TIMELESS MARBLES
Una selección de mármoles que trasciende las tendencias fugaces de arquitectura, diseño y arte . Estos mármoles no solo conservan su belleza natural, sino que también mantienen una elegancia atemporal , asegurando que perduren en el tiempo como símbolos de refinamiento y clase.
Editora Fundadora
CEO
Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx
Directora Editorial
Martha Lydia Anaya martha@glocal.mx
Diseño Maestro
Gensler México
Diseño de Edición
Sandra Montiel
Coordinadora de contenido especial Monserrat Navarro Canadilla montse.navarro@glocal.mx
Coordinadora General
Caly Pérez caly.perez@glocal.mx
Gerencia Comercial
Alexandra Becerril López alexandra.becerril@glocal.mx
Redactora Jr.
Silvana García redaccion01@glocal.mx
Colaboradores
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Claudia Cerezo
Corrección de Estilo
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Consejeros Honorarios
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Miguel Ángel Aragonés
Jorge Arditti
Arturo Arditti
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Fernando Camacho Nieto
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Juan Manuel Lemus
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Carlos Pascal
Gerard Pascal
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Sagrario Saraid
Contabilidad
Víctor Villareal
Contacto glocal.mx info@glocal.mx
Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 5533 6818
Portada Arte por GENSLER
Portada Arte por Refik Anadol
Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C. V. Revista Bimestral febrero - marzo de 2025. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México. Impresa en: Smartpress Vision, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 55 5611 7420.
Ir a las raíces y ver qué parte de esa esencia seguía intacta y, desde ahí, entender qué era necesario realizar para cambiar de página. Desde hace tres años me he preguntado cómo continuar a la cabeza de un medio independiente y seguir vigentes al tiempo de seguir aportando a la comunidad que hemos construído, pero también sabiendo que debemos de establecer un puente con los personajes con quienes aún no conectamos y con las nuevas generaciones de creativos quienes ven en la inmediatez del mundo digital, un espacio muy democrático en donde presentar su trabajo. La respuesta llegó después de estar 6 meses hojeando ediciones anteriores; leyendo
libros que nos inspiran; revisitando museos y viendo compilaciones de nuestros recorridos por las ferias. Y así, regresamos al día uno en donde la intención era clarísima: escuchar a los actores del medio creativo, pero ahora desde la perspectiva que te da la experiencia de 15 años como medio especializado –y 26 años de práctica personal en los medios de comunicación–. El resultado: escuchar y retratar las historias que nos sensibilizan como humanos y que nos unen como seres ideológicamente progresivos. Sí, ¡Que viva la tecnología y su inmediatez!, pero es indispensable detenerse a mirarnos entre nosotros para crear diálogos y de ahí nexos que nos hacen crecer como sociedad.
Y qué mejor manera de presentarnos una vez más que con una portada hecha por el genio creativo de la Inteligencia Artificial, Refik Anadol, con quien
tuvimos la oportunidad de platicar y quien, a través de su proyecto Inner Portrait con Turkish Airlines, leyó lo que sucede con el cerebro humano y lo hizo arte gracias a la data que obtuvo en meses de entender la mente y sus cambios ante la adversidad.
También, la otra cara de esta nueva edición, viene de la mano de una alianza con una persona a quien conocí en mi primer trabajo: Nadja Borrás, y no cuento la larga historia pero sí puedo decirles que ambas hemos visto el camino de la otra, y gracias a que hoy ocupa una silla importante en Gensler México, fue como supe que ese gigante de la arquitectura mundial, también hacía branding y diseño editorial, ¡y de qué manera!.
Y sí, hoy con esta revista que tienen en sus manos, comienza una nueva historia de evolución, y sí el cambio lo verán en cada edición pues todo el año estaremos celebrando que somos un producto orgullosamente local y Hecho en México, pero seguimos tan únicos, como en el inicio. Seguiremos viendo que los demás nos siguen –gracias para los que somos inspiración–. Seguiremos aprendiendo y seguiremos construyendo sólidos puentes para dar a conocer lo mejor del diseño, la arquitectura, el interiorismo, el arte, la tecnología del enorme mundo creativo Glocal.
¡Los invitamos a celebrar nuestro año 15 durante todo este 2025! Ya viene: Glocal TV, nuevo podcast y varios proyectos que irémos anunciando durante el año. ¡Gracias a nuestros lectores, a nuestras audiencias, a nuestros clientes, a nuestra comunidad, a mi equipo de trabajo! Gracias TOTALES.
Chef Martha Brockman. P.54
Gensler. P.60
Greta Arcila. P. 74 / Homero Hernández. P. 76 / Francisco Serrano. P. 78 / Félix Sánchez. P. 88 / Mario Schjetnan. P. 98 / Enrique Norten. P. 108 / Lorena Vieyra. P. 118 / Uribe & Krayer. P. 128 / Verónica González Zavala. P. 138
The Orchestra Park. P. 150 / Parque Acóatl. P. 156 / Mercado 22 de Noviembre. P. 162
Casa HMZ. P. 168 / Casa Tate. P. 176 / Casa Lacustre. P. 184 / Privada Catorce. P. 190 / Casa KEM. P. 196
Fashion Icon from Papis Loveday. P. 208 08 / Enfoque 07 /
01.
MASA X Luhring
Augustine
MASA Galería
Hasta el 29 de marzo
Joaquín A. Pérez 6, San Miguel Chapultepec I Secc, Miguel Hidalgo, CDMX
Explora el diálogo artístico entre creadores de diversos contextos. En el espacio histórico de MASA en CDMX, la muestra reúne artistas y diseñadores en una conversación fluida entre lo matérico y lo conceptual. A través de distintas disciplinas, celebra la afinidad entre formas, ideas y procesos, destacando la colaboración como conexión y experimentación.
02.
2 feet in 1 bucket of ice; Yann Gerstberger
OMR
Hasta el 5 de abril
Córdoba 100, Roma Norte, Cuauhtémoc CDMX
OMR presenta 2 Feet in 1 Bucket of Ice, la segunda exposición individual de Yann Gerstberger. Sus nuevas obras, creadas en la costa del Pacífico mexicano, incluyen pinturas y tapices con fibras de algodón teñidas a mano. Inspirado en la cultura popular y la naturaleza, el artista fusiona abstracción, figuración y artesanía en un lenguaje visual único.
03.
Exiliadas de España. Artistas en México. Colegio de San Ildefonso Hasta el 27 de abril
Justo Sierra 16, Centro Histórico, Cuauhtémoc, CDMX
Exiliadas de España. Artistas en México rinde homenaje a las creadoras que llegaron tras la Guerra Civil Española. Con más de 200 piezas, la muestra revela el impacto cultural de su exilio, explorando identidad, memoria y resistencia. Sus obras reflejan la nostalgia del éxodo y su integración en la tradición artística mexicana.
04.
Julieta Aranda;
Coordenadas claras para nuestra confusión
MUAC salas 7 y 8
Hasta el 11 de mayo
Av. Insurgentes Sur 3000, C.U., Coyoacán, CDMX
Julieta Aranda: Conversaciones con el tiempo explora la producción de la artista, destacando su colaboración con el tiempo como un interlocutor autónomo. A través de esculturas sistémicas y otros medios, Aranda cuestiona su domesticación por la máquina antropológica occidental, invitando a reflexionar sobre las distintas escalas del tiempo y el flujo vital.
La naturaleza íntima de la vida por Ernst Saemisch (1902-1984)
Colegio de San Ildefonso
Hasta el 18 de mayo
Justo Sierra 16, Centro Histórico, Cuahutémoc, CDMX
La naturaleza íntima de la vida presenta la obra de Ernst Saemisch, donde la abstracción y la observación de la naturaleza se convierten en su lenguaje. Influenciado por su contexto histórico y cultural, Saemisch busca claridad en sus formas, celebrando la vida y la luz de México, invitando al espectador a reflexionar sobre su entorno y la historia que lo marca.
Capítulo VII: Shifting Grounds
LagoAlgo
Hasta el 1 de junio
Bosque de Chapultepec, Pista El Sope S/N, Bosque de Chapultepec II Secc, Miguel Hidalgo, CDMX
Capítulo VII: Shifting Grounds explora los ciclos de desplazamiento, visibles e invisibles, y aborda el impacto humano en el medio ambiente, la migración, la identidad y las estructuras económicas. La muestra presenta narrativas visuales sobre la apropiación de la naturaleza y nuestra relación con la tecnología, destacando el arte como catalizador de cambio.
07.
Kader Attia; Un descenso al paraíso
MUAC sala 9
Hasta el 17 de agosto
Av. Insurgentes Sur 3000, C.U., Coyoacán, CDMX
Un descenso al paraíso reflexiona sobre la reparación como un acto social y estético. A través de la restauración de objetos y la creación de cicatrices culturales, la muestra aborda el trauma social generado por dinámicas políticas, ofreciendo una crítica a las mitologías de la actualidad y explorando la colonialidad y la modernidad como conceptos opuestos.
Ubicado en el emblemático barrio de Coyoacán, CARMIN es un bar que se transforma a medida que avanza la noche. Comienza como un espacio íntimo y acogedor, y a medida que transcurre la velada, evoluciona hasta convertirse en un lugar dinámico donde la música y el baile toman el protagonismo, inspirado en un estudio de danza que invita al movimiento. El diseño de interiores, a cargo de MAYE Estudio, encuentra su inspiración en la película de terror italiana de los años 70: Suspiria. Su atmósfera inquietante fue el punto de partida para un espacio que combina misticismo, intensidad y dramatismo. En el corazón del lugar, una imponente barra coronada por una pantalla textil en rojo intenso actúa como eje central, iluminando y definiendo la experiencia.
Los materiales, cuidadosamente seleccionados, enriquecen la narrativa del diseño. El mosaico veneciano, en tonos escarlata, vino y champagne, se mezcla con stucco veneciano verde, una referencia directa a la estética italiana que conecta con la inspiración cinematográfica.
Estos elementos reinterpretan lo clásico de manera audaz y contemporánea, aportando profundidad y carácter al espacio.
Espejos en zigzag sustituyen a los tradicionales, creando juegos visuales que evocan lugares misteriosos y ofrecen reflejos dobles que invitan a descubrir nuevas perspectivas. Junto a formas geométricas y texturas inesperadas, cada rincón del lugar cuenta su propia historia.
La disposición del mobiliario fue diseñada para facilitar la transición entre un bar íntimo y un salón de baile. Como acento de color, los bancos en vibrante azul Coyoacán, con un diseño contemporáneo, aportan contraste visual, añadiendo personalidad y una conexión única con el carácter del barrio.
La iluminación, diseñada meticulosamente, evoluciona a lo largo de la noche, culminando en una explosión de tonos rojos que envuelve el espacio en dramatismo y sensualidad. Este efecto, inspirado en el cine de terror, amplifica la atmósfera emocional y transforma el lugar en un escenario único.
Casa Comex 2025 nos invita a repensar el color como un ente vivo, un vórtice cromático que transforma nuestra manera de habitar y transformar el mundo.
Texto Redacción Glocal
Fotos Carolina Camacho, ColorLife
Trends de Comex
Este año, 13 creativos mexicanos exploran el color como un lenguaje de emociones y experiencias; materializan ese ejercicio en cuatro vibrantes paletas y un color del año: Bambú 237-05, que simbolizan energía, renovación y equilibrio a través de ColorLife Trends 2025.
Una vez más, Comex ha abierto las puertas de Casa Comex 2025, un espacio que ha redefinido la manera en que concebimos el diseño y el color. Ubicado en el corazón del barrio de Polanco en la Ciudad de México, este showroom no es solo una exposición de colores, es un laboratorio creativo en donde las tendencias, los sentidos y las emociones convergen para inspirar a quienes buscan transformar sus espacios.
A partir de 2021, Casa Comex, se convirtió en el espacio fisico o showroom para mostrar año con año las tendencias de color, materiales y acabados de Comex. Arquitectos, diseñadores, artistas, fotógrafos, ilustradores, chefs, interioristas… comparten su experiencia desde sus respectivos quehaceres y puntos de vista, y contribuyen a la formación de una comunidad dinámica y en constante evolución dentro de la industria creativa mexicana.
Así, año tras año Casa Comex se renueva con nuevas paletas de color que reflejan la brújula cultural, social y tecnológica del México contemporáneo. Para esta edición, presenta el color del año: Bambú 237-05, un vibrante verde cítrico con un toque amarillo que simboliza energía, renovación y equilibrio; además de la interveción de 13 creativos: Raúl de la Cerda, Juana Cuevas, Jacobo y María Ángeles, Claudina Flores, Tania Quirarte, Bernardo Chavez-Peón, Elsa Ojeda, Ana Martorell, José María Balmaceda, Sofía Félix Smith, Ricardo Luévanos y Melania Chavarría, quienes inspirados en la conexión entre naturaleza y tecnología han creado diferentes espacios que nos invitan a repensar nuestros entornos y a abrazar la adaptabilidad como una virtud esencial.
Cuatro tendencias de color: Mole Rosa, Sueño Artificial, Ritmos de la Tierra y Espectro Fértil exploran la riqueza cultural, la tecnología, la conexión con la naturaleza y la introspección.
Creado por Raúl de la Cerda, Ana Martorell y Elsa Ojeda, es un espacio que enaltece la tradición culinaria y artesanal de México. Inspirado en semillas y frutos autóctonos, presenta tonos verdes y grises polvorosos que evocan la fertilidad de la tierra. Su paleta de color es ideal para espacios de encuentro, donde la conexión humana y la creatividad se entrelazan con lo cotidiano.
El color del año Bambú 237-05 encarna la resiliencia y el desarrollo orgánico de la cultura material en México. Su matiz luminoso sirve para darnos la bienvenida al caminar por los pasillos de Casa Comex, sugiriendo una fusión entre tecnología y naturaleza hacia un futuro de innovación y adaptabilidad.
Diseñado por Jacobo y María Ángeles, Juana Cuevas y Claudina Flores, este ambiente resalta la espiritualidad y la conexión con la naturaleza. Con colores terrosos como Equipal, Istmo y Hermes, acompañados de azules acuosos y amarillos suaves, su paleta evoca la armonía de los elementos naturales.
Con la firma de Melania Chavarría, Ricardo Luévanos y Tania Quirarte, esta atmósfera explora la fusión entre tecnología y creatividad. Las tonalidades de su paleta van desde los fríos y profundos que evocan el insomnio, hasta los rosados nostálgicos y vibrantes que representan la intersección entre lo orgánico y lo digital.
Creado por José María Balmaceda, Bernardo Chávez Peón y Sofía Félix Smith, este espacio invita a la introspección y el florecimiento de la energía vital. Sus tonalidades, que remiten al vientre materno y la nutrición esencial, son perfectas para espacios que buscan fomentar la calma y la creatividad pausada.
Como parte de los creativos que participaron en la plataforma de arte y diseño Siempre Sí, Marisol Centeno presentó Capella, un tapiz inspirado en las teorías de Carl Sagan que traduce la inmensidad del universo en un lenguaje textil. Basado en los códigos digitales de color de las estrellas, la pieza reinterpreta datos científicos para construir una cartografía visual del cosmos. Desde tiempos inmemoriales, estos cuerpos celestes han guiado mitologías y exploraciones humanas, otorgando significado a nuestra existencia.
estudiomarisolcenteno.com @siempre_siii
Claudina Flores en Zsona Maco Diseño
Presentada en Zsona Maco Diseño, esta colección de mobiliario rinde homenaje a la memoria, resiliencia y transformación de las mujeres a lo largo del tiempo. Creada por Estudio Claudina Flores: La Sociedad de los Gabinetes. Una Historia Feminista combina técnicas artesanales con procesos experimentales y materiales naturales que narran historias de resistencia y cambio. Cada pieza es un recordatorio de que la lucha por la equidad continúa inspirando a nuevas generaciones a seguir redefiniendo el futuro.
estudioclaudinaflores.com zsonamaco.com
Alberto Kalach a través de sus bitácoras
La arquitectura de Alberto Kalach nace del dibujo, un ejercicio libre donde la estructura, geometría y naturaleza se entrelazan. Desde los años 80, ha plasmado su universo en más de 120 bitácoras que combinan paisajes, retratos, planos y reflexiones. Los grandes proyectos y las pequeñas acciones. Alberto Kalach a través de sus bitácoras se presentó en el Foro Rebollar de la colonia San Miguel Chapultepec con una selección de esos cuadernos, los cuales revelaron el proceso creativo de Kalach y su manera única de pensar la arquitectura.
kalach.com
Yuri Zagorín para OMET
Diseñado por el arquitecto Yuri Zagorín para OMET –la plataforma dedicada a la innovación y expresión del diseño contemporáneo–, Piedra Stool es un banco-escultura que explora el concepto de monolito como masa y fragmento. Compuesto por bloques de madera de tzalam, esta pieza refleja tanto el proceso de producción como sus orígenes naturales. Zagorín replantea el potencial de un material en su ciclo de vida, cuestionando cómo podemos reciclarlo, no solo como discurso sino como una forma de extraer belleza y poder.
omet.co
zda.com.mx
Galería Errante, ALRATITOstudio + Marion Friedmann Gallery
En una antigua fábrica textil del barrio de Azcapotzalco, Factoría de Nada reunió a 50 artistas y diseñadores en una exhibición que desafió la creación y el consumo, transformando la “nada” en algo extraordinario. Obras, instalaciones y performances transformaron el vacío en un espacio donde lo inútil y lo absurdo adquirieron un nuevo significado. Más que una muestra, fue un laboratorio de ideas que cuestionó nuestra relación con la producción y el arte mismo.
@galeriaerrantemx @alratitostudio marionfriedmann.com
Presentada en las oficinas de Gensler México y curada por Greta Arcila, fundadora y CEO de Glocal Design, Editor’s Pick fue una muestra compuesta por arte-objeto que exploró diversos proyectos de iluminación y mobiliario hecho en México. Con piezas creadas por diseñadores como Ad Hoc, Bandido Estudio, Comité de Proyectos, Daniel Orozco, Estudio H Fernández, Juskani Alonso, Lladró, Marva Estudio, MOB Estudio, Rodrigo Noriega, The Cult, Nouvel y Los Patrones, esta exhibición reveló cómo cada objeto y obra transforma la atmósfera, redefiniendo la manera en que habitamos los espacios.
glocal.mx gensler.com
Cuatro títulos que exploran el diseño, la arquitectura y la creatividad desde distintas perspectivas e inspiraciones.
El ABC del diseño
Emiliano Godoy
Phaidon
Este tomo es una revisión monográfica de su trayectoria, estructurada como un abecedario de ideas clave en su trabajo. Escrito en primera persona, presenta 30 años de proyectos y reflexiones, abordando temas como sustentabilidad, color y migración.
Un recorrido por los hogares de 60 diseñadores de renombre, donde cada espacio se convierte en una expresión de su identidad y creatividad. Desde refugios minimalistas hasta laboratorios de experimentación, este libro ofrece una mirada a la relación entre diseño, identidad y estilo de vida.
Pepe Moyao
Este libro nace con la Cátedra Extraordinaria Federico E. Mariscal otorgada a Moyao en 2012, es una recopilación de experiencias, conocimientos y anécdotas acumuladas en el desarrollo de proyectos para centros de espectáculos y culturales.
Universos
Helvex
Con más de 70 años en el mercado, presenta Universos, seis conceptos que exploran la sinergia entre personalidad y emociones para transformar el entorno, fusionando introspección, tecnología y una profunda conexión con la naturaleza y nuestras raíces.
Cuentas que nos inspiran: una selección de perfiles de arte, arte objeto, arquitectura y fotografía que despiertan la creatividad.
@matthieuvenot
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@sebastianstudio_design
@icantaffordthisbutmaybeshecan
@malikafavre
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Ambiente Trends 25+. Diseño y creatividad son la llave que abrirá la puerta del cambio hacia lo positivo, esa es la premisa que está detrás de las tendencias internacionales de moda, arte, diseño de interiores y estilo de vida.
¿Cómo queremos vivir y trabajar en tiempos difíciles? ¿Qué formas, colores y materiales definirán los espacios del futuro?
Las tendencias de Ambiente 25+ formulan tres respuestas: DEEP, REAL y EASE, que ya dan ganas de vivirlas en directo, pues crean un estilo de vida simplemente: jovial, divertido y alegre.
La artesanía tradicional se reactiva y elementos como el agua, el fuego y la tierra en particular son la inspiración para diseños creativos. Materiales como madera, cerámica, vidrio y metal, así como nuevas creaciones materiales, aparecen en sus colores auténticos. El azul noche, el crudo cáscara de huevo o el té verde crean un efecto atmosférico. También captan la luz los matices metálicos como el plata mate, el bronce oscuro o el brillo dorado claro.
Diseños comprensibles y radicalmente simples. En este caso, la impresora 3D garantiza superficies perfectas y nuevos materiales para un futuro más sostenible. Se incorporan aspectos ecológicos y sociales al proceso de selección de materiales y el reciclaje pasa a formar parte del producto. Desde aluminio o madera reciclados hasta vidrio y cerámica con esmaltes y materiales compuestos hacen notar su presencia. Colores como galleta, verde botella intenso, beige amaderado, caramelo, menta vidriosa, rojo anaranjado, gris aluminio, azafrán y gris oscuro respaldan el diseño deliberadamente atemporal.
El trabajo con telas e hilos se pone en movimiento para inspirar aún más creatividad. Tonos afrutados como la delicada ciruela, el naranja brillante y el limón se combinan con matices suaves como el azul cielo o el denim, así como con tonos profundos y oscuros como el musgo, el verde mar o la madera de cerezo dulce. La inspiración textil es especialmente fuerte aquí: los experimentos con bordados, hilos flotantes o patchwork dan lugar a nuevas prácticas artesanales. Materiales como vidrio, papel o cerámica se procesan y combinan de forma creativa. Esto da como resultado superficies y texturas que invitan a tocarlas.
Fotos cortesía Heimtextil, Greta Arcila
Texto Greta Arcila, enviada Frankfurt am Main, Alemania / Heimtextil 2025
Si una tipología del diseño define el rumbo que tomarán las tendencias en el mundo del diseño industrial, es la del arte textil y su vastísimo universo. Cada textil tiene una infinita variedad de colores, texturas, fibras y densidades, y por lo tanto, cualquier amante inmerso en el interiorismo debe poner en su agenda una visita a Heimtextil, la feria de textiles más grande e importante del continente europeo.
Visitar la feria es sumergirse en uno de los recintos feriales más grandes del mundo. He de confesar que a pesar de ya conocer el espacio, me perdí en más de cinco ocasiones -sí llegué a mis entrevistas-, pero eso no importó ya que en cada pabellón había muchísimo por conocer. Una de mis pláticas fue con Olaf Schmidt, Vicepresidente de Textiles y Tecnologías Textiles de Heimtextil Messe Frankfurt, quien llegó impecable y definitivamente es la viva representación del proyecto que dirige: cada una de las piezas de su vestimenta tenía muchísima textura y patrones muy interesantes. Nos habló del reto de un mundo global con una filosofía muy local, ser glocal está en boga a lo que nos comenta: “Venir aquí es abrir la puerta al mercado global, en donde la innovación y los nuevos materiales son los protagonitas, sin embargo, de unos 10 años a la fecha, el mercado demanda más propuestas de empresas son el sello de su localidad, el hecho a mano -o parecer serlo-, es uno de los altos valores /Arte & Ferias
“Es fascinante observar cómo las tendencias del pasado se abren paso una y otra vez en nuestro presente. Estos redescubrimientos son más que retrospectivas nostálgicas: son una fuente de inspiración de la que nos servimos para dar forma a un nuevo futuro”. –Olaf Schmidt.
que los compradores buscan. Sobre la alta demanda de textiles y el reto que esto significa para los empresarios en cuanto al desperdicio, comentó que deben de asumir la responsabilidad y que “la sustentabilidad también es una manera de hacer negocios, pero no debemos de pensar en que la respuesta absoluta está ahí, también la tecnología nos está guiando y generando productos que antes no hubiéramos pensado. Las nuevas generaciones están encontrando en la nostalgia respuestas que dimos por hecho. Los nuevos diseñadores juegan con materiales actuales y con técnicas y modismos del pasado y el resultado es más que rico en texturas y en propuestas y tienen un consumo más responsable”.
¿Pero qué podemos encontrar en esta feria y qué la hace distinta? Schmidt responde: “En Heimtextil vemos todo tipo de textiles para la industria de casa, papeles tapíz, toallas, ropa de cama, persianas, alfombras, así como téxtiles para decorar por temporadas o por festividades, es una feria para el profesional o el empresario que busca aportar a su mercado algo de valor”.
Por su parte, la directora de la feria, Bettina Bar, nos comentó que las visitas este año llegaron de todos lados: “Tuvimos un aumento en los Estados Unidos, Italia, Grecia e Inglaterra. Hay muchos italianos caminando por aquí y esta es una muy buena señal, porque el mercado italiano es muy importante para el segmento fabricante y tenemos a Italia como una de las naciones más grandes en la parte de exhibición, así como Turquía, y por supuesto, China, India en donde la
ción textilera es importantísima”. Para Bar una de las zonas de la feria que más le emociona por el talento que hay, es la reservada a los diseñadores textiles. Ahí están los mejores diseñadores del mundo vendiendo diseños para los empresarios
“Las herramientas digitales trasladan la destreza manual a la percepción visual y el modelado mental. Esto es, a la vez un desafío y una oportunidad, hacia nuevas formas de expresión”. –Joseph Grima
y es impresionante la manera en que negocian, ya que todo se limita a un saludo y el diseñador comienza a presentar todos sus diseños pensados para las distintas maneras de imprimir textiles o papel tapiz. En ésta área encontramos a Cristina Orozco, quien se enorgullece al decir que es la única diseñadora mexicana que diseña para la industria textil y en esta, su tercera participación, incrementó el número de clientes. Cabe decir que su rostro se ilumina al decir que está al lado de los mejores del mundo en este competido y atípico mercado.
Una de las instalaciones más importantes fue Future Continous, curada por Joseph Grima y Valentina Ciuffi, creadores de Alcova, uno de los eventos de diseño que más relevancia tiene en el Fuori Salone pero ahora en alianza con Heimtextil, realizaron un análisis de las tendencias y presentaron lo que quizá veremos en el 2026. En plática con ellos, la instalación hablaba del “proceso continuo de renovación que vivimos día tras día como seres humanos al tiempo de estar construyendo el futuro con cada una de nuestras acciones”. Destaca la tendencia emergente a involucrarse con prácticas artesanales, contrarrestando la transformación digital que caracteriza nuestra era contemporánea. Sin embargo, la lectura global es que la industria seguirá ahondando en las fibras naturales las cuales se transformarán a través de la tecnología (principalmente IA), los flujos de datos pero con la necesaria formulación de políticas que llevará a nuevos escenarios para las culturas locales y artesanales”.
Entrevista
La instalación Among-us de Patricia Urquiola en Heimtextil 2025 muestra cómo la combinación de una alfombra digital en tonos lila y rojo con elementos textiles crea un diálogo entre lo tangible y lo virtual.
Patricia Urquiola redefine el diseño textil con una visión innovadora, integrando tecnología, materiales reciclados y procesos artesanales para crear espacios sensoriales únicos.
Patricia Urquiola, reconocida por su enfoque experimental, vuelve a sorprender con su última propuesta textil, donde combina innovación digital y tradición artesanal. En su más reciente instalación, la diseñadora busca generar una conexión entre materiales reciclados y nuevas tecnologías, dando vida a un espacio envolvente y multifacético.
El proyecto parte de una gran alfombra digital en tonos lila y rojo, una base visual que conecta con el universo digital. «El objetivo era fusionar lo tangible con lo virtual, explorando nuevos lenguajes materiales», comenta Urquiola. Encima de esta superficie se disponen asientos modulares que, en un inicio concebidos para exteriores, han sido adaptados a interiores con textiles en tonos vívidos.
Protegiendo el espacio, se encuentran cuatro tapices semitransparentes hechos de Econyl, una fibra regenerada de nylon reciclado. «Quisimos desdibujar la frontera entre tecnología y artesanía, transformando un material industrial en algo acogedor y sensorial», explica la diseñadora. Para ello, se usó un robot programado para trabajar a un ritmo pausado, permitiendo un acabado artesanal en cada pieza. El video acompañante del proyecto documenta el proceso de creación, desde los primeros bocetos digitales hasta la ejecución final, ilustrando el equilibrio entre tecnología y creatividad manual. «Este trabajo refleja cómo dialogamos con lo digital sin perder la esencia del trabajo hecho a mano», señala Urquiola.
En su compromiso con la sostenibilidad, la diseñadora optó por materiales reciclables y procesos de bajo impacto ambiental. Se utilizó Polimex en lugar de espuma de poliuretano, permitiendo una reutilización eficiente del material. Además, los desechos textiles fueron incorporados en un nuevo material cementicio con propiedades absorbentes.
«El diseño debe evolucionar hacia modelos más híbridos y colaborativos», afirma Urquiola. Su visión de futuro incluye la democratización de herramientas de producción digital, permitiendo que más personas experimenten con materiales y procesos innovadores. «Imagino espacios donde el diseño sea un acto colectivo y accesible», agrega.
Esta instalación reafirma la búsqueda de Patricia Urquiola por equilibrar tecnología, tradición y sostenibilidad en cada uno de sus proyectos. «Diseñar no es solo crear objetos, sino redefinir nuestra relación con el entorno», concluye.
patriciaurquiola.com
Fotos cortesía Turkish Airlines Entrevista Greta Arcila, enviada Estambul, Turquía.
El deseo de explorar el mundo es una de las fuerzas más profundas del ser humano. Con Inner Portrait, Refik Anadol traduce esa emoción en datos neurobiológicos y los convierte en arte visual. Exhibida en Estambul y con planes de recorrer el mundo, esta innovadora propuesta nos invita a reflexionar sobre la conexión entre la tecnología, la percepción y la manera en que descubrimos lo desconocido.
Estambul, Turquía. ¿Qué ocurre en la mente y el cuerpo humano cuando viajamos por primera vez? Esta es la pregunta que inspira Inner Portrait, una innovadora obra de arte que combina neurociencia, inteligencia artificial y creatividad. Presentado en la feria Art Basel de Basilea y actualmente exhibido en el Centro Cultural Atatürk de Estambul, este proyecto de Turkish Airlines y Refik Anadol busca capturar la transformación emocional y biológica que el viaje genera en las personas.
Para este experimento, cuatro individuos de distintos continentes que nunca antes habían salido de su país de origen emprendieron un viaje a destinos radicalmente diferentes a su entorno habitual. Tuikuru, un nativo del Amazonas, exploró la modernidad de Tokio; Esther, de Kenia, descubrió la riqueza histórica de Estambul; Sahar, desde Australia, recorrió las maravillas antiguas de Göbeklitepe y Capadocia; y Sigurbjörn, de Islandia, quedó maravillado con la belleza de Jordania. Durante sus travesías, se monitorearon sus reacciones biológicas con sensores EEG (electroencefalograma) y el Empatica Watch, dispositivo proporcionado por la empresa de neurociencia Neuroelectrics, para registrar ritmo cardíaco, temperatura y actividad cerebral antes, durante y después del viaje.
Los datos obtenidos fueron transformados en piezas visuales inmersivas por Refik Anadol y su equipo, dando lugar a una obra que no solo refleja el impacto del viaje en el cuerpo humano, sino también la conexión entre ciencia y arte. «El proyecto es un viaje en sí mismo, que expresa cómo viajar cambia la mente y el cuerpo humano. Uniendo ciencia, vida e imaginación, buscamos expandir nuestra percepción del mundo y desarrollar nuevas formas de entenderlo», explica Anadol en entrevista exclusiva con Glocal Design. El impacto de viajar no solo es una cuestión de desplazamiento físico, sino una experiencia que puede alterar profundamente nuestra forma de percibir el mundo. Ahmet Bolat, Presidente del Consejo Administración y del Comité Ejecutivode Turkish Airlines, resume la esencia del proyecto: «Viajar no
es únicamente moverse de un lugar a otro; es una experiencia que transforma nuestro mundo interior». La aerolínea, con presencia en múltiples continentes y rutas en constante expansión y que cuenta con un vuelo directo México, Istambul –y que tuvimos la fortuna de volar y experimentar su clase business– ha asumido un papel clave en la promoción del arte y la cultura, sirviendo como un puente entre sociedades y fomentando el intercambio global.
A sus 39 años, Refik Anadol se ha convertido en un referente del arte digital por su capacidad de integrar la inteligencia artificial con la creatividad humana. Su obra Unsupervised ya forma parte del catálogo del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), y con Inner Portrait, refuerza su interés en explorar la relación entre datos, emociones y visualización artística. Personalmente tuve el primer acercamiento con su obra en el aeropuerto internacional de Charlotte y desde ahí me atrapó la fuerza visual de sus piezas. El proceso de creación de esta pieza se basó en aprendizaje supervisado, entrenando una inteligencia artificial con datos del Conectoma Humano, la base de datos más grande del mundo sobre el cerebro. Anadol y su equipo midieron patrones emocionales en los viajeros y tradujeron esos registros en representaciones visuales dinámicas. «Lo más impactante fue ver que, a pesar de nuestras diferencias culturales, reaccionamos de manera similar ante la emoción de viajar y descubrir algo nuevo. Es un recordatorio de que las similitudes nos unen más que las diferencias». Para Anadol, este proyecto es una combinación de arte y ciencia, pero también una reflexión sobre la conexión humana. «Nuestra meta era capturar no solo lo que sienten los viajeros, sino cómo sus cuerpos y cerebros registran esos sentimientos en tiempo real. La ciencia de datos nos permite encontrar patrones emocionales y transformarlos en arte», explica.
emocionales y sensoriales de los viajes, utilizando datos
El artista también destaca que el proceso de selección de los participantes fue crucial. “Buscamos personas que nunca hubieran viajado y que tuvieran un deseo genuino de explorar el mundo. Fue emocionante ver cómo se transformaban a lo largo del proceso”, menciona. «Lo más interesante fue escuchar a los participantes decir: ‘Nunca supe que podía volar’. Vimos claramente la emoción reflejada en sus datos cerebrales durante el despegue. No era ansiedad, sino alegría; motivación para seguir adelante. Y esa reacción fue universal».
Más allá de su impacto artístico, el proyecto representa un avance en el estudio de la neurociencia aplicada al arte. El uso de tecnología avanzada permitió no solo captar las reacciones inmediatas de los participantes, sino también identificar patrones universales en la forma en que el cerebro humano responde a experiencias transformadoras. Esta iniciativa abre la puerta a futuras investigaciones sobre la relación entre los estímulos externos y nuestra percepción subjetiva del mundo. «Este es solo el comienzo. Nuestro siguiente paso es analizar estos datos y publicarlos como parte de un estudio más amplio sobre la relación entre la percepción y la emoción en el arte inmersivo», adelanta Anadol.
Además de la instalación artística, el proyecto cuenta con un documental dirigido por Jennifer Peedom, cineasta galardonada con un BAFTA, y con cinematografía de Renan Ozturk. La película documenta el proceso de trabajo detrás de Inner Portrait y
podrá verse en plataformas digitales en este 2025 y en los vuelos intercontinentales de Turkish Airlines. Nosotros fuimos de los pocos invitados a ver la premiere mundial en el Ataturk Cultural Center de Tabanlioglu Architects. Ver y constatar cómo viajar transforma la vida de una persona, y cómo eso gracias a la data una sensación se convierta en una pieza de arte viviente, es sumamente conmovedor.
Tras su exhibición en Estambul, Inner Portrait continuará su viaje por distintos museos del mundo, llevando su mensaje de transformación e innovación a nuevas audiencias. «Estamos considerando presentar el proyecto en los principales museos del mundo, especialmente en aquellos que albergan objetos de Turquía».
En un mundo donde las barreras culturales y geográficas parecen cada vez más difusas, proyectos como este nos recuerdan que el deseo de explorar y aprender es una característica intrínseca de la humanidad. Como concluye Anadol: «La historia del ser humano está marcada por los viajes. Lo que hemos hecho aquí es simplemente capturar lo que significa, en su nivel más profundo, la experiencia de descubrir lo desconocido».
turkishairlines.com refikanadol.com
Entrevista y texto: Martha Lydia Anaya, enviada Frankfurt am Main, Alemania / Ambiente Fair 2025
Con una nueva mirada, más atrevida e irreverente, Fabian Freytag –galardonado como diseñador del año de la feria de Ambiente 2025– nos invita a «abrir los ojos y aprender a ver» desde otros ángulos lo que será el futuro de la hospitalidad.
Nacido en 1984 en Hamburgo, Fabian Freytag no es solo un arquitecto y diseñador afincado en Berlín; es un visionario que redefine la creatividad y la innovación. Desde que fundó Fabian Freytag Studio en 2012, él y su equipo han estado a la vanguardia en la transformación de espacios, combinando mundos como el del arte con la inteligencia artificial para crear interiores verdaderamente singulares.
Platicamos con él en el marco de la reciente feria Ambiente Frankfurt 2025, que lo ha reconocido como diseñador del año por su propuesta interesante y poco convencional que integra en su trabajo, un quehacer creativo que desvela su pasión por la Grande Bellezza y el espíritu desenfadado de la Dolce Vita. Sus diseños van más allá de lo estéticamente agradable: son una celebración de la vida misma con un toque de sofisticación italiana.
Guiado por su lema: sin restricciones de pensamiento, Fabian ha cultivado una personalidad de espíritu libre y alegremente vanguardista. Se describe a sí mismo como de actitud desenfrenada y llena de curiosidad. Para Ambiente 2025, el galardonado diseñador presentó: The Lounge–Shades of Space, una instalación invariablemente radical inspirada en la hospitalidad del futuro.
«El futuro de la hospitalidad es todo, menos neutral: será inmersiva, audaz e inolvidable. Mi instalación para Ambiente 2025 es una declaración en contra de los diseños convencionales que con demasiada frecuencia definen hoteles, bares y lounges. He pasado de largo las composiciones sobrias y abrazo el exceso mediante diversas capas y atmósferas que perduran en la memoria. La hospitalidad debería ser más que solo funcional; debe ser teatral, sensual y profundamente personal, pero sobre todo divertida», dice Freytag.
«La inteligencia artificial –agrega Fabian– desempeñó un papel fundamental en Shades of Space, pero solo como una herramienta eficiente y amplificadora del resultado. Para mí, la IA es un instrumento que nos ayuda a llevar el diseño más allá de las rutinas humanas y que favorece el desbloqueo de composiciones imprevistas. Para este proyecto, la IA me ayudó a crear combinaciones inesperadas de materiales, contrastes de colores atrevidos y elementos escultóricos que desafían la estética convencional de la hospitalidad. El resultado es un espacio que cuenta una historia».
Desde el punto de vista de Freytag, la industria hotelera está experimentando una transformación profunda en la que la identidad lo será todo. Los huéspedes ya no se complacerán solo con ambientes neutros sino que buscarán espacios con carácter, que los sorprendan, los provoquen y les dejen una impresión duradera. Shades of Space encarna ese cambio, se nutre del caos y la imperfección para brindar atmósferas que se sienten más cinematográficas que convencionales.
fabianfreytag.com ambiente.messefrankfurt.com
«No sé exactamente hacia dónde me va a llevar la vida, todo es itinerante. Lo que sí es que veo a la gastronomía como parte esencial de mi quehacer creativo. Me interesa transmitir buenos momentos y en eso trabajo a través del diseño sensorial». –chef Martha Brockmann.
Retrato Mariana Achach
Entrevista Greta Arcila
Texto y redacción Martha Lydia Anaya
¿Cómo conseguir la sazón perfecta? Para la chef Martha Brockmann la respuesta se encuentra en la provocación, en el alboroto completo de las emociones a través de los detalles y en particular de los sabores. Para ella, quien desde niña descubrió su pasión por la gastronomía, la mejor fórmula para lograr el éxito de cualquier espacio culinario y conquistar el paladar de los comensales se encuentra en las experiencias que hacen recordar nuestros momentos más gratos.
«Estudié administración de empresas, pero después decidí aprender gastronomía para ser chef», platica Brockmann, haciendo hincapié en que todo en la vida sucede por algo y, en su caso, esto no ha sido la excepción, pues los cambios han fluido y se han dado paso a paso.
«Cuando estaba en preparatoria, tomé la decisión de estudiar finanzas y comercialización porque siempre pensé en tener un negocio propio, desde entonces ya me visualizaba como empresaria. Sin embargo, la pasión y el gusto por la gastronomía no tardaron en hacerse presentes; es un entusiasmo que descubrí como parte de mi esencia y de mi alma: mi abuela vivía al lado de la casa de mi mamá y recuerdo muy bien cómo me gustaba ir a verla todos los días al salir de clases, atraída sobre todo por los aromas y los platillos de su cocina. Ella fue de las primeras mujeres en estudiar en la escuela culinaria Le Cordon Bleu en París, por lo que ya se imaginarán las delicias que preparaba», cuenta la chef.
«En su cocina –continúa platicando– mi abuela me dejaba experimentar todo lo que quería, lo que hizo que mi gusto por el arte culinario fuera creciendo cada vez más. Fue así que, terminando la carrera, opté por irme a Boston a estudiar en la University Culinary School, en donde tuve la fortuna de tener entre mis maestros a chefs reconocidos internacionalmente como Jacques Pepin, Todd English y el ícono americano de cocina, Julia Child, quien curiosamente impartía las últimas clases que dio en su vida».
Poco después, Brockmann se introdujo en el mundo del catering al ofrecer banquetes en las mejores casas de Chestnut Hill, Boston. Desde el año 2012 y hasta la fecha, Martha ha emprendido su propio negocio con la energía y entusiasmo de rescatar las mejores recetas, cocinar con ingredientes deliciosos y originales, y ofrecer un servicio innovador de una calidad impecable. Así nació: The Event, una empresa de diseño de catering de lujo y table styling, que confecciona eventos a la medida de las preferencias y necesidades de los clientes.
«Al regresar a México y arrancar con mi empresa de catering me empiezan a llamar diversas firmas de lujo; como parte de uno de esos eventos, una relojera me puso la encomienda de armar un ambiente en el que todo combinara en tonos blancos y dorados con la idea de impresionar a sus directores que venían de Suiza. Creí que era sencillo, pero no fue fácil y esa tarea despertó en mí la inquietud por controlar el 100% de los detalles que tienen que ver con la creación y diseño de eventos, desde los platillos hasta los cubiertos, la mantelería, la vajilla, el mobiliario, las flores, etcétera. Poco a poco fui aprendiendo y uno de los primeros eventos que recuerdo fue muy diferente a todo lo que hay, fue una fiesta de XV Años, que es una de las celebraciones más tradicionales en México».
«Hacer catering y table styling se trata de diseñar un ambiente en el que intervienen la iluminación, colorimetría, texturas, música, aromas, diseño floral y otros muchos detalles que le dan vida a cada evento».
«Después me buscaron para participar en el proyecto de Mandolina, un espacio de cocina contemporánea inspirado en platillos mediterráneos que se ubica en una terraza en el corazón de Polanco. El plan para la apertura de este restaurante se pospuso hasta después de la pandemia; a la fecha ha sido un éxito total. De ahí, se abrió la oportunidad de una nueva aventura gastronómica de la mano de Grupo Presidente con la creación de dos nuevos conceptos: Lilōu y Amaral».
A lo largo de su trayectoria en las cocinas más reconocidas del mundo, Martha Brockmann ha perfeccionado técnicas de cocción exacta y el uso preciso de especias para lograr sabores únicos. Su enfoque creativo busca ofrecer una experiencia multisensorial que combina aromas, música, diseño y arte. Cada detalle, desde la vajilla hasta la iluminación, forma parte de un concepto integral que hace de cada espacio una experiencia inigualable.
En Lilōu, la atención al detalle es clave. «Yo creé todo el concepto –comparte la chef–, desde el más pequeño tenedor hasta las sillas y el color de las paredes. Todo en perfecta armonía, pues incluso la forma y el diseño de cada plato los pensé con base en las tonalidades y los más mínimos elementos que conforman la atmósfera del espacio». Inspirado en los tradicionales salones de té londinenses, Lilōu ofrece bocadillos dulces y salados por la tarde, acompañados de una selección de panes creados por la chef, reflejando su pasión por la repostería.
Este proyecto, con alma propia, nace de la inspiración en las mejores cafeterías del mundo, una visión que Brockmann ha ido perfeccionando a lo largo de sus viajes. La arquitectura y construcción del espacio en el Hotel Presidente InterContinental Mexico City fueron realizadas por Rafael Sama y su despacho, Sama Arquitectos. Esta colaboración continuó en Amaral, su segundo concepto gastronómico.
«Amaral se compone de la palabra ‘amor’, mi amor a la gastronomía», asegura Martha. Su diseño interior invita a la contemplación y el disfrute. Techos altos con detalles dorados, verdes enramadas y candelabros art déco con más de 600 cristales crean un ambiente sofisticado. Destaca el arte digital de Rodolfo Morfín, con pantallas que parecen fotografías estáticas hasta que se descubre su movimiento.
Cada elemento de Amaral ha sido diseñado por Brockmann con la intención de brindar una experiencia integral. «Amar con los sentidos» es la esencia de este espacio, que propone un viaje culinario a través de cuatro cocinas mediterráneas: española, francesa, italiana y griega. «Quiero que el espacio en sí mismo despierte en las personas el gusto e interés de lo que se puede crear a través del diseño sensorial. Visualmente es un lugar increíble con tonalidades cálidas y acogedoras, con muchas texturas y un festín de aromas para despertar el apetito», concluye.
«Una de las máximas fuentes de inspiración que tengo son los viajes. ¡Amo viajar! y obviamente cada paseo gira en torno a la gastronomía. Me encanta ir a diferentes lugares, probar diferentes platillos, admirar arte y visitar museos, todo lo que sea una estimulación visual y emocional que me lleve a crear». –Martha Brockmann.
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Entrevistas por Martha Lydia Anaya Redacción textos Claudia Cerezo
La firma global de arquitectura y diseño ha transformado la identidad de Glocal Design con un rediseño estratégico que no solo redefine nuestra presencia visual, sino que establece las bases para una conexión más profunda con nuestra audiencia, adaptándonos al futuro del diseño multiplataforma.
En esta edición especial del relanzamiento de nuestra publicación, nos enorgullece presentar un rediseño que va más allá de un cambio superficial. Este es un paso hacia una evolución estratégica que fortalece nuestra identidad como un referente de diseño y arquitectura. Para lograr este importante cambio, contamos con la visión de Gensler, firma reconocida mundialmente por su capacidad de fusionar diseño, arquitectura y planificación urbana.
A continuación, presentamos las entrevistas que sostuvimos con tres líderes clave de Gensler México, quienes nos compartieron su visión y experiencia transformando marcas para crear impresiones duraderas y memorables. Carlos Moreno, líder del equipo de Brand Design, abordó el reto de transformar la identidad de Glocal Design en un ecosistema dinámico y adaptable; George Miller-Ramos, director de diseño en Gensler México, reflexionó sobre el impacto de la firma en el país y la evolución de sus operaciones; y Nadja Borrás, directora de diseño, destacó la importancia de la sustentabilidad, la innovación y la integración del diseño en la vida cotidiana.
A través de estas conversaciones, exploramos cómo Gensler ha dejado su huella en la nueva era de Glocal Design, consolidando un enfoque que va más allá del impreso y se expande a un ecosistema digital, flexible y global de cara hacia el futuro.
La visión de Gensler para
Carlos Moreno, líder del equipo de Brand Design de la firma Gensler en México, explica que el trabajo con la revista no solo consistió en un rediseño superficial, sino en un enfoque integral del branding, entendiendo que una marca no se limita a un logo, sino que es un ecosistema de significados construidos a lo largo del tiempo.
Para Gensler, el reto fue pensar en el futuro del diseño editorial, especialmente cuando muchos medios impresos se enfrentan a un panorama digital que pone en peligro su supervivencia. Pero Glocal Design no es solo una publicación; es un vehículo de identidad que conecta comunidades, tanto locales como globales.
El proceso creativo fue meticuloso. Gensler analizó los puntos fuertes y las áreas de mejora de la revista, especialmente en lo que respecta a su identidad visual. La idea fue crear un diseño flexible y adaptable que pudiera mantenerse relevante a lo largo del tiempo, sin perder la esencia de lo que Glocal representa. «El rediseño debía ser limpio, pero con carácter. Queríamos que la revista no solo tuviera una excelente legibilidad, sino que también reflejara su visión de conectar el diseño local y global».
¿Cómo lograr una evolución estratégica? Transformando marcas para crear impresiones duraderas y memorables. Bajo esa premisa, Glocal Design fortalece su identidad como medio multiplataforma en arquitectura y diseño haciendo mancuerna con el expertise de Gensler.
Carlos Moreno
un ecosistema de diseño
Con este nuevo diseño, Gensler ha establecido las bases para una Glocal que no se ve bien únicamente en papel, sino que también tiene un impacto más amplio en su comunidad. Carlos destaca la importancia de que las marcas sean auténticas y coherentes, pero que también evolucionen y se adapten a los tiempos actuales. «El diseño es un reflejo de una marca, pero no es estático. Glocal tiene ahora la capacidad de ser una marca dinámica que puede ir más allá del impreso y conectarse con su audiencia de manera más profunda», comenta.
El futuro de Glocal Design, según Carlos, es un camino hacia una mayor conexión entre su contenido, sus audiencias y el mundo. «Este rediseño no es solo estético, sino que establece las bases para que Glocal sea más fuerte, más visible y que siga creciendo dentro de un ecosistema multiplataforma. La revista ya tiene una comunidad y, con este cambio, creemos que esta comunidad se enriquecerá aún más».
Uno de los aspectos más interesantes del nuevo diseño es la inclusión de un ícono en el logotipo, unos lentes, que hacen referencia a la visión en arquitectura y diseño, pero también reflejan la personalidad de Greta Arcila, fundadora y CEO de Glocal Design. Para el equipo de Gensler, los lentes simbolizan la conexión entre la revista y sus audiencias, pues son una extensión del carácter del diseño.
Además, se priorizó la creación de un sistema editorial adaptable, con tipografías que mejoran la legibilidad y permiten una experiencia más fluida en plataformas digitales. A través de este enfoque, la revista busca crear una experiencia coherente en todos los puntos de contacto con su audiencia: impresa, web, redes sociales y más.
A través de esta colaboración, Gensler aporta su expertise en diseño y su capacidad para conectar proyectos globales con el contexto local. Aunque la firma ha trabajado en proyectos editoriales a nivel global, la oportunidad de colaborar con Glocal ha sido una experiencia única que les ha permitido mostrar cómo el diseño puede transformar una marca y fortalecer su impacto.
La historia detrás de este rediseño es, en muchos sentidos, un reflejo de la filosofía de Gensler: el diseño debe ser auténtico, flexible y, sobre todo, pensado hacia las tendencias del futuro.
El gremio editorial exige medios multiplataforma que sepan cómo conectarse con sus audiencias mediante el uso asertivo de las nuevas herramientas digitales, como web redes sociales e Inteligencia Artificial. El reto es estar comunicado con el mundo mediante un ecosistema más dinámico y fluido. La experiencia debe ser coherente en todos los puntos de contacto.
Desde su llegada a México en 2018 para dirigir la oficina en México, George Miller-Ramos ha sido testigo y protagonista de la evolución de Gensler en el país. En un inicio, la oficina de México se enfocaba en proyectos de workplace, reflejando el expertise de sus directores en ese momento. Sin embargo, la visión de Miller-Ramos fue ampliar el espectro de acción. «Estábamos jugando en un espacio muy pequeño dentro de un estadio gigantesco», comenta.
Con este enfoque, la firma de diseño comenzó a diversificarse en proyectos de usos mixtos, hotelería, urbanismo y centros comerciales, lo que resultó en un crecimiento exponencial. Pasaron de un equipo de entre 16 y 18 personas a 47 en 2019, con planes de expandirse a 67. Sin embargo, la pandemia de 2020 trastocó estas proyecciones. «Nos tocó lo mismo que a todos: reducción de plantilla y la necesidad de replantear estrategias», explica Miller-Ramos. A pesar de ello, la firma logró estabilizarse rápidamente gracias a su experiencia en manejo de crisis y el apoyo de su red global.
Uno de los retos más grandes para Gensler durante la pandemia fue conservar su esencia y cultura organizacional en un entorno de trabajo remoto. «Nuestra filosofía se basa en la colaboración y la integración, y eso se vio comprometido cuando todos estuvimos en casa», menciona Miller-Ramos. La transición hacia un modelo híbrido trajo consigo la necesidad de encontrar un nuevo espacio que permitiera fortalecer los lazos entre los diversos equipos.
La solución llegó con la mudanza a Chapultepec 1, un espacio que, además de ofrecer mejores condiciones de trabajo, permitió reforzar la identidad de la oficina. «Queríamos un lugar donde todos pudieran encontrar su propio rincón y hacerlo suyo, manteniendo siempre el sentido de comunidad», afirma Miller-Rarmos. La firma pasó de tener equipos dispersos entre las oficinas de Montes Urales y un coworking, a unificar sus operaciones en un solo lugar, lo que mejoró la cohesión y eficiencia del equipo.
Para el director de diseño de Gensler México, el crecimiento de la firma no solo se debe a su talento creativo, sino también a una estrategia empresarial bien definida. «Nuestros clientes están en el centro de todo. Si les brindamos una gran experiencia, querrán seguir trabajando con nosotros», explica. Además, el modelo operativo de la compañía se basa en estudios especializados que funcionan como unidades autónomas dentro de una misma plataforma. «Cada estudio tiene su propio expertise, cartera de clientes y objetivos. Esto nos permite ser flexibles y eficientes, redistribuyendo recursos según la demanda de cada sector». Esta estructura ha sido clave para el crecimiento sostenido de la empresa, permitiéndole adaptarse rápidamente a los cambios del mercado sin perder el foco de su esencia creativa.
La filosofía de Gensler se basa en la colaboración y la integración.
George Miller-Ramos director de diseño en Gensler México.
Gensler no solo apuesta por la innovación en diseño, sino también por el aprendizaje constante. A través de Gensler Research Institute, la firma destina cada año el 18% de sus utilidades a la investigación en distintas áreas del diseño y la arquitectura, generando conocimiento accesible para el público. «Lo que se ve externamente es solo la punta del iceberg. Detrás hay equipos apasionados que investigan en profundidad diferentes temas», explica Miller-Ramos.
Además, la firma fomenta el crecimiento profesional de sus empleados a través de múltiples programas de capacitación, preparando a las nuevas generaciones de líderes con herramientas clave para su desarrollo. «Si alguien decide irse mañana, se lleva todo ese conocimiento, y eso está bien. Lo que nos importa es que tengan las mejores herramientas posibles para avanzar dentro de la firma», comenta.
Otro aspecto distintivo de Gensler es su modelo de propiedad compartida. Desde 1987, la firma dejó de ser una empresa familiar para convertirse en una compañía cuyos dueños son sus propios empleados.
Edelman, Los Ángeles, California
Gensler apuesta por la innovación en diseño y el aprendizaje constante. Su trabajo se fundamenta con equipos apasionados.
«Si eres dueño del barco, te aseguras de que no tenga huecos. Es un esquema que nos ha permitido fortalecer el compromiso y sentido de pertenencia de nuestro equipo», afirma Miller-Ramos.
El impacto de la oficina en México ha sido tan significativo que, en 2023, la junta directiva global de Gensler eligió a la Ciudad de México como sede de su reunión anual, una decisión sin precedentes en la historia de la firma. «Se quedaron maravillados con la ciudad, el talento mexicano y el ecosistema de negocios. Salieron impresionadísimos y nos dieron bandera verde para seguir creciendo aquí», recuerda Miller-Ramos.
La oficina mexicana ha demostrado que el país tiene un enorme potencial en la industria del diseño y la arquitectura. «México está en una de sus mejores posiciones a nivel internacional. En un mundo polarizado, tenemos una gran oportunidad que debemos aprovechar».
Más allá de las tendencias, Gensler ve el diseño como una herramienta para mejorar la calidad de vida de las personas. «No se trata solo de ganar premios o seguir una visión elitista, sino de crear espacios inclusivos y sostenibles que realmente tengan un impacto positivo», enfatiza Miller-Ramos.
El compromiso con la sustentabilidad es clave en esta filosofía. Gensler impone altos estándares a los materiales que emplea en sus proyectos, incentivando a los proveedores a adoptar prácticas más responsables. «Nuestra influencia en la industria nos permite mover la aguja hacia un futuro más sostenible», explica.
Mirando hacia el futuro, Gensler en México apuesta por la innovación y la sustentabilidad como pilares de su crecimiento. «Queremos desarrollar proyectos que no solo sean estéticamente atractivos, sino que también generen un impacto positivo en la comunidad y el medio ambiente». La firma está explorando nuevas tecnologías, materiales sostenibles y metodologías de diseño que permitan optimizar los espacios urbanos y arquitectónicos de manera eficiente.
Gensler es, sin duda, un buen ejemplo de que la combinación de diseño innovador y estrategias de negocio sólidas puede ser la clave del éxito en la industria arquitectónica. «Si nosotros pudimos, otros también pueden. Se trata de ver la arquitectura no solo como un arte, sino también como un negocio creativo y sustentable».
Con una sólida formación como arquitecta graduada de la UNAM y una carrera de más de 25 años, Nadja Borrás, directora de diseño en Gensler México, ha forjado un camino profesional a través de colaboraciones estratégicas con destacadas firmas de arquitectura y proyectos independientes. Su experiencia abarca desarrollos arquitectónicos y de diseño de interiores para entornos corporativos, edificios comerciales, hoteles, residencias, proyectos de salud y el diseño de mobiliario, con reconocimientos internacionales por sus proyectos.
Para Nadja, el concepto de diseño trasciende la mera estética o la creación de objetos aislados. «En Gensler vemos el diseño como un servicio a la humanidad», afirma, explicando que su labor no se limita a lo purista, sino que se orienta a generar un impacto positivo en la vida de las personas. Desde su perspectiva, el diseño abarca desde elementos tan pequeños como un letrero o un mueble, hasta la configuración de un estilo de vida completo. Este enfoque integral se traduce en la importancia de diseñar experiencias, que van desde lo micro hasta lo macro: un objeto, un espacio, una
oficina, una casa y, en última instancia, toda una ciudad. El énfasis está en el habitante y en cómo cada detalle, desde el branding hasta la disposición de una plaza, se integra para generar bienestar y transformar la forma de vivir.
Nadja considera que la arquitectura mexicana está viviendo un renacimiento impulsado principalmente por las nuevas generaciones. «Hay mucho talento, mucho diseño fresco, y se está poniendo en alto el nombre de la arquitectura mexicana», comenta. Destaca que se están reinterpretando las raíces modernas y antiguas del país de manera contemporánea, y resalta la creciente presencia de las mujeres en el campo. «Cuando comencé, éramos pocas, pero siempre tuve el apoyo de mentores importantes. Ahora me encanta ver cómo más mujeres se suman al campo, y trato de inspirar a las nuevas generaciones de arquitectas».
La sustentabilidad es una prioridad para Gensler, donde se implementan en todos los proyectos prácticas que buscan reducir el impacto ambiental. Nadja menciona que están trabajando en la investigación de materiales sostenibles con el objetivo de alcanzar la meta de net zero para 2030, y en la transformación de espacios urbanos, como convertir edificios de oficinas vacíos en hoteles o residencias. «Nuestro trabajo no solo es pensar en el diseño, sino en cómo cada espacio puede contribuir al bienestar general y al entornos», asegura. El concepto de wellness es otro aspecto clave. Nadja explica que el bienestar en el diseño no se limita a spas o masajes, sino que se traduce en crear ambientes que
La arquitectura mexicana está viviendo un renacimiento impulsado por las nuevas generaciones, quienes están reinterpretando las raíces modernas y antiguas del país.
Con respecto a la importancia de los concursos como el Premio Noldi Schreck, Nadja explica que son una plataforma crucial para mostrar el trabajo y ganar visibilidad. Participar en estos concursos permite que el trabajo de los arquitectos se dé a conocer no solo entre colegas, sino también a nivel mundial. «Es importante estar en estos espacios para aprender, medirnos y conocer lo que otros están haciendo», dice, subrayando el valor de la competencia saludable y el crecimiento profesional. Nadja también reconoce el impacto de Greta Arcila, fundadora de Glocal, con quien ha trabajado desde sus inicios. «La conocí cuando aún no existía Glocal. Desde entonces, hemos crecido juntas en nuestros respectivos proyectos. Admiro mucho lo que Greta ha logrado. Es una persona siempre tres pasos adelante de todos», expresa. Esta colaboración y la creación de plataformas como Glocal son fundamentales para fomentar una comunidad más unida entre los arquitectos, donde el ego se deja de lado en favor de la colaboración.
propicien la calidad del aire, una iluminación adecuada, una ventilación óptima y orientaciones que generen confort visual y físico. Esto es relevante en espacios de alto estrés, como aeropuertos, donde se busca transformar la experiencia del usuario para hacerla más relajada y menos caótica.
Nadja también habla del futuro de las ciudades, enfatizando la necesidad de soluciones específicas adaptadas a las realidades locales. «Cada barrio, cada ciudad, tiene necesidades propias que deben ser atendidas con diseños que respondan a la movilidad, al uso del agua y a la accesibilidads». El diseño es un agente transformador que debe ser capaz de mejorar la vida de las personas y conectar mejor los espacios urbanos. Fuera del oficio, Nadja es una persona profundamente curiosa. «Me encanta investigar sobre neurociencia, astronomía y avances tecnológicos. Todo esto influye en mi trabajo y en la forma en que diseño».
gensler.com
Retratos Óscar Hernández
Entrevista Martha Lydia Anaya
El diseño no es solo una cuestión estética; es una fuerza que impregna nuestra vida diaria de formas tan sutiles como profundas. Sin embargo, muchas veces no somos conscientes de ello. Esta es la premisa que impulsa a Glocal Design, una revista que, según su fundadora, Greta Arcila, surgió de una necesidad personal y profesional: la ausencia de un medio multiplataforma para comunicar y difundir el diseño en todas sus facetas, desde lo arquitectónico hasta lo industrial, lo textil y lo objetual.
Con más de 25 años de experiencia en medios especializados, Greta sabía que había un vacío en la forma en que se abordaba el diseño. Glocal Design, que nació en 2010, se presenta como un espacio integral donde se aborda todo lo relacionado con el diseño, siempre con un enfoque global, pero con un fuerte énfasis en lo local. “Desde que uno se levanta, toma una decisión de diseño todos los días: desde que abres tu clóset, tu coche, absolutamente todo es diseño, pero la gente no lo sabe”, comenta Arcila. La idea de crear una plataforma que pudiera abordar estas realidades cotidianas fue el motor de este proyecto que hoy es referente del diseño mexicano.
Uno de los principales logros de Glocal Design ha sido su capacidad para crear y consolidar una comunidad de diseñadores, arquitectos, interioristas y otros creativos que antes no trabajaban de forma conjunta. Greta explica que, en los primeros años, los arquitectos e interioristas se mantenían distanciados, pero hoy en día estas disciplinas se han integrado de manera mucho más colaborativa. “Hemos sido testigos de cómo talentos increíbles han ido evolucionando. Personas que empezaron hace 10 o 15 años y que hoy tienen un impacto global”, comparte con orgullo.
Otro de los pilares de la revista es el reconocimiento y la visibilidad que ha dado a los nuevos talentos. Glocal Design ha impulsado el trabajo de jóvenes diseñadores y arquitectos, brindándoles la plataforma que muchas veces les había faltado para dar a conocer su obra. El Premio Noldi Schreck, creado poco después del lanzamiento de la revista, es el ejemplo más claro de este apoyo al talento emergente. Greta recuerda con entusiasmo los primeros años del premio,
La fundadora y CEO de Glocal Design reflexiona sobre la evolución del diseño en México y la importancia de una comunidad creativa que está marcando la diferencia en la arquitectura, el diseño y la sustentabilidad.
cuando figuras reconocidas como Héctor Esrawe, Gina Diez Barroso y Teodoro González de León fueron parte de este evento. «Este concurso ha sido fundamental para homenajear a los grandes nombres, pero también para reconocer a quienes están haciendo proyectos frescos y bien hechos». Gracias a iniciativas como el Premio Noldi Schreck, Glocal Design ha podido dar visibilidad a proyectos de calidad que no siempre se encuentran en los grandes medios, pero que representan lo mejor del diseño mexicano. «Nos ha permitido conocer talleres nuevos, propuestas frescas que de otra manera no hubieran tenido oportunidad de ser vistas», subraya Greta, añadiendo que el reconocimiento de la comunidad creativa ha sido clave para que la revista siga creciendo y ganando relevancia.
Innovación, adaptabilidad y visión global
Con el paso de los años, Greta ha comprendido que Glocal debe evolucionar constantemente, como lo hacen los propios diseños. La revista es un medio de comunicación y un actor clave en la promoción de la innovación y la sostenibilidad. Por ello, está emprendiendo un proceso de rediseño que busca actualizar su imagen sin perder la esencia que la ha convertido en un referente. «Si eres un medio de diseño, tienes que hablar desde el diseño», afirma Greta, y la colaboración con Gensler, firma internacional de arquitectura, fue fundamental para materializar esta actualización.
El rediseño no solo se refiere a la imagen visual de la revista, sino también a la forma en que se comunican las historias. Con una visión fresca y contemporánea, Glocal Design sigue apostando por lo mejor del talento local y por seguir llevando la mirada internacional hacia México. «Nuestro país tiene un enorme potencial y cuando viajo siempre me preguntan qué está pasando aquí. Lo que estamos viviendo y aportando al mundo es maravilloso».
Como mujer emprendedora, Greta también se muestra optimista ante la llegada de herramientas nuevas como la inteligencia artificial (IA) al mundo del diseño. «La inteligencia artificial puede agilizar procesos y ayudar a los creativos a desarrollar sus ideas de formas que no imaginábamos, pero el sentimiento, la emoción, la esencia del diseño, jamás te la dará una aplicación». La clave es que los creativos sigan cultivando su habilidad de observar, de dibujar y de vivir la experiencia del diseño. «Hay que salir, vivir el lugar, tocar los materiales, sentir las texturas. Eso es lo que alimenta la esencia del trabajo creativo».
El futuro de una revista impresa como Glocal Design está lleno de posibilidades. Greta está convencida de que el futuro del diseño está en lo local, en lo que se crea aquí, pero con una visión abierta al mundo. «Lo local es el futuro. El respeto a tu entorno, a tu comunidad, es parte de la sustentabilidad», afirma. Para ella, las nuevas generaciones tienen un reto, ya que ahora la compe-
tencia no solo es local, sino global. «La competencia es con el mundo entero. Las nuevas generaciones tienen mucho más acceso a herramientas y conocimientos que nosotros, pero también enfrentan un reto mucho mayor», reflexiona.
A pesar de los desafíos, Arcila se confiesa optimista sobre el futuro del diseño mexicano. «Veo un México lleno de talento; un país que está haciendo cosas increíbles. Cuando me preguntan por el diseño en México, me siento muy orgullosa de poder decir que estamos haciendo cosas maravillosas».
Además de ser una profesional entregada al diseño, Greta se siente profundamente conectada con su vida personal. «Soy mamá y mis pasatiempos hoy en día incluyen leer con mis hijos, jugar con ellos e ir a los museos». Con una pasión por la historia del arte, ella ve en los museos una oportunidad única para que sus hijos vivan el mundo desde la sorpresa. «Es importante que vivan el mundo desde esa parte, para que aprendan de una manera diferente», dice. Su gusto por la música clásica ha cambiado recientemente debido a la llegada de sus hijos, quienes ahora la acompañan en su amor por la música infantil.
Para Greta, el viaje no termina aquí; aún hay un trecho largo por recorrer. «Glocal Design está pensada para contar historias, descubrir nuevos talentos y seguir promoviendo el diseño mexicano. Siempre hay algo más que decir. El futuro es brillante y estamos aquí para seguir narrando nuevas historias», concluye.
@arcilagreta
Colega y amigo de Greta Arcila, fundadora y CEO de Glocal Design, Homero Hernández ha sido testigo y crítico imparcial del storytelling tanto de la edición impresa como del Premio Noldi Schreck a lo largo del tiempo. Desde su mirada y con su pluma sobre el papel nos comparte un texto lleno de anécdotas, pero sobre todo analítico sobre nuestro proceso de madurez como medio mutiplataforma.
A poco más de una década de la creación del Premio Noldi Schreck, es oportuno recapitular el balance positivo y el camino recorrido en este tiempo.
Es común que los arquitectos busquemos participar en este tipo de concursos con el propósito de legitimar nuestros proyectos, difundir nuestra obra y obtener el reconocimiento de nuestros pares. Dicho esto, resulta fundamental contar con convocatorias de premios sólidas y perseverantes para garantizar que ese premio se siga celebrando con rigor, seriedad y continuidad.
En 2012, la Mtra. Greta Arcila me extendió una atenta invitación para formar parte de un selecto jurado en un nuevo premio que entregaría la revista Glocal Design Magazine a las mejores obras arquitectónicas del año. Como director de la Facultad de Arquitectura de la Universidad La Salle, siempre he considerado prioritario establecer vínculos con el ámbito profesional, y qué mejor manera de hacerlo que participando en la selección de proyectos arquitectónicos de alta calidad en nuestro país.
Durante aquella conversación, Greta me compartió su visión para el premio y me reveló a quién rendiría homenaje. Para mí, fue un doble honor, pues había tenido la oportunidad de conocer en persona al arquitecto Noldi Schreck en su casa de Avándaro tan solo unos meses antes de su fallecimiento. Más tarde, sus hijas, Verónica y Alexis, realizaron una generosa donación con parte de su acervo a la Universidad La Salle. No encuentro mejor forma de expresar mi gratitud hacia este gran arquitecto, por su hospitalidad y por el legado que dejó a la universidad, que a través de mi participación como jurado en el premio que ahora lleva su nombre.
Si bien Noldi Schreck no es ampliamente conocido por las nuevas generaciones de arquitectos, su producción abarcó tanto la arquitectura como el interiorismo y la pintura. Elegirlo como figura emblemática de este premio, otorgado por una revista especializada en arte, diseño y arquitectura, fue un gran acierto.
El premio nació con el propósito de dar proyección nacional e internacional a la revista Glocal, a través de la difusión de las mejores obras arquitectónicas de México. Hoy, más de una década después, no solo se ha consolidado, sino que se ha convertido en un referente en la presentación de proyectos de vanguardia en nuestro país, a la par del Premio Nacional CEMEX, el de Firenze-Entremuros y la Bienal de Arquitectura organizada por la FCARM.
Además, en cada edición se ha otorgado un reconocimiento a la trayectoria de arquitectos destacados. Como suele ocurrir en este tipo de distinciones, no siempre están todos los que deberían, ni todos los que están representan la totalidad del talento arquitectónico del país. No obstante, este premio busca visibilizar y celebrar las trayectorias más valiosas en la producción arquitectónica de México. Durante más de una década como jurado, hemos revisado cientos de proyectos, enfrentándonos en ocasiones a difíciles decisiones al momento de elegir a los ganadores. Este proceso ha llevado a la apertura de nuevas categorías y a la reestructuración de las existentes, especialmente en la categoría habitacional, que suele contar con una producción particularmente extensa.
Me siento distinguido de formar parte de este selecto grupo de personalidades del interiorismo y la arquitectura, con quienes he compartido enriquecedoras jornadas de análisis y deliberación.
Felicito a la Mtra. Greta Arcila por su visión al concebir este premio, que contribuye significativamente a la difusión de la arquitectura mexicana de alta calidad y, al mismo tiempo, enaltece su destacada revista Glocal Design. ¡Enhorabuena!
Reconocido como Homenaje a la Trayectoria en 2016, el arquitecto Francisco Serrano habla sobre el camino recorrido, la relevancia del Premio Noldi Schreck en la arquitectura mexicana y la integración de las nuevas tecnologías, como la inteligencia artificial, en el diseño de edificios que marcan un antes y un después en el lenguaje arquitectónico.
Francisco Serrano, uno de los arquitectos más influyentes de México, ha dejado una huella profunda en la arquitectura contemporánea con proyectos emblemáticos como la Universidad Iberoamericana, los edificios corporativos de Citibanamex y HP en Santa Fe, y la Terminal 2 del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México. En 2016 recibió el Premio Noldi Schreck por su destacada trayectoria y aporte al desarrollo de la arquitectura mexicana.
Serrano destaca que el galardón ha evolucionado y se ha consolidado como un reconocimiento a quienes ya han dejado una marca importante en el campo de la arquitectura. «Este premio no busca promover a los galardonados, sino reconocer lo que ya han hecho. La mayoría de quienes lo reciben ya tienen una trayectoria comprobable». El valor de estos reconocimientos radica en que no solo celebran la carrera de los arquitectos, sino que también sirven para visibilizar el trabajo de quienes han contribuido a la arquitectura.
Recuerda que cuando recibió el reconocimiento, mencionó su relación con Noldi Schreck, quien fue una figura clave en su vida profesional. «Tuve el gusto de conocer a Noldi Schreck, aunque muy poco, pero sí lo conocí cuando yo trabajaba con Juan Sordo Madaleno. Esto me acercó más a entender el por qué seleccionaron ese nombre para el premio: él acuñó y profesionalizó el interiorismo en México». Serrano también subrayó cómo Glocal Design ha logrado consolidar el premio, aumentando su prestigio con el tiempo. «El premio se ha consolidado, especialmente por la calidad de las personas a quienes se les otorga y por el prestigio de la revista. La convocatoria ha ganado importancia para el gremio de los arquitectos, sobre todo entre los jóvenes de la Ciudad de México».
Antes los premios no eran tan comunes, pero ahora desempeñan un papel clave en destacar a quienes realmente están marcando la diferencia. «Lo que hacen estos
reconocimientos es poner en el mapa a los arquitectos que realmente están marcando la diferencia». Esta visibilidad, según Serrano, no solo beneficia a los galardonados, sino que también permite que el público general se familiarice con la calidad de los arquitectos mexicanos y su impacto global.
Serrano también menciona que, a medida que más personas participen en concursos como los organizados por Glocal, se logrará visibilizar la arquitectura mexicana en el ámbito global. «Lo que hace Glocal es dar un reconocimiento a aquellos que se acercan a ustedes, a través del conocimiento que tienen de la revista. Mientras más difusión logren, mejor será el impacto para la arquitectura y el diseño en nuestro país». El arquitecto destaca la importancia de las relaciones que se generan dentro de este ámbito. «Lo que siempre nos une es el amor por la arquitectura. Puede ser que no siempre estemos de acuerdo en todo, pero lo que importa es que este mundo, especialmente México, esté abierto a distintas corrientes, siempre que estas sean de valor real». Para él, lo más importante es la autenticidad en el trabajo y la constante búsqueda de la excelencia. A pesar de las diferencias en estilos o enfoques, lo que une a los arquitectos es el respeto por la disciplina y el deseo de hacer las cosas bien. Sobre la evolución de la tecnología en la arquitectura, Serrano expresa su opinión acerca del impacto de herramientas como la inteligencia artificial. «Lo veo como algo que es parte del camino de la humanidad», dice, destacando que estas herramientas deben ser vistas como un medio, no como un fin. «La inteligencia artificial representa el dominio tecnológico de la información, pero si no hay quien le dé instrucciones, no sirve para nada».
«Nosotros los arquitectos debemos ser hombres de nuestro tiempo, actores de un mundo global, construyendo con los medios a nuestro alcance, aquí y en otros países». –Francisco Serrano.
Una vida dedicada al arte y a la cultura
Fuera del ámbito profesional, Serrano es un apasionado de la cultura en general. «Todo lo relacionado con el arte me interesa, ya sea diseño gráfico, escenografía o arquitectura. Siempre me ha gustado estar informado y conocer lo que está pasando en otras partes del mundo». Además, destaca su amor por los viajes, una actividad que considera fundamental para ampliar su visión del mundo y enriquecer su trabajo. En cuanto a sus pasatiempos, Serrano menciona que la natación sigue siendo una de sus grandes pasiones, además de ser una forma de ejercicio que le permite mantenerse activo a lo largo de los años.
Finalmente, Serrano reflexiona sobre el futuro de los premios Noldi Schreck y los retos que enfrenta Glocal para continuar su labor. «El reto está en seguir adelante; continuar difundiendo lo mejor que tienen a su alcance. No se trata de difundir lo que no está a nuestro alcance, sino lo que realmente tenemos», concluye. Su mensaje es claro y directo: seguir adelante con la misión de reconocer lo mejor de la arquitectura y el diseño en México.
Para cerrar la entrevista, Serrano comparte un recuerdo entrañable sobre Greta Arcila, fundadora de Glocal Design, a quien siempre ha apreciado por su amabilidad. «Recuerdo haberla conocido con sus papás. Ese sentido de familia siempre me ha parecido muy agradable. No soy muy efusivo, pero siempre le he tenido mucho cariño». Este encuentro con Francisco Serrano no solo refuerza la importancia de su obra y su visión, sino que también refleja el profundo respeto que tiene por la arquitectura como arte y por los colegas que comparten su pasión por esta disciplina.
serranoarquitectos.mx
«
arquitectura
de la historia: trasciende a su tiempo, se vuelve testigo
Con más de 45 años de trayectoria, Félix Sánchez Aguilar ha construido un legado que trasciende el tiempo. Su trabajo no solo ha dado forma a la arquitectura mexicana contemporánea, sino que también ha dejado huella en la visión de nuevas generaciones.
Apasionado del diseño, la ciudad y la creatividad en todas sus formas, su historia es la de un arquitecto que sigue explorando, aprendiendo y compartiendo su conocimiento, ya sea en los planos de un proyecto o en las páginas de un libro de cocina.
La arquitectura, más que una profesión, es una vocación que se nutre de la observación, la pasión y el compromiso con la sociedad. En este contexto, el arquitecto Félix Sánchez Aguilar ha dejado una huella indeleble en la disciplina, consolidando un legado que abarca décadas de trabajo, innovación y enseñanza. Con una trayectoria de más de 45 años, su visión sobre la arquitectura mexicana y global es un testimonio de la evolución del oficio y los retos que enfrenta en la actualidad.
Sánchez Aguilar, arquitecto por la Escuela Nacional de Arquitectura de la UNAM y con una maestría en Diseño Urbano de la Universidad de Pennsylvania, ha construido una carrera que refleja su talento y su compromiso con el urbanismo y la vivienda. Su experiencia está respaldada por proyectos como la Unidad Integración Latinoamericana, la Unidad El Rosario II y el Programa de Renovación Habitacional tras el sismo de 1985, con desarrollos emblemáticos como Conjunto Casa Blanca y Reforma 17. Su enfoque ha sido siempre el de mejorar la calidad de vida a través del diseño de espacios funcionales y habitables, comprendiendo que la arquitectura tiene un impacto profundo en la vida cotidiana de las personas.
El momento de la arquitectura mexicana
Para Sánchez Aguilar, quien en 2018 recibió un Premio Noldi Schreck como homenaje por su trayectoria, la arquitectura mexicana atraviesa una buena racha. El arquitecto ve con optimismo el talento emergente, destacando el papel fundamental de las mujeres en la disciplina y la importancia de una arquitectura «más suave, más cobijable». Su enfoque está en la creación de espacios amables, funcionales y, sobre todo, sustentables. «Hacer las cosas bien» es una de sus premisas fundamentales. En un mundo donde la sustentabilidad y el impacto ambiental son cada vez más relevantes, destaca la necesidad de un diseño consciente que embellezca las ciudades y que responda a las necesidades del entorno y la comunidad.
La competencia y la innovación juegan un papel esencial en la evolución de la arquitectura, y los concursos han sido un mecanismo clave en este proceso. Félix Sánchez recuerda una época en la que los arquitectos discutían proyectos sin contar con plataformas de difusión como las actuales. Hoy, los concursos permiten que las ideas fluyan y se midan entre colegas. En este sentido, destaca el valor del Premio Noldi Schreck, organizado por Glocal Design, como un reconocimiento a la trayectoria profesional. Haber recibido este premio en 2018 le permitió reflexionar sobre su carrera y la evolución de la arquitectura en un mundo en constante transformación. «Nunca pensamos que dos años después vendría una pandemia que lo cambiaría todo», recuerda. La pandemia no solo impactó el ritmo de trabajo, sino que también obligó a los arquitectos a replantear la manera en que se diseñan los espacios, priorizando la flexibilidad, el bienestar y la funcionalidad.
Recibir un reconocimiento como el Noldi Schreck fue un momento de pausa y reflexión para Sánchez Aguilar. «Me obligó a repensar, a escribir algunos pensamientos sobre lo que es importante en el quehacer de un arquitecto». Para él, la arquitectura es un aprendizaje constante; una profesión que se enriquece con la observación, los viajes y la experiencia. En su visión, el verdadero valor de estos reconocimientos va más allá de la distinción: está en la oportunidad de compartir y guiar a las nuevas generaciones.
Al hablar de los arquitectos emergentes, Sánchez Aguilar menciona nombres como Frida Escobedo, Rozana Montiel, Verónica González y Diego Ricalde, entre otros. «Hay una gran cosecha de talento», dice, aunque enfatiza que lo fundamental es brindarles oportunidades y fomentar el aprendizaje del oficio. Enfatiza la importancia del trabajo colaborativo y de entender que la arquitectura es un proceso en constante
Fueron las circunstancias, la época particularmente polémica que le tocó vivir, su carácter inquieto aunado a su entusiasmo gregario lo que desde muy joven ha encaminado a Sánchez a liderar diversas iniciativas en su ramo.
Sánchez es parte de la generación del ‘68, una época complicada en la que estudiar arquitectura no implicaba ninguna oportunidad de sobresalir.
evolución, donde cada generación debe aportar su visión sin perder el respeto por la historia y la tradición del oficio.
Más allá de la arquitectura, Sánchez Aguilar disfruta de la vida con actividades que reflejan su espíritu creativo. Caminar, observar y pensar forman parte de su rutina, pero también encuentra en la cocina una pasión especial. Durante la pandemia, escribió un libro de recetas que espera publicar pronto. «Me divierto cocinando, creando, yendo al mercado e inventando cosas», confiesa. Para él, la cocina es otra forma de diseñar, de experimentar con combinaciones y de construir experiencias a través de los sentidos. Su lectura reciente, Baumgartner, de Paul Auster, lo ha llevado a reflexionar sobre el cambio y la capacidad de adaptación en la vida, algo que considera clave tanto en la arquitectura como en la vida cotidiana. «El libro trata precisamente de un hombre que pierde a su mujer y cómo tiene que rehacer su vida, que estaba hecha y era perfecta. Sin embargo, por cuestiones del destino, algo ocurre y cambia todo. Esa es la enseñanza: tienes que estar dispuesto al cambio; si no, te mueres».
Finalmente, el arquitecto recuerda con afecto su relación con Glocal Design y su fundadora, Greta Arcila. «Hace 12 años, Greta tuvo la gran iniciativa de hacer un número de padres e hijos en la arquitectura, algo que me pareció extraordinario». Para él, la transmisión del conocimiento y la tradición arquitectónica dentro de las familias es un fenómeno natural y valioso. «Siempre escucho a los jóvenes que me buscan, porque así lo hicieron conmigo», afirma con convicción.
Con su característico sentido del humor y pasión por la arquitectura, Félix Sánchez Aguilar concluye con un mensaje para Glocal: «Les auguro mucho éxito porque son muy profesionales».
La trayectoria y reflexiones de este reconocido arquitecto sin duda son un recordatorio de que la arquitectura es, en esencia, un diálogo constante entre el pasado, el presente y el futuro.
sanchezarquitectos.com
Absorto en una generación de finales del siglo XX , Schjetnan representa a un grupo de colegas paisajistas y urbanistas que se vuelven conscientes de la gravedad ambiental del desarrollo urbano y sus consecuencias sobre la vida en el planeta, creando nuevas teorías y prácticas sobre el diseño de nuestras ciudades, su calidad de vida y la relación ética y estética con el medio ambiente.
La arquitectura en México vive un momento de expansión y transformación. Mario Schjetnan, uno de los arquitectos más influyentes de su generación, destaca que actualmente existe una mayor diversidad en los proyectos arquitectónicos que se realizan en distintas regiones del país, como Baja California, Mérida, Guadalajara y León. «La arquitectura mexicana está despegando a un nivel internacional», afirma Schjetnan, quien a lo largo de su carrera ha trabajado en importantes proyectos de México y el extranjero, en países como Estados Unidos, Chile, China y Líbano.
El arquitecto explica que la calidad de la arquitectura mexicana está siendo reconocida fuera de nuestras fronteras, lo que contribuye a la proyección de nuevas generaciones de arquitectos que trabajan con gran visión y creatividad. Sin embargo, Schjetnan también señala que hay un tema urgente que sigue pendiente: la integración de la sostenibilidad ambiental en los proyectos arquitectónicos. «A pesar de los avances, la arquitectura en México aún no está a la altura de los retos ambientales que enfrentamos como sociedad. Temas como el cambio climático, la gestión del agua y la sostenibilidad bioclimática deben ocupar un lugar más relevante en nuestros proyectos», comenta. En este sentido, el arquitecto considera que la arquitectura mexicana no ha logrado incorporar estos aspectos en la mayoría de las premiaciones y concursos más destacados.
El Premio Noldi Schreck ha sido un hito importante en la trayectoria de Schjetnan, quien fue recientemente homenajeado con este reconocimiento. Para él, recibir este premio es una manera de reflexionar sobre su carrera; de mirar atrás para valorar los logros alcanzados, pero también para cuestionar su trabajo y proyectar lo que aún
está por venir. «Este tipo de premios te estimulan, te hace cuestionar tu obra y seguir promoviendo valores fundamentales en tu práctica profesional», señala el arquitecto, quien ha sido parte activa de la vida profesional y cultural de México. Schjetnan destaca que el reconocimiento también es una oportunidad para seguir compartiendo su visión sobre una arquitectura justa y accesible para las grandes mayorías. «Creo firmemente en una arquitectura que tenga en cuenta el bienestar de las personas, la ética ambiental y la inclusión social», asegura. También señala la evolución del propio Premio Noldi Schreck, que se ha diversificado en su enfoque, incorporando jurados interdisciplinarios que van más allá de la arquitectura. «Lo importante es que los premios se sigan otorgando mientras la persona sigue activa profesionalmente. Reconocer el trabajo de alguien mientras está en su apogeo es mucho más valioso que hacerlo cuando ya no está».
Schjetnan dedica parte de la conversación a reflexionar sobre las generaciones anteriores de arquitectos y su influencia en las nuevas voces que surgen en la escena mexicana. «Yo la tuve con las generaciones anteriores a mí, con Mario Pani, con Enrique del Moral, con Luis Barragán... ellos me aceptaron, me enseñaron y cultivé esas relaciones», comenta el arquitecto, quien valora profundamente la enseñanza y colaboración entre generaciones.
Asegura que él aprendió de los grandes del movimiento moderno mexicano, ahora ve con orgullo que las nuevas generaciones, como las de Mauricio Rocha, Gabriela Carrillo y Loreta Castro, han seguido ese camino. «Ellos siguen haciendo obras extraordinarias, con materiales locales y manejados de una forma sumamente creativa», agrega. Así, el arquitecto ve un momento clave donde las generaciones anteriores continúan influyendo en los proyectos contemporáneos, pero también destaca el crecimiento de los jóvenes arquitectos, quienes están demostrando un nivel sobresaliente en la arquitectura nacional y global.
Entre sus proyectos más reconocidos se encuentra la rehabilitación del Bosque de Chapultepec, Parque Bicentenario, Parque La Mexicana, Parque Tezozómoc y Parque Ecológico Xoxhimilco.
A pesar de ser un hombre de agenda apretada, Schjetnan no deja de lado sus pasatiempos, entre los que destacan la música y la lectura. En cuanto a su pasión por la música, Schjetnan es un ferviente amante del jazz desde su adolescencia. «El jazz me da mucha energía. A veces, mientras diseño, me pongo a escuchar música de jazz clásico. Es algo que me conecta con mis ideas y fluye junto con el proceso creativo», revela. También disfruta de la música barroca, especialmente las composiciones del siglo XVIII, y la considera una fuente de inspiración para su trabajo creativo. En cuanto a sus lecturas, Mario Schjetnan se siente atraído por las biografías y los libros que exploran cuestiones contemporáneas, como el cambio climático y los problemas ambientales. Recientemente, terminó de leer El Gatopardo, de Tomasi di Lampedusa, una novela que le dejó valiosas reflexiones sobre los cambios sociales y la evolución de las sociedades. «Este libro habla sobre cómo los grandes cambios sociales pueden ser ilusorios; cómo todo cambia para volver a quedar igual. Es un texto profundo que invita a reflexionar
sobre nuestra relación con la historia y el progreso», comenta Schjetnan, quien anima a los lectores de Glocal Design a explorar tanto el libro como la película de Luchino Visconti, que también ha dejado una profunda impresión en él.
Con respecto a sus proyectos en curso, el arquitecto anticipa un futuro lleno de nuevos retos. Su despacho, el Grupo de Diseño Urbano, sigue trabajando en diversos proyectos de urbanismo y paisajismo en todo el mundo, con un enfoque claro en la sostenibilidad y la calidad de vida. «El futuro de la arquitectura debe estar en la creación de espacios que no solo sean funcionales y estéticamente atractivos, sino que también estén profundamente conectados con la naturaleza y las comunidades».
Schjetnan concluye con una reflexión sobre el panorama editorial y la importancia de continuar renovando los espacios dedicados a la arquitectura y el diseño. «Es vital que existan iniciativas como Glocal Design, que continúen visibilizando el trabajo de los arquitectos y diseñadores, especialmente en un contexto como el mexicano, donde es difícil sostener una publicación de calidad.», finaliza el arquitecto.
gdu.com.mx
La arquitectura es una disciplina en constante evolución, moldeada por las necesidades sociales, tecnológicas y culturales de cada época. Conversamos en exclusiva con el arquitecto Enrique Norten, fundador de TEN Arquitectos, sobre su trayectoria, su visión de la arquitectura mexicana y los desafíos que enfrenta el urbanismo en el siglo XXI.
«Siempre ha sido importante la parte en la que la arquitectura y la formación se tocan, pues en esa intersección se crea una constante preocupación por los temas de reflexión». –Enrique Norten.
Enrique Norten es un referente indiscutible de la arquitectura contemporánea. Con obras emblemáticas como el edificio de usos mixtos Mercedes House en Nueva York, el Parque Conmemorativo del 150 Aniversario de la Batalla de Puebla y el Musevi en Villahermosa, su trabajo ha sido reconocido internacionalmente. En 2021, Glocal Design lo homenajeó con el Premio Noldi Schreck, distinción que reconoce lo más relevante de la arquitectura mexicana. «Siempre he seguido con interés el trabajo de Glocal Design y el esfuerzo que Greta y su equipo han hecho para difundir y reflexionar sobre la arquitectura en México. Ha sido una gran compañía en este camino que nunca es fácil recorrer solo», comparte Norten. «Recibir este reconocimiento fue un gran honor. Me siento muy agradecido y honrado de ser parte de esta comunidad de arquitectos distinguidos por la revista».
Desde la fundación de TEN Arquitectos en 1986, su visión ha estado marcada por la exploración de nuevos lenguajes arquitectónicos y la búsqueda de soluciones innovadoras para las ciudades en transformación. «México y el mundo han cambiado mucho en estas décadas, y la arquitectura debe estar a la altura de esos cambios», señala el arquitecto. Su trabajo abarca desde proyectos de vivienda y urbanismo hasta infraestructura cultural y educativa, siempre con un enfoque en la sostenibilidad y la integración del entorno.
Evolución de la arquitectura mexicana
México es un país con una vasta tradición arquitectónica que se remonta a las culturas prehispánicas. «Siempre ha habido una gran propuesta arquitectónica en nuestro territorio. Durante la Colonia hubo una transformación fundamental y en el siglo XX México abrazó la modernidad con una arquitectura extraordinaria», comenta Norten. La riqueza de estilos, la diversidad geográfica y la creatividad de los arquitectos han hecho de la arquitectura mexicana un referente global.
Respecto a los arquitectos emergentes, el fundador de TEN Arquitectos enfatiza que «se está produciendo una arquitectura de altísimo nivel, que continúa siendo admirada y reconocida en el mundo entero». Sin embargo, también reconoce que la profesión enfrenta múltiples retos, como la falta de planificación urbana y la necesidad de adaptar la arquitectura a las condiciones medioambientales del siglo XXI.
A pesar de los tiempos inciertos que se viven a nivel global, su despacho sigue en constante evolución. «Estamos muy activos con proyectos en distintas partes del mundo –señala–. Actualmente, la mayor parte de nuestro trabajo se centra en proyectos de educación y cultura. Estamos desarrollando tres museos, dos en México y uno en el extranjero. También seguimos participando en proyectos de infraestructura y desarrollos comerciales en diversas ciudades». Además, recalca la importancia de una arquitectura que responda a las necesidades de las comunidades y no solo a los intereses comerciales.
Para Norten, uno de los grandes retos de la arquitectura en México es la planificación de las ciudades. «El país está cambiando a pasos agigantados y la arquitectura debe responder a estos cambios. Pero más allá de los proyectos individuales, debemos pensar en la construcción de ciudades. México es un país cada vez más urbano, con más del 70% de su población viviendo en ciudades. El gran reto es cómo mejorar la calidad de vida en estos espacios».
Enfatiza que la tarea no es solo de los arquitectos: las autoridades, los empresarios y la comunidad en general deben trabajar juntos para alinear visiones. El crecimiento desordenado y la falta de inversión en infraestructura han generado problemas de movilidad, escasez de vivienda asequible y desigualdad en espacios públicos. «Si no pensamos en modelos sostenibles, nuestras ciudades serán cada vez más caóticas».
Más allá de su profesión, Norten encuentra en la música y la literatura una fuente constante de inspiración. «Me gusta la música clásica, en especial la barroca, aunque de vez en cuando disfruto el pop latino. En cuanto a lectura, siempre estoy inmerso en textos sobre arquitectura, ciudades y medio ambiente, aunque también disfruto una novela de vez en cuando».
También considera que los viajes han sido clave en su desarrollo profesional. «Europa es un destino que disfruto por su legado arquitectónico, pero también me han impresionado Japón, India, Egipto y Marruecos. Cada viaje es una oportunidad de aprendizaje». Entre los lugares que más lo han impactado, menciona la Alhambra de Granada y la isla japonesa de Naoshima. Tras casi cuatro décadas de trayectoria, Enrique Norten considera que su trabajo es el reflejo de su evolución personal. «Al igual que los escritores o los músicos, con el tiempo desarrollamos un lenguaje propio. Espero que la personalidad de mi equipo y la mía estén reflejadas en nuestras obras más que en mi persona». Finalmente, envía un mensaje a Glocal Design: «Solo me queda agradecerles su labor. Sigan adelante, no suelten, porque su trabajo es fundamental para la difusión de la arquitectura en México».
Con una carrera consolidada y una visión clara del futuro urbano, Enrique Norten continúa dejando huella en la arquitectura contemporánea, demostrando que la innovación y la tradición pueden ir de la mano para construir mejores ciudades y sociedades.
ten-arquitectos.com
La obra de Norten es de esas arquitecturas que no se han quedado estáticas en el tiempo, a pesar de tener una línea muy clara de cuál es su concepción.
Desde sus inicios como estudiante hasta los proyectos desarrollados actualmente junto con su equipo, Lorena Vieyra considera que el aprendizaje y la paciencia han sido claves en la madurez y experiencia de su propuesta arquitectónica. Para esta edición, reflexiona sobre el papel de la mujer en la arquitectura, los retos del gremio y su evolución profesional.
La arquitectura en México está viviendo un momento emocionante, y Lorena Vieyra, directora creativa de Vieyra Estudio, es testigo de cómo el talento femenino está ganando cada vez más reconocimiento a nivel nacional e internacional. En entrevista para Glocal Design, comparte su visión sobre la industria, su experiencia en concursos y los proyectos que la entusiasman.
Para Lorena, la presencia de mujeres en la arquitectura mexicana es motivo de orgullo. «Me llena de orgullo ver que la arquitectura en México está representada por mujeres talentosas. Esto es algo que ha llamado la atención fuera del país y que está marcando un movimiento importante», comenta.
Uno de los momentos que la impactó fue cuando Frida Escobedo fue seleccionada para diseñar el ala modernista del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. «Cuando estudié arquitectura, nunca imaginé que eso sería posible. No porque lo viera como una limitación, sino porque simplemente no existía ese referente. El hecho de ver a una arquitecta joven alcanzar un nivel tan alto y hacerlo tan bien me pareció un indicativo de que se había roto una barrera que antes parecía infranqueable».
Para Vieyra, la trayectoria de arquitectas como Frida Escobedo, Tatiana Bilbao y muchas otras es prueba del alto nivel que ha alcanzado la arquitectura mexicana en el panorama global. «Creo que las nuevas generaciones ahora pueden ver que sí se puede; que se puede llegar a un nivel de reconocimiento internacional y destacar en esta profesión», afirma.
importancia de los concursos en la arquitectura
Lorena destaca el papel que juegan los concursos en la consolidación de la industria. «Concursos como el Premio Noldi Schreck han ganado solidez a lo largo de los años, en parte porque están respaldados por profesionales de alto nivel. Estas iniciativas dan visibilidad y voz a arquitectos emergentes y consolidados», explica.
Para ella, estas plataformas son esenciales para impulsar el talento. «Es importante que existan estos espacios serios y bien estructurados donde se valore la creatividad y el diseño. Es una forma de darle proyección a los arquitectos y sus proyectos. Además, permiten que tanto talentos emergentes como figuras consolidadas encuentren un espacio donde compartir su trabajo y reflexionar sobre el futuro de la disciplina».
En lo personal, participar como jurado en el Premio Noldi Schreck ha sido una experiencia enriquecedora para Lorena. «Fue muy especial para mí haber ganado el premio con algunos de mis proyectos y luego ser invitada a formar parte del jurado. Es un honor compartir con otros arquitectos a quienes admiro. Además, participar en la deliberación con colegas talentosos es una oportunidad de intercambiar ideas y reflexionar sobre el panorama actual de la arquitectura en México».
Lorena también destaca la importancia de los homenajes a figuras clave del gremio. «Cada uno de estos arquitectos ha construido un legado impresionante. No solo son grandes arquitectos, sino que han sido mentores de muchas generaciones. Han inspirado a tantos de nosotros y nos han enseñado que la arquitectura es una pasión de por vida. Ver sus trayectorias nos recuerda que en esta profesión nunca nos retiramos realmente; respiramos y vivimos la arquitectura todos los días».
La evolución de Vieyra Estudio y sus proyectos en puerta
El despacho de Lorena Vieyra sigue expandiendo sus horizontes. «Siempre hemos estado enfocados en proyectos residenciales, pero también estamos explorando el sector de la hotelería y la hospitalidad, y hemos comenzado a trabajar en proyectos internacionales. Es un paso importante para mí y para mi equipo. Llevar nuestra esencia y visión más allá de México es una meta que nos motiva mucho».
Para Lorena, la colaboración con otros diseñadores y arquitectos ha sido clave en esta nueva etapa. «Tener la oportunidad de colaborar con profesionales de otros países nos abre nuevas perspectivas y nos desafía a repensar nuestra manera de abordar el diseño. Es un aprendizaje constante que nos ayuda a evolucionar como estudio».
Más allá de la arquitectura, su vida personal también influye en su creatividad. «Tengo tres hijas adolescentes, lo que hace mi vida muy divertida y desafiante. En mi tiempo libre, me gusta leer novelas que me saquen del contexto diario y explorar temas sobre mujeres y sus distintas realidades. Me interesa mucho reflexionar sobre cómo las mujeres somos capaces de hacer tantas cosas a la vez y cómo nuestra visión influye en el mundo del diseño».
Además, ha decidido emprender nuevos retos personales. «Estoy aprendiendo otro idioma y explorando nuevas actividades fuera del contexto del diseño. Creo que es importante nutrirnos de diferentes experiencias y aprendizajes para seguir creciendo, tanto a nivel personal como profesional».
Finalmente, Lorena celebra la evolución de Glocal Design y felicita a su equipo por su compromiso con la industria. «El trabajo de Greta y su equipo es admirable. Mantener y hacer crecer un proyecto como Glocal no es tarea fácil, y lo han logrado de una manera impresionante. No solo han sabido consolidarlo, sino que han impulsado la visibilidad de muchos arquitectos y diseñadores a lo largo de los años. Es una labor titánica que merece ser reconocida y celebrada».
vieyraestudio.com
«No se pueden negar nuestras raíces machistas; pese a ello, la oportunidad y el campo se han abierto al empuje femenino.»
En sus 25 años de trayectoria, las arquitectas Ofelia Uribe y Erica Krayer han consolidado Uribe Krayer como un referente en el diseño de interiores, marcando por una visión femenina que ha influido tanto en proyectos nacionales como internacionales. Su trabajo resalta el talento mexicano y la creciente visibilidad de las mujeres en la arquitectura.
El carácter está en los detalles y, bajo esa filosofía, Ofelia y Erica transforman espacios en experiencias únicas, donde cada detalle desvela su pasión y compromiso por lo que les gusta hacer.
Uribe Krayer, fundado en 1999 por las arquitectas Ofelia Uribe y Erica Krayer, celebra 25 años de trayectoria. A lo largo de este tiempo, el estudio ha logrado consolidarse como uno de los referentes más importantes en la arquitectura de interiores y la consultoría de arte en México. Desde sus inicios, Ofelia y Erica han trabajado con pasión y dedicación, combinando su formación académica y experiencias previas en importantes despachos, como Legorreta + Legorreta. Hoy en día, su equipo se ha fortalecido y sigue creciendo, llevando a cabo una amplia gama de proyectos desde hoteles y residencias hasta espacios comerciales. Lo que más destaca a Uribe Krayer es el ambiente colaborativo que se vive dentro del despacho. Ambas arquitectas coinciden en que el equipo de trabajo, integrado por personas jóvenes y dinámicas, es una de las claves para mantenerse en constante evolución. «Lo que más me gusta de cómo hemos crecido es que tenemos una generación de gente joven, que no solo aprende de nosotras, sino también de nuestros amigos que colaboran con nosotros», menciona Erica, subrayando el aspecto de formación continua que ha sido fundamental.
La arquitectura mexicana y la
Ofelia y Erica coinciden en señalar en que la arquitectura mexicana vive una etapa brillante. Ofelia destaca los sólidos antecedentes de la profesión en México, desde las grandes civilizaciones prehispánicas hasta la época moderna, como pilares fundamentales para la construcción del presente. «Tenemos ejemplos maravillosos de todas las épocas, y eso le da mucha fortaleza a la arquitectura en México», afirma.
Además, las arquitectas subrayan con orgullo el creciente reconocimiento de la arquitectura mexicana en el ámbito internacional. En particular, destacan cómo la figura de las mujeres arquitectas ha cobrado cada vez más relevancia. «Ahora, estamos viendo un empuje de creatividad femenina que le está aportando mucho a México», comenta Ofelia. Aunque han existido muchas mujeres arquitectas a lo largo de la historia, actualmente hay una mayor visibilidad y una lucha constante por estar presentes en el panorama internacional. «Hoy estamos trabajando más que nunca en proyectos tanto en México como fuera de él», puntualiza Erica.
Sin embargo, a pesar de los avances, el camino sigue siendo desafiante. Para Ofelia, uno de los mayores retos es inspirar a las jóvenes que están comenzando su carrera, motivándolas a seguir adelante en un campo que tradicionalmente ha sido dominado por hombres. «El reto está en seguir luchando por el reconocimiento –dice Ofelia–. El futuro está lleno de oportunidades para las nuevas generaciones, pero con un esfuerzo constante por mantener la visibilidad y la relevancia».
Las arquitectas también hablaron sobre su relación con la revista Gloca Design, un medio que ha tenido un impacto significativo en la promoción del diseño mexicano, especialmente en el ámbito de la arquitectura de interiores. «Muchas veces la arquitectura de interiores no tiene el mismo reconocimiento que la arquitectura exterior, pero Greta (fundadora de Glocal Design) le ha dado un lugar fundamental en la revista, y eso es algo que siempre agradecemos», señala Ofelia de manera empática.
El mundo es el límite de la inspiración para Uribe Krayer, cuyo equipo diseña espacios sutiles y armónicos, pero contundentes en carácter.
Ofelia y Erica recuerdan con entusiasmo sus primeros encuentros con Greta, cuando la fundadora de Glocal estaba trabajando arduamente en las primeras ediciones de la revista. «Cuando fuimos a la Feria de Milán y vimos a Greta trabajando, realmente nos sorprendió el esfuerzo que le ponía al diseño mexicano y cómo se enfocaba especialmente en las mujeres», cuenta Ofelia. El trabajo de Greta ha sido clave en la difusión del diseño mexicano y en la visibilidad de los arquitectos y diseñadores nacionales.
En cuanto al Premio Noldi Schreck, las arquitectas comparten su admiración por la seriedad y el valor que este concurso ha demostrado. «Creo que hay muchos premios que se dan de manera superficial, pero el Premio Noldi realmente ha respaldado a quienes tienen un trabajo sólido y con fundamento», expresa Erica.
En 2020, Uribe Krayer fue reconocido con este galardón en la categoría de Hotel Gran Turismo - Interiorismo, por la obra Zadún Ritz Carlton Reserve en Los Cabos, Baja California, un proyecto que representa su enfoque en la excelencia y el detalle en la arquitectura de interiores.
Para las arquitectas, el Premio Noldi no solo reconoce el trabajo actual de los diseñadores, sino que también pone en valor la trayectoria de aquellos arquitectos que han marcado la diferencia en la profesión. «Es un gran honor participar en un concurso como este y ver cómo crece año con año, reconociendo a nuevos talentos y también a personas con una larga trayectoria en la arquitectura», añade Ofelia.
Cuando se les pregunta sobre lo que les gustaría saber de los arquitectos homenajeados por su trayectoria, Ofelia menciona
a figuras como Víctor Legorreta y Francisco Serrano, quienes han dejado una huella profunda en su formación y en la arquitectura mexicana. «Lo que más me gusta de estos homenajes es escuchar no solo la voz de los arquitectos reconocidos, sino también las opiniones de su equipo y de las personas que los conocen bien». Ambas coinciden en que este tipo de reconocimientos son una oportunidad para aprender, compartir y agradecer a aquellos que han sido pioneros en la industria.
En el ámbito más personal, Ofelia y Erica comparten sus pasatiempos y actividades favoritas. Aunque el trabajo ocupa gran parte de su tiempo, ambas disfrutan de la lectura y las actividades que les permiten relajarse. «Nos encanta leer libros sobre la Ciudad de México y todo lo que tiene que ver con la arquitectura y el arte. La ciudad es tan rica en historia y arquitectura que nunca dejamos de aprender», dice Erica, mientras que Ofelia añade que, además de la lectura, ambas disfrutan de practicar yoga juntas.
Respecto a los planes a futuro para Uribe Krayer, ambas están emocionadas por el rumbo que está tomando su despacho. «Celebrar 25 años es un gran logro, y ahora estamos enfocadas en crecer sin perder la esencia de lo que somos». Aunque no buscan un crecimiento masivo, están disfrutando cada etapa de su desarrollo, y continúan trabajando en proyectos interesantes que les permiten explorar nuevas posibilidades.
Por último, las arquitectas reflexionan sobre el impacto de las nuevas herramientas tecnológicas, como la inteligencia artificial y las redes sociales, en su trabajo. Aunque al principio fueron un poco reacias a la importancia de estas herramientas, ahora reconocen el valor que traen, especialmente con la incorporación de jóvenes en el despacho. «Nos ayuda mucho a enriquecer el trabajo y nos permite aprender nuevas técnicas», comenta Ofelia. Para ellas, es fascinante cómo la tecnología está transformando la forma en que se concibe la arquitectura, y cómo los jóvenes arquitectos pueden aportar ideas innovadoras que incorporan estas herramientas en sus proyectos.
Finalmente, Ofelia y Erica expresan su admiración por el rediseño de Glocal y la evolución de la revista. «Es increíble lo que han logrado con Glocal: levantar una revista de cero y mantenerla relevante. Su enfoque ha sido clave en el reconocimiento de la arquitectura de interiores en México. Y ahora, con este rediseño, Glocal continúa evolucionando para adaptarse a los tiempos y seguir siendo una plataforma valiosa para los arquitectos, diseñadores y creativos».
uribekrayer.com
«Nuestros espacios se alimentan de la vida y esencia de sus habitantes, reflejando lo que ellos son en cada detalle.»
Una de las principales voces de la arquitectura mexicana comparte su visión sobre el auge de las mujeres en el gremio, haciendo énfasis en el poder de la colaboración y la importancia de romper estereotipos en la profesión.
La creadora concibe su trabajo como muy sensorial; desde que arranca el proyecto está pensando en cómo se va a ver, cómo se va a sentir, de lo que va a expresar y reflejar en los sentidos.
Desde su fundación en 2003, vgz arquitectura ha dejado una huella significativa en el sector arquitectónico de México. Liderada por Verónica González Zavala, la firma se ha destacado por su enfoque único que integra diseño, manufactura y una profunda conexión con el entorno. A través de proyectos que van desde la arquitectura residencial hasta el interiorismo, Verónica ha logrado combinar la creatividad y la tecnología de una manera excepcional, siempre con una filosofía que involucra de manera activa a todos los actores del proceso: desde el sitio hasta el usuario final.
La clave del éxito de vgz arquitectura radica en su enfoque integral. Cada proyecto es concebido como un todo, con especial énfasis en la armonía con el entorno, la utilización de luz natural y la implementación de tecnologías sustentables. Verónica destaca que la colaboración es fundamental en este proceso. Su visión como arquitecta está muy influenciada por el trabajo conjunto, donde cada miembro del equipo, desde los diseñadores hasta los artesanos, aporta su conocimiento y creatividad para dar vida a espacios únicos.
En los últimos años, las mujeres arquitectas han experimentado un crecimiento notable en el sector. Verónica señala que, aunque el camino ha sido largo, el momento para las mujeres en la arquitectura nunca ha sido tan prometedor. En su opinión, la clave del avance de las mujeres en la arquitectura ha sido la colaboración. Lejos de buscar el protagonismo individual, las arquitectas han aprendido que trabajar en equipo no solo es más efectivo, sino también más divertido. Este enfoque de colaboración ha permitido que surjan ideas innovadoras y que se lleven a cabo proyectos de gran impacto. «Creo que hemos dejado atrás la figura del arquitecto estrella, del genio único. Hoy entendemos que el trabajo en equipo y el apoyo mutuo son esenciales para lograr proyectos más interesantes», comenta Verónica, quien afirma que, en su caso, colaborar con otras arquitectas ha sido fundamental para ampliar sus horizontes y enriquecer sus proyectos. Además, Verónica se siente profundamente orgullosa del talento que existe en el gremio femenino. «Colegas como Frida Escobedo, Lorena Vieyra, Ofelia Uribe, Erica Krayer, Gaby Carrillo y Gaby Etchegaray no solo son talentosas, sino también trabajadoras y cooperativas, características fundamentales para impulsar la arquitectura en México».
Un tema que ha sido una constante en la evolución de las mujeres arquitectas es la lucha por deshacerse de los estereotipos. Durante muchos años, a las mujeres en el gremio se les vinculó principalmente con el interiorismo, un campo valioso, pero que no refleja la
El objetivo es desmenuzar el corazón de cada cliente para lograr que cada espacio evoque un sinnúmero de sensaciones, las cuales alineamos en armonía con materiales, dimensiones y uso del color.
totalidad del trabajo arquitectónico. Verónica señala que uno de los mayores retos en los primeros años fue precisamente deshacerse de esa etiqueta y mostrar al mundo que las arquitectas también desarrollan espacios, no solo interiores. «Hoy ya se reconoce que las arquitectas no nos limitamos a hacer interiores, sino que también creamos y diseñamos los espacios en su totalidad», afirma con convicción.
A lo largo de su carrera, Verónica ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo. Para ella, los premios son una excelente forma de dar visibilidad a los proyectos, especialmente aquellos que, por diversas razones, no tienen acceso a las grandes plataformas. Por ejemplo, el Premio Noldi Schreck que otorga Glocal Design es una distinción que Verónica considera fundamental, pues no solo reconoce la calidad estética de las obras, sino que también valora el proceso creativo y de desarrollo detrás de ellas. En este sentido, la arquitecta destaca la importancia de revistas como Glocal, que además de ser una plataforma de alta calidad para mostrar el trabajo de los arquitectos, también proporciona credibilidad a los proyectos. «Que tu trabajo sea reconocido por Glocal es un honor, porque aporta prestigio y confianza, algo muy valioso en un gremio donde la recomendación boca a boca sigue siendo la mejor carta de presentación», asegura.
Los medios especializados en arquitectura, como Glocal, desempeñan un papel fundamental en la visibilidad de los arquitectos, pero Verónica también es consciente de que los medios deben adaptarse a los cambios. La digitalización y la incorporación de nuevas plataformas, como los podcasts y medios digitales, son un reto que todos deben enfrentar. «Los medios deben evolucionar y abrirse a nuevas formas de comunicación. La gente ya no solo consume información a través de revistas impresas, sino también a través de videos, imágenes y otros formatos», comenta.
En cuanto a los premios, Verónica opina que, aunque hoy en día existen más concursos que nunca, la calidad sigue siendo el principal factor que marca la diferencia. «Es cierto que la cantidad de premios ha aumentado, pero lo importante es que estos continúen reconociendo el trabajo de calidad, no solo en la fotografía, sino en el proceso completo». Para ella, el Premio Noldi Schreck y otros reconocimientos similares son una herramienta vital para visibilizar el trabajo arquitectónico de calidad.
El futuro de los medios de comunicación, según Verónica, estará marcado por una mayor digitalización. Aunque la arquitectura sigue siendo una disciplina muy visual, el consumo de información en línea está cambiando rápidamente. Verónica señala que, aunque los medios impresos han sido fundamentales, la integración de nuevos formatos y plataformas será clave para seguir siendo relevantes en un mundo en constante cambio. Sin embargo, tiene la certeza de que Glocal Design continuará siendo un referente en el sector.
Más allá del trabajo, Verónica también es una mujer multifacética. Le encanta pasar su tiempo libre diseñando objetos personales y realizando actividades creativas. La lectura es una de sus pasiones, especialmente las novelas complejas que le permiten desconectarse del día a día. Uno de los libros que más disfrutó recientemente fue Ámsterdam, de Ian McEwan. Es una novela que tiene gran profundidad y complejidad. Además, le gusta compartir momentos con sus amigas, muchas de ellas también arquitectas, en los que además de intercambiar ideas profesionales, comparten inquietudes y pasiones personales.
Verónica recuerda cómo conoció a Greta Arcila, fundadora y CEO de Glocal, en una Design House hace algunos años, y cómo se ha sentido impresionada por su ética de trabajo. «Lo que más me asombra de Greta es su dedicación y la forma en que se compromete con su trabajo, incluso enfrentando riesgos físicos para lograr el resultado que quiere. Desde entonces, la admiro mucho», dice Verónica, quien también valora profundamente la amistad y la complicidad que han compartido a lo largo de los años.
Con una visión clara de la arquitectura del futuro y un compromiso inquebrantable con el trabajo colaborativo, Verónica González Zavala continúa haciendo historia en el mundo de la arquitectura. Para ella, los próximos retos están en seguir innovando, en continuar el legado de las grandes arquitectas mexicanas y en seguir creando espacios que sean tanto bellos como responsables con el medio ambiente.
vgzarquitectura.com
«No hay una única fórmula que funcione para crear un proyecto; cada uno tiene su espíritu propio e individual.»
Un buen trabajo en equipo genera grandes ideas , soluciones creativas y fortalece sinergias. Glocal Design ha madurado como medio multiplataforma, remando todos en la misma dirección. Hemos aprendido a disfrutar el viaje, sabiendo que somos parte de «algo más grande» y de que no estamos solos en los problemas ni en los triunfos.
Con su gran pórtico inclinado y fachada de vidrio, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) fue el sitio donde logramos reunir a los Creadores Universales que han alimentado las páginas tanto de nuestra revista como de otros diversos proyectos que se nos han ocurrido –y seguirán pasando– durante el trayecto.
Con actividades que preservan el patrimonio cultural de la comunidad china de Kunshan, este parque se convierte en un refugio natural. El diseño prioriza la conservación del ecosistema y su trazado general se organiza en torno a las formas simbólicas de la seda y el bambú.
The Orchestra Park se encuentra entre dos comunidades residenciales de alta densidad en Kunshan, una de las zonas de mayor desarrollo económico en la provincia de Jiangsu, China. Rodeado de árboles maduros como alcanfores y secuoyas blancas, así como humedales cercanos. El proyecto enfrentó el reto de integrar un área para monopatines, preservar el bosque natural e integrar servicios básicos de aseo.
Este parque transforma un terreno urbano baldío en un espacio recreativo valorado por la comunidad. Su objetivo es brindar un espacio verde habitable que satisfaga las diversas necesidades de los residentes al tiempo de compartir una experiencia natural como un oasis verde y un centro social para el barrio.
Su diseño incorpora líneas y formas orgánicas que evocan los ritmos de la tradición musical de la seda y el bambú de Jiangnan, la cual forma parte del Patrimonio Cultural inmaterial de Kunshan desde 2007 y está representada por instrumentos como la flauta de bambú y el erhu. Las curvas del parque, inspiradas en dichos instrumentos, integran el concepto de recreación con una representación tridimensional de la música, ofreciendo a los residentes una armoniosa combinación de naturaleza y cultura.
Un sendero circular para footing recorre todo el parque y conecta la avenida
Xugongqiao Road con las dos comunidades residenciales situadas al norte y al sur. Este camino también divide el parque en dos zonas principales: un cinturón verde ribereño y una dinámica área recreativa. Dicho cinturón verde fusiona de manera armoniosa el bosque natural con un diseño paisajístico cuidado y espacios funcionales, generando un entorno de parque estratificado. Ofrece una equilibrada combinación de áreas abiertas y densas, con marcados cambios estacionales y un enfoque temático claro. El resultado es un espacio que invita a los residentes a relajarse y a disfrutar de una conexión única con la naturaleza. La zona recreativa, por su parte, aprovecha la topografía natural para transformar los contornos bidimensionales de la seda de Jiangnan y los instrumentos de bambú en una experiencia tridimensional abstracta. Incluye una variedad de instalaciones interactivas, como un skatepark, una zona de escalada, un parque infantil fitness, un teatro al aire libre, senderos de bambú, una plaza con una fuente musical y una pequeña aula de música. Estos espacios están diseñados para atraer a personas de todas las edades, fomentando la exploración y el compromiso con el entorno.
Después de un gran esfuerzo, Víctor Márquez
Arquitectos logró que el diseño del parque Acoatl atendiera las necesidades y deseos de los que viven cerca y de quienes ocuparán este jardín urbano como un espacio de esparcimiento, deporte y cultura.
Bajo estrictos principios de sustentabilidad y con más de 83,000 m2, el parque Acoatl se convierte en una extensión de lo natural; cuenta con un buen modelo de concesiones, que a su vez se suma a un adecuado plan de mantenimiento a largo plazo.
El Parque Ciencia-Energía, actualmente conocido como Ecoparque Acoatl, se ubica al norte de la Ciudad de México, frente al cerro del Chiquihuite, en el territorio del Estado de México.
Su rehabilitación, ejecutada por el equipo de Víctor Márquez Arquitectos, buscó mejorar, completar, restaurar y agregar más actividades y servicios a las antiguas instalaciones –como andadores, circuitos para ciclopistas y trotapistas, juegos infantiles, muelle para lanchas, pérgolas urbanas, plazas, gimnasio al aire libre, fuentes interactivas, viveros y cancha de fútbol–, las cuales compartieran una experiencia diferente a los visitantes al parque.
Es un proyecto que satisface las necesidades de servicios de áreas verdes, espacios recreativos y deportivos para la comunidad, además de que motiva actividades culturales y artísticas que involucren a diversos sectores económicos de la sociedad.
Este espacio se convierte en uno de los mejores y más grandes ecoparques de la ciudad. Como parte de la intervención fue importante crear zonas de estar y miradores para contemplar los distintos paisajes tanto de manera interna como hacia los exteriores. De hecho, por encontrarse en uno de los puntos más altos del terreno, el mirador urbano permite ver hasta el centro de la ciudad en un día despejado. Los árboles existentes en el parque se conservaron en su mayoría, pues se encontraban en buen estado y son de
buenas dimensiones, solo se reubicaron los estrictamente necesarios o de talla pequeña para permitir el desarrollo óptimo de las actividades de los visitantes.
Todo el parque cuenta con un proyecto de iluminación para extender su horario y garantizar la seguridad de los usuarios; también se incluye un sistema de circuito cerrado de vigilancia. La iluminación se plantea en términos de tecnología LED (Light-Emitting Diode) en todas las áreas, ya que es mucho más eficiente, consume menos electricidad y produce la misma cantidad de luz. Dicha emisión se considera en temperatura de color 3000k (cálida) para una mejor y agradable estancia, además de que este tipo de luminarias tienen una vida útil mucho más duradera y sólo producen un 2% de calor.
Desde el punto de vista hidrológico, este espacio natural cuenta con un gran lago principal, un reservorio, un bio-arroyo filtrante y un sistema de fuentes interactivas. Es un parque ejemplar en el manejo del agua pluvial y su almacenamiento, pues se evita que se consuma agua potable municipal para su riego.
Para el tema de la señalización y señalética se propusieron tótems explicativos sobre la ubicación del parque, reglas, restricciones y con los nombres de los edificios, así como paneles de los elementos a destacar en el proyecto.
victormarquez.com
Mercado 22 de Noviembre
Con una cubierta compuesta por grandes bóvedas de cañón, hechas de concreto armado, que hacen contraste con muros de ladrillo rojo se levanta este nuevo mercado que mejora la calidad de vida de su comunidad.
En un estado reconocido por su belleza natural y trabajo artesanal, pero también con zonas de alta marginalidad, se ubica el Mercado 22 de Noviembre. Este proyecto forma parte de un plan estratégico para mejorar las condiciones urbanísticas en la colonia Patria Nueva de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, y combatir la pobreza en su comunidad. El mercado está compuesto por una serie de patios internos y espacios múltiples que diluyen los recorridos y desvanecen las barreras entre el espacio exterior y el espacio interior. Además, el análisis previo de las condiciones del lugar permitió crear un programa que se ajustaba a las necesidades de los habitantes de la ciudad, convirtiéndolo en un espacio seguro que sirve de punto de conexión.
Basado en una retícula de 3.60m, el nuevo mercado se desplanta sobre una estructura de concreto armado que además de modular el edificio delimita los espacios de los locatarios y de la cual emergen unas grandes bóvedas de cañón corrido que llenan de carácter y emoción al lugar. A su vez, una serie de muros de ladrillo rojo terminan de definir los espacios interiores y enmarcan los bordes hacia la calle.
Así, el Mercado 22 de Noviembre brinda al barrio de Patria Nueva un espacio digno y seguro, donde los habitantes pueden compartir tanto la riqueza de sus productos como la multiplicidad de sus vivencias. El centro de abastos original se construyó alrededor de 1989 cuando el entonces gobernador Absalón Castellanos Domínguez ordenó la obra y posteriormente la inauguró; con el tiempo cayó en el deterioro, y no fue hasta los meses recientes que el sitio estuvo en proceso de renovación total.
Las otras obras –además del Mercado 22 de Noviembre– que se integraron al plan de mejoramiento urbano son: Polideportivo Patria Nueva, la renovación del Parque Central, el Centro Histórico y calles aledañas; el parque y Centro de Desarrollo Comunitario El Aguaje; la avenida central y el Parque 5 de Mayo que, en su conjunto, ahora facilitan la movilidad y accesibilidad de las y los vecinos. Todos se han convertido en espacios públicos donde las familias ya disfrutan de canchas deportivas, biblioteca y equipamiento que fomenta la integración.
La renovación del Mercado 22 de Noviembre revitaliza el comercio local, fortalece la identidad del barrio y fomenta la convivencia comunitaria. Su diseño modular, con una retícula estructural de concreto y bóvedas de cañón corrido, fusiona funcionalidad con un fuerte carácter arquitectónico, reflejando tradición y modernidad.
Para mí, Casa HMZ marca un parteaguas en mi storytelling personal, pues desde niño siempre he tratado de ligar la parte escultórica con la arquitectónica. –Lucio Muniain, arquitecto, pintor y contrabajista, fundador de la oficina Lucio Muniain et al.
San Luis Potosí, México 2023
Es muy curioso, pero los aspectos más impactantes de Casa HMZ no se describen en el programa arquitectónico inicial pensado por sus propietarios. El arquitecto Lucio Muniain platica que el dueño de la residencia (quien lamentablemente falleció durante el proceso, casi inaugurando la casa) siempre estuvo muy temeroso de trabajar con él. «Siempre me decía: oye Lucio, acuérdate de que lo que quiero es vivir en una casa, no en una galería de arte ni en un museo». «Comprendo perfecto por qué me lo decía –arguye Muniain–. Y es que al final sí tengo un común denominador en las casas que hago: son bastante abstractas, por decirlo de alguna manera. En el caso en particular de Casa HMZ presenté dos propuestas, una muy locochona y otra bastante más leve, dócil y tranquila que curiosamente fue la que ganó; o sea que lo que ven ahora de concreto corresponde a esa versión soft de la casa».
Agrega que las habilidades del constructor tuvieron mucho que ver para lograr este proyecto. «Cuando lo conocí –dice–, me acuerdo que fuimos a comer a un restaurante con la idea de que yo le abriera los planos para que él viera de qué se iba a tratar toda la obra. Fue muy meticuloso con la revisión y finalmente me dijo: yo no sé hacer casas de concreto. El dueño que también estaba ahí se puso muy nervioso sin saber qué decir, hasta que intervine y dije: Esta vivienda va a ser una caja de luz, no una casa de concreto y a final de cuentas lo que se necesita son texturas para reflejar la luminosidad. Así que olvídate del concreto y de que si estará bien hecho o no». «La verdad es que si mis profesores de la Universidad examinan la casa con lupa, me reprobarían porque no hay paneles perfectamente puestos y ordenados, hay cero estructura y si la ves bastante más de cerca se nota perfectamente. Más allá de eso y como decía Legorreta: el lujo está en el espacio, y siempre –cada vez que escucho eso– me queda claro que la belleza no recae en las chapas de oro o los pisos de lapislazuli, sino en la arquitectura que no se ve en el programa. Y es que ponte a pensar: ¿Acaso a Barragán le pedían que trazara una sala o un comedor? Por supuesto que no, lo que la gente buscaba en él era la necedad de su trabajo, la experiencia de disfrutar el espacio y de experimentar vivencias diferentes en cada recorrido al ir descubriendo nuevos ángulos cada vez. Esas emociones no te las dan los acabados más costosos ni lujosos».
«Para mí, Casa HMZ marca un parteaguas. Desde niño siempre he tratado de ligar la parte escultórica con la arquitectónica. No estoy peleado con el tema de ver las losas, trabes, columnas, ventanas, vidrio, concreto, piedra o lo que sea, pero sí soy más de tratar de hacer una escultura habitable y esta casa lo logró, sobre todo porque se trata de una residencia más de luz que de concreto. Es una casa muy abierta y bien aprovechada, que cuando tú estás dentro se ve el campo de golf y todo se ve increíble».
«Fueron tres o cuatro meses de estar rebotando ideas con los moradores de el casa y después dos o tres más para ejecutar la obra con ocho personas. No fueron camiones de concreto yendo y viniendo; todo el cemento lo hicieron ahí, en un lugarcito de la casa desde donde acarreaban los botes de un sitio a otro. El proceso de construcción duró tres años y medio sin parar un minuto, lo que supone que la parte más increíble fue atestiguar cómo toda la obra fue creciendo poco a poco; de repente veías quince centímetros de muro y luego cincuenta centímetros más y así sucesivamente. Entiendo que con máquinas, el avance pudo ser más rápido y perfecto, pero en este caso, me declaro un miembro activo del club de la belleza de la imperfección», relata Muniain, reconociendo que si su mamá mirara esta casa de cerca seguramente le diría que le quedó bastante mal. Una crítica que curiosamente se convierte en el ingrediente más fino: concreto handmade y en el que se nota la mano del hombre.
Por supuesto que en Casa HMZ también hay plafones de yeso y pisos de madera muy bien puestos, «como si los hubiese colocado un japonés de la NASA», lo que hace que el lenguaje arquitectónico
«Creemos que hemos dado un paso adelante acercándonos a la escultura. La arquitectura como escultura ha sido el tema más importante a lo largo de la vida de la oficina». –Lucio Muniain et al.
de este proyecto se lea aún más interesante, pues se cuenta con esa parte más pulcra a la que el concreto le da un toque que raya en lo misterioso combinado con lo mágico de contar con una entrada de luz por el lugar correcto.
Sin embargo, no todos los proyectos pueden ser así. «Si evaluas la primera casa que hice y la comparas con la última, en esencia siguen siendo básicamente lo mismo, como que he sido un necio repitiendo eso que me atrae y me enamora tanto. Por eso, creo que más que prueba y error, la ruta de mi quehacer creativo se ha formado siguiendo distintos caminos, de los que voy retomando lo que más me gusta para seguir explorando. Por ejemplo, todo el sistema de iluminación natural de Casa HMZ es uno de los que más me ha complacido hasta ahora, habrá que ver lo que sigue, pero en este caso en particular, sí tiene una magia muy especial».
Enamorado de la arquitectura desde niño, Lucio Muniain ocupa la mayor parte de su tiempo libre en caminar y departir en la grata compañía de colegas, amigos y la gente que estima. Su pasión por el contrabajo lo acompaña siempre, por lo que no duda en invertir su tiempo en tocar este instrumento. «La pintura, tocar el contrabajo y la arquitectura son las pasiones que más me llenan en el sentido de que son tres actividades muy creativas, aunque por desgracia la parte de arquitectura es la que más necesita: dinero, esfuerzo, tiempo, decisiones, clientes, permisos, terrenos… Para el contrabajo, puedo estar yo solo o con mi banda, y la pintura es la más bonita de mis aficiones porque solo necesito un pincel, un lienzo y mi buen humor para crear», concluye el arquitecto.
@luciomuniain
Casa Tate se concibe como una extensión del entorno, un proyecto que no impone su presencia, sino que potencia la experiencia del lugar. El diseño privilegia la relación entre los espacios interiores y exteriores, estableciendo una arquitectura que se mimetiza con la topografía y el ecosistema circundante.
Fotos Jaime Navarro
Puerto Escondido, Oaxaca, México
Arquitectos:
Karla Uribe, Gustavo Xoxotla, Teresa Berumen, Rodrigo Pérez, Jovana
Grujevska, Sol Fernández e Isabel Pacheco
CASA TATE parte de una idea fundamental: la arquitectura no debe imponerse sobre el paisaje, sino revelarlo. Ubicada en Puerto Escondido, Oaxaca, esta residencia se despliega en el terreno con una organización que prioriza los espacios exteriores, generando un recorrido donde la vegetación, la luz y la brisa marina configuran la experiencia de habitabilidad. Más que una estructura delimitada, la casa se vive como una sucesión de transiciones entre interiores y exteriores, donde la presencia del entorno es constante y esencial.
Desde su concepción, Casa Tate enfrentó el reto de integrar arquitectura y paisaje sin jerarquías tradicionales. La solución fue articular la casa en torno a tres tipos de jardines que definen su relación con el entorno. Un primer jardín abierto conecta el área de estar con la duna natural, estableciendo un vínculo fluido con el mar. En los linderos, la vegetación tropical refuerza la privacidad y el diálogo con la biodiversidad local. En el centro del proyecto, un jardín botánico con especies endémicas estructura los recorridos entre pabellones.
La selección de materiales y sistemas constructivos responde tanto a la tradición local como a la integración con el entorno. Los muros de piedra emergen de un basamento de concreto aparente, anclando la construcción al terreno. Sobre ellos, cubiertas de palma y estructuras de madera evocan la tradición de las palapas costeras, filtrando la luz y permitiendo una ventilación natural constante. Celosías de madera complementan la envolvente, disolviendo límites entre interior y exterior.
Este planteamiento material también responde a los desafíos de Puerto Escondido, donde las condiciones climáticas y logísticas influyeron en el desarrollo de la obra. La elección de materiales locales garantizó adaptación a la humedad y salinidad, mientras que la colaboración con artesanos permitió soluciones constructivas con profundo arraigo cultural. Durante el proceso, el diálogo con los constructores fue clave para definir escala, manejo de materiales y expresión de luces y sombras.
El pabellón central de Casa Tate se configura como un espacio de encuentro, articulando vistas al océano y la sierra oaxaqueña. Esta estructura actúa como un gran umbral que enfatiza la relación entre el contexto inmediato y el horizonte lejano. La combinación de concreto, piedra y madera genera una cadencia rítmica que acentúa las transiciones entre luz y sombra a lo largo del día.
Casa Tate rompe con el esquema tradicional de casas de playa que concentran su programa hacia el mar. Aquí, el diseño exterior es el elemento de articulación, permitiendo una experiencia más amplia del sitio y su topografía. La arquitectura no se impone, sino que se disuelve en el paisaje para revelar su esencia.
Casa Tate mantiene un diálogo constante con su entorno. La experiencia del habitante se construye a través de umbrales intermedios y recorridos que invitan a la contemplación, mientras la materialidad transforma la percepción del tiempo y la luz. Quienes la habitan o visitan encuentran una sensación de arraigo y pertenencia. La sucesión de jardines, pabellones y terrazas permite sentir el paso del día mediante las sombras proyectadas, la brisa que atraviesa las celosías y el sonido del oleaje.
En palabras de los clientes: «Al proyecto no le falta ni le sobra nada. No depende de decoración o estilos. Simplemente es una cuestión de observarlo y vivir cada momento del día de la mano de los espacios».
El resultado es un refugio donde diseño y naturaleza coexisten en equilibrio, ofreciendo un espacio para la contemplación, la vida al aire libre y la experiencia pura del paisaje oaxaqueño.
Materialidad local: La piedra, la madera y la palma evocan la tradición constructiva de la región.
Espacios en continuidad: Pabellones abiertos que permiten una conexión fluida con la duna y el horizonte.
Privilegiando la ubicación de un gran árbol en el terreno, el programa arquitectónico de Casa Lacustre se enlaza de tal manera que los diferentes espacios se sienten fluidos.
Manuel Herrera Gil Casa Lacustre
Boca del Río, Veracruz 2023-2024
Ubicada en los márgenes de la laguna de Mandinga y el río Jamapa en el puerto de Veracruz, la Casa Lacustre responde a un entorno peculiar que provoca un planteamiento que busca resolver las condiciones climáticas particulares de una arquitectura de clima tropical-húmedo, características de la costa del Golfo de México.
Diseñar en márgenes acuáticos, permitió contar con vistas abiertas hacia los bordes naturales, los márgenes de agua, generando una suerte de «arquitectura de bordes».
Conceptualmente esta casa surge de la necesidad de aprovechar toda la longitud del terreno para poder hacer convivir el paisaje exterior con los diversos espacios interiores, uno a uno, formando una suerte de «peine programático», de filtros espaciales que permiten una mayor convivencia entre el exterior y el interior, de máximo diálogo con la naturaleza y privilegiando las circulaciones cruzadas de aire para crear un mayor confort; su orientación, busca la menor incidencia solar y permite abrir las vistas al canal de navegación en la parte posterior de sitio.
Privilegiando la ubicación de un gran árbol en el acceso del terreno, el programa arquitectónico se enlaza de tal manera que los diferentes espacios se sientan fluidos, conectados entre sí, permitiendo que el recorrido sea lo más transparente posible; se mezclan, por funcionamiento y requerimientos del cliente, zonas públicas y privadas en ambos niveles, provocando un dinamismo en las maneras de habitar el espacio.
@tallerdiez05
Por solicitud del cliente, las áreas públicas y privadas se fusionan en ambos niveles, generando un espacio dinámico.
La narrativa del diseño de Privada Catorce se rige por la simplicidad, con pocos materiales y en su estado natural, dándole al proyecto un estado de serenidad, calidez y equilibrio.
Fotos Sulkin Askenazi
Ciudad de México, México 2023
Ubicado en Ciudad de México, Privada Catorce es un proyecto donde iluminación, texturas y calidez se fusionan en armonía, creando espacios de diseño atemporal centrados en el confort.
El mármol travertino en formato bamboo es uno de los protagonistas del proyecto, cubriendo los muros principales. Cada material es seleccionado con precisión, apostando por la pureza en su estado más natural.
El gran comedor de piedra se convierte en el epicentro del proyecto enmarcado por dos grandes lámparas cilíndricas de cemento hechas a medida. Como remate visual del comedor se encuentra un cubo de vidrio que contiene el bar, donde una gran cava hecha de metal y madera es la pieza artística del espacio.
La sala se diseñó con mobiliario modular que conecta hacia ambos lados del espacio. De un lado se encuentra frontal a la T.V. y
conecta al lado contrario donde se convierte en una pieza de transición a la terraza.
La cocina con su booth de apoyo, tiene la posibilidad de abrirse para conectarse con el comedor o cerrarse para la privacidad por medio de una gran puerta corrediza que está elevada desde el piso.
La recámara principal se diseñó con una cama del doble de tamaño de una cama tradicional y fue hecha a medida para tener un espacio anexo de lectura, relajación y meditación.
La narrativa del diseño se rige por la simplicidad, con pocos materiales y en su estado natural, dándole al proyecto un estado de serenidad, calidez y equilibrio, creando un espacio donde cada elemento cumple un propósito y cada detalle cuenta una historia. sulkinaskenazi.com
«Arquitectura e interiorismo son un todo; mira detalles y esencia del conjunto. » –Sulkin Askenazi
Con una disposición lineal que maximiza las vistas a un campo de golf, el diseño de Casa KEM –trazado por Gantous Arquitectos– equilibra modernidad, funcionalidad y materiales nobles. La combinación de concreto blanco y mármol italiano dota a la vivienda de una atemporalidad sofisticada dentro de un entorno tropical.
Fotos Edmund Sumner
Mérida, Yucatán, México 2020
Desde el inicio, esta casa debía ser un refugio de tranquilidad y sofisticación. Ubicada en la zona residencial del Yucatan Country Club, Casa KEM nació como el resultado de una estrecha colaboración con una familia de cinco integrantes que buscaba un hogar funcional y abierto a la naturaleza. Su diseño debía responder tanto a las expectativas del cliente como a las condiciones del entorno, lo que representó un reto significativo en términos de arquitectura y confort climático.
Casa KEM se implantó en un terreno de 2,900 m² con una vista privilegiada de 180° hacia el campo de golf. La solución arquitectónica consistió en una distribución en un solo nivel con un esquema lineal, permitiendo que cada espacio disfrutara de la conexión visual con el paisaje y la entrada de luz natural. Se incorporó un volumen secundario perpendicular, que alberga el garaje abierto, generando una disposición en forma de “L” que ayuda a resguardar la privacidad de la casa respecto a la calle.
«Hemos trabajado con ellos en diversos proyectos, pero esta vez el reto fue mayor: construir algo que no solo respondiera a sus necesidades, sino que también se integrara con el paisaje yucateco», destaca el equipo de Gantous Arquitectos. La elevación de la casa tres metros sobre la calle no solo contribuyó a mejorar las vistas, sino que también permitió la creación de un gran sótano que alberga los equipos mecánicos de la piscina, aire acondicionado y calefacción, liberando la azotea para un lounge al aire libre.
El clima tropical de Yucatán fue un factor determinante en la toma de decisiones. «Sabíamos que la exposición solar y la humedad podían representar un problema, por lo que incorporamos techos en voladizo para proteger las fachadas y favorecer la ventilación cruzada. Buscamos que la casa se mantuviera fresca de manera natural», explican los arquitectos.
Para potenciar la sensación de amplitud y conexión con el exterior, las fachadas norte y sur cuentan con grandes ventanales corredizos que se ocultan en muros de bolsillo, permitiendo que el espacio social funcione como un área flexible interior-exterior.
«Optamos por concreto blanco expuesto por su resistencia y estética atemporal. Para los revestimientos, el mármol italiano Puntolivo aportó un equilibrio entre calidez y elegancia», describen. La elección de materiales no solo refuerza la estética minimalista y sobria de la vivienda, sino que también garantiza su durabilidad y bajo mantenimiento, aspectos clave en un clima como el de Yucatán.
«Al principio, no siempre está claro qué espera de ti, pero a medida que avanza el proceso, se construye un lenguaje común. Casa KEM es el resultado de esa conexión», concluyen los arquitectos.
Esta residencia no busca replicar la arquitectura tradicional de la región, sino responder a sus condiciones climáticas y paisajísticas con una propuesta contemporánea. Su transparencia y apertura permiten una constante interacción con el exterior, convirtiéndola en un refugio sofisticado que fluye con su entorno.
gantous.mx
La disposición en un solo nivel y la elevación del terreno garantizan una conexión visual ininterrumpida con el paisaje natural.
Una distribución lineal maximiza las vistas al campo de golf, integrando el diseño con la naturaleza circundante.
Alexander Garduño
La Petatera es una construcción efímera situada a 30 km del Volcán de Fuego de Colima, catalogado por el CENAPRED (Centro Nacional de Prevención de Desastres) como uno de los más peligrosos de México. Este volcán permanece activo, lo que genera una constante actividad sísmica en la región. En el siglo XVII, los habitantes de Villa de Álvarez hicieron un juramento a su patrón, Felipe de Jesús, comprometiéndose a armar y desarmar esta plaza cada año con el propósito de proteger a todo el pueblo de los temblores y la actividad volcánica. Desde 1857, esta tradición se lleva a cabo de manera ininterrumpida durante las fiestas patronales, celebradas el 5 de febrero.
La Petatera es una estructura radial de 60 metros de diámetro, dividida en 70 partes
llamadas tablados, cuyos propietarios son miembros de la comunidad. Actualmente, estos tablados se rentan para generar ingresos durante los eventos charro-taurinos. Lo notable de esta construcción es que permanece guardada en la comunidad durante gran parte del año y luego se reconstruye colectivamente.
Su sistema constructivo es eficiente y primitivo basado en el uso de horcones —troncos bifurcados— que soportan vigas conocidas como «latas». Esta estructura recíproca trabaja de forma radial, utilizando cuerdas para entrelazar los elementos en un tejido que, una vez consolidado, es capaz de soportar tanto las cargas vivas del público como los movimientos telúricos.
La construcción utiliza madera local,
incluyendo algunos troncos que tienen más de 100 años sin haber sido reemplazados. Este uso refleja un profundo entendimiento del árbol como recurso, aprovechando diversas especies de la región, como pino, ciprés, cedro blanco, encino, guayabillo, bálsamo, tepehuaje, barcino, huesillo y jazmincillo, entre otras.
Mucho se ha escrito sobre esta construcción y lo que sorprende es que no se utilizan dibujos ni planos arquitectónicos. Todo el diseño se basa en un trazo realizado con un alambre y una vara que define las alturas de la estructura; estas herramientas son custodiadas por el mayordomo de La Petatera, Rafael Contreras.
La mayoría de las personas que participan en la construcción de La Petatera lo hacen movidas por creencias y tradiciones. Según el mayordomo, esta construcción es «una misión», y el propósito de su vida es levantar la estructura, un conocimiento que heredó de su padre, Desiderio Contreras Tene. Este es un claro ejemplo de un oficio transmitido de generación en generación. Hoy en día, uno de los aprendices es Noé Guadalupe, de 14 años, quien aprende junto al mayordomo. Otros constructores, como Fernando Velázquez, Rigoberto Ramírez «El Pato», Cruz Tene y Felipe Ponce, mayordomo del corral, han dedicado muchos años a apoyar en la edificación de esta obra única. Contrario a lo que se cree, la madera puede deformarse sin romperse, lo que le permite absorber y disipar la energía de los sismos. Su ligereza reduce la fuerza sísmica en la estructura, y su elasticidad le permite volver a su forma original, evitando daños significativos.
La Petatera no es solo una construcción, es un recordatorio de la habilidad humana para transformar elementos naturales en un legado vivo. Representa el ingenio colectivo, la memoria de un oficio y la fe en que, año tras año, esta estructura será capaz de proteger a quienes la rodean.
@ajgardunos
Veronika Kudriashova
Actualmente, la mayoría de las universidades públicas en México no cuentan con espacios habitacionales destinados a los estudiantes que llegan de distintas partes de la República. Esto, sumado al crecimiento exponencial de los costos de vivienda, obliga a muchos estudiantes a buscar alojamiento en zonas alejadas, dependiendo diariamente del transporte público. ¿Pero han existido proyectos de residencias estudiantiles en México a lo largo del tiempo?
Ciudad Universitaria, uno de los campus más grandes de América Latina y un sitio declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, fue diseñada por Mario Pani y Enrique del Moral, reconocidos arquitectos mexicanos del siglo XX. Además, sus murales, creados por figuras como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros enriquecen la identidad cultural del campus por medio de su integración plástica, lo que convierte a Ciudad Universitaria en un espacio único.
En 1952 se diseñó un proyecto de vivienda estudiantil en el campus, que contemplaba la construcción de seis edificios: cuatro para hombres y dos para mujeres, con capacidad para albergar hasta 450 estudiantes cada uno. La única unidad de vivienda que se llegó a edificar en Ciudad Universitaria fue el Multifamiliar para profesores diseñado por Mario Pani y Salvador Ortega. Junto con ella, se construyó la Unidad de Habitaciones para estudiantes que nunca fue utilizada con su propósito original y fue destinada a fines administrativos. Debido a recortes presupuestarios y al movimiento estudiantil que ocurrió en ese momento en México, el proyecto no tuvo continuidad.
Hoy en día, surge una pregunta crucial: si se construyera una residencia estudiantil en un entorno con tanta relevancia histórica, pero respondiendo a desafíos actuales, tanto naturales, del cambio climático y los sismos frecuentes, como sociales y de
Hoy, frente a nuevos desafíos sociales, urbanos y ambientales, ¿cómo podría materializarse la idea de un espacio habitacional para estudiantes?
la crisis habitacional, ¿qué características debería tener este edificio? Una alternativa viable podría ser una residencia construida en madera maciza, un material ideal para la vivienda colectiva debido a su baja huella de carbono, su capacidad para regular la humedad interior y la eficiencia constructiva que ofrece la prefabricación. Esto, a su vez, reduce los costos y tiempos de construcción, permitiendo edificar rápidamente y, a largo plazo, optimizar los recursos económicos.
El diseño de la vivienda colectiva debería equilibrar la vida en comunidad con la autonomía individual. Actualmente, muchos estudiantes comparten departamento por razones económicas y sociales, lo que plantea interrogantes clave: ¿Pueden los espacios compartidos mejorar la calidad de vida y reducir el consumo de metros cuadrados per cápita? La propuesta contemplaría unidades de vivienda con espacios compartidos para estudiantes. Priorizando áreas comunes y servicios colectivos, el proyecto optimizaría el espacio, fomentaría la sostenibilidad y fortalecería el sentido de comunidad. Además, el proyecto beneficiaría tanto a los estudiantes como a los profesores y visitantes, incorporando zonas públicas para reuniones, instalaciones deportivas, biblioteca y cafetería, promoviendo la interacción y enriqueciendo el tejido urbano.
Inspirado en el contexto de Ciudad Universitaria, su suelo de roca volcánica, su arquitectura modernista y sus murales icónicos, el diseño podría tomar estas influencias y reinterpretarlas a través de una estructura de madera maciza. Se contemplaría el uso de columnas de madera laminada, vigas y paneles CLT con nervaduras. Un alero llamativo podría requerir componentes de gran escala, dotando al edificio de una presencia escultórica e independiente. La planta baja libre y la azotea convertida en terraza evocarían los principios de la arquitectura moderna y podrían favorecer la creación de espacios públicos de calidad.
Un nuevo modelo de residencia estudiantil en las universidades públicas de México no solo atendería una necesidad histórica, sino que también podría convertirse en un referente arquitectónico y sustentable para el futuro de la vivienda estudiantil en el país.
@ee_nika
La colección Fashion Icon from Papis Loveday ¬–considerado el modelo masculino negro más conocido del mundo– by Marburg se inspira en las pasarelas de Milán, París y Nueva York con firmas como Valentino y Yves Saint Laurent; reinterpreta texturas y volúmenes con un enfoque sofisticado, convirtiendo las paredes en una expresión de alta costura. Entre sus diseños destaca un tapiz con un patrón de lentejuelas en forma de rombo que crean un sutil efecto tridimensional, revelando juegos de luz y textura en tonos neutros. Con una elegancia distinguida, esta colección lleva el prêt-à-porter al mundo del interiorismo. marburg.com
