked many times with bonsai. What is your approach to this living material as opposed to withering flowers?

Among all plants, a pine tree is especially a vital plant, and itpossesses complex forms of beauty. I use pine trees often because I feel that strength of the tree’s life is condensed within Bonsai’s microcosmic world. Compared to Bonsai, the lives of flowers are much shorter and ephemeral, but the momentary beauty is equally precious.

Some of my pieces focus on the process of decay.

Though some do not directly display the concept, every one of my pieces contains such element. Since I am working with living creatures,my works would not complete without elements of “life” and “death”.

Who are your teachers?

I established my style on my own and do not have any particular master or any traditional style that I follow.

There is an interesting picture of you vowing to a platycerum, is this how you communicate with plants?

Since I am touching flowers and plants that are already beautiful and venerable in natural environment, I always prepare myself to intervene in something sacred and life itself, then face with them. Talking about the handling of flowers for instance, if I am arranging with a right hand, I always put my left hand. Like this, I never do any odd jobs.

As I clasp my hands in prayer toward plants before starting my work, I always have a sense of respect to them. www.azumamakoto.com El Último Grito Exploratory character P. 88

By Gala Fernández Photo: Courtesy Of El Último Grito El Último Grito is a creative group based in London founded in 1997 and composed of Roberto Feo and Rosario Hurtado. As part of the Abierto Mexicano de Diseño, it will undertake an intervention in the Street of Moneda, downtown on October 24th and 25th where the participants will use recycled materials to

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explore the social, political and philosophical nature of the relations with objects.

El Último Grito works within the boundaries between art and design. For the world of art it is a group of designer and for the world of design it is a group of artists. Honestly it is difficult for them to understand this distinction.

Their work as well as their life is nourished by a large range of influences such as philosophy, sociology, cinema, literature, comics and food which reconfigure the development of their work made at the same time and without discrimination.

They are probably part of the generation Alessandro Baricco calls “the savages”. They understand culture and their objects from a multitude of perspectives generating interpretations of the world around them through an informative collage-where all their elements are handled without establishing a cultural hierarchy.

According to El Último Grito, “these new forms of generating knowledge do not coincide with the disciplinary disciplines imposed by the academy and the market. Therefore there is a clear mismatch between what the market offers in terms of partial products and what the new generation of consumers demands”. This generation is what they call: Post-Disciplinary.

As a consequence, El Último Grito describes itself as a Post-Disciplinary design studio because it does not recognize the existence of disciplines but recognizes the process whereby people materialize their thoughts through signs, symbols, objects, food, images, buildings, languages.

In this respect, the studio states: “To understand us from now on we call these materializations objects. As humans we needs to convert our ideas and observations about the world into these objects to be able to decode it, understand it and relate with it and with the rest of humans. We call this a set of objects culture or knowledge which is therefore also an object.”

Knowledge is acquired and analyzed through design processes. For example in the laboratory context, different theories are tested; they are objects elaborated through both grammatical and mathematic or chemical graphic languages. To male this analysis take place, it is necessary to design the object-experiment, which will enable us to materialize the theory.

Finally, the design purpose is to decode the world around us with the aim of transforming it in a “nicer” and/or “manageable” field for man. To do so, we have developed tools, which enable us to interpret the world around us by creating social, material and spiritual architectures which help us to convert more complex ideas into “objects”.

Let us take the example of the word mountain. It represents the mountain object; if we requested any person to draw it-supposing that they have ever seen one-everybody would draw more or less the same: a line inclined which goes up until a certain point and symmetrically goes down to another one.

So the word mountain has a graphic correspondence with an object, which represents the mountain in our mind.

Simplifying it, we call this typology.

Chuck Palahniuk, through the mother character in Choke (2001), gives us a good example of mediatization of knowledge and creation of typologies: “This great and glorious mountain. For a moment, I think I really saw it”. (…)

For a moment the Mother saw the mountain without thinking of neither ski slopes nor avalanches, neither tectonic and geological plate nor microclimates, rains or ying-yang points. She saw the mountain without the frame of language. Without the pressions of associations.

She saw it without looking through the lens of everything she considered true about mountains. What she saw, in a flash, was not even a “mountain”. It was not a natural means. It did not have a name. “This is the goal”, she said.

“Finding the cure against knowledge”. “Against education.

Against living in our heads”.

In this regards, El Último Grito explains: “ the need

for the western world to separate knowledge does not enable us to contemplate the “mountain” simultaneously from all the points of view and even beyond this without any approach learned as the mother of Palahniulk´s novel manages to do it.

Therefore the challenge for us is to create “objects” which dissociate from learned ways of representations, which dictate some ways of life, work and communication.

As a consequence our work has always an exploratory character, creating “exploration objects” we send to the world through speculative, commercial and educational projects, which contribute to shape and expand our vision of design as a central process in the creation of culture.

Most of the industrial part does not still take into account the change which is producing in the world and its incapacity blames the crisis to readjust to this new generation whose values are not represented by it.

As far as we understand, the first step for industry, especially for the non-technological industry, is to understand which are the citizens´ worries in the current society and to propose directions where the industry finds its place again and to redefine its role in the 21st century. This should be the central work of design in the industry and therefore to reach a connection with the “super-sophisticated” generation which no longer accepts totalitarian visions of what we call culture. www.eugstudio.com

House in the Pyrenees, on the verge of modernity Cadaval & Solà-Morales P. 100

By Editorial Photo Courtesy Of Cadaval & Solà-Morales In Caneja, Spain, there is a house designed by Architects Eduardo Cadaval and Clara Solà-Morales, a project that re-uses an old construction to give it more functionality and sustainable criteria.

On a dry stone ruins, in Valle de Arán, Spain, the interior design office Cadaval & Solà-Morales built the House in the Pyrenees, a project which respected the architectural values of the old barn and the characteristic intrinsically belonging to this construction: solidity, minimum openings, darkness and mass.

It is a 360-m2 completely sustainable project which is made up of a series of interior plans supported by boxes used as structure and division of spaces; besides they generate continuity along the house which can fortuitously be broken in an inflection point to convert it into two independent houses.

The proposal conserves the original structure and makes a minimal but contrasted intervention; it generates new spaces adapted to new uses: the interior space illumination was achieved thanks to the roof of the structure.

The illumination was a privileged characteristic as the edifice context wanted to be exploited. This is why a large window was built on a structural weakness point of the dry stone wall; this window opens to the valley that surrounds the house. Besides the windows provides a direct view of the surrounding mountains.

The rooms respond to the traditional architecture conditions although they are distributed and organized with minimalist tendencies and respond to the new realities of use. The idea was to create interior spaces aimed at providing its inhabitants with the maximum quality of life. www.ca-so.com

Casa Cumbres, blurred interiors Héctor Barroso workshop P. 104

By Editorial Photography Courtesy Of Taller Héctor Barroso

IN MEXICO City western zone, there is Santa Fe, one of the areas of greatest growth over the past few years; Casa Cumbres is locates in an estate.

The 635-m2 project has been implemented in an interior courtyard, making the building intimate and discreet. The limits corresponding to the interiors and the exteriors fade away in order to give more fluidity to the space. From the courtyard come off the different areas of the architectural program as well as an extension of the living room as it can be completely opened by its two fronts and its illumination and air circulation can be increased to be emphasized in exteriors. The courtyard was the main element of the architectural composition.

The volumes resulting from the project acquire personality through different textures; the main façade was made with pinewood and natural stones and, due to its color characteristics, provokes a contrast in the two house levels. Finally in the rooftop there is a set of lines and lightnesses to such extent that the unique cover is a floating slab made of steel beams and it is used to home the playing area and take advantage of all the remaining zones.

Again the interior keeps connected with the exterior through sliding glasses from the floor to the ceiling.

Founded in 2012, Héctor Barroso workshop develops architectural projects of various scales which respond to an extensive research in order to achieve specific solutions for everyone. The multidisciplinary team is composed of engineers, landscapists and designers who seek to impact positively in the people´s quality of life.

Casa Cumbres project which was led by Arquitect Héctor Barroso benefitted from the collaboration of Alejandro Cortina, Rafael Montiel and Flavio Velazco. www.tallerhectorbarroso.com

CASA L, contrast between lights and shadow Serrano-Monjaraz Arquitectos P. 108

By Editorial Photography: Jaime Navarro, Courtesy Of Serrano-Monjaraz Arquitectos Developed by the office Serrano-Monjaraz Arquitectos, the Project Casa L is located in Valle de Bravo at the foot of La Peña3, therefore the structure made possible its integration into the natural site and the enjoyment of the views over the lake.

Casa L is a 943 square-meter house composed of three levels, which take full advantage of the uneven land topography and of its location in a small peninsula of the Valle de Bravo dam; due to this characteristic, the house is in a temperate microclimate.

Likewise to take advantage of the land conditioning factors, the office built large windows, which combined with concrete and stone walls. This resulted in a space keeping a fresh temperature during the day and heat at night.

The materials textures such as poured raw concrete, granite and wood recovered from public areas and traffic paths are monochromatic transitions which emphasize the light flow through the concrete walls producing lights and shadows contrasts to make people enjoy the views to the lake. The house access is one of the most singular elements: a double-height large corridor makes the connection with the superior floor only decorated by high walls and hanging lamps and whose interior covered with blue color breaks with the grey tones of that zone. While the accesses are monochromatic, the rooms are eclectic as regards colors, textures and interior design. www.serranomonjaraz.com

Casa AV, crossed volumes Gantous Arquitectos P. 112

By Editorial

Photography: Michael Calderwood, Courtesy Of Gantous Arquitectos LOCATED IN Mexico City, Casa AV is a progressive architectural experience as its discreet façade reveals the warm interiors of the building.

Casa AV was especially built to take advantage of the topography of the place as it is located on an extreme elevation over the city. The 1400-m2 residence is surrounded by its gardens through a pedestrian bridge which also makes a connection with the entrance hall.

The whole building unfolds as a series of volumes which cross each other; its variable dimensions express the scale as an important element; the four levels are perceived as a whole, from the street to the garden.

El conjunto se desarrolla como una serie de volúmenes que se intersectan, sus dimensiones variables expresan la escala como un elemento importante; los cuatro niveles se perciben como un todo, desde la calle hasta el jardín.

The building has apparent concrete finishes of warm tones and sandstone, the floors are made of etched marble.

Different terraces are located in different points of the house which offer open spaces and the six-meter large windows give panoramic views to the city. The private area of the bedrooms is contained by the gardens.

Gantous Arquitectos office is run by Claudia and Christian Gantous who consider themselves as detail architects since they get involved in the whole architectural process from project conception to building. Among their architectural labor, some works stand out such as Javier Marín´s House/ Studio, the rehabilitation of the main concert halls of the Palace of Fine Arts, the Embassy of the Kingdom of the Netherlands in Mexico in addition to the altarpiece and the presbytery of the Cathedral of Zacatecas.

Gantous Arquitectos team is composed of Miguel Vives, David Mayen and José Luis Gutierrez; Quintanilla Aqruitectos was in charge of the building and Aplenosol carried out the landscape design. www.gantousarquitectos.com

Malamén, collage of details Ricardo Casas Design P. 118

By Editorial Photography: Jaime Navarro The interior design of the restaurant Malamén has been taken care of by Ricardo Casas who projected an eclectic atmosphere with old objects under an illumination, which evokes tradition and history.

Located in 121 Emilio Castelar street, in Polanco, Malamén is the first restaurant of collage cooking, term which has been taken from a recipe book of María Lamartine Mendoza, an impetuous woman who is said to have brought more than one idea for the magazine Interview of Andy Warhol in 1970 and is rumored to have been of the firsts muses of Karl Lagerfeld.

This personage played with different recipes of different places of the world; from this came various dishes and then the design concept developed by Ricardo Casas who recovered fragments of the history of the woman who gives its name thanks to the memories kept by her descendants.

The graphic image and the illustrations were made

by Marco Colín of Avión Gráfico- comprehensive design office, which involves graphic design and branding. As no one knows how Malamén really was because she avoided the cameras from an early age, more than the 150 drawings created by Colín, which decorates the place, are simply approaches to the definition of a legend.

The environment is full of Malamén life episodes: her adventures, trips and memories showed in the photos, books and an old set of dishes hung on a wall.

Inside you can see a combination of objects of her time under an illumination, which evokes the trips she made around the world. The black, white and grey ceramic floor matches with the chairs and the glass lamps -in shape of recovered bottles-, which hang from the ceiling rosettes.

Besides the installation of golden trays located at the back of the restaurant contrast with the neutral tones of the walls and various incisions in the brick wall allow a warm light to go through in order to create an atmosphere which evokes the time of the bohème life. www.ricardo-casas-qvnd.squarespace.com www.malamen.com

Dulcinea, Urban cooking La Metropolitana P. 120

By Editorial Photography: Luis Guerrero, Courtesy Of La Metropolitana IN POLANCO, one of the most exclusive areas of Mexico City, there is Dulcinea where the passion for cooking the Mexican flavors with local, fresh and highquality products is expressed.

Dulcinea is a restaurant in constant search for the gastronomic beauty, in flavors and textures, where La Metropolitana was invited to redesign its image and also to make the interiors and the furniture. The collaboration was carried out between Mauricio Guerrero, Renata Prieto y Adriel Macedo, part of the multidisciplinary team of La Metropolitana, a studio focused on the generation, management, analysis and materialization of design and architecture.

Regarding the restaurant, they took their inspiration in a fragment of Don Quixote which alludes to Dulcinea´s beauty, comparing her with corals, pearl, alabaster, marble, ivory and the sky, elements which were visually applied in the interiors of the establishment.

Dulcinea Polanco is a small space, suitable for few customers who are welcomed by the homonymous chair especially made for this restaurant; in its interiors, the use of aged wood with the restaurant logo stands out.

By redesigning its image in 2012, the project goals were to emphasize the origin of the products used in the kitchen and to apply the same care to the selection of materials of the dining room. A variety of solid woods, stones and crude steel has been selected; besides all this has been complemented by a lighting work based on incandescence.

The use of ceramic as a decorative element is undeniable, which creates a relaxed atmosphere but with more formal touches such as the bar which invites us to drink a cocktail on the granite counter. www.lametropolitana.com

La Favorita, the turn on tradition ARCO Arquitectura Contemporánea P. 124

By Editorial Photo Of Jaime Navarro, Courtesy Of Arco Arquitectura Contemporánea Mexico is characterized by its love for the popular traditions, and this includes its gastronomic habits, for example the snack bars which have a long history and are synonymous with appetizer. With this tradition in mind, Arco Arquitectura Contemporánea developed the interior project for La Favorita, a proposal for the cooking of Mexican appetizers, located in Avenida Insurgentes.

Clients can see the food preparation area as it is the central element of the space and it also serves as an excellent entertaining for the people who surround the bar. There is also space between the tables, which can be placed in different ways depending on the needs that may arise.

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The palette of colors and the finishes selected respond to the needs of operation of the space and the design of the image of the place, which, together with Ernesto Moncada´s graphic design, create a contemporaneous atmosphere that pays tribute to the traditional Mexican snack bar. Although the space has minimum dimensions, it surprises due to the combination of graphic and industrial design. The selection of the material ranges from wood, gypsum tile mosaic to exposed concrete brick.

The project has been made in collaboration with Architects Oscar Sarabia, Jonathan Herrejón, Guillermo Martínez, Federico Teista, Nahela Hinojosa and Emanuel Galvez. www.ar-co.com.mx

Todd English’s Olives México, adaptation of the tradition | MOB P. 126

By Editorial Photography: Catalá Todd English, chef coming from Texas, arrives to Mexico with Olives, a restaurant which offers modern mediterranean food and whose interior design has been taken care of by MOB. Olives Mexico, located in the Park Plaza mall in Santa Fe, is the little brother of the restaurants of the same name, which are in Las Vegas and New York, and the first of the family, which was inaugurated twenty-three years ago in Boston, in the famous Charlestown district.

The design concept developed by MOB sought to create a modern, elegant and also comfortable space. The design of the terrace was first commissioned and was followed by the design of the main hall, which already had some finishes.

The objective was to make known a large culinary offer, which transmits the diversity of the mediterranean rustic cuisine interpreted by the award-wining chef Todd English in a relaxed atmosphere.

The most recurring materials are woods; some topquality woods were combined, such as the Tzalam, with other recycled ones, which contrast with granite and marble. Inside, the wooden lattice matches with the backs of the booths and the covers of the tables where woods pieces were embedded with different tones.

Besides, upholstery and its ranges of color are fresh in order not to lose sight of the proposed mediterranean atmosphere. The floor is a hand-painted cement tile while the crystal spheres of different tones, which illuminate the space at different heights, respond to the concept.

The wooden shelf inserted into the crystal cube gives a welcoming atmosphere. www.mob.com.mx

Penny Lane, English accent Niz+Chauvet Architects P. 128

By Editorial Photography: Patricia Madrigal Courtesy Of Niz+Chauvet Architects PENNY LANE takes its inspiration in the London way of life and gathers two enjoying elements: food and fun as it is a restaurant, which has an eight-line bowling area.

Located inside a shopping complex, Penny Lane has two accesses: one from its open-air terrace and the second one from the inside area of the mall. The whole place is split into two areas: the terrace and the main hall, which are connected to a square bar which provides the whole place with services.

The main hall has twelve tables for the customers and two top granite bars. The area is decorated with various lattices made of natural wood bowling pines, with a vintage look. The hall room and the bowling lines are separated by a screen made of metal rectangles which enables to see fragments of every spot, which gives

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transparency and privacy at the same time. The floor and part of the ceiling are covered with engineered wood and finished in walnut color. The services room which is decorated with the same floor board is at the back of the dining room. The lightening comes from the ceiling and projects warm touches to highlight the ceiling boxes and some pieces of furniture.

The terrace area is fresher: the floor is a chess-style square of thassos white and black granite marble. This zone has twelve tables in an ipe wood platform, which is ideal for outdoor use due to its hardness and stability. The terrace is surrounded by metallic jardinières.

Besides, in the bowling area, there are seven support rooms for the game lines. The walls are decorated with large-format photographs. The floor and the ceiling were made with the same wood used in the main hall; likewise a dented system was designed to minimize the sound of the ball and of the bowling pins. The columns of the building were covered by white textiles, which serve as screens as they have a LED lighting that are color-changing, which emphasizes the entertaining atmosphere. www.niz-chauvet.com Rocambolesc Ice Cream, an ice-cream parlor lost in time Sandra Tarruella Interioristas P. 130

By Editorial Photography: Meritxell Arjalaguer Located in the district of Girona, Spain, Rocambolesc is an ice-cream parlor lost in time. It is the newest project of the Roca brothers, renowned chefs who decided to establish a place dedicated to ice-creams.

Under the supervision of the studio Sandra Tarruella Interioristas, Rocambolesc has a vintage atmosphere as it takes up various iconic elements of the old ice cream parlors and mixes them with the fantastic esthetic of Charlie and the Chocolate Factory. The result is a space full of colors and details, which generate a welcoming and luminous atmosphere.

Betting on something different is the good choice taken by Olga Pajares, the responsible of the project, in collaboration with Ricard Trenchs and Elsa Noms. The choice of the materials was based on the funny experience willing to be given to the customers. Wood used in the floor and the shelves as well as the pastel blue in the front wall contribute to create a fantasy world.

The wall behind the counter is a giant ice creams making machine which does not only give the sensation of concentrating the whole life but it also works. This small ice cream machine emits lights and sounds when preparing the orders.

The decoration of the place is complemented by a mirror which is used to write the ice cream flavors–just like the old ice cream parlors did-and by pipes which run through the place and become a bag, teaspoon or napkin dispenser and a bench/bicycle designed by Andreu Carulla. www.sandratarruella.com The Roxy, underground elegance Design LSM P. 132

By Editorial Photography Courtesy Of Design Lsm The Roxy has recently been recognized as the Best London Bar 2012, won prizes such as the Best of Bar and Restaurants Design 2013 and was crowned a trendy place for night-life.

Founded in 1988, the studio Design LSM was in charge of transforming the famous night club of London in only ten days. The place has been designed as a bar in a basement located next to Oxford Street. Design LSM team worked in collaboration with the designers of the brand DT Practice to create an intimate and surprising interior.

With a reputation built by its dance floors and long

party nights, the interior design was focused on furniture and illumination; the booth-like armchairs covered with black leather are framed by incandescent lights; the same lights are used to illuminate the service bar with different heights positions. The bar support is decorated with ceramic tile applications in white and black colors laid in zig zag lines, a pattern repeated in the lobby which welcomes you.

The graphic identity work is used as decoration thanks to the posters placed in the bare partition wall. Furniture boasts the high benches made in metal designed to be stacked and to open up room for the dance floor.

Design LSM is a studio composed of more than 25 designers; its offices are located in Hove, very close to Brighton, England. Among its works, we can find interior design, architecture and branding service for hotels, restaurants, bars, stores and residential properties. Most of their projects are in Europe, the United States, India and China. www.designlsm.com Sergei Grinko The new classic P. 134

By Micaela Ibarra Images Courtesy Of Sergei Grinko Currently, Creative designers go beyond a simple speech; many of them venture out to mix roots and cultural styles to create pieces of clothing rich in context and proposal.

This is the case of Sergei Grinko, a designer who became a major actor in the international scene thanks to his collections inspired from various cultures.

Sergei Grinko´s work can well be understood as a geographical accident. He was born in Russia but he now lives in Italy. He studied in Dubai before moving to London; however, his dressmaking work is more influenced by Japan´s culture than by Moscow´s one.

His inclination for fashion is due to his desire to confine into a piece of clothing all the inspiration he finds in all the places he visits; ranging from the London nostalgic atmosphere to the customs of the Middle-East countries, including the commercial cities like Paris.

The Made in Italy certification of his brand, Maison Sergei Grinko, made him one of the best talents of the new wave of the emerging designers based in Italy.

His work is deeply linked to the organic forms and the anatomic details. However, Sergei’s proposal evolves according to every design´s needs. A constant in his collections has been to follow the romantic patterns. For the Autumn/Winter season 2013-2014, he presented a collection that surprised many.

Based on a naturalist theme, Sergei made up pieces of different length in colors that immediately evoke autumn.

Wool, fur and leather were used to create structured dresses and coats.

The impeccable execution, the combination of materials, the superposition of the decoration and the smooth care captured the feminity in all the clothes of the collection. The accessories were another important characteristic: hats and necklaces showed the designer´s approach with nature. www.sergeigrinko.com

croquis

B EHIND NICHETTO=NENDO Imágenes cortesía de N=N

En diciembre del año pasado, Luca Nichetto y Oki Sato se reunieron en Estocolmo, Suecia, y durante una charla de café hablaron sobre el diseño y el trabajo colaborativo entre diseñadores, tal y como lo que ocurrió entre Ettore Sottsass y Shiro Kuramata.

De ahí surgió la idea –un poco en broma– para hacer productos en conjunto y al mismo tiempo respetar el trabajo del otro.

Durante las vacaciones de invierno, Oki ideó un sistema colaborativo inspirado en un proceso de la cultura japonesa, mediante el cual una persona compone las primeras tres líneas de un breve poema conocido como tanka, después los envía a una segunda persona que agrega las frases finales. El método fue ideal para la alianza Nichetto=Nendo, ya que los diseñadores intercambiaron bocetos e ideas. Oki enviaba propuestas que Luca llevó a la conclusión, y viceversa. Todo esto ocurrió en un lapso de pocos días y ambos diseñadores aceptaron el trabajo del otro por completo.

Luca Nichetto es un diseñador industrial italiano. Inició su actividad profesional en 1999 para la marca Salvati. En 2006 fundó su propio estudio, Nichetto & Partners.

Nendo es un estudio de diseño fundado en el 2002, por el arquitecto canadiense Oki Sato. El trabajo del estudio se desarrolla en varios campos: arquitectura, diseño industrial y arte gráfico.

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objeto glocal

Nichetto=Nendo Fotografía Hiroshi Iwasaki, cortesía de N=N

Escanea para material extra

El resultado de la colaboración entre Luca Nichetto y Oki Sato, fundador de Nendo, fue una serie de siete productos que involucraron varias empresas y proveedores, mismos que fueron exhibidos en el Foro Bonaparte de Milán, durante el Design Week de este año.

Los objetos son: Repisa Shelves in a comic, que consiste en hojas de vidrio satinado, fabricado por Glas Italia.

Candelabro Wedge of matter, en dos versiones. La versión de latón está fabricada por Ochiai-Seisakusho y Kadowaki Coating, mientras que la versión de mármol con acabado mate está producida por Testi Fratelli.

Lámpara Paper ice cream, hecha de fibras de papel teñido en varios colores, en colaboración con Foscarini y Taniguchi|Aoya Washi.

Mámpara Trellis bandaged, marco metálico con textiles altamente elásticos, con apoyo de Innofa y Vertigo Metals.

Sofá Bridges for islands, sofá de dos componentes con mesa lateral, fabricado por Casamania e Innofa.

Tapete Fish skin on the roof, hecho de tres módulos distintos, en diferentes colores. Producido por Ogeborg.

Banco Portable pot, banco portátil de corcho que puede funcionar como mesa auxiliar, fabricado por Discipline. www.lucanichetto.com www.nendo.jp

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